En 1664, Molière est censuré pour son Tartuffe : voici aujourd’hui la toute première version, celle qui a été interdite est maintenant montée par la troupe de la Comédie française ! Il s’agit donc d’un inédit à ne pas manquer. Une pièce en trois actes, sans les deux ajoutés ensuite par Molière pour adoucir la censure et obtenir l’autorisation de jouer. Et une fin ouverte où Molière laisse le public décider si Tartuffe gagne ou pas.

Credit Photo : Christophe Raynaud de Large

Une introduction puissante

La première scène s’ouvre sur une brume à la Hamlet, un linge noir à terre semble recouvrir un cadavre, on s’attend à un être revenu des enfers. Ce n’est pas un mort, plutôt un homme nu, peut-être blessé, en tout cas qu’une famille recueille, place dans une baignoire, lave, habille d’un costume et ramène à la vie…

Un son puissant, grave, obsédant rythme cette mise en place. Les comédiens sont tous de noir vêtus, l’image est sobre et efficace, on comprend que rien ne viendra détourner l’attention portée au texte.

Credit Photo : Christophe Raynaud de Large

« Lumière ! Lumière ! »

Comme dans Hamlet, on demande un éclairage et des torches sont apportées sur le plateau, le décor monté, le son obsédant devient musique, l’homme jadis nu et mal en point que la famille ramène à la vie… c’est Tartuffe.

Il peut alors commencer son travail de destruction et de soumission. De dangereuse hypocrisie dans un décor sobre, noir et brillant. Froid comme son entreprise d’annexion des esprits.

Le combat sans merci entre conservateurs et progressistes va commencer. Une lutte acharnée qui n’est toujours pas terminée de nos jours.

Credit Photo : Christophe Raynaud de Large

Instinct animal

Lorsque apparaît Tartuffe, c’est dans toute sa banalité, car les manipulateurs sont en réalité sans ampleur réelle, décevants.

Jamais on n’aura vu comme ici la bête en Tartuffe : Ivo Van Hove nous offre une scène presque dansée qui rappelle la force du pas de deux par Patrice Chéreau et Pascal Greggory dans La Solitude des champs de coton.

Un duo quasi chamanique entre Tartuffe et Orgon. Attraction, soumission, corps quasi amoureux, animaux, bestiaux. Captivante lutte, relations passionnelles entre eux deux, mais aussi avec le fils, Damis. Et l’épouse, Elmire.

L’imposteur est en survie, les autres personnages aussi. Chacun, chacune tente d’exister.

Credit Photo : Christophe Raynaud de Large

Une langue magnifique, la nôtre

La mise en scène est simple et efficace, toute au service de notre magnifique langue.

L’intelligence et la beauté des vers de Molière résonnent, parfaits même dans ce hangar aménagé qu’est la Grande Halle de La Villette.

Dans cette sobriété jusque dans les costumes, le texte peut se déployer pleinement, servi à la perfection par les comédiens de la Comédie française.

Credit Photo : Christophe Raynaud de Large

Une pièce terriblement actuelle

Des questions s’affichent sur des écrans en fond de scène.

« Qui était cet homme ? », « Madame, a-t-elle raison ? », « Qui piège qui ? », « Amour ou soumission ? ».

Ce dispositif permet au public de prendre un instant du recul et de considérer clairement les enjeux de la pièce : une guerre toujours présente dans notre société contemporaine, un combat entre autorité aveugle et esprit de progrès.

Obscurantisme contre ouverture d’esprit pour le bonheur de toustes.

Pour seulement 15 euros, un chef-d’œuvre à voir jusqu’au 11 juillet à Grande Halle de la Villette ! Aucune excuse pour s’en priver !

By Anne Vassivière

Tartuffe ou l’Hypocrite
Ivo van Hove
Grande Halle de la Villette
211 Av. Jean Jaurès, 75019 Paris
jusqu’au 11 juillet
à partir de 15 €

MEMBRES DE LA TROUPE

Thierry Hancisse : Orgon, Mari d’Elmire
LoÎc Corbery : Cléante, beau-frère d’Orgon
Christophe Montenez : Tartuffe, faux dévot
Marina Hands : Elmire, femme d’Orgon
Stéphane Varupenne : Cléante, beau-frère d’Orgon
Julien Frison : Damis, fils d’Orgon
Christine Brücher : Mme Pernelle, mère d’Orgon

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Dans une époque où tout va vite, certaines femmes ont choisi de prendre le temps.

