In perenne critica costruttiva rispetto a gran parte della realtà artistica contemporanea o più in generale a quella sociale, la performance invita ad una riflessione e ad una presa di coscienza come reazione al “ripetersi monotono e insistente dei fatti”.

Lontani dal poter interpretare l’opera con una visione unilaterale, possiamo vedere l’enorme bagaglio di cultura “sperimentale” riversato negli stilemi adottati: la rumoristica e le melodie polistrumentali collaborano con la dizione poetica e l’azione antiteatrale, mentre il montaggio armonizza la sinergia che si è attuata fra il regista e gli artisti durante l’esecuzione estemporanea.

Luca Torzolini dichiara “Durante le riprese della performance ho seguito la musica dando un palcoscenico diverso ad ogni strumento e settando una fotografia desaturata per avvicinarmi al concetto di atemporalità proprio della poesia. La destrutturazione e la famosa dizione inceppata di Flavio danzano con la camera costantemente a mano che rappresenta la vita e la precarietà del momento contemporaneo.”

Il musicista Antonio Feriozzi ci ricorda che “quel bip di sottofondo, come un acufene, è il disturbo perenne di eventi quotidiani in disaccordo con le possibili armonie umane. Bisogna disintegrare suoni/rumori e silenzi: nella decomposizione musicale il tempo e lo spazio morirono ieri e il suono vive in più dimensioni contemporaneamente… la vita e la morte dell’artificio coesistono.”

La goccia che lentamente e continuamente s’infrange rappresenta la rottura delle forme artistiche classiche alla ricerca di un linguaggio che comunichi comunque un messaggio profondo.

Flavio Sciolè ci racconta che “Quando Antonio mi ha proposto una collaborazione ho subito cercato di capire quale testo utilizzare. La scelta è ricaduta su ‘Stillicidio’ pubblicata qualche mese prima (nella raccolta ‘Nel Disincanto Asociale’, Maldoror Press, 2019). Questa poesia mi rappresenta sia rispetto alla fusione panteista con la natura sia esteticamente. Le parole di cui è pregna erano quelle adatte al mio inceppato disarticolare e masticare in voce. Sono soddisfatto del risultato, i suoni si sono fusi alla mia vocalità in un incrocio di sinergie e vortici restituendo l’istanza del momento e cristallizzandola eternamente.” Il singolo verrà distribuito nei prossimi mesi per la Kutmusic Italhouse, label pescarese di Nicola Battista.

GUARDA IL VIDEO

Vitae

Flavio Sciolè, attore, regista e performer agisce in teatro e cinema da circa trenta anni. I suoi film sono stati proiettati in decine di festival in tutto il mondo.

Antonio Feriozzi nasce come chitarrista e nel 2001 si diploma all’accademia di musica moderna di Fiesole (FI). Dopo oltre venti anni di esperienza sia live che in studio di registrazione con gruppi e cantautori di vario genere, nel 2018 pubblica il suo primo album come polistrumentista e rumorista.

Luca Torzolini, scrittore e regista, fondatore di Holy Cult ed esperto di comunicazione, strategia startup e marketing. Nei suoi viaggi ha intervistato alcune fra le più importanti personalità al mondo nei campi dell’arte, del business e della scienza.

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Il link per finanziare il progetto:

https://www.indiegogo.com/projects/the-superwomen/x/24215669#/

Il 12 luglio 2020 parte la raccolta fondi per il volume “Heroic Publishing: The Super Women”, l’art book creato per celebrare le supereroine e le super malvagie della casa editrice californiana. Ma non ci si limita all’arte: questo progetto è stato creato anche per raccogliere fondi per MEDICI SENZA FRONTIERE (www.msf.org) attraverso la vendita del volume e per cercare di aiutare alcuni artisti che sono stati colpiti dall’attuale pandemia globale.

Il multiverso della Heroic Publishing, in continua espansione, ha una serie incredibile di eroi maschili, da Eternity Smith a The Huntsman, ma i fan della Heroic hanno sempre favorito le loro donne belle e potenti, che siano antagoniste, protagoniste, supereroine o supermalvagie.

Inoltre, molto prima che diventasse politicamente popolare, il multiverso eroico ospitava già un ampio spettro della famiglia umana, inclusi dei e creature di altre dimensioni!

Eppure sono sempre state LE SUPERWOMEN a guidare la strada. E ora, vicina a 40 anni di fantastiche avventure, la Heroic Publishing ha pensato che fosse il momento di rendere omaggio a quelle meravigliose superdonne con un bellissimo e prestigioso volume di pin-up a loro dedicate.

BLACK ENCHANTRESS by Paolo Massagli

Gli Artisti che partecipano al progetto

Alcuni degli artisti che stanno realizzando opere per questo bellissimo volume sono tra i più famosi e talentuosi del panorama internazionale del fumetto e dell’illustrazione:

Tanino Liberatore
, Ariel Olivetti
, Eduardo Risso, 
Mark Beachum, 
Onofrio Catacchio, 
Kyu Yong Eom
Emanuele Taglietti 
Don Walker
Alessandro Scacchia 
Paul Abrams
Ulderico Fioretti
BRÄO
Paolo Massagli
Andrew Pepoy 
Giancarlo Caracuzzo 
Beniamino Del Vecchio
Benito Gallego
Conny Valentina 
Uko Smith 
Antonio De Luca 
Andy Smith
Stefania Macera

TIGRESS by Onofrio Catacchio

Le Super Woman ritratte nelle illustrazioni

Le Superwomen che saranno presenti nell’art book sono:

Flare, Psyche, She-Bat, Tigress e la sua controparte Savage Tigress, Black Enchantress, Jay-Na The Jungle Queen, Liberty Girl, Harpyra, Spark Plug, Britannia, Lady Arcane, Miranda The Mermaid, The Sensational G-Girl, The Golden Warrior, Icicle… ma la scelta del simbolo nella cover del volume è giustamente il bagliore di Flare, la luce della Heroic Publishing, lo scintillio nell’oscurità, il simbolo della superdonna.

