La Casa de los Horrores - Cine

Crítica de "Promoción fantasma"

2012-01-30T23:23:00.000+01:00

Bien, pues hoy, señoras y señores, me equivoco. En fin, me equivoco muy a menudo, seguramente mucho más de lo que quisiera, pero hoy escribo desde el extraño convencimiento de que mis palabras van a caer, o deberían hacerlo, en saco roto. Ergo hágaseme ni puto caso, por favor. Porque las primeras impresiones generales –sondeo a vuelapluma- son buenas, sus responsables parecen tener muy claro cómo y dónde quieren llegar, el consenso se está empezando a formar entorno a las voluntades honestas de una generación de creadores "que están cambiando el panorama estatal" (ellos dixit) y desapelmazándolo de las tendencias más rancias de nuestra filmografía (yo suponiendo). Eso. Hay quórum, está gustando. Promoción fantasma gusta.

Pero a mí no. Y lo siento. Y me sangra especialmente. Porque sus responsables (también lo fueron de Spanish Movie, Javier Ruiz Caldera a la cabeza) parecen gente maja, orbitan una elipsis gravitatoria parecida a la mía y la de mis coetáneos y aunque personalmente estoy un tanto hasta las narices de la dichosa moda revisitadora, parten de un cine con el que yo mismo he crecido y me he formado como cinéfilo o deformado como persona: el americano de los 80.

Así que sí, me duele tenerme que cargar una película como esta y además terminaré siendo el carcamal amojamado y cecinoso a quien nadie hace caso: ¿puede ser el jitazo español de la temporada? Puede serlo. ¿Puede ser la confirmación de un talento? Puede, y puede que yo no sepa reconocerlo, maldito negligente obnubilado.

Ojo, no le niego virtudes a esto. Esgrimiendo como lo hace la cantidad de guiños y gags, modos y recursos extraídos directamente de la comedia fantástica ochentera (Los Cazafantasmas) y el cine de institutos en general (John Hughes or bust) debería poder conectar facilmente y por la vía emotiva con esta generación actual de treinta, cuarentañeros con exceso de mitomanía. Me cuento entre ellos, ya digo. Que a uno se le parodie –con poca sutileza, sí- Regreso al futuro ("vigilad los cambios") siempre le hace gracia. Que se le aparezcan los espíritus recalcitrantes de la música pop ochentera más chicletosa, pues también. Y si además todo se sustenta sobre los hombros de un puñado de actores más o menos talentosos (Alexandra Jiménez brilla a lo bestia, Sílvia Abril tres cuartos), más o menos esforzados (Raúl Arévalo y toda la cantera de quinceañeros televisivos), queridos veteranos (Luis Varela vuelve a ejercer de muerto parlante) o definitivamente chanantes (Joaquín Reyes y Carlos Areces, enormes, se comen la película solitos); si ocurre eso, parte del éxito está asegurado.

¿Pero no resulta Promoción fantasma contradictoria desde su misma concepción? Porque antes que cinéfilos hemos aprendido a ser cinéfagos. Chicos, reconozcámoslo, tenemos los cojones pelados de ver buen cine, mal cine, cine regulero, cine malo que mola, cine bueno que cuesta de tragar; respiramos, pensamos y hablamos cine. Más disléxicos o menos; pero el cine da sentido a nuestra comunicación interpresonal. Este terreno Casero es el mejor ejemplo de ello. Bien, siendo así ¿por qué Promoción fantasma se queda tan a medio gas? ¿Hay algo que no he sabido ver en todo esto? ¿Que no he sabido entender? ¿Un sentimiento hardcore en virtud del cual la forma se sacrifica deliberadamente para reforzar el fondo? Porque Promoción fantasma es una película eminentemente patillera.

Un chiste sin gracia que te retuerce el antebrazo ordenándote que te rías. Y contado con total desgana, como esperando que el punch vaya a hacer todo el trabajo. Se trata de una película visualmente inane, con pocos recursos puramente cinematográficos (el fantasma de la ficción televisiva de cadena privada sobrevuela el producto) y una realización plana, falta de buenas ideas, que desprecia el concepto de puesta en escena y no posee ningún especial criterio de planificación. Al contrario, se trata de llevar a puerto una historia (puro reciclaje, ya es eso) tratando llana y simplemente que quede clara y entendible, intentando facturar por el camino el mayor número posible de gags, la mayoría de ellos chascarrillosos y forzados.

Y a un servidor lo que le evoca, más que el cine americano de los 80 (popular y populista, pero de elevada factura) es a una cierta caspa cómico-fantástica infantil, con sede emotiva en los 80, sí, pero menos en los 80 de Ivan Reitman que en los del Buenas noches, señor monstruo de Regaliz. No, no estoy seguro de necesitar en mi vida una aventura pedestre protagonizada por un grupete de púberes vestidos como Parchís.

Y es que ese es, a mi entender, el principal problema de la película. Que no encuentra su tono. Que el entramado narrativo, tan sobresaturado de giros pueriles y subtramas infantiloides, se consolida en un punto excesivamente previsible, tópico y acartonado (aliñan el cotarro esperables reivindicaciones amorosas y mensajes de amistad grupal). Y no es ya que los niños no fueran a entender la referencia a Carrie, es que los mayores que verán reflejado el espíritu Porky’s (en el mismo gag, por cierto) deberían sentirse expulsados de una trama a la que no habrían hecho ascos los Zipi y Zape de carne y hueso.

Conclusión, el ataque a la nostalgia del respetable no es suficiente para cimentar tal cúmulo de soserías que no llegan a la soberana y gloriosa gilipollez. Que igual querrían apelar a El hotel de los fantasmas, o a Bitelchús, o incluso a Agárrame esos fantasmas pero pierden foco en la miopía escénica de Aquí huele a muerto (pues yo no he sido), horas bajas de un dúo que nos había brindado momentos antológicos, cumbres de la imbecilidad cómica.

¿Qué la película busca especialmente ese terreno de lo bastardo? ¿De la patillada? ¿De lo directamente malo? No estoy seguro, pero de ser así incluso ese recurso debe dominarse. No es el caso, de querer ser mala, Promoción fantasma es una mala película mala. A archivar junto a ¿Estás ahí?.

Pero ya digo, probablemente me equivoque.

3’5/10

Por Xavi Roldan

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Ración de pósters: "Resident Evil" y "El asombroso Spider-Man"

2012-01-30T21:40:00.000+01:00

¿Es que estábamos realmente asustados? Por fin. Ya echábamos de menos material findelmundista del bueno ahora que finalmente ha llegado nuestro último año en la Tierra. Que mucho jijí, mucho jajá, pero desde el 1 de enero aquí nadie había empezado aún a machacar con las predicciones apocalípticas y las visiones de la hecatombe, no fuera que se llamara al mal tiempo. Menos mal que ha vuelto (ha vuelto a volver) Paul W.S. Anderson y su muy señora mujer Milla Jovovich con su pasatiempo conyugal favorito: pergeñar como churros secuelas de Resident Evil, ya la quinta. Subtitulada Venganza. Y en virtud de la cual toda Europa se va a ir al garete.

También: The Amazing Spider-Man presentando un nuevo póster, muy grafitero y muy rebelde este, sí. Pero vamos, que ya va en la línea de lo que se nos quiere colar: una renovación de los conceptos arácnidos para adecuarlos al público actual. O sea que sic. Menos mal que nosotros ya tenemos decidio de antemano que nos gusta la peli, que si no...

