Evento criado pelos alunos da Licenciatura e Mestrado em Fotografia do IPT, que durou um ano lectivo e que conhece agora a sua etapa final. As “Noites da Fotografia” ocorrem todas as segundas-feiras à noite no piso 1 do Theatro Bar. Apresentação e debate sobre trabalhos de autor, filmes, conferências, tertúlia (e às vezes alguns copos).

Conjunto de conferências sobre fotografia que ocorrerão na Livraria Sá da Costa, numa organização conjunta da revista Coelacanto e o José Soudo. Estarei numa delas, a 31 de Outubro, a propósito das novas produções contemporâneas. Como se pode verificar pelo programa acima, muita coisa com interesse e a acompanhar de perto.

É desse sonho que vêem estas palavras, vêem também do que fica por trás de todas as fotografias, desse ato compulsivo, sóbrio, de tentar captar, não uma realidade visível, uma paisagem, mas como tudo isso fascina, não apenas de um conceito de belo, mas sobretudo de uma razão descodificadora de um fascínio, e da vivência vital de um momento, que se quer fixar, materializar numa dimensão de memória, arquivar numa permanência viva, transmitir.

Duarte Belo, a pretexto de “Construção da Fuga”, exposição ocorrida recentemente no CAI-IPT em Tomar, sobre a qual o autor tem desenvolvido um conjunto de escritos de grande interesse para quem se interessa pela fotografia de paisagem. No blog Cidade Infinita.

Noções de Atlas, de arquivo e de território estão fundamente embrenhadas nesta mostra inédita acerca dos processos do fotógrafo, cuja extensão de trabalho sobre o território luso é absolutamente notável, mas a folha de sala pode ser mais esclarecedora para a compreensão desta mostra: ” Com a exposição “A CONSTRUÇÃO DA FUGA: território, mapeamento e processo em Duarte Belo” propõe-se uma reflexão sobre e a partir do processo de trabalho de um dos autores cuja atividade há mais tempo e mais sistematicamente vem incidindo na relação de constituição que se estabelece entre a imagem e o território.

A extensa obra de Duarte Belo sobre o território português serviu de pretexto para uma abordagem coletiva por parte dos alunos do Mestrado em Fotografia do IPT, sob a tutela do próprio autor e do curador Nuno Faria.

Face a um trabalho que mapeou intensiva e extensivamente o território nacional nos últimos vinte e cinco anos, cuja sistematização de abordagem ao terreno se verte também depois na constituição de um massivo arquivo – no qual consta, só do território português, o impressionante número de 750.000 imagens -, tornou-se imperioso constituir um discurso expositivo que não apenas sinalizasse o sentido de missão inerente a esta empresa de recolha da paisagem e do património edificado nacional, mas que pudesse também propor novas relações de leitura com as imagens, amplificando o que per si é já de tão ampla natureza.

Fotografias, mapas, textos, desenhos, apontamentos, itinerários. Materiais que documentam um caminhar e, de alguma forma, elucidam sobre o processo e metodologias subjacentes à gestão de uma grande quantidade de informação e à constituição de um arquivo que é, ele próprio, um lugar que se desvincula do seu referente, do espaço fotografado que representa.

Optou-se por dividir esta proposta expositiva em dois núcleos: o primeiro propõe uma leitura sobre o processo, desenhando uma linha de imagens à altura do olhar cuja relação se estabelece por contiguidade/afeição ou contraste/oposição visual, a partir de uma lógica do intervalo que se cria entre imagens colocadas lado a lado. É desta linha estruturante que, em forma de rizoma, derivam pequenos núcleos de imagens que se constituem já a partir de uma lógica de contaminação ou de tipologia, intersetada por planos cartográficos, listagens toponímicas e notas de campo que sedimentam uma construção quase geológica. O segundo núcleo apresenta conjuntos de pequenas provas fotográficas, amostras de território constituídas em representação, que se constituem como o próprio solo do trabalho do autor. Estas imagens, expostas numa sucessão quase indiscernível de diferenças e repetições, tornam claro o rigor documental e a profundidade interpretativa que caracterizam  o  método  de  mapeamento  e  registo  erigido  pelo  autor.  Na  parede, combinações de provas tipográficas, estabelecem a necessária ligação a uma das principais dimensões do trabalho do autor: a edição em livro.

