La Casa de los Horrores

Ha muerto James Gandolfini

2013-06-20T01:54:00.001+02:00

Lo sentimos. No tenemos palabras

DVD-Críticas: Kiyoshi Kurosawa's Séance y Loft

2013-06-19T16:10:00.000+02:00

Entre los muchos (demasiados) cineastas orientales venerados por haber participado con mayor o menor ímpetu en el género de terror, el gore y/o thriller vengativo, nos encontramos con un Kiyoshi Kurosawa cuya carrera es de lo más variada (y sólo hace falta recordar la muy reciente y aplaudido drama Tokyo Sonata), pero que se cuenta entre los pioneros de la nueva ola del cine oriental más extremo por su trascendental Cure. La misma distribuidora que, precisamente, recuperaba esta última en formato doméstico, Cameo, se encarga ahora de distribuir otras dos muescas del director en el género, como son Séance y Loft. Películas bien distintas entre sí, separadas por cinco años y estrenadas en medios diferentes, pero que comparten una afición: tratar de fantasmas para emplear el elemento sobrenatural como herramienta para cagarse, con perdón, en la humanidad egoísta e inmoral que nos rodea.

Porque ambas encuentran, en las figuras protagonistas, a seres ambiguos, lejos de la pureza moral. Séance, tv-movie estrenada en el año 2000 y que vista a día de hoy conserva todas y cada una de las limitaciones del formato, presenta a una pareja que se aprovecha de la desaparición de un niña (supuestamente violada y asesinada) para explotar el don de ella como médium. Ante un giro de acontecimientos que abre la posibilidad de cambiar la suerte de la menor, entran las dudas: ¿hacemos todo lo que podamos por la pobre inocente... o buscamos la manera de sacarle partido a nuestra posición de ventaja en relación a las pesquisas oficiales? Con esta cuestión juguetea Kurosawa, enarbolando un thriller de ritmo sosegado pero compacto, en el que el factor sobrenatural va adquiriendo un rol cada vez más secundario (difícilmente se la podría catalogar como película de terror) en pos del discurso incendiario con el que pone en evidencia a los protagonistas principales. Se echa en falta algo más de punch, apenas si hay escenas para el recuerdo, y por lo general da la sensación de que en ningún momento se pretende llegar a tocar fibra como Dios manda, pero en conjunto, la propuesta se acaba antojando sólida y recomendada para los más fanáticos de esta corriente de cine japonés. Siempre y cuando, claro, se puedan pasar por alto las pobrísimas condiciones en que se presenta: las limitaciones de su formato (tv-movie, recordemos) implican una carencia abismal de recursos, que se traduce en una puesta en escena, en 4:3, francamente renqueante. Y ayuda poco la edición en DVD, más cercana al ripeo directo de un VHS que a la teórica (medio)alta definición del formato.

En otra liga juega Loft, esta sí estrenada en cines al menos en su país de origen, y con una versión en DVD que explota su potencial con mayor gracia (si bien cuente con un exceso desorbitado de grano). Coincide con Séance en el segundo plano al que relega la historia de fantasmas, pues si bien en esta ocasión la presencia de fantasmas es algo más explícita, su objetivo es parejo. Una excusa, un McGuffin si se quiere, mediante el que enarbolar una nueva crítica sobre los intereses individuales del ser humano, verdadera alma mater de la cinta. Sólo que aquí el discurso se tuerce, se ramifica y acaba algo más embrollado. Demasiados frentes abiertos que le restan entereza al discurso mediante la conjunción de elementos de diverso peso y gravedad. La mezcla, la verdad, sale bastante rana, hasta el punto que los momentos de teórica tensión se tornan involuntariamente risibles (ese clímax…), y los pasajes más serios no rebasan una muy molesta barrera de la más absoluta superficialidad. Una mutación informe entre sci-fi (una momia milenaria), drama campestre y j-horror que no acaba de encontrar su lugar en ninguna de las tres ramificaciones posibles. Amén de dejar de nuevo a su protagonista masculino en evidencia, lo que conserva Loft es el tempo marca de la casa, pausado y dosificador, que permite disfrutar de una puesta en escena mucho más elaborada y preciosista (exceptuando algunos baches de vulgaridad y pobreza visual). A la postre puede acabar siendo quien salve los muebles, evitando la quema total de una cinta francamente fallida. Bien curioso es que sin tratarse en ningún caso de piezas imprescindibles (nada que ver con la anteriormente citada Cure), de ambas propuestas sea la más, mucho más sencilla la que acabe valorándose mejor, en detrimento de la de mayores presupuestos, facilidades y pretensiones.

En cuanto a las ediciones que nos brinda Cameo poco que añadir: en ambos casos puede seleccionarse la versión original o bien optar por un doblaje castellano poco recomendable, sin ningún extra que complete sendos discos válidos sólo para completistas.

Por Carlos Giacomelli

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DVD-Crítica de Cure

DVD-Crítica de El hombre de las figuras de cera (Das Wachsfigurenkabinett)

2013-06-18T18:00:00.000+02:00

Siempre resulta agradable poder recuperar en casa obras de alto calibre fílmico, piezas clave del desarrollo artístico y formal del cine, máxime si no son venidas de Hollywood, siempre mucho más presente en el mercado del DVD y BluRay. Especialmente, entrando ya en el caso que nos ocupa, si uno gusta de disfrutar del expresionismo alemán, aún hoy acotado en formato doméstico a cuatro películas capitales, marginadas al olvido todo el resto. Una de estas leyendas semiineditas podría ser El hombre de las figuras de cera, con la que Paul Leni, hasta aquel momento responsable de Rosas y espinas o Escalera de servicio retomaba en 1924 la metodología del Lang en Las tres luces para contarnos una historia en tres movimientos. O mejor, para articular un trío de cuentos de corte fantástico que le permitían jugar con la puesta en escena y los límites de la representación visual del texto. Y es que aquí, un poeta, interpretado por Wilhelm Dieterle (el mismo Dieterle, William, que posteriormente se convertiría en uno de los más importantes directores olvidados de Hollywood), va a recaer a un museo de cera en el que se demandan los servicios de un escritor que ilustre las aventuras de tres de los mayores malvados de la historia del cine, expuestos sus respectivos sosias de cera.

Y en esencia esto es lo que es la película, un catálogo de las teorías escénicas y modismos propios del expresionismo, una suerte de estudio de la puesta en imágenes de los postulados artísticos de lo que posteriormente se conocería -pregunten a Kracauer- como la corriente que anticiparía el nazismo. Y no es este el lugar ni el momento para desglosar las constantes expresionistas, pero baste decir que Leni despliega todo su talento para desarrollar esos tres decorados, separados por el espacio y el tiempo (la India evocadora de Las mil y una noches, la Rusia del siglo XVI y el Londres de finales del XIX) y violentar su puesta en escena con los clásicos planos aberrantes. Con las luces y las sombras hiperexpresivas. Con la puesta en crisis de las perspectivas, las proporciones y los puntos de fuga. Con el uso de iconografía y motivos temáticos típicos del momento, caso de la aparición tangencial del doppelgänger en dos de los tres segmentos. Y con, en general, un tono y atmósfera hipnagógicos para unas historias con fuerte componente onírico, casi pesadillesco, que colocan la película en un punto entre el drama, la fantasía, el terror y el romanticismo fantasmagórico. Y que marcan un temprano hito en aquello que podríamos llamar, más que cine fantástico, cine fabulador.

Más allá de eso encontramos tres historias de irregular narrativa -el guión lo firma otro grande, Henrik Galeen, responsable de los libretos de El Golem, Nosferatu o la muy reivindicable Mandrágora, que también dirigía-; tres segmentos más o menos adscritos a lo conocido o aquello por conocer en breve: las visiones germánicas de Oriente Medio (también presentes en algunos relatos de Lang) o la representación de la Rusia zarista (cuyo personaje central revisitaría, años después, el mismísimo Tarkovsky). Ninguna de las historias ofrece grandes descubrimientos narratológicos salvo, quizá, y paradójicamente, la más antinarrativa de las tres: ese segmento final a medio camino entre la ensoñación pesadillesca y la pieza experimental, casi un pequeño corto en si mismo que funciona de manera mucho más sensorial que lógica y que se construye visualmente a base de superposiciones y trucajes.

Ello hicieron de El hombre de las figuras de cera todo un éxito de la época para una Neptune que ponía toda la carne en el asador y ofrecía la posibilidad de gozar de tres de los más importantes actores alemanes de la época. Un Conrad Veidt (hasta el momento visto en El gabinete del doctor Caligari, La tumba india o Las manos de Orlac) que encarnaba con enigmático porte siniestro a Iván el Terrible; Werner Krauss (El gabinete del doctor Caligari, La tierra en llamas) como Jack el destripador; y muy especialmente el monstruo Emil Jannings (hasta el momento fetiche de Lubitsch y a partir de entonces uno de los más importantes actores germánicos de la historia, gracias a El último, Variété, Tartufo, Fausto o la crepuscular La última orden) como el visir Harun Al Raschid. Tres nombres más que solventes que, junto a un Dieterle que acometía distintos roles análogos, conformaban una plana interpretativa de fuerza casi inédita hasta ese entonces.

Con todo, El hombre de las figuras de cera se convierte gracias a su asombrosa capacidad de atracción visual y a su considerable fuerza escénica en una de las más importantes películas del expresionismo alemán. Pero especialmente en un preámbulo afortunado de lo que vendría después, aún mayor y más poderoso: el dúo de obras maestras que, salvando la curiosa y póstuma El teatro siniestro, finiquitarían la carrera, ya en Estados Unidos, de un Paul Leni fallecido a temprana edad: la muy elegante El legado tenebroso y la inmensa, esencial El hombre que ríe, probablemente una de las películas mudas más importantes de la historia del fantástico norteamericano. No conviene perderse sus pasos previos. Y Cameo nos brinda ahora la mejor oportunidad, aun habiendo prescindido de cualquier tipo de extra, más allá de las fichas artística y técnica.

Pero es el precio que hay que pagar -y lo hacemos con relativo gusto- para poder disfrutar de semejante clásico expresionista.

Primer trailer de The Wolf of Wall Street

2013-06-18T07:11:00.001+02:00

Por fin vio la luz, ayer, el trailer de The Wolf of Wall Street, la última y esperadísima (como siempre; como debería ser) colaboración entre Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio, a quienes acompañan esta vez Jonah Hill, Matthew McConaughey, Jon Favreau, Kyle Chandler, Rob Reiner y Jean Dujardin entre otros. Después de Gangs of New York, El aviador, Infiltrados y Shutter Island, director y actor coinciden de nuevo para adaptar esta vez para adaptar las populares memorias de Jordan Belfort, centradas en su auge y decaída en Wall Street. El trailer incluye excesos de todo tipo, peripecias visuales y una fiesta tras otra. Como si Baz Luhrmann se hubiera acostado con Sofia Coppola mientras hacían una maratón de Entourage leyendo a Bret Easton Ellis, y el resultado hubiese sido un Oliver Stone petardo. Vamos, que pinta de vicio. Se estrena el 15 de noviembre en USA; por aquí aún no se ha confirmado nada...

