De “Mazinger Z” podríamos hablar largo y tendido, enrollándonos de forma escandalosa; pero, como no quiero ser muy pesado, me limitaré a un repaso de los aspectos curiosos y menos conocidos de la saga magna de Go Nagai.

Decir que “Mazinger Z” es el primer súper robot gigante japonés sería un error. La serie pionera de este género fue “Tetsujin 28″ (conocida en España como “Ironman 28″), considerada como la iniciadora del género de robots gigantes o mecha, y cuya primera versión animada (en blanco y negro) se creó en 1963. Así pues, “Mazinger Z” innovó y reinventó un concepto que había nacido hacía relativamente poco tiempo. Nacida de la mente de un joven Go Nagai, la serie sentó las bases que encaminarían al género durante años.

Nacimiento de un mito

Los mitos nunca mueren, y menos aún en el caso de “Mazinger Z”. Desde el comienzo, la serie apuntaba maneras ya que toda ella, desde su creación, está rodeada de situaciones la mar de curiosas y divertidas.

La idea le sobrevino a su creador, Go Nagai, mientras trataba de cruzar una calle invadida por el tráfico. En ese momento, se imaginó lo que supondría el tener un coche con cuerpo de robot gigante para poder cruzar la calle. Y es aquí cuando a nuestro querido autor se le ocurrió una de las primeras ideas: un robot pilotado desde el interior. Todo lo contrario a “Tetsujin 28″, que se pilotaba desde el exterior mediante un mando a distancia. No obstante, dicha serie, junto a “Astroboy”, serían sus primeras fuentes de inspiración.

Poco a poco, Nagai comenzó a fraguar varios diseños (de donde nacerían, entre otros, “Energer Z”), hasta que dio con el definitivo y comenzó a dibujar el cómic pertinente para la revista Shonen Jump de Shueisha, obteniendo un éxito inimaginable.

Fue entonces cuando el estudio de animación Toei decidió llevar a cabo una adaptación a la televisión de 92 capítulos, obteniendo el empuje necesario para que la serie comenzase a salir fuera de las fronteras japonesas. Más tarde, aparecerían como secuelas oficiales “Great Mazinger” y “Grendizer”, que aunque cosecharon un éxito menor en Japón, casi fueron igual de importantes que la original a nivel internacional.

Para los que no siguierais la serie en su momento, o bien no recordéis más que lo fundamental de la misma, quiero proponeros un ejercicio de memoria. Hagamos un pequeño repaso del argumento original de “Majinga Zetto”.

Argumento

Todo comienza cuando el abuelo de Koji Kabuto, Juzo Kabuto, y un compañero de trabajo encuentran en la isla de Rodas restos de una civilización antigua, cuya tecnología supera todo lo descubierto hasta el momento, contando con gigantes de hierro que servían para defender la isla. Ese compañero de trabajo no es otro que el Doctor Infierno, que será el primero en darse cuenta de que con ese ejército de robots se podría conquistar el mundo.

Asustado por los planes megalómanos de su ex colega, Juzo escapa; pero, conociendo las intenciones de Infierno, se siente responsable de inventar algo que pueda defender la Tierra. Claro que no podía ser cualquier cosa. Tenía que ser invulnerable. Inmortal. Una auténtica fortaleza de hierro. Sus cimientos serían construidos con la más fuerte de las aleaciones existentes conocidas: la aleación Z. “No, insuficiente, esos cimientos son insuficientes”, debió de pensar Juzo. Tendría que ser algo más potente, un Japanium evolucionado. Una Súper aleación Z. ¿Y su motor de guerra? Por supuesto, un núcleo fotoatómico. Nacería así un verdadero defensor de la justicia y de la paz, un guerrero incansable, con una actitud valiente y limpia, y la capacidad para moverse como un general en pie de guerra, sin mostrar debilidad alguna.

Juzo empieza a crear el robot en su laboratorio. No obstante, siente que su creación no está completa. Le falta algo, aunque no averigua qué es. Desgraciadamente, no tarda en llegar el día en el que su viejo compañero de fatigas, decide comenzar su ataque contra la humanidad, empezando por Juzo para acabar así con la única persona que podría arruinar sus planes.

Tras uno de esos terremotos que asolan Japón con tanta frecuencia, Koji Kabuto, nieto del doctor, acude a visitarlo para averiguar si está bien. Al llegar, ve un gran boquete y se apresura a asomarse para ver qué es aquello.

De este modo, Koji encuentra el laboratorio secreto que el doctor Juzo escondía en su propia casa. No obstante, aquella imagen pronto es sustituida por el descubrimiento del cuerpo moribundo de su abuelo, atrapado bajo una viga. En ese momento, el doctor se da cuenta de lo que le faltaba a su creación, a su gigante invencible: un espíritu, un espíritu humano, indomable e indoblegable por naturaleza. Alguien testarudo pero calculador. Una persona que haya conocido el sufrimiento y que sepa qué es la bondad. Y su nieto Koji es la persona perfecta para ocupar ese puesto.

Juzo usa su último aliento para explicar a su nieto todo lo acontecido en la isla de Rodas y advertirle de la existencia del Doctor Infierno. Le dice que Mazinger Z no es un juguete y que, una vez tome la decisión de pilotarlo, estará en sus manos el destino del mundo. A él le corresponderá elegir si ser un dios salvador o un demonio destructor.

Con este original y arrollador prólogo, daba comienzo la primera serie de televisión y, salvando algunos detalles mínimos, el cómic; varios capítulos repletos de emoción, lucha, sacrificio, sorpresas y sobresaltos. O, al menos, así preferimos recordarlo.

El manga original, a pesar de su éxito, nunca se extendió tanto como el anime. Esto se debe principalmente a que la serie iba dirigida a un público infantil, mientras que el cómic iba dirigido a un público más adulto y exigente con el guión. De ahí que la serie eliminara mucha violencia y dramatismo y construyera historias más simples e independientes.

Opening de la serie en español

Antes de dar paso a los detalles más anecdóticos del artículo, es casi obligatorio recordar el famoso opening que toda una generación de niños españoles cantaban de memoria:

Curiosidades:

• “Mazinger Z” fue de las primeras series de animación japonesa en presentarnos a una coprotagonista femenina “feminista”, de carácter duro y cabezota. Sayaka Yumi era la contraposición de Koji Kabuto, el típico chico joven japonés con tintes “machistas”, sin llegar a los extremos en ninguno de los dos casos.
• Aunque veáis que el total de los capítulos que existen de la serie es 92, cabe destacar que en España se emitieron solo 28 en la primera tirada y, además, desordenados y censurados, como era costumbre en la época.
• La serie está llena de contradicciones: mientras que al principio se afirma que las bestias mecánicas usadas por el Doctor Infierno fueron encontradas en Rodas, más tarde veremos como el Doctor Infierno bautiza a algunas como sus “últimas creaciones”, o incluso le veremos construyendo alguna.
• Koji conoce al profesor Morimori en el laboratorio fotoatómico. Capítulos mas tarde, el profesor muere y Koji recuerda su infancia junto a él y sus sabios consejos. Un caso de “Expediente X”.



• A pesar de no ser el primer súper robot japonés, Mazinger Z fue el primer robot pilotado desde dentro, ya que, como hemos comentado más arriba, Tetsujin 28 era pilotado desde fuera por un niño que usaba un mando a distancia como si se tratara de un coche teledirigido.
• El diseño de la cabeza de Mazinger está basado en un trabajo anterior de Nagai: “Mao Dante”. En esta serie, la cabeza del protagonista “adornaba” la del demonio que había poseído su cuerpo. Algo así pasa con Koji cuando acopla el Pilder en la cabeza de Mazinger.
• Existen ataques de los cuales Mazinger Z hace poco uso o casi ninguno, como, por ejemplo, lanzar misiles desde sus dedos. En la gran mayoría de casos, eran ataques sacados de la manga para animar algo sencillo que agilizase la producción de cada episodio animado.



• En Tarragona existe una gran estatua de Mazinger Z . La misma formaba parte de un parque infantil, cuya temática cogía diferentes series de animación de la época como, por ejemplo, “La abeja Maya”.
• En España, tras el éxito de la serie, se necesitaba más material para vaciar los bolsillos de los niños. Sin embargo, la difícil tarea de traducir el manga y la necesidad de que las viñetas fueran a color dieron lugar a una producción medio ilegal dibujada por José Sanchís Grau. Este cómic estaba basado en la película titulada “Mazinger Z, el robot de las estrellas”, que no era sino un live action taiwanés con los nombres pertinentemente cambiados y que, a su vez, estaba basado (con planos robados inclusive) en una serie de imagen real japonesa de título “Super Robot Mach Baron”. Más tarde se volvería sobre lo mismo, adaptando, esta vez sí, el auténtico Mazinger Z. De ello se ocuparía la editorial Grijalbo.
• Existe una versión más adulta y dramática del manga llevada a cabo por uno de los compañeros de Go Nagai, Gosaku Ota, en la que la violencia es mucho más explícita y se explican muchísimos más detalles, como el nacimiento del Baron Ashura (dos mitades de momias). Este cómic, además, une las historia de Mazinger Z y Gran Mazinger de una forma más coherente y ofreciendo un final definitivo, no como ocurre con el manga original, que continúa inconcluso desde Grendizer.

Mazinger, el azote del comunismo

“Mazinger Z” se emitió por primera vez allá por enero de 1979. La acogida que tuvo la serie en nuestro país fue enorme, siendo uno de los primeros casos de éxito de la animación japonesa en la televisión española. El país, por su parte, se encontraba en plena Transición. Con la muerte del dictador unos años antes, en 1975, se ponía fin al franquismo y se producía la entrada del rey Juan Carlos como jefe de estado. Había llegado la democracia y, con ella, una época de grandes cambios para la sociedad española.

Uno de los referentes de la izquierda española y símbolo de la resistencia intelectual al franquismo, durante y también después de la dictadura, fue la revista Triunfo, que conoció su época de esplendor entre 1962 y 1982, bajo la dirección de José Ángel Ezcurra Carrillo.

Lo curioso de esta revista, y la razón por la que la traemos a colación, fue un artículo publicado en su número 800, en el que se hacía una crítica feroz de la serie televisiva “Mazinger Z”. En concreto, se comparaba a Mazinger con el típico superhéroe americano, heredero del imperialismo y mandado a luchar contra el Doctor Infierno, que se parecía, sospechosamente, a Karl Marx. Vamos, que Mazinger Z era ni más ni menos que una representación del azote imperialista del comunismo.

