El Pequeño Rincón De Los Grandes RPG

Canon - The Legend of the New Gods (Mega Drive, Tactical RPG)

2026-06-07T20:21:28.120+02:00

Cuando hablamos de juegos aparecidos en el mercado sin licencia oficial, no es inusual que acudan a nosotros tópicos como ‘casero’, ‘amateur’, o ‘producto de baja calidad’. Si en este caso, además, nos remontamos a Taiwán (país que no es famoso por sus grandes videojuegos), al año 1996 de Mega Drive (con su vida comercial prácticamente agotada), a un RPG exclusivo de aquella tierra llamado Fēng Shén Yīng Jié Chuán, y desarrollado y distribuido por la compañía Chuanpu Technologies poco antes de su quiebra… de antemano, la cosa pintaría muy negra. Pero contra todo pronóstico, he sido yo el primer sorprendido al haber ido descartando, uno a uno, todos esos estereotipos y prejuicios para encontrarme finalmente con todo un señor Tactical RPG que puede mirar de tú a tú, y sin complejos, a algunos de los grandes juegos de este género en la 16 bits de Sega. No es de extrañar, pues, que los del equipo de Super Fighter Team se encargasen de rescatarlo del olvido en 2019 para reeditarlo en Steam y Mega Drive, con futura previsión para Switch, Ps4 y Xbox One. Por suerte, no se tocó un solo pelo de su forma original, salvo por la traducción inglesa y un título que quizá os suene más: Canon - The Legend of the New Gods.

No creáis que fue un caso aislado. Este Fēng Shén Yīng Jié Chuán formó parte de una tardía oleada de RPG piratas ‘made in' Taiwán para Mega Drive, junto a otros como Xin Qi Gai Wang Zi, Barver Battle Saga: Tai Kong Zhan Shi o Wu Kong Wai Zhuan. Curiosamente, la mayoría de ellos también fueron reeditados muchos años después, aun a sabiendas de que sus estéticas y argumentos podían no resultar del todo atractivos para el público occidental. De entre ellos, el que más profundizó en el género wuxia (aventuras basadas en leyendas y relatos de la antigua China, exageradamente romantizadas), fue este. Su inspiración en la importantísima novela china La Investidura de los Dioses (siglo XVI / XVII) es más que evidente en muchos de sus nombres y conceptos como las hegemonías, el budismo, el taoísmo o las distintas figuras mitológicas, pero todo está representado con una mezcla bien batida de fantasía, drama y típico humor asiático, constituyendo una trama impropia de lo que se podría esperar de un juego así: sólida, compleja y con muchos elementos interesantes. Tras veintinueve generaciones consecutivas, la dinastía Shang acoge a su trigésimo gobernante, el rey Zhou, y al mismo tiempo, reaviva la profecía de los 7 años de calamidades. Un monarca avaro, cruel, egocéntrico y mujeriego que no dudará en hacer uso de la fuerza para obtener todo lo que desea, entre otras cosas, la belleza de una muchacha llamada Dan Yi, sin poder imaginar que su cuerpo está poseído por un espíritu ‘renegado’. Aprovechando su mezquindad y su carácter sugestionable, será este quien maneje los hilos a la hora de buscar el Libro de Luo, que dota a su poseedor de un poder temible. Adelantándose a la jugada, un grupo de rebeldes desafían al rey y a sus huestes, y bajo la protección de la diosa Nun Huo, tratarán por todos los medios de despertar el Poder de la Justicia Divina y detener así la inminente fatalidad. Reconozco que, sobre todo al principio, me he sentido algo perdido, ya que el juego nos va presentando un montón de personajes a un ritmo imparable, y a ello hay que sumar que todos sus nombres son chinos. Por otro lado, las escenas narrativas son mucho más que una excusa para pasar de una fase a otra: suavizan la repetición, aportan datos sobre el entorno e inciden en cada uno de los personajes, descubriéndonos sus vínculos del pasado y parentescos, motivaciones y caracteres. Unos destacan más que otros (como Huang Hu o el maestro Yanzi Yai), pero todos tienen su relevancia, y esa profundización en su carisma nos permitirá congeniar más con ellos en medio de este maremágnum de alianzas, traiciones y amargas muertes que golpean en el momento justo. Un apartado genial, en mi opinión.

Si tras saber de su elaborada trama todavía os queda alguna duda de si este es o no un programa de primer nivel, el resto de aspectos eliminarán el menor resquicio de ellas. Algunas fuentes insisten en compararlo con Fire Emblem, pero nada más lejos de la realidad. El verdadero espejo en el que Fēng Shén Yīng Jié Chuán se miró, fue el de Shining Force. Solo ese hecho ya debería suponer una alegría para sus fans, y es algo que atañe tanto a la jugabilidad como a sus gráficos. El diseño de los personajes, que muestran un aspecto absolutamente exquisito, es de lo más granado de este RPG, y como mínimo, son tan buenos como los de la citada saga. El buen gusto de sus vestimentas, su gran personalidad de estética anime y desenfadada, su detalle y tamaño, su trazo tan perfilado, sus simpáticas animaciones y su vívido colorido sorprenden gratamente desde un primer contacto. Los enemigos, aunque se echa en falta algo más de diversidad, también son reseñables, así como las trabajadas y minuciosas texturas de los entornos, que son otra de sus bondades. No todos sus 32 escenarios son agradables, pues hay algunos demasiado apagados y repetitivos, pero en general, poseen un considerable nivel. Tienen una amplitud bastante ajustada, así que olvidaos de mapeados interminables, pero sí es cierto que algunos tienen varias plantas, y otros son bastante intrincados. Pasaremos por campos nevados y templos budistas dorados, sentiremos el vértigo de altura en cumbres con puentes y cielos brumosos, nos abriremos paso desde un tenebroso calabozo hasta un lujoso palacio (con intentos de reflejos en sus suelos), lucharemos entre bosquejos de bambú y melocotoneros en flor, y en Las Puertas del Cielo disfrutaremos de unos fondos de lo más cósmico. La paleta de colores acompaña con tonos atractivos, armoniosos y con una gama superior a la media en la consola, si acaso, un pelín carente de brillo. Mi favorito es, sin duda, el Lotus Garden, un lugar maravillosamente místico de esos a los que te gustaría transportarte en la realidad, abandonado, melancólico, con una magia muy especial. En momentos así, nos dará la impresión de estar ante un juego de Super Nintendo por lo bonitos que son esos parajes, incluyendo pueblos de construcciones con sabor 100% oriental, que por desgracia, y al contrario de lo que ocurría en Shining Force, no son explorables. Extrañamente, aunque son instantes muy puntuales, percibimos restos de basurilla gráfica en pantalla y parpadeos en los sprites (no me refiero a flickering). Desconozco si esto es un efecto secundario de la traducción, pero en cualquier caso, no molesta en absoluto. Lo que vuelve a ser todo un espectáculo son las magias. Las hay para aburrir, una barbaridad, y cada una tiene su propia secuencia animada que acaparará la pantalla durante unos segundos.

Al igual que sucede con trama, hay distintos momentos en su banda sonora en donde se pueden ver bien reflejadas sus facetas cómicas, dramáticas y fantásticas, bien por separado, bien agrupadas en una misma composición. Es, tal vez, la cualidad dominante en un conjunto sonoro que hace honor a su trasfondo pseudo-histórico decantándose casi de forma unilateral por estilos folclóricos. Incluso en aquellos temas que se alejan de estos matices, encontramos aunque sea una pizca de esencia oriental, ya sea en sus melodías, tempos, o distintos registros, que incluyen órganos, xilófonos, cuerdas y hasta guitarras eléctricas, pasando por unos cuantos instrumentos autóctonos, no tan habituales en la consola. Y cabe decir que su chip de sonido los emula todos con bastante dignidad. Más importante todavía, es que no tiende a abusar en exceso de esas tesituras opacas y claustrofóbicas tan típicas que solemos escuchar en otros juegos. También en este aspecto se nota que fue una obra de muy última hornada, sacándole un buen provecho. Con ello, tampoco quiero sugerir que se trate de un score realmente extraordinario o que, salvo cortes concretos, destaque por tener una calidad superlativa, pero cumple su cometido a la hora de reforzar tanto ese imaginario inherente a tan esotéricas tierras, como dotar de la profundidad extra que merecen esos bellos escenarios. Y es curioso, porque no siempre va a ser de la forma que esperamos. Si bien el candente sentido del humor en su historia se va suavizando poco a poco a favor de una tensión más remarcada, seguiremos encontrando partituras con muy buenas vibraciones, incluso en escenarios en los que puede que no encajen del todo. Pero esa selección, a su modo, también tiene su gracia. Al fin y al cabo, son temas muy llevaderos y tampoco les sienta mal esa disonancia estética. La cifra es más bien escueta, y varios de ellos se repiten, pero tienen una distribución lo suficientemente equilibrada en la aventura como para no llegar a cansar. Las escucharemos en los menús, en las campañas y durante las secuencias que las separan, y casi siempre habrá lugar para pequeñas sorpresas en este sentido. Por el contrario, las pocas fanfarrias que existen (como al subir de nivel), suenan bastante latosas y sucias, igual que los alaridos de los enemigos al morir. En términos generales, tampoco es que se prodiguen demasiado los efectos de sonido, concentrados sobre todo en los ataques y ejecución de las magias, donde sí existe cierto brillo y variedad. De estos últimos se encargó, según los créditos, Lin T’ing An, mientras que las composiciones fueron obra de Liao Han-Min, un artista freelance pero habitual en los juegos de Chuanpu Technologies. Como anécdota, se sirvieron (como otros creadores de juegos ‘piratones’), del famoso driver de sonido de Data East para crearlas.

Los combates, con enfoque más individualista que de estrategia de grupo, también lo equiparan más a Shining Force que a Fire Emblem aunque estos se celebren 100% en tiempo real. La dinámica global es sencilla y simplificada a más no poder, tanto en lo que se refiere al avance del juego, como al manejo de los encuentros. Controlaremos un grupo de luchadores que ascenderá a 12 conforme se desarrolle la trama, por turnos, y con una secuencia ordenada ‘movimiento – ataque’. No afectan las posiciones, ni hay bonus de terreno, ni siquiera hay tiendas (ni, por tanto, dinero). Los menús, dicho sea de paso, son intuitivos y directos, y desde ellos podremos intercambiar los objetos encontrados (una veintena distintos), repartidos por todos los mapeados en forma de cofre. ¿Demasiada simplicidad? Según se vea, ya que todo lo dicho hasta ahora favorece enormemente que estemos ante un RPG que incluso los más torpes o inexpertos en estas lides podrán dominar casi desde el primer minuto. Que también tienen derecho, oiga. La diversión, así pues, es instantánea. No tendremos más que aprender a utilizar el clásico menú en forma de rueda, y a disfrutar. Entre sus opciones está la de invocar magias, a cada cual más espectacular, costosa y destructiva, uno de los aspectos más gratificantes y espectaculares del cartucho, tal como indiqué antes. Asimismo, la curva de dificultad tiene una pendiente muy bien ajustada, desde ese primer combate tan básico, hasta unos últimos escenarios que nos harán sudar la gota gorda, pero sin llegar a resultar en un tormento desquiciante como la mayoría de juegos de este género. Es cierto que me sigue faltando una opción para reiniciar batalla sin tener que resetear la consola, pero llegados a este punto, es obligado comentar aquello que ha sido, sin duda, lo que más me ha gustado del juego, algo que nunca antes he visto en otro Tactical, y que lo convierte en uno de los más divertidos (según mis preferencias) de cuantos he jugado, sin que hablemos necesariamente de facilidad extrema. Solo al incumplir cualquiera de las condiciones principales nuestro equipo será eliminado, peeeero, y aquí viene lo que me ha enamorado, al recomenzar la campaña, ¡mantendremos la experiencia ganada en cada intento fallido! Un acto que considero de rotunda justicia para con el jugador y que, sin eliminar el reto de la ecuación, logrará que nos acompañe esa impagable sensación de estar progresando a cada paso, y no tirando el tiempo en horas y horas de impotencia y frustración, que es lo que me destroza los nervios en estos juegos. Obviamente, los objetos ya usados sí desaparecerán del inventario, pero los cofres del mapa volverán a estar sellados, previniendo la siempre escalofriante imposibilidad de continuar por falta de recursos. Y ya para mi regocijo absoluto, tampoco existe muerte permanente.

Claro está que lo expresado en el anterior párrafo ha de tomarse como una opinión basada en mis gustos personales, que no son ni mejores ni peores que otros. Por supuesto que habrá retos duros, y no pocos, en los que el juego nos presionará tirando de saltos inesperados de dificultad, sorpresitas de las que duelen, y escasez de opciones. Ha habido misiones que he tenido que repetir innumerables veces, y oleadas ofensivas que pueden acorralarte y hacerte trizas a poco que te descuides, pero aun así, todo queda dentro de lo coherente, racional y disfrutable. El inicio es un caminito de rosas, pero la cosa se irá calentando al tiempo que el número de combatientes enemigos aumenta, empiezan a aparecer implacables jefes finales, o los escenarios se vuelven más grandes y complicados de recorrer. Aquellos multi-nivel, de hecho, tienen cierto saborcillo a dungeon crawler / roguelike (solo en apariencia, claro), llegando a su máximo exponente en el área de entrenamiento de Xiqi City, la cueva del dragón, o ese arduo e interminable tour de resistencia moral y física que son los 12 pisos del asalto al templo del gurú Jie. Tampoco hay que dejar de lado el respameo de enemigos, una característica que sé de muy buena tinta que muchos acabarán odiando. En determinados escenarios surgirán de la nada enemigos que, en varios puntos simultáneos, soltarán a sus bestias y se largarán con viento fresco. Y esto sucede cada dos turnos, llegando a hacerse bastante insoportable. Pero como se dice, no hay mal que por bien no venga, y con la debida cautela, podremos aprovechar la situación para subir unos cuantos niveles a su costa. A diferencia de otros juegos, en este resulta muy rentable, ya que el nivel de los monstruos no aumentará conforme lo haga el nuestro. No obstante, algo habitual en el género, y que se echa de menos aquí, es poder conocer el rango de movimiento de nuestros atacantes. A nuestro favor, tendremos la posibilidad de reconocer el mapa entero sirviéndonos del cursor, ver en todo momento nuestros status, ítems y magias, un control de A-B-C, y un equipo súper competente y fiable. No hay personajes menores ni exageradamente sobresalientes, todos fueron creados para no quedarse a medias. Aquí, los tanques son tanques de verdad, y resisten todo lo que les echen, los magos cumplen eficientemente con su papel de atacar a distancia, y aquellos con menos poder defensivo, tienen una velocidad y amplitud de recorrido realmente versátil. Para mayor satisfacción, todos se pueden llegar a compensar fácilmente en lo que al nivel respecta sin tener que estar arriesgando su vida a cada paso. También el hecho de que no haya contraataques (aunque sí críticos y muchos fallos, ojo), facilita muchísimo el planear las jugadas. El arte de la provocación y del señuelo, ya os lo digo de antemano como consejo, funcionan de maravilla.

Una vez más, he flipado con las críticas negativas presentes en la Red. Críticas que, todo hay que decirlo, no superan las 10 ridículas líneas de texto. Y lo peor es que, seguramente, muchas de ellas vienen de quienes lo han jugado en plataforma Steam, lo que viene a respaldar mi teoría de que pocos jugadores de hoy en día están abiertos a apreciar estos lanzamientos de juegos antiguos en su estado original. Dadle un vistazo a la ficha de la versión de Mega Drive en Gamefaqs. Os aseguro que en ningún momento esas calificaciones se ajustan a la realidad del juego, ni en calidad, ni en dificultad. Personalmente, lo que yo he vivido con este Canon - The Legend of the New Gods ha sido tremendamente placentero, y al mismo tiempo, por fin he descubierto un Tactical RPG que puedo, y quiero, recomendar abiertamente a todo el mundo, incluyendo a los neófitos en el género. Quién me iba a decir que un juego taiwanés pirata fuese a convertirse en una de las grandes revelaciones en lo que va de año.

- Lo que más me gusta: Su justa dificultad es de las que no te dan el infarto. Personajes con carisma gracias a una historia cuidada. La mayoría de entornos son muy bonitos. El aprovechamiento del color.

- Lo que menos me gusta: No poder prever el alcance de los enemigos. A los usuarios más exigentes puede parecerles algo simple, y a decir verdad, tampoco aportó nada realmente novedoso. Escasa variedad de monstruos.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Sin ser, ni mucho menos, de las que pasan a la historia de los videojuegos, la banda sonora de este, por otra parte, notable Fēng Shén Yīng Jié Chuán, tiene suficientes cualidades y capacidad como para introducirnos un poco más en su profunda y sólida naturaleza oriental, sus conflictos bélicos o su aura siempre espiritual y filosófica. Su variedad de percusiones, sus apetecibles y a veces originales melodías, y su buena sonoridad general, hacen buenos honores al capaz, aunque bastante limitado (comparado con el de otros sistemas), chip musical como fue el de Mega Drive.

Demo Reel 01 & Intermission Theme 04. El propio título del tema (aunque no sé yo si será oficial), ya nos indica lo anteriormente comentado: muchas canciones se reutilizan en distintos momentos del juego. Al ser la primera que escucharemos, sin duda la recordaremos por ambientar la introducción a la historia, pero también por su meliflua cadencia y ese toquecito melancólico, que poco a poco se va acelerando y cambiando hasta pisar otros terrenos musicales. He recortado los últimos segundos, ya que al no ser un ripeo puro, se escuchan los efectos sonoros de la intro.

Intermission Theme 00. También está entre las primeras que oiremos, y se trata de una de las que más ha captado mi atención. Descaradamente asiática, tanto por instrumentación como por tempo, es un tema muy vivo, muy alegre y picarón a su manera, y ciertamente más virtuoso de lo que se puede adivinar a primera escucha, por sus constantes cambios y sus esquemas en la base rítmica (bajos y percusión), que se complementan a las mil maravillas con la línea musical que las ampara, sonando muy perfilados y nada estridentes. Creo que se quedará en mi cabeza durante mucho tiempo.

Map Theme 01. Como sucede con más de una de las que nos encontraremos a lo largo del juego, tiene algo extraño en su melodía que cuesta definir con precisión. Es épica, es dramática y por supuesto tremendamente oriental, pero también le veo pequeño toque de otras culturas, y eso es algo que contrasta, tal como lo hace también esa mezcla entre los sonidos tradicionales y unas bases más electrónicas. En cualquier caso, su grado de tensión es el adecuado para preceder y acompañar las batallas, y sin necesidad de tirar del trillado recurso en forma de marcha militar.

Intermission Theme 03. A poco que te gusten estas tesituras tan épicas y misteriosas del este, este tema te enganchará a la primera. No solo es una de mis composiciones favoritas del juego, sino que además tiene uno de los mejores motores rítmicos presentes en la banda sonora, con esa batería que te arrastra a seguir escuchándola, y unos xilófonos que se convierten en los amos del cotarro, dando lugar a una muy pegadiza, lúcida y adictiva melodía, y sonando realmente bien dadas las circunstancias. Lástima que no tenga más duración o partes que se desarrollen algo más.

Map Theme 02. Si hablamos ahora de las composiciones en tono más alegre, no hay duda de que esta se lleva la palma. Desde la primera vez que sonó, no pude esperar a que volviese a hacer acto de presencia. Si bien no encaja demasiado en algunos escenarios de batalla donde suena, sí lo hace de auténtico lujo en las situaciones más humorísticas de las que sobre todo la primera parte del juego está plagada. Me encanta su cadencia saltarina, los sonidos tan juguetones que se usaron, y en general, la evolución de su melodía principal. Es puro buen rollo, y a raudales.

RetroBarcelona 2026 (breves impresiones)

2026-05-24T19:54:44.428+02:00

Mientras voy preparando mi próximo análisis (que estoy deseando publicar), y habiéndose cumplido ya una semana desde la celebración del RetroBarcelona 2026, he decidido pasarme por aquí, no para hacer una crónica en profundidad de lo que ofreció este grandísimo evento, sino más bien para escribir un breve resumen, unas líneas muy generales sobre las impresiones que me dejó plasmadas, que fueron muchísimas y muy positivas. Lo cierto es que, en principio, no tenía en mente publicar nada al respecto. Fui con la intención pura y dura de ver, tocar y disfrutar todo lo que pudiese, sin tomar notas ni trazar ningún tipo de esquema, pero al final las sensaciones más potentes se quedan aferradas, y como digo, aquí hubo unas cuantas que merecen la pena ser contadas, amén de mostraros unas cuantas fotos tomadas allí, que representan tan solo una mínima parte de lo que vimos. El lugar escogido, el gran ambiente que se respiraba, el excelente acompañamiento con el que tuve el placer de contar, y por supuesto las toneladas de material retro, tanto en máquinas y videojuegos, como en merchandising de lo más diverso, fueron los principales protagonistas de esta, la primera edición a la que he tenido el privilegio de acudir.

Sí, ya sé que suena raro. Porque, a pesar de que no hace falta decir cuantísimo me apasionan este tipo de congresos, por unas razones o por otras, por distancia o por trabajo, etc. al final nunca tuve la opción de ir, aunque me muriese de ganas de hacerlo. Y este año, por fin, me he desquitado a lo grande. A decir verdad, todo fue planeado de forma bastante apresurada, a menos de dos meses vista, pero definitivamente, el anuncio de la presencia de Michiru Yamane, y sobre todo, Yoko Shimomura, fue un cebo demasiado irresistible como para decir que no. Solo pude ir ese mismo día, pero al final lo hice rodeado de la mejor compañía. Por una parte, mi chica (que ya es casi una experta en RPG retro, de la chapa que le he dado durante años), y por otra, mi amigo Javi de Nestálgicos, con quien ya he compartido unas cuantas horas en su magnífico podcast El Bloque Misterioso [?], lo cual garantizaba horas y horas hablando sobre videojuegos hasta casi quedar afónicos. Dicho sea de paso, también me creó una necesidad vital con su camiseta de Moonside (Earthbound) jeje.

Haciendo un poco de historia rápida, por si hay algún despistado, RetroBarcelona es una exposición celebrada actualmente en la localidad de Hospitalet de Llobregat, que ha ido creciendo a pasos agigantados hasta convertirse en una de las más importantes (si no la que más) en cuanto a temática de videojuegos retro en este país. Desde aquel 2013 inaugural en el Museu del Disseny de Barcelona, formando parte de la Barcelona Developers Conference, con los años ha ido aumentando su aforo y asistencia hasta ocupar en exclusiva y por completo el gigantesco recinto de La Farga, donde comenzó a llevarse a cabo desde el 2023, después de tres años de parón debido a la maldita pandemia.

Traspasar sus puertas, incluso antes de visitar el primer stand, me trajo todo un aluvión de recuerdos. Porque reconozco ser novato en el RetroBarcelona, pero no en visitar La Farga. Allí, entre 2008 y 2011, fui asiduo al Salón del Manga donde, por cierto, adquirí algunas piezas americanas de mi colección de RPG de Super Nintendo a unos precios que hoy serían inimaginables, como Shadowrun, Secret of the Stars y también Light Cursader de Mega Drive, entre otras varias. Aún eran tiempos razonables para el coleccionismo...

Primera parada en los 8000 metros cuadrados que se extendían ante nosotros: las mesas de juego, con distintos sistemas disponibles, donde una de las estrellas era una Virtual Boy con el Mario’s Tennis, que pude probar por primera vez. Las incontables vitrinas alrededor, albergaban prácticamente un resumen de la historia de las videoconsolas, desde la mítica Magnavox Odyssey (la primera consola de sobremesa de la historia), y su clon catalán, la Overkall, hasta los sistemas más actuales, pasando entre medias por modelos y ediciones menos comunes de otros. También me llamó mucho la atención el pequeño homenaje a la saga The Legend of Zelda, con todos sus títulos allí expuestos en toda su gloria. Ya sabéis que este año cumple 40 años de existencia, pero al mismo tiempo, también es el cuadragésimo aniversario de Dragon Quest, que tenía otra vitrina enteramente dedicada a mostrar todos sus juegos.

Nintendo 64 + 64DD

3DO, CDi, Amiga CD32...

Dragon Quest

The Legend of Zelda

Había tantísimo por ver, que llevando tan solo unos minutos allí, uno no sabía por dónde tirar. Se montaron más de 100 puestos, una auténtica barbaridad, entre expositores, zonas de juego, de actividades, arcades, pinballs, escenarios, ropa, manga, anime… y por supuesto, tiendas, ¡tiendas!, ¡TIENDAS!... de videojuegos retro y modernos. Primero, nos dimos un garbeo por algunas con mucho material actual, como Impact Game. Si os soy sincero, a mí me ponéis delante juegos de Switch 2 o Ps5… y me acaba dando el bostezo (cada vez me interesa menos el panorama), pero más tarde, recorriendo los stands petados de buena mandanga retro… ahí empezó para un servidor lo verdaderamente emocionante. Cartón, ¡bendito cartón a raudales! de NES / Famicom, Super Nintendo / Super Famicom, Game Gear, Nintendo 64, así como cajas de Mega Drive, Master System PC-Engine o Dreamcast, incluyendo versiones Pal, NTSC USA y NTSC Jap por doquier. Fue un subidón tremendo, y los ojos se me iban solos hacia todas direcciones. No quería perder detalle, pero al mismo tiempo, era tal la cantidad que no sabía en qué punto detenerme a mirar con calma. Muchísimos stands con enormes mesas y más mesas (la mayoría, cubiertas en plástico) donde ‘gulismear’, ver precios, comparar estados, buscar rarezas, atisbar periféricos de lo más insólito… También cables, mandos, repuestos y mucha cartuchada suelta.

Selección Nintendo Switch

Konami Hyperbeam Wireless Controller

De antemano, me prometí a mí mismo mantener la cartera bien cerrada, mirar pero no tocar, reprimir mis incontenibles ganas de quemar la pasta en todos los videojuegos que me pudiese llevar… pero dicha promesa, como habréis adivinado ya, no aguantó mucho tiempo. Paseando por el stand de GamePress, ya me fijé en un par de libros que, casi con total seguridad, caerían. También en varias de las tiendas fiché algo de Super Famicom con precios realmente suculentos. Sin embargo, y por el momento, habría que dejar todo eso en un segundo plano, ya que estaba a punto de tener lugar la principal razón por la que me encontraba allí: la conferencia de Michiru Yamane y Yoko Shimomura. Entre la visita por lugares como Retroplaying BCN, Retro Cabeza, las revistas Loading y Micromanía o la mesa con los microordenadores de 8 bits, se nos fue el santo al cielo, y cuando llegamos al escenario, todas las sillas estaban ocupadas, así que tuvimos que ver la presentación de pie.

Surtido Amstrad CPC 464 y 6128

Con aproximadamente media hora de retraso, se presentaban en el escenario Michiru Yamane y Yoko Shimomura, muy elegantes ellas. Las charlas en sí, sinceramente, no fueron todo lo interesantes que imaginaba. Debido a temas de licencias y demás rollos, no se pudo hablar en profundidad de juegos o de ciertos temas, y ambas artistas nos contaron, sobre todo, acerca de sus carreras en términos generales, y de varias anécdotas personales, algunas de ellas muy divertidas. Pudimos entenderlas gracias al gran Luis Shinyuden, que actuó de interpreté, ya que no soltaron ni una palabra en inglés. El gran momento llegó cuando Yamane interpretó al teclado un popurrí de fragmentos pertenecientes a la saga Castlevania (a partir del Bloodlines), por la cual es mayormente conocida, amén de otras bandas sonoras de su autoría. Ya digo, esperaba un poco más, pero solo por el hecho de haber visto en persona a una de mis grandes musas compositoras, como es Yoko Shimomura, y esa interpretación al piano por parte de Yamane, ya mereció sobradamente la pena. Con un tímido ‘¡gracias!’ se despidieron entre aplausos, y nosotros seguimos con el trayecto.

Michiru Yamane y Yoko Shimomura

Michiru Yamane al teclado

¡Hasta siempre!

Hubo otros stands realmente increíbles, también flipamos, entre otras cosas, con montones de juegos para Neo Geo, y uno de los que más disfruté fue, cómo no, el de la más que conocida Canadian Games, sencillamente espectacular. Allí brillaban con luz propia, al menos para mí, varios RPG Pal de Super Nintendo, como un impecable Secret of Mana o un Lufia español (a casi 1000 euros), así como un Illusion of Gaia americano. Los precios eran de auténtico terror, algo que era de esperar y que se podía atribuir a casi todos los vendedores, pero ver semejantes piezas ante mí me hizo segregar dopamina a borbotones. Otros juegos que me dejaron patidifuso fueron un Whirlo Pal, y un Skyblazer en un estado inmaculado por la nada despreciable cifra de 500€. Lo dicho, mirar, babear y callar. Al margen de esto, claro, también había mucha morralla en todas partes, incluso algún rótulo engañoso. Porque obviamente un The Legend of Zelda: A Link to the Past al que le falta el mapa NO es un juego completo. Tras despedirnos de Javi (¡mil gracias por tu compañía!), mi chica y yo fuimos a comer al centro comercial anexo, lo más exprés y barato posible, para continuar curioseando entre todo lo que nos quedaba por ver.

Pinball Iron Maiden, arcade Out Run

Con el gran Javi Huerta

Pinballs de Pokémon y Deadpool

Pasamos por los arcades y pinballs, vimos más tiendas de libros, de unos cuadros / dioramas preciosos, pins, camisetas, figuras de anime o muñequitos artesanos… allí había de todo lo que podáis imaginar. Lo que más me fastidió fue, por despiste, perderme la conferencia de El Búnker: Nintendo 64. Pero al final hay que estar a tantas cosas… Ya acercándose la hora de despedirnos de La Farga, tras casi ocho horas de pateo constante (y más que hubiese estado, ¡no me cansaría jamás!), llegaba también el momento de hacer la ‘batida final’, de agenciarme todo aquello que no podía dejar allí y que entraba en mi presupuesto. De vuelta al puesto de GamePress, me llevé el libro La Leyenda de Nintendo 64. Ya era hora de que alguien escribiese un libro en condiciones sobre esta, le pese a quien le pese, grandísima máquina, tal como le dije a uno de sus autores (y redactor jefe en Retro Gamer España), Sergio Martín, en una amigable conversación sobre ella. También tuve el placer de de compartir experiencias de mi eternamente idolatrado The Legend of Zelda: Ocarina of Time (mi Zelda por excelencia, y uno de mis videojuegos favorito de todos los tiempos) con la encantadora Anna-Victòria 'Kurusonna' Teixidó , a raíz de la reciente salida de su libro Ecos de Hyrule, que por descontado, también se vino para casa. Como veis, ambos tuvieron la gran amabilidad, no solo de charlar conmigo, sino también de firmarme y dedicarme sus obras. Ni que decir tiene que, en cuanto las lea de cabo a rabo, escribiré sus correspondientes reseñas por aquí.

La Leyenda de Nintendo 64

Muchas gracias, Sergio

Ecos de Hyrule

Moltes gràcies, Anna

Primer objetivo cumplido, y ahora, a por los videojuegos. Y es que, de entre las muchas que recorrimos, hubo una tienda especializada en material japonés que no podía pasar por alto. Allí, entre la montaña de videojuegos nipones, hubo dos que me pusieron ojitos, y lo más importante, a unos precios que estaban incluso por debajo de los mínimos que apunté en mi más reciente viaje a Japón. Se trataba de Bounty Sword y Soul & Sword, dos RPG para Super Famicom que solo salieron allí. Lo cierto es que tenían, en general, unos precios bastante competitivos para lo hinchados que suelen estar en este tipo de eventos. La tienda en concreto se llama World Viceous, con sede física en Barcelona (prometo visitarla en un futuro), y tras hablar un rato con el encargado, ambos títulos fueron derechitos a engrosar mi colección de RPG para Super Famicom, que poco a poco se acerca a los 100 ejemplares.

Bounty Sword (Super Famicom, 1995)

Soul & Sword (Super Famicom, 1993)

Visto lo visto, y sabiendo por terceros que los domingos suele acudir menos gente, se puede concluir que la undécima edición del RetroBarcelona volvió a ser un rotundo éxito de cifras. No fue una experiencia tan brutalmente intensa como la que tuve recientemente en Japón a nivel de videojuegos y adquisiciones, por motivos obvios, pero sí os puedo decir que es una de las ferias más alucinantes que he tenido el privilegio de visitar en la península. Cuando las palabras ‘retro’ y ‘Barcelona’ se juntan, hay que acudir a la llamada, y yo he pecado de muchos años sin hacerlo. Pero después de esta primera, estoy seguro de que van a llegar muchas más, siempre que las circunstancias lo permitan. Y os recomiendo fervientemente que hagáis lo mismo.

Larga vida al retro y al coleccionismo. Larga vida a los incomparables 80 / 90 y, por supuesto, ¡larga vida al RetroBarcelona!

P.D. Algunas de las fotos han sido cedidas por mi colega Javi, pues con la emoción y el frenesí del momento, se me olvidó por completo hacer las mías propias. Si es que…

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Hydlide (PC-6001, Action RPG)

2026-05-10T20:52:00.003+02:00

Cualquier aficionado al género habrá visto alguna de sus pantallas, conocerá su nombre, y/o tal vez habrá podido catar alguna de sus versiones. Ha sido citado como referencia en unos cuantos artículos de estas páginas, debido a su importantísima posición en la historia del género y las innovaciones que introdujo. Hasta ahora todo lo que conocía de él era abundante teoría, pero hoy por fin, me siento realmente feliz de haberlo podido terminar nada menos que en su forma más primigenia. Hydlide, en su lanzamiento para PC-6001 y PC-88, no es otra cosa que legado puro, precedido de dos meses por el seminal Dragon Slayer, y a solo uno de otro icónico como fue Courageous Perseus. Junto a ellos, encarnó lo que podríamos llamar ‘la santísima trinidad’ pionera del Action RPG, en una época en donde aún ni siquiera había suficientes estándares, ni definiciones, ni elementos establecidos como para dar nombre a dicho género. Así pues, esta es una de esas ocasiones en las que, antes de proseguir, debemos desplegar la alfombra roja para dar el merecido recibimiento a un título tan emblemático y fundacional, que únicamente salió de Japón en sus ports para MSX2 (distribuido incluso en España), y el más conocido (e infame) de NES en EEUU.

Tampoco podríamos dejar de alabar la figura del gran Tokihiro Naitō que fue, por extensión, uno de los padres del Action RPG, creador y diseñador de este primer Hydlide, de sus dos siguientes entregas, y de aquel experimento llamado Virtua Hydlide en Saturn. Participó también en el tratamiento sonoro de la versión de NES, y permitió a los desarrolladores de otras, como las de MSX y MSX2 (Eiji Kato) o Sharp X1 (Katsushi Morizane), tomar sus propias decisiones. En el volumen dos del libro The Untold Story of Japanese Developers podemos leer una extensísima y muy interesante entrevista a su persona, donde relata cómo desconocía por completo la existencia de dos pilares como Ultima o Wizardry cuando la idea primordial se forjó en su mente. Una afirmación totalmente creíble, teniendo en cuenta lo difícil que era para los japoneses, por aquel entonces, acceder a computadoras occidentales. También de Naitō surgió Fairyland (cómo no, precioso y eterno topicazo), una tierra bañada por la magia y la fantasía que serviría de contexto para este RPG y sus inmediatos sucesores. Inesperadamente, por suerte, y debido seguramente a temas de resolución de aquellos primitivos sistemas, todo el texto presente en el juego, salvo la frase de espera durante la animación del título, está en perfecto inglés, incluyendo la información que aparece en el omnipresente marco, y la introducción a la trama. Todo lo que conoceremos acerca de ella se nos narra en una sola pantalla, estática, a través de unas pocas líneas de texto, y punto. Pero… ¿qué podríamos esperar de un Action RPG de 1984 que, en esta versión analizada de PC-6001, apareció en formato casete? El simple hecho de existir ya fue destacable, si bien es cierto que Hydlide nació con un enfoque mucho más centrado en la acción que en el argumento. Por supuesto, se acogió a la tendencia épica medieval / fantástica con los más básicos elementos, planteando un antagonista (Varalys), una víctima, en este caso la princesa Ann, y el héroe, llamado Jim. La paz reinante en Fairyland dependía de tres joyas sagradas, guardadas a buen recaudo en el palacio, hasta que una de ellas fue robada. Sin ella, no solo el equilibrio se rompió, sino también el sello que mantenía cautivo a un ancestral demonio. Una vez liberado, las dos joyas restantes también desaparecieron, y mediante artes de magia negra, la bestia transformó el cuerpo de la princesa en tres hadas, que posteriormente escondió en los más remotos confines de la tierra. Ante tal tragedia, el caballero errante Jim, que no podía soportar ver el sufrimiento y la desesperación de las humildes gentes, empuñó su espada y se dirigió allí con un objetivo claro: hacer morder el polvo a Varalys.

Obviamente, lució distinto en cada una de las máquinas a las que fue porteado. Haciendo una comparativa, tanto entre todas ellas, como con los pocos RPG japoneses existentes hasta su llegada… qué queréis que os diga, a mí sus gráficos me parecen una auténtica gozada. No tendría los escenarios tan sofisticados de Courageous Perseus, ni las imágenes tan impactantes de Mugen no Shinzou, ni los efectos tridimensionales de The Black Onyx, pero en conjunto albergó más belleza y atractivo que muchos de ellos gracias a su resplandeciente colorido. La variedad y detalle en los escenarios salta a la vista, con tonalidades vivas y una composición que aprovechaba al máximo los tan solo 16 colores que un PC-6001 mk II SR podía mostrar en pantalla. Y creo que sobra repetir que estamos hablando de algo de 1984, en un ordenador con prestaciones inferiores a las del primer PC-88. Con nuestro Jim armado hasta los dientes, en cuyo sprite pueden distinguirse todas las piezas de su equipamiento, recorreremos multitud de terrenos distintos, personalizados tanto por sus colores, como por los elementos y patrones que los enriquecen para que no queden superficies planas en ningún momento. Desiertos, arboledas, lagos, y pasos subterráneos equitativamente distribuidos en un mapa que se rodea en bucle. En principio aparenta ser excesivamente reducido, con sus tan solo 25 pantallas, aunque lejos de ser un defecto, siempre he pensado que esa misma cualidad acaba creando una mayor interiorización y familiaridad con el jugador que las extensiones interminables. Y eso, me gusta. De hecho, dado lo confusas que resultan algunas búsquedas o acciones… casi es una ventaja. Aparte de lo mencionado, también destacaría zonas como el cementerio, los pequeños pero encantadores castillos, o los laberintos, cuya inspiración en los del mítico Tower of Druaga resulta indiscutible. En ninguna de las pantallas deja de haber movimiento debido a la constante aparición de enemigos, que se van renovando o sustituyendo conforme avanzamos de nivel. A los limos y duendes, figuras casi intrínsecas a aquellos primeros pasos del género, hay que añadir zombis, goblins, ropers, goldoms, pulpos, escorpiones, magos, fuegos fatuos, dragones y hasta diversos jefazos, conformando un plantel de 19 distintos. ¡Nada mal! Los sprites, tanto del protagonista como de los monstruos, cuentan con una sencilla animación, y ya puestos, deciros que mis favoritos han sido los Blackom, por su diseño y combinación de colores, las anguilas (que se esconden y salen del agua), y esas avispas de microscópico tamaño. El marco alrededor de la pantalla, aparte de agilizar la acción (paliando las limitaciones técnicas), también tiene el propósito de mostrarnos con total claridad los indicadores de vida, fuerza, y la experiencia restante para sumar otro nivel.

Pero aunque estemos obligados a ser coherentes y permisivos con su enorme relevancia histórica, su formato y su año de salida, tampoco se pueden pasar por alto ciertas carencias que quedan por debajo de lo aceptable. Y el problema aquí no fue el chip dedicado del PC-6001, un capaz y versátil modelo AY-3-8910 que también tuvo el honor de dar voz a sistemas como la Intellivision o el legendario Amstrad CPC, entre otros. Aun con su capacidad para generar tres canales de audio simultáneos, Hydlide solamente aprovechó dos de ellos, pero para crear tan solo una línea melódica (armonizada, eso sí). Si a nivel compositivo se observase un buen trabajo en dicha melodía, en su musicalidad, en su progresión, en su diversidad tonal o en su longitud, esto podría quedar como una anécdota relacionada con su capacidad, pero no fue así. Del amplísimo rango de 12 octavas que poseía el chip, tan solo se hizo uso de unas pocas notas para crear un tema que dura nueve segundos. Sí, nueve. Un fragmento que, por otra parte, y aislándolo, tampoco está tan mal: es épico, grandilocuente a su manera, alegre, fantasioso y con su propio clímax en forma de esas notas altivas que suenan repicando al final, encajando muy bien con la esencia del juego y los entornos de Fairyland. Pero aquí, el mayor problema de todos es que, salvando un segundo corte que solamente se nos presentará en la secuencia final, esos nueve segundos son toda la música que vamos a escuchar durante la aventura, una y otra vez en un loop infinito. No hay música de presentación. No hay cambios para zonas más mazmorreras y peligrosas, donde se requerirían otras tesituras sonoras. Ni siquiera para los jefes finales o el deceso de nuestro héroe. Y como digo, hay muchos factores que se pueden excusar perfectamente con la avanzada edad de este anciano de los Action RPG… pero no todos. El anterior Dragon Slayer, que mostraba un apartado gráfico muchísimo más espartano, tenía como mínimo cierta originalidad, con esa tonadilla que iba cambiando según la velocidad a la que nos moviésemos, y un bonito y pegadizo tema de apertura. Resulta extraño, por otra parte, que la versión para Sharp X68000, un señor PC de 16 bits con unas capacidades sonoras tan amplias, pecara del mismo defecto, aunque se le diese mucha más vida al tema dotándolo de percusión. Con el fin de disfrutar de la experiencia de la forma más realista posible, jamás me quito los cascos o muteo el sonido, y mientras que en algunas partidas mi cerebro ha conseguido relegar la música a un segundo plano, en otras… ha sido durillo de soportar. Claro que aquellos que lo jugasen en 1984 tendrían un mayor nivel de tolerancia que nuestros mimados oídos. Por fortuna, hay más efectos sonoros, y fue una gran idea aquello de tener dos distintos según los golpes sean asestados o recibidos.

Hydlide supo enfatizar como pocos RPG japoneses la mezcla de mundo abierto y acción, algo que condicionó su jugabilidad. Tomamos el control sin directrices, con equipo básico, y sin más objetivo que matar al cruel tirano, dejando en nuestras manos el resto. Desde el primer minuto, podremos explorar libremente todos los alrededores y buscar los objetos clave para avanzar, y aunque la progresión es no lineal, y el orden relativamente flexible, para acceder a algunos de ellos es imprescindible haber encontrado antes otros. No es la única traba, ya que sin acumulación de experiencia, habrá adversarios sencillamente imposibles de destruir. Tampoco se trata de luchar a lo loco, ya que a partir de ciertos niveles, los enemigos más débiles dejarán de puntuar. Lo bonito de esta dinámica es que nos evitará muchas peleas fútiles, y lo malo, es que raramente hay punto medio, porque la fuerza y la resistencia aumentan, pero en cuanto a la defensa (el escudo es prácticamente inútil), Jim será siempre tan vulnerable como una florecilla. Dichos enfrentamientos se resuelven a base de bumping, es decir, colisionando contra los monstruos. La rapidez y agudeza con la que cambiemos entre los modos de defensa y ataque, será crucial para no caer fulminados ipso facto cuando indaguemos territorios desconocidos. También lo será hacer un uso intensivo de las funciones nativas de salvado y carga rápida, un auténtico seguro de vida. Y creedme, nunca serán suficientes salvados… ¡pero al loro!, porque si guardamos en el único slot disponible mientras nuestro héroe muere, adiós partida. Las dos últimas características fueron muy inusuales en su día, pero si hay algo en lo que Hydlide fue absolutamente pionero, fue en la posibilidad de regenerar la vida al quedarnos quietos, más o menos rápido según terreno. Este sistema, que en seguida adoptaron sagas como Ys o Xak, se sigue usando hoy en día incluso en juegos que no tienen nada que ver con el RPG, tal fue su enorme importancia. Por lo demás, Hydlide es la simplicidad personificada. No hay NPCs, ni pueblos, ni diálogos, no hay efectos de status, ni magias, ni un inventario interactivo. Lo que sí hay, es un fortísimo componente de prueba y error. Entonces, los juegos no solían basar su duración en su extensión, sino en sus pruebas y acertijos ridículamente absurdos, por lo que aconsejo trazar un mapa, anotar cualquier cofre cerrado, y cualquier área inaccesible. Más pronto que tarde se agradece, aunque eso tampoco nos salvará de su aplastante ilógica. Encontrar la tercera hada, por ejemplo, es literalmente imposible usando solo el razonamiento. Aparte de eso, es muchísimo más jugable de lo que un juego de su añada nos podría hacer pensar. Así que ya sabéis, si queréis descubrir por vosotros mismos esta única e irrepetible pieza de arqueología RPGera… ¡paciencia infinita!

Tras mucho meditarlo, y por deferencia, he decidido no darle puntuaciones. Creo que, 42 años después, no se puede reducir a fríos números algo sin lo que, probablemente, nada de lo que vino a continuación hubiese sido igual. Durante el proceso de documentación, he leído críticas que me han producido vergüenza ajena, tachándolo de injugable, cutre, ‘demasiado retro’, mal envejecido… ¡¿Mal envejecido?! Las cosas son como fueron en su momento, y no hay más allá. Solo la ignorancia más lamentable de un cretino imberbe que no ha vivido nada anterior a la Wii puede dar lugar a comentarios así, con juicios emitidos a través los ojos del presente y una alarmante falta de criterio y contexto. ¿Cómo se entiende, si no, que obras de grandes como Hideo Kojima, Hideki Kamiya o el mismísimo Shigeru Miyamoto tomasen inspiración de él? Las cifras están ahí: entre todas sus versiones de PC, vendió un millón de unidades. Y eso, en 1984, no estaba alcance de cualquier RPG oriental.

- Lo que más me gusta: Auténtica leyenda del Action RPG. Su remarcable y vívido colorido. Mucho más jugable y menos rígido de lo que aparenta. Variedad de enemigos. Manejo muy fácil e inmediato.

- Lo que menos me gusta: Algunos pasos son disparatadamente ilógicos. En momentos de mayor necesidad de precisión, el control puede ser traicionero. Nueve segundos de música se quedan ‘algo’ cortos.

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¿CÓMO EMULAR PC-6001 EN WINDOWS?

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La gigante NEC fue, entre muchas otras cosas, una compañía fundamental en cuanto al desarrollo de informática y microordenadores japoneses, y muy a principios de los 80, también cambió la realidad del país si nos referimos a los videojuegos. Con la fabricación de su línea PC-8000 (1979), y especialmente, la posterior 6000 (que sería sucedida por PC-88, PC-98, etc.), estableció una base para que un gran número de programadores se lanzaran a desarrollar videojuegos, ya que su arquitectura era muy propicia para ello. Como solo pretendo poneros un poco en contexto, y no dar una lección de historia, pasemos ya a la cuestión. Para aquellos que sintáis curiosidad, veamos cómo se puede emular el PC-6001 en nuestro ordenador. En realidad, si ya estáis familiarizados con el mundo de la emulación, es un proceso muy intuitivo y más sencillo incluso que con otros sistemas de la época, sin ningún misterio ni necesidad de toquetear cientos de configuraciones, salvo en el caso de determinadas particularidades del propio emulador que os explico abajo. Aquí os dejo un tutorial la mar de completo de los compañeros de Abandosocios:

https://www.abandonsocios.org/index.php?topic=18331.0

Y ahora en concreto, para emular fácilmente este Hydlide, solo debéis seguir estos pasos.

1- Conseguir la ROM nombrada como 'Hydlide {m5p2}.cas', que yo no puedo proporcionar, pero que es fácil de conseguir si buscamos en Archive.org.

2- Descargar AQUÍ el emulador, bajo el logo de NEC PC-6000 Series. A mí esta versión PC6001VX 3.4.0 para Windows de 64 bits me ha funcionado de perlas. ¡Además, sus menús están en inglés! Permite tomar capturas, grabar vídeos, tener un pequeño teclado virtual en pantalla, amén de muchas más opciones.

3- Descargar AQUÍ las BIOS de sistema necesarias para hacerlo correr.

4- Dentro de la carpeta principal del emulador, colocar las BIOS (descomprimidas) en la carpeta rom, y el juego (descomprimido), en la carpeta tape.

5- Arrancamos el PC6001VX.exe. Antes que nada, le damos clic derecho en la pantalla principal para acceder al menú desplegable, y en Settings -> Preferences… -> pestaña Input, veremos el recuadro Tape(Load). Buscamos ahí la rom (en este caso, la de Hydlide) que queremos que se cargue por defecto, le damos a OK, y cerramos menú.

6- El emulador puede dar ciertos errores fatales que, según su propio programador, no ha podido resolver, pero que se pueden sortear con un pequeño ‘truco’ que vamos a activar de antemano. Accedemos al menú del clic derecho -> Settings, y marcamos las opciones Boost Up y Turbo Tape.

7- Cerramos emulador, y lo volvemos a abrir.

8- Ahora tendremos que escoger entre cinco versiones de Basic. Para este juego, escogemos la 5 pulsando dicha tecla. En la siguiente pantalla, lo mismo pero con el número de páginas de memoria. En el caso de Hydlide, pulsamos 2, y después, Intro.

9- Cuando tengamos ya delante la pantalla del prompt (la principal, vaya), tecleamos cload, pulsamos Intro, y nos saldrá el mensaje FOUND HYD Ok. Por último, tecleamos run, y le damos al Intro. El juego comenzará a cargar.

A pesar de todo, hay alguna posibilidad de que la carga falle y devuelva algún error, o el emulador se cuelgue. Si es así, simplemente lo cerramos, lo volvemos a abrir, y repetimos el proceso a partir del paso nº 8. Más pronto que tarde, funcionará, y una vez se cargue, ya no habrá el más mínimo problema con el juego en sí. Por supuesto, cualquier duda o incidencia que os surja, me la podéis dejar en los comentarios.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Escuchando otras bandas sonoras del sistema, incluso tanteando otras versiones de este mismo Hydlide, da la impresión de que se pudo haber hecho más en este apartado. El único tema que nos acompañará durante horas, de escueta duración, tampoco brilla especialmente por su calidad compositiva, ni indica especial esmero por parte de los dos compositores acreditados, Keiichi Maruyama y Shigeru Tomita, pero lo cierto es que de algún modo acabó convirtiéndose casi en un emblema de la saga. Junto a él, os dejo el del ending, que completa toda la oferta del juego.

Overworld. No creo que exista ningún ripeo de esta versión concreta de PC-6001 en Internet, así que yo mismo la he extraído, dejándola repetirse en un par de ciclos para que podáis apreciarla mejor. No hay mucho que decir sobre él, tan solo que es un tema relativamente simpático y alegre, pero excesivamente corto, con tintes épicos que perderán su gracia una vez los hayamos escuchado más de 100 veces. Al menos son notas armónicas y no planas. En cada sistema tiene su propia personalidad, manteniendo la estructura, y las revisiones en FM ganan cierto atractivo.

Final scene. Realmente, y para más inri... no sé ni siquiera si deberíamos considerarlo como un tema distinto al que suena en la aventura, ya que básicamente, son las mismas notas calcadas, en idéntico tono, pero ralentizadas para darle ese toquecillo melancólico y de celebración al derrotar a Varalys y recomponer el cuerpo de la princesa. La cuelgo más que nada como pura curiosidad, y por aquello de hacer la comparativa... porque en verdad no aporta nada nuevo. Al menos, la otra es marchosa, pero por contra, acabaremos bastante más saturados de ella.

Who Framed Roger Rabbit? (Game Boy, Aventura)

2026-04-26T19:56:00.001+02:00

Permitidme que os relate la curiosa anécdota que me hizo decidirme a escoger este juego como mi siguiente aventura. Hace tan solo unos días, estuve jugando a The Pagemaster para Super Nintendo, cuyo análisis podéis leer en mi otro blog El Cerebro de la Bestia. Un plataformas clásico basado en una película que prácticamente había olvidado. La casualidad llegó cuando, justo en esos días, releyendo aleatoriamente una vieja revista, me topé con este Who Framed Roger Rabbit? de Game Boy, inspirado en la película homónima, que a su vez también mezclaba actores reales y dibujos animados, pero que, al contrario que la anterior mencionada, sí fue una de mis películas favoritas de la infancia. Para rematar, ambas tuvieron al colosal Christopher Lloyd en su reparto. La cosa es que, en este caso, era dicho juego el que había olvidado por completo. Entonces, acudió a mi mente una frase de mi admiradísimo agente Dale Cooper, algo así como “cuando eventos separados se dan de forma simultánea respecto al mismo concepto investigado, siempre debemos prestar la más estricta atención”. Ante tal razonamiento y cruce de coincidencias, no me cupo la menor duda: este era el objetivo destinado para el momento, aunque no se tratase de un RPG.

Y aunque, por un motivo que más tarde explicaré, me quedé con cierta sensación mustia al terminarlo, el resto ha sido una alegría tras otra, devolviéndome los recuerdos más entrañables que podáis imaginar. ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, en su versión portátil, sigue los pasos de la producción cinematográfica de 1988, pero de un modo más bien libre. En casos muy concretos, inventa algún personaje, pero la gran mayoría de ellos son directamente rescatados, como Eddie Valiant, Marvin Acme, Baby Herman, Dolores, Benny, y por supuesto, el ilustre Roger Rabbit y su esposa, la despampanante Jessica. La historia se simplifica bastante aquí, obviando elementos como la empresa Cloverleaf, el empresario R. K. Maroon, y casi todos los entresijos y sub-tramas de por medio. A cambio, presenta otras nuevas para dar más vidilla a las fases y, no sin cierta habilidad, crea un popurrí a partir de varias partes, escenas y datos de la película, como la muerte de Maroon y Acme, la aparición del pegamento o el taxi, sin perder coherencia, y sin renegar en ningún momento de ese ligero pero irresistible aroma a cine noir que lo embriaga todo. Estamos en el Hollywood de la década de los 40, en un barrio que colinda con Sunset Boulevard, y con aquel conocido como Dibullywood, hogar de los dibujos animados. Roger se encuentra en su estudio, grabando una de sus desternillantes escenas, cuando recibe la preocupante llamada del señor Acme, dueño de la tierra de los ‘dibus’. Sospecha que el juez Doom, un tipo frío e implacable, está tratando de hacerse con el control de esta por las bravas, y temiendo por su vida, entrega su testamento a Jessica, por medio del cual lega Dibullywood a sus habitantes. Por desgracia, Acme cae finalmente asesinado, y Jessica es secuestrada. Con la ayuda del detective Valiant, Roger deberá hallar el paradero del culpable de todo este entuerto y desenmascararlo, pero antes, tendrá que enfrentarse a cada uno de sus secuaces, las comadrejas, mientras recaba toda la información posible de cada personaje que encuentre a su paso. Para aquellos negados con el inglés, decir que el juego salió en español de forma nativa, convirtiéndose así en el primero de Game Boy en llegar traducido a nuestro país. Los textos no son demasiado descriptivos ni fiables, y no enfatizan el humor de la obra original tanto como deberían. Van perdiendo coherencia con el paso de los eventos, porque apenas cambian, y tampoco incluyen tildes, pero… ¿a quién le importaba esto en pleno 1992? Sea como sea, no está de más conocer bien la película antes de introducirnos en el meollo, ya que de ese modo nos enteraremos mejor, por ejemplo, de qué es en realidad eso de “la tinta y la pintura”.

La parcial recreación de la ficticia Los Angeles donde transcurre la odisea de este desgarbado conejo me ha parecido tan fabulosa, que se ha convertido en uno de mis aspectos favoritos del cartucho. Es bonita, elegante, detallada, y de unas dimensiones tirando a enormes, algo que tiene especial mérito cuando nos referimos a un cartucho de solo 1 Mb para la primera portátil de Nintendo. Son un total de casi 60 pantallas, a lo largo y ancho de las cuales se encuentran prácticamente todos los elementos que tan bien ambientaron el film. Ir descubriendo sus muchas calles, llenas de diversos locales como la fábrica Acme, el estudio de grabación, la agencia de detectives, y algunos exclusivos del juego, como la panadería, el depósito de coches o el puerto, es un placer, aunque sea por el sencillo gusto de reparar en sus vehículos de época, sus variadas fachadas, sus aceras o árboles. Una lástima que solamente se pueda acceder a los interiores relevantes durante la misión en curso. Tampoco es que sean una obra de arte, pero mientras algunos solamente contienen cajas (los almacenes), otros están decorados con distintas piezas de mobiliario, y resultan agradables. Si hay un par que me han gustado especialmente, esos son el bar de Dolores y el local donde actúa Jessica Rabbit en una de las escenas más remarcables de la película. Donde sí se podrían haber lucido un poco más sus grafistas es en la mansión de Doom, cuyas distintas habitaciones quedaron tremendamente desangeladas. Los sprites tienen un tamaño aceptable, con buenas proporciones (salvo los coches, que son muy pequeñajos), sobre todo en el caso de los transeúntes humanos, destacando claramente el diseño de nuestro querido Roger y, en menor medida, el de las comadrejas y los jefes de cada tramo. Quitando algún caso particular, apenas veremos animaciones salvo las del protagonista, que son algo limitadas pero graciosas cuando anda, golpea, dispara o se agacha. En relación a esto, en seguida nos daremos cuenta de que el ‘engine’ (si se puede llamar así), es muy debilucho, pues en los momentos de acción, cuando concurran varios sprites en pantalla, el flickering hará acto inmediato de presencia, y resulta un poco irritante en los momentos de más acción. Hay alguna pantalla que se sale de la tónica dominante, como aquella en la que espiamos a nuestro enemigo a través de una rendija, la carrera a lomos de Benny o el viaje en tranvía, las dos últimas con scroll únicamente horizontal, así como las vistosas y divertidas estampas que aparecen entre fase y fase, pero en general, todo se sitúa bajo una perspectiva cenital. Aquí no podemos analizar el colorido por motivos obvios, pero la variedad visual y los cambios de zona son suficientes para que los gráficos no acaben cansando… aunque bien pensado… ni siquiera dará tiempo a que eso suceda.

