ion litio

La magia de Michael Jackson

q256 — Thu, 02 Jul 2009 04:16:47 +0000

Este no es un blog que destaque por su seguimiento de la actualidad (más bien todo lo contrario), razón por la que a la hora de publicar estas líneas todos vosotros estaréis ya enterados del fallecimiento de Michael Jackson el pasado 25 de junio.

Aunque nunca he hablado en este blog del Rey del Pop (un olvido imperdonable que espero corregir ahora) lo cierto es que he sido un gran seguidor del mismo. Innovó como nadie y nos dejó algunos de los videoclips más espectaculares de todos los tiempos. Será recordado como una leyenda, y desde aquí queremos rendirle nuestro particular homenaje.

Y no vamos a hacerlo repasando las circunstancias morbosas que han rodeado su vida y muerte, algo de lo que, con afán puramente oportunista, ya se están encargando otros medios. Si queréis repasar su trayectoria, hacedlo en la Wikipedia. Hoy quiero hablar simplemente de una curiosidad, uno de sus secretos profesionales, a modo de homenaje a su trayectoria artística. Se trata del sistema de inclinación imposible ideado por Michael Jackson para “Smooth Criminal”.

Si recordáis, una de las escenas más famosas de dicho videoclip (considerado por mucho, entre los que me incluyo, como el mejor de su carrera) es cuando los bailarines y el propio Michael se inclinan más 45º sin llegar a caerse. Este movimiento, que en el videoclip podríamos justificar como un efecto especial, era repetido en los conciertos en directo, dejando a sus fans con la boca abierta. Veámoslo antes de seguir hablando del mismo:

Bien, está claro que tiene que haber algún truco, y vamos a desvelar cual es. Se trata de un elaborado número de ilusionismo, empleando una técnica “de manual” como es la de la misdirection (distraer la atención del espectador) si os fijáis, justo antes de que Michael y sus bailarines hagan el famoso movimiento, otro bailarín sale a escena y distrae la atención del público (a partir del minuto 2:30 del vídeo).

Toda la representación juega a su favor para ocultar este pequeño truco, ya que la iluminación del escenario se centra en el nuevo personaje que ha entrado en escena, permitiendo a Michael y sus hombres realizar el truco en la oscuridad. Podéis comprobar como esta estructura se repite cada vez que se interpreta el tema “Smooth Criminal” en un escenario.

Pero ¿cómo lo hacen? Durante años me plantee diversas posibilidades: cuerdas, suelas magnéticas… sin embargo, como en todos los buenos trucos, el artificio era en realidad mucho más sencillo. Se utiliza un sistema especial para anclar sus pies al escenario mediante un sistema inventado y patentado por el propio Michael Jackson, junto a Michael Bush y Dennis Tompkins. Podéis encontrar las especificaciones de dichos sistema, denominado “Método y maneras para crear una ilusión de ingravidez”, en el siguiente gráfico:

Básicamente, la suela del zapato, de un grosor superior a lo normal, cuenta con el hueco para introducir un pequeño gancho, reforzado el talón con placas de metal. De esta forma el cuerpo puede inclinarse en ángulos imposibles sobre el escenario mientras el tacón del zapato hace de contrapeso, ya que el centro de gravedad del cuerpo se desplaza hacia atrás.

Asimismo, era necesario un refuerzo, fijado a la parte superior zapato, que mantiene el tobillo en su sitio y evita que los pies se deslicen fuera del mismo. Dicho refuerzo, disimulado con los calcetines, es la clave de todo el proceso.

Evidentemente usar este sistema provocaba cierta rigidez en el movimiento de los tobillos, algo fácilmente disimulable gracias al estilo de bailar propio de Jackson y a la coreografía en si, preparada para ello. Si prestáis de nuevo atención al vídeo, conociendo ahora el truco, veréis que el grosor de los tobillos de los bailarines es anormal, siendo mayor de lo habitual. Ello es debido, evidentemente, a que todos llevan puesto dicho accesorio.

Introducir el gancho en el zapato es tan fácil como colocarse frente a él y deslizar el calzado hacia adelante. Además, debido a la escasa altura de dicho gancho, queda disimulado con la propia línea del escenario, ya que en las actuaciones el público asiste a la representación desde un plano inferior. Después solo queda que los miembros del equipo retiren los ganchos una vez el número ha sido realizado, para eliminar toda prueba del truco.

Aunque era conocido sobre todo por su faceta de cantante y bailarín, Michael Jackson fue también un gran compositor, músico (tocaba varios instrumentos) y coreógrafo. Y como podéis ver a raíz de esta pequeña anécdota, innovó en todos los aspectos de la representación musical, desde el videoclip, al que convirtió en una fantástica herramienta de promoción, hasta la actuación en el escenario, convirtiendo sus conciertos en un auténtico espectáculo a todos los niveles.

Descansa en paz, Rey del Pop. No te olvidaremos.

Fuentes:

Michael Jackson (Wikipedia en español)
“Method and means for creating anti-gravity illusion” en Google patents

También en ion litio…

Monster Mash
Los videoclips de ‘El Informal’
El concierto en la azotea de los Beatles

Prototype

q256 — Tue, 30 Jun 2009 04:23:59 +0000

El planteamiento de “Prototype” nos traslada a la piel de Alex Mercer. Un civil que se despierta en la ciudad de Nueva York, infectada por un virus, solo para descubrir que goza de extraños poderes sobrenaturales que le permiten transformar su cuerpo a su merced y actuar como una auténtica máquina de matar.

Por supuesto, el ejército intenta darle caza dado que le considera una amenaza. A esto se suma el entorno caótico de una ciudad devorada por una extraña pandemia y una serie de infectados especiales que también nos traerán de cabeza. A priori, la receta parece lo bastante interesante pero ¿funcionará la combinación de sus ingredientes?

New York, New York

Escenario de cientos de películas y decenas de videojuegos, la ciudad de Nueva York siempre es un marco recurrente. Aquí, para variar, nos encontraremos con una visión apocalíptica de la misma.

La ciudad ha sido infectada por un virus desconocido al que el ejército trata de poner freno por todos los medios posibles. Y para ello no duda en matar a los propios civiles que puedan estar infectados. En medio de este caótico escenario, Alex Mercer, el que parece ser un ciudadano anónimo que sufre de amnesia, se despierta en una mesa de autopsias en los laboratorios GENTEK.

En cuanto sale a la calle, se encuentra con que el ejército y, en particular, la subcontrata Blackwatch lo han convertido en su objetivo principal. Por suerte para Alex, se ha despertado con algunas habilidades fuera de lo común, como una fuerza sobrehumana, la posibilidad de transformar cualquier parte de su cuerpo en un arma o la de “absorber” a sus enemigos para recuperar energía y poder mimetizar su apariencia para camuflarse. Al principio apenas tendremos un par de movimientos, pero con el paso del tiempo nos daremos cuenta de que se ha trabajado a fondo en la variedad.

Así las cosas, este argumento recuerda a la trama del simbionte de los comics “Spider-man”, ya que las habilidades desplegadas por Mercer guardan similitudes con las de Veneno en los cómics de Marvel. Tenemos bajo nuestro control a un personaje prácticamente omnipotente, capaz de escalar un edificio en cuatro saltos o de caer desde decenas de metros de altura sin sufrir ningún daño, y además con un “traje” (que en este caso es el propio cuerpo de Mercer) capaz de adoptar múltiples formas. Incluso el color y la viscosidad de la materia negra en las transformaciones recuerdan al simbionte.

Una ciudad a nuestros pies

Al igual que ocurría en “Assassin’s Creed”, iremos ganando habilidades a lo largo de la partida. Tras un episodio inicial introductorio situado en el presente, en el que gozamos de poderes completos, el juego retrocede unos días atrás en el tiempo hasta el momento en que despertamos en la mesa de autopsias. Es entonces cuando comenzará nuestro periplo en pos de la verdad.

Mercer es un personaje que solo busca una cosa: venganza. Quiere acabar con los que le han convertido en el monstruo que es actualmente, y para ello no dudará en utilizar todos los medios a su alcance, que gracias a sus habilidades especiales son muy variados. Su hermana será uno de los elementos clave que le ayudará en su búsqueda de responsables, pero no profundizaré más en el tema para no desvelar detalles de la trama.

La historia se nos irá narrando a través de Flashbacks, a medida que nuestro personaje entre en contacto con personajes u objetos que le ayuden a recuperar parte de su memoria perdida, o bien recupere fragmentos de la memoria de los implicados. Y la manera de recuperar dichos fragmentos es de lo más ortodoxa: nada de inútiles interrogatorios, aquí tendremos que absorber el cuerpo de los personajes objetivo, de forma que además de recuperar energía, incorporaremos sus recuerdos a nuestro cerebro, obteniendo una conexión neuronal directa con dichos recuerdos y reconstruyendo poco a poco los acontecimientos que nos han llevado a nuestro estado actual.

El área de Manhattan, completamente infectada por el virus y aislada en cuarentena, será nuestro campo de juego. Y a medida que avance la partida veremos como a partir de la calma inicial, la infección se va extendiendo, poniendo a toda la zona en cuarentena, mientras los habitantes de la ciudad afectados por el virus se transforman cada vez en criaturas más peligrosas. Así pues, vamos a tener trabajo para rato, aparte de la presión constante del ejército, claro está.

En busca de la verdad

Poco a poco, mientras la infección avanza, Mercer comenzará a reconstruir la historia detrás del origen de sus extrañas habilidades. Y en este sentido, la progresión del personaje está bien conseguida, ya que a medida que nos enfrentemos a enemigos más poderosos iremos asimilando sus “habilidades”, y por ende terminarán convirtiendo a Mercer en una máquina de matar aún más poderosa y versátil.

El título tiene cierto toque rolero, ya que con cada enemigo eliminado u objetivo alcanzado recibiremos los llamados “puntos de evolución” que a la larga nos permitirán mejorar nuestro árbol de habilidades y potenciar en mayor medida unas u otras. Básicamente, y por hacer un resumen rápido, podremos hacer prácticamente de todo: desde volar por lo aires a transformar nuestras extremidades en todo tipo de armas, lanzar objetos por los aires o, pos supuesto, utilizar las armas de fuego de nuestros enemigo. En este sentido, es el juego con más posibilidades a nivel destructivo vistas hasta la fecha.

No obstante, aunque la historia principal dura un número de horas bastante aceptable, es inevitable la sensación de que podía haberse sacado más chica a este argumento de la conspiración genética, interesante en su planteamiento inicial. Al final las razones para avanzar en la historia son simplemente las de obtener nuevos poderes (ya que, como hemos dicho, hay un buen puñado de ellos) y enfrentarse a enemigos más poderosos, y en nuestra carrera de destrucción perdemos un poco de vista el hilo argumental.

De paseo por Manhattan

A primera vista controlar a alguien tan versátil suena la mar de bien. La posibilidad de escalar un edificio corriendo por la pared para, a continuación, saltar desde lo alto del mismo y derribar a un helicóptero de una patada es algo impagable. Lo malo es que lo haremos una y otra vez y terminará por perder parte del atractivo inicial. Aquí, simplemente, parece que no hay limitaciones. Y el vencer las limitaciones es uno de los retos más importantes en cualquier videojuego. Pero si ya de entrada saltamos decenas de metros de altura, derribamos tanques a puñetazos (verídico) y lanzamos coches por los aires ¿qué nos queda?

El problema de un personaje con habilidades sobrehumanas es que la sensación de reto, clave en cualquier videojuego, se diluye por completo. Y no me entendáis mal, no es que no existan enemigos a la altura de Mercer, pero de una forma o de otra, siempre terminaremos por superarlos sin demasiados problemas. Podemos saltar grandes alturas, lanzar cualquier objeto por los aires, reventar helicópteros en pleno vuelo y caer al suelo sin hacernos daño… y si bien una de las bondades de “Prototype” es precisamente esta, la posibilidad de controlar a alguien enormemente poderoso, también es lo que termina por hacer que el juego parezca carecer de un objetivo real, limitándonos al final simplemente a destruir todo a nuestro paso.

El sistema de misiones del juego nos lleva prácticamente de la mano, indicándonos siempre nuestro siguiente destino con una flecha claramente visible. Y aquí no tendremos que complicarnos la vida buscando la mejor ruta hacia nuestro destino. Si un edificio se interpone en nuestro camino, simplemente lo escalamos. Mercer es una auténtica máquina para la que no existen los obstáculos. Por lo demás, los combos de ataque son sencillos de ejecutar y, aunque pulsemos los botones más o menos al azar, terminaremos por conseguir resultados satisfactorios. Los movimientos más complejos y espectaculares requieren algo más de práctica en su ejecución, pero la verdad es que no es necesario dominarlos todos para superar a nuestros enemigos.

Conclusiones

“Prototype” no es un mal juego. La historia es lo bastante interesante para mantenernos enganchados y, en general, a pesar de algunos fallos menores, su jugabilidad es más que aceptable. El problema es que hay demasiado títulos del estilo. Desde el paso de la saga GTA a las tres dimensiones son muchos los juegos que han replicado el llamado estilo sandbox, que consiste en contar con un entorno de mayor o menor tamaño que podemos explorar libremente mientras cumplimos una serie de misiones. Una fórmula sencilla en su descripción pero que es tremendamente difícil de hacer realmente atractiva.