No obstante, os emplazo a leer el artículo “Doble lectura de Mazinger Z” en la versión digital de la revista Triunfo y sacar vuestras propias conclusiones.

Una nota curiosa sin más que demuestra que, por una razón u otra, lo cierto es que la animación japonesa siempre ha contado con sectores críticos en nuestra sociedad. Años después, de hecho, “Los Caballeros del Zodiaco” tendrían que enfrentarse a los intentos censores de las asociaciones de padres debido a la violencia de algunas de sus escenas.

Despedida y cierre

Con este artículo me despido definitivamente de ion litio. Llevo poco tiempo en la pagina y pocos artículos escritos, pero debido a ser relativamente “joven” la temática del blog se me queda un poco pequeña. Además, tengo otros proyectos y otras obligaciones que atender, y debido a esto tengo que dejar algunas aficiones de lado.

Sin más, espero que mi breve estancia por este grandioso y magnífico blog os haya gustado y, por supuesto, espero veros en los comentarios.

Nota de q256: Este artículo fue escrito hace unos meses por Exclamation para ion litio. Dado que su autor no tuvo en su día tiempo de terminarlo, y me daba pena que se quedara en el tintero, me he dedicado a completarlo para poder darle salida, contando con el consentimiento de su autor y con una pequeña ayuda del Tipo de la Brocha.

Fuentes:

Mazinger Z (Wikipedia en español)
Tetsujin 28-go (Wikipedia en español)
El rincón de Garada :: Pilota superrobots
“Mazinger-Z en Tarragona” en 3viajesaldia
“El triunfo de Mazinger Z” en Volviendo a lo de Ayer

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El hecho de que estemos hablando de un arco argumental ya es de por sí bastante inusual, puesto que en las series de aquella década, los capítulos solían ser autoconclusivos, lo que significa que podías perderte uno sin que ello afectase a la experiencia de ver los siguientes, y, por lo tanto, rara vez terminaban con aquello de “Continuará…”.

En este sentido, aunque los tres episodios que voy a comentar cumplen esa regla general, también es cierto que existe cierta continuidad entre ellos y, sin duda, tienen un nexo común.

El Cementerio de Dragones

Nuestros jóvenes héroes combaten contra un gigante de hielo en un paraje helado e inhóspito que recuerda a la Antártida. Excepto por la ausencia de pingüinos. Y hablando de pingüinos, ¿recordáis al Amazing Walking Penguin Pooper? Si introducís esas palabras en Google, veréis que ion litio aparece como primer resultado de la búsqueda. Alucinante.

Después de mandar al gigante a paseo, los chicos consiguen abrir un portal al parque de atracciones que les condujo al Reino de Dragones y Mazmorras.

Ya casi respiran el olor a nubes de algodón y sobaco sudado, cuando el malvado Venger llega a lomos de su corcel alado y cierra el portal delante de sus narices.

Viendo que sus amigos están tan deprimidos como él, y harto de que las cosas siempre se tuerzan en el último momento, Hank decide que ha llegado la hora de tomar medidas drásticas y deshacerse de Venger de una vez y para siempre.

¡No puede ser! ¿Niños planeando un asesinato a sangre fría cual Steven Seagal en “Difícil de matar”? Pues sí, hasta aquí hemos llegado, hombre.

Con todo, Hank sabe muy bien que no pueden vencer a Venger ellos solos, porque, francamente, son unos negados, así que sugiere pedirle ayuda a Tiamat, el dragón pentacéfalo que cada día intenta merendárselos en la “intro” de la serie. En fin, todo el mundo sabe que Hank no se convirtió en líder por sus grandes ideas.

El Amo del Calabozo, un poco deprimido por aquello de que los niños están asomándose al abismo de Nietzsche, les dice que podrán encontrar a Tiamat en el Cementerio de Dragones, el lugar de donde provienen sus armas mágicas.

Los zagales aún no han averiguado cómo llegar hasta el cementerio en cuestión cuando Venger ya está dando la brasa otra vez. Tras una patética huida, Diana recuerda algo que les había dicho el Amo del Calabozo, y los chicos utilizan el poder combinado de sus armas para teletransportarse al Cementerio de Dragones. ¿Alguien ha dicho deus ex machina?

Allí, los chicos se topan con Tiamat, el dragón de cinco cabezas, que, después de darles el susto de rigor, les revela que en el Cementerio de Dragones sus armas son más poderosas que Venger. ¿Por qué? El motivo es demasiado complejo como para explicarlo aquí en unas pocas líneas, pero, ¿a que vosotros cantáis mejor en la ducha que fuera de ella? Pues esto no tiene nada que ver.

Feroz batalla mediante, y gracias al oportuno atk. power boost de sus armas, los chicos consiguen poner a Venger contra las cuerdas. Sin embargo, en el último momento, Hank comprende que si matasen a Venger, serían tan malos como él, y, por tanto, le deja vivir. Una tontería, en mi opinión, porque si algo nos han enseñado las tropecientas secuelas de “Viernes 13″, es que si tienes la oportunidad de matar a tu enemigo, no solo debes hacerlo, sino que, además, conviene electrocutarlo, echarlo al agua con un peso atado a los pies, cortarle la cabeza y enviarlo al espacio. No necesariamente por ese orden.

Ya de vuelta de allá donde porras estuviera, el Amo del Calabozo se acerca al derrotado y maltrecho Venger y le suelta una frase de lo más intrigante (sobre todo si sois muy aficionados a las dobles lecturas; en otro caso, solo oiréis a un viejo chocho expresándose coloquialmente):

Levántate, hijo mío.

¿Hijo? Dun, dun, dun… La trama se complica y yo tengo una pizza cuatro estaciones en el horno. Disculpadme un momento, que enseguida vuelvo.

La Mazmorra en el Corazón del Alba

Siguiendo una regla no escrita según la cual cualquier episodio es más emocionante si comienza por el desenlace de una aventura que no nos han contado (véase cualquier película de James Bond), Eric y Bobby escapan de la Torre de la Oscuridad (y con esta ya son 5.342 las que se han erigido) con una caja misteriosa en su poder.

Aunque los chicos tienen instrucciones expresas de no abrirla, Eric, que prefiere los argumentos con chicha, tarda medio segundo en deshacerse del cerrojo. Como era de esperar, de la caja no sale nada bueno, y rápidamente el cielo se cubre de nubes negras y se levanta un viento huracanado. ¿Casualidad? Podría ser, pero el hombre del tiempo no dijo nada sobre una ¡gigantesca columna de energía rodeada de relámpagos! Me parece que ha llegado el momento de poner los pies en polvorosa, Scooby-Doo.

La columna de energía, que se eleva desde la tierra hasta donde vuelan las aerolíneas comerciales, avanza hacia los dominios de Venger, arrasándolo todo a su paso. Por suerte, en el Reino de Dragones y Mazmorras solo se encuentra un pueblo cada 3.000 kilómetros, así que las pérdidas son pequeñas: apenas caen cinco supermercados Dia, dos Zara y cuatro Starbucks.

Venger, algo más inquieto que de costumbre, sale a la terraza de su castillo para regar sus crisantemos y dar la bienvenida a la columna, dirigiéndose a ella por el título de “amo”. Por toda respuesta, la columna fulmina a Venger junto con su castillo. Tsk… Tenías que haberle sacado unas pastitas.

Mientras tanto, el Amo del Calabozo explica a los chicos que esa columna de energía es, en realidad, el Mal mismo. Así, con inicial mayúscula. Bueno, eso acojona, pero está visto que lo de esta serie no son los nombres propios. ¿Qué tal os suena a vosotros, por ejemplo, Gran Maestro Todomalévolo Primero? Mucho más comercial, ¿verdad? Ya veo su propia línea de calzado deportivo. Y camisetas. Y juguetes. Y cereales. Y accesorios de cocina…

El Mal, que está harto de darse paseos, trata de aniquilar al grupo con un rayo de energía de esos que veíamos en “Dragon Ball Z”; pero, sorprendentemente, el Amo del Calabozo lanza su propio Kame Hame Ha potenciado por las armas mágicas de los chicos, y los meteoros mortales colisionan en el aire. ¿Quién será más fuerte?, ¿quién vencerá? Ah, sí, el malo.

Tras lo que se supone debía de ser la pausa para publicidad, los chicos descubren que siguen vivos, ya que, en el último momento y a costa de sus últimas energías y de todo el poder de las armas mágicas, el Amo del Calabozo consiguió transportarlos a todos al Mundo Subterráneo, que puede o no tener algo que ver con ese lugar de ladrillos azules y tuberías verdes del “Super Mario Bros.”. Ahora, para que las armas y el Amo del Calabozo recuperen su poder, deben alcanzar la Mazmorra en el Corazón del Alba.

Por el camino, el grupo supera desprendimientos, lucha contra salamandras gigantes, se enfrenta a un gusano gigante (regla nº 564 de Dragones y Mazmorras: si un bicho no acojona por sí mismo, hazlo gigante), y combate al propio Venger (no, no estaba muerto), a la Sombra-Espía y a unos, eem, ¿enanos-vampiros que disparan rayos por los cuernos del casco? Jesús.

Con cada nueva prueba uno de los miembros del grupo se queda atrás hasta que solo queda el Amo del Calabozo, que con su último aliento consigue arrastrarse hasta el Corazón del Alba, recuperando así todo su poder y salvándolos a todos. ¡Aleluya!

Tras apelar al orgullo de Venger llamándole cobarde y fistro de la pradera para que se les una en su combate definitivo contra el Mal, el Amo del Calabozo transporta a todos a la superficie. Sin embargo, cuando llegan arriba, resulta que el Mal ya se ha ido y, cómo no, ha dejado el trabajo a medias. Vamos, que ni siquiera ha destruido el Reino un poquito, el tío vago.

Venger, viendo que acaba de perder varios puntos de maldad por arrejuntarse con los buenos, toma las de Villadiego antes de que lleguen los paparazzi y arruinen su reputación. Pero la cosa no acaba aquí.