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Matthew Vaughn vuelve a los "X-Men"

2012-01-30T21:09:00.000+01:00

Y eso son, amigos, grandes noticias. Que el director ya tenía cierta fama antes gracias a Layer Cake o Stardust no lo niega nadie. Que la adaptación cinematográfica de Kick-Ass molaba lo suyo pese a Nicolas Cage tampoco. Pero seamos francos, fue descubrir la precuela de la Patrulla X (que tan necesitada estaba de un encauzamiento), y emocionarnos con la que fue una de las mejores películas-entretenimiento del año pasado. Ahí, con X-Men: Primera generación, Vaughn dio un vuelco a su carrera: nada de bromas, que cuando toca jugársela en serio, rinde y a muy buen nivel. Así que saber que ha sido fichado para dirigir la secuela de la precuela (¿ein?) no hace sino llenarnos de júbilo. Por supuesto, es de esperar que tanto Michael Fassbender como James McAvoy regresen a sus respectivos roles de Magneto y Xavier... así que en definitiva, vayamos preparando motores, que los superhéroes cansan, por esta gente aún es capaz de sorprendernos... Ganas al cubo, ¡y eso que hasta 2015 difícil que se sepa nada!

Trailer de la segunda temporada de "Juego de tronos"

2012-01-30T07:28:00.002+01:00

El 1 de abril. Márquese a fuego, o a hielo, la fecha. Ese día regresa a las pantallas norteamericanas (y esperemos que de todo el mundo) la segunda temporada de Juego de tronos, la que debería llamarse Choque de reyes según el orden de la saga de novelas de George R.R. Martin en que está basada... Aunque a ver qué hacen con el título. En fin, que ya falta menos para que la gran serie del año, con el Globo de Oro al mejor actor de reparto bajo el brazo, vuelva. Y para ir abriendo boca, ¿Qué mejor que un trailer? Aviso: pone ingentes cantidades de miel en los labios...

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Sundance entrega sus premios

2012-01-29T20:08:00.000+01:00

Bien, no hemos dado muchas vueltas sobre el tema, pero ahí ha estado. Sundance ha hecho lo suyo, ha estado estos últimos días presentando un escaparate del coolerío general del mundo entero y de Estados Unidos en concreto por donde han pasado algunos de esos títulos subterraneos de los que luego el mundo va a estar hablando en voz baja y que probablemente van a dar la campanada en algún u otro momento de esta temporada que se nos viene. Y ayer lo colofonó todo con su entrega de galardones, el momento que dicta cuáles van a ser exactamente esos títulos mimados. Y en esta ocasión los agraciados son principalmente Beasts of the Southern Wild, de Benh Zeitlin (la historia de "un niño que vive con su padre en el borde del mundo", eso dicen) y The Surrogate, de Ben Lewin (sobre un treintañero que vive en un pulmón de acero que decide perder la virginidad).

A continuación, el resumen de los galardones principales, y justo debajo la lista completa de ganadores:

GRAN PREMIO DEL GRAN JURADO, DRAMA

Beasts of the Southern Wild, de Benh Zeitlin

GRAN PREMIO DEL GRAN JURADO, DOCUMENTAL

The House I Live In, de Eugene Jarecki

MEJOR DIRECTOR, DOCUMENTAL

Lauren Greenfield, por The Queen of Versailles

MEJOR DIRECTOR, DRAMA

Ava DuVernay, por Middle of Nowhere

MEJOR FOTOGRAFÍA, DRAMA

Ben Richardson, por Beasts of the Southern Wild

PREMIO DE LA AUDIENCIA, DRAMA

The Surrogate, de Ben Lewin

GRAN PREMIO DEL GRAN JURADO, DRAMA DE HABLA NO INGLESA

Violeta se Fue a Los Cielos, de Andres Wood (Chile, Argentina, Brasil, España)

PREMIO DE LA AUDIENCIA, DOCUMENTAL DE HABLA NO INGLESA

Searching for Sugar Man, de Malik Bendjelloul (Suecia)

LISTA COMPLETA (extraída de Firstshowing.net)

2012 SUNDANCE FILM FESTIVAL JURY AWARDS:

The Grand Jury Prize: Dramatic was presented to Beasts of the Southern Wild, directed by Benh Zeitlin — Waters gonna rise up, wild animals gonna rerun from the grave, and everything south of the levee is goin' under, in this tale of a six year old named Hushpuppy, who lives with her dad at the edge of the world.

The Grand Jury Prize: Documentary was presented to The House I Live In, directed by Eugene Jarecki — For over 40 years, the War on Drugs has accounted for 45 million arrests, made America the world's largest jailer and damaged poor communities at home and abroad. Yet, drugs are cheaper, purer and more available today than ever. Where did we go wrong and what is the path toward healing?

The World Cinema Jury Prize: Dramatic was presented to Violeta Went to Heaven (from Chile, Argentina, Brazil, Spain), directed by Andrés Wood — A portrait of famed Chilean singer and folklorist Violeta Parra filled with her musical work, her memories, her loves and her hopes.

The World Cinema Jury Prize: Documentary was presented to The Law in These Parts (from Israel), directed by Ra'anan Alexandrowicz — Israel's 43-year military legal system in the Occupied Palestinian Territories unfolds through provocative interviews with the system's architects and historical footage showing the enactment of these laws upon the Palestinian population.

The US Directing Award: Dramatic was presented to Middle Of Nowhere, written and directed by Ava DuVernay — When her husband is incarcerated, an African-American woman struggles to maintain her marriage and her identity.

The US Directing Award: Documentary was presented to The Queen of Versailles, directed Lauren Greenfield — Jackie and David were triumphantly constructing the biggest house in America – a sprawling, 90,000-square-foot palace inspired by Versailles – when their timeshare empire falters due to the economic crisis. Their story reveals the innate virtues and flaws of the American Dream.

The World Cinema Directing Award: Dramatic was presented to Teddy Bear (from Denmark), directed by Mads Matthiesen — Dennis, a painfully shy 38-year-old bodybuilder who lives with his mother, sets off to Thailand in search of love.

The World Cinema Directing Award: Documentary was presented to 5 Broken Cameras (from Palestine, Israel, France), co-directed by Emad Burnat, Guy Davidi — A Palestinian journalist chronicles his village's resistance to a separation barrier being erected on their land and in the process captures his young son's lens on the world.

The Waldo Salt Screenwriting Award was presented to Safety Not Guaranteed, directed by Colin Trevorrow and written by Derek Connolly.

The World Cinema Screenwriting Award was presented to Young & Wild, co-written by Marialy Rivas, Camila Gutiérrez, Pedro Peirano, Sebastián Sepúlveda — 17-year-old Daniela, raised in the bosom of a strict Evangelical family and recently unmasked as a fornicator by her shocked parents, struggles to find her own path to spiritual harmony.

The US Documentary Editing Award was presented to Detropia, co-directed by Heidi Ewing, Rachel Grady — The woes of Detroit are emblematic of the collapse of the US manufacturing base. This is the dramatic story of a city and its people who refuse to leave the building, even as the flames are rising.

The World Cinema Documentary Editing Award was presented to Indie Game: The Movie, co-directed by Lisanne Pajot, James Swirsky — Follow the dramatic journeys of indie game developers as they create games and release those works, and themselves, to the world.

The Excellence in Cinematography Award: US Dramatic was presented to Beasts of the Southern Wild, directed by Benh Zeitlin, featuring cinematography by Ben Richardson.

The Excellence in Cinematography Award: US Documentary was presented to Chasing Ice, directed by Jeff Orlowski, featuring photography by National Geographic's James Balog and cinematography by Jeff Orlowski.

A US Documentary Special Jury Prize for an Agent of Change was presented to Love Free or Die, directed by Macky Alston — One man whose two defining passions are in conflict: an openly gay bishop refuses to leave the Church or the man he loves.

A US Documentary Special Jury Prize for Spirit of Defiance was presented to Ai Weiwei: Never Sorry, directed by Alison Klayman — Renowned Chinese artist and activist Ai Weiwei has garnered international attention as much for his ambitious artwork as his political provocations and increasingly public clashes with the Chinese government.

A US Dramatic Special Jury Prize for Excellence in Independent Film Producing was presented to Andrea Sperling and Jonathan Schwartz for Smashed and Nobody Walks.

A US Dramatic Special Jury Prize for Ensemble Acting was presented to The Surrogate, written and directed by Ben Lewin, starring John Hawkes, Helen Hunt, William H. Macy, Moon Bloodgood and Annika Marks.

