La compagnie Not Standing du chorégraphe Alexander Vantournhout vient régulièrement à Paris nous présenter des créations qui jouent avec l’équilibre jusqu’aux limites de l’impossible.
Avec Frames, c’est l’idée de cadre qui est exploré, mettant en valeur des corps aux capacités impressionnantes.

Improbables suspensions

Alexander Vantournhout invente des structures et modules originaux spécifiquement dédiés à ses œuvres. Ainsi s’exprime un imaginaire nourrit d’études circassiennes, où l’espace devient terrain de jeu pour performeureuses hors du commun. Car il est beaucoup demandé aux artistes qui travaillent avec Alexander : parfaite maîtrise du corps, de l’équilibre, force physique et totale attention aux partenaires. Le public lui-même en reste bouche bée.

Spectacle inédit

Si vous avez envie d’un mélange subtil de beauté et de performances physiques, ce spectacle est pour vous. Frames est en cela exceptionnel, le premier « ballet » évoque même une sorte de Chapelle Sixtine : installé-es en carré sur des sièges à haut dossier pour y appuyer la nuque, le public contemple les prouesses des performeureuses au-dessus. Vous pouvez y amener vos enfants, ils seront aussi ravis et impressionnés que vous par ces 4 artistes qui font des miracles de leur corps !

Avec Emmi Valsanen, Chia-Hung Chung, Axel Guérin et Alexander Vantournhout.

Au 104, Paris
5 rue Curial – 75019 Paris
Jusqu’au 12 Avril 2026

By Anne Vassivière 

Concept et chorégraphie : Alexander Vantournhout
Création et interprétation : Chia-Hung Chung, Axel Guérin, Emmi Väisänen, Alexander Vantournhout
Dramaturgie : Sébastien Hendrickx, Rudi Laermans
Collaborateurs : Charlotte Cétaire, Mélusine Lavinet-Drouet, Petra Steindl, Esse Vanderbruggen
Costumes : Patty Eggerickx assisté par : Coline Paquet et Isabelle Airaud.
Impressions : Daniel Henry Studio
Constructions : Willy Cauwelier, Bram Dobbelaere
Tournées : Frans Brood Productions
Administration : Esther Maas
Technique : Bram Vandeghinste, Bert Van Dijck, Lukas Vanhoutte
Techniciens en tournée : Bram Vandeghinste, Bert Van Dijck, Siebe Coorevits, Lukas Vanhoutte

L’article Un spectacle à couper le souffle au 104 : Frames impressionne petits et grands est apparu en premier sur La Parizienne.

5 heures de théâtre sublime et radical Premier volet d’une trilogie des funérailles proposée par l’époustouflante espagnole, cet opus débute par un « Ne me quitte pas » qui roule des « r » et croque le micro.
Liddell en fait la partie visible de l’iceberg : la plainte, la souffrance d’être quitté-e par un grand amour ne peut pour elle se parer de mélodie, il faut les vomir comme un poison.

Haine, morts terribles et nudités immaculées, ça commence vraiment fort (d’ailleurs le spectacle est interdit aux moins de 16 ans), mais réduire Liddell à une simple provocatrice serait se priver de sa complexité, de son honnêteté et de ce qu’elle offre au public en termes de rédemption.

Rupture amoureuse

L’amour trahi, c’est une mort en soi, Liddell en crache la douleur avec un débit fou qui semble ne jamais s’essouffler.
C’est ainsi qu’elle nous entraine dans une plainte, une déception, une souffrance que, oui, nous avons parfois connues vivement et dont nous ne sommes pas toujours guéri-es.
Pourquoi nier que le désir de vengeance n’est pas étranger aux espoirs amoureux trahis ?
Liddell ne le nie pas, au contraire, elle l’explore. Et nous avec elle. Liddell dit ce qui, habituellement, ne se dit pas, mais que l’on ressent si cruellement quand on est abandonné-es par l’amour.
Voilà le premier tableau d’un total de cinq avec 4 entractes qui iront jusqu’à la mort et la résurrection.