Réquiem

Este capítulo, que se supone iba a poner fin a la serie o bien, si la productora decidía renovarla, tender un puente hacia una nueva temporada, jamás entró en producción. Sin embargo, el guión existe y podéis descargarlo desde la página oficial de Michael Reaves, uno de los escritores de la serie. También podéis leeros mi recapitulación. No estaría mal, habida cuenta de que le he dedicado un par de horas al artículo.

Después de un trepidante enfrentamiento con una hidra y habiendo quedado demostrado que el Amo del Calabozo es tan considerado como un cobrador de morosos, los chicos llegan a un cruce de caminos.

Hank sugiere ir cuesta abajo, porque así es más probable que encuentren agua, pero Eric no está de acuerdo, y el grupo comienza a discutir. “¡No sabes de qué estás hablando!”, “¡Aún no me has devuelto mi colchoneta hinchable del Spider-Man!”, “¡Eres una zorra!”, etcétera. La cosa está que arde y todos acaban cagándose en el Amo del Calabozo, porque, seamos claros, el enano es un blanco fácil.

Finalmente, toman el camino que sugirió Eric y, al caer la noche, acampan a la orilla de Mar del Pesar. Allí, Sheila se pregunta quién les ayudará ahora que el Amo del Calabozo les ha dejado más tirados que un preservativo usado.

En estas estamos, cuando llega Venger y se compromete a devolver a los chicos a su mundo si recogen una llave que hay en un cenotafio al Borde del Reino y la arrojan al Abismo. Sí, claro, ¿por qué no fiarse del tipo azulado con alas de murciélago que ha intentado matarlos en incontables ocasiones? Bueno, yo os daré una buena razón. Venger emplea palabras como “cenotafio” para dirigirse a unos críos. ¿Quién porras sabe lo que es un cenotafio? Yo he tenido que consultarlo en el diccionario: “Monumento funerario en el cual no está el cadáver del personaje a quien se dedica”. Definitivamente, no me fío de él.

Entre los chicos, sin embargo, hay disparidad de opiniones, y terminan dividiéndose en dos grupos, liderados, respectivamente, por Hank y Eric. Al final, se monta la de San Quintín con un volcán en erupción y cada uno de los bandos da al otro por muerto. Hank y Eric se culpan a sí mismos de lo ocurrido, y los demás lamentan las aparentes pérdidas. Hasta que se reencuentran frente a la entrada del famoso cenotafio y todo son abrazos y palmaditas en el culo.

El grupo, reunido pero todavía desunido, sube hasta el santuario que está en lo más alto del monumento, donde encuentra un sarcófago, una pared abierta al Abismo, una cerradura, y la serie completa de MacGyver en DVD. Lo curioso es que la figura tallada en el sarcófago parece una versión benigna de Venger. ¿Será que Venger tenía un hermano gemelo bondadoso y sensible? No sería la primera vez lo vemos: Superman y Bizarro, Bart y Hugo, Kanon y Saga, Bender y Flexo, Benedicto XVI y el Emperador Palpatine… La lista es larga.

Intrigados, los chicos abren el sepulcro y encuentran la llave de la que hablaba Venger. Eric la coge dispuesto a tirarla al Abismo; pero Hank se lo impide, convencido de que deben usarla en la cerradura. Ya nos salió el cabeza cuadrada con sus ideas fijas.

Antes de que lleguen a un acuerdo, una ameba gigante (sí, como lo leéis, una ameba gigante) les ataca, y, con el jaleo, Hank acaba precipitándose hacia el abismo, entre clamores y palmas del espectador. ¡Hip hip hurra!

Aún no me ha dado tiempo de descorchar el champaña, cuando Venger ya está azuzando a Eric para que tire la llave; sin embargo, éste cambia de opinión en el último momento y la utiliza en la cerradura, abriendo una puerta de la que sale un chorramen de luz mágica que se extiende por todo el Reino, abriendo portales que permiten a sus habitantes regresar a sus respectivos mundos.

Hank, que desgraciadamente sigue vivo, se reúne con sus amigos para observar pasmados cómo Venger se transforma en el tío simpático de la tapa del sarcófago. Qué ganas de estropear un malo tan mítico, ¿no? Suerte que todavía nos quedan Skeletor, Megatron y el comandante Cobra.

Como de costumbre, cuando ya está todo solucionado, el Amo del Calabozo se digna en aparecer, y Venger se arrodilla ante él. “Padre, he vuelto”, dice Venger. Toma Jeroma pastillas de goma, que son buenas para la tos.

Resulta que hace la tira de tiempo, Venger escogió al maestro equivocado (el ente maléfico al que llamaron con la caja sorpresa, como vimos más arriba) y cayó en el Lado Oscuro de la Fuerza, pero tuvo la cautela de guardar todo lo bueno que había en él, incluidas sus añoradas colecciones de cromos, en el cenotafio.

La misión de los chicos no era, por tanto, derrotar a Venger, sino redimirlo (como Jesucristo a la humanidad, pero menos bíblico), y ahora que el trabajo sucio está hecho, el Amo del Calabozo les permite elegir entre regresar a su mundo o quedarse en el Reino y vivir nuevas aventuras.

Y aunque el episodio termina aquí, todo parece indicar que volvieron a casa, ya que en el Reino de Dragones y Mazmorras no hay televisión, ni videojuegos ni muñecos de las Tortugas Ninja, y en los ochenta, un niño no podía sobrevivir sin todo eso.

Fin.

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Evidentemente, la función de estos pequeños títulos, que cuentan con la ventaja de ofrecerse gratis en casi todos los casos, no es la de sustituir a los videojuegos tradicionales, sino proporcionar un entretenimiento momentáneo con tan solo abrir nuestro navegador.

Pues bien, hoy quiero recopilar aquí tres juegos Flash gratuitos que tienen la peculiaridad de manejarse con un solo botón.

Canabalt

El primer juego de la lista, “Canabalt”, es un plataformas frenético. Mediante la pulsación de un único botón (en este caso la barra espaciadora) haremos saltar a nuestro personaje, que recorre las azoteas de una ciudad corriendo a toda velocidad. Nuestra función es, evidentemente, evitar que caiga al vacío, para lo cual deberemos saltar en el momento justo.

Por si fuera poco, el juego cuenta con dos dificultades añadidas: el hecho de que los escenarios se generen de forma aleatoria y la particularidad de que, cuantos más saltos exitosos encadenemos, más aumentará la velocidad de la carrera.

Jugar | Canabalt
Vía | VidaExtra

G-Switch

En la línea de “Canabalt”, pero con un planteamiento ligeramente diferente, tenemos también a “G-Switch”, otro juego de plataformas en el que nuestro protagonista avanza solo. Nuestra tarea en este caso también es evitar que caiga al vacío. Para ello pulsaremos el interruptor que invierte la gravedad del escenario, controlado con la tecla X, de forma que el personaje camine por el suelo o por el techo del mismo. El manejo del juego suena más complicado de lo que es en realidad pero, eso sí, la dificultad del mismo se las trae.

Jugar | G-Switch
Vía | VidaExtra

One Button Bob

Y por último, mi juego favorito de esta lista es “One Button Bob”, un título en la más antigua tradición de títulos como las primeras entregas de “Pitfall!” para consolas y ordenadores de 8 bits. El juego en cuestión nos pone en la piel de un explorador al que debemos ayudar a superar las diferentes pantallas, en cada una de las cuales se nos presenta un reto diferente.

En esta ocasión, el manejo se realiza íntegramente con el botón izquierdo del ratón, aunque su función irá variando en cada pantalla. En unas ocasiones servirá para saltar, en otras tendremos que pulsarlo repetidamente para que nuestro personaje se mueva más deprisa, otras veces servirá para atacar a los enemigos que aparezcan… las opciones son múltiples.

Jugar | One Button Bob
Vía | Pixfans

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Hace un par de semanas, hablábamos de algunas de las técnicas publicitarias empleadas en los supermercados para inducirnos a la compra. Un tema que al parecer despertó el interés de muchos de vosotros. Pues bien, hoy hablaremos de un campo directamente relacionado con la alimentación: la fotografía publicitaria de productos alimentarios.

Cuando hablamos de algunas curiosidades sobre la publicidad, mencionamos alguno de estos trucos, como los helados hechos a base de puré de patata para que resistieran el calor de los focos. Sin embargo, los ejemplos de hoy van un paso más allá.

La historia es de sobra conocida. Acudimos a un establecimiento de comida rápida (o incluso al supermercado) y compramos un producto atraídos por la fotografía del mismo. Una fotografía que, desgraciadamente, poco tiene que ver con la realidad.

Y es que la fotografía de alimentos no es ni mucho menos un trabajo fácil. En muchas ocasiones, por sabroso que sea un producto, directamente no es fotogénico. Y si no es fotogénico… no “vende”.

Fruto de esta necesidad de presentarnos los alimentos con un aspecto tan apetitoso como irreal, han surgido profesiones especializadas dentro del mercado publicitario. Hoy veremos uno de los ejemplos más curiosos: el trabajo de los maquilladores de comida.

Y es que como en casi todo en la publicidad, detrás de estas fotos de productos apetecibles siempre hay truco. La mayoría de las veces, si dieramos un mordisco a uno de dichos productos una vez hecha la foto, nos daríamos cuenta de que es de todo… excepto comestible. Y es que la mayoría de las veces se utilizan alimentos prácticamente crudos (el aspecto cocinado se les da con barnices) para que se degraden más lentamente bajo la potente luz de los focos y, por tanto, puedan ser sometidos a sesiones fotográficas más largas.

El siguiente vídeo es muy ilustrativo a este respecto. En él, podemos ver un ejemplo concreto de como se “maquillan” las hamburguesas que vemos en la fotografía de los establecimientos de comida rápida:

Más ilustrativo aún es el siguiente vídeo, perteneciente al portfolio de Wilson López, un fotógrafo especialista en fotografía de productos alimentarios. En él se aplican las técnicas que ya hemos visto en el vídeo anterior, como el uso de barnices sobre carne prácticamente cruda para darle un aspecto “cocinado”, o técnicas más artesanales como usar una percha de metal calentada al fuego para lograr en un bistec el aspecto final que tendría si hubiera sido hecho a la parrilla. Pero ante todo, es la clave es una buena iluminación y un meticulosa colocación de todos los elementos que componen el plato:

Curioso, ¿verdad? Estamos tan sugestionados por la publicidad que, a no ser que nos paremos a pensarlo, este engaño ni siquiera es percibido conscientemente. Pocas personas se paran a comparar el producto que tienen en sus manos con el de la fotografía. Y es que una vez que está hecha la venta y el consumidor ya ha desembolsado el importe, el resto no importa. Por cierto… ¿no tenéis hambre?