Esta leitura propicia uma curiosa inversão que é de dupla natureza: por um lado, conhecido o imenso arquivo de imagens do fotógrafo, e de modo mais geral o gigantismo indiscreto com que por vezes no contexto artístico se exibe fotografia, opta-se por uma apresentação contida, no sentido em que aquilo que se apresenta é somente uma pequena amostra que, contudo, subsume a grande envergadura e abrangência do levantamento. A essa inversão junta-se uma outra, ligada aos regimes de apresentação: documentos e cartografias, naturalmente legíveis de modo horizontal, são aqui apresentados no plano vertical; as imagens, tradicionalmente exibidas verticalmente, são-nos aqui apresentadas no plano horizontal. No primeiro núcleo, o processo é-nos apresentado através de um conjunto mais significativo de imagens, ainda que algumas delas sejam apenas fac-similes de documentos do autor, que nos descrevem o processo de modo mais amplo e complexo, como um todo. Se existe aqui uma quase subversão na relação de importância entre fotografia e processo, naturalmente se revela também a frutuosa complementaridade entre ambos, numa mostra que além disso patenteia de modo inegável essa ambígua relação da identidade fotográfica, que vive entre a arte e o documento. “A Construção da Fuga” é um processo de leitura do território, dos fazeres humanos sobre a terra, sobre a paisagem, é a fabricação de um lugar entre o real e o imaginário.
João Henriques / Nuno Faria”

©Pedro Lucas: detalhe da exposição

©Pedro Lucas: detalhe da exposição

©Pedro Lucas: Duarte Belo (esq), Nuno Faria (dir)

Dia 16 MARÇO 2012 – sexta – das 16h às 19h
► no CENTRO NACIONAL CULTURA ►http://t.co/r6BCItLA
ENCONTRO /Conferência com a presença de Guilherme D’Oliveira Martins, Annabela Rita, João Valente Aguiar, Manuela Paraíso e Alice Valente Alves.
►APRESENTAÇÃO de «[imagem_ns] – A Imagem Na Arte»
►E «CORPOtraçoCORPO – a poesia e a pintura» com a projecção das 72 obras das 8 das nove cores do projecto realizadas e apresentadas até ao momento.

O Ciclo Imagem pretende discutir livros de James Elkins, Georges Didi-Huberman, Aby Warburg, Victor Stoichita e Hans Belting que pensam, problematizam e discutem a imagem em sessões com um convidado que lançará a discussão.

Haverá ainda oportunidade de ouvir directamente três dos autores discutidos, James Elkins (15.02.2012), Georges Didi-Huberman e Victor Stoichita (16.03.2012).

O Ciclo Imagem, organizado pela Linha Teoria da Arte e Práticas Disciplinares em História da Arte do Instituto de História da Arte da FCSH, terá lugar às 5ªs feiras das 18h às 20h (5 seminários de debate e 2 sessões de discussão com os autores). O ciclo é organizado com a colaboração de: Projecto Ymago, Golgona Anghel e Silvina Rodrigues Lopes (Centro de Estudos do Imaginário Literário — FCSH), Fernando Cabral Martins (FCSH), Vanessa Brito (Instituto de Filosofia e Linguagem — FCSH), André Barata (Instituto de Filosofia Prática — UBI).

A participação é livre, mediante inscrição para cicloimagem@gmail.com.

Programa:
09.02.2012 18h às 20h: James Elkins. What Photography Is.
15.02.2012 12h: encontro com James Elkins
08.03.2012 18h às 20h: Georges Didi-Huberman. Imagens apesar de tudo.
16.03.2012 10h30: encontro com G. Didi-Huberman e Viktor Stoichita
12.04.2012 18h às 20h: Aby Warburg. O Nascimento de Vénus e A Primavera de Sandro Boticelli.
03.05.2012 18h às 20h: Viktor Stoichita. O Efeito Pigmalião.
24.05.2012 18h às 20h: Hans Belting. A verdadeira Imagem.