El problema radica en “rellenar” la ciudad. Y no se trata de llenarla de coches, edificios o transeúntes. De eso hay de sobra. Se trata de que cada calle tenga interés por si misma, cosas que hacer al margen de la historia principal. En este juego, a todos los efectos, es como si recorriéramos una maraña de calles idénticas, ya que la cacareada libertad de acción no puede ni compararse a otros títulos como “GTA IV” que nos permiten desde conducir por la ciudad escuchando la radio hasta darnos un tranquilo paseo por Times Square o quedarnos en casa viendo la televisión. En “Prototype”, todo se reduce a destruir lo que encontremos a nuestro paso, de formas más o menos imaginativas y espectaculares.

No obstante, al cabo de unas horas de juego, cuando empezamos a pillarle el truco, esta característica resulta bastante satisfactoria. Y aunque aquí no tengamos la profundad del ya mencionado “GTA IV”, lo cierto es que en cuanto a posibilidades destructivas (que es de lo que presume) el juego es más que completo. Podremos arrasar con todo lo que se ponga a nuestro paso y eso, como terapia desestresante, es enormemente divertido. Quizá debería haberse limitado un poco la fuerza de Mercer en las fases iniciales para que el sistema de recompensa fuera más “marcado”, pero aun así es una gozada coger el mando durante 10 minutos y hacer polvo la Gran Manzana. La sensación es parecida a cuando, por ejemplo, echábamos una partida rápida de “Dead Rising” tan sólo para machacar unos cuantos zombies, sin objetivo concreto.

Los enfrentamientos con los enemigos son divertidos, y recuerdan en cierto modo a los clásicos beat’em up machaca-botones como “Double Dragon” en los que tenemos que acabar con todo lo que se interponga a nuestro paso. Pero más allá de esto, lo cierto es que hay muchos títulos parecidos a este juego, lo que hace que sus cualidades queden en parte diluidas en un mar de clónicos.

El principal handicap del juego es que necesita un último empujón para auparlo a unaa categoría superior. Carece de ese “algo más” que podría destacarlo de la masa y convertirlo en un título realmente imprescindible. Eso sí, hoy por hoy y a falta de probar “InFAMOUS”, lo cierto es que es de lo mejorcito en el subgénero de los sandbox de destrucción.

Me despido con un vídeo del juego en movimiento, para que podáis juzgarlo por vosotros mismos:

También en ion litio…

Indiana Jones y el Cetro de los Reyes
Ninja Blade
Street Fighter IV

Indiana Jones y el Cetro de los Reyes

El Tipo de la Brocha — Thu, 25 Jun 2009 04:51:38 +0000

Si andáis buscando un videojuego protagonizado por vuestro arqueólogo favorito (me refiero a Indiana Jones, no a Mark Lehner ni a ningún otro profesional serio), con un argumento interesante, diálogos brillantes, nazis malvados y muchos acertijos, deberíais probar “Indiana Jones and the Fate of Atlantis”. Si, por el contrario, preferís un juego de Indy que podría haber salido perfectamente hace cuatro o cinco años y queréis muscular vuestros raquíticos antebrazos, “Indiana Jones y el Cetro de los Reyes”, en su versión para Wii, es vuestra elección.

De todas formas, el primero es un contenido extra del segundo, así que si éste no os gusta, como mucho habréis perdido unos 50 euros, que es lo que costaría “El Cetro de los Reyes” si le restásemos el precio que tenía el “Fate of Atlantis” cuando Activision lo reeditó hace dos o tres años. Además, en mi caso, si no me hubiera gastado ese dinero en este juego, probablemente habría acabado haciéndolo en el cómic de “Batman: Año Uno”, un disco de Mötley Crüe y 102 rollos de papel higiénico. Qué bien me hubiera venido ese papel higiénico.

No sé, puede que esté siendo demasiado duro con LucasArts. Al fin y al cabo, “El Cetro de los Reyes” es lo más cercano a las pelis de Indy que he experimentado en un videojuego. El problema es que la ejecución es un poco desastrosa. Y al decir “un poco” estoy siendo tan generoso como cuando Spider-Man se dejó ganar por el doctor Octopus para salvar Nueva York. En realidad, parece que los conceptos y fundamentos del juego hubieran sido concebidos por un grupo de amantes de las cintas de Indiana Jones, y luego hubieran dejado su elaboración y desarrollo a un equipo de monos retrasados dirigidos por un pisapapeles. Puede que esto tenga que ver con el hecho de que inicialmente el juego iba a salir para PlayStation 3 y Xbox 360.

Nuestra historia comienza en 1939, un año después de “La Última Cruzada”, y gira en torno a la búsqueda de un reliquia religiosa; algo mucho más interesante que, por ejemplo, un cráneo extraterrestre de cristal, por decir la primera chorrada que se me pasa por la cabeza. El MacGuffin en cuestión es el bastón de Moisés; ya sabéis, aquel que se transformaba en serpiente, separaba las aguas y potenciaba la magia Fuego++ en un 20%. (Para más información sobre Moisés, leeos mi artículo sobre la película “Los Diez Mandamientos” y su segunda parte; no aprenderéis casi nada, pero es gratis.)

La búsqueda del bastón nos llevará por todo el Globo, desde Sudán hasta Nepal, pasando por San Francisco, Panamá y Estambul, y, por último, subiremos a bordo del Odín, no el dios nórdico, sino el Zeppelin nazi que sale en la imagen de arriba. En lo que a localizaciones se refiere, poco más que añadir, salvo que los escenarios son increíbles y su diseño nada tiene que envidiar al de las producciones cinematográficas de Lucas y Spielberg. Con diferencia, el mejor apartado del juego.

En cuanto a la acción, “El Cetro de los Reyes” reúne y homenajea al mismo tiempo casi todos los elementos que hicieron de la trilogía original un clásico. Hay peleas a puñetazo limpio, tiroteos, trampas mortales, persecuciones… Tomemos como ejemplo la primera pantalla del juego:

Indiana está cruzando un puente colgante cuando una araña enorme desciende del techo. El docto profesor, que ha superado trances mucho peores, sonríe socarronamente y fríe al arácnido con su antorcha. ¿Problema resuelto? ¡No!, porque cientos de arañas corretean ahora hacia él desde otro lado del abismo. Rápidamente, Indy se da la vuelta, dispuesto a emprender la huida, pero se topa con otra marabunta arácnida. Atrapado entre la espada y la pared, Indy utiliza la antorcha para defenderse, con la mala fortuna de que acaba prendiendo accidentalmente fuego al puente, que comienza a tambalearse. Indy echa a correr con todas sus fuerzas mientras el puente se desprende y, en el último segundo, salta y consigue aferrarse al borde del risco. En efecto, puro Indiana Jones, y todo ello, además, magistralmente ambientado gracias a la banda sonora de John Williams, que, salvo error por mi parte, incluso incorpora algunos de los temas de “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”. En mi modesta opinión, es lo mejor que se ha oído hasta la fecha en un videojuego de Indiana Jones.

Hasta aquí, lo bueno. Ahora, como decía aquel general gungan, es la hora del dolor.

Supongo que podría decirse que los gráficos están bien para una PlayStation 2, pero, lo que es yo, si me compro un juego para una videoconsola de nueva generación, aunque sea la Wii, lo primero que espero es que sea visualmente impresionante y no solo aceptable. Cuando analizo un juego que ya tiene sus añitos, como “Solstice” o “Monkey Island 2″, no suelo prestar mucha atención al apartado gráfico (las frases “revolucionario para su época” o “cumple su cometido” son muy socorridas); pero aquí es una cuestión de expectativa. Y no se puede comparar un “Ninja Blade” o un “Resident Evil 5″ con esto:

Bueno, se puede, pero no se debe. Es como si Hugh Jackman y yo participásemos en una subasta de solteros. El pobre Hugh no tendría nada que hacer y yo me sentiría muy mal por él. Porque ya está casado.

De todos modos, no voy a ensañarme por una cuestión menor. Puede que los Sims tengan más polígonos y texturas que Indy, pero al menos el diseño de los escenarios está muy currado. Y perdonad que me agarre a esto como a un clavo ardiendo. ¿He mencionado ya que me gasté 60 euros en este juego?

El desarrollo de las pantallas es completamente lineal, si bien alterna fases de todo tipo. Hay momentos de “exploración”, en los que tendremos que usar nuestra pericia y habilidad con el látigo para avanzar, y que se intercalan con algunos puzzles no demasiado complicados; quick time events, que, al parecer, son la última moda en videojuegos; y peleas en plan beat ‘em up, en las que, para derribar a los malos, podremos utilizar tanto nuestros puños y nuestro látigo, como casi todo lo que no esté pegado al suelo, desde botellas y bolas de billar a llaves inglesas y palas, pasando por métodos de matar más sofisticados, como tirar armarios, estampar a la gente contra un acuario o soltar cabras. Los videojuegos de ahora necesitan más cabras.

Junto a estas fases, tenemos también tiroteos y persecuciones. La mecánica de los primeros es la propia de un shooter cualquiera: nos parapetamos de forma automática tras alguna caja o roca colocada estratégicamente y nos levantamos para disparar contra nuestros enemigos. También podemos utilizar elementos del escenario a nuestro favor, como barriles de gasolina, cajas de fuegos artificiales o tanques de agua. Las persecuciones, por otro lado, pueden ponernos a los mandos de una avioneta o incluso a lomos de un elefante.

Si estáis pensando “¡Guau! Con tanta variedad este juego tiene que ser increíble”, estáis parcialmente equivocados. Solo debería serlo. Porque, como trataré de haceros comprender a lo largo de este artículo, “El Cetro de los Reyes” es como un espectacular deportivo con las ruedas cuadradas. Podéis citarme si queréis.

El primer problema serio es que los controles no responden todo lo bien que deberían. En teoría, y si a uno no le importa mostrar signos de vida mientras juega a la videoconsola aparte de respirar y pestañear de vez en cuando, el mando de la Wii debería servir para meternos aún más en la piel del personaje. En la práctica, te entran ganas de arrancarte la piel a tiras. Durante las peleas, el Nunchuk funciona como si fuera nuestro puño izquierdo, y el Wiimote, el derecho; podemos dar puñetazos directos, ganchos, usar el látigo para atraer o derribar a los malos, coger y arrojar objetos… todo haciendo ridículos y fatigosos aspavientos, como viene siendo habitual en la consola de Nintendo. Sin embargo, no es extraño que Indy acabe haciendo un movimiento distinto al que nosotros estábamos ejecutando o que no haga ninguno en absoluto, lo cual es frustrante y le quita toda la gracia al asunto.

Un caso más problemático es el de la avioneta. Aquí utilizamos el Wiimote a modo de joystick, manteniéndolo apuntado hacia el techo para permanecer estables e inclinándolo para girar o cambiar de altura. La idea es cojonuda; pero los controles son tan sensibles que cualquier movimiento mínimamente brusco hará que terminemos nuestros días convertidos en una bola de fuego. Ni se os ocurra rascaros o estornudar en medio del vuelo. Con los restantes medios de transporte ocurre tres cuartos de lo mismo.

No obstante, lo que plantea mayores dificultades respecto del control son aquellos movimientos instintivos del jugador que dan lugar a una muerte fatal. Por ejemplo, si Indy, teniendo la cámara a la espalda, camina hasta el borde de un barranco, trastabillará y se agarrará al borde; en tal caso, estaréis de acuerdo conmigo en que lo lógico sería mover el stick analógico hacia nosotros, esto es, hacia la cámara, para que Indy trepe; sin embargo, si hacemos esto, Indy decidirá que vivir no merece la pena y se dejará caer al vacío; y es que, nos enfoque desde donde nos enfoque la cámara, para trepar siempre tenemos que mover el stick hacia delante, aunque no sea lo más intuitivo.

Lo mismo ocurre cuando nos pegamos a una pared para franquear un desfiladero; si luego queremos separarnos del muro, no nos queda otra que mover el stick hacia abajo, aunque el personaje esté mirando pa’ Lugo. Por supuesto, cualquiera puede acostumbrarse a estos inconvenientes, pero seguro que también podría acostumbrarme a recibir patadas en los huevos y no por ello querría soportarlo.

Después de todo esto, quizá no me creáis si os digo que todavía falta lo peor; pero es cierto. Por eso, he colocado un dibujo tan chulo aquí al lado, para que el trago sea menos amargo. Y es que lo peor de todo es la sensación de que el juego ha sido lanzado antes de tiempo. ¿Por qué digo esto? Pues, en primer lugar, porque hay montones de glitches. En mi primera partida, el juego se quedó congelado cuatro o cinco veces y también vi a un nazi al que había noqueado deslizarse cual bobsled por la arena del desierto, a otro nazi volar hasta el techo como si fuera un globo lleno de helio y a Indy quedarse flotando sobre una fosa con los brazos en alto tras ser empujado hasta allí por una pared móvil.

Ahora bien, por triste que suene, la existencia de glitches es perfectamente comprensible, ya que ningún beta tester en su sano juicio querría jugar más de una partida a “El Cetro de los Reyes”. El motivo es bien sencillo: no hay ninguna forma de saltarse las escenas de vídeo ni las explicaciones de Indy sobre cómo jugar. Es decir, si morimos, pongamos por ejemplo, durante el primer tiroteo, tendremos que tragarnos de nuevo tanto la cinemática que precede la fase en cuestión, como todas las instrucciones sobre cómo movernos, disparar, recargar, etc., perdiendo cada vez que muramos cinco minutos en oír la misma cantinela.

