Dans ce deuxième volet, nous étudierons un petit rythme bien sympathique : la milonga. La milonga est une danse d’Amérique du Sud basée sur le tango. Elle a un rythme caractéristique à la basse que nous avons déjà rencontré dans le premier chapitre, la division 3:3:2 écrite ici en double-croches. Les exemples ci-après servent à l’accompagnement de chansons.

Cliquez sur les partitions pour entendre ou télécharger le fichier MIDI associé.

exemple 1 : milonga en Mi mineur

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

conseils : laissez les doigts en position le plus possible sur le B7.

exemple 2 : milonga en La mineur

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

conseils : dans les 2 exemples, entraînez-vous à bien faire ressortir la basse jouée par le pouce car c’est elle qui donne le balancement caractéristique de cette musique.

A suivre dans un troisième épisode.

Travaillez bien et si vous avez des questions, n’hésitez pas.

Jack

En langue française

Espace Des Arts Sonnants – un site consacré aux arts sonores sous toutes leurs formes.
Pure Présence – Art contemporain. Rencontres et éditions sonores / Sonic meetings and editions from Paris
Les ressources électroacoustiques de Pierre Couprie
Les chercheurs de sons
SonHoRs – webzine musiques électroniques et aventureuses
Association La p’tite maison – Cabinet de curiosités sonores et netlabel

En langue anglaise

Vibrö – specialised magazine in the fields of sonic arts
Music From Other Minds – Programs Playlists
Leonardo Music Journal Website
Erratum – noise, art, poetry

Liste à compléter à travers les commentaires, bien entendu

merci

Jack

Cliquez sur les partitions pour entendre le fichier MIDI de l’extrait

La musique latine

Le clavé est certes un instrument de percussion, mais c’est ausi le rythme joué par ce petit instrument qui donne le balancement caractéristique de la musique latine. Le clavé existe principalement en 2 formules rythmiques de base : 3:2 et 2 :3 :

Nous allons commencer par travailler une rythmique basée sur la formule noire pointée, noire pointée, croche, soit la première mesure du clavé 3:2.

Premier exercice

Pour faciliter la mise en place, notre premier exemple comportera 8 croches égales par mesure et la formule sera à la basse (jouée au pouce). Ce n’est pas vraiment la formule du clavé mais elle en retient quand même le balancement caractéristique.

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

Entraînez-vous à bien faire ressortir et à bien entendre la ligne de basse car c’est elle qui donne le balancement caractéristique du morceau. Quand la ligne tourne bien, passez aux exemples suivants qui vous présenteront des variations sur cette ligne de basse.

Variation 1

Voici maintenant le même motif de basse avec des accents sur les temps 2 et 4 d’une mesure à 4 temps (comme la caisse claire).

Comme exercice supplémentaire, je vous conseille de marquer les accents sur 2 et 4 avec le pied de votre choix (vous devriez m’entendre le faire sur le fichier audio).

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

Variation 2

Dans cet exemple toujours basé sur le même ostinato de basse, on ajoute les contretemps, un peu comme dans le reggae.

Comme toujours, entraînez-vous à bien entendre la ligne de basse.

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Variation 3

Ce dernier exemple applique le même principe que l’exemple précédent, mais dans un contexte plus musical, avec des accords typiques de la musique sud-américaine.

Passez progressivement d’un accord à l’autre en posant les doigts de la main gauche dans l’ordre où ils apparaissent dans la partition.

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

Voici les positions des accords pour vous aider.

Voilà, ça n’était qu’un commencement de l’étude de ce style très intéressant à travailler pour ses aspects rythmiques et harmoniques.

A suivre dans les prochains articles consacrés à l’étude de ce style. Bon courage !