Não deixa de ser curioso que a grande questão em torno do trabalho de Edgar Martins pareça girar em torno do artifício, como também não o é menos, a que consiste em sustentar a eficácia do mesmo através do recurso à sua artificialidade. Inicialmente nem sequer assumido, posteriormente embaraçadamente escondido e agora alegremente abraçado, o artifìcio surge aqui apoiado na insustentável lezeva da electricidade, no qual nem sequer cabe a anedótica e recente expressão, de que “dantes tinha medo do escuro, agora tenho medo da (conta da) luz”. Mas de que é que falamos quando falamos de artifício? Se a palavra parece remeter de imediato para a artificialidade, com que por exemplo se caracteríza a luz eléctrica por comparação à luz solar (natural), mais complicado parece de perceber em que outra relação se alicerça. No caso deste trabalho de Edgar Martins será na imponente arquitectura dos edifícios que sustentam a máquina da produção eléctrica, nos equipamentos sci-fi que os povoam, ou quiçá no conjunto fotográfico, cuja proposta é de um mundo quase ficcional e irreal, ou está-se dissimuladamente a aludir ao competente passado do fotógrafo em “alisar algumas rugas”, utilizando o photoshop como ferramenta conceptual já para não dizer mercantil?

Ainda que se levem algumas questões desta exposição há outras sobre as quais interessa reflectir, nomeadamente no artifício que está contido no preço actual da luz num momento em que perante o grave estado do país, a EDP apresenta os melhores resultados de sempre; no artifício que consiste na destruição de património único e natural a troco de mais uma barragem; no artifício do apoio governamental às energias renováveis – em que a EDP tem sido um dos principais beneficários – sem que isso signifique benefício directo para o consumidor; no artifício da privatização da energia eléctrica e da entrada de accionistas que vêm ao chamariz do subsídio público à actividade privada; no artifício de se nomear um administrador que aufere milhares de euros mensais sem que o valor que acrescenta à empresa tenha sequer uma correspondência mínima com aquilo que aufere, e que para mais afirma que quanto mais ganhar melhor, pois mais impostos paga, embora já não benefície os empregados da mesma bitola.

Escrito desta maneira até parece cartilha de esquerda, contudo o abitpixel rejeita conotações partidárias (mas não políticas) e não perde de vista o essencial do artigo: estes são assuntos do interesse público, em que o artifício reside essencialmente na forma como foram sendo escamoteados e contornados, aos quais o artista não parece dar resposta que vá para além de umas fotos técnica e estéticamente bem feitas. Discute-se o tempo enquanto conceito metafísico (e helás, artificial), quase como quem discute a meteorologia, porque pouco mais parece haver para dizer. De que teor é esta fotografia? É documental, artística, serão ambas incompatíveis? Deverá levantar questões? Ou não? Este parece ser mais um momento em  que as encomendas envolvem por vezes compromissos, distinguindo-se o trabalho de autor do da encomenda, embora os mundos artístico e comercial nem sempre tenham vivído em grande angústia sobre como separar uma coisa da outra. Registe-se por exemplo a forma como Augusto Alves da Silva tem gerido e respondido às encomendas, se bem que por vezes de formas nem sempre fáceis de entender ou aceitar.  Aqui cabe uma palavra de apreço para a progamação da Fundação EDP, que se em 2011 foi pródiga em diversidade de propostas fotográficas de qualidade, aqui patrocinou uma exposição bonita mas pouco mais que laudatória, que não corre riscos, que teria provavelmente ficado melhor entregue nas mãos de maior diversidade.

Finalmente e para quem não teve oportunidade de visitar a exposição pode-se servir aqui de alguns exemplos, de uma entrevista ao autor, e de uma recensão ao livro This is Not a House.

ps – fora de tempo é já também este artigo, pois que em tempo foi impossível de concretizar.

Art reviewers, for instance, feel that photographers are particularly accountable to their viewers in declaring how they have made their work, more than, say, writers, painters or sculptors are. In interviews or in the questionnaires they email to photographers, curators or gallerists, most of the questions are about this aspect of process rather than about what the work is saying or showing, the product, the finished images. Nor is there much interest in the other kind of process – what kinds of living, thinking, reading, listening or viewing have gone into the work and shaped its form and substance.

Excerto retirado daqui.

Why are photography degrees often so out of touch? I think there are three major problems.

