La Casa de los Horrores

Nuevas imágenes de "Iron Man 2"

2009-07-16T19:30:00.007+02:00

A falta de medio año para su estreno (a finales de abril del 2010) y con más sombras que luces a cerca de su argumento, aparecen tres imágenes nuevas de "Iron Man 2", esperada continuación que vuelve a dirigir Jon Favreau y a protagonizar Robert Downey Jr.
Ya vimos con anterioridad las pintas que luciría Mickey Rourke (Whiplash, el villano de la función), pero ahora es Scarlett Johansson quien se deja ver de manera oficial como la Viuda Negra.
A continuación, las tres fotos recientemente aparecidas en la revista "Entertainment Weekly" (y una más de Rourke).

Crítica de "Sex Drive", por el Capitán Spaulding

2009-07-16T10:19:00.004+02:00

Que se venda la película con, al menos en España, el cartelito de 'en la línea de "American Pie", "Virgen a los 40" y "Viaje de Pirados"' ya muestra una idea de lo que nos depara "Sex Drive", película creada por los desconocidos Sean Anders y John Morris que es la adaptación de "All the Way" (de un tal Andy Behrens) y que protagonizan Josh Zuckerman, Amanda Crew, Felicia Clark Duke, James Marsden y Seth Green entre otros: por un lado deja patente que quedan todavía muchos que parecen no haber entendido nada de los derroteros por los que circula la comedia actual, ya que "Virgen a los 40" y "American Pie"/"Viaje de Pirados" tienen tanto que ver como "Los Cazafantasmas" y "Ghost"; por otra parte, lo poco a lo que puede aspirar una película cuyos propios creadores se ponen como modelo de ejemplo el cine de Sean William Scott.

La trama gira en torno a Ian Lafferty, de dieciocho años de edad, que emprende un viaje con sus dos mejores amigos, Lance y Felicia, para perder su virginidad con una chica conocida por Internet. Como es de esperar, el viaje se convierte en un conjunto de aventuras y desventuras que lleva al trío protagonista por pueblos Amish, caravanas de rednecks y cuarteles de policía. Sólo con esto ya saltan a la vista las pocas sorpresas que deparará su entramado, y una de las principales losas de "Sex Drive" es precisamente el tedio que supone aguantar sus casi dos horas (o dos horas y diez si se ve su versión Unrated) sabiendo desde los primeros compases cómo acabará todo, o casi.
Así, por enésima vez toca hablar de un guión absolutamente vergonzoso en cuanto a que, salvo en muy contadas ocasiones, ni en la resolución de las situaciones en las que se enfrasca el grupo se observa síntoma alguno de haber querido buscar un mínimo de innovación, por pequeña y timorata que sea.

El otro gran inconveniente de "Sex Drive" reside en lo más importante de una comedia (vamos, casi nada): su humor. Puede que conforme uno se hace mayor empieza a dejar de reírse de los chistes de jóvenes desesperados por echar una cana al aire, capaces de cualquier cosa por ello; quizás los gags pretendidamente subiditos (ojo que usamos penes de plástico en la película, qué malos somos) pero en realidad más inocuos que un capítulo de "Los Lunnis" no se dirijan a los mayores de 18 años.

Sin embargo, y a tenor de lo divertida que resulta para todas las edades "Supersalidos", uno se inclina a pensar que en realidad, "Sex Drive" no es más que un producto hecho por y para mentes calenturientas/cohibidas, o simplemente, para estúpidos del estilo de 'eeeh, tío, esa ha enseñado una teta y ha dicho culo, jojojo'.
Sólo así se explica que sus protagonistas estén tan descaradamente mal caracterizados que no sean más que una versión muy, pero que muy cutre no sólo del grupo de la antes citada "Supersalidos", sino de cualquier sucedáneo de "American Pie" que se (des)precie (baste con ver al hermano del protagonista y compararlo con Stifler).
O que la mayoría de situaciones (pretendidamente) graciosas sean descarados plagios de otras películas anteriores.

En resumidas cuentas, "Sex Drive" es un descarado intento de amontonar cuatro perras a costa del inocente espectador, que irá al cine esperando ver una comedia en la línea de la Revolución Apatow y se quedará con un "American Pie 17", y encima en una sala rodeado de imberbes salidos de encefalograma plano que de buen seguro reirán todas y cada una de las gilipolleces (no hay mejor palabra para definirlas) que se sucedan en pantalla. Y es que la única manera de aguantar hasta el final el visionado de esta aburrida e infantil 'comedia', no queda duda, es apagando previamente cualquier atisbo de actividad cerebral, o aprovecharla repasando la lista de la compra, los planes del verano, o la alineación del Barça. Aun así puedo asegurar que no se perderá ni un ápice del argumento.
3/10 (me he reído en, a lo sumo, tres ocasiones. Lo juro)

Crítica de "Exorcismo en Connecticut", por el Capitán Spaulding

2009-07-13T11:06:00.004+02:00

Desde hace unos años, Lionsgate Films ha mostrado mucho interés en las de cintas de terror hechas con cuatro duros y con expectativas de convertirse en grandes éxitos sleeper. Su exponente más fructífero, "Saw", deja claras las intenciones de la compañía en relación al género, y es justamente el efecto logrado con la saga del asesino del puzzle lo que siguen buscando una y otra vez con películas como "Alone in the Dark", "Hostel", "Hard Candy", "Los Ojos del Mal" o la que ahora se estrena, "Exorcismo en Connecticut".

Ciertamente, que a estas alturas nos claven la enésima casa encantada con fantasmas malditos y mobiliario que parece tener vida propia no resulta demasiado halagüeño. Tampoco ayuda que su director sea desconocido, ni que sus dos (!!) guionistas vengan de haber escrito "Bones" (vampiros raperos encabezados por Snoop Dogg).
Con tan desalentador panorama a sus espaldas, "Tha Haunting in Connecticut" no tarda en descubrirse como la enésima fotocopia de fotocopia, centrando su argumento en una familia que se muda a una casa -lo suficientemente terrorífica a primera vista como para no entrar ni por asomo- próxima al hospital donde el hijo mayor recibe su tratamiento contra el cáncer. Es justamente éste quien comienza a tener visiones extrañas: gente muerta, escenas del pasado de la casa y demás lindezas por el estilo. Ahora bien, ¿son reales esas experiencias, o son fruto del tratamiento? Apuesto a que no imaginan la respuesta...

Tan previsible como su argumento es, lamentablemente, toda la película en sí. Desde sus localizaciones al maquillaje de los fantasmas, efectos visuales, de sonido o incluso movimientos de cámara; todo en ella supone un batiburrillo, sin ningún tipo de pudor, de centenares de ejemplos anteriores, entre los que destacan "Terror en Amytiville", "El Sexto Sentido" e incluso "El Resplandor".
De hecho, si por algo se mantiene el interés del espectador es por la voluntad de querer descubrir cuándo se dará el cambio, la chispa de originalidad que justifique todo lo visto con anterioridad y logre aterrar mediante un nuevo concepto de terror nunca visto, en vez de intentarlo mediante la repentina subida de decibelios. De nuevo, la respuesta es de fácil intuición (y si no lamento estropear el secreto): nunca. "Exorcismo en Connecticut" no trae consigo ases bajo la manga y ni siquiera se molesta en buscarlos.
En vez de ello, se limita a exprimir la fórmula consabida una y otra vez, plagiando esquemas y subiendo y bajando el estruendoso apartado sonoro (agudos violines incluidos) como si un monitor de constantes vitales llevase la baqueta.
La cosa llega a ser tan exagerada que no sólo se averiguan todos y cada uno de los secretos conforme se presentan, sino que en más de una ocasión el espectador puede incluso realizar una pequeña cuenta atrás antes del inminente susto, anticipándolos sin problemas.

Ahora bien, de todo el desaguisado recién expuesto se descubren un par de motivos que hacen que, pese a todo, "Exorcismo en Connecticut" pueda convertirse en una buena opción de entretenimiento, más disfrutable que muchas otras aberraciones terroríficas vistas recientemente.
La primera razón que justifica la valoración final del comentario es que, por primera vez en mucho tiempo, nos llega una cinta horror-teen comercial que no es un remake.
Podrá ser todo lo previsible que quiera, y haber sido realizada con mayor o menor atino, pero al menos se nos cuenta una historia diferente, inspirada además en hechos reales.
Su segundo valor reside en sus momentos de terror. Porque de acuerdo, la pauta está más vista que el tebeo y el público ya empieza a cansarse de lesiones auditivas, pero aun así, la cantidad de sustos es mucho más elevada de lo acostumbrado, lo cual lleva a que inevitablemente alguno de ellos coja por sorpresa y logre el efecto deseado.
De este modo, Peter Cornwell logra puntualmente buenos momentos en que la tensión (fruto de una aparición repentina o de su reflejo en espejos) se mantiene durante unos minutos, sacándonos de la desidia. Y eso, a día de hoy, ya es decir mucho.

Por todo ello, "Exorcismo en Connecticut" acaba medio satisfaciendo... o por lo menos no indigna tanto al no tener un clásico a sus espaldas que cargarse con un remake. Aunque de manera muy tenue, logra asustar e incluso puede que haga pensar a cerca del tema tratado, según el respeto que se le tengan a los ectoplasmas, invocaciones y espíritus. Además, sale Elias Koteas en plan Padre Carras.
Vamos, que aunque se trate de una película de videoclub, se lleva un aprobado raspado y todos contentos.
5/10

Reseñas breves TV: HBO Films, por John Blutarsky

2009-07-13T00:52:00.006+02:00

Esto de caer en gracia es cíclico. Todo va como va y el universo se expande y se contrae como una goma de pollo. Y HBO parece ser el epicentro televisivo de dicha tendencia. Tan pronto se la considera hogar de ficciones-delicatessen de la más alta consideración como es tachada de trastero de aburridas pajas mentales para repelentes que se las dan de eruditos.

Y ahora, vaya por dios, está en este segundo punto. No es lo que era, la burbuja se pincha, el riesgo no está en el cable. Paul Weston es un esnob relamido, Sookie Stackhouse una pueblerina glorificada y Ari Gold un esquizofrénico bien vestido. Y además Thomas Jane tampoco la tiene tan grande... Pues bien.
Vale que de un tiempo a esta parte la sagrada trinidad de Davids (Simon, Milch, Chase) ha desaparecido del mapa (bueno, parece ser que no tanto Simon, quien prepara golosísimos proyectos), y con ellos las puntas de lanza de la cadena, pero que queréis que os diga, a mí HBO sigue proporcionándome a menudo algunos de los momentos más agradables de "televisión" (ejem, alguien dijo Emule?) casi semanalmente.
Pero ojo, que he dicho "a menudo". Porque no todo en el monte... Y a veces incluso HBO... en fin, entremos en materia.

TAKING CHANCE habla de lo general desde lo particular relatando el viaje postmortem de los soldados caídos en Irak a través de la historia concreta de uno de ellos, Chance Phelps, para ser acogidos sus restos mortales por su familia. Y por el camino se nos retrata al escolta de Phelps, (Kevin Bacon estupendo pese a... ser Kevin Bacon), un hombre que es marine antes que hombre y buen samaritano antes que marine, que se compromete por honor, camaradería gremial y deber militar, pese a nunca haber conocido en vida al joven soldado.
No es raro por ello encontrar en "Taking Chance" una buena dosis de minutos dedicados a mostrar el frío protocolo militar, y la metódica pompa marcial, absurda en contraposición con la visceralidad de los sentimientos que pueden provocar la muerte de un ser conocido.
Esto se nos presenta en la forma de un retrato solemne y ceremonioso, relatado mediante una realización y montaje sobrios, pero a la vez poco virtuosos. De hecho, en algunos momentos tiende hacia el documental en su plasmación de los procedimientos que intervienen en todo el proceso de preparación del cadáver desde que es recuperado del campo hasta que llega a las familias.
Hasta aquí bien. El problema aparece cuando nos damos cuenta de que ni siquiera a través del cable se nos ha mostrado aún una visión realmente cáustica del conflicto en cuestión, y los relatos están aún contaminados de la ciega reverencia al soldado caído, quedándose siempre a medio camino en espíritu crítico (no, "Generation Kill", una de las mejores series de los últimos años tampoco arremetía directamente contra la institución).
"Taking Chance" es, en fin, una especie de road movie física y a la vez emocional de un tipo que necesita reencontrarse consigo mismo para conciliar dos facetas que hasta ese momento le son imposibles de coordinar, la militar y la familiar, para lo cual establece un vínculo afectivo invisible hacia el joven fallecido que le lleva a comprender mucho mejor los entresijos del amor conyugal.
Y pese a que maneja valores tan del gusto yanki como el heroísmo, la patria o el honor, "Taking Chance" resulta un producto bien hecho, que además se deja ver y que para postre acaba resultando bastante emotivo.