Le temps de s’asseoir autour d’une table, de partager un bon repas, de lever un verre de Beaujolais et de refaire le monde entre copines. C’est ainsi qu’en 2021 sont nées les Mâchonnes de Paris, à l’initiative de Magali Touvron.

Son idée était aussi simple qu’évidente : adapter à Paris la tradition du mâchon lyonnais, ce repas matinal populaire et généreux qui rassemble autour de la charcuterie, des plats du terroir et des vins du Beaujolais.

Une tradition authentique, conviviale et profondément humaine.

Une nouvelle présidente pour faire grandir l’aventure

Le 21 février 2024, lors d’un mâchon organisé chez Habile, Magali transmet la présidence à Émilie Greenberg devant l’ensemble des membres.

Depuis le 15 avril 2024, Émilie poursuit l’aventure avec enthousiasme, tout en restant fidèle à l’esprit des débuts.

Sous son impulsion, les Mâchonnes gagnent en visibilité. Un logo apparaît, les célèbres vestes bleues deviennent leur signature et le groupe s’invite dans les grands rendez-vous gastronomiques de la capitale. On les croise dans les confréries, lors des Vendanges de Montmartre ou dans les établissements qui défendent l’art de vivre à la française.

Une belle façon de faire rayonner cette confrérie gourmande exclusivement féminine.

Des femmes de tous horizons réunies par la même passion

Les Mâchonnes de Paris comptent aujourd’hui une cinquantaine de membres.

Étudiantes ou retraitées, vigneronnes, pâtissières, charcutières, brocanteuses, notaires ou encore danseuses à l’Opéra de Paris, elles viennent d’univers très différents mais partagent la même philosophie : les plus beaux moments sont souvent les plus simples.

Autour d’une belle table, les différences s’effacent et les conversations s’animent naturellement.

Chez les Mâchonnes, pas de chichi

Leur fonctionnement est à leur image : libre et spontané.

Pas de date immuable inscrite dans le marbre. Pas de calendrier compliqué.
Les Mâchonnes se retrouvent environ tous les deux mois, lorsque l’envie est là et qu’une belle adresse les attend.

Autre particularité : aucune notation.

On ne distribue ni étoiles ni bons points. Personne ne vient juger un chef ou comparer une assiette à la précédente. Le but n’est pas de critiquer mais de profiter.

Manger, boire, rire, échanger.

Finalement, ce n’est déjà pas si mal.

Le Beaujolais comme fil conducteur

S’il existe une règle chez les Mâchonnes, elle tient dans un verre.

Chaque rendez-vous est accompagné des vins du Beaujolais, partenaires naturels de cette tradition héritée des bouchons lyonnais.

Des vins sincères, joyeux et généreux. À l’image des femmes qui les dégustent.

Rendez-vous au Louchebem

Ce mercredi 27 mai 2026, les Mâchonnes avaient rendez-vous dès 9 heures au Louchebem, rue Berger, au cœur des Halles de Paris.

Une adresse emblématique où Étienne accueille ses clients avec cette convivialité qui transforme un simple restaurant en véritable institution parisienne.

Nous étions une trentaine réunies pour ce mâchon de printemps, parmi lesquelles huit Américaines venues découvrir cette étonnante tradition française où les femmes se retrouvent le matin pour partager un repas gastronomique.

Car oui, chez les Mâchonnes, on déjeune avant même que certains aient pris leur premier café.

Un bœuf bourguignon qui met tout le monde d’accord

Pour cette édition, le menu avait des accents de grande cuisine bourgeoise française.

Un généreux bœuf bourguignon, longuement mijoté, accompagné d’une purée maison onctueuse, suivi d’un Brie de Meaux parfaitement affiné.

Autant dire que nos invitées américaines ont rapidement compris pourquoi la gastronomie française bénéficie d’une telle réputation.

Chez les Mâchonnes, la règle est simple : les hommes sont les bienvenus… mais après le mâchon ! Aucun homme, même journaliste, ne participe à ces rendez-vous exclusivement féminins.

Gary Lee Kraut, spécialiste américain des bistrots parisiens et accompagnateur de nos invitées américaines, a donc découvert cette tradition avec curiosité depuis les coulisses. Thierry Bœuf, journaliste à LCI est quant à lui passé en fin de matinée saluer cette joyeuse assemblée dont les assiettes étaient déjà presque vides… mais les conversations toujours aussi animées.