MURCIELAGA/ SHE-BAT by Ariel Olivetti

La Beneficenza

Perché proprio Medici Senza Frontiere?

Perché è un’associazione che va dove serve. Durante questa pandemia, sono in Europa, Brasile, Africa, Siria, Stati Uniti e altri paesi con grandi difficoltà. E anche dopo che tutto questo sarà finito, saranno di nuovo in prima linea! Per questo motivo, anche gli artisti che partecipano hanno aderito subito, senza esitazione. Raccogliere fondi per MSF è una forma di benevolenza universale, ma non fine a se stessa, perché le capacità, la serietà e la solidarietà delle persone che ci lavorano sono riconosciute da tutti. Non è stato difficile aspettarsi l’adesione di grandissimi artisti internazionali.

JAY-NA The Jungle Queen by Emanuele Taglietti

Gli ideatori del progetto

Durante i primi giorni del lockdown italiano, Mark Beachum e Dennis Mallone erano in continuo contatto con Ulderico Fioretti, chiedendogli come stesse procedendo la drammatica situazione in cui era il Bel Paese e come potessero aiutare gli artisti italiani in qualche modo. Email dopo email è nata l’idea di creare il progetto “Heroic Publishing: The Superwomen”, pensando a chi, come Fioretti, era chiuso in casa per cause di forza maggiore e alle migliaia di persone che erano, e purtroppo sono, in difficoltà. La sensibilità del duo di artisti insieme a quella dell’editore/scrittore Mallonee ha partorito l’idea di coinvolgere il maggior numero di artisti interessati, capaci di esaltare i personaggi femminili della Heroic.

SAVAGE TIGRESS by Eduardo Risso

La Heroic Publishing

Per più di tre decenni, a partire dalla metà degli anni ’80, Heroic Publishing ha prodotto una linea di fumetti di supereroi con personaggi come Flare, Liberty Girl, League of Champions, WitchGirls Inc e Sensational G-Girl.

Il successo di Heroic Publishing è stato e rimane FLARE, la supermodella di supereroi, una dea della luce sensuale e splendente.

Da lei è partito tutto: il successo della casa editrice, la collaborazione con artisti di livello internazionale come George Perez, Dick Giordano, Roy Thomas, Mark Beachum, Billy Tucci e molti altri, la creazione di nuovi personaggi fino ad arrivare alla nuova super eroina della Heroic: Jay-Na The Jungle Queen, creata da Mallonee e Ulderico Fioretti.

FLARE by Antonio De Luca

Il Crowdfunding

OBIETTIVI DELLA CAMPAGNA

Raccogliere un totale di $ 17.000 per coprire i costi di produzione e stampa

• 1000 copie premium limited edition dell’art book con copertina rigida e stampa in oro.

Ogni dollaro ricavato sarà suddiviso nelle seguenti percentuali:

• 50% va agli artisti partecipanti, in particolare per aiutare coloro che hanno bisogno di aiuto per affrontare i problemi derivanti dall’attuale pandemia globale
• 30% va a MEDICI SENZA FRONTIERE, un’organizzazione di beneficenza estremamente seria nel proprio lavoro
  • 20% va a Heroic Publishing per supportare progetti futuri

SYLVIA The Last Vampire by Stefania Macera

Le ricompense per chi contribuisce alla realizzazione del volume d’arte sono:

$ 1 USD – Patrono delle arti: fai stampare il tuo nome nella sezione “Grazie” come utente.

$ 20 USD – Copia digitale del libro d’arte

$ 50 USD – Una copia cartacea del libro d’arte: THE SUPERWOMEN Brossura da 96 pagine con una bellissima copertina in rilievo a foglia d’oro con le illustrazioni di alcuni dei più straordinari disegnatori al mondo.

$ 75 USD – Art Book PLUS Tigress Comic: una copia del libro d’arte THE SUPERWOMEN con copertina rigida, più una copia di un fumetto TIGRESS in edizione limitata con una copertina di CONNY VALENTINA. Il fumetto può essere una versione “carina” con Tigress in costume da supereroina, o una versione “cattiva” con il nudo di Tigress. I $ 20 extra per il fumetto di Tigress andranno direttamente a Conny!

SAVAGE TIGRESS by Conny Valentina

$ 250 USD – Art Book PLUS Scacchia Sketch: scegli questo vantaggio e ricevi una copia del libro d’arte SUPERWOMEN, più, a tua scelta (in base al principio “primo arrivato, primo servito”) uno dei tre diversi schizzi a matita di Alessandro Scacchia. In preparazione per il libro d’arte, Alessandro sta realizzando disegni di Liberty Girl, Black Enchantress e Psyche su carta da disegno A3 (29,7 x 42 cm).