Por otro lado, GREY GARDENS es un prototípico melodrama basado en hechos reales, concretamente la historia de las dos Eddie Bouvier Beale, madre e hija (Jessica Lange y Drew Barrymore respectivamente), tía y prima de Jacqueline Kennedy Onassis y de cómo vivieron en un mundo ficticio de lujo y champán, siendo en realidad unas eternas secundarias en la película de la segunda mitad del siglo XX en EEUU. Las Bouvier se sumieron en un ostracismo que confundieron por clase social y se recluyeron al más puerco estilo Diógenes (mapaches comebasura incluidos) en su propio palacio de marfil, la viejuna finca Grey Gardens.
"Grey Gardens"-película funciona a su pesar a medio gas, sobre todo teniendo en cuenta que pretende armar un par de personajes femeninos del calibre de Norma Desmond o de Carole Lombard en "La comedia de la vida", de modo que salta un trampolín pretendiendo caer en la misma piscina que flota William Holden en "El crepúsculo de los Dioses" pero rebota en el bordillo y cae tristemente en una charca tipo "Tostón Familiar de Madre e Hija en el que Encima Una Está Enferma y Cantan Juntas y Todo Eso y Una de Ellas es Susan Sarandon".
Drew Barrymore interpreta pensando en el Emmy, o en el Globo, pero aunque mucho lo intente, no es Kate Winslet y ni mucho menos Bette Davis (no maja, no te vamos a llamar "La Barrymore"). Y Jessica Lange también hace lo que puede. Pone cara y nombre y parece creer que con eso ya vale. Por si acaso se emplasta en el rostro tres kilos de maquillaje sobrante del rodaje de "Monster" y una lentilla de ciega a ver si así. Pero ni con esas.
Y ojo, no es que Barrymore ni Lange (ni tampoco Daniel Baldwin, cada día más Alec-izado) lo hagan mal, es que personajes tan a priori intensos necesitan, por narices, un plus interpretativo que ninguno de ellos ofrece.

Está bien. No seamos tan destructivos y veamos algunos puntos interesantes, que también los tiene. Como buena "HBO Film" que se precie, la reconstrucción de la época es impecable, y el ambiente que propone es elegante y decadente a partes iguales. Yo personalmente me trago ese Nueva York de los años 30 y casi me parece saborear la mierda de la Grey Gardens de los 70.
Y los personajes resultan a pesar de sus tibias interpretaciones bastante atrayentes, sobre todo teniendo en cuenta que son -fueron- reales, y convence el juego de espejos que se propone a través de ellos: las Bouvier son protagonistas de un documental sobre su vida que realmente existe (rodado en 1975 y de nombre igualmente "Grey Gardens") y que se nos muestra a lo largo de la película mediante continuos saltos temporales (de los años 30 -juventud- a los 60 -decadencia- y de ahí a los 70 -rodaje del documental-) y que sirve como catalizador para el personaje de Barrymore, cuya espina clavada siempre fue no pasear por la alfombra roja.

Balance algo negativo, pues, hasta que sin saber muy bien cómo, y exactamente igual que pasa con "Taking Chance", nos damos cuenta de que la cosa se pone emotiva y al final llega a emocionarnos y de que sentimos cierta pena, o simpatía quizá, por tan patéticos personajes.
Estimados señores de la HBO, les tenía por gente más seria y sesuda, y desde luego no sabía que pudieran llegar a manipular nuestros sentimientos más vergonzosamente escondidos de manera tan facilona.

¿Lo bueno de todo esto?, que al final nos da igual que productos como "Taking Chance" y "Grey Gardens" no hayan satisfecho nuestras expectativas, que "True Blood" haya vuelto algo discreta, que "Hung" de momento no nos haya contado nada. Porque el HBOmundo nos trae esta semana dos noticiones de agarrarse y no menearse: va a caer adaptación de 10 episodios "Middlesex" y... ¡esta noche vuelve "Entourage"!
Adiós a nuestras penas.

Crítica de "Nueva York para Principiantes", por el Capitán Spaulding

2009-07-10T11:32:00.004+02:00

Prácticamente un año después de su estreno en el Reino Unido y los Estados Unidos, llega a nuestras carteleras "How to Lose Friends and Alienate People", "Nueva York para Principiantes" según la traducción española.

Protagonizada por Simon Pegg, Kirsten Dunst, Megan Fox y Jeff Bridges, esta comedia británica supone el debut en la gran pantalla de Robert B. Weide (director de varios episodios de "Curb Your Enthusiasm"), y adapta las memorias del periodista inglés Toby Young en su periplo por América de la mano de la revista "Vanity Fair", una de las más prestigiosas del mundo (y que es el equivalente a "Sharps" en la ficción).
Así, la película arranca en tierras británicas, donde vemos a un reportero del corazón (Pegg) en sus intentos por colarse entre la jet set y sacar alguna exclusiva. Su ímpetu no tarda en despertar el interés de Clayton (Bridgess), director de "Sharps" que no duda en ofrecerle un trabajo en Nueva York. Lamentablemente, ese sueño hecho realidad se convierte en una pesadilla, en especial cuando una actriz de éxito (Fox) entra en su vida...

Ciertamente, "Nueva York para Principiantes" no pasará a la historia por ser la revolución de la comedia -de hecho no pasará a la historia, a secas- pero aun así cuentas con los alicientes suficientes como para convertirse en una opción tan perfectamente válida como cualquier otra, a saber: comedia con líos amorosos de por medio, gags para todos los gustos y reparto lo suficientemente atractivo con reclamo estrella incluido. Por ello, un servidor no entiende por qué se ha tardado un año en estrenarla por aquí, y que además se haya elegido un periodo tan plagado de comedias, mermando enormemente las posibilidades comerciales de una película, la verdad, bastante digna.

Porque aun cargado de convencionalismos y con una resolución más bien previsible (¿y qué comedia no es así hoy en día?), el trabajo de Weide se convierte contra todo pronóstico en un agradable y ligero entretenimiento gracias a numerosos engranajes que cumplen a la perfección con sus obligaciones.
De entrada, su reparto perfectamente medido y equilibrado sirve para darle a la cinta un aroma distintivo propio del cine non-USA. Rehuyendo de falsos feos y forzados maquillajes, la elección de actores y caracterización de personajes se antoja sumamente estudiada y otorga un plus de credibilidad al conjunto. Así, la diferencia social (clasista) queda patente entre la desgarbada naturalidad y/o fragilidad de Pegg y Dunst -meros currantes de las bajas esferas muy cercanos al espectador normal y corriente-, la forzada artificiosidad de Gillian Anderson y Danny Huston, y los jugadores de primera división: Megan Fox, diva hollywoodiense de etérea presencia, epatante belleza y soberana estupidez, y Jeff Bridges, jefazo yuppie de (des)cuidado aspecto, antiguo rebelde reconvertido y añorante de tiempos mejores.
Todo ello no es sino la prueba de lo cuidados que están cada uno de ellos, tratados con la suficiente maña como para mostrar pinceladas de fuerte personalidad dentro de su encasillamiento. Algo a lo que ayudan cada una de sus respectivas interpretaciones. El reconvertido Simon Pegg (atrás quedan los tiempos de "Spaced" y "Zombies Party") saca petróleo de su personaje incluso en los gags más desafortunados, mientras que Kirsten Dunst se antoja como el contrapeso perfecto a sus extravagancias; de Jeff Bridges, como diría aquél, no hace falta decir nada más, y Megan Fox se mantiene en su línea de guapa-tonta, interpretando perfectamente su papel pero llevando al espectador a preguntarse si es que realmente la chica no da para más. ¿Saldremos de dudas con "Jennifer's Body"?

Reencauzando el discurso, la esquematización y previsibilidad general parecen hasta tener cierto sentido, ya que "Nueva York para Principiantes" desprende un fuerte aroma a cine clásico, aquél en el que las Actrices (así, en mayúscula) eran veneradas por sus directores, lo sensual estaba a la orden del día, la comedia no ofendía y se bailaba a ritmo de "La Dolce Vita". Algo a lo que se aferra con devoción el director, realizando secuencias totalmente intemporales (o anticuadas sin más) como pueden ser la presentación de Sophie Maes atravesando una piscina, o el baile en el apartamento visto desde la ventana.

Todo ello se acompaña por humor de diversa tonalidad pero por lo general fino y distinguido, lo cual siempre viene bien en estos tiempos que corren de pipicaca, en el que precisamente lo que más desentona son los gags más salidos de madre, afortunadamente muy limitados.

Así las cosas, "Nueva York para Principiantes" es una comedia totalmente intrascendente y olvidable que sin embargo funciona tanto por su buen gusto en general, como por su alma de parodia y retrato de la alta sociedad (y alto periodismo), en un estilo que en más de una ocasión recuerda a la serie (de obligada visión) "Entourage".
No apasionará a nadie, pero su agradable argumento y logradas ocurrencias tampoco molestarán y harán pasar un buen rato, sin demasiado azúcar ni pimienta. Eso sí, se echa en falta algo más de mala leche contra la prensa rosa aunque, obviamente, la presencia casi testimonial de Megan Fox compensa haciendo las delicias de todo joven (y no tan joven) libidinoso que se precie.

Último apunte destinado a los más freakys: atención a los cameos de algunos miembros de la serie "The IT Crowd"...
6/10

Crítica de "La Última Casa a la Izquierda" (2009), por el Capitán Spaulding

2009-07-08T10:29:00.003+02:00

Ya se sabe que con los remakes debe andarse con sumo cuidado, temiéndose lo peor y por tanto preparándose para ello.
Tal vez por eso, a la que se anuncia una nueva versión de cualquier película de terror uno ya baja automáticamente las expectativas y las ajusta al nivel de, por ejemplo, "The Eye (Visiones)" o "Presencias Extrañas": sólo con que lo que se vaya a ver esté un par de puntos por encima de ellas (lo cual no debiera ser tan difícil) ya se puede hablar de película cumplidora.
Y "La Última Casa a la Izquierda" lo está.

Ojo, no lancemos campanas al vuelo todavía. Esta revisión del brutal debut de Wes Craven no es el nuevo "Las Colinas Tienen Ojos", el tal Dennis Iliadis está a años luz de Alexandre Aja, y por lo general la película sufre de muchas de las penurias propias de su condición de remake comercial.
Para empezar, los antagonistas han dejado de ser el grupo de sucios y sudorosos jóvenes -capitaneados por David Hess- para convertirse en una familia de atractivos degenerados absolutamente caricaturesca y, por consiguiente, falta de toda credibilidad. Eso implica que si en la versión de 1972 (recordemos que "La Última Casa a la Izquierda" se estrenó antes que "La Matanza de Texas") el miedo provenía de la verosimilitud de esos jóvenes, normales y corrientes aunque tocados del ala por las influencias de la cultura generacional, en la del 2009 tales sensaciones desaparecen al conocer a estas personificaciones de la maldad en plan "Los Renegados del Diablo", una especie de superhéroes satánicos desde los primeros -y risibles- minutos.
Con sus bíceps dorados, perillas milimétricas, ojazos claros y tetas turgentes (y muy visibles), la familia parece cometer fechorías como si de un trabajo remunerado se tratara, y no abren ninguna posibilidad a ser vistos como algo más, a diferencia de Hess y compañía, quienes acojonaban porque hacían el mal porque sí, como divertimento.
Además, en esta ocasión los malhechores cometen un error de bulto que sirve para desvirtuar totalmente el sentido de la idea original y para endulzar el entramado, justificando -para los ojos del joven público a quien se dirige la cinta- los actos de la pareja de padres protagonista, que casi parece que busquen su protección en vez de venganza, pura y llana. Y aunque el trailer ya desenmascara la monumental cagada, hasta aquí puedo leer.

Así las cosas, ya tenemos gran parte de los ingredientes necesarios para adaptar una película de culto de hace un par de décadas a nuestros puritanos días: violencia desvirtuada, corrección moral y reclamos sexys en pantalla.
Súmese a la fiesta una dirección pulcra con fotografía preciosista, apartado de sonido efectista, actores medio conocidos (entre los que destacan Garret Dillahunt, Aaron Paul, Monica Potter y Tony Goldwyn) y la fórmula está lista para servir.

Ahora bien, en este charco de convencionalismo (y consiguiente decepción, al menos para el que conozca la versión original) "La Última Casa a la Izquierda" guarda un par de sorpresas que merece la pena resaltar.
Ante todo, destaca la labor de su desconocido director, que con una cámara temblorosa y haciendo uso de planos cuidadosamente 'desencuadrados' provoca cierta sensación de incomodidad en los momentos álgidos de la película, como si se tratara de los ojos de un espectador indeciso entre los deseos de observar y los remordimientos por no apartar la vista. Esta elección artística le va como anillo al dedo a la principal y prácticamente única virtud real del film: su apuesta por la crueldad explícita.
Aceptada la total desaparición de la violencia conceptual que contenía la versión original, "La Última Casa a la Izquierda" nueva opta por una violencia visual rara vez vista en esta clase de producciones, con un par de momentos exageradamente suculentos y más bien durillos para los ojos de cualquier mortal.
Sin ánimo de desvelar más de lo necesario, usaré como botones de muestra la secuencia del acoso a las dos niñas y el primer ataque de los padres de una de ellas, que incluye uno de esos fregaderos con aspas para destrozar basura...