Jack

Quelques définitions s’imposent tout d’abord, histoire de s’entendre sur les termes employés quand on parle du rythme car ça peut devenir rapidement confus…

1. le rythme, basiquement c’est des combinaisons de durée.
2. un temps c’est l’unité de mesure de la durée en musique.
3. une mesure c’est un ensemble de temps. Elle est limitée graphiquement par les barres de mesure.
4. si on se prend pas trop la tête, un temps c’est une pulsation
5. le mètre, c’est la succession des pulsations qui sous-tend chaque morceau de musique. Il est donné par le dénominateur des chiffres indicateurs de la mesure. Ex. 4/4 signifie 4 quarts de ronde, donc 4 noires. La pulsation ici sera à la noire.

Donc, un polyrythme, c’est une superposition de mètres ex. 2/4 sur 3/8

Exercices polyrythmiques

Dans les exemples qui suivent, vous devez vous entraîner à entendre les différents mètres avant de les jouer. Vous travaillerez chaque partie indépendamment, puis vous les réunirez (comme sur ma version). Un métronome ou une boîte à rythmes ne me paraîssent pas inutiles

Le métronome (ou votre pied si vous y arrivez) doit pouvoir être mis sur l’un des 2 mètres pour vous aider à bien les sentir. Les fichiers MIDI sont fournis pour vous aider à travailler lentement et régulièrement.

Bon courage

Musique du Ghana

Voici un premier exercice (déjà présenté dans un autre article). D’abord, concentrez-vous sur la basse comme dans l’exemple audio. La basse sera jouée par le pouce uniquement. Ensuite, écoutez le deuxième mètre avec le premier. Ensuite concentrez-vous sur le deuxième mètre. Avec un peu de pratique, vous serez capable de porter votre attention sur l’un ou l’autre.

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

le fichier MIDI pour pouvoir travailler à tous les tempi

Un autre exercice basé sur la même ligne de basse que dans l’exmple précédent mais cette fois, on plus le sentiment d’une superposition de 3/4 sur du 12/16 (3 temps sur 4). A travailler de la même façon que le premier exercice.

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

le fichier MIDI pour travailler lentement

Un dernier exemple (en Mi majeur) où vous pouvez sentir la superposition d’un mètre à 1/4 (ou 4/16) contre un mètre à 3/16. Même travail d’écoute que sur les exemples précédents.

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

Le fichier MIDI

Voilà, c’est tout pour le moment. J’en publierai d’autres plus difficiles dès que j’aurai un moment.
Comme toujours, si vous avez des questions, des idées de morceaux à travailler en polyrythmes, des astuces pour compter ou pour « sentir » ce genre de rythmes, n’hésitez pas et partagez.

Travaillez bien

Jack

Erik SATIE (1866-1925)

Est-ce que je dois encore présenter Satie en 2009 ? Musicien anti-conformiste et volontiers iconoclaste, déçu plusieurs fois par l’institution musicale française, il suivra un parcours musical en dents de scie, atypique, laissant derrière lui de belles mélodies étranges (Gnossiennes, Gymnopédies), et des pièces « fantaisistes » qui en feront un des précurseurs de l’Art Sonore d’aujourd’hui. Il faut quand même rappeler, pour ne pas trop dramatiser la vie du personnage, qu’il était aussi plein d’humour et d’esprit

En 1893, par exemple, il écrit les vexations pour piano qui consistent en un thème d’une page à répéter 840 fois. En fonction du tempo, l’interprétation de cette pièce peut durer jusqu’à 24 heures…
[Vous pouvez écouter sur UbuWeb plusieurs versions sans piano des vexations]

Il est aussi l’inventeur du concept de musique d’ameublement, une lointaine ancêtre de la musique d’ascenceur d’aujourd’hui ? On considère cette musique comme la naissance de l’Ambiant Music chère à Eno.

John Cage sera profondément influencé par Satie et c’est même lui qui « réhabilitera » Satie en interprétant en public les vexations en 1963, à New York.