1: Too many teachers who haven’t hustled to make a living in many, many years.
2: An academic system that doesn’t reward quality teaching, that is weighed towards research that nobody reads.

But that’s not the biggest problem.

The biggest problems is students that don’t give a shit.

That’s the only excuse you can have for getting to the end of your degree and not knowing your f-stop from your elbow and thats the reason why I stopped teaching undergraduates. It’s really soul destroying to try and share your passion for something with a group of people who would rather be watching My Personality Is A Cesspit Get Me Out Of Here.

Students need to learn to do three things.

1: Think for themselves
2: Hustle
3: Take good photos

If they can do that they stand half a chance.

Forte decréscimo na actualização do blog, mas tudo tem uma explicação: em Outubro passado fui admitido no Mestrado em Fotografia do Instituto Politécnico de Tomar. Esse facto deixou pouco espaço para uma actividade que consome muito mais tempo, do que aquele que quem nunca escreveu um blog com alguma exigência de qualidade, possa imaginar. Se a aprendizagem por via auto-didacta tem os seus prazeres e timings, esta outra, mais estruturada e tempo-dependente proporciona também algumas alegrias, embora não ausente de algumas contrariedades. Uma delas é sem dúvida a rarefacção do tempo, algo que provavelmente irá permanecer até final deste ano lectivo. Por aqui sempre se reflectiu sobre as questões do ensino e da educação, pelo que são sempre bem vindos os contributos, como este que se pode ler em Are photography degrees the joker in the pack?, até porque se está no início de mais um semestre.

“as imagens não mostram mais do que uma realidade transitiva, numa paisagem natural paulatinamente em transmutação. São espaços imponentes únicos, de inegável impacto visual que conferem às imagens um grande conteúdo formal e plástico.”

A fotografia navega entre o visível e o invisível. Nela, não interessa tanto o que está fora de campo mas o que está por “detrás” do campo escolhido. Se a textura, a composição e a forma, parecem dominar a primeira abordagem a este belo trabalho de Tito Mouraz, uma análise menos superficial levará certamente ao questionamento acerca do alcance e dos porquês de se continuar a escavar.

“On June 12, three months after the earthquake, I was given a chance to go back to my house, which was within the restricted are; to pick up my family album that was full of good old memories. During this visit, I took these pictures shown here. I didn’t want to over-dramatize the situation; I simply wanted to record the current condition of the hometown from my personal perspective as I compared the past and present in my mind.” Toshyia Watanabe.

Iniciativas como a Critical Mass são geralmente demonstrativas de algumas das últimas tendências temáticas e estéticas da fotografia contemporânea. Este conjunto de imagens de Toshyia Watanabe não evidencia nenhuma pirueta formal, pelo contrário, o pacifismo nelas contrasta não só com esse ruído do que é ou parece novidade, mas sobretudo com a brutalidade do desastre que atingiu o Japão há uns meses atrás. Uma cidade verdadeiramente destroçada, cuja representação tem contudo um carácter quase irreal, mais parecendo um cenário artificial, construído e posteriormente abandonado, esvaído de vída própria e assombrado pelo vazio.

Imagens de pós-tragédia tem sido uma estratégia recorrente na fotografia contemporânea em modo documentário. Menos preocupadas com sangue e lágrimas, utilizam proveitosamente outras demonstrações que permitem ao espectador liberdade na (re)construção do evento. Esse recurso é bem evidenciado neste trabalho de Watanabe, em que mais do que o assombramento pela destruição e pelo vazio irreal, é sobretudo nas pessoas – apesar da sua ausência – que pensamos. Que impacto provocará nelas toda esta destruição, que subjuga não apenas materialmente, mas sobretudo simbólicamente? Está em causa todo o simbolismo da ligação com um lugar, consagrado através de memórias “virtuais”, as que o próprio corpo produz, e de memórias “físicas”, por ex., o álbum de família, cujo resgate dá origem a este trabalho. Esse álbum, que ganha dimensão enquanto factor de identidade, de coesão e de refirmação do grupo familiar, que não é nunca um mero repositório de nostalgia. A bela e última imagem acima, é uma demonstração sintética de todo este trajecto do fotógrafo, num gesto que embora proporcione refúgio, não deixa malgrado de ser um tentativa inglória de reconstituição/reconstrução de algo que foi severamente abalado.