A World Cinema Dramatic Special Jury Prize for Artistic Vision was presented to Can (from Turkey), written and directed by Rasit Celikezer — A young married couple live happily in Istanbul, but their decision to illegally procure a child threatens their future together.

The Alfred P. Sloan Feature Film Prizes, presented to outstanding feature films focusing on science or technology as a theme, were presented to Robot & Frank, directed by Jake Schreier and written by Christopher Ford, and Valley of Saints, directed and written by Musa Syeed. The two films will split the $20,000 cash award by the Alfred P. Sloan Foundation.

2012 SUNDANCE FILM FESTIVAL AUDIENCE AWARDS:

The Audience Award: Dramatic was presented to The Surrogate, written and directed by Ben Lewin, about: Mark O'Brien, a 36-year-old poet and journalist in an iron lung, decides he no longer wishes to be a virgin. With the help of his therapist and the guidance of his priest, he contacts a professional sex surrogate to take him on a journey to manhood.

The Audience Award: Documentary was presented to The Invisible War, directed by Kirby Dick, about: an investigative and powerfully emotional examination of the epidemic of rape of soldiers within the US military, the institutions that cover up its existence and the profound personal and social consequences that arise from it.

The World Cinema Audience Award: Dramatic was presented to Valley of Saints, written and directed by Musa Syeed, about: Gulzar plans to run away from the war and poverty surrounding his village in Kashmir with his best friend, but a beautiful young woman researching the dying lake leads him to contemplate a different future.

The World Cinema Audience Award: Documentary was presented to Searching for Sugar Man, directed by Malik Bendjelloul, about: Rodriguez was the greatest ‘70s US rock icon who never was. Hailed as the greatest recording artist of his generation he disappeared into oblivion – rising again from the ashes in a completely different context many miles away.

The Best of NEXT!: Audience Award was presented to Sleepwalk With Me, co-written and directed by Mike Birbiglia, about: Reluctant to confront his fears of love, honesty, and growing up, a budding standup comedian has both a hilarious and intense struggle with sleepwalking.

El Colectivo B. Driftwood presenta... LA GILITIRA DE LOS DOMINGOS

2012-01-29T14:00:00.000+01:00

Basura blanca. Trailer de "God Bless America"

2012-01-29T12:00:00.002+01:00

Un tío está hasta las narices de pertenecer a una sociedad que puede reunir lo mejor pero también lo peor de la raza humana, así que secuestra a una adolescente, se agencia una pistola y ambos se lían a tiros con todo lo que encuentran por su paso. Bien. O genial, si la propuesta viene de uno de nuestros Ídolos Insospechados, el grandioso Bobcat Goldthwait, más conocido por haber dirigido artefactos como Los perros dormidos mienten (una chica confiesa a su novio que una vez feló a un perro) o World's Greatest Dad (Robin Williams hace de su hijo fallecido en acto onanista un héroe juvenil). Y más conocido aún (¿o menos? no sé) por ser el punki con ojos de loco reciclado a poli con ojos de loco en Loca academia de policía 2.

Material chungo (¿una especie de Luna de papel trash?) cortesía de un tipo chungo y que ahora se nos viene con trailer chungo bajo el brazo. ¿A alguien se le ocurre mejor manera de empezar el domingo? ¿Sí? Bueno, el trailer es para adultos. ¿Mejor ahora?

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Póster
Primeras fotos

Los planes de los Monty Python

2012-01-29T10:01:00.000+01:00

Sí, aquí estamos. En pleno 2012, y hablando de los Monty Python. La vida es así, da vueltas sobre sí misma o así. En fin, que el grupo de artistas que revolucionó el humor y cuyos gags aún se recuerdan vivamente (el spam, los caminares idiotas, el chiste más divertido del mundo, el conejo asesino...), vuelve por partida doble.

Por un lado, mediante la adaptación de la falsa autobiografía de Graham Chapman (desaparecido antes de tiempo por un cáncer, allá por el 1989) titulada A Liar's Autobiography: Volume IV. Bill Jones, Ben Timlett y Jeff Simpson, creadores de cierto circo volante, se encargan de llevar a buen puerto la adaptación, que constará de varios segmentos de animación 3D encargados a diversas compañías especializadas en materia, con las voces de los actores originales... incluida la de Chapman, que antes de morir leyó sus propias memorias (falsas) y servirán aquí de hilo conductor. Ah, por cierto, la cosa irá de cuando Chapman estudió medicina, de sus episodios alcohólicos, del descubrimiento de su homosexualidad y de su carrera como actor cómico. Promete.

Por otro lado, en las últimas horas se ha sabido que el equipo se ha enrolado en otro proyecto, mezcla entre animación digital y acción real, titulado Absolutely Anything. Esta vez, los Monty Python doblarán a unos extraterrestres que dan a un humano los superpoderes de no saber hacer absolutamente nada. Escriben Terry Jones y Gavin Scott (Pequeños guerreros), y se especula con la participación de Robin Williams para hacer de francés. Promete incluso más.

Crítica de "Arrugas"

2012-01-28T17:08:00.000+01:00

Cuando, entre muchos otros galardones, Arrugas ganó el Premio Nacional de Cómic en 2008 pocos éramos los que preveíamos el alcance real que iba a tener todo aquello. Lo cierto es que era la culminación de un carrerón crítico imparable en ámbitos especializados que la había colocado en un puesto privilegiado entre las preferencias de los lectores viñeteros. Y con justicia: la obra era exquisita, maravillosa. Pero vamos, era un tebeo. Sólo un tebeo. Un artículo cultural marginal, desde siempre y aún hoy relegado a los cuartos trasteros de los grandes medios de información/promoción más allá de la pincelada pintoresca o exótica. Despreciado por los altos estamentos culturales como una muestra de expresión creativa bastarda y en cualquier caso menor. Sin embargo, por una conjugación de los elementos azarosos, la eficacia de un mensaje sensible y sensibilizador y la pura contundencia de la calidad intrínseca del material, Arrugas se convirtió en un objeto respetado. En una obra casi, casi mediática.

Así que el salto al cine no era quizá un paso previsible pero tampoco resulta demasiado extraño, menos sorprendente. Nada arriesgado. Especialmente teniendo en cuenta que este movimiento estratégico cuenta con la participación creativa de Paco Roca, el autor del tebeo original, y con un criterio de traslación a la gran pantalla que hace de la fidelidad y el respeto a la obra su principal punto de partida. En otras palabras, los fundamentalistas viñeteros estarán tranquilos y los que no tengan contacto con el noveno arte descubrirán un objeto preciado. Mientras que los que están en medio, los que en su momento disfrutaron del tebeo y hoy pretenden acercarse a la sala a ver cómo ha salido todo esto, esos probablemente no tendrán demasiado acicate. Pero ojo, ya es mucho: pervertir el sentido último o las formas más superficiales es un fácil desliz en cualquier adaptación, pero especialmente en una como esta, tan basada la obra en la sensibilidad de una temática delicada: los últimos tiempos de una mente que está empezando a resultar erosionada por el Alzheimer y la vida en una residencia de la tercera edad puede despertar recelos de sentimentalismo y disparar las alarmas de pirotecnia dramática con facilidad. Nada más lejos de la realidad: el relato de la historia de Emilio se caracteriza, aquí (la película) y ahí (el cómic), por una extrema delicadeza, una sensibilidad total e inusitada, que se intuye tintada de las experiencias del autor primero, Roca (que contactó con la enfermedad a través del padre de un amigo y tomó apuntes al natural a partir de sus numerosas visitas a instituciones), y que permite ir tejiendo un tapiz donde aparecen las contingencias de la tercera edad o la responsabilidad de los adultos sobre sus propios padres.