Edgard VARESE (1883-1965)

« Mon but a toujours été la libération du son, et d’ouvrir largement à la musique tout l’univers des sons »
Cette phrase de Edgard Varèse constitue une remarquable introduction à son travail de musicien. On peut effectivement créditer Varèse pour l’introduction de nouveaux objets producteurs de son dans l’orchestre classique.
Par exemple pour ionisation en 1931, l’instrumentation comprend 40 percussions à hauteur indéterminée, un piano (clusters) et 2 sirènes à manivelle, empruntées au Fire Department de NYC.

[écouter Ionisation sur UbuWeb]
remarquez l’émancipation des percussions (1ère pièce pour percussions ?)

Une autre pièce importante est poème électronique, qui consiste en un enregistrement sur bande magnétique diffusé sur 425 haut-parleurs lors de l’exposition universelle de Bruxelles en 1958 . En même temps que la bande sonore était projeté un film réalisé par Le Corbusier.

[regarder la vidéo sur UbuWeb]

Luigi RUSSOLO (1885-1947)

« La vie antique ne fut que silence. C’est au dix-neuvième siècle seulement, avec l’invention des machines, que naquit le bruit. Aujourd’hui le bruit domine en souverain sur la sensibilité des hommes. Durant plusieurs siècles, la vie se déroula en silence, ou en sourdine. Les bruits les plus retentissants n’étaient ni intenses, ni prolongés, ni variés. En effet, la nature est normalement silencieuse, sauf les tempêtes, les ouragans, les avalanches et quelques mouvements telluriques exceptionnels. C’est pourquoi les premiers sons que l’homme tira d’un roseau percé ou d’une corde tendue l’émerveillèrent profondément. »
« L’art des bruits » manifeste futuriste – 1913

C’est avec ce manifeste que Russolo, peintre futuriste italien, entre dans l’histoire de la musique.Il y prône l’utilisation de tous les bruits et leur fusion dans une nouvelle musique. Il construira par la suite de belles machines étranges et les pièces qu’il créera donneront naissance à la musique concrète et à la musique électro-acoustique.

ressources

« The Art of Noise » à télécharger au fomat pdf
fac-similé de l’édition française
Page consacrée à l’art des bruits sur wikipedia
Ecouter Russolo sur UbuWeb

Marcel DUCHAMP (1887-1968)

Difficile de tracer un portrait exhaustif de Marcel Duchamp, tant son travail artistique a été décisif dans bien des domaines. Pour moi, c’est un des artises les plus importants du XXème siècle, pour ce qu’il a fait, par ce qu’il a dit. De tous les territoires abordés par Duchamp, la musique est peut-être le moins connu. On connaît très peu de pièces de Duchamp, mais la plus marquante est sans conteste erratum musical (probablement écrit en 1913). Cette pièce amènera la notion de hasard en composition, principe fondateur de John Cage par la suite…

Voici le « synopsis » de la pièce :

Pièce écrite pour 3 voix. Duchamp a écrit la pièce pour ses deux sœurs et lui-même – sur chaque partie est inscrit un nom : Yvonne, Madeleine et Marcel. Les trois voix sont écrites séparément et rien n’indique si elles doivent être jouées séparément ou ensemble (en trio).
Duchamp a composé cette pièce à partir de 3 séries de 25 cartes, une pour chaque voix, avec une seule note par carte. Chaque jeu de cartes est mélangé dans un chapeau. Les cartes sont ensuite tirées du chapeau une à une et on écrit la série de notes indiquée par l’ordre dans lequel elles ont été tirées.

écouter erratum musical sur ubu

Pour ceux qui ne connaîtraient pas encore très bien Marcel Duchamp, vous pourrez apprécier son intelligence, son humour, sa culture, son génie quoi, sur UbuWeb, dans la page qui lui est consacrée. Une très belle interview pour Les mémorables.