Si bien a este respecto cabría reprocharle cierta descompensación que desemboca en cierta precipitación hacia el final, lo cierto es que se agradece algo de ensañamiento explícito en pantalla, cuanto más gratuito mejor, algo de lo que parecen no dudar sus creadores. De hecho, ese término puede aplicarse a prácticamente todo lo que ocurre en pantalla, desde el nado en ropa interior a los destetes de la fémina del grupo de malosos, uno más injustificado que el otro.

Así las cosas, sin ser una gran película, ofrecer nada nuevo ni respetar a la película original, "La Última Casa a la Izquierda" se convierte en un producto apreciable por su falta de sentido (si uno se para a pensar en ella es de lo más risible) y su excesiva y más que bienvenida violencia en pantalla. Esto último es lo que genera los mejores momentos de todo el metraje, incluyendo su soberbio epílogo, una broma que muy pocos sabrán apreciar y que sin embargo es el único punto en el que puede encontrarse alguna relación conceptual con la original. Y al que no le guste, que no mire.
6/10

Crítica de "Paintball", por el Capitán Spaulding

2009-07-07T13:01:00.004+02:00

De entrada, a todos aquellos que alguna vez hemos tenido sueños húmedos vinculados a la creación de películas "Paintball" debería caernos en gracia: director y guionista noveles logran llamar la atención de un gran estudio como es Filmax, se hacen con un reparto prácticamente desconocido y se van a rodar al Parc de Collserola (Barcelona) una película en inglés sobre el deporte que da nombre al título y que mezcla terror, guerra, acción y más palabras malsonantes que Quentin Tarantino en estado de gracia.
Por si fuera poco, recibe una promoción notable tanto a nivel nacional como internacional (pasando por el festival de Tribeca), y su director goza de plena libertad para darle la forma que más le plazca. Propuestas así merecen el apoyo de todo aficionado... pero ay, madre, qué difícil nos lo ponen a veces.

Ciertamente, la idea principal de "Paintball", que centra el interés de la primera mitad de la película, no deja de resultar apetecible pese a no albergar demasiada sorpresa debido a su desgaste. Que en un ¿inocente? juego donde se simula una guerra aparezcan armas de verdad tiene suficiente potencial para gustar, y si a ello se le añade una peligro invisible, siempre presente pero nunca expuesto, ya hay motivos más que de sobra para que el espectador se interese por el típico grupo multiétnico y quiera saber cómo se las apaña para sobrevivir (o morir de la manera más dolorosa posible, allá cada uno).
A todas estas, su joven director, Daniel Benmayor, parece haber sido un estudiante destacado en esto de hacer cine, y lo demuestra aplicando esa norma tácita que dice que la mejor manera de hacer partícipe al espectador -en una película de estas características- es mediante el uso de cámara en mano, rodando en plan documental y alargando secuencias.
El resultado de todo ello son unos primeros minutos sumamente halagüeños donde, a caballo entre "Salvar al Soldado Ryan" y "Battle Royale", "Paintball" parece que dará lo prometido: un producto de sofisticada serie B, de mucha acción y toques de terror, con la curiosidad por saber qué estará pasando aunque sin que haya que preocuparse demasiado por prestarle atención.
Lamentablemente, tales vibraciones no tardan en caer en saco roto.

Ignoro si la virtud de ese primer tramo reside en que nadie parece tomarse excesivamente en serio a sí mismo, con personajes dibujados a trazos gruesos, hilarantes diálogos (del estilo de "Fuck you, fucker... fuck!"), dirección entre el homejane-plagio y la burla y constantes referencias entre las que se encuentran, además de las recientemente citadas, "Dog Soldiers", "The Descent", "Aliens", "Depredador", "Starship Troopers" y un largo etcétera. Lo cierto es que la suma de estos ingredientes hace que el espectador no sepa si se encuentra ante un producto serio o una gran broma la mar de cachonda, y mientras se sigue por estos derroteros es cuando mejor funciona la película.

El problema es que ni Benmayor ni Mario Schoendorff (el guionista) son capaces de mantener oculto al enemigo y no tardan en mostrarlo, de manera gradual pero no por ello menos precipitada, hundiéndose más y más en la miseria a medida que se van desvelando todos los secretos que lo rodean.
Como suele suceder en muchos de los videojuegos shoot 'em up actuales, a un punto de partida plausible se corresponde un devenir absolutamente demencial y aquí (ojo, que viene un posible SPOILER) la cosa se transforma en una especie de mix barato entre "Martyrs" y "Hostel" absolutamente desalentador (Fin del SPOILER).

Así las cosas, el interés no tarda en desaparecer por completo y de un estado anímico relativamente activo se pasa a la total apatía, a la espera de ver cómo morirá el siguiente protagonista y cuánto sufrirá.
¿Y es que no es a eso a lo que hay que atenerse cuando una película falla en todo lo demás?
Si se le pregunta a Benmayor, seguramente diga que no: sin necesidad alguna por mucha justificación (gratuita y ridícula, por supuesto) que se le dé al final de la cinta, todo conato de violencia visual explícita queda censurado al pasarse a través de una visión térmica que lo convierte todo en diferentes tonalidades de gris. Así, poco importa la originalidad con que van teniendo lugar los asesinatos, la sensación de coitus interruptus permanece inamovible y acaba por echar por tierra toda esperanza restante.

Tan sólo en sus últimos minutos, cuando todo el pescado está vendido y lo único que queda por saber es si acabará bien o mal para nuestros héroes (los que quedan, al menos), el espectador puede encontrar un punto de empatía con "Paintball", máxime gracias a las varias interpretaciones que pueden surgir de la última, ultimísima escena.
Lamentablemente, mucho me temo que lo único que despertará dicha conclusión será una gran risotada o resoplido, pues de aquellos primeros compases tan prometedores, con aquel magnífico ataque inicial, tan sólo quedan las palabrotas. Y es que, a buen seguro, "Paintball" hará historia por convertirse en una de las películas con mayor empleo del término fuck por segundo. Para todo lo demás, mejor será que vayamos nosotros mismos a montaros nuestras películas en los campos de paintball más cercanos...
3,5/10

Crítica de "Star Trek: La Película", por el Capitán Spaulding

2009-07-06T11:42:00.007+02:00

En 1979, una de las series más históricas de la televisión hacía su debut en la gran pantalla de la mano de Robert Wise y con su reparto original. Daba comienzo así la relación entre el universo "Star Trek" y el cine, el gran salto cualitativo que ensalzaba a la serie a la categoría de mito absoluto y que durante años ha seguido poblando pantallas y estanterías, hasta llegar a su reciente reboot conceptual (en la que supone la entrega número 11 de la saga). Y vaya casualidad, a cargo del creador de la serie más trascendental e histórica del momento.
Que el visionado de la película de Wise haga aún mejor al "Star Trek" de J.J. Abrams queda patente en las numerosas referencias que éste le dedica tanto a nivel argumental como, y sobre todo, visual, ya sea manteniéndolas o dándoles la vuelta para renovarlas o darles otra variante argumental. Del mismo modo, la primera gana enteros una vez visto su pseudoremake, sobresaliendo en sus momentos y situaciones más inolvidables bien sea por su encanto naíf o por la mera potencial visual de sus secuencias, y demostrando que su entramado principal aún puede resultar muy válido a día de hoy (salvando las distancias obvias que suponen sus 30 años de distancia). Sea como sea, el caso es que se aconseja el visionado de ambas películas en un periodo de tiempo que las mantenga lo suficientemente frescas.

"Star Trek: La Película" (A.K.A. "Star Trek: La Conquista del Espacio") arranca inmediatamente después de lo que, supongo, fue el final de una etapa televisiva. Debido a la aparición de una amenaza espacial (un ente de energía que de buenas a primeras acaba con tres naves Klingon), Kirk, Spock, McCoy y compañía se reúnen una vez más en su remodelada Enterprise para combatirla y salvaguardar a la humanidad.
Al compás de la partitura original (en una banda sonora que le valió una nominación a los Oscar(1)) se hilvana una aventura tan trepidante como atípica donde se alternan momentos de enormes proporciones de tensión magníficamente llevada con otros más pausados y livianos centrados en la exploración, tanto de la amenaza como de los personajes.
Muchos de los detractores de lo trekkie (entre los que confieso haberme incluido hasta ahora) se justifican afirmando que se trata de un producto de espíritu excesivamente pedante y contemplativo (léase diferente a lo acostumbrado), y ciertamente la película que nos ocupa mantiene esa seña de personalidad religiosamente.
A lo largo de sus más de dos horas, el recién mencionado mixto de tempos hace de "Star Trek: The Motion Picture" un conjunto difícil y muy alejado de su inmediata rival, la saga estelar (posteriormente mancillada) de George Lucas. Y es que si bien su argumento puede resultar realmente simple a todas luces, Wise huye de efectismos y eclosiones de acción pura y dura, reniega de grandes batallas y explosiones, y en su lugar opta por un ritmo sosegado pero inquietante en que sin ir más lejos, la amenaza enemiga no es sino una versión aligerada de la estrella Solaris.
Ahora bien, ello no quita que la espectacularidad brille por su ausencia, más bien adopta otra vestimenta ya sea desde la brillantez de alguno de sus momentos (la quebradura de un Spock sobrepasado por los acontecimientos, el clímax) o por la simple belleza onírica de sus secuencias, con especial hincapié en la larguísima presentación de la Enterprise, una carta de amor al más puro estilo Kubrick que el nuevo "Star Trek" no duda en reconocer y homenajear.

Huelga decir, sin embargo, que el verdadero peso de todo el conjunto recae sobre el grupo protagónico, lo suficientemente complejo y personal como para aguantar dicha carga y suponer lo mejor de una película que no es más que, en el fondo, una fiesta de reencuentros cargada de guiños y homenajes.
Cada uno de sus personajes resulta inolvidable a su manera, y lo que más tarda en desaparecer de la memoria del espectador acaban siendo sus numerosos encuentros, todo un derroche de vitalidad, inmortalidad, personalidad y buen rollo.

Lejos de ser, obviamente, la obra maestra definitiva de la ciencia-ficción, "Star Trek: La Película" supone un divertimento en clave trekkie que seguramente habrá hecho las delicias de todo aficionado. Sin embargo, su mejor baza reside en que para aquellos que quieran introducirse poco a poco en su peculiar universo -a raíz de las grandes sensaciones de la película de J.J. Abrams- pueden empezar tranquilamente por ella (aun a sabiendas de que se deriva de la conclusión de la serie), al ser una reivindicable muestra del potencial de Spock y los demás tienen. Muy entretenida, encantadora y distinta a lo acostumbrado.
7/10

(1) En total fueron tres nominaciones: Dirección Artística, Efectos Especiales y Banda Sonora

SITGES '09: Adelanto de la programación

2009-07-02T15:43:00.005+02:00

Del 2 al 12 de octubre tendrá lugar la 42ª edición del festival de Sitges, que este año se llamará Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, y esta misma mañana ha tenido lugar la rueda de prensa en que su director, Ángel Sala, ha dado un pequeño adelanto de lo que proyectarán las salas del Retiro, Prado y Auditori.

Como el propio cartel del festival avanza, la cinta homenajeada este año será Alien con motivo de su treinta aniversario, y por ello se proyectará la versión original estrenada en cines en 1979 -la favorita de Ridley Scott, según parece- y se contará con la presencia de algún miembro del equipo técnico y/o artístico para presentaciones y post-screenings varios.
Con Alien como excusa, el festival proyectará una serie de flashes del los 80, con cintas como la edición extendida de El Resplandor, Pesadilla en Elm Street, y otras que de momento no han sido confirmadas ya que, según el propio Sala, se sumarán a la cartelera en función de la posibilidad de contar con la presencia de alguno de sus participantes. Por poner un ejemplo, si el año pasado ya se anunciaba la proyección de "Los Cazafantasmas", a día de hoy la cinta de Ivan Reitman aún está a la espera de poder contar con director, actores, productores o guionistas.

Pero la noticia la protagoniza la película de inauguración del festival, y es que una vez más Sitges volverá a teñirse de rojo de la mano de Paco Plaza y Jaume Balagueró, que estrenarán en primicia la esperadísima [Rec]2.

Será el pistoletazo de salida a un festival que promete superar al de la edición anterior tanto a nivel de contenido como de organización. Ángel Sala confía en que no se repitan los incidentes que se dieron a las puertas de las salas debido a las inesperadas medidas de seguridad de las compañías distribuidoras (no olvidemos que obligaron a cancelar el pase matinal de "Repo! The Genetic Opera") por lo que los espectadores serán avisados con tiempo sobre posibles cacheos de última hora, y la organización comenzará con dichas medidas con algo más de antelación.