Ítems que el cine ya había tocado e incluso había entregado obras mayores (de Umberto D. a Cuentos de Tokyo; de Vivir a Fresas salvajes), todas ellas de gran calado e impacto atronador, pese a sus voces quedas y su aproximación satinada pero quirúrgica a los avatares de la edad avanzada. Sin embargo, el de Arrugas es un acercamiento casi inédito: obviando desarrollar en profundidad esas caras del poliedro, prefiere centrarse en la rutina de las residencias (aquí sí un tema menos transitado en la Historia fílmica) y en la necesidad de establecer lazos afectivos y camaraderías cuando uno ya se encuentra más allá de los límites de la vida social. Y lo contrapone a la desazón infinita del deterioro de la mente, la fatal destrucción inexorable de los recuerdos, la tristeza profunda y empapadora de saber que aunque el motor siga funcionando, la persona pueda terminar no estando ahí para conducir el volante. Esta es, por lo tanto, una obra profundamente dolorosa por lo que tiene de real y de cotidiano, y porque atina al recordarnos una triste realidad: que su sincero dramatismo no es de fogueo porque todos poseemos recuerdos, vivencias, lazos afectivos y al mismo tiempo cualquiera de nosotros será susceptible de terminar pasando el trance que pasa Emilio.

Pero, ese es el gran acierto, nada de todo esto se rinde al melodrama barato, a la compasión simplista. Ni mucho menos al tremendismo sentimental: la película (/el cómic) no está exento de humor, de amistad, de momentos en los que el euforia e incluso la aventura (esa escapada en coche) logra sobreponerse, aunque luego su reverso -la dura realidad se impone- termine volviendo para recordarnos que todo esto es, en fin, una historia sin posible final feliz.

Por otro lado, Arrugas logra desdoblar la realidad para articular una especie de discurso que no rehuye de la pura evocación y se constituye en una narrativa que fluye entre la descripción costumbrista y la lírica de la fantasía. Aunque esta última tenga el poso de desesperación de las fabulaciones y los puros delirios provocados por la progresiva desconexión. Como, en cierto modo, en La ascensión del gran mal (David B.), Roca lograba y logra con las dos Arrugas no ceñirse al puro retrato descriptivo, sino mostrar la enfermedad a través de una plasmación de la realidad que tiene un algo de alegoría poética, de escapada lírica, de leve articulación de distintos planos de narración. De manera que terminamos participando como espectadores de la propia enfermedad, nos convertimos en cierto modo en protagonistas del proceso de degradación; un recurso que tenía su epítome en las últimas viñetas del cómic, donde un hermoso mecanismo narrativo terminaba convirtiendo la forma en fondo y sirviendo como perfecta metáfora visual para el mensaje final. En la película, sin embargo, queda un tanto diluido el efecto contundente, pero se añade un epílogo que inyecta una cierta oxigenación y nos recuerda la cotidianía de la enfermedad, dejando claro que el caso de Emilio es sólo uno entre tantos.

Pero sea como sea, lo cierto es que todo esto ya estaba en el material de partida. Su traducción cinematográfica, aun aplicada y respetuosa no aporta demasiado, no complementa al tebeo, ni le da nuevas lecturas, ni tampoco lo redimensiona; es sólo una adaptación, una traslación, fiel en forma y fondo, del mismo texto a otro lenguaje; una proyección del mensaje de Roca a un público más amplio si cabe. Y lo cierto es que le cuesta a uno sacudirse de encima esa sensación de que es esta una película de animación que gustará también a quien no vea cine de animación para la adaptación de uno de esos cómics adecuados incluso para la gente a quien no gusta el cómic.

Pero los resultados son los que son, la película debe(ría) ser capaz de entenderse como un objeto aislado e independiente de una obra a la que nadie tiene por qué haberse acercado necesariamente y cualquier consideración posterior tiene que estar de más. En ese sentido, Arrugas la película es una papeleta salvada con algo más que corrección por parte de una película que a nivel formal y temático tenía la hoja de ruta perfectamente marcada: el diseño de los personajes sigue con fidelidad las propuestas de Roca, presente su línea clara y una elección del color que responde a las tonalidades emotivas de cada secuencia. La realización de Igancio Ferreras se muestra correcta, sin demasiadas complicaciones, diáfana, sin exhibicionistas (e innecesarias) florituras ni salidas de tono respecto a la planificación más o menos marcada por la obra original. Y simulando, y eso se explica un poco menos, la inestabilidad de una cámara tirando de abundantes movimientos, zooms y correcciones de foco. Resultando al final un producto que consigue dar continuidad a la sabiduría narrativa de Roca, a su gestión milimétrica de los sentimientos, aquí ponderados por una banda sonora estupenda y unas interpretaciones magníficas.

Y la conclusión es que en cualquier caso, Arrugas termina resultando, independientemente de su condición de producto animado (al fin y al cabo, dada la solvente pero no extraordinaria calidad técnica eso no es importante: podría haber sido rodada con actores reales) un logro del cine español en tanto que consigue mirar de frente y de manera honesta, directa, muy lúcida a una temática delicada y con querencia hacia análisis maniqueos o espectacularizantes. Pero aún más, una vez vista, Arrugas termina quedando suavemente impresionada en la retina del espectador y (terrible ironía) su recuerdo lo acompaña a uno largo tiempo. El recuerdo de una historia emotiva, emocionante y tremendamente humana.

7'5/10

Por Xavi Roldan

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Ficha de la película

Vuelve Ferris Bueller

2012-01-28T12:17:00.000+01:00

Al principio, fue the man. O bueno, the guy, o así. El caso es que hubo un tiempo en que Matthew Broderick moló. Y buena parte de la culpa la tiene Todo en un día, comedia juvenil a la que incluso a día de hoy cuesta encontrarle rival, y que dirigió John Hughes... hace ya 26 añazos. En ella, Ferris Bueller decidía hacer campana por un día, fingiendo estar enfermo, y se armaba la marimorena en una cinta que es gloria ochentera e historia del cine, señoras y señores. Bien, pues dispuesto a demostrar que su carrera vale para algo más que para acompañar a Sarah Jessica Parker a los premios Razzie, Broderick volverá a las andadas, haciendo campana esta vez del trabajo. La prueba de que habrá Todo en un día 2 la tenéis aquí debajo. Vayamos calentando motores...

Crítica de "Redención"

2012-01-27T17:13:00.000+01:00

Una de las facetas más interesantes del cine proveniente del Reino Unido y alrededores (esta película en concreto, nos llega de Irlanda), es aquella de corte social, generalmente presentada en forma de dramas con más crudeza que otra cosa, y donde el espectador acaba sacando algo de esperanzador a base de porrazos directos al esófago. Montañas de asfixia y dolor psíquico-emocional que es casi físico, para acabar con una recompensa a medias, que no necesariamente está al final del film, ni es necesariamente dulce, sino más bien todo lo contrario. En esta categoría se sitúa, y de hecho prácticamente la capitanea, Redención (Tyrannosaur en su versión original), nueva muestra de la polivalencia de Paddy Considine (director de esta; actor visto en la saga Bourne y en Blitz) y de la calidad de los actores de que disponen en las islas. Esta cruda, violenta y claustrofóbica historia sobre la relación entre un borracho y una mujer maltratada de los bajos fondos no habría sido lo mismo sin Peter Mullan ni Olivia Colman, ni sin Eddie Marsan o Ned Dennehy; todos ellos componen actuaciones de matrícula para remover el dedo que ya se ha metido de lleno en una llaga de aquellas que escuecen, se agrandan, y no hacen sino empeorar con el paso del tiempo. Y es que ya avisamos ahora, si se es mínimamente sensible, Redención es de las películas que marcan. De las que dejan gusto de bilis en la boca hasta bastante tiempo después de haberla visto y ¿digerido?

