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Beast of Reincarnation se passa no ano de 4026, em um Japão devastado por uma misteriosa corrupção que destruiu o mundo. A história acompanha a jornada de Emma, uma jovem conhecida por ser uma espécie de seladora. Ela carrega um tipo de maldição que a permite manipular vegetação para se locomover e combater inimigos; porém, o preço dessa maldição é cobrado de outras maneiras, especialmente no que diz respeito à sua convivência em sociedade.

Conforme você avança no jogo, mais detalhes são revelados e a maneira como as coisas se desenrolam é diversificada. Por isso, você precisa estar atento a todas as opções de diálogo — especialmente àqueles que ocorrem em momentos inoportunos, já que Emma, apesar de muito na dela, engaja em diversas conversas com seus companheiros de jornada: Ko, Brad e Kasura.

A narrativa de Beast of Reincarnation é, para mim, uma das coisas mais legais do jogo. A construção de mundo evoca uma constante inquietação para querer saber mais e mais, pois é de fato interessante. Talvez a maneira como tudo é contado seja um pouco arrastada no que diz respeito à disposição das informações, mas você acaba se acostumando. Me peguei em diversos momentos realmente ansioso para saber o desenrolar das coisas, pois a conexão com o jogo acontece gradativamente, e quando você se dá conta, está completamente imerso naquilo tudo.

Foi estabelecida uma dinâmica de grupo muito interessante no aspecto narrativo do jogo: Ko é o fiel companheiro de Emma e está a todo momento com ela, dando apoio emocional e, principalmente, auxílio nos combates; Brad, além de piloto do Caminhante Purificador, é um mentor cujas falas têm grande peso no desenrolar das coisas; e Kasura é meio que a mãe do grupo, sempre preocupada com todos e disposta a fazer o seu melhor para garantir o nosso sucesso.

Emma é uma personagem melancólica e difícil de ler, mas fica nítido que ela carrega um conflito interno muito grande — o que acaba criando uma forte conexão com você. Eu realmente me apeguei a ela: suas dores são tão bem colocadas que você questiona o que leva alguém a um estado tão profundo de melancolia. Há uma construção muito interessante da sua personalidade ao longo da jornada, e conforme você avança, passa a lidar com seus dilemas e com as interações que ela estabelece com os outros membros do grupo. Toda essa dinâmica é realmente instigante.

Uma das coisas que mais gosto no loop do jogo é que, ao final de cada capítulo, você obrigatoriamente retorna para o Caminhante Purificador. Ao chegar lá, conversar com a equipe acaba aliviando um pouco dessa tristeza constante que a Emma carrega, dando até um fôlego para você depois de toda a corrupção que esse mundo arruinado coloca nas suas costas.

Beast of Reincarnation tem aspectos de ação bem latentes, então muito do que é jogável é, de fato, o combate. O aspecto de exploração do jogo é mais voltado para a perspectiva de grinding, tanto que a maioria das coisas encontradas serve para auxiliar no desenvolvimento da força da personagem. Se você for o tipo de jogador mais habilidoso, talvez consiga até ignorar a exploração e o grinding; no meu caso, tive que explorar ao máximo, pois foi fundamental para os confrontos contra os chefes.

Meu começo foi bem difícil, talvez pela falta de entendimento do que o jogo esperava de mim nos combates, então apanhei bastante. Todavia, entendi que, para o meu estilo de jogo, eu deveria explorar um pouco mais e fazer grinding — nada excessivo, mas o necessário. A partir daí, as coisas começaram a fluir para mim: quando me dei conta, estava marretando tudo quanto era inimigo, embora as lutas contra chefes ainda exigissem uma dedicação maior, focada mais em habilidade.

Os combates são divertidos e estão a todo momento recebendo novas possibilidades, ainda que nem sempre alterem tanto a dinâmica. Afinal, depois que você se adapta a um tipo de build, se for do tipo mais conservador, acaba não explorando tanto esse aspecto. Aparentemente isso acontece não porque o jogo exige variações constantes, mas sim porque ele permite que você escolha uma abordagem para si e a utilize da melhor maneira possível.

Optei por um estilo de combate razoavelmente agressivo, mas que me possibilitasse parar por alguns segundos para entender o que estava acontecendo. Tirei muito proveito de habilidades de esquiva e usei bastante a habilidade que cria um ramo para elevar a personagem por alguns segundos, além de saltar com os galhos para ir direto do ponto onde estou até a extremidade. Isso me deu uma flexibilidade muito boa dentro do meu estilo, permitindo respirar mais e pensar na melhor maneira de lidar com cada tipo de inimigo, sem ficar com aquela ansiedade que os aspectos do gênero souls, presentes no jogo, costumam me causar.

Os combates, de um modo geral, não mudam muito. Depois de algum tempo, a escalada dos inimigos é mais uma questão de aumento de dificuldade do que de estilo de combate, o que provoca uma sensação de repetição e compromete o engajamento com as lutas. Você acaba não explorando tanto as possibilidades do jogo e simplesmente lida com os desafios do jeito que sua memória muscular já se acostumou.

Ao decorrer de incontáveis horas de jogatina, isso realmente cansa um pouco, especialmente quando você faz grinding. Eu, particularmente, estou acostumado com esses aspectos devido à quantidade de títulos do gênero que jogo, por isso sou suspeito para falar. Apesar de achar algo cansativo, não foi algo que me fez querer desistir do jogo.