LIBERTY GIRL by Alessandro Scacchia (work in progress)

$ 300 USD – Art Book PLUS Flare Comics Set: scegli questo libro e ottieni una copia del SUPERWOMEN Art Book, PLUS una serie completa di tutti i 48 numeri pubblicati del fumetto FLARE, autografati dall’editore / scrittore Dennis Mallonee. Queste saranno le edizioni COLOR di Flare # 1-19, più le prime edizioni di Flare # 20-48. Articoli inclusi Edizione a copertina rigida Set di fumetti Flare.

$ 500 USD – Art Book PLUS Opera d’arte Fioretti: scegli questo vantaggio e ricevi una copia del SUPERWOMEN Art Book, PIÙ un pezzo unico di opere d’arte originali di ULDERICO FIORETTI. Questo pezzo presenta JAY-NA la regina della giungla. La dimensione del pezzo è di 35×50 cm, è fatta a matita su carta per schoeller. Ovviamente, dato che questo vantaggio include opere d’arte originali, è disponibile solo uno dei vantaggi.

JAY-NA The Jungle Queen by Ulderico Fioretti (work in progress)

$ 500 USD – Art Book PLUS Scacchia Artwork: scegli questo vantaggio e ricevi una copia del libro d’arte SUPERWOMEN, PIÙ la tua scelta (in base al principio “primo arrivato, primo servito”) di una delle tre opere d’arte finite di Alessandro Scacchia. Per il libro d’arte, Alessandro sta realizzando dei disegni a matita finiti con Liberty Girl, Black Enchantress e Psyche su A3 (11 3/4 x 16 1/2). Carta Schoeller Bristol.

Il link per finanziare il progetto:

https://www.indiegogo.com/projects/the-superwomen/x/24215669#/

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Abbiamo avuto il piacere di vederlo in anteprima e ve lo raccontiamo in questa recensione.

Qui di seguito il trailer, uscito in occasione della conferenza stampa del 09/10/2018 presso il cinema The Space a Roma:

“Guarda in alto”: un’opera d’autore tra i migliori film italiani del 2018

Non c’è un aggettivo che riesca a tradurre in linguaggio questa pellicola. “Look Up” non aderisce ad alcun genere o categoria e guardandolo ci si accorge quasi subito di essere di fronte a qualcosa di unico.

Un film onirico girato interamente sui tetti di Roma, denso di significati che vengono richiamati in tutta la storia attraverso una serie di simbolismi da interpretare. Fulvio Risuleo ha ben chiaro cosa vuole dirci, ma è qualcosa di talmente grande da richiedere un linguaggio diverso, quasi criptico, in cui il verbo principale è la bellezza.

Non a caso è stato inserito nella lista dei migliori film da vedere assolutamente del 2018, dalla redazione di Katablog.

Film per bambini e adulti, girato nel cielo della capitale

Il protagonista è Teco, un giovane assistente fornaio che vive senza molto entusiasmo. Durante l’ennesima pausa sigaretta sul tetto della bottega, dove insieme ai suoi colleghi parla di illusori futuri lontano dallo scomodo presente, la caduta di un gabbiano attira la sua attenzione. Mentre i suoi colleghi tornano al lavoro, lui decide di seguire la propria curiosità. È il momento decisivo, la scelta tra la terra e il cielo, tra il presente e l’attesa, tra il movimento e la stasi.

Da questo istante Teco diventa un esploratore di tetti e ci porta con sé in un mondo parallelo dove tutti sembrano volare. Il suo primo incontro sono dei bambini che cacciano gabbiani e costruiscono un razzo per andare sulla luna. Questi lo accolgono nella loro banda e lo aiutano a sentirsi uno di loro.

I bambini però hanno paura dell’ignoto ed il confine del loro mondo è segnato da una caverna misteriosa. Il nostro protagonista, invece, decide di andare avanti e gettarsi in ciò che non conosce seguendo senza remore tutto ciò che si presenti al suo rinnovato sguardo.

Da qui in avanti incontrerà una serie di personaggi suggestivi, accomunati dalla voglia di non perdere quella meraviglia che vive negli occhi di ogni fanciullo. Un mondo fiabesco, animato dall’uomo baobab, la donna in mongolfiera, il movimento culturale nudista e gli scommettitori su corse di lumache.

Guarda in Alto è il personalissimo modo con cui Fulvio Risuleo ci stupisce, invitandoci a porgere l’occhio alle cose belle e ritrovare quello spirito che da piccoli ci faceva guardare in cielo. Lo fa in modo eclettico, dando vita ad un film per bambini e adulti, con uno stile di regia ben riconoscibile proprio del cinema d’autore.

Giacomo Ferrara: dal successo in “Suburra” alla splendida prova da protagonista in “Guarda in Alto”

Una particolare nota di merito spetta a Giacomo Ferrara, protagonista di “Guarda in Alto“. Il giovane attore abruzzese che abbiamo conosciuto in “Suburra” nei panni di “Spadino“, offre una prova di grande spessore. Nel film è un ragazzo come tanti, che vive il presente e sogna qualcosa di più. Declina nel miglior modo possibile l’idea del regista, facendo vivere un personaggio autentico che affronta con leggerezza la catena di eventi che lo coinvolgono. Per un’opera del genere, fatta più di emozioni che di parole, era indispensabile un protagonista di grande carattere e lui ne dimostra. Le ottime doti di improvvisazione fanno la differenza e rendono l’interpretazione molto naturale. Giacomo Ferrara è impeccabile e durante l’intero film non viene mai meno, ripagando a pieno la responsabilità affidatagli dal regista.