No es la primera vez que alabo el enorme talento de Yasuaki Fujita en estas páginas. Un nombre que en el inicio de su carrera estuvo tan íntimamente ligado al de Capcom, que incluso ideó el sonido del logo que todos conocimos en 16 bits. En lo que a RPG respecta, sus aportes no fueron tan numerosos en comparación con otros géneros, pero entre otras, como la de Tenchi o Kurau II (Famicom), o la adaptación a Super Nintendo del Eye of the Beholder, sobresalió aquella genialidad de banda sonora con la que, junto a Yoko Shimomura, engalanó a Breath of Fire. A pesar de la total ausencia de créditos, es un hecho conocido que fue él mismo quien se encargó de componer el score para Who Framed Roger Rabbit?, y además, lo hizo en solitario, siendo esta la primera obra íntegra de un autor tan respetado. La música fue un elemento fundamental en la ambientación de la película, y si los gráficos de este programa le hicieron merecido honor, tampoco se quedó atrás en el sentido auditivo. En general, es muy respetuosa con el tono original, y casi cuesta deducir que las partituras fuesen creadas exclusivamente para la ocasión. El jazz y el cabaret, con mucho regustillo a años 40, dominan el cotarro. Alguna, como aquella que ambienta el show de Jessica, puede recordar a la del film, con partes bien adaptadas y haciendo un buen uso del chip, pero es la excepción. Un tema que, por cierto, solo podremos escuchar en ese justo momento, al igual que pasa con otras, como en el escondrijo de Doom, y es de agradecer que un juego nos brinde obsequios sonoros hasta su mismo final. En cualquier caso, las que más escucharemos con diferencia son las que suenas en los espacios abiertos de la ciudad. Solo existe una única para todos ellos, pero esta se renovará cada dos fases, y afortunadamente (al menos, en mi opinión), son las mejores de todo el conjunto, las más extensas y trabajadas, con personalidades diferenciadas, y compases muy dispares, pero siempre con ese inconfundible toque jazzy. Son marchosas y vibrantes, con un ritmo y unas percusiones de las que te harán chascar los dedos, y lejos de tornarse repetitivas (aunque se reinicien cada vez que entramos y salimos de interiores), consiguen pegarse a ti como una lapa hasta el punto de seguir tarareándolas una vez apagada la consola. Y eso, teniendo en cuenta el mayor defecto de esta obra (que aún no he comentado), ya es bastante decir. Sí, es verdad que haciendo valoración global, el juego se queda algo corto de temas, pero no es menos cierto que todos ellos son sorprendentemente buenos, fáciles de escuchar, y no emplean sonoridades nada estridentes, dentro de las lógicas limitaciones de la consola. Existen varios FX repartidos por doquier, como el del teléfono, golpes en la puerta, silbatos, impactos, y mi favorito, el del tranvía, que cumplen de sobra sin alardes.

Entonces, ¿cuál es ese punto débil al que llevo todo el análisis haciendo referencia? Pues concretamente, su duración. Es cierto que no pocas veces me he quejado de juegos que tiran de sub-tareas o misiones extra que no aportan nada para prolongarse de forma innecesaria. Y también soy muy consciente de que siempre se ha de intentar valorar lo que hubo, y no lo que podría haber sido. Pero en este caso, creo honestamente que Who Framed Roger Rabbit? podría haber dado para más que sus escuetas cuatro horas (una, en el caso de mi segundo playthrough). Más misiones y/o más largas, o un mayor énfasis en las mecánicas de investigación, habrían transmitido incluso sensación de mejor aprovechamiento de su extensísimo mapeado. Hablando de esto, ya he dicho antes cuánto me gusta su ciudad. Es tan grande como para permitirnos explayarnos a gusto y a nuestro ritmo, pero no tanto como para desesperar a los menos orientados, y con un rato de partida, ya nos sentiremos como en casa. Explorar sus rincones es, más que recomendable, imprescindible, y por ende, también lo es hablar con todo aquel que se nos cruce. No siempre se nos deja claro qué hacer o hacia dónde ir, y en muchas ocasiones no será una acción propiamente dicha, sino un diálogo, el que desencadene la aparición de nuevos acontecimientos o personajes, además de proporcionarnos pistas o direcciones. Y es que estamos ante una aventura clásica donde prima el análisis del entorno a la acción, pero tener habilidad y tino también nos va ayudar en esas habitaciones llenas de obstáculos y comadrejas a modo de pequeños laberintos, donde hay que demostrar un control muy apurado, e incluso actuar con sigilo, para salir ileso. Ante dichos enemigos, no somos completamente vulnerables. Dando con las personas adecuadas conseguiremos un martillo-guante y un revólver dibu, con los que podremos noquearlos (que no eliminarlos)… pero antes, cabe considerar si queremos ir contra ellos (que a veces, es inevitable), o es preferible memorizar la ciudad y buscar ‘rutas seguras’ para eludirlos, ya que su derrota no reportará dinero, ni puntos, ni experiencia, y en cambio, los tres escasos corazones de vida de Roger sí pueden volar en un abrir y cerrar de ojos. Tranquilos, porque hay continuaciones infinitas y passwords para cada fase, y aunque os tocará repetir secuencias más veces de las que pensáis, no es un reto excesivamente duro, ni siquiera en los enfrentamientos con los jefes. Mi consejo es que racionéis bien las zanahorias, porque están contadas, y no aparecerán de nuevo a no ser que fracaséis y volváis a empezar. Algo que me ha llamado la atención es que, en algún que otro caso, tener conocimiento de la película puede ayudarnos a tomar la decisión correcta. Pero esto… ya lo dejo en la incógnita para que vosotros mismos lo descubráis.

Capcom siempre supo lo que se hacía, y gracias a personalidades tan potentes como el compositor Yasuaki Fujita, el productor de Walt Disney Stephan L. Butler, o el mismísimo Shinji Mikami tras el diseño del conjunto, estamos ante una aventura totalmente recomendable, que convierte su pausado ritmo, sus tan bien construidas melodías, su desbordante simpatía y su afinidad con la película, en algunos de sus más grandes alicientes. La de Game Boy fue la adaptación jugable más tardía, pero para muchos, también la mejor de todas, y al mismo tiempo, una de las más caras en el ámbito del coleccionismo, ya que es muy difícil encontrar un Pal España CIB por menos de 100 euros. Pero si lo que queréis es emularla en nuestro idioma, siempre quedará el dumpeo de la ROM española que circula por Internet. A veces, las mejores esencias vienen en tarros pequeños, y esto va tanto por el tamaño de la querida portátil como por la brevedad del viaje, aunque haya dejado su huella.

- Lo que más me gusta: Plena libertad y tiempo. Su banda sonora le da un extra de misterio y esencia de época. Tan simple como divertido desde el primer telefonazo. ¿He dicho ya que me flipa su ciudad?

- Lo que menos me gusta: El juego se nos antoja insuficiente en número de fases, melodías, retos… algo que va en contraste directo con su calidad. Quizá sea demasiado fácil... aunque casi me vuelvo loco con el problema del pegamento.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Además de en el terreno de los RPG, Yasuaki Fujita también dejó su magistral impronta en muchos títulos legendarios de la que para mí fue la era dorada de los videojuegos. Baste citar algunos como Final Fight 1 y 2, Megaman 3 y 4, el magnífico Skyblazer o Darwin Duck, para reconocer su importancia como compositor. A pesar de tener que ceñirse a un espectro musical más acotado en este Who Framed Roger Rabbit?, logró imprimir una gran personalidad a cada pieza, y a través de ellas, un fuerte vínculo con la esencia de la película. No serán muchas, pero son realmente buenas.

Scene 1 & 2. Además de lo dicho, me gusta también la curva ascendente de tensión por la que nos conduce su banda sonora con el paso de los acontecimientos. Los primeros pasos en la aventura, son los de más suspense, y de ellos formarán parte algunos de los hechos que marcarán nuestra misión. De este modo lo refleja el tema, con ese inicio plagado de incertidumbre y cierto desasosiego, marcado por unas notas cíclicas que a su vez están acompañadas por incesantes movimientos de piano. En ellos ya asoma cierto virtuosismo, uno de los aspectos más recurrentes del conjunto.

Doom's Mansion. El juez Doom es el antagonista del juego y la película. Un tipo arrogante, calculador y malvado hasta los huesos, que no descansará hasta haber convertido Dibullywood en un humeante montón de escombros para su beneficio. Nos vamos hasta los últimos momentos del juego con esta composición que ambienta su mansión. En ella, se vislumbran varias emociones en buena síntesis, tan melodramática como es, con ese tono 'canalla', haciendo gala de un ritmo que te atrapa con a sus constantes charles para, en el último tramo, cambiar ligeramente tono y estructura.

Scene 5 & 6. Al llegar a la quinta escena, la música cambiará por tercera y última vez, aunque los interiores seguirán conservando la misma. Recorrer los exteriores mientras suena, será una auténtica gozada. En ella se alcanza uno de los mayores puntos de dramatismo a nivel musical del juego, pero también uno de los grandes topes en cuanto a variedad compositiva, con empleo y mezcla de tonos mayores y menores, cambios de forma, y una de las mejores melodías del juego. Le falta percusión, pero aun así, es de esas con las que no puedes parar cuando se te mete en la cabeza.

Happy Ending. De la selección que he hecho, y de toda su banda en general, este el tema que más rompe con la dinámica estilística, junto a aquel que se nos presenta al terminar cada una de las misiones. Es exclusivo de la secuencia de ending... y qué bien sienta ver las últimas pantallas de un juego con una melodía tan alegre, tan positiva y movidita. Y todo ello, sin renunciar a cierta complejidad en sus notas en ese piano tan bien simulado por el chip de la consola. Me encantaría verla interpretada con instrumentos reales. Una de esas que te deja con una gran sonrisa.

Boss Theme. Desde Greasy hasta Doom, pasando por esa carrera a muerte contra Psycho, todos los jefes finales del juego tienen como protagonista a esta rápida composición, única en sus registros. Aunque tampoco habría estado mal añadir alguna más (al menos, para el final boss), es suficientemente buena, y tiene la tensión adecuada para los enfrentamientos. De hecho, podríamos colocarla en cualquiera de los primeros Megaman, y apenas desencajaría, dada la acción y épica que transmite. Atención a las distintas líneas, como esa lluvia de notas que se cuela de fondo.

Scene 3 & 4. Llegamos al que ha sido mi tema favorito durante toda esta corta pero divertidísima aventura. Sin alejarse demasiado en estilo de sus relativas a otras fases, esta canción tiene un aire distinto, especialmente marcado por su compás de vaivén y la variación en la longitud de sus notas. Es ligeramente más suave que el resto, y como es habitual, cuenta con un inicio que se sale del ciclo. Sin embargo, es su final una de las partes que más me gustan, que tan bien enlaza con el comienzo. Otro corte 100% jazz que, a pesar de su insistencia, nunca llegará a cansarnos.

Front Mission: Gun Hazard (Super Famicom, Run 'n' Gun / Action RPG)

2026-04-04T22:44:00.002+02:00

Tras la relativamente exitosa recepción de Front Mission en su país de origen (el único donde vio la luz, llegando a vender más de 500.000 copias), y a pesar de las reticencias iniciales por parte de Squaresoft a la hora de desarrollar un título como este, la compañía acabó viendo en él un potente filón que explotar. Tocaba, pues, dar el siguiente paso. ¿Se decidirían, entonces, a lanzar una segunda parte en la ya anciana Super Famicom? ¿O darían el salto a la emergente generación de los 32 bits? Pues, en realidad, ni una cosa, ni la otra, porque la saga sí continuó en la consola de Nintendo, pero no con una entrega canónica, sino con un spin-off, que nos hace replantearnos las hipotéticas preguntas que pudieron cruzar las mentes pensantes de Squaresoft: ¿Por qué repetir esquemas? ¿Por qué quedarse dentro de los límites de un RPG convencional? Y amig@s... me encantaría haber visto las caras de quienes disfrutaron Front Mission de salida, porque este Gun Hazard no podría haber tenido menos que ver con aquel… salvo por su inmensa calidad. El cambio de compañía desarrolladora (de G-Craft a Omiya Soft), queda en algo anecdótico cuando nos percatarnos del extraordinario equipo que hubo tras la concepción de esta joya.

Aunque contraste con lo dicho, es innegable que también existen ciertos aspectos, aunque sea en esencia, que establecen un vínculo entre este juego y su antecesor. Los wanzers (enormes máquinas de guerra), y sobre todo, el contexto político / bélico, son quizá los más relevantes de cuantos nos conducen hasta su apasionante trama, en el ya no tan lejano 2064. El planeta se encuentra completamente devastado a consecuencia de una reciente guerra, y la humanidad se ve forzada a unirse de nuevo en pos de la supervivencia. La solución para regenerar el medio ambiente apunta a la construcción de un mastodóntico y costosísimo sistema, llamado ATLAS, que proporcionará energía solar prístina e ilimitada. Pero antes de su finalización, el descubrimiento de un nuevo tipo de energía hace que el proyecto quede obsoleto, pasando a priorizarse (como en la vida real, por desgracia) los intereses económicos a los humanos. Esto supone el origen de nuevas divisiones, que desembocan en otra guerra aún más cruenta y global que la anterior, y no solo entre poderosos mandatarios. También grupos armados independientes de todo el globo aprovechan el caos para sacar tajada, y en la cúspide, moviendo hilos en las sombras, una secreta organización trata de imponer su nuevo orden mundial, comenzando por un golpe de estado. En el rol de Albert, nos veremos envueltos en situaciones que no siempre apelan a la ética: tal es el sino del mercenario. Pero esto es precisamente lo que añade un punto extra de interés a la narrativa, algo que invita a pensar si las cosas son realmente lo que parecen. Al mismo tiempo su ritmo, su acompasada constancia, te van enganchando valiéndose de una cantidad considerable de textos e información, personajes, situaciones y lugares que, junto a su relativa complejidad y profundidad, son lo que aporta el componente RPG y diferencian a este Front Mission: Gun Hazard de sus otros referentes en la consola. Cada paso, cada acontecimiento, es parte de algo más grande, y con una magnífica dosificación, el juego nos irá dejando caer nuevas pistas que rastrear, todo ello muy bien enlazado. La historia es bastante lineal, sí, pero está cuidada y estructurada al detalle, logrando crear una sensación envolvente, y regalándonos excitantes giros que nos cogerán por sorpresa. Más mercenarios se irán uniendo a la causa, lo que tendrá un impacto tanto jugable como argumental, igual que los nuevos enemigos. Sus caracteres están bien perfilados, destacando algunos envueltos en incógnitas como Genoce o Royce, cuyos actos nos recordarán, hasta el mismo final, que la guerra (la más clara materialización de nuestra inevitable tendencia a autodestruirnos) escapa a toda comprensión racional.

Considerando que para Front Mission se obraron maravillas en sus meticulosos y preciosistas diseños, no cabía esperar menos, un año después, de su sucesor. Aunque su concepto visual es radicalmente distinto al de aquel, preparaos para quedar totalmente encandilados con cada una de las pantallas que desfilarán ante vuestros ojos, porque Gun Hazard es un incesante festival de efectos especiales, talento artesanal, deslumbrante colorido, y en general, un perfecto ejemplo de cómo aprovechar hasta el límite las bondades gráficas de Super Nintendo. En verdad, tampoco se puede usar el mismo baremo que con otros ejemplos del género para juzgar sus cualidades. Aparte del mapa en modo 7 y las pantallas estáticas, aquí predomina la perspectiva lateral, mostrándonos unos escenarios con scroll tanto horizontal como vertical que son uno de sus principales baluartes. No solamente son enormes, sino que además, son un auténtico regalo para la vista. En total, hay tantas localizaciones (más de 100) como misiones existen, y sus grafistas pusieron el máximo empeño en que todas ellas tuviesen, como mínimo, algún rasgo distintivo, tirando de filtros climáticos, ilusiones en 3D, varios planos de scroll simultáneos, o elementos únicos (como ese fuselaje hecho pedazos en mitad de la jungla). La tormenta en Alpine Forest, las estampas nocturnas en Ventt Base, la ventisca helada en Boruka, o la aurora boreal en la costa de Vaiachev, disponen una ambientación de ensueño, al igual que los degradados, el atardecer en el cementerio de wanzers, o esos asombrosos efectos de iluminación (nunca he visto nada igual en 16 bits) que ‘queman’ la pantalla en tiempo real según el grado de exposición del sol. Todo ello engalanado con una maraña abrumadora de detalles que, sencillamente, nos obligarán a explorar hasta el último rincón por puro placer contemplativo. El uso de la paleta, como veis en las capturas, es una delicia, con tonalidades infinitamente amplias y profundas dignas de un juego de su añada. Ciertos fondos parecen incluso pre-renderizados. En los avatares de tan inconfundible trazo, entre la artesanía y el píxel art, se adivina el sello del inconmensurable Yoshitaka Amano, autor también de la carátula y del diseño de protagonistas y máquinas, cuyas animaciones, incluso para los sprites más diminutos, rayan a gran nivel. Siempre he sido fan de las proporciones a escala, y en este sentido, he disfrutado a lo bestia de las que nos regala este juegazo. En movimiento, todo funciona como la seda. El scroll se desplaza con suavidad, y aun con cinco capas de parallax, varios mechas en combate, y multitud de proyectiles, no he observado una sola ralentización, algo meritorio en Super Nintendo. Atención también a los jefes, porque sus dimensiones solo son superadas, una vez más, por sus alucinantes diseños.

Presenciar en el mismo equipo los nombres de dos genios universales de la música como Nobuo Uematsu y Yasunori Mitsuda es un acontecimiento que, por sí solo, debería hacernos temblar de placer. La anterior (y única hasta entonces) colaboración entre ellos surgió en Chrono Trigger… y hay que tener serios problemas auditivos y/o de criterio para no ver que dio lugar a una de las más grandes y eternas obras maestras de la historia de los videojuegos. Un año después, y siguiendo la senda estilística marcada por Front Mission, se quedaron lejos de repetir tal proeza, quizá un tanto limitados por el marco en el que se encuadra este Gun Hazard, pero no hay duda de que igualmente dejaron impronta de su insuperable talento compositivo. Aquí hubo más igualdad proporcional, contando también con cuatro temas de Masashi Hamauzu, y otros tantos de Junya Nakano. Su habilidad magistral a la hora de integrar en perfecto balance sonidos electrónicos con otros más clásicos, es lo que insufló verdadera personalidad a esta banda sonora, y en el caso concreto de Uematsu, fue un trabajo crucial para inspirar y definir aquello que posteriormente escucharíamos en los Final Fantasy de Playstation. Temas bastante extensos, palpitantes y llenos de tensión, con predominio de tempos militares y auras más bien apagadas, entre las cuales, también registros más funkies, incluso techno, tienen cabida. Aunque al principio pueda parecer algo monocromática, con el avance nos daremos cuenta de que hay más de lo que parece para escoger, si bien es cierto que, salvo excepciones, no son temas que se aferren demasiado a nuestros oídos. Esto puede ser debido a que las melodías ocupan un lugar intencionadamente secundario en pos de dar protagonismo a los ritmos, tienen un carácter muy similar, y requieren ser apreciadas con más profundidad y atención para extraerles todo el jugo. Tan frenética acción puede aliviarnos ante aquellas que pecan de repetitivas, pero también hacer que pasemos por alto muchos detalles en sus trabajadas estructuras, que incluyen añadidos tan interesantes como campanas, voces inquietantes, ecos, coros sampleados, colchones orquestales y hasta algún ritmo progresivo. Para encumbrarla aún más, su sonoridad es de diez, sobre todo en instrumentos como pianos, metales, hammonds setenteros, órganos, timbales o marimbas. También un ligero aire experimental está ahí presente, y dentro de cada misión, podemos disfrutar de varios cambios musicales que se adaptan al punto dramático. Tal vez lo que más he echado en falta es un corte central realmente carismático y memorable. Abundancia y calidad mandan en las explosiones, disparos (varios tipos distintos), colisiones, efectos hidráulicos… y a veces, el sonido ambiental sustituye a la música, dotando a los escenarios de una profundidad aún más absorbente.

Es jugable hasta la médula, tremendamente adictivo, y divertidísimo de principio a fin. De ello, no cabe ninguna duda tras solo unos minutos de partida. Pero, ¿está su originalidad al mismo nivel que el resto de apartados? Si atendemos a su concepto, y dejamos a un lado esos toques RPG, para mí la respuesta es no. En Super Nintendo, existen dos claros precedentes de quienes Front Mission: Gun Hazard prácticamente ‘fusiló’ tanto su aspecto como sus mecánicas de acción. Se trata de Assault Suits Valken (1992) y Metal Warriors (1995), ambos de distintas compañías, aunque curiosa y sospechosamente, el primero comparte parte del staff técnico con el que nos ocupa. Ahora bien, con esto no pretendo en absoluto desmerecer su valía, porque parecerse a otros no lo hace peor. En cambio, si los citados títulos son verdaderas joyas, Gun Hazard es aún mejor, entre otras cosas, porque la experiencia que propone es más completa. Está más cerca del run’n’gun y del plataformeo, que del RPG: es, en esencia, un arcade. Como un Tactical, su historia está segmentada por los eventos a superar, a los que se accede a través de un mapa, pero huye lejos de sus complicaciones jugables, cambiándolas por toneladas de acción frenética y directa, en donde peinaremos los enormes escenarios liquidando a todo aquello que se interponga en nuestro camino a los mandos de nuestro robot de combate. Parece torpe y lento de movimientos, pero nada más lejos de la realidad. En pocas horas, descubriremos hasta qué nivel de perfección y precisión llega su control por aire, tierra y agua, con más de 10 ángulos de disparo, propulsión aérea, deslizamiento rápido, escudo… acciones que no tardaremos en dominar por completo, pese a que se usan todos los botones del pad. Iremos ganando acceso a nuevos equipamientos, incluidas nuevas monturas, accesorios y armas más potentes con la acumulación de experiencia / recursos, y podremos revisitar la mayoría de escenarios tantas veces como queramos hasta encontrar el equilibrio deseado en la dificultad, aunque esta nunca llega a ser excesiva. El uso del mapa se vuelve aconsejable a medida que las misiones se enredan, alternando entre aquellas a campo abierto, o en el interior de alguna mega-estructura, donde destacan infernales laberintos de puertas y corredores como Colgare o Galeon. Casi todas contienen elementos destruibles y objetos ocultos que realzan ese carácter arcade, y además (asumiendo importantes riesgos), podremos abandonar nuestra máquina para colarnos por resquicios de otro modo inaccesibles. Nuestros aliados, cada uno con su propia especialidad, también nos serán de gran ayuda en la batalla, y lo mejor de todo es que, combinación de botones mediante (ahh… aquellos viejos trucos…), un segundo jugador podrá unirse a la partida controlando al compañero.

Ahora me viene a la cabeza un debate que tuve hace poco con alguien en X, y vuelvo a preguntarme… ¿Por qué esto es “más RPG” que cualquier Zelda? ¿Únicamente por contar con sistema de niveles? Sea como sea, buscad primero la acción y después el RPG. De esta forma, Front Mission: Gun Hazard no solamente no os defraudará, sino que además, pasaréis junto a él 30 de las horas más desenfrenadas que podáis imaginar en sus más de 100 misiones, combatiendo a más de 140 enemigos distintos con 4 armas principales, 16 secundarias, compañeros mecánicos, y un equipamiento en constante renovación. Su vibrante historia marca la gran diferencia entre este y otros títulos como Cybernator (cuya escena de introducción, por cierto, es literalmente calcada a la que vemos aquí al invadir Sentinel), y su curva de aprendizaje es impoluta, inmediata para asimilar el control, pero no tanto para el dominio de los menús. Además, sus portentosos gráficos y la banda sonora de Nobuo Uematsu y Yasunori Mitsuda, lo hacen irresistible.

- Lo que más me gusta: Gloriosos fondos y entornos plagados de efectos gráficos. Acción a raudales, directa y adictiva. Control perfecto y dificultad muy maleable. Su trama tiene momentazos, y esas escenas que a veces la ilustran, son increíbles.

- Lo que menos me gusta: Su banda sonora es notable, pero esperaba algo más emotivo. Moverse por el mapa puede ser incómodo. El tema del equipamiento es un tanto engorroso. Que no haya más aldeas, tan hermosas como son. Mecánica poco variada.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Cuando dos maestros de la música como Yasunori Mitsuda y Nobuo Uematsu se arremangan codo con codo, nada puede salir mal. Si bien la banda sonora que compusieron para este Front Mission: Gun Hazard quedó lejos de las inalcanzables cotas de calidad de su anterior trabajo conjunto, supieron dotar a la aventura de un clima y una personalidad muy bien apuradas, y una fidelidad en los instrumentos como pocas se escucharon en la consola. No deja de dar sorpresas y aportar nuevas piezas con cada acontecimiento, y de hecho, muchas de mis favoritas se concentran cerca de su final.

Emotion. Comencemos a lo grande con este temazo. Su título describe muy bien a qué nos enfrentamos, pero quizá no del modo que muchos esperan. En él, es donde más vislumbro a ese Yasunori Mitsuda grandilocuente y emocionante de su anterior obra, y de hecho, recuerda bastante al tema principal de Chrono Trigger en determinados fragmentos. Un tema tan furiosamente épico y ardiente, que es capaz de elevarte a otra esfera, tanto con la llegada del estribillo, como con esa bajada de intensidad y cambio melódico. Mi favorita del juego en cuatro minutos de puro placer.

Genoce. Como mencioné antes, Genoce es uno de los personajes más enigmáticos del juego, y también uno de los más agresivos y temibles. Su tema propio, que suena a continuación, le hace honores, siendo uno de los más cañeros del cartucho, y también uno de los más carismáticos, lleno de experimentos y particularidades. De primeras es muy cañero, e incluye más instrumentos reales que electrónicos, destacando esos bajos que abren, los teclados, esas líneas 'rotas' de cara al final, así como las progresiones casi constantes. Subirá la tensión cada vez que nos lo encontremos.

Blue Sky ~ Blue Sky. La trama del juego nos trae multitud de momentos amargos, entre traiciones, masacres y odio, pero también otros en los que los sentimientos se reblandecen, y dejan paso a cortes como esta belleza. Su partitura es sencilla, marimbas y efectos de eco formando una bonita melodía en formato casi de nana, arropados más tarde por ese emotivo velo que forma la suave orquestación. Su cadencia y espiritualidad la convierten en algo único en el juego, y es de lamentar que no haya más cortes profundos de este tipo. Además, aparece en contadísimas ocasiones.

Monologue. Volvamos tesituras más dramáticas, esta vez de la mano de Yasunori Mitsuda, con un corte realmente especial, formado por partes bien diferenciadas. La primera de ellas destila misterio e inquietud, con una lejana combinación de instrumentos oscilante, que de repente, se llena de unos arpegios rápidos y ensoñadores conforme va subiendo la tensión de la melodía base, para finalmente dar paso a la recta final, clásica a más no poder, formada por metales en toda su ostentosidad sonora. A resaltar también esos oscuros timbales que persisten en toda su duración.

Promise ~ Engagement. Llegado el final de toda esta belicosa odisea, solo queda algo por cumplir: la promesa que nuestros héroes se hacen. Escuchando este corte que suena en el ending, servidor no puede evitar asociarlo con una de sus sagas favoritas de todos los tiempos: Mother. Esas notas sintetizadas y ondeantes, esa cadencia tan plácida, esa sonoridad inconfundible, o esa melodía tan evocadora podrían formar parte de cualquiera de las tres bandas sonoras, transmitiendo calma y libertad, y de repente, cambiando a registros amargos que llegan al corazón.

Violent Chase. Si echabais de menos cortes más tralleros, disfrutaréis de lo lindo con este, especialmente aquellos que (como yo), sintáis pasión por los ritmos más complejos y progresivos. Lo cierto es que puede resultar repetitiva tras unas cuantas vueltas, pero al mismo tiempo, engancha de un modo que no puedes dejar de escucharla gracias a la inclusión de detalles sonoros salteados, líneas dobladas, cambios melódicos y de escalas, bajos virtuosos... Posiblemente, lo más destacado sea su endiablada percusión, que encaja como un guante en las situaciones más límite.

Mashou Denki: La Valeur (MSX2, J-RPG)

2026-03-15T22:19:00.007+01:00

No llegó a ser una compañía tan prolífica como Compile, ni tan renombrada como Konami, o relevante en los RPG como Falcom o Micro Cabin, pero Kogado Sudio también dejó obras de cierto peso en el ecosistema de los microordenadores japoneses de los 80 / 90, como fueron las dos partes de Cosmic Soldier, o Haja no Fuuin. Lo más impresionante es que este 2026 se cumplen 110 años de su fundación como entidad (que se dice pronto), y siguen desarrollando videojuegos desde hace más de 40. Si mezclamos estética y dinámicas de la saga Ys, con varios elementos de Dragon Quest y otros seminales del JRPG, obtendremos como resultado el título que nos ocupa. Mashou Denki: La Valeur fue programado originalmente en 1989 para PC-88 y PC-98 (versiones que, por desgracia, todavía no cuentan con traducción), pocos meses más tarde salió en MSX2, port casi idéntico y objeto de este análisis, y finalmente, dio el salto a PC Engine CD (1991) con un acabado audiovisual ya bastante modificado. A pesar de ser una de sus más emblemáticas creaciones, su legado no tuvo descendencia y solo vio la luz en Japón, donde se le considera un RPG de culto. Ahora, empuñad escudo y lanza, porque arrancamos con esta épica aventura.

Antes que nada, os aconsejo arrancar el juego desde el disco 2 para que su introducción os ponga en contexto. Sentado en su mesa, y desde una oscura cueva solo alumbrada por un tenue candil, un anciano sabio nos narra una historia en tono desesperado, y nos traslada su mayor anhelo: la llegada de un héroe que pueda proteger Vesugar de la catástrofe que se cierne sobre sus gentes. Los cristales ‘lazanium’ eran, hasta el momento, la principal fuente de su prosperidad, y en concreto dos de ellos, Le'ciel, y La'mer, tienen el poder de hacer realidad cualquier deseo imaginable. Pero las piedras no juzgan las intenciones de aquel que las sostiene, ni limitan sus cualidades ante los corazones malvados, y mucha sangre se vertió sobre ellas con el devenir de los tiempos. La mayor de las amenazas, sin embargo, estaba todavía por llegar. Atraído por la leyenda, un mago oscuro de nombre Zanzerian se propone encontrar ambos cristales mágicos con el fin de dominar el mundo, y para ello se ha adueñado de todas las minas subterráneas. No satisfecho con ello, ha secuestrado a la princesa del reino, Fetisia, y transformado a algunos de los lugareños en demoníacas criaturas que ahora infestan cada región y arrasan todo a su paso. En este punto entra en escena Alan, nuestro protagonista, un guerrero errante que encuentra un reto a su medida en esta desafortunada situación. Salvo puntos concretos, mayormente localizados en el tramo final (como las novedades de los chiefs, o ese giro sorpresa por cuenta de Forem, el minero), la trama no abarca mucho más desarrollo. Una historia tremendamente clásica que hoy en día es muy fácil calificar de poco original, pero ver las cosas en perspectiva es imprescindible para entender que, en su momento, fue lo suficientemente elaborada para dar significado a un fantástico RPG como este. Son pocos, pero también existen diálogos. En pueblos, y en los encuentros con personajes ocultos en los laberintos, participaremos de unos cuantos, algunos incluso ‘extensibles’ (de manera muy simplificada, claro), que nos aportarán información sobre eventos, lugares y objetos, así como soporte argumental. Y sobre todo, nos van proporcionando objetivos que mantienen la motivación y el ritmo. Llegado el momento (en todo un arranque de originalidad), también podremos comunicarnos con bestias enemigas, algo imprescindible para desvelar enigmas. Lo más surrealista que he encontrado han sido esos entes femeninos que nos piden dinero por mostrarnos sus encantos, y luego nos tildan de pervertidos cuando aceptamos ‘la siguiente oferta’. No es el único detalle picantón del juego: esperad a ver la pantalla de Game Over al morir en el tramo final de la aventura. Estos japoneses… no tienen remedio, jeje.

Sin querer entrar en comparativas explícitas, el juego converge más con Ys que con Dragon Quest en el terreno visual, encajando plenamente en los moldes de fantasía ochentera que establecieron los RPG en los ordenadores japoneses de la época. No es ambicioso en temas de realismo y proporciones como Xak: The Art of Visual Stage, pero sí sorprendentemente cuidadoso con los detalles, algo meritorio sobre todo si se tiene en cuenta el reducido tamaño de los sprites. El excesivo uso de tramados en sus gráficos puede resultar algo incómodo al principio, pero aun con todo, es un juego bastante vistoso y no carente de personalidad. Puede que gran parte de ello tenga que ver con la cantidad de formas y elementos que inundan cada rincón del mapa, aunque sean sutiles o pequeños. Las superficies, por ejemplo, están plagadas de pedruscos, ramas, arbustos, riachuelos, suelos pantanosos… evita en todo momento las simetrías, y aun así, la distribución de detalles y colores resulta muy agradable, transmitiendo sensación de amplitud, de querer mostrar mucho en cada pantalla. Curiosamente, esto choca de pleno con aquellas zonas por las que tendremos que movernos antorcha en mano con un campo de visión muy limitado, como sucede en el bosque o en el desierto. Un recurso del que, por suerte, no se abusó en exceso. Entre sus parajes encontramos también tundras heladas, lagunas, deslumbrantes campos floridos (hermosos tapices multicolor), angostas grutas subterráneas de retorcidos pasadizos, y sobre todo, los impresionantes entornos de las cuevas fluviales del final y el majestuoso castillo de Carcassonne (como se bautizó en la traducción), una pequeña gran obra de arte píxel con sus habitaciones en miniatura, sus objetos decorativos, sus torres… Visitarlo tanto por fuera como por dentro en perspectiva lateral es una gozada, y sin duda, uno de los mayores alardes gráficos que ofrece este La Valeur, junto al meticuloso diseño del hall de la última fortaleza. El cambio del sistema de scroll típico de la época por una transición más inmediata agilizará el paso hacia lugares que no dejarán de sorprendernos, bien por sus distintas tonalidades y contrastes, o bien por su naturaleza y construcciones (como esos gigantescos leones de piedra), poniendo la variedad en primer plano. Y a pesar de que el mapa general no es el más grande que he visto en un RPG de estas características, nos dará acceso a todas esas zonas secundarias que saciarán nuestras ansias de exploración. Tampoco hay que obviar los avatares. Casi todos los NPC lucen el suyo propio, así como los ítems, piezas de armamento, y enemigos, dibujados con gusto y estilo. Respecto a estos últimos, reverencia para los grafistas por no repetir uno solo de entre los casi 70 que existen. Para concluir, no dejéis de admirar esa auténtica belleza que es su carátula.

Es una verdadera pena la relativa escasez de melodías que presenta. Por un lado, si estas fuesen mediocres y sin chispa, tampoco sería una gran pérdida. Pero resulta que, justo al contrario, los temas que nos acompañan durante nuestra épica cruzada exhiben una calidad tanto sonora (teniendo en cuenta el sistema y la época a la que nos referimos) como compositiva que roza la excelencia, con ideas extraordinarias que aprovecharon a más no poder el sistema PSG. Ambos aspectos quedan patentes en la misma pantalla de título con una soberbia representación de clavicordios en tono épico / trágico, inmejorable a la hora de meternos de lleno en tan rimbombante odisea, lo que también se extiende a su pieza de introducción, de lo más maravilloso y emotivo que he escuchado en mucho tiempo. Pero ya habrá tiempo más tarde para presentarlas y entrar en detalles. Los cambios melódicos, en general, son a su vez de lo mejorcito del juego, tremendamente elocuentes, y arropados por instrumentos de la más diversa índole, entre los que destacan las marimbas y sus fantasiosos arpegios. También disfrutaremos de arpas, flautas traveseras, metalófonos, oboes, varios tipos de teclas, percusiones ligeras pero de imprescindible presencia en algún caso, y graves que hacen un auténtico papelón en el sustento y enriquecimiento de ritmos y melodías. Como veis, no hay mucho, pero sí muy surtido, y sin duda merece mucho la pena prestar atención a una banda sonora que nos acabará atrapando, y se quedará fija en nuestra cabeza tras unas pocas escuchas. Su capacidad inmersiva es especialmente notoria en las varias grutas y mazmorras, a cuyo tono visual se adaptan perfectamente con tesituras mucho más sombrías, decadentes e intrigantes, pero sin renunciar por ello a cambios y detalles interesantes. Por ejemplo, las notas de Castle of Water parecen fluir como el líquido elemento, y reflejar su mismo azul en su sosegada cadencia. Pero realmente, es en aquellas de campo abierto, ciudades y fortalezas donde percibimos con más claridad esas inequívocas reminiscencias de música clásica que tanta personalidad y brillo les otorgan. La composición, en todas las versiones del juego, estuvo a cargo del grupo Mecano Associates (cuyos componentes no he logrado identificar), y su conversión digital fue obra de Kyōko Sakai. A este respecto hay que decir que tanto el original, que corría en un flamante modelo PC-8801 mkII SR, como el port a PC-98, se sirvieron del sistema de modulación de frecuencia, lo que les dio una sonoridad muy distinta (no hablemos ya de la versión PC Engine CD, lógicamente). La calidad de los efectos sonoros no se puede juzgar con dureza en juegos como este, pero sí su cantidad y originalidad al emplearlos, y en este sentido, La Valeur se queda terriblemente corto. ¿Motivos de memoria, tal vez?

No han sido muchas, pero sí muy satisfactorias, las vivencias que he tenido hasta el momento con RPGs de la era de los ordenadores japoneses de 8 bits, un mundo que cada vez tira de mí con más fuerza, no tanto por la diversión que me proporcionan estas obras, como por esa emocionante sensación de acercarme hasta los orígenes de la historia del género que tanto amo. Al contrario de lo que cabría esperar de un RPG de aquella época, Mashou Denki: La Valeur es razonablemente accesible para todos los públicos, tanto por sus mecánicas, como por su dificultad. De acuerdo, no está exento de las típicas artes tramposas que, básicamente, se traducen en fastidiar porque sí, pero están muy localizadas, y no tienen, ni de lejos, la maldad de otros RPG contemporáneos. Los menús son intuitivos, el desplazamiento es rápido, y morir solamente implica volver al último punto de guardado, que podremos crear en cualquier momento. A aquellos no muy amigos de la acción, les gustará saber que los combates son por turnos, en primera persona, totalmente aleatorios, y con una frecuencia muy variable que se va acelerando conforme avanzamos. Poseen determinadas cualidades especiales que los hacen más interactivos, ya que, a partir de cierto nivel, podremos escoger entre tres formas de ataque, corte, estocada y golpe, existiendo armas más orientadas a una u otra. Al mismo tiempo, cada enemigo es resistente o débil ante una de estas técnicas, con lo que las combinaciones aumentan, y nos invitan a ir probando y memorizando. El método para aprender magias es original, pero un tanto pesado y “a ciegas”, y al final, es mucho más eficiente el ataque físico. Eso sí, las curativas (ya que no se pueden usar objetos en combate), y algunas muy concretas para el jefe final, son imprescindibles. Sobre todo al principio, las subidas de nivel son agradecidas, y si vamos bien preparados, las peleas se pueden librar en cuestión de segundos, agilizadas también por el hecho de que los ataques se produzcan agrupados y no de forma individual. Por supuesto, ganar experiencia y dinero es indispensable para fortalecernos y mejorar equipamiento, que adquiriremos en pueblos y comunas. El control sobre nuestro héroe es simple, y responde a las órdenes sin retrasos ni inercias raras. Otra cosa serán los constantes y molestos enganchones en las paredes escarpadas. Las misiones son diversas (buscar entradas, conseguir llaves, eliminar objetivos…), y los laberintos, grandes y liosos, pero nada que no se pueda solucionar trazando nuestros propios mapas a lápiz y papel. A muchos, esto les parecerá una pérdida de tiempo, cuando se pueden obtener por Internet, pero para mí, aporta nuevas cotas de diversión a estos RPG, que derivan en una experiencia muchísimo más auténtica, gratificante y retro. Tres conceptos sagrados en este blog.

Si dispones de poco tiempo, y buscas iniciarte en el fascinante mundo de los RPG para PC japoneses antiguos, Mashou Denki: La Valeur podría ser la elección acertada, y además, podrás hacerlo sin problema gracias a la traducción de Django, que aunque limitada, cumple su cometido. Buenas dosis de exploración, laberintos moderadamente intrincados, una dificultad que podemos dominar con un esfuerzo razonable, control sencillo, combates rápidos, y un curioso sistema de magias y ataques. A nivel técnico, algunos de sus entornos presentan una belleza inusual, que llegará a su clímax en ese grandioso castillo rebosante de detalle y preciosismo gráfico. Tampoco se queda atrás su banda sonora, cuyos excelentes instrumentos sampleados y elaboradas melodías nos harán formar, desde el primer paso, parte de una aventura que se puede concluir en unas 12-15 horas sin más trabas que nuestro propio sentido de la orientación y el elevado ritmo de combates en su última recta.
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- Lo que más me gusta: Su banda sonora es una delicia, y también esos maravillosos lugares ya citados. Gran variedad de magias y equipamiento. Dificultad que no asfixia. El diseño de avatares y enemigos, que nunca se repiten.

- Lo que menos me gusta: Vencer al jefe final, sin la magia adecuada, es casi imposible. El nivel tope llega demasiado pronto, eliminando la motivación por pelear. El injusto ‘robo’ de Zanzerian. Cantidad musical no acorde a calidad.

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EXTRAS

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- Después de terminar la versión MSX2, también he podido dedicarle unas cuantas horas al original de PC-88, sobre todo con fines comparativos y autodidácticos. A pesar de haberlo hecho en perfecto japonés (del que no entiendo una sola palabra), no me ha resultado difícil avanzar, conociéndolo al dedillo gracias a el port analizado, y teniendo en cuenta que ambos son prácticamente idénticos en gráficos (salvo el marco) e historia. Lo más difícil, sin duda, ha sido poner en marcha la propia emulación. Tras varios días de muchas, muchas pruebas con distintas roms, bios, emuladores, y volviéndome loco toqueteando cientos de opciones de configuración de cada uno de ellos, no daba con la 'tecla' adecuada, y cuando ya estaba a punto de desistir, encontré la solución. Así pues, no podría despedir esta reseña sin agradecer enormemente a los usuarios Neville y JimRaynor, del foro Abandonsocios, la inestimable ayuda que me prestaron a la hora de conseguirlo.

- Aquí, unos recortes de prensa de la época, en concreto, de la revista MSX Magazine:

Año 8, nº 1 (preview).

Año 8, nº 1 (título).

Año 8, nº 1 (información)

Año 8, nº 2 (review)

- Podéis echarle un vistazo al manual original del juego (en perfecto japonés, obviamente), y a escaneos de discos y extras pinchando AQUÍ.

- Igualmente, podéis descargar en ESTE ENLACE la única banda sonora original de la versión MSX2 que existe en Internet, y que yo mismo he extraído del juego.

- Por último, os dejo aquí, como curiosidad divertida, el mapa que he ido trazando del mundo general.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Otro de los aspectos en los que me tiré horas y horas indagando, fue su banda sonora. En esta sección solo pongo temas únicos y exclusivos de la versión analizada, que en este caso, es muy distinta a la original en cuanto a sonoridad, ya que ambas empleaban dos sistemas muy distintos (PSG frente al FM de PC-88/98). Tras horas de concienzuda búsqueda, me fue imposible encontrarla por Internet, y cabezota incorregible como soy, al final la solución pasó por revisitar todas y cada una de las pantallas, de todo el juego, para grabar 'a mano' sus pistas en alta fidelidad. Disfrutadlas.

Village, Field. Empecemos por el principio. Lo que suena a continuación, acompañará nuestra primera toma de contacto con el juego, y se quedará como una de las principales alegrías sonoras que nos brinda este La Valeur. Sus vibraciones, su espíritu alegre y aventurero, es el clásico que podríamos esperar de un RPG ochentero, pero como casi todos los temas, posee cambios y detalles que lo hacen destacar. En este caso, me ha encantado su ritmo alegre y dinámico (en parte, gracias a sus graves), pero sobre todo, esas notas escaladas que le dan un aire lúcido e increíblemente fantasioso.

Mine. Descendemos a los más bajos estratos del mundo de Vesugar, tanto en lo físico como en lo musical. En ella, y comparándola con la anterior, podréis valorar el enorme contraste de ritmos, vertientes y tonos que existen en el juego. Aquí, la luz desaparece por completo, dejándonos a merced de sus frías, desoladoras y casi amenazantes notas, mientras caminamos entre angostos pasadizos, escombros y restos de útiles de excavación. Su sonido, con esos instrumentos de viento (¿oboes?), es uno de mis favoritos por el realismo con el que el chip lo reproduce.

Tower of Somurie. Una pieza absolutamente brillante, y también única, si atendemos a sus formas compositivas y a su uso en el juego. Solo está presente en la Torre de Somurie, y aunque no haya motivos gráficos que la relacionen, en sus líneas encontramos claras referencias al antiguo Egipto. Aunque no es demasiado complicada de resolver, sí resulta enigmática, algo agobiante incluso, y la música le va como anillo al dedo, con esos arpegios rápidos que van dejando ecos a su paso, y esa melodía descendente y épica a la par, que también se sirve de cambios de intensidad.

Wilderness. Y si queréis comprobar esa más que perceptible inspiración de la música clásica en el juego, esta composición es la más adecuada. Arranca con unas tonalidades bastante decadentes, pero es a partir del segundo quince cuando muestra su verdadera personalidad, empleando escalas y estructuras de deje indiscutiblemente barroco. Lo mejor de todo es que resulta de lo más contagiosa y adictiva, además es lo suficientemente variada y extensa y no cansa por muchas vueltas que le demos. Es de las pocas que cuenta con percusión, que le aporta un puntito extra-épico.

Zanzerian castle. Mientras nuestros ojos se maravillan con la inmensa cantidad de dibujos que embellecen el hall principal del castillo de Zanzerian, nuestros oídos lo harán con esta música, exclusiva de este lugar. Como cabría esperar, intenta transmitir sensación de peligro con sus notas más graves y bajos prominentes, pero también se desmarca por su melodía, aunque en este caso sea más sutil. Lo que realmente sorprende, son algunos recursos empleados, como esa campana que suena a mitad del tema, o las rápidas notas ascendentes y de sonoridad tan ochentera al final.

Demo, Game Over. Dejo lo mejor para el final. E insisto, no solo es para mí la mejor composición del juego, la que más transmite, la más hermosa y melodramática, sino una de las mejores que he tenido el placer de escuchar en mucho tiempo. Si ya de por sí las imágenes que ambienta no son lo suficientemente evocadoras, sus notas y arpegios lo inundan todo de una densa y sombría melancolía, en la que se combinan marimbas de metal y madera de forma magistral, y solo al final hay un amago de percusión. Su vaivén y su embrujo nos atraparán de forma inmediata e irresistible.

The Legend of Zelda: The Minish Cap (Game Boy Advance, Aventura RPG)

2026-03-01T20:05:00.001+01:00

Eran tiempos felices. Tiempos de infancia, calor hogareño, y de esperar con verdadero frenesí esos momentos en que mis padres salían de viaje para poder dedicarle 10 o 12 horas diarias del tirón a la misma Super Nintendo que hoy sigo teniendo a mi lado. The Legend of Zelda: A Link to the Past llegó a mi hogar dos años y pico después de su salida, pero con una fuerza tan abrumadora, que lo cambió todo en el ámbito de mis preferencias lúdicas: me abrió las puertas al maravilloso universo de los RPG japoneses, y me hizo jurarles amor eterno. Han pasado 32 años desde aquello, pero comenzar de nuevo una odisea de la saga TLOZ sigue siendo una ocasión de esas tan profundamente excitantes, que me hacen respirar hondo antes de ponerme a ello, sabiendo de antemano que, toque el capítulo que toque, va a dejar en mí otra de esas marcas que nunca se borran. Y todavía se convierte en algo más especial al ponerme a los mandos de uno que nunca antes he jugado, como es el caso de este glorioso The Legend of Zelda: The Minish Cap. No deseaba bajo ningún concepto, y en ningún momento, que esta fabulosa vivencia llegara a su fin… pero a la vez, me moría de ganas de poder contaros hasta qué alturas he llegado a disfrutar de ella.

No, amig@s. Para quienes lo jugamos en su época, nunca habrá otro A Link to the Past, por el simple hecho de que la huella que nos dejó fue demasiado profunda e impactante como para ser superada. En mi caso, solo el sagrado Ocarina of Time consiguió tal proeza. Pero también hay que ser realistas en pos de emitir una valoración honesta, y los recuerdos / experiencias personales, por sí solas, no son argumentos que hagan mejor o peor a un juego. Y aun a riesgo de que esta opinión suscite malas caras en algún ‘cegado’ de la vida, si logramos quitarnos la máscara de la nostalgia, comprobaremos que The Minish Cap es casi igual de bueno que aquella legendaria entrega para Super Nintendo. De acuerdo con la cronología oficial, esta aventura se sitúa en un segundo lugar de la línea temporal madre, en la llamada Era de la Fuerza, y nos narra la primera vez que la recién fundada Hyrule sucumbió a la oscuridad. Unas criaturas malignas trataron de adueñarse del reino, pero entonces los minish, diminutos seres de otra dimensión, pusieron la espada sagrada en manos del héroe, que finalmente, logaría sellar al mal y liberar a sus gentes. Cada 100 años, las puertas que unen el mundo de los minish con el de los hylianos se abren, y en honor a tal acontecimiento, se celebra en la ciudadela un gran evento, además de un torneo de esgrima. Un desconocido personaje, Vaati, se hace con la victoria de este último, pero en el momento culminante de la ceremonia, aprovecha para romper la espada sagrada y abrir el cofre, con la equívoca idea de que dentro se halla la Trifuerza que le permitiría transformarse en el ser más poderoso del universo, y en cambio, liberando la esencia maligna encerrada en él. Doble desastre que, de nuevo, requiere la aparición de un gran héroe que sea capaz de ponerle fin. Lo cierto es que ningún episodio de Zelda necesitó un argumento genuinamente cinematográfico para dar como resultado una obra maestra, pero en este caso, me ha gustado especialmente, debido a la introducción de personajes de lo más interesante (algunos de los cuales, perdurarían en la serie) como Vaati y Ezero, muchos secundarios de relevancia, como los sabios minish, el herrero, o los maestros espadachines, y una auténtica marabunta de NPC carismáticos, incluyendo cameos de entrañables conocidos como Farore, Din, Nayru, el enterrador, los carpinteros, Biggoron, Anju… Gracias a ellos, a sus solicitudes, a sus rutinas de vida, la historia va progresando, generando nuevas escenas (aunque suelen centrarse en el rey Daphne, Zelda, o el estado del castillo) y cambios en una Ciudadela que, con sus nuevas tiendas, actividades, diálogos y lugares por descubrir, nunca permanece inalterable.

Le pese a quien le pese, The Legend of Zelda: The Wind Waker marcó un antes y un después en la saga, entre otras cosas, por su apartado visual. En lugar de pretender ir un paso más allá en cuanto a realismo (algo que luego correspondería a Twilight Princess), Nintendo optó por dotar a su nueva creación de un estilo innovador, chocante e inconfundible, que en principio ganó tantos adeptos como detractores, pero que no hacía falta más que probar unas horas para darse cuenta de que, a pesar de los fuertes contrastes entre luz y sombra, su estilo cartoon, y sus formas tan retorcidas, el espíritu Zelda rezumaba inalterable por cada uno de sus poros. En esta primera aventura (y única realmente original) para Game Boy Advance, se siguió apostando por un concepto muy similar, pero esta vez, sin cell shading y en puro píxel art 2D. El resultado fue, como dejan entrever las capturas, absolutamente maravilloso. Colores vivos y deslumbrantes que casan a la perfección con la paleta que ofrece la portátil, tonos dulzones, y una personalidad indiscutible. Ahí quedan esos estrambóticos diseños de cada personaje, con sus siluetas curvilíneas y una expresividad muy definida, también de herencia Ocarina of Time. Cada uno de los sprites del juego, ya sean habitantes, enemigos u objetos, es una pequeña obra de arte curtida con precisión quirúrgica, y lo mismo podemos decir de las animaciones, fluidas, casi gelatinosas, pero muy naturales y tremendamente encantadoras. Gracias a múltiples virguerías técnicas, y a la gran diversidad de zonas que visitaremos, la ambientación es uno de los puntos clave. Y no hablo solo de aquella que se respira en la plaza de la ciudadela, hirviente de vida y movimiento, sino también de lugares como las minas, la ciudad de los cielos, el bosque minish (con esos hechizadores efectos de destellos, bruma y nocturnidad) o el Valle Real, uno de los entornos que más me ha cautivado por su esencia lúgubre, sin olvidar la palpitante naturaleza en la que nos sumergen sus campiñas. Los jefes finales, como no podía ser de otro modo, poseen un diseño, tamaño y animaciones dignas de tan magna saga, tirando también de florituras como escalados, efectos de luz o rotaciones de texturas. En particular, el combate disputado a lomos de rayas voladoras, es de una espectacularidad asombrosa. Aparte de los ingenios mecánicos de sus mazmorras tematizadas, las pantallas de los tallos gigantes (hermosísimos lienzos de acuarela), o las animaciones de Link al despertar, no quisiera dejarme en el tintero algunas de las estampas más bonitas e inmersivas del juego. Gracias a la habilidad de reducir nuestro tamaño, disfrutaremos de microcosmos domésticos a escala aumentada, a cada cual más fascinante, en donde será imposible no dedicar unos segundos a admirar su belleza artística, planos de scroll y colorido.

Fue el primero de la franquicia en el que Koji Kondo no fue directamente responsable de la tarea compositiva, aunque sí supervisó el proyecto. Si bien su alma e inconfundible estilo siguen planeando sobre cada pieza, la labor principal fue obra de Mitsuhiko Takano (no confundir con Mitsuhiro Takano, coordinador y guionista de otros capítulos), en lo que fue su única incursión en el universo Zelda. Lo verdaderamente importante es que, en el resultado final, nada desentona. Entre vaivenes estilísticos, cambios de tesitura, y gran sonoridad, siempre respetuosa con el tono de la saga, no solo se introdujo un buen puñado de temas nuevos. También fue un canto a la nostalgia, y no será de extrañar que cualquier seguidor de toda la vida se emocione profundamente al escuchar, tras pocos minutos de juego, el tema vinculado a la princesa, que tan cristalinas sensaciones despierta, la entrañable ambientación de los interiores, o esa infinita dulzura y sosiego que se percibe en los celestiales arpegios de los estanques de hadas. Al margen de ellas, todo un cromatismo musical que se acopla de perlas a la brillante luminosidad que transpiran sus gráficos. Cautivadores valses, explosivas piezas épicas, hipnóticas marchas árabes… todo cabe en esta evocadora sinfonía que es su conjunto sonoro, y para mayor deleite, es de lo mejorcito que he escuchado en Game Boy Advance en cuanto a emulación instrumental. Las flautas tropicales, clavicordios, contrabajos y marimbas, son algunos de mis favoritos. Por supuesto, no fallan los temas más sombríos protagonizados por Vaati, más orquestados, bélicos y recargados, mientras que en las mazmorras son más bien pausados y atmosféricos, sin renunciar de vez en cuando a melodías realmente inspiradas. En los exteriores, la ciudadela, o lugares apacibles como la Granja Lon Lon, todo huele a inocencia, a naturaleza, y a despreocupación, recordándonos dónde nació la idea primordial de todo: en ese niño Shigeru Miyamoto explorando los campos de su aldea natal, entre matorrales, cuevas y fauna. En cuanto al tema clásico de la campiña… solo decir que la habré escuchado miles de veces en mi vida, y seguiré haciéndolo sin cansarme, tal es su infinito magnetismo. Algunas partituras se notan inspiradas en anteriores juegos, o emplean algún fragmento del susodicho corte central para mol-dearlo a estructuras y vibraciones completamente distintas, pero indisociables de la grandilocuente fantasía que siempre rodeó a la Leyenda de Zelda. No menos importante, a nivel ambiental, es la treintena de efectos sonoros, algunos intactos desde Link’s Awakening, otros de nueva factura, y lo mejor de todo, otras tantas expresiones vocales que representan el habla de los personajes. Incluso, si sois unos completistas empedernidos como yo, acabaréis dando con un test de sonido bien oculto.