O jogo conta com muitas possibilidades de personalização, então praticamente todo aspecto de combate pode ser modificado de algum modo, garantindo uma variedade extensa de opções ofensivas contra os inimigos. Você tem à disposição espadas com diferentes ritmos de ataque, artes de plantas para mobilidade e controle de área, comandos táticos para o Ko, uma extensa árvore de habilidades passivas e ativas, além de acessórios de suporte e refeições preparadas que garantem bônus de atributos.

No que diz respeito à jogabilidade em si, ela não tem muitos segredos: é mais do mesmo, e logo você entende perfeitamente como controlar Emma de forma efetiva. Talvez o diferencial esteja na maneira como você entrelaça as possíveis builds ao seu estilo de jogo. Isso exige um pouco mais de aprofundamento, especialmente no funcionamento da árvore de habilidades, que é bem grande e até confusa, dada a quantidade massiva de opções. Suas descrições exigem um prévio entendimento do que é cada elemento; caso contrário, você pode acabar investindo pontos em coisas desnecessárias para o seu estilo de combate.

Os combates contra chefes são a essência dos combates como um todo, servindo como grande teste para a sua build e para os reflexos que você desenvolve ao longo do jogo. Eles quebram um pouco a sensação de repetição dos confrontos comuns, já que exigem uma leitura muito mais precisa dos padrões de ataque e o uso inteligente das habilidades da personagem e do cenário. É nesses momentos que o jogo cobra uma postura mais tática: saber a hora exata de esquivar, o momento certo de se suspender no ar com as artes de plantas para fugir de um golpe em área — se este for o seu estilo — e como coordenar os comandos do Ko.

Em combate, Ko funciona como uma extensão tática e o suporte dinâmico de Emma, complementando as brechas que o combate individual dela deixa abertas, especialmente no quesito tempo. Utilizar o Ko de maneira estratégica garante mais fôlego durante as lutas, facilitando um raciocínio mais acertado sobre quais possibilidades aplicar no momento.

Depois de algumas batalhas contra chefes, você começa a perceber repetições de padrões, o que é positivo na hora de facilitar a experiência, mas negativo por desincentivar novas estratégias e treinamentos constantes. Muitos chefes têm duas fases, das quais se espera ainda mais dificuldade, mas geralmente a segunda é apenas uma derivação da primeira, com pouca ou quase nenhuma mudança. Particularmente, não gosto da ideia de enfrentar o mesmo chefe duas vezes: isso prolonga demais as batalhas e não agrega tanto à experiência. Eu preferiria um único chefe forte, com habilidades mais variadas e até mais difíceis, em vez de encarar a mesma criatura repetidamente logo em seguida.

Visualmente, o jogo impressiona pela estética que mistura um Japão pós-apocalíptico a uma direção de arte inspirada em animações japonesas. Quanto à parte gráfica, existem altos e baixos: alguns aspectos estão muito bem polidos, enquanto outros nem tanto, causando uma certa estranheza visual pela falta de padronização, mas nada que vá incômodar quem não é dos mais apegados a gráficos. A parte sonora complementa perfeitamente esse clima, alternando com precisão o silêncio melancólico da exploração e uma trilha marcante de instrumentos tradicionais nos momentos de combate. Talvez o que mais tenha me incomodado tenham sido os efeitos sonoros: alguns parecem mal planejados, chegando a fazer ruídos incômodos em momentos de muita ação.

Beast of Reincarnation proporciona uma experiência que se destaca por sua narrativa, construção de mundo instigante e pelo bom desenvolvimento de seus personagens. Embora enfrente problemas de ritmo, repetição em combates comuns e lutas contra chefes que nem sempre empolgam, o jogo entrega uma jornada emocional marcante para quem se permite conectar com Emma e o mundo onde vive. Se você busca um RPG com boa direção de arte, combate flexível e uma história melancólica envolvente, é um título que compensa seus tropeços técnicos e garante horas de pura imersão.

Mais detalhes da minha experiência com o jogo estão no Joguindie Journal.

A cópia do jogo utilizada para essa review foi generosamente disponibilizada pela assessoria de imprensa da Fictions, distribuidora do jogo, a qual agradeço pela confiança.

Denshattack! transporta você para a cultura ferroviária nipônica, onde você controla Emi. Ela é a base da trama do jogo, porém é preciso ser franco: a história ao redor dela é simplória e, em grande parte, dispensável.

Os acontecimentos e as motivações do elenco são bem bobinhos. Para quem já teve a oportunidade de vivenciar a eficiência impecável dos trens no Japão, cruzando as catracas apressadas de Tóquio ou Osaka com um cartão IC em mãos, captar esses detalhes, ainda que de uma perspectiva fantasiosa, é muito reconfortante. Infelizmente, a trama não é das mais interessantes e confesso que, mais para o final do jogo, passei a pular a maioria dos diálogos para me concentrar apenas na jogabilidade.

O nível de refinamento da jogabilidade de Denshattack! é um negócio de tirar o chapéu, pois o jogo entrega uma experiência jogável muito bem idealizada e executada. Você realmente sente o fluxo do trem na sua mão e, quanto mais confortável fica com as manobras e com os desafios dos trilhos, mais envolvido pela jogabilidade fica.

Em Denshattack!, desde que haja algum tipo de trilho, o seu trem vai seguir em frente. Fazer isso é simples e, ao mesmo tempo, repleto de minúcias que tornam a experiência cada vez mais empolgante, já que as possibilidades de manobras em meio à velocidade constante criam um sentimento de liberdade muito particular e envolvente.