Sobre el resto de secciones y películas que se incluirán en ellos de momento no se sabe demasiado, aunque ya hay varias películas destacables, que a continuación pasamos a desglosar.
Secció Oficial Fantàstic:
Thrist: Película sobre vampiros que ha causado gran revuelo en Cannes, de la mano del siempre controvertido Park Chan-wook;
Grace: La mejor muestra de cine de terror independiente americano que pudo verse en Sundance;
Yatterman: La adaptación a cargo de Takashi Miike del cómic homónimo;
Crows II: Secuela de "Crows Zero", también de Miike, y que estará fuera de competición;
Kinatay: Brillante Mendoza fue premiado con el galardón a mejor director en Cannes gracias a esta película de terror hiperrealista de la que el propio Sala ha dicho que "Martyrs" ha su lado parecerá un juego de niños;
Kynodontas: Cinta griega, que se llevó el Un Certain Regard en Cannes, de un Giorgios Lanthimos a quien comparan con Haneke y Von Trier. Según parece, sus últimos 20 minutos se anojan insoportables hasta para el más curtido;
Musashi: Animé japonés a cargo de Mizuho Nishikubo;
Surrogates: Jonathan Mostow dirige, Bruce Willis actúa, y unos robots quieren dominar el mundo;
Moon: La esperada ópera prima del hijo de David Bowie con Sam Rockwell en el rol principal. Quienes la han visto dicen que es de lo mejor del año, y no sólo en el género de la ciencia-ficción;
Orphan: Producción USA que dirige Jaume Collet-Serra ("La Casa de la Cera");
Ingrid: Eduard Contés presenta una película candidata a convertirse en el culto europeo del año;
The Countess: Julie Deply dirige, escribe y protagoniza (junto a William Hurt y Daniel Brühl) esta historia sobre la Condesa Sangrienta (a.k.a. la Condesa Drácula);
Ne te Retourne Pas: Lo nuevo de Monica Bellucci y Sophie Marceau, sobre fotografías que alteran la realidad, o viceversa;
Metropia: Segunda cinta de animación fuera de la sección Anima't, de ciencia-ficción y en blanco y negro.

Anima't:
Lascars: El único título confirmado hasta el momento es la película más taquillera del año en Francia.

Noves Visions:
Van Diemen's Land: Película a cargo de Jonathan Auf Der Heide, sobre el convicto más importante de la historia de Australia;
The Forbidden Door: Cine de género de origen indonesio del que hablan maravillas;
Bronson: Docudrama británico sobre un asesino lo suficientemente conocido por todos.

Orient Express:
Goemon: Kazuaki Kiriya dirige una historia de acción con tintes épicos;
Ip Man: Cinta de artes marciales de corte clásico dirigida por Wilson Yip y protagonizada por el experto Donnie Yen.

Seven Chances:
Youth Without Youth: El festival recupera el trabajo de Francis Ford Coppola que jamás llegamos a ver por aquí, de argumento parecido a la epopeya de Benjamin Button;
La Maison Nucingen: Roul Ruiz vuelve a Sitges en plena forma.

Midnight X-Treme:
Best Worst Movie: "Troll 2" fue la peor película de la historia según dicen, y esta película se basa en su carrera comercial;
Dead Snow: Zombies nazis noruegos: ¿quién da más?...
Lesbian Vampire Killers: ...pues he aquí la respuesta;
Black Dynamite: Blaxploitation actual;
Smash Cut: El retorno de Herschell Gordon Lewis, a quien le debemos prácticamente el nacimiento del gore.

Además de todo ello, Sitges quiere rendir un especial homenaje a "los otros fantásticos", directores españoles que aunque no se hayan especializado en el género, han llegado tocarlo mediante películas realmente notables. Así, durante el festival podrá verse una decena de cintas como La Casa sin Fronteras (Pedro Olea), El Perro (Antonio Isasi-Isasmendi), Las Crueles (Vicente Aranda) o El Espíritu de la Colmena (Víctor Erice), y se intentará contar con alguno de los miembros de su reparto técnico/artístico.

Tampoco puede pasarse por alto la presencia del 3D: entre las películas que podrán verse en este novedoso sistema, de momento ya se han confirmado The Final Destination (cuarta entrega de la saga) y Toy Story 3D, que será la edición renovada de la primera obra maestra de Pixar.

Por último, Clive Barker será el protagonista de una noche loca en la que serendirá el homenaje que se merece el creador de "Hellraiser", y se proyectarán tanto Dread como Book of Blood.

Como siempre, entre película y película se llevarán a cabo diversas actividades paralelas, con mención especial para un debate sobre la relación Cine-Videojuego, además de la ya clásica presencia del Brigadoon, que este año se centrará en las secuelas no oficiales de cintas de éxito y en el cine de Bollywood, y además le entregará el Premio Nosferatu a Jack Taylor por toda su carrera.
Y en este apartado cabe incluir la segunda edición del Zombie Walk, que debido al éxito de la anterior, se repetirá con motivo del 30 aniversario del estreno en Sitges de "Nueva York Bajo el Terror de los Zombies".

De momento, eso es todo...

Crítica de "Pagafantas", por el Capitán Spaulding

2009-07-01T17:11:00.005+02:00

Increíble pero cierto, por fin se estrena una comedia-comercial-joven-española (¡uf!) que no insulta al espectador ni ofende su inteligencia.
Con los premios de público y crítica del pasado festival de Málaga bajo el brazo, "Pagafantas" es la carta de presentación del televisivo ("Vaya Semanita", "Territorio Champiñón") director Borja Cobeaga, para la que cuenta con Gorka Otxoa y Sabrina Garciarena, también salidos de la pequeña pantalla, en los papeles protagónicos. El argumento es tan simple como tristemente realista: un tipo más bien feote se enamora perdidamente de una chica que, sin embargo, sólo le ve como su mejor amigo. Y para más información sobre el pagafantismo búsquese por Youtube, que es donde se originó este término.

Vaya por delante que una cosa no quita la otra y que resulta algo exagerado tanto premio y alabanza, siendo como es una comedia más bien simplona y tirando a previsible.
Pero si por algo sobresale "Pagafantas" es justamente por ser perfectamente consciente de sus límites en todo momento, y no pretende abarcar nada ni a nadie más allá de ellos. Lo que se consigue así es un cinta siempre compacta y regular compuesta por un humor sano y elegante, evitando fugas cerebrales o denigrantes gags testiculares, y (¡sorpresa!) sin enseñar un sólo desnudo pese a contar con la actriz televisiva joven y deseada de turno.
En otras palabras, Cobeaga y compañía saben que buena parte de su público irá al cine buscando 'algo más', y no por nada su marketing se ha centrado en los premios obtenidos y en la presencia de Julián López y Ernesto Sevilla -además de Otxoa-, secundarios de lujo que ejemplifican la categoría a la que pertenece "Pagafantas".

Y es que de hecho, su humor se acerca, salvando mucho las distancias, al propuesto por "Vaya Semanita" (y sucedáneos) o "Muchachada Nui" (y predecesores): siempre y ante todo con el buen gusto por delante, se trata de una comicidad simple y directa, basada en diálogos surgidos de la cotidianidad más natural -e interpretados de igual manera- pero con algo a caballo entre lo granguiñolesco, lo castizo y lo penoso de sus personajes.
Con gran acierto (algo sorprendente habida cuenta del desastroso reméic de "SNL") Gorca Otxoa hace de su pagafantas un personaje muy natural e improvisado, recreando de manera sumamente verídica y desdichada el triste día a día de su vida bajo la sombra de su gran e imposible amor.
A su lado, el resto de actores también campa a sus anchas con sus respectivos roles, con mención especial para la madre del protagonista (Kiti Manver, "Los Abrazos Rotos"), el leslienielsenizado tío Jaime (Óscar Ladoire, "Carreteras Secundarias") y Rubén (el muchacho Julián López), y siendo justamente la partenaire femenina la que queda un punto más en evidencia.

En cuanto a la relativa previsibilidad a la que aludíamos al principio del comentario, debe reconocerse que si bien toda la película sigue un patrón de corte muy clásico e inofensivo, en alguna que otra ocasión el guión toma un giro algo inesperado volteando la situación, refrescándola, y haciendo que el interés se mantenga prácticamente intacto a lo largo de sus (y ahí va otro punto positivo) 80 minutos de nada.
Sin embargo, no menos cierto es que tan manido esquema puede suponer una losa para parte del público, y de hecho es justamente su falta de riesgo el principal motivo de queja para todo el que quiera ensañarse con esta ópera prima.

Así las cosas, "Pagafantas" podrá gustar y divertir más o menos, pero no se le puede negar algo que parecía olvidado en todo lo español y comercial, y es que por primera vez puede disfrutarse de una comedia dirigida a un público mayoritario sin pasar por lo soez y lo barriobajero. Es más, incluso podría definirse de (ejem) un humor inteligente, pues queriendo pueden sacarse algunas lecturas secundarias que ahora no tienen cabida.
Vamos, que sin ser ninguna maravilla, "Pagafantas" es tan válida como cualquier otra comedia americana e incluso mejor que muchas de ellas (de las española(da)s taquilleras recientes mejor no hablo) y de hecho, ésta sí puede verse de principio a fin sin abandonar la sala a los 10 minutos o pasar la película a doble velocidad. Se puede ver aunque sea entonando el mea culpa.
6/10 (Y a mí que no me jodan: casi todos los presentes en la sala se han reído)

Crítica de "Mister Lonely", por el Capitán Spaulding

2009-06-30T11:51:00.005+02:00

Harmony Korine saltó a la fama con tan sólo 19 años gracias a su guión de la controvertida "Kids", que a su vez sirvió para que entablara una muy buena amistad con Chloë Sevigny y para que el director Larry Clark se diera a conocer.

Veinte años más tarde, Korine presenta "Mister Lonely", película sobre un grupo de imitadores de famosos que se reúnen en una masía escocesa para dar rienda suelta a su arte, entre los que destacan Charlie Chaplin, Sammy Davis Jr., Marilyn Monroe, Madonna y Michael Jackson. Tras haber pasado por diversos festivales, la película sólo ha podido verse de en un par de países (Reino Unido, Francia, Japón y México), aunque su distribución comercial a mayor escala puede verse favorecida tras los trágicos acontecimientos recientes.
Sea como sea, lo cierto es que su suerte hasta ahora no es difícil de comprender habida cuenta no sólo de la irregularidad de la película, sino -y sobre todo- de su estrafalaria linea argumental, tan original y demencial como imposible de hacer llegar al público mayoritario, adorador de marcianos que se transforman en coches(1).

Que la película no sea redonda se debe a diversos factores, siendo el primero de ellos el mal endémico que más o menos persigue a toda propuesta extraña que se precie. Tras un punto de partida asombroso, Korine (al igual que Kaufman o Jonze) no es capaz de mantener tan altas cotas de sorpresa, repitiéndose en más de una ocasión y dando la sensación de perder de vista el horizonte. Es lo que sucede cuando lo inesperado de la novedad desaparece.
Tampoco ayuda la neta fragmentación argumental, que introduce además de la principal, una historia protagonizada por un grupo de monjas de ayuda humanitaria que, y ojo que puede considerarse como SPOILER, se tiran de aviones sin paracaídas sobreviviendo al posterior impacto Fin del SPOILER. Más allá de la originalidad de esta alternativa, lo cierto es que jamás parece claro si habrá conexión entre los dos entramados, ni el peso que se le quiere otorgar a la segunda línea argumental (que por cierto, protagoniza Werner Herzog) por lo que nunca acaba de cuajar y sus minutos se convierten en verdaderos entorpecedores del desarrollo, en especial si tenemos en cuenta que el mensaje final es idéntico en ambos casos.

Pero el que quizás sea el peor de sus males se encuentra personalizado en la figura del propio director. Como le sucediera a Jonathan Demme en su "Rachel at the Wedding", Harmony Korine parece empeñado en demostrar que su película es indie, de autor y gafapastosa, y por consiguiente opta por una dirección sobrecargada y excesiva, de corte dogmático y secuencias realmente incómodas para el espectador. El ejemplo más esclarecedor es la caída de una monja desde su avioneta, rodada sin depurar el sonido y por tanto con el constante y atronador zumbido del viento eclosionando en los oídos del inocente espectador. Un ejercicio gratuito y molesto que obliga a quitar, literalmente, el sonido del televisor.

Con todo, la película brilla con luz propia en varios otros aspectos. Primero porque, sin duda, cuenta con la complicidad del público, conocedor en mayor o menor medida de los míticos artistas a los que los que sus pobres imitadores intentan homenajear.
Ello hace que casi de manera involuntaria todos ellos caigan en gracia, incluyendo un Chaplin dictador y ofensivo interpretado brillantemente por Denis Lavant (visto en el segmento "Merde" de "Tokyo!"). La pobreza interior de los protagonistas, la historia que les rodea, esa particular parada de los monstruos en que el grupo se reúne como si de un nuevo Decamerón se tratara, todo ello conlleva al beneplácito que supone toda película con personajes desdichados, por lo que "Mister Lonely" acaba convirtiéndose en una cinta entrañable llena de ternura, sonrisas y lágrimas, por mucho que en ocasiones no dé la talla en este sentido.
Y no la da por el relativo desinterés hacia dichas percepciones, en favor de la búsqueda (si es acertada o no ya depende de cuánto se entre en el juego) de una vertiente lúgubre y opresiva, una sensación de inseguridad y negrura por la que han pasado todos los desequilibrados mentales/sentimentales que pueblan la cinta, convirtiendo así al espectador en uno más de la peculiar banda de actores.