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Un par de imágenes del rodaje de la película

DVD-Crítica de Danza macabra

2013-06-17T17:00:00.001+02:00

Hay varios títulos básicos en la cinematografía italiana, para adentrarse como Dios manda en el género de terror que tantas alegrías le ha dado a la industria transalpina. La mayoría se asocian a los nombres de siempre (Bava, Argento, Freda), pero no cabe duda de que uno de los fundamentales es este Danza macabra que nos trae en DVD la distribuidora 39 escalones, y que dirigió hasta en dos ocasiones (la segunda, autoremake, bajo el nombre de La horrible noche del baile de los muertos en 1971) Antonio Margheriti. Estrenada en 1964, de su argumento se ha hablado en miles de ocasiones; hasta cierta familia animada de color amarillo tiene un episodio de igual temática. Un intrépido reportero acepta la apuesta que le lanzan Lord Thomas Blackwood y Edgar Allan Poe. Tendrá que pasar una noche entera en el castillo del primero, aparentemente maldito puesto que nadie, nunca, ha conseguido superar la empresa con anterioridad. Mola.

Como mola que la película signifique una muestra más de esa relación de amor odio entre Barbara Steele y el género italiano, que facilitó emblemáticas citas como La máscara del demonio. Su presencia en Danza macabra, esa belleza extraña a la vez clásica, desconcertante y embriagadora, le otorga a esta última un plus de anacronismo gótico, puramente poeniano precisamente, que ya busca con tesón desde su fotografía en un blanco y negro sumamente expresionista. Y desde su puesta en escena neblinosa, llena de sombras que arrebatan las esquinas del sobrecargado castillo en que sucede la acción. Medidas imprescindibles para sumir al espectador en una de esas pesadillas que lejos de quedar en la inmediatez de un susto puntual (a lo que tampoco reniega, ojo), cala hasta los huesos.

En eso, Danza macabra cumple con puntillosa perfección. Generando envidias entre los gerifaltes de la Hammer y la salivación de los fans de los monstruos de la Universal, Margheriti va desplegando su juego paulatinamente, dosificando información y tensión para ir acrecentando sendos valores con absoluto control. De este modo, la película pasa a ser una alternancia de atmósferas, de silencios y de desasosegantes revelaciones, con pasajes de violencia inusitadamente elevada, sexo de no menos sorprendente explicitud y asesinatos sobrenaturales. Todo ello sazonado con cierta poética romántica, a la que se llega mediante una elaboración de personajes más profunda de lo habitual, con ecos de tragedia shakesperiana (!). Un compendio de valores, en definitiva, que hacen de la cinta uno de los ejemplos del (sub)género más dinámicos, compactos y de alta carga intensidad que se recuerdan.

En resumen, Danza macabra significa una grandísima traslación a imágenes de los universos de Edgar Allan Poe (si bien no corresponda a ninguna adaptación en concreto de sus historias); una cita ineludible para los amantes del género en su versión clásica y según el gusto gótico italiano; y en general, un feliz (re)descubrimiento para cinéfilos abiertos a diversas expresiones del séptimo arte. Por algún extraño motivo, la de Margheriti no ha trascendido tanto como otras propuestas de corte similar, quizás de mayor pedigrí pero en ocasiones de calidad netamente inferior a la que ahora nos ocupa, que de paso, se gana sin ningún problema incluso la etiqueta de película avanzada a su tiempo. Y eso sí que mola. Ocasión de lujo para darle los mimos que se merece.

Por Carlos Giacomelli

Y en el DVD...
Danza macabra se redescubre mediante un DVD, editado por 39 escalones, que respeta y de qué manera la cinta, depurándola de cualquier impureza y destacando por su imagen nítida y bien definida a la que, si acaso, se le puede echar en cara cierto apagamiento de las tonalidades negras. El único audio seleccionable es la versión original italiana, en un Dolby 2.0 que permite, dentro de los límites del estéreo, disfrutar sin problemas de su marciana banda sonora y los malrollistas efectos de sonido. En definitiva, edición básica pero francamente válida.
El apartado de los extras incluye un larguísimo cortometraje (casi 15 minutos) titulado La última víctima, dirigido por un esforzado Ángel Gómez Hernández, con la presencia de nuestra scream queen Macarena Gómez, y con final sorpresa incluido. Más interesante debería ser la presentación de la película de Margheriti a cargo de Ángel Gómez Rivero, especialista en el género, si bien se trate de cinco minutos en los que no se comente nada especialmente trascendente para quien ya haya visto la película...

Concurso: ¡Gana dos Blu-Ray de Hitchcock!

2013-06-17T06:59:00.003+02:00

De la mano de Fox España llega a nuestras tiendas Hitchcock, la última película de Sacha Gervasi que ve a Anthony Hopkins interpretando al maestro del suspense, secundado por unos muy, muy acertados Helen Mirren, Danny Huston y Scarlett Johansson entre otros. La película se centra en el rodaje de Psicosis, y navegando entre el drama, la comedia, el romance y un punto de thriller, recrea la vida del cineasta, sus relaciones y sus obsesiones. Una virguería que suena deliciosa para los más cinéfilos, ¡de la que tenemos dos Blu-Ray que pueden ser tuyos!
Para participar en el concurso, tienes que hacer lo siguiente:

¿Cuál es vuestra película favorita de Alfred Hitchcock?

Podéis participar de las siguientes maneras:

1. Siguiendo nuestro twitter y escribiendo: #Concurso @casahorrores RESPUESTA / Más info en http://bit.ly/19cFtMh

2. Siendo seguidores de nuestro facebook y escribiendo en nuestro muro: CONCURSO HITCHCOCK y vuestra respuesta a la pregunta.

Tenéis hasta las 23:59 del 24 de junio... ¡Rápido!
(Sólo vale para España. Los ganadores serán notificados por e-mail)

Crítica de Después de mayo (Après mai)

2013-06-15T12:00:00.000+02:00

Olivier Assayas, realizador total, ya nombre clave en el cine contemporáneo, vuelve a ignorar los caminos del technothriller que tan buenos resultados le han dado en un pasado y retoma su senda más, maldigámoslo así, cerebral, intimista y evocadora. Porque de nuevo, tras aquella recuperación parcial de la década de los 70 (Carlos), tras la reflexión vital sobre el paso del tiempo (Las horas del verano) el autor de Finales de agosto, principios de septiembre se coloca en un espacio y un lugar míticos que propician el estudio, de nuevo, entorno al pasado, al recuerdo, a la Historia. El título de su nueva propuesta resulta esclarecedor: esto transcurre en París en 1971, es decir, poco después del mayo del 68. Volvemos a dar vueltas alrededor del socialismo en el cine, que no del cine socialista a la godardiana manera (a pesar de que aquí resuenen ecos de algunas de sus películas de los setenta) y, en fin, de la pervivencia o la desaparición de los ideales más relacionados con el funcionamiento social de una época convulsa.

Una época regada por los efluvios sicodélicos del LSD, por las luchas de clases, el triunfo del pacifismo pero también de la guerra desde las trincheras de las publicaciones rojas clandestinas, tan destinadas a dar consciencia al mundo de su propia podredumbre moral. Un momento marcado por el continuo balanceo entre el hedonismo de las hiperfiestas lisérgicas y la conciencia combativa. Las nuevas sensibilidades religiosas, los escarceos esotéricos, el trenzado de la música con el camino místico a la iluminación y la lucha intergeneracional entre padres, dueños de un mundo caduco, e hijos, pretendientes a regir el nuevo orden.

Todo esto está en la película. Y qué mejor para ello que partir del punto de vista de los jóvenes. O quizá el criterio creativo sea el inverso: en el fondo Después de mayo es una película sobre la juventud ambientada en las inmediaciones de la revolución. Sobre la llama de la rebeldía y la disconformidad que arde ajena a un futuro que, luego sabremos, es más negro aún. Cuadro perfecto sostenido por las capacidades interpretativas de un puñado de futuras promesas, entre las que sobresalen Clément Métayer y, obviamente, Lola Créton. Así que sí, en el fondo la película trasciende su propio contexto histórico y el retrato de una generación determinada y se posiciona en el lugar de los grandes relatos: aquellos que logran trazar miradas sinceras entorno a grandes temas; en este caso el paso a la edad adulta. Y hay mucha verdad en las palabras y en las imágenes de Assayas, profundamente implicado con un material que se intuye, además de todo, autobiográfico. Hay garra y furia, pero también sutileza y sensibilidad.

Porque las decisiones tomadas a la hora de afrontar el reto parten de un doble juego entre realidad naturalista y constructo puramente ficcionado. De un choque entre lo cotidiano, lo evocador e idealista y lo sucio. De la articulación entre el sentido de tranche of life de la historia y el relato casi thrilleresco de unos disconformes en plena batalla dialéctica, moral y, directamente física. Y esto tiene tanto de rebeldía truffautiana como de reconstrucción histórica minuciosa, pero siempre desde un punto de vista escénica y tonalmente enriquecedor. De modo que la película siempre está del lado de la emoción pero nunca olvida el estilo, la disposición cuidadísima de los elementos.

Y ya no hay duda. Assayas es ya un virtuoso del lenguaje cinematográfico. Un perfecto calígrafo de los encuadres, de los ritmos de montaje, de las planificaciones. Del uso de la música (brillantísima selección de canciones) y sus capacidades emotivas. Del gesto y la palabra, del detalle en la mirada. Del matiz en el matiz que de repente da una fuerza demoledora a la escena, una explosión de significado mediante el significante. Y, con todo, el realizador es un tipo que no se vende a la simplicidad del recurso meramente nostálgico, exótico y capado de capacidad real de análisis: como decíamos al principio, el estudio sobre la memoria y el tiempo es profundo y se dispara hacia arriba hasta alcanzar cotas vertiginosas.

Un relato, en fin, poderoso y sensible que parte de un enfoque vital e historicista; visceral y cerebral, intelectualizado y vivencial. Una película divertida y ácida, en todos los sentidos de la palabra. Crítica y desencantada, nostálgica de los ideales pero cáustica en la mala leche con que retrata los ambientes hipotéticamente comprometidos, esas revoluciones reales o falsas, exitosas o condenadas al fracaso. Pero en realidad, lo grande, lo realmente enorme de Después de mayo es su capacidad para conectar con todo un sistema de creencias o de desnortes, de aciertos y de cagadas, de amores y desamores, de acciones movidas por la adrenalina y reflexiones concienzudas. De las contradicciones, en resumidas cuentas, que conforman la juventud.

Es muy buena, pero especialmente es muy universal.

