(just another) pop song

The Blue Herons - Demon Slayer ALBUM REVIEW

2026-04-08T16:45:00.001+02:00

C'è qualcosa di realmente miracoloso nell'esistenza stessa dei The Blue Herons. Miracoloso il fatto che due musicisti riescano a trovare una convergenza artistica così perfetta vivendo e lavorando a 10000 chilometri di distanza: Andy Jossi in Svizzera e Gretchen DeVault in California. Miracolosa l'energia vitale che ogni singola canzone nella carriera del duo contiene e sprigiona dalle origini de progetto ad oggi.

Non c'è dubbio che quella di Andy e Gretchen sia un'idea di indie pop programmatica e coerente. Un'idea che si incarna in modo naturale nella grazia jangly e melodica di ogni pezzo dei Blue Herons, nella pienezza corrusca del suono (Andy è un produttore finissimo e meticoloso), nell'impasto dinamico delle chitarre, nella luminosa chiarezza vocale di Gretchen, nella totale catchyness frizzante e zuccherina impressa nel dna di tutte le strofe, i bridge e i ritornelli.

La via dei Blue Herons al dream pop è da sempre questa: dritta, larga, in piena luce. E' musica fatta per trascinare, per staccare l'ascoltatore dalla realtà e portarlo letteralmente in un'altra dimensione, per trasferire l'energia e lasciare un senso di benessere.

Da Take a Break in avanti non ci sono ombre lungo il cammino: and if you change your mind - canta Gretchen - i'll be waiting here for you. Non c'è ragione di preoccuparsi: tutto andrà bene. Running from a future never quite made / but you keep on moving / keep on dreaming of a day / even if you're fooling and running into the shade / you gotta get up get up get up dichiarano immediatamente dopo le liriche di Demon Slayer: i nostri demoni si possono (si devono) combattere; la musica sta qui apposta.

La musica, certo. Andy Jossi la pensa e la crea così: chitarre che squillano, si inseguono, si gonfiano di elettricità, melodie semplici e circolari, chorus che si ripetono quasi senza sosta, finali scenografici. Dentro, una scia di memorie dream pop che percorrono una traiettoria ideale dai Flock of Seagulls ai Lush, dai Cure più leggiadri alle band dell'ultimo decennio (cito giusto i Night Flowers perché, finché sono esistiti, erano i migliori).

I Blue Herons amano lo shoegazing, non c'è dubbio, ma alla fine hanno un'anima talmente pop che nell'atmosfera liquida e fragorosa di molti pezzi (è il caso di Silent, per esempio) risalta comunque sempre l'immediatezza emozionale della melodia.

On the cold blue skies, the sun still shines inizia Gretchen in Fight or Flight, che è il primo momento di riflessiva morbidezza dell'album dove synth e acustica sono un tappeto elastico sul quale spiccare verso l'alto. Il crescendo nella seconda metà del pezzo è uno di quelli che Andy sa come costruire e riempie davvero l'anima.

La successiva ballata Promises ha qualcosa dei Mojave 3: quella stessa dolcezza sfumata folk pop, quel respiro che si fa largo e leggero a poco a poco.

Decay, con il suo passo variegato, con la sua trina jangly così colorata, fa pensare all'orecchiabilità assoluta dei Fleetwood Mac degli anni '80.

Willow è il singolo più forte del disco ed è in sé un piccolo irruento, quasi sfacciato, trattato dream pop. Il basso è propulsivo e le chitarre sono al massimo del loro scampanellante potere catartico, una culla, un abbraccio, un portale magico verso "un altro mondo, persi dentro la notte". Il vero marchio stilistico dei Blue Herons: l'assenza di gravità che fa fluttuare tutto in aria.

Ormai i piedi da terra li abbiamo definitivamente staccati. E così Lost in a Chateau e My Way ci portano in giro senza fatica con i loro giri facili. I passi li conosciamo: tutto si dilata e si distorce nei finali, ma non c'è traccia di inquietudine, solo eterea suggestione.

Non c'è inverno che possa durare a lungo nelle canzoni dei Blue Herons, e non c'è notte che possa fare paura. E anche se "il vento si fa così forte che tutto sembra soffiare via" noi siamo qui che aspettiamo il sole. Il racconto romantico di Turned to Stone, altro momento di sferzante gloria pop, prima dei sette solenni, sognanti, quasi estenuati minuti di Empty Spaces, che sembra più appartenere al repertorio dei Churchhill Garden (l'altra band di Andy) che ai Blue Herons, ma è una coda perfetta per un album che ha spinto sul pedale della spettacolarità dal primo all'ultimo istante.

In definitiva c'è, nelle canzoni del duo svizzero-californiano, una sorta di inarrestabile forza utopica: il mondo fuori non è mai stato così buio, ma i Blue Herons resistono immutabili con la loro onda di energia positiva, come se la loro musica fosse prima di tutto un fondamentale di genere di conforto per l'anima.

Demon Slayer by the blue herons

Makthaverskan - Glass and Bones ALBUM REVIEW

2026-04-03T18:38:00.003+02:00

Pity Party, il capolavoro che apre il nuovo (quinto) album dei Makthaverskan, da solo dice un po' tutto della band di Göteborg, di come suona e di come vive e utilizza la sua musica. Bene. C'è la voce di Maja Milner, ovviamente, che sfrutta ogni alito di fiato che possiede e si arrampica su e giù per un paio di ottave anche oltre le sue naturali possibilità. C'è Palle che picchia sulla batteria e imbastisce a poco a poco uno di quei crescendo che è uno dei marker stilistici del gruppo. Ci sono le chitarre torrenziali, scampanellanti e appuntite come coltelli di Hugo e Irma che si inseguono, scappano in alto ed esplodono. C'è una melodia rapida e circolare, che ti si imprime in testa dopo un solo ascolto. Ci sono i cori che rendono il tutto assolutamente antemico. Ci sono potenti bordate di rabbia nelle liriche che raccontano di una relazione d'amore che si trasforma in una guerra quotidiana (and what happened to us honey / now it's a pity party / building up an army / winning all the time). E c'è un grido catartico nel finale (get up, don't cry / wantend to let you know why) che accende (forse) la luce nella stanza. Eccolo. Il post punk dei Makthaverskan alla ennesima potenza: arrabbiato e liberatorio, affilato e dolcissimo.

Intendiamoci subito: i Makthaverskan non sono più soltanto "una band", sono un caposaldo, un punto cardinale del genere che amiamo. Hanno una carriera ormai talmente lunga, consolidata, coerente, di livello sempre altissimo che davanti alla loro musica siamo sempre a bocca aperta.

Nel loro quinto lavoro, arrivato dopo una lunghissima pausa, non troviamo alcun indizio di una qualche stanchezza creativa. Anzi, l'energia inarrestabile e muscolare che gli svedesi avevano nel 2009 sembra restare immutata nel 2026, e questa è davvero una dote che solo i grandissimi possono esibire.

I dieci episodi di Glass and Bones disegnano come sempre il paesaggio notturno e pieno di luci baluginanti a cui la band ci ha abituato, un paesaggio urbano periferico e inquieto, una bufera in cui si finisce (metaforicamente e no) sempre a correre per trovare rifugio.

La tempesta perfetta inizia con l'impetuosa Shatter (you paint the skies with a light / and it all keeps falling down on me) e con le sue chitarre che ibridano i Joy Division con The Jesus & Mary Chain. E continua con la versione pop di Siouxie di Glass and Bones: le liriche sono la season 2 di Pity Party, ma non c'è un happy ending nel potente intrico di chitarre e basso della conclusione.

In Black Waters troneggia la voce strepitosa di Maja, nuda, straziante, accompagnata da un emozionante arpeggio elettrico. Una liquida tristezza che avvolge tutto e ci immerge, appunto, in acque oscure.

Ne emergiamo con le lame elettriche, la ritmica uptempo e la furia di Won't Wait, ma soprattutto con il travolgente fittissimo florilegio jangly di Gambo: who are you, and what is my mind urla Maja, correndo a perdifiato sul limite sottile fra follia e lucidità, senza fermarsi mai.

Con Anytime è di nuovo Maja Milner al centro. Il pezzo è un'altra atipica ballata di scheletrica essenzialità, ma la voce spinge verso un ancora più evidente virtuosismo björkiano e le parole finalmente comunicano una morbidezza che finora era rimasta nascosta: go on, if you want you can call on me anytime...

Il carillon di Louie caratrizza un pezzo fuori dagli schemi dell'album e testimonia l'approccio tutto sghembo dei Makthaverskan al pop.