Une esthétique sublimée

Toujours, chez Liddell, la mort côtoie la plus pure beauté des jeunes corps, la vie dans ce qu’elle a de plus essentiel et primaire. Une série de tableaux vivants où la blancheur de centaines de fleurs s’harmonisent avec la pureté de la jeunesse, puis contraste avec le rouge sang des évocations explicites de la mort, et le noir de certains cauchemars. Le tout sur des airs d’orgue de cathédrale. Bach. Car Liddell aime le grandiose, chez elle, il n’est pas vain, il a un sens, il sert sa radicalité : la beauté est utilisée par Liddell pour dissoudre le Mal. Pourtant le théâtre de Liddell n’est pas qu’un manifeste esthétique : il est agissant, il nous transcende.

Une réparation pour toustes

Que va-t-on chercher en allant au théâtre ? Mille choses, sans doute. Et, ici, particulièrement, une rédemption, une renaissance qui ne pouvait pas mieux s’exprimer qu’en cette période Pascale. Et que l’évocation de l’autrice Karen Blixen explicite encore davantage, elle qui a pactisé avec le Diable pour avoir le don d’écriture et donc, de transmutation. Qui conférait aux mots un pouvoir magique.

Un triomphe

L’allégorie poétique de Liddell navigue entre rage et rituels païens, elle nettoie des débordements qui nous rongent, qu’on les exprime ou non, qu’on en fasse l’aveu ou pas. Elle expose nos existences, leur côté pile, leur côté face. Et les ténèbres auxquelles nous ne pouvons opposer que la foi, l’espoir et l’amour.

Car « si je n’ai pas l’amour, je n’ai rien », conclut Angelica Liddell. Triomphe. Le public est debout.

By Anne Vassivière

Au Théâtre de l’Odéon jusqu’au 12 avril. 

Environ 5 heures (avec 4 entractes)

Interdit au moins de 16 ans

Certaines scènes peuvent heurter les sensibiltiés

 

L’article Vudù (3318) Blixen, la pièce-rituel d’Angelica Liddell est apparu en premier sur La Parizienne.

Estelle Meyer nous livre un seule-en-scène à la fois intime et universel : sa construction de la petite fille qu’elle était à la femme qu’elle est aujourd’hui, le tout abreuvé de chansons, de poèmes et d’un dialogue riche, drôle et documenté avec
Gisèle Halimi, son modèle de liberté.
D’extraits de textes fondateurs de cette dernière. Deux histoires tissées ensemble. Et bien sûr, à travers les découvertes
merveilleuses ou terribles que fait la jeune femme, la question de comment échapper à la prédestination de la condition féminine.
C’est le parcours que nous faisons avec elle, en toute sincérité. Et en riant aussi beaucoup.

Un lieu particulier

Le spectacle d’Estelle a trouvé aux Bouffes du Nord le lieu parfait où célébrer femme et mémoire : ce théâtre tout en rondeurs porte les traces du temps, ne les cache pas, les met en valeur, et la scène n’est pas en surplomb mais à hauteur du public. Nous voilà toustes lové-es dans la même matrice pour un voyage en soi-même et parmi « le peuple des femmes » passées, présentes et futures. Toustes des petits crânes sortis d’un sexe de femme. Quel beau programme !

Un spectacle de chair, un beau fruit à croquer

Ce spectacle est inclassable : ne prône-t-il pas la libération des injonctions ? Estelle Meyer donne et reçoit, le flux entre son public et elle ne cesse de vibrer pendant ce fabuleux seule-en-scène.
Car ce spectacle engage tous les corps présents, les idées n’y sont ni galvaudées ni théoriques, mais incarnées dans les chairs sur scène et dans la salle. Dans le commun de la condition humaine et féminine. Le spectacle commence d’ailleurs par une mise en contact des personnes du public entre elles.
Une façon de sentir le commun.
Pendant cette 1h45 de spectacle complet, Estelle s’adresse souvent directement à nous.

Un baume au cœur et au corps

Estelle Meyer chante, danse, clame et déclame, crie toutes les vérités, elle sait aussi aider à réparer. Munie d’un tambour chamanique, elle propose un véritable rituel en conclusion de son spectacle, un soin dont le public repart avec les bénéfices doux et concrets.

Estelle, la femme qui « embrasse la liberté avec des lèvres rouges », est une passeuse, un trait d’union qui fait du bien. Elle porte haut le flambeau. Elle est la « fécondité du monde ».

