El mundo del manga y el anime ha estado representado este año en el FicZone por Kazuki Akane, director de obras como La visión de Escaflowne, Noein o las OVAs de Code Geass: Boukoku no Akito (actualmente en emisión).

La tarde del sábado tuvimos la oportunidad de entrevistarle. Además de repasar sus trabajos más conocidos, le preguntamos por su visión de la industria, la animación tradicional frente al 3D, de sus metas personales e, incluso, de uno de los proyectos más enigmáticos de los últimos años: la adaptación animada de Gundam: The Origin.

Pregunta: Lo primero es lo primero: esta es su primera vez visitando España. ¿Qué le está pareciendo el ambiente de este FicZone respecto al de las convenciones japonesas?

Respuesta: Me está pareciendo un evento con un ambiente muy calido, muy familiar, especialmente si lo comparamos con Japón.

P: Usted lleva en la industria de la animación más de veinte años. Después de tanto tiempo, ¿cómo recuerda ahora sus inicios? ¿Ha conseguido aquello que se propuso al comenzar en esta profesión?

R: Cuando empecé a trabajar me recordaba al ambiente que se vive en los festivales estudiantiles… pero todos los días. Era muy duro, pero también muy divertido. Tengo grandes recuerdos de esa época. Uno de mis principales objetivos era llegar a convertirme en director, cosa que conseguí. Sin embargo, mi meta última es conseguir una obra con la que esté satisfecho al cien por cien, pero todavía no ha llegado. Haré todo lo que pueda por conseguirlo.

P: Ha trabajado en estudios de renombre como Sunrise o Satelight, pero también se dedica a esto de modo freelance. ¿Qué motiva a un director de anime a convertirse en freelance?

R: En el sistema de animación japonés, lo normal es que un director automáticamente se convierta en freelancer. El propio sistema te empuja a ello. Eso, o crear su propio estudio de animación escindiéndose de un estudio anterior. En mi caso, me acabé convirtiendo en freelancer.

P: ¿Le gustaría algún día dar ese paso y montar su propio estudio?

R: Lo he pensado como uno de mis objetivos, pero todavía no puede ser. Me gustaría enseñar a jóvenes directores en ese posible estudio.

P: ¿Cómo fue su experiencia trabajando con alguien tan destacado como Shoji Kawamori en Escaflowne? ¿Le gustaría repetir la experiencia?

R: Fue muy duro en general (risas). Realmente fue muy interesante, pero no, no me gustaría repetir (risas).

P: También tuvo la oportunidad de trabajar con la compositora Yoko Kanno, que en Escaflowne realizó uno de sus más notables trabajos junto a su ex marido Hajime Mizoguchi. ¿Cómo fue trabajar con ella?

R: Me gustó mucho trabajar con ella, es una persona muy energética. Me gustaría que hiciésemos más cosas juntos. Me encanta cómo su música se combina perfectamente con las imágenes. Por eso mismo quise encargarle la composición del ending de la primera OVA de Boukoku no Akito.

P: Cuando esa serie se estrenó en España, uno de sus reclamos publicitarios era que la música estaba grabada por la Orquesta Filarmónica de Varsovia. ¿De quién fue la idea de recurrir a ellos?

R: Fue una petición expresa de Yoko Kanno. Ella pensó que en vez de recurrir a una orquesta japonesa, la Filarmónica de Varsovia era la mejor elección. El productor musical se llevó las manos a la cabeza cuando se lo dijo (risas).

P: Tetsuwan Birdy es en origen un manga de Masami Yuki y, aunque la primera temporada cuenta con algunos parecidos con su historia madre, “Decode” tiene muchos cambios respecto al material original. ¿Cómo se decidieron esos cambios? ¿Masami Yuki participó en algún momento en la producción de este remake?