Per lui è la prova del nove, dopo aver sfoggiato le sue qualità in “Suburra” si è misurato con un cinema diverso, in un ruolo completamente nuovo e lo ha fatto al modo dei grandi attori.

Filmografia di Giacomo Ferrara

Cinema

• La prima volta (di mia figlia), regia di Riccardo Rossi (2015)
• Suburra, regia di Stefano Sollima (2015)
• Il permesso  – 48 ore fuori, regia di Claudio Amendola (2017)
• Guarda in alto (scheda film), regia di Fulvio Risuleo (2018)

Televisione

• Don Matteo – serie TV, episodio 10×11 (2016)
• Suburra – La serie – serie TV (2017-in corso)

Dal 18 Ottobre 2018 “Guarda in Alto” sarà nei cinema di tutta Italia, se avvertite il bisogno di una nuova prospettiva vi consigliamo di andare a guardarlo, non vi deluderà.

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Rabbia Furiosa: la versione di Stivaletti sul Canaro della Magliana

Uscirà a giugno il terzo film di Sergio Stivaletti dal titolo “Rabbia Furiosa – Er Canaro”. Un’opera prodotta dallo stesso regista e basata sulla vera storia del toelettatore di cani di via della Magliana (in romanesco “er canaro” appunto), al secolo Pietro De Negri. Il Canaro fu autore dello spietato assassinio di Giancarlo Ricci, criminale ed ex pugile, nonché suo vessatore per anni. Esattamente 30 anni fa.

Il regista Sergio Stivaletti ha dichiarato di essere “sempre stato affascinato dai film in cui il personaggio centrale dopo lunghe vessazioni ed ingiustizie trova finalmente la forza di vendicarsi facendosi giustizia da solo”.
Ma, per farlo, bisogna “oltrepassare un limite normalmente invalicabile sconfinando nella crudeltà pura”. Pronti ad assistere a questo farsi giustizia da sé che tanto fece scalpore nel 1988?

La trama di “Rabbia Furiosa”

Rabbia Furiosa” è il racconto di uno dei crimini più cruenti ed efferati della Roma degli anni ’80, quello de Er Canaro. Il toelettatore che diventò il killer più spietato nel film di Stivaletti si chiama Fabio ed è interpretato da Riccardo De Filippis, lo “Scrocchiazeppi” della serie tv “Romanzo Criminale”.
Fabio sta uscendo dalla prigione, dove ha passato gli ultimi otto mesi per un crimine che non ha commesso. Lo ha fatto per coprire Claudio, un suo amico ex pugile, un delinquente di piccolo calibro che ambisce a diventare il boss del Mandrione. Ed è proprio il Mandrione, il quartiere dagli echi pasoliniani degradato al pari della Magliana, che fa da sfondo alla storia.

È qui che Claudio gestisce traffici vari e si occupa anche di combattimenti tra cani. Ogni volta i suoi cani rimangono feriti, egli si rivolge all’amico Fabio che, clandestinamente nel retrobottega della sua toletta per cani, si occupa di piccole operazioni chirurgiche e medicazioni. L’amicizia tra Fabio e Claudio è molto ambigua, quasi malata.
Claudio, a volte sbotta e agisce con estrema cattiveria nei confronti di Fabio che spesso sembra subire senza reagire. Insomma, una storia di bullismo estremo e criminale, a cui Fabio, un giorno pone fine. E arriva la tremenda, crudele vendetta. Dando vita al più delirante omicidio riportato dalle cronache e reso con quel tocco horror di cui Stivaletti è maestro.

Chi è Sergio Stivaletti, il regista di “Rabbia Furiosa – Er Canaro”

Regista, ideatore, co-sceneggiatore e anima del progetto del film “Rabbia Furiosa – Er Canaro” è Sergio Stivaletti, effettista, regista e sceneggiatore italiano classe 1957. Nella sua carriera trentennale, ha creato personaggi, creature e mostri per cinema, televisione e teatro. Ha collaborato con alcuni dei più grandi registi italiani tra i quali Dario Argento, Michele Soavi, Lamberto Bava, Giuseppe Tornatore e Gabriele Salvatores.

A proposito del film sulla storia del Canaro, in uscita a giugno nelle sale, Stivaletti ha dichiarato di essersi ispirato in parte a film che parlano di vessazioni e vendette. Come “Un Borghese piccolo piccolo” di Alberto Sordi e “Cane di Paglia” di Dustin Hoffman.  Oltre alla storia vera del famoso fatto di cronaca degli anni 80.

“È la storia di Pietro de Negri detto er Canaro che si vendicò del suo vessatore oltrepassando i limiti della più spinta e malata delle immaginazioni. Quei fatti che mi hanno da sempre ispirato ho voluto ora trasformarli da mera cronaca in un racconto di fantasia dai contorni onirici. Nel fare questo e nel chiedermi quale luogo sarebbe stato l’ideale cornice per un eventuale film di questo genere la risposta è venuta da se. Il film sarebbe stato ambientato nel famoso quartiere del Mandrione dove ancora oggi restano le tracce della Roma Pasoliniana di Accattone e dove la miseria ha lasciato il segno poetico di una Roma in via di estinzione.” Sergio Stivaletti

Dal 7 giugno “Rabbia Furiosa” è nelle sale. Non ve lo perdete.