“the production of these consumer products is an inadvertent criticism of the Western conception of art, threatening our understanding of what is acceptable, exhuming a myriad of complicated issues and thoughts regarding art and its contemporary interpretation.(…) Between the exceptional fame of most of the images, the quality of reproduction and the prices listed by each painting, it is clear that the retailers of these paintings aren’t attempting to pass them off as originals. Which puts the work into a new context — they are entirely consumer products.” em A Closer Look – Real Fake Art.

Michael Wolf, cujo trabalho tem vindo a abordar importantes questões contemporâneas, adicionalmente questionando a arte para lá das introvertidas questões relativas às especificidades de cada médium, como por exemplo em Fuck You Street View, ou em Tokyo Compression e agora neste Real Fake Art. Vale a pena ler o artigo A Closer Look, bem como a introdução à venda do livro, no site da Photo-Eye, para se perceber que direcções toma a fotografia contemporânea e qual a importância do que se conjuga.

“Dans Things Here and Things Still to Come, il représente donc ces jeunes femmes, souvent dévêtues, et la ville. L’intime et le public mêlé. Il le fait sans froideur mais sans affect non plus. Le livre est une sorte de voyage immobile.”

O novo título de José Pedro Cortes, apresentado no blogue de livros de fotografia do jornal francês Le Monde. Site do José Pedro Cortes
e da Pierre von Kleist. Uma das boas edições nacionais destes ano.

“A growing appreciation of the photobook has inspired a flood of new scholarship and connoisseurship of the form few as surprising and inspiring as The Latin American Photobook, the culmination of a four-year, cross-continental research effort led by Horacio Fernandez.“[via bint photobooks]

Título recém lançado, mais uma compilação sobre o livro de fotografia, neste caso sul-americana, que não desaponta os mais ávidos de conhecer novas “fotografias”. Ainda que dotado de um grafismo apelativo e cuidado, o mise-en-page parece contudo algo colado aos 2 tomos da dupla Badger/Parr, desperdiçando uma oportunidade para renovar uma fórmula que apesar de ganhadora em conteúdo textual, é um pouco pobre em termos da quantidade de imagens de cada um dos 150 livros designados. Compreende-se que o impacto de mais páginas na volumetria de cada livro poderia constituir um obstáculo ao manuseamento, aos custos de produção, distribuição, etc., mas enfim, o fan de fotografia está sempre ávido de imagens que suplementem uma escolha e um eventual investimento. The Latin American Photobook.

Um exemplo de um outro livro compilação, que ao contrário deste segue uma via bastante mais funda de aproximação aos livros retratados, pode ser visto em Swiss Photobooks, impressionando pelo escopo do que aborda tanto pela forma massiva como o faz.

Com a chegada do mês de Dezembro é a enxurrada de listas de bestofs nos fotolivros. Antes assim, já é tempo do livro ser dignificado como meio de expressão privilegiado para a excelente fotografia que por aí circula, mesmo se a internet, aparentemente concorrente, acaba por ser também ela aliada no modelo de difusão e comercialização. Quantos destes livros não serão vendidos através destas nomeações? Mesmo que se tenha oportunidade de ver fisicamente alguns deles, nunca se conseguirão ver todos. Mas basta dar uma olhada pelas listas para perceber que há livros repetidamente citados, que aconselham ao amante do livro a séria ponderação acerca da compra, mesmo sem a oportunidade de os pré-visionar.

Do site americanphoto uma massiva eleição (50 títulos) que se desagrega em várias tipologias (fine art, fotojornalismo, etc) além disso misturando livros de autor, catálogos de exposição, retrospectivas, e por aí fora, numa escolha mediática e propicia aos grandes nomes e editoras, mas pouco atenta às perólas escondidas, talvez com excepção dos livros de Brian Ulrich (Is This Place Great or What), Pieter Hugo (Permanent Error) que contudo já não são própriamente desconhecidos. Pieter Hugo continua numa caminhada extremamente bem sucedida, mesmo que feita no âmbito de uma fotografia documental mais clássica, como aliás Ulrich, o que parece comprovar que o género, embora ausente dos escaparates da arte contemporânea, está vivo e de boa saúde, pelo menos no coração dos críticos e amantes do livro de fotografia. Depois de ver ambas as listas da PDN (aqui e aqui), elaboradas previamente, esta parece um resumo algo “preguiçoso” daquelas.