De hecho, la primera torta nos la llevamos nada más empezar la película, mediante una presentación durísima del personaje central: un borrachuzo más cerca del fin que del principio, se pelea con los jóvenes de un bar para luego, en un acto de enajenación mental, cometer una atrocidad inenarrable. Algo que le marca y lo condena: un tipo así, muy difícil redención va a tener para los ojos del espectador (no digamos otros más elevados), en especial cuando apenas parece interesarse por ello. Claro que difícil lo tiene: cuando hace ademán por reencauzar su infernal vida, la sociedad entera parece ponerse de acuerdo para impedírselo. Y la cerveza es demasiado accesible. Suerte que en medio de esta caída en picado, aparece su ángel de la guarda... Curioso que en un determinado momento, el hombre encuentre como escapatoria una tienda de baratijas de segunda mano, regentada por una mujer infeliz, sometida y maltratada por su marido. Valiente concesión al alivio. La relación que se establece entre ellos, descompuesta y viciada, es el último cabo al que aferrarse. Tanto para ellos como, sobre todo, para nosotros espectadores.

Pero por el camino, las sombras se siguen enrollando a nuestro cuello. La incomodidad no deja de acrecentarse mediante una atmósfera enrarecida, una fotografía siempre nublada, gris, y una sensación de violencia a punto de estallar, que cuando efectivamente lo hace (conatos aquí y allá; eclosión final) se muestra implacable. Nueva atrocidad aún peor que la inicial incluida. Ningún personaje se ofrece como apoyo anímico para el espectador, hay que sudar chorretones para encontrar alguna situación mínimamente distendida, y cuando al fin se vuelven a encender las luces de la sala, la sensación es de alivio. El alivio de constatar que hemos pasado por un infierno helado, un infierno que ni sabemos cómo ha empezado (todo se origina, por cierto, con un cortometraje estrenado hace unos años), ni tenemos del todo claro si ha acabado… ni si hemos salido realmente de él pese a esa palidísima luz que parece entreverse al final de nuestros pasos.

Y lo mejor de todo es que más allá de sus sensacionales intérpretes, tampoco es que Redención tenga nada especialmente obramaéstrico. De hecho, un mero vistazo podría confundirla con cualquier otra muestra de cine social europeo, arma de doble filo donde las haya. Ya digo, otro gallo hubiera cantado de no ser por Mullan y cía, que marcan la diferencia provocando a su vez que se desmarque ese carácter de dureza implacable que venimos definiendo a lo largo de este texto. Pero no será esta la primera vez que se diga que cuando una película es capaz de tocarle a uno bien hondo, de dejar un poso de sensaciones sobre las que reflexionar al final de su visionado, sea como sea el objetivo puede darse por superado. Bien, en este caso, es incluso difícil convertir en palabras lo que le pasa a uno por mente y tripas tan pronto como la cinta echa el cierre, así que vaya si lo consigue.

7,5/10

Por Carlos Giacomelli

Steven Soderbergh ficha a Catherine Zeta-Jones

2012-01-27T09:16:00.012+01:00

No sé si os hemos llegado a hablar de esto, nuevo proyecto al que el director de Ocean's Eleven se dedicará en cuanto haya estrenado Haywire (seguimos acostumbrándonos muy poquito a su versión doblada) y acabado de rodar Magic Mike. La pelicula en cuestión (que confirmaría que su anunciada retirada del cine era una milonga. Sonoro "Uf" de alivio) llevará por título The Side Effects, y de momento, cuenta con un reparto oficioso compuesto por Blake Lively, Jude Law y Channing Tatum. Y a todos ellos se acaba de añadir una actriz que es como el guadiana, Catherine Zeta-Jones, con quien el director ya ha participado en diversas ocasiones.

La cosa va de una mujer que, ante la salida de su marido de la cárcel, entra en un estado de ansia y recurre por ello a sustancias dudosas por un lado, y a un psiquiatra por otra. Interesante ma non troppo (no es esta nuestra versión favorita de Soderbergh) aunque sin duda digna del beneficio de la duda, cosa que no parece haberle otorgado su productora. A tres meses del inicio de rodaje, ha dejado (habría, más bien) al equipo compuesto y sin pasta, al oponerse a la Lively como protagonista. Esperemos que las aguas se acaben calmando mediante el acuerdo con otros medios de financiación, o sustituyendo a la actriz por alguna de las actrices que ya se barajan, entre ellas Rooney Mara, Michelle Williams, Emily Blunt e Imogen Poots. Veremos...

No es un remake de "Buried". Es "Brake"

2012-01-26T23:01:00.001+01:00

Técnicamente tampoco tiene nada que ver con la saga Saw ni con 24. No, es un concepto totalmente nuevo, distinto y original. Pero vamos, totalmente.

Brake pretende revolucionar, otra vez, el panorama del suspense con conspiranoia adjunta, a través de la historia de un agente especial interpretado por Stephen Dorff que de buenas a primeras se despierta encerrado en el maletero tuneado de un coche tuneado. Mal rollo, claustrofobia, tensión y ¡bam! descubre que él mismo es parte de un golpe terrorista para liquidar al presidente.

Realiza Gabe Torres, director de un montón de cosas que no conocemos y... a pesar de los pesares, no es toda ella mala pinta...

Nuevo trailer de "Lockout"

2012-01-26T22:47:00.004+01:00

¿Sabéis eso de cuando estáis en una cárcel en el espacio y se os ofrece la libertad a cambio de rescatar a la hija del Presidente de las garras de otros presos interestelares enloquecidos? Pues eso, justo, justo, es lo que le ha ocurrido a Guy Pearce. Que se tiene que abofetear con media Via Láctea para llegar a salvar a Maggie Gracie, florero espacial y, de paso, (digo yo que) picársela. Eso, lo típico. Costumbrismo. Costumbrismo en casa de Luc Besson, que es quien dirige esto de Lockout o Lock-Out (aún sigue sin estar demasiado claro) a través de James Mather y Stephen St. Leger, a pesar de que en los créditos Besson sólo figure como productor.

Es un trailer, hay mierda seria en materia de acción y va a ser una castaña pero va a molar. ¿Alguna objeción?

Fotos de garrafón: "Los juegos del hambre", "Prometheus", "Blancanieves"

2012-01-26T22:31:00.002+01:00

Sí, son una mierda, pero quien no las quiera ver que no clique el "sigue leyendo" y pase a lo siguiente y ya está. Pero el caso es que, sí, son de bastante chicha y de bastante nabo. Tres estrenacos de espatarrarse, pero con tres fotos de ñiguiñogui: una de Los juegos del hambre en la que un Stanley Tucci injertado presenta a la rugiente audiencia sedienta de casquería a una de las contendientes de Los juegos del hambre, esa Katniss Everdeen que interpretará Jennifer Lawrence (my bet: ella será de lo único bueno de todo este pifostio).

También otra (sí, otra) de Prometheus. Un nuevo shot del cabecicubo ese gigantesco del alien padre de todos los alien. Aquel tal The Rider que supuestamente fue el origen de todo aquello. O algo así.

Y en tercer lugar, y esta sí que lo peta, un primerísimo plano de Kristen Stewart en su modalidad Blancanieves emo para Blancanieves y la leyenda del cazador. Estad preparados para quedaros con el culo torcido.

Sí, poquita cosa, pero puestas así juntas parece que tienen como más peso ¿no? No, ya.

Estrenos de la semana (27 de enero)

2012-01-26T12:53:00.001+01:00

Gloriosos encontronazos los que venimos viviendo estas últimas semanas en cines. Hemos tenido cada dos por tres candidatas a mejor y peor película del año, directores de lujo versus directores de piloto automático… y que no decaiga. La situación se repite esta semana con un enfrentamiento sumamente desigual entre directores, y otro a tres bandas entre actores: por un lado está J. Edgar, lo último de un Clint Eastwood quizás menos estimulante pero siempre notable, protagonizada por un Leonardo Di Caprio cada vez más sensacional (y aceptando retos cada vez más enjundiosos: aquí se convierte en el turbulento ex-mandatario del FBI que da título al film). Y por otro Bajo amenaza, de Joel Schumacher y con Nicolas Cage. Por otro, la muy regulera Albert Nobbs cuenta con un trabajo sensacional de Glenn Close que se hace pasar por hombre en pleno siglo XIX (ahí es nada)… en la de Schumacher, la protagonista femenina es Nicole Kidman. En fin, dispar. De todos modos, que nadie se equivoque, nada de esto resulta tan interesante como el gran estreno de la semana… que es una de animación, española, y basada en un cómic. Raro, ¿eh? Pues todo esto es Arrugas, próxima gran protagonista de los Goya (al tiempo), y fantástica oda a las historias bien contadas y los sentimientos bien desarrollados. El estreno de la semana. Del resto, poca cosa. Un servidor salió del cine a los treinta minutos de El monje (y fueron 29 minutos más de lo debido), la nueva entrega de la saga Underworld sigue tirando de reciclajes, ahora en formato 3D, y de Polonia nos llega Popieluszko. La libertad está en nosotros, estreno del 2009 sobre un sacerdote recientemente beatificado. Bacalá.