8'5/10

Por Xavi Roldan

SPLASH PAGE. Los cómics actuales que no te puedes perder (vol. 12: junio 2013)

2013-06-14T20:46:00.000+02:00

Y con este se completa un ciclo completo de doce meses con el Splash Page a cuestas. Un año de sección bien llevado (o no) que se merece un especial. Pero no lo vamos a hacer. A cambio, optamos por soltar otro de nuestros chorros de novedades tebeísticas peladas, ideal para enfresquitar un poco el calor sofocante que está empezando a asomar allá por la esquina del verano. Es decir, un puñado de nuevas grajeas enviñetadas, de doce títulos que alegrarán la tarde a más de uno y de dos comiqueros de a pie. Trago de Slurm bien heladito y nos ponemos a ello.

ED BRUBAKER Y SEAN PHILLIPS - Fatale 1: La muerte me persigue

Alegría suma, habemus nueva serie de Ed Brubaker y Sean Phillips y, de nuevo, hay que ir descorchando. Porque si lo de Sleeper, Criminal (ojo que este mes también hay recopilatorio de ello) e Incógnito no era suficiente ahora estos tipos nos traen una nueva vuelta de tuerca entorno a los conceptos del noir clásico, y si antaño resulta que gustaban de cruzarlo desvergonzadamente con el género superheroico, ahora toca un giro terrorífico. Vuelven a haber los ingredientes habituales: mujeres fatales, perdedores, polis gordos y demás resortes de la ficción pulp, y sigue habiendo las mejores muestras de narrativa de uno y otro lado. Un relato que engancha desde la primera página y arrolla al lector en una cascada de malparidurías de fácil deglución y pesada digestión. Y ese apartado gráfico oscuro y rasposo, cercano al expresionismo sin abandonar el realismo sucio de las calles negras de la noche de Chicago. Y, ya decimos, a todo esto se suma una trama morbosa de sectas adoradoras de Satán. Como suena. Todo una excusa perfecta para echar adelante un nuevo puñado de vidas que se suman a las anteriores ya conocidas y que por acumulación están creando un bestial universo policíaco de altos vuelos psicológicos y trufado de maravillas narrativas. Desde ya, una de las mejores series en activo de Image.

JOHN BYRNE - Next Men, volumen 1

John Byrne siempre necesitó más. Quien durante un largo tiempo allá por los ochenta fuera el mejor y más importante dibujante de superhéroes del mundo también necesitó acometer sus propios proyectos más allá de las casas madre (además de la obvia referencia mutante, esenciales fueron su Superman para DC y sus 4F para Marvel) o incluso en ellas (¿cuánto tuvieron de proyecto personal sus revisiones de Kirby vía El cuarto mundo u OMAC? apuesto a que mucho). Pero donde el tipo se hizo fuerte como creador de mundos propios fue en obras como Alpha Flight o esta que nos ocupa. Unos Next Men que supusieron la entrada del artista a Dark Horse y que daban una vuelta de tuerca más chunga y desesperanzada -acorde con los tiempos que corrían- al concepto de grupo de superhéroes, enmarcado en una historia casi distópica sin concesiones y pocos miramientos. Pero que resultaba, al mismo tiempo una aventura adulta y compleja en situaciones y reflexiones morales ulteriores, amén de estar maravillosamente narrada y dibujada. Next Men era, aun haber conocido ediciones pasadas en este país, un tebeo de necesario rescate que ahora nos llega en forma de tomito vía Norma, bien arreglado y gustosamente presentado. Una mininovela gráfica más los siete primeros números de la serie (había un número 0) en una introducción que se detiene en el mejor punto: de aquí en adelante todo va aún a mejor. Tebeazo noventero.

NACHO GARCÍA - Pulir

He aquí el cómic que ha logrado desconcertar de verdad a quien esto escribe, tradicionalmente indesconcertable. Y mira que la propuesta es simple: Fulgencio Pimentel recopila los dibujos dispersos, los desbarres perdidos y los chistes subcerebrales del fanzinero Nacho García, especie de avant la lettre del tebeo patrio alternativo o muy alternativo. Pero es que el catálogo es tan exuberante como raquítico, tan pensado como automático. La presumible técnica del fogonazo irreflexivo creativo, entre el dibujo cochino en la libreta del cole, el chiste reivindicativo antiestablishment de portada de disco punk y el dibujito inconsciente en el post-it mientras se habla por teléfono, anula cualquier posibilidad de acto intencional de terrorismo narrativo y estético. Entonces ¿cuál es la intención de García? Pues mire, ni puta idea, oigan, y tan feliz. Pero como sea este recopilatorio caótico, feiísta y descerebelado de figuras geométricas, chistes chanantes, filosofía del meme y humor tipo blogerdeniro no sólo lleva los conceptos de fragmentación a cotas propias sino que además crea adicción en su vendaval de conceptos y diseños. En su concepción radical de lo homemade (en contraposición directa con la exquisita edición de Fulgencio Pimentel) a partir del dibujete con boli bic, lápiz y goma o rotulador Carioca. Y en su articulación de un discurso muy bastardo plagado de referentes hiperpopulares basados en la realidad más inmediata: con todo, los políticos, personajes de la prensa rosa y criaturas de la ficción popular que aparecen en estas páginas son más presentables que sus homólogos de carne y hueso. Quede claro, García juega al impacto y busca la incredulidad de un lector sobrepasado por tales cantidades de libertad y estupidez autoconsciente, y por ello no sé si este tipo es terriblemente vanguardista o una gigantesca tomadura de pelo. En otras palabras: este tipo es terriblemente vanguardista.

KENGO HANAZAWA - I Am a Hero

Segundo manga genuinamente sorprendente que nos echamos al coleto esta primavera. Si hace un mes os contábamos sobre viajes en el tiempo en baños públicos, hoy toca hablar de zombis. Pero alto, hemos dicho que esto es sorprendente, y precisamente el género no está ya para muchos giros inesperados, ¿verdad? Mentira. Lo de Hanazawa, exitazo de ventas en Japón, es una cosa no rara, rarísima: por lo menos en su primer volumen, un thriller de zombis (casi) sin ellos, y además alejado del postapocalipsis kirkmaniano: esto va de un tipo muy colgado y muy cerdo con una novia bastante colgada (pero más limpia) que tienen una relación estrambótica (es decir, lo normal) y, erm, no sé muy bien qué más. Sólo sé que engancha de mala manera con su mezcla de elementos que, de alguna manera, van casando. Hay cotidianía delirante, algunos arranques de mala hostia, algunas imágenes memorables, terror sobrenatural, humor guarro, amigos imaginarios y surrealismo a mansalva. Una gota de drama generacional, otra de romanticismo y todo lo demás es sensación de deriva -controlada- y de imprevisibilidad a cada página. ¿Qué demonios es esto? y, sin embargo, uno arde en deseos de leer la continuación, publicada al alimón con el primer número. Pero no quiero devorarlo tan rápido por no tener que esperar al tercero.

JAIME HERNÁNDEZ - Rocky

Otro nombre clave en el underground USA, y otra oportunidad para recuperar material que había quedado en el limbo de la edición dando como resultado una cuasitragedia comiquera: la de no poder disfrutar de todo Love & Rockets. Rocky fue uno de los personajes creados por Xaime para la cabecera familiar, auténtica revista-cuna-gérmen de una manera de entender el costumbrismo y la ciencia-ficción (sí, son compatibles) en el cómic. Y, aunque estas las aventuras de una Huckelberry Finn interestelar del futuro no están a la altura de las de Maggot, Hopita y compañía sí guardan bellos momentos para el recuerdo en forma de aventuras escapistas que vuelven a jugar con los conceptos de juventud y libertad, inconformismo y rebeldía. Rocky es, como cualquier adolescente, con o sin robot colega, una criatura en busca de su propia identidad; una identidad que por supuesto no va a encontrar en casa, al lado de sus padres ni, por lo visto, zanganeando por ahí con cualquiera. Es decir, un poco lo mismo de siempre, en el mejor de los sentidos: igual de falsamente ligero, igual de bien dibujado, igual de absorvente en su capacidad de identificación con el lector. Para completistas, bueno. Pero no desagradará a nadie, fanfatal o no.

JAMIE HEWLETT Y PETER MILLIGAN - Tank Girl: La odisea

Pues no, los noventa no sólo fueron tíos cachas con dientes apretados y muy mala hostia. También hubieron chicas que respondieron a esa descripción. Por lo menos una, el icono Tank Girl, símbolo bestia de anarquía formal y desparpajo general que, bajo los trazos crispados y aún frescos del jefe Jamie Hewlett -hoy Gorillaz- dio forma a los sueños más chungos de los más chungos jóvenes. Tank Girl era rebeldía y punkerío global, cachondeo a mansalva y salidas picanto-salvajes. Y claro, casi veinte años después la cosa ha perdido un poco de punch (culpa de los que vinieron después, más brutos y más imprevisibles), pero su punto sigue conservando. Y su sano halo destroyer también. Y, por supuesto, su enorme atractivo gráfico, con un estilo entre la caricatura y el graffiti. Concretamente aquí, tomo espabiladillo de La Cúpula, nos encontramos con una Tankie recién salida de su aventura cinematográfica (aquel engendro protagonizado por Lori Petty) que, francamente, se ha dejado. En el peor de los términos. Hollywood la ha convertido en una pusilánime zampahamburguesas a quien se la suda todo, incluso su, oh, no, tanque. Ah, pero Ulises deberá volver a Ítaca y poner un poco de orden a base de hostiacas y ramalazos de violencia cartoon, chistes verdosos y pedos resucitamuertos. [Suspiro de satisfacción] qué gusto reencontrarnos de vez en cuando con los viejos amigos.

MANU LARCENET - La armadura del Jakolass

En caso de necesaria resurrección -cosa siempre dudosa- lo mejor que le podría haber pasado a un personaje tan clave en el BD como lo fue Valérian era esto. No una prolongación estricta de sus aventuras sino una reimaginación casi desde cero de su mito, algo muchísimo más acorde al carácter casi imprevisible y totalmente libre del que gozaban sus aventuras originales de finales de los 60 y los 70. Así que lo primero que genera este álbum de Manu Larcenet El Grande (sólo por Los combates cotidianos HAY que amarlo) es una sorpresa mayúscula; porque quien espere aquel Valérian, eso es justo lo último que no se va a encontrar. En cambio, se topará con un triste habitante de bareto, bajito y feote, francés muy de la calle que, hipotéticamente, ha servido como recipiente físico de un Valérian que en un momento de crisis tuvo que suspender la animación de su propio cuerpo. De modo que tras la ceñuda Blast Larcenet retoma una veta humorística para montarse algo así como su propio Capitán Torrezno galo y desmitificar, sin bajarse del tren homenajístico, el género de la space opera. Así que sí, oda a Valérian y parodia de Valérian al mismo tiempo. Pero ante todo, un tomo divertido, sorprendente, marcado por el dibujo desgarbado de Larcenet y por su capacidad para renovar el interés cómico y aventurero a cada giro de página. Muy bien; si es así, muy bien.

JEFF LEMIRE et al - Frankenstein, agente de S.H.A.D.E.