Igualmente, si repetimos alguna pantalla que ya hayamos superado para desbloquear logros o encontrar algún tesoro perdido, no solo tendremos que ver cualquier escena que haya a lo largo del nivel y escuchar los “tutoriales” oportunos, sino que si llegamos hasta el final de la fase en lugar de volver a la pantalla de título desde el menú, también nos tocará presenciar la escena que preceda la fase siguiente. Al final, da la impresión de que nadie se ha molestado en probar el juego una vez terminado. La otra posibilidad es que LucasArts esté conchabada con el Diablo y quiera amargar nuestra existencia para que cometamos actos de maldad y vayamos al Infierno.

Cambiando un poco el tono, los extras están bastante bien; pero no suplen las deficiencias de la aventura principal. El modo “¡Viaje en equipo!”, en el que un jugador maneja a Indy y otro a su padre, es entretenido e incluso divertido a ratos; pero se puede pasar en menos de dos horas, pese a todos los problemas que ya he comentado. También hay un multijugador que apenas he probado, aunque, a la vista de cómo son los controles, seguro que es muy cansino; y, como curiosidad, si reunimos los logros y tesoros necesarios, podemos activar el clásico modo cabezón, o jugar con Indy vestido de esmoquin o de Han Solo.

El “Fate of Atlantis”, como ya mencioné al principio del artículo, es otro de los contenidos adicionales, pero los únicos cambios respecto de la versión para PC son que ahora el juego se controla con el Wiimote y que la música suena un poco peor debido al proceso de conversión; aún así, sigue siendo lo mejor del disco.

Por último, señalar que el juego ha sido íntegramente traducido y doblado al castellano. Los anglófobos seguro que lo agradecen, pero a mí, personalmente, el tema del doblaje español no acaba de convencerme, ya que si bien no tengo ni idea de cómo suena la voz original de Harrison Ford, sí que sé cómo suena en castellano, y, lamentablemente, ni Salvador Vidal ni Camilo García han prestado su voz al personaje. En inglés me la hubieran dado con queso; en español, no. Y no sé si habrá premios al mejor doblaje de un videojuego, pero desde luego los actores que han trabajado en “El Cetro de los Reyes” no se llevarían ni el de consolación.

Por otro lado, activar los subtítulos no es una opción, sino un imperativo categórico. No es ya solo que las voces se oigan fatal aunque bajemos el volumen de la música y de los efectos de sonido; es que, en ocasiones, no se oyen en absoluto. Además, hay un problema añadido: la distribuidora en España no ha colocado debidamente los subtítulos, y a veces éstos aparecen varios segundos antes de que los personajes pronuncien su frase. No es el fin del mundo, pero queda fatal.

En conclusión, “El Cetro de los Reyes” es el juego de Indiana Jones que jamás debí haberme comprado, otro “Buffy the Vampire Slayer: Chaos Bleeds” y otro “The Hulk”, una decepción como la copa de un pino que más tontos como yo comprarán solo por el nombre. Mi consejo es que si sois muy fans de Indy, lo alquiléis un fin de semana y os lo paséis de una sentada. Pagar por él es tirar el dinero.

Este análisis no ha sido patrocinado por LucasArts.

También en ion litio…

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Indiana Jones Omnibus

Optimizando Netbooks

Exclamation — Tue, 23 Jun 2009 04:40:28 +0000

Como estoy viendo que últimamente hay mucha proliferación de este tipo de máquinas, he decidido hacer una pequeña guía de los programas recomendados, desde mi punto de vista, buscando principalmente software que consuma pocos recursos, ya que estas máquinas no suelen ser boyantes en cuanto a capacidades.

Los programas que os voy a recomendar son todos open source o gratuitos, para que podáis acceder a ellos sin ningún tipo de problema vía Internet. Por supuesto que no solo de Windows vive el hombre, pero hay situaciones en las que nos vemos obligados a usarlo. Por tanto, voy a probarlo todo en Windows XP, que es, quizás, la versión de Windows mas extendida.

Escritorio

Empecemos con lo más básico. En primer lugar, os recomiendo que busquéis un tema de escritorio lo más simple y minimalista posible, no ya por los recursos en sí, sino por el espacio en la pantalla. Para no tener que tirar de programas de terceros (y con ello consumir más espacio en el disco duro y recursos), os comento que existe un parche para Windows XP llamado UXTheme con el que podéis usar temas de extensión “*.msstyles” que no hayan sido previamente firmados por Microsoft. Además de una mayor funcionalidad, personalizaréis vuestro PC dándole un toque único y distintivo. En la página de Crystal XP, aunque “pocos”, todos los temas disponibles son muy completos, variados y atractivos.

También debéis cuidar el asunto de los accesos directos. Si veis que tenéis muchos iconos en el escritorio, en el inicio rápido o en el menú de inicio que no usáis, simplemente borradlos; siempre habrá tiempo de crearlos de nuevo. Además, existe una carpeta llamada “Mis documentos” (en tono irónico, claro), donde podemos tener todo organizado por categorías, temáticas u otros sistemas, evitando así utilizar el escritorio a modo de contenedor. El hecho de tener un escritorio limpio y ordenado no hará otra cosa sino facilitarnos el trabajo, o la diversión.

Por último, ocultar la barra de tareas para maximizar la pantalla en cualquier programa tampoco es mala idea.

Enlace | UXTheme Multipatcher
Enlace | Crystal XP

Navegador de Internet

Esto es redundante y el 90% de vosotros seguro que lo sabéis; pero, bueno, como no podía ser de otra manera, el omnipotente Firefox se lleva la palma. Firefox, además de consumir pocos recursos, tiene una serie de características que lo hacen muy atractivo para los ultraportátiles. Su punto fuerte es, sin duda, el sistema de complementos. Mi recomendación a la hora de configurar este navegador es la siguiente:

1.- Eliminar la barra de acceso rápido en caso de que no la utilicéis.

2.- Usar un sistema de iconos pequeños. Para ello, os tenéis que ir a:

Ver → Barra de herramientas → Personalizar

En la nueva ventana que se abrirá veréis que abajo del todo os pone “Usar iconos pequeños”. Lo marcáis y aceptáis.

3.- Si la barra de menú no la usáis mucho, os recomiendo una extensión llamada “Hide menu Bar”, que os ocultará dicha barra. Cuando tengamos la necesidad de acceder a ella, con pulsar las teclas Alt + A aparecerá de nuevo, para volver a desaparecer automáticamente una vez la hayamos usado.

4.- Personalmente no me gusta, pero otra opción es ocultar la barra de estado.

Con estos cuatro sencillísimos trucos ganaremos hasta un 5 o 10% más de espacio en el navegador de Internet, algo muy útil a la hora de visitar ciertos sitios web, como puede ser YouTube, donde con la configuración por defecto y con una resolución de 1024×600, la mayoría de vídeos se cortan y no podemos ver la barra de tiempo para poder avanzar, retroceder o pausar/reanudar.

Enlace | Mozilla Firefox
Enlace | Complemento “Hide Menu Bar”

Reproductores multimedia

Quizás es la sección donde más alternativas encontraréis. Yo, tras mucho indagar, finalmente me he decantado por usar dos programas diferentes, uno para la música y otro para el vídeo. Esto es debido a que la carga que necesita un reproductor de vídeo no es la misma que uno de música, y, parándome a pensar y analizar, me di cuenta de que usaba mucho más el de música que el de vídeo. A esto se le unieron otros aspectos como la facilidad para crear una lista de reproducción o la posibilidad de ecualizar el sonido.

Para la música he elegido el AIMP2, que con un consumo de 2 megas de RAM en secundario y todas sus posibilidades a modo de complementos, skins y utilidades “de fábrica”, lo hacen muy completo y manejable. El único punto negativo que le veo es que actualmente no se encuentra en castellano, y esto tal vez eche a alguna gente para atrás.

Para el vídeo, después de pelear con el Media Player Classic, me he decantado por el VLC, un programa sencillo y que no necesita de códecs, por lo que tendremos menos programas instalados en nuestro querido disco duro. El MPC no es malo (de hecho, es la segunda alternativa que recomiendo), pero soy una persona muy ordenada y tener dos mil códecs instalados no me atrae.

Enlace | AIMP2
Enlace | VLC

Seguridad

Tras probar algunos antivirus como el Avast o el NOD32, me he quedado con el AVG. Su edición gratuita es genial para una navegación más o menos segura y eficaz. No dispone de las excelencias de su edición de pago, pero, igualmente, si somos viejos lobos de mar en esto de Internet, no necesitaremos mayor protección en nuestros ordenadores.

Además, como complemento para la protección y limpieza, os propongo que os bajéis el Glary Utilities, un programa que mantendrá nuestro PC limpio de toda basura y con el registro de Windows cuidado y ordenado. También tenéis el HiJackThis, pero creo que su uso es un poco más peligroso y profesional.

Enlace | AVG Free
Enlace | CCleaner

Otros programas recomendados

aMSN: Alternativa GPL del famoso MSN Messenger (actual Live Messenger), que incluye, como viene siendo habitual en estos programas, diferentes plugins y skins, aparte de unas posibilidades de personalización amplísimas.

Enlace | aMSN

OpenOffice: La “versión” de código abierto de la suite ofimática mas famosa del mundo: Microsoft Office. Decir que este programa, aunque bien acabado, corre peligro de extinción, ya que, según parece, muchos desarrolladores han dejado el proyecto. Aun así, acaba de lanzarse una nueva versión.

Enlace | OpenOffice

Paint.Net: El Gimp es al Photoshop lo que el Paint.Net al Paint. Para trabajar con una herramienta de edición de imágenes en un ultraportátil normalmente necesitaremos poca cosa, pero no tan poco como lo que el Paint nos ofrece. Además, a este programa se le pueden adherir complementos para hacerlo más completo. Lo sorprendente es que, disponiendo de tantísimas funciones, ocupe solo 1,6 Mb.

Enlace | Paint.net

Firefox Ultimate Optimizer: Como pequeño complemento, y si sois usuarios de Windows, os puedo recomendar también este programa. Los recursos que consume Firefox pasarán de ocupar unos 50-74 megas a unos 2 o 3 cuando se está usando y unos pocos kilobytes cuando no se está navegando.

Enlace | Firefox Ultimate Optimizer

Bueno, como veis, tenéis para rato si queréis descargar y probar todos estos programas. Además, siempre podéis buscar alternativas, ya que, por supuesto, esta no es una lista definitiva, y me encantaría que compartieseis vuestras experiencias con nosotros sobre estos u otros productos diferentes.

También en ion litio…

Promoción de MS-Dos Upgrade 5
Big Buck Bunny
Microsoft Matrix

Pauline, la otra chica de Mario

El Tipo de la Brocha — Thu, 18 Jun 2009 04:46:02 +0000

El idilio de Mario y la princesa Peach dura ya veinticuatro años. ¡Veinticuatro! Tan solo imaginaos que, de estar casados, de aquí a unos meses estarían celebrando sus bodas de plata. Y durante todo este tiempo han vivido en pecado. Pavor me da que la Iglesia Católica se entere de esto. Acabaría pensando que ni de los italianos bigotudos puede uno fiarse.

Lo que es a mí, me tranquiliza saber que Mario ha conocido a más mujeres aparte de la princesa del Reino Champiñón; concretamente a Pauline, Estela y Birdo. ¿Por qué no dar una oportunidad a los dinosaurios rosas transexuales?

En este artículo, os contamos todo lo que necesitáis saber sobre el primer romance de la estrella de Nintendo y mucho, mucho más.

‘Donkey kong’ (1981)

El comienzo de nuestra historia se remonta al año 1981. Por aquel entonces, Mario se ganaba la vida realizando trabajos de carpintería y fontanería en Nueva York. Sin embargo, el negocio no iba todo lo bien que cabía desear. Así pues, cuando surgió la oportunidad de trabajar como jefe de carpentiere en un edificio que estaban construyendo en Kyoto, Mario no dudó ni un instante en hacer las maletas y marchar al país del sol naciente.

Allí sus compañeros nipones pronto comenzaron a conocerle como “Jumpman”, el Saltador, porque en una ocasión había salvado la portentosa distancia de 11,4 metros entre dos vigas cuando una caja de herramientas estuvo a punto de desplomarse sobre su cabeza. Mario solo esperaba no tener que volver a saltar con un vacío insondable abriéndose bajo sus pies.

Después de algunos meses trabajando a sol y sombra, su jefe, el señor Miyamoto, le presentó a un colega suyo que había venido desde los Estados Unidos para visitar la ciudad y sus alrededores con la familia. La hija de aquel hombre se llamaba Pauline.

Pauline y Mario congeniaron desde el primer momento, y empezaron a salir juntos. Ella estaba como un tren, y tenía los modales de una princesa. Los chicos de la obra la llamaban “Lady”, y también muchas otras cosas que Mario no llegaba a entender. En cualquier caso, Mario no tenía ninguna duda de que Pauline era una vera giovane donna.

Todo iba de cine hasta que, un caluroso día de julio, apareció el gorila. Y no se trataba de ningún apodo. Era un gorila de verdad, un macho alfa, fuerte y de pelaje rojizo, mucho más grande que los que se ven en los zoológicos, y con dos filas de dientes que parecían teclas de piano.

Aquel día Pauline había ido a visitar a Mario a la obra, y ambos estaban juntos cuando el animal apareció de la nada. Paralizado por la sorpresa y el miedo, Mario observó cómo el enorme primate cargaba a Pauline sobre sus hombros y trepaba con una facilidad pasmosa por el edificio en construcción.