Tal fusión de sentimientos (alegría y dolor, confianza y soledad, livianidad y pesadumbre) queda patente en el gran empaque visual de la cinta, que alterna brillantes y coloristas momentos con otros más oscuros y grises, todo ello presentado con una calidad de fotografía, decorado y vestuario sobresalientes.

Queda por hablar de los actores, cuyos mayores protagonistas son Diego Luna como Michael Jackson y Samantha Morton como Marilyn. Pese a la dificultad de los primeros compases en los que no queda claro si se trata de una actuación excelsa o una burda parodia, al final acaba primando lo primero, pues tanto ellos como el resto de intérpretes (atención al Buckwheat de Michael-Joel del joven Stuart) son capaces de dotar a sus respectivos alter ego de las justas pinceladas de parodia y esfuerzo, alegría y dolor, sentimiento y desnudez -de ánima-. En definitiva, todos ellos acaban resultando humanos y creíbles pese a su excentricidad.

En resumidas cuentas, "Mister Lonely" es una propuesta diferente, y por tanto bienvenida. Brillantemente original y arriesgada, lamentablemente cuenta con más de un tachón que la impiden coronarse como el nuevo fenómeno indie, y de hecho raro será verla en alguna sala de por aquí.
Aun así, se trata de una fábula de mensaje claro pero no banal, con actores realmente acertados y una puesta en escena embriagadora. Respetuosa con sus pseudo-estrellas, vale la pena darle una oportunidad, aunque sólo sea para desatascar las neuronas emponzoñadas en tanto artificio reciente. Eso sí, de las canciones de Jacko (o Madonna, pero a quién queremos engañar) ni una nota.
6,5/10

(1) sí, sigo cabreado con Bay y su última gilipollez, y un poco más y escupo a todo el que la defienda, ¿qué pasa?

Crítica de "Ice Age 3: El Origen de los Dinosaurios", por el Capitán Spaulding

2009-06-29T17:17:00.005+02:00

"El Origen de los Dinosaurios" es la traducción española que recibe "Dawn of the Dinosaurs", curioso teniendo en cuenta que los mamutes y demás llegaron después y que su versión inglesa es un juego de palabras de múltiples combinaciones entre los que se incluye el hecho de que los dinosaurios se encuentren 'debajo' de la superficie.
Sea como fuere, el caso es que la saga "Ice Ige" pega el estirón con su tercera entrega, que para muchos es la mejor de ellas al ganar en espectacularidad, dinamismo y madurez argumental, y por dirigirse de manera algo más directa al público no inferior a los siete años.

Efectivamente, esta es la primera vez que recuerda con algo más de detalle el entramado de la cinta -así como alguno de sus mensajes subyacentes-, que versa sobre el secuestro de Sid por parte de un dinosaurio y la consiguiente búsqueda de sus compañeros, Manny, Diego y compañía. Esto les llevará a un mundo subterráneo, un valle encantado en el que aún sobreviven dinosaurios de todo tipo en un clima cálido, paraíso natural con más de una amenaza.
De aquí ya pueden extraerse los primeros síntomas de cambio direccional, a saber, la excusa que provoca la desaparición del perezoso -envidioso por la inminente maternidad de Ellie, roba tres huevos de dinosaurio- o la preferencia por la acción clásica y sana desde el principio, abandonando (relativamente) el tono edulcorado anterior.

Y es que esa falta de azúcar sumada a velados discursos -casi subconscientes- sobre la locura de la soledad, la envidia o la reestructuración del núcleo familiar acompañan al espectador durante todo el metraje, despertando su interés o por lo menos evitando que se desentienda por completo de ella y se limite a esperar el próximo gag del mamut, las zarigüeyas, el perezoso o la ardillita.
Jugada inteligente: es justamente esta última, el personaje que mejor cae al público, la que recoge las concesiones más abiertamente almibaradas mediante la introducción de una hembra no menos hambrienta de bellota que desatará su locura.
Como contrapunto, el otro invitado estrella de la función. Una tercera ¿zarigüeya? aventurera y completamente tocada del ala (en serio, habla con piedras) se convierte en el amo y señor de la función, gracias a una revitalizante personalidad y un humor más bien socarrón -con algo de delirante- que es el contrapunto perfecto a la troupe protagonista, siguiendo la estela del Gato con Botas de Banderas (no sería de extrañar que el señorito Spielberg se lo tomara mal).

Por supuesto, todo ello presentado con las últimas tecnologías -a nivel técnico también queda sobradamente patente el salto evolutivo- y en riguroso y espectacular 3D, lo cual no hace sino remarcar su distinción en relación a las dos anteriores y confundibles entregas.

Con todo, un servidor no se atreve a decir si realmente se trata de la mejor parte de la (de momento) trilogía. Y es que por más que se aprecie un mayor dinamismo, frescura argumental y voluntad por mejorarse a sí mismos para llegar a los niveles de DreamWorks (Pixar sigue jugando en otra liga), la fórmula comienza a dar síntomas de cansancio, y a la que el guión enlaza dos o tres gags seguidos sin demasiada fortuna, el ritmo se cala momentáneamente.
Afortunadamente, el equipo creativo parece muy consciente de ello, y por ello dota a "Ice Age 3: El Origen de los Dinosaurios" de ciertas pinceladas adultas (alusiones a otras películas, "Parque Jurásico" a la cabeza, sin llegar al empacho de "Shrek"), burras y hasta grotescas (el ordeño de... un toro), más que bienvenidas e incluso necesarias para que los 94 minutos de la película puedan disfrutarse tranquilamente sin avergonzarse por ello. Y créanme, se consigue.

Este nuevo "Ice Age" es un producto espectacular y divertido, disfrutable tanto por adultos como niños, y muy superior a las últimas lindezas de animación aparecidas recientemente (salvo las excepciones que todos sabemos). Si realmente consiguen acabar de revitalizar la saga, bienvenidas sean las futuras entregas que seguro que aparecerán, salvo cataclismo taquillero.
6,5/10

Fallece Michael Jackson

2009-06-26T00:41:00.004+02:00

Según informan diversas fuentes, el Rey del Pop ha fallecido a eso de las 21:30 (hora española) tras sufrir una parada respiratoria en su residencia de Los Ángeles.
Michael Jackson nos abandona a la edad de 50 años, cuando tras un sinfín de problemas y escándalos parecía relanzar su carrera con una serie de conciertos en Londres. Lamentablemente a partir de ahora lo más seguro es que se destapen mil y un trapos sucios del artista, pero espero que no se olvide que Jackson ha sido uno de los cantantes más influyentes de la historia de la música con canción inmortales que siguen marcando a generaciones de aficionados, y como tal debería ser recordado.
Para más información, podéis hacer click AQUÍ.

D.E.P.

2x1: Críticas de "Transformers 2: La Venganza de los Caídos"

2009-06-25T10:55:00.005+02:00

Como sé que da mucho palo bajar con la bolita del mouse, aquí tenéis los links para leer nuestras opiniones sobre la última superproducción hollywoodiense a cargo de (¿o más bien se la carga?) Michael Bay:

Click AQUÍ para leer la crítica de John Blutarsky
Click AQUÍ para leer la crítica del Capitán Spaulding

Además, os dejamos con un trailer de la misma:

Para que luego digáis que no se os mima por aquí...

Crítica de "Transformers 2: La Venganza de los Caídos", por el Capitán Spaulding

2009-06-25T09:01:00.005+02:00

Con todo el pescado vendido en cuanto a blockbusters se refiere, aún quedaba por ver el más esperado (o casi). La más grande, la más bestia, la película más awesome del verano: "Transformers 2: La Venganza de los Caídos".
El controvertido Michael Bay venía con fuerza, prometiendo en esta secuela mucho más, 'mucho más todo' que diría Pepe.
El problema es que esa afirmación jamás debió verse como un motivo para la esperanza.

La secuela de la exitosa "Transformers" aumenta el número de minutos, pivones (Megan Fox y una tal Isabel Lucas), robots en pantalla, decibelios y efectos... pero también potencia su estupidez hasta convertirse en un bochornoso espectáculo de vergüenza ajena. Una dura hostia en la cara para los que, ilusos, aún defendíamos al director de "La Roca".

La cosa no empieza del todo mal. Tras una (ridícula) introducción en la que se justifica el argumento de la película -mezcla de "10.000" con "El Planeta de los Simios" y "Stargate"-, se nos enfrasca de lleno en el primer Autobots versus Decepticon, una espectacular y sobre todo esperanzadora secuencia que parece clamar: tranquilos, os vamos a dar copones entre robots hasta decir basta. ¡Ah! ojalá fuese cierto.
Lamentablemente, tras ello se destapa una película completamente diferente, una eterna comedia juvenil cargada de gags completamente subnormales, digna de un simio impotente. Chistes sobre los escrotos de uno y de otro, personajes sacados de "High School Musical", robots enervantemente parlanchines que parecen haberse tragado a Jar Jar Binks junto con Marlon Wayans, y el personaje de la madre de LaBeouf a quien directamente deberían ajusticiar.
Todo ello hace que un espectador con algo en el cráneo (y a tenor por lo vivido en la sala, no son muchos) sufra de lo lindo, en plan sudores fríos y todo, queriendo marcharse de la sala pero conteniéndose al pensar que antes o después aparecerá Optimus Prime y le zurrará a alguien.
Pero los minutos pasan, el cabreo y los soplidos de desaprobación aumentan y de robots, a parte de cuatro cretinos del tamaño de una tostadora (literalmente) poco o nada. Y mejor no me hagan hablar del humanoide en plan "Terminator 3", mera excusa para que el señorito Bay eche por la borda unos cuantos dólares más sin aportar absolutamente nada de nada al argumento (bueno sí, ver a la Fox en plan pucherito).

Cuando por fin vuelve la acción robótica -la de verdad, la que todos hemos pagado por ver-, la esperanza se reactiva: queda todavía una hora y pico por delante, y ya empieza lo bueno, a partir de ahora todo será brutal, ya lo veréis. De hecho, la segunda entrega de Autobots versus Decepticon resulta con total seguridad lo mejor de la película, momentos espectaculares y vívidos en que los robots gozan de lo que les falta a sus vecinos de "Terminator Salvation", ya que dan la sensación de estar ahí, de tener volumen físico.
El propio Bay parece despertar de su enajenación y se recrea en la secuencia, demostrando además algo más de calma para que sus detractores no puedan decir eso de que no se entiende nada con tanto montaje.

Lamentablemente, todo ello no es más que un mero espejismo. La película jamás abandona su infantilismo galopante y total ridículo (a su estupidez general se le van sumando patriotismos de tres al cuarto, por cierto) y mientras prosigue hacia su deseada conclusión, todos los males reaparecen de la mano de más chistes sobre testículos (o peor), más robots graciosetes/torturables, y mayor cabreo del personal.
Por si fuera poco, el capítulo final de Autobots versus Decepticon, pelea apoteósica con mil y un robots de ambos bandos incluyendo una espectacular y gigantesca máquina -de ciertos parecidos a los Power Ranger- tiene lugar en pleno desierto de Egipto y muy bien, se rompen cuatro columnas y un par de pirámides, pero no nos engañemos, esa pelea tenía que haber sucedido en pleno Manhattan como mínimo.

Al final, dos horas y media después de que se apagaran las luces de la sala, lo que queda es un auténtico horror cinematográfico, un remake de la primera parte para retrasados mentales -con todos mis respetos- que tiene incluso la poca vergüenza de concluir exactamente igual que aquélla. Apenas uno o dos chistes tienen gracia, siendo por lo general estorbos para cortar de lleno el subidón de los escasos momentos de tollas, y sólo uno de sus personajes (humanos y no) resulta mínimamente salvable, o último en la fila de justiciables (Shia LaBeouf).
Sumando minutos, algo que puede hacerse tranquilamente a lo largo de su visionado, puede destacar a lo sumo un cuarto de hora de esta "Venganza de los Caídos", popurrí de otras cintas y de imbecilidades descontroladas. Todo lo demás es, digámoslo ya, una auténtica basura indigna e indignante, válida para conjeturar sobre las sustancias que debieron meterse sus guionistas. ¿Lo peor? Que prometen tercera parte...
Blutarsky le da un 2. Yo un 1/10, que son esos (15 de 150) minutos que valen la pena.

Crítica de "Transformers 2: La Venganza de los Caídos", por John Blutarsky

2009-06-25T08:53:00.010+02:00

Suele ser un recurso habitual y bastante manido utilizar el siguiente argumento para ejercer el noble arte de cargarse una película: "Es un insulto hacia la inteligencia del espectador". O "se dirige al espectador como si tuviera cinco años". Pues bien, por esta vez, y sin que sirva de precedente, con "Transformers 2: La venganza de los caídos" estas afirmaciones son acertadas o incluso se quedan cortas. Es más, "Transformers 2" no es que sea un insulto a la inteligencia del espectador, es que lo presupone carente de dicha inteligencia, aunque a juzgar por las francas risotadas y campechanas expresiones de placer que se oían por la sala durante la proyección, parece que los perpetradores de esta... "cosa" no van demasiado desencaminados.