John CAGE (1912-1992)

Le dernier musicien de cet article trouve tout naturellement sa place après Duchamp. Durant la période américaine de Duchamp, ils se sont beaucoup fréquentés, jouant aux échecs à New York…

Des cinq musiciens présentés dans ce papier, Cage est celui qui synthétisera tous les travaux des autres. Ses pièces pour piano préparé par exemple, mêleront la fantaisie iconoclaste de Satie, l’intrusion des bruits chère à Russolo et à Varèse, le hasard initié par Marcel Duchamp en musique (même si Mozart…). Il sera un des inspirateurs du mouvement Fluxus.

L’œuvre de Cage est si vaste (et pas seulement en musique…) que je ne peux en présenter ici que les principes les plus marquants :

• les instruments « nouveaux » : piano préparé, jouets, radios etc.
• le hasard
• le i-ching
• les performances (4′33″)
• les happenings
• les events
• le multi-média
• …

Pour vous convaincre de l’immensité de la production de Cage, allez faire un tour sur la John Cage Database

La pièce musicale la plus célèbre de Cage est sans conteste 4’33’’ (1952). Dans cette pièce, pendant 4 minutes et 33 secondes, David Tudor prend place au piano, et ne joue aucune note. Il fait différents gestes, au gré de sa fantaisie, referme le piano, et s’en va. On voit bien ici l’influence de Satie. Pour moi, c’est une pièce ultime, qui nous fait atteindre les limites de la musique, tout en posant un tas de bonnes questions. Qu’est-ce que la musique ? Est-ce encore de la musique ? Peut-on faire 2 pièces différentes avec ce principe ? Que signifient les 4 minutes et 33 secondes ? Si ça avait duré 10 minutes, qu’est-ce que ça aurait changé ? Que note-t-on sur la partition ? Est-ce une œuvre originale ? Qui est l’auteur (musicalement parlant) ? Est-ce vraiment du silence ? Le silence existe-t-il ? La musique est-elle dans la partition ou dans son interprétation ? Y a-t-il besoin d’être musicien pour interpréter cette pièce ? etc. etc. On pourrait en parler pendant des heures Ce qui me fait dire qu’on a ici une pièce fondamentale.

avertissement

Pour finir ce chapitre, je dois vous dire que tous les musiciens présentés ici ont été – et sont parfois encore – considérés comme des plaisantins par l’institution musicale, alors qu’ils font ici figures de précurseurs…

Il me reste aussi à vous avertir, mais est-ce bien nécessaire, qu’il s’agit de 5 musiciens qui me semblent très importants, mais il y en a d’autres… Par exemple, Henry Cowell qui fut le prof de Cage à une époque. Certaines idées développées par Cage, existaient déjà en germe dans le travail de Cowell. Il est toujours très difficile de remonter à la source première d’une idée en art.

Le précurseur

Le musicien américain John Cage est sans aucun doute à l’origine de ce mouvement, et pas seulement du point de vue sonore. Voici ce que dit Michael Nyman à ce propos :

En 1952, Cage organisa un événement qui dépassait délibérément la sphère de la musique « pure » pour aborder ce qui indubitablement était du théâtre. Il s’agissait de ce qu’on a appelé le happening du Black Mountain College, le premier événement multimédia de l’après-guerre.
Cage, perché en haut d’une échelle, déclamait un texte dans lequel des silences avaient été programmé ; les poètes RICHARDS et OLSON étaient, à différents moments juchés sur une autre échelle et lisaient ; à un bout de la salle était projeté un film tandis que de l’autre côté on faisait défiler des diapositives ; Robert RAUSCHENBERG jouait d’un vieux gramophone à manivelle, David TUDOR était au piano, tandis que Merce CUNNINGHAM et d’autres danseurs se déplaçaient parmi le public ; et au-dessus de tout ceci étaient suspendus les tableaux blancs de RAUSCHENBERG…