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Fino al 26 febbraio 2017

Acquista biglietti per la mostra

Il magnetico fascino che l’Italia ha profuso dal Rinascimento in poi nell’universo dell’arte è ben rinomato tanto da attrarre eminenti personalità da tutto il continente europeo. Con un corpus di oltre 75 opere, concessi da prestigiosi musei e collezioni internazionali, la mostra “Peter Paul Rubens e la nascita del Barocco” sottolinea l’amore del pittore fiammingo per il poliedrico patrimonio dei grandi maestri del Rinascimento e lo sfarzoso scenario pittorico italiano.

Peter Paul Rubens (1577-1640) da giovanissimo frequenta ad Anversa dapprima la bottega di Tobias Verhaecht, poi quella di Adam van Noort, infine quella di Otto van Veen. Quest’ultimo svolge un ruolo essenziale per il futuro artista trasmettendogli l’amore per la cultura classica e il desiderio di conoscere le opere dei grandi maestri del Rinascimento. Prima ammirando la grafica di Mantegna e Marcantonio Raimondi, poi con il viaggio per l’Italia alla corte di Vincenzo I Gonzaga a Mantova. Venezia, Parma, Firenze, Genova, Roma, sono le tappe successive per studiare le opere di Giovanni Bellini, Correggio, Tiziano, Veronese, Leonardo, Michelangelo, Raffaello e infine Caravaggio che ai primi del secolo era impegnato a Roma con le grandi tele nella cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi. 

Lo stile del pittore lombardo aveva riportato un fulmineo successo, soprattutto fra gli artisti stranieri del nord europa. La risonanza della ricercatezza caravaggesca è riscontrabile in Rubens che esegue una copia della Deposizione nel sepolcro nel 1611 trattando per primo i caratteri del barocco.

Gli otto anni del soggiorno italiano (1600-08) caratterizano non soltanto la formazione pittorica dell’artista ma lo ingentiliscono nei modi a modello di gentiluomo italiano, come Raffaello e Tiziano prima di lui. Per Rubens, l’Italia, con la sua ricchezza umanistica e l’inesauribile tesoro museale, è stata la sua seconda patria. La sua tecnica policroma e la maestria pittorica si nutrono della visione plastica e della smisurata attitudine nel disegno del sommo Michelangelo, dell’elegante morbidezza del Correggio e del contrappuntistico cromatismo del Tiziano.

Sedotto dal clima artistico rinascimentale e dalle innumerevoli facoltose committenze delle corti reali che lo osannano, Rubens vive il Bel Paese come un’incessante laboratorio di contaminazione culturale, una straripante e ineguagliabile musa. Colore, sensualità e movimento nei ritratti e nelle tele con soggetti religiosi e allegorici, sono il linguaggio pittorico prescelto dal pittore fiammingo nel tracciare i prodromi dell’insorgente Barocco. Per merito del suo ascendente questa nuova espressione stilistica si propagò ovunque in Italia e in sopratutto in Europa spingendosi verso sublimi formulazioni artistiche di grande spessore.

Proprio l’avere sovvertito la pittura europea è il leit motiv della mostra: dare risalto al prodigioso carisma che Rubens ha dispensato ai nascenti artisti italiani, divenuti poi interpreti di spicco del Barocco, Pietro da Cortona, Gian Lorenzo Bernini, Giovanni Lanfranco, e Luca Giordano, confrontandone le opere con il maestro di Anversa. Un’influenza riconosciuta universalmente da tutta la critica al punto che Bernard Berenson lo ha etichettato proprio come “un pittore italiano”.

Rubens e la femminilità

Rubens delinea, in alcune grandi opere, la sua visione dell’avvenenza femminile con forme abbondanti e linee morbide che ci fanno ammirare le donne del maestro fiammingo nell’appassionata rappresentazione di tutto il loro fascino.

Amalgamando il brillante nitore con il colore, l’artista recupera i parametri della bellezza immortalata dai grandi pittori italiani come Tiziano e Correggio. Celebra così sulle tele l’avvenenza dei nudi di donne nei quali glorifica l’opulenza e lo splendore della figura femminile, decantandone la prosperità.

Quattro le sezioni in cui l’evento si scandisce:“Nel Mondo di Rubens”, che ne descrive la creatività impetuosa; “Santi come Eroi” per la pittura sacra e barocca; “La furia del pennello” dedicata all’energia positiva del pittore; “Forza del Mito” per Ercole, Romolo ed Erittonio.

Anna Lo Bianco, curatrice della mostra: “Mi piacerebbe che l’incontro con Rubens lasciasse una traccia della sua natura radiosa, del profondo amore per l’arte e per la vita che lo contraddistingue”. Questo è stato l’auspicio della studiosa, che si è valsa del supporto di un prestigioso comitato scientifico internazionale composto da Eloisa Dodero, David Jaffé, Johann Kraeftner, Cecilia Paolini e Alejandro Vergara. Catalogo della Marsilio Editori.