The Minish Cap posee tal cantidad de virtudes, es un juego tan equilibrado, tan bien planteado, y con un feeling tan directo, que ha derivado en una de las experiencias más intensas que he tenido nunca con esta saga. Y eso, creedme, es muchísimo decir. Su mundo está construido con una inteligencia soberbia, bien interconectado, y fácil de navegar. Puede parecer pequeño comparándolo con el de otros capítulos, pero os prometo que da muchísimo más de sí de lo que aparenta. Sus mapas ampliables nos muestran el terreno con todo lujo de detalles, y cada región posee tantos elementos propios, que en seguida nos desplazaremos entre ellas con total comodidad. Como siempre, ir solamente a por eventos de la trama principal es un completo desperdicio, aunque por suerte, en cuanto a secretos y tareas secundarias, existen Zelda igual de buenos que este, pero no mejores. Cada paso nos llevará hacia una nueva revelación, una gruta secreta, un personaje escondido, o un sendero que puede conducirnos al lugar más inesperado. Es esa incontenible emoción previa a abrir un cofre, esa capacidad de sorpresa con cada nueva pantalla, la satisfacción al resolver sus muchos puzles, y su insuperable cadencia, lo que hace de The Minish Cap una experiencia deliciosa, sublime como pocas, y siempre envuelta en un halo de misterio y fantasía inigualables. Una adicción casi peligrosa que te impedirá soltar el mando por mucho que lo intentes. Por delante, unas 40 horas para derrotar a Vaati, completar la colección de figuritas, reunir todas las piezas de corazón, dominar habilidades (que son unas cuantas) y, claro está, hacer backtracking a mansalva para sacarles partido, que es donde reside el grueso de su magia. Las medallas fueron una genialidad. Cada emparejamiento revelará un nuevo secreto en el mapa, y puesto que existen 100 de estas fusiones… echad cuentas. Pero eso solo implica una pequeña parte de los enigmas, porque la posibilidad de encogernos ampliará las ya de por sí considerables opciones de exploración, así como el poder dividirnos para llegar a zonas y pasadizos inaccesibles. A esta ecuación hay que añadir los nuevos artilugios exclusivos, como el aspirador, las garras excavadoras, el candil o la capa, imprescindibles para superar unas mazmorras que, sin perder un ápice de creatividad, poseen una dificultad bien ajustada, igual que los divertidísimos final boss. Para redondear sus bondades, el control sobre el héroe roza la perfección, y es uno de los Zelda más asequibles a los que me he enfrentado. Tampoco es fácil, ojo, que algunas pruebas tienen bastante malicia, pero sí queda muy lejos de la abominable dificultad e ilógica de los primeros capítulos. Con una curva de progreso trazada al milímetro, y todo muy bien explicado para neófitos, es sin duda uno de los más idóneos para estrenarse en la saga.

Las sensaciones que me llevo de este The Minish Cap son tan dulces y cálidas, que me ha sido imposible no establecer una prudente comparación con A Link to the Past. ¿Herejía? Para mí, en absoluto, ya que jamás se debe confundir nostalgia con valoración objetiva. Dos juegos muy afines en espíritu, tanto, que muchas críticas recibidas por esta entrega para Game Boy Advance se centraron en su relativamente limitada evolución. No obstante, y bajo mi criterio… ojalá la serie se hubiese mantenido así hasta día de hoy, sin ese concepto de libertad completamente desbocado. A pesar de que Link comparta protagonismo con Ezero, y de las nuevas habilidades, que nadie se equivoque, porque esto es puro clasicismo en toda regla, sin excepción, y elevado a su máximo exponente de jugabilidad y disfrute, de los que te enamoran desde el primer minuto y para siempre. Experiencias de tal calibre provocan que, más que una saga de juegos, el nombre de Zelda sea casi religión para mí.

- Lo que más me gusta: Dificultad muy bien medida. Colorido exhuberante. Enorme calidad de sprites. Solo las medallas ya garantizan una ingente cantidad de secretos. Siempre habrá hilos de los que tirar. Sabor Zelda 100% clásico.

- Lo que menos me gusta: Algunas pequeñas ideas parecieron quedar inacabadas. Se echa de menos alguna mazmorra más, y en general, se me ha hecho corto. Un tanto escueto en su narrativa. A buenas horas, el escudo espejo…

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Es un hecho que no se puede negar. La saga The Legend of Zelda nos ha dado incontables alegrías musicales, mientras ha ido forjando gran parte de su personalidad través a de ellas. Aquí, Koji Kondo pasó el testigo compositivo a Mitsuhiko Takano, labor que no desmereció en absoluto de anteriores entregas, con un resultado lleno de la magia y carisma a la que nos tiene acostumbrados Nintendo. Un excelente compendio de nuevas creaciones y melodías de antaño que sacaron muy buen provecho de los recursos sonoros de la portátil, y que despertarán no pocas sensaciones.

Minish Woods. El bosque de los Minish nos da la bienvenida con sus frondosas arboledas, sus verdes suaves, y sus destellos, creando una imagen idílica y fantasiosa. A ello contribuye también su música, y cuando hablé de inspiraciones, me refería al parentesco entre esta y Lost Woods del A Link to the Past. Su rítmica es comparable, y su tono mezcla también distintas atmósferas, desde las más cargadas de misterio a las más simpáticas. El sonido añejo y predominante del fagot es capaz de transportarnos allí de inmediato, pero también esas orquestaciones tan sutiles.

Wind Ruins. A falta de desierto, la pantanosa región de Tabanta explora estos sonidos tan característicos, pero es en las ruinas del viento donde estos llegan a su máximo esplendor. Líneas serpenteantes, ritmos hipnóticos, tonos inquietantes, casi amenazantes y envueltos en insondables misterios, como el propio suelo que pisamos. Cuenta con uno de los conjuntos instrumentales que más me ha gustado, y es uno de los temas más trabajados del juego. Mención especial para las percusiones y los graves, que crean una ambientación magnífica, profunda, y muy diferenciable.

Royal Valley. Un tema nada al uso, el que suena a continuación, y no obstante, la mejor pieza ambiental del juego sin lugar a dudas. Y no es solo por sus notas, o por esos sube y baja de intensidad, sino porque además, también incluye sonidos animales, dando lugar a un siniestro concierto de medianoche interpretado por búhos, cuervos y lobos, que llegará a provocarnos escalofríos, mientras paseamos entre árboles muertos, verjas y lápidas antiguas. Si en el análisis dije que el Valle Real era uno de mis lugares preferidos, esto también atañe a su magnífica banda sonora.

Minish Village. Volvemos con los minish, esta vez a su aldea del bosque. Hubo muchas cosas que me llamaron poderosamente la atención de este corte, con toda su originalidad. La combinación entre teclados y metalófonos, su bailable 3/4, o su subyugante melodía, que roza lo extraño y lo onírico. Pero aquello que, para mí, destaca sobre el resto, es el bajo. No solo por esos creativos (y a la larga, adictivos) dibujos que forma, sino por su exagerada carga de fuzz, algo que, en principio, atribuí a las características del chip sonoro, pero parece que fue algo intencionado.

Dark Hyrule. A la hora de plantear esta selección, decidí centrarme en temas exclusivos de este juego, ya que las piezas más clásicas ya han sonado por aquí con anterioridad. Sin embargo, no he podido evitar 'volver' a esta. Su audición me ha transportado inmediatamente a uno de los momentos más estremecedores de The Wind Waker, aunque mientras aquella era únicamente para piano, en este caso son muchos los instrumentos que la componen, tales como órganos, violines y esos espléndidos contrabajos. Si acaso suena algo menos amarga, pero incluso más épica y variada.

The Journey Ends. La tristeza y la melancolía no están demasiado presentes. Algunos ejemplos son las canciones que acompañan a la pantalla de game over, a esos amargos recuerdos del científico Ezero, o esta misma que se reproduce a continuación. Una melodía suave, que a pesar de su luminosidad instrumental, suena descorazonadora antes de los créditos, simbolizando el más triste adiós a quienes nos hab acompañado en tan increíble e inolvidable aventura. Curiosamente, tiene una estructura casi idéntica a Princess Zelda, pero con un tono completamente distinto.

Kaijuu Monogatari (Famicom, J-RPG)

2026-02-11T12:53:00.000+01:00

Creo que bastará con leer el título del exponente que hoy hace su aparición en El Pequeño Rincón de los Grandes RPG para entender con cuántas ganas me quedé de Daikaijuu Monogatari. Un juego que, sin realmente traspasar ningún límite, me dejó unas sensaciones muy únicas, y eso es algo que valoro por encima de muchos otros aspectos. Sin embargo, este ‘paso atrás’ fue algo premeditado de antemano, en un pequeño experimento personal de invertir mi metodología habitual a la hora de jugar. Lo cierto es que de este esperaba una versión muy similar a lo ya visto en su secuela de Super Famicom, aunque por lógica, mucho más simplificada. Y eso me ha recordado, una vez más, la nula validez que tiene cualquier prejuicio u opinión formada sin haber terminado un juego. Birthday, sus creadores (y de toda la saga que vendría a continuación), siempre tuvieron como propósito dar un enfoque bien diferente a cada una de sus obras, y como veréis, partieron de unas bases que muy pocos esperarían encontrar en un JRPG de la vieja y querida Famicom, abogando, desde el primer paso, por un concepto que amo con total devoción: la libertad. Por desgracia, aun siendo la todopoderosa Namco su distribuidora, nunca salió de Japón.

Fue aquel que presentó en sociedad a Kupi, Babú, Poyon y Ricky, personajes que se convirtieron en la principal seña de identidad de la serie, y que incluso llegaron a protagonizar sus propios spin-offs. Su misión, desde tiempos inmemoriales, ha sido proteger y cuidar del mundo contra las fuerzas malévolas que lo acechan con el devenir de los siglos. La existencia de cada uno de ellos está asociada a una concha elemental mágica, y con ellas, han logrado doblegar a Fat Badger, señor oscuro de los demonios, en cada una de sus resurrecciones. Pero debido a un accidente en la última de ellas, el símbolo del fuego se extravió en otra dimensión. 1000 años transcurrieron desde entonces, y la Aura Sphere, el contenedor que sellaba el alma del malvado tirano, se resquebrajó, liberándolo a la superficie. Un nuevo combate decisivo estaba servido, pero esta vez no tuvo el resultado deseado, pues el poder de tan solo tres héroes no fue suficiente, y estos fueron vencidos y desperdigados por los cuatro confines del mundo. La paz estaba condenada a extinguirse para siempre… a no ser que se cumpliese la profecía ancestral. Fat Badger tenía casi subyugado al mundo, obteniendo su poder de la oscuridad de los corazones humanos. Y en el momento más crítico, el héroe de la concha de fuego descendió de los cielos… aunque no por el motivo que imaginamos (para descubrirlo, hará falta esperar hasta el final para conocer una pequeña revelación). Ahora, los guardianes deben buscar los cuatro tesoros sagrados que les guiarán hasta el escondrijo donde se oculta el demoníaco ser, y la única arma que podrá acabar con él. Pero antes, deben encontrarse mutuamente, y es aquí donde descubrimos una de las principales virtudes en materia jugable, que después desarrollaré. Así, Kaijuu Monogatari nos proporciona un pretexto y un objetivo bien definidos, pero que apenas tienen desarrollo a lo largo de la aventura, más allá de las informaciones o las acciones que debemos ejecutar para ir abriendo camino. Esto, tomado desde la debida perspectiva, no se debe considerar como algo realmente flojo, y tampoco su relativa falta de originalidad. Más bien es algo ligado a su época, aunque sí es cierto que otros RPG de su generación introdujeron más elementos contextuales. Para ser un JRPG de Famicom, contiene más diálogo de lo habitual, pero lo que de verdad importa no es la cantidad ni su relevancia en la historia, sino la importancia crítica de su contenido para ir resolviendo el gran enigma. La calidad del parche ingles de King Mike, por cierto, es bastante discutible, no tanto a nivel textual como de código, y ciertas deficiencias en forma de cuelgues irreversibles, hacen que sea poco recomendable jugarlo vía sistema original.
Hay que admitir que la idea de unos monstruitos con sus conchas, escamas, o colas, que al mismo tiempo resultasen tan adorables, fue de lo más original y genuina. Su diseño se acredita a Toshiya Nonaka, figura clave en los primeros tiempos de Birthday, donde también ilustró juegos como Dream Master o Juvei Quest (otros dos exclusivos de Famicom en Japón), escribió algunos de sus guiones, e incluso años después, supervisó el arte de una auténtica joya visual como es Elemental Gimmick Gear de Dreamcast. Dicho esto, posiblemente Kaijuu Monogatari fue su trabajo más discreto, aunque seguramente, no por falta de talento. Comparándolo con otros RPG de su añada, queda claramente por debajo, aun sin ser tampoco ninguna catástrofe. Simplemente es un apartado que se limita a cumplir sin florituras, lejos de las grandes bestias de la consola, léase Final Fantasy III o Dragon Warrior IV, y a años luz de otras como Sweet Home o Lagrange Point. Hay que tener en cuenta que el 90% de la aventura la pasaremos transitando por su mapa general, que tiene una cantidad decente de ‘tiles’, montañas, árboles, ríos, y también zonas desérticas, pozos de lava, o bosques con distintos tipos de árboles, pero no son suficientemente vistosos, ni aportan la deseada variedad ni cromatismo al conjunto como para salvarnos de la monotonía cuando llevamos ya unas cuantas horas. El resto es algo más amable a la vista, refiriéndonos a los pasos subterráneos, planos interiores, un tétrico cementerio y cómo no, ciudades, cuyo número, de hecho, es bastante elevado. Más de una veintena, sin contar hoteles remotos, y lugares ya masacrados por Fat Badger, destacando por encima del resto aquellas habitadas. Si bien algunas cuentan con motivos propios (caminos empedrados, estanques, superficies de madera…), tampoco es que sea demasiado fácil diferenciar unas de otras, pero por otra parte, la reconocible variedad de sprites les otorgan bastante vidilla. Me han gustado, sobre todo, las apacibles villas aborígenes, que se desmarcan del resto en cuanto a gráficos. En general, todas son muy pequeñas, y cuando haya unos cuantos elementos simultáneos en movimiento, los parpadeos (flickering) serán casi una constante. Los escenarios de los combates, como solía suceder entonces, son bastante espartanos, sin fondos, y con tan solo unos pocos efectos para las magias, y pequeñas animaciones para los golpes. En este ámbito, no obstante, hay que resaltar la cantidad de enemigos, de esmerado diseño, que veremos a lo largo del juego, y lo poquísimo que se repiten cambiando de color. A esto hay que sumar que cada monstruo posee dos sprites para reflejar cuándo está ileso y cuándo debilitado, lo que evidencia un trabajo extra por parte de sus dibujantes. Y cuanto más nos acerquemos al final, más grandes y espectaculares se presentarán.

A pesar de su condición extraordinariamente abierta, y sus muchas peculiaridades, estamos, al fin y al cabo, ante un JRPG de fantasía ligera, y el musical es uno de los apartados que mejor respaldan esta definición. Una colección de 18 temas largos, cifra nada despreciable tratándose de un juego de Famicom, que ambientan de maravilla cada uno de sus muchos rincones, amoldando sus tonalidades y escalas a favor de la estética de cada uno de ellos. Un aspecto bastante cuidado, si se sabe escuchar con atención, en el que también la variedad es una parte clave. Indudablemente, el corte que más se aferrará a nuestra memoria es el del overworld, ya que es donde transcurre la mayor parte del juego. Afortunadamente, es uno de los más trabajados, melódicos, y evocadores, y no se hace nada pesado, una cualidad que no todas poseen. Las de las batallas, por ejemplo, siendo bastante marchosas y hasta pegadizas a su manera, ya nos acabarán pareciendo más insistentes y repetitivas. Al margen de esto, el hecho de que cada lugar tenga su propia melodía es reconfortante por el cambio de tercio que supone. En los pueblos predomina el tono alegre y simpaticón, pero cambia en las aldeas indígenas, cuyo cariz es mucho más tribal y primitivo. Los castillos, las cuevas, los pasadizos subterráneos, templos, o ciudades arrasadas, llegan a tener incluso varios acompañamientos, algunos exclusivos, y entre ellos, no dejaron de emplear distintos estilos musicales, como valses o réquiems, pasando por un divertido jazz en las tabernas. Pero aquí no solamente ‘cantó’ el hardware de la Famicom. Al igual que en otros RPG (por seguir con el género) como King of Kings, Megami Tensei II: Digital Devil Story o Hydlide 3, el cartucho integró la placa iNES Mapper 019 con su correspondiente chip Namcot-163, y esto supuso un empujón a la calidad sonora. Gracias al sistema de ondas programables (algo de lo que era incapaz por sí solo el chip de la consola), percibimos notas más cálidas y refinadas, y menos mecánicas o estridentes, algo especialmente perceptible para aquellos más familiarizados con las cualidades sonoras de la 8 bits. También posibilitaba usar más capas sonoras, y unos acompañamientos secundarios más suavizados y armónicos, que igualmente, dejaron su huella en cada pieza. Para el caso de los sonidos FX, fue Hiroaki Motoya quien puso la creatividad, y a decir verdad, con un resultado bastante airoso, superando en número a los cortes de la banda sonora. Hay algunos que destacan, como las explosiones dinamiteras, o los diversos tipos de impacto, pero yo me quedo con el efecto de los cerrojos o guardar objetos en la concha por su expresividad. Como dato curioso, la banda sonora completa se editó en un compacto que, a modo de extra, traía seis temas reinterpretados con instrumentos reales. Y merece la pena escucharlos.
Con lo analizado hasta el momento, en donde salvo algunos aspectos concretos, poco destaca especialmente, algunos pensaréis que el juego se va a llevar una reprimenda en el apartado jugable, pero nada más lejos de la realidad, porque de hecho, su concepto, y las posibilidades que ofrece su esquema de progreso, son dos de los principales highlights de este cartucho. A la hora de ponernos a los mandos, y salvo por ciertos puntos inherentes al género (como los combates por turnos), muy poco tuvo que ver este Kaijuu Monogatari con sus sucesores. Su propuesta se podría resumir como un inmenso puzle a resolver sin ningún orden específico, cuyas cientos de piezas nos serán entregadas en forma de innumerables pistas. Tantas, que aconsejo desde el principio coger lápiz y papel pare anotar, contrastar, y complementar dichas informaciones, ya que a veces son más orientativas que exactas. Intercambio de objetos, búsquedas de personajes y lugares, derrotar enemigos concretos, usar llaves, resolver pequeños acertijos, ayudar a los desfavorecidos… son algunas de las incontables tareas que tenemos por delante. Determinadas situaciones se pueden afrontar de diferentes maneras, y hasta podemos coger pequeños ‘atajos’ para saltarnos algunos ítems o eventos, siempre que seamos lo suficientemente perspicaces y tengamos un nivel de experiencia adecuado. Lo mejor de todo es que, aunque el objetivo final no varía, no existe una única forma de proceder, solo toneladas de datos y misiones que deberemos encajar y solventar al ritmo que deseemos. Es en el placer de la exploración pura y dura, en su casi plena libertad, donde reside la verdadera magia, y esto, que eran pautas muy extendidas en el RPG occidental, difícilmente se encontraban en JRPGs para consola de finales de los 80. Eso sí, la ausencia de mapa pondrá a prueba nuestra capacidad de orientación y memorización. Cuando dispongamos de todos los personajes, podemos formar equipos con cualquier formato, pero a este respecto, aconsejo subirlos de nivel todo lo posible por separado, ya que al unirse, los puntos de experiencia se dividen en cifras irrisorias. No tiene los combates más lentos que haya visto en un RPG de 8 bits, pero tampoco son especialmente ágiles, y la frecuencia es poco menos que brutal. Su dificultad, por suerte, no es exagerada, está delimitada por zonas, las ganancias que nos dejan son razonables, y los héroes, con sus habilidades y atributos definidos, están muy bien equilibrados en conjunto. Para que veáis cuán particular es este juego, tan solo existe una mazmorra, que contiene la esencia misma de la mecánica general, pero concentrada en un espacio reducido. Asimismo, poder usar los medios de transporte desde el menú, la función ‘auto’ en batalla, o la opción de guardar en cualquier lugar, fueron pequeñas muestras de QOL.

Tendrá menús calcados, misma perspectiva de combate, o distribución de dificultad por zonas, pero reducirlo a la descripción de mero clon de Dragon Quest sería quedarse en lo ridículamente superficial. El auténtico valor y calidad de un juego se mide por las ideas propias que realmente le infunden personalidad, no por aquellas que toma prestadas, y Kaijuu Monogatari posee un buen puñado de las primeras. Debido a su gran tamaño, y a la cantidad de pueblos e información, exige bastante continuidad, pero también mucha paciencia por su apaciguado y a veces contemplativo ritmo. Sus simpáticos gráficos, y su agradable banda sonora (en cuanto a composición y sonoridad), complementan una aventura cuya adictiva mecánica me ha tenido esclavizado al mando durante horas y horas, sin poder dejarlo, siempre con tantas metas que cumplir y lugares a visitar. Si tenéis curiosidad, echadle un vistazo a un ejemplar original, con su mapa, su carta sellada, o sus figuritas. Qué delicia.

- Lo que más me gusta: Su concepto jugable nos da una libertad de exploración solo limitada por nuestro nivel de experiencia. Su banda sonora no está nada mal. Equipo protagonista bien compensado.

- Lo que menos me gusta: Un mapa no habría estado de más. Los recorridos pueden hacerse largos y su cadencia no es apta para todos los públicos. La decisión siempre aleatoria sobre quién golpea primero.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Tras unirse a la banda de rock Anzen Chitai / Safety Zone a finales de los 70 desde su proyecto en solitario (Haruyoshi Rokudo Band), la carrera del bajista, teclista y compositor no dejó de ir en directo ascenso. En 1988, justo con este Kaijuu Monogatari, probó suerte con música para videojuegos, y también aquí dejó su impronta de creatividad y experiencia. Si bien alejada de su estilo nativo, la banda sonora de este RPG nos deja momentos muy disfrutables, con un mosaico de ritmos variados y tonos que se adaptan realmente bien a la acción o la esencia de cada lugar.

Theme & Map. Me ha sorprendido porque, habiendo jugado primero a Daikaiuu Monogatari, he comprobado que la secuela mantuvo la misma dirección musical en lo que se refiere al tema del mapa general que escuchamos en este primero. El resultado de su magnífica y equitativa mezcla entre tonos épicos y un marcado punto de melancolía nos acompañará durante horas, sin llegar a hacerse cargante, dada la calidad y constante variabilidad de su melodía central, que secundada por unos buenos graves, y esas afiladas notas casi imperceptibles, resumen uno de los mejores temas del juego.

Old Lady of the Shrine. Manteniendo fresco en nuestro recuerdo las melodías más destacadas, aunque sean aquellas que no se prodigan especialmente, podríamos reconocer con los ojos cerrados dónde estuvimos con tan solo escucharlas. Esta en particular suena cada vez que entramos en una de las cuevas de las gitanas que custodian los mapas, una composición con notorios aires de música clásica que tampoco renuncia a mostrar cierta carga de misterio. Quedaría fantástica interpretada con un clavicordio real, pero más allá de su lógica sonoridad, sobresale compositivamente hablando.

Inside the Air Castle. Vamos ahora con una de las muchas exclusivas de ciertos lugares, de las que por cierto, hay unas cuantas, y esto siempre es un síntoma de buena dedicación. El legendario castillo flotante nos abre las puertas, y aunque visualmente podría dar cualquier impresión, es gracias al color y cadencia de su composición central que en seguida sentiremos estar en un lugar especial, lleno de mística y magia. Es una de las que mejor aprovecha el potencial del chip Namcot-163, superponiendo tres capas simultáneas, tres melodías distintas que le dan aún más valor.

Bar. En el juego encontramos dos extraños lugares donde, a parte de alegrar la vista con más colores, reposar un poco de la exploración, y reunir alguna que otra pista más, poco podemos hacer... bueno, sí, pararnos unos minutos a escuchar esta música que poseen en exclusiva. Como el título indica, el Yoyo Bar y el Beer Beer Bar son lugares de paso repletos de los más extraños personajes, desde borrachos hasta goblins medio tontos, y lo cierto es que este corte, un pequeño jazz con aires casi cómicos, y un ritmo que no podremos dejar de marcar a chasquidos, le viene de perlas.

Sea & River - Waterway. Válida para cualquier momento que nos lleve a navegar por el mar. Si en la pieza Inside the Air Castle podemos escuchar lo que parece un vals rítmicamente disfrazado con sutileza, aquí hablamos de un 3/4 puro y duro. Y es que, ¿qué mejor forma de llevar el timón de nuestras barcazas, o del Puka Ship, que entonando al mismo tiempo este vals marinero? Uno de esos temas que, sin saber exactamente por qué, me trae cierta nostalgia. Parece ir al vaivén de las olas, y su melodía principal también está bien alimentada por unos bajos muy activos.

Formation (Devil's Snare). Para terminar, pasaremos a registros mucho más oscuros. En este Kaijuu Monogatari, existe un lugar muy especial del que podéis ver una imagen completa en la review. Se trata del Evil Spirit's Trap, un enigmático tablero interdimensional al que debemos enfrentarnos en los pasadizos que unen continentes. Lo que escucháis seguidamente, es el tema que lo ambienta. Sus notas duras, graves, e inquietantes, y esas partes de subidas y bajadas con efecto fade, lo convierten en el tema más mazmorrero del juego, aun a falta de tener mazmorras propiamente dichas.

Daikaijuu Monogatari (Super Famicom, J-RPG)

2026-01-24T23:50:00.002+01:00

Es en momentos como este, tras encontrar y terminar joyas del calibre de Daikaijuu Monogatari, cuando más me alegro de mantenerme todo lo distante posible del mundo digital actual, donde cualquiera puede destriparte un juego en cuestión de minutos. Por mi parte, prefiero vivir en la incógnita hasta que le llegue el momento, porque al final, lo único que cuenta para mí es vivir la experiencia en persona, de principio a fin, paladear cada minuto. Literalmente, no conozco mayor satisfacción que absorber ese impacto de primera mano, descubrir a fondo un RPG de hace más de 30 años como si fuese algo nuevo, reluciente y con la mínima contaminación externa. Daikaijuu Monogatari es un JRPG por turnos creado por Birthday en 1994, segunda entrega de una franquicia que la compañía transformó en su pilar maestro. Exclusivo del mercado nipón, tal vez algunos conceptos orientales / folclóricos en su estética, o varias incursiones religiosas en su narrativa, fuesen barreras para exportarlo, pero os garantizo lo habría merecido por el auténtico juegazo que es, superior a la media de calidad del género en Super Nintendo, y mucho más bonito, extenso, complejo y, sobre todo profundo, de lo que pueda parecer a bote pronto.

En una dimensión recóndita, situada entre el tiempo y el espacio, existe el resplandeciente mundo de Shelldorado. Sus gentes, que van desde cactus y adorables monstruos, hasta gólems y habitantes del mar, gozan de felicidad mientras reina la paz en sus tierras. Sin embargo, no siempre es así. En un ciclo que se repite a través de los siglos, el rey de los demonios, Fattobajah (o Fat Badger, como lo cita la traducción), ha tratado en varias ocasiones de destruir tan apacible lugar, y solo un héroe legendario ha sido capaz de poner freno a sus maléficos propósitos, encerrando su alma en una esfera divina y sepultándola bajo tierra, previo combate a muerte. Pero esta vez, la situación es aún más crítica. Un brutal tsunami ha anegado gran parte del continente, y no debido a una catástrofe natural, sino a la colisión de un objeto no identificado en el centro del océano. Dicha catástrofe, ha devuelto la Aura Sphere a la superficie junto al alma del temible demonio, con lo que su resurrección es inminente. Para colmo, dicho meteorito alberga una hostil raza alienígena dispuesta a conquistar el planeta, secuestrando a sus habitantes para alimentar a su poderoso líder. Más que nunca, la presencia del Héroe se hace imprescindible para librar al mundo de tanto mal. Para disfrutar al 100% de Daikaijuu Monogatari, existe una máxima que debe aplicarse a casi todos sus apartados: no fiarse de las primeras impresiones, ya que sin salirse de conceptos algo manidos, o recursos técnicos más o menos convencionales, es capaz de crear cosas fascinantes. Su historia, por ejemplo, está a rebosar de personajes carismáticos, vuelcos muy inesperados y dramáticos, épicos triunfos, cataclismos, y constante renovación de enemigos principales, cambios de situaciones que alimentan sin parar su narrativa, así como un montón de escenas de lo más espontáneo que construyen y respaldan el contexto de los protagonistas, sus objetivos y personalidades. Los diálogos van cambiando (es un juego con bastante texto), y podemos descubrir algunos nuevos volviendo a explorar, con personajes diferentes, zonas ya conocidas. Un JRPG que aúna cualquier cliché habido y por haber en el género, pero los hace brillar con tanto buen gusto, creatividad y ritmo, que te atraparán sin remedio. Como cabría desear, tampoco falta ese ligero sazonado humorístico, mezclado en un maravilloso cóctel de agridulce sabor con abundantes momentos emotivos. Escenas como el reencuentro de Tokia (y ese abrazo…), los rasgos de humanidad en uno de los archienemigos, o el demoledor ‘adiós’ en su ending, que rompe en pedazos la alegría de la victoria, fueron representados con tal sentimiento que me han dejado, sin exagerar, al borde de la lágrima.

Y siendo aún más concretos, si hay algo que definitivamente le otorga un encanto arrebatador, es su meticuloso gusto por el detalle a pequeña escala. De primeras, nuestra percepción puede jugarnos una mala pasada enfocándose en los aspectos menos agraciados, como el pequeño tamaño de los sprites. Pero insisto, no os dejéis llevar por juicios prematuros, porque está sembrado de elementos, matices y curiosidades que no dejarán de sorprendernos. Pueden tomar forma de graciosos gestos exclusivos, aunque sean para secuencias efímeras, puede ser decoraciones como las de la suntuosa mansión de Zenim, con sus arreglos florales, bibliotecas o galería de arte, están presentes en las muchas animaciones que dan vida a los pueblos y las mazmorras (cataratas, brillos palpitantes, viscosidad, lava incandescente…), en el empleo del ghost layering con vistosos resultados, en sencillas pero efectivas transparencias, en el efecto de la lluvia golpeando el suelo en Storm Mountain… y os aseguro que podría seguir así hasta acaparar todo el espacio dedicado a este apartado. Shelldorado es un mundo rodeado de agua, y en su tratamiento se puso gran hincapié. Las distintas tonalidades aguamarina le dan un aspecto precioso, y eso en la superficie, porque las mareas ondulantes del fondo, y la sosegante oscuridad de las profundidades abisales, también son una completa delicia. No hay paletas de color demasiado complejas, más bien limpias y suaves, pero su uso está cuidado al máximo. El simple hecho de andar por el mapa general y contemplar sus continentes, bosques y construcciones hundidas en el mar, con diferentes planos de scroll, es un pequeño regalo para la vista, pero todavía lo es más ascender a lugares elevados (como la torre del viento, o el árbol sagrado), y admirarse de la belleza de sus efectos de altura. Visitar las ciudades sumergidas transmite una envolvente sensación de misterio (¡ojalá hubiese más!), y en general, aquellas de la superficie gozan de muchísima diversidad, con casas de estilo único para cada una de ellas, cantidad de sprites distintos, y una magia especial en algunas como Little Heaven, Seaman Temple, o Shell Village. Además, casi todo tiene cierto aire prehistórico y/o paradisíaco que me resulta irresistible. Igualmente, merece la pena fijarse en los muy numerosos fondos de los combates, algunos de ellos animados, de una profundidad notable, y adaptados al terreno. Si no abusaran tanto de las simetrías… Pero sobre todo, hay que destacar la inmensa cantidad de enemigos distintos, su esmerado y original diseño, y lo más increíble de todo, se pueden contar con los dedos de una mano las veces que repiten sprite con otro color. Las invocaciones, la entrañable casa del Gran Enano, las escenas en el silencio de la noche, las imágenes en plan ‘body horror’ de Bio Base… ¡es que es un no parar!

Océanos, islas, motivos ancestrales, viajes por agua (y tierra, y aire), desastres sísmicos… con estos elementos, algunos de los que más definen su esencia, Daikaijuu Monogatari requería de una banda sonora que inspirase a partes iguales emoción y alegría, peligro y tristeza, pero que también introdujese en la fórmula algo representativo de ese fino hilo de humor oriental. Pero lo cierto es que su conjunto musical va mucho más allá, y prácticamente no hay palo que deje sin tocar. Que alce la mano quien no se haya dejado cautivar por las embriagadoras notas de la pantalla de título, seguidas de esa parte más dramática que narra los hechos de la base argumental, o que no haya esbozado una sonrisa al escuchar ese ritual de invocación del héroe. Con solo tres temas y unos minutos de juego, este ya nos ofrece una porción de su mastodóntica variedad, que no hace sino ampliarse a cada paso que damos. De nuevo, la ilusión por el detalle reluce en este apartado, y para no desentonar, también en grandes cantidades. Tal es así, que resulta incluso complicado hacer una valoración en términos generales, porque sus más de 50 composiciones diferentes, dan mucho de qué hablar. Existen varias de ellas para grutas, mazmorras y ruinas, que asentadas en los graves, son las más tétricas y apagadas, y también para los distintos tipos de pueblos, que van al extremo opuesto, refrescantes y llenas de vitalidad. Cada personaje principal tiene la suya, acorde a su personalidad, como la enternecedora melodía de Tokia, la hilarante tonadilla de McGee (el mago borrachín), o un tema western para Bird. No son los únicos ejemplos de cortes exclusivos. Los hay para momentos muy puntuales que no se vuelven a repetir, para enemigos concretos, en donde predomina la velocidad, o rebosantes de mística en lugares especiales. Marimbas, violines, flautas, percusiones primitivas, órganos y todo tipo de teclados, armónicas o güiros, dan forma a valses, réquiems, nanas, tangos, algún toque barroco, blues o rock. Ya por pedir, algún calipso le habría venido de perlas. No llegará al inalcanzable nivel magistral de las bestias del género en Super Nintendo como Rudra no Hihou, Terranigma o Chrono Trigger, pero se intuye claramente que la banda sonora fue uno de los apartados que más mimo y esfuerzo recibió, siempre integrada en el tono del juego y potenciando sus momentos más intensos. Tampoco quedaron al azar los efectos sonoros, que están por todas partes, y algunos de ellos creados ex profeso para determinadas acciones. A mi parecer, destacan latigazos, olas del mar, pulsaciones, distintos tipos de impacto, ecos de las profundidades, los trinos de los pájaros, y hasta una máquina de coser o los martillazos de un herrero. No poseen una sonoridad que destaque sobre el grueso de RPGs, pero son muy numerosos y están bien realizados.

Lo suyo es mecánica clásica a rabiar, de las de toda la vida. Diálogos, pueblos, laberintos, y miles (sí, miles) de combates por turnos. Pero quedarse con esta definición sería a todas luces insuficiente y demasiado genérica para un juego que me ha resultado tan especial por tantos motivos. Su ritmo jugable se acompasa de perlas con el narrativo y engancha de forma endiablada, sin lugar para el aburrimiento. El transcurso entre partes de diálogo, recorridos y acción está muy bien medido: la clave está en su dinamismo y en cómo se han tratado las situaciones. Hasta 12 personajes diferentes podremos alternar en nuestro equipo, todos ellos con distintas características, y otros 12 ayudantes (algunos de ellos muy escondidos) nos prestarán sus habilidades, con ideas tan geniales como la de Flappy, que nos permite reconocer el terreno. Los enigmas extra que guarda su mundo se pueden contar por toneladas: coleccionar estampas, ir fortaleciendo nuestra espada, encontrar objetos perdidos en el mar, planos secretos, grutas sumergidas, tiendas misteriosas y hasta una ciudad que podremos construir desde cero. Y por supuesto, todo ello incentiva la exploración. Sus límites se van ensanchando cada vez más, los posibles destinos se van multiplicando, y al ir consiguiendo medios de transporte, las posibilidades se desmadran. Tan enorme e inteligente es el diseño de su mapeado, que tras decenas y decenas de vueltas a este, todavía seguiremos descubriendo recónditos lugares y tesoros inadvertidos, con el backtracking a la orden del día. En este sentido, no percibía sensaciones tan poderosas y excitantes desde Dragon Quest VI, palabras mayores, pero sin llegar al extenuante agobio de los mundos abiertos actuales. El equilibrio conseguido entre ritmo y libertad, pues, resulta absolutamente perfecto aunque a veces sortear tantos obstáculos en el lecho marino se vuelva un tanto engorroso. Puede llegar a ser un RPG tirando a fácil, pero no de manera gratuita: hay que trabajárselo con los combates. Su perspectiva es puramente Dragon Quest, con personajes en primera línea, y ofrecen suficientes opciones como ataque, magias, invocaciones, técnicas, críticos, doble golpe, e incluso la posibilidad de crear tácticas predefinidas para aligerarlos, todo ello de simple manejo. Eso sí, la frecuencia puede llegar a ser demencial. El quid de la cuestión es crearnos un escuadrón equilibrado, aunque en mi caso, preferí evolucionar a todos los personajes por igual… por si acaso. Entre descensos por peligrosas grutas de hielo, escaladas a tormentosas montañas, e investigaciones de bases enemigas, todas las mazmorras poseen una personalidad muy propia, e incluso algún puzle interesante y no demasiado rebuscado. Hasta existen misiones innecesarias, pero muy gratificantes, aunque solo sea por ver a esos pajarillos cantar de nuevo en la copa del árbol.

Con Daikaijuu Monogatari he podido empaparme de sensaciones que solo los mejores RPG de Super Nintendo guardan en su interior, y al mismo tiempo, ha sido el juego idóneo para olvidar del todo mi última y nefasta experiencia. Un auténtico diamante al que la traducción inglesa, llena de errores de puntuación, textos fuera de tono y en ocasiones burdamente llevados al terreno del traductor, no hace justicia. Por todo lo demás, si no lo has jugado… corre raudo a por él. Creo que no me sorprendía tanto con un RPG desconocido desde el hallazgo del gran Chou Mahou Tairiku WOZZ, dándole mil vueltas a mis mejores expectativas. Tal vez sea muy fácil decirlo siendo este mi primer RPG del 2026, pero ojo, porque tengo ya un firme candidato a número uno en mi clasificación personal anual. Y es que al revivir todas esas escenas por medio de su ending, al cerrar verdaderamente el círculo, es cuando uno se da cuenta de lo extraordinario e inolvidable que ha sido este viaje.

- Lo que más me gusta: Montones de secretos y gran libertad para explorarlos. Las secuencias propias de cada personaje. Cantidad de detalles y efectos visuales. La parte de la mansión. Su extensa BSO.

- Lo que menos me gusta: No poder consultar el mapa en el fondo del mar. Hay mucha descompensación de poder entre los protagonistas. El cambio de algunas pantallas es lento. Que no haya más ciudades inundadas.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Si hay algo que recuerdo de la banda sonora de aquel juego tan bonito y artístico llamado Elemental Gimmick Gear para Dreamcast, fue la cantidad de estilos y registros que aglutinaba en sus temas. No es casualidad, pues, que con la de este Daikaijuu Monogatari suceda lo mismo, ya que estamos hablando del mismo músico que hubo tras ambos, Haruyoshi Rokudo. Por lo visto, esa amplitud y creatividad son santo y seña del compositor, bajista, productor, teclista... cuya carrera en el mundo de los videojuegos no fue tan dilatada como aquella que sostuvo en estudios y escenarios.

Magical Land of Shelldorado. Con melancólicos arpegios de guitarra acústica, el mágico mundo de Daikaijuu Monogatari nos abre sus puertas, acompañados de un precioso efecto cascada, unos tonos azules casi hipnóticos, y un pétreo logo de estilo casi prehistórico. Sin duda, es una de las canciones más bonitas y trabajadas en cuanto a sonoridad de todo el cartucho. A dichos acordes, se une un colchón instrumental y campanas, que poco a poco van dándole más intensidad sin romper su aire plácido. Las marimbas y el cambio, en su segunda mitad, le dan un toque más espiritual.

Shrine. Su BSO no para de regalarnos sorpresas musicales de inicio a fin. Aun después de jugar horas, siempre descubriremos algún lugar con un nuevo tema, y en Seaman Temple, nos encontramos con esta pequeña maravilla, que adopta plenamente ese espíritu de templo sumergido, de lugar olvidado y místico. Las armónicas son uno de los instrumentos que mejor suenan en el juego, y he aquí la muestra. Sencillamente, no puedo dejar de escuchar este tema. Su combinación de instrumentos es genial, con marimbas y sonidos tradicionales que además, le dan un marcado aire oriental.

Mini Boss Battle. Nos movemos ahora hacia registros más agresivos y bélicos, con una de las melodías correspondientes a los jefes que más me ha gustado. Su tensión creciente es perfecta, y va acompañada también por la adición de varios instrumentos. De nuevo, destacan esas marimbas a la hora de dar musicalidad al conjunto, que acompañando a unos virtuosos violines con sabor a música clásica, crean dibujos de lo más original. En este caso, las bases rítmicas, bajo y batería, se vuelven más prominentes y duras, con una cadencia ideal para los momentos que representan.

Theme of Tokia. No solamente es uno de esos cortes que hacen que te derritas a primera escucha por su inmensa dulzura. Es que, además, acompaña algunos de los momentos más sensibles y emotivos de todo el juego, concretamente, aquellos que Tokia vive en esta gran aventura. Recuerdos, nostalgia, amor... todo se une y queda perfectamente reflejado en esos arpegios acústicos, y sobre todo, en esa vibrante y lacrimógena melodía de viento, que va evolucionando a través de distintas escalas, pero siempre guardando una armonía tan perfecta entre ambos elementos... que enamora.

Dima's Island. Dima es un personaje muy importante en el pasado de Tokia, y aunque no es precisamente una figura humorística, el tema que ambienta su pequeña isla y hogar sí es de lo más simpaticón y divertido. De primeras, su ritmo te atrapará sin remedio, y es que es imposible no chasquear los dedos con cada compás. Además, apenas se repite ni uno solo de ellos, cada uno con sus detalles, sus añadidos, sus fabulosos pianos... me encantan sobre todo esos violines uguetones que forman dibujos dentro de la melodía principal, aludiendo de nuevo a la más genuina creatividad.

Little Heaven. Además de dar lugar a la historia, de uno de los protagonistas, Little Heaven tiene de por sí un aire muy distinto al resto, y gracias a su música, un aura tremendamente espiritual y apacible. Sus pocos, pero devotos habitantes, lanzan sus plegarias en la iglesia bajo esta melodía, nunca mejor dicho, celestial, formada básicamente por coros y alguna nota de marimba hasta que hacen aparición las bases sinfónicas, que se prolongan hasta más allá de los dos minutos y medio. Recuerdos de sagas como la de Zelda, o la del Maná, aparecen en mi mente al escucharla.

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EJEMPLAR DE MI COLECCIÓN

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Daikaijuu Monogatari (NTSC Jap)

No recuerdo si este fue, concretamente, el primer RPG japonés de Super Famicom que tuve en mis manos la primera vez que estuve en Japón... pero seguro que formó parte de la primera tanda que compré en Super Potato. Aquí se pueden ver estados de todo tipo, y mi ejemplar de Daikaijuu Monogatari no es ni mucho menos perfecto, pero está en más o menos buenas condiciones. Me encanta su carátula y el rango de colores empleados en ella, y esa fue una de las principales razones por las que lo compré (tan sencillo como eso), aparte de su razonable precio y rareza.

Por su parte, la caja es una de las partes más cuidadas del conjunto. El dibujo luce casi literalmente intacto, salvando algún puntito minúsculo, y alguna línea de color levantada en sus aristas. Si todo estuviera en ese estado de conservación, rozaría el sobresaliente. Da gusto verla, aunque mirada muy de cerca, sí se aprecia algo de suciedad inapreciable a simple vista. Por suerte, no afecta en absoluto a la ilustración. Por detrás la cosa cambia. Tres marcas circulares, y una marcada deformación por presión en la parte izquierda, le restan bastante valor. También tiene más pelados visibles en las aristas.

Por su particular colorido, el del manual podría parecer su tono natural, y en parte lo es, pero también adolece de sunfade. Por suerte, se limita a un grado ligero en parte de su portada, y tanto el interior como la parte trasera, están a salvo de él... pero no de otras inclemencias de uso. Conforme pasamos páginas, va teniendo mejor aspecto (de regular, a bastante bueno). Las esquinas de las páginas expuestas están muy dobladas, y el borde superior de la portada, incluso un poco roto. De lo que no se libra, es de las arrugas, en cualquiera de sus superficies, que también van de más a menos en su interior. En sus páginas centrales, tiene óxido marcado de las grapas en mal estado. El manual en sí mismo, como obra, es una auténtica joya, plagadísimo de dibujos, escenas, y gags de personajes, objetos, lugares... qué gustazo. Solo por este, ya merece tener el juego original.

Sorprende lo cuidadísimo que está el insert. Con el plástico aún transparente y muy limpio, apenas tiene algún lateral largo ondulado, pero tanto sus esquinas, como sus límites y superficies, tienen una pinta genial, y eso no es tan fácil de ver. Quitando un poco de suciedad a malas penas, y ligerísimos roces, nada que objetar.

... Igual que en lo referente al cartucho. Este sí que tiene un aspecto de primera, sin pegas. Su adhesivo está tan brillante, y tan nuevo, que no tiene ni la menor huella ni mancha, ni siquiera al trasluz. Parece acabado de pegar, refleja, y el bonito color aguamarina del dibujo, también está perfecto, ni rastro de sunfade. Mirando incluso con lupa la superficie del cartucho, es casi imposible encontrar defectos, ni una sola rayita ni golpe. Prácticamente perfecto.

Fecha de adquisición: 04 de febrero del 2025.
Precio: 3718 yenes (unos 23.-€).

Adiós, 2025... ¡Bienvenido, 2026! (y resumen del año)

2025-12-31T16:33:00.001+01:00

Años llegan, y años se van. Y conforme vamos sumando, cada vez le damos menos importancia a unas fechas que otrora fueron nuestras favoritas. Ya hace siglos que no nos creemos el cuento de los Reyes Magos, y esa desbordante ilusión por madrugar en aquellas frías mañanas de Navidad para recoger los regalos de un tal Papá Noel, se diluyó con el tiempo. Ya nada de pedir el aguinaldo de puerta en puerta cada nochebuena, como hasta hace poco se hacía en mi pueblo. Las costumbres cambian, las generaciones avanzan, y ahora tenemos que conformarnos con ver cómo disfrutan de estos días nuestros pequeños, hijos, sobrinos, primos… Sin embargo, al llegar esta época, y pese a lo dicho, servidor no puede evitar que le invada un gigantesco tsunami de nostalgia. Días para la reflexión, días para hacer cuentas del año que termina, nuevos propósitos para el entrante, y sobre todo, en mi caso, días de recuerdos, hermosos e inolvidables, de esos que, por muchos años que pasen, siempre permanecerán latentes. Gracias a ellos, la niñez, la ilusión y la fantasía siguen ahí, aunque sea en forma de imágenes y sensaciones ya muy lejanas. Y es como si la Navidad fuera un catalejo que me permitiese volver a acercarme a ellas.

Pero no solo eso. También los videojuegos son propensos a establecer un puente con aquellos felices tiempos que nunca volverán. ¿Quién no recuerda esa primera videoconsola, que llegó a sus manos precisamente en navidades? ¿A quién no le marcó a fuego recibir aquel videojuego que tanto deseaba? En mi caso, hace ya muchos años que dejaron de llegar, porque el panorama actual no me interesa en absoluto, pero todavía atesoro aquellas memorias de forma cristalina. En los últimos años (décadas, más bien), sin embargo, son los RPG los que han marcado estos días para mí, con o sin regalos. De hecho, siempre intento buscar algo diferente para cerrar el año, ya que con frecuencia, dicha experiencia adquiere por ello un color especial.

El último tramo de este 2025 en El Pequeño Rincón de los Grandes RPG ha sido de una intensidad fulgurante, casi una carrera a contrarreloj. Entre noviembre y diciembre, pasé dos semanas en Japón. Nada más volver, casi dos semanas más preparando el consiguiente reportaje (que ha tenido una acogida moderadamente buena), y seguidamente, un sprint final para terminarme Dragon Age: Origins y escribir su análisis, echándole muchísimas horas para que entrase en el año, pero tratando de no descuidar su calidad (algo que os corresponde juzgar a vosotros). Por último, aquí me tenéis, escribiendo estas líneas como colofón, para hacer un breve resumen de todo lo que ha supuesto el 2025 en cuanto a experiencias jugables con RPG, que fueron, son, y serán el tema central de estas páginas.

Tal vez he publicado algún análisis menos de lo habitual, pero ha sido en detrimento de muchos más reportajes y artículos, ya sea sobre contextos de RPG concretos (como Tengai Makyou: La Otra Historia, que me divertí mucho escribiendo), libros (como el impagable Quintet y la Trilogía del Alma, de Chris Herraiz), experiencias propias (nunca olvidaré esa partida tan nostálgica y especial a Illusion of Time), tutoriales (en este caso, para darle nuevas oportunidades a tu GameCube), y algo que nunca había hecho, ni por aquí, ni en privado: diarios personales de viaje. Y si este ha sido el mejor año de la historia del blog en lo que a variedad respecta, también ha sido uno de los mejores de toda mi vida (si no el mejor), gracias a esa primera y segunda visita a Japón, de las que os he dado buena cuenta. Una fantasía que apenas termino de creerme todavía, algo con lo que llevaba soñando despierto desde que era casi un renacuajo, y así, de repente, se ha hecho realidad. Es difícil expresar todo lo que he vivido allí, porque la cosa no va de palabras, sino de sensaciones, y estas han sido prácticamente indescriptibles. En los próximos días, iré añadiendo imágenes a los respectivos análisis de las piezas que he conseguido, para quien pueda interesarle.

¿Qué más ha traído este 2025? Pues un poco lo que siempre intento: retro a piñón, variedad de sub-géneros y sistemas, coleccionismo, muchas sensaciones, y amor infinito e imperecedero por el RPG clásico. Como he dicho muchas veces, no soy persona de cambios. Me encanta lo añejo, me apasiona el píxel y la nostalgia, y sigo prefiriendo la palabra escrita por encima de cualquier otro formato. En cuanto al estado de salud del blog, no voy a engañar a nadie. La tendencia a nivel de visitas, reacciones y demás, sigue siendo a la baja. Los vídeos de minuto y medio, comida rápida y de fácil digestión, acumulan miles de visitas, mientras que pedir a alguien que dedique 6 o 7 minutos de su tiempo y atención a leer un artículo, parece ya algo impensable. Supongo que eso es lo que soplan los vientos de hoy en día, y tal vez llegue el momento en que la llama de este blog se extinga por completo. Pero quienes entráis, ya sea de vez en cuando a curiosear, o a dedicar vuestro tiempo a leer y comentar en profundidad, podéis tener una cosa clarísima: mientras siga en pie, me esforzaré por continuar aprendiendo, mejorando y disfrutando con cada cosa que haga como si me fuese la vida en ello. Ah, y por si alguno se lo ha preguntado alguna vez, no, no hay (ni habrá nunca) una sola palabra de IA en todo este blog.

También reconozco que soy bastante desastroso con el tema de las redes. Son parte de este nuevo mundo con el que no acabo de conectar del todo, y ni quiero ni pretendo llegar a ser nunca uno de esos a quienes llaman ‘influencers’. No publico en ellas casi nunca, no me preocupo en buscar nuevo contenido para aumentar la visibilidad, no tengo canal de vídeos, y tampoco, aunque pudiese, me interesa realmente crecer como blog. Uno de los motivos es que Internet puede ser un mundo de cultura y aprendizaje, pero también un entorno muy hostil y despiadado. Creo que la libertad es necesaria para que todo aquel que lo desee pueda expresar su opinión, pero por desgracia, no todos hacen buen uso de esa libertad. Hay quienes traspasan la línea sin pensar en los demás ni medir las consecuencias de sus palabras, y no todos (me incluyo) somos inmunes a esa presión psicológica que suele traer consigo una mayor exposición y/o crecimiento. Me remito al ejemplo de un conocido canal que sigo y admiro desde sus inicios, y aprovecho para mandar desde aquí muchos ánimos a esa persona.

Tras esta reflexión, si os parece, voy a centrarme en mi recorrido por el maravilloso universo de los RPG en este 2025, por medio de un pequeño ranking, descripciones breves, música, e imágenes de todo ello.

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RANKING RPG JUGADOS EN 2025

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12.- Run=Dim As Black Soul (Dreamcast / Tactical RPG).
El hecho de que un juego no entre a primera vista, no tiene por qué ser necesariamente negativo. Puede contener otras cualidades menos tangibles, y acabar igualmente sumergiendo al jugador a través de otros aspectos. Pero si he situado este Tactical RPG para Dreamcast como el peor juego que he jugado este año (y uno de los peores del género que he probado nunca), ha sido por méritos propios. Ya no solo son sus gráficos, que al fin y al cabo, son lo de menos. Es su música cargante, es su desarrollo deficiente, su lentitud exasperante, su aborrecible dificultad o sus arcaicos efectos sonoros lo que le hunden en el saco de los olvidables. Un conjunto del que solo se salvan algunos puntos de la historia, las escenas FMV, y que me dio más malos ratos que buenos.

11.- Dinotopia: The Sunstone Odyssey (GameCube / Aventura / Action RPG).
Al menos en este caso, no esperaba demasiado, y es justo lo que obtuve de él. Si eres fan de los dinosaurios (como aquí el que suscribe), o de las obras ilustradas de James Gurney, puede que su nota general suba unos cuantos puntos, pero en general es una aventura un tanto mediocre, divertida solo a ratos, con un aspecto técnico que casi podría pertenecer a una generación anterior, y un concepto jugable poco desarrollado y no muy adictivo. Está bien para pasar unas horas entretenidas (tampoco es demasiado largo), disfrutar de algunos de sus entornos que no están nada mal, y de una ambientación sonora bastante inmersiva. Pero si buscáis aunque sea un mínimo resquicio de emotividad, olvidaos de él. Hay cosas muchísimo mejores en GameCube.

10.- Torneko no Daiboken - Fushigi no Dungeon (Super Famicom / Roguelike).
Qué mejor momento, tras terminar esa delicia celestial llamada Dragon Warrior IV, para ponerse con este spin-off del mismo. Tomando forma de Roguelike puro y duro, este título sigue las aventuras de Torneko, uno de los personajes más entrañables que han nacido del universo Dragon Quest. Tiene su propia personalidad y una historia bastante adorable. Pero no os fiéis demasiado de sus colores vivos y alegres, y de sus diseños tan cálidos. En la parte predominante, las mazmorras, se vuelve frío y afilado como una cuchilla, y su curva de dificultad sube de forma exponencial. Hay que afrontarlo con muchísima paciencia, porque conseguir avanzar es muy reconfortante, pero un simple error, un ligerísimo desliz, puede dar al traste con horas y horas de juego.

09.- Dragon Age: Origins (Xbox 360 / W-RPG / Action RPG).
Ha cerrado el año en El Pequeño Rincón de los Grandes RPG… y en qué mala hora. De haber sabido la que se me venía encima, lo habría esquivado de pleno. Más de 120 horas, y mes y medio de juego, han dado como resultado una de las experiencias más frustrantes y angustiosas a las que me he enfrentado nunca en un videojuego. Lo he terminado porque soy el mayor cabezota que seguramente habréis conocido, pero casi me cuesta la salud. Podría haber sido una vivencia maravillosa, tiene unos entornos de ensueño, de pura fantasía oscura, un grado de emotividad inesperado para su género, y muchísimas posibilidades de experimentación. El problema es cuando esas posibilidades se vuelven en contra y, a la postre, el sistema de combate no es todo lo eficiente ni responsivo que debería ser.

08.- Brandish (Super Nintendo / Action RPG / Dungeon Crawler).
Puede parecer un juego monótono, tosco y aburrido, pero para mí, nada más lejos de la realidad. Me lo he pasado con él muchísimo mejor de lo que pensaba, y aunque sí es verdad que acaba siendo algo repetitivo al final (y tiene trampas y pruebas con muy mala gaita), su fortaleza está en su inmediatez jugable, y en el diseño de sus mazmorras. Son verdaderamente enormes e intrincadas, pero con la ayuda inestimable del mapa, y un poco de orientación y memoria, acaba enganchando rápidamente sin ser extremadamente duro. Las horas pasarán rápido cuando nos acostumbremos al sistema de cambio de perspectiva, y si los enemigos nos agobian demasiado, siempre se puede farmear a gusto del consumidor. Sus escenas narrativas están muy bien realizadas, y hasta la historia tiene su miguita.

07.- Powers Kingdom (3DO / Tactical RPG).
Seguramente sus gráficos pseudo-3D puedan no resultar atractivos a día de hoy, pero en su época y sistema, fueron admirables. Además, se trata de uno de los poquísimos exponentes del género RPG que existen en la Panasonic 3DO, y eso es algo que también se ha de tener en cuenta a la hora de valorarlo. Ya tenía ganas de traer esta consola al blog, y lo cierto es que Powers Kingdom (Guardian War en EEUU) me dejó muy buen sabor de boca. Un Tactical con ciertas particularidades en sus mecánicas, pero tirando a sencillo, tanto en sus opciones, como en su dificultad. Y esto último para mí, le sube aún más el atractivo. Lo que más me sorprendió, sin embargo, fue su alucinante banda sonora, con varios temas de Heavy Metal, y no precisamente del comercial como en otros juegos.