Duas listas de institucionais: a do jornal francês Le Monde e a do jornal inglês Guardian. A escolha francesa já aborda alguns títulos que incorporam o livro enquanto objecto que casa conteúdo, forma e função, sinal claro de que existe uma preocupação adicional em seleccionar títulos mais pensados em termos do que pode ser a amplitude actual do livro de fotografia. Alguns destes livros são de uma tradição conceptual herdeira de Ed Ruscha e Dan Graham (este último aliás nomeado num livro), que veio não só libertar a fotografia dos ideais do modernismo, ao mesmo tempo pensando o livro enquanto objecto artístico, muito além do mero repositório de imagens. Uma lista muito interessante, com algumas excelentes escolhas também do género documental, como aliás já tinha sido a do ano passado e a de 2009. Sean Hagan do Guardian opta por tonalidades mais clássicas, mas a escolha é geralmente muito considerada. Coincidência na selecção de “The Brothers” de Elyn Hoyland que já aqui se mencionara há meses atrás.

Marc Feustel é um nome bem conhecido no meio, especialista em fotografia japonsesa, blogger em eye curious. Um dos livros que menciona é justamente de um japonês, “A Criminal Investigation“, de Watabe Yukichi, que aparece também mencionado noutras listas, livro dotado de uma extraordinária capacidade narrativa, naquele que será certamente um futuro clássico do género. A lista é muitissimo pessoal, aliás patenteada no divertido género-Oscar. Toda ela muito “independente”, nem sempre se conhece (ou concorda) com o que escolhe, o que não invalida o reconhecimento perante as propostas deste profundo conhecedor.

Numa espécie de mix entre os anteriores temos a escolha do blog Claxton Projects. Depois, as escolhas (20) de Alec Soth, também através de uma divertida filtragem de livros por género (crime, comédia, drama familiar, etc), com 2 escolhas por tipo. Soth não faz grandes concessões e quase tudo o que aponta é de primeira água.

Outras listas: on almost every topic, do blogger holandês Bas Peters, e por via desse seu blog, a de Yannick Bouillis, fundador da OFFPRINT, excelente feira de livros que conheceu este ano a segunda edição, evento paralelo à ParisPhoto. A lista de Bas contém algumas coincidências com a de Soth e uma ou outra coisa independente a ter em conta. A de Yannick é a epítome do independentismo, quase só reconhecível para quem teve a oportunidade de passar em Paris e vasculhar tim-tim por tim-tim as ofertas das editoras presentes na OFFPRINT.

Irão certamente aparecer mais algumas listas, pelo que este artigo irá sendo actualizado na medida dessa aparição. Como nota final, o mercado português tem pelo menos 2 livrarias que tem tido o cuidado de trazer para Portugal alguns destes livros, a STET (Filipa Valladares e Paulo Catrica) em Lisboa e a INC (André Cepeda, Luís Palma et al) no Porto. Mesmo que a compra online represente uma alternativa, convém lembrar que são locais como estes que permitem aceder a obras, às quais doutro modo não haveria acesso. Esse facto per si, merece bem o prémio de se lá comprarem livros.

[update 1] Livros mencionados por Sebastian Hau, da LeBal, num comentário à selecção de Alec Soth:  “Canary-Mon”, by Lieko Shiga, “Let’s sit down before we go” – Bertien van Manen, “I don’t sleep” – Aya Fujioka, “Stefan Kielsznia – Ulica Nowa 3″ – Ulrike Grossarth, “Visitor” – Ofer Wolberger, “The Knife cuts through the Apple” – Adam Etmanski, “El Taco” – Guillermo Faivovich & Nicolas Goldberg, “83 days of Darkness” – Niels Stomps, “In the Picture” – Lee Friedlander, “Tristes Tropiques” – Laurence Aëgerte. Novamente uma coloração “independente”, por alguém a quem passam centenas de livros pelas mãos todos os anos, ou não fosse o gestor de uma das melhores livrarias (e sala de exposições) de fotografia de Paris, em cuja cafetaria o crumble de maçã com natas deixa saudades (agora pareço o Galopim…). Escolhas de um blogger japonês, elegendo alguns livros desse país como seria de esperar, a deixar alguma curiosidade sobre os livros de Hatakeyama e Nagase. Note-se que o livro japonês é geralmente de um cuidado extremo a todos os níveis, não raro proporcionando objectos de grande beleza.