R: Esa es una pregunta muy específica (se sorprende). Fue mi primera adaptación de un manga como director, por lo que intenté ceñirme lo más posible a la historia original, pero aun así no estaba seguro de cómo hacerlo. Para la segunda pensé que estaría bien hacer algo diferente. Me veía con ánimos para ello y así se hizo. También recibí el visto bueno del propio Masami Yuki. Supongo que le pareció bien porque, curiosamente, le gustó bastante Noein.

P: Birdy es un gran ejemplo de protagonista femenina independiente y capaz (y un poco marimacho, para qué negarlo). ¿Cree que al público japonés le gusta este tipo de personajes femeninos?

R: Creo que es el tipo de heroína que no gusta entre el público masculino, pero sí en el femenino.

P: Noein es una serie en la que la teoría de cuerdas tiene mucha importancia en el guión. Nos gustaría saber cómo se le ocurrió usar un modelo fundamental de la física como base de la serie.

R: En aquella época estaba muy interesado en el tema. Leí algunos libros al respecto, lo que me dio la idea de que podría hacerse un anime interesante al respecto.

P: ¿Fue usted quien tomó la decisión de incluir la animación 3D en las escenas de acción de Code Geass: Boukoku no Akito? Debemos decir que, después de ver la primera entrega, nos gustó mucho el resultado final. ¿En algún momento pensó que tal vez el público de la serie original rechazaría este tipo de producción?

R: En principio la idea vino del productor, al que le gusta ese tipo de animación para las escenas de mechas. Y como yo ya tenía bastante experiencia al respecto, me involucré bastante en ello. Sobre un posible rechazo, yo mismo tenía esa sensación cuando comenzó el proyecto. Y hablando con el productor, me manifestó que no pensaba que la franquicia pudiera continuar sin introducir novedades. Así que intentamos refrescar la saga.

P: La inclusión de animación 3D no es el único cambio respecto a las series de televisión de Code Geas. Boukoku no Akito es más seria y oscura, incluso estéticamente. ¿Quién decidió este enfoque?

R: Fue idea mía realizar una producción más oscura. La idea me vino del terremoto de Tohoku de marzo de 2011, que algo se destruya y tener que reconstruirlo desde las cenizas.

P: ¿Qué cree que puede aportar de su propia personalidad a una franquicia como Code Geass?

R: Al ser una historia nueva, con personajes nuevos, trasladando la acción a Europa y con un tono distinto al de la serie, creo que le estoy aportando bastante. Y bueno, no diré nada de los siguientes capítulos (risas).

P: A ese respecto, ¿qué nos puede adelantar de las siguientes OVAs? ¿Alguna pista del papel de CC o Suzaku en la segunda OVA?

R: No puedo adelantar nada, pero los que han visto la serie original tendrán un regalo en la segunda OVA.

P: Suponemos que, siendo el director de este spin-off, ha tenido contacto con el staff de la serie de televisión original y también la habrá visto. Entre nosotros, ¿cuál es su postura ante el final de la serie? [SPOILER] ¿Cree que Lelouch acaba vivo o muerto? [SPOILER]

R: Al contrario de lo que pensáis, no, no he tenido prácticamente contacto con el equipo de la serie, pero sí, se lo pregunté. No puedo dar pistas ya que Boukoku no Akito se sitúa entre la primera y la segunda temporada. No obstante, tengo entendido que se aclara en alguna novela de la franquicia…

P: En muchos de sus proyectos importantes (Birdy, Heat Guy J, Noein) la característica seiyuu Saeko Chiba siempre tiene papeles importantes, un detalle que nos llama la atención. Por otro lado, Maaya Sakamoto también ha repetido en algunas de sus producciones (Escaflowne, Birdy y Boukoku no Akito). ¿Le gusta trabajar con los mismos seiyuus en diferentes proyectos o prefiere justamente lo contrario?

R: Creo que es normal que se repitan seiyuus en la obra de un director. Si casan con mi estilo personal, simplemente las elijo. Sobre Saeko Chiba, mis personajes femeninos son fuertes y ella está cómoda en ese registro. Además, no hay tantas seiyuus que puedan interpretar bien a ese tipo de personajes.