Orari: lunedì 14,30-19,30; martedì, mercoledì, venerdì e domenica 9,30-19,30; giovedì e sabato 9,30-22,30. Aperture straordinarie; 24, 25, 26 e 31 dicembre; 1 e 6 gennaio 2017
Biglietti: intero 12 €, ridotto 10 €

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Link: www.palazzorealemilano.it

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dal 21 settembre 2016 al 19 febbraio 2017

COMUNICATO STAMPA – Brueghel a Torino

“Brueghel. Capolavori dell’arte fiamminga”. Dopo l’importante successo della tappa bolognese, l’esposizione interamente dedicata alla dinastia dei Brueghel – inventori di un modo di dipingere che ben presto divenne “il marchio” di eccellenza nell’arte pittorica di una dinastia attiva per oltre due secoli – approda nelle Sale delle Arti della Reggia di Venaria.

Con il patrocinio di Città di Torino, la mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia Group nelle Sale delle Arti de La Venaria Reale e curata da Sergio Gaddi e Andrea Wandschneider Direttore del Paderborn Städtische Galerie in der Reithalle.

Le opere esposte ripercorrono la storia – lungo un orizzonte temporale di oltre 150 anni – di cinque generazioni attive tra il XVI e il XVII secolo analizzando la rivoluzione realista portata avanti dal geniale capostipite della famiglia Pieter Brughel il Vecchio, seguito dai figli Pieter Brueghel il Giovane – colui che ha ripercorso il successo paterno con opere come la Danza nuziale allʼaperto (1610 ca.) e La trappola per gli uccelli (1601) – e Jan Brueghel il Vecchio, detto anche dei Velluti per la sua straordinaria perfezione pittorica.
Di Jan Brueghel il Giovane (figlio di Jan Brueghel il Vecchio) è esposta la bellissima versione delle Tre grazie con cesto di fiori realizzata nel 1635 insieme a Frans Wouters, mentre di Abraham Brueghel (pronipote di Pieter Brughel il Vecchio e specializzato nelle nature morte) è presentata la Grande natura morta di frutta in un paesaggio (1670). Marten van Cleve è tra i più attenti al lavoro del capostipite della famiglia e realizza, tra il 1558 e il 1560, la straordinaria serie di sei tavole del Matrimonio contadino attualizzando anche temi evangelici come quello de La Parabola del buon pastore (1578 circa).

La rassegna è un viaggio appassionante nel Seicento alla ricerca del genio visionario di ben cinque generazioni di artisti in grado di incarnare coralmente – come mai nessuno né prima né dopo di loro – stile e tendenze dell’epoca d’oro della pittura fiamminga. Ma il percorso vuole essere anche per il visitatore un invito a vivere un’esperienza giocosa e interattiva mettendo in contatto lo spettatore con i soggetti della Natura maggiormente rappresentati nelle opere, sbirciando tra i segreti degli uomini e – per esempio – “presenziando alle nozze contadine”.

LA MOSTRA
Importante novità della tappa torinese è rappresentata da alcune opere risalenti alla metà del Cinquecento, periodo di piena attività di Pieter Brueghel il Vecchio. Ad Anversa, il capostipite della dinastia – oltre a essere apprezzato come un radicale rinnovatore dei temi biblici – è anche conosciuto e lodato per la qualità delle sue raffigurazioni del mondo popolare.
Un occhio puntato impietosamente sulla vita per come effettivamente si svolge, sulle opere di carità, ma anche sulle debolezze e sulle miserie quotidiane che riguardano tutti, è quello ad esempio de Le sette opere di misericordia (1616-18 circa) di Pieter Brueghel il Giovane.
La Natura – forte e vigorosa, che sovrasta l’uomo spesso succube e sottomesso di fronte alla sua potenza – assume pienamente il ruolo di vera protagonista della storia umana e viene rappresentata con una ricchezza visiva, una cura nel dettaglio e una bellezza compositiva mai vista prima nella storia della pittura come nel minuzioso e dettagliato Paesaggio con la parabola del seminatore di Pieter Brueghel il Vecchio e Jacob Grimer del 1557.
In mostra un’importante selezione di artisti – da Frans de Momper a Frans Francken, da Hendrick van Balen a Joos de Momper, a molti altri che hanno collaborato a dar vita a una delle pagine della storia dell’arte più ricche, articolate e affascinanti – insieme ai membri della famiglia Brueghel, veri maestri del dettaglio e specialisti nella pittura di animali, di fiori e di oggetti.

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Fino al 28 agosto 2016

“Vera fotografia”, a cura di Alessandra Mammì e Alessandra Mauro, organizzata da Azienda Speciale Palaexpo in collaborazione con Contrasto e Fondazione Forma per la Fotografia, ripercorre la lunga carriera di Gianni Berengo Gardin (Santa Margherita Ligure, 1930), il fotografo che forse più di ogni altro ha raccontato il nostro tempo e
il nostro Paese in questi ultimi cinquant’anni. La sua vita e il suo lavoro costituiscono una scelta di campo, chiara e definita: fotografo di documentazione sempre, a tutto tondo e completamente.

In mostra sono esposti i suoi principali reportage. Accanto alle celebri immagini, altre poco viste o inedite propongono nuove chiavi di lettura per comprendere il suo lavoro e il ruolo di visione consapevole della realtà che una “vera fotografia” può offrire.
Essere fotografi per Berengo Gardin significa assumere il ruolo di osservatore e scegliere un atteggiamento di ascolto partecipe di fronte alla realtà, come hanno fatto i
grandi autori di documentazione del Novecento.