Nyman rapproche cette performance d’une tentative de Cage de se rapprocher du chaos de la nature. Comme on peut le constater, à cette époque Cage n’est plus seulement intéressé par l’aspect « sonore » de la musique mais aussi par ce qui se passe autour. C’est la porte ouverte aux « events« …

Stairway to events

Un des premiers musiciens de Fluxus sera le pianiste George Brecht. Il aura l’illumination de ce que seront les events lors d’un événement assez banal. C’est Nyman qui raconte encore :

George Brecht, au fil de ses expérimentations, sera de moins en moins intéressé par les « qualités purement sonores d’une situation ». Son premier « event » date du printemps 1960 : « Je me tenais debout dans la forêt d’East Brunswick, dans le New Jersey, où je vivais à l’époque, j’attendais le retour de ma femme à la maison, debout derrière mon vieux break anglais Ford, le moteur tournait et j’avais laissé le clignotant gauche allumé, il me vint à l’esprit que cette situation pouvait être le point de départ d’un véritable event.

Voici la « partition » de cet event par Brecht lui-même :

« Motor Vehicle Sundown » – 1960 – pour coucher de soleil et véhicule motorisé.
Un certain nombre de voitures sont rassemblées au crépuscule, on fait démarrer les moteurs, et les conducteurs doivent agir selon les instructions données par un jeu de cartes. Chaque conducteur (exécutant) reçoit 22 cartes d’un jeu sui en comporte 44 . La moitié des cartes qu’il a en main ordonne le silence tandis que l’autre moitié l’enjoint d’actionner différentes fonctions de la voiture – fonctions purement visuelles (phares…), sonores (klaxon etc.) ou mixtes (fermer et ouvrir les portes).

A suivre…

Cet article n’avait pas du tout la prétention d’être exhaustif à propos de Fluxus, mais juste de signaler ou de faire découvrir un peu des apports de Fluxus dans le domaine du son. Avec Fluxus, c’est l’irruption des « non-musiciens » dans le domaine de la musique, c’est l’extension de la musique et du son aux arts plastiques, c’est un peu le souhait de Richard Wagner qui se réalise : l’œuvre d’art totale (gesamtkunstwerk) !
Et, pour finir, voici sur le site de Ben, 135 petits « exercices » pour réaliser un concert Fluxus par vous-mêmes (et surtout pour vous décoincer un peu face à la musique ).

A écouter

Henry Flynt : Hillbilly Tape Music
Robert FILLIOU : Whispered History Of Art
Yoko ONO : Toilet Piece
Dick HIGGINS : B.B. Finally Dreams About Life, B.B.’s You Play It
Ben VAUTIER : Some Ideas For Fluxus

Références

Sur le site de ubuweb, plein de ressources sonores ou visuelles à propos de Fluxus
Experimental Music, Cage and Beyond – Michael NYMAN, éditions ALLIA

Une mesure asymétrique est une mesure dont le numérateur n’est pas un multiple de 2 ou 3. Cette première définition n’est pas entièrement exacte car nous pouvons aussi avoir une mesure en 9/8 avec une division des temps 2 2 2 3, ce qui ne donne plus une mesure ternaire comme le 9/8 traditionnel à 3 temps ternaires.

Traditionnellement, on appelait ces mesures des mesures composées, puisque, pratiquement, on peut toujours les réduire (simplifier) à des groupes de 2 et 3 temps :

• 5/4 = 3 + 2
• 7/4 = 2 + 2 + 3
• 11/8 = 3 + 3 + 3 + 2

Les mesures asymétriques dans la musique populaire

Dans cet article, je n’aborderai que l’usage des mesures asymétriques dans la musique populaire, cad à travers des morceaux construits entièrement sur un seul type de mesure. On ne parlera donc pas ici du Sacre du Printemps .