P:Y hablando de Saeko Chiba, ¿volveremos a escucharla alguna vez como Birdy?

R: Masami Yuki me invitó el año pasado a una fiesta y me comentó que le gustaría que hubiera otra temporada, pero ahora mismo es muy difícil.

P: Aunque ya lo hemos comentado con Boukoku no Akito, nos resulta llamativo el uso continuado del 3D en sus producciones. ¿Cómo ve la evolución de este tipo de animación en la industria japonesa? ¿Qué criterios sigue a la hora de incluir 3D en sus series?

R: En mi opinión, la animación tradicional no se debería perder. Es un estilo muy particular, con una atmósfera especial que, por mucho que la animación 3D avance, no lo puede igualar. Para mí lo mejor es mezclar ambos estilos.

Por ejemplo, yo distingo entre dibujar humanos y dibujar mechas. En cuanto a humanos, dibujando a mano no hay nada imposible, pero algunos movimientos específicos requieren tanto esfuerzo de producción que hay que recurrir al 3D. Y con mechas, hay cosas tan complicadas, como realizar un giro de 360º en torno a un robot o una batalla, que es prácticamente imposible hacerlas manualmente, por lo que es mejor la animación 3D. La clave está en unir tradición con tecnología.

P: Trabajando actualmente en Sunrise, ¿podría darnos algún detalle sobre el anime de Gundam: The Origin? Desde que se anunció no ha habido mucha información al respecto y los fans se están poniendo nerviosos.

R: Yo tampoco sé nada, es un tema bastante secreto. Sí, se comenta que se va a hacer, pero mi impresión personal es que dentro del estudio no se está moviendo demasiado el proyecto.

P: Algunos de sus trabajos más personales, como Noein o Heat Guy J, ya han llegado al anime. ¿Tiene en mente realizar más animes originales? ¿Qué planes tiene después de Boukoku no Akito?

R: La verdad es que tengo una idea. Granada me ha inspirado mucho, me gustaría poder incluirla de alguna forma en un trabajo. He hecho muchas fotos que podrían servirme para crear edificios, por ejemplo. La ciudad tiene algo especial que me ha encantado.

Me gustaría que mi próximo trabajo fuera totalmente mío, algo original. Sin embargo, ahora mismo no tengo ningún proyecto programado tras Boukoku no Akito.

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• Ibuki Kido como Natsuki Ando
• Mitsuki Yuna como Karin Tono
• Miharu Kobayashi como Sakura Domyoji
• Ayaka Senbongi como Claire Kokonoe
• Sae Aiuchi como Botan Ohagi
• Mao Ichimichi como Azarashi

Anteriormente pudimos conocer al staff principal de este anime que se estrenará en julio.

“Kitakubu“, literalmente “club de irse a casa”, es la jerga japonesa para aquellos alumnos que no se unen a clubes, deportes u otras actividades extraescolares después de las clases. Este manga trata precisamente de un club para quienes no tienen club.

En un instituto se ha creado un Kitakubu de chicas que hacen lo que les apetece. El club lo componen Sakura, un espíritu libre que, además,es su presidenta, la combativa Botan, heredera de una escuela de artes marciales antiguas, Claire, que resulta ser la hija del líder de la poderosa agrupación Kokonoe, Karin, una nueva adquisición del club, y Natsuki, que se une por petición de esta última.

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La cuenta oficial de Twitter de Studio Ghibli ha publicado el tercer cartel de la película del aclamado director Hayao Miyazaki Kaze Tachinu. El cartel nos muestra al personaje principal, Jiro Horikoshi, y los restos de un avión.