Pas de bande son dans ce spectacle : Grégoire Letouvet au piano et Pierre Demange à la batterie sont là et bien là, et le choix de vrais instruments donne encore plus de corps au spectacle. L’écho de Gisèle Halimi, qui pulse dans le ventre
d’Estelle, continue à résonner grâce aux musiciens qui le prolongent avec force. Les percussions en particulier, utilisées par Pierre demandent comme une voix qui interroge : « Est-ce une grâce ou une fatalité, d’être femme ? » La réponse est dans le titre du spectacle, le grec Nike signifie la victoire.

« Un jour, il n’y aura plus de viols »
« Le deuxième sexe engendre le premier. Le deuxième sexe engendre le monde entier. »

Hommes et femmes doivent aller voir ce spectacle, nous avons besoin de redevenir les deux belles moitiés de l’humanité !

Mise en scène de Margaux Eskenazi

By Anne Vassivière

Niquer la Fatalité aux Bouffes du Nord jusqu’au 11 Avril
Du mardi au samedi à 20h
Matinée le dimanche à 16h
Réservation 

Conception, texte, jeu et chant : Estelle Meyer
Composition musicale : Estelle Meyer, Grégoire Letouvet et Pierre Demange
Arrangements musicaux : Grégoire Letouvet et Pierre Demange
Dramaturgie et collaboration artistique : Margaux Eskenazi
Piano :  James Brandilly
Clavier : Grégoire Letouvet en alternance avec Thibault Gomez
Batterie, percussions  : Pierre Demange en alternance avec Maxime Mary
Régie son et direction technique : Thibault Lescureen alternance avec Guillaume Duguet
Création et régie lumière : Pauline Guyonnet et régie en alternance avec Fanny Jarlot
Création costumes : Colombe Lauriot-Prévost
Chorégraphe : Sonia Al Khadir
Collaboration, accompagnement et développement : Carole Chichin
Diffusion :  Séverine André-Liebaut

L’article Niquer la fatalité – Être femme : grâce ou fatalité aux Bouffes du Nord est apparu en premier sur La Parizienne.

Une miette au milieu de l’hypocrisie masculine, une brindille qui rêve plus grand que les logiques de bas étage qui l’entourent. Une femme en perpétuel décalage, à qui le metteur en scène propose de rejouer sa vie dans un décor…particulier.

Une mise en scène originale

De l’outrance, du grand Guignol pour déconstruire le mythe Bovarien

Le ton est celui donné par une Madame Loyale haute en couleur, avec fort bagou et tempérament de feu. L’actrice et performeuse Marlène Saldana (particulièrement remarquée dans Les Idoles et Le ciel de Nantes du même Christophe Honoré) y excelle, libre et flamboyante : le contraire d’Emma Bovary. Saldana donne au spectacle toute sa dimension de fête foraine, elle est vivante dans le monde moribond des Bovary. Qu’on aime ou pas cette proposition, elle est ici le phénomène pop qui bouscule le mythe.

Christophe Honoré ouvre la cage d’Emma Bovary

Celui où Emma échappe au déterminisme de l’histoire des femmes de son époque. Un moment jubilatoire !

L’article Bovary Madame : quand Emma se rebelle au Théâtre de la ville est apparu en premier sur La Parizienne.

Auteur-compositeur à la plume sensible et incisive, Olivier Daguerre trace depuis plus de 20 ans un sillon singulier dans la chanson française, entre poésie brute et énergie rock.
Installé au Pays Basque, il s’est forgé une réputation de musicien de scène, avec des centaines de concerts et des collaborations remarquées, notamment avec Cali ou Francis Cabrel.

Le 20 mars 2026, Daguerre dévoile son 10ᵉ album Corps Voyou, réalisé par Esthen Dehut et coécrit avec la parolière Louise Quillet. Un disque intense et habité, où guitares électriques, cuivres et cordes accompagnent des textes qui explorent nos failles, nos contradictions et nos élans de liberté.

Premier extrait, Dandy Bandit, donne le ton : une atmosphère western-country pour incarner les marginaux, les écorchés, les libres.

Artisan d’une musique qui se ressent autant qu’elle s’écoute, Daguerre propose une œuvre organique, à fleur de peau, entre tension et tendresse.

Nouvel album Corps Voyou
Sortie le 20 mars 2026 chez Baboo Music / Kuroneko

Mardi 24 Mars 2026, 10h50, Place de la République.
Le soleil s’invite enfin à Paris, comme pour adoucir le béton et réveiller les visages encore un peu froissés du matin.