Tras salir de su estupor, Mario tomó un martillo y corrió hacia las escaleras más cercanas. El gorila, furioso, comenzó a arrojar barriles hacia los niveles inferiores. En algún momento, los aceites refrigerantes prendieron la madera para los encofrados. Los obreros corrían espantados.

Haciendo gala de una agilidad inusitada y no sin esfuerzo, Mario alcanzó la parte más alta del edificio y consiguió que la viga sobre la que se encontraba el gorila se desplomase varios pisos, dejando al animal fuera de juego. Era la primera vez que Mario rescataba a una damigela in pericolo.

‘Donkey Kong Junior’, ‘Mario Bros’ y otros (1982-1983)

Las autoridades japonesas no consiguieron averiguar de dónde había salido el gorila, al que la prensa nipona bautizó burlonamente “Donkey Kong”, así que decidieron trasladarlo al Zoo Municipal. Sin embargo, como el animal era demasiado salvaje para exhibirlo al público, lo encerraron en una jaula. Mario se alegró de aquello. En el fondo, sabía que estaba mal desearle esa clase de suerte a otro ser vivo, pero no podía apartar de su mente el daño que aquel gorila había causado a Pauline. Su obsesión incluso le llevó a abandonar su trabajo en la obra para aceptar un puesto como cuidador del gorila. Solo así podría vigilarlo constantemente y evitar que la historia se repitiese. Poco podía Mario imaginar que esto le separaría de Pauline y, mucho menos, que el gorila tenía un hijo que iría en su rescate.

Después de lo sucedido en Japón, Mario vivió una serie de extrañas experiencias que lo mantuvieron aún más tiempo alejado de su amada. En 1983, reunió todos los ahorros que tenía y regresó a los Estados Unidos. Su hermano Luigi y él trabajaron para el ayuntamiento de Nueva York eliminando una plaga inverosímil de tortugas, cangrejos y moscas que había surgido de la noche a la mañana en las alcantarillas de la ciudad. Después de aquello, Mario fue enrolado en una misión militar de alto secreto, y a su regreso, volvió a asociarse con su hermano para trabajar en una planta embotelladora. También estuvo algún tiempo cargando camiones en una fábrica de cemento, aunque acabó dimitiendo porque el trabajo era demasiado peligroso para su gusto.

‘Pinball’ (1984)

Por una razón u otra, Mario no había vuelto a ver a Pauline desde 1981, y su reencuentro se produjo en las circunstancias más dantescas imaginables. En febrero de 1984, una mente perversa capturó a la pareja en una trampa que formaba parte de un gigantesco juego de pinball.

Pauline fue encerrada en una pequeña buhardilla, sin puertas ni ventanas; y Mario, en el piso inmediatamente inferior. Entre ambas plantas solo se interponían 10 metros cúbicos de aire, dos bumpers de 100 puntos y tres columnas de luces numeradas del 1 al 3. ¿Qué genio malvado había tras aquella locura?

Mario era consciente de que el oxígeno de la buhardilla no duraría eternamente, sobre todo si Pauline estaba muy alterada y se ponía a correr de un lado para otro. Por lo tanto, debía sacarla de allí cuanto antes, y la única forma de hacerlo era abriendo alguna de las tres piezas que formaban el suelo de la buhardilla. Para ello, era necesario que el color de todas las luces de al menos una de las columnas fuera el mismo. Y Mario solo podía cambiar esos colores haciendo que una bola de metal del tamaño de un balón de fútbol pasará por los haces de luz con ayuda de una viga que debía sostener sobre su cabeza. Ni siquiera la tensión del momento impidió a Mario apreciar lo inconcebible del escenario.

Además, cuando por fin consiguiera retirar alguna de las piezas, Mario tendría que hacer las veces de pompiere y colocarse debajo de Pauline para recogerla con la viga antes de que se estrellase contra el suelo. Cabría pensar que metro y medio arriba o abajo no salvaría a Pauline de una muerte segura, pero la viga tenía una superficie que, además de repeler la bola de metal, podía frenar la caída de Pauline. Al final, todo dependería de los reflejos de Mario y de la fuerza de sus brazos.

Gracias al azar más que a su habilidad, Mario consiguió abrir el suelo de la buhardilla. Tal y como tenía previsto, Pauline cayó por el agujero, y Mario corrió a colocarse debajo de ella. La viga amortiguó la caída, y Mario soportó el impacto con estoicismo. Sin embargo, para su sorpresa, Pauline siguió caminando por la viga. Debía de estar desorientada o, tal vez, drogada. Aunque solo había metro y medio de distancia entre Pauline y el suelo, existía la posibilidad de que cayese mal y se partiera el cuello.

Entonces Mario reparó en dos vigas que sobresalían de las paredes del piso y que conducían a sendas puertas sobre las que había un letrero con la palabra “EXIT”. Estas vigas estaban prácticamente a la altura de la propia viga que él estaba cargando, por lo que si Mario la acercaba y hacía coincidir sus extremos, Pauline podría caminar hasta la salida.

Mario ejecutó su plan, y, con Pauline ya a salvo, suspiró de puro alivio.

‘Super Mario Bros’ (1985) y sus secuelas

En septiembre de 1985, después de pasar más de año y medio conviviendo con Pauline en Nueva York, la vida de Mario dio un giro radical. Su hermano Luigi y él estaban desatascando una bañera en Brooklyn, ganándose la vida como mejor sabían hacer, cuando una fuerza misteriosa se los llevó tubería abajo, transportándolos, por arte de birbiloque, al Reino Champiñón.

En aquel mundo extraordinario en el que las setas habían alcanzado el mismo estadio de evolución que el homo sapiens, Mario y su hermano se embarcaron en un viaje fantástico para rescatar a la princesa Peach Toadstool de las garras del malvado Rey Koopa. Pauline y Mario no volverían a verse en mucho tiempo.

‘Game Boy Donkey Kong’ (1994)

A mediados de los 90, Mario ya era una leyenda viva en el Reino Champiñón. Había rescatado a la princesa Peach más veces de las que recordaba, ejercido de doctor en medicina, competido en carreras de karts y en torneos de golf, e incluso participado en un safari a lomos de un dinosaurio. Sin embargo, ni siquiera sus incontables batallas contra Bowser, el infame rey de los koopas, podían prepararle para la sorpresa que supuso el retorno de su viejo rival Donkey Kong.

Aquel encuentro coincidió, además, con el regreso de Mario a la gran ciudad. El fontanero debía algo más que una explicación a Pauline, y, pensando que Bowser tardaría al menos una temporada en recuperarse de su derrota en Jewelry Land, creyó que era el momento más oportuno para visitar a su primera novia formal.

Afortunadamente, Pauline seguía viviendo en el piso que habían compartido en Brooklyn diez años atrás, por lo que fue fácil encontrarla. El problema era que, después de tanto tiempo sin tener noticias de los hermanos Mario, Pauline los había dado por muertos. Mario aún la estaba poniendo al día cuando Donkey Kong irrumpió en la casa rompiendo la pared del salón.

Al igual que Mario, el gorila también había cambiado. Se había vuelto, en palabras del fontanero, molto umano. Incluso llevaba una corbata con sus iniciales bordadas. Sus intenciones, en cambio, seguían siendo las mismas. El gorila raptó a Pauline y subió con ella a lo alto de un edificio en construcción, muy parecido a aquel en el que Mario había trabajado en Kyoto tantos años atrás.

Mario dio caza al gorila con facilidad y, una vez más, consiguió que se precipitase desde varios pisos de altura. Sin embargo, la mollera del animal debía de haberse endurecido con los años, porque no tardó en levantarse y capturar de nuevo a Pauline.

La persecución llevó a Mario desde la gran ciudad hasta la torre de Donkey Kong, y, solo gracias a su habilidad y perseverancia, logró salir triunfante. Pero, ¿habría hueco para Pauline en el mundo en el que Mario vivía ahora?

‘Mario vs. Donkey Kong 2: La marcha de los Minis’ (2006)

Dicen que el primer amor nunca se olvida, y aun después de haber arriesgado más de una vida extra por la princesa Peach, una parte del corazón de Mario seguía estando con Pauline. Por eso, en el mismo instante en el que Mario decidió inaugurar un parque temático basado en los muñecos que fabricaba la empresa que fundó dos años atrás (la lucrativa Mini Mario Toy Company®), tomó la resolución de invitar a Pauline.

Para evitar que Peach se enterara de su encuentro, Mario utilizó sus propios contactos entre los Toad. Probablemente la princesa acabaría enterándose de todos modos, pero existía la posibilidad de que Bowser la secuestrara antes y la cita quedara en secreto.

Los Toad eran bastante apañados cuando no te estaban mandando a otro castillo, e hicieron bien su trabajo. Para no llamar la atención, Mario se reunió con Pauline en el subterráneo que figuraba como Mundo 1-2 en los mapas del Reino Champiñón. Ella parecía contenta de verle, y él la llevó a visitar el Cielo y las pirámides de Sarasaland.

Días más tarde, Mario se presentó en la ceremonia inaugural acompañado de Pauline. Donkey Kong estaba entre el público; pero no era el mismo Donkey Kong al que Mario se había enfrentado doce años atrás. El gorila “original” se había retirado después de su última batalla, y Mario había oído que había envejecido muy rápido e incluso que se había cambiado el nombre. El segundo Donkey Kong era pariente del primero, y ambos compartían el gusto para las corbatas.

Después de que Pauline cortase la cinta, Mario le ofreció un Mini-Mario. Aquello entusiasmaría a las masas y enamoraría a la cámara. Con lo que Mario no contaba es que, al mismo tiempo, Donkey Kong se abalanzaría sobre Pauline para ofrecerle un Mini-Donkey Kong. Mario se temió lo peor. Pauline escogió el Mini-Mario, y Donkey Kong, sintiéndose ofendido, agarró a la chica y huyó con ella.

Resuelto a terminar con aquello cuanto antes, Mario siguió al gorila y, con ayuda de los Mini-Mario, liberó a una vez más a Pauline de las manazas del simio. Al final, todo quedó entre amigos.

La cuestión es: ¿volverá Mario a ver a Pauline? Este autor piensa que sí.

Fuentes:

Acceleration Due to Gravity: Super Mario Brothers
List of Mario games by year (Wikipedia en inglés)
Mario’s Bombs Away (Wikipedia en inglés)
Mario Bros. (Wikipedia en inglés)
Mario’s Cement Factory (Wikipedia en inglés)
Mario vs. Donkey Kong 2: March of the Minis (Wikipedia en inglés)

También en ion litio…

Curiosidades de ‘Super Mario Bros. 3′
Donkey Kong Country
Educación sexual con Mario Bros.

Transformers: S.O.S. Dinobots

El Tipo de la Brocha — Tue, 16 Jun 2009 04:16:26 +0000

A mediados de 2007, me compré un DVD con los ocho primeros episodios de “Transformers: Generación 1″. Repito: ocho episodios. Ocho. Menudo timo. Podría haberme gastado ese dinero en un pincho de tortilla, un zumo de naranja y un café con leche; pero toda la comida acaba convirtiéndose en mierda, y aunque los episodios de “Transformers” también apesten, al menos puedo guardarlos en la estantería para recordar por qué no debo comprarme ni un solo DVD más de la colección.

¿Qué queréis que os diga? La serie era muy pobre y tenía más agujeros que Alex Murphy antes de convertirse en RoboCop. De hecho, una vez superado el arrebato consumista, solo fui capaz de ver los dos primeros episodios de un arco argumental de tres.

Pero no me gusta tirar el dinero, y como el único modo de aguantar 22 minutos de animación pésima y diálogos aberrantes sin beberme antes un galón de cerveza era escribiendo un artículo al respecto, eso es precisamente lo que he hecho. Para facilitarme aún más la tarea, he escogido un episodio con dinosaurios. En ion litio coleccionamos enciclopedias de dinosaurios, nos los comemos y aprovechamos cualquier ocasión para hablar de ellos. Ojalá pudiera ir al curro montado en un tiranosaurio.

Ayúdanos, Grimlock, eres nuestra última esperanza

En el episodio de hoy, los Autobots amanecen en estado de alerta. Una serie de terremotos han acabado con la vajilla que trajeron desde Cybertron, y los ánimos están bastante alterados. Ironhide echa la culpa de los temblores a los Decepticons; una opción muy interesante teniendo en cuenta que la base de los Autobots está incrustada en la ladera de un volcán. No sé, quizás deberían investigar mínimamente esta posibilidad antes de señalar a nadie con el dedo.

Detrás del punto donde los temblores son más fuertes, los Autobots encuentran una cueva con fósiles de dinosaurios. El hecho de que un montón de huesos viejos estuviera provocando los terremotos no parece preocupar a nadie, y los Autobots se muestran más interesados en los monstruos prehistóricos que en hacer un aburrido estudio geológico.

Tras recibir una breve lección de su joven amigo humano Spike Witwicky (algo así como: “Ahí los tienen, amigos: los dinosaurios. No eran muy inteligentes debido a su cerebro pequeño, pero eran muy poderosos”, dicho con acento sudamericano), a Wheeljack y Ratchet se les ocurre que podrían construir robots dinosaurios para combatir a los Decepticons. Sí, habéis leído bien: pueden construir los robots que les venga en gana con tal de que se les ocurra. Los dos bandos deberían sentirse aliviados de no enfrentarse a un adversario con imaginación, sino pronto hubieran tenido un Chucknorrisbot pateando culos metálicos de aquí a Cybertron.