As mecânicas de Denshattack! lembram as vistas em jogos de skate como o clássico Tony Hawk’s Pro Skater, mas sobre trilhos e de forma mais descompromissada: o objetivo principal é manter o flow enquanto encadeia manobras no ar, grinds em corrimãos e trocas rápidas de linha. O controle do trem responde com uma precisão satisfatória, permitindo que você use rampas para se lançar, execute giros e manobras radicais no ar, e aterre perfeitamente no próximo trecho de trilho para não perder o embalo.

Conforme o ritmo aumenta, o jogo exige que você reaja ao cenário rapidamente para alternar entre os trilhos, desviar de obstáculos e usar os elementos do mapa a seu favor, criando um ciclo mecânico viciante onde a pontuação e a velocidade sobem junto com a sua habilidade nos comandos.

A sensação da coisa é uma das grandes sacadas de Denshattack! para mim: você realmente é contagiado pelo flow e, quando se dá conta, está completamente imerso em tudo aquilo que acontece a toda velocidade diante dos seus olhos. É um negócio mágico, que te faz querer mandar as manobras mais cabulosas e ir atrás dos desafios. Quanto mais você se entrosa com a jogabilidade, mais quer colocar em prova o que aprendeu, e, quando vê, está tentando bater recorde atrás de recorde e — dependendo da obsessão — não se perdoando por perder o timing de uma manobra que na sua cabeça teria sido o “crème de la crème”.

A trilha sonora é fantástica, cheia de energia, com faixas tão empolgantes que é quase impossível jogar sem colocar o volume no máximo. Inclusive, estou cogitando comprar a soundtrack para continuar curtindo enquanto não estiver jogando.

O jogo é visualmente muito vibrante, dinâmico e cheio de estilo, combinando perfeitamente com a sua proposta. No entanto, essa explosão de luzes, cores e elementos piscando a todo vapor na tela cobram o seu preço. Os estímulos visuais são tão intensos que, no meu caso, após cerca de uma hora e meia de jogatina contínua, a fadiga ocular começa a me incomodar. Se eu não parar por um período, é dor de cabeça na certa. É o tipo de jogo lindo de se ver, mas que exige pausas generosas entre as sessões para continuar aproveitando a experiência sem desconforto, caso você tenha a vista mais sensível como a minha.

Denshattack! entrega uma jogabilidade viciante que diverte demais. A junção entre mecânicas precisas, uma estética cheia de personalidade e uma trilha sonora memorável faz do jogo uma experiência marcante para quem busca pura diversão e desafios muito satisfatórios.

Mais detalhes da minha experiência com o jogo estão no Joguindie Journal.

A cópia do jogo utilizada para essa review foi generosamente disponibilizada pela assessoria de imprensa da Undercoders, distribuidora do jogo, a qual agradeço pela confiança.

Rhythm Heaven Groove é, ao que tudo indica, a experiência definitiva da franquia. Não vou me aprofundar muito nisso porque não joguei os títulos anteriores, mas Rhythm Heaven Groove é um jogo bem completo, com uma quantidade generosa de possibilidades rítmicas. Quando comecei, nunca sabia direito o que esperar. A gente acompanha os trailers e materiais de divulgação, acha tudo meio esquisito e curioso sem ter muita noção de como funciona na prática, mas aí, na hora que você joga, percebe o quanto tudo aquilo que viu faz sentido de fato.

O jogo tem a capacidade de te entreter de um jeito um tanto abstrato. No primeiro momento, você fica meio confuso sobre como a dinâmica funciona, ainda que seja incrivelmente didático: logo no início de cada fase, ele te explica tudo sem delongas, mostrando exatamente o que você precisa fazer para passá-las. É essa mistura de bizarrice conceitual com uma clareza absurda no tutorial que torna a experiência tão amigável no início.

O jogo é muito simples, tipo… muito simples mesmo. Tanto que você só precisa se atentar ao pressionar de dois únicos botões por fase. Para exemplificar o funcionamento: imagine uma fase onde você controla um personagem fofinho segurando um guarda-chuva. O seu propósito ali, junto com os outros bonequinhos ao lado, é abrir e fechar o guarda-chuva no tempo certo da música. Para isso, basta usar o botão “para baixo” para fechar e o “A” para abrir. O segredo é entender como o ritmo está sendo construído, principalmente ouvindo, mas também observando a maneira como os NPCs e o próprio cenário do jogo se comportam.

A dificuldade do jogo está diretamente entrelaçada à sua capacidade de entender e lidar com os desafios rítmicos. E não é fácil não. Eu, particularmente, não sou dos jogadores mais habilidosos nesse gênero, então precisei prestar muita atenção para conseguir extrair bons resultados em cada fase. O aspecto rítmico em si é um tanto simples de entender, porém encaixar o que você está escutando aos comandos nos botões no tempo correto é o verdadeiro desafio — especialmente em fases que brincam com a sua percepção usando artifícios visuais e sonoros que exigem concentração em níveis máximos.

O jogo tem alguns modos bem legais, como a sua própria campanha principal, que é o modo tradicional de progressão. Em Rhythm Heaven Groove, ela funciona através de blocos de minijogos rítmicos, cada um com suas próprias regras e identidade. Ao final de cada bloco, você ainda é desafiado por um Remix que mescla as fases que você acabou de passar — o que é muito divertido. O que mais curti na campanha é que ela serve como uma excelente porta de entrada para o jogo; a progressão tem um equilíbrio muito bem ajustado. Ao longo dela, você aprende organicamente como as mecânicas funcionam e estimula suas habilidades rítmicas no momento certo, evitando que você caia de paraquedas em uma fase com a dificuldade muito fora da sua realidade atual.