El filón terrorífico de DC cobra fuerza esta primavera de la mano de ECC gracias a un puñado de series enmarcadas en el género, de manera directa o más tangencial. Es el caso de la confluencia de Animal Man con La Cosa del Pantano o de este Frankenstein, agente de S.H.A.D.E., serie ya finiquitada fletada por el autor de la primera a partir del personaje remozado por Grant Morrison. Porque sí, este es algo así como una versión ultimatizada del personaje de Mary Shelley, pero esencialmente retoma la senda punki que emprendió el autor de Los invisibles cuando Los 7 caballeros de la victoria. Y no sólo. Que aquí Lemire parece querer homenajear a -o inspirarse directamente en- el AIDP de Mignola montando un supergrupo monstruoso de investigación paranormal (donde cabe hasta su propio Abe Sapien); una banda de bestiajos del inframundo que, de paso, guiña a los clásicos del terror (hay una momia, un hombre lobo, un vampiro) pero que, principalmente, sirven como punching ball para hordas de monstruos aún más chungos. Porque esta serie es puro desmadre, queridos. Hiperbatallas gigantescas con bicharracos, toneladas de humor cafre y un apartado gráfico piojoso y superadecuado. Hay que correr y leerla, porque en brve se nos acaban los números. Pero de verdad que mientras dura, uno mata neuronas pero también se lo pasa pipa.

MARTÍ RIERA - Atajos

Crónica negra, amigos. De la buena, de la chunga. España siempre ha sido un país, no nos engañemos, tirando hacia lo oscurantista. Podrido, asqueroso, amigo sólo de si mismo, cuna de bajezas morales, sordideces y mangoneos, por lo menos entre los que están arriba. Pero como los que estamos abajo no contamos, pues así se queda el panorama. Y así lo docuemtaba en los ochenta Martí Riera, pope del bajosuelo tebeístico español que desde las páginas de El Víbora tejió un tapiz de microhistorias negras, negrísimas, reflejo de la crónica de ese mismo color que, como decimos, se ha cocido siempre en este país. Esto es una colección de relatos escabrosos, de los que dejan el rictus halado y las tripas encogidas, apiñadas sobre si mismas. Un compendio de momentos comiqueros que documentan no sólo una serie de prácticas moralmente dudosas sino todo un sistema de valores torcidos, y de paso se convierten en algo así como nuestra propia versión de los cuentos aquellos de terror que facturaba la EC: aquí también hay asesinatos sórdidos, callejones oscuros que tienen su punto de fuga en el corazón de los protagonistas, crimenes pasionales desapasionados. Paranoia, desazón y un punto de una escatología no exenta de humor cafre. Todo empaquetado en un apartado gráfico excelso, con un entintado que quita el sueño (en todos los sentidos) y una atmósfera a medio camino de David Lynch y Charles Burns.

JOHNNY RYAN - Pudridero 2

Se acabaron los asideros morales, las justificaciones forzadas. Johnny Ryan prosigue su periplo por el Pudridero haciéndonos acompañantes de las criaturas más repulsivas que pueda crear cualquier mente con un nivel de enfermedad ajustado. Y ahora ya pocas explicaciones racionales admite esto más allá de, quizá, el placer por el exceso, por el grandguignol exacerbado. El hedonismo puro y duro que reporta semejante placer culpable: este que supone una bajada a los infiernos tan macabra como negrísimamente descacharrante. Porque aquí la tónica es la misma que en el primer volumen. Solo que ahora ya la cosa funciona por acumulación: sucesión de muertes bizarras de bichos feos a manos de bichos más feos. Puesta en crisis del decoro y extremado de las formas narrativas de causa-consecuencia; experimentación formal con los límites de la fisicidad y la anatomía de los personajes, siempre cambiante, siempre mutante, siempre corruptible y destructible. Reducción minimalista del detalle y el fondo. Y una malsana fascinación por las formas más primitivas de la violencia y sus relaciones con las representaciones en el arte arcaico de divinidades y demonios, de símbolos y tótems. Feísta, grotesco y escatológico, a lo bestia y sin contemplaciones.

DAVID SÁNCHEZ - Leyendas urbanas. Videojuegos

En la nueva línea de Astiberri, una golosísima "Leyendas urbanas" que de momento ya depara este material de Sánchez y lo nuevo de José Domingo (atentos el mes que viene), la falacia se comete ya desde el título de presentación. Amigos, aquí no hay leyendas urbanas de videojuegos, aquí hay UNA leyenda urbana de UN videojuego. Pero menuda una, ríase usted de lo de los cartuchos de ET enterrados en las entrañas del desierto de Nevada: David Sánchez, desde hace ya unos años nombre capital de la cartografía joven tebeística de este país ha puesto los puntos sobre las íes en el tema Polybius. Sí, hombre, ese hipotético videojuego que... No, mejor pasen y lean, que lo que tiene que contarnos el madrileño en tan poquitas páginas es, como de costumbre, delirante, absorvente, noqueante y quitasueños. Libando profundamente del tebeo alternativo americano, los niveles gráficos de Sánchez no son de este mundo. Sus composiciones sobrias, buscadamente estáticas, y sus planificaciones clásicas funcionan como perfecto revulsivo para sus historias perversas pobladas de personajes con almas porosas de esos de "nunca ser lo que parecen". Véase el mes pasado para explicaciones adicionales. Apartado Charles Burns (otra vez). Como él, Sánchez construye pesadillas costumbristas que dan la sensación de no hacer prisioneros: uno tiene que ir con cuidado para no verse arrastrado a esta delirante tragicomedia tóxica que te sigue vigilando desde la estantería cuando ya (crees que) has terminado con él.

PENDLETON WARD, RYAN NORTH et al - Hora de aventuras, nº1

El cómic más cool del momento basado en una serie de la tele. Una serie que resulta ser la serie más cool del momento. ¿Cuán matemáticamente cool es eso? Ya os digo yo: mucho. O mejor que os digan Finn el humano y Jake el perro, colegas de aventuras, compañeros de movidas en hipercolor en el lisérgico mundo de Ooo. Aunque probablemente ellos os digan más o menos lo mismo que yo: "mucho, dudes". No hará falta recordarlo, pero lo hacemos: nos sentamos ante la tele, exponiendo nuestras meninges al torbellino de creatividad nerdie desatada y nos encontramos ante una pura explosión de expresividad que colorea un mundo imprevisible donde cualquier cosa puede pasar. Un mundo poblado por elefantes del tamaño de un croissant, vampiras emo con pinta de bajista de Smashing Pumpkins circa Teen Dream y reyes del hielo hijoputiles con un corazón escondido ahí en algún lugar (un corazón helado, eso sí). Y un mundo, en fin, en el que preocuparse por poco más que por el colegueo sin fin y las ocasionales luchas contra criaturas infernales muy family-friendly. Y se nos llega ahora la versión tebeística de todo esto, y obviamente toca prescindir de uno de los fuertes de la serie: el aparato sonoro (imprescindible en su catálogo de voces übercómicas, efectos de sonido de reloj digital y minicancioncillas de electrofolk 8 bits); además, seguimos en terreno duh, las páginas no resultan tan luciferinamente cinéticas como la serie original; pero también es cierto que la traslación no pierde frescura, humor a chorro y capacidad de enganche culpable. Compradlo a vuestros sobrinos y leedlo vosotros.

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TV-Trailers: Orange is the New Black y Luther

2013-06-14T06:54:00.005+02:00

Mientras Diane se toma unas vacaciones, aquí os dejamos los trailers de dos de las series más esperadas para la estación veraniega. La primera es Orange is the New Black, nueva serie de Jenji Kohan (Weeds) para Netflix. Con la despedida de los Botwin aún reciente, en esta ocasión nos trasladamos a una penitenciaria femenina donde Piper (Taylor Schilling, Mercy) perderá todas sus comodidades y intentará sobrevivir entre sus nuevas compañeras. Junto a la protagonistas encontramos a Jason Biggs (American Pie), Laura Prepon (The 70s Show) o Pablo Schreiber (A Gifted Man). Buenas sensaciones en este primer trailer que bien podía pasar por una de las sitcoms de Showtime.

Mayor expectación provocan estas primeras imágenes de la tercera ¿y última?, temporada de Luther. La serie de BBC regresa para cuatro nuevos episodios junto viejos conocidos (Warren Brown, Ruth Wilson...) y nuevas adquisiciones (Sienna Guillory). La apretada agenda de Idris Elba consigue hacer un hueco para uno de los mejores investigadores de la televisión británica.
Toda excitación es comprensible.

REDACCIÓN - SavemeBarry

Trailer de Organge is the New Black

Trailer de Luther

Estrenos de la semana (14 de junio)

2013-06-13T18:30:00.000+02:00

Nueva semana de aquellas que apuntan a mínimo de recaudación histórico, y es que tras un arranque muy potente, la temporada estiva se ha quedado algo huñerfana de blockbusters, a la espera de que el Hombre de acero salve los muebles a partir de la semana que viene. El desinterés general persistirá hasta entonces, y es una pena, porque sufrirá las consecuencias de ese ninguneo una de las películas más estimulantes de la temporada. Y que encima es de aquí para más inri. Pero nada, los pocos curiosos nos da que optarán por lo nuevo de Danny Boyle y al cine español que le den, como de costumbre.

Trance
Pero es que Boyle es mucho Boyle, y su nueva propuesta es de aquellas que llaman la atención. En su enésimo cambio de tercio, el responsable de Trainspotting se lo pasa teta con Trance, un thriller con algo de Hitchcock y algo de K. Dick, que es en realidad un puro ejercicio de estilo y un demencial divertimento pasado de rosca y lejos de los planteamientos más altivistas a los que nos tenía recientemente acostumbrados. Súmese a todo ello un reparto atractivo (James McAvoy, Vincent Cassel, Rosario Dawson), y la fórmula sale perfecta. El juguetito, desde su acercamiento a la serie B y sus desquiciadas salidas de tiesto, funciona francamente bien.
Lee la crítica de Trance

Insensibles
Lo dicho, con la situación como está y Boyle haciendo de las suyas, pagará los platos rotos el debut en la dirección de largos de Juan Carlos Medina, siendo pese a ello la propuesta más interesante de la semana. Con un Àlex Brendemühl sorprendentemente acertado en el rol principal, Insensibles juega con el momento más triste de la historia de España, convirtiendo a la Guerra Civil en el marco idóneo para contar una pesadillesca fantasía sci-fi en la que niños con el ¿poder? de no sentir el dolor son utilizados para la experimentación por parte de un mad doctor alemán refugiado en la península. Hacednos caso, la película puede que no sea perfecta, pero sorprende y deleita a partes igual, principalmente por contar con uno de los personajes más terroríficos que hayan pasado recientemente por nuestras carteleras, generador de escenas para el recuerdo (o la pesadilla). Hay que verla.
Lee la crítica de Insensibles

Y ya que estamos con el cine español, seguimos, porque esto parece que haya sigo un fin de semana de me las quitan de las manos: en la semana sin estrenos norteamericanos hay hasta tres propuestas de por aquí además de la de Medina, y nos da que a todas les espera una suerte similar. La que más interese al público puede que sea Menú degustación, comedia culinaria de Roger Gual (Smoking Room) con Jan Cornet y Clàudia Bassols (aunque puede que su marcado acento catalán eche para atrás, que ya se sabe cómo van las cosas en determinadas geografías españolas...). Somos gente honrada también es comedia, en este caso sobre dos padres de familia desesperados que de golpe se encuentran con diez kilos de cocaína. Y Gigantes. La leyenda de Tombatossals (también catalana) no tiene nada que ver con la revista de baloncesto, sino que es en verdad cine de animación de piratas. Se le augura un recorrido comercial tendiente a cero, aunque esperamos equivocarnos. La semana se cierra con Un invierno en la playa, otra comedia (con un toque de drama) romántica, del Reino Unido, que cuenta con Greg Kinnear, Jennifer Connelly, Lily Collins y Kristen Bell entre otros para una de amores y desamores que apunta a pelín repelente (padre escritor, divorciado, hija escritora...).