Albert Nobbs

Dir.: Rodrigo García. Int.: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Jonathan Rhys Meyers.

Adaptación de la obra teatral de Broadway, "The singular life of Albert Nobbs". En el siglo XIX, en un lujoso hotel de Dublín, una mujer (Glenn Close) se ve obligada a hacerse pasar por un hombre para poder sobrevivir.

Leer crítica de Xavi Roldan

Arrugas

Dir.: Ignacio Ferreras. Animación.

Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico se hacen amigos. Emilio, que padece un principio de Alzheimer, cuenta inmediatamente con la ayuda de Miguel y otros compañeros que tratarán de evitar que vaya a parar a la planta de los desahuciados. Su disparatado plan tiñe de humor y ternura el tedioso día a día de la residencia, pues para ellos acaba de empezar una nueva vida. Largometraje de animación 2D para adultos, basado en el cómic homónimo de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008).

Bajo amenaza

Dir.: Joel Schumacher. Int.: Nicolas Cage, Nicole Kidman, Cam Gigandet, Liana Liberato, Nico Tortorella.

Kyle (Nicolas Cage) y su mujer Sarah (Nicole Kidman) tienen una hija adolescente (Liana Liberato) y una posición económica envidiable. Una noche dos agentes uniformados se presentan en su casa; los Miller, confiados, los dejan entrar. Comienza entonces una auténtica pesadilla.

Leer crítica de Carlos Giacomelli

El monje

Dir.: Dominik Moll. Int.: Vincent Cassel, Déborah François, Joséphine Japy, Sergi López.

Satanás (Sergi López) intenta corromper a un joven novicio, el Hermano Ambrosio (Vincent Cassel), que es abandonado a las puertas de un monasterio cisterciense, donde es acogido y educado por los monjes.

J. Edgar

Dir.: Clint Eastwood. Int.: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Judi Dench, Armie Hammer.

En 1924, con sólo 29 años, Edgar Hoover fue nombrado director general del FBI para que reorganizara la institución. Ocupó el cargo hasta su muerte en 1972, sobreviviendo a siete presidentes, alguno de los cuales intentó inútilmente destituirlo. Los archivos que Hoover guardaba celosamente, llenos de secretos inconfesables de importantes personalidades, lo convirtieron en uno de los hombres más poderosos y temidos de la historia de los Estados Unidos.

Leer crítica de Xavi Roldan

Popieluszko. La libertad está en nosostros

Dir.: Rafal Wieczynski. Int.: Adam Woronowicz, Artur Balczynski, Stanislaw Banasiuk, Adam Biedrzycki.

Historia del sacerdote católico Jerzy Popieluszko, beatificado en 2010 por el Papa Benedicto XVI. El padre Popieluszko murió como un mártir por apoyar al sindicato obrero "Solidaridad", que se rebeló contra el régimen comunista polaco. El coraje y la fe de este hombre arrastró a muchos compatriotas que arriesgaron sus vidas en defensa de la libertad. Para reprimir el movimiento, el gobierno polaco contó con la colaboración de los servicios de inteligencia soviéticos.

Underworld: El despertar

Dir.: Måns Mårlind, Björn Stein. Int.: Kate Beckinsale, Michael Ealy, India Eisley, Stephen Rea.

Después de haber estado en un estado similar al coma durante quince años, la vampiro Selene (Kate Beckinsale) descubre que tiene una hija de catorce años mitad vampiro, mitad licántropo llamada Nissa. Cuando ella la encuentre deberá detener a Biocom en su intento por crear una raza de Super-Licántropos que quieren acabar con ellas... Cuarta entrega de la saga Underworld

Cinco pósters de "What to Expect When You're Expecting"

2012-01-26T07:21:00.001+01:00

Últimamente hay tanta testosterona suelta por estos lares, que nunca está de más tomarnos un respiro en plan moñas. Mirad, mirad qué cucada de pósters proponen ahora para la adaptación del gran bestseller del momento (o sea, del próximo gran bodrio cinematográfico del año): What to Expect When You're Expecting. AnnaKendrick (ooh), Jennifer López (ooh), Elizabeth Banks (ooh), Cameron Díaz (ooh) y Broofkyn Decker (ooh) mostrando sus diversos estados de gestación (ooooh) en otros tantos carteles promocionales todo luz, sonrisas y color. Y con una frasecita para saber la personalidad de cada una. La divertida, la enrollada, la empalagosa... en fin, esto va a hacerse muy cuesta arriba. La cosa va de eso, de siete parejas embarazadas y sus respectivas historias. Algo así como Noche de fin de año pero con (futuros) bebés. Chase Crawford, Matthew Morrison y Dennis Quaid completan el reparto de una película que se estrena el 11 de mayo. En fin, al rico entrañabilismo mañanero (nada de bromas)...

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Trailer

Crítica de "J. Edgar"

2012-01-26T00:24:00.001+01:00

Que Clint Eastwood parezca que debe revalidar su credibilidad a cada paso creativo que da no es sino fruto de un absurdo desbarajuste crítico, de un patinazo en el pensamiento analítico popular. Está claro, hay que poner en cuarentena cualquier obra de creación, provenga de quien provenga y haya sido concebida bajo las circunstancias que haya sido concebida. Pero Clint Eastwood, ha hecho méritos para ello, ya debería estar por encima de cualquier consideración de tipo maximalista: pormenoricemos sus movimientos, pero no pongamos en duda el corpus creativo de quien es, todos lo sabemos, el último gran realizador clásico norteamericano.

Porque así hay que considerarlo y bajo esa luz hay que acogerlo y estudiarlo. Clásicas son sus formas, clásicos sus métodos y clásicos los resultados. Su serenidad tras la cámara, su temple narrativo, siempre equilibrado, ha ganado en pulso y aplomo con el paso de los años; el paso de un tiempo que lo está acercando hacia un inevitable crepúsculo personal que lo lleva –ya hace un tiempo- hacia las primeras intenciones de recapitulación. Es duro, pero es así: Eastwood está poniendo sus cosas en el definitivo orden.

Pero atención, que ni eso, ni tampoco esa filiación clásica de la que hablaba, obstan para que el realizador siempre pretenda dar un paso adelante, escapar de las prefiguraciones, de la previsibilidad, de los conceptos repetidos. Recojo los cabos: la última película de Eastwood desprende clasicismo pero no acomodamiento. Es un paso sorprendente pero nada ilógico. Es, en fin, una obra de sólida factura pero contradictoria en sí misma: a pesar de desplegarse con convicción en su apartado formal gracias a un montaje mesurado, a una planificación de acero, a una fotografía de contrastes marca de la casa; a pesar de ser una película bellamente filmada y una narración en imágenes rigurosa, a pesar de todo ello, J. Edgar divaga sin demasiado rumbo, con el único destino del biopic, del inventario de toda una vida que se lleva con ella los surcos historiográficos de una sociedad entera: la americana. Pero probablemente sobre estos contrasentidos se apoye también el entramado de virtudes de la película.