Une matinée qui passe trop vite

Entre anecdotes, découvertes, éclats de rire et conversations passionnées, les trois heures ont filé à toute vitesse.

À 11 h 45, il a bien fallu se résoudre à quitter la table.

Les assiettes étaient vides, les verres aussi, mais les sourires étaient partout.

Une fois encore, les Mâchonnes de Paris ont prouvé qu’il existe encore des moments simples capables de rassembler des femmes de tous âges et de tous horizons.

Et qu’à Paris, le bonheur tient parfois simplement à une bonne table, quelques bouteilles partagées et une bande de femmes qui savent encore prendre le temps de vivre.

Les tables qui ont accueilli les Mâchonnes de Paris

Depuis leur création en 2021, les Mâchonnes de Paris écrivent une belle histoire de gourmandise et de convivialité à travers les bistrots et restaurants de la capitale. Chaque adresse visitée est devenue une étape de cette aventure humaine et gastronomique qui ne cesse de grandir.

2021 : le début d’une belle aventure gastronomique

• Le Millau – 7 rue du Rendez-vous – Paris 12 – 2021 (devenu depuis Mistrinquett)

2022

• Chez l’Ami Pierre – 5 rue de la Main d’Or -Paris 11 –  Mars 2022
• Comptoir 43  – 43, rue de l’Arbre Sec, Paris 1er – Mars 2022

2023

• Café de Paris – 158 rue Oberkampf – Paris 11 – Janvier 2023
• La Mascotte – 52 rue des Abbesses – Paris 18 – 14 Juin 2023
• Habile – 16 rue de Lancry – Paris 10 – Décembre 2023

2024

• Le Mesturet – 77 rue de Richelieu – Paris 02 – 15 avril 2024
• Bourgogne Sud – 14 rue de Clichy – Paris 09 – 4 juin 2024
• Le B.A-B.A – 53 rue de Tolbiac – Paris 13 – 16 octobre 2024
• L’Épicerie de Loïc Ballet – 7 rue Sedaine – Paris 11 – 5 décembre 2024

2025

• L’Indé – 135 rue de Charenton – Paris 12 – 28 février 2025
• Comme Promis – 26 mai 2025 (Fermé depuis fin 2025)
• Caboulot – 123 rue Caulaincourt – Paris 18 – 13 novembre 2025

2026

• Club Cochon – 4 rue Drouot – Paris 09 – 26 février 2026
• Chez Léo – 7 rue des Prouvaires – Paris 1er – 16 avril 2026
• Le Louchebem – 27 mai 2026

Au fil des années, les Mâchonnes de Paris ont tissé leur propre itinéraire gourmand dans la capitale. Derrière chaque adresse se cachent des rencontres, des éclats de rire, des découvertes culinaires et des souvenirs partagés autour de belles assiettes et de bons verres de Beaujolais.

Et ce n’est probablement que le début d’une très belle aventure gastronomique.

Facebook des Machônnes de Paris

Instagram des Machônnes de Paris

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Une exposition à vivre comme un moment de grâce suspendu au-dessus des troubles du temps. Avec celui que l’on surnomme le roi du fil de fer, le public peut se laisser aller à une joie pure qui vient de l’enfance. Un demi-siècle de création et 300 œuvres dont la finesse n’impose pas son exigence, un art qui semble si simple et facile qu’il n’écrase et n’exclue personne. Qui donne même envie de créer.

Un évènement en soi, une richesse de création foisonnante

Pour les 100 ans de l’arrivée de l’américain Calder à Paris en 1926, voici une rétrospective d’ampleur, un évènement en soi : depuis les petits miracles de son cirque de bouts de ficelles, de bric et de broc, jusqu’à ses stabiles monumentaux, en passant par les fameux « mobiles » dont le nom lui a été soufflé par Marcel Duchamp. Car avec cette exposition, c’est toute une époque de foisonnement créatif qui se réveille pour nous. C’est par exemple suite à une véritable révélation survenue dans l’atelier de Mondrian que Calder passe à l’abstrait et ne cesse ensuite de l’explorer.