Crítica de The Collection

2013-06-13T14:01:00.006+02:00

Hace un par de años, la pequeñita The Collector generó un moderado entusiasmo entre los fans del género terrorífico, convirtiéndose en algo parecido a una película de culto no exenta de cierta aceptación por parte del público más genérico. Un casi-sleeper, un medio-fenómeno, que en el mundillo se convierten en argumentos más que suficientes para la generación de secuelas cuya máxima es de sobras conocida: con que recaude un Euro más de lo que costó, vale. Las bazas de aquella, fácilmente identificables: explotar el estilo pulido, aséptico y manierista con que la saga Saw hacía del gore más explícito algo atractivo e inofensivo, para darle una vuelta de tuerca más al universo cinematográfico de los serial killer y el torture porn para todos los públicos. Y convertirlo, si cabe, en algo aún más atractivo e inocentón, válido para cualquier estómago que se revolvería con las mismas dosis de violencia extrema en otras circunstancias. The Collector era una fiesta, un deleite de trampas asesinas, chorretones de sangre y sobresaltos a degustar con palomitas tamaño familiar. Y The Collection, continuación esperable de aquella, sigue la estela puliendo algunos detalles para que la fiesta sea ya de traca. El problema es que quizás se pase de la raya.

Y es que atención a lo que ha perpetrado Marcus Dunstan, que repite cargo de guionista y director (y que antes había escrito varias entregas de, sorpresa, Saw): continuación directa a nivel argumental de la, aparentemente, niña de sus ojos. Ni falta que hace saber demasiado de la anterior; en apenas unos minutos ya está todo empapado de sangre, vía masacre de aquellas que hacen historia. Casi todos los que apuntaban a protagonistas desaparecen de un plumazo, y dan paso al personaje principal de la anterior, de quien sólo es necesario saber que tiene alguna cuenta pendiente con el asesino enmascarado que organiza la escabechina. Lo que queda, más o menos, es un nuevo juego macabro de persecución y supervivencia con más trampas truculentas y salpicones de hemoglobina, que revolverá los estómagos aprensivos, si bien la sensación de inocente festividad continúe ahí y sin la menor intención de desaparecer.

En definitiva, ya lo decíamos, se repiten y potencian las bazas de la primera parte, en este The Collection que esconde lo mejor para el final. Y no me refiero al clímax, que evidentemente lo tiene, y además es francamente divertido; hablo de su duración. A la hora y diez o incluso un pelín antes, arrancan los títulos de crédito del film, confirmando su expresa condición de pasarratos festivo y de cine de consumo rápido. Y lo cierto es que todo ello se agradece: ni que decir tiene que es trepidante, entretenidísima y agotadora: desde el momento en que se carga a su primera víctima, cuando no han pasado ni tres minutos del inicio de la proyección, no para. Tal vez el problema sea que esa sensación, la de vacío total en pos del puro fuego artificial, se note demasiado.

Es que es tan fugaz, hace tanto ruido de manera tan abrupta, que al final las nueces son muy pocas; The Collection acaba sabiendo a poco o nada. Por decirlo de alguna manera, llega a perder la sensación de entereza como película en sí. Y no es que sea nada grave, el disfrute sigue siendo de aúpa y más de un fan del terror en general y del nuevo terror (el bonito, el de Wan, Lynn Bousmann y compañía) en particular está casi obligado a verla (seguramente, ese fan ya estará al tanto del colector original). Sólo que… Bueno, es que es tan poquita cosa…
6/10

Por Carlos Giacomelli

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Otro póster de The Collection

Crítica de Antes del anochecer (Before Midnight)

2013-06-12T16:21:00.000+02:00

Guinda de la hasta el momento trilogía romántica de Richard Linklater, Antes del anochecer demuestra que otros criterios más allá de los puramente crematísticos pueden motivar la existencia de series cinematográficas de larga duración. Y es que como si de un radiógrafo de la esencia del amor se tratase, el director se ha puesto en la piel de un paciente demiurgo que espera su momento, venga cuando venga, para completar su obra y poder hablar del asunto romántico a partir de una dimensión poco observada en el cine norteamericano actual: el tiempo. Y aquí, las elipsis son inexistentes, porque en el fondo el tiempo que transcurre en la vida de Céline y Jesse, los protagonistas que se conocieron en Viena en 1994 (Antes del amanecer) y se reencontraron en París en 2004 (Antes del atardecer), es tiempo real, tiempo vivido. Así que sí, con este tercer retrato de la vida de ambos se redimensiona la historia inicial (ya será difícil volver a ver aquella primera con los mismos ojos) y se establece una inetersante reflexión entorno al tiempo narrativo y el tiempo histórico.

Pero no vayamos tan lejos. Linklater siempre ha sido un narrador muy capaz de articular distintas capas de interpretación, muy interesado en reflexionar entorno a las cualidades de realidad y constructo y en edificar un universo de ligeros escapes metalingüísticos: también aquí los hay en la piel de un Jesse escritor que ha plasmado en forma de libros la historia (historia, ficción) que nosotros hemos estado siguiendo a cucharaditas estos dieciocho años. Pero a lo que voy es que además de todo eso Linklater a menudo se ha mostrado un afilado retratista de la juventud de cada momento, un entusiasta de lo generacional (en clave más ortodoxa -Slacker, Movida del 76, Suburbia- o menos -Waking Life, Escuela de Rock, Bernie). Y de eso, y ante todo, hay aquí. El planteamiento inicial no puede tener en un mayor grado una carga de amargura, la de la pareja central, ya juntada y con dos hijas y en lucha inminente contra la eternidad; pero en esencia esto vuelve a ser un retrato generacional.

El de la de la cuarentena. El de esa quinta que ahora alcanza la edad adulta para toparse con el fin de la juventud, el punto de marchitez permanente de los sueños, la llegada de las responsabilidades y, especialmente, la obligación de tomar decisiones. Que al fin y al cabo es lo que subyace en el fondo de la película; la irrupción de ese momento en que la toma de decisiones deviene drástica. En que uno debe decidir si está satisfecho o quiere cambiar de vida. Si ama o simplemente actúa por inercia. Si, como en el caso de Jesse, quiere pasar el resto de su vida con su pareja y sus hijas o debe entregarse al terror personificado en la figura de su exmujer para, a cambio, poder prestar más atención al hijo que tuvieron en un pasado.

Todo esto se despliega narrativamente en forma de cotidianía tragicómica a lo largo de un sistema de conversaciones sucesivas perfectamente diseñadas y escénicamente autosuficientes. Ni más ni menos. El realizador plantea un avance de la trama que se produce mediante charlas que nacen en un entorno eminentemente rural, el de la Grecia más paradisíaca. Una disposición de las intenciones que se entrega a la propia fluidez, al naturalismo de las escenas y a la lógica primaria de los pensamientos y los sentimientos. Un recurso que empieza como planteamiento idílico, con la fluidez intercultural de Una película hablada, pero poco a poco va virando hacia otra cosa, hacia los lugares en los que la problemática se hace visible. Hacia los estados de ánimo que propician el renacimiento de los resquemores, las viejas rencillas, tanto en momentos que conducen a ello -conversaciones de un peso paquidérmico- como en otros que resultan inesperados -diálogos más aparentemente triviales-.

Lejos de entregarse al esteticismo exótico de las más frígidas propuestas romantico-turísticas de Hollywood, Linklater se empapa de un genuino europeísmo y afrancesa su tono y su prosa, colocándose en un punto muy Rohmer -de nuevo él-. Y muy sutilmente empieza a sacar partido formal y textual de los elementos, caso de esas ruinas que funcionan como fugaz metáfora, o como posible premonición para la relación amorosa. Un poco la misma carta que jugaba Rossellini con los amantes petrificados de Te querré siempre, que no en vano recibe su cita en la película en un comentario distraído de Céline (no de Jesse, importante).

De modo que lo que empieza pareciéndose a un Woody Allen de bolsillo termina en el fondo más cerca del Bergman de Secretos de un matrimonio gracias a su excelente escalada dramática planteada desde la batalla -también de sexos- dialéctica, incluso a ratos emparentada con Raymond Carver. Es obviamente en estos diálogos donde reside el auténtico valor objetivo de Antes del anochecer, marcado por el metronómico juego de palabras y silencios, de máscaras y obviedades. Por la lucidez de unas conversaciones que se cargan de subtexto y autoironizan desmitificándose a si mismas y van (re)dibujando a los personajes, revelándolos producto de un profundo y brillantísimo estudio de caracteres. Unos personajes encarnados con rotundidad interpretativa y sutileza exquisita por unos Julie Delpy y Ethan Hawke que se intuyen emotivamente cercanos a sus papeles.

Mientras que el valor subjetivo lo determina la capacidad que tiene la película para conectar con esos sentimientos, deseos, miedos y frustraciones tan universales como el propio amor. Por hacer respirar y sentir a esos dos personajes que conocemos, que se compenetran y se coordinan entre ellos y que apelan a nuestro recuerdo: y que nos hacen sentir demasiado cercanos a ello no tanto por sus disquisiciones más o menos metafísicas como por su cualidad de mensajeros y testimonios del paso del tiempo. Ese paso del tiempo, ese desgaste, ese final de la esperanza (¿o sigue habiendo luz?) del que, nos pongamos como nos pongamos, ninguno de nosotros podrá zafarse.

Estamos, pues, ante una película muy particular -por irresistiblemente universal-, muy acotada en sus pretensiones y su target, pero también una en la que sólo se echa en falta algún homenaje al cine griego (Angelopoulos podría, a su manera, casar con el contenido de Antes del anochecer) para ser redonda en resultados, plena en logros vitales y cinéfilos. Algo paradójicamente logrado gracias a, entre otras cosas, su muy estimulante juego de carencias buscadas y satisfacciones insospechadas. En ese sentido, casi perfecta.