Sui titoli di coda Öken riannoda tutte le tensioni del disco in tre minuti di post punk in purezza, con un finale di basso e batteria da brividi.

Gli album dei Makthaversan da sempre hanno la caratteristica di scorrere con un inesorabile e inarrestabile dinamismo. Glass and Bones non fa eccezione.

Rispetto al passato - a För Allting soprattutto - da un lato, come abbiamo già suggerito, appare evidente come sia più forte il ruolo di protagonista di Maja Milner, e dall'altro c'è una radicale ricerca dell'essenzialità che riporta alla ruvidezza di I e II.

In definitiva un disco che ci mostra una band che sa aspettare l'ispirazione e quando è il momento la dispiega con mezzi che conosce alla perfezione, mescolando con abilità delicatezza e sferzante irruenza.

Glass and Bones by Makthaverskan

Meraung - Change EP REVIEW

2026-03-28T16:00:00.006+01:00

Da qualche tempo mi capita sempre più spesso di ascoltare band indonesiane. Lo sostengo già da parecchio: il presente (e forse il futuro) dell'indie pop sta da quelle parti. Si avverte chiaramente che laggiù c'è un fermento di piccole label curiose e di gruppi usciti dalle cantine che suonano le loro chitarre come potevano fare tante band della provincia inglese o americana tra fine '80 e inizio '90.

I Meraung, che sono basati a Bogor (nei dintorni della gigantesca Giacarta), hanno - rispetto a tanti altri connazionali che ho sentito - una marcia in più. Pur venendo, come è giusto, da esordi del tutto DIY e lo-fi (il primo acerbo ma promettente ep Merah Di Tiga lo testimoniava in pieno), la band di Nadya Roshalina suona oggi con un livello di forza, qualità e confidenza per nulla lontano dai grandi del dream pop di oggi come i Bleach Lab, i Rocket Rules, gli Swim School, gli Apartamentos Acapulco o i Say Sue Me più elettrici.

I cinque pezzi di Change sono davvero una compatta e liberante sferzata di energia intrisa di dolcezza shoegazer, e sembrano quasi generarsi l'uno dall'altro in un flusso unico di luminosità cosmica. Every Little Light, non a caso l'episodio centrale del disco, può essere un ottimo esempio del dream pop dei cinque indonesiani: chitarre sature, morbido dinamismo, la delicatezza vocale di Nadya che mette al centro una melodia di studiata e cantilenante semplicità, una struttura perfettamente circolare in cui strofa, bridge e chorus si invorticano l'uno dentro dentro senza soluzione di continuità. L'effetto è una luminosa immediatezza che riverbera in ogni singola nota dell'ep, dall'incalzante inizio Moment With You fino allo scenografico, esaltante e quasi sopra le righe finale di Together We Thrive.

Fino a questo momento, la cosa più bella uscita nel 2026.

Change by Meraung

Daydream - Trace EP REVIEW

2026-03-24T14:00:00.000+01:00

Non c'è nome più dream pop di quello scelto da Chloe Kauffman Trappes per la sua band, ed in effetti c'è una dichiarata adesione al genere da parte del gruppo di Glasgow. Tuttavia, fin dal toccante ep d'esordio Bittersweet, che data al 2022, gli scozzesi avevano dato un taglio molto personale alla loro "musica sognante", basandosi su una dimensione acustica, delicata e soffusa che ricordava maggiormente lo slowcore e si muoveva in una dimensione cantautorale di artigianale essenzialità.

Trace, secondo ep dei Daydream, riparte dalle stesse atmosfere, ma rappresenta davvero un notevole movimento avanti per il songwriting intimista ed emozionale di Chloe. Il passo è lo stesso, lento, meditativo, vagamente ipnotico e vicino in fondo alle lezione dei Mazzy Star (altra band che ha interpretato il dream pop in un modo peculiare), ma la capacità di apertura che hanno le nuove canzoni è diversa. Dopo la dolce malinconia un po' radioheadiana dell'iniziale Every Time e la grazia solenne punteggiata dal pianoforte della lunghissima Trace, è soprattutto con la spettacolare, emozionante e catartica Proximity che i quattro scozzesi decollano, liberando la tensione e l'elettricità che gli altri quattro pezzi hanno trattenuto fino a quel punto.

Trace by Dayydream

Hater - Mosquito ALBUM REVIEW

2026-03-20T16:29:00.001+01:00

A praticamente una decade di distanza da un album d'esordio che li promosse immediatamente come next big thing dell'indie pop, la band di Caroline Landahl è arrivata al suo quarto lavoro, frutto - esattamente come era stato per il precedente Sincere - di un'applicazione lenta e meticolosa che riflette l'attitudine timidamente ma indubbiamente ambiziosa del gruppo di Malmö.

Come già avevamo osservato quattro anni fa, gli Hater si sono distanziati dal loro stile originario, che era un guitar pop non distante dai primi Alvvays, implementando invece gli elementi più eclettici che già erano presenti nel loro secondo disco Sisesta e puntando ad un dream pop spesso notturno e dolceamaro, sapientemente scenografico e dinamicamente inquieto, che potrebbe assomigliare oggi alle cose dei Bleach Lab (parecchio nel caso del potente singolo This Guy).

Gli undici episodi dell'album riflettono davvero quel lavoro di cesello sonoro e produttivo che dicevamo, ma ovviamente anche la solida capacità di scrittura dei quattro svedesi. Il vero marker della band, oltre alla voce elegante e algidamente sensuale di Caroline, sta come sempre in un crescendo emotivo dei pezzi che spesso e volentieri partono in un'oscura irrequietezza post punk e si risolvono melodicamente in una dimensione di morbidezza pop (prediamo Mosquito o Still Thinking Of You).

Ma è dove le briglie indie vengono lasciate più molli ed emerge il talento catchy della band che gli Hater danno (dai tempi di You Tried in verità) il meglio: ecco allora che in un pezzo aperto e leggiadro, pur nella sua complessità, come Brighter, nelle trame avvolgenti e sognanti della magnifica Guts e nella soffice ballata conclusiva Last Summer I'll Spill, ritroviamo in pieno quel fuoco che avevamo visto brillare alto già al debutto del gruppo tanto tempo fa.

Che altro aggiungere? Mosquito è un album di densa bellezza, coerente e coeso, non immediato ma in fondo di estrema piacevolezza, crepuscolare nella sua scabra delicatezza.

Mosquito by Hater

Heavenly - Highway To Heavenly ALBUM REVIEW

2026-03-15T13:00:00.002+01:00

Gli Heavenly, nell'annunciare il ritorno sulle scene esattamente dopo 30 anni di fermo, hanno promesso che Highway To Heavenly (titolo meravigliosamente spassoso, come sempre) sarebbe stata una raccolta di canzoni "di rabbia, dolore, empatia, amore, messe insieme in opposizione al ritorno del maschilismo che sta rendendo il mondo un posto miserabile e aggressivo". Cioè, come ben sappiamo noi fedeli del culto di Amelia Fletcher, un perfetto disco degli Heavenly.

Parlare di una band che ha fatto la storia dell'indie pop, ha praticamente contribuito a fondarlo, ne ha delimitato i primi canoni e ha inciso una serie di dischi per la Sarah Records, ovvero per l'etichetta "da cui tutto è iniziato", è tutto sommato facile. Amelia, Rob, Peter, Cathy e Matthew nella prima parte degli anni Novanta - ma in realtà da prima, quando la band si chiamava Talulah Gosh - sono stati tra i primi a inventarsi una via nuova per il post punk, facendosi epigoni di un'etica (e un'estetica) twee che ha influito su centinaia di gruppi da allora ad oggi. Etica ed estetica che si sono tradotte in uno stile che la frase da cui siamo partiti descrive bene: quella attitudine di dire cose anche dure restando leggeri, in grado di incarnarsi perfettamente nella grazia frizzante e floreale delle chitarre jangly, nella coralità vocale vagamente sgangherata, negli inserti strumentali apertamente pop, nell'ironia sottile dei testi e nella dimensione programmaticamente a bassa fedeltà, tutte caratteristiche che da sempre fanno il mondo Heavenly.

Trent'anni di iato artistico sono tanti per una band, è ovvio, ma personalmente non sono così stupito da questo ritorno. In fondo Amelia Fletcher e Rob Pursey, che sono marito e moglie, di cose ne hanno fatte tante nel frattempo: altre band (Swansea Sound l'ultima) e una etichetta discografica (la Skep Wax, celebrata nel disco dall'omonimo adorabile pezzo, in cui i nostri confessano sorridenti che stanno ancora svegli la notte per scovare nuove canzoni), giusto per dire.