Outro modo muito legal e também o mais engenhoso de Rhythm Heaven Groove é o Beatspell, que funciona como um RPG rítmico bem diferentão. Nele, o seu objetivo é derrotar os inimigos com base no ritmo, então você precisa ficar atento aos sons para acertar os comandos no tempo correto, montar combos e desferir seus ataques. Acertar os botões no compasso exato da música, conjurar magias rítmicas ou se esquivar dos golpes dos monstros serão suas principais manobras de sobrevivência. Se você perder o ritmo, seu herói leva dano, o que esvazia a sua barra de vida. A progressão desse modo se dá através do avanço por mapas e de algumas pequenas customizações, estruturando uma jornada que vai escalando em dificuldade, permitindo que você enfrente inclusive chefões rítmicos que mudam o andamento da música e quebram o tempo para tentar te confundir. É um negócio desafiador e divertido à beça.

O jogo também conta com um modo multiplayer, mas acabei não conseguindo testar tanto quanto gostaria. Pelo pouco que joguei, deu para notar que é basicamente a proposta clássica adaptada para mais pessoas, o que rende ainda mais diversão. A dinâmica funciona muito bem porque você cria momentos de total sinergia — ou de completo caos — com quem está jogando contigo, garantindo uma experiência rítmica ainda mais desafiadora e envolvente. Espero não demorar para conseguir reunir mais pessoas para testar as possibilidades ao máximo.

Outro modo que gostei um bocado é o Rhythm Toy Box, que nada mais é do que uma salada de possibilidades rítmicas estranhas e divertidas. Imagine que é aquele lugar onde você vai para dar uma descontraída com desafios mais aleatórios e menos competitivos, por assim dizer, servindo como uma ótima válvula de escape para brincar com o ritmo de maneira mais livre.

Quando a coisa ficar difícil e te abalar de algum modo, é hora de tomar um café. Vá até a seção do Café do jogo; lá acontecem alguns diálogos divertidos que podem te motivar (ou não), mas que, via de regra, vão facilitar a sua progressão de algum jeito, seja te dando aquela dica crucial ou o suporte necessário para superar a fase que travou o seu ritmo.

O que dizer da trilha sonora e dos sons? Meio que já comentei sobre eles, mas, indo um pouco mais além, dá para dizer que são a chave do sucesso de Rhythm Heaven Groove. Cada música e efeito sonoro entrega uma mensagem rítmica para você, e saber decifrá-la é o grande segredo para uma experiência cada vez mais envolvente e divertida.

Gosto de jogos que fazem você, sem perceber, ficar se sacudindo, balançando a cabeça, se mexendo… É mágico isso! E Rhythm Heaven Groove fez isso comigo em quase todos os momentos. Ele é um jogo cheio de gingado, que estimula o cérebro de um jeito incrivelmente viciante. Você fica tão imerso na batida que, quando se dá conta, tá batucando a todo momento, inclusive longe do console, com aqueles ritmos chicletes que grudam na cabeça.

É interessante como Rhythm Heaven Groove prova que não precisamos de tanta tecnologia para sermos contagiados por algo; a genialidade do jogo está justamente na maneira como os seus próprios sentidos se comunicam diretamente com as ações emitidas pelo seu corpo.

Confesso que não fazia ideia do poder de Rhythm Heaven. Quando me dei conta, estava completamente imerso em ritmos e viciado em toda essa proposta inusitada, mas verdadeiramente divertida. Sem dúvida, uma grata surpresa para mim, que ainda não tinha tido contato com a franquia. Imagine para você? Caso tenha jogado os outros títulos, deve estar com um sorrisão de orelha a orelha.

Mais detalhes da minha experiência com o jogo estão no Joguindie Journal.

A cópia do jogo utilizada para essa review foi generosamente disponibilizada pela assessoria de imprensa da Nintendo, distribuidora do jogo, a qual agradeço pela confiança.

O jogo se passa em um mundo fantástico cujas criaturas foram contaminadas por um ser maligno, com uma história que gira em torno desse vilão, chamado Crad, e de toda a bagunça que ele causa. Confesso que já estou acostumado com histórias rasas em jogos de plataforma 3D, tanto que isso nem chega a ser um problema para mim.

Quando a gente começa a jogar é que a coisa fica séria. Dracamar tem uma jogabilidade familiar aos clássicos do gênero, mas peca demais na precisão. Os pulos têm uma sincronia estranha, assim como a movimentação, dando uma sensação de controle muito plástica e sujeita a movimentos indesejados. Joguei no Nintendo Switch 2 através da retrocompatibilidade, mas o jogo só tem versão de Nintendo Switch até o momento, o que poderia sugerir limitações técnicas. No entanto, o jogo roda a 60fps cravados e sem travamentos, o que indica que essa imprecisão na jogabilidade é um problema de design, e não de desempenho.

Ainda bem que o jogo não exige grandes feitos em plataformas, pois a jogabilidade simplesmente não acompanharia. Mesmo em desafios simples, tive dificuldades para encaixar a movimentação e as ações corretas. Isso consequentemente desencadeia mortes indesejadas e perda de tempo, pois um salto que deveria ter dado certo acaba falhando e fazendo você refazer o trecho. Como gosto de jogar de forma bem acelerada e estou sempre correndo para encaixar os pulos e lidar com os desafios com movimentos rápidos, o jogo não acompanhava o ritmo das minhas ações.

Por pouco não desisti do jogo. Tive problemas sérios para avançar em um cenário, pois um bug em uma área específica fazia com que o personagem morresse direto. Para piorar, mesmo quando eu revivia, ele morria novamente no mesmo instante, o que me forçava a fechar o jogo e abrir de novo. Só consegui passar desse trecho na quinta tentativa, quando optei por ignorar tudo e correr desesperado para o fim da fase.