Une liste de morceaux connus pour vous familiariser avec les mesures asymétriques :

• Mission Impossible 5/4 – Lalo Schifrin
• Take Five 5/4 – Dave Brubeck
• Unsquare Dance 7/4 – Dave Brubeck
• Blue Rondo A La Turk 9/8 – Dave Brubeck
• Money 7/4 – Pink Floyd
• Love Is Stronger Than Justice 7/8 – Sting
• Saint Augustine In Hell 7/8 – Sting
• Conference Of The Birds 5/4 – Dave Holland
• Living In The Past 5/4 – Jethro Tull

Exercice : tout en écoutant les morceaux ci-dessus, entraînez-vous à compter les temps.

Musique asymétrique à travailler

Les morceaux en mesures asymétriques posent souvent des problèmes aux musiciens. Il faut dire que la majorité de la musique populaire qu’on entend sur les ondes dans nos pays est basée sur des mesures à 4 temps. Il faut aussi ajouter que notre folklore utilise des mesures « bien carrées », ce qui ne nous habitue pas à ressentir de telles mesures. Il en va tout autrement de la musique traditionnelle des pays de l’Est…

On rencontre aussi parfois, dans le rock, des morceaux avec une mesure « bizarre », par exemple All You Need Is Love ou I Love Rock’n'Roll. Il s’agit ici plutôt d’éléments compositionnels ne remettant pas en cause la métrique générale du morceau.
Maintenant, un peu de travail pour finir.

Love Is Stronger Than Justice (Sting)

Money (Pink Floyd)

Un morceau à interpréter ternaire (écoutez le disque plutôt que mon fichierMIDI…)

Pour entendre le fichier MIDI associé au morceau, cliquez sur les partitions.

liens intéressants sur les mesures asymétriques :

Jazz et mesures asymétriques (un surprenant Message in a Bottle…)

des trucs pour compter

Si vous avez vous aussi des morceaux à nous faire découvrir, n’hésitez pas à nous les indiquer. Je ferai un article prochainement sur le travail de la polyrythmie et je reviendrai certainement à cette occasion sur les problèmes de comptage des temps…

Jacques Vannet

Day Tripper

Premièrement, un riff des Beatles,  connu de tous j’espère. Entraînez-vous d’abord à jouer et mémoriser le thème de la portée inférieure, puis ajoutez les 2 premières cordes à vides (mi si) sur chaque temps.

Jouez le thème uniquement avec le pouce. Accélérez progressivement jusqu’à 138 à la noire. Piquez légèrement les 2 cordes à vide afin qu’elles ne deviennent pas trop envahissantes

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

Version en Sol

Voici maintenant le pendant de l’exercice précédent. Après les 2 cordes à vide répétées, il s’agit maintenant de faire une pédale avec le Sol de la 6ème corde répété chaque temps.

Une fois que ça tourne, rajoutez des hammers et des pull-offs tout en conservant la pulse régulière et hypnotique de la basse…

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

Arpèges avec mélodie au pouce

Voici ensuite une petite mélodie très simple, jouée entièrement avec le pouce. Ce morceau est basé sur la position de l’accord de Do majeur en première position, connu de tout le monde. Jouez d’abord la mélodie seule avec le pouce pour bien l’entendre. Incorporez ensuite les autres notes.

Entraînez-vous à bien faire ressortir la mélodie jouée par le pouce

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

SUSIE Q

Ensuite, voici le riff de Susie Q façon John Fogerty (Creedence Cleawater Revival). Voici les 3 accords suivants si vous vous sentez l’envie de chanter tout en jouant le riff (excellent travail d’indépendance…) : A7 C7 B7

Pensez à étouffer les basses à vide avec la paume de la main droite. Dans l’exemple audio, je joue la basse avec le médiator et le riff avec le majeur et l’annulaire.

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

Musique du Ghana

Voici un petit morceau venu d’Afrique, pas facile du tout, pour vous initier aux polyrythmes. Je l’ai écrit en 6/8, ce qui signifie traditionnellement mesure à 2 temps ternaires.