En febrero de 2009, Miyazaki lanzó una miniserie en formato manga homónima de nueve capítulos que se centraba en Jiro Horikoshi, el diseñador del famoso avión de combate de la Segunda Guerra Mundial Mitsubishi A6M Zero. La película bebe de la también homónima novela del escritor Tatsuo Hori. En el cartel de la película se incluye un párrafo del libro de Hori: “Respetemos a Jiro Horikoshi y Tatsuo Hori. Es preciso intentar vivir”, cita que, a su vez, hace referencia al poema de Paul Valéry “El cementerio marino”: “¡El viento se levanta! ¡Es preciso intentar vivir!”.

TOHO había planeado lanzar otra película de Studio Ghibli el mismo día que Kaze Tachinu. Esa película iba a ser Kaguya-hime no Monogatari de Isao Takahata. Sin embargo, TOHO anunció en febrero que retrasará el estreno de la película de Takahata hasta otoño de este año.

Como ya dijimos anteriormente, Hideaki Anno, director de Evangelion, con sus 52 años, le pondrá voz al protagonista de la película Kaze Tachinu. La cantante y compositora Yumi Matsutoya cantará la canción Hikoki Gumo como tema principal de la película. Matsutoya compuso la canción cuando tenía 16 años.

Kaze Tachinu se estrenará en Japón el 20 de julio. Esperemos que no tarde mucho en llegar a España.

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La web oficial del anime Fate/kaleid liner PRISMA☆ILLYA ha publicado la lista de seiyuus:

• Haruhi Terada interpreta a Sella
• Miho Miyagawa interpreta a Leysritt (Liz)
• Miki Itou interpreta a Taiga Fujimura
• Mariya Ise interpreta a Nanaki Mori
• Emiri Katō interpreta a Tatsuko Gakumazawa
• Kanae Itō interpreta a Suzuka Kurihara
• Satomi Satou interpreta a Mimi Katsura

La página web también ha publicado los diseños de los personajes principales:

Mai Kadowaki interpreta a Illyasviel von Einzbern, una estudiante que sueña con animes de magical girls hasta que un día se encuentra a Magical Ruby y se convierte en una de ellas.

Kaori Nazuka interpreta a Miyu Edelfelt, una chica distante, elegante y atlética que se transforma en una magical girl tras encontrarse con Magical Sapphire y Luvia.

Kana Ueda interpreta a Rin Tohsaka, un Magus que llega a Japón desde Londres para coleccionar unas cartas mágicas desperdigadas después de que Magical Ruby escapara de ella.

Shizuka Itou interpreta a Luviagelita Edelfelt, la chica arrogante que llega a Japón para coleccionar las cartas mágicas. Magical Sapphire escapó de ella después de que su rivalidad con Rin se volviera demasiado intensa.

Naoko Takano interpreta a Magical Ruby, uno de los bastones mágicos Kaleid que ofrece poderes ilimitados a su maestro.

Miyu Matsuki interpreta a Magical Sapphire, el hermano del bastón mágico Magical Ruby. A diferencia de Magical Ruby, tiene una personalidad racional y tranquila.

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Spike Chunsoft ha mostrado nuevas imágenes de  Conception II: Guidance of the Seven Stars, la secuela del juego de PSP Conception: Ore no Kodomo wo Undekere, que saldrá el próximo 22 de agosto en Japón para Playstation Vita y Nintendo 3DS.

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Kazuki Akane, director de las OVAs de Code Geass: Gaiden Boukoku no Akito y uno de los invitados al FicZone, celebrado este fin de semana en Granada, nos ha podido revelar durante la conferencia que él mismo daba que la segunda OVA del proyecto ha vuelto a sufrir retrasos y su nueva fecha provisional de estreno en cines en Japón será noviembre.

Esta noticia no nos pilla de sorpresa, pues la OVA, Hikisakareshi Yokuryuu, de la cual podéis ver un tráiler aquí, ya había sufrido retrasos anteriormente y estaba prevista su salida para verano. El director nos ha comentado que estos retrasos vienen motivados por el uso de la animación experimental 2D-3D que están utilizando, pero que esperan que las dos últimas OVAs salgan a mejor ritmo, estando ambas previstas para el año que viene, a razón de una cada seis meses.