Rendez-vous Chez Coco. Terrasse ou intérieur ? On hésite à peine. Ce sera dedans : lumière douce, murs en briques rouges — un décor presque trop parfait pour un artiste qui parle de failles et de liberté.

Il est déjà là.

Silhouette tranquille, regard posé, et cette gueule de rockeur qui n’en fait jamais trop. Pas de mise en scène, pas d’attitude fabriquée. Juste une présence.

On s’installe.
Un café, quelques secondes pour apprivoiser le moment… et très vite, les mots arrivent.

C’est parti.

INTERVIEW

Daguerre : “Être voyou, c’est garder la tête haute”

D : Je m’appelle Daguerre. Je suis auteur, compositeur, interprète… depuis plus de 30 ans, et depuis 20 ans sous ce nom-là. Et je viens de sortir mon 10ᵉ album.

LP : Corps voyou, justement. Être “voyou” aujourd’hui, c’est quoi ? Une posture, une résistance, ou une manière de rester libre dans un monde trop cadré ?

D : C’est un mot très affectif pour moi. Aujourd’hui, être “voyou”, c’est surtout avoir le droit d’être qui on est. Dans un monde où tout se compare, où tout défile, on finit par ne plus savoir où on en est.
Un “corps voyou”, c’est celui qu’on n’a pas choisi, mais qu’on décide d’assumer.

C’est garder la tête haute, faire des choix, se tromper aussi… mais continuer d’avancer. Et finalement, ça nous rend plus libres… et peut-être meilleurs avec les autres.

LP : Je t’ai donné rendez-vous Place de la République… haut lieu des manifs. C’était volontaire ou totalement inconscient ?

D : (rires) Totalement inconscient ! Mais finalement, ça résonne bien. C’est un lieu où plein de gens se rassemblent… et derrière chaque personne, il y a une histoire, un corps, une vie. Donc oui, c’est un joli symbole.

LP : Dans tes textes, il y a toujours cette tension entre fuir et rester. Toi, tu es du genre à partir ou à t’accrocher ?

D: Je crois que je suis surtout du genre à hésiter (rires).
Mais peu importe la décision, il faut du courage pour choisir. Et parfois, on se trompe… mais on a le droit d’essayer. La vie, c’est aussi accepter ses contradictions.

LP: Dandy Bandit, c’est un marginal romantique… ou un autoportrait déguisé ?

D : Il y a forcément un peu de moi. Dandy Bandit parle du parcours, des doutes, de l’errance…
Mais aussi du fait de ne pas devenir aigri malgré tout ça. Et ça, j’y tiens. C’est un métier de solitude et de rencontres à la fois. L’idée, c’est de rester debout… sans perdre l’envie.

LP : Tu travailles à nouveau avec Louise Quillet. Elle va chercher quoi chez toi que tu n’irais pas voir seul ?

D : Louise Quillet met des mots sur mes émotions. Et surtout, sans filtre inutile.
On discute, et très vite elle capte. C’est assez rare, cette sensation de comprendre quelqu’un sans trop parler. Et pour moi, ça a été une libération, parce que l’écriture peut être laborieuse… alors que là, tout devenait fluide.

La PariZienne : 20 ans de scène… toujours le trac ou maintenant c’est devenu ton refuge ?

D : Les deux. Il y a toujours cette excitation.
Voir naître une chanson, c’est magique. Et la scène… c’est une intensité à laquelle on devient un peu accro. Même fatigué, il se passe toujours quelque chose.

LP : Si Corps voyou était un lieu — pas une salle — ce serait quoi ?

D : Un bar de nuit. Une chambre d’hôtel. Une route déserte.
Les trois. C’est exactement ça… une forme d’errance.

LP : Une Vespa, une nuit à Paris, carte blanche. Tu pars avec qui ? Tu vas où ? Et tu écoutes quoi ?

D : Je pars seul.
Je roule toute la nuit. Paris by night, sans m’arrêter.
Et la musique… une playlist que j’aurais construite exprès. Très éclectique. Je calibrerais même la durée pour qu’elle épouse la nuit.
Et peut-être que je m’arrêterais parfois… pour une rencontre. Parce que c’est ça aussi, ce métier : une addiction aux gens.

Le test (presque) psy de Nadine

LP : Attention, test très sérieux… ou pas. Donne-moi trois animaux.