L’évocation de toute une époque

Calder mène toute sa recherche de front dans une émulation avec ses compagnons artistes de l’époque, la présence de toiles emblématiques de Mondrian, Duchamp, Miro, Leger et Jean Arp en témoigne. Une exposition complète et intelligente où l’on ressent l’esprit de l’époque, les éternels va et vients créatifs qui stimulèrent toute une génération d’artistes de nombreux domaines : trois fils de fer et voici une Joséphine Baker qui apparait. Plus étonnant encore, le visage de Kiki de Montparnasse, reconnaissable au premier coup d’œil.

Une douceur qui fait du bien

Mais les œuvres abstraites sont sans doute les plus puissantes, on en comprend la complexité du travail et cela augmente notre plaisir à les regarder bouger doucement dans l’air des salles d’exposition. Dans les sculptures abstraites, Calder est allé jusqu’à une épure extrême qui fait du bien, on ressent une paix bienvenue à se laisser porter et flotter avec ces formes simples et équilibrées.

De la joie pour toustes

Les enfants se régaleront autant que les adultes. Une magnifique exposition pour tous les âges de la vie. Un travail joyeux !

By Anne Vassivière

Jusqu’au 16 août à la fondation Louis Vuitton.

Réservations 

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Une proposition étonnante

Un ring délimité par des traits au sol, un gamer de chaque côté, derrière eux, installés à attendre leur tour de rentrer dans l’arène, 2 équipes de 3 joueurs sur des bancs. Au-dessus du tout, un être en surplomb, Katharsy, sorte de déesse du combat qui chante, encourage, félicite les gamers, compte les points, condamne les coups trop bas, produit des compositions sonores sur un clavier.
Les scores s’affichent en direct sur deux écrans au-dessus de chaque gamer. Commence alors une série de combats sans merci…

Ambiance hypnotique

Conçu et mis en scène par Alice Laloy, le spectacle baigne dans un gris poussiéreux, une ambiance post apocalyptique, quasi dystopique.
Les joueurs sont des pantins sans volonté qui obéissent à la lettre aux ordres donnés par les gamers. Tout comme sur nos écrans de jeu vidéo.
Les gamers ne parlent qu’à l’impératif et n’utilisent que des verbes d’action. Les joueurs-pantins obéissent à tout…jusqu’où ?

Troublant de les voir de chair, vivants, et pourtant à la limite du robot, presque marionnettes. Le travail de haute précision est remarquable, les interprètes sont à la fois acteurices, contorsionnistes, circassiens, ils excellent dans une synchronisation millimétrée avec les gamers.

Un miroir de la société

Derrière l’idée originale et superbement ficelée, la metteuse en scène nous tend un miroir des dérives de la société dans laquelle nous vivons, et dont elle pousse la logique à l’extrême : hyperconsommation, individualisme forcené et destructeur, compétition inhumaine, déhumanisation. Les titres de chaque partie sont en cela explicites : Black Friday, Que le meilleur gagne, Click and collect, Enjoy your meal, Green is beautiful, Stop crying…

C’est féroce et ça fait réfléchir. L’effet cathartique est évident, référence au titre et à la drôle de déesse. Espérons qu’il ouvre les consciences…avant le grand déraillement.

By Anne Vassivière

Un travail exceptionnel à voir jusqu’au 30 mai au Théâtre du Rond-Point !

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Un étonnant trio

Anne Teresa de Keersmaeker, grand nom de la danse contemporaine, 45 ans de pratique, uneécole internationalement reconnue et près de 70 spectacles à son actif. Et une passion pour la musique de toutes les époques, sans oublier la musique populaire. Cela faisait longtemps que De Keersmaker avait envie de travailler sur Brel, ce géant de la chanson en langue française, la rencontre avec le jeune Solal Mariotte a été le déclencheur de cette création. Formé au breakdance, Mariotte apporte l’énergie de la jeunesse dans une chorégraphie cocréée avec De Keersmaeker. Une légèreté couplée d’une touche d’impertinence qui émeut. Le troisième artiste du spectacle (ou le premier !), c’est bien sûr Jacques Brel et sa carrière fulgurante de seulement 15 ans qui marqueront la chanson d’une manière indélébile. Pourtant De Keersmaker ne tombe pas dans l’écueil de l’hommage poussiéreux : ce n’est pas un hommage, c’est un trio.