Fuentes:

“¿De verdad quieres una hamburguesa como la de la foto?” en No puedo creer que lo hayan inventado

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“Invasión U.S.A.” fue la segunda cinta en la que Joseph Zito dirigió a Chuck Norris para la Cannon después de “Desaparecido en combate”. Además, la película supuso el debut como guionista de su protagonista, que participó en la redacción del guión junto a James Bruner. Y por redacción me refiero a buscar las excusas necesarias para llegar desde el punto “Chuck da una paliza a los malos” a “Chuck da otra paliza a los malos” hasta terminar con “Chuck se carga al jefe de los malos”. El “Pac-Man” tiene un argumento más complejo.

América no estaba lista… ¡pero él sí!

Antes de que empiece a desbarrar, dejadme que os cuente de qué va la peli:

El ex agente soviético Mikhail Rostov (Richard Lynch), al mando de una tropa de mercenarios multiétnicos, siembra el pánico en Florida y desata una ola de violencia que amenaza con extenderse por todo los Estados Unidos. Naturalmente, el único que puede detenerlo, contando a la Policía, al FBI, al Ejército, a la Guardia Costera y al maldito Batman, es el agente retirado Matt Hunter, interpretado por el imperturbable Chuck Norris.

Y aquí tenéis el tráiler:

Es muy posible que la película gane enteros, e incluso que se convierta en un festival del humor, si se ve con un grupo de amigos y hay alcohol suficiente como para parar un tren; pero debo admitir que incluso viéndola solo cuando preparaba este artículo, la he encontrado graciosa de lo mala que es.

La historia comienza en alta mar con un bote de refugiados cubanos navegando a la deriva. Al rato, un barco que lleva enarbolada la bandera de los Estados Unidos lo intercepta y los cubanos lo celebran al grito de “¡Viva América!”. La versión española sería esta:

Pero, en realidad, los americanos son terroristas a las órdenes del malvado Rostov y abren fuego contra los refugiados, descargando miles de balas a diestro y siniestro, aunque sin hacer un solo agujero en toda la cubierta. Menos mal, porque había droga debajo y Rostov la necesita para negociar con un traficante de armas. Desgraciadamente para éste, el soviético tiene muy mal pronto, y sin comerlo ni beberlo, le pega dos tiros en las pelotas y arroja a su chica por la ventana.

Esa es la clase de actitud que desarrollas cuando Chuck Norris se manifiesta en tus pesadillas y te patea la cara después de apuntarte a la sien con una pistola y decirte “Ha llegado tu hora”. Por eso, Rostov decide que antes de seguir adelante con su plan, debe liquidar a Matt Hunter, al que en adelante me referiré como Chuck Norris o Chuck. Esto es todo lo que necesitáis saber acerca de su personaje:

• Chuck Norris es tan macho que se gana la vida capturando caimanes en los pantanos de Florida. Cuando los caimanes se acaban tras una dura jornada de trabajo, los libera para tener algo que hacer al día siguiente.
• Chuck Norris siempre viste de azul porque es un color patriótico. El patriotismo se realza cuando lleva la camisa desabrochada. Esto ocurre el 90% del tiempo que está en escena.
• Chuck Norris está harto de comer ranas.
• Chuck Norris trabajaba para la Agencia, pero no le dejaron matar a Rostov cuando pudo. De haberlo hecho, no hubieran estrenado esta película.
• Chuck Norris puede tener un bebé armadillo como mascota y seguir siendo igual de duro.
• Chuck Norris es tan buen actor que mantiene su cara de palo durante toda la película y, aun así, dota de profundidad a su personaje sonriendo a su armadillo durante medio segundo.

Obviamente, los secundarios no gozan del mismo nivel de desarrollo que el personaje de Chuck; pero, dado que tuvieron el valor de aparecer en esta cinta, al menos les dedicaré un párrafo. Entre los buenos, hay un agente del FBI y una reportera entrometida que no aportan absolutamente nada a la trama (la chica ni siquiera se convierte en el polvo previsible interés amoroso de nuestro héroe), y Rostov tiene un subalterno al que Chuck acaba matando en una demostración práctica del adagio “Si puedes ver a Chuck Norris, él puede verte. Si no puedes ver a Chuck Norris, puede que estés a sólo unos segundos de la muerte”.

Pues bien, una mañana como cualquier otra en los pantanos de Florida, el bueno de Chuck está en su cabaña, pareciéndose a Bud Spencer después de una liposucción, cuando Rostov y sus sicarios se presentan en sus hidrodeslizadores y abren fuego sobre la cabaña con todo lo que tienen: lanzacohetes, fusiles, muecas obscenas… Por suerte, Chuck se libra de ensuciarse la camisa saltando a través de la ventana instantes antes de que su casa vuele por los aires.

Los malos, casi sobra decirlo, ni se molestan en buscar el cadáver. Grave error. Chuck está molesto y jura venganza en silencio. O tal vez está pensando en dónde aparcó el coche. Es difícil saber lo que pasa por la cabeza de alguien que siempre tiene cara de estreñido. Por cierto, el armadillo sobrevive a la explosión, así que dejad de preocuparos.

Después de esto, los mercenarios de Rostov representan su propia versión del desembarco de Normandía en la costa de Florida. Y, lógicamente, si unas naves de desembarco de la II Guerra Mundial son indetectables para la Guardia Costera, por la misma regla de tres, mil tipos armados gritando y correteando por la playa tampoco llaman la atención.

El plan de Rostov es conducir a los Estados Unidos a la anarquía, y como cuando quieres que algo se haga bien, tienes que hacerlo tú mismo, el propio Rostov da el primer paso volando todo un vecindario con un lanzacohetes en plena estación navideña. Es una crueldad, pero la cosa tiene mérito, porque lo hace sin recargar el arma ni una sola vez. Luego Rostov envía a sus hombres disfrazados de policías a matar a unos estereotipos latinos.

Hablando con su informante, Chuck se entera de dónde encontrar a uno de los hombres de Rostov. El hombre en cuestión entra en un bar de striptease (si no veis uno de estos, no es cine de acción de los ochenta) y sube con una pilingui a una de las habitaciones del piso de arriba para jugar al Parchís sin que nadie les moleste. Pero cuando entra en la habitación, Chuck ya está esperándolo y le clava la mano a la mesa con su cuchillo. ¿Cómo sabía Chuck que el hombre entraría en esa habitación y no en otra? Sencillo. Chuck Norris es omnisciente. Esta misma explicación vale para todos los atentados en los que consigue estar presente sin previo aviso.

Aquí, por cierto, Norris suelta la mejor frase de toda la película, aunque tendréis que verla en versión original para oírla:

If you come back in here, I’m gonna hit you with so many rights, you’re gonna beg for a left.

Una traducción aproximada al castellano sería: “Si vuelves por aquí, te voy a dar tantos derechazos, que suplicarás por un izquierdazo”; pero la distribuidora en España prefirió dejarlo como: “Si vuelves por aquí, te daré tal paliza que preferirás no haber nacido”. Duro, pero poco memorable.

Interrogando al sicario, Chuck descubre cuál será el próximo ataque de Rostov. Sus mercenarios van a detonar una bomba en un centro comercial el día antes de Nochebuena (fecha aproximada). Como manifiesto del absurdo, un tipo corriente que estaba de compras con su mujer cree que el sicario que deja el paquete-bomba lo hace por despiste y, como buena persona que es, le sigue para devolvérselo. Aunque es evidente que el criminal no quiere recuperar el paquete porque se hace el sordo e incluso echa a correr mientras mira hacia atrás sospechosamente, el buen samaritano corre tras él sin mosquearse en lo más mínimo. Es más, ni siquiera cuando un policía se une a la persecución ceja el tipo en su empeño de devolverle el paquete a su supuesto propietario. ¿Cómo de gilipollas se puede llegar a ser?

Finalmente, Chuck hace su entrada triunfal, atravesando un escaparate con su coche made in U.S.A. (los malos usan coches extranjeros) y causando más destrucción que todos los terroristas juntos. Luego baja del vehículo con una Uzi debajo de cada sobaco y fulmina a unos cuantos matones mientras las balas y las explosiones zumban a su alrededor. Ante semejante despliegue de testosterona, dos de los malos tratan de huir con un coche de exhibición (suelen llevar el depósito lleno, ¿no?), pero Chuck se agarra a la puerta del copiloto y no la suelta ni cuando el vehículo se lleva por delante todo lo que no está clavado al suelo. A partir de aquí, es como ver “Granujas a todo ritmo” sin que suene “I can’t turn you loose”.

Después de zanjar el tema con una gran explosión, Chuck desbarata algunos atentados más sin despeinarse siquiera.

Entre las escenas de acción, mi favorita es en la que los terroristas ponen una bomba con temporizador en un autobús escolar lleno de niños que cantan “Rema, rema, rema tu bote”. Chuck Norris, que por casualidad estaba circulando por esa misma carretera, llega a tiempo de coger la bomba del autobús en marcha y luego alcanza el coche de los malos y les coloca la bomba en el capó, acompañando el regalo de una frase ingeniosa:

¿Es tuyo esto?

Todo en 30 segundos.

Pero Chuck comienza a aburrirse de tanto atentado y, además, quiere celebrar el Año Nuevo con su bebé armadillo, así que le tiende una trampa a Rostov para acabar con él y con su ejército de un plumazo. Aquí es donde el body-count se dispara, pero si la escena es aburrida en pantalla, ni os cuento lo que sería escribir sobre ella. En su lugar, prefiero embeber el rap de Chuck Norris:

En la confrontación final, Chuck dispara a Rostov a bocajarro con un lanzacohetes, demostrando que las palabras “distancia de seguridad” no significan nada para él.

Inmediatamente después de completar esta hazaña y salvar a su país de la amenaza terrorista, comienzan los créditos. Así, sin más. ¿Quién necesita una estúpida reflexión final cuando el malo ya ha muerto?

En fin, feliz septuagésimo cumpleaños, Chuck.