Daguerre :
Un oiseau.
Un chat.
Et… un éléphant.

LP : Bon. Je t’explique — et là, ça devient dangereux.
Le premier, c’est comment tu te vois. Donc toi, dans ta tête, tu es… un oiseau. Libre, en hauteur, un peu poète, un peu insaisissable. On est bien.

Le deuxième, c’est comment les autres te voient. Donc… un chat. Indépendant, mystérieux, parfois là, parfois pas. Globalement : “il fait sa vie, on ne va pas trop le déranger”.

Et le troisième… c’est ce que tu es vraiment. Donc là, accroche-toi : un éléphant.

D : (rires) Ah oui quand même…

LP : Oui monsieur. Mémoire, puissance tranquille, attachement au clan… et mine de rien, ça impose le respect.
En résumé : tu te rêves en oiseau, les gens te regardent comme un chat… et en vrai, tu es un éléphant.

D: Franchement… ça me va bien comme diagnostic (rires).

LP : Un dernier mot pour les Parisiennes ?

D : Continuez.
Gardez la tête haute, soyez libres…
Un peu sorcières aussi. Celles que je connais le sont déjà.

By Dominique Planche

Il sera en concert le 6 octobre 2026 au Café de la Danse à Paris,

dans le cadre d’une tournée célébrant ses 20 ans de carrière.

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Presse : Xavier Chezleprêtre

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En trio, quartet ou big band, le jazz est généralement peu associé à l’harmonica, on lui connait des affinités plus évidentes avec le rock et le blues. On se trompe ! Et Laurent Maur nous le prouve :

Variété de timbres et d’effets, complexité mélodique, virtuosité et, bien sûr, émotion particulière liée au souffle et au musicien qui fait corps avec son instrument. En somme, un petit instrument que l’on découvre grand.

Un dialogue musical riche et complice

Le dialogue que Laurent Maur instaure avec ses musiciens (Emilie Calmé aux flûtes, Curtis Eforia Ela à la batterie et Clément Simon aux claviers et piano) est donc riche et complexe. Joyeux et complice. Il nous emmène entraine avec tendresse.

Un métissage sonore entre les continents

L’éventail des compositions de Laurent Maur est vaste, soul, samba, blues, électro et planant se côtoient. Car Maur pratique le métissage avec bonheur, il mêle temps et géographie : son harmonica DM48, digital et mutant, converse avec le plus ancien instrument de musique d’Inde du nord, la flûte bansuri. Il nous fait voyager de Cuba au Venezuela en passant par l’Europe et l’Asie.

Maur joue et compose pour plusieurs quartets qu’il a créés, ce soir sur la Péniche Le Son de la Terre, il se produisait avec la formation Soundscape 4TET.

Prolonger l’expérience musicale

Vous pouvez prolonger le plaisir avec son dernier CD en date, Dark Rêverie, enregistré à Beijing où il travaille et se produit régulièrement.

Laissez-vous tenter par le régal de la découverte !

Les prochaines dates de concert de Laurent Maur sont à surveiller sur son site officiel.

Un lieu à part : Le Son de la Terre

La Péniche Le Son de la Terre est amarrée au pied de Notre-Dame, quai de Montebello, excusez du peu. Un lieu singulier nommé en référence au disque emporté par Voyager en 1977 pour témoigner des sons et musiques de la planète
bleue. Une scène dédiée à la musique, et plus particulièrement au jazz. Une belle adresse pour les yeux, les oreilles et les papilles ! Allez-y, l’accueil est chaleureux !

By Anne Vassivière

L’article Laurent Maur : quand l’harmonica fait vibrer le jazz est apparu en premier sur La Parizienne.

Avec Christine Murillo et Jean-Pierre Darroussin, la pièce mise en scène par Charles Tordjman oscille entre comédie et émotion. Un moment de théâtre délicat et mordant qui observe, avec finesse, les liens familiaux et les sentiments que l’on peine parfois à exprimer.

Le rire d’abord…

Installée dans le public derrière moi au Théâtre Hébertot, la comédienne Anne Alvaro (tant aimée avec Jean-Pierre Bacri dans Le Goût des autres) riait au début beaucoup aux répliques de cette comédie tendre. Connaissant Grumberg, je me contentais de
sourire aux traits d’esprit des deux acteur-ices, dans l’attente de ce qui viendrait.