A questo punto ogni recensione che si rispetti reciterebbe qualcosa del tipo "per gli Heavenly il tempo sembra non sia passato", oppure "gli Heavenly ripartono esattamente da dove avevano interrotto". Affermazioni pure vere, ma non del tutto.

Partiamo dalla prima. Il songwriting di Amelia ha una forte identità stilistica e si è declinato in modo leggermente diverso nelle sue diverse band: quella degli Heavenly era forse insieme il più immediato e il più tagliente: pezzi brevi, veloci, pieni di cose, un po' delle scatole magiche da cui scoppiano fuori mazzi di fiori. Da questo punto di vista possiamo dire tranquillamente che i quattro musicisti (più Ian Button, che ha sostituito lo scomparso Matthew Fletcher) hanno pienamente in mano la grammatica del loro guitar pop, forse anche più di trent'anni fa, ma ovviamente in maniera meno spontanea e propulsiva (e ci mancherebbe). Sì, il tempo è passato, ma può pure essere un vantaggio. Il che ci porta al secondo punto: no, le canzoni degli Heavenly non ripartono dal 1996. I pezzi di oggi non hanno per nulla quella sintesi ancora punk delle origini: sono spesso e volentieri più ampie e morbide, nella durata e nella struttura, per quanto abbiano indubbiamente tutti i marchi della band. Insomma, abbiamo a che fare - ed è tutto normale e bellissimo - con degli Heavenly nuovi, o rinnovati.

Le canzoni dunque: undici, piacevolissime e irresistibilmente catchy persino più di quello che ci aspettavamo, senza forse una testa d'ariete melodica, un singolo super memorabile, ma ugualmente e ovunque intrise del sacro spirito dell'indie pop, dinamiche e colorate, trascinanti e variopinte, piene di quelle piccole trovate e di quelle sfumature che ci fanno capire che i nostri si sono divertiti un mondo a metterle insieme.

E' difficile non innamorarsi del ritornello killer di Portland Town, della ritmica un po' Girls and Boys e un po' Blondie di Press Return, dell'organo sinuoso di Cathy Rogers e dell'apertura corale di Deflicted, della gentilezza punk originaria di Excuse Me, della narratività sorridente distesa e saltellante alla Pulp di A Different Beat, della delicatezza twee di un pezzo come The Neverseen che è davvero Heavenly in purezza, della perfetta e articolatissima architettura catchy di She Is The One, della dissonante e vagamente scabra malinconia di That Last Day.

Insomma in definitiva c'è davvero, in Highway To Heavenly, tutto quello che mai potremmo chiedere a una band per cui credo che tutti noi appassionati proviamo un affetto profondo ed una enorme gratitudine da sempre: una generosa manciata di nuove canzoni belle, raffinate, intelligenti che stanno qui a testimoniare la forza eterna dell'indie pop.

Highway To Heavenly by Heavenly

Salt Lake Alley - Always Out Of Time ALBUM REVIEW

2026-03-10T14:53:00.002+01:00

Gustav Tranbak e Mikael Carlsson hanno iniziato la loro collaborazione artistica già da molti anni e poco alla volta hanno consolidato i Salt Lake Alley come una delle band di indie pop classico ("ortodosso" lo definiscono loro) più solide della scena europea.

Diventati da duo un quartetto, il gruppo di Stoccolma prosegue lungo la sua strada di filologica riscoperta di un certo guitar pop che ha avuto la sua epoca d'oro tra '80 e '90 e che ha tra i suoi epigoni - li indicano gli stessi SLA come modelli - i Teenage Fanclub, gli Orange Juice, i Felt, i Popsicle, i McCarthy e ovviamente - basta sentire un pezzo come I Miss You - gli Smiths.

Le trine jangly elettro-acustiche delle chitarre sono ovviamente sempre il motore della band, come già in passato. In molti pezzi è evidente l'ambizione di costruire strutture e melodie non completamente convenzionali - e i SLA lo fanno bene perchè hanno sicure capacità tecniche e di scrittura - ma le cose migliori le troviamo comunque dove la leggerezza prende il sopravvento: l'ariosa All The Things You Are, con la sua dimensione byrdsiana e corale, su tutte.

Always Out Of Time by Salt Lake Alley

Lucid Express - Instant Comfort ALBUM REVIEW

2026-03-03T17:48:00.003+01:00

Fare passare ben cinque anni fra il disco d'esordio (peraltro lodato da critica e pubblico) ed il suo seguito è una scelta sicuramente originale e coraggiosa. Tuttavia i Lucid Express, da buoni maniaci della forma e dei dettagli, hanno evidentemente preferito aspettare pazientemente e limare con cura i loro pezzi prima di pubblicarli, ed hanno anzi scritturato Kurt Feldman - già storico batterista dei Pains Of Being Pure At Heart, fra le tante cose che ha fatto e fa - per mixarli e masterizzarli.

E non c'è dubbio che, oltre al grande talento del quintetto di Hong Kong, ci sia anche lo zampino del produttore americano nella creazione di questo suono così tridimensionale, rotondo e avvolgente che davvero caratterizza ogni singolo istante di Instant Confort.

La ricetta della band è perfettamente aderente a un gusto molto orientale del dream pop: melodie eteree (affidate alla voce di zucchero filato di Kim Ho), paesaggi sonori quasi sempre dilatati, chitarre che virano spesso o volentieri su stilemi canonici dello shoegaze (Faux Sweetness per dire è un esercizio di Mybloodyvalentine-izzazione riuscito al 100%), synth atmosferici sempre baluginanti sullo sfondo, ritmiche che si fanno volentieri torrenziali, e un'idea sottesa a tutto che ogni momento, anche quello più sfumato o carico elettricamente, deve risultare morbido e piacevole. Il che spiega in fondo anche il titolo del disco...

Ne scaturiscono alcuni pezzi di raffinata e sfrigolante bellezza - Aster su tutti - che dimostrano quanto il gruppo sia maturato e quanto comunque voglia restare immune da tentazioni eccessivamente catchy o apertamente pop.

Instant Comfort by Lucid Express

SINGOLI & EP FEBBRAIO 2026

2026-02-21T12:29:00.005+01:00

PRE 053: Jetstream Pony – Riley & Coe session 09.04.25 by Jetstream Pony

Fading Out by The Wellington The Moon is Soft by Maggie Gently Pendar by Much Under the Rainbow by Shapes Like People Till I See Your Star Tonight (Snowflakes Singles) by jeanines Louie by Makthaverskan Black Waters by Makthaverskan This Takes Time by CASTLEBEAT Never Going Home (Acoustic Version) by Hazel English Make It Better (Acoustic Version) by Hazel English Summer is a Dream by Biatlón, Mint Tea The Tar Tanks by SHOPFIRES Echoes Of Our Time by Club 8 Travel Back In Time by Club 8 Here with You by stay lunar Everyfire by Field Hospitals Tomorrow Will Come by In The Afterglow Some Hidden Stairs by Lone Seagull Passionate Kisses by The Paranoid Style Proximity by Dayydream The Every Boy EP by Sculpture Club PROMISE by The High Curbs & The Red Pears Quietly Drowning by Beach Vacation Dreaming of a Dog by Exam Season

Nadadora - Mañana y Siempre EP REVIEW

2026-02-05T17:30:00.001+01:00

Anche se sono trascorsi vent'anni esatti, mi ricordo bene quando scoprii questa band spagnola chiamata Nadadora che assomigliava tantissimo ai Mojave 3 (all'epoca erano forse la mia band preferita) e che faceva un dream pop intrecciato con il folk di straordinaria dolcezza.

Il quintetto galiziano ha fatto musica fino al 2012, evolvendo a poco a poco il proprio stile verso una dimensione più elettrica e scenografica: Luz Oscuridad Luz, l'ultimo album pubblicato prima dello scioglimento, è un piccolo capolavoro che varrebbe davvero la pena di riscoprire.

Se non fosse stato per un prezioso consiglio (gracias, Vini!) mi sarei perso questo ritorno in grande stile dei Nadadora di cui, mea culpa, non mi ero neppure accorto.

Da qualche anno Sara Atán e Gonzalo Abalo hanno infatti ricominciato a scrivere e suonare insieme, e le sei canzoni di questo Mañana y Siempre (il titolo è un omaggio ad un libro di Jon Fosse) sono il frutto eccezionale della (imprevista e graditissima) rifondazione dei Nadadora.