In questi anni, del resto, l’autore è stato sempre in prima linea nel raccontare quel che doveva essere cambiato, quel che doveva essere celebrato. Con la sua macchina fotografica si è concentrato a lungo soprattutto sull’Italia, sul mondo del lavoro, la sua fisionomia, i suoi cambiamenti, registrati come farebbe un sismografo. Oppure sulla condizione della donna, osservata da nord a sud, cogliendo le sue rinunce, le aspettative e la sua emancipazione. O sul mondo a parte degli zingari, cui l’autore ha dedicato molto tempo, molto amore e molti libri.

“Quando fotografo ­– ha detto Berengo Gardin – amo spostarmi, muovermi. Non dico danzare come faceva Cartier-Bresson, ma insomma cerco anch’io di non essere molto visibile.
Quando devo raccontare una storia, cerco sempre di partire dall’esterno: mostrare dov’è e com’è fatto un paese, entrare nelle strade, poi nei negozi, nelle case e fotografare gli oggetti. Il filo è quello; si tratta di un percorso logico, normale, buono per scoprire un villaggio ma anche, una città, una nazione. Buono per conoscere l’uomo”.

Circa 250 fotografie, stampe vintage in formato cm. 30×40, suddivise per sezioni: Venezia, Milano, Il mondo del lavoro, Manicomi, Zingari, La protesta, Il racconto dell’Italia,
Ritratti, Figure in primo piano, La casa e il mondo, Dai paesaggi alle Grandi Navi. Nelle sale ci sono anche 24 stampe di grandi dimensioni: foto scelte e commentate da amici, intellettuali e colleghi. Veri e propri commenti d’autore.

Photos: courtesy of Fondazione Forma, Milano.

Orari: Domenica, martedì, mercoledì e giovedì dalle 10:00 alle 20:00
Venerdì e sabato dalle 10:00 alle 22:30 – lunedì chiuso
L’ingresso è consentito fino a un’ora prima della chiusura
Link:www.palazzoesposizioni.it

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La sfida è quella di sostenere il coinvolgimento creativo attraverso la cooperazione senza compromessi; punti di vista diversi sono punti di forza e non di debolezza, al fine di ampliare e consolidare la comunità artistica.

En Masse: tutti insieme

En Masse (dal francese) “nel suo complesso”, o “tutti insieme“, esplora la creazione con una visione collettiva; opere realizzate in gruppo puntando su obiettivi di largo respiro alle quali difficilmente approccerebbero come singoli; promuovere le comunità artistiche ovunque esse siano.

Il progetto è stato creato da Tim Barnard e Jason Botkin nel 2009, alla Galerie Pangée. Oggi sotto la direzione di Botkin e Rupert Bottenberg, l’iniziativa cinvolge più di 250 artisti a livello internazionale.

Per la maggior parte, gli artisti che partecipano al progetto sono imprenditori creativi autodidatti. En Mass è una piattaforma pubblica di alto profilo per coloro che si sono trovati spesso in un rapporto imbarazzante con molte istituzioni di arte contemporanea (con il risultato che il loro lavoro era spesso escluso dalle gallerie tradizionali, musei e agenzie di finanziamento). Questo è un ponte tra artista e istituzione, e viceversa.

Il loro ultimo progetto, En Masse x viso, sembra una serie di scarabocchi stravaganti e vede la fusione di artisti che lavorano attraverso una varietà di mezzi da armonizzare artisticamente proprio davanti ai vostri occhi come un quartetto vocale.

L’autodefinizione dell’intervento, “altamente spontaneo, multi-artistico e collaborativo” è stato catturato attraverso l’animazione stop-motion dai registi Salman Sajun e Brian Tornay. Pittori dell’equipe creano una serie di modelli in cima ad una grande scultura di un volto umano. Il video risultante anima la loro grafica nitida, l’arte di strada, pervaso da una sincronicità bella seppur caotica.

Salman Sajun ha condiviso con i creatori del progetto alcune immagini dietro le quinte delle riprese, che è possibile vedere qui di seguito.

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Così parla la scultrice californiana Beth Cavener del suo creare le sculture di animali. L’artista, nell’impastare la grezza materia dell’argilla in strutture metalliche, estremizza le emozioni e la psicologia umana attraverso le forme ritmate di animali. Forme sinuose di gatti, di predatori, volpi, capre e altri animali in grandi dimensioni hanno la funzione di rappresentare gli intimi umori di paura, amore, rabbia dell’uomo moderno. Sotto la superficie le sculture incarnano le incomprensioni, l’apatia e l’aggressività.

Dalla scienza alla scultura

Scrive la Cavener, “Le connessioni tra arte e scienza sono sempre stati al centro del mio lavoro”. La madre ceramista le ha trasmesso il linguaggio manuale dell’argilla, il padre biologo le ha insegnato a indagare il mondo naturale intorno, Beth Cavener ha continuato i suoi studi in fisica e astronomia in Pennsylvania. Inizialmente votata sulle orme di suo padre nel campo scientifico, la Cavener ha cambiato rotta con gli studi universitari di Belle Arti conseguendo una laurea in scultura.