06.- Rent a Hero (Mega Drive / Aventura / Action RPG).
Empezar el año con él fue una decisión de lo más acertada (justo al contrario de lo que me sucedió con el cierre). El humor y las ocurrencias más desternillantes, la tremenda originalidad, y los constantes guiños al cómic y al estereotipo del superhéroe, serán una constante durante toda la aventura, con lo que unas buenas risas están casi garantizadas. Existen algunos momentos de desorientación, y la dificultad se desmadra a lo bestia en algunos combates (que se celebran en perspectiva lateral), pero su mecánica es terriblemente divertida en general, y sobre todo variada, sorprendiéndonos con misiones tan inverosímiles como imaginativas. Sin ir más lejos, su inicio es uno de los más hilarantes y absurdos que recuerdo en un videojuego. Nunca más volverás a pedir una pizza sin acordarte de él.

05.- Valkyrie Profile (Playstation / Acción / J-RPG).
Valkirie Profile es un juego TAN ambicioso, que no es nada fácil describirlo en pocas palabras. Su concepto abarca desde la exploración hasta la acción pura y dura, pero con combates por turnos, perspectiva lateral, y un sinfín de puzles y pruebas. Pero a veces, la inteligencia no es suficiente para resolverlas, y aquí reside uno de sus principales problemas. A parte de la pesadillesca dificultad que entrañan algunas mazmorras, es una aventura de desarrollo realmente extraño, que requiere dar pasos muy determinados si uno no quiere que la historia quede capada. Y esos pasos son de todo menos intuitivos. Una lástima, porque sus decorados y entornos deliciosamente decadentes son pura poesía visual, alberga una emotividad absolutamente desbordante, y una de las bandas sonoras más técnicas que he escuchado.

04.- Kaeru no Tame ni Kane wa Naru (Game Boy / Aventura RPG).
Posiblemente, la mayor sorpresa que me he llevado este año. Tras su aparente simpleza se esconde una auténtica bomba de diversión, jugabilidad y adicción. En un año en el que demasiados juegos me han provocado dolor de cabeza con su dificultad, Kaeru no Tame ni Kane wa Naru propone un equilibrio casi perfecto entre reto y progreso, entre sencillez y originalidad. Su ritmo es tan dinámico, que sencillamente no podrás dejarlo una vez empezado, con distintas transformaciones, decenas de objetos, exploración abierta y mazmorras en perspectiva lateral, que incluyen un palacio de 242 pantallas a resolver por tramos. Su exquisita combinación entre drama ligero y humor explosivo ponen la guinda a una joya que no puedes pasar por alto bajo ningún concepto. Directito a mi Top RPG de Game Boy.

03.- Tengai Makyou: Ziria (PC Engine CD / J-RPG).
Mi objetivo principal de la serie siempre fue el Zero, pero las cosas del destino, y mis preferencias de empezar una saga por el principio, me llevaron hasta este. Y no pudo ser mejor elección. Desde sus escenas animadas a pantalla completa, hasta su historia, pasando por su banda sonora, sus divertidos personajes, el humor que destila, o su absurda deconstrucción de Japón, sus virtudes son casi incontables. Las particularidades tras su desarrollo, sobre las cuales escribí un artículo extra, también fueron de lo más delirante. Una aventura larguísima y sublime, cuyos alardes técnicos, incluidas varias de sus canciones y voces reales, fueron posibles gracias a la tecnología CD. Tengai Makyou: Ziria fue el primer RPG jamás creado en aprovechar las maravillas de ese formato, algo que le da un valor histórico crucial.

02.- Ganpuru - Gunman's Proof (Super Famicom / Aventura RPG).
Segunda vez que lo juego, y a buen seguro no será la última. Su deslumbrante colorido y sus hipnóticas animaciones, tanto del protagonista como de los NPC y entornos, ya avisan de que estás ante algo muy especial, que transmite excelentes vibraciones, frescura y calidad a chorros, amén de ese regustillo Mother de inocencia y tono agridulce. Su revestimiento de western le otorga una personalidad única, ese puntito shooter lo desmarca, y su estilo visual resulta extremadamente achuchable. Es divertidísimo y jugable hasta decir basta, no es demasiado largo ni difícil, pero tiene mucho que explorar, un buen puñado de mazmorras llenas de tesoros, una historia de lo más estrafalaria (que incluye platillos volantes), y una banda sonora absolutamente deliciosa. Como reza su subtítulo, ‘It’s a Strange World' Y eso… ¡me encanta!

01.- Dragon Warrior IV (NES / J-RPG).
Nunca imaginé que un juego de 8 bits pudiese llegar a regalarme emociones tan profundas e inolvidables. La gloriosa culminación en NES de la saga que definió el JRPG fue un prodigio de la narrativa, con un desarrollo de personajes nunca visto en género y consola. Una trama plagada de emotividad y fascinantes resoluciones (la desgarradora historia de Rosa y Psaro quedará para siempre en mi corazón), y no solo por la construcción del drama, sino también por su ejecución. Un mastodóntico mundo con incontables secretos e increíble libertad para explorar, una música sublime del maestro Sugiyama, cientos de noches mágicas, múltiples historias que confluyen y una dificultad que, al fin, se muestra razonable. Todo ello, y mucho más, lo convierten en una obra de arte obligatoria para todo fan del JRPG que se precie. Para mí, Top 3 de Dragon Quest indiscutible.

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TOP 10 MUSICAL 2025

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Quizá no haya sido el mejor año en cuanto a músicas, pero siempre hay algunas que se quedan bien ancladas a mi memoria auditiva por calidad compositiva, sonora, o por lo que son capaces de transmitir. Y es que este apartado para mí es absolutamente fundamental. Jamás un RPG podría expresarse en su plenitud sin él, y es por ello que, en cada análisis, le dedico un apartado especial a cada banda sonora. Por supuesto, dicho apartado tampoco podría faltar en este resumen. Aquí van esos temas que desde este año han pasado a formar parte de mi Olimpo personal, lo mejor entre lo más selecto de mi 2025, de menos a más. Las descripciones, ya las tenéis en sus respectivos análisis. Ahora, escuchadlos, y que sus notas hablen por sí mismas.

10.- Tengai Makyou: Ziria - Title Theme

09.- Powers Kingdom – Shop

08.- Dragon Warrior IV – Elegy

07.- Torneko no Daibouken – Fushigi no Dungeon – Torneko’s Theme

06.- Ganpuru: Gunman’s Proof – Scenario 1

05.- Powers Kingdom – Last Boss

04.- Valkyrie Profile - Eternal Engine of Linguistic Massacre

03.- Powers Kingdom – World Map 1

02.- Ganpuru: Gunman’s Proof – Home Town

01.- Dragon Warrior IV – Expanding the Map

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2025 EN IMÁGENES

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Al igual que en el cierre de otros años, me encantaría también saber lo que habéis jugado, lo que más y lo que menos os ha gustado, qué tenéis en mente para el 2026, vuestra lista clasificatoria, la opinión que os merece la mía… y en definitiva, cualquier cosa que se tengáis en mente, que para eso está este blog, para comentar, opinar, razonar, compartir, sugerir… y mantener siempre viva la chispa del RPG retro.

Y no quisiera despedirme sin enviaros mi más sincero agradecimiento por pasaros por este humilde blog, que es tan vuestro como mío. Con mis mejores deseos, espero que paséis unas felices fiestas navideñas, y que el nuevo año arranque con mucha fuerza, salud, ilusión, y muchas aventuras en perspectiva. Nos leemos en 2026. Un abrazo a tod@s.

Dragon Age: Origins (Xbox 360, W-RPG / Action RPG)

2025-12-29T12:37:00.002+01:00

A decir verdad, no estoy excesivamente familiarizado con la trayectoria de Bioware. Hace más de dos décadas, el renombrado Neverwinter Nights no llegó a engancharme, y tampoco Baldur’s Gate, aunque sí disfruté, y mucho, de su Mass Effect. Pero si hay algo que está fuera de cualquier discusión, es el legado que la compañía dejó en el RPG occidental moderno, en sus pautas jugables, y en los sistemas conversacionales. Dragon Age: Origins no fue sino un paso adelante en esta evolución. Continuamos con dragones en El Pequeño Rincón de los Grandes RPG, pero esta vez, muy lejos del universo DQ que ha dominado la segunda parte de este 2025. Salir de la zona de confort, de vez en cuando, es bueno y hasta divertido. O al menos, eso dicen. Por ello, en aras de darle un toque especial a estos últimos meses del año, me hacía ilusión afrontar algo distinto, una aventura alejada del estilo habitual del blog. Pero desgraciadamente, parte de esa ilusión me ha salido por la culata, y los dos meses que he tardado en publicar, pueden hablar por sí solos. Esto, en parte, ha sido debido a mi reciente viaje a Japón, pero también a una incomprensible dificultad que ha rebasado ampliamente mis límites saludables de tolerancia.

El juego arranca con un completísimo editor de personajes, en el que podremos configurar el aspecto y clase de nuestro protagonista, algo que tendrá marcadas y muy dispares consecuencias en la trama, sobre todo, en sus seis posibles aperturas. La miseria, y la pobreza extrema, son el día a día para los enanos descastados de Orzammar. Relegados a la clase más baja del barrio del Escorial (prácticamente un estercolero), su única salida para sobrevivir es ingresando en mafias. Sin embargo, por negra que parezca, su situación no es nada comparándola con la que el mundo está a punto de afrontar, y es aquí donde entra la religión como uno de los pilares narrativos más importantes. Cuenta la leyenda que, en su soberbia, seis magos trataron de desafiar a los dioses en su propio reino. Estos últimos, como castigo, les desterraron a las profundidades de la tierra, corruptos y desfigurados, y dieron la espalda a la humanidad. Los magos fueron la primera plaga de ‘engendros’, y su instinto primordial les llevó a buscar el sepulcro de siete dioses dragones de la antigüedad para resucitarlos, adueñarse de sus mentes, y permitir que les guiaran hacia una invasión masiva de la superficie. Ahora, la séptima ‘Ruina’ (como muy acertadamente se bautizó a las ofensivas) de cuantas han arrasado la tierra, está a punto de estallar. Por suerte, siglos atrás nació, mediante un peligroso ritual de iniciación, el único cuerpo de élite capaz de poner freno a la debacle: los guardias grises. Pero los problemas no terminan aquí, ya que a ellos hay que sumar una más que posible e inminente guerra civil, fruto de la traición y la locura. Nuestro héroe, gracias a sus gestas, tomará un papel fundamental en estos hechos, respaldado por un grupo de guerreros con sus propios objetivos. La magnitud del contexto, desde luego, es algo de otro planeta. Tanto a través del códice, como de las anotaciones, misiones, o descripciones de objetos, pronto nos daremos cuenta de su ciclópea extensión y profundidad, literalmente un tratado histórico de fantasía digno de una novela. De hecho, se pierde hasta tal punto en detalles, que dificulta la memorización de tantísimos nombres y hechos. Las charlas y relaciones con nuestros compañeros (de magnífica constitución, por cierto), también tienen un gran peso en el trasfondo. Pueden ser tremendamente complejas, y aparte de desarrollar niveles de amistad, amor o confianza, a veces desembocan en nuevas misiones y hasta notorios cambios en el devenir argumental, incidiendo también en la emotividad del título. Momentos como esos cuentos alrededor de un fuego, encuentros con fantasmas del pasado, la tristeza de la pérdida, o la rabia de la traición, son algunos de los que más he atesorado.

La sensación de explorar en profundidad cada rincón de su mapeado, y la satisfacción de detenerse a admirar pausadamente sus paisajes y estampas, son algunos de los grandes placeres merecedores de ser vividos en este Dragon Age: Origins, porque su mundo es tan enorme como maravilloso, variado y hechizante. A pesar de la predominancia de tonos oscuros (tan habituales en los RPG occidentales), todo se muestra muy vivo en él. Hay abrigo en sus posadas, y frío en sus riscos nevados. Hay humedad en sus amenazantes grutas, y bullicio de muchedumbre en sus pueblos. Todo vibra a nuestro paso, ya sea en áreas habitadas, o en la frondosidad de su naturaleza en estado puro. Desde las impracticables colinas heladas, hasta los mágicos bosques de Brecilia o los pantanos de la espesura Korcari donde asoma esa enorme luna, sin olvidar los relucientes mármoles del palacio real de Ozrammar, o las vistas nocturnas al lago Calenhad, que nos dejarán sin aliento por su exuberante belleza, inmensidad y prístinos reflejos. Las texturas de las rocas, musgo, nieve, hongos… son poco menos que híper realistas gracias a su resolución y detalle, algo realmente digno en su momento. En lugares como la inquietante y enigmática aldea de Refugio, el orgulloso pueblo de Risco Rojo o la ciudad medieval de Denerim se pone especialmente de manifiesto el cuidado, y el amor por el detalle, que mostraron sus diseñadores a la hora de dar vida a la arquitectura de las construcciones y a su integración en los entornos. No se puede acceder a todas ellas, pero sus interiores tampoco tienen pérdida, destilando una calidez embriagadora, incluso los más austeros. De los personajes destacaría la gran calidad y plausible variedad de cada una de sus piezas de equipamiento, pero sobre todo, la de sus expresiones faciales, capaces de transmitir con toda naturalidad emociones e intenciones al conversar. Disfrutaremos también de ver secuencias cinemáticas, la mayorías generadas por el propio motor del juego, que nos regalarán momentos de desbordante sensación épica, como aquella en que vemos por primera vez a las hordas de engendros en la Trinchera de los Muertos. Sobrecogedora. A este respecto, observamos varias ralentizaciones in game cuando convergen muchos elementos en pantalla, pero en general se mueve bien, demostrando su fortaleza real en espacios muy abiertos. En los combates, aparte de la gran cantidad de efectos especiales, me ha llamado la atención que el juego no se corta un pelo con la sangre, con salpicaduras en ropas y rostros, degollamientos, perforaciones… me ha encantado el detalle de que los esqueletos de algunos cadáveres permanezcan en el sitio toda la aventura, además de las decoraciones más truculentas. En el Velo, la paleta de colores y el efecto de distorsión nos harán sentir en una auténtica pesadilla.

Con la armoniosa ambientación de su pantalla de título, el juego nos puede dar una idea equivocada de por dónde va a tirar el apartado musical. La experimentada batuta de Inon Zur, y la soberbia voz de la cantante Aubrey Ashburn, se combinan en la introducción, llena de una espiritualidad y delicadeza… que no persistirá en el resto del juego. Al contrario, y sobre todo, el score se nutre de temas marcadamente bélicos, con orquestaciones densas, sombrías y predominantes, y una clara inclinación hacia la épica cinematográfica. A su vez, los instrumentos escogidos son de timbre muy grave, sobresaliendo metales como trompas, trombones o fagots junto a clamorosos timbales, con alguna aparición concreta de cuerdas acústicas, campanillas o violines, incluso algún asomo de gaita (o artefacto nórdico similar). No abusa en exceso de marchas militares, y los tempos son más variados de lo que uno supondría. A todo esto, hay que añadir los coros, tanto femeninos como masculinos, que potencian aún más esa sensación grandilocuente, y algunos recursos que quedan de fábula, como crecidas de intensidad o ecos lejanos. Por otra parte, parece que los cortes se integraron más con el objetivo principal de ambientar que de sobresalir, tratando de no absorber en exceso la atención del jugador, pero adaptando su grado de tensión a distintos pasajes y situaciones para ganar en presencia. Como ejemplo, vemos que las orquestaciones empleadas para Orzammar, la tierra de la roca, son algunas de las más agobiantes y oscuras, mientras que en todas aquellas asociadas a los elfos existe más sutileza y ligera melodía. En cualquier caso… la OST no me ha resultado demasiado estimulante por su naturaleza. Si bien contiene algún corte que se sale de la tendencia, se excede en registros bastos y apagados, y no todos (ni mucho menos) brillan por su carisma. La impresión ha sido similar a otros juegos contemporáneos: escuchada una canción, escuchadas la mayoría, y es que esa ausencia de melodías realmente atractivas es, para mí, su punto más flojo. Porque en cuanto a calidad sonora, en plena era del HD DVD, no hace falta cuestionar gran cosa: cristalina hasta la nota más escondida. Sorprende que el conjunto tampoco sea demasiado extenso, pero sí se permite, de vez en cuando, ofrecer algún corte exclusivo para determinadas escenas o campañas. Lo que sí me ha parecido realmente espectacular es su conjunto de efectos sonoros, empezando por su impecable doblaje, continuando por las ambientaciones de las calles y espacios abiertos (conversaciones ajenas, gritos, crujidos, animales nocturnos, vientos, ladridos…) y terminando por la inmensa representación de golpes, bramidos y hechizos en combate. Esos cuchicheos espectrales en plena oscuridad de un orfanato abandonado… han logrado ponerme los pelos como escarpias.

En el marco de la jugabilidad, quiero empezar analizando la parte más o menos objetiva. En un primer contacto, especialmente si no estás acostumbrado a este tipo de RPG… puede ser necesario tomar una bocanada de aire, ya que la ingente cantidad de atributos, objetos acumulados, apuntes históricos, conversaciones o misiones, resulta abrumadora. Dados los primeros pasos, la libertad que el juego nos cede a la hora de explorar es considerable, con un enorme mapa plagado de lugares que se pueden visitar casi en el orden deseado, y de igual modo, cumplir las tareas que en ellos se nos encomiendan, incluidas las principales. Las conversaciones, tratándose de un producto Bioware, vuelven a ser clave en este apartado. Es un sistema que se trató con una gran meticulosidad, y dependiendo de cómo las manejemos, podremos desbloquear nuevos lugares, objetos, y hasta escenas secretas y personajes jugables. Incluso nos darán la posibilidad de resolver situaciones de múltiples formas, como es el caso del conflicto entre el pueblo dalishano y los hombres lobo. Según nuestras decisiones, inclinaremos la moralidad de nuestros héroes hacia el bien o el mal, y aunque es algo que no queda reflejado en ningún indicador, también tendrá serias consecuencias argumentales. Pasemos ya a la acción, que al fin y al cabo, estamos ante todo un Action RPG. En el momento de afrontar los combates, es muy fácil perderse entre el mar de combinaciones y posibilidades de equipamientos, estrategias y parámetros. Conforme avanzamos y reclutamos compañeros, adquirimos habilidades y compramos equipamiento, las opciones se desmadran exponencialmente, y a pesar de lo que cabría esperar, eso me ha repercutido muy negativamente en la dificultad. Pero ese es un tema del que hablaré largo y tendido en el siguiente párrafo. Ya sean asignables al menú de acción o pasivas, las técnicas, talentos y acciones que podemos aprender son muy numerosas, y es necesario hacer un uso constante y muy exhaustivo de ellas. Los compañeros actúan por sí solos, pero podemos (de hecho, es más que recomendable) definir con total libertad muchos aspectos de su comportamiento, mediante estrategias configurables, o activando sus poderes de forma manual a través de los menús. Estos últimos, tanto los de batalla como los de inventario, me han resultado tremendamente engorrosos, poco claros e incómodos por sus múltiples anidamientos y la cantidad de botones que requieren. El tema de las sub-misiones sí me ha gustado, ya que no son exageradamente complicadas ni numerosas, aunque la mayoría no aporte demasiado a la historia. Respecto a las ganancias de experiencia, son bastante escasas, y lo peor es que los combates están limitados a los que presenta la propia trama. Ah… ¿he dicho ‘lo peor’? Pues no, amig@s. Lo peor, aún está por llegar.

Quede muy claro que esto es MI opinión personal e intransferible, MI vivencia basada en MI partida de principio a fin, y no busco crear polémicas de ningún tipo. Pero las excelentes impresiones que el juego dejó en mí, no tardaron más que unas pocas horas en empezar a diluirse, concretamente, al toparme con los primeros picos de dificultad y deficiencias en el sistema de combate. Sobre el papel, la idea de las tácticas es fantástica y tiene muchas posibilidades. El problema llega cuando uno se da cuenta de que la inteligencia artificial del juego es bastante estúpida, y al final, tiene que acabar haciéndose cargo de los cuatro personajes simultáneamente, lo que comporta pasar diez veces más tiempo gestionando los menús que combatiendo. Para colmo, no hay punto medio en las peleas. O son muy fáciles, o son de una dificultad ridículamente disparatada, y en estas últimas, confiar la actuación de los personajes a las tácticas predefinidas implica muerte en cuestión de segundos. A menudo, es así incluso tratando de manejarlos a todos. La extrema desigualdad y dureza de enfrentamientos como el de Jarvia o el de la matriarca de los engendros, es imperdonable. Os prometo que, entre otros muchos, los habré reiniciado más de 50 veces, y de las 120 horas de juego, 10 me las habré pasado mirando la pantalla de carga como un pasmarote. Poco a poco, la frustración ha ido transformándose en aburrimiento hasta quitarme las ganas de seguir jugando. Hay tal cantidad de reglas y variables de combate, y el juego exige tantísima experimentación con ellas, que dar con la combinación ganadora parece cosa de azar, y eso me ha resultado extenuante. Las incontables horas que he pasado combinando estrategias, moldeando los atributos y valorando equipamientos… han sido irrelevantes. El hecho de no poder cambiar compañeros en ningún lugar que no sea el campamento tampoco facilita las cosas, sobre todo cuando el juego (cosa que sucede más de una vez), te mete en una de esas implacables encerronas que tanto aborrezco, en las que no existe posibilidad de avituallamiento ni vuelta atrás, sin importar el nivel que tengas. Esa última parte del Yunque del Vacío quedará para siempre entre mis peores pesadillas frente a un videojuego. Lo que sí se puede hacer en cualquier momento, afortunadamente, es cambiar el modo de dificultad, y ahí nos percatamos del atroz salto que existe entre ellos. Porque todo esto me ha sucedido en nivel ‘normal’… y no me quiero ni imaginar lo que debe ser en ‘difícil’ o en ‘pesadilla’. He hablado con amigos que lo han jugado, y no recuerdan una dificultad tan horriblemente desmesurada. En ese caso, o soy yo, o son mis personajes (a pesar del mimo que puse en su evolución), o ellos lo recorrieron en modo ‘fácil’, porque de otro modo, no puedo razonar la experiencia tan desagradable que he sufrido.

No negaré que haya disfrutado enormemente de sus gráficos, ambientación, sistema de conversaciones, sub-tramas y escenas. Pero los terribles sinsentidos de dificultad han terminado por arruinarme la existencia. Sencillamente, esto ha sido demasiado complejo –en muchos sentidos– para mí. Así pues, sin más, os doy un último consejo. Si buscáis una experiencia para recrearos tranquilamente con sus múltiples virtudes (que las tiene de sobra), y enfrentar un reto justo y moderado en sus batallas, jugad en fácil. Si preferís combates asfixiantes e interminables, en donde tenéis que estar cada 5 segundos empleando 15 o 20 en el menú, y recargando partida hasta el infinito, optad por el normal. Y si queréis auto torturaros hasta el borde del colapso mental, entonces escoged el modo difícil o pesadilla. Pero no digáis que no os lo advertí. Ahora mismo, no sabéis las ganas que tengo de volver a mis sprites 2D, píxeles gordotes, chip tunes y peleas por turnos. Me van a saber a gloria bendita.

- Lo que más me gusta: La dinámica de conversaciones. Sus pueblos y entornos, una preciosidad en donde el fantástico sonido ambiental te sumerge por completo. Explorar su mundo es muy estimulante. El doblaje.

- Lo que menos me gusta: Los contrastes límite de su esquizofrénica dificultad han estado a punto acabar conmigo. La IA de los compañeros suele ser penosa. Algunos bugs de detección y varias ralentizaciones.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Terminar cualquier RPG, y apenas conservar ninguna canción en la memoria (en este caso, tras más de 120 horas), no suele ser buena señal para mí. El trabajo y la implicación en las prominentes orquestaciones por parte de su compositor, Inon Zur, es notable, y desde luego, la banda sonora cumple con su cometido de ambientar. Siempre está ahí presente, reforzando los momentos más épicos o tensos, y aportando esas bases oscuras en los lugares inhóspitos que tanto abundan, pero para mi gusto, debido a la casi total carencia de melodías... resulta demasiado insípida y repetitiva.

Dragon Age: Origins. Posiblemente, resulte el corte más impactante y personal de toda la banda sonora. Y ello es debido, en gran parte, a la actuación de la cantante americana Aubrey Ashburn, que presta su exquisita voz en sus primeras líneas, creando una melodía brillante y muy etérea. La letra se compone de una rara mezcolanza de distintos idiomas como el gaélico, el latín, y el élfico, lo que le da una sonoridad muy particular. Al margen de esto, también es uno de los temas más heterogéneos en cuanto a intensidades rítmicas, saltando de las más pesadas a las más sutiles.

The Deep Roads. Los Caminos de las Profundidades son uno de los lugares más angustiosos y oscuros del juego, y desde las primeras notas de su corte emblema, ya vemos que los representa de maravilla. Un tema puramente orquestal (como la gran mayoría), con una cadencia dura y aplastante, que contiene varios tipos de coros muy logrados. También posee mucha carga de percusión, que le imbuye de un aura pesada y muy belicosa, sugiriendo la marcha hacia el peligro de nuestros héroes. Sobre todo hacia el final, remarca su condición mediante subidas de metales muy épicas.

The Dalish Elves Encampment. Si durante la aventura me ha encantado pasear con bastante frecuencia por el campamento de los elfos dalishanos, ha sido en gran parte gracias a su ambientación sonora. Es una lástima que sea relativamente corta, y no tenga más partes, movimientos, o incluso variaciones, porque su sutileza y su embriagadora melodía suponen un descanso para nuestros oídos después de tantas orquestaciones atronadoras. Sus vientos suaves y casi melancólicos flotan en perfecta comunión entre los árboles y montes de tan idílico paraje, con aires de fábula antigua.

Lelianna's Song. La evolución de las relaciones entre personajes mediante el arte de conversar, nos deja sorpresas tan agradables como esta. Cuando la confianza crezca entre nuestro héroe y Lelianna, esta última nos deleitará en el campamento con esta interpretación sobre gestas legendarias. Y aunque solo podemos escucharla una vez, se ha convertido en una de mis favoritas. La melodía embelesa por su sensibilidad, y su simpleza instrumental es una de sus mayores virtudes, con bases ligeras, coros celestiales y arpegios de guitarra acústica. Una auténtica delicia.

Ruins of Ostagar. Las orquestaciones arrancan graves, crujientes y en primera línea, pero pronto aparece el elemento que le da la chispa genuina al corte, esas trompas que se destacan, y hacen predominar su melodía por encima del colchón sinfónico y las percusiones de marcha bélica. Asimismo, los coros integrados en su base suenan sólidos y realmente grandilocuentes, pero lo que más me ha gustado es esa ascensión de intensidad tan cuidadosamente trazada. Escuchadla con atención, y decidme si no es digna de formar parte de una superproducción de Hollywood, tal como ESDLA.

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EJEMPLAR DE MI COLECCIÓN

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Dagon Age: Origins (Pal UK)

Ejemplar inglés de uno de los más recordados juegos de Bioware, el que tengo entre manos. Cedido a la colección por mi hermano Aitor, y más allá de su escaso valor de coleccionismo, se encuentra en un estado medio / bueno, con varias taras a remarcar, aunque más que aceptables por el precio que costó. Al menos, en lo que al envoltorio respecta. El plástico de la caja presenta varias roturas en la parte frontal, y algunas rayas superficiales en ambas caras. En el interior, las condiciones son de uso normal.

Se nota que el manual ha llevado trajín, sobre todo por su forma doblegada. Pero afortunadamente, en cuanto al papel / páginas, está bastante bien, sin desgarros, ni pintarrajeadas, ni esquinas rotas o desgastadas. Las grapas están perfectamente, sin óxido, igual que el color, y no presenta sunfade ni ningún problema físico en general salvo la mencionada deformación, especialmente apreciable en las primeras páginas.

El principal problema se encuentra en el disco. La superficie legible, a primera vista, no está mal del todo, pero por lo visto, siendo de segunda mano, y según me ha comentado mi hermano, da algunos saltos y enganches al jugarlo. Menos mal que lo he hecho por otros 'métodos', porque con el insufrible tormento que me ha dado, si encima se va quedando colgado cada dos por tres, acabo lanzando la consola por la ventana. Ahí lo tenéis, aunque sea por pura curiosidad.

Fecha de adquisición: 12 de diciembre del 2012.
Precio: 5.-£ (unos 4,20.-€ en 2012).

Regreso... al Japón de mis Sueños (4ª y última parte)

2025-12-23T19:01:00.004+01:00

Miércoles 03 de Diciembre del 2025. Miyajima / Hiroshima.

Aunque en realidad no habíamos visto apenas nada de Osaka, en este día viajaríamos hasta dos ciudades muy alejadas: Hiroshima y Miyajima. Para movernos por ambas, contratamos los servicios de Lara, una guía argentina, que nos instruyó sobre templos, toriis, y distintos monumentos. Invertimos el orden planeado, y fuimos primero en ferry a la isla de Miyajima, con primera parada en el santuario Itsukushima. Su escenario tradicional de celebraciones, y sus vistas al torii flotante, aparte de una vuelta por los alrededores, fueron los puntos en los que más ahondamos. Después de un paseo por sus calles comerciales, incluida la de Omotesando, fuimos a ponernos finos de ostras.

La siguiente parte del itinerario se centraba en Hiroshima, concretamente, en recordar y aprender de uno de los episodios más abominables que el ser humano ha sido capaz de cometer en toda su existencia, y he de decir que esta fue una de las partes que más me impresionó de todo el viaje. Al bajar del transporte, nos dirigimos al hipocentro de la bomba, donde en una tabla de piedra se explicaba el inicio de la tragedia. La cúpula del edificio en ruinas superviviente, fue una buena muestra de los estragos causados por la explosión atómica, pero no la única. Dentro del Parque Memorial de la Paz, vimos innumerables monumentos a los caídos, a los jóvenes movilizados por el ejército que murieron, a los niños, a los sin nombre, a las víctimas coreanas, el recordatorio a la niña Sadako Sasaki, la llama de la Paz, el Cenotafio Conmemorativo de la Paz de la Ciudad de Hiroshima… pero lo que más anclado se me quedó, fue la visita al sótano de un edificio, conservado en su estado original, en donde leímos la historia de Eizo Nomura, el único trabajador superviviente de la empresa. Os prometo que estar allí me ponía los pelos como escarpias.

Lo que vino a continuación, no fue precisamente más agradable. El Museo Memorial de la Paz de Hiroshima relataba con total crudeza, y sin filtro alguno, todos los acontecimientos y consecuencias, historias de personas, efectos como la lluvia negra, las sombras atómicas que quedaron como testigos silenciosos, los estragos en la salud de los afectados… exponiendo objetos y escombros que se encontraron en el lugar de la explosión, y unas fotos reales y dibujos de escenas no aptos para almas frágiles. Fue una experiencia brutal en el sentido más estricto de la palabra, pero siempre necesaria, que me dejó muy mal cuerpo. Incluso vi salir de allí a dos muchachas llorando.

Sin palabras. O más bien, como rezaba una de las frases en el Cenotafio refiriéndose a la humanidad ‘…For we shall not repeat the evil’.

La nieve, que caía con ganas al abandonar el museo, nos alegró un poco el corazón después de haber presenciado tanta barbarie. Hacía mucho frío, y andamos a paso ligero hasta la primera tienda (¿lo dudabais?) anotada en Hiroshima, donde nos quitamos definitivamente el gusto amargo. Y de qué manera.

Anaya (Hiroshima)

Sin rótulo, sin apenas hacer notar su presencia, y situada en el segundo piso de un modesto edificio, Anaya es una tiendecita tradicional de videojuegos que me enamoró hasta los huesos desde el momento en que puse un pie en ella. Una sensación muy parecida a la que tuve al entrar por primera vez en el Beep de Tokio. Estanterías con cientos de cartuchos de Game Boy y Game Boy Advance, juegos sueltos y completos de Famicom, mogollón de material de Mega Drive, cestas y cestas de juegos en DVD, cartuchos, y hasta diskettes, RPG de Playstation clasificados aparte… y al fondo, la verdadera cueva del tesoro. Un rincón con decenas de bandas sonoras, revistas retro japonesas, consolas, juegos para Neo Geo, Atari Lynx, Jaguar, cartuchos y mandos para Atari 2600… periféricos a mansalva, una Famicom enchufada al televisor de tubo, un arcade de Mortal Kombat II… quise grabar todo aquel perfecto y maravilloso desorden para siempre en mi mente. Al otro extremo de la tienda, la sección de Super Famicom, con poquitos juegos completos y un montonazo de sueltos, con algunos relativamente raros. Incluso aquí encontré un par de precios Top. Pero sin duda, lo que me voló la cabeza, fue ver en una de sus estanterías una docena de juegos NTSC USA CIB para Super Nintendo como el Wolfchild, Zombies Ate My Neighbors, Super Turrican 2 ¡y hasta alguno Pal!, como Home Alone o S.O.S : Sink or Swim, además de muchísimos cartuchos sueltos importados de ambas regiones, algo prácticamente imposible de encontrar en ninguna tienda japonesa. Aunque no compramos nada, de algún modo, la fascinación que ejercía sobre nosotros aquel mágico rincón nos impedía salir por la puerta. Lamento profundamente no haber hecho ninguna foto.

Ver precios Top:

- Ultima VII - The Black Gate: 4480 yenes.
- Ultima Kyoryu Teikoku - The Savage Empire: 7980 yenes.

En la calle, en los edificios, y sobre todo en los parques, el montaje de luces era simplemente espectacular, sumergiéndonos en un adorable y cálido ambiente navideño. Disfrutamos muchísimo paseando por entre ellas, antes de dirigirnos a la última incursión, en una tienda Lepton que parecía tener también material retro.

Lepton (Hiroshima)

No tenía muchas expectativas en cuanto a juegos, y de hecho, así se vieron reflejadas. Había muchos cartuchos sueltos, más de 150 seguro, pero ni un solo juego en caja. Eso sí, aquí el fuerte estuvo en los periféricos. Mandos de GameCube por menos de 2000 yenes, de Xbox 360, de Playstation 3 y 4, de Nintendo 64 por menos de 500 yenes, y la repanocha, unos 10 pads de Super Famicom por unos chistosos 220 yenes cada uno. Por ese precio me quedé con uno (aunque me dio ganas de cogerlos todos), lo pagué, y a la mochila. También había consolas, entre ellas, unas cuantas Super Famicom con cables por 2000 yenes. Para flipar.
Como gran despedida de Hiroshima, nos fuimos a cenar Okonomiyaki a un garito llamado Hassei, donde nos prepararon en una enorme plancha, justo delante de nosotros, una gigantesca montaña de noodles especiados con beicon, huevo y un montón de cosas más, que estaban de toma pan y moja. Comimos hasta reventar.

Jueves 04 de Diciembre del 2025. Himeji / Kobe.

Aquel jueves era nuestro último día completo en Japón. Pero si habéis llegado hasta aquí, no dejéis de leer, porque todavía quedan muchas cosas que creo que os resultarán interesantes en cuanto a RPG, incluyendo una buena sorpresa casi inexplicable.

Desayunamos a gusto y partimos hacia la ciudad de Himeji, no demasiado bulliciosa, pero con un ritmo y ambiente agradables. Llegamos hasta el castillo de Himeji en bus, y aunque una pequeña parte estaba en proceso de restauración, pudimos visitarlo por dentro y admirar aquella gran obra de arquitectura feudal que se conserva en un estado casi perfecto. Justo al lado, se encontraban los jardines de Koko-en, formidables y bonitos como ellos solos, puentecitos de roca, estanques, jardines de bambú y otras muchas plantas. Cada nueva estancia, era una fotografía de una elegancia soberbia. Un paseo de lo más relajante, tras el cual nos dirigimos a Kobe en tren para darnos otro de los mayores lujos de esta gran aventura: un menú degustación de auténtica carne de Kobe. Teníamos mesa reservada en el Kobe Beef Kiyama, donde nos atendieron con mucha amabilidad y distinción (y en perfecto inglés, por fin). Las cantidades no eran para tirar cohetes, tampoco era barato… pero os prometo que pocas veces en mi vida he probado algo tan extremadamente delicioso como cada uno de los platos que nos sirvieron. Mereció la pena con creces.

Con la tarde libre, deambulamos sin prisa por las icónicas calles de Sannomiya i Motomachi, entramos en el barrio chino (Nankinmachi), y en pleno corazón de la ciudad, al santuario Ikuta, donde rezamos unas oraciones por nuestro deseos. Ya habíamos pedido muchos, y este último fue para que todo saliese bien a la vuelta, y por qué no, para poder conseguir un último juego del que me había encaprichado. El juego en cuestión era el Power of the Hired, que me arrepentí de no haber pillado en Tokio por unos 2000 yenes. Un precio difícil de superar... y no pensaba pagar más que eso. Pero, ¿os acordáis de mi historia con Ihatovo Monogatari en febrero? Pues seguid leyendo, porque esto de pedir deseos a los dioses en Japón… me está resultando ya casi inquietante.

Seguimos hasta el puerto para admirar de cerca el edificio del museo marítimo (en forma de red), el pescado gigante, y la torre roja del puerto. La historia del terremoto que devastó el puerto en 1995, y sus restos allí dejados como recuerdo, son escalofriantes. Cuando ya habíamos andado hasta saciarnos, llegaba la parte comercial (siempre mi favorita, jeje). En Kobe, teníamos como objetivo una tienda Ojamakan, de la que no sabíamos muy bien qué esperar, y poco más. Esta se encontraba en un inmenso centro comercial, el San Center Plaza, donde teníamos entendido que se podrían encontrar más tiendas. Cuál fue nuestro sorpresón al toparnos, además, con todo un Surugaya, y un Mandarake.

Surugaya

No ocuparía la misma monstruosidad que otras, pero pequeña no era, no. Situada entre otras decenas de tiendas con los más variados productos, tenía una buena sección de Super Famicom que fui repasando con los ojos bien abiertos: Fire Emblem: Seisen no Keifu, Benkei Gaiden, Hero Senki - Project Olympus, Actraiser o Shin Megami Tensei If… y cuando ya estaba revisando la parte de abajo, los últimos títulos… podéis creerlo o no, pero voy y me encuentro un bendito Power of the Hired por… ¡1500 yenes! ¿Pero qué clase de magia es esta? Esto no puede estar pasando… me dije a mí mismo, emocionadísimo. Vale, tenía truco, le faltaba el insert de plástico, así que no lo compré aún y medité al respecto. Yo, o completo, o nada. En las vitrinas había también cosillas, pero así particularmente raras, un Sword World 2 por 6500 yenes, o un G.O.D - Mezameyo to Yobu Koe ga Kikoe por 23000.

Ver precios Top:

- Power of the Hired: 1500 yenes (sin insert).
- Yume Maboroshi no Gotoku: 2000 yenes (no demasiado corriente).
- First Queen - Ornic Senki: 2200 yenes.
- Wizardry 6 - Bane of the Cosmic Forge: 3000 yenes.
- Kenyuu Densetsu Yaiba: 8800 yenes.

Mandarake

Sin salir del mismo centro comercial, nos acercamos de un bote hasta el Mandarake. Mi presupuesto había llegado a cifras negativas (otra vez xD), pero por si las moscas… había que visitarlo todo. Era de los más pequeños en los que estuvimos, pero tampoco estaba exento de buenas piezas. Como siempre, las más caras en la vitrina. Un Rudra no Hihou por 16000 yenes, Rejoice! Aretha Oukoku no Kanata por 12100 o un Metal Max Returns por 16500, hablaban por sí solos. Unos 30 RPG poblaban la estantería exclusiva de Super Famicom. Si bien había algún precio mínimo, ya lo teníamos todo tan rebuscado que era difícil mejorarlos. Pero cuando digo que no me llevé nada de aquí, me refiero a RPGs. Porque cuando mi novia vio, y me puso ante las narices, el MOTHER Official Comic: Pollyanna, casi me da un soponcio, y lo tuve que comprar obligatoriamente y con frenesí. Y estoy TAN contento de haberlo hecho… ya me arrepentí demasiado de no haber comprado más cosas de Mother en este viaje.

Ver precios Top:

- Light Fantasy: 1650 yenes (igual que en el Mandarake de Kioto).
- Seijuu Maden Beasts & Blades: 2200 yenes.
- Benkei Gaiden - Suna no Shou: 3080 yenes.

Y para terminar el día a lo grande…

Ojamakan

Una pequeña franquicia de tiendas que se va extendiendo poco a poco por todo Japón. El exterior, desde luego, era muy llamativo, y dentro, nos aguardaban unas cuantas sorpresas. Para empezar, los que busquen solo cartuchería, y especialmente de Super Famicom, van a encontrar en esta tienda el Edén. Cientos y cientos de cartuchos colgados por las paredes y por los techos, hasta el punto de que había zonas en donde no se veía ni la pared. Cuanto más avanzábamos, más éramos conscientes de la cantidad que había, de locura. Cuando localizamos los completos, los repasamos con devoción. La oferta se decantaba más bien por la morralla, juegos sin ningún valor. Un Shin Megami Tensei II, o un SD Gundam Gaiden 2 - Entaku no Kishi (algo menos corriente que la primera parte), y no mucho más en cuanto a RPG. La vitrina era mucho más interesante en este género, que es evidentemente el más cotizado. Kyuuyaku Megami Tensei (9900), Brain Lord (9480), Soul & Sword (5980) o Maka Maka (6780) era de lo mejorcito que guardaba el encristalado. Como curiosidad, fue una de las poquísimas tiendas en las que no encontré ningún precio Top, aunque tampoco eran demasiado elevados.

Ahora, volvamos al Power of the Hired que vi en el anterior Surugaya por 1500 yenes (¿gracia divina?). Solo le faltaba el insert de plástico, lo más impersonal y fácil de encontrar. En casa he llegado a tener alguno suelto, pero no era el caso. Entonces, se me ocurrió que la solución pasaba por comprar cualquier juego, lo más baratero posible, aunque solo fuese por dicha parte. Pensé que por 300 o 400 yenes merecería la pena. Pero no fueron ni 400, ni 300. Al poco de buscar, encontramos un vulgar Super Formation Soccer (Super Soccer en occidente, un viejo conocido de mi juventud) sin manual por… ¡55 cochinos y miserables yenes! (unos 30 céntimos de euro). No se hable más. Volvimos al Surugaya, y me hice con el Power of the Hired. Y ya en casa, más feliz que unas pascuas, lo ensamblé todo.

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Al volver a Osaka pasamos por donde, en el viaje anterior, entramos a un Konbini (las ‘convenience stores’ japonesas) totalmente tematizado de Dragon Quest. Por desgracia, se había trasladado unas manzanas más allá, y volvía a ser un Lawson normal y corriente.

Viernes 05 de Diciembre del 2025. Osaka.

Y amig@s... Todo lo bueno tiene su fin. Nuestro avión salía a media tarde, y contando con que teníamos que estar tres horas antes en el aeropuerto, nos quedaba hasta el mediodía para acabar de zanjar asuntos pendientes. Entre paseos, dragones de piedra y templos, llegaba la última sesión de tiendas.

Una de ellas, Astro Zombies of Rockin' Toyland, no era de videojuegos. El año pasado la encontramos cerrada, y algo me dijo que tenía que entrar ahí sin falta. Se encuentra en la zona de Nipponbashi, y contiene todo tipo de figuras de cine y/o de terror, de los 50/60 y más allá, el monstruo de Frankenstein, Creature from the Black Lagoon, Freddy Krueger o la momia, posters de cine, figuras del mundo del Rock (Phil Lynott, Lemmy Kilmister, Doyle Wolfgang, Bon Scott…), montones de cosas molonas y exclusivas. Un pasote total. Puesto que casi todo era importado, no era precisamente barato, pero finalmente me llevé un regalito para un colega (aumentando más aún mi deuda, jeje).

Llegados a este punto, solo nos quedaba un local por visitar, el Surugaya Outlet, que como su nombre indica, puede contener más de un ofertón.

Surugaya Outlet (Osaka)

Su horario es algo extraño, de 12 del mediodía a 19:30, por lo que siempre lo encontramos cerrado. Al fin pudimos entrar y gulismear por sus pasillos y estanterías, y a una hora en la que apenas había gente. Por una vez, no nos daría vergüenza acaparar toda una estantería durante tanto tiempo, jeje. Si recordáis, antes he dicho que ya era difícil encontrar precios que superaran los mínimos establecidos… pero eso era antes de entrar en esta tienda. La estantería de Super Famicom era incluso más abundante que la vitrina, con más de cuarenta RPG. Era ya el último repaso del viaje, así que traté de disfrutarla con calma y los cinco sentidos. Lo más irresistible que vi fue un Cyber Knight a 1000 yenes. Pero me había prometido a mí mismo que no gastaría más, y aunque me costó horrores, lo devolví a la estantería. Si hubiese una próxima vez en este Japón de mis sueños, ya sé que tengo que darle prioridad a este Surugaya.

Ver precios Top:

- Cyber Knight: 1000 yenes.
- Hero Senki - Project Olympus: 1700 yenes.
- Shodai Nekketsu Kouha Kunio-kun: 2000 yenes.
- Fire Emblem: Seisen no Keifu: 2400 yenes.
- Albert Odyssey 2: Jashin no Taidou: 2900 yenes.
- Shinseiki Odysselya: 3200 yenes.
- Shiki Eiyuuden: 4650 yenes.
- Daikaijuu Monogatari II: 7000 yenes.
- Rejoice! Aretha Oukoku no Kanata: 9900 yenes.

Y por último…

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LAS PRIMERAS CAPTURAS.

Porque, al contrario de lo que os pueda haber hecho creer, la primera compra tocha de Japón no fue en el Surugaya de Machida… sino desde el salón de mi hogar, poco antes de emprender el viaje. Gracias a mi compadre Javi, del canal Nestálgicos, descubrí Buyee, un portal similar a eBay de productos casi exclusivamente japoneses, donde pesqué unas ofertas sensacionales. Obviamente, hacer desde España un pedido caro, tal como están las cosas hoy en día, es poco menos que un despropósito. Los gastos, tanto los de envío, como los aduaneros (con posible retención), me habrían dejado frito. Pero en este caso, estudié otra opción muy interesante. La página ofrece un servicio de consolidación de pedidos, aunque sean de distintos vendedores, y posibilidad de envío nacional (a Japón). Así pues, el tiempo de entrega total depende de la rapidez con la que el vendedor envíe el producto al almacén de Buyee, más lo que estos tarden en consolidar el pedido, más el tiempo que les tome mandar el paquete, previo pago de los gastos de envío finales. Calculamos con bastante precisión, y la jugada nos salió redonda. Justo el día esperado, cuando hicimos el check-in en el hotel de Kioto (10 días después del pedido, fin de semana incluido), allí estaba esperándome mi paquete. Lo cierto es que hice la compra sin demasiadas referencias, y en casos muy concretos, encontré en tiendas alguno de estos juegos un pelín más barato (nada, cuestión de pocos cientos de yenes), o en mejor estado, pero aun así, quedé satisfecho con la experiencia.

Cayeron Dragon Slayer – Eiyuu Densetsu 1 y 2 (vale, no especialmente cuidados, pero a unos precios de risa, sobre todo el segundo), Fire Emblem – Monshou no Nazo, Shin Megami Tensei II… y mi amadísimo e idolatrado Rudra no Hihou, que era el principal objetivo RPGero del viaje y uno de los mejores videojuegos que he jugado en mi vida… ¡¡Por fin en mis manos!! Para rematar, me pillé también un Marvelous: Mouhitotsu no Takarajima, extremadamente bien cuidado, aunque me llevé un buen susto con este. Al observar cuidadosamente el contenido, vi que el papel del manual no era satinado, sino poroso y áspero. El resto era 100% original sin duda, pero monté en cólera pensando que me habían colado una sucia y asquerosa repro de manual. Antes de hacer una hoguera con él (por suerte), encontré información por Internet que me dejó más tranquilo, y al día siguiente, pedí en una de las tiendas que me abrieran un ejemplar que tenían (el conocimiento de japonés básico por parte de mi novia nos facilitó las cosas). Tan pronto pude manosear el libreto, estuve convencido de que el mío también era original. El mismo tacto, el mismo gramaje en el papel, la misma textura, la misma calidad de impresión… no cabía duda. Por lo visto, no todos los manuales ni mapas de Super Nintendo se fabricaron con la misma calidad y acabado satinado, aunque eso es algo de lo que yo no tenía ni idea. ¡Siempre se aprende algo nuevo!

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Rudra no Hihou: 10100 yenes.

Marvelous - Mouhitotsu no Takarajima: 5200 yenes.

Dragon Slayer - Eiyuu Densetsu: 1800 yenes.

Dragon Slayer - Eiyuu Densetsu II: 1800 yenes.

Fire Emblem - Monshou no Nazo: 1540 yenes.

Shin Megami Tensei II: 1880 yenes.

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CONCLUSIÓN:
Si habéis llegado hasta aquí, os felicito y os doy mi más sincero agradecimiento por vuestro tiempo. Me he extendido mucho más de lo que quería en un primer momento… y eso que solo he comentado parte de las actividades, y muy por encima. Hace más de dos semanas ya que volvimos a casa, y creedme, todavía no he encajado del todo lo que he podido ver y sentir en esta segunda ida a Japón, y ni siquiera he terminado de ordenar aún la tonelada de material que me he traído de vuelta. En el artículo de febrero, me equivoqué diametralmente al predecir que, en un hipotético regreso, la falta de impacto me quitaría gran parte de la ilusión. Si eso es posible, en este segundo viaje he disfrutado aún más que en el primero. He tenido algo más de presupuesto, he visitado más tiendas, más lugares en general, hemos comido mucho mejor y más variado, hemos ido más lejos, andado más, probado más cosas nuevas… Y a parte de 27 juegos de Super Famicom (tras casi 700 precios anotados, uno a uno, y a mano), una pila de bolas gashapon, mandos, artículos de Mother 2… me traigo a casa unos recuerdos y unas sensaciones tan descomunales, que seguirán latiendo en mí por toda la eternidad. Tal como empecé, debo finalizar, agradeciendo infinitamente a mi chica el haber hecho posible todo esto, así como la bendita paciencia que ha tenido conmigo y la ayuda que me ha prestado a la hora de aclarar datos, fechas y lugares para este artículo. Sin más, espero que haya sido de vuestro agrado.

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Regreso... al Japón de mis Sueños (3ª parte de 4)

2025-12-21T18:00:00.010+01:00

Viernes 28 de Noviembre del 2025. Hakone / Yamanakako / Fujikawaguchiko.

Llegó el momento de decirle adiós a Tokio. Pero lo hicimos muy felices, por tantas alegrías que nos había dado. Unas compras (casi perfectas), y mi colección aumentando a buen ritmo. Templos, Akihabara por un tubo, edificios emblemáticos, Godzilla, noches de neón, kappas, cantidad de tiendas, parques, jardines y naturaleza en medio de toda una metrópolis, comidas estupendas… no podría haberle pedido nada más. Nuestros siguientes dos días girarían alrededor de una de las montañas sagradas más conocidas del mundo, el majestuoso y sin igual Monte Fuji. Para no arrastrar nuestro equipaje hasta la llegada a Kioto, tiramos de Takkyubin para que nos las facturaran directamente. Odio que toquen mis cosas, pero en este caso, era necesario.

En nuestro pasado viaje a Japón, tiramos mucho de free tours y excursiones organizadas, y eso está muy bien para conocer a fondo la historia de cada lugar. Pero en esta ocasión, decidimos ir más por libre. No fue hasta este séptimo día cuando contratamos una visita guiada. Sakuragi, que fue nuestro guía, se encargó de llevarlo todo a raya en nuestro recorrido por el santuario Hakone, que desembocó en el visionado de la imponente puerta torii de Heiwa, a orillas del lago Ashi. Puesto que ya lo habíamos tomado en febrero, nos saltamos la navegación a bordo del barco pirata Tōgendai (que había subido de precio), y fuimos en bus directos hasta la estación del teleférico. Durante el trayecto en este, gozamos de unas impresionantes vistas del lago Ashi, y claro está, del Monte Fuji, al que cada vez nos acercábamos más. Bajamos en Owakudani, para probar por primera vez los famosos huevos negros, cocinados en las chimeneas sulfurosas naturales de la ladera volcánica. Otro bus nos dejó casi a orillas del lago Yamanakako, donde sus cisnes, sus aguas claras, y el reflejo del Fuji, nos brindaron una de las estampas más ensoñadoras que he presenciado nunca. Bordeando el lago, perseguimos capturar el fenómeno conocido como Diamond Fuji. No lo logramos del todo, pero la experiencia fue merecedora de nuestro esfuerzo.

Cogiendo un último transporte, llegamos a nuestro hotel en Fujikawaguchiko, que fue, al mismo tiempo, una de las actividades más tradicionales y uno de los mayores lujos. Un ryokan típico, con tatami, cojines bajo la mesa, futones para dormir, unas vistas panorámicas de la cordillera que quitaban el hipo, y un onsen (baño termal natural) privado. En el hotel, por cierto, había varios juegos de tablero de Mario para subir a las habitaciones, y lo más impactante de todo, una descomunal biblioteca con miles y miles de mangas disponibles para los clientes (colecciones completas, en muchos casos) que nos dejó patidifusos. Nos fuimos a descansar, pero no sin antes pegarnos una comilona tipo buffet de las que no se olvidan.

Sábado 29 de Noviembre del 2025. Fuji.

Aprovechando el coche lanzadera gratuito del hotel, después de un opíparo desayuno, nos acercamos de muy buena mañana hasta la zona de Kawaguchiko para recrearnos en las impresionantes vistas del Fuji, haciendo incontables fotos, pero sobre todo, disfrutando de aquel irrepetible momento. Estábamos tan cerca que parecía que podíamos tocarlo con la punta de los dedos. Todavía lo pudimos apreciar mejor como fondo de la Pagoda Chureito, con sus 26 metros de altura, nuestro siguiente destino. Entre el tren Fujikyu Railway y un transbordo en autobús (volvíamos a ir por libre), llegábamos a uno de los lugares que más ilusión me hacía visitar en todo el viaje, las lindes del mítico bosque Aokigahara. Primero, atravesamos la cueva de hielo (aunque no lo había en estas fechas), un angosto pasadizo por el interior de la roca, y posteriormente, ahora sí, nos adentramos en la espesura de árboles, raíces y musgo.

El bosque Aokigahara es también conocido por el elevado número de personas que eligen dicho lugar para suicidarse, lo que enfatiza todavía más su aura misteriosa, aislada, y silenciosamente fantasmal, pero ante todo, es un espectáculo natural que te deja completamente hipnotizado. Una masa verde de carácter también sagrado, asentada sobre la lava de la última gran erupción del Fuji, de una belleza tan imposible de expresar con palabras, que da ganas de perderse en ella para no volver a salir jamás. Y para completar la experiencia, paseo por el interior de la Fugaku Wind Cave, con exposición de gusanos de seda (entre otros) incluida. En instantes así, no podía evitar imaginarme recorriendo una de esas agobiantes y oscuras cuevas de los RPG :)

Nos dejó bastante cansados, pero un buen hotou fudo para comer, plato tradicional, nos devolvió las fuerzas. Poco después, nos plantamos en la estación de Mishima, desde donde cogimos un Shinkansen (el célebre tren bala japonés), que tardaría unas dos horas y poco en llegar al destino, la estación central de Kioto. Llegar y volver a ver su enorme torre, sus fuentes de colores, sus edificios de cristal iluminados… fue enormemente emotivo, volviendo a reforzar la idea de un sueño que se vuelve a cumplir. Esta vez, sería en el APA Hotel Kioto Ekimae Chuoguchi donde nos alojaríamos. Las habitaciones eran tan diminutas, y llevábamos ya tal cantidad de cachivaches, que apenas cabíamos embutidos. Media mesa quedó ocupada por mis ‘capturas’ RPGeras. Por suerte, ya habían llegado nuestras maletas… así como otra sorpresa que os tengo reservada para el final.

Domingo 30 de Noviembre del 2025. Kioto.