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¡Quién te ha visto y quién te ve!: Héroes de acción

Los dibujantes y lectores de ComicsAlliance llevaron a cabo la semana pasada una curiosa recopilación, en base a la siguiente pregunta: ¿que aspecto tendrían algunos de los héroes de cómic masculinos más famosos si pertenecieran al sexo opuesto? Las respuestas, como ya habréis deducido por las imágenes que encabezan esta entrada, fueron de lo más curiosas.

Y es que aquí no estamos hablando de retoques fotográficos más o menos logrados, sino de dibujos hechos desde cero por gente con bastantes tablas en el asunto, con lo cual el resultado final tiene una calidad más que notable.

Así, podemos encontrarnos con versiones femeninas de personajes como Iron Man, el Capitán América, Hellboy o inclusos los mismísimos Asterix y Obelix.

Mención especial, por cierto, para la versión femenina de He-man, a la que no han necesitado cambiarle ni el peinado ni el vestuario. Y es que He-man ya de por sí tenía una forma de vestir bastante sospechosa. ¿Qué pensaría de todo esto su hermana She-Ra?

Vía | Freak’s City
Enlace | ComicsAlliance Takes On: Gender-Swapped Fan-Art [Girl Week]

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Pero si en solitario éramos capaces de disfrutar de momentos muy divertidos, en buena compañía la diversión no tenía límite. Es por ello que una de esas escasísimas actividades por las que cambiaríamos sin dudar la estampa antes descrita, sería salir a la calle con los amigos. En dichos encuentros siempre había una primera pregunta obligada cuya respuesta solía ser objeto de amplio debate: ¿a qué jugamos? Esta cuestión, así formulada, puede parecer sencilla, pero la inmensidad de opciones disponibles hacía que su complejidad potencial fuera poco menos que infinita. Aún así, y muy a diferencia de la clase política que hoy día nos toca soportar, casi siempre lográbamos llegar a un consenso.

En el presente post he querido realizar un pequeño recopilatorio de algunos de esos juegos que recuerdo de mi infancia, y que tantas alegrías procuraron a cuantos chiquillos los practicamos. Evidentemente es imposible realizar una compilación exhaustiva y precisa, pues aparte del enorme número de juegos existentes, de unos barrios a otros se producían pequeñas variaciones en sus reglas y nombres, y eso sin contar la inagotable capacidad creativa de los niños para inventar juegos nuevos. Es por ello que os invito a compartir en el área de comentarios aquellos que recordéis y que yo, por desconocimiento o falta de memoria, no recoja a continuación.

Aclaraciones previas

En casi todos los juegos había una serie de elementos y términos comunes que explicaré a continuación con objeto de no repetirme en cada una de las descripciones.

Hacer equipos: en aquellos casos en los que se enfrentaban dos bandos, se hacía necesario seleccionar en primer lugar los componentes de cada uno de ellos. A tal fin los capitanes (jefes de equipo) elegían por turnos, determinándose quién escogía primero mediante sorteo (pares o nones, monto y cabo…).

Quedársela: en los juegos en los que era sólo una persona la que inicialmente se enfrentaba al resto, se decía que se la quedaba (también conocido como “ligarla”). El origen del término viene del modo a través del cual se rifaba habitualmente esta condición (echar la china).

Echar la china: era el sorteo mediante el que se determinaba la identidad de la persona que se la quedaba. Simplificando, uno de los niños cogía una piedra y la ocultaba dentro de uno de sus puños. El resto había de escoger entre una y otra mano, perdiendo aquel que se quedaba con la china. El sorteo era realizado por quien primero pronunciara la frase echo la china y salve estoy, lo cual solía ser objeto de discusiones para cuya solución se terminaba recurriendo al famoso “pito pito colorito”.

Salve: había juegos en los que alcanzando un determinado lugar (tocando una columna por ejemplo), el jugador quedaba salvado, finalizando así con éxito su participación en esa ronda. Otras veces se pactaba que el salve, en lugar de una ubicación fuese una persona, lo cual garantizaba a esta última una tarde entretenida… (“¡mi padre es salve!”).

Perrito guardián: se decía que un jugador estaba haciendo de perrito guardián cuando permanecía constantemente en las inmediaciones del salve sin salir a la caza de los demás participantes. Solía estar prohibidísimo.

Madre: Se trata del nombre que recibía cierto jugador que contaba con algún tipo de ventaja frente al resto, la cual le hacía desempeñar un papel especial. Pese a su denominación, no era en absoluto una prerrogativa reservada únicamente a las niñas.

Tocar o coger: Al comienzo de algunos juegos era fundamental determinar qué era necesario para que un jugador se considerase pillado. A veces bastaba con un simple roce, mientras que otras era necesario asir con firmeza al compañero. Dejar esta cuestión sin regular era garantía inevitable de conflictos durante la partida.

Cascarilla: Este era el nombre que recibían los participantes que gozaban de inmunidad en el juego. Normalmente esta condición se concedía a los más pequeños, quienes solían ser algo más lentos o torpes que el resto.

Los juegos

El pilla pilla: Un jugador se la quedaba y tenía que coger a los demás. Existían algunas modalidades: el capturado podía salir del juego, pasar a quedársela en solitario o bien formar equipo con el que ya se la estaba quedando.

La rayuela: En primer lugar se dibujaba sobre el suelo, normalmente con tiza, un recorrido compuesto por rectángulos. A continuación se lanzaba una piedra, que había de caer sobre alguna de las cuadrículas del mismo. Finalmente el jugador debía atravesar el recorrido dando pequeños saltos (puntualmente a la pata coja), siendo su objetivo recuperar la piedra y volver al origen.

El corro: Los niños se cogían de las manos formando un corro y entonaban una canción, habiendo de realizar determinadas acciones en ciertos momentos de la tonada. Normalmente había uno que se la quedaba y se situaba en el centro. Las variantes más populares eran “el corro de la patata” y “el patio de mi casa”.

La cuerda: Dos equipos asían una cuerda por sus extremos y comenzaban a tirar en sentido opuesto. Vencía el bando que lograba arrastrar al otro hasta una marca predeterminada.

La gallinita ciega: Una variante del “pilla pilla” en la que se vendaban los ojos del jugador que se la quedaba, al cual además se hacía girar sobre sí mismo varias veces. Lógicamente se jugaba en espacios muy reducidos, pues de otro modo sería imposible que la gallinita lograse capturar a nadie.

El escondite: El que se la quedaba contaba hasta cien con los ojos cerrados y a continuación comenzaba a buscar al resto de jugadores, que habían aprovechado ese tiempo para ocultarse. Cada vez que localizaba a uno debía volver corriendo al punto inicial y decir la palabra “zurro” seguida del nombre del detectado. El objetivo de los escondidos era tocar ese mismo punto y gritar “salve”, y si utilizaban la fórmula “salve por mí y por todos mis compañeros”, además de a sí mismos salvaban a todos los que habían sido zurrados hasta ese momento (para gran alegría del que se la quedaba).

Balón prisionero: Dos equipos se ubicaban en sendos rectángulos y comenzaban a lanzarse un balón. Si el esférico impactaba contra un jugador, este pasaba a ser un prisionero, y se colocaba en un rectángulo situado a espaldas del equipo rival. Vencía el equipo que apresaba antes a todos los componentes del otro bando. Una variante era “el matao”, en el que uno de los equipos se situaba en medio, y el otro se repartía en dos rectángulos anexos rodeándolo.

Una mi mula: Básicamente se trataba de ir saltando por encima de un compañero como si fuese un potro. Cada salto debía realizarse de un modo concreto, y el que fallaba pasaba ocupar el lugar del potro.

La comba: Dos personas sujetaban una cuerda por los extremos y comenzaban a hacerla girar mientras entonaban una canción (“al pasar la barca” era la más común). El resto de jugadores habían de saltar evitando tocarla. El elástico era una variante de la comba a la que se jugaba con una tela elástica.

Los 10 Mandamientos: Consistía en lanzar un balón contra una pared, habiendo diez modos distintos de hacerlo (sin que bote, recogiéndolo con una sola mano, dándole de cabeza…). El que incumplía el mandamiento, era eliminado.

El sobre: Uno de los participantes lanzaba una pelota al aire y gritaba la palabra “sobre” seguida del nombre de uno de los demás jugadores, el cual pasaba a quedársela y tenía que eliminar a los demás golpeándoles con el balón.

La guerra de castillos: Dos equipos se enfrentaban, contando cada uno de ellos con un “castillo” (normalmente una zona concreta del vecindario) en el que se escondía el tesoro (una piedra). El objetivo era robar el tesoro del bando oponente, pero teniendo en cuenta que, en el momento en el que entrábamos en el castillo enemigo, podíamos ser capturados.

Las tinieblas de la noche: Otra versión más del “pilla pilla”, pero con la peculiaridad de que se jugaba en una habitación completamente desprovista de luz.

El policaco: Un bando (los policías) tenía que capturar a los miembros del otro (los cacos). Todos los apresados eran colocados en un mismo punto, y podían ser salvados si sus compañeros les tocaban. Otro modo de escapar era darle una patada a algún policía que pasase cerca, aunque había uno en concreto que hacía de madre y no podía ser pateado.

Chocolate inglés: Un jugador se la quedaba y se situaba en un extremo del campo de juego, ocupando el resto de participantes el opuesto. A continuación se daba la vuelta y recitaba “un dos tres, chocolate inglés”, tiempo que aprovechaban los demás para acercársele. Si al volverse veía a alguno moverse, este quedaba eliminado (todos debían por tanto permanecer completamente inmóviles durante ese tiempo). Ganaba el que primero lograse llegar hasta el que se la quedaba.

El pañuelo: Dos equipos se colocaban a ambos extremos del campo de juego, en cuyo medio la madre sujetaba un pañuelo e iba diciendo números al azar. Cada jugador tenía un número asignado, y se enfrentaba contra el miembro del otro equipo que tenía su misma cifra, siendo el objetivo de ambos coger el pañuelo y volver al punto de inicio sin que el otro le alcanzase.

Las 4 esquinas: El que se la quedaba se situaba en el centro de un rectángulo, y los demás jugadores (cuatro máximo) en alguna de las 4 esquinas correspondientes. Los participantes habían de correr de una esquina a otra, pudiendo únicamente ser capturados a lo largo del trayecto. Estaba prohibido que dos jugadores permanecieran a la vez en la misma esquina.