En el tiempo que tarda Megatron en decidir que él y sus soldados van a atacar una presa hidroeléctrica (se nota que el líder de los Decepticons fue compañero de promoción de Skeletor y del comandante Cobra en la Universidad de Villanos), los Autobots construyen tres Dinobots: Grimlock, el tiranosaurio; Slag, el triceratops; y Sludge, el brontosaurio. Los directivos de Hasbro se frotarían las manos pensando en las ventas de sus nuevos juguetes. ¿Qué niño no compraría un robot que se transforma en dinosaurio? Uno que no quiere ser feliz, está claro.

Sin embargo, los planes de los Autobots no salen como ellos esperaban. Los Dinobots tienen el cociente intelectual de una tostadora y el corazón de un monstruo nuclear japonés, y pronto comienzan a demoler todo lo que encuentran a su paso, incluido Teletran I, el único televisor de la base Autobot que sintoniza porno gratis. ¡Noooooooo!

Pensando en las largas noches que pasara a partir de ahora viendo la Teletienda, Optimus Prime ordena a sus tropas que destruyan a los Dinobots; algo bastante insólito viniendo del héroe que acuño la frase “La libertad es el derecho de todos los seres conscientes”. Tal vez esa mañana se levantó con el pie izquierdo. Pero antes de que el metal comience a saltar por los aires, Wheeljack interviene y desactiva a los Dinobots con su no-sé-qué magnético. La verdad es que para ser un robot al que le brillan las orejas cuando habla, es bastante apañado.

Mientras tanto, los Decepticons ya están atacando la presa hidráulica a punta de láser y profiriendo frases vagamente amenazadoras. Unos tipos con bata ―probablemente ingenieros o profesores de matemáticas― intentan contactar con los Autobots; pero como Teletran I está hecho unos zorros y los robots no tienen teléfono, los pobres y desamparados hombrecillos acaban siendo descuartizados por Ravage, la casete-jaguar, que se da un festín con sus intestinos. Y si no sucedió así, debería, porque hubiera sido más divertido.

Ignorantes de estos sucesos, Spike y Hound salen a patrullar, por si Megatron hace de las suyas. Por supuesto, tampoco pondrán ninguna pega si se cruzan con Megan Fox y su equivalente robot. De pronto, Hound detecta señales electrónicas y dice que podrían ser los Decepticons. Lo que no dice es que también podría tratarse de Silicon Valley, o de una Game Boy, o de un walkman. La verdad es que los Autobots son un pelín prejuiciosos.

Hound pone a Optimus Prime sobre aviso, y el líder de los Autobots le dice que se reunirán en las cataratas en 8.000 astrosegundos. Por pura curiosidad, y tal vez exceso de tiempo libre, he estado indagando sobre el término “astrosegundo”. En este episodio, 8.000 astrosegundos equivalen a alrededor de minuto y medio de tiempo en pantalla. En el episodio número 4, “Transporte al olvido”, Megatron dice que 3.000 astrosegundos es un tiempo intolerable de espera. En el episodio siguiente, “A rodar”, Megatron queda con Starscream en 5 billones de astrosegundos para resolver un asunto urgente.

El profesor Cornelius Walden de la Universidad de Colorado me ayudó a analizar estos datos, y nuestra conclusión es la siguiente: tratar de encontrarle algún sentido a una serie de dibujos animados de los 80 es como pedirle a James Bond que use condón: una pérdida de tiempo.

En fin, a los pocos astrosegundos de llegar a la presa, los Autobots son sorprendidos por los Decepticons y arrojados al río. Bumblebee, el Volkswagen escarabajo amarillo, a quien Optimus había encomendado la tarea de vigilar el cuartel general mientras los demás salían a salvar el planeta, aparece por allí y se lleva a Spike de regreso a la base.

En el interín, Wheeljack ha construido unas diademas como las del LaserScope de la NES para mejorar el cerebro de los Dinobots. Pese a que Optimus había prohibido reactivarlos, Wheeljack pretende valerse de ellos para salvar a sus compañeros. Total, Optimus también había ordenado que destruyeran a los Dinobots y que Bumblebee se quedara vigilando la base, y hasta ahora a los que no le han hecho ni puñetero caso les ha ido bastante bien.

Como era de esperar, al final los Dinobots salvan el día y son aceptados por los Autobots como parte del equipo. Y mientras los buenos celebran su victoria, el derrotado Megatron y sus soldados vuelven a su guarida submarina a tiempo ver “Humor amarillo”.

Conclusión

Un episodio penoso y plagado de sinsentidos que me hace pensar en lo poco exigentes que éramos de críos. Por mucha nostalgia que haya detrás, los Transformers de Michael Bay le dan mil vueltas a estos. Y por favor, no me bombardeéis con vuestras réplicas sin haberos tragado antes el episodio en cuestión, el cual podéis encontrar en YouTube. Eso sí, si queréis divertiros, haríais mejor en graparos la mano a un cactus.

También en ion litio…

Transformers: The Movie
‘Transformers’, la película:

Godzilla vs. King Ghidorah

El Tipo de la Brocha — Thu, 11 Jun 2009 04:23:36 +0000

Ya he hablado de la película “Godzilla” y algún día probablemente le dediqué un artículo a “King Kong”, dos cintas de monstruos que cualquier cinéfilo que se precie calificaría de clásicas, tanto por su antigüedad (la primera data de 1954, y la segunda de 1933), como por su impacto en la forma de hacer cine.

Aunque Kong goza del honor de ser el primer monstruo gigante en saltar a la fama; si nos centramos en los números, el coloso japonés gana por goleada, ya que el gran gorial solo ha protagonizado seis largometrajes (siete, si contamos “El hijo de Kong”, aunque en ésta el papi estaba criando malvas), mientras que Godzilla ronda ya los treinta, pudiendo presumir, además, de haber tenido una presencia más continuada en el tiempo. Actores disfrazados de monstruos gigantescos, animatrónicas para los primeros planos y maquetas de ciudades creadas con el único fin de ser destruidas son los ingredientes de una fórmula cuyo éxito ha durado más de cincuenta años.

En “Godzilla vs. King Ghidora”, el monstruo japonés no solo se enfrenta a su mayor y más temible enemigo, sino también a robots y viajes en el tiempo. Preparaos un café y acompañadme en esta esperpéntica aventura.

Recapitulando una de monstruos

El presente, año 1992 (yo de vosotros me quedaría con las fechas; son importantes). El joven escritor Kenichiro Terasawa recibe una llamada de su editora pidiéndole que escriba un artículo sobre un presunto OVNI (u “OFNI”, según el doblaje español) que está sobrevolando Japón; pero Terasawa le contesta que ya no está interesado en la ciencia-ficción y que, en adelante, solo escribirá sobre arte y literatura. Por lo tanto, decide escribir un libro sobre dinosaurios. Sí, la coherencia no es el fuerte de esta cinta. De todos modos, se lo perdonamos porque los dinosaurios molan y nunca hay un producto de más sobre ellos.

Para documentar su libro, Terasawa entrevista a un viejo combatiente de la II Guerra Mundial, que afirma haber visto un dinosaurio vivo. Se supone que ocurrió en 1944, en la Isla de Lagos, y que el dinosaurio salvó al viejo y a su guarnición de las tropas estadounidenses. A partir de esta historia, Terasawa llega a la conclusión de que la bomba H probada en Lagos en 1954 convirtió a aquel dinosaurio en Godzilla. Yo también tengo una teoría: las películas de Godzilla tienen más gracia si se ven con dos copas de más. Voy a servirme la primera.

Mientras yo me refresco el gaznate, los hombres importantes de Japón, esos que llevan traje y se sientan alrededor de una mesa cubierta de papeles que ninguno de ellos se ha molestado en leer (¿para qué está si no el becario?), discuten sobre el OFNI y al final deciden que lo mejor es poner a los militares en marcha. Ya está bien de hacer todo el día el vago en el cuartel.

Al rato, dos helicópteros localizan el OFNI cerca del monte Fuji, pero la supuesta nave alienígena los vuela en mil pedazos. Lógicamente preocupados, los hombres importantes se trasladan al lugar del suceso para ponerse en contacto con los visitantes, que, mira tú por dónde, no son extraterrestres, sino paisanos nuestros venidos del futuro, del año 2204 para ser precisos, y el OFNI, claro está, es en realidad una máquina del tiempo.

Como la película es de principios de los noventa, resulta reconfortante que el director y guionista Kazuki Omori escogiera una fecha tan lejana para su futuro ficticio, ya que da un poco de lástima ver películas como “Regreso al futuro II” y observar que, para 2015, Hollywood pensaba que ya habría coches voladores. En cambio, ¿por qué no una máquina del tiempo en el 2204? Para entonces, incluso los hijos de los que nacieron en el año del estreno estarán criando malvas.

Los visitantes del futuro advierten a los hombres importantes que si Godzilla no es eliminado, Japón será devastado por el monstruo. Esto es terrible, claro, porque los blogs de Kirai y de Flapy no existirían jamás. ¿Os imagináis la vida sin ellos?

Por suerte, como no es cuestión de dar la mala noticia y largarse, los visitantes también proponen una solución: retroceder hasta el año 1944 para evitar que el dinosaurio de Lagos se convierta en Godzilla. ¿Y cómo saben ellos que el dinosaurio es Godzilla? Pues porque han leído el libro que nuestro amigo Terasawa escribirá en el futuro basándose en la historia que le contó aquel viejo soldado que mencionábamos más arriba. Fascinante, ¿eh? Sin embargo, hay un pequeño detalle que no puedo quitarme de la cabeza (otra cosa en la que pensar aparte de las últimas fotos de Pilar Rubio para “FHM”), y es que nadie menciona los dos helicópteros que destruyó el OFNI. ¿Acaso los japoneses no sienten curiosidad por saber por qué les dispararon los tipos del futuro? ¿No deberían sospechar un poco de ellos? ¿Tanto les cuesta pedir explicaciones? ¿Haría bien en servirme otra copa? Apuesto a que sí.

El grupo de afortunados que viajará al año 1944 está integrado por el escritor Terasawa, una chica japonesa que repitió papel en otras cinco o seis películas de Godzilla, un experto en dinosaurios cuyo nombre no me molesté en memorizar, la japonesa del futuro Emmy Kano y el androide alopécico M-11, que, gracias a los peores efectos especiales que podáis imaginaros, protagoniza las escenas más vergonzantes de la cinta; y eso es mucho decir cuando estamos hablando de una película con tipos metidos en trajes de goma interpretando a monstruos de cien metros de altura.

En la nave también irán tres pequeñas mascotas voladoras llamadas dorats, que a mí, personalmente, me recuerdan al Poti-Poti de “Los Aurones”, aunque tienen alas en lugar de brazos y no son del todo verdes ni van zurrando la badana por doquier. Supongo que es otra de esas asociaciones raras, como la del color de los días de la semana. Y de aquí pasamos a…

El pasado, año 1944. Al sobrevolar los mares que rodean la Isla de Lagos, la nave-máquina del tiempo es avistada por la flota norteamericana, que, por supuesto, tiene algo que decir al respecto:

Mayor: Tiene razón, señor. Parecía una nave de otro planeta, pero… ¿Debemos informar, señor?
Comandante: ¿De que nos están invadiendo unos hombrecillos verdes del espacio exterior? Dejemos que sea nuestro secreto. Así tendrá algo que contar a sus nietos cuando los tenga, mayor Spielberg.

¡Pues claro! De ahí sacó Steven Spielberg sus ideas para “Encuentros en la tercera fase” y “E.T.: El extraterreste”. Debéis reconocer que es una ocurrencia buenísima. Seguro que incluso estaba apuntada en papel higiénico. ¡Vamos a por otra copa!

Los viajeros del tiempo aterrizan en Lagos y allí son testigos de cómo un dinosaurio parecido a un T-Rex aniquila y ahuyenta a los soldados estadounidenses cuando estaban a punto de masacrar a la guarnición japonesa de la isla, tal y como el viejo combatiente contó a Terasawa en 1992. El escamoso salvador no es otro que el antepasado de Godzilla, el Godzillasaurus, una variedad de lagarto gigante tan exclusiva y rara que no la encontraréis ni siquiera en “Dinosaurios”, la enciclopedia coleccionable.

Después de que los soldados japoneses se despidan de su inesperado salvador, el androide M-11 teletransporta al dinosaurio al mar de Bering, con lo que, supuestamente, Godzilla dejará de existir. Sin embargo, antes de regresar al presente, Emmy abandona a los dorats en la isla sin que los demás se enteren. ¿Comenzáis a oler a chamusquina? Yo desde luego que sí.

No, esperad, es que se me están quemando unas tostadas. ¿Otra copa, amigos?

El presente, año 1992. Los hombres importantes confirman a nuestros protagonistas que Godzilla ha desaparecido, lo cual, si lo pensáis durante un segundo, no tiene ningún sentido, porque si el monstruo no hubiera existido jamás, nadie lo recordaría, y no es el caso.

Ahora bien, el verdadero problema es que la radiación de la bomba H que estalló en 1954, en lugar de crear a Godzilla, ha fusionado a los dorats y los ha transformado en King Ghidorah, un colosal dragón tricéfalo que está bajo el control de los visitantes del futuro. ¿Cuál era entonces su verdadero propósito? ¿Jugar a ser dioses? ¿Destruir Japón? Parece que esto último. Malditos bastardos… Ahí es donde hacen los mejores videojuegos.