El buffet no fue demasiado satisfactorio, pero sí la mañana. Y mucho. Para empezar, visita al Kiyomizu-dera, templo budista inmenso dedicado al agua pura, con varias fuentes, y una estructura exclusivamente formada por madera ensamblada, sin un solo clavo. Una auténtica obra maestra. Pateamos brevemente por las calles de Sannenzaka y Ninenzaka (muy turísticas), y llegamos hasta el templo Hokan-ji y la Pagoda Yasaka. No se cansa uno de ver estas construcciones, tan infinitamente tradicionales y antiguas. El Kodai-ji Temple fue uno de los puntos fuertes, y también más hermosos, del día. Sus estanques de rocas y bambú, y sus jardines zen, nos dieron muchísima paz interior, y un paseo exquisito a más no poder. Pero no acababa ahí la cosa, porque la visita al parque Maruyama, y al santuario sintoísta de Yasaka-jinja, nos dejaron hechos puré. Necesitaba una buena dosis de tiendas para reponer los ánimos mentales. Y vaya si la tuve, empezando por el repaso a la Nintendo Official Store en Kioto, y continuando por un…

Surugaya (Kioto)

Una de las tiendas marcadas de Kioto, pero no una cualquiera, sino aquella en la que logré, tras muchos rezos y deseos, encontrar mi amado Ihatovo Monogatari en su vitrina. Solo por eso, le tengo un cariño muy especial. La oferta fue una de las más flipantes que vimos, una grandísima estantería exclusivamente dedicada a Super Famicom, en el mismo lugar que la anterior vez. Me froté las manos de placer, y a escudriñar. Casi 50 RPG reconté, algunos ya en mi colección, y otros muchos pendientes, con algunos de los precios más bajos que vimos. Estaba claro que me iba a llevar varias cositas de allí, pero hice lo mismo que en Tokio, esperar hasta última hora, con todas las tiendas de la ciudad ya bien revisadas y sus correspondientes precios anotados. Estuvimos allí como tres cuartos de hora, y es que aquello era deliciosamente interminable. Qué panzada de disfrutar… incluyendo, claro, su vitrina, con los siguientes ejemplares (entre otros): Tenchi Sozo (10000), Ruin Arm (11000), Daikaijuu Monogatari 2 (14000), Rejoice! Aretha Oukoku no Kanata (18000), Granhistoria - Genshi Sekaiki (16000), Last Bible III (15000), Aretha - Aretha the Super Famicom (13500) un Rudra no Hihou por 11000… ¡y un yoyó de Mother 2! Lástima que fuese tan caro y me quedase tan poca pasta…

Ver precios Top:

- Silva Saga II: 900 yenes.
- Down The World - Mervil's Ambition: 1000 yenes.
- Shin Momotarou Densetsu: 1500 yenes.
- Dungeon Master: 1600 yenes.
- Jutei Senki: 1900 yenes.
- Little Master: 2000 yenes (increíble, un juego que no se suele ver por debajo de 5000). - Kishin Kourinden ONI: 2900 yenes.
- Monster Maker 3 - Hikari no Majyutsushi: 3600 yenes.
- Majin Tensei 2 - Spiral Nemesis: 7800 yenes (bastante difícil de ver).
- Final Fantasy IV - Easy Type: 9200 yenes (realmente tentador…).
- Popful Mail: 9400 yenes.

Después, recorrido por el santuario Nishiki Tenmangu, dedicado al dios de los estudios… y ni siquiera descansaríamos para comer. Lo hicimos sobre la marcha, pasando por los puestos de comida del encantador mercado de Nishiki, degustando pequeños manjares aquí y allá, y quedamos bastante satisfechos. ¡Y caminito hacia otra sesión de tiendas!

Mandarake (Kioto)

No ofreció emociones tan fuertes como la anterior, pero tampoco fue para tomársela a broma. Entre sus estrechos pasillos, encontramos la deseada estantería de Super Famicom que toda tienda retro que se precie ha de tener. Era de tamaño moderadamente grande (pero nada que ver con la del de Tokio), también guardaba en ella algunos precios mínimos de cuantos vi, y en total, una veintena de RPG, tal vez alguno más. Cada vez tenía más claro que, si uno quiere apurar hasta el límite los precios más baratos, tiene que buscar y buscar sin cesar, en todas las tiendas posibles. Siempre hay sorpresas inesperadas.

En su preciada vitrina, había juegos con precios que asustaban… pero qué gusto daba verlos en ese estado tan impoluto. Junto al Fire Emblem – Thracia 776 que menciono en la lista de precios, se encontraba un Mahou Kishi Rayearth por 16000 yenes (10000 más de lo que me costó a mí), un Dun Quest - Majin Fuuin no Densetsu por 16000 (otro tanto de lo mismo), dos Trinea por 38500, un Bakumatsu Kourinden Oni por 12000, y un flamante Eien no Filena por 71500, uno de los poquísimos que encontré.

Ver precios Top:

- Light Fantasy: 1650 yenes.
- Front Mission - Gun Hazard: 2750 yenes.
- Fire Emblem - Thracia 776: 49500 yenes, el más barato que llegué a ver.

Volvíamos a la ruta cultural (aunque recordemos que en Japón, también los videojuegos forman parte de ella), en concreto, a una excursión nocturna por el templo Daigo-ji que nos dejó prendados. Y es que uno de los grandes objetivos del viaje era regodearnos con las anonadantes estampas paisajísticas que deja el momiji. Aquí tuvimos todo lo que pudimos desear y más. Follaje multicolor de toda clase, un regalo para los ojos, puentes de piedra, estanques, el propio templo, e iluminación nocturna. Profundamente mágico.

De camino en autobús hacia aquí, nos habíamos fijado en un Book Off, en la zona de Yamashina, que anunciaba en su cartel tener mandanga retro. Aún nos daba tiempo, así que cogimos unas pocas paradas de metro de regreso hasta allí, y traspasamos sus puertas.

Book Off (Yamashina)

Lo cierto es que lo pongo por hacer un reportaje lo más completo posible, pero no mereció demasiado la pena. En una estantería elevada, descansaban varios juegos de Super Famicom, pero poco interesantes en general. No había ningún precio mínimo, pero destacaban los de un Dai Koukai Jidai II a 3200, un Rokudenashi Blues - Taiketsu! Tokio Shitennou a 2700 y dos ejemplares de Mother 2. Lo que sí me impresionó fueron los precios de las consolas antiguas y cachivaches que había. Cableados, periféricos que ni siquiera conocía, multitaps, mandos a porrillo… y puesto que me faltaba un nunchuk de Wii, me llevé uno por 110 ridículos yenes (unos 60 céntimos). A veces, rebuscar entre las cajas ‘junk’ puede resultar muy interesante.

Lunes 01 de Diciembre del 2025. Kioto.

Noveno amanecer en Japón… qué fugaz pasaba el tiempo. No tuvimos guía como tal, pero de buena mañana, nos reunimos con Misao, un japonés que nos acompañó durante gran parte del día. Misao se trabajó mucho su papel, ofreciéndonos explicaciones de cada sitio que él mismo había indagado antes, y fue una compañía fantástica, muy amable, atento, y siempre tratando de aprender y practicar su español. Uno de los recuerdos más entrañables que me llevo de Japón.

Pateamos de lo lindo, empezando por la visita al Kinkaku-ji, también conocido como el templo dorado. Sobre las 10:00 arribábamos al Ryoan-ji, cuyo jardín zen invita a la contemplación y a la meditación. La llegada al templo budista de Ninna-ji nos recordó lo extremadamente bonito que puede llegar a ser Japón bajo los colores del momiji, y de ahí, tomamos un largo tramo de autobús hasta Nanzen-ji y su portal principal, otra obra maestra del diseño y detalle. Por el Camino del Filósofo, se hizo la hora de comer y entre arbustos multicolor y conversaciones con nuestro amigo japonés, este nos llevó a un sitio en el que disfrutamos a más no poder de la gastronomía local.

La zona del Ginkaku-ji no solo es apreciable por el magnífico templo, y sus jardines zen de arena, sino también por su parte de naturaleza, una de las que más me impactó en el primer viaje. Su verdor predominante, las retorcidas formas de sus árboles, y esa moqueta de musgo infinita, me estremecen con solo recordarlas, así que imaginaos lo que sentí al estar allí. De vuelta por el Camino del Filósofo, nuestra parada final era el templo de Eikando, donde antes de entrar, nos despedimos de Misao, deseándole lo mejor. La visita en sí (nocturna, además) fue una maravilla, compitiendo en belleza con la experiencia del Daigo-ji. No había un solo paso ni rincón que no nos fascinara.

Este era nuestro último día en Kioto, y por lo tanto, eso implicaba ‘BATIDA FINAL’ entre sus tiendas. Solo tenía dos para escoger, el Mandarake y el Surugaya. Del primero, me vi muy tentado de pillarme ese Light Fantasy por solo 1650 yenes, pero finalmente, y para no abusar del escaso presupuesto que ya me quedaba, me centré en el Surugaya, de donde saqué por la puerta grande un Silva Saga II - The Legend of Light & Darkness (900), un Down The World - Mervil's Ambition (1000), un Shin Momotarou Densetsu (1500, que me hacía especial ilusión tener), y el susodicho Little Master - Niji Iro no Maseki por 2000 ridículos yenes. En total, compra de 5400 yenes… pero me faltaban 100 para llegar al derecho de tax free. La solución fue fácil. Dejé el Silva Saga II de 900 yenes y cogí otro que había por 1000 (en mejor estado). Perdí 100 yenes con esto, pero gané 400 con el descuento. Todo OK.

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Little Master - Niji Iro no Maseki: 1818 yenes.

Down the World: Mervil's Ambition: 909 yenes.

Silva Saga II: The Legend of Light and Darkness: 909 yenes.

Shin Momotarou Densetsu: 1364 yenes.

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Por cierto, esta fue la última vez (de muchas) que intenté vender unos cartuchos japoneses sueltos que tengo desde hace tiempo, y de los que me quiero deshacer. En todas las tiendas recibí la misma respuesta: debido a una normativa legal (la Kobutsushō Hō), ellos no pueden comprar videojuegos de segunda mano a nadie que no tenga un documento que acredite que es japonés y/o resida allí oficialmente. Así que, se volvieron conmigo :(. Si estáis interesados, podéis preguntarme por ellos sin problema ni compromiso, los vendo al mismo precio que me costaron hace años.

Martes 02 de Diciembre del 2025. Kioto / Osaka.

Madrugón (para variar), y antes de poner rumbo a Osaka, todavía quedaban unos cuantos puntos pendientes en Kioto. Tirando de la línea Nara, en unos 15 minutos llegamos a Tōfuku-ji, un antiquísimo templo zen del siglo XIII. Anduvimos entre sus evocadores jardines y estanques, y sus follajes nos regalaron la vista con sus intensos tonos otoñales. Visita obligatoria en estas fechas, pero no menos que la de Fushimi Inari, uno de mis lugares favoritos por su grandiosa espiritualidad, y la mayor concentración de puertas torii de todo Japón. Esta vez, lo transitamos con más profundidad aún, subiendo más alto, y desviándonos por sus caminitos, que nos condujeron hasta rincones místicos y escondidos, llenos de estatuas y altares envejecidos, en donde el tiempo parecía haberse detenido. Otra de esas estampas que no olvidaré nunca. Para comer, lo teníamos clarísimo, repitiendo en el Kamukura Porta, un pequeño restaurante dentro de la estación que te sirve unos cuencos de ramen absolutamente masivos a un precio casi absurdo.

Tres tramos nos quedaban por delante: un tren JR hasta la estación de Osaka, despidiéndonos ya de Kioto, otro hasta Imamiya, y un último hasta Namba. Allí mismo, recordamos que había un Book Off , y cómo no, nos arrimamos con las maletas a cuestas.

Book Off (Osaka)

Oferta paupérrima. Una hilera de juegos de lo más trillado, entre los que se encontraba un Kessen! Dokapon Oukoku 4 - Densetsu no Yusha Tachi. Después, una vitrina bastante lastimera albergaba un par de Soul Blazer, un Gaia Gensouki (predilección por Quintet, jeje), y un Live a Live, caros, y encima algunos incompletos. Pasando.
Proseguimos a pie hasta el cuarto y último hotel en el que nos hospedaríamos. De camino, vimos la entrada del Super Potato, y secretamente le dije: ‘te veré en un momento’. En este caso, nuestra habitación era bastante más amplia, y sin que sirva de precedente, decidimos hacer un pequeño paréntesis para descansar media horita. La verdad es que, con lo que vendría después (todo un aluvión de tiendas), me costó conciliar el sueño.

Mandarake (Osaka)

La visita fue fugaz, y no nos decepcionó porque ya nos esperábamos lo peor. Una ristra de cartuchos colganderos, y cuatro juegos mal contados de Super Famicom en estantería, que sí me detuve a mirar: un Kenyuu Densetsu Yaiba, un Zelda no Densetsu: Kamigami no Triforce por 11000 yenes, Mahou Kishi Rayearth a 10000, Brain Lord por 7500, y un Mother de Famicom a 13000 (me fliparía hacerme con uno en un futuro). Salvando esto, muy floja en general, aunque tenía más juegos completos que en febrero. Por lo visto, aquí el Mandarake ‘gordo’ es el que se encuentra en Umeda, que fue el último que visitamos en el anterior viaje.
Pero el primer Surugaya de la ciudad que estaba en nuestro planning, ¡ah, amig@s! Eso ya fue una historia muy distinta.

Surugaya (1) (Osaka)

En enseguida, la esplendorosa vitrina acristalada me atrajo como la miel a las moscas… y al fijarme de cerca, me dejó de una pieza. No sería tan ostentosa en joyas como aquella del primer Mandarake de Tokio, pero sin duda, era la más enorme y poblada que vimos en todo el viaje. Los ojos se me iban solos, y la emoción se disparaba solo de estar ante ella. Toda una orgía de RPG de Super Famicom en su interior (¡más de 80!), que debido a sus precios, solo pude degustar con la mirada. Pero ya me bastó. Algunos de los más llamativos eran Dual Orb: Seireiju Densetsu (13500, el primero y único que vi), Kuusou Kagaku Sekai Gulliver Boy (56000), Maten Densetsu - Senritsu no Ooparts (24700), 46 Okunen Monogatari - Harukanaru Eden he (36000), también el único Kero Kero Keroppi no Bouken Nikki: Nemureru Mori no Keroriinu que vi en todo el viaje, a 20000 yenes, un Trinea por 35000, Shadowrun (37600), Shiki Eiyuuden (15000), Slapstick (9300), Ihatovo Monogatari (9000), Wondrous Magic (7000), Arcus Spirits (18000), Eien no Filena (¡68000!), o Milandra (24300). A parte vi un Brandish 2: The Planet Buster, y tres Shinseiki Odysselya 2, bastante complicados de encontrar. Creo que ha quedado claro, ¿no? ¡Brutal!

Completamente patidifuso, me acerqué hasta la estantería, una enterita y muy grande solo para la consola, con una variedad suculenta, precios que merecían toda mi atención, y que junto a las de la vitrina, sumaría más de 100 piezas, casi la mitad del catálogo de RPG japoneses del sistema. Ahí es nada. Tardamos lo suyo en repasarla toda. Suerte que, después de años de darle la tabarra, mi novia ya está muy familiarizada con los nombres y carátulas, y su ayuda a la hora de valorar y anotar precios fue inestimable. Entre ellos, un buen puñado de precios Top, y repito, esto atañe a todo el viaje.

Ver precios Top:

- Dragon’s Earth: 1000 yenes (con demasiado desgaste).
- Mahoujin GuruGuru: 1000 yenes.
- 3x3 Eyes: Seima Kourinden: 1800 yenes.
- Card Master - Rimusaria no Fuuin: 1900 yenes.
- Final Fantasy USA: Mystic Quest: 2000 yenes (este es el que tendría que haber comprado…)
- Brandish: 3700 yenes.
- Tadaima Yuusha Boshuuchuu Okawari: 7300 yenes (no vi otro en todo el viaje)
- Dual Orb: Seireiju Densetsu, Arcus Spirits, Kero Kero Keroppi no Bouken, Milandra y Kuusou Kagaku Sekai Gulliver Boy a los precios ya comentados.

Super Potato (Osaka)

Las puertas de otra conocida, la Super Potato de Osaka, nos esperaban abiertas… aunque no por demasiado tiempo. Habíamos invertido mucho en el Surugaya, y faltaba media hora para que cerrara. Y no había precisamente poco material allí. Otra graaaan estantería, petadísima hasta los topes de juegos de Super Nintendo, a la que fuimos derechos. Sus precios no nos cogieron por sorpresa. Salvo algún Mandarake, es posiblemente la tienda más cara que vimos en toda nuestra estancia en el país. No vi nada excesivamente apetitoso, pero los dos que más me interesaron, fueron precisamente precios top.

Ver precios Top:

- Chou Makai Taisen! Doraboc Chan: 4268 yenes.
- Galaxy Robo: 4048, toda una rareza, muy curioso que solo lo avistásemos aquí.

La vitrina era algo escueta, pero lo que había en su interior fue capaz de dejarme con los ojos en blanco de éxtasis. Dos Fire Emblem – Thracia 776, uno de ellos en edición normal, por 107800 yenes, y preparaos, otro de ellos en la edición especial, con caja grande, peluches, cartas, y toda la parafernalia. En su etiqueta había un esquema de todo lo que contenía, y según esta, estaba en un estado prácticamente unopened (sin abrir). Su precio, la friolera de… ¡¡162800 yenes!! Me habría hecho falta dos veces y media el presupuesto total que llevaba para poder comprarla, jeje. Pero el simple hecho de contemplarla, me hizo feliz.
Para el final de la jornada nos guardamos la Toreka Park, una de esas tiendecitas (más bien mediana) sin franquicia pero con mucho encanto.

Toreka Park (Osaka)

No esperábamos encontrar una sección de Super Famicom gigante. Es obvio que no puede competir con los grandes titanes del retro en este sentido, pero el tamaño de la estantería que buscábamos era decente, con buena oferta de Super Famicom en cantidad y precio. Hasta tenía una pequeña vitrina, con una veintena de juegos, destacando un cuidado Energy Breaker entre otros. El resto de juegos no estaban en tan buen estado, pero eso también suele implicar una bajada contundente en sus precios (los japoneses son tremendamente estrictos en este aspecto). De hecho, incluso aquí encontramos precios insuperables.

Ver precios Top:

- Shin Megami Tensei If…: 3980 yenes.
- Ys IV: Mask of the Sun: 4128 yenes.
- Energy Breaker: 20800 yenes.

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Regreso... al Japón de mis Sueños (2ª parte de 4)

2025-12-19T19:11:00.006+01:00

Martes 25 de Noviembre del 2025. Tokio.

El objetivo central de aquel cuarto día completo en Tokio debería haber sido la zona de Nikko, pero después decidimos cambiarla por la de Kamakura. Finalmente, tampoco fue así, y en última instancia, llenamos el día (y de qué forma) con diversas actividades sueltas que teníamos como posibles alternativas. Desde las 8 de la mañana, empezamos por el templo Gotokuji, tras un pequeño viaje en tren. Y cómo olvidar su antiguo, místico y embriagador cementerio, lleno de verdina, en donde el silencio solo era roto por los ocasionales graznidos de los cuervos que allí habitaban. Uno de los momentos cumbre a nivel espiritual de este impagable viaje. Dimos un buen paseo entre las viejas tumbas, y otros caminos nos llevaron hasta la no menos impresionante zona de los maneki-neko. No había cientos, sino miles y miles de amuletos sagrados gatunos sobre un montón de plataformas. Fuimos al área de Nippori Fabrics, y comimos bien en una calle cercana. En mi vida había visto tantísimas tiendas de tejidos juntas. Otro templo, el Zōjō-ji (junto a la imponente torre de Tokio), nos dejó imágenes imborrables de arquitectura y belleza natural a partes iguales. Uno de los momentos álgidos del día para mí fue la visita a la Godzilla Square, como fan del cine kaiju que soy, y en particular del Rey de los Monstruos, ante cuya venerable estatua hice la obligada reverencia. A todo lo dicho, hay que añadir los entrañables adornos de luces navideñas que adornaban toda la plaza. ¿Cómo no emocionarse con esa estampa?

Nos metimos en un edificio comercial donde había un juego de búsqueda de sellos (chorradas así, hay cientos en Japón), y una vez logrados, pusimos rumbo a otro evento muy especial: el accionamiento del gigantesco reloj Ghibli, situado en la fachada de otro edificio. Todo un espectáculo digno de ver una vez en la vida, y además, conocimos allí a un catalán con quien intercambiamos impresiones. Todo salió rodado hasta ese momento, cuadrando perfectamente los horarios, y el tiempo que nos sobró, ya de vuelta en Akihabara, lo dedicamos a escudriñar un buen puñado de tiendas. De nuevo, la tensión y la ilusión se desbordaban a cada paso que daba hacia ellas.

Retro Game Camp (Tokio)

Empezamos la retahíla con otra conocida de la primera vez, la Retro Game Camp. Una tienda que me sorprendió gratamente el primer año, a pesar de sus precios más elevados que la media. Al entrar, vimos que nada había cambiado en su disposición. Consolas en el pasillo de entrada, juegos por las paredes sin dejar un solo resquicio libre, cartuchos, periféricos… Como ya sabíamos dónde estaba, fuimos bastante directos a la estantería que nos interesaba, pero no sin antes recrearnos ante su vitrina: varios Rudra no Hihou por alrededor de 20000 yenes, un Popful Mail por 19800, un Trinea por 35000, o todo un Lennus II (ojito) por 65500 me dejaron boquiabierto. Una vez frente a la sección de Super Famicom, la emoción ya fue algo menor. La estantería mostraba algunos huecos, menos ejemplares que el año pasado. Repasando en profundidad, tan solo encontré unos 15 RPG para la consola, y con precios no muy atractivos, la verdad. Aún así, también vi precios top. No nos entretuvimos demasiado. Había mucho más que ver y poco tiempo. Pero cuando ya iba derecho a la salida… mis ojos se posaron en una auténtica bestialidad, un Mother 3 Deluxe Box, que incluye el juego y una versión maqueada de la Game Boy micro. Sal de mis sueños y entra en mi mochila, me dije… pero no, imposible a 268000 yenes.

Ver precios Top:

- Rokudenashi Blues - Taiketsu! Tokio Shitennou: 1980 yenes.
- Laplace No Ma: 23800 yenes.

Surugaya (3) (Tokio)

Paseíto por el barrio, y de vuelta a otro Surugaya que teníamos anotado en el mapa. Y es que es casi imposible caminar por Akihabara y no encontrarte con alguna tienda de juegos retro. Lo dicho, el paraíso terrenal. Al principio nos extrañamos, pues a pesar de que claramente anunciaba retro, no vimos nada… hasta que bajamos al sótano. Y ahora, sí. Puede que su oferta no fuera tan tremenda como las otras del distrito, pero aun así, poca broma. Vitrina pequeña en un rincón, luciendo un golosón Gokinjo Boukentai (tercera vez que lo vi), por 46100 yenes, y estantería que repasamos a conciencia, con unos 25 RPG en total y grandes juegos. Entre ellos, vi a mi amado Ihatovo Monogatari por 7500 yenes, 800 menos de lo que me costó en febrero. Vuelta a la moraleja: si buscas, siempre es posible encontrar algo más barato… aunque a veces, las opciones son las que son.

Ver precios Top:

- Dai 4 Ji Super Robot Taisen: 1100 yenes.
- Kidou Keisatsu Patlabor: 1400 yenes.
- Alcahest: 3700 yenes (muy a tener en cuenta, este precio).
- Aretha - Aretha the Super Famicom: 4400 yenes (… y este también, el mismo que en Mandarake Galaxy de Nakano).

¿Qué tal otra tienda? Pues vamos allá, un Book Off para cerrar el día, que además, ya conocíamos del pasado viaje.

Book Off (Tokio)

En este caso, al menos, no nos decepcionamos por su escueta oferta, de hecho, fue todo lo contrario. Porque, o bien no la vimos la vez pasada, o bien desde entonces han instalado toda una estantería perpendicular a la pequeña, lo que aumentó muchísimo las opciones. Buscamos y buscamos incansables, aunque lo cierto es que al final, tampoco encontramos ninguna barbaridad, una veintena de RPG bastante típicos, y casi todo el resto, morralla pura (juegos de carreras de caballos, pachislots, pesca, trenes, mahjong… etc.). En cualquier caso, me alegré de ver esa ampliación en lo que a Super Famicom se refiere. Los precios estaban dentro de la media, nada extraordinario… y aun así, había un par muy interesantes.

Ver precios Top:

- Neugier - Umi to Kaze no Koudou: 4100 yenes (el mismo que en el Book Off + de Tokio).
- Madou Monogatari - Hanamaru Daiyouchienji: 10000 yenes.

La noche no podía dar para más… básicamente porque ya era hora de cerrarlo todo, jeje. Casi 30000 pasos dimos en esta jornada. Me gustó este último atracón de tiendas, porque el día siguiente habría paréntesis para dedicarnos en cuerpo y alma a recorrer Nikko. Como cada noche antes de acostarme, saqué mi portátil, y actualicé mi lista de precios con todo lo que habíamos visto y anotado.

Miércoles 26 de Noviembre del 2025. Nikko.

Por el hecho de ser el cumpleaños de mi chica, este ya era un día de lo más distinguido, que complementamos a lo grande con la excursión por Nikko. Nos levantamos tan temprano que tomamos el desayuno a bordo del tren, y el posterior bus nos llevó hasta el bellísimo puente Shinkyo, que junto al lienzo de tonalidades rojas que le servía de fondo, nos brindó una de las estampas más evocadoras de cuantas presenciamos. Un segundo bus nos llevó, finalmente, al mastodóntico parque de templos, santuarios y mausoleos en honor a Tokugawa Ieyasu y su familia, figura histórica imprescindible para entender la evolución del país nipón y su proceso de unificación. El templo Tōshō-gū contenía el mausoleo de la familia Tokugawa, y me descolocó del todo ver allí, dentro del templo mismo, un súper robot Gundam vestido de samurái, expuesto en una vitrina. Vamos, solo en Japón y en ningún otro sitio es posible ver algo tan inverosímil.

‘Gracias’ a un pequeño desliz, llegamos hasta los exteriores del templo Rinnoji, donde presencié un rezo budista, en vivo y en directo, que me impactó profundamente. Seguimos pateando a buen ritmo, admirando el antiquísimo santuario sintoísta de Futarasan o el mausoleo Taiyuinbyo. Una comida rapidita, y volvíamos, ahora sí, a la parte principal de Rinnoji. En Kanmangafuchi pudimos ver la no menos sobrecogedora estampa de cientos de Jizōs, estatuas guardianes de niños fallecidos. Buscando explorar más, nos adentramos por caminos en donde solo se escuchaba el crujir de las hojas bajo nuestros pies. Silencio inquietante, sin embargo, ya que estábamos en una zona con advertencia de peligro. Los osos salvajes que por allí suelen merodear en libertad, pueden representar una considerable amenaza. Ya a salvo, otro autobús nos llevó cerca de la cascada Kegon, que pudimos ver bien de cerca, así como el impresionante lago Chūzenji. Hacía un frío que pelaba, por cierto. En un segundo bus, volvimos a Nikko, y de ahí, en JR hasta Utsonomiya, donde entramos en una tienda a reventar de máquinas gashapon. El gasto estaba más que asumido, con tanta chulada alrededor, y cayó un bonito limo de Dragon Quest. Para concluir el día, antes de volver a casa, nos metimos entre pecho y espalda una buena comilona de deliciosas gyozas… por el equivalente a 7,5 miserables euros por persona. Increíble.

Jueves 27 de Noviembre del 2025. Tokio.

En nuestro viaje de febrero, se nos quedó pendiente algo que considerábamos crucial: la visita al famoso museo Ghibli. Un error que estábamos resueltos a expiar esta vez. Aunque el precio de las entradas es ridículamente bajo (1000 yenes), conseguirlas es toda una odisea, porque son limitadísimas y se evaporan en cuestión de minutos. Así pues, unas semanas antes de la señalada fecha, decidimos intentarlo por todos los medios. Con siete dispositivos distintos haciendo cola virtual simultánea, finalmente tuvimos un golpe de suerte, y nos hicimos con ellas. Decir que el museo es una auténtica pasada, es como entrar de lleno en algunas de las películas. Las decoraciones, la historia, las habitaciones temáticas, los cortos, las exhibiciones técnicas… ningún amante del universo Ghibli debería dejar de visitarlo al menos una vez en su vida. Fue algo muy entrañable.

Mandarake Galaxy

¿Y qué mejor que asimilar esas emociones… visitando unas tiendas? Pero esta vez no fue en la ciudad de Tokio, sino en Nakano. Me picaba muchísimo la curiosidad por saber cómo estaría el tema de los precios allí, aunque nuestro objetivo fuese una de las franquicias caras, concretamente, Mandarake. La tienda en cuestión, Mandarake Galaxy, se encontraba en un mastodóntico centro comercial, un auténtico laberinto enorme y lleno, a cada esquina, de miles y miles de productos que me llamaban a gritos, coches de juguete, maquetas, revistas, bandas sonoras, figuras de robots… pero nosotros, de momento, a lo nuestro, a buscar Super Famicom por un tubo. Y como cabía esperar, la selección presente allí era para caerse de culo. Sencillamente bestial. Aunque el dependiente me miraba un poco raro, empecé a ‘devorar’ con frenesí la estantería. Qué indescriptible felicidad. Más de 40 RPG, llegué a contar. No es que hubiese ninguna ganga que me dejase con la boca abierta, pero en general, los precios eran más bajos que los vistos en la capital, incluso había algunos mínimos “históricos”. De nuevo, se notó la diferencia de habernos alejado. Muchas, muchas joyas también en la vitrina, desde un glorioso Arabian Nights: Sabaku no Seirei Ou (el único que vi) hasta un Maten Densetsu - Senritsu no Ooparts, pasando por Laplace No Ma, 46 Okunen Monogatari - Harukanaru Eden he, Milandra, Trinea, Solid Runner, o uno de los poquísimos Ultima Kyoryu Teikoku - The Savage Empire que encontré. Todo, claro está, de mírame y no me toques.

Ver precios Top:

- Shin Seikoku: La Wares: 1500 yenes.
- Dokapon 3·2·1 - Arashi o Yobu Yuujou: 2500 yenes.
- Bokujou Monogatari: 2700 yenes.
- Mahoujin GuruGuru 2: 2700 yenes.
- Super Drakkhen: 3000 yenes.
- Slayers: 3850 yenes.
- Aretha - Aretha the Super Famicom: 4400 yenes.
- Bakumatsu Kourinden Oni: 10000 yenes.
- G.O.D - Mezameyo to Yobu Koe ga Kikoe: 12000 yenes.

Pero no solamente de videojuegos gozamos en aquel periplo por Nakano. Posteriormente, entramos en una tienda de figuras, y aquello fue… otro mundo. Miles, miles y miles de figuritas, de todos los mangas, animes y videojuegos que os podáis imaginar. Figuras de todos los tamaños y colores. Figuras de todos los orígenes y naturaleza. Desde las más cute a las más subiditas de tono. La tienda en cuestión se llamaba Havikoro Toy… y nunca había visto nada igual. Muñequitos de Final Fantasy, de Dragon Quest, de Ranma, de Mazinger, de Naruto, de Dragon Ball… por toneladas. Incluso había varios juguetitos de máquinas gashapon en venta directa. Centrándome en estos, mi cara se iluminó al encontrar, en una de las estanterías, varios ítems de Mother 2: un bloc de notas, unos cuantos modelos de chapas… ¡¡y el Poo que me faltaba para terminar la colección!! Temiendo no encontrar la máquina (que ya os adelanto que no vi en todo el viaje), me lancé a por él por 600 yenes. No quería gastar demasiado allí, pero en cada rincón me iba encontrando cosas a cada cual más irresistible y tentadora, sencillamente no podía parar de mirar y sorprenderme, hasta que al final, fue algo así como ‘¡Socorro! ¡Que alguien me saque de aquí!’ casi por miedo a que, en cualquier momento, viese algo que me hiciese perder la cabeza, sacar la cartera por pura obligación, y lanzarle todo el dinero que me quedaba a la cara del dependiente. ¡Pero qué maldita locura! Lástima que mi búsqueda del súper robot Astro Gungar no diese frutos.

Ya de vuelta en Akihabara, por fin, llegaría la gran conclusión de mi concienzuda pesquisa acerca de los mejores precios de Tokio, o lo que es lo mismo, la segunda gran tanda de compras, también la mayor estupidez… y por otra parte la mayor locura que llegué a cometer en todo el viaje.

Empecemos por la última, que es la más agradable. ¿Recordáis aquel Gokinjo Boukentai que vi en el segundo Surugaya, que tanto tiempo llevo deseando, y que tan razonable precio tenía? Pues bien. En ningún momento me lo llegué a sacar de la cabeza, y aquella última mañana en Tokio, nada más abrir los ojos, un firme pensamiento invadió mi mente: ‘Hazlo. Cómpralo. No sabes si podrás volver a Japón alguna vez, ni encontrarlo más barato. Y lo quieres. Mucho.’ Y llegado el momento, saltándome a la torera los límites de mi presupuesto, e ignorando cualquier razonamiento propio que me llevase la contraria… fuimos derechos a Shinjuku, entramos en la tienda, pedí que me lo abrieran para estudiarlo meticulosamente, su caja, su manual, y su cartucho… ¡¡y me hice con él!! Tal vez alguno piense que por momentos me he arrepentido de hacerlo, pero lo cierto es que ni por un segundo, y ahora que lo veo ante mí, me hace inmensamente feliz tenerlo por fin.

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Gokinjo Boukentai: 38182 yenes

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Seguidamente, habiendo valorado más de 350 precios anotados en 12 tiendas distintas, llegaba el gran momento, la gran ‘BATIDA FINAL’ de Tokio. ¿Y adivináis dónde estaban TODOS los mejores precios de lo que me interesaba? Efectivamente, en el bendito Trader. De hecho, como dato curioso, de los 83 RPG que conté en la tienda, 46 de ellos estaban al mejor precio de cuantos vería en todo el viaje. Lo de esta tienda es para darle de comer aparte. Pero a lo que vamos. Temiendo que alguien los hubiese comprado antes que yo, busqué con ansias todos los juegos escogidos, y por suerte, seguían allí. No había duda, eran los mismos precios que había anotado. Metí en la cesta un Granhistoria - Genshi Sekaiki, un Lodoss Tou Senki, un Super Chinese World (Super Ninja Boy en EEUU), un DunQuest: Majin Fuuin no Densetsu, y un Ys IV – Mask of the Sun a un precio de escándalo… o al menos… eso pensaba. Resulta que, por lo visto, a la hora de anotar el precio, me confundí con su carátula, y di por hecho, sin pararme a pensarlo, que era la cuarta entrega (aun conociendo perfectamente su dibujo)… pero cuando llegué al hotel y me puse a abrirlos todos… ¡me di cuenta de que era el tercero, que ya tenía! Y ojo, no es que yo no tenga un control absolutamente perfecto sobre lo que poseo y lo que no, simplemente, fue una ida de olla enorme y absurda por no fijarme bien, por dar por sentado las cosas… menuda decepción me llevé al caer en la cuenta. Me dije a mí mismo ‘Mierda, ¡pero cómo puedes ser tan estúpido!’… en fin. La cuestión es que ahora tengo dos Ys III: Wanderers from Ys NTSC Jap CIB en muy buen estado, así que, ya puestos, si alguno de vosotros está interesado en uno, lo vendo por exactamente lo mismo que me costó, 16 euros al cambio. Del resto, sin duda, podría decir que cada uno de ellos fue una compra maestra, a casi la mitad de precio que otros ejemplares que vi.

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Granhistoria - Genshi Sekaiki: 4780 yenes

DunQuest - Majin Fuuin no Densetsu: 6480 yenes

Lodoss Tou Senki: 5680 yenes.

Super Chinese World: 900 yenes.

Ys III: Wanderers From Ys: 2780 yenes.

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Creo que tras semejante subidón del momento, me habría sentado mal parar de golpe, así que nos trazamos un par de paradas más. La primera de ellas, simplemente para babear un rato con los precios de las vitrinas del Super Potato, que no nos dio tiempo a ver en la primera visita.

Super Potato (vitrinas) (Tokio)

De auténtico infarto, desmesurados… pero igualmente excitantes esos precios. Juegos difíciles o muy difíciles de ver, en mejor estado que el de las estanterías, y mucho más codiciados como, entre muchos otros, un señor Dark Law: Meaning of Death por 77000 respetables yenes, un Trinea, un Popful Mail, un Final Fantasy IV: Easy Type, un Hi no Ouji Yamato Takeru, otro Gokinjo Boukentai (cuatro, ya), un impecable Energy Breaker, un Fire Emblem Thracia 776 por ¡99000 yenes! Y lo más cautivador, el único Bushi Seiryuuden - Futari no Yuusha que atisbé en ambos viajes. ¡Buf! Temblando, salí de allí.

El segundo alto, antes del retiro final, fue en otra tienda Hard Off en el mismo Akihabara, que quedaba cerquita.

Hard Off (2) (Tokio)

No demasiado interesante. Los juegos estaban colgados en vertical y a lo hondo, en la parte baja de un estante, dificultando su visionado. Poca cosa en general, pocos RPG en particular, y bastante habituales. Precisamente por eso me chocó mucho ver, en la vitrina de la parte posterior, un reluciente ejemplar de Love Quest (¡¡y van tres!!) por el incomprensible precio de 77000 yenes, cuando el primero que vi estaba a 121000 en un estado similar. Llego a ser rico, y se viene conmigo. Pero por desgracia, no es el caso jeje.

Ver precios Top:

- Love Quest: 77000 yenes.

Habíamos comido a las 5 de la tarde, y esa noche no teníamos mucha hambre. Nos contentábamos con unos “fluffy pancakes” que teníamos fichados, pero de sorpresa nos encontramos, en un oscuro callejón, una pequeña taberna, 100% típica, y con unos precios y unos platos que en seguida nos abrieron el apetito. La verdad es que, a pesar de que no abundaba precisamente la limpieza, cenamos de lujo. Y poco después, ‘al sobre’.

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Regreso... al Japón de mis Sueños (1ª parte de 4)

2025-12-17T18:03:00.025+01:00

Podría parecer una simple broma. Podría sonar a sinsentido, a despropósito, o sencillamente, a delirio onírico por las incontenibles ganas de que se hiciera realidad. Cada cual podrá tener su opinión sobre ello, y es respetable. Pero la única realidad que cuenta para mí es… que ha vuelto a suceder. Como un sueño mágico cumplido por segunda vez, como un inesperado regalo de la vida que se repite, volví a Japón entre el 22 de noviembre y el 5 de diciembre, solo nueve meses tras mi primera visita. Hoy, con tan pocos días de por medio, todavía no he podido, ni de lejos, asimilar y analizar con plena conciencia todo lo que he vivido allí, pero ya sabéis hasta qué punto me enamoró la primera vez (solo tenéis que revisar el artículo que le dediqué entonces en este mismo blog) para no tener que pensármelo ni un solo minuto en cuanto surgió esta segunda propuesta. Dicha oportunidad vino en forma de un maravilloso regalo por parte de mi chica (si cabe, más fascinada por el País del Sol Naciente que yo), para quien nunca tendré suficientes palabras de agradecimiento por haberme permitido cumplir de nuevo la mayor ilusión de mi vida. Y aún a riesgo de resultar un pelmazo, me encantaría también compartirla con vosotros.

Un viaje en el que he vuelto a establecer un vínculo con aquel jovenzuelo (yo mismo), que siendo un adolescente empezó a soñar con cruzarse medio mundo para admirar las mil y una maravillas de aquellas tierras lejanas, misteriosas, y llenas de tesoros, de poder entrar en esas tiendas de cuento de hadas con las que nos ponían los dientes largos las revistas de la época, abarrotadas hasta los topes de videojuegos, figuras, manga, anime y juguetitos varios. Porque, al menos para mí, estar en Japón ha sido como volver a ser un niño a mis 43 años, pero sin el más mínimo remordimiento ni vergüenza por querer serlo. Y es que lo que para nosotros es un paraíso inimaginable e imposible de concebir aquí, para ellos es parte de una cultura tan arraigada en su sociedad como lo pueden ser sus religiones o su gastronomía, y eso lo convierte en algo todavía más exótico y ensoñador. Un mundo diametralmente distinto, en donde la fantasía forma parte de cualquier día normal y corriente, un universo de dibujos, luces, colores, animaciones… y por supuesto, videojuegos, que cómo no, van a ser el tema central de este artículo, en particular (y nuevamente), los RPGs del gran amor consolero de mi vida: Super Nintendo.

Pero antes de meternos en el ajo, me gustaría aclarar algo: aunque he trabajado mucho tomando apuntes y recolectando datos, esto no va a ser un inventario de tiendas completo de juegos retro, ni de otras consolas, ni de Super Famicom, ni siquiera de todos los RPG de dicha consola. Va a ser algo con un enfoque más concreto e intransferible, una recopilación de precios solamente de los ejemplares que faltan actualmente en mi colección. Eso no quiere decir que no vaya a dar alguna información sobre el resto, pero no pretendo hacer un reportaje completo al 100% sobre el mundillo de videojuegos retro en Japón, sino más bien, un diario personal del que también yo mismo pueda hacer uso en un futuro. Porque si en febrero fue un pasote todo lo que me traje a casa… ya os aviso que en esta ocasión se me fue, pero mucho, la cabeza a la hora de hacer mis compras, incluyendo varios juegos más bien tochetes, y hasta una de las grandes bestias del coleccionismo RPG en Super Famicom que se me puso a tiro. Y Poo (Earthbound). Y mandos. Y cómics. Y gashapones. Y… venga, venga, ¡comencemos!

Sábado 22 de Noviembre del 2025. Tokio.

Sería la 1 del mediodía cuando, tras más de quince horas de vuelo, aterrizamos por fin en el aeropuerto de Narita. Esta vez no entramos por la parte de Nintendo, pero la sensación de volver a estar allí fue igualmente indescriptible. Hicimos los preparativos, y rápidamente cogimos el Keisei Skyliner hasta la Nippori Station, pero no para ir a descansar, sino para empezar a patear como si no hubiese un mañana. Dejamos las maletas en unos coin lockers, y nos adentramos por las tradicionales calles de Yanaka Ginza con destino al santuario de Nezu, donde tuvimos nuestra primera experiencia zen entre puertas torii, hermosos jardines, y los primeros colores otoñales del momiji, que fue una de las grandes razones de ser de esta aventura. Todo resultaba fascinante alrededor, no podía dar crédito aún de que estuviese allí de cuerpo presente, a pesar de que mi salud, tras tantas horas de vuelo y poquísimas de dormir, se encontraba algo resentida. Vuelta hacia Nippori (no nos dio tiempo a ver el cementerio), y a coger un JR, que nos dejaría relativamente cerca de donde nos hospedaríamos durante nuestra estancia en Tokio, una casa de invitados. Dejamos la maleta en la habitación, y nos dirigimos hasta el mismo corazón del barrio de Akihabara (oh, sueño dorado…), que quedaba a escasos metros de allí. Todo el malestar, el cansancio, y la desorientación desaparecieron de un plumazo en cuanto atravesamos las puertas de la primera tienda.

Mandarake (Tokio)

La escogida, según ruta, fue el Mandarake que ya visitamos el año pasado. Más que una tienda, un auténtico museo de videojuegos retro. Difícilmente existe algo que no esté allí. Pero nos llevaríamos una pequeña sorpresa nada más entrar, el primer gran ejemplo de cuánto es capaz de cambiar Tokio (y Japón, en general), en tan solo unos pocos meses. La planta dedicada al retro ya ni siquiera existía, pero no porque la hubiesen eliminado, sino porque a pocos metros de allí, se alzaba otro nuevo edificio Mandarake con la preciada mercancía. Al entrar, quedé completamente atónito frente a su gigantesca estantería, con incontables juegos de Super Famicom. ¡Impresionante! ¡Interminable! Aquello, para mí, era el paraíso en la tierra. Casi formando un charco de babas en el suelo, comencé a husmear ávidamente entre sus cientos de cajas, haciendo las primeras anotaciones de precios y tanteando el terreno. Lo que ya no me vino de improvisto fueron sus elevados precios (algo habitual en esta cadena), pero desde luego, aquello era como para no volver a lavarse los ojos. Pude reprimir las ganas de comprar, pero cuando mis ojos se posaron en su vitrina… casi se me saltan las lágrimas. Allí estaban tres de los grandes titanes que ni siquiera pude ver en febrero, nada menos que un flamante Love Quest por la ‘minucia’ de 121000 yenes (unos 670 euros), un Ball Bullet Gun - Survival Game Simulation (extremadamente raro de ver), y sobre todo, mi amado e idolatrado Hourai Gakuen no Bouken!, uno de mis RPG favoritos de Super Famicom, por 88000 ‘del ala’. De no haber sido porque llevábamos algo de prisa, me habría quedado allí admirándolos hasta el infinito. Algún día…

Además, se encontraba también mi deseado Gokinjo Boukentai (56000), un Idea no Hi por 82600, un Solid Runner (48000), un Trinea a 45000 o un Kuusou Kagaku Sekai Gulliver Boy por 43900. Sin ninguna duda, una de las vitrinas más ostentosas y alucinantes que vi. Aquello, desde luego, sí que fue empezar a lo grande.

A partir de aquí, con "Precios Top" me voy a referir a los precios más bajos por juego que pude ver, no de cada tienda en sí, sino en todo el viaje, después de hacer balance y síntesis de todo lo recabado. Podéis verlos pinchando en los correspondientes desplegables.

Ver precios Top:

- Angelique: 1980 yenes.
- SD Gundam Gaiden - Knight Gundam Monogatari - Ooinaru Isan: 2580 yenes.
- Wizardry Gaiden 4 - Throb of the Demon's Heart: 3980 yenes.
- Cyber Knight II - Chikyuu Teikoku no Yabou: 4950 yenes.
- Princess Minerva: 8800 yenes.
- Bishoujo Senshi Sailor Moon: Another Story: 8800 yenes.
- Farland Story 2: 8800 yenes.
- Ys 5 - Ushinawareta Suna no Miyako Kefin: 13200 yenes.
- Shadowrun: 27600 yenes.

De paso hacia la siguiente gran tienda, nos paramos en dos más. Una de ellas estaba anexa a un Hard Off que no tenía nada de videojuegos, y se llamaba Geno QCPASS. Tampoco es que aquí hubiese mucho, un Front Mission - Gun Hazard y poquito más. La otra, era ya una ‘vieja conocida’ que no podía dejar de visitar, aquella increíble gruta de las maravillas de la que os hablé en el primer reportaje, la Beep.

Beep (Tokio)

Un verdadero santuario para los amantes de los microordenadores japoneses de 8 y 16 bits. El rincón del fondo estaba algo más ordenado que la primera vez que la visitamos, pero aun así, seguía dando esa impresión de bazar añejo, de sótano oscuro y olvidado, con muñecos, ordenadores (flipé con ese Sharp X68000, o ese FM Towns que tenían expuestos), mogollón de juegos para esos y otros sistemas como PC-98 o MSX2, posters del Xanadu o Illusion City que ni siquiera estaban a la venta, monitores, consolas como PC Engine Turbo Duo, y en una estantería no demasiado grande, un puñadito de RPG de Super Famicom con precios bastante ajustados. Volví a quedar absolutamente fascinado con ella, sin poder parar de mirar arriba y abajo para no perder detalle, y felicité al dependiente por tan fabuloso rincón.

Ver precios Top:

- Dokapon Gaiden - Honoo no Audition: 1580 yenes.
- Kessen! Dokapon Oukoku 4 - Densetsu no Yusha Tachi: 1980 yenes.
- Actraiser: 2780 yenes.
- Soul & Sword: 4180 yenes.

Surugaya (1) (Tokio)

Proseguimos hasta el primer Surugaya de nuestro itinerario, una franquicia que obviamos por completo en la zona de Tokio en nuestro anterior viaje… Y en cuanto repasamos los primeros títulos, nos dimos cuenta del error que cometimos. A parte de una vitrina muy bien surtida, había una barbaridad de juegos de Super Famicom, que fui manoseando con ahínco, regodeándome entre tanta abundancia. Entre ellos, más de una treintena de RPG. Las ansias me podían, especialmente, con algunos muy golosos que vi, pero había que refrenar los impulsos y hacer primero unas buenas anotaciones para, en nuestro último día en la ciudad, apostar solo a caballo ganador. Precios mucho más rebajados que en Mandarake, y sobre todo, Super Potato, y una selección que les tenía poco que envidiar. Parece mentira que más de 30 años tras la salida al mercado de esos juegos, haya lugares que los sigan vendiendo en tales cantidades. Obviamente… eso solo es posible en Japón. Y solo de recordarlo, se me eriza el vello. Rarezas, no demasiadas, aunque destacaría un Taikou Risshiden, a 3100 yenes, no demasiado frecuente.

Ver precios Top:

- Shin Megami Tensei II: 1500 yenes.
- Dai Koudai Jidai II: 1900 yenes.
- Majin Tensei: 2100 yenes.
- Albert Odyssey 2: Jashin no Taidou: 2900 yenes.
- Tenshi no Uta: Shiroki Tsubasa no Inori: 4400 yenes.

Tras este primer contacto con las tiendas de Tokio, y con una excitación capaz de no dejarme pegar ojo en toda la noche a pesar del cansancio extremo que acarreábamos, nos fuimos retirando a nuestra residencia, en busca de un descanso de justicia. Todos los días tocaba madrugar entre las 6 y las 7 de la mañana, y el siguiente no sería una excepción.

Domingo 23 de Noviembre del 2025. Tokio.

De buena mañana, el principal aliciente era el recorrido por el parque Yoyogi, y la visita al santuario de Meijii, uno de los lugares que repetimos. La sensación de espiritualidad que uno siente en su interior, al estar en tan distinguido lugar, y rodeado de naturaleza en pleno núcleo urbano de Tokio… no se puede explicar con palabras. Aquí disfrutamos todavía más del momiji, alfombras de hojas rojas hasta donde alcanzaba la vista en un escenario verdaderamente idílico, de los muchos en los que estaríamos. De allí pasaríamos al otro extremo, el Tokio más moderno y urbano, con grandes contrastes en el estilo de sus edificios, y tiendas de lo más ‘cool’. Cat Street, Omotesando, Takeshita Dori… no esperaba que me gustase tanto esta parte. Llevábamos (gracias al enorme trabajo de mi chica), un horario y un planning súper estricto y detallado, tanto en cuanto a lugares como tiendas. Y aun así… es inevitable que se escape algo. Así, en la zona de Shinjuku nos topamos con un enorme Surugaya, que no estaba dentro del itinerario, y que para más inri, fue uno de los pasos clave para mí de todo el viaje.

Surugaya (2) (Tokio)

Tras encontrar la estantería correspondiente… metros y metros de Super Famicom, de arriba a abajo. Me produjo un subidón tremendo, y no sabía ni por dónde empezar. Ya de primeras, vi un sinfín de RPG, pero decidí paladear el momento e ir con calma, pieza a pieza, valorando, registrando precios y descubriendo algunos de los más baratos hasta el momento. Mi auto represión consumista traspasó su límite, y de allí me llevé los primeros RPG: un The Last Battle por unos irrisorios 1900 yenes, y un Maka Maka por 4200. Este último está considerado como el peor RPG de todo el catálogo de Super Famicom… así que tenía que tenerlo a la fuerza jeje. Poquísimas veces fallé al comprar, pero el Maka Maka lo podría haber conseguido más adelante por un par de euros menos. Digo esto, para que os hagáis una idea de lo fino que hilé a la hora de calcular al céntimo, teniendo siempre a mano una lista muy preparada con precios de referencia. Echándole un vistazo a la vitrina, me iluminaron la mirada esos Idea no Hi, Aretha 2 - Ariel no Fushigi na Bouken, o Daikaijuu Monogatari II, y me explotó la cabeza ya del todo al encontrar todo un Chrono Trigger NTSC USA en muy buen estado por… ¡¡210000 yenes!! Pero el rey fue un Gokinjo Boukentai (que podéis ver en una de las imágenes) por casi 30000 yenes menos del precio al que lo encontré en febrero. ‘¿Tal vez?... ¿Quizá?... No, imposible Javi, no puedes permitírtelo’ me decía a mí mismo. Pero lo cierto es que su encantadora carátula se quedó dando vueltas en mi cabeza. Ahí lo dejo.

Ver precios Top:

- Wonder Project J - Kikai no Shounen Pino: 1300 yenes.
- The Last Battle: 1900 yenes.
- SD Gundam Gaiden 2 - Entaku no Kishi: 2400 yenes.
- Elfaria II: 2500 yenes.
- Kouryu Densetsu Villgust: Kieta Shoujo: 4000 yenes.
- Dragon Knight 4: 4200 yenes.
- Sword World SFC 2 - Inishie no Kyojin Densetsu: 6200 yenes.
- Slapstick: 8000 yenes (me estuvo haciendo ojitos, también).
- Popful Mail: 9400 yenes.
- Idea no Hi: 35000 yenes.
- Gokinjo Boukentai: 42000 yenes.

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The Last Battle: 1900 yenes

Maka Maka: 4200 yenes

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Puesto que ya no nos daba tiempo a entrar en el Shinjuku Gyoen garden, fuimos a ver el santuario de Kanda Myojin. Los japoneses no tienen ningún complejo a la hora de hacer mezclas de lo más extraño con sus elementos culturales, como en este caso, en el que a un lado veíamos un santuario sagrado, y al otro, cantidad de detalles otaku. Como nos sobraba un rato antes de comer, lo exprimimos al máximo visitando otro de los puntos estrella del día, el Super Potato, en donde la anterior vez me dejé la mitad del presupuesto.

Super Potato (Tokio)

Decir que, en esta ocasión, tras haber visitado ya dos Surugaya y el Beep, mi concepción sobre la tienda cambio sustancialmente. Los precios están descaradamente hinchados, y aunque sigue habiendo una cantidad ingente de juegos de Super Famicom (olvidaos de estúpidos vídeos mentirosos que afirman que sus estanterías están vacías), ya no me resultaron tan atractivos. Echamos un vistazo a la parte donde estaba el ‘junk’ (basura), que en las tiendas suele significar juegos muy incompletos o artefactos que no funcionan. Con temazos de Super Nintendo sonando de fondo, recorrimos el resto de la tienda con máxima atención, sobre todo en las joyas de los altillos, y nos centramos en repasar bien la sagrada estantería, acaparándola por completo y anotando precios. Una verdadera delicatesen, con parte importante del catálogo de la consola expuesto allí, aunque no todos estaban CIB. Realmente, vi poco que quisiera llevarme. Antes de abandonar Tokio, haríamos otra incursión para revisar a fondo las otras plantas del edificio y su vitrina.

Ver precios Top:

- Kyuuyaku Megami Tensei: 4598 yenes.
- Metal Max Returns 4982 yenes. (¡!)

Una buena comilona en plan buffet de yakiniku, con la que nos pusimos como cerdos (la gastronomía japonesa es uno de los grandísimos alicientes para mí), y a proseguir con la ruta de las tiendas, para visitar en este caso el Trader, una de las que más loco me volvió en nuestro anterior viaje, y en el actual.

Trader (Tokio)

Nos pasó algo similar al Mandarake, y en seguida nos dimos cuenta de que, a escasos metros, habían abierto otro Trader, pero todo el retro continuaba estando en el original. Y de verdad, yo no sé cómo demonios lo hacen para tener una oferta tan descomunal, y algunos de los precios más baratos de todo Japón, pero con diferencia, es mi tienda favorita, y no os podéis imaginar la panzada de disfrutar que me pegué allí. Si no me gasté una fortuna, fue porque teníamos más días por delante en Tokio, y solo la ‘batida final’ por Akihabara sería la conclusión definitiva. Pero ganas no me faltaban. En sus DOS gigantescas estanterías, había incluso algunos juegos que normalmente son exclusivos de vitrinas, y a unos precios de escándalo. Y nada que no fuese CIB, encima. No digo que literalmente todo sea más barato en el Trader, pero si tienes en mente comprar un juego, mejor pásate por ahí primero. La vitrina, adyacente al mostrador, tampoco se quedaba atrás, con algunas de las piezas más lujosas que vimos en todo el viaje. Fire Emblem Thracia 776 (78000 yenes), Verne World (54000), Ganpuru: Gunman’s Proof (extremadamente raro, por 59000), Dark Law: Meaning of Death (43800), Kuusou Kagaku Sekai Gulliver Boy (32800), y otro Love Quest por 118000…¡Buaaah! Se me caía la baba de verlos, aun siendo consciente de que no podré pagarlos ni en 100 años. Una auténtica salvajada. Como cabría esperar, fue la tienda donde más precios Top encontré de todo nuestro periplo, y solo voy a poner unos pocos para no eternizar la lista. Repito, la mejor tienda de videojuegos de todo Japón, sin ningún género de dudas.

Ver 13 de sus 46 precios Top:

- Super Datou Nobunaga: 400 yenes. Por ese precio, se vino conmigo de carrerilla, a pesar de la tirria que le tengo a este juego.
- Ultima VI - Itsuwari no Yogensha: 900 yenes.
- Lagoon: 1680 yenes.
- Ryuu Kihei Dan: Danzarubu: 1800 yenes.
- Burai - Hachigyoku no Yuushi Densetsu: 2580 yenes.
- Wizap! - Ankoku no Ou: 2680 yenes.
- Hokuto no Ken 5 - Tenma Ryuuseiden Ai Zetsu Shou: 3680 yenes.
- Illvanian no Shiro - Ruins of Illvanian: 3780 yenes.
- Haou Taikei Ryuu Knight - Lord of Paladin: 4300 yenes.
- Ruin Arm: 4780 yenes.
- Crystal Beans From Dungeon Explorer: 6880 yenes (este solo lo vi allí).
- Dark Kingdom: 8600 yenes (otro que solo vi allí).
- Monstania: 9600 yenes.

Y la cosa sigue, sigue, y sigue. Ya sabía de antemano que Trader se llevaría una parte importante de mi presupuesto, pero podría haber sido perfectamente todo. Para un loco incurable de Super Nintendo como yo… aquello es algo que supera holgadamente mis más salvajes fantasías oníricas.

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Super Datou Nobunaga: 400 yenes.