8'5/10

Por Xavi Roldan

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Trailer

Primer trailer de El Hobbit: La desolación de Smaug

2013-06-11T20:54:00.002+02:00

Con estos pelos nos pilla el primer trailer de la segunda entrega de El Hobbit, retorno de Peter Jackson a la Tierra Media por penúltima vez (recordemos: aún quedará otro Hobbit más por llegar en verano del año que viene), que se hará efectivo el 13 de diciembre de este mismo año. Casi nada. La primera nos dejó muy, muy fríos. Tanto, que la segunda nos da una pereza horrible... De no ser por la pedazo de voz que se gasta Smaug, el dragón. Motivo suficiente para verla únicamente en VO, y es que Benedict Cumberbatch (en breves, de estreno por aquí con la maravillosa Star Trek: En la oscuridad) no tiene doblaje posible. En fin, la historia ya la sabéis: Bilbo Bolsón/Martin Freeman y su compañía de enanos (y Gandalf/Ian McKellen) sigue su travesía de camino a la Montaña Solitaria en busca del tesoro que esconde el mencionado dragón. En el libro deberían haber llegado a los 45 minutos de metraje, pero en la nueva trilogía, fruto de los onanismos monetarios de la mercadotecnia hollywoodiense, a saber si se quedan en las puertas y dejan el resto para la tercera entrega. Desde luego, la han trufado tanto de escenas de acción (a juzgar por el trailer, que nos permite ver a Orlando Bloom y a Evangeline Lilly tirando flechas a diestro y siniestro, por cierto) que no va a quedar espacio para más... No, esto no lo salva ni Cumberbatch

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Crítica de El Hobbit: Un viaje inesperado
La primera vez que vimos a Evangeline Lilly en El Hobbit 2

DVD-Crítica de El muerto y ser feliz

2013-06-11T10:41:00.002+02:00

Con tres películas en su haber, Javier Rebollo ya se ha granjeado tantos defensores como enemigos. Lo cual no es sino síntoma inequívoco de estar ante un director cuyo trabajo no deja indiferente. Perdón por el cliché, pero es que para el de Madrid va como anillo al dedo: sus películas son herméticas, arriesgadas y desafiantes; buscan desmarcarse de lo establecido y eso, ya se sabe, deleita e irrita a partes iguales. El muerto y ser feliz es de hecho, la prueba más dura hasta la fecha. Con ella, Rebollo le propone al espectador, de manera abierta y directa, un juego metacinéfilo; meta, porque enseguida rompe barreras con un guion construido en función de no uno, sino dos narradores omniscientes y omnipresentes (las voces de sus dos guionistas, el propio Rebollo y sobre todo Lola Mayo). Y cinéfilo, porque el tablero se compone de un sinfín de piezas con forma de referencias y guiños de varios géneros y autores, convirtiendo la película rápidamente en una alternancia de golpes entre western, road movie, cine costumbrista, comedia negra y drama crepuscular. Con mucho de homenaje. Lo dicho, deleite casi orgásmico para unos, irritante pretenciosidad para otros.

Lo que queda fuera de toda duda es la portentosa labor del multipremiado José Sacristán en el papel de Santos, asesino a sueldo que no asesina, y enfermo terminal de cáncer que decide emprender su último viaje por tierras argentinas, antes de la travesía definitiva que lo lleve hacia el Valhalla. Este llanero solitario, cuyo estatus es rápidamente alterado por la presencia de otro monstruo interpretativo, Roxana Blanco, se antoja decadente pero digno a la vez, indefenso enfermo y protector padre putativo; ella, su escudera, es el contrapunto de igual fuerza y endeblez, si bien ambas provengan de orígenes diferentes. Y juntos forman una peculiar revisión de Don Quijote y Sancho Panza, pareja que incluso cabalga en un coche que tiene nombre de semental, Camborio. Intérpretes de lujo para una película que requiere una entrega total de ambos, al suponer un progresivo descubrimiento mutuo basado en miradas, en intercambios de silencios o estudiados diálogos (cuando la voz en off los permite). Es una evolución para delante mientras el apartado físico involuciona, decae progresivamente conforme la muerte estrecha su cerco. Y luego están esas canciones de Sacristán...

Más complicado es defender a El muerto y ser feliz por algo más que su reparto. Mejor dicho, lo difícil es recomendarla, pues la defensa es sencilla en realidad: se trata de una película distinta, pensada y arriesgada. La labor de un autor que busca los límites del campo en que se mueve para romperlos. Y sólo por eso merece ser valorada, y conservada como patrimonio cultural. Pero ya se sabe, en los juegos todo es cuestión de querer (¿poder?) entrar. Si se aceptan las reglas sólo queda disfrutar con algo menos de 90 minutos en los que uno se siente retado, sus sentidos cinéfilos activados por una propuesta diferente y de rabiosa personalidad, de la mano de un Rebollo perfectamente consciente de su hermetismo y tan brillante detrás de la cámara como ya había quedado patente en La mujer sin piano. Atrapa, seduce y agota a partes iguales. Si no se aceptan, queda un peñazo como la copa de un pino, claro. Es de esperar que quien se acerque a ella sepa a lo que atenerse, por lo que sólo queda abrirse de miras y aceptar el reto. La recompensa lo merece.
8/10

Por Carlos Giacomelli

Y en el DVD...
Cameo edita El muerto y ser feliz con una sola edición en DVD, lo cual rebaja algunos enteros a la experiencia cinematográfica propuesta por Javier Rebollo. Y es que no son pocas las veces en que el grano y el ruido de la imagen son tan evidentes como para acabar desconcentrando al espectador. Por lo demás, el disco incluye una serie de extras de interés desigual:

Autopsia de un cadáver: 49 minutos de documental que incluyen una recopilación de diversos momentos de su proceso de creación.
Conversación con José Sacristán: 30 minutos de entrevista al actor, lo cual de por sí es muy jugoso, y con preguntas que atañen a toda su carrera. Sólo que la entrevista es a través de Skype, y durante el transcurso de la misma (con un audio grabado en directo), lo único que se ve es un par de manos desplegando noticias y recortes de prensa sobre el actor. Mejor su concepción que su resultado final…
Su paso por San sebastian 2012 y los Goya 2013: Ocho minutos dedicados a los premios que recibió la película en sendos certámenes, básicamente, los de José Sacristán (ausente en el primero).
4 chevaux: Cortometraje de Marina de Contes. Dos minutos francamente pobres sobre el supuesto descubrimiento del coche de Santos, abandonado en los bosques. Cámara digital en mano, definición pobrísima, ejercicio totalmente vacua y, encima, un modelo de coche distinto. A evitar.
La edición se completa con las habituales fichas técnico-artística y el tráiler de cine de la película, secciones fijas en las ediciones de Cameo.

Crítica de Exorcismo en Georgia (The Haunting in Connecticut 2: Ghosts of Georgia)

2013-06-09T11:39:00.000+02:00

A ver, que se pronuncie quien se acuerde de algo de Exorcismo en connecticut. Y no cuela sustituirla por El último exorcismo. Habida cuenta del silencio ultratúmbico resultante, convenientemente se ha cambiado el título original, Haunting in connecticut 2: Ghosts of Georgia por el Exorcismo en Georgia que llevará por nuestras carteleras, si bien de esta manera se eche a perder la que, por lo que parece, apunta a idea central del cotarro: aglutinar bajo una misma colección la adaptación de varios casos reales inconexos entre sí pero con denominación de origen. Vamos, que una y otra son independientes (y de hecho en esta apenas si se trata el tema de los exorcismos) pero pasan cerquita; puedes ver la dos sin haber pasado antes por la uno, aunque parezca lo contrario habida cuenta del arranque que se gasta la que nos ocupa, tan de sopetón que parecería resultante de algo previo. No, se debe sólo a la pobreza de su guión y una pasmosa incapacidad por poner en situación al espectador o crear atmósferas dignas del género. Pero no adelantemos acontecimientos.

La cosa aquí va de padre, madre e hija, que se mudan a una casa/cabaña en el bosque alejada de la mano de Dios, y con la nada tranquilizadora presencia de una roulotte abandonada en medio del jardín. Nada, ni caso, lugar idóneo para comenzar una nueva vida, y a la caravana que vaya la hermana de la madre, que es Katee Sackhoff y ya sabemos que es una tipa dura. Un pequeño detalle extra sí invita a planteárselo: las tres féminas comparten el agradecido don de ver muertos, y resulta que por esa casucha perdida las presencias extrañas son lo más in. Nada que se salga de lo acostumbrado: por supuesto hay un secreto, una historia inacabada que los muertos deberán llevar a cabo con la colaboración de los vivos, si bien sus formas de pedir ayuda sean harto cuestionables (qué costará aparecerse y decir un "por favor" de vez en cuando). Entramado clásico, manido donde los haya, pero recientemente Mamá ha dejado bien claro que eso no debería suponer impedimento alguno para garantizar alguna buena dosis de acojone.

Pero aquí entramos en las pantanosas aguas mentadas al principio: un guión atropellado y una película incapaz. El primer caso se traduce en un auténtico galimatías de lo paranormal, pues no es sólo que Exorcismo en Georgia esté trufada de lugares comunes, es que los tiene absolutamente todos. Madres arrugadas con batas blancas y ojos sin pupila, fantasmas de un pasado maldito que tarda poco (20 minutos) en dar pie a un poltergeist de segunda, presencias monstruosas, laboratorios locos, y hasta un Observer. Imposible prestar atención a tantos frentes abiertos (¡hasta cuatro personajes pueden ver cosas!), máxime si no hay un mínimo de preparación previa para que algo de todo ello pueda interesar más del pimiento que acaba interesando. Lo cual nos lleva al segundo concepto, la incapacidad.

La incapacidad de una película que corretea de aquí para allá como pollo descabezado, sin tomar jamás la decisión de dar preeminencia al drama personal o al argumento fantasmal (vinculado a la esclavitud de hace un par de siglos), al terror o al thriller, a la acción o al suspense. Incapaz, también, de generar miedo, habida cuenta de la total ausencia de atmósfera, o de la búsqueda de alguna fórmula para despertar los sentidos del espectador. Pero también debido al abuso de escenas con algo de sobrenatural en ellas: hay tantas, ya desde sus primeros segundos, que en seguida se homogeneízan y se funden en una apatía llena de subidones repentinos de volumen y de sombras pasando por delante de la pantalla. Claro que de todas ellas, alguna hubiese podido funcionar. Exorcismo en Georgia cuenta con un diseño de producción decente que ya de por sí daría pie a algún conato de mal rollo... de no ser por un abuso de retoques en la sala de montaje que acaba resultando desquiciante. Planos cortísimos (de dos segundos como mucho en los momentos más calmados), pasajes gratuitos al blanco y negro o la sepia cuando hay presencias, alternancia en décimas de segundos de infinidad de fotogramas… un lío, en definitiva, que apenas si sirve para marear al espectador.