A lo largo del día realizaremos una entrevista al señor Akane, así que estad atentos a koi-nya para novedades de alguna de sus obras.

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El domingo en el número de julio de la Monthly Dengeki Daioh (ASCII Media Works) se anunciará que un nuevo manga sobre Kakumeiki Valvrave, titulado Kakumeiki Valvrave Ryuusei no Valkyrie, se estrenará en el número de junio que saldrá el mes siguiente. Este manga seguirá al personaje Saki Rukino cuando era una idol y estará dibujado por Yutaka Ohori.

Este nuevo manga se une a otros dos proyectos manga que ya habían sido anunciados: un one-shot dibujado por Karega Tsuchiya en la Jump Square (Shueisha) que se estrena en el número de julio (que saldrá a la venta el 4 de junio)  y otro dibujado por Ichiya Sazanami en la revista Sylph (ASCII Media Works) y que empezará en el número de agosto de la misma (que se pone a la venta el día 22 de junio).

Además, también hay planeado un proyecto de novela de Kakumeiki Valvrave que se comenzará a publicar en el número de julio de la Dengeki Hobby Magazine hoy sábado día 25 de mayo. La novela estará escrita por Yomoji Otono y contará con ilustraciones de Yuugen.

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El dibujante de las novelas originales, Kiyotaka Haimura es el encargado del diseño de las cajas de las ediciones especiales, que incluyen un CD con la banda sonora, un libro de 64 páginas, una copia del guión del diálogo y la película. Tanto la versión especial como la normal incluirán comentarios de audio.

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Este fin de semana del 25 al 26 de mayo se celebra en Granada el FicZone 2013, la convención de cómic, animación y juegos. Para ir abriendo boca de lo que os podéis encontrar en FERMASA desde hoy mismo, os dejamos la primera entrevista que publicaremos este fin de semana.

JAN o Juan López Fernández es el famoso creador del popular Superlópez, un personaje capaz de conjugar en sus aventuras el humor y la tan necesaria crítica social. Con JAN hablamos de su trayectoria, de su personaje más conocido y, como no, de manga.

Pregunta: Ya que estamos en un evento en el que hay gran presencia de manga y anime nos gustaría recordar un cómic de Superlópez suyo, “La banda del Dragón Despeinado”, en el que nos encontramos con una trama que gira en torno a la yakuza. Sabemos que es usted muy conocido por documentarse e investigar sobre las culturas, lugares y demás elementos extranjeros que introduce en sus obras, por lo que nos gustaría preguntarle, ¿qué tipo de investigación hizo para este cómic? ¿Leyó algún manga para tratar de hacer algo similar? Por otro lado, ¿qué le parece la cultura del manga japonés? ¿Ve alguna similitud entre este tipo de obras y la suya?

Respuesta: Para mí el manga siempre ha sido cómic, y en cada país siempre ha tenido características propias. El intercambio enriquece y no me parece mal, el cómic japonés también se ha enriquecido con Guiraud (Moebius) o Milo Manara, por ejemplo. La diferenciación viene dada por el peculiar grafismo que es como el estilo Disney para el cómic americano… y el merchandising y la moda que compresiblemente atrae bastante a los adolescentes.

Mi primer contacto fue en la época que hacía los cómics de Marco, Heidi, Nello y Aroa… que tenían un gran componente cultural europeo. Esos cómics los potenció la televisión y yo tuve que trabajar con ellos por razones económicas como muchos otros colegas. No creo que mi estilo propio se haya influenciado con el del llamado manga, pero sí enriquecido con sus recursos. En su día los que me gustaban eran Akira de Otomo y Dominion de Shirow entre otros… la diferencia más notable con el cómic occidental está en el ritmo de la narración.