Stilisticamente, già a partire da 1997 e Bailaremos, i pezzi che aprono la raccolta, è evidente come la band gallega riparta in buona sostanza dal punto esatto in cui aveva deciso di scomparire: un dream pop soffice e poderoso al tempo stesso, arioso e dinamico, valorizzato dalla voce magnificamente matura di Sara.

Se le somiglianze con i connazionali Appartamentos Acapulco in Aparecer, che è episodio più catchy e dirompente del disco, sono piacevolmente evidenti, nei pezzi successivi emerge invece il lato più sfumato ed avvolgente dei Nadadora, quello degli esordi, dove chitarre, synth e linea vocale convergono a disegnare un paesaggio di raffinata ed eterea morbidezza.

LISASINSON - Desdse Cuàndo Todo ALBUM REVIEW

2026-01-30T16:06:00.002+01:00

Un paio d'anni fa, all'uscita del secondo ottimo album delle LISASINSON, che si intitolava significativamente Un Año de Cambios, sottolineavamo come la band, un quartetto pop punk alle origini, si fosse trasformata in un duo abbandonando quasi del tutto il primigenio versante riot-girls.

Nell'aftermath di quel disco, il gruppo si è ulteriormente dimezzato con l'allontanamento spontaneo di Paola Barberan, pertanto Desde Cuàndo Todo è in realtà il terzo album con il nome LISASINSON ed il primo solista di Miriam Ferrero.

Da sempre siamo grandi fan della band di Valencia, che agli inizi sembrava davvero una reincarnazione dei mitici Juniper Moon (o una versione più morbida delle Hinds) ma è poi riuscita a costruirsi una forte identità personale lavorando in modo caparbio e intelligente soprattutto sulla scrittura.

Desde Cuàndo Todo fotografa una nuova fase del progetto LISASINSON che potremmo facilmente definire "maturità artistica", etichetta senz'altro corretta ma che non rende giustizia all'enorme talento che Miriam ha dispiegato in questi dodici pezzi (più due remix molto divertenti).

Musicalmente l'album si piazza a metà fra l'urgenza uptempo degli esordi ed una dimensione profonda e cantautorale che, a livello di liriche, affronta tematiche fortemente legate alla crescita e al disagio.

Salgo A La Calle, la canzone che apre il disco, rappresenta bene il mondo LISASINSON allo stato attuale: grandissima finezza produttiva, chitarre sfavillanti che esplodono al momento giusto, una linea melodica che parte narrativa e a poco a poco attraverso un lungo bridge liberatorio si arrampica verso un ritornello catartico e micidiale ("no me escuchaba respirar") che ti si incolla in testa. Un po' la stessa cosa che accadrà anche nella sintetica e potente Desde Cuàndo.

Discorso simile vale per un pezzo avvolgente come Lanzarote, che si appoggia su un groove di raffinata morbidezza e centra un altro chorus splendido.

Se in Deberìamos Vernos Mas ritroviamo la forza spregiudicata delle prime LISASINSON, Quiero Que Perdamos La Cabeza (Otra Vez) è una prova incontestabile della capacità di Míriam Ferrero di scrivere canzoni pop. L'influenza pop punk è dichiarata, ma è trattata con una carica giocosa che smonta certi stilemi che si trovano in tante band di genere e li spacchetta in due metà, una acustica da cameretta ed una antemica che fa l'occhiolino all'ascoltatore mentre gli chiede esplicitamente di partecipare al coro.

La bravura della musicista valenciana risiede nella capacità di partire da un nucleo ispirativo intimo, introspettivo e spesso doloroso e di costruire su di esso con un intento che è apertamente liberatorio. In Me Acostumbré, che è probabilmente l'episodio più complesso (ed emozionante) dell'album, Miriam macina traumi infantili e li trasforma in materia indie pop con un'attitudine ed una scrittura libera e coraggiosa che ricorda da vicino quello che fa Elizabeth Stokes con i sui Beths.

Racconta volentieri la propria vita Miriam, e sia che lo faccia alzando ritmo ed elettricità e riducendo il minutaggio ai due minuti (Decidì Desaparecer, No Quiero Envejer), sia che si affidi ad una superficie più pop e patinata (Si Me Pierdo), la sua coerenza stilistica non cede nemmeno per un centimetro e il motore gira sempre a mille, fino al gran finale Si Todo Se Tuerce, dove la pensosa malinconia diffusa in tutto l'album trova la sua chiave di volta in quella paradossale leggerezza che dicevamo.

Desde Cuàndo Todo è in fondo un grande album proprio grazie alla sua vigorosa forza comunicativa ed alla perfetta convivenza di riflessività crepuscolare e luminosa catchyness.

Desde Cuándo Todo by LISASINSON

Rocket Rules - Dearden's Number ALBUM REVIEW

2026-01-24T10:37:00.002+01:00

Giusto pochi mesi fa avevamo parlato con entusiasmo di un album che raccoglieva insieme i due ep fino a quel momento pubblicati dai Rocket Rules. E sull'onda del medesimo entusiasmo parliamo oggi del primo vero disco del duo australiano, che idealmente è anche il primo lavoro pienamente dream pop del 2026.

Baxter Barnham (che suona tutto, scrive e produce) e Rachael Lam (che canta) hanno fin dagli esordi un'idea molto chiara e lineare del proprio stile: melodie di raffinata dolcezza che si depositano morbidamente su una vigorosa e curatissima stratificazione di chitarre e synth, dove il primo layer è sempre jangly e l'ultimo sfrigolante e distorto.

Non c'è un momento, dalla splendida Tiptoe in avanti, che non possieda una scenografica e a suo modo romantica e luminosa immediatezza, sia nei pezzi più lunghi (Quicken) che in quelli più compatti e dal respiro apertamente pop (Chapel St e In my Room hanno un tiro formidabile), con la voce di miele di Rachael come vero tratto distintivo della band.

Solo otto pezzi nel complesso - ne avremmo davvero desiderati di più - ma abbastanza per convincerci che i due di Melbourne possono sedere comodamente allo stesso tavolo con i grandi del dream pop di questi anni.

Dearden's Number by rocket rules

Waving Blue - The Infinite Sea ALBUM REVIEW

2026-01-17T17:41:00.002+01:00

A un anno quasi esatto dal precedente, che avevamo ampiamente lodato su queste pagine e che consisteva in una poderosa raccolta di pezzi pubblicati in 15 anni di carriera, arriva il nuovo album di Waving Blue, intitolato The Infinite Sea.

Da lungo tempo Michele Cingolani produce la sua musica vantando una purezza DIY pressoché totale: "giusto un laptop e dei pedali a buon mercato in una cantina maledettamente umida" riferisce lui stesso nella presentazione del suo progetto.

In verità nell'ampio e ambizioso pezzo che apre il disco, All The Lost Years, alla voce soffice e filtrata di Cingolani - che conosciamo già bene - si aggiunge anche quella suggestiva di Matilde Talamelli, costituendo una piccola e graditissima novità.

Per il resto la dimensione paesaggistica di Waving Blue è quella consueta che abbiamo imparato ad amare: morbida e fluttuante, piena di crescendo e di sfumature. I muri di chitarre che troviamo in episodi emozionanti e spettacolari come Waves e The Infinite Sea ritraggono in modo perfetto l'approccio stilistico di Cingolani, che percorre da sempre una strada sospesa a metà fra l'immediatezza melodica del dream pop più etereo e le nebbie elettriche di uno shoegaze che comunque preferisce sempre il dinamismo alla distorsione puramente atmosferica.

Tutto molto bello e molto centrato, con una sensazione di luminosa malinconia che sembra sottendere ogni episodio e che i tanti riferimenti al mare (Cingolani vive sull'Adriatico) valorizzano in modo metaforicamente efficace.

The infinite sea by Waving Blue

Tre band indonesiane: The Fabulous Friends, Candy Kisses, The Interpretation Cultures

2026-01-09T16:57:00.002+01:00

In questi primi giorni del 2026 - sarà un caso, ma forse no - tutta la musica nuova (e bella) che mi è capitato di ascoltare viene dall'Indonesia. Abbiamo già avuto modo di dirlo e lo ripetiamo: il fermento indie dopo che c'è da quelle parti è davvero paragonabile alla scena britannica originaria di fine '80, quella della Bristol della Sarah Records e della Glasgow della Postcard, per intenderci. C'è, da quelle parti, tutto un fiorire di piccole etichette che da anni fanno uno splendido lavoro di scouting pubblicando i dischi di band che in sostanza registrano davvero tra la cameretta e la cantina con mezzi a dir poco di fortuna e tengono viva un'idea di post punk essenziale e melodico, che a quella scena che dicevamo si ispira in modo diretto.