Vamos, un subproducto indigno de grandes pantallas, que aburre a las piedras, y del que al final sólo podrán rescatar algo los fans de Battlestar Galactica: ver a la Sackhoff en plan Tamara Drewe. Que cada cual decida si es motivo suficiente para darle una oportunidad...
3/10

Por Carlos Giacomelli

Crítica de Trance

2013-06-08T18:00:00.000+02:00

Alabado y denostado a partes iguales por las masas de espectadores que se exponen a su cine, Danny Boyle es uno de esos autores que demandan una atención específica porque ofrecen un amplio abanico de posibilidades al respecto. Es decir, que uno puede adorarlo hasta el tuétano, pero no es necesario que lo haga a todos sus niveles, del mismo modo que otro puede sentirse estafado por sus propuestas, pero no necesariamente tiene que condenarlas en todas sus esferas. Dicho aún de otra manera, y con esa opción es con la que yo me quedo, Danny Boyle da para ratos interesantes y para momentos aborrecibles. Para aspectos elogiables y para recursos cuestionables. El disfrute de su obra dependerá casi indefectiblemente de la predisposición de cualquiera que no entre en ninguna de las dos posturas extremas. Y esto es especialmente así tratándose de un realizador esencialmente postmoderno, inquieto en sus elecciones dramáticas y siempre juguetón en el tratamiento de los géneros: desde luego no puede valorarse bajo el mismo rasero un producto como Trainspotting de uno como Millones. Uno como 28 días después de uno como Una historia diferente.

Porque, guste o no, el corpus global boyleano denota, entre otras virtudes y defectos, una enorme libertad creativa y una delimitación muy amplia de los espacios entre los que moverse, como si de un atleta total se tratara, como un tipo que aspira a dominar todas las disciplinas. Como un Soderbergh británico, salvando cualquier distancia. Y como tal, ahora, después de haber relatado una historia real en clave de drama de aventura inmovilista, tocaba quebrar para virar hacia una zona menos confortable en términos de reconocimiento crítico: un thriller juguetón de raigambre hitchcockiana (y languiana) que sin embargo se quiere entretenimiento arrollador sin prejuicios relacionados con la, llamémosle así, moral narrativa. Porque si algo sorprende de este neonoir modernizado (que no necesariamente moderno) es esa falta de vergüenza a la hora de conjugar un argumento central articulado entorno a un enorme macguffin que avanza, suave y fluido, básicamente a base de trampas.

Lo cual, no conviene ignorarlo, puede llegar a cabrear a más de uno y más de dos espectadores con baja predisposición hacia el engatusado consciente. En este puzzle diabólico nunca nada es lo que parece porque ninguno de los personajes podría ser quien dice ser. Porque los elementos de la trama están dosificados con más chispa que sabiduría real y diseñados para mostrar sólo una de las caras del poliedro, disponiéndose en una línea temporal que rehuye de la linealidad. Esto es un juego de apariencias, engaños y decepciones. De informaciones ocultas y medias verdades tan concienzudas en su escritura como tramposas en su ejecución, moviéndose como lo hacen a partir de giros de guión, vueltas inverosímiles y un definitivo twist final. Un sistema de planos de realidad superpuestos que van encajando poco a poco a pesar de finalmente mostrar menos complejidad de la que el propio Boyle parece creer (aunque podríamos emparentar esto con Origen, su arquitectura narrativa es mucho menos catedralicia).

Pero también es cierto que es esta una película con una voluntad muy clara de entretener a toda costa. Y lo logra casi todo el tiempo -a pesar de que un pequeño bajón de ritmo en la parte central está a punto de mandarlo todo al traste- gracias a su mezcla abierta de géneros y referencias cruzadas: su inicio apela a las comedias de grandes atracos, pero pronto muta hacia unos rincones más lúgubres, parecidos a los que pisaba la estupenda serie Inside Men. A continuación la cosa pivota hacia el suspense psicologista -ecos de los thrillers oscurantistas de los 60 y 70 tipo Plan diabólico, El compromiso, El hombre de Mackintosh o La ofensa- o el cine negro violento con toque pulp; y terminará escorándose hacia una revisitación del concepto clásico de femme fatale en un drama de intriga con un marcado tono fantástico, casi ci-fi, cercano en cierto modo a las neurofantasías de Philip K. Dick.

Con todo, Trance es puro juguete, un divertimento con una veta bastarda que de estar desprovista de su pátina de producto de altos vuelos se encuadraría perfectamente en una serie B canónica: la trama es, digámoslo así, puro folletín. Si se quiere, como mucho podría funcionar como una suerte de alegoría, de reflexión entorno al olvido por cuestiones desamorosas. Pero poco más y, sin embargo, su virtud es sí presentarse como algo más: la argucia de Boyle está fundamentada en disfrazarlo todo de nuevo escaparate de sus propias capacidades visuales, derroche de inventiva formal y acabado brillante, con un puñado de imágenes para el recuerdo (la media cabeza parlante, el full frontal de Rosario Dawson). El realizador sigue mostrándose inteligente en su planificación y posterior montaje, dosifica la vena histriónica y raciona los momentos más burdamente espídicos hasta lograr dar con su punto exacto y conseguir que queden justificados sus desmanes esteticistas, marcados por esa fotografía tan minuciosamente postproducida.

Así que en virtud de un razonamiento de análisis del Boyle reciente según el cual cuando se pone más trascendental hace aguas (Slumdog Millionaire) o triunfa sólo a medias (127 horas), deberíamos saludar Trance como una golosísima chuchería sin valores nutritivos. Siendo como es, en resumidas cuentas, un ejercicio de estilo formalista con poco interés por la sutileza autoral, un deliberado juego con el espectador y sus expectativas y una enorme trampa diseñada para epatar primero y entretener en última instancia, aun a costa de la sensatez narrativa y la honestidad expositiva. Y guste más o menos, nos encontramos ante un irreprochable entretenimiento puro de acabado perfecto. Nada más y nada menos.

7/10

Por Xavi Roldan

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Trailer red band
Trailer para todos los públicos

BD-Crítica de Joe Kidd

2013-06-07T17:59:00.002+02:00

Si hace unos días hablábamos de Dos mulas y una mujer para descubrir a un Clint Eastwood iniciático, con su fama hollywoodiense aún en vías de formación, ahora ahondamos más en su figura (la cinematográfica; dejaremos historias extra-profesionales para quien le interesen) ya algo más asentada, si bien de aquella a Joe Kidd pasaran tan sólo tres años. En 1972 llegaba esta propuesta de John Sturges, retorno al western del director de Los siete magníficos ya en su ocaso como cineasta, y con un género en fase de (enésimo) redescubrimiento. Perdida ya la solemnidad con la que antes parecía tener que acercarse uno al género, disfrutaba éste de un sinfín de mutaciones que le otorgaban una personalidad cambiante y adictiva: ora comedia, ora drama, ora crepuscular y ora reivindicativo, uno podía encontrarse desde a John Wayne riéndose de sí mismo a Charles Bronson repartiendo leña, o a Bud Spencer y Terence Hill haciendo de las suyas; y precisamente con este dúo de italianos guarda el Eastwood de Joe Kidd más de un inesperado parecido. Oh, sí, estamos ante la versión más festiva del género.

Cabe reconocer, antes de nada, que la película que nos ocupa es un producto claramente menor en la filmografía tanto del director como del protagonista. Puro divertimento con la distensión como único credo visible, Joe Kidd no ha trascendido más que entre los fanáticos empedernidos del género, por no contar con ningún aliciente de especial relevancia. Lo cual no significa que sus objetivos los cumpla igualmente con atino. Dicho de otra manera, la propuesta de Sturges ni innova, ni revoluciona; pero es un entretenimiento casi redondo, y por varios motivos. El primero, sin duda, su voluntad por la acción, no traducida en una sucesión de tiros, nada más lejos, sino en un guión que apuesta por la velocidad de crucero, aplicando cambios continuos y llevando al espectador de un lado a otro. Primero Eastwood está cumpliendo condena, después es un pasivo habitante más de un pueblo que es acosado por un grupo de indios que reclaman esas tierras como suyas. Después es uno de los hombres que da caza a los indios por órdenes de un contratista con el rostro ya aviejado de Robert DuVall, y después un ayudante de los indios. Cambios constantes en apenas 80 y pocos minutos (otro gran valor a tener en cuenta) que garantizan un plus de interés a la mera presencia de su actor protagonista.

Por su parte, el de Sin perdón presenta su faceta más descarada. A Joe Kidd le atraen las mujeres y las mujeres son atraídas por él; le gusta empinar el codo y se pasa buena parte del tiempo de resaca. Oh, y reparte hostias como panes ya sea con la mano abierta o empleando lo que esté a su alcance (y de ahí las semejanzas con el dúo de Le llamaban Trinidad). No es ningún héroe al uso, si bien a fin de cuentas lo que le acabe moviendo, moralidad al poder, acaben siendo los valores más buenos por mucho que se intente maquillar. Con él como eje de un entramado tan sencillo como adictivo por los giros antes mentados, se asiste a un ejercicio de pura evasión. Un western de sentarse a disfrutar cerveza en mano, mientras se van sucediendo sus situaciones de tensión, sus enfrentamientos, y las urdimbres de los próximos ataques. No todo ello sale bien, ya avisábamos de que la jugada había salido casi redonda. Y es que Joe Kidd es tan, tan liviana, que en algunas ocasiones cae en la más anodina de las intrascendencias, viéndose afectado el. Y entre eso y su ya de por sí limitación de horizontes, esta no es en ningún caso la película por la que habría que iniciarse en el mundo del western. Pero tomada como entretenimiento, como refresco primaveral para alguien a quien le atraiga el género, se convierte en una opción perfecta.

Por Carlos Giacomelli

Y en el Blu-Ray…
Es la Universal quien nos permite recuperar todos estos westerns de segunda línea para completar nuestras estanterías, mediante reediciones en alta definición que se presentan todas con un estilo visual similar: portadas parduzcas, tipo de letra Rosewood tamaño 72, y marchando una inesperada colección francamente bienvenida. Se echa en falta material añadido, inexistente, pero no podemos quejarnos de la depuración por la que ha pasado su imagen, que logra maquillar buena parte de las carencias de la cinta original, o su audio, que convierte el Mono original en un nuevo Master DTS-HD 2.0 para la versión original y en DTS Digital Surround 2.0 Mono para los doblajes. Si lo que te interesa es la película en sí, es una ocasión de lujo para verla en condiciones.