Une danseuse, un danseur, deux générations et un fantôme

Elle a 75 ans, il en a 25, deux générations dansent Brel. Un exercice émouvant pour dire la beauté et passer le flambeau avec deux styles de danse complémentaires : De Keersmaeker et ses gestes aux apparences simples, la simplicité n’excluant pas la densité. Et Mariotte, enfant de son époque qui déclare « Si je veux danser mon Brel, il faut que je danse parfois aussi pour qu’il se retourne dans sa tombe. »
Le fantôme de Brel nous chante 16 chansons choisies parmi la totalité de son répertoire, par ordre sensible et chronologique. Commençant par Le Diable, un des premiers enregistrements de 1953. Jusqu’à une sélection de l’ultime et magnifique album Les Marquises. Dans ce parcours, chacun vivra sa propre apothéose en fonction de sa sensibilité. Pour moi ce fut Le plat pays chanté en flamand, une langue et un vlakke land que De Keersmaeker partage avec Brel.

Un immense plaisir

Il faut avouer que, même si un des talents de De Keersmaeker, c’est de se renouveler sans cesse et que ce spectacle en est l’illustration, nous avons ici l’immense plaisir de simplement écouter Brel. De l’entendre en grand, dans un grand théâtre. Comme si nous remontions le temps pour assister à un de ses récitals. Car la chorégraphie est suffisamment sobre pour ne pas empiéter sur les chansons. Ni les paraphraser. Un exercice subtil fait avec une belle sincérité. Comme une ponctuation au répertoire du compositeur. Et puis, l’autre cadeau que nous fait De Keersmaeker, c’est de projeter les paroles des chansons sur le fond de scène, une occasion de redécouvrir la qualité des textes : si on l’avait oublié, voilà qui nous rappelle combien Brel écrivait bien, en plus d’être un grand interprète.

By Anne Vassivière

À découvrir avec appétit au Théâtre de La Ville jusqu’au 20 mai inclus.

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Chaine Youtube du groupe B.R.E.T.O.N.S

 

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La compagnie Not Standing du chorégraphe Alexander Vantournhout vient régulièrement à Paris nous présenter des créations qui jouent avec l’équilibre jusqu’aux limites de l’impossible.
Avec Frames, c’est l’idée de cadre qui est exploré, mettant en valeur des corps aux capacités impressionnantes.

Improbables suspensions

Alexander Vantournhout invente des structures et modules originaux spécifiquement dédiés à ses œuvres. Ainsi s’exprime un imaginaire nourrit d’études circassiennes, où l’espace devient terrain de jeu pour performeureuses hors du commun. Car il est beaucoup demandé aux artistes qui travaillent avec Alexander : parfaite maîtrise du corps, de l’équilibre, force physique et totale attention aux partenaires. Le public lui-même en reste bouche bée.

Spectacle inédit

Si vous avez envie d’un mélange subtil de beauté et de performances physiques, ce spectacle est pour vous. Frames est en cela exceptionnel, le premier « ballet » évoque même une sorte de Chapelle Sixtine : installé-es en carré sur des sièges à haut dossier pour y appuyer la nuque, le public contemple les prouesses des performeureuses au-dessus. Vous pouvez y amener vos enfants, ils seront aussi ravis et impressionnés que vous par ces 4 artistes qui font des miracles de leur corps !

Avec Emmi Valsanen, Chia-Hung Chung, Axel Guérin et Alexander Vantournhout.

Au 104, Paris
5 rue Curial – 75019 Paris
Jusqu’au 12 Avril 2026

By Anne Vassivière 

Concept et chorégraphie : Alexander Vantournhout
Création et interprétation : Chia-Hung Chung, Axel Guérin, Emmi Väisänen, Alexander Vantournhout
Dramaturgie : Sébastien Hendrickx, Rudi Laermans
Collaborateurs : Charlotte Cétaire, Mélusine Lavinet-Drouet, Petra Steindl, Esse Vanderbruggen
Costumes : Patty Eggerickx assisté par : Coline Paquet et Isabelle Airaud.
Impressions : Daniel Henry Studio
Constructions : Willy Cauwelier, Bram Dobbelaere
Tournées : Frans Brood Productions
Administration : Esther Maas
Technique : Bram Vandeghinste, Bert Van Dijck, Lukas Vanhoutte
Techniciens en tournée : Bram Vandeghinste, Bert Van Dijck, Siebe Coorevits, Lukas Vanhoutte

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5 heures de théâtre sublime et radical Premier volet d’une trilogie des funérailles proposée par l’époustouflante espagnole, cet opus débute par un « Ne me quitte pas » qui roule des « r » et croque le micro.
Liddell en fait la partie visible de l’iceberg : la plainte, la souffrance d’être quitté-e par un grand amour ne peut pour elle se parer de mélodie, il faut les vomir comme un poison.