A dinâmica de Dracamar é simples: você navega pelo mapa do mundo de fase em fase e, conforme passa as fases, novas fases são desbloqueadas. Mas a progressão não é apenas sobre passar as fases, você vai ter que coletar e plantar as sementes para reconstruir as pontes, e só depois que tiver a quantidade requerida poderá avançar. No começo, não tinha interesse algum nos coletáveis, então quando descobri a necessidade dei uma desanimada, pois eles não me instigavam a coletá-los. Mas, como o jogo torna obrigatória uma quantidade mínima, tive que explorar mais, o que de certo modo não foi de todo mal, pois consegui me conectar melhor com esse lado do jogo.

Os cenários têm uma construção amigável: você bate o olho e sabe exatamente o que fazer. Tem alguns coletáveis que estão mais escondidos, mas, se você desacelerar o ritmo, consegue entender onde estão, especialmente através de algumas dicas que o jogo dá. Quando entrei mais fundo na exploração, curti mais o jogo. Além de consumir seu tempo em cada cenário, a exploração faz você se conectar com a proposta de level design que os desenvolvedores aparentemente queriam. Quando eu precisava de uma quantidade mínima de coletáveis, passava por cada canto do cenário menos apressado, observando como ele tinha sido construído, e aí quando encontrava o item, vinha a satisfação de uma descoberta que só foi possível com um pouco mais de observação.

No que diz respeito à dificuldade, o jogo não tenta ser difícil e se mantém fácil do começo ao fim, porém os problemas de jogabilidade que apontei podem elevar razoavelmente a dificuldade, embora nada demais. O maior desafio, por assim dizer, são as batalhas de chefe, e ainda assim você deve conseguir passar sem problemas. As batalhas contra chefes são bem simplórias, do tipo em que você só precisa memorizar suas ações básicas para conseguir derrubá-los.

Dracamar é um jogo de plataforma muito similar a tantos outros. Me diverti a maior parte do tempo, mas também precisei ser persistente, pois houve momentos em que o jogo deixava a peteca cair de um jeito… Acho que a recomendação depende de você querer algo leve para jogar, visualmente agradável e até relaxante, mas sabendo que a jogabilidade não é das mais prazerosas e que ele entrega apenas o arroz com feijão do gênero.

Mais detalhes da minha experiência com o jogo estão no Joguindie Journal.

A cópia do jogo utilizada para essa review foi generosamente disponibilizada pela assessoria de imprensa da Petoons Studio, distribuidora do jogo, a qual agradeço pela confiança.

Mixtape é um jogo sobre a música certa, na hora certa, perfeitamente encaixada na vida de três amigos em sua última noite juntos. Coisas da vida vão separá-los e, diante dessa despedida, a personagem principal (Rockford) preparou uma música para cada ocasião, conseguindo assim eternizar instantes futuros e relembrar momentos passados. O jogo conta com músicas de DEVO, Roxy Music, Lush, The Smashing Pumpkins, Iggy Pop, Siouxsie and the Banshees, Joy Division, e mais.

Os três amigos aproveitam seus últimos instantes juntos — desculpe o estereótipo, mas ao melhor estilo adolescente norte americano, o tipo de dinâmica de grupo que a gente já viu incontáveis vezes nos filmes. A cumplicidade deles é um ponto alto; é notável o quão bem entrosados são e o quão potente é essa amizade. O drama adolescente é sutil, bem desenvolvido e, apesar de não serem o tipo de personagens exemplares, eles são muito divertidos de acompanhar.

Apesar de achar todos os personagens muito bem colocados, não consegui me conectar de verdade com nenhum deles — nem mesmo com a protagonista, que é divertida e cheia de personalidade. Acho que essa falta de conexão aconteceu muito em decorrência do drama simplório deles. São dores adolescentes que a minha idade atual já não vê com a mesma sensibilidade de anos atrás, somadas a esse retrato da adolescência norte americana — um estilo mais distante da realidade do adolescente brasileiro, ao meu ver.

Jogar Mixtape é, na maior parte do tempo, sobre movimentar a Rockford. De fato é uma mecânica de poucas interações, mas particularmente gosto, ainda mais nesse tipo de proposta voltada para a narrativa. Durante a jogatina, fica perceptível que a ideia do jogo nunca foi te dar o controle total, mas sim te colocar no papel de um telespectador que interage sutilmente com os acontecimentos.

Talvez por entenderem quais interações funcionavam melhor, algumas mecânicas, como a de voar, por exemplo, foram bastante reutilizadas, o que me pareceu um caminho menos criativo. Como achei o voo e as demais interações prazerosas, a repetição não chegou a me incomodar, mas é um ponto que, se avaliado friamente, pode pesar um pouco considerando a duração da experiência.

Mixtape é visualmente maravilhoso, mas sua trilha sonora consegue ir além, sendo a verdadeira alma da experiência; a curadoria musical é cirúrgica, com canções memoráveis que dão o ritmo de cada momento do jogo. É um casamento perfeito: a estética enche os olhos com cores e distorções que simulam o ápice da adolescência, enquanto o som te transporta para a realidade daqueles personagens.

Ao chegar nos créditos, a sensação foi boa e me remeteu um pouco àquela que tive com Journey anos atrás: um sentimento libertador evocado pelo constante movimento. Porém, Mixtape não se conectou comigo, mesmo com todo o seu esmero, acontece.

Mais detalhes da minha experiência com o jogo estão no Joguindie Journal.