Cominciamo allora con The Fabulous Friends, band di cui non so assolutamente nulla ma che nel suo album A Little Spring Of Gentile Pop interpreta alla perfezione quella che potrebbe essere la definizione da dizionario della musica del termine "twee pop". Nove pezzi di una delicatezza jangly quasi naïf, voci maschile e femminile come canone vuole, tamburines e glockenspiel come piovesse, un senso della melodia totalmente fuori dal tempo ma assolutamente adorabile.

The Fabulous Friends - A Little Spring of Gentle Pop by shiny happy records

L'ep Truth We Avoided è invece il disco di debutto dei Candy Kisses, che sono un quartetto ed hanno un'anima più rock, decisamente tangente allo stile catchy spontaneo e arrembante dei gruppi C86. Sei pezzi di guitar pop ruvido nei mezzi ma dal cuore morbidissimo.

Truth we avoided by Candy kisses

La band più interessante del terzetto di oggi è però The Interpretation Cultures, un collettivo nato molti anni fa intorno a Fadhli Rafq Al-Fath che ha già in verità pubblicato diverse cose. Fra le tante band indonesiane che mi è capitato di sentire, mi sembra quella con la cultura di base più vasta e la personalità più forte. Lo stile della band parte senz'altro da Jesus & Mary Chain e Ride, ma si allarga di volta in volta saccheggiando l'intero canone indie pop degli '80-'90 ed arrivando volentieri a citare la scena di oggi.

Se volete scoprirli, consiglio di partire da questo ep intitolato The Interpretation Of Indiepop Cultures, che contiene un pezzo formidabile come The Molly Pop Song (sì, il riferimento è a Molly Rankin, chi altri!) ma anche altre gemme come Distraction e My Life Is Better With Indiepop (cover di Anselmus, altro artista artista locale, e titolo a dir poco programmatico a cui ci sentiamo di aderire).

The Interpretation of Indiepop Cultures by The Interpretation Cultures

L'album di debutto di The Interpretation Cultures, uscito fresco fresco, si intitola invece There's A Light That I Will Never Have, con citazione evidentissima ed ironica degli Smiths (che ritroviamo poi nelle chitarre alla Marr di Walzing Out In Blue, più che citazione in questo caso). Fadhli e compagni sono potenzialmente la band indie pop perfetta: hanno un senso melodico immediato e obliquo (e vagamente stonato), le chitarre sempre croccanti e sapientemente intrecciate, un misto di energia pura ed umore crepuscolare, un'attitudine super artigianale ma al contempo una cura produttiva non esibita ma evidente. Ben 14 pezzi nell'album, senza un momento debole.

There's a Light that I Will Never Have by The Interpretation Cultures

(just another) pop song ALBUM OF THE YEAR 2025

2025-12-23T16:14:00.014+01:00

Softsurf - Gazing at a Mind

Il quintetto di Nagoya rappresenta bene la passione nipponica per il dream pop, mescolando la distorsione dello shoegaze ad un gusto melodico che cerca sempre la suggestione e mescola delicatezza e romanticosmo. Ma Gazing at a Mind è in verità un album complesso, ambizioso e sfaccettato che testimonia il grande talento di una band dalla notevole esperienza.

Gazing at a Mind by softsurf

Lightheaded - Thinking Dreaming Scheming!

Pochi gruppi come il quintetto del New Jersey riesce a catapultare l'ascoltatore in un mondo musicale parallelo e atemporale dove Belle & Sebastian, Camera Obscura, Talulah Gosh e Phil Spector sono i punti cardinali, ci si veste ancora con gli anorak e si leggono fanzine ciclostilate. Retrò certo, ma per nulla nostalgico, il secondo album dei Lightheaded è un cesto traboccante di delizie jangly pop.

Thinking, Dreaming, Scheming! by lightheaded

Ex Vöid - In Love Again

Lan McArdle e Owen Williams, veterani della scena britannica, hanno trovato con gli Ex Voïd una sorta di pietra filosofale del power pop. Il secondo lavoro della band mantiene intatta l'entusiastica freschezza del primo: chitarre sfavillanti, grande melodia, il canonico intreccio delle voci maschile e femminile ed una tonnellata di energia positiva.

In Love Again by Ex-Vöid

Autocamper - What Do You Do All Day?

Nel combattuto campionato parallelo delle band che si ispirano all'indie pop originario e suonano come fossero nel 1992, gli Autocamper di Manchester quest'anno mostrano di avere qualcosa in più rispetto a tutti, innovando la tradizione in modo eclettico e freschissimo: due voci, una maschile e una femminile, e un guitar pop dall'anima irresistibilmente twee.

What Do You Do All Day? by Autocamper

Shapes Like People - Ticking Haze

Carl Mann ha fatto nascere il progetto Shapes Like People per raccogliere canzoni non adatte ai suoi Shop Window senza particolari ambizioni, ed invece l'unione artistica con la moglie Kat le ha trasformate in vere e proprie gemme jangle pop che risplendono della luce abbagliante della propria eterea delicatezza. Un album di straordinaria e catartica gentilezza.

Ticking Haze by Shapes Like People

Silk Cuts - Tell Me It's Not True

Il trio di Exeter con il suo disco d'esordio dimostra con onestà disarmante come si possano fare grandi cose con dei mezzi assolutamente artigianali. Il guitar pop dei Silk Cuts, brit fino al midollo, si esalta in una collezione di canzoni che infallibilmente ti migliorano l'umore appena le ascolti, di una raffinata semplicità e impreziosite spesso da archi avvolgenti.

Tell Me It's Not True by Silk Cuts

Dreamcoaster - Imaginary Reflections

Tenendo fede al nome della propria band, Jane e Andrew Craig disegnano nel loro secondo album un indie pop dai contorni ampi, dinamico e suggestivo, raffinato nella confezione pure in un'economia di grande essenzialità, allo stesso tempo programmaticamente immediato e catchy, tra Lush e Luxembourg Signal. "End of The Rainbow" è già nel novero dei classici del genere.

Imaginary Reflections by dreamcoaster

Blueboy - A Life In Numbers

Il ritorno della mitica band che ha fatto la storia della Sarah Records dopo quasi trent'anni è di una bellezza e di una forza sorprendenti. Gemma e Paul - i due superstiti del nucleo originario - ripartono dall'inconfondibile stile Blueboy, elegantissimo e levigato nella forma, impreziosito da un'anima folk di eterea morbidezza, ma elettrico e vigoroso in più di un episodio.

A Life in Numbers by Blueboy

Jeanines - How Long Can It Last

La coerenza stilisticra del trio americano ha reso i Jeanines una delle band più riconoscibili dell'indie pop mondiale: canzoni mid tempo che raramente superano i due minuti, chitarra basso batteria all'essenza, la voce sottile di Alicia e quella baritonale di Jed, zero abbellimenti produttivi, melodie di cristallina semplicità che hanno le radici nel jangle pop degli anni '60 e nel twee della Sarah Records. Il terzo album della band non può che essere una conferma assoluta.

How Long Can It Last by jeanines

Roller Derby - When The Night Comes

Il duo di Amburgo ribadisce con il suo secondo album la propria capacità di tracciare una via personalissima all'indie pop contemporaneo, puntando tutto sull'eleganza levigatissima della confezione (la voce di velluto di Philine Mayer è il plus), una emotività scenografica di baluginante morbidezza ed un corrusco e avvolgente dinamismo.

When The Night Comes by Roller Derby

Jetstream Pony - Bowerbirds and Blue Things

Il supergruppo di Beth Arzy e Shaun Charman - due musicisti con due carriere nella scena indie pop britannica che parlano per loro - arriva al secondo album è piazza un'altra bomba. Il power pop dei Jetstream Pony, perfetto nella sua rotonda essenzialità, fa rivivere lo spirito C86 quarant'anni dopo con una forza deflagrante ed un'energia travolgente e inarrestabile.

Bowerbirds And Blue Things by Jetstream Pony

Massage - Coaster

Alex Naidus (ex The Pains Of Being Pure At Heart) e Andrew Romano l'hanno detto fin da subito: volevano fare un "gruppo pop". Negli album che la band losangelina ha pubblicato (Coaster è il terzo) lo hanno dimostrato in modo evidente, mantenendo altissimo il livello e dirigendo il loro stile jangly verso una orecchiabilità sempre più rotonda e luminosa che non può non ricordare i Teenage Fanclub.