Haine, morts terribles et nudités immaculées, ça commence vraiment fort (d’ailleurs le spectacle est interdit aux moins de 16 ans), mais réduire Liddell à une simple provocatrice serait se priver de sa complexité, de son honnêteté et de ce qu’elle offre au public en termes de rédemption.

Rupture amoureuse

L’amour trahi, c’est une mort en soi, Liddell en crache la douleur avec un débit fou qui semble ne jamais s’essouffler.
C’est ainsi qu’elle nous entraine dans une plainte, une déception, une souffrance que, oui, nous avons parfois connues vivement et dont nous ne sommes pas toujours guéri-es.
Pourquoi nier que le désir de vengeance n’est pas étranger aux espoirs amoureux trahis ?
Liddell ne le nie pas, au contraire, elle l’explore. Et nous avec elle. Liddell dit ce qui, habituellement, ne se dit pas, mais que l’on ressent si cruellement quand on est abandonné-es par l’amour.
Voilà le premier tableau d’un total de cinq avec 4 entractes qui iront jusqu’à la mort et la résurrection.

Une esthétique sublimée

Toujours, chez Liddell, la mort côtoie la plus pure beauté des jeunes corps, la vie dans ce qu’elle a de plus essentiel et primaire. Une série de tableaux vivants où la blancheur de centaines de fleurs s’harmonisent avec la pureté de la jeunesse, puis contraste avec le rouge sang des évocations explicites de la mort, et le noir de certains cauchemars. Le tout sur des airs d’orgue de cathédrale. Bach. Car Liddell aime le grandiose, chez elle, il n’est pas vain, il a un sens, il sert sa radicalité : la beauté est utilisée par Liddell pour dissoudre le Mal. Pourtant le théâtre de Liddell n’est pas qu’un manifeste esthétique : il est agissant, il nous transcende.

Une réparation pour toustes

Que va-t-on chercher en allant au théâtre ? Mille choses, sans doute. Et, ici, particulièrement, une rédemption, une renaissance qui ne pouvait pas mieux s’exprimer qu’en cette période Pascale. Et que l’évocation de l’autrice Karen Blixen explicite encore davantage, elle qui a pactisé avec le Diable pour avoir le don d’écriture et donc, de transmutation. Qui conférait aux mots un pouvoir magique.

Un triomphe

L’allégorie poétique de Liddell navigue entre rage et rituels païens, elle nettoie des débordements qui nous rongent, qu’on les exprime ou non, qu’on en fasse l’aveu ou pas. Elle expose nos existences, leur côté pile, leur côté face. Et les ténèbres auxquelles nous ne pouvons opposer que la foi, l’espoir et l’amour.

Car « si je n’ai pas l’amour, je n’ai rien », conclut Angelica Liddell. Triomphe. Le public est debout.

By Anne Vassivière

Au Théâtre de l’Odéon jusqu’au 12 avril. 

Environ 5 heures (avec 4 entractes)

Interdit au moins de 16 ans

Certaines scènes peuvent heurter les sensibiltiés

 

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Estelle Meyer nous livre un seule-en-scène à la fois intime et universel : sa construction de la petite fille qu’elle était à la femme qu’elle est aujourd’hui, le tout abreuvé de chansons, de poèmes et d’un dialogue riche, drôle et documenté avec
Gisèle Halimi, son modèle de liberté.
D’extraits de textes fondateurs de cette dernière. Deux histoires tissées ensemble. Et bien sûr, à travers les découvertes
merveilleuses ou terribles que fait la jeune femme, la question de comment échapper à la prédestination de la condition féminine.
C’est le parcours que nous faisons avec elle, en toute sincérité. Et en riant aussi beaucoup.

Un lieu particulier

Le spectacle d’Estelle a trouvé aux Bouffes du Nord le lieu parfait où célébrer femme et mémoire : ce théâtre tout en rondeurs porte les traces du temps, ne les cache pas, les met en valeur, et la scène n’est pas en surplomb mais à hauteur du public. Nous voilà toustes lové-es dans la même matrice pour un voyage en soi-même et parmi « le peuple des femmes » passées, présentes et futures. Toustes des petits crânes sortis d’un sexe de femme. Quel beau programme !