A cópia do jogo utilizada para essa review foi generosamente disponibilizada pela assessoria de imprensa da Annapurna, distribuidora do jogo, a qual agradeço pela confiança.

MOUSE: P.I. For Hire é inspirado nos desenhos animados clássicos da década de 1930, o que logo entrega a estética característica daquela era — incluindo o charmoso visual em preto e branco. Essa atmosfera noir ganha vida em Mouseburg, uma cidade corrompida por gangues de ratos, políticos desonestos e outros aspectos delicados… o que fascina é ver como a jogabilidade abraça a violência e o ritmo frenético daquela era da animação: as armas — que vão desde revólveres clássicos e metralhadoras, até dinamites e armas absurdas — repletas do exagero visual dos desenhos de borracha (rubber hose animation), fazendo inimigos derreterem ou explodirem.

No controle de Jack, você assume o papel de um detetive particular veterano, durão e de poucas palavras. Na pele desse rato astuto que conhece cada canto obscuro e corrupto de Mouseburg, o desafio é duplo: desvendar pistas da história e sobreviver à crescente violência. Embora você seja um detetive, em MOUSE: P.I. For Hire sua principal função é atirar. Quase tudo que se move precisa ser derrubado na bala. A dinâmica do jogo segue um ciclo bem definido: você descobre uma pista corrupta, vai até o local, mete bala na galera de índole ruim e coleta os elementos necessários para avançar na história. Isso, consequentemente, desbloqueia novas áreas com desafios de tiroteio ainda maiores — e, aparentemente, o fluxo segue assim até o fim.

No que diz respeito à mecânica de tiro, quem já conhece o gênero não encontrará nenhum grande desafio. O jogo entrega exatamente a dinâmica padrão de um shooter, com cada aspecto praticamente moldado apenas para se adequar ao jogo. O que realmente me incomodou foi a falta de feeling: o ato de atirar carece de impacto e feedback. Você não sente o “peso do tiro” dado. Embora isso possa ser uma consequência direta da própria natureza cartunesca do jogo, muitas vezes não havia prazer em derrubar os inimigos, pois a sensação geral para mim era plástica demais.

MOUSE: P.I. For Hire é um jogo honesto; em nenhum momento ele me vendeu algo que não é. Ainda que eu tenha as ressalvas que pontuei, ele entrega exatamente o que propõe, e entrega muito bem. A verdade é que não consegui criar um vínculo com ele. Refletindo sobre isso, percebi que o motivo foi justamente o “mais do mesmo”, e a estética e a trilha sonora impecáveis que me atraíram bastante, não foram suficientes para me prender. Em algumas sessões, eu sentia que já nem estava mais acompanhando a história, pois ela simplesmente não me atraía mais.

O jogo entrega uma experiência redonda, sem aquela sensação de algo feito às pressas. Você consegue visualizar cada particularidade do título com muita clareza e entende perfeitamente quais são os seus limites. Gostei bastante da progressão; as possibilidades foram se abrindo em um ritmo bom conforme eu avançava. Isso foi ótimo, pois sem muita enrolação, meu arsenal logo ficou bem interessante. Intercalar entre os diferentes tipos de armamento dependendo das condições do confronto era muito legal, apesar de eu não sentir uma vantagem tática tão expressiva entre eles, no que diz respeito ao impacto efetivo durante os confrontos.

MOUSE: P.I. For Hire é um jogo atrativo em diversos aspectos técnicos e entrega uma diversão descontraída, sem amarras, onde você praticamente sai por aí, atira, descansa um pouco, atira mais um pouco, descobre umas coisas loucas e pronto. Não é um jogo ruim, mas considerando o meu momento atual e para o tipo de expectativa que eu tinha, ele não me divertiu o tanto que eu gostaria.

Nota de transparência: não cheguei a zerar o jogo; optei por suspender a jogatina por tempo indeterminado. Ainda assim, dediquei mais de 10 horas, o que considerando a estimativa total da campanha, significa que joguei o suficiente para ter uma opinião embasada, embora não necessariamente completa. Todo o histórico detalhado da minha jogatina foi registrado em: journal.joguindie.com/@jand/entry/mouse-p-i-for-hire.

A cópia do jogo utilizada para essa review foi generosamente disponibilizada pela assessoria de imprensa da PlaySide, distribuidora do jogo, a qual agradeço pela confiança.

Estética vibrante e os rumos da narrativa

A trama de People of Note coloca você na pele da Cadence, uma aspirante a estrela pop na vibrante cidade de Chordia que, após ser rejeitada no concurso “Noteworthy”, percebe que seu talento não é o suficiente para desbancar a hegemonia da boy band Smolder. O que começa como uma jornada de busca por reconhecimento se transforma em um tipo de expedição pelo continente de Note, onde Cadence recruta músicos de gêneros distintos — como o roqueiro veterano Fret ou a DJ Synthia — para formar uma banda diversificada. No entanto, a narrativa acaba se expandindo para um conflito maior envolvendo uma trama nefasta que ameaça o próprio conceito de música no mundo, meio que forçando você a navegar por biomas temáticos enquanto lida com um roteiro que, embora cheio de referências à cultura pop, por vezes se perde no ritmo ao tentar equilibrar o drama pessoal da protagonista com a urgência de salvar o cenário musical global.

No fim das contas, a narrativa acaba sendo o maior gargalo da experiência em People of Note. Embora os dilemas pessoais da protagonista sejam humanos e até certo ponto legais de acompanhar, toda a subtrama de conspiração global contra a música soa mais como um pretexto artificialmente empurrado do que um arco devidamente construído. Ao cruzar a metade da jornada, aquele propósito “épico” de “salvar o mundo” já não possuía fôlego para me manter motivado; o desenrolar da história falha em criar uma conexão real entre a intimidade da personagem e a grandiosidade forçada dos eventos, tornando o ato final um exercício de persistência.