Coaster by Massage

Pálida Tez - Un Extraño Estado de Ánimo

Esiste una sottile ma solida tradizione dream pop in Spagna e i Pálida Tez ne sono in questo momento i portabandiera insieme agli Apartmentos Acapulco. La band di Albacete ama alla follia i muri irti di chitarre e synth, ma esibisce al contempo una dimensione delicatamente melodica e riesce a fare convivere un'anima quasi cantautorale con stilemi shoegaze. Il suo album di debutto è potente e gentile, trascinante e ricco di sfumature, una torrenziale infilata di pezzi che ti si incollano irrimediabilmente addosso.

Un extraño estado de ánimo by Pálida Tez

Prism Shores - Out From Underneath

Originari dell'Isola Principe Edoardo e basati a Montreal, i Prism Shores sono un piccolo e prodigioso caleidoscopio indie pop, in grado di tenere insieme modelli, ere, generi e sottogeneri dentro un unico pacchetto stilistico elegantissimo, coerente e di una piacevolezza estrema. Il loro secondo album è morbido quasi ovunque e graffiante dove serve, folk, jangly e sfrigolante, immediato e ricco di sfumature, ora accelera, ora si fa obliquo e subito dopo rallenta e diventa catchy e atmosferico.

Out From Underneath by Prism Shores

Bridge Dog - Auto Fictions

L'album degli australiani Bridge Dog è senza dubbio alcuno il debutto dell'anno. Il quartetto guidato da Grace Ha e Brian Park si muove con una grazia eccezionale in un territorio tangente al dream pop che potrebbe richiamare alla mente Alvvays o Say Sue Me: chitarre che sfrigolano e scampanellano alla grande, melodie soffici e circolari, la capacità di essere obliqui e catchy al tempo stesso, romantici di un romanticismo shoegazer.

Auto Fictions by Bridge Dog

The Beths - Straight Line Was A Lie

La band neozelandese corona dieci anni di onoratissima carriera con il suo album più ispirato, complesso ed articolato. Il songwriting di Elizabeth Stokes - ora denso ed emozionale, ora ironicamente leggero - raggiunge la sua maturità piena anche grazie alla totale dedizione dei suoi tre compagni di viaggio Jonathan Pearce, Benjamin Sinclair e Tristan Deck: amici, complici e musicisti straordinari. Sono i Beths di sempre - energici, melodici, luminosi, corali, dannatamente intelligenti e perfezionisti in ogni soluzione produttiva - ma sono al contempo dei Beths diversi, al servizio di un nucleo d'ispirazione dai contorni decisamente oscuri. E' il miracolo di Straight Line Way A Lie: un album che sa essere durissimo e piacevolissimo, inquieto e colorato, esaltante e commovente.

Straight Line Was A Lie by The Beths

Gap Year - In Light ALBUM REVIEW

2025-12-11T15:00:00.001+01:00

Originari di Perth e fronteggiati da due cantanti/autori (Daniel Harrison e Lee Napper) esattamente come i Go-Betweens, che stilisticamente potrebbero essere i loro padrini spirituali, i Gap Year sono arrivati al loro secondo album, che segue ad un esordio che nel 2021 avevamo trovato più che piacevole.

Le radici ben fonde e ramificate dentro il fertile suolo dell'indie pop australiano (e neozelandese) sono molto evidenti nei pezzi del quintetto, che per molti versi può assomigliare da vicino a una band come i Quivers o un'artista come Hatchie, che sostanzialmente partono dalla stessa base e costruiscono in modo non così differente: melodie dinoccolate e un po' sornione, chitarre sempre squillanti, ampio uso dei synth di marca Eighties, peculiare propensione alle armonie vocali (la voce della bassista Maddy Blue è davvero un plus), una grande cura produttiva che non teme di puntare la rotta verso il pop e riesce sempre a strutturare superfici sonore morbidamente corrusche.

Tutti i pezzi di In Light - l'infilata iniziale da Old Races a Where I Came From specialmente - scivolano con colorata e appena malinconica leggerezza e possiedono quel dinamismo che ti fa venire voglia di alzarti sulla sedia e, quasi quasi, ballare. Nei momenti più larghi, rallentati e cantautorali - Across The Sea ad esempio - il debito verso Forster e McLennan è veramente scoperto, ma è soprattutto quando i ritmi si alzano, pur con prudenza, verso l'uptempo (la splendida The Bats-iana Slow Here) che i Gap Year danno il meglio.

Una sicura conferma!

In Light by Gap Year

Tulpa - Monster of the Week ALBUM REVIEW

2025-12-07T17:00:00.001+01:00

C'è stato un periodo irripetibile - era la seconda metà dei '90 - in cui ogni settimana scoprivamo nuove band dalla scena americana o da quella brit pop di cui innamorarci. Sembrava davvero che ovunque ci fossero gruppi che si formavano attorno alla triade chitarra-basso-batteria ed aveva poca importanza produrre, levigare e confezionare: le idee erano quasi sempre registrate così come venivano, mantenendo inalterata una spontaneità entusiastica e splendidamente lo-fi.

Ritrovare oggi lo stesso spirito in tante band formate da ragazzi e ragazze che nei '90 non erano nemmeno nei pensieri dei loro genitori rende senz'altro meno bruciante la nostalgia per quell'epoca d'oro e forse indica che stiamo andando ancora nella direzione giusta.

I Tulpa, quartetto basato a Leeds, sono un ottimo esempio di questa rinascita dell'indie "classico". Monster of the Week, che è il loro disco d'esordio, ci riporta in un mondo di purezza indie in cui i riferimenti intorno sono band come Dinosaur Jr., Built To Spill, Lemonheads, Breeders o Pavement (il pezzo che dà il titolo all'album è un omaggio scopertissimo e perfettamente riuscito al mitico gruppo di Stephen Malkmus).

La band guidata da Josie Kirk si muove perfettamente a proprio agio fra equilibrata ruvidezza elettrica e obliqua e leggera catchyness, piazzando una serie di pezzi di ironica e trascinante immediatezza come PYOPs, Let's Make A Tulpa! e You're Living A Reverie, e mostrando fra l'altro notevolissime capacità tecniche e di scrittura. La ballata sghemba Whose Side Are You On? - anche qui la memoria non può che andare subito a Range Life dei Pavement - è un piccolo capolavoro.

Monster Of The Week by Tulpa

Shapes Like People - Ticking Haze ALBUM REVIEW

2025-12-03T17:35:00.002+01:00

Dicembre è arrivato e come tutti gli anni è tempo di recuperare qualche album che, per un motivo o per l’altro, nel momento in cui è uscito mi era sfuggito di mano. Nel caso di questo Ticking Haze degli Shape Like People, fra l'altro parliamo di un disco di grandissimo valore e non posso che scusarmi se, da marzo fino ad oggi, non ne ho scritto nemmeno una riga.

Carl Mann, lo straordinario autore, produttore e polistrumentista che sta dietro alla band, è in realtà il titolare di un gruppo ben noto agli appassionati di indie pop, quegli Shop Window che l'anno scorso hanno pubblicato un album veramente molto interessante.

Scrivendo nuove canzoni nel suo consueto processo creativo, Carl si è ritrovato con numerosi pezzi che non gli sembravano adatti per questo suo progetto e pensava di regalarli ad altri artisti, tuttavia ha deciso di registrarli ugualmente chiedendo alla moglie Kat di prestare la sua voce.

I demo che ne sono derivati devono essere stati talmente convincenti - e non stentiamo a crederci - che i due hanno deciso di utilizzare tutte queste idee per un progetto parallelo, chiamato per l’appunto Shapes Like People, sul quale hanno lavorato con grande attenzione, entusiasmo e caparbia produttiva.

Il risultato finale infatti è una ininterrotta serie di piccole grandi gemme jangle pop che brillano letteralmente di luce propria. Fino dall’iniziale Ambition Is Your Friend, con la sua floreale esplosione di dolcezza, è evidente non solo quanto Carl sia un autore di raffinatissima levatura nel genere che amiamo, ma anche come la fusione artistica e vocale fra marito e moglie sia stata in grado di offrire a tutte queste canzoni un fascino indiscutibile e pure non facilissimo da definire. C'è in effetti dentro ogni pezzo una grazia, una malinconica freschezza, una bellezza sfumata e al contempo prepotente, una eleganza retrò che in fondo è la stessa che ritroviamo in band come i Jeanines.