[update 2]  Do blog Bint photoBooks uma bizarra “eleição“: a do álbum compilado pelo ex-general líbio Kadafi com fotografias de Condoleezza Rice, ex-secretária de estado norte-americana. A ditadura, unida à democracia de tendências imperalistas por via de um fetiche, naquela que será certamente a melhor escolha conceptual do ano. Por via desse blog mais algumas selecções: esta curiosa lista do site Brain Pickings, que começa fulgurantemente por exemplo com “Venus with Biceps” mas que vai perdendo “força nos braços” à medida que avançam as escolhas; outras 2 listas comentadas do site PDN, esta primeira com 10 títulos, a segunda com 29, que parecem ter tido o dom da antecipação pois são ambas de Novembro. Muitos nomes sonantes e alguns novos valores, que certamente tomarão lugar nos escaparates das FNAC’s e afins. Esta é o protótipo da lista “oficial”, que tende a privilegiar uma abordagem convencional ao livro de fotografia. Uma lista algo longa, com escolhas que vagueiam entre o coffee table, o fotojornalismo turístico e o preocupado, e a retrospectiva, não obstante um ou outro título de autor. Certamente muita fotografia de qualidade, mas pouco vanguardista noutros aspectos importantes do livro de fotografia nomeadamente aqueles que dizem respeito ao trinómio forma-conteúdo-função. A construção do livro contemporâneo deve não apenas conter fotografia e edição de excelência, mas também dar importância ao design, à impressão e acabamento, e à forma como todos os elementos que o compõem se adequam para formar um todo belo e coerente. Quem queira conhecer a fundo o que de melhor se fez este ano no livro de fotografia sob estes prismas, deverá começar por procurar noutras selecções.

[update 3] A selecção sempre refinada e muito bem documentada do blogger Joerg Colberg, com destaque na fotografia americana ou feita por americanos. Uma lista de “indies”, da Indie Photobook Library e outra da Photobookstore.

[update 4] A lista do blog B, a pender para um registo “independente” americano, talvez o Sundance da fotografia. A lista das listas, compilada por Marc Feustel, onde se destacam três livros: A Criminal Investigation, de Yukichi Watabe (Xavier Barral/Le Bal) , Redheaded Peckerwood, de Christian Patterson (Mack) e Paloma al aire, Ricardo Cases (Photovision).

[update 5] Listas via facebook: do fotógrafo holandês Rob Hornstra; da livraria inglesa Claire de Rouen, da livraria inglesa Donlon Books.

[update 6] Para fechar, as escolhas da revista Time, embora não se trate bem das escolhas da revistas mas de um conjunto de personalidades convidadas, critério aliás seguido pela escolhas da Photo-Eye, e ainda as escolhas do blog Horses Think. Temos livros para o ano inteiro.

Colidi, casualmente, com o seu trabalho e fiquei deveras curioso.

Como é que o meu amigo consegue expor o seu trabalho nos locais onde já o fez? Com cunha?

Desculpe a ousadia… mas não consigo ver nada que o justifique, especialmente quando confrontado com verdadeiros talentos!!

Na expectativa de uma resposta, subscrevo-me.

Cordialmente,”

( nome, do qual se mantém contudo o anonimato)

Decidi responder.

“Caro V…,

Esta sua interpelação, a qual por um lado atribui à capa da curiosidade e por outro, a um juizo sobre os trabalhos que apresento, pode merecer a seguinte resposta:

Quanto à sua curiosidade, as exposições aparecem porque trabalho para que tal aconteça. Não há muitos segredos, uma carta bem fundamentada sobre o trabalho que pretendo apresentar, as condições que pretendo dar e receber e a persistência até obter uma resposta. Como deve calcular, a taxa de negativas é superior às positivas. Relativamente às cunhas, essa é uma interpelação ética que deve fazer a si próprio, uma vez que não lhe compete mudar o modo como os outros possam gerir a vida deles, mas apenas zelar para que a sua decorra dentro dos príncipios que estabeleceu para si. Nesse campo, não lhe posso portanto satisfazer a curiosidade.