L’œuvre de Grumberg est fine, souvent caustique et jamais superficielle, je me demandais où ce couple d’octogénaires parfaitement touchants, drôles et espiègles allait nous mener. Je n’ai pas été déçue : sans vouloir divulgâcher l’histoire et son dénouement, le fils cinquantenaire du vieux couple pétris des soucis physiques de leur âge, est revenu vivre chez eux et…

Un couloir pour disséquer la famille

Dans un décor simple et efficace en forme de couloir-entonnoir, c’est la famille qui est disséquée en creux, le rapport des enfants aux parents, les relations entre deux êtres qui ont partagé plus de 60 ans de vie commune. La défaite de certaines valeurs éducatives et la difficulté de dire ses sentiments à nos proches.

Du rire aux larmes

Entre tendresse, drôlerie et une certaine détresse, Jean-Claude Grumberg mis en scène par Charles Tordjman nous entraine du rire aux larmes avec un art très sûr.

Un texte bien écrit et bien servi. Une belle soirée de théâtre d’où l’on repart avec un questionnement sur le fonctionnement de notre propre famille. Et l’envie d’y améliorer les relations. À voir !

By Anne Vassiviére

RÉSERVATION

du samedi 14 mars 2026 – 19:00
au dimanche 29 mars 2026 – 17:30

THEATRE HEBERTOT

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« Je suis un animal sauvage, totalement impropre au dressage »

Raconter l’histoire de Juliette, de son adolescence, livrée à elle-même et sans le sou à la fin de la guerre, évoquer la fascination qu’elle exerça autour d’elle dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés, ses débuts au théâtre, ses rencontres nombreuses, Boris Vian, Gérard Philippe, Sartre qui lui proposa de chanter et lui écrivit « Rue des Blancs-Manteaux », Simone de Beauvoir, Merleau-Ponty, Prévert, Queneau, jusqu’à sa rencontre, plus tard, avec Gainsbourg... Retracer ses amours, Miles Davis bien-sûr, avec qui elle vécut une histoire passionnée.

Un voyage dans le Paris de l’après-guerre

Ce spectacle de Pascale Neuvic nous plonge dans le Paris de l’après-guerre, dans ce Saint-Germain-des-Prés qui devint le centre du monde et dont Gréco fut la muse. Et c’est là tout son mérite.

Rythmé par des chansons bien choisies, par des archives sonores (la voix de Juliette, enveloppante et profonde, celle de Piccoli, qui fut son mari, et qui évoque la femme libre), enrichi de petites anecdotes, souvent amusantes, échangées avec le talentueux pianiste et accordéoniste François Marnier, il nous fait découvrir une femme magnifique, scandaleuse, engagée, passionnée, et tellement talentueuse.

Une femme qui « sut préserver son insolence, et sa liberté ».

L’hommage sensible de Pascale Neuvic

Bien-sûr, évoquer une icône comme Gréco, transmettre son pouvoir de fascination, traduire ce mélange de gouaille et de grâce, l’exercice n’est pas facile. Mais Pascale n’essaie pas de l’imiter. On retient avant tout sa sincérité, une forme de tendresse, et c’est bien ce qui nous touche.

By Pascal Trogoff & Anne Vassivière

Voix : Pascale Neuvic
Piano, accordéon : François Marnier
Mise en scène : Franck Paitel

De Juliette à Gréco, itinéraire d’une femme libre
Spectacle musical de Pascale Neuvic – Durée : 1h

Théâtre Laurette
36 rue Bichat, Paris 10e

Métro : République ou Goncourt
Dates : 8 et 19 avril 2026

        h

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Un spectacle original et déjanté, une poésie délirante pour toute la famille

Les gros patinent bien, quel drôle de titre…vous avez raison, voilà un étrange spectacle : 1heure 30 de fou rire grâce au talent de deux acteurs, Pierre Guillois et Olivier Martin-Salvan…et à des bouts de cartons.

Nous sommes embarqués pour un voyage délirant où personnages, éléments de décor, bestioles, actions et effets météorologiques sont des mots écrits sur des cartons. Un peu comme des bulles de dessin animé. Et le plus étonnant, c’est que ça fonctionne plus que parfaitement, ce spectacle frôle le génie, ce spectacle est génial.