Un spectacle de chair, un beau fruit à croquer

Ce spectacle est inclassable : ne prône-t-il pas la libération des injonctions ? Estelle Meyer donne et reçoit, le flux entre son public et elle ne cesse de vibrer pendant ce fabuleux seule-en-scène.
Car ce spectacle engage tous les corps présents, les idées n’y sont ni galvaudées ni théoriques, mais incarnées dans les chairs sur scène et dans la salle. Dans le commun de la condition humaine et féminine. Le spectacle commence d’ailleurs par une mise en contact des personnes du public entre elles.
Une façon de sentir le commun.
Pendant cette 1h45 de spectacle complet, Estelle s’adresse souvent directement à nous.

Un baume au cœur et au corps

Estelle Meyer chante, danse, clame et déclame, crie toutes les vérités, elle sait aussi aider à réparer. Munie d’un tambour chamanique, elle propose un véritable rituel en conclusion de son spectacle, un soin dont le public repart avec les bénéfices doux et concrets.

Estelle, la femme qui « embrasse la liberté avec des lèvres rouges », est une passeuse, un trait d’union qui fait du bien. Elle porte haut le flambeau. Elle est la « fécondité du monde ».

Pas de bande son dans ce spectacle : Grégoire Letouvet au piano et Pierre Demange à la batterie sont là et bien là, et le choix de vrais instruments donne encore plus de corps au spectacle. L’écho de Gisèle Halimi, qui pulse dans le ventre
d’Estelle, continue à résonner grâce aux musiciens qui le prolongent avec force. Les percussions en particulier, utilisées par Pierre demandent comme une voix qui interroge : « Est-ce une grâce ou une fatalité, d’être femme ? » La réponse est dans le titre du spectacle, le grec Nike signifie la victoire.

« Un jour, il n’y aura plus de viols »
« Le deuxième sexe engendre le premier. Le deuxième sexe engendre le monde entier. »

Hommes et femmes doivent aller voir ce spectacle, nous avons besoin de redevenir les deux belles moitiés de l’humanité !

Mise en scène de Margaux Eskenazi

By Anne Vassivière

Niquer la Fatalité aux Bouffes du Nord jusqu’au 11 Avril
Du mardi au samedi à 20h
Matinée le dimanche à 16h
Réservation 

Conception, texte, jeu et chant : Estelle Meyer
Composition musicale : Estelle Meyer, Grégoire Letouvet et Pierre Demange
Arrangements musicaux : Grégoire Letouvet et Pierre Demange
Dramaturgie et collaboration artistique : Margaux Eskenazi
Piano :  James Brandilly
Clavier : Grégoire Letouvet en alternance avec Thibault Gomez
Batterie, percussions  : Pierre Demange en alternance avec Maxime Mary
Régie son et direction technique : Thibault Lescureen alternance avec Guillaume Duguet
Création et régie lumière : Pauline Guyonnet et régie en alternance avec Fanny Jarlot
Création costumes : Colombe Lauriot-Prévost
Chorégraphe : Sonia Al Khadir
Collaboration, accompagnement et développement : Carole Chichin
Diffusion :  Séverine André-Liebaut

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Une miette au milieu de l’hypocrisie masculine, une brindille qui rêve plus grand que les logiques de bas étage qui l’entourent. Une femme en perpétuel décalage, à qui le metteur en scène propose de rejouer sa vie dans un décor…particulier.

Une mise en scène originale

De l’outrance, du grand Guignol pour déconstruire le mythe Bovarien

Le ton est celui donné par une Madame Loyale haute en couleur, avec fort bagou et tempérament de feu. L’actrice et performeuse Marlène Saldana (particulièrement remarquée dans Les Idoles et Le ciel de Nantes du même Christophe Honoré) y excelle, libre et flamboyante : le contraire d’Emma Bovary. Saldana donne au spectacle toute sa dimension de fête foraine, elle est vivante dans le monde moribond des Bovary. Qu’on aime ou pas cette proposition, elle est ici le phénomène pop qui bouscule le mythe.

Christophe Honoré ouvre la cage d’Emma Bovary

Celui où Emma échappe au déterminisme de l’histoire des femmes de son époque. Un moment jubilatoire !

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