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Se acabaron las tiendas por hoy (que no fueron pocas, ojo), y era el momento de hacer nuestra primera actividad social. Quedamos con una mujer japonesa, llamada Mamiko, que se ofreció a darnos una vuelta por algunos lugares emblemáticos de la ciudad simplemente a cambio de practicar español, idioma que hablaba de forma bastante decente. Así, tuvimos el gustazo de ver una espectacular proyección de Gundam en mapping 3D contra un edificio, visitamos el arrebatador callejón de Omoide Yokocho, un trocito del Shinjuku Golden-Gai, y el barrio rojo de Tokio, Kabukicho, uno de los poquísimos lugares supuestamente poco seguros de la ciudad. Entre medias, fuimos hasta las puertas de los cines Toho a rendir pleitesía al gran Godzilla, que asomaba su cabeza por detrás del rascacielos. Se nos quedó pendiente, sin embargo, el santuario de Hanazono Jinja, debido un evento especial que había a aquellas horas. La cena a base de sashimi que nos dimos… para chuparse los dedos.

Lunes 24 de Noviembre del 2025. Tokio / Machida.

Nos preparábamos para vivir uno de los días más intensos en este regreso al Japón de mis sueños, con todo un aluvión de tiendas por visitar

Tras unas paradas de metro, nos esperaba un buen garbeo por calles de tiendas comerciales (todo muy auténtico), y el precioso templo budista Senso-ji, con una altísima pagoda que nos dejó helados. Nos zampamos unos mochis de fresas que supieron a gloria, y proseguimos hasta la famosa calle Kappabashi, llena de tiendas y demonios Kappa. Hicimos algunas compritas, y sin perder tiempo, llegamos a uno de los lugares más magnificentes, el parque Ueno, que en esta estación del año resultó una visión idílica, albergando el santuario sintoísta de Toshogu, y un gran lago lleno de vegetación que nos detuvimos a contemplar en todo su esplendor. La parte de Ameyoko fue vibrante a más no poder, con sus cientos de tiendecitas y puestos callejeros, un ambiente difícil de describir, donde un buen atracón de donburi nos dejó listos para empezar el tour de tiendas del día.

Hard Off (1) (Tokio)

Primera visita a la franquicia, que no pudimos hacer en nuestro anterior viaje. La diferencia con los Book Off que visitamos era notable, y en un pequeño rincón de cajas abarrotadas y juegos colgados, se encontraba bastante material de Super Famicom. Eché un buen vistazo a la docena de RPG que había, y fiché con la vista algunos de ellos. No estaban nada mal los precios… pero como digo, todavía quedaba mucho por ver.

Ver precios Top:

- Heracles no Eikou III: Kamigami no Chinmoku: 2200 yenes.

También nos estrenábamos aquí, en la calle paralela a Ameyoko, con el primer Book Off + al que entramos. Vamos a ver qué ofrecía.

Book Off + (Tokio)

En general, no demasiado a destacar, típico de la franquicia. Ejemplares muy vulgares, a precios no demasiado elevados (eso sí, sin IVA), aunque mejor surtida que los Book Off convencionales, con una decena de RPG para Super Famicom en total. No me llevó mucho tiempo tomar apuntes, y es que además, estaba impaciente por emprender rumbo a Machida.

Ver precios Top:

- Neugier - Umi to Kaze no Koudou: 4100 yenes.

Aquí, en Machida, se concentró lo mejor del día… y de qué manera. Lo primero, fue asomarnos a otro Book Off +.

Book Off + (Machida)

No había estantería como tal, pero si una vitrina cerrada, donde pude reconocer algunos RPG pese al caos que reinaba en ella. El Final Fantasy USA: Mystic Quest estaba entre mis compras imprescindibles del viaje, y aquí vi uno a precio muy goloso, entre pocos otros juegos del género. Otro destacable era el Super Chinese World 2, no demasiado habitual de encontrar, a unos 2300 yenes, y un Super Mario RPG a 2500. De nuevo, precios sin IVA. Antes de decidirme, fuimos a ‘saquear’ primero el enorme Surugaya que se encontraba a unos pasos.

Ver precios Top:

- Super Chinese World 2 - Uchuu Ichibuto Daikai: 2500 yenes.

Como podéis observar, hasta en la tienda más pequeñaja se pueden encontrar precios mínimos de cada juego, con lo que podemos extraer la conclusión de que hay que mirar a fondo, todo lo posible, hasta en el más mínimo rincón, para no dejar pasar joyas y oportunidades.

Surugaya (Machida)

El encuentro con este Surugaya fue una sorpresa masiva, y la ocasión de corroborar in situ la certeza de eso que dicen: cuanto más te alejas de los núcleos urbanos, mejores precios puedes encontrar. Y por experiencia, es algo que ya no puedo poner en duda. Debía haber más de 150 ejemplares de Super Famicom, en una estantería casi sin final, en la que invertimos casi una hora entera, repasándola a conciencia, y aquí me encontré incluso con varios juegos que solo suelen estar en vitrinas, pero a precios extraordinariamente bajos (mucho Top aquí). En las vitrinas mismas, piezas muy buscadas y en un estado excelente como Bishoujo Senshi Sailor Moon: Another Story, Daikaijuu Monogatari II (18400), G.O.D. (18670), Madou Monogatari (18200) o Traverse (14670). Necesitaba salir a la calle a tomar el fresco. Estaba tan híper excitado que se me nublaba la mente. Dejé reposar unos instantes todo lo visto, y deliberé concienzudamente. Machida era un lugar al que ya no regresaríamos, y había muchas joyas (demasiadas) que no podía dejar escapar, aunque me gastase una pasta.

Ver precios Top:

- Sword World SFC: 900 yenes. (¡adquirido!)
- Dai 3 Ji Super Robot Taisen: 1570 yenes.
- Sansara Naga 2: 1634 yenes. (¡adquirido!)
- Super Mario RPG: 2060 yenes. (¡adquirido!)
- Gaia Saver - Hero Saidai no Sakusen: 2510 yenes (quise llevármelo, pero estaba demasiado hecho polvo)
- Might and Magic - Book 2: 3980 yenes.
- Super Dai Koukai Jidai: 5300 yenes.
- Mahou Kishi Rayearth: 6500 yenes. (¡adquirido!)
- Ranma 1/2: Akanekodan Teki Hihou: 6600 yenes (me dio mucha rabia tener que dejarlo allí…)
- Estpolis Denki: 6700 yenes. (¡adquirido!)
- Verne World: 42600 yenes.

Pero antes de extraer una conclusión, regresamos al anterior Book Off +, donde me agencié ese Final Fantasy USA: Mystic Quest por 2750 yenes, IVA incluido. Aquí patiné un poco, ya que posteriormente, lo vería por 2000 en el Surugaya de Osaka (unos 4 euros menos). ¡No todo sale siempre perfecto!

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Final Fantasy USA: Mystic Quest: 2750 yenes.

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Y ahora sí que sí, llegaba la primera gran compra en Japón. De vuelta al Surugaya, hicimos ‘la cosecha’, y con la cesta hasta arriba de juegos, fuimos a pagar. La pobre dependienta, que no hablaba una sola palabra de inglés, se armó un buen lío con los precios y el tax free, pero tras un buen rato, todo acabó cuadrando.

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Mahou Kishi Rayearth: 5909 yenes.

Estpolis Denki: 6091 yenes.

Super Mario RPG: 1873 yenes.

Sansara Naga 2: 1485 yenes.

Sword World SFC: 818 yenes.

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Nunca tengo suficiente de tiendas, y eso es un hecho. Estaba viviendo un sueño en carne y hueso, y pensaba aprovechar cada minuto en ellas, cada ocasión que se me brindase de cruzar sus puertas y encontrar material de Super Famicom, tocar sus cajas, oler ese cartón, admirar sus carátulas… y como todavía nos sobraba algo de tiempo, fuimos a hacer otra paradita a un Book Off Super Bazar, primero y único en el que entraríamos.

Book Off Super Bazar (Machida)

Vaya vaya, aun siendo un Book Off, esto ya era otra cosa distinta. La exposición de Super Famicom era algo más jugosa que de costumbre, y los precios, muy a tener en cuenta. Ninguno se vino conmigo porque no vi nada realmente extraordinario, salvo quizá ese Brain Lord por 3600 yenes, pero mereció mucho la pena entrar y pasar un gran rato allí, ‘ojeando’ juegos, y encontrar una quincena de suculentos RPG, entre muchos juegos ‘morralleros’ y cantidad de cartuchada suelta, pero lo más selecto y bien conservado, como siempre, estaba en la vitrina de turno. Un Mother 2 por 5200 yenes, un Traverse a 18000, un Slayers a 8800, el Alcahest por 9000 o un impecable Shinseiki Odysselya por 7200. Lo que más llamó mi atención, fue un Final Fantasy IV: Easy Type, por 16000 yenes. Qué difícil de encontrar (y qué caro) es el condenado.

Ver precios Top:

- RPG Tsukuru 2: 2000 yenes.
- Fire Emblem - Monshou no Nazo: 2300 yenes.
- Brain Lord: 3600 yenes.

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Torneko no Daibouken - Fushigi no Dungeon (Super Famicom, Roguelike)

2025-10-22T19:51:00.001+02:00

La ocasión la pintan calva, que decían los romanos. Usualmente, cuando busco el próximo RPG al que dedicar los siguientes días (o meses), tengo en cuenta factores como estado emocional del momento, apetencias de género, búsqueda de variedad… No obstante, esta vez la decisión ha sido un paso de lo más natural, tras mi reciente, maravillosa e inolvidable experiencia con Dragon Warrior IV, aun a pesar de lo poco tiene que ver en el plano jugable con el título que nos ocupa. Al mismo tiempo, ha sido una oportunidad perfecta para ampliar la presencia del universo Dragon Quest en estas páginas más allá de la serie principal, como ya hice trece años atrás con el mediocre Dragon Quest Swords para Wii, y por qué no decirlo, para darle cancha a un juego al que le tenía el ojo puesto desde que, allá por el 2004, apareció el parche inglés. De hecho, como curiosidad, y en mi santa ignorancia de entonces, pasé algún tiempo creyendo que este Torneko no Daibouken – Fushigi no Dungeon era la verdadera cuarta entrega en lugar de un spin-off directo, un roguelike que encierra horas y horas de diversión, exploración y tensión a partes iguales, con la simplicidad por bandera, pero una dificultad para tomársela muy en serio.

Y es en esa continuidad, reflejada con especial cuidado en su introducción, donde he visto el aliciente definitivo para lanzarme a por él. Torneko (Taloon en USA) fue un protagonista muy distinguido de Dragon Warrior IV, empezando por el hecho de que su objetivo primordial no era derrotar al terrible Necrosaro, ni rescatar a ningún personaje, sino llegar a tener su propia tienda y abrir rutas comerciales para convertirse en el mercader más grande de todos los tiempos. Su historia y mecánicas en el juego principal tenían particularidades únicas, como ejercer de vendedor en una tienda, sus tronchantes artimañas en combate, o toparse con otros comerciantes por el camino, lo que le valió convertirse en uno de los personajes más queridos y carismáticos de la serie. No es extraño, pues, que Enix le dedicase un título propio tres años más tarde. Por lógica, diría que el arranque de la aventura se sitúa tras abrir su comercio en el reino de Endor, aunque algunas teorías lo emplazan después de la derrota de Necrosaro (ninguna de las dos está confirmada). Así que, más bien, podríamos tildar esta aventura como un ‘if’, es decir, una ruta alternativa, más que una continuación. Sea como sea, la ambición de nuestro amigo va más allá de quedarse en una simple tiendecita de pueblo, y sus ansias de aventura le llevan, tras hacerse eco de unos rumores, a descubrir uno de los mayores mitos de la región: el imponente Laberinto Misterioso, una inmensa y peligrosa cueva donde, según se cuenta, existe un sinfín de riquezas y tesoros que le vendrían como anillo al dedo para iniciar su emporio comercial. El grueso de la odisea, por tanto, transcurre entre los retorcidos pasadizos de un casi infinito laberinto, pero también los momentos de relax y conversación tienen su importancia en el pueblo, donde conoceremos a personajes de lo más dispar. Desde integrantes de la realeza de incógnito a un rival envidioso, pasando por algún que otro chiflado, sabios, o simples lugareños que nos ofrecerán buenos consejos para facilitarnos la tarea, con textos que cambian por completo en forma de pistas o cotilleos al ir cumpliendo objetivos, y no pocas pinceladas de humor japonés. Las estaciones del año pasan, la vida transcurre, algunos llegan, otros siguen su camino, y al final, es ese sentido de integración de comunidad, y sobre todo, esa representación de calidez hogareña tan adorable, y ese mensaje de amor a la familia, lo que le pone el puntito de emotividad al juego. La gran simpatía, y la inexorable vocación aventurera que nos contagia el protagonista, quedan al final como algunas de las notas más destacables en el tono de la historia, aunque en última instancia, esta queda como algo muy secundario y casi anecdótico en este RPG.

A pesar de que, obviamente, todos los sprites, entornos y diseños fueron renovados y/o dotados de un lavado de cara a la altura de las posibilidades de Super Nintendo, las imágenes de la introducción reproducen escenas literales de Dragon Warrior IV, empleando motor y gráficos de la obra original, sin filtros ni modificaciones, algo que me cautivó inmediatamente, y que ya de primeras, establece un sólido vinculo narrativo y espiritual entre ambos RPG. Igual que sucede en el apartado jugable, a nivel visual existe una muy marcada distinción entre el entorno mazmorrero y rural. Seguramente de forma intencionada, el gran contraste en la paleta de colores entre el Mystery Dungeon y la aldea, persigue crear sensaciones muy opuestas: por una parte, la oscuridad y opresión de los interminables pasillos subterráneos, y por otra, la seguridad y optimismo que transpiran las decoraciones de las casas y sus interiores, vestidos con tonalidades muy vivas, algo planas y simples, pero atractivas y agradables a la vista, y cada vez que se produzca el cambio de estación, disfrutaremos de un nuevo colorido en el follaje del gran árbol, o en los exteriores de la cueva. Una lástima que esto no se extienda a más elementos. Algo común a ambas partes es el más que aceptable tamaño de los personajes, con sprites limpios y ciertamente detallados, luciendo con claridad ese toque tan identificativo con el que el genio Akira Toriyama impregnaba sus dibujos, tanto los NPC como el bestiario, extraído de Dragon Quest IV y V. Las animaciones, vistosas y simpáticas, están por encima de la media en su género y sistema, sobresaliendo en los combates y en las divertidas acciones de Torneko, como zamparse un bocata, hacer uso de magias, o leer pergaminos. Lo más estimulante, de lejos, es observar el progreso en las instalaciones, tanto en la casa familiar de Torneko, como en su tienda, enorme y con cientos de objetos expuestos (aquí, Nene se revela como la verdadera empresaria del grupo 😤), y siempre que lleguemos a un objetivo económico, nos aguardará una buena sorpresa. Afortunadamente, para paliar el aburrimiento que supondría visitar los mismos decorados una y otra vez en el laberinto, cada cierto número de plantas hay cambio muy notorio en estos. Algunos son un tanto impersonales, mientras que otros son realmente bonitos, con detalles como suelos de madera, yacimientos fósiles, o pinturas rupestres, y sin duda el último escenario, con sus animaciones, reflejos y filtraciones de agua, está a otro nivel de preciosismo. Algún efecto de Ghost Layering le habría venido genial a su lúgubre ambientación, pero se compensa con otros agradecidos detalles, como la recurrente inclusión de nuevos enemigos y la susodicha variación de escenarios (al menos, hasta el nivel 27), o la representación gráfica de los distintos equipamientos.

Contrariamente a lo que sucede con los gráficos de la introducción, el tema principal de Torneko, aun siendo el mismo que en Dragon Warrior IV compositivamente hablando, sí recibió unos cuantos adornos sonoros, gracias a esas maravillosas orquestaciones que el prodigioso chip sonoro de Super Nintendo era capaz de crear, y que seguirán presentes en prácticamente todos los cortes de este RPG. Lo que más sorprende, particularmente en la parte del laberinto, es lo bien acompañado que va nuestro progreso por cada uno de sus temas. Si los cambios de diseño y coloración en el terreno visual dan un soplo de aire fresco, también lo hacen las piezas musicales con la misma frecuencia, pero en este caso, empleando unas pautas de transición aún más coherentes. En realidad, hay solo unos pocos esquemas base, por decirlo de algún modo, pero cada uno de ellos se aprovecha para crear diversas variaciones, quitando y añadiendo instrumentos, reajustando el tono, y cambiando escalas en todo un ejercicio de creatividad. Partiendo del tema central del protagonista, cada dos o tres plantas se va produciendo un cambio muy bien graduado en el nivel de intensidad y ritmo de los cortes, amparando en todo momento esa sensación de misterio y aislamiento, y van desde aquellos más cantarines y optimistas de los primeros niveles, hasta los más agobiantes y descorazonadores en los más avanzados, como si la soledad se fuese apoderando poco a poco de nuestro héroe. Desde un reggae casi playero, hasta un deprimente réquiem, pasando por partes ‘groovy’ con bajos muy resaltados, algún aire de tango, un puntito blues por allá… y tratándose del gran Koichi Sugiyama, tampoco echaremos de menos esos retazos de clasicismo barroco tan irresistibles. Temas ambientales en general, sí, pero ya os digo que más de uno acabaréis tarareándolo casi sin daros cuenta. Ese original método de preservar parte de la estructura, pero ir modificando sonoridad y cadencia, me ha traído al recuerdo a célebres plataformas de Nintendo 64 como Banjo Kazooie o Donkey Kong 64. Solo al encontrar nidos de monstruos la música dará un salto radical a registros más tensos y llenos de peligro, que cesarán cuando alcancemos el siguiente piso. En el pueblo, el elenco es menos completo, pero de la calidad compositiva que se espera de tan legendario autor, patente en ese lounge jazz que suena en el bar, o en la suave melodía que acompaña nuestro deambular por los caminos, y si habéis conseguido la caja de música, podréis convertir su dulce y reconstituyente canción en la banda sonora principal. De la saga madre rescata también gran número de fanfarrias, como la nana, o la de subir de nivel, y los sonidos FX, en general, son personales y variados, existiendo uno por cada ítem, tipo de espada, o acción de Torneko, lo cual, es mucho decir.

Antes de jugar, debemos tener claro que aquí se cumplen a rajatabla las normas de un roguelike. La creación del laberinto es totalmente aleatoria, al igual que la posición de los enemigos y el tipo de ítems. Siempre que volvamos a entrar, nuestro nivel volverá a uno, convirtiendo cada recorrido en una distinta, frenética y arriesgada carrera de resistencia, con una dificultad muy a la vieja usanza que implica toneladas de paciencia. Si morimos, perderemos todo lo ganado, aunque con excepciones: podremos conservar el dinero si hallamos la caja fuerte, y usando el pergamino Outside escaparemos limpiamente con los objetos. Como adivinaréis, la suerte juega un papel absolutamente crucial. Si nos es propicia, resultará una aventura difícil de narices, y si no, directamente una pesadilla imposible. En el mejor de los casos, y haciendo un meticuloso acopio y uso de bastones, flechas, hierbas, manuscritos y espadas en nuestro limitado inventario, podremos avanzar con éxito en el laberinto, pero no se puede (ni se debe) tratar de terminarlo del tirón y a la primera. De entrada, porque es prácticamente imposible, y además, una pérdida de tiempo, ya que hay que ir cumpliendo con objetivos monetarios por tramos para ir expandiendo nues-tra tienda y hogar, y ello obliga a iniciar múltiples recorridos desde cero. Por suerte, con el tiempo se nos concederán privilegios como disponer de unos pocos objetos para la próxima aventura, consiguiendo así una pequeña ventaja extra. Cada descenso aumenta la dureza de los enemigos, y lo suyo es ganar toda la experiencia posible, pero no creáis que se nos va a servir en bandeja: el tiempo en cada planta es limitado, y sobre todo, la resistencia al hambre de nuestro panzón héroe, que morirá sin remedio si no tiene a mano un pedazo de pan, un bien que puede ser muy escaso. Tampoco hay que descuidar a los enemigos, entre ellos, auténticas ‘perlas’ que teletransportan, roban dinero, objetos o confunden, mimics tramposos, impostores disfrazados que nos harán malgastar recursos, seres invisibles, y los más canallas, que quitan nivel de experiencia y de HP de forma permanente. A la hora de empuñar el mando, todo es acción pura, menús sencillos y control fluido, y los combates son por turnos, pero sin cambio de pantalla. Ser eficiente con el cambio de orientación y las diagonales nos puede salvar la vida, teniendo en cuenta que cada movimiento quita tiempo y resistencia, y siempre irá acompañado por otro simultáneo de los monstruos. También podemos emplear procesos como movernos de forma instantánea, o recuperar vida, pero hacerlo a lo loco supondrá ataques sorpresa y caídas en trampas, como agujeros a plantas inferiores que pueden condenar la partida. Tras el ending, podemos jugar una especie de Game +, con una dificultad tal, que no recomendaría ni al peor de mis enemigos.

Los diseños de Akira Toriyama, la cálida música de Koichi Sugiyama, el acabado de Koichi Nakamura… todo, salvo su mecánica, nos hará sentir en el universo de Dragon Quest. Torneko no Daibouken tuvo más importancia histórica de lo que se entrevé. A parte de ser el primer spin-off de la saga principal, su origen dio nacimiento, a su vez, a dos líneas que han prosperado a través de múltiples capítulos, como son los juegos protagonizados por Torneko, y la serie Fushigi no Dungeon, cuya segunda parte también salió en Super Famicom. Torneko no Daibouken ha sido una de las experiencias más implacables y desafiantes que he vivido en este 2025, un roguelike de los que no perdonan ni una, pero al mismo tiempo, con notables cualidades que se desprenden de haber sido tratado como uno más de la serie en cuanto a desarrollo. Si decides adentrarte en su frío, oscuro, y aterrador laberinto de 99 pisos… que la suerte esté contigo, porque la vas a necesitar más que nunca.

- Lo que más me gusta: Las animaciones de las bestias, de Torneko, y nuestro control sobre este. La enorme cantidad de ítems. Rejugabilidad casi infinita. La evolución de la tienda. El ambiente familiar.

- Lo que menos me gusta: Pese a los atenuantes, su mecánica acaba resultando monótona. Los enemigos que roban status de forma permanente son una auténtica criminalidad. Llega a ser inhumanamente difícil.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Aunque siempre prefiero deleitarme primero con las versiones in-game de los temas de cada RPG, esta vez recomiendo también la escucha de 'Suite Torneko no Daibouken ~Musical Chemistry~', un compacto que contiene registrados algunas de las mejores canciones de la banda sonora del juego, mezclando partes con la sonoridad casi original, con otras bien engalanadas de pompa e instrumentos reales que son toda una exquisitez. Tal vez no esté exactamente a la altura, en número y calidad, de los títulos principales de la saga, pero es un conjunto que merece mucho la pena escuchar.

Torneko's Theme. Ya que quedó pendiente en la selección de Dragon Warrior IV, incluyo ahora el tema principal del mejor comerciante de todos los tiempos, nuestro héroe Torneko. Un corte que se presenta con la serenidad que aporta esa mezcla de violines luminosos y vientos graves, formando una pegadiza, amable y carismática melodía, para entrar de lleno en el clasicismo al llegar al medio minuto, siendo ahí especialmente reconocible el personal y elegante estilo de Sugiyama. Su simpatía refleja el carácter optimista del personaje, pero también la épica de su gran aventura.

Return Home. La calidez del hogar y la familia esperan a Torneko cada vez que regresa de una de sus tantas incursiones en el Laberinto Misterioso, y qué mejor que esta suave y adorable melodía para representar dichos momentos en el juego. Sin duda, es la pieza más melódica que vamos a escuchar, y también la más larga obviando la del ending. En ella intervienen armoniosos vientos, violines, arpas y esporádicos bajos, y algún simpático trino, cambiando alturas pero manteniendo esquema y cadencia. Otra en la que reconoceríamos la autoría de Sugiyama entre un millón.

Muddy Tunnels. Al ir descendiendo entre las húmedas y sombrías plantas del gran laberinto, la música va cogiendo matices en sintonía, volviéndose cada vez más enigmática e inquietante. El conjunto de instrumentos va cambiando conforme se suceden las variaciones, ganando poco a poco terreno aquellos más graves. Esta es la quinta que escuchamos, a partir del nivel 10. Su melodía evoluciona de la anterior, pero esta vez protagonizada por el acordeón, un instrumento que siempre me encanta escuchar en un RPG, y que le aporta una sonoridad muy exclusiva a su estilo barroco.

Desolate Ice Layer. Llegamos al nivel 19, y a lo largo de unos cuantos más, se presenta esta composición con un cambio muy patente, con algunos retazos de su predecesora (como es habitual), pero reforzando más que nunca ese sentimiento de tristeza y profunda soledad en sus notas. Aquí mandan unos coros muy misteriosos y plagados de suspense que se extienden en todo el tema, alumbrados sutilmente por acordes de piano que traen gran musicalidad, y algún bajo de apoyo que en conjunto forman otra estupenda melodía, de hecho, una de mis favoritas por su tono y expresividad.

Crystal Springs. En el nivel 27, cada paso puede suponer el fin de la aventura. La amargura en lo musical se hace más patente que nunca, y será ya nuestro acompañamiento hasta el final del laberinto. Me encanta cómo conecta esta canción con los decorados, ese ambiente húmedo, tenue y cavernoso, donde las orquestaciones brillan más que nunca, y la progresión melódica alcanza tintes de verdadero réquiem, apagada, decadente, muy sentida, enormemente trágica y siempre empleando tonos menores. No hay ni un solo rayo de positividad que atraviese su densa capa de tristeza.

Music of Happiness. Casi a modo de bonus track, os dejo aquí esa maravillosa y sutil melodía que emana de la caja de música al abrirla. Puede que sea corta y plana en sonoridad, pero sus compases de vals, y su espíritu de dulce nana alegran el corazón, trayendo armonía y felicidad a todos los habitantes del pueblo. Me encanta el detalle de las notas que salen al abrir la tapa por primera vez, Es, en realidad, la parte con la que abre el tema del ending, muchísimo más desarrollado e instrumentado, que pasa de los 7 minutos (es fantástico, de verdad, no dejéis de escucharlo).

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EJEMPLAR DE MI COLECCIÓN

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Torneko no Daibouken - Fushigi no Dungeon (NTSC Jap)

Espero que os guste esta pieza que aquí os presento, un Torneko no Daibouken - Fushigi no Dungeon CIB. Sobra decir NTSC Jap, ya que solamente salió en aquella región. No es una de las más relevantes de mi colección, pero sorprende más de lo que uno pueda pensar. Su manual es uno de los más trabajados, coloridos y divertidos con los que me he topado, pura esencia Dragon Quest en sus dibujos y su tono. También la caja está llena de motivos que hacen honor a su dibujante, Akira Toriyama. Este ejemplar que poseo está muy cuidado. El hecho de predominar el color blanco hace que se aprecie todavía más la limpieza de su superficie, con tan solo una pequeñísima mancha en la parte superior izquierda de la carátula, y otras minúsculas en cada lateral, prácticamente inapreciables. Además, conseguí eliminar por completo el adhesivo del código de barras que llevaba pegado en la parte trasera, quedando completamente intacta.

Dentro del insert de plástico transparente, que está en buena forma salvo un par de pequeñas roturas en dos de sus esquinas inferiores, se aloja el cartucho, que no conserva su gris original. El plástico está algo oscurecido, algo que se ve sobre todo en la parte trasera, en la de los relieves. Delante, solo tiene una mancha horizontal de roce, al trasluz, también se observa alguna más grande en el adhesivo frontal, pero su aspecto a primera vista es bueno, tanto como el del trasero. Con conectores muy limpios, el juego arranca perfectamente.

Los principales defectos del manual se hallan en su portada y contraportada, en forma de roces blancos tirando hacia la parte del lomo, de arriba a abajo. También tiene múltiples arrugas que se pueden ver de cerca, pero debido a su color gris, se disimulan bastante. Las esquinas se mantienen más o menos normales, un pelín dobladas en algún caso, pero no tiene ningún desgarro ni roto, y conforme se van pasando páginas, esas arrugas van desapareciendo, llegando a parecer que apenas se ha abierto. Todos y cada uno de sus dibujos se ven impecables, que es lo más importante.

Para terminar con la descripción, en el pack venían también, por suerte (aunque no creo que sean parte fundamental, siempre son un jocoso añadido), la tarjeta original de la encuesta de satisfacción a los compradores, y el clásico papel verde de instrucciones de conexión de los juegos japoneses. Siendo un juego que no llevaba ni mapa, ni ningún otro extra, me siento muy satisfecho de tenerlo en este estado tan completo y bien preservado.

P.D. De ahora en adelante, y siempre que me sea posible, escanearé las partes de cada ejemplar en lugar de subir fotos, para una mayor calidad.

Fecha de adquisición: Último cuarto del 2017.
Precio: 12.-€

Dragon Warrior IV (NES, J-RPG)

2025-10-05T16:59:00.003+02:00

En pleno 1990, con una NES muy madura, y la cuarta entrega haciendo su rimbombante aparición en Japón, no quedaban dudas sobre la grandeza e importancia que Dragon Quest representaba ya en la historia del JRPG. Si Final Fantasy IV acabó dando por los pelos el salto hacia la prodigiosa Super Nintendo, el universo de Yujii Hori continuó expandiéndose en la pequeña de Nintendo. Con una claridad de ideas palpable y un sentido de la evolución en perfecta armonía, Dragon Warrior IV trajo consigo una notable renovación en muchos conceptos, pero al mismo tiempo, mantuvo intacto el espíritu y esencia de la leyenda que lo inició todo en 1986. Y esa es, precisamente, una de las cualidades que para mí siempre elevaron a la saga de Enix por encima de la de Square: su autenticidad consigo misma, su maravilloso y perpetuo clasicismo. Dragon Warrior IV se escribe con nombre, apellido y letras de oro gracias a una calidad y envergadura absolutamente monumentales en todos los aspectos que, si queréis, podemos convertir a cifras: 60 emplazamientos, alrededor de 180 enemigos, más de 15 personajes principales, 30 composiciones y, agarraos fuerte, 95 horas en mi partida, una auténtica salvajada para un JRPG de 8 bits.

El tercer capítulo completaba la saga de Erdrick, y Dragon Warrior IV abría la senda de la trilogía Zenithia, sin abandonar en ningún momento sus sello de fantasía épica y esencia clásica, pero introduciendo esquemas y puntos de vista fascinantes, atacando desde frentes muy poco habituales en los JRPG de su época. La trama, en realidad, se cimenta en premisas básicas. En tiempos antiguos, un demonio conocido como Esturk realizó un asombroso descubrimiento por medio de la alquimia, que bautizó como el ‘Secreto de la Evolución’. Este método le permitió alcanzar formas y poderes grotescos, que transgredían las leyes de la naturaleza. Temiendo que dicha evolución pudiese ser el origen de un apocalipsis, los zenithianos, que vigilaban el mundo desde las alturas, lograron confinarlo en lo más insondable de la tierra tras una cruda batalla. El juego nos sitúa mil años después de esos acontecimientos, en una historia que posee un ritmo arrebatador, con picos de intensidad y sucesos clave muy bien posicionados, pero no será hasta bien avanzada esta cuando conoceremos su verdadera profundidad. El tratamiento y representación de las emociones humanas, ya perceptibles en Dragon Warrior III, cobran aquí una importancia crucial. La fina línea entre el odio y el amor, ese brutal choque de sentimientos que hace enloquecer al principal antagonista, se plasmó con tal fuerza, que algunos momentos son capaces de poner la piel de gallina, y casi justifican sus atroces actos. Entretanto, historias de amistad, traición y venganza no dejan de alimentar el interés por averiguar más. Y sin embargo, aunque lo dicho resulte harto interesante, no reside ahí la gran proeza de Dragon Warrior IV, sino en la exquisita construcción de sus personajes. Normalmente, en JRPGs de 8 bits, los acompañantes del héroe suelen ser tan solo un conjunto de píxeles, con sus atributos, con diferente aspecto, pero sin apenas trasfondo, personalidad, o motivaciones. Pero en esta colosal odisea, esa definición de cada protagonista fue matizada hasta el punto de ocupar todo un capítulo entero, de los cinco que la conforman, incluyendo cruces entre ellos y conexiones de acontecimientos que otorgan una gran cohesión al argumento. Esto, amig@s, es pura y maravillosa narrativa, con mayúsculas, y en su conjunto final, da lugar a una de las mejores historias jamás contadas en la Nintendo. Podría entrar en más detalles, como los hechos que llevan a descubrir el sepulcro maldito (absolutamente BRILLANTES), el enigma de las desapariciones, las profecías, la tragedia de los enamorados… pero la capacidad para sorprender y cautivar de esta aventura no tiene límites, y os animo encarecidamente a que la desgranéis por vosotros mismos.

En sus andanzas de 8 bits, la serie mostró un ascenso muy gradual en cuanto a gráficos, y pudiera parecer que en cinco años apenas hubo cambios relevantes. Pero nada más lejos de la realidad, porque es al comparar el primer capítulo con este último cuando encontramos un océano de evolución. Dragon Warrior III ya empujó considerablemente las capacidades de NES en este apartado, pero manteniendo intencionadamente su personalidad, y esta cuarta entrega supuso un paso más en la misma dirección. En ese triple scroll de nubes de la pantalla de título, se percibe ya un esfuerzo en pos del virtuosismo gráfico, y una vez inmersos en la aventura, la magnitud y variedad son algunas de sus principales fortalezas. Siguiendo los pasos de su antecesor, la constitución de las mazmorras se aleja por completo de aquellos laberintos monocromáticos y repetitivos de sus orígenes, y nos estimulan la vista con patrones mucho más trabajados, vivos y minuciosos, amén de distintas formas, colores, y decoraciones que denotan voluntad por evitar repetición. Por supuesto, siguen siendo lugares sombríos y tortuosos en forma, pero se refrescan continuamente en aspecto, tanto como sus motivos y elementos, ya sea en el interior de un coloso viviente, el mitológico Árbol del Mundo, entramados semi-acuáticos, una preciosa gruta de cascadas animadas… y en su recta final (sin duda, mi lugar favorito), nos dejará boquiabiertos con esas majestuosas y sombrías catacumbas de pura maldad, de una belleza, atmósfera y profundidad pocas veces vista en un JRPG de NES. Pero no queda ahí la cosa. Los pueblos, de muy diversa condición, están completamente revestidos de un colorido lustroso, y una gran cantidad de ornamentos y espacios como jardines, fuentes, paseos de losas, ranchos o motivos en fachadas como las de los grandilocuentes palacios, cuyo diseño de interiores también hay que valorar. Con todo esto, cada lugar, incluidas las superficies del mapa general, se ven llenos, aprovechados, y vibrantes, con una búsqueda inteligente del contraste gracias al uso intensivo de la paleta de la consola. La vista aérea del coliseo, con cientos de sprites animados, es una de las escenas más espectaculares que veremos, y en sus enemigos exclusivos, salta a la vista el gusto por la originalidad. En este campo, la cantidad de monstruos es abrumadora, y especialmente en los de tipo esqueleto o dinosaurio, dragones y demonios, se aprecia el excelso trabajo del sagrado e inmortal Akira Toriyama, pieza clave en la historia de la saga. Por su parte, tanto los protagonistas como los NPC gozan de diseños más elaborados, aunque por debajo de lo que mostró Final Fantasy III. Y para terminar… las noches. Esas noches que, con una suave transición a tonos fríos y tenues, lo envuelve todo en un halo de misticismo, secreta calma, y magia embriagadora.

No demasiados compositores en la historia de los videojuegos han llegado a perfeccionar y definir su fórmula hasta el punto de conseguir que cualquiera de sus obras sean perfectamente reconocibles con escucharlas tan solo unos pocos minutos. Koichi Sugiyama, sin duda, fue maestro en eso, y para la banda sonora de este Dragon Warrior IV, su inmenso talento volvía a deleitarnos con toda una acuarela de tonalidades y estilos. La calidad musical siempre fue uno de los pilares más fuertes de la saga, y en este caso, la partición en capítulos del juego supuso una excusa perfecta para Sugiyama a la hora de ampliar los horizontes de la cantidad y variedad, aunque siempre manteniendo bien delimitados sus márgenes de estilo propio. Así, cada uno de los protagonistas goza de su propio tema central. Algunos más divertidos, otros más épicos o exóticos, pero todos ellos rebosantes de carisma, reflejan perfectamente el carácter de los personajes, y convertirán nuestras largas travesías por el mapa general en un auténtico placer, sin poder dejar de cantarlas. Claro está, también se presenta con esa clásica Overture, una pieza que por sí misma podría definir musicalmente todo un género, pero más trabajada, pomposa, y mejor sonorizada que nunca. Comulgando al dedillo con la esencia fantástica y misteriosa del juego, cada tema está impregnado de esa estela única que te hace experimentar cada momento de la forma más intensa posible, a veces ensoñadora y dulzona, otras con sabor a tragedia y melancolía, pero en la mayoría de casos, poseen un aura que las hace extraña y reconfortantemente relajantes. Recursos como transiciones entre tonos menores y mayores, cambios bruscos de intensidad, choques de escalas encontradas, un inconfundible sabor clásico / barroco, o estructuras de lo más imaginativo, dieron como resultado melodías enormemente evocadoras y descriptivas, a veces con solo unas pocas notas. Y esto, unido al hecho de que una misma canción pueda transmitir distintas sensaciones entremezcladas, se llama creatividad pura y dura. Aunque quizá se eche en falta alguna más para pueblos o batallas, a lo largo de la aventura escucharemos tangos, réquiems, marchas, bases casi discordantes, algún toque surrealista… o simplemente, ese inquietante silencio, tras el torneo de Santeem, que eleva la tensión misteriosa del momento hasta alturas casi estremecedoras. Tienen duración razonable, y dos de ellas, como la de volar en globo, o la del ending, llegan a superar los dos minutos y medio, ostentosidades que fueron posibles gracias a los 4 enormes megabits del cartucho, el máximo tamaño en NES salvo contadas excepciones. Para redondear el apartado, existe un elevado número de fanfarrias, unas cuantas atmósferas geniales, como la de la cueva pirata, y representaciones de cuernos, pianos o flautas.

A partir de este punto, en el apartado de la jugabilidad, los cambios van a venir a discreción, y bastante acusados en algunos casos. Tampoco es aquí donde el juego se vaya a desvincular excesivamente de sus más arraigados principios, pero mientras que algunos añadidos fueron descartados en el futuro, otros de los que nacieron en esta entrega se convirtieron en parte inseparable de muchas de las que vinieron a continuación, como el casino (si queréis hacer fortuna, centraos en el póker), la arena de combates, las medallas, o la caravana que nos permitirá gestionar nuestro equipo de guerreros, que llega a ser hasta de nueve simultáneos. Y es que su división implica tantos héroes como capítulos. También trae consigo, por una parte, la ilusión de comenzar cada vez una historia diferente, con objetivos únicos que acaban convergiendo de una forma magistral, e incluso alguna mecánica ligeramente distinta, como la de Taloon, que años después protagonizaría su propio spin-off. Por otra parte, puede dar algo de pereza tener que evolucionar a tantos personajes desde el nivel 1. Las zonas de enemigos están muy bien estructuradas para que esto no se haga excesivamente pesado, pero aun así, significa cantidades industriales de combates, y su frecuencia se va elevando exponencialmente hasta alcanzar límites muy agresivos. Como cabría esperar, es un juego exigente con el nivel de experiencia, pero por suerte, Dragon Warrior IV levantó bastante el pedal en cuanto a la dificultad, y aun-que el fantasma de la inseguridad siempre estará ahí, con unas buenas horas dedicadas exclusivamente a pelear en cada partida, encontraremos un buen equilibrio, mucho más estable que el de sus antecesores. Salvo por su condición laberíntica, las mazmorras también suavizaron su dificultad. Son tirando a cortas, con estructuras menos retorcidas, algún pequeño puzle, y sin apenas final boss, pero no dejan de transmitirnos ese clima de tensión tan agobiante y estimulante al mismo tiempo. Los combates en sí son tremendamente clásicos, con enemigos individuales y/o en grupo, y con un menú que ya daba muestras de ser más dinámico y amigable (como en las tiendas). Lo verdaderamente chocante al respecto llega en el quinto capítulo. Por raro que suene, podremos controlar las acciones del Héroe, pero solo establecer las estrategias por las que se regirá el resto, según lo precise el ritmo y dificultad de los enfrentamientos, y es aquí donde entra en juego el sistema de inteligencia artificial creado ex profeso para este RPG, que aprende por sí solo de los resultados obtenidos (ojo, ¡estamos en 1990!). Si bien en ciertos luchadores resulta algo torpe, en general sorprende su eficiencia en el enfoque de objetivos y uso de técnicas, adaptándolas a la situación, y convirtiendo las batallas en algo mucho más ágil y cómodo. Maravillas de programación retro.

Todo lo dicho en el párrafo anterior son detalles más o menos técnicos que os pueden ayudar a haceros una ligera idea de cómo son ciertos aspectos de su control o jugabilidad sin tener que sumergiros en él. Pero dejando a un lado todo esto… hay algo incalculable en cifras, que precisa jugarlo en toda su extensión para sentirlo de verdad, y que es lo que verdaderamente transpira de este RPG con una fuerza arrolladora. Ese ‘algo’ es la pluscuamperfecta conjugación de libertad absoluta y misterio que arropa su mundo. Una vez captamos su ritmo, en cuanto caemos bajo su hechizo… ya no existe vuelta atrás. Es esa sensación mágica, profundamente inmersiva e incomparable, con la que muy pocos juegos son capaces de atrapar al jugador como lo hacen los Dragon Quest. Y hasta entonces, nunca había estado tan latente y viva. Seguro que aquellos que hayáis disfrutado este u otros capítulos con la misma implicación que yo, sabéis a lo que me refiero. Más allá de emotivos e inolvidables momentos en su historia, que de por sí nos dejarán una huella indeleble, examinar cada centímetro de su mastodóntico mapa, por tierra, mar, y aire, pronto se convertirá en una obsesión imposible de reprimir, y es en ese punto donde, irremediablemente, me perdí por completo en él, sin mesura ni límites, cuando las horas empezaron a convertirse en minutos bajo el infinito placer de descubrir remotos parajes, conseguir llegar hasta áreas inaccesibles, conocer a enigmáticos y solitarios personajes, y obtener objetos especiales que, aunque no tenía ni la menor idea de su cometido, se convertían en invaluables bo-tines solo por el hecho de haberlos encontrado, igual que sucedía con las toneladas de tesoros escondidos a lo largo y ancho de su geografía. De hecho, Dragon Warrior IV propone desde el principio un ritmo diferente, mucho más enfocado a esa gratificante exploración que a tener que estar constantemente recorriendo interminables laberintos, lo que le hace cobrar unas dimensiones e intensidades muy poderosas. La caída de la noche trae consigo otro buen puñado de posibilidades. A parte de esos idílicos paseos bajo la luz de la luna por sus bellos paisajes y pueblos (que también hay que saber paladear con calma), encontraremos vida nocturna en algunos de ellos, tascas abiertas, encuentros furtivos, acontecimientos exclusivos y lugares vedados de otro modo. Sé que alguno pensará que hay varios juegos que cumplen con muchas de esas características, pero creedme, pocos lo hicieron de forma tan equilibrada, y con tantísima calidad, como el RPG que nos ocupa, y menos en su generación. Y es que cuando un juego que perfectamente se puede terminar en 40 o 50 horas se alarga por voluntad propia, y casi sin darse cuenta, hasta rondar las 100… es porque su conexión con el jugador va incluso más allá del terreno lúdico.

Bajo el modificado título de Dragon Warrior, la cuarta entrega de la legendaria saga de Enix / Chunsoft llegaba a Estados Unidos con el también habitual retraso (aunque esta vez fuese menor), tan solo siete meses después de su predecesor. Ahora, 35 años tras su salida en Japón, he descubierto en él un viaje de los que marcan a fuego, de los que exigen ser recorridos sin ninguna prisa, de los que te envuelven en todo momento con su subyugante fantasía, y te enamoran por su maravillosa historia y su cantidad inagotable de secretos. Una experiencia tan masiva, en todos los aspectos, que ha logrado desbancar a Dragon Warrior III en mi clasificación personal de RPG para la consola, situándolo al mismo nivel que una pieza maestra como lo es Final Fantasy III, y como una de mis mejores y más idílicas vivencias en 8 bits. Sin duda, el capítulo más ambicioso hasta su fecha, una aventura sobrecogedora y vibrante que ningún amante de los JRPG en su sano juicio debería perderse.

- Lo que más me gusta: En lo narrativo, fue donde nunca antes había llegado un JRPG. Un mundo gigantesco, hasta arriba de secretos por descubrir. Su equilibrio en la dificultad roza la perfección. La trágica existencia de Rosa. La ambientación de las catacumbas.

- Lo que menos me gusta: En ocasiones concretas, uno desearía poder tener el control de su equipo al luchar. El flickering en los pueblos puede resultar molesto. Es algo durillo tener que escalar desde el nivel 1 al empezar cada capítulo.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Si he comentado que, en general, me ha cautivado incluso más este Dragon Warrior IV que su antecesor, hay un apartado que me genera dudas a la hora de coronar a uno u a otro, y ese es el de su banda sonora... aunque el simple hecho de poder compararlas, como mínimo, de igual a igual, ya otorga a la de esta cuarta parte una calidad estratosférica. De nuevo, el Maestro Sugiyama bañó el universo creado por Yujii Hori con las más selectas, creativas, subyugantes y ensoñadoras melodías. Espero que disfrutéis de este mini viaje épico-musical con la pequeña selección que os traigo.

The Unknown Castle. Tras muchos esfuerzos, batallas y hazañas, ascendemos a los cielos, donde se halla el ancestral reino de Zenithia. Pero en lugar de toparnos, como sería una posibilidad, con una melodía grandilocuente y heroica, nos sorprende esta composición profundamente serena y armoniosa, marcada por ese ritmo 3/4, tan suave como las nubes que rodean el imponente palacio del lugar. Sin necesidad de virtuosismos o partes complejas, pero fuertemente anclada en el clasicismo, sus gráciles notas nos envolverán en una sensación de placidez digna de tan sagrado lugar.

Minuet. Seguimos con los registros clásicos, herencia de los grandes maestros compositores de la historia, con los que Sugiyama siempre se sintió identificado. Con un sabor intensamente barroco, en cada uno de los ostentosos castillos sale a recibirnos esta genuina composición, única en su especie dentro del juego. Debido a su estilo, ritmo, y a la disposición de sus notas, puede resultar familiar, aunque es totalmente exclusiva. Os aseguro que, tras unas cuantas escuchas, acaba enganchando de lo lindo, y otorgando un aura muy señorial y distinguida a los aposentos reales.

Expanding the Map. Cuando hablo de ensoñación, cuando hablo de imaginación o de esa aura profundamente cautivadora en la música de Sugiyama, me refiero especialmente a prodigios como este. Una composición que sosiega el espíritu, que invita a mirar y sentir mucho más allá de lo que se ve en pantalla, que parece abrir el infinito con una candidez etérea y maravillosa, patente en su melodía principal, y sobre todo, en esos arpegios de notas armónicas. En sus primeros instantes, es una variación del Alefgard Theme (DQ II), tal vez menos dramática, pero a mi entender, mucho más hermosa. Enamorado de ella.

In a Town. Nos alejamos de la profundidad del anterior tema, y pasamos a registros más directos, sencillos y alegres, pero que también guardan en su interior el estilo y la gracia compositiva que hizo grande a la saga. A pesar de ser la única melodía que encontraremos en los pueblos, no se puede decir que nos acabaremos cansando de ella, y no pocas veces nos hará sacar una sonrisa. Su progresión melódica es fantástica, con giros y combinaciones tonales a mitad del tema muy característicos, tranquila pero con mucha luz, encajando de perlas con el gran colorido de las aldeas.

Gypsy's Journey. Nara y Mara son dos de los personajes más especiales de este Dragon Quest, no solo por su emotiva historia, sino porque además son las únicas que cuentan con un tema exclusivo de batalla. Pero todavía me ha gustado más, aunque son muy similares en estilo, el de su overworld, una mezcla muy original de tango con un punto étnico, que se acentúa sobre todo en su segunda y rompedora mitad, con esos arpegios rápidos hechizantes y dramáticos. También tiene un tono triste que resulta irresistible, junto a una cadencia que le va como anillo al dedo.

Elegy. Junto a Expanding the Map, mi otro gran amor de esta banda sonora, y con más motivo si cabe por su contexto: los sucesos de las minas de Aktemto, que al mismo tiempo, son escenario de uno de los movimientos argumentales más fascinantes del juego. Solamente entre las ruinas de esta ciudad maldita y casi abandonada, se nos brindará esta sobrecogedora composición, con mucho, la más deprimente del juego. Rebosante de una sensibilidad que impacta desde su primera nota, es a partir de la séptima cuando su tristeza alcanza un cariz verdaderamente desesperanzador.

Dinotopia: The Sunstone Odyssey (GameCube, Aventura / Action RPG)

2025-08-21T20:15:00.000+02:00

Escoger un nuevo título de forma aleatoria para terminarlo y traerlo a estas páginas, es a veces todo un reto, una lotería a la que me gusta enfrentarme. Es justo la filosofía con la que nació El Pequeño Rincón de los Grandes RPG: no solo para hablar de creaciones archiconocidas, sino también para arrojar luz sobre juegos que han quedado enterrados bajo los sedimentos del tiempo. Y, para esta ocasión, nunca mejor dicho. Porque si, además de RPG, la experiencia va a implicar dinosaurios (un tema que, como ya he dicho muchas veces, me fascina profundamente), la atracción para mí es casi irresistible. Aunque no son tan raras sus apariciones esporádicas en el género (Tao: The Way, Chrono Trigger…), realmente hay muy pocos RPG que conviertan a estos colosos antediluvianos en el centro de su premisa (E.V.O.: The Search For Eden). Ahora bien, ¿significa eso que, incluso bajo mis preferencias, el hecho de estar ambientada en mundos prehistóricos ya va a convertir cualquier vivencia en algo inolvidable? Rotundamente no, y este Dinotopia: The Sunstone Odyssey es un ejemplo de ello, una creación que prácticamente ya nació destinada al olvido debido a su falta de ideas y escasa inspiración, a pesar de su concepto tan original.

Concepto que, en realidad, nació once años antes del juego que nos ocupa (también aparecido en Xbox), del talento del escritor y dibujante James Gurney, autor de las (por el momento) cuatro partes ilustradas de la saga, y conocido por sus aportes a cintas como la mítica Fire & Ice o a portadas del National Geographic. Una obra que me era completamente ajena hasta ahora, y que narra las aventuras acaecidas en la remota isla de Dinotopia, en una sociedad utópica en donde seres humanos y dinosaurios conviven en total armonía, regida por un código de principios éticos. Dichas normas sitúan a animales y personas en completa igualdad de estatus y derechos, y transmiten un mensaje de moralidad ecológica con el que comulgo al 100%. Sin embargo, no todos lo acatan. La de este The Sunstone Odyssey es una historia al margen, tanto de los libros, como de las dos series que se realizaron en 2002 (y que seguramente, dieron impulso a la creación de esta aventura RPG). Aquí se rescata parte del mundo, varias referencias contextuales, y elementos reconocibles, pero nos presenta personajes y situaciones nuevas, mezclando naturaleza y tecnología, fantasía y realidad. Drake y Jason son dos hermanos que, debido a un trágico naufragio, y con su padre dado por muerto tras el ataque de un tyrannosaurus, se ven conminados a formar parte de la sociedad. Pero mientras que Drake opta por el respeto hacia la forma de vida establecida, su hermano se alía con los Forasteros, una banda de criminales desalmados que pretenden tomar el control de la isla a la fuerza y por las malas, polucionando el ecosistema, creando conflictos, y eliminando a cualquiera que se interponga en su camino. El drama está servido, y Drake, con la ayuda de los ancianos guardianes, y de los saurios amigos, deberá llevar a cabo varias misiones para cortar el mal de raíz, que serán, al mismo tiempo, las que irán hilvanando la trama. En todo caso, pese a que un universo tan personal, imaginativo y cuidado daba para mucho, lo cierto es que aquí se muestra bastante desaprovechado en casi todos los apartados, siendo uno de ellos el narrativo. Seguirán surgiendo nuevos personajes, e incluso alguna sorpresa mayor al final, pero todo es muy sencillote y con muy poco detalle y profundización en los sucesos o en aquellos que los protagonizan. Algunos de estos, están resueltos un poco a boleo, y como sucede en otros aspectos, da la impresión de que su guión se escribió deprisa y corriendo para acabar el juego lo antes posible. Apenas hay interacción con los NPC, los diálogos son totalmente genéricos, escuetos, y ni siquiera están subtitulados (todo esto cambia en las secuencias, por suerte), señal de la poca importancia que se les dio.

Pero, puesto que hablamos de un juego que mezcla aventura y RPG, y está bastante enfocado a la acción, tampoco vamos a hacer sangre de esto último. Cuando llevamos unas pocas horas de juego, y sin ser la octava maravilla, nos vamos dando cuenta de que la ambientación no está pero que nada mal, incluso se puede considerar uno de los puntos fuertes del juego. Outpost, que sirve como localización central desde donde acceder al resto de lugares, es una hermosa y original ciudad de puentes y pasarelas, construida en pleno dosel forestal, con recorridos bastante intrincados, y un aspecto de lo más disfrutable. Aunque todas sus zonas resultan parecidas, las vistas desde los miradores, detalles como el colorido en el follaje, la caída de las hojas, o sus habitantes dinosaurios, hacen que el juego gane unos cuantos puntos. Si a ello le añadimos ese bucólico anochecer, la enorme luna que se ve desde el área de la incubadora, la cerrada tormenta en el pantano, o la esplendorosa mansión rústica, podemos reconocer algunas de las mejores cualidades inmersivas que nos brinda el juego. Realmente le falta muchísimo para alcanzar la belleza de aquellas descripciones e ilustraciones de magnífico paleoarte de los libros, quedando en una perezosa recreación, pero elementos como cascadas, molinos, cobertizos, carros, también nos regalarán la vista, así como la flora de las cuevas, cristales, plantaciones o grabados alimentan unos entornos de junglas, bosques o poblados que quedaron bastante resultones, y pueden cambiar sutilmente de aspecto con cada misión. Al menos, no hay gran sensación de vacío. Contemplar el juego “per se”, tiene su encanto. Lo que decepciona es encajarlo en el contexto técnico de una GameCube, y ver que no apura, ni de lejos, sus capacidades, llegando en ocasiones a parecer un juego de Nintendo 64 ligeramente potenciado por su simpleza, poca definición y lugares demasiado oscuros. En las secuencias (donde no hay un solo atisbo de FMV), las animaciones faciales son casi inexistentes, y solo los divertidos e histriónicos movimientos de Seth o del viejo loco nos librarán del sopor. La cámara suele ser torpe, la acción de centrarla es mareante, y no hay opción de vista subjetiva. Por suerte, los entornos se mueven con fluidez, aunque igualmente me he encontrado con más de una ralentización en las peleas. Tampoco destaca el modelado de sus personajes, tan toscos y ortopédicos para esa generación como lo son sus movimientos, resultando mucho más creíbles los dinosaurios que los seres humanos (impresionante ese colosal brachiosaurus bañándose en el río). Con todo, y a pesar de la escasez de signos de inteligencia creativa, me quedo con ese halo de serenidad y misticismo que des-prenden sus lugares ancestrales, uno de los motivos que me han llevado a progresar en la aventura con cierta ilusión.

Lo que suena en la introducción, o en la pantalla de título, ya nos puede dar una idea de por dónde van a ir los tiros en el apartado musical. Sus compositores, Barry Fasman y John O’Kennedy optaron, muy acertadamente, por elaborar un conjunto de partituras en total sintonía y comunión con la naturaleza del mundo que nos tocará explorar, de tesituras muy bucólicas, tribales, y orgánicas, bastante evocadoras e inmersivas, que jugarán un papel clave en una ambientación que, como digo, es uno de los mayores logros de esta aventura RPG. Nos fusionan con los entornos gracias tanto a sus notas, como a los sonidos de la naturaleza integrados en ellas, onomatopeyas, goteos, ecos, tintineos… todo ello, eso sí, con una cadencia muy sosegada y siempre en un elegante segundo plano. No menos importantes son las percusiones, con distintos tipos de tambores, gongs, sonajas, cajones o tubos huecos, incluso tirando de trasfondos muy graves y oscuros para añadir ese necesario punto de inquietud en los lugares más hostiles. Al entrar en combate, automáticamente se pasa a registros un poco más tensos, distintos dependiendo de la zona, aunque aquí sí se echa de menos un poco más de intensidad. No se puede negar que, en general, es ideal para la temática y personalidad del universo en el que nos movemos, pero el principal problema reside en que, en una banda sonora ya de por sí insuficiente en número, hay demasiados cortes que se reciclan para distintos emplazamientos, y no me refiero solo a esos fragmentos de su tema central que se reinterpretan en otros. También, por qué no decirlo, falta algo más de variedad de estilos y originalidad, alguna melodía más protuberante y trabajada, algún tema que rompa la uniformidad étnica reinante… qué sé yo. La mejor muestra del énfasis que se puso en el aspecto ambiental es la posibilidad de escoger entre cuatro modalidades de sonido, mono, estéreo, envolvente, y Dolby Pro-Logic II, el sistema audio estrella de GameCube. Y antes de seguir, he de aconsejaros, de forma muy encarecida, que elijáis esta última opción, os procuréis unos buenos cascos, y no os los quitéis en toda la aventura, ya que la experiencia va a ser pero que muy distinta. La creación de efectos sonoros se externalizó a la compañía GameBeat Inc., quienes hicieron un trabajo verdaderamente delicioso con ellos. La solvencia con la que se integró el motor acústico, permite que escuchemos de forma nítida, y desde ‘ángulos’ y distancias cambiantes, las cascadas, los ríos, las antorchas, los amenazantes rugidos de las bestias, o el viento, como si estuviésemos ahí mismo… eso sí, se olvidaron de reflejar los pasos en el agua. El de las voces, salvando ese irritante acento irlandés en los protagonistas, también es un aspecto bastante interesante, aunque hay evidentes altibajos en la locuacidad de los doblajes.