Le personnage principal reste assis sur un carton pendant tout le spectacle tandis que son acolyte déploie ses cartons commentaires, accessoires ou indications géographiques avec une précision phénoménale.

Car ce spectacle EST phénoménal : nous voyageons dans le Grand Nord, rencontrons une sirène dont nous rechercherons l’amour pendant 1 heure 30 de délire, nous nous déplaçons à trottinette ou dos de mulet, rencontrons les peuples autochtones de l’Ecosse, de la Bretagne, de l’Espagne.

Photo : Stéphane Audran

Le rythme est effréné, les gags tous meilleurs les uns que les autres, à aucun moment le rire ne se tarit. Une centaine de cartons pour des aventures aussi rocambolesques que jubilatoires.

Ce spectacle a été sacré Meilleur spectacle de théâtre public aux Molière de 2022.

A voir de toute toute toute urgence. Y compris avec vos enfants !

Parfaitement réjouissant !

By Anne Vassivière

Théâtre La Pépinière
7 rue Louis-le-Grand
75002 Paris (quartier Opéra)

À l’affiche jusqu’au 30 juin 2026 – Réservation

Durée : 1h30

Tout public à partir de 11 ans

Horaires habituels :

Jeudi et vendredi : 19h
Samedi : 16h
Dimanche : 15h

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Immobile

Immobile est une jeune femme à longue chevelure rousse et lunettes rondes blanches.
Installée à son bureau, elle doit dessiner mais reste figée : panne d’inspiration, soupirs, essais infructueux, boisson chaude…et élans qui tombent à plat.
Le décor est noir et blanc, elle aussi.
Et ce qui sort de son gros feutre ne lui plait pas…jusqu’à ce que se manifeste un étrange personnage de papier, fait de dessins ratés : Rebondi.

Rebondi

Rebondi le bien nommé rivalise d’humour et d’inventivité malicieuse pour qu’Immobile se remette à créer.
Cette dernière ne le voit pas mais finit par en ressentir l’influence joyeuse qui lui fait retrouver l’inspiration.
Jeux d’équilibre, danse et acrobaties.

Le mouvement

L’ingéniosité de Rebondi redonne à Immobile l’énergie créatrice qui lui manquait.
Elle se remet en mouvement dans un monde plein de couleurs.

Cirque & danse

L’énergie de ce spectacle est contagieuse, les facéties des personnages se déploient entre cirque et danse. Les deux interprètes sont excellents, virtuoses, ils ont une grande maitrise de ces deux arts. La chorégraphie est précise et ludique.
La scénographique est très graphique, elle est signée par l’illustratrice Betty Bone. Le spectacle foisonne d’idées.

Jeune public

Le public jeunesse ne ment pas, il est exigeant et sans concession.
Ici, il adhère à tout, rit, s’étonne et commente : « Mais comment elle fait ça ? »

À voir en famille

Un spectacle généreux comme ses interprètes, 35 minutes de créativité qui réjouissent petits et grands. Les enfants repartent avec un petit théâtre de poche dont découper le décor et les personnages pour poursuivre l’aventure chez eux.

Un conte visuel à voir en famille à partir de 3 ans.

Conception Betty Bone et Sylvère Lamotte

Chorégraphie Sylvère Lamotte
Interprétation en duo en alternance 
Sylvain Musso et Marylène Vallet
ou Joan Cellier et Charlotte Cétaire
ou Fiona Houez et Matthis Walczak

Scénographie Betty Bone, Jean-Philippe Borgogno, Sylvère Lamotte
Costumes  Estelle Boul 
Création lumières Jean-Philippe Borgogno assisté de Ludovic Croissant
Création musique Denis Monjanel
Construction décor Yvan Fougeray, Jean-Philippe Borgogno, Ludovic Croissant et Emmanuel Laborde

Régisseur de tournée Jean-Philippe Borgogno, Ludovic Croissant, Sébastien Gourdier, Julien Guenoux, Angélique Guillot, Matéo Ledoux ou Zoé Nicloux en alternance
Régie générale Angélique Guillot

Site Officiel Immobile & Rebondi #2

By Anne Vassivière

Dates / Tournée

• Maison de la musique de Nanterre — 15 avril 2026

• Rotondes (Luxembourg) — 17 → 20 mars 2026

Le spectacle tourne beaucoup en jeune public, donc les dates évoluent régulièrement.

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