Verdad, beso o atrevimiento: Cada uno de los jugadores escogía una de las 3 opciones. Si elegía “verdad”, debía afirmar como cierta cualquier cosa que la madre le dijera (“¿es verdad que todavía mojas la cama?”). “Beso” consistía en besar aquello que nos ordenasen (cuántos romances infantiles inició este juego…), y “Atrevimiento” nos enfrentaba a una prueba de habilidad (como tocar el timbre del vecino y salir corriendo, por ejemplo). Ni que decir tiene que quien más disfrutaba era la madre.

Estatua: enésima variante del “pilla pilla” en la que, antes de ser capturados por el que se la quedaba, los jugadores podían quedarse quietos y gritar “estatua”. Si se movían pasaban a quedársela, a no ser que previamente hubieran sido tocados por alguno de los otros jugadores aún activos, en cuyo caso quedaban salvados de su pétrea quietud.

Aviso mosca: El que se la quedaba tenía que atravesar un pasillo formado por el resto de jugadores, quienes aprovechaban cuando no miraba para darle golpecitos (o castañazos, dependiendo de la malicia de cada uno) por la espalda. Si el que golpeaba era visto en plena acción, pasaba a quedársela.

Canicas, chapas y peonzas: La variedad de juegos en torno a estos artículos era amplísima, y daría por sí sola para varios posts independientes. Sólo diré que se trataba de entretenimientos en los que la precisión y la práctica eran fundamentales, y en los que solía acordarse que el ganador se llevara como botín parte de las canicas, chapas o peonzas que sus rivales hubieran utilizado en la partida.

La cola del burro: Por turnos se vendaban los ojos de los participantes y se les facilitaba un colgante (la cola del burro), que habían de pegar en un dibujo. Ganaba el que más se acercaba al lugar del cuerpo del burro en el que realmente debía ir la cola (o lo que es lo mismo, el culo del animal). Para aumentar la dificultad y desorientar a los jugadores, se les daban algunas vueltas antes de enviarlos a la aventura.

Arena en las manos

Espero que la lectura del texto os haya traído recuerdos tan gratos como los que yo he experimentado mientras lo escribía. Es cierto que nunca volveremos a ser esos niños que, totalmente despreocupados, nos alegrábamos la vida unos a otros con actividades tan sencillas, pero es igualmente verdad que, mientras podamos recordar esas tiernas experiencias, tendremos la capacidad de volver a sentir, al menos por unos instantes, el verdadero significado de la palabra felicidad.

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“Dragones y Mazmorras” es una producción de la CBS basada en el juego de rol homónimo y una de las series más recordadas por los de mi quinta, aunque solo sea por su canción de cabecera y en plena fiebre etílica. En España se estrenó en 1985, emitiéndose los domingos por la mañana en TVE. Yo por entonces solo tenía dos años, así que supongo que vería alguna de sus reposiciones.

Argumento

La serie trata sobre un grupo de chavales que un buen día van al parque de atracciones con ganas de pasar el rato y, si acaso, echar la pota tras montar en la Máquina (o su variante local), e, inesperadamente, acaban viajando a un mundo fantástico al estilo de “El vuelo de los dragones”; algo así como aquella vez que iba de camino a la universidad y acabé en el bar de la esquina participando en un concurso de chupitos. Las palabras clave son “algo así”.

En el Reino de Dragones y Mazmorras, el camino de nuestros jóvenes héroes se cruza con el del Amo del Calabozo, que regala a cada uno de los chicos un objeto mágico y se ofrece a hacerles de guía mientras buscan el camino de regreso a casa.

La canción de Dulces, uno más de tantos grupos infantiles que, como Enrique y Ana, nacieron en la España de los ochenta para luego perecer en el olvido, lo explica perfectamente.

Personajes

Hank, el Arquero: A sus quince años, Hank es el mayor del grupo y el que más posibilidades tiene de protagonizar la próxima “High School Musical” o aparecer en un anuncio de Calvin Klein, por lo que asume el rol de líder de forma natural. No obstante, como cualquier otro personaje encasillado en el papel de héroe apolíneo, tiene tanta profundidad como una pantalla del “Magical Tree” y, por lo general, hace exactamente lo que la audiencia se espera de él.

Su arco dispara flechas de luz y es un claro ejemplo de deus ex machina, ya que tan pronto ilumina una sala oscura, como tiende un puente sobre el vacío, o le trae el último número de la “Playelf” del quiosco.

A nadie que yo conozca le gustaba Hank, quizá porque resulta imposible identificarse con el personaje perfecto. Incluso el Coche Fantástico tenía que repostar de vez en cuando.

Bobby, el Bárbaro: es el más joven del grupo y también el más impetuoso y echado pa’lante, lo que suele traer problemas a sus compañeros. En su favor diré que, a pesar de que la mayoría de críos que salen en películas o series me repatean el hígado, este es bastante soportable, sobre todo suministrado en pequeñas dosis.

El Amo del Calabozo, contrariando toda lógica e infringiendo probablemente más de una norma estatal, entrega a Bobby una maza cuyos golpes hacen temblar la tierra, muy útil para derrotar monstruos y desbaratar partidas de Twister. (Anoche, por cierto, soñé que jugaba una variante nudista del Twister con las animadoras de la NBA. Moríos de envidia.)

Según llega al Reino de Dragones y Mazmorras, Bobby adopta a una cría de unicornio como mascota. Uni, que así se llama la criatura, tiene el poder de teletransportarse una vez cada veinticuatro horas y, pese a sus insoportables balidos, es la mejor amiga de Bobby.

Presto, el Mago: Si hay un Urkel en cada grupo, en “Dragones y Mazmorras” ese es Presto. Bienintencionado pero desmañado, sus intervenciones en momentos de conflicto suelen servir más de alivio cómico que de ayuda. El chico, además, tiene la autoestima por los suelos y es bastante inseguro, por lo que se apoya constantemente en sus compañeros, especialmente en Eric, para tomar decisiones. Físicamente me recuerda a Neil Goldman, uno de los compañeros de clase de Meg en “Padre de familia”.

Pese a lo desdichado que he pintado al personaje (no querréis que me centre en detalles como que tiene buen corazón, ¿verdad?), su gorro mágico ya lo querría para sí David Copperfield, pues de él puede uno extraer cualquier cosa que desee, siempre y cuando ponga en ello toda su voluntad y actúe con determinación. Por desgracia, a Presto le faltan redaños, pero en esta vida no se puede tener todo. Yo, sin ir más lejos, todavía no he encontrado en DVD la novena entrega de “Viernes 13″.

Sheila, la Maga: Pelirroja y vestida de violeta, Sheila es a “Dragones y Mazmorras” lo que Daphne a “Scooby-Doo”: una mujer florero. La principal diferencia es que Sheila solo tiene trece años y Daphne, no sé, ¿dieciséis? No obstante, a los dibujantes parece olvidárseles de vez en cuando que solo es una cría, y la pobre Sheila no solo hace posados propios de la “Interviú”, sino que incluso padece repentinos aumentos de pecho. En cuanto a la relación con sus compañeros, Sheila es la hermana de Bobby, por quien vela constantemente, y, según la opinión mayoritaria, Hank y ella son pareja, aunque en ningún episodio llega a confirmarse que mantengan esa clase de relación (si nos fiásemos de las miraditas y otros gestos tiernos, también Diana y Hank estarían liados, y lo mismo cabría decir de Eric y Presto).

Su objeto mágico es la capa de la invisibilidad, lo cual es irónico porque su mayor miedo es estar sola y tampoco es que necesite utilizarla para entrar en el vestuario de las chicas.

Como nota curiosa, señalar que si bien su categoría en inglés es la de ladrona (thief), en España se la denominó sencillamente “maga” y en Latinoamérica, “ilusionista”. Se ve que la profesión de ladrón está muy mal vista, por mucho que Lupin y Kaito Kid hayan querido brindarle cierto encanto.

Eric, el Caballero: Este niño rico, rezongón y egoísta, forma con Presto el dúo cómico de la serie.

Pretencioso entre sus amigos y cobarde frente al enemigo, de pequeño su carácter me parecía insoportable; pero, tras haber visto la serie de nuevo, no solo se ha convertido en mi personaje preferido del grupo, sino que me parece que es el único miembro del mismo con dos dedos de frente, porque, veamos, ¿quién en su sano juicio iba a querer luchar contra un Demodragón? (nota: no es la versión “demo” de un dragón). Lo lógico sería salir por patas, y eso es precisamente lo que Eric haría. Todos deberíamos admirar su sentido común.

Su escudo, de color naranja chillón y adornado con el emblema de un halcón, puede protegerle a él y a sus amigos de cualquier mal, creando una barrera mágica a su alrededor.

Diana, la Acróbata: La única representante negra del grupo y mi personaje femenino favorito, aunque habida cuenta de la competencia, no es de extrañar (Sheila, como ya he dicho, tiene la personalidad de un boniato y Uni…, bueno, solo es un unicornio). Diana es una joven segura de sí misma, con más cualidades de líder que el propio Hank, y una gimnasta excelente. Uno de los matices que más me gusta de ella es que sufre gerascofobia, esto es, miedo a envejecer y, en consecuencia, a perder sus aptitudes físicas, como se puede ver en el episodio “La búsqueda del esqueleto guerrero”, donde cada uno de los chicos se enfrenta a su mayor temor.

Para sortear obstáculos, Diana se vale de una pértiga mágica que puede alargarse como el bastón mágico de Son Goku al tiempo que se ilumina cual barra inanimada de carbono.

El Amo del Calabozo: Imaginaos a Yoda con melena cana y vestido de rojo, ponedle algo de colorete en sus mejillas, enseñadle a hablar a derechas y sustituid sus consejos Jedi por acertijos indescifrables y ya tendréis al Amo del Calabozo, vuestro “guía en el Reino de los Calabozos y Dragones”.

Dicho esto, el Amo del Calabozo me enerva casi tanto como encontrarme un cartón de leche prácticamente vacío en el frigorífico. El tipo se las da de gentil y virtuoso, pero en realidad no hace más que enseñar la zanahoria al burro y enmarronar a los pobres chavales. Para empezar a mejorar, en lugar de andarse con adivinanzas, tendría que ir directo al grano y no embaucar a los chicos para que anden por ahí “desfaciendo” entuertos. Eric no lo traga y yo tampoco. De hecho, encabeza mi lista de enanos de ficción más insoportables, por encima de los munchkins y los oompa-loompas.