A través de las peticiones de los guardianes del reino, iremos resolviendo misiones que nos acercarán al objetivo final: acabar con el reino de terror de Zane y su grupo de violentos forasteros. Para ello, debemos explorar distintas zonas, encontrar objetos robados, proteger a los débiles, y restaurar piedras solares, las fuentes de energía. Sin embargo, la libertad de exploración queda limitada a los lugares (bastante lineales) a los que nos lleve la misión en curso, algo que acaba encorsetando demasiado al juego. La poca interactividad con los entornos, y el hecho de que no se pueda ni entrar en las casas, tampoco ayuda a hacer más estimulante la experiencia. Los elementos de RPG son sutiles, pero están ahí. Derrotando enemigos ganaremos puntos de experiencia, nuevas técnicas de combate, y acceso a alguna que otra side quest, no obligatorias, pero que nos otorgarán mejor equipamiento y armas secundarias. De igual modo, podremos mejorar nuestra maza por medio de cristales solares, logrando nuevas magias y mayor poder de ataque en los combates, ya sea contra los forasteros o bestias carnívoras, que se disputan con una acción total, y con ese sistema de targeting que, como muchos otros juegos, heredó de The Legend of Zelda: Ocarina of Time. Por su concepto y entornos, también nos puede recordar al gran Star Fox Adventures, aunque os aseguro que a ninguno de los dos les llega ni a la suela de los zapatos. El salto del protagonista se controla sorprendentemente bien, perfecto para las pocas pruebas plataformeras que se presentan, pero dentro de las peleas, el lag en la respuesta, y el apelmazamiento de las acciones nos puede dejar vendidos en más de una ocasión. Por ello las distintas técnicas, aunque tienen su gracia, son bastante complicadas de ejecutar. La física es un tanto pobre, y no será extraño ver a algún NPC caminando sobre el agua o atravesando paredes, algo que me ha hecho troncharme de risa por su cutrez. Decidí aventurarme con el nivel más difícil de todos, y por suerte, tampoco ha sido para tanto, salvando algunas reyertas en manada, o ciertas misiones concretas, que por su longitud y complejidad, sí me han apretado las tuercas. En el racionamiento de las plantas jinka, y en la pericia a la hora de esquivar y cubrirnos, residen las claves del éxito. No hay ni mapa, ni brújula, y los menús son la apoteosis del minimalismo: ninguna información sobre estatus, equipamiento o ítems, aunque la verdad, es un problema menor. A destacar la prueba más divertida del juego, aquella en la que debemos sobrevolar un cañón a lomos de un pteranodón (skybax), aunque liberar ese paso de enemigos controlando una montura mecánica, también tiene su aquel. Un juego entretenido, pero con reservas: si no te apasiona el universo de los dinosaurios, como a mí, tiene más bien poco que ofrecer.

Su título parecía inspirador… pero mi primera incursión en terreno RPG desconocido de GameCube, gracias a mi nuevo SD2SP2, no ha resultado todo lo gratificante que esperaba. Aun así, siguiendo la máxima de este blog, prefiero juego poco conocido y mediocre, que remake bueno, y no todo en la experiencia ha sido negativo. Posee luchas bastante intensas, momentos ciertamente divertidos, una ambientación musical que acompaña, y lugares lo suficientemente bien plasmados como para sumergirnos en la aventura. Tras terminarlo, he leído críticas feroces sobre él, y no es que sea, ni mucho menos un gran RPG, pero tampoco la aborrecible monstruosidad que algunos describen. Se deja jugar, sin mayores complicaciones ni pretensiones, y es un título muy corto, más para dejarse llevar por su lineal recorrido y bonitos entornos, que para deleitarse con sus florituras técnicas o con el desafío que pueda proponer. Solo en Xbox tuvimos versión Pal, la de GameCube, fue cancelada.

- Lo que más me gusta: Duración justa para su propuesta. El vuelo en skybax. Entornos, animales prehistóricos, y ruinas ancestrales más o menos bien representadas. El sonido ambiente envolvente.

- Lo que menos me gusta: En ciertos puntos técnicos, parece un juego de una generación anterior. Demasiado lineal y repetitivo. Su argumento es bastante vago. Los controles dejan que desear en combate.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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A la hora de escuchar concienzudamente, y por separado, la BSO de Dinotopia, me encontré con severos impedimentos. No existe en ningún medio de Internet, y ni siquiera, como he hecho en algunos casos, la he podido extraer de la ISO del juego. ¿El motivo? El Karl Morton Music Format, un formato muy complejo y específico de archivos que no contienen pistas como tal, sino instrucciones para reproducir música usando instrumentos guardados en otros archivos... que tampoco pude localizar. Finalmente, llegué a un punto muerto, y para que veáis hasta dónde llega mi tozudez, y mi grado de devoción y honestidad en todo lo que escribo, la única solución que vi fue volver a pasarme el juego de principio a fin, esta vez en emulador, para grabar de forma manual, una a una, todas las pistas del juego. Así pues, ¡vamos a por algunas ellas!

Outpost Forest City. Podría decirse que este es el tema central del juego, y aquel en el que se miran algunos de los que vendrán después, reutilizando partes de su melodía principal. Recorrer las liosas pasarelas de las diferentes áreas de la ciudad sobre la copa de los árboles es un gran placer con ella de fondo. Me encantan, especialmente, esos sutiles goteos que suenan entre notas, como si fuesen un instrumento de acompañamiento más, entre sus elevadoras flautas, su percusión étnica, y esas guitarras más escondidas que solo sobresalen en los últimos acordes.

Ending. Acompaña los créditos cuando los seleccionamos desde el menú (idénticos al ending, ya que ni se molestaron en crear uno propiamente dicho...), pero también aparece en otras partes del juego. Lo cierto es que resulta tremendamente relajante, de esas que te obligan a dejarte llevar. Sus flautas suenan muy suaves y con distintos tonos, posee unas líneas de bajos bastante chulas, y también su sosegada cadencia ayuda a disfrutarla sin que interfiera en la concentración. Tal vez sea un pelín plana, pero es de mis favoritas por su esencia tan espiritualidad.

Danger. Aparece, como otras, solo cuando seleccionamos a algún enemigo como objetivo, desenlazándose de la principal con un 'fade in'. Aunque, como dije en el análisis, le falta algo de presencia e intensidad, no deja de plasmar bien ese peligro existente, con una estructura musical más agresiva, con esos golpes en cada tempo. Aun a pesar de emplear básicamente los mismos instrumentos que en cualquier otra, tiene más carga de registros graves, y unas notas mucho más rápidas e inquietas en, por ejemplo, las flautas. Así mismo, la base rítmica es algo más contundente.

Hatchery. Además de ser uno de mis lugares favoritos del juego, también posee una de las músicas que más me gustan. En este caso, coge parte de la melodía de la ciudad de los árboles, pero aquí las flautas que la conducen suenan como más salvajes, más libres, más dramáticas, y otorga más presencia a los acordes de cuerdas. Las siguientes progresiones melódicas ya son muy distintas, volviéndose más y más espirituales. Por su ritmo y color instrumental me ha recordado, salvando las enormes distancias, claro, a Cosmo Canyon, de Final Fantasy VII, ¡y eso no puede ser mala señal!

Brandish (Super Nintendo, Action RPG Dungeon Crawler)

2025-08-03T19:23:00.002+02:00

Ys, Romancia, Xanadu, la saga Trails, o los seminales Dragon Slayer y Panorama Toh, son títulos que acuden con gran resonancia a la mente de todo buen fan de los RPG al pensar en Falcom. Su nombre es sinónimo de origen, de innovación, de perseverancia y autenticidad. Fueron leyendas al influir en el concepto del rol oriental, y cuarenta años después, lo siguen siendo por su saber hacer a la hora de prolongar, en términos generacionales y cualitativos, sus grandes sagas. Sin embargo, no todas llegaron al Olimpo. Sin abandonar la senda del Action RPG, en 1991 lanzaron para PC98 y FM Towns un juego bastante curioso, un tanto extraño, caótico e inclasificable, llamado Brandish. Tres años más tarde (y uno después de que una secuela viese la luz en PC98), fue portado a Super Nintendo con numerosas modificaciones para adaptarlo a ‘modo consola’. Como sabéis, siempre me decanto por versiones originales, pero dos factores, como que esta fuese la única que traspasó las fronteras orientales (y por lo tanto, la única traducida oficialmente al inglés), y tener dicho juego original, me han animado a ponerme con ella, aunque también le he dado un buen ‘cate’ a las nativas de PC98 y FM Towns, básicamente iguales entre sí.

Falcom siempre fueron enormemente diestros a la hora de crear buenas historias para sus obras. Con el mítico Ys: Ancient Ys Vanished, otorgaron un contexto y profundidad a su universo muy pocas veces visto antes en la historia de los RPG. En el caso que nos ocupa no podemos hablar, ni remotamente, del mismo impacto y relevancia, pero aun así, sorprende el cuidado que se puso en la elaboración del trasfondo argumental. Mientras en algunos RPG la historia se nos narra en un breve párrafo, la de este Brandish ocupa nada menos que cinco páginas completas en su manual. Incluso da la impresión de ser mucho más de lo que un juego con una mecánica tan sencilla y reiterativa necesitaba, lo cual, tampoco está exento de mérito. Esto se traduce en los tres largos minutos de introducción del juego, y eso que omite la parte de Bavalya, cuyo rey ha puesto precio a la cabeza de varios criminales, incluida la de nuestro héroe, Varik, por un crimen que nunca cometió: el asesinato del maestro hechicero Balkan. Pero para conocer el verdadero núcleo contextual, debemos remontarnos 1000 años en el pasado, a la ciudad de Berimya. Unas tierras prósperas y apacibles que la desmesurada avaricia de un solo hombre hizo caer en desgracia. Insatisfecho con su riqueza e influencia, Berebus (su rey), descubrió el gran secreto de la torre que se alzaba en mitad de la ciudad, y con un gran ejército, entró en ella a la fuerza para matar al dragón que la protegía, aspirando así a un poder inimaginable. Pero con su último aliento, el mágico ser lanzó un conjuro que no solo convirtió al rey en una bestia tan inmunda como su propio corazón, sino que además, sepultó bajo el suelo toda la ciudad de Berimya y cualquier rastro de vida presente en ella. De vuelta al presente, al fin Alexis, discípula de Balkan, encuentra a Varik, dispuesta a obtener su venganza, y cobrar el botín. Pero en el transcurso del combate caen, a través del inmenso agujero que se abre bajo sus pies, hasta las ruinas de Berimya, convertida ahora en un laberinto abarrotado de criaturas infernales y trampas, de cuyos pasillos todavía irradia la maldad concentrada de aquel acto de cobardía y mezquindad. Al final, la historia queda un poco en el fondo del armario, y solamente la persecución de Alexis tiene cierta progresión… pero no me negaréis que denota esfuerzo e inventiva, para una propuesta tan simple como es recorrer decenas y decenas de laberintos hasta dar con la salida. En ellos, los pocos que sobreviven (como tenderos o guerreros perdidos, carcomidos por la tristeza y la desesperación) nos darán ciertas pistas e información que, al igual que sucede con algunos carteles de advertencia, contribuirán a reforzar un poquito más la trama.

Y qué mejor que hacer una pequeña comparativa entre la versión que nos ocupa y sus predecesoras originales, para meternos en el terreno visual. Siendo tres años los que las separaron, era previsible que la de Super Nintendo contase con varias modificaciones para adaptarla a las posibilidades técnicas de la consola, aunque hay que decir que ni de lejos se llegaron a explotar al 100%. Comenzando por el campo de acción, todos los sprites que aparecen en él son más pequeños, aunque muy a su favor juega la pantalla completa, con la que tendremos un mayor rango de visión que se agradece enormemente. Si bien la esencia y los cimientos de su oscura y agobiante atmósfera se mantuvieron fieles, tanto el modelo del protagonista, como los de los enemigos, fueron notoriamente rediseñados con líneas más pulidas y armónicas, añadiendo algo más de detalle a su aspecto. Asimismo, sus animaciones mejoraron ostensiblemente, con más cuadros para que los movimientos resulten mucho más fluidos y naturales que los originales. Los escenarios cuentan con sus propios detalles animados, como el derrumbe de los muros, y algunos efectos de luces y parpadeos, que aportan vidilla extra al laberinto, especialmente en esas áreas más orgánicas, con una ambientación original, y ciertamente espeluznante. En general, no obstante, reina la monotonía. Solo hay diferencia real en cuanto a diseño, estilo y paleta de colores entre los cinco niveles principales distintos, y existen pocos detalles agradables y diferenciadores en ellos, más allá de los interminables muros y suelos, como alguna fuente, o las almas en pena con las que nos encontramos. Esto conduce a uno de los aspectos más bonitos y destacados del cartucho: las escenas, incluida la fenomenal introducción. Lástima que no se prodiguen más, porque aunque no posean, por motivos lógicos, la misma resolución que en sus máquinas madre, su presentación sigue siendo espectacular, de gran tamaño, con un empleo fantástico del color, con unos dibujos realmente magníficos que nos sumergen en la historia, y además, mostrando unas animaciones dignas de calidad CD (hablamos de 12 escuetos Mb). También los fondos de las tiendas sorprenden por su calidad visual y minuciosidad. Koei, responsables del port, añadieron algún que otro efecto de Modo 7, en la (primera y única) presentación del mapa, o en la caída de Varik y Alexis al abismo. La vestimenta de esta última, por cierto, recibió una buena ración de censura en la versión USA, no fuese a ser que su ligereza de ropa provocase algún soponcio… Sin embargo, el mayor reto de sus grafistas fue crear cuatro sprites distintos para absolutamente todo, cada tramo de pared, objetos, cualquier enemigo y elemento que veamos en pantalla, dadas sus peculiares características visuales y jugables, en las que profundizaré más adelante.

El opening, con sus fastuosas estampas, nos presenta el que es, de lejos, el mejor corte del juego, y esta afirmación, de hecho, vale por dos si jugamos a ambas versiones. Curiosamente, la americana se presentó con un tema totalmente exclusivo, y ecos de un posible plagio sobrevuelan el porqué de la decisión de sustituir un tema que ya sonaba en Brandish para PC98 y FM Towns. Sea como fuere, ambas son un verdadero lujo, épicas, dramáticas, profundas, muy largas, e inmersivas a más no poder, y por sí solas, ya suman unos cuantos enteros a la nota global del apartado sonoro. A partir de ahí, el juego tira mayormente de partituras ambientales para acompañar nuestras arduas exploraciones por los laberintos, también fieles a los originales, pero con una sonoridad que el chip de Super Nintendo hizo brillar más que nunca… o al menos, lógicamente, hasta la llegada del port para PC Engine CD, que en este sentido, se las comió a todas con patatas. Aun así, no se pueden menospreciar, por ejemplo, esas orquestaciones aquí presentes, pobladas y muy conseguidas, tirando de muchos instrumentos que suenan realmente de fábula, como los vientos graves, entre los teclados de varios tipos, tubas, metalófonos, fagots, timbales, marimbas, campanas, trompetas, o sonidos más marcianos y electrónicos que encontramos repartidos por muchas de sus composiciones. Pero también hay que señalar otras, aunque en menor medida, cuyas tesituras sonoras son mucho más arcaicas, más cercanas a los 8 bits. Cada una de las cinco áreas distintas del juego posee su propio tema, al igual que cada una de las escenas que marcan el paso hacia un nuevo nivel, y cada guardián, y aquí la cosa cambia radicalmente, pues las que aparecen en los duelos principales están bien cargadas de la más frenética acción. Y aunque no es la nota dominante, también encontramos algo de velocidad y virtuosismo en algunas tiendas, con aires funky, o incluso algún deje progresivo en ciertos cortes más aislados, lo cual aporta otra pinceladita de variedad. Durante las mazmorras, donde más tiempo pasaremos con diferencia, tampoco escuchamos nada realmente especial. Sí, son temas que saben plasmar y resaltar muy bien ese misterio de lo oculto, de lo olvidado por siglos, como es la enterrada ciudad de Berimya, y contribuyen a fortalecer esa atmósfera opresiva y claustrofóbica que se respira a cientos de metros bajo el suelo, pero en general, sin ser ni mucho menos deficientes, están algo faltas de personalidad, y hasta pueden llegar a ser bastante cargantes. Y es que mientras algunas sí contienen inspiradas melodías, otras están demasiado basadas en bajos y percusiones, lo cual las hace un tanto insípidas. El apartado de los efectos sonoros deja bastante que desear, con exponentes muy escasos, poco contundentes, nada originales, y sin carisma.

Poseer señas propias de identidad siempre es algo muy importante para un RPG, pero contra todo pronóstico, Brandish tiene en ellas al peor de sus enemigos. Y con esto, llegamos al punto más polémico y condicionante del juego, aquel que me ha tenido apartado de él desde que lo probé por primera vez, hace más de veinticinco años, y sin duda, el que más puede echar atrás a cualquiera que intente ponerse en serio con él. Para alcanzar la tan deseada libertad en su laberíntico entramado, se necesitan niveles en proporciones casi exactas de inteligencia, habilidad con el mando, mucha paciencia… y sobre todo, un excelente sentido de la orientación. Y no solo por sus confusos esquemas. Los retos no terminan con sus intrincadas galerías, sus constantes enjambres de monstruos, o sus retorcidos puzles: aquí, el mayor de los escollos, es su propio control, y más concretamente, el sistema de movimiento. El quid de la cuestión reside en que, al pulsar la cruceta a derecha o izquierda, no haremos girar a nuestro personaje, sino a todo el entorno que le rodea, y es algo que sucede en seco, a pantallazo limpio y sin ningún tipo de animación, lo cual, nos puede dejar completamente desubicados en el momento menos oportuno. Afortunadamente, existe una opción que limita la función de la cruceta solo al desplazamiento, y transfiere los giros de escenario a los botones R y L, con lo que la cosa mejora, y mucho. Puede resultar muy mareante al principio, pero desde mi forma de verlo, os aseguro que no es algo tan trágico como parece, y cuando tras unas horas de juego me acostumbré a sus singularidades, comencé a descubrir un RPG mucho más divertido y disfrutable de lo que esperaba. Sin duda, un gran atenuante del problema, y una ayuda inestimable, nos la proporciona el mapa, a la hora de marcar rutas abiertas, puertas cerradas, trampas y posibles estancias secretas, ya que en él queda registrado ‘casi’ todo. Dicho sistema pseudo 3D nos permite inspeccionar cada resquicio de cuanto vemos a nuestro alrededor, cada pared, cada cofre, letrero e interruptor, y prestar la máxima atención es algo absolutamente crucial, ya que para que veáis cómo se las gasta el juego, hay pasadizos ocultos que no aparecen ni en el mapa, y que albergan ítems sin los cuales es imposible avanzar.

Esto le da un toque bastante excitante desde el punto de vista de la exploración, y su mecánica tan sencilla, su ritmo, y la perspicacia con la que todo está creado y diseñado, hacen que vaya ganando cada vez más en términos de adicción. Sus combates están bien traídos, puro rol de acción con ataques físicos y magias, y con marabuntas de enemigos que es muy recomendable eliminar, ya que nuestras habilidades solo progresan con el uso. A la hora de enfrentarnos a ellos, debemos tener en cuenta que algunos son inmunes, o especialmente vulnerables, a determinadas espadas o magias, por lo que conviene tener buenas reservas de todo. También habremos de lidiar con implacables jefes finales, buscar y usar llaves, hacer acopio de objetos (pociones, armamento y protecciones de todo tipo, magias, anillos, pociones…), rescatar a personas en apuros, y hacer negocios con tenderos (ya que no se gana dinero al derrotar enemigos), sortear trampas con mucha mala gaita, caer a pisos inferiores… pero la ‘fiesta’ de verdad llega en los últimos niveles, todo un maremágnum insondable de pasillos cruzados, habitaciones interconectadas, direcciones únicas, infinitos secretos y puzles sin un solo gramo de lógica, con un diseño diabólicamente inteligente, digno de aquellos Dungeon Crawler 3D americanos de los 90. Ni se os ocurra llegar ahí con un nivel menor a 70 o 72, ni dejar de salvar con cada mínima acción, ya que cada nuevo paso, cada simple enemigo, puede suponer la muerte instantánea. A veces es para volverse loco, pero a pesar de lo dicho, y de lo que pueda parecer, no creáis que es tan fiero el león como lo pintan. Deja bastante libertad a la hora de trazar estrategias con los combates más difíciles, también tenemos la opción de descansar para recuperar rápidamente vida y magia en cualquier momento, así como guardar partida de igual modo, y la mayoría de enemigos desaparecen para siempre una vez eliminados. Incluso, en un caso desesperado, cuenta con un “movimiento de escape” por si uno se ve atrapado en una situación imposible de superar (algo que ya hubiesen querido RPG con diseños tan nefastos como Buck Rogers: Countdown to Doomsday de Mega Drive). Como último aviso, aconsejo encarecidamente comprar la magia Warp tan pronto como os sea posible. A pesar de su desmesurado precio, vale todas y cada una de las monedas que cuesta, y evitará que nos volvamos aún más locos con la enmarañada fortaleza final.

Reconozco que desde que lo probé, casi en los albores de la emulación, le he guardado mucha manía, y no sin razón. Siempre pensé que entre su sistema de movimiento, y mi horrorosa orientación, no sería capaz de aguantarlo ni 10 minutos, y por ello nunca lo vi apetecible. Pero finalmente, mi triunfo sobre él, sin guías, con buenas estadísticas, logrando el final bueno, y las horas de diversión que me ha regalado, me ha vuelto a recordar, una vez más, que es completamente estúpido juzgar un juego habiéndolo probado solo durante unas pocas horas. De hecho, es extraño, ya que si en varios momentos de la aventura pensé que aquello empezaba a ser tedioso (por su, reconozcámoslo, repetitiva mecánica), ahora, mirándolo con unos pocos días de perspectiva, lo echo de menos, y casi desearía que hubiese durado alguna hora más. Si eres fan de los dungeon crawler 3D clásicos, yo que tú le daría un buen tiento, ya que contiene esa misma esencia, pero extrapolada a las dos dimensiones.

- Lo que más me gusta: Las secuencias, grandes, algunas animadas, de un diseño magnífico, y con música propia. El tema de la intro es una gozada. Llega a enganchar y a divertir más de lo esperado.

- Lo que menos me gusta: A quién demonios se le ocurriría esa mecánica de movimientos… Técnicamente cortito para su añada. Gestión de inventarios engorrosa. ¡Odio a muerte los teletransportes invisibles!

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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A pesar de obsequiarnos con un perfil sonoro más suave y melódico, por diferencias técnicas con los sistemas originales, las melodías del Brandish para PC-98 y FM Towns apenas se modificaron para este port de Super Nintendo, por lo que, a pesar de que fueron Koei quienes se encargaron de él, siguen estando acreditados Atsushi Shirakawa y Mieko Ishikawa, de Falcom, como sus artífices. Y es que, dentro de sus limitaciones, poco se debía cambiar en este apartado para percibir esa claustrofobia y pesadumbre que nos embarga en sus oscuras y tortuosas mazmorras plagadas de peligro.

Opening (American). La primera vez que encendí la consola, quedé fascinado por la profundidad y expresividad de esta pieza. Ojalá todas las restantes del cartucho hubiesen estado al mismo nivel. Se trata de un tema denso y lento, que nos va ofreciendo, gracias a su instrumentación, brochazos emocionales constantes, aunque regodeándose sobre todo en esa sensación de melancolía que transmite. Arpegios, orquestaciones, y oscuras bases van desplegando, a lo largo de sus más de tres minutos, toda esa amalgama apesadumbrada que se desprende de su trágica historia.

Prologue (Japanese). Muy curioso lo de este tema. Según rumores, podría haber sido sustituida en la versión americana por su similitud, en varios fragmentos, con el célebre Concierto de Aranjuez de nuestro Joaquín Rodrigo, y además, en notas de bastante peso. Dejando a un lado la anécdota, lo cierto es que es un temazo que no desmerece en absoluto del americano. Sin renunciar a notas muy tristes (hay partes que parecen un réquiem), también ensalza esa vertiente épica tan necesaria. Sus melodías de sabor folclórico son una auténtica proeza, para paladear una y mil veces.

Up the Endless Labyrinth. Y hablando de regustillo folclórico, tampoco tardaréis demasiado en encontrárselo a esta composición. De hecho, sus primeras estrofas están ya rebosantes de él. Uno de los temas principales del juego, y uno de mis favoritos. La progresión melódica es fantástica, y consigue crear una curva ascendente de intensidad muy bien trazada, que llega a su clímax en el estribillo. Puede que le falte algo de fuerza instrumental, pero elementos como el teclado, los redobles, marimbas y unos cuantos detalles más de fondo, le otorgan una personalidad única.

The Cursed King. ¿Esperabais algún tema rápido y ardiente? Pues, aunque son los menos, también los hay, e igualmente bien compuestos. Entre ellos, destaco este que suena a continuación, y que pertenece a la explosiva lucha contra el Rey Berebus en su versión monstruosa. Su virtuosismo, continuos detalles de virtuosismo, y esos claros aderezos progresivos, me encantan. Termina haciéndose un poco cargante, debido a la tensión que habremos de soportar en dicho combate, pero por sus teclados, bajos y contratiempos y frenéticos dibujos, merece la pena escucharla con atención.

Eternal Prison. Volvamos a los temas principales (los que ambientan las mazmorras). Eternal Prison no solamente plasma de fábula, en lo musical, la sensación tan oscura que desprenden los laberintos, sino que además, tiene unos aires muy ensoñadores, muy etéreos, y con ciertas aproximaciones también a sonidos progresivos. Estas dos últimas señas de identidad se dan, especialmente, gracias al magnífico uso del Hammond, y a esos tintineos tan espirituales, amén de los citados vientos graves (¡qué bien suenan!), y sus extraños dibujos melódicos tan hechizantes.

Within the Mighty Dragon. Para que podáis disfrutarla mejor, he recortado la repetición de la primera parte, que es la más insulsa, con aires misteriosos, pero demasiado repetitiva. Podríamos encajarla en algún juego más futurista, tipo Shadowrun, pero ojo con su segunda mitad, porque ahí, y una vez más gracias a sus expresivos (y distintos) teclados, llega lo realmente bueno. Dichas melodías tienen algo potente que engancha en seguida, tremendamente inmersivo, con un puntito entre lo épico y lo melancólico, que se hace especialmente palpable con la entrada del Hammond.

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EJEMPLAR DE MI COLECCIÓN

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Brandish (NTSC USA)

Sé que puede resultar algo inverosímil, pero a pesar de que la fecha la tengo clara, no recuerdo dónde adquirí esta pieza. ¿Tal vez fue en algún chanchullo privado a través de eBay? ¿Quizá en el Salón del Manga de Barcelona? Me inclino por esto último, aunque no lo tengo claro. Sea como sea, me alegro de haberlo comprado en un momento en el cual coleccionar Super Nintendo todavía no era una auténtica salvajada (ya veis lo que me costó...), y no sé si a día de hoy estaría dispuesto a pagar por este Brandish los más de 300 dólares que se piden por un CIB... Dicho sea de paso, este no lo es, si nos ponemos estrictos, ya que le falta el póster, pero por supuesto, consta de caja, insert, cartucho y manual, y además, en muy buen estado.

Veamos los defectos de la caja, más por sus laterales que por sus caras principales. En la carátula, el más feo y molesto alude a una tira pegajosa y visible en la parte izquierda, que también afecta a la solapa. En la opuesta, también tiene idénticos restos, aunque por suerte, no llega a haber ni un solo desgarro. Algunos vértices están todavía impolutos, aunque otros sí tienen algún toque. Quitando algún pequeño arañazo y signos de presión en una aleta, poco más que incidir en su parte negativa. Lo mejor, sin duda, la contra carátula, brillante y limpia y sin una sola marca.

Muy bien conservado también el insert, cuyas marcas se ven sobre todo al trasluz, obviando algunas que tiene en la parte del hueco del juego, y en la parte inferior trasera. Conserva su forma (hay algún ligero aplastamiento), y sigue perfectamente ensamblado, sin ninguna rotura destacable.

El manual luce de lujo a primera vista, aunque siempre se le puede pedir más. La portada tiene la superficie con arrugas, muy ligeras, eso sí, y un golpe (por cerrar la caja sin el debido cuidado), en la parte inferior. Por dentro, signos de uso completamente normal, sin desgarrones ni desconchados, pero sí manchas bastante molestas. Una de ellas aparece en la página 1, cerca del centro. La otra, a partir de la 21, y aunque al final se hace casi invisible, afecta al resto de manual (parte derecha). Afortunadamente, todas y cada una de las pantallas, dibujos y mapas se ven perfectos. No existen ni escritos ni nada parecido por parte de su poseedor (o poseedores) anterior.

Sin duda, y haciendo valoración global, el cartucho es la mejor parte de la pieza. No hay absolutamente nada que objetar en él, ni rayas, ni golpes, ni suciedad (ni en su superficie, ni en los conectores), ni falta de brillo en su etiqueta... nada de nada (y eso, observándolo con lupa). Si el resto de componentes estuvieran igual de cuidados, hablaríamos casi de un 10/10.

Fecha de adquisición: Diciembre del 2008
Precio: 23.- USD (unos 20.-€).

30 años de sensaciones, nostalgia... e ilusiones.

2025-07-25T11:56:00.001+02:00

Lo que veis en esta imagen de arriba, podría corresponder a otra más de mis habituales vivencias veraniegas junto a Illusion of Time... pero no es así exactamente. Para quienes no lo sepáis, todos los veranos sin excepción, desde aquel mágico e inolvidable 1995, he tenido por tradición jugar, un año tras otro, y siempre a través de mi Super Nintendo, a uno de los juegos que más marcaron mi vida. Hace unas semanas, uno de mis más apreciados lectores me preguntó, ¿y qué, este año vuelve a tocar Illusion of Time?, a lo que respondí con otra pregunta, ¿cómo podría ser de otro modo, precisamente, este año que se cumplen 30 desde que llegó a mis manos?

Por este mismo motivo, aproximándose las fechas en las que siempre vuelvo a él, decidí que este año tenía que ser algo distinto y especial, así que me embarqué en un pequeño y nostálgico experimento: darme el capricho de 'empaquetar' consola y juego, y volver a jugarlo donde lo hice aquellos primeros años, en la casa de campo de mis padres, y en las mismas condiciones. Lo que muestra la imagen es la misma Super Nintendo y el mismo juego, en la misma silla y escritorio de la misma habitación en donde me enamoró, por primera vez y para siempre, a mis 13 años. Solo cambia la TV (que dejó de funcionar) y algún objeto de la decoración.

Muchísimas otras cosas han cambiado desde entonces, lógicamente. Gran parte de la inocencia de aquellos tiernos años se ha desvanecido, y sería ingenuo y absurdo pretender transformarme en mi 'yo' de hace seis lustros, del mismo modo en que Will se transforma en Freedan o Shadow. Sin embargo, puedo aseguraros que esta experiencia ha resultado ser increíblemente gratificante y enriquecedora, liberando un montón de sensaciones que hacía mucho tiempo que no percibía (como un millón de días de verano, que diría Lance), inmerso en la calma y el aislamiento del entorno natural, y completamente rodeado de objetos, olores y recuerdos que, de un modo u otro, siempre acaban trayéndome a la memoria todas las vivencias que tuve allí, frente a mi Super Nintendo, durante tantos años de niñez y adolescencia.

En esta ocasión, no solamente he viajado por los mapas y lugares de Illusion of Time, sino también a lo largo de distintas etapas de propia vida, y de la forma más profunda posible. No ha sido nada forzado, ni premeditado con mucha antelación, más bien un acto espontáneo y natural de amor y rememoración, con un poderoso componente extra-emocional que ni yo mismo esperaba. Un puente entre las dos versiones de mí mismo, que me recuerda y me demuestra que por suerte no todo ha cambiado, y que puedo seguir disfrutando y emocionándome del mismo modo (o más, si cabe) con ese juego que, con el tiempo, ha ido tejiendo un vínculo entre distintas épocas de recuerdos y diferentes formas de sentir. Al fin y al cabo, Illusion of Time no deja de ser un viaje espiritual sobre evolución, madurez e introspección.

No voy a permitir que el velo de la nostalgia me ciegue, y afirmar que Illusion of Time sea perfecto en todos los aspectos, porque no lo es. Pero si hay algo en lo que llega a estar, incluso, por encima de los grandes monstruos del género, incluso del 99% de todo lo que he jugado en mi vida, es en el terreno sensorial. Quintet dotó a esta creación de una magia muy delicada y especial, de una capacidad gigantesca para llegarnos de pleno al corazón a la hora de transmitir poderosísimas emociones a través de la empatía de los personajes con el jugador, a través del desarrollo de los acontecimientos, de su vibrante música rebosante de sensibilidad, de su tono a veces tan positivo, y a veces tan trágico, con un trasfondo de amor hacia la madre Tierra y todo cuanto alberga, y una feroz crítica a la naturaleza y mentalidad del ser humano. Y todo ello, junto a su esencia tan trascendental, es precisamente lo que para mí lo convierte en algo único e incomparable, tan solo superado por su sucesor espiritual, Terranigma, que elevó toda esa sensibilidad a unos niveles sencillamente inalcanzables.

Pasarán 30 años más, y no me cabe duda de que Illusion of Time seguirá siendo una parte constante y necesaria en ellos. Tantas veces he escuchado sus músicas, leído sus diálogos hasta sabérmelos de memoria, y recorrido sus lugares, que aunque solo pertenezcan a un universo de píxeles y sampleados, todo lo que me han transmitido sí es intensa y absolutamente real, por lo que su contenido es tan parte de mí como lo puedan ser mis vivencias en el mundo de carne y hueso. Y al final, eso es verdaderamente lo que cuenta. Aunque después del análisis, y de otros artículos y referencias que le he dedicado, alguien pueda pensar que ya poco más me queda por decir sobre él... lo que me sigue transmitiendo es tan infinito y poderoso, que siempre habrá sitio para Illusion of Time en nuevas entradas de este, nuestro blog, como las habrá en mi propia vida.

Will, Kara, Lance, Seth, Eric, Lilly, Neil...
South Cape, Mu, Freejia, Nazca, Itory, Angkor Wat...

... Volveremos a vernos el año que viene. Ya lo estoy deseando.

Gracias por leerme, y un abrazo enorme para tod@s los que estáis ahí.

----ARTÍCULOS RECOMENDADOS----

Tengai Makyou: Ziria - La 'Otra' Historia

2025-07-16T20:04:00.001+02:00

En un principio, pensaba incluir el contenido de este artículo dentro de la propia reseña del juego, escrita hace bien poco. Sin embargo, es tan grande la cantidad de anécdotas, curiosidades y material que entrañaron, tanto su creación, como el universo que poco a poco fue levantándose alrededor de esta recién nacida saga en sus primeros pasos, que me he decidido a publicarlo como una entrada aparte para no alargar demasiado la primera. A quienes conozcáis al dedillo esta “otra historia”, tampoco os voy a descubrir nada, ni lo pretendo, pero me apetecía mucho hacer este pequeña práctica de estudio, resumen y recopilación, especialmente dirigida a quienes hayáis descubierto recientemente la existencia de Tengai Makyou: Ziria y os pique el gusanillo de saber más sobre él, intentando hacer hincapié en los datos más curiosos y sorprendentes. Una vez más, y es algo que nunca me cansaré de remarcar, tanto para disfrutar de la obra y apreciarla como es debido, como para entender su contexto, es absolutamente necesario hacer un ejercicio de perspectiva, saber cómo funcionaban antes las cosas, aprender a valorar debidamente las características del juego, y lo que estas supusieron para la historia del género.

En el segundo párrafo del análisis, como es habitual, intenté resumir de la mejor forma que supe el argumento que viviremos a través de este genial RPG. Y sin embargo, en el antes, el durante, y el después de la creación de Tengai Makyou: Ziria, se presentaron unas historias mucho más fascinantes, incluso, que aquella que nos narra la propia aventura. La idea seminal brotó en 1986, cuando Ohji Hiroi (jefazo de la entonces conocida como Red Company) presentó un guión preliminar para una película de acción, encuadrada en el antiguo Japón, a la Studio Daiei. Este fue rechazado, pero unos cuantos meses más tarde, hizo lo mismo con el estudio Tokyo Movie Shinsha, quienes sí dieron su visto bueno, eso sí, con la condición de transformarlo en una serie anime. Por otra parte completamente distinta, el legendario animador Yoshiteru Tsujino, empleado por aquel entonces de la Telecom Animation Film, una filial de Tokyo Movie Shinsha, presentó a esta última unos bocetos artísticos con el fin de crear un anime de fantasía, y dar un giro en su carrera. Dichos bocetos no fueron aceptados, pero por una serie de maravillosas casualidades, llegaron también a manos de Hudson Soft, precisamente en una reunión en la que también figuraba Ohji Hiroi. Así, las tres partes vieron interés en el proyecto, y se propusieron trabajar en conjunto para ir moldeando distintas ideas, pero ya no en forma de película, ni de anime, sino de videojuego. Y no uno cualquiera, ¡sino nada menos que el primer RPG de la historia en disco compacto!

Poco a poco comenzó a profundizarse en la visión, también revolucionaria, de encuadrar el juego en un Japón exageradamente idealizado, lleno de estereotipos distorsionados, anacronismos, elementos sobrenaturales, y cómicos malentendidos, ridiculizando sutil pero intencionadamente el concepto que los occidentales nos hemos creado de su contexto histórico y cultural. Para liar todavía más el asunto, Ohji Hiroi y otra gran personalidad como Hiroshi Adachi (director y guionista, respectivamente), actuaron en paralelo bajo el pseudónimo de Paul Hieronymus Chada, un sociólogo e historiador americano del siglo XIX (para más inri, normalmente representado con fotos de Karl Marx o Sigmund Freud) que habría escrito la novela de la que el juego iba a tomar inspiración, llamada concreta y precisamente Tengai Makyou: Ziria, que entre otras cosas, ya mencionaba al país ficticio de Jipang. Por supuesto, ni dicho historiador, ni dicha novela, existieron jamás. Todo un backstory ficticio tan delicioso como hilarante.

Y así, el proyecto empezó a rodar. Pero las incidencias derivadas, por una parte, de trabajar con una tecnología relativamente nueva, y por otra, de la inexperiencia de Red Company en el género de los RPG, no tardarían en llegar, y fueron amontonándose a una velocidad preocupante. El desarrollo conjunto entre ambas compañías estuvo inmerso en el más absoluto caos, entre un maremágnum de percances que llevaron a rechazos de ideas, cambios drásticos en su planificación, mecánica, personajes, guión y conceptos, e innumerables modificaciones en su código, hasta el punto de que el proyecto llegó a estar al límite de la cancelación. De hecho, el juego pasó por tres fases completamente distintas, y eso dejando a un lado los cambios anteriormente mencionados. En la primera de ellas, mostraba unos sprites con proporciones mucho más verticales y completamente realistas, un mapa muy distinto, y una arquitectura en sus formas que nada tuvo que ver con el producto acabado. Se descartó a mediados de 1988 y solamente se conservaron algunos diseños de enemigos. En la segunda, los sprites ya adoptaron perfiles super deformed, aunque lo más sorprendente es que en esta etapa no pretendía ser un JRPG por turnos… ¡sino un Action RPG! Los combates se celebraban en tiempo real, encuadrados en una pequeña ventanita que mostraba a Ziria luchando contra su enemigo, mientras que el campo de acción general tan solo ocupaba un tercio de la pantalla.

De hecho, existen vídeos, de un valor ciertamente incalculable, que nos muestran secuencias de cómo eran las dos primeras betas, y en ellos, se pueden apreciar algunas de las características comentadas. Podéis ver un par de ellos pinchando AQUÍ o AQUÍ.

A finales de 1988, se comenzó a trabajar en la versión que conocemos, parcialmente basada en la anterior, pero con cambios muy significativos, adoptando finalmente los combates por turnos y las bases sentadas por Dragon Quest en su jugabilidad. Algunas partes de la trama se simplificaron tomando como referencia lo ya escrito. Este último tramo de desarrollo duró poco más de medio año, pero si el juego llegó a ver la luz, no fue precisamente gracias al equipo que se encargaba de él, que continuaba con problemas críticos a la hora de manejar una tecnología tan nueva en el mundo de los videojuegos como era el CD. Viendo que todo empezaba a estar al borde del colapso, no tuvieron otro remedio que tirar de personal externo. Por una parte Akira Sakuma, creador de Momotarou Densetsu para Famicom, quien formaba parte del equipo de Hudson (pero no de Red), reorganizó planificaciones, uso de recursos, y contenido, y a su vez, trajo consigo a otra joven promesa llamada Shoji Masuda. Este se encargó de reestructurar y replantear muchos aspectos de la jugabilidad, como el sistema de combate, para hacerlos viables. Dos genios salvadores que lograron encarrilar el entuerto en cuestión de unos pocos meses, superar las dificultades insalvables con las que el resto del equipo se había topado, y finalmente, aunque fuese a contrarreloj, llevarlo a buen paradero. Algo muy, muy parecido a lo que sucedió con Mother 2 y Satoru Iwata. Sorprendentemente, ni Akira ni Shoji figuraron en los créditos del juego (¡ni siquiera en el ‘Special Thanks’!), pero por méritos propios, Shoji llegaría a ser el futuro director, guionista y diseñador de Tengai Makyou II: Manjimaru… Poca broma.

Más allá de los constantes anuncios publicitarios de Hudson, algunas publicaciones lo siguieron bien de cerca, mostrando mucha información, y muy detallada, de sus actualizaciones, con pantallazos de las betas, posibles nombres de personajes, esbozos de sus mecánicas y argumento, y un largo etc. Durante este dificultoso y alargadísimo proceso de creación, y aquí llega lo realmente interesante, sus programadores, en vista de la ingente cantidad de memoria de la que disponían para trabajar, no se molestaron ni siquiera en eliminar los restos de código desechado del producto definitivo, y lo mejor de todo, es que esas toneladas y toneladas de material sin usar quedaron grabadas en la ROM del disco, y son accesibles mediante métodos de decodificación y descompresión. Esto es muy habitual en prácticamente todos los juegos, pero no hasta este nivel de envergadura. Escenas descartadas, fragmentos de músicas y voces eliminados, cientos de líneas de diálogos omitidas, muchísimas pantallas que nunca aparecieron… son, en cierto modo, un documento de museo para la posteridad, que nos da pistas de los distintos cambios de dirección que afectaron a la obra. Incluso, en el in-game de su versión final, los programadores incluyeron un easter egg ultra-secreto al que solo se puede acceder ejecutando acciones muy concretas y nada coherentes. Sorprendentemente, muchos de estos “descubrimientos” no se realizaron hasta décadas después de haber salido a la venta el juego, y según se dice, todavía queda mucho por desenterrar entre las entrañas de su código.

Al igual que algunos de los juegos que he comentado recientemente, Tengai Makyou: Ziria salió adelante respaldado por creaciones en otros terrenos. Pocos meses tras su lanzamiento, y obviamente, solo en Japón, la editorial Kadokawa Shoten sacó al mercado una novela basada en el guión original del juego, a la que siguieron dos entregas más en 1991. En el 90, por otra parte, las compañías Takara, Kadokawa y TMS Entertainment Co., Ltd editaron en VHS Tengai makyo: Jiraiya Oboro Hen, una miniserie de dos OVAs, dirigida por el mismo Ohji Hiroi y dibujada por Yoshiteru Tsujino, con las peripecias de Ziria y sus compañeros, manteniendo algunos nombres, personajes, esquemas y conceptos, pero mostrando una aventura completamente distinta a la del juego, que incide más en la vertiente humorística y bizarra, y cuyo antagonistas principales son una bestia ancestral llamada Hiruko, y un coloso mecánico. Se reeditó en DVD en el 2005. Ambas obras, tanto los libros como el anime, se acercaron mucho más al guión primigenio que el propio juego, lo cual, no deja de resultar algo chocante. Por mucho que he indagado, me ha sido imposible dar con un enlace para poder visualizar la novela. Pero ambos OVAs sí se pueden ver en ESTE ENLACE, subtitulados en inglés por Orphan Fansubs hace tan solo dos años (a día de hoy, ni os molestéis en buscarlos en español).

Como última curiosidad, cabe señalar que, en 1992, se desarrolló un port para el periférico Super CD-ROM2, aunque no con fines estrictamente comerciales, sino como obsequio para los suscriptores de pago del club de fans Hudson, y para quienes presentasen la garantía de compra del PC Engine Duo-R, uno de los tantos modelos que salieron, que incorporaba consola, lector Super CD-ROM2, la BIOS necesaria, y un extra de RAM. La cuestión es que la jugada no tuvo, ni de lejos, el éxito esperado. Sus creadores erraron cálculos a la hora de producir las 30000 unidades, y gran parte de ellas se acabaron apilando en las estanterías de las tiendas. Yendo a la adaptación en sí… tampoco fue menos desastrosa. Aparte de no ofrecer apenas ningún aliciente extra, salvo una portada distinta, debido a una nefasta conversión, algunos tiempos de carga resultaban más lentos en la nueva unidad de CD que en aquella para el que fue diseñado originalmente. Increíble.

Como digo, todo esto es solo es rascar levemente la superficie, un escueto resumen de la montaña de particularidades, datos, nombres implicados e inverosimilitudes que trajo consigo el proceso de creación del que en su momento fue uno de los JRPG más revolucionarios y ambiciosos de la historia. Su trasfondo es absolutamente fascinante y atrapa seriamente, así que os animo a investigar más en profundidad cada uno de los hechos aquí puntualizados, porque os aseguro que tienen muchísima miga. Tengai Makyou: Ziria nadó en la opulencia y el privilegio, y además, fue un rotundo exitazo en su país natal.

- Primer RPG en formato CD.
- Primer videojuego en contar con la producción musical de Ryuichi Sakamoto y tres temas de su propia factura, grabados además con instrumentos reales y calidad CD.
- Secuencias animadas y más de 20 minutos de voces reales, insólitas en un RPG para videoconsola.
- Prestigiosos actores de doblaje que habían trabajado previamente en obras como Akira, Fist of the North Star, Saint Seiya, Dragon Ball o Lupin III. Entre ellos, Mitsuo Iwata, que puso voz a Ziria tanto en el RPG como en los OVAs.
- Diseños artísticos de Yoshiteru Tsujino.
- Guión de Hiroshi Adachi.
- Ambientación única en su momento.
- Una extensión inmensa para su época.
- Edición de lujo, y con un montón de extras en su interior.

En 1989 no se podía pedir más, porque de hecho, todo esto ya era, de por sí, algo muy difícil de creer.

Relación de imágenes:
- Imágenes 2, 3 y 4: Bocetos originales de Yoshiteru Tsujino.
- Imagen 5: Ohji Hiroi.
- Imagen 6: Yoshiteru Tsujino.
- Imagen 7: Equipo de desarrollo.
- Imágenes 8 y 9: Primera beta del juego.
- Imagen 10: Segunda beta del juego.
- Imagen 11: Akira Sakuma.
- Imagen 12: Shoji Masuda.
- Imágenes 13 y 14: Flyers publicitarios.
- Imagen 15: Los tres volúmenes de la novela.
- Imagen 16: Las dos carátulas de los OVA en versión VHS.
- Imagen 17: La carátula del OVA en versión DVD.
- Imagen 18: Modelo PC Engine Duo-R.
- Imagen 19: Carátula de la versión 'Not For Sale' de Tengai Makyou: Ziria.

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Tengai Makyou: Ziria (PC Engine CD, J-RPG)

2025-07-06T19:50:00.007+02:00

Tengai Makyou, conocida extraoficialmente como Far East of Eden fue, básicamente, una saga ideada para nacer, crecer, y morir en Japón, en lo que al ámbito de consola doméstica se refiere. El primer fruto de esta fue Tengai Makyou: Ziria, a mediados de 1989. Su profundo encuadre en el folclore oriental, sus referencias culturales y religiosas, y el hecho de que apareciese en exclusiva para un sistema como PC Engine, antes de que este fuese lanzado a nivel mundial, anularon casi instantáneamente sus perspectivas de distribución. Sin embargo, Tengai Makyou: Ziria se alzó con tres grandes honores que lo llevaron a convertirse en historia pura del JRPG. Primero, y más obvio, fue la ópera prima de una franquicia que hoy supera la docena de entregas. Segundo, fue el primer videojuego que contó con el trabajo musical de un portentoso genio como Ryuichi Sakamoto. Y el tercero, aquel por el que verdaderamente hablamos de una leyenda del género, es haber sido el primer RPG de la historia en mostrar orgulloso el logo de CD-ROM en su carátula, con lo que, a su vez, logró un cuarto hito: ser también el primero en mostrar secuencias animadas… ¡y narradas! Y eso, en su momento, fue como un asombroso milagro.

La sola pantalla de título ya impregna nuestros sentidos con esencia folclórica. El castillo, la música, los símbolos o el dragón, nos introducen de lleno, con tan solo unos segundos, en un universo cerrada y profundamente oriental como pocas veces se había visto antes en un JRPG. Tanto, que algunos de sus elementos narrativos, sobre todo en lo que se refiere a los personajes principales, se basaron en un antiguo cuento japonés inconcluso del siglo XIX, titulado Jiraiya Goketsu Monogatari. Muchos años después, dicho relato serviría también de inspiración a la archiconocida obra de Naruto. No acaban aquí los paralelismos, ya que Jipang, el país donde se desarrolla la historia, fue concebido como una reinterpretación exagerada del Japón feudal del periodo Muromachi, donde prácticas religiosas (budismo, ascetismo, sintoísmo…) o lugares históricos se entremezclan con la más desbordante fantasía (monstruos, héroes de leyenda, magia…). De hecho, el principal grupo antagonista de la aventura es el culto Daimon, una secta que, aprovechándose de la inocencia y bondad de las gentes, persigue la resurrección de un poderoso demonio que, mil años atrás en el tiempo, ya azotó sin piedad aquellas prósperas tierras. Por suerte, Masakado fue vencido entonces por el clan del fuego, un ejército de valerosos guerreros enviados por los dioses que, tras una sangrienta contienda, sellaron su cuerpo y alma en lugar sagrado con tres Orbes divinos. Ahora, incluso antes de su regreso, los efluvios malignos ya estremecen el mundo: el viendo aúlla blasfemias, la tierra se quiebra, los mares se secan… y será en esta ocasión Ziria, nuestro protagonista, quien tendrá que cargar con la tarea de volver a desterrar a Masakado de la faz del planeta. Descendiente del clan del fuego, deberá encontrar primero a dos semejantes que compartirán destino: Tsunade y Orochimaru. Combinando en perfectas dosis el más mordiente humor, con épico e intenso drama, estamos ante una aventura extraordinariamente larga y con muchos diálogos, a través de los cuales, los lugareños nos irán refrescando constantemente puntos de nuestra misión, y añadiendo conceptos e informaciones, con una frecuencia tan bien equilibrada que otorga un ritmo argumental excelente al juego. Aunque también hay mucho relleno, es muy recomendable prestar la máxima atención a los textos, ya que dejar pasar alguna pista podría desorientarnos peligrosamente. Conoceremos a decenas de personajes variados y carismáticos, desde artistas a reyes, desde maestros a inventores, y algunos como Hoteimaru o Koumou, entrañables a la fuerza. Hudson y Red Company quisieron hacerlo todo a lo grande, y esto solo es una minúscula muestra.

Por descontado, muy poco de lo dicho, y lo que está por decir, hubiese sido posible sin el uso del majestuoso CD, cuya capacidad de almacenamiento, en comparación con la de las Hu Cards, era una verdadera monstruosidad. Hablar hoy de esto es algo mundano y corriente, pero no lo era en absoluto en 1989. Gran parte del encanto de los personajes principales y secundarios, así como la gran capacidad inmersiva de la historia, fue gracias a las secuencias y avatares, a todo color, animadas, con un diseño estilo anime fantástico y de tamaño considerable. Daría cualquier cosa por ver la expresión de fulminante incredulidad de los primeros usuarios que se sentaban frente a su PC Engine CD y percibían estas maravillas tecnológicas por primera vez. Tuvo que ser algo alucinante. Quizá sus sprites nos puedan parecer pequeños, pero salta a la vista que son mucho más definidos y mejor coloreados que los de la inmensa mayoría de los RPG contemporáneos, y además, hacen gala de unas animaciones muy graciosas, resaltando siempre ese sentido del humor intrínseco al juego. De entre los habitantes, por ejemplo, podremos distinguir hasta más de una veintena de diseños, y muchísimos más en lo que respecta a los enemigos, a pesar de que se abusa bastante del recurso de cambio de color. La mayoría cuenta con un estilo de dibujo tan nítido, tamaño, nivel de detalle y movimientos de película, que no tiene nada que envidiar a los que podríamos ver en una Super Nintendo en su etapa media, incluso hay algunos tan gigantescos que ocupan todo el fondo. Y por cierto… vaya unos fondos. Una auténtica preciosidad de arte puro, mostrando paisajes de naturaleza viva y adaptándose, de forma muy apurada, a terrenos y entornos. Tal vez obras como Shining Force fueron herederas de su estilo y deslumbrante colorido, aunque tres años antes, era algo casi inaudito en una consola de sobremesa. Rara vez los pueblos se salen del estilo tradicional, cambiando solo algunos comercios y la distribución de sus construcciones. De nuevo, hay que ir al detalle, ya que casi siempre habrá elementos únicos, como ríos, cerezos en flor, estatuas budistas, balnearios… hasta llegar a la monumental Edo, con su teatro Kabuki y su festivo ambiente. La arquitectura asiática cobra protagonismo total, admirable sobre todo en castillos, templos y viviendas, que también contienen pequeñas alegrías decorativas, e igualmente, se trató de insuflar la mayor personalidad posible a sus mazmorras. Más allá de las típicas cuevas de tonalidades marrones, la traicionera pirámide de sal, el serpenteante ascenso al Monte Fuji o Innards Grotto (a imagen y semejanza de un tracto digestivo), son algunas de mis favoritas. Mención especial para los suelos de la estancia final, un inmenso mosaico cuya explosión de psicodélico detalle y colorido resulta abrumadora.

Arrancando el juego, lo primero que vemos, junto al nombre de Hudson y Red, es el de su productor musical. Y no es exagerado conceder tal honor cuando se trata de un genio universal como el grandísimo Ryuichi Sakamoto, que por desgracia, nos dejó hace poco más de dos años. Un artista cuyas composiciones trascendieron a casi todos los ámbitos, y su talento, más allá de la propia música. Ganador de infinidad de premios, artífice de bandas sonoras para grandes obras del cine, actor, y con una extensísima carrera discográfica a sus espaldas, el hecho de que esta fuese su primera incursión real en un videojuego es una de las medallas que más orgullosamente exhibe Tengai Makyou: Ziria. Sus voces, para las cuales se contó con 21 dobladores, es otra. La cosa es que solo la pantalla de título, y alguna pequeña secuencia, cuentan con temas de instrumentos reales pregrabados en calidad CD. El resto, están íntegramente generados por la propia consola, lo cual no significa que debamos subestimar, en absoluto, el potente chip sonoro de la PC Engine, que ofrece aquí lo mejor de sí mismo. A nivel compositivo, nos ofrece un riquísimo abanico de tesituras 100% orientales, con cantidad de instrumentos tradicionales muy bien sonorizados que nos ayudarán a zambullirnos plenamente en un universo rebosante de fantasía, misterio, leyendas, y encantamientos. Son en total una docena de fanfarrias, y más de 50 canciones distintas. Casi todas suenan al Japón (perdón, al Jipang) feudal, a samuráis, tatamis, kimonos y daimios, y aún a pesar de su homogeneidad estilística, pueden generar emociones muy distintas según su ritmo y tonalidad, gracias a unas melodías muy evocadoras. Otro mérito del amplio equipo musical del juego, entre ellos Sakamoto-san, que compuso tres temas. Normalmente son cortos y cíclicos, por lo que pueden hacerse algo repetitivos, pero su considerable número, sinónimo de fluctuación, lo compensa. Escuchamos unas cuantas distintas para los castillos, para los pueblos, mazmorras, jefes e incluso para los comercios, y varios de los personajes principales cuentan con la suya propia. Las vibraciones positivas y el buen humor también están muy presentes en ellas, y entre toda la colección, se filtra de vez en cuando algún pequeño blues, algún clavicordio barroco, piezas inquietantes, retazos del Oriente Medio, o alguna base orquestal. Es a la hora de luchar cuando se da paso a la acción más frenética. Las voces son deliciosamente sensacionales, y algo insólito hasta entonces en la historia del RPG, despuntando algunas como las de Tsunade o Hoteimaru por su hilaridad y elocuencia. Por sí solas, dan un caché gigantesco al apartado de los efectos sonoros, complementado con otros bastante buenos, como el croar de las ranas, hachazos, terremotos, rebotes… los mejores, sonarán durante las secuencias.