Anche se aveva studiato lo stile classico al dipartimento d’arte al Haverford College, dopo un periodo trascorso all’Accademia Cecil d’Arte di Firenze, si è appassionata allo studio del movimento surrealista, e ad artisti contemporanei come Francis bacon.

Modellando con fatica i suoi animali con scalpelli, martelli e raspe, Beth Cavener ha imparato a carpire un significato nei segni sottili dell’argilla come una metafora, trasformando i soggetti animali in ritratti psicologici umani. Nei loro gesti e nelle espressioni, si coglie un consapevole gesto di un invito e un rimprovero contemporaneamente.

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Fino al 24 luglio 2016

“Da Kandinsky a Pollock. La grande arte dei Guggenheim”.
Una mostra, curata da Luca Massimo Barbero, per due miti del collezionismo mondiale: Peggy e Solomon, entrambi Guggenheim. Donna all’avanguardia lei, facoltosa e giovane ereditiera, collezionista e mecenate, ma anche mercante e gallerista, amante dell’arte e degli artisti. Pionieristica, con un fiuto innato per la scoperta di nuovi talenti, nel 1946 fece scandalo pubblicando l’elenco completo degli artisti suoi amanti nel libro autobiografico Out of This Century.

Imprenditore raffinato, Solomon, non apprezzando molto i progetti artistici della nipote Peggy, delegò alla baronessa e pittrice tedesca Hilla Rebay la cura della sua collezione astrattista. “Scoprirà presto che lei diffonde mediocrità, se non addirittura spazzatura”. Questa fu la risposta perentoria che la Rebay diede quando Peggy le propose l’acquisto di una tela di Kandinsky al posto di un dipinto di Bauer, artista suo amante.

Certo la baronessa Rebay non immaginava che quella “spazzatura”, dopo riconoscimenti a livello universale, oggi è la regina in bella esposizione a Palazzo Strozzi per un confronto che delinea le due anime del mecenatismo americano, Peggy e Solomon, invitandoci alla lettura dei due incompatibili temperamenti. Per Peggy gli artisti erano essenzialmente amici, Solomon più formale e votato alle collezioni, è qui presente con opere rare di Gabo, Van Doesburg e Dubuffet.

L’obiettivo per entrambi, innamorati e cultori d’arte, inarrestabili collezionisti e promotori di musei, è poter diffondere un rivoluzionario concetto di fruizione visiva a vantaggio del pubblico. Peggy vive immersa nell’embrione delle avanguardie a lei contemporanee, ne è parte fondante e stimolante, motivandole, promuovendole per farle espandere. Forte di una collezione favolosa ampliatasi negli anni, Solomon, invece cementa il pilastro di una reale sintesi avanguardistica del movimento astrattista manovrando i primi passi dai grandi maestri del vecchio continente.

Da Kandinsky a Pollock: l’arte tra Europa e America

Tra le opere esposte ci sono Curva dominante di Kandinsky, Il bacio di Max Ernst, manifesto dell’arte surrealista, Studio per scimpanzé di Francis Bacon, capolavori dell’Espressionismo astratto americano come Risplendente di Sam Francis e Miscuglio di grigio di Frank Stella e la ipercromatica Preparativi di Roy Lichtenstein.

L’architetto Luigi Cupellini, ha segmentato e allestito l’esposizione cronologicamente in nove sale dal 1916 al 1968:

I – I Guggenheim e le loro Collezioni

II – Europa-America. Il Surrealismo e la nascita delle nuove avanguardie.

III – Jackson Pollock

IV – L’Espressionismo astratto.

V – L’Europa del dopoguerra.

VI – Palazzo Venier dei Leoni: Peggy e Venezia.

VII – La grande pittura americana.

VIII – Marc Rothko.

IX – Gli anni sessanta. L’inizio di una nuova era.

Si inizia con Peggy e la sua galleria-museo Art of This Century, e a seguire lo zio Solomon con il Museo Guggenheim di New York. Nella seconda sala c’è Peggy e il Surrealismo, a Jackson Pollock e alla sua avventurosa vita è dedicata la terza, mentre all’Espressionismo astratto di Willem de Kooning e alle esperienze artistiche maturate in Europa sono le sale 4 e 5. La sala 6 è dedicata alle opere e oggetti degli artisti di cui Peggy amava circondarsi. Nella 7 il colore piatto di Luis Morris, il razionalismo di Frank Stella e i mobiles di Alexander Calder.

A Rothko, di cui Peggy fiutò subito il talento, è dedicata interamente la sala 8.  Le ricerche sperimentali degli anni ’60 in Europa e negli Stati Uniti completano la mostra nella sala 9. Il perimetro pluridecennale della vicenda artistica dei Guggenheim si circoscrive, lasciando però salde radici che partoriscono un prorompente movimento artistico, la Pop Art, il nuovo linguaggio dell’arte contemporanea. Quì ne possiamo contemplare il carattere da una gigantesca opera di Roy Lichtenstein “Preparativi” del 1968, in cui l’artista, in stile fumettistico, denuncia la guerra in Vietnam.

Biglietti: Intero € 12,00; Ridotto e gruppi € 9,50 e € 4,00. Costo prevendita € 1,00
Orari: Tutti i giorni 10.00-20.00; Giovedì 10.00-23.00. Dalle ore 9.00 solo su prenotazione. Accesso in mostra consentito fino a un’ora prima dell’orario di chiusura.

Link. www.palazzostrozzi.org

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