"Transformers 2" no es más que una versión longer, bigger... and biggerer de su predecesora; la hermana mayor que, incapaz de ofercer algo mejor (vamos hombre... ¡no era difícil!), ofrece lo mismo pero en mayor cantidad. Es más bestia, más ruidosa, más espectacular, más espídica. Y más vacía si cabe. Y en consecuencia, la auténtica ensalada de píxel que se nos propone empacha hasta la nausea, marea e irrita, todo a la vez.
Más calificativos: mastodóntica, hiperbólica, abusiva hacia el espectador. Michael Bay se ha pasado con la nandrolona sin consultar antes al encargado del gimnasio, sí, aunque también hay que decir que ha despachado su nuevo juguetito de manera consecuente con su contenido. Es decir, como si fuera una enorme máquina de fábrica. En otras palabras, acabamos de descubrir que Bay no es ese californiano amante de la velocidad y la adrenalina que todos habíamos creído, sino un sofisticado y moderno programa de ordenador.

Sí, queridos lectores, el MichaelBay9000 ha resultado ser una inteligencia artificial más artificial que inteligente creada única y exclusivamente para montar productos en serie, minimizando el factor humano y potenciando la cacharrería de lux, con unos protocolos de programación que pasan por generar mecánicamente unas secuencias preestablecidas, léase meteoritos que caen en medio de metrópolis (Nueva York, París, Roma o la capital intercambiable de turno), portaaviones tocados y hundidos al más puro estilo Pearl Harbor y destrucción variada de patrimonio de la humanidad, en este caso, los vestigios arqueológicos de Petra. (No, no estableceremos paralelismos entre este momento y la parte final de "Indiana Jones y la última cruzada" -vía Shia LaBeouf- porque nos parecería sentimentalmente obsceno)

El lote lo completan un humor que haría las delicias de cualquier alumno de parvulario (del nivel de "se me están chafando las pelotas"); una imaginería de encargado de garage de túning nen-cómo-mola-el-Camaro-amarillo-nen; una tropa de mini-robots que se dirían salidos de la mente de un Geroge Lucas con empacho de Happy Meal; varios momentos de salvaje mecha-gore; un diseño de sonido que parece creado por Chimo Bayo; y una colección de muñecos semovientes a los que podríamos llamar, por decir algo, "personajes". Y todo aderezado con la habitual galería de tics de Bay (montaje picado, filtros sobre filtros, planos aberrantes).

Para colmo, "Transformers 2" resulta imperialista (los no-yankis son representados como europeos devoradores de repugnantes babosas con cáscara o moros troglodíticos que no ven más allá de la chilaba) y machista (todas las mujeres que aparecen son meros objetos sexuales, más salidas que un mandril -caso de Megan Fox- o directamente idiotas, -la madre brain damaged de Shia LaBeouf-). Y encima atufa a republicana.

Termino destacando una secuencia en concreto, aparentemente intrascendente, pero que resulta definitoria y resume bastante bien la idiosincrasia de "Tranformers 2": tenemos por un lado a los protagonistas, escapando frenéticamente a través del campus universitario. Y a cierto transformer por el otro lado persiguiéndolos como una terminatrix cualquiera para acabar con sus vidas. En un momento concreto, la persecución llega a la biblioteca, donde se desata una carnicería con los libros que reposaban apaciblemente en sus estanterías. Resultado, páginas y páginas de conocimiento volando por los aires y carbonizadas alegremente bajo el pie aplastante del todopoderoso señor Bay.

Porque por lo menos da lo que promete (esto es robots atoñándose con otros robots), le cae un 2/10

(Por cierto, y como postdata: me ganaré enemistades, pero no salvo ni a la Fox, que está buena hasta que te sangren los ojos, pero no deja de ser poco más que una versión sobrehervida de Angelina Jolie)

Crítica de "Piraña II: Los Vampiros del Mar", por el Capitán Spaulding

2009-06-24T10:48:00.006+02:00

Venga, digámoslo todos bien alto: ¡Qué mala es "Piraña II: Los Vampiros del Mal"!
Muy bien, es verdad. Vista a día de hoy, la secuela de "Piraña" (Joe Dante, 1978) puede resultar ridícula por muchos motivos.

Con unos efectos especiales que recuerdan a los peores momentos de Roger Corman, los peces voladores (sí, sí) no asustan a nadie -como tampoco lo hacían los peces a secas de la primera parte, y hay que echarle algo de imaginación para aceptar que sus víctimas sean incapaces de huir de semejantes bestias marinas, más lentas que un zombie cojo y que, supongo que por miedo a que se entrecruzaran los cables que las sostenían, se aproximan a sus presas de frente y en línea recta. Vamos, que recuerda: si te encuentras ante una situación similar, sólo con echar a correr en otra dirección ya estás salvado, ¿vale? Que luego no se diga que no avisé.

Para más inri, a la ridiculez de su punto de partida y de su realización tecnológica cabe añadir unas actuaciones de película porno (sálvese a Lance Henriksen, por su mito más que otra cosa) perfectamente acordes a la banda sonora, que si se cierran los ojos durante la proyección podría transportar al espectador a un ascensor de hotel.
Y ahí no acaba la cosa. El guión es una fotocopia de "Tiburón", "Piraña" y demás películas con bicho (acuático o no), por lo que a nadie le interesa lo más mínimo ni cualquier información sobre los personajes (la familia dividida, las putarronas borrachas, los afroamericanos mártires, el típico dueño de resort/hotel/camping más preocupado por sus ganancias que por la seguridad de su clientela...), ni las excusas que van llevando el argumento a su inevitable enfrentamiento entre 'hordas' de peces y humanos desprotegidos.
Y si todo ello se presenta con un montaje denunciable cargado de errores de continuidad y bruscos cortes que incluso cercenan la banda sonora en pleno auge, ya tenemos la excusa perfecta para que todo listillo que se precie se ensañe con la película cual piraña hambrienta.
Cierto es que este último punto trae cola, pues según se dice los productores -italianos- de la película no estaban contentos con el trabajo de su primerizo y desconocido director, un tal James Cameron, por lo que la remontaron a su gusto, con el futuro padre de "Terminator" colándose en el estudio para re-remontar lo que podía. Chapuza al canto, y excusa para alabar el trabajo de uno de los grandes del cine y despotricar aún más sobre su ópera prima.

Ahora bien, ¿qué pasa si se ve la película a sabiendas de todo este background informativo? ¿Si se ajustan las expectativas y se intenta ver no como una obra maestra frustrada (!), sino como una serie Z casposa y cutre como cualquier otra y digna de ver entre amigos, con alguna copa de más o en una noche de verbena?
Si realmente se consigue, si se inserta el DVD en su correspondiente aparato reproductor pensando en lo bochornoso que va a ser el espectáculo... la verdad, la cosa no está tan mal, ni mucho menos.
Porque "Los Vampiros del Mar" es honesta desde sus primeros compases. Un prólogo previo a los títulos de crédito (que son lo mejor de a película) pone en situación al espectador anunciando mediante su previsibilidad, cliché y torpeza artística lo que le deparan los siguientes 90 minutos: mar, muerte, cutrez, peces, sangre y tetas.

A partir de ahí se hilvana una película previsible y simplona pero de total regocijo pasados sus primeros compases, algo lentos e intrascendentes (todos queremos ver a las pirañas en acción, y nos la repanfinfla quién es quién).
Y es que a diferencia de su sobrevalorada antecesora, "Piraña II: Los Vampiros del Mar" aumenta sus dosis de acción y terror (y tetas), con escenas gore mucho más explícitas, sustos ridículos en su concepto pero logrados en su resolución (atención al bicho saliendo de las entrañas de una víctima: ¿ya sabía Cameron por dónde iba a ir su carrera?), y en definitiva da lo que una película así promete, efectos especiales chuscos incluidos.
De este modo, rara vez se antoja aburrida -aunque su interés pueda provenir de la risa que causa alguno de sus momentos- y la verdad, nada tiene que envidiar a otras propuestas de serie B mucho mejor consideradas.
Porque, ¿qué más da que la piraña esté mal hecha, sujeta por cables o directamente por extras fuera de plano, si atacará directa a la yugular con grandes chorros de sangre inundando todo?

Que quede claro que no estoy justificando, ni mucho menos, sus grandes fallos, su torpeza o pobreza general. Del mismo modo, no recomiendo a nadie su visionado, a no ser que se interese por las películas de estas características, de tipo fantástico, terrorífico, ochentero, cutre o como se quiera definir.
Lo que sí hago es colocarla a la altura del resto de producciones del estilo, siendo peor en algunas cosas pero mejor en muchas otras, siendo la generosa cantidad de escenas de muertes y ataques la más importante (otra cosa es cómo estén hechas).
Así, el verdadero motivo de la ardua condena que ha sufrido "Piraña II: Los Vampiros del Mar", película maldita, reside en el dolor que puede provocar pensar que un tipo como James Cameron haya empezado su carrera como un Joe Dante cualquiera. De buen seguro, si la hubiera filmado cualquier otro director hubiera pasado que su antecesora, como un mero entretenimiento B con, incluso, la osadía de mejorar algunas de las (pocas) virtudes de aquella.
5,5/10 (empate técnico aunque ésta es mucho, mucho más divertida que la primera)

Crítica de "Te Quiero, Tío", por el Capitán Spaulding

2009-06-23T11:19:00.004+02:00

John Hamburg no le suena de nada a nadie, pero yendo a rebuscar en su filmografía nos encontramos con que es el guionista de "Zoolander", "Los Padres de Ella", "Los Padres de Él", "Y Entonces Llegó Ella" (que también dirigió). Además, actualmente se encuentra inmerso en la escritura de la tercera entrega de la saga de los Fockers, que llegará en el 2011 y supondrá la enésima colaboración de Hamburg con Ben Stiller (y bienvenida sea).
"Te Quiero, Tío" es su segundo largometraje como director, del que también se encarga de guionizar junto a Larry Levin ("Doctor Dolittle" 1 y 2...). Y aunque por él no aparezca el nombre del omnipresente Judd Apatow (ni el de Kevin Smith), la película se cuela tranquilamente en la liga de nuevas comedias (románticas) para tíos aunque, eso sí, sin llegar a la altura de "Lío Embarazoso" o la reciente "¿Hacemos una Porno?".

El principal problema de "Te Quiero, Tío" es su total y hasta desconcertante intrascendencia. A diferencia del resto de comedias (decentes) que pueblan las carteleras de los últimos años, la que nos ocupa no es más que un exploit puro y duro de la Técnica Apatow, y tras el aparentemente novedoso punto de partida -una futura esposa fuerza a su novio a que conozca a amigos varones y se comporte como a un hombre de su edad le correspondería- se esconde un argumento terriblemente plano y manido, siendo tan previsible como, en consecuencia, falto de interés.
Eso hace que los 105 minutos que dura la película provoquen más de un altibajo rítmico, pues nada justifica tal alargamiento en una trama que habría cabido perfectamente en la hora y media de rigor que según aquél deberían durar todas las comedias.

Ahora bien, una cosa no quita la otra y "Te Quiero, Tío" sigue siendo pese a todo una comedia de lo más divertida, gracias principalmente a la gran faceta cómica de Paul Rudd. Con toda la película centrada en su personaje (rara vez desaparece de la pantalla), el novio de Phoebe se hace tan adorable como gracioso, dosificando tics y estudiando al milímetro su papel.
Con este panorama, el tándem Siegel-Rudd funciona a las mil maravillas desde su primer encuentro (tan bien como el de Rudd y la adorable Rashida Jones, pareja perfecta), con grandes momentos de lo más variopinto que se mueven de la brocha gruesa a la austeridad y naturalidad propia de una relación de amigotes.

Y es que de hecho, una de las grandes virtudes de "Te Quiero, Tío" reside en su combinación casi perfecta entre humor grueso y sofisticado, lo granguiñolesco (la guerra de cervezas) y lo verosímil (la relación de los novios). Vamos, precisamente lo que distingue a las películas made in Apatow del resto, y cuya lección tan bien ha aprendido recientemente Kevin Smith.