Puede ser un hueso bastante duro de roer, algo lento en sus primeros pasos, y en gran parte, tanto la dificultad como la diversión que pueda entrañar este Tengai Makyou: Ziria, son directamente proporcionales a lo que nos guste combatir. Los niveles ganados suelen ser poco agradecidos, pero con esfuerzo, y unas buenas sesiones de grindeo (hablo de milES de combates, en mi caso), al final nosotros mismos decidiremos hasta qué punto moldear la dificultad, y esto es algo muy conveniente si queremos ahorrarnos malos tragos. Las peleas son estrictamente por turnos, y de irrupción aleatoria, con una frecuencia irregular, pero bastante intensa, y su fluidez está dentro de lo aceptable, sobre todo, si escogemos la máxima velocidad de los textos. Fracasar en ellas nos costará la mitad de dinero acumulado, algo también inusual en la época, donde la posibilidad de perder horas de experiencia ganada estaba a la orden del día. La presentación del juego, al igual que su sistema de menús o mecánicas, dejan a las claras que fue, en su versión final (en un posterior artículo, ahondaré en ello), un firme alumno de Dragon Quest. Podemos charlar, usar ítems, examinar, y también invocar magias, aunque en este caso, más bien hablamos de las técnicas “jutsu”, que nos legan los senseis de artes marciales, o las bestias blancas sagradas a las que habremos de liberar durante nuestro periplo. Estas últimas, y los trece señores del culto Daimon a derrotar, actúan como puntales para el transcurso de la odisea, pero también en cada uno de los pueblos se nos pedirá casi siempre resolver algún sencillo entuerto, como reparar puentes, romper hechizos, purificar aguas, o devolver la razón a sus habitantes, algo que va aportando renovación de objetivos, y rompe el, por otra parte, excesivamente encorsetado patrón de villa-laberinto-villa, al tiempo que derrotamos algún demonio superior, exploramos las vastas áreas de terreno (para las que los mapas serán realmente útiles), mejoramos equipamiento, o resolvemos algún gracioso minijuego. Otro dato, para que os hagáis una idea de la magnitud del juego, es que existen la friolera de… ¡más de 85 emplazamientos distintos! Creo que nunca vi tantísimos pueblos en ningún RPG, otro fruto, sin duda, de las virtudes del formato CD. Por suerte, nuestro héroe puede correr, y eso agilizará un montón los desplazamientos. Aparte de lo adorables que resultan ciertos personajes (incluidos aquellos que se integran al equipo de forma temporal, como el monje pervertido), de lo mucho que nos transmiten sus gloriosas secuencias audiovisuales, de algún sacrificio trágico, y de lo dramático de la situación en Jipang, la emotividad no es su punto fuerte. Y sin embargo, esa reunión final puede ser capaz de sacarnos alguna lagrimilla, tras 50 horas acumuladas de epopeyas, tensión, y tantos amigos en el camino.

El enorme equipo humano tras Tengai Makyou: Ziria da una idea de lo ambicioso que fue su desarrollo, y el hecho de estrenarse como primer RPG en formato CD, le permitió lucir unas virtudes técnicas impensables para la época. Mezclando drama, humor y ficción histórica, consigue un perfecto equilibrio en donde todo tiene un aire entrañable, divertido y sencillo. Un RPG tremendamente clásico, deudor de los primeros Dragon Quest en sus mecánicas y aspecto, pero con un universo extrapolado al periodo feudal japonés, lo que le infundió una personalidad casi única. Hace un año y medio disfrutó de un pequeño revival mediático, gracias a la salida del esperadísimo parche inglés de LIPEMCO! Translations. Solo nos queda desear que alguien (o el mismo equipo de LIPEMCO, ¿por qué no?) se ponga manos a la obra para traducir Tengai Makyou II: Manjimaru. Sería toda una sorpresa. Y hablando de sorpresas… no os perdáis el último regalo que este Ziria nos tiene reservado tras su ending.

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Luces, cámara... ¡ACCIÓN!

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- Lo que más me gusta: Los grandiosos diseños de Yoshiteru Tsujino en esas increíbles secuencias. Las voces son excelentes. Los fondos de las peleas. Es largo, tiene buen ritmo argumental, y dificultad ajustada.

- Lo que menos me gusta: Tal vez, exceso de pueblos. Para algunos, las mazmorras pueden ofrecer poco reto. Algunos patrones jugables se hacen algo monótonos. Los temas suelen ser demasiado cortos.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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La influencia de los Yellow Magic Orchestra de Ryuichi Sakamoto, así como sus trabajos de música electrónica en solitario, ha sido algo fundamental en las bandas sonoras de los videojuegos prácticamente desde el nacimiento de estos. Es por ello que la primera participación de esta gran personalidad en un videojuego armó un enorme revuelo a finales de los 80. Fueron solo tres los temas que compuso, pero su ilustre nombre fue uno de sus más importantes reclamos. Por otra parte, en general, la música de todo el equipo se adaptó de maravilla al contexto visual del juego.

Title Theme. Sakamoto-san no solamente tuvo el gusto de escribir la canción de la pantalla principal, sino que además, es uno de los poquísimos cortes en los que escuchamos instrumentos reales. Y lo hizo a lo grande. Un tema vasto, lleno de mito e historia a partes iguales y una gran sensibilidad, que evoca en nuestra mente toda la amplitud, la tradición y la cultura del lejano y antiguo oriente, siendo sus influencias no solamente japonesas. Su cadencia, su percusión y sus vaivenes nos hechizan sin remedio, presentando un cambio marcado en su segunda mitad con nuevas formas musicales e instrumentos. Una total y absoluta delicia.

Gokumon Island. El paso hasta Gokumon es uno de los más importantes en la aventura. Una vez superada la claustrofóbica mazmorra, nos encontramos con esta pieza, que no descarta el tono misterioso. Sus influencias van más allá de las habituales, e incluye cierta aura hindú en su sonoridad ondeante, sugerente y misteriosa. Hay unas cuantas en el juego que tiran por estos derroteros musicales, como Mount Osore o Demonism Thirteen Guardians Theme, pero esta me gusta especialmente. De nuevo, presenta una primera parte que no se repite, esa ascendencia de notas tan exótica.

Mountain. Desde el gran monte Tsukuba, nuestro héroe atisba toda la belleza de su tierra, que el demonio Masakado podría hacer desaparecer en cualquier instante. Este podría ser uno de los significantes que poseen las notas que suenan en ella. Pese a la relativa simpleza y brevedad del tema, me ha resultado increíblemente inspirador, plasmando en cada nota la opresión y tristeza de la situación, al tiempo que mantiene ese sentimiento épico y ancestral que tanta personalidad dan a este RPG. Disfrutadla, porque no la volveréis a escuchar hasta mucho más tarde.

Lurking Enemy Castle 2. Es una de las varias que existen para los castillos, y concretamente esta, me sorprendió mucho la primera vez. Haciendo referencia al periodo barroco, es algo realmente único en el juego. Formada únicamente por ese sonido clavicordio, tan bien logrado por el chip de la consola, y notas bajas que se combinan de maravilla, la progresión de su melodía doblada genera un efecto casi hipnótico, pero sobre todo, muy inquietante entre los muros de tan peligrosas construcciones, llenas de trampas y monstruos. Incluso, diría, tiene su punto de tétrica elegancia.

Usual Town. Todos los temas de los pueblos son de un estilo muy similar, instrumentación tradicional, escalas orientales, y percusiones suaves o inexistentes, pero de melodías muy diferenciadas que nos transmiten unas u otras sensaciones. Esta es la que más me ha gustado, ya que aparte de esa personalidad tan oriental, imprime ese punto extra melancólico que va a más conforme avanza. Y si nos fijamos bien, es una composición repleta de detalles, muy trabajada, con varias líneas melódicas simultáneas que dejan un acabado magnífico, y que nos transporta al lejano país de Jipang.

Tsunade's Theme. Pero, aparte de un profundo drama, también existe un gran sentido humorístico en la aventura y en sus personajes. Tsunade es uno de mis favoritos, y también la melodía que acompaña sus apariciones y sus jocosos comentarios. Un tema que rompe por completo con la esencia general, brindándonos una base rítmica muy jazzy, unas tesituras muy vivas y más occidentales, de esas que invitan a chasquear los dedos, y que seguramente nos formarán una sonrisa. Como muchos otros, tiene un inicio único, donde, en este caso, ya se percibe ese feeling positivo y alegre.

Powers Kingdom (3DO, Tactical RPG)

2025-06-08T19:59:00.001+02:00

Sabed que, a la hora de presentar nuevas entradas en este blog, trato de cuidar al máximo la variedad, tanto de género, como de sistema, intentando por lo general espaciar y combinar debidamente ambas variables. Estudiando cuál debía ser el próximo, caí en la cuenta de que existe un sistema que todavía no ha dado la cara por aquí, y no es otro que aquel entrañable pero fallido intento de Panasonic por entrar en la guerra de las consolas: su flamante 3DO. En esta review, nos introducimos en su mundo con Powers Kingdom, titulado Guardian War solo en EEUU, un Tactical RPG (aunque luego matizaré esta etiqueta) exclusivo que llegó de la mano de una compañía de obligatoria mención si hablamos de RPG de ordenadores japoneses de 8 y 16 bits, época en cuya carrera floreció especialmente. Obras como el soberbio Illusion City, y por supuesto, la saga Xak, le valieron merecidos elogios. Tras desarrollar Fray CD: Gaiden y Xak III: The Eternal Recurrence en PC Engine CD, el equipo de Micro Cabin dio el salto hasta otra de las poquísimas consolas de sobremesa en las que trabajaron, embarcándose en proyectos como Lucienne's Quest y este que nos ocupa, a su vez, dos de los escasos JRPG existentes para la malograda 32 bits.

Another world… another time. Son las palabras con las que arranca la historia / intro, y que de algún modo, se convirtieron por derecho propio en algo casi icónico del propio juego. Y sin embargo, poco más se aporta sobre ella de lo que aquí, en estos breves minutos de la presentación, se nos cuenta. Es aquí donde se establece la base argumental del juego, y en verdad, el único punto donde existe un mínimo desarrollo, ya que durante el juego, cualquier acontecimiento que pueda proporcionar evolución en el guión, o giros medianamente interesantes en la trama, brilla completamente por su ausencia. No es un juego donde haya mucho que rascar en este aspecto. Salvo los cambios de escenario global, o el encuentro con algún ser fantástico (como Word, la ballena, de cuyo estómago deberemos suprimir los parásitos que la incapacitan, para que nos lance a un nuevo nivel), no hay ni siquiera personajes secundarios, ni ninguna misión paralela que dé más vidilla al contexto de la historia, que es tan redomadamente clásica como simplona y manida ya para su época. Es un juego que, además, carece casi por completo de textos relevantes o diálogos, por lo que cualquiera, aunque no domine el inglés, puede disfrutar de sus, por otra parte, grandes cualidades en otros apartados. De hecho, ya en la presentación, parece que la historia se cuenta de forma exprés, a trancas y barrancas, y con omisión de detalles, dando sensación, desde ese momento, de ser una excusa muy vaga y poco trabajada para dar paso inmediato a la acción, como algo que sus programadores quisieron quitarse de encima rápidamente. Un demonio llamado Azrael es la personificación del mal mismo. Su aparición en el mundo misterioso y mágico de Powers Kingdom, (no se sabe la razón), trae consigo el deterioro de toda vida, en un planeta donde la luz y la abundancia originaban todo tipo de fauna y flora. Gradualmente, la tierra va perdiendo fertilidad, y las plantas comunes se transforman en verdaderas abominaciones. Algo similar a lo que ocurre con los animales, que van enloqueciendo y perdiendo su forma. Grotescos monstruos, nacidos de ese oscuro poder, pululan por tierra, mar y aire, haciéndose cada vez más fuertes y numerosos, atacando a los habitantes de los pueblos y contaminando sus almas de maldad. Azrael se presenta como la antítesis y el enemigo de Erald, diosa de la bondad, y gobernante de este, hasta ahora, próspero mundo. Conocedora del gran cataclismo que se cierne sobre sus dominios, contraataca con su último y más poderoso recurso: dar vida a sus golems guerreros, que serán guiados por el amor, la esperanza, el coraje… y por supuesto, un buen arsenal de espadas, arcos, varas, alabardas y poderes mágicos.

También la introducción nos da a probar algunas cucharaditas de sus esfuerzos técnicos, entre estampas de lo más cósmico, y secuencias en un Full Motion Video típico de la época, poco definido, y algo tramado, que apenas volveremos a ver en el resto de la aventura. Esta presenta dos variantes estéticas. Por una parte, el mapa general, que parece extraído de un juego tipo dokapon (como podría ser, por ejemplo, Sugoroku Quest), y muestra las distintas campañas en forma de casillas unidas por líneas. Y por otra, los escenarios en donde transcurrirán las cruentas batallas. El juego fue desarrollado íntegramente tirando de texturas y sprites bidimensionales, pero con un planteamiento 3D. Para que os hagáis una idea, estilo Wolfenstein 3D pero con sabor a dungeon crawler. De hecho, en la representación de sus entornos, alberga cierto encanto de esos juegos de rol occidentales de principios de los 90, pero también recuerda, ligeramente, a obras seminales del JRPG como Dragon Slayer en los mapas de apoyo. Dejando a un lado la decepción de los pueblos, representados por un icono y un simple cartel de ‘Shop’, y la relativa sencillez de sus mapas generales, los localizaciones interiores pseudo-tridimensionales se mueven con fluidez, sin tirones ni ralentizaciones, y todas ellos presentan horizontes fijos muy bonitos, que nos dejan un efecto de distancia y profundidad interesante. Son escenarios acotados, manejables, no demasiado grandes, algunos bastante abiertos, y otros más angostos, pero por encima de todo, tan numerosos, originales y variados entre sí, que vienen a ser, sin duda, uno de los grandes puntos fuertes de Powers Kingdom. El páramo de hongos gigantes, por poner uno de los más lustrosos ejemplos, es un derroche de colorido, formas y detalle que querremos explorar hasta el último de sus rincones, pero también destacan otros, como los bosques, los palacios de marfil, las playas, el barco, las sabanas, los fondos marinos, y hasta las entrañas de una ballena. Incluso alguno de ellos posee sus propias animaciones climáticas, como relámpagos o rocas desprendiéndose, lo que, a mi parecer, les da un halo muy místico y vivo, por no hablar de sus elementos decorativos, previamente digitalizados, algo que se extiende a muchos otros lugares. No todos son lo que se dice preciosos, pero tienen carisma. Veremos unos cuantos efectos especiales en los combates, como bolas multicolor, iluminaciones, relámpagos o tornados, rotaciones… que resultan vistosos y de calidad, y nuestros intrépidos luchadores, sin ser un prodigio del diseño, están lo suficientemente bien caracterizados en su estilo deformed como para que podamos distinguir en ellos cada uno de los 26 jobs que pueden adoptar. Aunque su ángulo es manejable en 360 grados, a veces la cámara es más incómoda de lo deseable.

Aquellos que me conocen, saben de buena tinta que el Metal es para mí, más que una simple afición, una forma de vida. Y ojo, porque menudo sorpresón me he llevado al respecto con su colección musical, una de las más cañeras que he escuchado nunca en un RPG, siendo concretamente este tipo de temas los que le dan verdadera personalidad. Auténtico Heavy Metal, y no va en broma, mucho más poderoso, incluso, que aquello a lo que nos tienen acostumbrados compositores como Motoi Sakuraba. Es algo que ya se puede apreciar desde el primer mapa principal. Riffs pesadísimos y contundentes, guitarras crujientes y graves, armónicos gritones, solos largos y tremendamente virtuosos, bajos gruesos, aderezos ligeros de tecla, y baterías tan aplastantes, con doble pedal incluido, que os costará no poneros a hacer headbanging. Y en todo ello, ni un solo atisbo de chiptune, todo grabado con instrumentos reales. Temas que, por estilo compositivo, perfectamente podrían haber firmado astros de las seis cuerdas como Vinnie Moore, John Petrucci, Steve Wilson o el mismísimo Dimebag Darrel, pero que en realidad, nos llegaron de la inspiración de dos músicos, para mí bastante desconocidos, como Yukiharu Urita y Yasufumi Fukuda, figuras clave en las bandas sonoras de Micro Cabin. Especialmente con las guitarras, hicieron un trabajo maravilloso, regalándonos sublimes y variadas ambientaciones, aún dentro de un mismo rollo. Pero es que, además, se nota que fueron temas compuestos con mucho gusto y pasión. Fijaos, por ejemplo, en esos bruscos cambios rítmicos y estructurales que nos asaltan en mitad de alguno de ellos, a mí me han dejado desconcertado. Para colmo de bienes, son larguísimas. Saliendo ya de esa faceta más agresiva, también late la diversidad, incluso tocando algunos palos que uno no esperaría. Ahí podemos escuchar ese punto pop / new age en algunas, toques de rock neoclásico, aires ligeramente sesenteros, coros siderales, alguna sutil percusión electrónica, efectos de sonido integrados, y una instrumentación que se desmarca un tanto de lo dicho anteriormente, con trompetas, saxos, pianos (¡soberbios!), flautas étnicas o marimbas, pero mucho más esparcidos y puntuales. Y sobre todo, mucho jazz en distintas corrientes, lo cual, es otra muestra de talento creativo. A pesar del formato CD, se nota un exceso de compresión en las pistas que las hace sonar a todas un pelín faltas de definición, y al final, tampoco son excesivas en número, pero su calidad musical salta al oído. Ojalá las voces hubiesen estado al mismo nivel. Sin sonar del todo mal, las narraciones fallan estrepitosamente a la hora de transmitir emoción por su tono tan plano y desaborido. Y de entre los sonidos FX, me quedaría con el de abrir los cofres, las pisadas según terreno, o el de algunas magias. El de petrificación, es excelente.

En el terreno audiovisual mantiene unas buenas constantes, pero es en el jugable donde más se acelera su pulso. Maticemos, antes de nada, esa categorización de Tactical RPG. Es la que más se le ajusta, pero Powers Kingdom también incluye en su mecánica retazos ligeros de dungeon crawler, acción, y estrategia. El movimiento en las mazmorras es completamente libre y sin límite de tiempo. Cuando nos enfrentemos con un escuadrón enemigo, que podremos atisbar a distancia, el ángulo con el que lo hagamos, puede marcar una gran diferencia en el resultado de cada pelea, que se celebran por turnos, al más puro estilo Tactical. Para ampliar nuestro equipo, deberemos despertar a nuestros compañeros en los templos y asignarles una profesión, topando aquí con otro de los puntos más interesantes del juego. Podremos desbloquear y escoger entre 26 distintas, como chamán, arquero, hombre-pájaro, ninja, curandero… y sus respectivas evoluciones, y además, cada luchador puede desarrollar una principal y adoptar dos secundarias, aunque solo el uso de las técnicas propias sumará experiencia. Esto da como resultado montones de combinaciones, aunque carezcan de verdadera sinergia. Con la experiencia, no solo evolucionaremos el propio nivel del personaje, también el de su oficio, y un buen equilibrio en la elección de estos es fundamental, ya que podremos incluso combinar magias de un poder devastador. Y es que la efectividad del tipo de ataque (físico, mágico / elemental…) no solo varía respecto a nuestra fortaleza, sino también según las características del objetivo. Para ayudarnos con la marabunta de enemigos que tendremos que derrotar en cada fase (algunas, con jefe propio), contaremos también con paneles en el suelo, ya sean de recuperación de magia o salud, tele transportes, defensa… y un mapa que es todo un ejemplo de eficiencia tirando de la más espartana simpleza. La dificultad, para mi gusto, es casi perfecta. No quiero decir con ello que el juego sea un camino de rosas, o que no nos vayan a fulminar en varias ocasiones, pero sí es cierto que no muestra esa malicia tan amarga de otros Tactical. Para empezar, no existe contraataque, lo que facilita sutilmente las cosas. Se puede salvar en cualquier momento, existen fases de grindeo donde subir nivel a nuestro antojo, y el de los enemigos será siempre fijo. Y muy importante: se puede abandonar la campaña en cualquier momento, de inmediato, y conservando la experiencia ganada. La posibilidad de reclutar bestias es original y loable, pero dejará de ser funcional cuando tengamos seis o más golems en nuestro equipo. Asimismo, mediante objetos bien guardados, podremos acceder a fases secretas. No dejéis de comprar objetos en las tiendas. Nunca sufriremos escasez de dinero, y la mejora de armas y armaduras proporcionará enormes beneficios.

Es al adentrarse en sus mecánicas cuando uno cae realmente bajo su poder de atracción. Esta vez he tenido suerte en mi decisión, con un Tactical más bien amigable, duro pero justo, en el que el triunfo o el fracaso dependen enteramente de la habilidad y el tiempo invertido, minimizando el peso del factor suerte, y con muchos añadidos en pos de la QoL, algo que considero muy de agradecer. Se podría recomendar, de hecho, a quien ni siquiera tenga demasiada experiencia en el género, aunque su enfoque se aparta bastante de algunos convencionalismos de este. A parte de poder cargar partida en cualquier momento, combinar casi a placer las acciones de usar ítem / acción / movimiento en los combates, o experimentar con los distintos jobs sin perder más tiempo del deseable, sus controles no exigen demasiado aprendizaje. Dicho todo esto de otra forma, Powers Kingdom es, jugablemente hablando, sinónimo de una palabra que amo profundamente en todos los sentidos: libertad.

- Lo que más me gusta: El aspecto de algunos escenarios y su diversidad. Banda sonora flipante. Mecánica fácil de dominar y adictivo in crescendo. Los jobs. Gran libertad jugable, y sin ‘permadeath’.

- Lo que menos me gusta: La visión puede ser incómoda en algunos momentos. Menús lentos, e inventario muy pequeño. A las voces les falta mucha chispa. Historia poco esmerada y con nulo desarrollo.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Aunar en un mismo producto RPG y Heavy Metal es, para mí, sinónimo de paraíso. Una parte importante de la banda sonora de Powers Kingdom está formada por piezas de este estilo, y por ello, entre otras razones, hacía mucho tiempo que no gozaba tanto con la música de un juego. Junto con el resto, donde también podemos encontrar maravillas, se podría decir que son lo que realmente aporta el punto de emotividad a una aventura en cuyos otros apartados brilla por su ausencia. Una sorpresa mayúscula que no esperaba ni de lejos. Creedme, merece la pena dedicar tiempo a escucharlas enteras.

World Map 1. Me apetece empezar por esta, por ser una de las primeras y de las que más me han impactado. En sus notas, en sus tempos y su sonido, ya se puede apreciar una evidente clase metalera, con la justa melodía en su inicio y muy contundente gracias a sus riffs gordos y contundentes, pero sin desmerecer a los destellos melódicos que, cada vez más, van haciéndose los protagonistas del tema, hasta convertirse en un solo largo y trepidante, a cien notas por segundo, que quita el hipo en su recta final. No desentonaría, para nada, en uno de los primeros trabajos de Satriani.

Tenkuu. Como podéis apreciar con ella, el juego también guarda no pocos contrastes musicales. Posiblemente, esta sea la más, digamos, contemporánea en cuanto a estilo, aunque queda bastante claro, aun con incisos, que lo suyo es el jazz, un jazz dinámico y lleno de energía positiva y una cadencia de las que me enamoran, formado por teclados, bajos, y algún elemento sintetizado. También recuerda por esta combinación, el ritmo y melodía, al dance de finales de los 80 o principios de los 90, y si estuviésemos hablando de la banda sonora de Breath of Fire III, sería una más.

Boss. En no pocas ocasiones, en los RPG, los jefes finales nos traen consigo algunas de las piezas más pesadas y cañeras, y por supuesto, en este caso no iba a producirse la excepción. Dentro del espectro de temas metaleros, es una de mis favoritas. El riff, tremendamente grave y machacón, pasa a sonar incluso más brutal con los cambios de ritmo. Imposible no mover la melena con ella. El tratamiento de las guitarras, en general, es fabuloso, cargado de detalles que se despliegan aún más en sus últimos compases, con otro flipante solo que es pura velocidad y adrenalina.

Shop. Creo que un poco más de creatividad a la hora de representar los pueblos no habría estado mal... pero eso es algo que en absoluto se le puede achacar a la banda sonora de estos. Entra como algo tremendamente chocante, cuando pasamos de riffs infernales y heavys, a una composición que es puro soft jazz y pura inspiración, de las que invitan a permanecer un rato en las tiendas, incluso a cerrar los ojos para dejarse llevar por esas hipnóticas y ensoñadoras ambientaciones que crean sus pianos, sus charles, sus guitarras... y qué melodía tan alucinante... ¡Me encanta!

Last Boss. Esta se pasea por terrenos más rockeros, para ser más específicos. En su primera parte, cobran una marcada sonoridad los bajos, los teclados (con un punto synth), y por supuesto, esas casi omnipresentes guitarras eléctricas, enlazando punteos y armónicos, formando melodías cada vez más fervientes y emotivas, y a partir de la segunda mitad, rugiendo con más fuerza. Incluso, a nivel rítmico, y ya casi al final, se desbocan los caballos en un parte que no es sino el clímax de un tema fantástico, que a pesar de la tensión del momento, vale la pena paladear.

Shinden. Para terminar de forma descendiente en intensidad (rítmica, que no sensorial), os invito a que escuchéis esta joya tan diferente. Aparece tan solo en escenas puntuales, y en el interior de los templos, y la ambientación que les proporciona, no podría ser más de pureza y divinidad. Los instrumentos que construyen las melodías son suaves, y aunque es una pieza tranquila, técnicamente es más compleja de lo que parece, sobre todo, en esas estructuras de piano. Las flautas étnicas suenan de maravilla, y la irregular percusión también contribuye a su innegable espiritualidad.

Ganpuru: Gunman's Proof (Super Famicom, Aventura RPG)

2025-05-14T19:13:00.000+02:00

En mi reciente e inolvidable viaje a Japón, ya lo sabéis, tuve como principal objetivo el avistamiento de RPG para Super Famicom en las innumerables tiendas que visité. De entre la larga lista de títulos, había algunos que no esperaba ni siquiera encontrar por su rareza y su elevadísima cotización, y uno de ellos era este maravilloso Ganpuru: Gunman’s Proof (o Gunple: Gunman’s Proof, según cómo entendamos su fonética). Tras unos cuantos intentos, al fin di con él. Y aunque, por desgracia, es un juego que nunca podré costearme... el haberlo visto con mis propios ojos, resplandeciente, en aquellas estanterías enormes que solo albergaban lo más ostentoso de cada consola, me removió unas ganas incontenibles de volver a zambullirme en su mundo, y presentarlo en este blog como merece un diamante de su tamaño. Nos trasladamos, nada menos, que al año 1997. RPG tan importantes como Grandia, Breath of Fire III, Panzer Dragoon Saga, y sobre todo, Final Fantasy VII, llegaban a las consolas de nueva generación, y Super Nintendo se encontraba ya en las últimas etapas de su vejez. Un año en el cual sus juegos ya salían con cuentagotas, y no obstante, demostró con hechos que todavía podía dar a luz grandísimas obras.
Un trasfondo único, una ambientación rebosante de creatividad y carisma, y un tono meticulosamente elaborado para que nada se salga lo más mínimo de sus márgenes, pueden convertir enfoques y mecánicas ya vistas en otros títulos, en algo realmente especial, y aquí es donde este Ganpuru: Gunman’s Proof brilla con luz cegadora. Esto no es una odisea de ciencia ficción, aunque haya ovnis y monstruos extraterrestres. Tampoco una recreación histórica del salvaje oeste, pues existen cantidad de elementos anacrónicos. Y sin embargo, es la deliciosa mezcla de ambos universos, sazonada con un afilado sentido del humor nipón, una presentación infinitamente adorable, y montañas de ingenio, lo que conseguirá que esta creación de Lenar, autores también del fantástico Magna Braban: Henreki no Yuusha, se infiltre en lo más hondo de nuestro corazón para no volver a salir de ahí. Una historia, como ya cabe adivinar con estas premisas, de lo más inverosímil, tratada con sensibilidad, amor y sencillez, hasta los topes de ocurrencias geniales, y personajes de lo más variopinto, empezando por nuestro protagonista (un niño inocente y algo bobalicón, cuyo cuerpo es “abducido” en pos de salvar la tierra), y continuando por fantasmas codiciosos, maestros de artes marciales, armeros en paro, un burro parlante… Todo parece, incluso, demasiado aleatorio, pero os aseguro que el resultado de esa unión imposible es profundamente arrebatador. El año es el 1880. Un día cualquiera, en unas lejanas tierras rurales del Oeste profundo, concretamente, en un lugar llamado Strange Island, se produce la colisión de dos gigantescos meteoritos. Los aldeanos, absortos en las duras tareas diarias, no dan mayor crédito a lo ocurrido, pero pronto los acontecimientos empiezan a irse de las manos. Extrañas criaturas, nunca antes vistas, pululan los páramos, bosques y desiertos, y lo que es peor, atacan a sus apacibles gentes, dañan sus viviendas, y escriben groserías en el trasero de sus animales (¡!). En uno de sus paseos, un niño presencia aterrorizado la llegada de un platillo volante. A bordo, dos sheriffs del planeta Aitch-Cue, que persiguen al causante de todo este alboroto, un bandolero cósmico llamado Demi. Mediante una tronchante simbiosis, nuestro amigo se convertirá en el azote de los malvados demiseeds, y también en todo aquello que nunca fue: un verdadero héroe. Una vez establecida la base, la trama avanza poco a poco, mediante pequeños sucesos, todos ellos tratados con gran comicidad. No esperéis grandes complicaciones, elaborados giros, ni nada que vaya a romper radicalmente los esquemas del guión, pero eso sí, si hay algo que no se puede cuestionar, es su original planteamiento.
Bosquecitos, saltos de agua, solitarias llanuras, rojizas montañas, desiertos, cañones, y hasta una playa. Cactus, un clásico saloon, cabañas de troncos, abrevaderos y sheriffs. Sombreros de cowboy, chalecos, flecos, badanas… ¿Sigo, o captáis ya la idea? ¡Bienvenidos al salvaje Oeste! O mejor dicho, a este particular Oeste, donde absolutamente todo nos recibe con un colorido exuberante, un entrañable aire de fábula, y un tono descaradamente alegre y tierno, que guarda no pocas similitudes en espíritu con una de mis sagas favoritas de todos los tiempos: Mother. Y solo ese ligero aroma, ese sutil atisbo de parentesco, ya es suficiente para hacerme caer rendido a sus pies. Pero dejando a un lado este hecho, Gunman’s Proof tiene cualidades propias más que suficientes para conseguirlo. El primer contacto con el pueblo de Bronco es, en sí mismo, un poema a la más lúcida alegría. Flores bailando al son que marca el viento, ríos que parecen querer salirse de su cauce, el intensísimo verde de los pastos… y en general, el radiante colorido de todo cuanto nos rodea. Todo es extremadamente encantador, y orgullosamente infantiloide. A partir de aquí, nuestros ojos se irán posando en más y más detalles conforme vayamos descubriendo sus rincones, como sus acogedores y rústicos hogares, y las muchas pantallas de naturaleza bucólica que vendrán por delante, por las que nos moveremos mediante un scroll de tramos. Sin duda, algo que llama poderosamente la atención son las animaciones. Las de los NPC son graciosas y atractivas, pero especialmente las del personaje principal, son una auténtica gozada. Su fluidez gelatinosa, y de estilo 100% japonés, es casi hipnótica, y sus gestos y expresiones nos recordarán, incluso, al célebre personaje de Shin-chan. Y es curioso, porque en verdad, los diseños y la paleta empleada son relativamente planos, huyendo de coloraciones frondosas y excesivas florituras en el pixel-art, pero es precisamente ese estilo tan distinguido lo que dota al juego de una personalidad arrolladora. Como ya habéis leído al principio, la cantidad de zonas distintas que visitaremos es encomiable, así como la variedad en las temáticas de las mazmorras: ruinas, minas, un laberíntico pueblo fantasma… y tampoco en sus interiores, que poseen un clarísimo look a lo The Legend of Zelda: A Link to the Past por el uso de la perspectiva, se descuidaron los detalles. Las luces oscilantes, el hechizador movimiento del agua, o los suelos de madera en una de las torres, son buenas muestras, y en muchos, se notan las avanzadas técnicas de programación del momento. En otros, como esas nubes garabateadas ‘al crayón’, imperan la inocencia y la simplicidad que tan bien nos sabe transmitir. Los enemigos lucen una caracterización entre lo bizarro y lo cómico, con un toque de serie B, dignos de una aventura como esta.
Más que de artificios y opulencias técnicas, se sirve de su gracia y su chispa para conquistar al jugador, un poder que también posee su banda sonora. Su calidad general es tan elevada, que se le perdona el hecho de tener relativamente pocos cortes. Por otro lado, cada zona del mapeado, y cada una de las mazmorras, tiene el suyo propio, y eso juega a favor de la variedad, ya que estaremos constantemente cambiando de unas a otras. Además, son bastante largos: muchos llegan al minuto y medio, y hay de aquel que incluso supera los dos. Obviamente, en una aventura tan enclavada en el salvaje Oeste, tienen gran peso temas galopantes, fonterizos, polvorientos y sureños, que casan de fábula con los paisajes. Las trompetas, marimbas, silbidos, guitarras y por supuesto, los banjos, se encargan de ello, y la predominancia en el empleo de tonos mayores, refuerzan esa energía positiva que lo impregna todo. Pero no creáis que la banda sonora se cierra solo a ellos, porque existen varios estilos, a priori incongruentes con su naturaleza, que le van como anillo al dedo. De nuevo, máxima creatividad al poder para regalar nuestros oídos con temas de lo más festivo, como el de la pantalla de título y sus voces digitalizadas, otros mucho más sensibles, como aquel que nos introduce al pueblo de Bronco, algunos que gritan misterio (ese clima fantasmal de la ciudad de los muertos es sublime), varias fusiones de géneros… ¡y hasta un pícaro ska se cuela por ahí! Son unos pocos ejemplos, pero con todo esto, la lista de instrumentos sigue creciendo, con contrabajos que suenan de rechupete, pianos, fagots, flautas, clavicordios, trombones, coros sampleados, hammonds… para que veáis el colorido de su paleta musical. Varios de los temas ganan muchísimo carisma simplemente por la inclusión de instrumentos concretos y exclusivos en ellos, y eso es algo que me ha gustado mucho. De hecho, si se escucha atentamente, es fácil percibir más líneas e instrumentos de los encontrados a primera escucha. Aun con estructuras más sencillas, pueden exhibir una fuerza tremenda plasmando ambientaciones entre lo místico y lo insólito, lo cual es muy notorio en los oscuros calabozos. También existe alguna base orquestada ligera, pero siempre dejando fluir la melodía. Recalcar también la gran diversidad en sus percusiones, desde las más suaves, tirando de escobillas o charles, hasta otras profundas y estrepitosas, con timbales y explosiones integradas. Quizá pierda un pelín de cohesión en sus últimos cortes, pero siguen siendo realmente buenos, nada que empañe el impecable resultado final. Los sonidos FX están un poco por debajo, algo escasos y faltos de sofisticación para los 32 Mb del cartucho, pero destacan algunos como los “aterrizajes”, los distintos sonidos de disparos, el de las rocas al romperse, o algunas exclamaciones.
Odio aquello de “es un clon de…”. Me parece una expresión vulgar, que reduce al juego en cuestión a una simple copia sin alma de aquel con el que se equipara. Y es que, al final, cada juego tiene su propia naturaleza y aspectos, por pequeños que sean, que le otorgan una personalidad única. Por otra parte, es imposible no ver en esta aventura RPG la influencia de The Legend of Zelda: A Link to the Past, en la disposición de sus mazmorras, en sus menús, en sus mapas, en el desplazamiento o en su mecánica. Sin embargo, Ganpuru: Gunman’s Proof tiene en ese puntazo shooter una de sus grandes señas de identidad. Podremos movernos y disparar en 8 direcciones armas y técnicas cuyo uso aprenderemos de los personajes amigos, uzis, escopetas, bazucas, lanzallamas, morning star, el taladro, espectaculares bombas, y el arma básica, que también irá mejorando. También a la hora de explorar sus mazmorras, encontramos ese rasgo tan emocionante de arqueología y tesoros, que nos trae a la mente a títulos como los Evolution, aunque sea de refilón. Curiosamente, y aunque al final solo sirva para alimentar nuestra propia satisfacción, el juego remarca bastante las exageradas puntuaciones que conseguimos, tanto al descubrir artilugios, como al derrotar enemigos o terminar las mazmorras en ciertos límites de tiempo. Puro old school. Más aventura que RPG, dispondremos de tres vidas para completarla, pero como no perdemos ganancias, ni hay niveles, ni experiencia, no supondrá una gran tragedia agotarlas. Los principales escollos se encuentran en los jefes finales, y en el laberíntico diseño de cada mazmorra. Nuestro héroe hará gala de su agilidad sobre todo en estas últimas, saltando desde las alturas, reptando cual serpiente, moviéndose con una fiel respuesta a nuestro control, de forma rápida y fluida, y disparando a todo monstruo que se le cruce. Estos se respamean con cada nueva pantalla, y cambian en el mapa general conforme progresa la aventura. Ahí va un consejo: intentad dominar cuanto antes el uso del botón R, os facilitará mucho la tarea de exterminar a las marabuntas. Lo que sí he notado es cierto desequilibrio entre la dificultad de sus ruinas, siendo la tercera y la cuarta mucho más difíciles que todas las posteriores, cosa también atribuible a sus final boss. Algunas son ciertamente traicioneras, con varias salidas al exterior, pinchos, agujeros, habitaciones saturadas de enemigos y caminos superpuestos que pondrán en jaque a nuestra orientación. Estamos ante una aventura de dificultad media (tirando a fácil) y corta, pero que no querremos que termine nunca por lo ardientemente divertida que resulta, por su intensidad, y al mismo tiempo, por esa embriagadora placidez que resulta de recorrer, una y otra vez, cada uno de sus silvestres entornos. Una combinación, sin duda, genuina y magistral.
No solo se trata de uno de los últimos títulos programados para Super Nintendo, sino que además, su creación está envuelta en un halo de misterio, al no existir apenas información sobre el staff que lo llevó a cabo. Una vez más, insisto en que os olvidéis de puntuaciones, ya que estamos ante algo mucho más cálido y plagado de genialidad de lo que pueden reflejar simples números. No lo dudéis ni un segundo, probadlo, jugadlo, disfrutadlo en toda su grandeza, dejaos atrapar plenamente por la magia de sus idílicos entornos, su dulce humor, y ah… esa preciosa música… porque Ganpuru: Gunman’s Proof tiene un ‘algo’ tan profundamente hechizador, un espíritu tan vivaracho y conmovedor, que es imposible no caer enamorado de él en pocos minutos. Un esquema ya visto en otros títulos, pero revestido de tanta originalidad, que todo te parecerá totalmente fresco y vibrante. La ley del oeste, es la ley del revólver, así que ya sabes… ¡Desenfunda rápido, forastero! ¡Yiiiiiiihaaaa!

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Esos jefes tan simpaticones

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- Lo que más me gusta: Es un juego con un alma inmensa, y un escenario casi único en su especie. Las animaciones del protagonista. Su maravillosa música te hace sonreír. Dificultad accesible y control perfecto.

- Lo que menos me gusta: Escasa interactividad con los entornos. Su brevedad (y calidad) nos deja con muchas ganas de más. Que no haya más pueblos, ni más composiciones. Historia con poco desarrollo.

----OTROS ANÁLISIS RECOMENDADOS----

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LA MÚSICA DE ESTE RPG

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Ganpuru: Gunman's Proof sorprende hasta en su ending, ante la ausencia total de créditos. Tras horas (literalmente) navegando y buscando el nombre de su compositor, me ha sido imposible hallarlo. Por relación, se podrían barajar nombres como Tenpei Sato, Kiyoshiro Sada, o Nobuyuki Shioda... pero me temo que siempre nos quedaremos con la incertidumbre en este tema. Ahora bien... ¿Qué cuernos nos importa quién fue el autor, cuando al final, podemos paladear en todo su esplendor una banda sonora de tantísima calidad y gusto compositivo? Vamos allá, porque esto es un joyón.

Home Town. Sin duda, una de las grandes joyas de la corona, una de esas maravillas musicales que otorgan a Ganpuru: Gunman's Proof una personalidad prácticamente incomparable. Al principio de la aventura, me daba incluso lástima abandonar el pueblo por no dejar de escucharla. Su inicio cantarín a base de violines nos trae uno de sus grandes regalos, esos silbidos que marcan una segunda melodía principal, hasta arriba de alegría, de emociones positivas, de una luminosidad incandescente. A pesar de su brevedad, os aseguro que por mucho que la escuchéis, no dejaréis de apreciarla. Las formas de los bajos, por primera vez, nos traen un dulce recuerdo, de nuevo, a los Mother.

Scenario 1. Os voy a proponer una imagen. Una escena de vuestros veranos de infancia, en el campo, en un día de verano despejado y soleado, donde la felicidad y la despreocupación predominaban sobre cualquier otra cosa. Pues eso es justo lo que ha logrado transmitirme esta hermosa canción, que escucharemos en las primeras áreas de mapa general. Su duración, de dos minutos y medio, es un prodigio, y en ella se combinan, con mucho candor y toneladas de buenas vibraciones, guitarras, flautas, varios tipos de percusión, violines... formando una melodía absolutamente sublime.

Demiseed Boss. Cambiemos de registros melosos a otros más saltones... ¡Porque toca bailarnos todo un ska! Otra de esas composiciones tan genuinas como irresistibles. Con ella, os será imposible dejar el pie quieto, a pesar de estar concentrados en la batalla contra los jefes. Destapa una especie de chasquido su frenético ritmo y sus intensas y llameantes trompetas, que van tejiendo poco a poco esquemas más complejos, en los que destacan esos bajos, enloquecidos casi al final, y sobre todo, esos atolondrados enlaces de baterías cargadísimas de jazz, que suenan a locura.

Scenario 2. Si antes os dije que no podrías parar de mover los pies, en esta ocasión, y a falta de una silla de montar, os pondréis a trotar directamente sobre la vuestra. Pura esencia del juego. Su ritmo es adicción, y sus marimbas, tocadas de fantasía, nos harán sentir de lleno en esos frondosos bosques y peligrosas llanuras donde el enemigo, Derringer en mano, nos acecha. Si las anteriores resultan fascinantes, esta termina de redondear esa increíble y profunda ambientación que posee el juego. Al final, el tema rompe su tono, antes de volver de nuevo al galope.

Demi's Mountain. Pelearás duro para lograr alcanzar la mismísima morada de Demi, y una vez allí, podrás deleitar tus oídos con esta magnífica pieza que nos salta por sorpresa, alejándose completamente de la tónica general del juego. A base de clavicordios, una excelente combinación de metalófonos y golpes de viento, crea una atmósfera realmente inquietante, un tema que guarda mucho aroma a cabaret siniestro con cierto regusto barroco, original, rompedor, virtuoso, subyugante... Por su tono, me recuerda a Zombie Palace, del inolvidable Chou Mahou Tairiku WOZZ.

The End. Y, querid@s lectores/as, cómo me ENCANTA poder despedir un juego, que ya de por sí me ha transmitido a raudales, con lágrimas, o con una sonrisa que no me cabe en el rostro, motivado por su última canción. En este caso, ha sido la segunda opción. Y es que... qué decir de esta composición... ¡Es un vacile sin frenos! Gozadla y comprobadlo vosotros mismos. Banjos a toda pastilla, una melodía 100% 'redneck country', y lo que más hondo me ha tocado, esas burlonas voces extraterrestres "cantando". Para mayor disfrute, incluye una variación del tema de Robaton, pero más acelerada y cómica, si cabe. La oda, el broche definitivo a ese humor tan adorable que envuelve todo el juego. No importa si la escuchamos durante 3, o 30 minutos. Es imposible parar.

¡Dale vida al Cubo! (con SD2SP2)

2025-04-30T19:09:00.001+02:00

Juegazos tan incontestables como The Legend of Zelda: The Wind Waker, Paper Mario: La Puerta Milenaria, o ambos Baten Kaitos, me han hecho pasar momentos grandiosos, y de hecho, están entre algunas de las mejores ‘vivencias RPG’ que he tenido nunca. Y sin embargo, si os soy sincero, GameCube no es una de las consolas que más he disfrutado, ni que mayor impacto han tenido en mí. Le tengo cariño, claro, y como fiel Nintendero que fui, me la compré de salida... pero por desgracia fue, en aquellos tiempos, donde mi interés por la actualidad empezaba a diluirse severamente. Hace poco revisaba su catálogo, no sin cierta nostalgia, cavilando sobre todo esto, y pensé que sería genial quitarle las telarañas, dedicarle más tiempo y acercar a estas páginas algunos de sus RPG que me faltan por jugar. No fueron muy relevantes en número, pero aparte de los mencionados, hay unos cuantos que pintan demasiado interesantes como para seguir ignorándolos. Sé que es algo que podría solucionar tirando de Dolphin, el mejor emulador de la consola, pero a mí me gusta tener una experiencia fiel, con mandos y sistema original. Y tras un rato indagando, di con la clave: algo tan pequeño, tan simple, y tan fácil de instalar como el SD2SP2.

Y justamente, a ello vengo, a explicaros, por si os puede interesar, la forma de hacer que vuestra GameCube sea capaz de correr imágenes de juegos, con el que probablemente es el método más inocuo y fácil que existe en la actualidad, sin manipulación interna de ningún tipo, sin alterar para nada la placa base y/o el lector. Y esto para mí es perfecto, porque nunca fui muy lanzado a la hora de ponerme con soldaduras, ni toquetear cables, lentes o chips. Por cierto, soy consciente de que este tutorial quedaría mejor en vídeo, pero de momento, sigo dándole la espalda a ese formato, así que por favor, no me lo pidáis, jeje.

Sé que existen algunos tutoriales en Internet (en texto, y sí, también en vídeo) que lo muestran más o menos, pero hay muy pocos en castellano, y entre ellos, algunos cuyas explicaciones dejan bastante que desear, o peor todavía, son de hace bastantes años y se han quedado obsoletos ante la aparición de nuevas versiones de los programas necesarios. Obviamente, yo he conseguido instalar mi SD2SP2 siguiendo las instrucciones de varios de ellos, pero sí es verdad que, aunque es un proceso muy sencillo, he tenido ciertos problemas con algunos pasos bastante tiquismiquis, o con requisitos imprescindibles en los que no se hace tanto hincapié como se debería. Al final me costó más de lo que pensaba, y por ello, voy a intentar describir el proceso de la forma más actualizada, detallada y fácil posible, y eso sí, cualquier duda o problema que os surja, podéis dejármelo en los comentarios y os contestaré encantado.

El SD2SP2, básicamente, es una tarjetita pequeña con una conexión de puerto y un slot para Micro SD. Se introduce en el Serial Port 2, un puerto situado en la cara inferior de la GameCube (el más pequeño), protegido por una tapa, y desde ahí, carga las ISOs de los juegos. Mientras que el Serial Port 1 se empleó para conectar módems de 56K y adaptadores de banda ancha, y el Hi Speed Port para encajar el Game Boy Player, el Serial Port 2 no tuvo nunca una función comercial, y solamente se usó en fases de desarrollo de los juegos, como debugger. El SD2SP2 es muy fácil de encontrar, hay muchísimas tiendas que lo venden, incluidas esas ‘chinosas’ que todos conocemos, a un precio de baratija. Yo lo adquirí por el irrisorio precio de 0,99 dólares, y además, en su versión 2.0, que posee unas características técnicas y de rendimiento muy superiores a las de la primera versión. También existe la versión PRO, que tiene otro diseño, y supongo, algunas ventajas más. Yo me decidí por la 2.0, porque leí muy buenas opiniones sobre ella, y por su precio.

Vamos allá. Creedme, es mucho más simple de lo que parece.

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COSAS QUE NECESITAMOS TENER
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- Una GameCube (con o sin modificar por chip, es indiferente) con puerto Serial 2, que la inmensa mayoría tienen.

- Acceso a una Wii con el canal Homebrew Channel instalado.

- Un pendrive o SD para la Wii. Si tenéis la Wii pirateada para pendrive, fantástico, menos trabajo. Si no, es imprescindible una tarjeta SD de 4 Gb como máximo (es muy probable que, si es más grande, no funcione).

- Una Micro SD todo lo grande que queráis, que irá al SD2SP2 de la GameCube, para guardar ahí las ISOS. Aunque funcionan muchas marcas y modelos, es mejor que le echéis un ojo a esta lista. No es muy completa, pero puede servir de guía.

- Una Memory Card de GameCube de 8 Megabits / 123 bloques como mínimo (ojo, esto es MUY importante).

- El SD2SP2, en mi caso, el que os explico, el 2.0

- Lector de tarjetas en el PC o portátil.

- Un juego de esta lista, ya que para cada uno hay un xploit distinto (ya explicaré más adelante qué es esto). Si tenéis el The Legend of Zelda: The Wind Waker ¡Eureka! es el que mejor funciona.

Ahora, vamos por partes.

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ARCHIVOS A DESCARGAR
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- GameCube Memory Manager (actualmente, va por la versión 1.5.2), para gestionar desde la Wii la Memory Card de GameCube.

- Swiss (la última versión por ahora es la r1826). Es la interfaz desde la que vamos a poder acceder a nuestras ISOS desde el SD2SP2.

- Xploit correspondiente al disco de GameCube que vayáis a usar para acceder al Swiss. Por ejemplo, si vais a usar el The Legend of Zelda: The Wind Waker, os bajáis ese mismo xploit de esta lista. El xploit, a grandes rasgos, es un archivo que aprovecha el momento de cargar partida en un disco para acceder al menú Swiss, pasando por uno de los archivos que grabaremos en la Memory Card.

Por último, no olvidéis formatear la SD que irá al SD2SP2 de la GameCube, y si usáis otra para la Wii (en lugar de pendrive), también. Teóricamente, el SD2SP2 admite tanto exFAT como FAT32, pero yo aconsejo que lo hagáis en FAT32. Podéis usar este programa para hacerlo, sea del tamaño que sea la SD.

Seguidamente, descomprimidlo todo, y os iré diciendo qué archivos hay que grabar en qué sitio.

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PREPARANDO EL PENDRIVE / SD DE LA WII EN EL PC
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- Tenéis que crear, en el directorio raíz del pendrive o SD que vaya a la Wii, dos carpetas, una que se llame “apps” (sin las comillas), y otra que se llame "MCBACKUP" (en mayúsculas, y sin las comillas).

- En la carpeta apps, hay que grabar lo siguiente:

          - Los archivos “boot.dol”, “icon.png” i “meta.xml” que hay en el directorio “gcmm_1.5.2 -> wii -> gcmm”.

- En la carpeta MCBACKUP, hay que grabar lo siguiente:

          - El xploit del juego que hayamos escogido. Si es el del The Legend of Zelda: The Wind Waker, por ejemplo, será el archivo “gzlp.gci”. Y si es otro juego, tenéis que usar siempre el archivo cuya cuarta letra termine en “p” (de Pal), dando por hecho que tenéis una GameCube Pal, claro. Si fuese una japonesa, sería el acabado en “j”, y si es americana, en “e”.

          - El archivo “boot.gci”, que se encuentra en el directorio “swiss_r1826 -> MemoryCard”. Este archivo no cabe en una Memory Card básica de 4Mb (59 bloques), y por eso es imprescindible tener, al menos, una de 8Mb (123 bloques).

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PREPARANDO LA MICRO SD DE LA GAME CUBE / SD2SP2 EN EL PC
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- Localizad el archivo “swiss_r1826.dol”, que se encuentra en el directorio “swiss_r1826 -> DOL” y renombrarlo como “autoexec.dol”. Ese “autoexec.dol”, lo pegáis en la raíz de la Micro SD. Nota: He de decir que, por error, en mi última prueba olvidé copiar este archivo en la raíz de la micro SD, y aún así, tanto el Swiss como los juegos cargaban perfectamente. No tengo ni idea del porqué. Pero por si las moscas… hacedlo.

- En la raíz de la micro SD, tenéis que crear una carpeta que será donde guardaréis vuestros juegos / ISOs. Podéis ponerle el nombre que queráis, incluso crear sub-carpetas para tenerlo todo más organizadito si sois tan neuróticos como yo.

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TRABAJANDO DESDE LA WII...
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(Recordad que es imprescindible que tenga el Homebrew Channel instalado).

- Introducid el pendrive en el puerto inferior (nunca en el otro), o bien la SD en la ranura delantera, según con lo que trabajéis. Es decir, lo que hemos preparado antes desde el PC.

- Introducid la Memory Card (de GameCube) en el Slot A (de la Wii).

- Acceded al Homebrew Channel, y de ahí a la App llamada GCMM.

- Siguiendo el menú del GCMM (que es muy intuitivo), tenéis que formatear la Memory Card de GameCube. Nota: Lógicamente se eliminará todo lo que haya en ella, así que si queréis salvaguardar las partidas que contenga, podéis hacerlo también desde el GCMM, y se guardarán en la carpeta MCBACKUP.

- Una vez formateada la Memory Card, y también a través del GCMM, debéis copiar desde el medio (pendrive o SD) a la Memory Card, los archivos que previamente habíamos grabado en dicho pendrive o SD: “gzlp.gci” y el “boot.gci”.

- Cuando se hayan transferido los archivos, salimos del GCMM con el botón HOME del mando de la Switch, y podemos apagar la consola. ¡Ya tenemos la Memory Card preparada!

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TRABAJANDO DESDE LA GAME CUBE...
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Queda ya lo más fácil.

- En el SD2SP2, insertamos la micro SD que previamente habíamos preparado (que contendrá el archivo “autoexec.dol" y la carpeta de las ISOs).

- Insertamos el SD2SP2 (con la micro SD ya metida), en el Puerto Serial 2 de la GameCube. Nota: El SD2SP2 “baila” un poco, así que aseguraos de que hace buen contacto, y sobre todo, de que lo hayáis colocado con sus caras en la posición correcta.

- Insertamos la Memory Card de GameCube en el Slot A.

- Poned en la bandeja el disco para el cual os hayáis bajado el xploit (como digo, yo aconsejo el The Legend of Zelda: The Wind Waker), y encended la consola.

- No tenéis que hacer nada salvo esperar. En el momento en que el juego trate de acceder a la Memory Card para mostrar las partidas salvadas, el xploit hará su función, y se cargará automáticamente el Swiss con todos los ISOs que hayamos grabado previamente. Si os ha funcionado, enhorabuena. A disfrutar de todos esos grandes títulos.

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INFORMACIÓN EXTRA
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- Si al intentar cargar el Swiss se os reinicia la consola… mal rollo. Algo habéis hecho mal. Revisad bien punto por punto, y aseguraos de que habéis copiado bien el archivo correcto en las carpetas que tocan, y que todo ello ha sido nombrado correctamente.

- Si la consola no se reinicia, pero no detecta el SD2SP2, apagad la consola, sacad el SD2SP2, volved a meterlo, y repetid el mismo proceso de carga. Como digo, el puñetero tiene bastante baile, y a veces no contacta bien.

Para acceder al menú Swiss, siempre tendréis que arrancar la consola con el disco del juego escogido para el xploit metido en la bandeja.

- NO COMPRÉIS tarjetas SD de Aliexpress. La mayoría son una estafa. Al principio parece que funcionan, pero su capacidad no es la que pone, y sus tablas de particiones se descomponen en seguida. Casi seguro que lo barato os va a salir caro. Yo mismo caí en ese error. Casi me volví loco tratando de averiguar qué estaba haciendo mal en el proceso, y al final la culpa era de la dichosa tarjetita. Fijaos si el vendedor era consciente de que era falsa, que al ponerle la reclamación me reintegró el dinero casi inmediatamente, y no me pidió ni que le devolviera la SD…

- Los juegos funcionan perfectamente en formato ISO.

- Una vez en Swiss, si pulsáis B, accederéis al menú inferior, donde podéis cambiar resoluciones y varias opciones más. Pero yo he preferido no tocar nada y dejarlo todo de forma nativa. También, justo antes de cargar cada ISO, se nos ofrece la posibilidad de configurar algunos otros parámetros del juego en cuestión.

- Aunque hay quien afirma que si la consola no está chipeada solo correrá los juegos de su región, a mí los americanos y los japoneses me han cargado sin el más mínimo problema en mi GameCube Pal. Tal vez sea una de las mejoras incorporadas en la versión 2.0 del SD2SP2.

- Y para mayor alegría, he comprobado que también coge ISOs previamente parcheadas a otro idioma (por ejemplo, el Super Robot Taisen GC parcheado al inglés).

- Tened en cuenta que se pueden emplear otros programas y otras aplicaciones compatibles con el SD2SP2. Y por supuesto, hay muchos otros métodos para jugar Homebrew y juegos de otras regiones en GameCube, como el chip Xeno o el Freeloader respectivamente… A mí este que os explico me pareció el más sencillo, rápido, y económico. Aun teniendo que comprarme una Memory Card más grande, en total me gasté unos 8 euros.

Nada más, espero que os haya sido útil este tutorial. Gracias por leerlo, y un saludo a tod@s.

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Fecha de adquisición: 26 de Febrero del 2025.
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