Quanto à ousadia ajuizante, suponho que tenha visto as exposições. Como quem expõe, expõe-se, entendo a sua opinião como expressão daquilo que é a sua posição e saber acerca do fotográfico, quiçá até de gosto. Sustenta a falta de mérito que encontra nos meus trabalhos com recurso à comparação com verdadeiros talentos, todavia não aponta quem são esses com quem o meu trabalho se possa comparar, pelo que pouco tenho para me defender, embora de qualquer modo nunca fosse essa a razão que me motivaria a uma troca de ideias. Mas posso sempre ajudá-lo, no sentido de que me contextualize na tradição em que me insiro, não vá estar a comparar-me com autores com quem o meu trabalho não tem relações. Pelo que entendo, tem ferramentas suficientes para o fazer, pelo que me dispenso de elaborar sobre isso. Contudo, admito que a minha linguagem está ainda em fase de afirmação, quiçá enveredando (com e sem medo) por algum experimentalismo, próprio de quem está no início. Esse risco é também para mim a essência da Fotografia, pois além de poder fazer pensar, pode também divertir não apenas quem a faz, mas também quem a vê. Lamento que não se tenha divertido. Pelo menos pensou nalguma coisa. Talvez mais no que rodeia o processo, do que no trabalho em si. Pelo menos é o que depreendo da nula sustentação analítica e ajuizante sobre o trabalho, não obstante a comparação com os verdadeiros talentos.

Na expectativa de ter contribuido para o seu esclarecimento

João Henriques”

“Entre os dias 8 e 11 de Dezembro, 2011, a Oficina do Cego e a Ghost associação, em colaboração com o Atelier Real e a livraria Stet, promovem uma série de encontros à volta do Livro de Artista e da Auto-Edição. O QUE UM LIVRO PODE é um programa de quatro dias que ambiciona lançar as fundações para um debate sobre o livro de artista em Portugal, propiciando encontros entre críticos, pensadores, artistas e designers que fazem livros e praticam a auto-edição – promovendo lançamentos e divulgando obras inéditas. Ver aqui a programação completa.” Emprestado de Making Art Happen.

Por esta via chegou-se a este carteiro que fotografa sempre duas vezes. Iniciativa idêntica, concebida pelo fotógrafo britânico Stephen Gill (nobody books) teve lugar em 2006 no Reino Unido. Nessa oportunidade os lucros reverteram a favor de instituições de apoio à doença mental. Por cá, servirão para financiar o projecto. Esperemos que o “franchising” seja pelo menos conhecido dos ingleses, caso contrário passa por idéia original. Pode-se dizer até que os contornos nem são iguais, no caso inglês houve um (grande) fotógrafo por detrás da coisa, por cá, sabe-se lá, mas espera-se que sim. Reconfortado o departamento de Marketing e PR dos CTT, pode-se dizer que não se trata de uma cópia, é mais uma foto, cópia.

“On its visual merits alone, this show could have conceivably earned my first zero star review in the history of this site, which pains me severely given my love for Gursky’s previous work. That said, after much reflection, I think it jumps just barely to the one star category, mostly because I would recommend seeing this work to consider for yourself how one of our most shining stars could swing and miss so egregiously.” [via dlk]

Não me recordo de ler uma resenha destas no dlk, mas como disse Voltaire, “the composition of a tragedy requires testicles“. Sabendo como os americanos gostam sempre de alfinetar/rivalizar com os europeus, esta crónica no dlk será sempre tudo menos inocente. Mas quem expõe, expõe-se. Gursky pode sempre argumentar que nada tem a provar, já o senhor Gagosian não deve concordar tanto com essa defesa. Interessante será tentar perceber porque é que um artista de charneira, um líder de opinião, compõe uma obra que resvala para o decorativo e para o quanto maior melhor – há que vender apenas? – numa temática já algo batida e quiçá melhor trabalhada por outros. Fã confesso, confesso que intriga.