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He recuperado un pequeño texto extraído de “Joan Fontcuberta habla con Cristina Zelich” (La Fabrica, 2001) donde explica claramente los fines de la fotografía conceptual.

“Yo pertenezco a una generación vinculada a las propuestas del arte conceptual, donde no es que tengamos que justificar la obra con discursos sino que sostenemos que la obra es el discurso, es decir, el trabajo del artista es el discurso y la obra es una ilustración del mismo. Dicho de una manera más llana, lo importante son los contenidos las ideas, las propuestas, y en el fondo las fotografías que hagamos en tanto que obras artísticas no son más que la manera de ilustrar u hacer explícitos esos enunciados.”

“Podríamos establecer dos líneas de actuación fotográfica que se nos presentan como posibles: hay fotógrafos que utilizan la fotografía para conocer el mundo, y otros que se plantean que antes deben conocer la fotografía misma. No se trata de dar preferencia a una opción sobre la otra, o de presentarlas como posiciones antagónicas, sino que son complementarias y se enriquecen recíprocamente.

No obstante, siendo ambas legítimas y plausibles, yo me adscribiría a la segunda corriente, es decir, antes de enfocar mi cámara hacia el mundo, tengo que que saber cómo funciona esa cámara, tener presente que no es un instrumento absolutamente transparente sino que va a introducir una serie de elementos distorsionadores.”

“Hay, pues, dos tendencias. Una apunta hacia fines documentales y la otra hacia fines expresivos. Lo cual no implica que lo documental no sea artístico ni lo artístico documental. No hay que ser maniqueo. A mí ambas opciones me parecen necesarias y complementarias como extremos de la naturaleza contradictoria de la fotografía.”

Fontcuberta tiene una de las mejores páginas webs personales, aunque un tanto desactualizada, por lo menos en español.

http://www.fontcuberta.com/

Desde hace varios años ha retratado su entorno inmediato; su taxi. Oscar muestra como la fotografía contemporánea se enriquece y depende de los accesos que se tiene a un mundo particular. Aquel que cuenta una historia desde un conocimiento íntimo y profundo sobre lo que se quiere decir y mostrar.

Es difícil combinar distintos fotógrafos sin que parezca un popurrí cualquiera. A pesar de ello, una buena edición y combinación con el sonido hacen estos vídeos muy interesantes.

http://www.purpose.fr/projections.html

El trabajo entero se puede ver en la página de Signatures.

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Salvando el exotismo es bastante aburrido el tema.

http://www.setos.jp/

http://postalak.blogspot.com/

http://franoprochazka.com/

http://www.renatodagostin.com

http://www.mrtoledano.com/

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http://www.darinmickey.com

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El infierno de los vivos no es algo por venir; hay uno, el que ya existe aquí, el infierno que habitamos todos los días, que formamos estando juntos. Hay dos maneras de no sufrirlo. La primera es fácil para muchos: aceptar el infierno y volverse parte de él hasta el punto de dejar de verlo. La segunda es arriesgada y exige atención y aprendizaje continuos: buscar y saber reconocer quién y qué, en medio del infierno, no es infierno, y hacer que dure, y dejarle espacio. Las ciudades invisibles. Italo Calvino

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Vanessa tiene 50 años, dos libros publicados, diversos premios entre los que destacan dos World Press Photo y ha expuesto en Inglaterra, USA, Holanda, Francia… Que triste me parece ganar un concurso de Descubrimientos después de tanto trabajo.

Opino que deberían cambiar el nombre de Descubrimientos por el de Reconocimientos, el de ahora me confunde mucho, pensaba que a Vanessa no la conocía ni Dios hasta que he visto su biografía.

Me han contado que hay que pagar 275€ para ser descubierto (que timo), que no les hacen exposición (a pesar de estar en las condiciones del concurso), que muchos visionadores (en teoría por lo que pagas) no van o no hacen nada y que muchos de los “descubrimientos” se sienten un poco defraudados.

Pese a todo me encanta el trabajo de Vanessa y creo que es un reconocimiento merecido.

http://www.vanessawinship.com

Los formalistas rusos habían distinguido entre una mirada meramente receptiva, que reconocía lo ya conocido, y otra activa, capaz de descubrir lo nuevo. Para que ésta fuera posible era necesario que el fotógrafo tratara de conseguir en sus obras que la percepción del espectador dejara de funcionar de modo automático.

Pero no debía intentar que lo desconocido naciera de lo conocido mediante algún tipo de sorpresa, sino que tenía que emplear recursos que lograran que lo conocido se convirtiera en desconocido.

Viktor Sklovski, uno de los principales teóricos del formalismo ruso, llamaba a estos recursos ‘ostranenie’, palabra que significa extrañamiento, aunque también se pueda traducir como desfamiliarización o distanciamiento.

Al emplearlo, la mirada superficial y contaminada por la tradición, se transformaba en visión y conocimiento. Superar el mero reconocimiento rompía el automatismo de la percepción, significaba hacer consciente lo inadvertido y resucitar la experiencia.

Fragmento del libro Variaciones en España. Fotografía y arte 1900-1980, de Horacio Fernández Martínez.

Foto: Cristobal Hara

http://www.gianfrancotripodo.com

Tan comprometido estaba con el color que cuando llegó a dominarlo destruyó todos sus negativos en blanco y negro.

De él tan solo nos ha llegado un Photobolsillo y alguna referencia. Una pena.

Os recomiendo ver este vídeo sobre Gonzalo Juanes.