Venger, la Fuerza del Mal: Con un título tan descriptivo, no hace falta decir que Venger no colabora con Amnistía Internacional ni aspira a obtener el Premio Nobel de la Paz. Brujo malvado y conquistador implacable (de la escuela de Atila el Huno, no de la de Casanova), su objetivo más inmediato es despojar a los niños de sus objetos mágicos para así aumentar su propio poder y consolidar su dominio sobre el Reino, donde no le faltan enemigos.

Algunos episodios nos ponen sobre la pista de los orígenes de Venger, revelándonos su condición de ángel caído y una relación más estrecha de lo que parece con el Amo del Calabozo, como veremos con más detalle en otro artículo.

Tiamat: es la deidad de los dragones cromáticos en el juego de tablero, diosa de la oscuridad en los libros de la Dragonlance y rival de Venger en los dibujos animados. ¿Sus puntos en común?: una afición desmedida por las novelas de Agatha Christie y cinco cabezas malhumoradas que escupen, respectivamente, fuego, hielo, rayos, ácido y gas venenoso.

Por alguna razón, Tiamat se la tiene jurada a Venger, y cada vez que estos dos se cruzan se arma la de San Quintín. ¿Mi explicación? El brujo le vendió un utilitario defectuoso. Ahora, cuando Venger se va a dormir, antes mira debajo de la cama para ver si está Tiamat.

Sombra-Espía: Bob (si se os ocurre un nombre mejor, no dudéis en decirlo; acepto sugerencias) es el sirviente más leal de Venger y, junto al corcel negro de su amo, el único que trabaja para él a tiempo completo.

Su principal tarea es espiar a los niños e informar a Venger de sus avances. Como es obvio, Bob suele omitir a qué se dedica cuando asiste a las reuniones de antiguos alumnos de su facultad, y para cuando se le acaban las evasivas, suele estar tan borracho que sus compañeros prefieren no prestarle atención. A veces, Bob desearía haber aceptado ese puesto de ayudante en la biblioteca. Si no fuera por el seguro médico…

Contenidos polémicos

Tras la emisión de 27 episodios, acompañados del merchandising que sigue a toda serie de éxito, incluidos muñecos de goma y tebeos, la CBS canceló “Dragones y Mazmorras” sin que los jóvenes héroes hubieran regresado todavía a casa.

Detrás de esta decisión había razones como la caída en picado de la audiencia, la sensación general de que los últimos episodios empezaban a ser un poco “chof” y la presión de los grupos religiosos y las quejas de las asociaciones de padres. Estas dos últimas circunstancias, sin embargo, habían sido una constante desde los inicios de la emisión y ni siquiera eran nuevas para la franquicia, ya que el famoso juego de tablero creado por Gary Gygax y Dave Arneson había alarmado a muchos meapilas con anterioridad.

Algunos de los episodios más conflictivos fueron el 12, “Los niños perdidos”, y el 20, “El cementerio de dragones”. En el primero, sale una nave espacial con un 666 grabado en su cubierta (un diseño obviamente casual, ya que incluso el mismo detalle aparece invertido al otro lado de la nave); y en el segundo, los chavales, hartos de ver sus planes de regreso a casa frustrados una y otra vez, deciden acabar con Venger de una vez por todas, aunque lo importante es que el episodio contiene una lección moral sobre la importancia de hacer lo correcto, que, para el caso, no es matar a nadie.

Sobra decir que las protestas no venían a cuento. ¿Violencia? Algunos de los protagonistas tenían armas, sí; pero las utilizaban para defenderse y salir de los apuros en que se metían, no para causar daño. De haber sido otra la intención de los autores, el Amo del Calabozo hubiera dado a los críos una espada bastarda (crítico: 19–20/×2), un hacha orca de doble filo (crítico: x3) o una BFG 9000. Y los villanos se comportaban como se comportaban porque ese era precisamente su papel. ¿Acaso hubiera sido menos nocivo que, en lugar de esclavizar poblados enteros, Venger hubiera causado pérdidas por 50.000 millones de dólares a sus clientes a través de un fraude piramidal?

Es más, la serie, como muchas otras de la época (“He-Man” es otro buen ejemplo), trataba de inculcar a los niños valores tan importantes como la tolerancia, la honestidad, la bondad, etc., y, cuando los personajes afrontaban algún problema, la solución pacífica y creativa siempre predominaba frente a la estrategia agresiva, aunque ésta pareciera más sencilla.

En definitiva, que la gente se aburre mucho y pierde el tiempo con tonterías. Supongo que ahora tendrán un blog.

Una breve nota sobre el doblaje

Puesto que la serie salió antes en América, cuando TVE compró los derechos de emisión de la serie para emitirla en España, adquirió los episodios ya doblados al español, limitándose únicamente a cambiar el título de la serie, que en Latinoamérica era “Calabozos y Dragones”, y a añadirle la canción de cabecera que habéis oído antes a partir de la segunda temporada.

Sin embargo, la tercera temporada de la serie fue doblada directamente en España, con lo que de un día para otro pasamos de oír unas voces familiares a otras que no sonaban para nada parecidas y que, para el que suscribe, no tenían ningún encanto.

Un final rumoreado

Si alguna vez habéis buscado información sobre esta serie en Internet, es probable que hayáis encontrado algún dibujo picante de Sheila e incluso que ya hayáis leído lo que voy a comentaros ahora, pero no está de más incluirlo aquí.

Según un rumor bastante extendido, en el último episodio de la serie, que por supuesto nadie habrá visto aunque conozca a alguien que sí lo hizo (el ex compañero de habitación del primo del sobrino del hermano de tu padre, por ejemplo), los niños descubren que murieron en el parque de atracciones y que el Reino de Dragones y Mazmorras es, en realidad, ¡el Infierno! (truenos y relámpagos, Igor). Según esta versión de la historia, Venger y el Amo del Calabozo serían el Demonio, que habría creado esa compleja ilusión para torturar las almas inmortales de los chavales; ya sabéis, por aquello de que meterles en una olla hirviente es “tan del siglo pasado”.

Obviamente, este chisme está más que desmentido; pero es interesante ver lo que llega a inventarse la gente y hasta dónde llegan algunas leyendas urbanas.

Próximamente en ion litio…

Dragones y Mazmorras: La trilogía de Venger. Repasaremos los episodios “El cementerio de dragones” y “La mazmorra en el corazón del alba”, así como el guión de “Réquiem”, que hubiera sido el último episodio de la serie de haber entrado en producción.

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Los posteriores vídeos con el gameplay tampoco modificaron esa primera impresión: grandes gráficos, mucho combo… esto parece lo de siempre, y para ver tías buenas ya tengo el “Dead or Alive”. El 40/40 que le plantó la revista Famitsu me hizo enarcar una ceja, pero desde que le dieron esa misma nota a “Nintendogs” les tengo en cuarentena.

Sin embargo, poco después Edge le otorgó también la máxima puntuación, y desde entonces casi todo han sido críticas positivas para la bruja de Platinum Games. Fue esa mayoritaria suma de alabanzas la que me movió a hacerme con el título del que hoy voy a hablaros.

Punto de partida

Comienzo por el argumento, aunque lo cierto es que no se puede decir que merezca demasiada consideración: la protagonista es la última integrante de una estirpe de brujas aniquilada en la Edad Media. Amnésica y con buena parte de sus poderes inactivos, deberá abrirse camino entre ejércitos de criaturas pseudo-celestiales para obtener respuestas sobre su pasado. Rodin, el misterioso gerente de un garito llamado “Las Puertas del Infierno”, será su proveedor de armas y objetos.

Gráficos y sonido

Técnicamente el juego resulta convincente, y los cuidados gráficos se mueven de forma muy ágil. Dicen las malas lenguas que la versión de Xbox 360 está algo más pulida que la de Playstation 3, pero me temo que es un extremo que no estoy en disposición de confirmar, dado que sólo he probado el juego en la consola de Microsoft. En cualquier caso imagino que las diferencias, como casi siempre, serán ínfimas, pero insisto en que no tengo una opinión cualificada sobre el asunto.

El sonido también está a un gran nivel, aunque hay un par de cuestiones que pueden (o no) constituir una pequeña pega para algunos jugadores. En primer lugar el juego no está doblado al castellano, de manera que, salvo que dominemos el inglés, estaremos obligados a recurrir a los subtítulos para seguir la trama. Por otro lado, la versión de la canción “Fly me to the moon” suele estar presente de fondo en la mayoría de los combates y, personalmente, se me hace un poco repetitiva, por lo que habría agradecido algo más de variedad en este aspecto.

El juego en sí

Y llegamos por fin al apartado clave de todo videojuego, sin el cual el más impecable trabajo técnico queda en nada, y que es capaz de encumbrar por sí solo al título más sencillo. Hablo, por supuesto, de la jugabilidad. A este respecto he de reconocer que el trabajo que Platinum Games ha desarrollado es, sencillamente, brutal.

En lo que al combate se refiere, “Bayonetta” cuenta con un catálogo de movimientos, combos y golpes especiales tan amplio como espectacular, que además se va viendo aumentado conforme avanzamos en la aventura. A ello hay que añadir las nuevas armas que podemos comprar, así como las que tendremos ocasión de recoger de los enemigos caídos (aunque estas últimas se van estropeando con el uso). Además, el ritmo de los enfrentamientos, pese a ser frenético, está muy bien equilibrado, de manera que mantenemos una sensación de control en todo momento. Únicamente la cámara puede gastarnos alguna broma, pero de forma muy puntual.

Cabe destacar igualmente el botón de esquivar, tan imprescindible como intuitivo en su uso, y que es también la llave que activa el Tiempo Brujo (el clásico tiempo bala), que nos permitirá escapar de situaciones a priori insuperables. Las transformaciones en animales son otra de las bazas que, junto a la pluralidad y buen diseño de los enemigos, añaden diversidad al desarrollo. También encontraremos algunos puzzles, aunque su escasa dificultad los convierte en meras anécdotas.