Mientras King Ghidora arrasa Fukuoka, los japoneses se dan cuenta de que lo único que puede detener al monstruo es otro monstruo (lógica elemental de primero de E.G.B.); pero como Godzilla ya no existe, deciden enviar al mar de Bering un submarino cargado hasta las trancas de misiles nucleares para transformar en Godzilla al Godzillasaurs que teletransportaron allí en 1944. Sin embargo, cuando el submarino japonés llega al mar de Bering, resulta que Godzilla ya está allí, y el monstruo destruye el buque con su aliento atómico, absorbiendo la radiación de los misiles y volviéndose más poderoso que nunca. ¿Cómo es esto posible? ¿No debería Godzilla haber sido borrado de la historia? ¿Conseguiré servirme una copa más sin derramar todo el whisky por el suelo?

Teresawa encuentra una explicación para todo esto en un recorte de prensa de 1970 sobre un submarino nuclear ruso que se hundió en el mar de Bering. Esto nos lleva (o, al menos, debería llevarnos) a la conclusión de que el Godzillasaurus no mutó debido a la bomba H de 1954, pues, como ya sabemos, no se encontraba allí en ese momento, sino a causa de la radiación del submarino ruso en 1970. Es decir, al mover al Godzillasaurus de sitio, los visitantes del futuro no solo no consiguieron eliminar a Godzilla, sino que, de hecho, crearon a Godzilla. Y si no lo entendéis, tampoco importa, porque dentro de muy poco los monstruos estarán dándose de hostias y la trama dejará de importar. ¡Bien!

Godzilla llega a las costas de Sapporo y comienza su periplo de destrucción en dirección a Tokyo. Los tipos del futuro, viendo que sus planes pueden irse al traste, envían a King Ghidora para aniquilarlo, con lo que comienza la madre de todas las batallas.

Al principio, parece que King Ghidorah tiene las de ganar, ya que tres cabezas muerden más que una; pero Emmy traiciona a sus compañeros del futuro y, con ayuda de Terasawa y del androide M-11 convenientemente reprogramado, destruye el ordenador con el que controlaban a King Ghidorah.

Aprovechando la confusión del monstruo tricéfalo, Godzilla contraataca salvajemente y arranca una de las cabezas a su rival con su aliento atómico. Después lanza el cuerpo al mar, y retoma su agradable paseo. La-la-ra-la-li-to…

Llegados a este punto, creo que conviene que repasemos la situación: para parar a King Ghidorah, los japoneses necesitaban a Godzilla; pero ahora que el rey de los monstruos ha vuelto, en lugar de echarles una mano, está arrasando el país, y nada ni nadie puede detenerlo salvo King Ghidora, al que Godzilla ya ha derrotado. ¿Qué pueden hacer nuestros héroes para arreglar este desaguisado? Pues viajar al año 2204, rescatar a King Ghidorah del fondo marino y traerlo de vuelta a 1992 reconvertido, gracias a la avanzada tecnología del siglo XXIII, en Mecha-King Ghidorah, mitad robot, mitad tío en un disfraz de goma. ¿Os duele la cabeza? Yo desde luego necesito una aspirina. Última copa, lo juro.

La confrontación final entre Godzilla y Mecha-King Ghidorah tiene lugar en plena ciudad de Tokyo, y débeis creerme cuando os digo que es la bomba, aunque describírosla no serviría de nada. No obstante, y por contaros algo, he marcado en un mapa dónde se producen los sucesivos ataques y combates a lo largo de la película. También he dibujado a Godzilla bailando “el Carlton” con King Kong, pero no quiero estropear el ritmo de la narración tan cerca del final, así que reservaremos esa obra de arte para otro momento.

Pilotado por Emmy, Mecha-King Ghidorah consigue arrastrar a Godzilla fuera de Tokyo y, finalmente, ambos monstruos se hunden en el mar. Tras de sí, quedan una ciudad en ruinas y unos seguros de hogar a precios estratosféricos. Por último, Emmy regresa a su tiempo, aunque no sin antes confesar a Teresawa que ella es su descendiente, lo cual no viene a cuento, pero habría supuesto un shock tremendo si estos personajes llegan a enrollarse, lo cual estaba casi cantado.

Valoración

Moderadamente cutre y con mucho encanto. Muy recomendable para los aficionados al género daikaiju o a los viajes en el tiempo, y también para los alcohólicos empedernidos.

Qué cocido estoy.

Fuentes:

“Gojira vs. Kingu Gidorâ” en IMDb

También en ion litio…

‘Godzilla’ (1954)
Mis monstruos favoritos

Muñecos que me avergüenza haber tenido

El Tipo de la Brocha — Tue, 09 Jun 2009 04:15:31 +0000

He de confesar que el título del artículo es algo impreciso. Para ser del todo correctos, debería haber escrito: “Muñecos que me avergonzaría haber tenido, si a estas alturas pudiera avergonzarme de algo”. En cualquier caso, es fácil saber por dónde van los tiros.

Todos hemos tenido algún muñeco con el que nos hemos sentido incómodos. O, al menos, eso espero; de lo contrario, yo sí que me sentiré algo incómodo cuando terminéis de leer el artículo. Podía ocurrir, por ejemplo, cuando en la caja aparecía una franja de edad que ya habías superado. El juguete podía gustarte, pero tú no ibas a reconocerlo ni aunque te metieran astillas debajo de las uñas. Cuando comenzabas a superar en altura las rodillas de los adultos, ya tenías tu pequeña reserva de orgullo, así que, al ver el juguete, ocultabas tu cara de ilusión y hacías una mueca extraña, parecida a la que ponías cuando tu madre te servía un plato que no te gustaba.

Sin embargo, había algo mucho peor que recibir un juguete para niños pequeños. A veces…, a veces podían regalarte un juguete para niñas.

Yo no quería eso

Si os ha pasado alguna vez, recordaréis lo humillante que puede llegar a ser recibir un juguete para chicas. Por supuesto, nunca sucedía con algo tan evidente como una Barbie. Qué va. El problema estaba en aquellas zonas que eran grises para los adultos, pero claramente blancas o negras para los niños. Nosotros siempre sabíamos con exactitud qué juguetes y series de dibujos animados eran de chicos y cuáles de chicas. Y si te equivocabas alguna vez y tus amigos se enteraban, pronto serías el último en ser elegido cuando tocase hacer equipos en el patio del colegio.

He de señalar que las víctimas, generalmente, éramos los varones. Una niña podía llevar al colegio una Tortuga Ninja, y lo más que le podía pasar es que se la rompiesen. En cambio, un niño que llevase un Pin & Pon era carne de cañón a la hora del recreo. Aquí la ley de igualdad de género no tenía cabida.

El único interés que un chico podía mostrar por una muñeca era de tipo médico-científico. Levantar la falda a la Barbie era uno de los pocos modos de satisfacer nuestra curiosidad varionil sin que nos curtiesen a pellizcos y patadas. Incluso “seccionar” a la susodicha muñeca y dejarla por ahí tirada a lo Jack el Destripador estaba bien visto. En el resto de casos, lo mejor era ni acercarse.

Para bien o para mal, yo tuve dos muñecos con los que únicamente podía jugar en casa (por lo general, con la puerta cerrada y una silla debajo del tirador). Si queréis verlos, seguid leyendo.

She-Ra: La Princesa del Poder

She-Ra, la hermana gemela de He-Man y defensora del Castillo de Cristal. Junto a sus fieles amigos, luchaba por liberar Etheria de las fuerzas malignas de Hordak. Os suena esta cantinela, ¿verdad? Bueno, quizá sea porque es prácticamente un calco de la introducción de “He-Man y los Amos del Universo”.

“She-Ra: La Princesa del Poder” fue el medio que empleó Mattel para dirigirse al público femenino, ya que nuestra corta edad hacía que los chicos prefiriésemos ver a un tipo musculoso y bronceado en taparrabos, y las chicas, a una rubia voluptuosa en minifalda. Era el mundo al revés.

En aquella época, ver “She-Ra” tampoco constituía el mayor de los pecados. Siempre y cuando uno no lo proclamase a los cuatro vientos, estaba a salvo de pullas y burlas. Después de todo, Hordak era el malo de la serie, y Hordak era el maestro de Skeletor, el archienemigo de He-Man. Y no solo es que Hordak estuviera un escalón por encima de Skeletor, sino que, además, podía transformarse en cohete y tenía el pisito más chulo de toda la mitología de los Masters del Universo.

Lo que no tiene perdón de Dios es la muñeca. ¿Os habéis fijado en cómo va maquillada? Sí, parece una ~~furcia~~ mujer de cariño necogiable. ¿Y su vestido? Esos brillos, esa tela vaporosa… Como niño, no hay forma de mantener la cabeza alta si a uno le compran esto, os lo aseguro.

Si leísteis mi artículo sobre la Cueva del Terror, ya sabéis cuál fue el destino de la pobre She-Ra. Requiescat in pace.

Mi pequeño pony: Enredos

¿Os acordáis de la serie de dibujos animados “Mi pequeño pony”? Yo voy a decir que no, y no conseguiréis que afirme lo contrario. La serie, según la ficha de la IMDb, relataba las aventuras de una niña llamada Megan en un mundo de ponis mágicos. Su opening os puede dar una idea del tono de los episodios. Quizá deberíamos repasar alguno para el próximo Halloween.

Pues bien, allá a mediados de los 80, mis tíos tuvieron la feliz idea de regalarme uno de los juguetes de la dichosa serie. Sabiendo que también fueron ellos quienes me compraron a She-Ra, comienzo a pensar que o bien querían tener una sobrina, o bien estaban gestando el guión de una película basada en hechos reales para vendérsela a Almodóvar.

El animalito en cuestión es todo lo que una niña podría desear: pequeño, mono, suave, de colores pastel… Ahora bien, no sé qué es peor, si haber tenido un muñeco de “Mi Pequeño Pony”, o haberme tirado media hora en Internet buscando a mi pony. Porque, en efecto, lo he hecho.

En mi defensa diré que tampoco fue muy difícil dar con él. Sabía que la hermosa y sedosa cola de cuatro colores de mi pequeño corcel podía cambiar de extensión (lo recuerdo a la perfección porque tiré de ella hasta arrancarla del todo), y con este dato fue fácil identificar la línea a la que pertenecía el juguete. Lo siguiente fue examinar una foto tras otra hasta que me topé con una imagen familiar. De hecho, la única diferencia entre el muñeco de la imagen que acompaña estos párrafos y el que yo tuve, es que el primero tiene cabeza. Y esta es la historia de mi reencuentro con Enredos. Qué nombre más bonito, ¿verdad?

Estoy casi convencido de que mi muñeco de He-Man cabalgó sobre Enredos en varias aventuras, luchando codo con… rodilla supongo, contra Skeletor y sus guerreros diabólicos. Luego, en tiempos de paz, He-Man cepillaba las crines de Enredos a la orilla de un lindo arroyo y… Ejem.

¿Y vosotros?, ¿tuvisteis algún juguete del que poder avergonzaros?

Fuentes:

Comunidad de Mi Pequeño Pony
Ponyland Press

También en ion litio…

He-Man y She-Ra: Especial de Navidad
El catálogo de juguetes de El Corte Inglés
He-Man: Figuras de acción

Monkey Island 2: LeChuck’s Revenge

El Tipo de la Brocha — Thu, 04 Jun 2009 04:24:17 +0000

Si expresiones como aventura gráfica, point ‘n’ click, SCUMM o iMUSE forman parte de vuestro vocabulario, conoceréis el título del que voy a hablaros hoy. Si por el contrario solo os van los “mata-mata” como “Half-Life” o “Quake”, leeos mi análisis de “Resident Evil 5″, pringados.

En 1990, LucasArts lanzó al mercado “The Secret of Monkey Island”, una hilarante aventura de piratas y fantasmas que, con el tiempo, se convertiría en uno de los máximos exponentes de su género. Apenas un año más tarde, salió su secuela y, pese a lo alto que estaba el listón, logró superar al original. Los gráficos de “Monkey Island 2: LeChuck’s Revenge” son más coloridos, los puzzles se han multiplicado, el número de melodías es mayor, e incluso los chistes son más graciosos. Por eso, es una de las mejores aventuras gráficas que existen y existirán jamás. En mi opinión, y en la de muchos otros, la mejor.

Tras la resurección de Monkey Island en el E3, con el anuncio de una nueva entrega titulada “Tales of Monkey Island” y de un remake del primer juego de la saga, no se me ocurre mejor momento para publicar este artículo. Eso sí, si no habéis jugado a “LeChuck’s Revenge” y tenéis intención de probarlo algún día, quizá deberíais dejar de leer ahora mismo, porque, salvo el secreto de Monkey Island, no me he guardado nada. En otro caso, o si no os importa que os lo destripe de arriba a abajo, seguid adelante.

En busca del Big Whoop

En un hoyo ancho y profundo, Guybrush Threepwood, carismático aunque torpe pirata, cuelga precariamente de una cuerda con un cofre en la mano. ¿Cómo ha llegado hasta allí? ¿Qué hay en el cofre? ¿Cuándo ha conseguido Guybrush ese abrigo tan chulo? ¿Es eso una barba? Aún estamos haciéndonos preguntas cuando una segunda cuerda desciende por el agujero y la bella gobernadora Elaine Marley se desliza por ella.