J. Edgar Hoover, el personaje, se muestra desde la nada complaciente (tampoco agriada) mirada eastwoodiana como un ser profundamente contradictorio. Un hombre de tremenda autodisciplina en conflicto interno con su mal dirigida emotividad, con un sentimiento de reponsabilidad patriótica que lo terminaba conduciendo al extremo de la violencia. Y al final, ciertamente una gran contradicción (momento de revelación entre Hoover y su asistente) sostiene la tesis de la película y por lo tanto la construcción, la visión que da de la sociedad americana, cimentada sobre la basculación entre lo público y lo privado, las libertades y las restricciones, el conservadurismo y el progresismo: al final, lo que parecía una celebración del placer de contar historias (su propia historia) también está salpicada de la mentira, de la impostura. Lo que se antojaba aplomo y seguridad en una fuerza carismática propia podía cimentarse en realidad sobre un tambaleante esqueleto osteoporoso.

Pues, a nadie le quepa duda, J. Edgar es básicamente la historia de un único personaje. Que el resto de actantes en esta historia aparezca más dibujado (Clyde Tolson, interpretado por Armie Hammer) o –desgraciadamente- menos (la secretaria Naomi Watts; la madre Judi Dench) puede responder a elecciones de mayor o menor acierto, pero en cualquier caso no empañan la descripción, visceral y palpitante (depurada interpretación de Di Caprio) de una personalidad avasalladora. La del tipo que le dio al FBI la cara que tiene hoy, la de una especie de salvaje promotor de la disciplina social y personal y el orden público que no dudó en romper unos cuantos huevos para cocinar su particular tortilla. Y que casi se convirtió en el visionario de una sociedad interconectada: haciendo referencia a sus nuevas políticas respecto al FBI (archivos de delincuentes, reconocimiento por huellas dactilares) este Hoover refrenda el carácter de película narrada en primera persona en una de las líneas más relevantes del guión: Information is power.

Se comulgue o no con la figura autoritaria y fascistoide de Hoover (poco sabemos si lo hace Eastwood: sí conecta, sin embargo, con la persona Hoover), son innegables el atractivo y las resonancias casi míticas que desprende a lo largo del metraje. Y tanto es así gracias a ese entramado narrativo deliberadamente acrónico (los saltos temporales entre la juventud y la senectud del personaje casi parecen caprichosos) en equilibrio entre los hechos reales y la pura fabulación o idealización. Si bien el siglo XX de Eastwood se percibe como una especie de líquido amniótico en el que flotan libremente los sucesos, poco interconectados y menos sociológica y críticamente analizados, es cierto que la construcción de su visión de la América de los últimos cien años posee cualidades de drama épico, puntuado con momentos memorables, una especie de greatest hits históricos: ahí está ese inicio en plenos "violentos años 20", aterrorizados por las acciones de los frentes comunistas que sembraran el caos a golpe de bombazo; la posterior Depresión, con la proliferación de grupos criminales organizados; la cacareada caza y caída de Dillinger; el secuestro del hijo del aviador Charles Lindbergh... hasta llegar a los Kennedy, Luther King, Nixon y terminar a las puertas de los escándalos del Watergate.

Una especie de ancla biográfica, de coartada histórica, que además sirve como marco para una trama más puramente emotiva, la de una relación de tintes homoeróticos que aún hoy permanece rodeada de misterio y controversia y que guarda para sí la mayor parte de carga sentimental del film.

Una película, en fin, que fluye ente lo convencional y lo subrepticiamente revulsivo; que pivota entre las leyes del biopic canónico y el drama de autor.

Pero que, en cualquier caso, resulta de una complejidad a la que a ratos sucumbe pero también gracias a la cual logra expresar los dimes y diretes de la América reciente y de la exégesis de esa Historia que, dicen, escriben los vencedores. O, por lo menos, los que se venden como tales.

7/10

Por Xavi Roldan

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Ficha de la película
Crítica de "Más allá de la vida"
Crítica de "Invictus"
Crítica de "Gran Torino"
Crítica de "El intercambio"

Benditos WTF's: trailer de "Iron Sky"

2012-01-25T23:02:00.001+01:00

Sé que no le importará un carajo a nadie (persona arriba, persona abajo), pero os prometo que estos tipos me han plagiado la idea: de crío escribí un cómic donde los nazis se aliaban con los aliens, escondidos en la cara oculta de la Luna, para clonar a Hitler y conquistar la humanidad. Y hasta llegué a dibujar esa gigantesca nave con forma de esvástica. Os lo juro.

Todo aquello no llegó a nada, ese tebeo nunca vio la luz y ahora se me han adelantado. Está bien, es justo, me lo merezco. Por atontao. Pero vamos, que las ideas cojonudas al final acaban llegando a buen puerto. Y no me diréis que eso de la fragata imperial esvástica no entra de lleno en la categoría de ideas cojonudas.

El guión de la peli es más o menos ese, pero sin los aliens. La cosa va de los nazis descubriendo la anti-gravedad en 1945 y lanzando al espacio una flota de naves que se ocultan, sí, en la cara oculta mientras preparan la invasión. Finalmente, en 2018 consideran que ya y ale, se desata el Cuarto Reich.

El trailer, que incluye algo como una presentación del director y algún extra más, asegura una colección de momentos 100% PQC ("¿pero qué coño?"), empezando por eso de que la película va a estar en la Berlinale. Guilty pleasure para gafapastas.

Descojonciante:

"Seeking Justice". Trailer del retorno de Nicolas Cage

2012-01-25T22:29:00.001+01:00

[La auténtica verdad: no se marchó nunca].

En su plan de recuperación de fortuna vía trabajo estajanovista y a lo bestia, Nicolas Cage nos sale ahora con otro de sus "hago una y me da para siete". En esta ocasión, el "tipo que busca venganza de la semana" es un señor a quien un quinqui le apalea la mujer, que gasta una cara muy parecida a la de January Jones (la mujer, no el quinqui). Mientras ella se encuentra hospitalizada, a Cage se le acerca Guy Pearce y le ofrece una inscripción gratuita para un grupo de vengadores callejeros, con la revancha por lo de la esposa como oferta de entrada. Él dice sí, pero al poco deberá pagar el favor con otra muerte. Y, claro, se negará. Fin de la charla. Entran: piños, hostias, sangre, tiros y carreras.

Ea, lo bien que se siente uno sabiendo que el mundo a cada día que pasa está igual de mal que el anterior. El día en que Nicolas Cage haga una buena película alguien va a tener que empezarse a preocupar.

Se estrena en primavera y además de los citados salen Harold Perrineau, Jennifer Carpenter y Xander Berkeley. Todos bajo la atenta mirada del veterano director Roger Donaldson.

Trailer español de "Luces rojas"

2012-01-25T21:41:00.000+01:00

Seguimos con Rodrigo Cortés, el hombre haciéndose una vez más las Américas con su nueva película. Concretamente por Sundance, donde está empezando, independientemente de las críticas positivas o negativas, a hecerse su nombre. A encontrarse su huequecito entre el fan de lo sobrenatural más o menos indie-ófilo. Bien por él, nos alegramos sinceramente.

Pero mientras tanto, por estas nuestras tierras la cinta también está allanándose el camino para su estreno en marzo. Aspira a ser la importante española de la temporada y de momento todo apunta a que va a conseguirlo, por lo menos a tenor de su reparto internacional y de una premisa argumental medianamente atractiva.

Si no contamos aquello, marchando un primer trailer parloteado en cristiano.

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Primer clip
Póster español
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Trailer
Póster internacional

Crítica de "Bajo amenaza"

2012-01-25T07:06:00.001+01:00

Ojo, que lo que viene ahora puede herir la sensibilidad de propios y extraños: Joel Schumacher quiere ser Michael Haneke. Y por tanto, acaba de montarse su particular Funny Games. Es más, el aclamado director responsable de echar por el retrete la dignidad de Batman, ha evidenciado sus intenciones mediante dos homenajes-plagio descarados: por un lado, abriendo con un plano aéreo que sigue a un coche de camino a un caserón en medio del bosque. Por otro, contratando a la actriz que una vez fue doble de Naomi Watts (quien a su vez participó en el remake americano del propio Haneke de la citada película): Nicole Kidman. Claro que hay una distancia abismal entre una y otra a día de hoy (cuánto daño ha hecho Baz Luhrmann). La Kidman no es la Watts por mucho que lo intente, pero es que tampoco Schumacher es Haneke. Y desde luego, Nicolas Cage... es Nicolas Cage. En fin, tres viejas glorias devoradas por su pasado más o menos dorado, que a día de hoy intentan salir a flote con lo primero que pillan. Habrá quedado poco poético, pero las verdades son así, como puños. Así que sigamos tirando de sinceridad, y dejémonos de rodeos, al menos de momento: Bajo amenaza es un auténtico desastre. Pena, porque la idea de ver a las dos (ex)estrellas de Hollywood convertidas en maridito y mujercilla, pasándolas canutas ante el acoso de un grupo de asaltadores en su mansión, prometía.