P: Sin apartarnos demasiado de la anterior pregunta, varios álbumes de Superlópez localizan su acción fuera del territorio español. ¿Cómo se documentó para dibujarlos? ¿Ya conocía esos países con anterioridad?

R: Hombre, haciendo la maleta y cargando un macuto con dos cámaras y 800 rollos de diapositivas… simplemente fui allá para ver y fotografiar lo que me hacía falta y más. Nunca me gustó ambientar con tópicos, que ya se sabe que vienen de otros tópicos que venían de otros. Una vez vi un cómic americano de superhéroes ambientado en Barcelona y la presentaban como un pueblo de casas de tejas y carros tirados por mulas, una plaza de toros y alguna iglesia sacada de postales… era horrible.

P: En su obra, especialmente en Superlópez, destinada en principio a un público más juvenil, existe un evidente componente reivindicativo e, incluso, moralista, de crítica social. ¿Qué le lleva a querer infundir esos valores tan educativos desde el tebeo? ¿Ve necesaria una mayor función social del tebeo en nuestrasociedad, más que de mero entretenimiento o evasión de la realidad?

R: Eso es cosa personal, cada autor debe saber con claridad lo que quiere hacer y a quién quiere dirigirse. Yo trabajo pensando que me dirijo a chicos de 12 a 18 años. Lo que pasa es que estos crecen y siguen leyendo Superlópez, lo que me alegra, pero ya no son mis destinatarios. Unos querrán darle a la risa constante, el gag continuo, de lo que Ibáñez es maestro, otros podrán querer comunicar y yo prefiero la cultura con un enfoque bastante docente porque así contribuyo a hacer jóvenes con criterio. Si me hubiera dedicado al chiste continuo creo que me habría aburrido mucho los últimos cuarenta años, ese espacio ya lo ocupan otros, gracias. Los jóvenes son personas en desarrollo y yo siento mucho respeto de eso.

P: Además, los guiones de cada álbum de su “superhéroe” son completamente distintos unos de otros. ¿De dónde saca usted la inspiración? ¿Se deja guiar por los temas más candentes de la actualidad española?

R: De las noticias, la televisión, los diarios, de la calle, del día a día. Miro la vida y en ella busco las ideas. Es una mina… lo juro.

P: A lo largo de su obra ha gestado uno de los diseños más curiosos e interesantes que existen en el cómic patrio: los petisos carambanales. ¿De dónde provino la aparición de estos curiosos bichos? ¿En qué se basó para darles forma? ¿Tuvo intención de dotarles de una función más o menos relevante dentro de su obra o es un recurso meramente estético?

R: Es un recurso visual, me sirve para componer mejor las viñetas, dirigir la atención del lector y mantener esa atención. Siempre he utilizado objetos diversos: moscas, abejas, colillas, papeles volando o enigmáticos seres fantásticos. Los petisos nacieron de mis lecturas de ufología y espiritismo de cuando trabajaba en el guión de La Caja de Pandora. Se basaba en las Ectoplasmias, una forma de crear seres por la fuerza mental… cosas de la contracultura de los años 70 que me hacían mucha gracia.

P: No todo en su obra comiquera es Supelópez, por lo que nos gustaría saber si tiene especial predilección por alguna de sus otras obras, cuál es su favorita, en cuál le hubiera gustado centrarse más o desarrollar de una manera máseficiente, de cuál no se siente especialmente orgulloso…

R: No me preocupa eso, no me suelo arrepentir de lo que hago ni de lo que tuve que hacer a pesar mío en cómic. Quizá tenía bastante inclinación por Pulgarcito pero no acababa de convencerme las prisas aceleradas con las que tenía que hacerlo, ni veía futuro para esa revistilla porque son los papás quienes compran los tebeos a los niños de 7 a 10 años… y estos solo pensaban en Mortadelo y Filemon. No tenía futuro. De lo que me siento orgulloso es de toda mi carrera en general.