Algo que me surpreendeu muito foi a parte sonora. Diferente de muitos títulos que apenas flertam com o gênero, aqui temos canções cantadas de altíssima qualidade que trazem uma vibe de “musical” genuína. Como a narrativa não me pegou tanto, depois de algumas horas de jogatina, o que me fez seguir em frente na maioria das vezes foi justamente o desejo de ouvir uma nova canção.

O ritmo do combate e o desafio estratégico

O sistema de combate de People of Note funciona através de uma estrutura que mescla tática por turnos com elementos de ritmo. O loop se mantém interessante justamente por não se resumir à escolha passiva de comandos em um menu; cada ação exige sincronia com a batida da trilha sonora para maximizar o dano e a eficácia das habilidades. Para quem já está familiarizado com RPGs de turno, o funcionamento é absorvido rapidamente, funcionando como uma releitura do gênero com alguns “temperos” adicionais.

No entanto, embora o sistema seja competente, ele acaba esbarrando na falta de variedade. Apesar de haver um bom número de opções, as habilidades acabam sendo muito parecidas entre si, o que compromete a sensação de frescor com o passar do tempo.

Chega um ponto em que os combates deixam de ser decididos pelas características estratégicas de cada poder e passam a ser movidos apenas pela expressividade da força em si. Essa semelhança excessiva entre as possibilidades faz com que o engajamento técnico se perca, transformando o que deveria ser um duelo tático em uma repetição das ações que você está acostumado a utilizar.

No que diz respeito à parte estratégica, o jogo apresenta um grau de dificuldade interessante, especialmente ao selecionar as dificuldades mais altas. No entanto, essa dificuldade muitas vezes acaba sendo voltada para a sua capacidade de ler as ações do oponente e memorizá-las, exigindo que você escolha as respostas certas no momento exato.

Como não há uma variação expressiva no comportamento dos inimigos, nem um meio de fazer uma leitura detalhada deles dentro do próprio jogo — já que ele não detalha informações técnicas sobre os adversários —, a estratégia se torna um exercício de memorização e tentativa e erro. Ainda que alguns deles possuam habilidades que precisam ser lidadas com cuidado, o combate acaba virando uma questão de decorar padrões, o que, somado à falta de informações claras, acaba reforçando aquele cansaço de sentir que estamos apenas repetindo um processo em vez de realmente adaptar a estratégia.

Exploração, tempo e o saldo da jornada

Conforme você avança no jogo, certas arestas começam a comprometer a experiência geral, especialmente no que diz respeito à qualidade de vida. Para quem valoriza o tempo e uma navegação fluida, a ausência de indicadores claros e marcadores de objetivo é um ponto crítico.

O jogo tem o hábito de soltar a mão do jogador em momentos inoportunos, exigindo um entendimento da geografia que, muitas vezes, resulta em uma sensação de tempo desperdiçado e frustração. É o tipo de atrito que interrompe o fluxo de uma obra que, mecanicamente, já sofre com o preenchimento artificial. Lembro de um diálogo no jogo que brinca com esse aspecto de experiência “à moda antiga”, focada na descoberta. Mas os tempos são outros, e o tempo hoje é um ativo de vida muito particular e valioso. Da mesma forma que alguém pode apreciar passar vários minutos tentando se encontrar em uma região, eu prefiro avançar — ainda mais em um jogo que não se conectou de forma tão profunda comigo.

A experiência geral com People of Note deixa um gosto agridoce. É inegável o capricho na direção de arte e o esforço para entregar uma trilha sonora que realmente sustenta a proposta de um musical, mas o brilho estético não consegue esconder o desgaste mecânico. Para quem, como eu, preza por um bom equilíbrio entre desafio e respeito ao tempo, o excesso de preenchimento artificial e a falta de ferramentas de qualidade de vida pesam bastante. O jogo acerta ao oferecer boas opções de acessibilidade como a opção de desabilitar os puzzles, já que eles parecem criados estritamente para estender a duração do jogo, mas falha ao não perceber que seu loop principal — tanto narrativo quanto de combate — já havia entregado tudo o que tinha de interessante muito antes da reta final.

People of Note transborda estilo e traz músicas pop de altíssima qualidade que sustentam a experiência. O jogo ganha pelos sentidos, mas entrega uma narrativa que não está à altura da sua proposta. Entre os altos das canções e os baixos do cansaço, a jornada resulta em uma montanha-russa autêntica e agridoce.

Mais detalhes da minha experiência com o jogo estão no Joguindie Journal.

A cópia do jogo utilizada para essa review foi generosamente disponibilizada pela assessoria de imprensa da Annapurna, distribuidora do jogo, a qual agradeço pela confiança.

A funcionalidade de anotações transformou as notas em uma entidade universal, que agora passa a ser utilizada em várias camadas da aplicação. Você pode visualizar todas as suas notas em um único lugar, com a liberdade de editar ou excluir o que precisar. Também é possível vincular notas direto da seção centralizada. Algo bem legal é que agora você pode criar notas personalizadas com listas, caixas de seleção e outras formatações que podem ajudar você a criar notas mais elaboradas sobre seus jogos.

Você não precisa mais, obrigatoriamente, sempre vincular uma nota a um registro ou jogo da coleção; você pode simplesmente escrever o que quiser sem amarras. Na prática, você ganha um novo jeito de fazer anotações particulares. As notas do jeito que existiam permanecem do mesmo jeito de sempre, porém, como mencionei, agora estão integradas a esse novo conceito.