Fijando como único objetivo el humor por el humor, Hamburg y compañía dan en la diana y convierten a su película en un refresco absolutamente disfrutable para una tarde calurosa, aun a sabiendas de que, tal y como se enciendan las luces de la sala, se corre el riesgo de olvidar por completo cualquier atisbo de argumento. Aunque quién sabe, puede que sirva como manual de instrucciones para alguna que otra novia preocupada por lo que hará su chico cuando queda con sus amigos. Sea como sea, los que sí quedarán en la memoria son el concierto privado de los dos protagonistas, el perro de Siegel, la partida de golf, los personajes secundarios (geniales del primero al último, con Jon novio de Mónica Favreau y Jamie Pressly a la cabeza), la pelea con Hulk o el vocabulario infinito de ridículas expresiones del que Rudd hace gala... que por supuesto, sólo puede resultar gracioso si se ve en versión original ¡pánico me da su doblaje!
6,5/10

Reseñas breves TV, por John Blutarsky

2009-06-21T03:19:00.017+02:00

Queridos amigos, la fiebre del High School Monster Mash no está agotada, y parece tener cuerda para rato. Aún queda sangre en el gotero de plasma por exprimir. Y yo con estos pelos descrepados. Al pelotazo vampírico ("Crepúsculo", "Moonlight", "True Blood", la futura "The Vampire Diaries"), ahora se suman hombres lobo (atentos, próximo estreno de "The Wolf Man" con Benicio del Toro) y espectros en pena en BEING HUMAN, una propuesta de la pérfida Albión, vía BBC 3, quien no podía ser menos y se sube oportunamente al carro del éxito pubescente.

Sin embargo hay que decir que esta es una versión algo más hardcore y adulta (los protagonistas, adolescentes ya no física aunque sí mentalmente, beben, fuman y follan más), pero al mismo tiempo no rehuye las convenciones de la dramedia juvenil: amistades férreas, amores, desamores y des-desamores inverosímiles, problemática postadolescente variada... de hecho, se acaba echando mucho de menos el componente terrorífico, minimizado frente a otros elementos más familiares, no sea que el público potencial (esto es, la muchachada preteen) pase demasiado miedín y no se sienta suficientemente identificado con las tropelías de George, Mitchell y Annie.
Pero al César lo que es del César. Que cosas buenas no le faltan, cuidado. Por ejemplo, tiene la mínima decencia de no colarnos los insufribles hypes de rock radiofórmula del momento, y nos regala algunos clásicos del pop británico de-ayer-y-hoy (suenan los Smiths, Pulp, Joy Division o Soft Cell... Gilbert, bendito personaje) y hasta tiene el detallazo de incluir un tema de nuestro adoradísimo Johnny Cash durante más de tres segundos (conté cuatro o cinco).
Tiene algún que otro ramalazo de ingenio y algunos diálogos chispeantes (ejemplo: los protagonistas, hombre lobo y vampiro, están viendo por la tele "El fantasma de la ópera", versión Lon Chaney, cuando uno de ellos suelta "antes solía considerar esto lo máximo, pero ahora me parece algo de Ken Loach"). Pero hay también contradicciones argumentales que le restan verosimilitud (no pasa nada si nos saltamos la regla de que la luz solar mata a los vampiros, pero en cambio hemos de ceñirnos estrictamente a que el lobo sólo pueda manifestarse cuando hay luna llena, esto es... ¡una vez al mes!) y tiene una puesta en escena algo hortera, de nuevo más cercana a la comedia juvenil que al terror o al fantástico.
Para colmo el tan cacareado confrontamiento climático, intento de trama vertebradora de toda la serie, finalmente queda en nada de nada, en una promesa incumplida, en una expectativa torpemente satisfecha.
Una de cal y una de arena, pues. (Y sea como sea, una nueva ocasión perdida de explorar las posibilidades infinitamente obscenas y escatológicas de la relación entre vampiros de hormonas enloquecidas y la sangre menstrual de jovencitas desatadas).
Vista y olvidada.
Pero no os inquietéis, que ahora empieza lo bueno.

Porque harina de otro costal es DEAD SET.
A diferencia de "Being Human" o de recientes propuestas como la muy justita "Survivors", "Dead Set" (emitida en E4) sí se atreve a meterla hasta el fondo, provocando con ello una sangría de proporciones muy, muy considerables. Qué demonios, esto es la mayor salvajada en formato serie que haya tenido oportunidad de ver jamás en televisión.
La idea, presentada en cinco capítulos que se ven en un suspiro, es simple y contundente: en el contexto de una nueva edición del Gran Hermano británico se desata una pandemia zombie, con lo que los concursantes y algunos miembros del equipo se ven obligados a parapetarse tras las paredes de la televisiva casa de plexiglás. Punto.
A partir de aquí, nada más. Y todo. "Dead Set" es pura fibra y todo nervio, no tiene grasa, ni tampoco lleva guarnición. En cada ataque zombie la realización se hace eléctrica y supura sangre y bilis en cada plano (no no, literalmente quiero decir), no contempla la sutileza y desconoce el concepto "fuera de campo". Y en los momentos intermedios tensa la cuerda de la espera y la incertidumbre perra nos muerde implacable el estómago.
"Dead Set" no pretende tanto ofrecer una visión novedosa del zombie (se ajusta al modelo clásico, tendiendo a la propuesta reciente de Danny Boyle) como de llevarlo a un contexto inexplorado, casi casi a través de la hibridación formal de géneros. De modo que funciona mucho mejor si se ha tenido un mínimo contacto con todo el aparato Gran Hermano, sus tics, sus trucos de culebrón, sus convenciones y su condición de operta pseudorealista, pseudosociológica y pseudotodo. En este sentido llama la atención comprobar cómo los niveles de agilipollamiento global que desprende todo el entorno del dichoso reality son exactamente los mismos aquí que en Gran Bretaña.
Momentos memorables, a palas: empezando por el zombie en la piscina, el posible nuevo uso para un extintor, los numerosos momentos en que la auténtica amenaza son otros humanos no infectados (de esto Robert Kirkman sabe lo suyo), el minuto de gloria del zombie en silla de ruedas o la enumeración de cosas que se han terminado abruptamente por culpa de la plaga (por favor, si toda la humanidad debe morir de forma horrible y repentina, que sea cuando ya haya terminado "Lost". POR FAVOR)
Resumiendo. Tenemos un drama de terror animal, sucio y desquiciado, una atmósfera pútrida, litros de sangre y vísceras, sesos desparramados con facilidad pasmosa, personajes odiosos que (oh sí) vemos morir salvajemente, una progresión dramática de auténtico infarto (concretamente el último capítulo es de traca) y, en fin, una de las mejores producciones del género en los últimos años.
¿Metáfora de un panorama televisivo plagado de personalidades teledirigidas y audiencias anestesiadas? No, señores, esto es un reflejo realista, sólo que con algo más de casquería.
Esta vez sí es para tirar cohetes (el viejo George está en su cabaña de Toronto padeciendo sudores fríos)

Y si "Dead Set" es uno de los mejores productos de terror de los últimos meses, RED RIDING (Channel 4, también conocida como "The Red Riding Trilogy") es uno de los mejores productos, a secas.
Se trata de un crudísimo neo-noir, violento y más seco que la mojama. Tres episodios que transcurren en tres años (1974, 1980, 1983), para tres investigaciones criminales que comparten algunos personajes y algo más. Tres historias que son una, y que forman una extensa trama, densa y compleja, modalidad Puñetazo Estomacal, porque esto duele y sangra por dentro, amigos. Mucho.
Aquí hay casos reales de asesinatos infantiles en la Gran Bretaña de mediados de los 70 (en los que se inspiró David Peace, autor de las novelas -cuatro, en realidad- en las que se basa la serie) y una colección de personajes a un paso de la autodestrucción poblando tal escenario. Gente que se cree importante, pero que pueden caer como moscas si la situación lo requiere, porque señores, cuando hay corrupción e intereses chungos de por medio, you better don't mess with the big guys. En otras palabras, una visión pesimista de los engranajes de un sistema que lo corrompe todo, del vecino más próximo al más alto cargo de la policía, y que se lleva por delante como una locomotora a quien se ponga de por medio.
A nivel técnico, perfecta. La realización (de tres directores distintos, uno para cada episodio), muy competente y a menudo sobresaliente, con composiciones de plano en todo momento tensas e incómodas, respaldadas por una iluminación y una fotografía descaradamente turbias.
Las interpretaciones siempre contenidas pero viscerales (la tortura a la que se somete el protagonista de la primera historia no la veíamos por lo menos desde las épocas de Nate Fisher). Y un argumento tallado con escalpelo, con unos diálogos que podrían haber salido perfectamente de la mente de un James Ellroy.
Y si aún os queréis hacer una idea más aproximada, en estas coordenadas se mueve: Recuerda a "Zodiac", pero sin dejarse vencer por el hastío. Está en la línea fatalista del cómic "Criminal" de Ed Brubaker y Sean Philips, pero ambientada como "Life on Mars". O podría ser la adaptación perfecta de un Henning Mankell a la inglesa, solo que sin ningún Wallander resolviendo la papeleta.
En cuatro sílabas, co-jo-nu-da. En varias sílabas más, invertid cinco horas de vuestra vida, porque 2009 merecería ser recordado sólo por cosas como la trilogía de "Red Riding".

Trailer de "2012", lo nuevo de Emmerich

2009-06-19T12:40:00.003+02:00

Aunque parezca mentira, esta no es la secuela de "El Día de Mañana", sino algo completamente distinto de su director, Roland Emmerich, especialista en quemar cantidades insultantes de dinero en producciones generalmente horrorosas.
Aquí, por lo visto en el trailer, todo apunta a lo mismo que en su día pasó con la antes citada "El Día de Mañana": efectos la mar de chulos para un argumento de tv-movie de domingo por la tarde. Veremos si el equipo formado por por John Cusack, Amanda Peet, Woody Harrelson y compañía es capaz de sorprendernos. De momento, ahí va su ¿esperado? trailer.

Trailer de "The Goods: Live Hard. Sell Hard"

2009-06-18T13:50:00.004+02:00

Así de sopetón, este título puede que no le diga nada a nadie, cierto. Pero con sólo ver los primeros segundos del trailer que viene a continuación, queda patente su justificación en el blog. La espera se hace larga, aún queda un mes enterito para la sexta temporada de "Entourage" ("El Juego de Hollywood" o "El Séquito", según la cadena)... ¿qué mejor manera de calmar el mono con una ración de Jeremy Piven on fire?
Por si fuera poco, por la película que nos ocupa pululan nada menos que Kristen Schaal (la Mel de "Flight of the Conchords"), David Koechner, Craig Robinson y Ed Helms("The Office"), Will Ferrell, Tony Hale (Buster en "Arrested Development"), T.J Miller ("Carpoolers") y Ving Rhames entre otros.
Tras ella, se encuentran los creadores de "El Reportero", "Pasado de Vueltas" y "Hermanos por Pelotas", además de varios de los guiones del programa humorístico (americano, no español) por excelencia: "Saturday Night Live".
Habrá que esperar al 14 de agosto para verla en los USA.

Comentario de "El Monstruo de Tiempos Remotos", por el Capitán Spaulding

2009-06-17T15:38:00.000+02:00

Ah, la década de los 50. Guerra Fría, conflictos de todo tipo en medio mundo, temor por la posibilidad de una III Guerra Mundial atómica, descubrimientos y carreras espaciales. El escenario perfecto para el sci-fi catastrofista y sermoneador.
Es la década de Godzilla, de los cangrejos y escorpiones gigantes y de naves espaciales que emiten ultimátums a escala mundial. Y todo por culpa de nuestros científicos locos, su experimentos nucleares y correspondientes cagadas monumentales (¿es que nunca aprenden?).

Para descubrir el origen de este género cinematográfico, que el buen amigo John Blutarsky define como Peli Con Bicho (a lo que yo añado radiactivo), nos tenemos que remontar al 1953, año en el que "El Monstruo de Tiempos Remotos" hace su aparición en pantalla con el nombre de un tal Ray Harryhausen entre su equipo técnico.

Su argumento es bien sencillo y consabido: un experimento nuclear en el Polo Norte o similar acaba despertando a un rhedosaurio (ahí queda eso) de muy malas pulgas, que se empeña en cargarse Manhattan hasta que alguien haga algo para evitarlo. El problema es que, para variar, ningún arma del ejército americano es suficiente para detenerlo.
Una vez más, como venimos diciendo desde que nos pusimos con los monstruos gigantes en La Casa, el nivel de sorpresa de esta clase de películas depende del orden en que se vean siendo su argumento, al final y de manera inevitable, lo menos importante. Y por mucho que se le atribuya el reconocimiento de haber dado el pistoletazo de salida (y ojo, que la historia original es de Ray Bradbury), "El Monstruo de Tiempos Remotos" no tiene absolutamente nada que aportar a día de hoy bajo este punto de vista.
No, para distinguir entre las Pelis Con Bicho buenas de las malas hay que centrarse en otros aspectos de diversa índole, y afortunadamente, son varios los factores que hacen de la que nos ocupa la gran joya del género que es -y que siguen haciendo de su visionado una grata experiencia.

Desde luego, el primero de ellos radica en la absurdidad de alguna de sus secuencias, que dotan a sus escuetos 75 minutos de un ¿voluntario? humor descacharrante propio de las producciones similares de la época, a medio camino entre la inocencia y la torpeza; escenas del tipo 'uy sí, escondámonos detrás de esta pared inestable situada a menos de un metro del monstruo, que fijo que nos salvamos' aparecen aquí y allá para agilizar de manera más o menos oficial el ritmo de la película, con su mejor momento haciendo acto de presencia bien temprano: uno de los primeros avistamientos del monstruo provoca la caída de un actor extra totalmente... heroica, desde aproximadamente un par de metros de altura nada acordes con su grito desangelado.