Il tocco delicato di Carl e Kat si esplica davvero in ogni istante della loro produzione: le chitarre quiete e scampanellanti, le avvolgenti armonie vocali che si trovano davvero ovunque, i paesaggi sfumati color pastello che si stagliano sempre all'orizzonte.

Si legge bene l'intera storia del jangle pop nelle trame di Ticking Haze, specialmente di quello anglo-scozzese degli anni '80-'90, una storia che va dai Blueboy in giù fino ai Sambassadeur (che hanno tantissimo in comune stilisticamente con il duo), ma l'attitudine di Shapes Like People (così come di The Shop Window) è davvero personale e parla una lingua che è da un lato cantautorale e dall'altra fortemente atmosferica e di matrice folk: pezzi come A New Crown, Server of The Mind o Fireworks hanno la capacità di dilatare gli orizzonti a partire dalle loro linee melodiche di cristallina circolarità, mentre momenti di rarefatta bellezza come Weathering fanno pensare alla magia in punta di plettro degli The Innocence Mission. Un pezzo che profuma di primavera come Head Spun poi non può che riportarci idealmente agli Aberdeen e ai Teenage Fanclub. Mentre il romanticismo di Cry è puro chamber pop alla Divine Comedy di classe infinita (con un tocco di Annie Lennox, o lo sento solo io?).

Tutto bello di una bellezza evidente e rarefatta al tempo stesso. Valido doppiamente perchè nel dna dell'album - che ha comunque una dimensione talmente artigianale da compenetrare le vite dei coniugi che l'hanno creato passo dopo passo - è inscritta un'idea di etica ed estetica indie pop altissima e veramente nobile.

Ticking Haze by Shapes Like People

SINGOLI NOVEMBRE 2025

2025-11-29T11:38:00.008+01:00

Pity Party by makthaverskan Gimme by Hazel English Calgary by Hazel English Sushi Later by Jetstream Pony Till I See Your Star Tonight (Snowflakes Singles) by jeanines Something Blue by Lucid Express This Is Not What We Were Hoping For by SHOPFIRES Marion by No Suits in Miami The Summer You Love - The Girl Who Cried Wolf by chaoticpoprecs Deberíamos Vernos Más by LISASINSON Lanzarote by LISASINSON Big Ships by Sister Ray Davies Pull the Rug by stay lunar Rupert Giles by cruush

Matinée Recordings · Norwegian Blue - Something New

CIEL - Call Me Silent ALBUM REVIEW

2025-11-22T13:00:00.008+01:00

Riguardando indietro nella carriera dei CIEL, una band che seguiamo veramente da tanti anni, sembra impossibile che Call Me Silent sia il loro disco di debutto, ma in verità è proprio così.

Michelle Hindriks e Tim Spencer da sempre hanno abbracciato l'idea di un post punk a cassa dritta, un po' dark wave e un po' ballabile, che sta a metà strada fra i Garbage, i Blonde Redhead, le Breeders e persino i Cardigans del loro periodo hype: muri di synth e chitarre, energia statica sempre al massimo ma imbrigliata da un basso pulsante e dalla batteria squadrata, la voce delicata ma graffiante di Michelle, una produzione che cura il suono in modo certosino e soprattutto un tiro che è potentissimo e trascinante quasi ovunque.

La torrenziale infilata iniziale Call me Silent, Won't Obey, Thinking Of You, Hear Me Out, Will I Ever Feel Again mette subito in chiaro l'ambizione della band di Brighton di muoversi in un territorio che sta fra goth, shoegaze e pop, senza fare concessioni ad una superficiale immediatezza ma al contempo centrando uno dopo l'altro dei chorus di grande catchyness.

Hold Onto You, che è l'unico momento di rallentamento introspettivo, notturno e sinuoso con il suo contorno di archi e la sua ritmica quasi trip hop, è un tocco di grandissima scrittura.

Call Me Silent by CIEL

Sweet Nobody - Driving Off To Nowhere ALBUM REVIEW

2025-11-18T18:06:00.004+01:00

Sono passati quasi dieci anni da quando Joy Deyo e Brian Dishon hanno iniziato a fare musica insieme in quel di Long Beach, California. Da allora la band, che è cresciuta quasi da subito a quartetto, ha fatto uscire un paio di album (del secondo ne abbiamo parlato volentieri nel 2021) e persino un ep di cover di Joanna Newsom, il che dice qualcosa sull'ambizione dei californiani e sulla direzione che sta imboccando.

Driving Off To Nowhere ci fa ritrovare i Sweet Nobody in una versione pienamente matura del gruppo, che ha iniziato dalle parti di un jangly pop con qualche tentazione psichedelica ed ora si muove in un campo in cui la dimensione cantautorale catchy sembra avere preso il dominio.

I pezzi dell'album condividono una confezione ricca ed equilibrata, chitarre sempre molto rotonde e soprattutto una forte personalità melodica incarnata perfettamente dalla voce elegante e versatile di Joy (nel pezzo che dà il titolo all'album è, diciamolo chiaro, meravigliosa).

Di base potremmo parlare di dream pop patinato. Il che ci toglie dall'imbarazzo di dover trovare somiglianze con i Bleach Lab o i Wolf Alice di turno e descrive bene le intenzioni di una band che da sempre ha il pallino di trovare una via intelligente e "indie" per il suo gusto bubblegum pop molto '80s oriented (un pezzo sornione come Home Sweet Hell lo testimonia in modo chiarissimo) e non lontano dalle cose di una Laura Stevenson.

Tutto molto poppy e sempre super piacevole. Ma - come già dicevamo quattro anni fa - i Sweet Nobody il meglio in realtà lo danno quando ritornano a spingere sui pedali delle chitarre e alzano i ritmi (Could You Be The One).

Driving off to Nowhere by Sweet Nobody

Silk Cuts - Tell Me It's Not True ALBUM REVIEW

2025-11-12T15:00:00.011+01:00

Non ho idea se ci sia in corso una vera onda di revival di indie pop originario nella scena europea e americana (ne sono certo invece per l'estremo oriente), però è un fatto che c'è in giro un fiorire di band che emergono magari da piccole scene locali e vanno in gire a spargere i semi di un genere che in verità non è mai tramontato.

E' senz'altro il caso dei Silk Cuts, che sono basati nella piccola ma vivacissima Exeter ed esordiscono oggi con un album che è davvero un piccolo grande prodigio!

Il retroterra del trio inglese è senz'altro lo stesso di band contemporanee che da queste parti amiamo come Jeanines, Jetstream Pony o Chime School, ovvero la galassia di band che tra fine Ottanta e primi Novanta si muoveva fra Creation, Postcard, Sarah e K Records e ha scritto la storia dell'indie pop firmandola con il suono artigianale delle proprie chitarre scampanellanti.

A ben vedere però i Silk Cuts non sembrano affatto un gruppo derivativo o nostalgico, anzi. I dodici episodi di Tell Me It's Not True mostrano che i tre di Exeter, che evidentemente non sono proprio di primo pelo, possiedono capacità di scrittura, sensibilità e talento da vendere, variando atmosfere e ritmo con grande naturalezza e infilando pezzi di straordinaria piacevolezza uno dopo l'altro senza soluzione di continuità.

Il risultato - a sorpresa, ma è veramente una bella sorpresa - non può che essere uno dei dischi indie pop più belli, frizzanti e coinvolgenti dell'anno (e non solo di quest'anno). Da Secrets in giù in ogni pezzo è senz'altro facile sentire ricordi di Pastels, Shop Assistants, Comet Gain, Field Mice, Talulah Gosh, Teenage Fanclub, i primi Belle & Sebastian, i Proctors (e la lista potrebbe allungarsi quasi all'infinito), ma non è questo il punto con i Silk Cuts.

Il punto è che i nostri - restando in un territorio assolutamente artigianale dove non è previsto alcun abbellimento produttivo - sono capaci di creare canzoni che si imprimono subito in testa ed hanno una fluidità narrativa che, in questo caso, non ha facili paragoni.

Pezzi come l'adorabile Virginia, Southend, Said Too Much o Foxes (che è il capolavoro dell'album a mio parere) costruiscono melodicamente su una trama che è sempre e programmaticamente jangly e, di volta in volta, spinge di più sul pedale dell'essenzialità oppure sull'armonia delle voci maschile/femminile, o ancora su alcuni splendidi e sognanti inserti di archi. Episodio dopo episodio, da un lato è come scartare ogni volta una caramella dal gusto diverso e sorprendente (l'arrangiamento floreale ed elegantissimo di Sisters è un ottimo esempio), e dall'altro è come fare un salto all'indietro in un'epoca della musica britannica - tra l'era twee pop e l'avvento del brit pop - in cui nei locali di periferia era pieno di band che facevano canzoni intelligenti armate solo di chitarra basso e batteria. Tanto che, davanti alla delicatezza infinita (e parecchio commovente) di The Deseted Village, sembra davvero di rivivere lo spirito degli Another Sunny Day, dei Blueboy, degli Aberdeen.