Elaine: Vaya, vaya, vaya. Guybrush Threepwood. La verdad es que apareces en los lugares más raros.
Guybrush: Ehh… Hola, Elaine. ¿Crees que podrías ayudarme?
E: ¿Cómo te has metido en este lío?
G: Es una larga historia.
E: No importa, tengo tiempo de sobra.
G: *suspiro* Todo comenzó en la isla Scabb. Algunos de mis fans me presionaban para que les contara de nuevo la historia de cómo eliminé a LeChuck…

Fundido en negro, logo de LucasArts, el título del juego ocupa toda la pantalla y, acto seguido, dos monos salen a escena bailando al son de la música de Michael Land. Los créditos se intercalan con las cabriolas de los micos, y vemos pasar el nombre de todos los grandes: Ron Gilbert, Tim Schafer, Dave Grossman, Steve Purcell… No se me ocurre una apertura mejor para el viaje que acabamos de emprender.

El relato de Guybrush nos lleva a la isla Scabb, en lo más profundo del Caribe. En una playa cubierta por el manto de la noche (ay, qué poética expresión), dos piratas escuchan a otro a la luz de una fogata. Aunque nos dé la espalda, reconocemos al narrador: es Guybrush Threepwood, con un aspecto más curtido, los bolsillos colmados de grandes riquezas que pronto perderá, y una actitud arrogante que le lleva a contar por enésima vez la historia de cómo eliminó a LeChuck.

“¿Es que no te sabes ninguna historia NUEVA?”, pregunta uno de los piratas. Guybrush responde que precisamente por eso está allí. Ahora va en busca del tesoro más grande de todos, “un tesoro tan valioso y tan bien escondido, que obsesiona a todos los piratas”: ¡el Big Whoop! Lo que Guybrush no sabía antes de llegar la isla es que en ella no había tesoros, ni que sus habitantes estaban sometidos al cruel embargo de Largo LaGrande, quien antes fuera la mano derecha de LeChuck; ni, lo que es mucho peor, que él mismo acabaría, sin quererlo, colaborando en la resurrección de su peor enemigo.

Las cuatro partes

Como su antecesor, “LeChuck’s Revenge” se divide en cuatro actos bien diferenciados:

Parte I: El embargo de Largo: Guybrush debe hallar la manera de librarse de Largo y fletar un barco para salir de la isla Scabb. La poderosa magia de la Hechicera Vudú puede serle de utilidad si consigue reunir los ingredientes necesarios: algo que sea de tela, algo de la cabeza, algo del cuerpo y algo de sus muertos.

El primer acto es breve y, al menos para los aventureros experimentados, bastante sencillo, pero sirve de toma de contacto con la mecánica del juego para aquellos jugadores que no la conocieran ya de la entrega anterior.

Parte II: Cuatro piezas de mapa: Guybrush alza velas y navega entre las Tres Islas en pos de los cuatro trozos del mapa del Big Whoop. Mientras tanto, el pirata zombi LeChuck cierra poco a poco el cerco sobre su desmañado rival. En el transcurso de su travesía, Guybrush será arrestado, se sumergirá en busca de galeones naufragados, beberá más grog del que puede soportar, resucitará a los muertos, y se reencontrará con su verdadero y único amor.

De los cuatro actos, este es, con diferencia, el más largo y complejo, ya que, para resolver determinados acertijos, tendremos en muchos casos que coger un objeto en una isla y usarlo en otra. Esto redunda, lógicamente, en una mayor dificultad, pero, al mismo tiempo, dispondremos de mucha más libertad a la hora de elegir el orden en el que resolver los puzzles, que están maravillosamente hilvanados. Además, hay multitud de lugares que visitar, personajes con los que hablar y objetos que llevarse a los bolsillos, por lo que nunca estaremos aburridos.

Parte III: La fortaleza de LeChuck: Guybrush se infiltra en la fortaleza del pirata zombi LeChuck ―escondida en una tormenta eterna― para rescatar a Wally, el único cartógrafo que puede ayudarle a localizar el lugar donde se encuentra el Big Whoop. Tras los muros de la fortaleza le aguardan un laberinto de pasadizos secretos y su salivosa y cadavérica némesis.

Para vergüenza y oprobio de un servidor, he de confesar que la primera vez que me pasé el juego, el acertijo de los pasadizos secretos lo superé usando el viejo truco de guardar y cargar la partida; es decir, por ensayo y error. Aún me siento sucio por ello.

Parte IV: La isla Dinky: Por fin, Guybrush llega a la isla Dinky, hogar del legendario Big Whoop y del ermitaño ―y ahora filósofo― Herman Toothroot. ¿Logrará el desgarbado pirata encontrar el misterioso tesoro antes de que LeChuck lo encuentre a él? ¿Descubrirá de qué color es un árbol si cae en el bosque y no hay nadie cerca para escucharlo?

De este acto merece la pena destacar el enfrentamiento final con LeChuck, en el que, además de estrujarnos las meninges, sufriremos el acoso continuo del rencoroso pirata, que no nos dejará tranquilos ni un minuto y nos enviará constantemente de una habitación a otra con su magia vudú. Esto puede impacientarnos e incluso enojarnos, pero desde luego ayuda a crear la sensación de que estamos en la recta final de nuestra aventura.

Oye, un cubo de barro… ¡y es mío, todo mío!

Todo el juego está salpicado de escenas inolvidables, y las líneas de diálogo van de lo gracioso a lo descacharrante, desde aquellas en las que Guybrush mira un objeto y resalta su insignificancia (insignificante caja, insignificante sofá, insignificante rótulo hecho añicos, insignificante llave vudú de la cárcel…) hasta los diálogos más largos y elaborados. De hecho, y sin perjuicio de sus restantes virtudes, creo que lo que ha llevado a los juegos de Monkey Island a hacerse un hueco en el panteón de las aventuras gráficas es su desternillante sentido del humor. Aquí recojo algunos de mis chascarrillos y momentos favoritos:

En la isla Booty, se celebra un concurso de escupitajos de piratas. Guybrush participa bajo pseudónimo (Capitán Salivazo, el Maestro de la Flema o Jugosus Maximus Tercero, a nuestra elección), y, tras espesar su saliva con un cóctel especial y hacer alguna trampa que otra, se prepara para escupir. Hay pocos efectos de sonido en el juego y, debido a limitaciones técnicas de la época, no son muy buenos; pero estos se os quedarán grabados para siempre: Suis-suis… ¡Jooooooooc!… ¡Fuuuuuuic! Guybrush espera a que el viento sople a su favor y… ¡Ppppt! Ya tenemos un ganador.

En la misma isla, para entrar en la mansión de la gobernadora Marley, Guybrush debe llevar una invitación y un disfraz. Jugando a la ruleta en la isla Phatt, consigue la invitación, con la que acude a la tienda de disfraces en busca de su atuendo, que, para nuestra sorpresa, es un vestido rosa.

“¡Qué traje más bonito!”, exclama Guybrush al verlo. Sin duda, las botas le dan un toque especial.

Tras reencontrarse con Elaine, Guybrush debe rebajarse y suplicar para recuperar el favor de la gobernadora y hacerse con el trozo de mapa que está en su poder. Sin embargo, hay otras opciones mucho más divertidas. Estas son algunas de las frases que podemos soltar en la conversación:

Me alegra verte. ¿Hay comida en la casucha esta?

Sigues ignorando la moda, ¿no? Mejor para ti.

¿Es mi imaginación, o has engordado?

¿Por qué no te pones algo un poco más cómodo?

No estoy seguro, pero ¿no me debes dinero?

He decidido permitirte que vuelvas conmigo.

Se te acabaron las noches frías, nena. He vuelto.

Bueno, ¿y quién es el padre?

He venido para verte. Al menos tráeme una cerveza.

¿Cómo está tu hermana? ¿La que está tan BIEN?

Para subir al “Árbol Grande” de Booty, donde una gaviota ladrona llevará uno de los trozos de mapa, Guybrush debe fabricar una improvisada escalera con un remo y una tabla. Sin embargo, el remo cede bajo su peso, y Guybrush se golpea fuertemente la cabeza. Entonces tiene una visión en la que sus padres, convertidos en esqueletos, le dan una pista muy valiosa… en forma de canción.

Esta, por cierto, es la pista que no supe enlazar con el puzzle de los pasadizos secretos en la fortaleza de LeChuck. Qué lástima.

En la isla Phatt hay un cartel de “se busca” con un retrato de Guybrush y un texto al pie que se va ampliando a medida que avanzamos en el juego. Esta es, salvo error u omisión por mi parte, la lista definitiva de cargos contra nuestro sagaz pirata:

SE BUSCA: GUYBRUSH THREEPWOOD… por el asesinato del P. F. LeChuck… y también por el uso de brujería sobre Largo LaGrande… robo de ropa y de una peluca recetada por un médico, para su empleo en tal brujería… saqueo de tumbas… allanamiento… hurto sin permiso… perturbación de la paz pública… apuestas ilegales sobre un evento deportivo… uso indebido de identificación para comprar alcohol… exceder el límite permitido por el Departamento de Sanidad para el número de partes de rata en una vichyssoise… encerrar prematuramente en un ataúd a una persona no muerta… trastear irresponsablemente con la fontanería de la ciudad sin antes llevar a cabo un estudio del impacto sobre el medioambiente… transportar animales que no están en un estado mental que les permita consentirlo… vandalizar una miniatura histórica… usar irresponsablemente útiles de jardinería… hacerse pasar por una mujer para evitar la persecución… dos acusaciones de evasión de una institución penal… reanimar a personas muertas dentro de los límites de la ciudad… poseer libros de la biblioteca que no ha sacado específicamente bajo su propio nombre… mezclar bebidas sin licencia de licores… y dejar suelto a un reptil peligroso en un área poblada. También se le busca para interrogarle sobre la desaparición de un monóculo. Se ofrece una recompensa por cualquier información que lleve al arresto del sospechoso. Se debe considerar a Threepwood armado y peligroso.

Al tratar de liberar a Wally de la prisión de LeChuck, Guybrush es capturado, y, como venganza por lo que ocurrió en el juego anterior, el pirata zombi lleva a ambos a la sala de torturas y los cuelga sobre un pozo de ácido conectado a un intrincado mecanismo. Aquí tenemos la posibilidad de preguntar a LeChuck sobre el funcionamiento de esta máquina mortal, pero también hay otras opciones, como, por ejemplo, las siguientes:

Guybrush: ¿Dónde está el servicio?
LeChuck: En el piso de arriba a mano izquierda, pero dentro de poco ya no te hará falta.

G: ¿Has probado un acondicionador para esa barba?
L: No.

G: ¿Por qué no me pegaste un tiro cuando entré?
L: Porque el juego tiene un disco más.

G: ¿No es peligroso dejar destapado un pozo lleno de ácido?
L: La seguridad no me preocupa en este caso.

G: ¿Qué país ganó la copa de Europa en 1956?
L: España.

G: ¿Por qué cuestan tanto los juegos de aventuras?
L: Los gráficos VGA son muy caros.

G: ¿De dónde vienen los niños?
L: En tu caso, del orfelinato.

¿Clímax o anticlímax?

En el enfrentamiento final con LeChuck que tiene lugar en los túneles que recorren el subsuelo de la isla Dinky, el pirata zombi revela a Guybrush que ÉL es su hermano, emulando de este modo la escena más conocida (y, probablemente, parodiada) de “El Imperio contraataca”. Luego, una vez derrotado, y haciendo ahora un guiño a “El retorno del Jedi”, LeChuck pide a Guybrush que le quite la máscara. Éste accede y, tras el falso rostro de su peor enemigo, reconoce a su hermano Chuckie. Poco después, llega un tipo con mono de trabajo para decirles que no pueden estar allí.

Guybrush y Chuckie, ahora convertidos en niños, salen a un parque de atracciones en el que un letrero enorme reza: “Big Whoop Amusement Park”. Allí, los chicos se reúnen con sus padres, que agradecen a Chuckie que haya traído de vuelta a su hermano. Guybrush asume que todo ha sido una suerte de fantasía, y nosotros, ante la aplastante evidencia, hacemos tres cuartas partes de lo mismo mientras tratamos de digerir lo que estamos viendo. Sin embargo, cuando la familia Threepwood al completo se dirige a una de las atracciones, Chuckie mira hacia la pantalla y, durante un instante, sonríe diabólicamente mientras sus ojos refulgen y despiden rayos.

Por último, para terminar de desorientarnos, una escena intercalada en los créditos nos muestra a Elaine esperando a Guybrush en la isla Dinky y comentando:

Espero que LeChuck no le haya hecho ningún horrible HECHIZO o algo así.

Este final tan ambiguo, para algunos incluso decepcionante, ha hecho correr ríos de tinta en Internet, y es que, si obviamos las explicaciones de “The Curse of Monkey Island” sobre el Big Whoop, ¿qué nos queda? Sabemos que Ron Gilbert no participó en la tercera y cuarta parte de la saga, y que su idea original no quedó reflejada en estas entregas. ¿Qué era lo que el padre de la criatura tenía en mente? ¿Son Guybrush y LeChuck hermanos y todo lo sucedido estaba en la cabeza del primero? ¿Cómo se explica en tal caso la última mirada de Chuckie y la declaración de Elaine?

Recuerdo que cuando me pasé el juego por primera vez, me quedé completamente desconcertado. Me había llevado muchas horas acabármelo, y no había usado guías ni ningún tipo de ayuda. ¿Cómo podía terminar así? Necesitaba una explicación. ¡Exigía una explicación! Volví a pasarme el juego varias veces, incidiendo en cada pequeña línea de diálogo, examinando cada objeto, buscando alguna pista que arrojara luz sobre el asunto. Nada. El final estaba abierto a la interpretación.