Por contra, en relación inversa con lo recién expuesto destaca la virtud de la película por "asustar" mediante numerosas escenas de terror masificado, aquello que hacía tan grande a la primera mitad de la reciente y lograda "Monstruoso". A diferencia de lo que nos han (mal)acostumbrado la mayoría de sus posteriores exploits, el rhedosaurio protagonista del film tarda bien poco en liarla por la ciudad, provocando estampidas de centenares de amontonadas personas y terribles muertes allá por donde pasa. Incluso cuando el bicho llega al parque de atracciones en que se centra la inevitable conclusión, algo alejado del centro, es capaz de crear más destrozos que el más cabrón de sus sucesores.
Y el mérito de esas escenas se debe en su práctica totalidad a la labor de Harryhausen.

Poco importa que sea su (casi)primer trabajo y que se le note bastante chusco en numerosas ocasiones, haciendo uso de un stop motion aún por pulir y algo más brusco que en sus posteriores labores. "El Monstruo de Tiempos Remotos" es una auténtica proeza, un trabajo minucioso y descabellado (para la película se recreó un bicho de 50 toneladas de peso y de tamaño real) con el que el genio tras "Jasón y los Argonautas" se recrea en escenas de destrucción y caos de inapelable hipnosis y logra dotar de una inusitada personalidad y vitalidad al bicho haciendo de él, con diferencia, el más simpático de todos sus similares, con permiso de King Kong. Valgan como ejemplo dos ocasiones, fogonazos de su genio: por un lado su ensañamiento con un navío militar al que decide hundir, y no hay tu tía, y por otro el sentimiento de desazón que se siente al verlo rodeado y aprisionado en la improvisada jaula del parque de atracciones.

Desde luego, al margen de su falta de sorpresa, la película que nos ocupa merece un visionado tanto por su relevancia histórica como -y sobre todo- la genialidad de Harryhausen. Desde aquí no ocultamos nuestra devoción hacia uno de los pocos genios de los efectos especiales que pululan por Hollywood, y "El Monstruo de Tiempos Remotos" no hace sino justificar una vez más nuestros sentimientos hacia él. Y es que resulta mucho más intensa y espectacular que muchos de los productos ultradopados de CGI actuales.

Trailer de "Whiteout"

2009-06-17T13:36:00.004+02:00

Ya hemos hablado alguna vez por aquí de "Whiteout", adaptación del premiado cómic de Greg Rucka y Steve Lieber que dirige Dominic Sena ("60 Segundos") y protagoniza Kate Beckinsale.
Con su estreno previsto en España el próximo 19 de noviembre, ya tenemos a nuestra disposición el primer trailer de la película, que podéis ver a continuación.
Recordemos que su argumento versa sobre la investigación que Carrie deberá llevar a cabo en la Antártida para resolver el misterio tras una serie de inexplicables asesinatos, y que acompañan a Beckinsale Gabriel Match (Spirit, en "The Spirit"), Alex O'Loughlin (de la serie "Moonlight") y Tom Skerrit ("Alien") entre otros.

Yes We Can: 13 Películas Clave del Fantaterror Español, por John Blutarsky. IV- NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS (Jorge Grau, 1974)

2009-06-15T16:15:00.035+02:00

Seguimos nuestro modesto recorrido por lo más celebrado, o no, del terror español con este título de 1974, una coproducción con Italia dirigida por Jorge Grau, rodada en Cinecittà y Madrid, y con un casting y equipo técnico español, italiano y británico.

Sirva a modo de sinopsis la siguiente: un par de jovenes en ruta y de muy buen ver, George (Ray Lovelock) y Edna (Cristina Galbó), se conocen accidentalmente en una gasolinera de la campiña inglesa y se ven obligados a proseguir su viaje juntos. En una parada, recaban en el pequeño y convenientemente siniestro pueblo donde vive la hermana de ella. Pronto, Edna será atacada por un extraño personaje "con todos los signos de un ahogado" (¿?), supuestamente fallecido días antes, al mismo tiempo que George descubrirá cómo un grupo de trabajadores del ministerio de agricultura están exterminando las plagas de insectos gracias a un sistema de ondas sónicas emitidas por un novedoso artilugio mecánico (¡vade retro, progreso!).

El joven relacionará pronto ambos hechos y concluirá que las susodichas radiaciones sónicas han alterado el sueño del ex-cadáver, que se ha levantando de su tumba, y ahora se dedica a atacar al cuñado de Edna y a reclutar de un mausoleo, o fosa común, no lo tengo demasiado claro, a varios colegas de podredumbre, todos ellos hambrientos de carne fresca.
Paralelamente, un apolillado pero eficiente inspector de la policía, sigue el rastro de cadáveres (de cadáveres recientes, me refiero) y concluye que el reguero de muerte tiene el "sello inconfundible" de esos jovenes melenudos que celebran extrañas ceremonias y consumen sustancias narcóticas (sic). Lo que le lleva directamente, en un alarde de pensamiento deductivo, al único melenudo de la zona, que no es otro que George.
En fin, que los muertos se levantan, y a partir de aquí algunas vísceras, una torpe investigación criminal y un final trash en el que básicamente, ojito con el SPOILER, muere todo el mundo. FIN SPOILER

Es esta una película interesante por varios motivos. De entrada, porque fue un clarísimo ejemplo de cómo explotar el modelo George A. Romero sin que se vieran demasiado los costurones marketinescos. Muchos son los elementos que remiten a las películas del realizador neoyorkino. Desde la propia caracterización de los zombies (maquillaje, -ejem- expresividad corporal), hasta los puntos gore (los muertos "hunden" sus manos en abdómenes para extraer de ellos, a lo salvaje, grandes dosis de casquería variada) o el final, en el que como comentaba (recuerdo, SPOILER) no se salva ni la suegra del apuntador y que nos lleva directamente al de "La noche de los muertos vivientes" (George A. Romero, 1968), donde hasta el último superviviente no-zombie acaba muriendo, en su caso de un escopetazo propinado por un agente de las "fuerzas del orden". Muy no future y todo eso, aunque aún faltara algún añito para el nacimiento oficial del punk. FIN SPOILER
Pues bien, ese pesimismo desesperanzado también está presente en "No profanar...", y además se ve puntuado por un último plano en que la dichosa máquina causante de todo el desaguisado nos "mira" desafiante, casi luciendo una bonita sonrisa mecánica, mientras nos dice que como no busquemos soluciones, seguirá provocando el caos a sus anchas.

Porque este es el mensaje, simplón y algo naíf visto hoy día (me planteo si también en la época), que quiere transmitir la película. El control descabellado de la naturaleza por parte del hombre nos llevará al desastre. Un mensaje ecologista sencillo que sin embargo se pone en duda al mismo tiempo que se va viendo la película: ¿no será todo esto una coartada argumental para mostrarnos un exploit puro y duro de zombies?

Pues sí, eso podríamos llegar a pensar en un principio. Pero ah, en la película aparecen varios elementos que le dan empaque más allá de su condición de refrito. Porque sí, digámoslo ya, la película sabe un poco a reciclado. De Romero, y también en cierto grado del giallo italiano y las películas europeas de terror de bajo presupuesto y altas pretensiones.
Refrito de todo ello, pero como digo, refrito digno: Y aquí entra el tema de la ambientación y la atmósfera. Como era de esperar, muy cuidadas.
Desconcierta que teniendo una realización tan torpe la película resulte tan efectiva a la hora de crear mal rollo en ciertos momentos, entre los que destaca el de la resurrección de los cadáveres. Se trata de una secuencia sin música en la que sólo oímos inquietantes efectos sonoros, básicamente el aullido del viento y la respiración dificultosa y gemidos de los zombies. La fotografía es oscurísima y logra que sintamos la noche en nuestras carnes pese a ocurrir todo de día (en serio), incluso cuando los protagonistas salen de la fosa y vemos el cielo, totalmente encapotado. Un cielo muy british, por otro lado (súmenle un punto a la columna "ambientación").
El resto de la película prácticamente carece también de música excepto ese siniestro tañido que hace las veces de banda sonora. Todo crea una sensación de lentitud, de parsimonia, acorde con los movimientos de los zombies y que logra hacernos olvidar la evidente ineficacia del director a la hora de rodar las escenas de acción (que alguna la hay, aunque cueste verlas), y no digamos de montarlas.

"No profanar..." es una película, pues, lastrada por las limitaciones y defectos habituales del momento, pero que genera una inquietud considerable y que pronto se instala en el cerebelo del espectador -sección Entrañabilismo-, de quien se gana su cariño. Vamos, que no sé qué extraño influjo ejerce sobre mí, pero me resulta un perfecto filme imperfecto que me roba el corazón.

A quien esto no le haya convencido (eh, no os culpo), decirle que además de lo explicado, sale una niña con síndrome de down (llamadme políticamente incorrecto ¡pero pueden dar mal rollo!), un bebé ensangrentado, que siempre mola, y el descuartizamiento de una secretaria insoportable, previo magreo y desgarro mamario.

Desconozco si se trata en definitiva de un homenaje planteado ya desde un principio como tal o de una incapacidad para salirse de un modelo establecido, reconocido y respetado, pero por lo que a mí respecta prefiero no cuestionarme sus motivaciones. Que a veces en la ignorancia se vive más feliz.

"Martyrs" se estrena en Italia

2009-06-15T12:21:00.008+02:00

Lo que son las cosas.

De todos es sabido que por mucho que en España contemos con más de un festival de cine fantástico y de terror (siendo Sitges y San Sebastián sus principales abanderados), la mayoría de películas de este género son maltratadas ya sea perdiéndose en las estanterías de las distribuidoras (si es que llegan a interesarse por ellas) o estrenándose con años de retraso, y en formato televisivo de calidad cuestionable en su mayoría. Valgan como botones de muestra los casos de dos películas completamente dispares entre sí, vistas en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya... del 2007: "The Fall" y "Teeth".
Poco importa la disparidad entre ambas, que de terror tengan poco, y que encima la primera de ellas haya sido de lo mejor que ha pasado por una pantalla en los últimos años.
Bajo el título de "The Fall: el Sueño de Alexandria", esta última se estrenó en España el 14 de noviebre del 2008, casi tres años más tarde de su primera aparición a uno de su pase por Sitges.
Y ha tenido suerte, pues tras "Vagina Dentata" (traducción realmente poética...) se esconde "Teeth", comedia negra aplaudidísima estrenada directamente en DVD hace apenas unas semanas, con la imagen recortada para ajustarse al 16:9 de las televisiones y de una calidad realmente decepcionante.

Y esta es sólo la punta del iceberg, pues aún se esperan noticias de "À l'Intérieur", "Frontiére(s)", "Vinyan", "Synecdoche, New York" (de Charlie Kaufman) o "Martyrs", la gran revolución del pasado festival catalán.

Quién iba a decir que en Italia, país de la censura televisiva de la que tanto se habló en España -con el único objetivo de glorificar a la tele nasioná y al gobierno, faltaría más- se iba a poder disfrutar de una cartelera mucho más abierta de horizontes a la par que menos contaminada de cerebros en fuga y salidorros mentirosos (y gordos). Os explico.
Hace ya unos veranos, me encontré, para mi sorpresa, con la edición especial de "Wolf Creek" en un pueblucho veraniego de apenas 40.000 habitantes (y por unos 5 eurillos de nada), mientras que aquí ni se había oído hablar de ella; el asombro se agudizó cuando pude ver en pantalla grande "Phone", cinta de terror japonesa que aquí, por supuesto, se estrenó directamente en DVD.
Pues bien, ahora le toca el turno a "Martyrs", que el pasado 12 de junio se estrenó, íntegra y sin cortes, en las salas italianas. El gran éxito francés consigue así algo más de punch fuera de su país de origen (en los USA se estrenó directamente en DVD), lo cual podría abrir el camino a una cartelera española esperanzadora, pero mucho me da que poco importa lo que suceda más allá de nuestras fronteras.
Aquí estamos la mar de contentos con las memeces española(da)s que nos vomitan las productoras de manera inagotable, de las que uno ya no sabe si son un éxito de manera natural o debido al incesante bombardeo de publicidad que reciben. Y no me hagan hablar del espectador nacional-borrero o de las retransmisiones futboleras de Antena 3.
Culpables unos y otros por partes iguales, al final los números mandan, y si "Fuga de Cerebros" destroza de manera tan escandalosa a la última joya del blockbuster americano (¡vayan a ver "Star Trek"!), ¿qué interés pueden tener nombres como George A. Romero o Alexandre Aja?

Y es que, eh, tío, cómo mola, se le ven las tetas a la tía de "Sin Tetas" jojojo, vamos a verla todos en tropel y asín nos tiramos palomitas hasta que se desnude. ¿Esa en inglé? Ya me la bajaré, que fijo que algún frikins la graba en vídeo. Ay, endevé cómo me has puesto con la' palomita'. En fin.