Por otro lado, el título se vale de los cada vez más típicos Quick Time Events, que en buena hora popularizó la saga God of War (aunque su origen es muy anterior). Como imagino que sabéis, son situaciones concretas de la partida en las que se exige que el jugador apriete en el orden y momento adecuados una determinada secuencia de botones. El objetivo de los QTE en los juegos de acción es romper la monotonía, de manera que no sea todo destrozar los botones del pad, pero personalmente los percibo más como una quiebra del ritmo de juego, y creo que hay muchos otros recursos que permiten cumplir ese cometido perfectamente. En cualquier caso en Bayonetta creo que han sabido ajustar bastante bien tanto su duración como el tiempo de reacción que se concede al jugador, de manera que, aún no gustándome este recurso (percepción totalmente subjetiva), no llega a molestar.

Finalmente, Bayonetta cuenta con un estilo muy particular. La protagonista, además de ser una viagra andante, hace gala de ello en todo momento, siendo continuos los contoneos, insinuaciones y planos cortos de ciertas partes de su anatomía. Lo cierto es que el juego no se toma demasiado en serio a sí mismo, tendiendo de un modo casi permanente a la exageración y el exceso.

Conclusiones

Resumiendo, estamos ante un juego de acción tremendamente recomendable, pues cumple sobradamente en todas las cuestiones técnicas, tiene una duración más que aceptable y brilla con luz propia en el aspecto jugable. Hay pequeños detalles que pueden convencer más o menos en función del perfil de cada jugador (doblaje, QTE, estilo…), pero lo que a mi juicio resulta incontestable es la versatilidad y ritmo de los combates, los mejores que recuerdo en su género.

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Promedio Rojo

Bajo este nombre, más apropiado para un asunto clasificado de la C.I.A. que para cualquier otra cosa, se encuentra un inusual proyecto de Lucasfilm que se gestó a mediados de los noventa a modo de puente entre “El Imperio contraataca” y “El retorno del Jedi”. Solo que Lucasfilm, en lugar de rodar otra película, entró a saco con el merchandising: novela, cómic, videojuego, cartas, banda sonora, muñecos… Lo tenía todo, aunque, por ahorrar espacio y tiempo, aquí solo hablaremos de una pequeña parte de ello.

La novela

Nos situamos en el 3.5 DBY, esto es, tres años y medio después de la batalla de Yavin. O de la boda de Yul, a saber. Para entendernos: después de los eventos sucedidos en “El Imperio contraataca”, Luke, Leia, Lando y Chewbacca piden una excedencia a la junta directiva de la Alianza Rebelde, para hacer ese viaje a Mallorca que llevaban aplazando desde que huyeron de la Ciudad de las Nubes. De paso, pretenden liberar a Han Solo (congelado en carbonita, recordemos) del cazarrecompensas Boba Fett antes de que éste venda al contrabandista coreliano a Jabba el Hutt como ornamento de salón.

En el transcurso de su misión, nuestros héroes se enfrentarán al príncipe Xizor, un miembro de la especie falleen que, además de ser una eminente personalidad pública, lidera desde la sombra la organización criminal más grande de la galaxia: Hacienda el Sol Negro.

Xizor quiere eliminar a Luke Skywalker para hacer caer en desgracia a Darth Vader ante el Emperador y ocupar su lugar como mano derecha del tirano, con todas las ventajas que conlleva el cargo (asiento vitalicio de primera fila en las carreras de vainas, 10% de descuento en gasolineras imperiales, etc.). Al mismo tiempo, Xizor facilita los planos de la segunda Estrella de la Muerte a los rebeldes para congraciarse con ellos con conocimiento del Emperador.

Su doble juego convierte a Xizor en uno de los más atractivos del Universo Expandido. Eso, y que su cuerpo desprende una sustancia que provoca que las féminas caigan rendidas a sus pies. Básicamente como Tom Jones en sus buenos tiempos.

La novela de Steve Perry también introduce a un personaje chulo como él solo: Dash Rendar un mercenario al que Lando contrata para que les ayude a encontrar a Han y que, por su personalidad, viene precisamente a paliar la ausencia de éste. Incluso tiene un carguero coreliano modificado, el llamado Jinete del Espacio, y su propio copiloto, el androide LE-BO2D, o Lebo, para los amigos.

Hay varias razones por las que “Sombras del Imperio” es uno de mis libros favoritos dentro de la plétora de publicaciones de La Guerra de las Galaxias. Aparte de que apenas recuerdo las otras que he leído, quiero decir. En primer lugar, no es muy largo (unas 350 páginas, aunque si lo vuestro era “Teo va al zoo”, puede que os parezca eterno) y, en segundo lugar, resulta bastante ameno de leer, lo cual se agradece enormemente de cara a la preparación de artículos como este. Además, su ubicación en la cronología de la saga lo hace de fácil comprensión para aquellos lectores que únicamente han visto las películas, así como para los que, como yo, han coleccionado otro material, pero no lo han convertido en su dogma. Creo que, al menos en este sentido, se parece mucho a “La tregua de Bakura”, que ya comenté por aquí hace algún tiempo.

Otro de los grandes atractivos de esta novela es que rellena algunos de los huecos dejados por George Lucas entre sus películas, explicando, por ejemplo, cómo construyó Luke su espada de luz de haz verde o de dónde sacó Leia el disfraz de cazarrecompensas que luego utilizaría para infiltrarse en el palacio de Jabba el Hutt.

En definitiva, si os gusta La Guerra de las Galaxias, no os la podéis perder.

El cómic

Esta edición de Norma, publicada originalmente por Dark Horse Comics, con guión de John Wagner y dibujos de Kilian Plunkett, se divide en tres números (a 750 pesetas cada uno) que, en esencia, repiten la misma historia que cuenta la novela. Es más, en la versión original en inglés, hasta coinciden los diálogos.

Sin embargo, no se trata de una mera adaptación. El cómic incorpora una nueva historia paralela: la travesía de Boba Fett haciendo de mensajero de FedEx para Jabba el Hutt. Asimismo, presenta a un nuevo personaje, Wrenga Jixton, más conocido como Jix, un agente a las órdenes de Darth Vader con la misión de proteger la vida de Luke Skywalker.

La parte de Fett comienza con su nave, el Esclavo I, entrando en el sistema de Taooine. En la órbita del planeta se enfrenta a IG-88, un androide cazarrecompensas que amenaza a sus adversarios con estadísticas (“¡Entrega al prisionero y tendrás un 30% de posibilidades de sobrevivir! ¡Las posibilidades de que llueva mañana son del 1%!”).

Fett sale victorioso del rifirrafe, pero el Esclavo I queda algo tocado, así que el cazarrecompensas modifica su rumbo y se dirige al planeta Gall, donde se topa con otros dos compañeros de profesión, el trandoshano Bossk y Zuckuss. Éstos le ofrecen compartir la recompensa de Solo a cambio de no tocarle los huevos. Fett los manda al cuerno y huye en su nave antes de que un recién llegado Halcón Milenario, pilotado por Lando, le dé caza.

De nuevo en el espacio, Bossk y otros cazarrecompensas consiguen abordar la nave de Fett, pero éste consigue salir ileso y desembarca finalmente en Tatooine, donde se las ingenia para llegar hasta Jabba sin que sus colegas consigan interponerse. Aparte de eso, solo puedo añadir que su representante sin duda sabe lo que se hace, porque siempre le consigue las mejores viñetas.

El relato de Jix es menos interesante, así que, en lugar de resumíroslo, os cantaré una canción: See there, past that far-off hill, a tower held in the sky. Hear there, in that dark blue night, the music calling us home…

El videojuego

“Shadows of the Empire”, de Nintendo 64, es, a salvo de recuerdos reprimidos, el peor juego de La Guerra de las Galaxias que he probado jamás, incluido el “Monopoly Star Wars” para PC. Por supuesto, no pienso ir a casa de mis padres y sacar la videoconsola para jugarlo de nuevo y prestaros un testimonio más fiable, así que tendréis que confiar en mi memoria.

En el juego, controlamos al mercenario Dash Rendar, que, como ya sabemos por la novela, decidió echar un cable a nuestros héroes a la hora de rescatar a Han Solo. Lo de controlar, desgraciadamente, es un decir, porque a veces a Rendar le da por caminar hacia atrás, como los cangrejos, y lo más que puedes hacer en ese momento es mover el joystick hacia delante y desear que el condenado muñeco se pare, lo cual puede ocurrir o no. Siendo justos, he de decir que no sé si soy la única persona a la que le pasaba esto y, por lo tanto, si tenía un cartucho defectuoso, pero recuerdo que me sucedía cada dos por tres.

Dejando ese tema de lado, el juego alterna pantallas tipo “Dark Forces” con pantallas de navecitas, entre estas últimas, la famosa batalla de Hoth, que LucasArts se apaña para introducir en todos los juegos de La Guerra de las Galaxias que produce. Aparte del Snowspeeder, también podemos conducir una moto voladora de esas que salían en “El retorno del Jedi” y pilotar la nave personal de Rendar, el Jinete del Espacio.

Por lo que se refiere a las pantallas de tiros y saltos, que son la mayoría, lo que mejor recuerdo son las caídas. De hecho, conservo imágenes bastante claras de Rendar precipitándose hacia un vacío exageradamente brumoso. Y cuando añadimos un jetpack a la ecuación, ya podemos ir poniendo una vela a San Lucas si queremos sortear algún barranco con probabilidades de éxito. Tampoco puedo afirmar si había o no gran variedad de armas, porque el disparo rojo del bláster es todo lo que me viene ahora mismo a la cabeza. Lo que sí había eran jefes finales: un AT-ST, Boba Fett y una dianoga gigante, entre otros.

Ahora bien, la pregunta que debemos hacernos es: ¿cómo completa este juego la historia que relatan la novela y el cómic? ¿Qué es lo que aporta exactamente? Pues bien, aparte de otra perspectiva de los hechos, que puede ser más o menos interesante, lo fundamental es que mientras que en la novela y en el cómic la narración termina con todos nuestros héroes pensando que Rendar ha muerto, en el juego se descubre que el mercenario sobrevive a la última batalla espacial.

Con este spoiler inadvertido termina nuestro repaso del proyecto “Sombras del Imperio”. Si os ha quedado alguna duda, no os preocupéis. Es normal.

¡Extra!: Curiosidades

En la edición especial de “Una nueva esperanza”, puede verse el Jinete del Espacio despegando de Mos Eisley.

También leí hace tiempo que Xizor se encuentra entre el público de la carrera de vainas en “La amenaza fantasma”, pero esto no he podido verificarlo. La verdad es que ni siquiera me he molestado en intentarlo. Hace mucho tiempo que dejé de jugar a dónde está Wally.

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