Y entonces comprendí que ahí radicaba su grandeza. No había una única solución. Todas las explicaciones eran igualmente válidas. Daba igual que la intención de Ron Gilbert fuera dejar la puerta abierta a una tercera entrega o, por el contrario, cerrarla a su salida de LucasArts. Cada uno era libre de opinar lo que quisiera. Hasta que salió “The Curse of Monkey Island” y chafó la magia con sus aclaraciones traídas por los pelos. De todos modos, se lo perdono porque también es un gran juego.

La opinión del ’staff’

Ahora que somos más colaboradores en el blog, es fácil “matar” temas sobre los que los demás también quieren escribir. Por lo tanto, he pedido a mis compañeros de ion litio que compartan su opinión sobre el juego con todos nosotros (a Dandel se lo puse un poco más complicado que al resto). Les cedo la palabra:

q256: Guybrush Threepwood volvió para una nueva aventura. Una historia radicalmente diferente a la del primer juego: más extensa, surrealista y con tres islas que explorar. Por el camino, se dejó barba y aprendió a escupir como un auténtico marinero. Esta es quizás la entrega más completa de la saga, y a la vez la más diferente del resto. Lo que sin duda muchos recordaremos de la misma es su extraño final, y como en entregas posteriores jamás se volvió a tratar el tema. ¿Eran las aventuras de Guybrush tan solo fruto de la imaginación de un niño? Sea cierto o no, el caso es que, para todos los que lo jugamos, este juego era un sueño hecho realidad. Una de las obras cumbre de la llamada “edad de oro” de LucasArts.

Dandel: Cuando el Tipo de la Brocha me preguntó qué juego me gustaba más, si Monkey Island 1 o 2, fue como preguntar: “¿A quién quieres más, a papá o a mamá?”. Menudo dilema, pues mientras el primero me abrió la puerta del fenomenal mundo de las aventuras gráficas y se llevó varias tardes de mi adolescencia buscando la maldita cabeza del navegante; el segundo lo tengo considerado como una de las mejores aventuras gráficas de todos los tiempos. El surrealismo del argumento está a caballo entre el humor absurdo y la brillantez de un maldito genio. Seguro que todos tenemos grabados a fuego momentos como la exhumación en el cementerio, la competición de escupitajos, el muñeco vudú o el desquiciante final. Un final que nos hizo soñar durante seis años con la tercera parte.

Así que sí, maldita sea. Me gustó mucho más “Monkey Island 2″. Me gustó tanto que lo considero un juego imprescindible para cualquier amante de los videojuegos. Un manual de estilo que todo desarrollador debería leer. Un clásico que nos deberían mandar jugar en el colegio y olvidar de una vez por todas el infumable Lazarillo de Tormes. Este juego es tan especial que nadie debería permitirse el lujo de no habérselo pasado al menos una vez.

Retroyonki: Yo debo de ser un tipo raro. Empecé a jugarlo en su tiempo y me aburrí enseguida. La extrema dificultad que suponía para mí tener que resolver algo que no tenía ganas de resolver me hizo abandonarlo. Sin embargo, luego he acabado bazofias como “Diablo 2″, con esos enemigos calcados, pero de diferente color… Monkey Island me debió de pillar en una época chof.

Exclamation: Fórmula mágica: Juntemos un puñado de retrogamers, unas cuantas cervezas y una música de fondo ochentera pero relajada. A continuación, pronunciamos las siguientes palabras mágicas: “Monkey Island”. Las conversaciones, risas e interpretaciones están aseguradas durante horas.

Y con esto y un bizcocho…

También en ion litio…

Maniac Mansion
Indiana Jones and the Fate of Atlantis
Monkey Island en el teatro
La auténtica Monkey Island
The Secret of Monkey Island

Heart of China

El Tipo de la Brocha — Tue, 02 Jun 2009 04:29:23 +0000

En mala hora pregunté a mi hermano sobre qué videojuego quería que escribiese mi próximo artículo. En cuanto pronunció las palabras “Heart of China”, supe que pronto estaría tirándome metafóricamente de los pelos y padeciendo momentos de gran frustración.

Si queréis conocer mi opinión, os diré que “Heart of China” es el paradigma de por qué las aventuras gráficas apestan. Y como he vuelto a jugarlo para poder escribir este artículo, supongo que debo de ser masoquista.

Los problemas comenzaron incluso antes de arrancar el juego. Encontrar el disco no fue difícil, ya que soy un tipo ordenado; pero conseguir que funcionase en Windows XP… Jesús, qué suplicio. Afortunadamente, ahora existen emuladores como DOSBox que te permiten jugar a glorias obsoletas (y también a churros como el del artículo de hoy) en los sistemas operativos actuales. No obstante, introducir los comandos necesarios para ejecutar el juego me costó lo mío, ya que tardé media hora en descubrir que tenía que pulsar “shift + Ñ” para escribir los dos puntos y que la barra inclinada inversa estaba en la tecla “ç”.

Y lo peor es que después de conseguir que todo marchase como es debido, me sentí como si hubiera arreglado mi propia silla eléctrica. En fin, pronto comprenderéis el porqué de mi desesperación.

La siguiente secuencia sirve de preámbulo a la aventura:

Por si no entendéis la lengua de Shakespeare, os cuento de qué va el tema: un tirano chino ha secuestrado a la hermosa hija de un magnate occidental para convertirla en su concubina. El padre de la chica nos ha contratado a nosotros, Jake “Lucky” Masters ―veterano de la Primera Guerra Mundial y piloto experto―, para que vayamos a rescatarla. Sin embargo, como somos un héroe venido a menos, lo primero que tenemos que hacer es encontrar a Zhao Chi, un ninja más útil que un pollo de goma.

El plantamiento es, sin duda, interesante, casi recuerda a las viejas aventuras de Indiana Jones (que no a las aventuras del viejo Indiana Jones), pero pronto veremos que su ejecución no está a la altura.

Al tomar por primera vez el control del cursor, me sentí como si hubiera pisado la misma caca de perro dos veces a lo largo de mi vida. Ya había estado antes en ese muelle y visto aquella gaviota. También recordaba haber tocado los excrementos de la gaviota. Volví a hacerlo por pura nostalgia y, de paso, me llevé un poco de aquel residuo asqueroso como recuerdo de mi paso por el muelle. Uno nunca sabe cuándo puede serle útil una caca de pájaro. Luego cogí un rickshaw (un transporte infravalorado, pese a que funciona con arroz en lugar de gasolina) y le pedí al conductor que me llevara al pueblo.

Una vez allí, lo primero que observé fue un papelucho cayendo al suelo delante de mis narices. Por supuesto, me arrojé sobre él rápidamente. Como todo buen aventurero gráfico sabe, lo primero es arramplar con todo lo que no esté clavado al suelo y luego ya pensaremos qué hacer con ello. Además, recoger un papel no podía ser más estúpido que llevar excrementos de gaviota en el bolsillo. También aproveché para familiarizarme con el inventario. El sistema era engorroso y poco intuitivo; me hizo añorar el legendario SCUMM. Al menos, llevaba conmigo una pistola; eso siempre viene bien. Nunca sabes cuándo preferirás pegarte un tiro a seguir soportando el dolor.

Una vez hecho al sistema, entré en un sitio llamado el bar de Ho. Todo el mundo que los bares son los lugares más indicados para obtener información (el 11888 es para nenas) y en China no podía ser diferente. Eché un vistazo a la pandilla de borrachos que ocupaban las mesas y comprendí que, si quería respuestas, tendría que hablar con el propio Ho o con la pilingui que estaba sentada sobre la barra. Elegí a la pilingui. Que estuviera en medio de una misión, no significaba que no pudiera divertirme. Y los dólares que llevaba en el bolsillo estaban pidiéndome a gritos un poco de aire.

Por desgracia, la historia de amor acabó con el bueno de Lucky limpiando la cubierta de un barco pirata. ¿No os lo había dicho? En esta aventura gráfica, al igual que en los clásicos de Sierra, se puede perder. La cuestión es si se puede ganar.

Reanudé la partida y esta vez ignoré a la mujerzuela. Lamentablemente, el señor Ho tampoco estaba dispuesto a colaborar, y sus gorilas me sacaron del bar a patadas. Regresé cabreado al día siguiente, con 180 pavos menos y la pistola desenfundada. Tras un segundo intercambio de impresiones, me encontré de nuevo besando las calles de Hong Kong. Era evidente que estaba haciendo algo mal.

Varias palizas más tarde, por fin conseguí hablar con Zhao Chi y convencerle de que me acompañara a Chengdu. Antes de partir, visitamos a la herbolaria local, que fue tan amable de prepararnos unas hierbas curativas con los excrementos de la gaviota del muelle; ya sabía yo que me serían útiles. La mujer también nos entregó un pasaporte falso y un mapa de la fortaleza de Li Deng (el malo maloso, para más señas).

Ya en el aeropuerto, un oficial de inmigración nos pidió la documentación. Como es lógico, y con la experiencia que aporta haber jugado a mil aventuras gráficas, le enseñé el pasaporte falso. A raíz de esto, fui arrestado y condenado a diez años de prisión. Un golpe inesperado.

Cargué la partida de nuevo e ignoré el pasaporte. El oficial nos dejó subir a la avioneta sin mostrarle ninguna documentación. No creo que esta sea una lección que debáis aprender de cara a vuestro eventual trato con las autoridades, sobre todo si vais a China. Pero mejor le preguntáis a Flappy, que hace poco estuvo por allí.

Cuando sobrevolaba Chengdu, mi hermano, que se había dignado a presentarse ante mí para comprobar los resultados de su sugerencia, apostó a que estrellaría la avioneta por lo menos un par de veces antes de hacerla aterrizar; pero se equivocó. La avioneta solo se estrelló una vez. Y aparte de Lucky y Zhao Chi, no hubo bajas. Cargada la partida y alcanzada tierra firme, tomé el control de Chi y me hice con las ropas de un lugareño y con una vaca para poder infiltrarme de incógnito en la fortaleza-palacio de Li Deng, como en aquella de escena de “Tropic Thunder” con Robert Downey Jr. y Jack Black.

En la cocina del palacio, me topé con un perro enorme. Pensé que si intentaba pasar por encima de él para llegar al otro lado de la habitación, probablemente el animal me haría trizas, así que le di uno de los pollos que colgaban del techo. Eso pareció gustarle, así que me aventuré a dar un paso adelante. Un instante después, mi ninja se había quedado sin traquea y el perro ya no tenía tanta hambre. Menuda mierda de kung fu que debe de practicar Chi si no es capaz de defenderse de un chucho sarnoso.

Cargué la partida y probé un método de entrada alternativo. Según el mapa, había otra “puerta” aparte de la principal: el lugar por donde salían las aguas residuales del palacio. Ah, el romanticismo… Reuní a mis dos personajes, regresé a por una palanca que había en la avioneta y me dispuse a utilizarla con la verja que tapaba el conducto. Un guardia que estaba patrullando nos vio y salió a recibirnos con un grupo de amigos.

Nueve mil innecesarias muertes después, conseguí llegar a donde estaba la chica. A la pobre la habían disfrazado de Reina Amidala y estaba rodeada de serpientes. Era como presenciar la escena del baile de “Abierto hasta el amanecer” si Salma Hayek hubiera sido ofidiofóbica.

Saqué la pistola y volé la cabeza a uno de los reptiles. Para hacer esto, equipé a Lucky con el arma, mantuve pulsado el clic derecho del ratón y disparé con el izquierdo. Hubiera sido bastante sencillo si no fuera porque tuve que adivinar cómo puñetas hacerlo.

Tras una triunfal huida por el balcón, y con los malos pisándonos los talones, nos subimos a un tanque. Naturalmente, necesitábamos una llave para arrancarlo y yo no llevaba ninguna. A estas alturas nada podía sorprenderme.

Cargué la partida para encontrar la dichosa llave, rehice todo el camino hasta el tanque y lo puse en marcha. En ese momento, el juego me dio a elegir entre jugar a un arcade 3D al mando del tanque o “evitar el arcade y ganar”. En principio, quería verlo todo, pero un par de accidentes mortales bastaron para convencerme de que debía tragarme mi orgullo.

Lamentablemente, el juego solo te da la oportunidad de saltarte el arcade una vez, y si mueres y eliges no intentarlo de nuevo, el juego vuelve a la pantalla de título. Pero lo peor es que, justo antes de iniciar el arcade, el propio juego te recomienda que guardes la partida, lo cual no deja de ser una trampa, porque si luego cargas esa partida, el juego ya no te dará la opción de saltarte la parte del tanque y tendrás que pasártela sí o sí. La única salida es haber guardado una partida antes de arrancar el tanque; pero como el juego te dio la opción de guardar, lo normal será que te hayas confiado y sobrescrito esa partida anterior, por lo que al final es muy probable que tengas que repetirlo todo desde el principio. ¡Aaaargh!

¿Os acordáis del videojuego del Capitán Planeta? Pues esto es un millón de veces más frustrante.

Voy a comprar todas las copias de “Heart of China” y enterrarlas en el desierto, como hizo Atari con el videojuego de E.T. Nos vemos en Nuevo México.

PD: Creo que haría bien en empezar a revisitar juegos que me gusten. De lo contrario, acabaré por ganarme el apelativo de Gruñón, el de “Blancanieves y los siete enanitos”.

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El problema de las aventuras gráficas