Il y a plusieurs façons de travailler ce morceau. Commencez par jouer la ligne de basse seule : La Do Ré Mi. Puis incorporez les notes de la première voix. Rythmiquement cela peut se compter | 1 2 et 3  |  1 2 et 3  | (comptez les 3 temps régulièrement avec le pied ou un métronome).

[venez sur mon site pour écouter ce fichier audio]

En prime, voici le ficier MIDI pour travailler à différents tempi : mélodie du Ghana

Quand vous vous sentirez à l’aise, accentuez la première note de la première voix sur chaque temps de la mesure à 6/8 (La Do).

Bon courage

Voilà, c’est tout pour le moment ; j’en ajouterai quand ils me reviendront en mémoire

* Guitar Player, Guitare Magazine, Guitar World, Guitar for the Praticing Musician.

Voici un premier article pour introduire cette nouvelle rubrique de mon site. L’Art Sonore (Sound Art) est la discipline que j’enseigne dans le cadre de l’école média/art Fructidor. Cette introduction est en partie basée sur une traduction tirée du livre de Alan LICHT : Sound Art.

Au cours du siècle dernier, une forme artistique a vu le jour, qui emprunte à la fois aux arts visuels et à la musique. Bien que le son tienne une place de plus en plus importante en art  comtemporain et bien qu’il y ait plein de livres consacrés à ce sujet, l’art sonore n’a pas encore été précisément défini à ce jour.

Les racines de l’art sonore se trouvent dans les travaux expérimentaux du futurisme italien, Dada, et plus tard chez Fluxus, du début au milieu du XXème siècle. Cependant, la plus grande avancée dans ce style, survint avec les travaux du compositeur américain John Cage dans les années 60.

Sous l’influence de Cage, l’art sonore a muri et les artistes ont commencé à explorer de nouvelles possibilités. Ces recherches ont créé de nouveaux modes d’expérience dans l’art tout en alimentant notre réflexion au ragrd de la nature même du son.

L’art sonore mélange le son, l’audition et l’écoute au sein de ses pratiques. L’art sonore est multi-disciplinaire par nature comme très souvent en art contemporain.

L’art sonore est concerné par la technologie, les techniques d’enregistrement, l’électronique, le bruit, les bruits, l’environnement, les machines, la vidéo, la télévision, le téléphone et tout ce qui fait bruit

Quelques références bibliographiques pour bien commencer

SOUND ART (Beyond music, between categories), Alan LICHT, Rizzoli
Un très bon ouvrage de présentation de ce courant, bien illustré, dans une belle édition. A mon avis, le point de départ idéal. Ouvrage en anglais par contre…

MUSIQUES EXPERIMENTALES, Philippe ROBERT, Le mot et le reste, GRIM
Une anthologie transversale d’enregistrements emblématiques : cet ouvrage est  un catalogue d’enregistrements historiques à connaître. Maintenant, vous savez quoi écouter…

EXPERIMENTAL MUSIC, Michael NYMAN, ALLIA
Un très bon livre du compositeur fétiche de Peter Greenaway. Un des pionniers de ce courant. Je citerai souvent cet ouvrage dans mes articles.

Ecouter de l’Art Sonore

Pour l’instant, je ne donnerai qu’un seul lien, mais il peut vous occuper fort longtemps, tellement ce site est dense… Il s’agit de la rubrique Sound de UbuWeb

Music en Scène est un magasin d’instruments de musique situé à Chalon sur Saône en Saône et Loire, Bourgogne. Music en scène est spécialisé dans la guitare, la batterie, la musique electronique, la sonorisation, le studio et home-studio. Music en scène propose la reparation de guitares grace a son atelier de lutherie et la location de batterie. Isabelle, Christophe, Cédric et Pierre vous conseilleront dans vos choix d’instruments, que vous soyez amateur ou professionnel. Vous trouverez à Music en Scène un large choix de guitares, batteries et matériel de studio home-studio aux meilleurs prix