Y sufren, cuidado, que a nadie le gusta que le entren a robar en casa. Sólo que al espectador, la verdad, le importa tres pepinos. ¿Motivos? Varios, pero quizás el más sangrante se derive de lo que se siente hacia el dúo protagónico: hubo un tiempo en que sí, pero ahora a casi nadie le acaba de caer demasiado bien ninguno de los dos, por lo que aunque sea disimuladamente, un placer culpable inconfeso, no son pocos los que arden en deseos de ver qué tal se les da sufrir lo indecible en pantalla. En especial cuando se tienen referencias tan altas. Ya hemos citado al genio alemán, pero no nos olvidemos de nuestro Secuestrados, puro infierno para actores y espectadores de premisa muy similar. Con semejante background, empezar con el plano del coche y seguir con presentación en plan padre ocupado, madre feliz a medias e hija que quiere salir de fiesta invita a la salivación. Pero, y hete aquí el verdadero quid del cotarro, no parece que Karl Gajdusek (guionista) haya entendido la gracia.

Esa gracia reside en pasar de justificaciones, vaciar el argumento. Proponer un ataque brutal, desmedido y tan injusto como deleznable, sin mayor motivo que el aburrimiento o el robo. Ahí lo tenemos: terror real, palpable; terror vertiginosamente vacío. Cuanto más realista y salvaje, mejor. En definitiva lo diametralmente opuesto a lo que hace Bajo amenaza. Y la senda inicial parece que se dirige en dirección correcta, pero tan pronto como empieza a desarrollarse el entramado, se empieza a torcer. Giros y más giros de guión, explicaciones y expiaciones de propios y extraños... y de thriller claustrofóbico se pasa a cine de sobremesa puro y duro, sin objetivo ni horizonte a la vista, y cayendo en los topicazos más idiotas. Bueno, dirán algunos, pues que por lo menos sea un orgasmo de acción desenfrenada y pulso asfixiante (bien podría pensarse en La habitación del pánico). Nada más lejos. Huelga decir que Joel Schumacher está lejos de su mejor forma, si alguna vez la tuvo.

¿Y la violencia? En casos así siempre acude un salvador chorretón de ketchup, algún crack óseo o (qué atrevimiento) algún exceso mayor; un extra que puede potenciar emociones o, al menos, transformar una cinta vulgar en un exceso entrañable (véase Hostage). Pues por ahí, tampoco. Bajo amenaza es tan mojigata que parece propia de otra época, como si se autocensurara por miedo a mayores consecuencias; tan sólo en sus minutos finales parece que se anima con algún que otro disparo y poco más. En definitiva, en línea con el resto de decepciones que va a aportando a cada minuto el film. Y es que con su último trabajo, Joel Schumacher vuelve a armar un cirio de cuidado: una película que ni vale como pesadilla, ni como entretenimiento. Un aburrimiento de principio a fin en que no se empatiza ni con secuestrados ni con secuestradores, y en que de tantos giros y twists imposibles, sólo consigue que no nos importen lo más mínimo no sólo los destinos de unos ni de otros, sino los de la propia carrera comercial del film o profesional de un grupo de cineastas que ya deberían haber aplicado aquello de las retiradas a tiempo. Tremendo chasco, pese a partir con las expectativas muy bajas.

3,5/10

Por Carlos Giacomelli

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Más información, trailers, pósters e imágenes, en la ficha de "Bajo amenaza"
+info sobre "Funny Games"
+info sobre "Secuestrados"

Nuevo póster de "El enigma del cuervo" (aka "The Raven")

2012-01-25T04:50:00.001+01:00

Pues le ha caído sambenito de cambio gilipollesco de título. Imagino para que nadie vaya a confundirse entre esta El cuervo (The Raven) y la otra, la que van a remakear en breve (The Crow). Pero ya me diréis si eso de El enigma del cuervo no suena a aventura de Los Cinco o a para-película de Tintín de los años 70. Pero bueno, los caminos de los traductores de títulos son inescrutables.

En cualquier caso tendrán que hacer caber todas las palabras en la adaptación para el mercado ibérico de este nuevo (¿definitivo?) póster con un John Cusack en pleno arrebato Poe como centro. El actor, recordemos, se pone en la piel del poeta para una trama en la que un asesino anda suelto y está ejerciendo su honrada profesión siguiendo los patrones de la propia obra de Edgar Allan Poe. Es decir, algo a medio camino entre el thriller de suspense y el biopic de interpretación libre.

Dirige James McTeigue, especialista en interpretaciones libres (ñaca) y el guión lo escriben Ben Livingston y una tal, cuidado, Hannah Shakespeare. Con ese nombre, esto tiene que ser bueno sí o sí.

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Trailer #2
Trailer #1

Primer clip de "Luces rojas"

2012-01-25T04:36:00.001+01:00

Leíamos por ahí que Luces rojas, esperadísimo regreso de Rodrigo Cortés a las cámaras tras la bien ponderada Buried, ha despertado opiniones encontradas en Sundance, donde se ha exhibido hace pocos días. Concretamente hablaban de un final desconcertante, y la opinión en cuestión incluía las letras W, T y F. O sea que a saber. Pero interés, por lo menos, de momento suscita la cosa. Más teniendo en cuenta que gasta un reparto internacional (Robert De Niro, Sigourney Weaver, Cillian Murphy) y una trama paranormal en la que un grupo del FBI se dedica a destapar fraudes esotéricos hasta que van a toparse con un tipo que no parece precisamente un timador.

De momento hemos empezado a ver material diverso, pero a parte de algún trailer un poco chichinabal estas son las primeras imágenes que nos echamos al buche. Es un minuto y poco, así que poco podemos opinar; pero, ojalá me equivoque (me equivoco seguro), de momento todo esto parece un tanto impersonal ¿no?

Pero lo dicho; es un minuto de video. De momento, nos vale.

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El remake de "El cuervo" tiene nuevo director (y también es español)

2012-01-25T04:23:00.000+01:00

Pues anda que no molaba eso de saber que Juan Carlos Fresnadillo iba a encargarse de dar nuevos aires a una historia en el fondo bastante apolillada. El director de la deslucida Intruders, aún nombre interesante de nuestro panorama fantástico, se convertía en la cabeza visible del proyecto y principal fuerza motriz hasta que el pasado octubre decidió apearse del mismo. En ese momento, un problema de derechos puso además todo el asunto en modo stand by.

Solucionadas ya las cuestiones de papeleo, todo ha vuelto a ponerse en marcha y se ha empezado a asociar algunos nombres al tinglado. Concretamente el de Jesse Wigutow, guionista de Cosas de familia que aquí se encargará del libreto, no está muy claro aún si partiendo de la película de Jason Lee o bien del tebeo original en la que se basaba aquella. Y el de F. Javier Gutiérrez, joven realizador del que empezamos a oir hablar a raíz del estreno de Tres días, hará tres o cuatro años. Una de aquellas jóvenes promesas que no terminó de explotar. Bien, esta es su oportunidad.

Ambos, Gutiérrez y Wigutow, son los primeros pasos de un proyecto de los que va a dar que hablar (ya lo está haciendo) y que además anunciará sus primeros nombres del reparto en breve. Y no, queridas, no va a protagonizar Bradley Cooper.