Insomma, nello spazio ampio dei dodici pezzi del loro primo album i Silk Cuts dipingono un mondo meravigliosamente retrò e insieme freschissimo, sorridente e coinvolgente, in grado di spargere intorno entusiasmo a piene mani un po' come facevano gli Allo Darlin (impossibile stare fermi con il jangly travolgente della conclusiva Superia).

Ecco, se mi chiedete una band di cui innamorarsi al primo ascolto e di cui diventare immediatamente fans, i Silk Cuts sono l'esempio perfetto. Tell Me It's Not True è una scatola magica che non vorresti mai chiudere e in cui trovi sempre qualcosa di bello e di nuovo.

Tell Me It's Not True by Silk Cuts

Swim School - Swim School ALBUM REVIEW

2025-11-08T16:15:00.001+01:00

Se non fosse chiaro che questo è il loro album di debutto, i Swim School l'hanno inciso a caratteri cubitali sulla bella e colorata copertina, anche forse a sottolineare che, in realtà, non sono certo dei novellini e hanno già pubblicato un paio di ambiziosi ep dal 2021 in qui.

Se esiste un certo zeitgeist dell'indie pop di questi ultimi anni, probabilmente è quello perfettamente centrato dal quartetto di Edimburgo (ma anche dai Bleach Lab, dai Wolf Alice e da innumerevoli altre band): poderoso dinamismo, chitarre vigorose ma sapientemente domate, sensualità vagamente notturna che si raccoglie in paesaggi sonori cesellati da una produzione attenta ai dettagli e in una voce femminile carismatica, programmatica carica emozionale in ogni centimetro di canzone.

Non c'è dubbio che Alice Johnson e compagni abbiano fatto passi da gigante dal loro vero esordio, e che siano piuttosto consapevoli della propria bravura.

Swim School è in effetti un album pensato, suonato e cesellato da una band che vuole a tutti i costi far emergere la propria personalità (anche nell'immagine decisamente patinata ma assolutamente efficace) e farsi spazio fra tante proposte simili (ma non altrettanto valide).

I nove pezzi dell'album, dalla studiata aggressività di Heaven alla coda scintillante di Am I Good Enough Now, sono una sequenza a proprio modo torrenziale di potenziali hit alternative: hanno tutti un grandissimo tiro, aggrappato con le unghie e con i denti alla forza di chitarre urlanti e sfrigolanti, ma al contempo possiedono una obliqua immediatezza che li carica di un fascino sensuale, avvolgente e in definitiva sempre piacevole e catchy. On & On fra tutti gli episodi è il più memorabile ed è la perfetta cartina di tornasole dello stile dei Swim School: super melodico, elettrico, trascinante.

Swim School by Swim School

Softsurf - Gazing at a Mind ALBUM REVIEW

2025-11-04T16:35:00.001+01:00

Spesso e volentieri abbiamo sbirciato nella frizzante e poderosa scena dream pop giapponese ed abbiamo trovato artisti di grande talento e dalla peculiare immediatezza melodica, che è un po' un tratto distintivo del gusto nipponico.

Di questa scena fanno parte, da almeno dieci anni, i softsurf: quintetto guidato dai due chitarristi e cantanti Satomi Kitagawa e Nobuaki Kitamura. Da buoni dreampoppers innamorati tanto dello shoegaze quanto della delicatezza melodica, la band di Nagoya fa girare tutto attorno a muri di chitarre sfrigolanti e alla bella voce gentile di Satomi.

I nove ampi pezzi dell'album - che è un debutto piuttosto ritardato per un gruppo attivo da tanto - si dividono tra momenti più liquidi, elettrici e distorti ed altri (sono la maggioranza) dove prevale un'apertura ariosa e paesaggisticamente suggestiva, a tratti (Neonarium) pienamente pop nell'approccio, quasi ovunque memore della lezione dei My Bloody Valentine, che vengono però rivissuti in una chiave catchy che punta ad una sicura piacevolezza sonora (l'iniziale Momentrail è un ottimo esempio in questo senso e può assomigliare allo stile dei Night Flowers o dei Churchhill Garden).

Non diversamente dai più noti connazionali Stomp Talk Modstone, ma con un'attitudine più facile e meno sperimentale, i softsurf cercano una via personale allo shoegaze, variando intelligentemente mood da un pezzo all'altro (e in sostanza allontanandosene).

Ecco allora che Coming Color sembra più un pezzo, colorato e sorridente, dei Say Sue Me che un assalto sonico; la magnifica, dinamica, spettacolare e baluginante Nightfeel con il suo sapiente crescendo emozionale potrebbe venire dalla discografia dei Bleach Lab; le sfumature quasi estenuate di Hazy Dusk rimandano alla morbidezza elettrica degli Slowdive; la nuda ballata per pianoforte, voce e distorsione In The White Sands vira verso un romanticismo intimista e cinematografico.

Nel finale il romanticismo sognante di Cosmic Eyes, con il suo abile gioco di soffici rallentamenti ed esplosioni elettriche, e il power pop dai forti connotati spettacolari (e una traccia di Oasis) di Voyager riassumono in modo perfetta l'anima stilistica della band, programmaticamente sospesa fra potenza e melodia.

Gazing at a Mind by softsurf

Pàlida Tez - Un Extraño Estado De Ànimo ALBUM REVIEW

2025-10-30T13:00:00.001+01:00

Mancava da qualche tempo un grande album uscito dalla sempre fervida scena indie pop spagnola. Ed eccolo qui: è il disco di debutto - davvero attesissimo - dei Pàlida Tez di Albacete, una band che da queste parti seguiamo da molto tempo e che lodiamo ogni qualvolta pubblica un nuovo singolo.

Maria Virosta, Samuel Cuevas, Manuel Castano ed Elena Perales hanno cominciato a suonare insieme da circa cinque anni e, come altri gruppi spagnoli (la traiettoria può andare dai Juniper Moon agli Apartamentos Acapulco e ai Linda Guilala) hanno imboccato una strada che attraversa in modo efficace e creativo sia l'esperienza shoegaze che il dream pop e l'indie dei Novanta.

Fin dalle prime note di Dibujo Animado, primo episodio del lotto, è evidente che i Pàlida Tez amano i muri sonici di chitarre, le melodie limpide sorrette dai synth e dalla sovrapposizione della voce femminile e maschile e le ritmiche torrenziali. Una dimensione che potrebbe venire tranquillamente dall'insegnamento dei Lush.

Nella seguente Wong Kar-Wai, più squadrata ma anche più catchy, lo stile invece è davvero quello dei primi Pains Of Being Pure At Heart, con in più una capacità narrativa ironica e leggera che riflette una forte personalità e che ritroveremo ovunque nel disco.

L'atmosfera più obliqua e notturna di Magia Negra apparentemente apre un'atmosfera più tesa, ma in realtà le chitarre si arrampicano su un crescendo di sicuro effetto che ricorda le cose più elettriche dei Say Sue Me.

Ser Adulta Es Un Disfraz parla proprio un'altra lingua: è un pezzo pop che ha una dimensione assolutamente cantautorale e una confezione di grande eleganza intorno ad uno scheletro acustico.

Se Varoufakis (titolo bizzarro che le liriche non spiegano particolarmente) si impenna su spigoli distorti, la bellissima Ultimo Partido riporta tutto in un paesaggio più morbido che conduce ad un finale spettacolare e suggestivo.

A seguire l'ndie pop di marca Sarah Records nella avvolgente Lo Que Hay, prima di quello che è veramente un piccolo anthem ibrido di power pop e shoegaze, Mejor Al Revès, che ricorda molto da vicino i nostri amati Apartamentos Acapulco.

In chiusura un piccolo gioiellino fragile come La Dispersiòn, affidato alla voce di Samuel Cuevas, che è anche un bell'inno al desiderio di fuga.

In definitiva Un Extraño Estado De Ànimo è un album allo stesso tempo di grande compattezza stilistica ma anche ricco di di sfumature diverse, che tracciano alla perfezione la notevole maturità della band spagnola.

Un extraño estado de ánimo by Pálida Tez