Chegou o Explorar: uma seção onde você pode visualizar as atualizações dos seus registros no mês vigente e conferir os jogos que serão lançados nos próximos meses (podendo, inclusive, adicioná-los à sua coleção rapidamente). Além disso, implementei novos tipos de sugestão para o que jogar, focando nos seus jogos suspensos e até em títulos novos.

Tenho ciência das controvérsias em torno da IA, mas preciso defender sua praticidade, especialmente quando buscamos uma resposta ou auxílio de maneira mais imediata. Por isso, adicionei um recurso de IA ao Journal — algo modesto, focado em ajudar na progressão de algum jogo, validar seus dados de registro ou mesmo expor estatísticas interessantes sobre seus hábitos pessoais de jogatina. A ideia é transformar seus registros em insights reais sobre como você consome seus jogos.

Como o uso da coleção ainda está modesto comparado aos registros, trabalhei em uma funcionalidade para tornar esse fluxo mais fluido direto da edição de registro. Agora, quando você digita o nome de um jogo e a aplicação não o encontra na sua coleção, um botão de “Adicionar à Coleção” é exibido. Ele aproveita o nome que você já digitou, te leva rapidamente para o fluxo de adição e, após terminar, te coloca de volta exatamente onde você estava no registro.

Fiz uma alteração visual importante nos marcadores: agora eles possuem ícones. Apesar de gostar da simplicidade anterior, confesso que agora me sinto menos perdido na navegação e espero que você goste do resultado.

Houve muitas outras mudanças menores que você pode conferir com detalhes no changelog.

Quanto aos próximos meses, acho que vou me dar uma folga e trabalhar em um ritmo menos acelerado, voltado para ajustes visuais e correções pontuais. Logo mais o Journal faz aniversário de 2 anos e, até lá, espero refletir melhor sobre o futuro do projeto.

Muito obrigado pelo apoio de sempre. Até o próximo diário de desenvolvimento.

Resolvi comprar o Mario Party Jamboree para jogar com amigos na minha casa, mas está complicado reunir todos em um único local. A grande maioria deles não é tão ligada em games como eu, logo não possuem nem um Nintendo Switch para jogarmos online. Como queria muito jogar mais Mario Party e já estava um pouco enjoado do Superstars — além de achar que ele não funcionaria tão bem sozinho comparado ao novo título —, peguei o cartuchinho, coloquei no meu Switch 2 e joguei. Joguei e sigo jogando, sozinho, desbloqueando coisas, rindo da CPU e, vez ou outra, jogando com pessoas aleatórias na internet.

Que fique claro: Mario Party Jamboree é um jogo para se curtir com amigos. Não vou defender a experiência solo como a ideal, pois sei que seu brilho está no multiplayer, especialmente com amigos no mesmo lugar. Mas ele também não é um jogo ruim quando jogado sozinho, como eu mesmo pensei que seria. A Nintendo criou um bocado de atividades e modalidades que, se você se deixar levar, garantem dezenas de horas de jogatina.

Na minha experiência solitária, joguei quase todas as modalidades até agora. Gosto demais do modo tradicional, com o tabuleiro e todas aquelas reviravoltas ao decorrer das rodadas. No entanto, jogar sozinho com muitas rodadas é um tanto demorado demais… no modo principal, na maioria das vezes, optei pelo multiplayer online. Foi divertido, porém achei as partidas longas para uma experiência multiplayer mais aleatória; cada partida durava, no mínimo, uma hora.

Há vários outros modos interessantes. Um que curti muito jogar sozinho foi a brigada anti-Bowser, que é um desafio cooperativo onde você (e aliados de CPU ou pessoas) deve derrubar o Bowser o quanto antes. O lance de quebrar caixas, coletar bombas e carregar o canhão enquanto o Bowser e seus comparsas atrapalham é bem divertido. O Bowserathlon também tem seu valor; é uma corrida baseada em coleta de moedas para subir de posição, com minijogos rápidos e o Bowser tentando te atrasar. É uma pegada bem “diferentona” dentro do conceito da série.

Já o modo feito especificamente para o single-player é a Jornada das Tarefas, e ele é muito bom. Nele você anda livremente pelos diversos tabuleiros do jogo realizando atividades e minijogos. É como se fosse o clássico modo Mario Party, mas adaptado para um jogador, e o resultado funciona muito bem. É o meu modo favorito quando não quero jogar com gente desconhecida; posso simplesmente perambular, escolher os minijogos que mais me atraem e me divertir no meu ritmo.

Refletindo sobre o Jamboree, percebi que é difícil ter uma opinião definitiva sobre a experiência solitária. Eu acabei adequando minhas expectativas para o jogo funcionar na minha rotina e, de fato, ele funcionou e me divertiu. Porém, há sempre uma leve sensação de vazio, provavelmente pela forte identidade multiplayer que a série carrega. Por mais legais que sejam alguns momentos, sempre me pego imaginando como seria se meus amigos estivessem ali. Mesmo aceitando que as agendas difíceis não permitam isso o quanto antes, não consigo me desligar totalmente da ideia da jogatina coletiva.

Mario Party Jamboree está funcionando bem para mim atualmente, mas sinto que, quando eu finalmente reunir a galera, ele será incrível. Dá para perceber que este jogo é especial; ele só precisa de pessoas para brilhar totalmente.

Se você quiser acompanhar ainda mais a minha experiência de jogatina, compartilho detalhes no meu Journal.