P: Nos gustaría conocer también algo sobre su faceta de animador. ¿Puede relatarnos alguna experiencia interesante de formación o trabajo? ¿Alguna influencia o admiración por el trabajo de algún otro animador? ¿Qué trabajos le satisficieron más y cuáles menos? ¿Qué opina de los formatos digital y tradicional? ¿Ve conflicto entre ellos o una posible convivencia, sin que deje de trabajarse en ninguno de los dos?

R: Ése fue mi primer trabajo y mi vocación real, pero no quería dedicarme a simplemente animar. Donde aprendí el oficio fue en los Estudios Macián de Barcelona, y allí conocí al animador José Mirá, de larga experiencia y sólida formación. También el mismo Francisco Macián era un creativo exigente y ambos me enseñaron mucho. En la TV Cubana era técnico asesor de animación y mi implicación fue sobre todo en la formación de animadores. Dejé el oficio cuando comprobé que mi sordera me hacia muy difícil dirigir equipos humanos, digamos que tiré la toalla. Y de ahí pase al cómic que ya hacia un poco en ratos sueltos.

Cuando volví a Barcelona y entre en Equip a animar en “Mofli el Koala” me encontré que muchas técnicas se habían olvidado en beneficio de la prisa y la economía, es decir, que el nivel había bajado mucho y me decepcionó. Por lo que sé de las actuales técnicas de animación lo digital no está reñido con lo tradicional, al contrario, es una herramienta más y muy buena.

P: Acerca de la anterior pregunta, recientemente ha sido el encargado de adaptar al cómic las aventuras de Tadeo Jones, película de animación por ordenador española. ¿Qué le pareció la película, el personaje y todo lo relacionado con este proyecto? ¿Ha realizado mucho trabajo de documentación para esta adaptación?

R: No me hizo falta. Documentación propia ya tenía de México y de Marruecos o Túnez, y tanto Enrique Gato como Nicolás Matji, el productor, se volcaron en facilitarme las cosas. Esa película es para mí un hito en la animación española y el personaje está muy bien planteado, tiene mucho futuro si se trabaja con las ganas que ese equipo ha demostrado tener.

P: Se ha criticado mucho, especialmente desde el mundo académico y la crítica especializada, el no haber continuado con Superlópez como una parodia al género de superhéroes o no haber explotado tanto este filón, sino más bien el haber caído en una “sucesión de aventuras repetitivas”, escenificadas como “guías turísticas de viaje” o de recurrir a “una crítica social ingenua y excesivamente presente”. ¿Qué opinión le suscitan estas afirmaciones sobre su trabajo en su obra? ¿Se siente satisfecho de transmitir al público esa estética y valores?

R: ¿De qué mundo académico hablas…? La crítica especializada esa, ya sé a cuál te refieres. Y de nuevo te tengo que decir “…si me hubiera dedicado al chiste continuo creo que me habría aburrido mucho los últimos cuarenta años, ese espacio ya lo ocupan otros…”. Condenarme a ser el dibujador de los chistes del Supergrupo habría acabado hastiándome, aunque reconozco que tal vez hoy tendría una pasta…

Lo curioso es eso de “sucesión de aventuras repetitivas”. Hombre, lo hubieran sido realmente si solamente hubiera hecho El Supergrupo hasta hoy. Lo de “Guías turísticas” se debió a la primera, “Periplo Búlgaro”, en la que me propuse criticar precisamente la cultura de los viajes turísticos, e incluso para ambientarme mejor hice uno ex profeso a Bulgaria con una agencia de esas para pillar ideas paso a paso y todo eso, además de fotografiar todo el periplo turístico aquél. Creo que lo hice muy bien, pero esa critica me colgó la etiqueta y las etiquetas ya se sabe, cuando quieres despegarlas estropean el género. Ahí se quedan.

Desde aquí queremos agradecer a JAN su amabilidad y buena predisposición hacia esta entrevista.

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