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BD-Crítica de Dos mulas y una mujer
Ataque al carro blindado

Trailer de Insidious 2

2013-06-07T08:56:00.001+02:00

A un servidor, la verdad, Insidious no le dijo nada. Como suele ocurrirle, por otra parte, con todo lo que dirige James Wan. Aunque sí le sé reconocer un gusto por lo clásico del que intenta constancia cada vez que le es posible, y poco a poco, sus películas están construyendo un universo único y distinguible, basado en la revisión, el homenaje y la firma de un director siempre esforzado por buscar el plano más extravagante. Sólo falta que alguna de sus película salga bien, realmente bien, pero la sensación es que podría ocurrir en cualquier momento. Y cuando ocurra, será motivo de fiesta por parte de todos. Podría ocurrir con Insidious: Chapter 2. Podría ocurrir todo lo contrario. De momento, visto el trailer, lo que queda claro es que las intenciones se mantienen: fantasmas, casas encantadas y sesiones de espiritismo non stop para una secuela que contará con los mismos protagonistas de la anterior (Patrick Wilson, Rose Byrne, Lin Shaye, Barbara Hershey) y la misma dosis de sustaco. El viernes 13 de septiembre se estrena en USA...

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Crítica de Insidious
Entrevistamos a James Wan, director de Insidious

Estrenos de la semana (7 de junio)

2013-06-06T18:00:00.000+02:00

Subimos un poco el nivel respecto a la semana pasada y, aunque aún no hay ningún estreno aplastante, sí hay alguna que otra cosa a la que prestar atención. Como un nuevo clásico de culto de la serie B (de british) que, sinceramente, no creíamos ni que llegara a trascender el ámbito Sitges. Pero sí lo ha hecho. Otras cosas que no creíamos llegar a ver con nuestros ojos es a The Rock haciendo un papel más o menos serio, pero ahí está. Y luego también hay cosas que se salen un poco menos de la norma, como el enésimo jitazo francés, la enésima película sobre el drama judeo-palestino, y el enésimo miniéxito español (esperamos) con Maribel Verdú como protagonista. Todo poco sorprendente pero también, esperemos, medianamente satisfactorio. Avanti.

El mensajero
Segunda visita de Dwayne Johnson a las carteleras españolas en lo que va de mes (la otra es, claro, Fast & Furious 6), aquí el rocoso actor tira hacia terrenos un poco más calmos. Un poco, poquito. Porque tan acostumbrados como nos tiene a los actioners desnucados El mensajero se ve como una película, digamos, seria, que trata un tema riguroso (drojas, niños) y llega a terrenos más o menos estimables. Más o menos. Porque si bien no es ninguna maravilla, esta suerte de mezcla de El salario del miedo con Charles Bronson puede ofrecer, desde su buen oficio, desde sus nobles ambiciones, una estimable dosis de drama tenso con reparto de panes al final. Así que, sabiendo uno qué va a zamparse auguramos reducidos porcentajes de queja.
Lee la crítica de El mensajero

Inch'Allah
Bienintencionado drama en contexto bélico la segunda película de la canadiense Anaïs Barbeau-Lavalette nos coloca en plena línea de fuego en el conflicto palestino-israelí guiados por la figura de una doctora que debe cruzar a diario todos los controles para ir a ejercer. Premisa potente y moderadamente bien ejecutada que sin embargo no termina de cuajar a causa de un cierto posicionamiento autoral, algo alejado del tuétano de la narración y de una fuerza dramática que en ocasiones aparece algo impostada y en otras casi ni aparece. A pesar de todo ello, Inch'Allah es una película realizada con profesionalidad y convicción y gustará con toda seguridad a los interesados en el tema y a los incondicionales del cine de autor. A medias tirando a bien.
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Turistas (Sightseers)
Por fin llega la comedia negra dramática (o así) de culto de la temporada. El retorno de Ben Wheatley tras la también cultificada Kill List derrocha mala baba y diversión malsana en esta historia de una pareja que se decide a recorrerse Gran Bretaña en caravana y termina bañada en sangre. Al final, todo es muy cafre y muy gamberro, pero en el fondo de Sightseers late una amarga película de desamor, tan negra como melancólica, una road movie por los lados oscuros del alma humana y el romanticismo. Un viaje tintado de humor british (rama bestia, no vertiente sutil) y teñido de sangre y violencia del tipo gozoso, todo conducido por una fotografía cuidada para unas imagenes absorventes. Ya decimos, al margen de su calidad o su falta de ella (va a gustos, para un servidor, la tiene), pequeño clásico moderno instantáneo.
Lee la crítica de Sightseers

Por el resto, todo queda un poco en casa. O por lo menos no hay que irse muy lejos. Lo más a Francia, de donde nos llega Popular, una comedia que se quiere atemporal y, mucho me temo, se queda un poco en nadería un tanto hueca. Eso se dice de ella. No sé, igual el protagonismo de Romain Duris arrastra a los francófilos a los cines.
Las otras dos propuestas son ibéricas. 15 años y un día es el retorno de Gracia Querejeta tras Siete mesas de billar francés y, como en aquella, ha vuelto a contar con la ayuda de Maribel Verdú. La jugada no le ha salido mal puesto que llega a las salas con el favor de Málaga: cuatro premios, se ha llevado, incluyendo el de mejor película. Menos alentadora se presenta Clara no es nombre de mujer, la película que intenta explicar realmente Qué Fue de Jorge Sanz. Resulta que se fue a La Habana, se encontró con Jorge Perugorría y se metió en un montón de líos de faldas y motos con hilarantes consecuencias. O eso nos aseguran sus responsables. Nosotros no lo vemos tan claro, no sé.

Concurso: ¡Gana un DVD de Encontré al diablo!

2013-06-06T13:45:00.001+02:00

Una de las últimas sensaciones del cine coreano es este Encontré al diablo, de Kim Jee-Woon, que Cameo ha editado recientemente en DVD y Blu-Ray. Para celebrar su llegada a nuestras latitudes, sorteamos un DVD de la misma que puede ser tuyo si nos envías un email a lacasadeloshorrores@gmail.com con tus datos postales y la respuesta a la siguiente pregunta:

¿Cómo se llama la película que supone el salto a Hollywood del director de Encontré al diablo?

Fácil, ¿eh? Pues ¡corre! tienes hasta las 23:59 del 13 de junio para participar (sólo vale para España. El ganador será notificado por e-mail)

BD-Crítica de Jesucristo Superstar (Jesus Christ Superstar)

2013-06-06T10:00:00.000+02:00

Casualidades de la vida: en un escasísimo lapso de tiempo se han dado dos sucesos de cierta relevancia para el cine musical, que permiten realizar un salto de cuatro décadas y ver cómo estaban las cosas antes y cómo lo están ahora. Mientras perdura la fiebre de Los miserables, cumple 40 años de su estreno en cines Jesucristo Superstar y por ese motivo, la Universal aprovecha para relanzarla en forma de Blu-Ray. Dos caras de la misma moneda que ahora pueden compararse en igualdad de condiciones saliendo a relucir y de qué manera la adaptación de la alocada rock opera que escribieron a principios de los 70 Tim Rice y Andrew Lloyd Webber y que dirigió un Norman Jewison recién salido de El violinista en el tejado. Y es que las revisiones cantadas de la obra de Hugo y los últimos días de Jesucristo guardan más puntos en común de lo que a priori podría pensarse, pero en lo que difieren es en la artificiosidad de la grandilocuente propuesta de una y el sentimiento de la otra, de recursos y economía mucho más reducidos. Situación, esta última, que normalmente acaba desembocando en originalidad, riesgo, y honestidad.

Esa triple diferencia es la principal baza de la película que nos ocupa, y su efecto se hace evidente desde los mismísimos compases de apertura. Lejos de lo que podría esperarse, no se asiste al relato de la pasión de Cristo de manera clásica (si bien cantada) esto es, recurriendo a habituales escenarios y puntos de vista. En un inicio francamente rompedor aun a día de hoy, el espectador ve a los actores y bailarines de la película, muy hippies todos ellos, llegando en bus al desierto de Israel que servirá de marco para la acción, y ataviándose para la ocasión. Acto seguido, ya con los instrumentos afinados tras esa algarabía previa, boom: Judas, afroamericano y vestido de rojo chillón (¿y son eso pantalones de pata de elefante?), desgarra su garganta con la primera canción haciéndose con el protagonismo del film al convertirse en conductor y prisma desde el que se seguirá toda la acción. Quizás no lo buscase con demasiado ahínco, como afirman sus creadores, pero lo cierto es que Jesucristo Superstar consigue agitar espíritus cristianos tanto desde tan temerario enfoque como desde la imagen que se muestra del hijo de Dios, humanizado desde el mismo momento en que hace acto de presencia en pantalla por medio del ensalzamiento de sus dudas (Quiero saber, quiero saber...) y de la convivencia, en un rol también tirando a protagonista, de una María Magdalena que para más inri es de rasgos orientales.

Desde luego, es el acercamiento más atípico al Cristianismo hasta que llegaran los Wachowski, pero debates religiosos aparte, también se trata de un musical puro, planteado (al igual que Los miserables, valga la comparación inicial) como una sucesión de canciones sin un solo diálogo hablado. Así que como Tom Hooper, Jewison adapta según una obra teatral un histórico de la literatura transformado en una suerte de disco recopilatorio. De la misma manera, crea escenarios imposibles, si bien en este caso sea más un conjunto de imposibilidades potenciado por vestimentas de algunos personajes (los romanos vestidos con pantalón militar y camiseta de tirantes rosa, Herodes...), el estilo entre kitsch y naturista de su fotografía, y las propias canciones. Y crea una división profunda entre escenarios y pantalla con un rodaje íntegramente ubicado en exteriores infinitos, que explora abusando del zoom hacia delante y atrás. La versión cantada de la obra de Victor Hugo hacía lo mismo también desde el primer minuto, con aquel barco gigante del que tiraban Jackman y compañía, y luego subiendo y bajando por los majestuosos edificios parisinos o serpenteando por las callejuelas de la ciudad. Es la diferencia de medios a la que nos referíamos al principio.

Pero a esa misma limitación achacábamos la divergencia sustancial entre una y otra películas, en este emparejamiento totalmente gratuito que nos hemos sacado: si bien en una todo es forma y le falta todo el fondo, en otra, Jesucristo Superstar, ocurre todo lo contrario. La película inspirada en la obra de Rice y Webber es puro sudor, polvo y pasión; es engancharse a las canciones movido por la propia gracia de sus letras y partituras, y por la sorpresa que despiertan sus ritmos cambiantes; es sentir a los personajes, creerse sus playbacks y pasarlo mal con una historia sorprendentemente humana de algo que ya sabemos (y no todos creemos). Y es disfrutar, disfrutar genuinamente con un musical divertido, entretenido y emocionante, que además es de antología por aglutinar suficientes valores como para convertirse en el referente por antonomasia de lo camp, lo hippie, lo New Age y lo buenrollista. Y eso que va del sacrificio de Jesús y toda la pesca. Queda lejos de la excelencia, seguramente, pero nadie le quitará a uno el gustazo de recuperar este clásico que marca épocas y personalidades cinéfilas, y que a día de hoy es hasta (más) reivindicable. Y de Jan Valjean, ¿quién se acuerda?

Por Carlos Giacomelli

Y en el Blu-Ray...
La película, estrenada en su versión original por nuestro país, únicamente se presenta en francés y en el inglés genuino. Esta última goza de un audio envidiable, nuevo Master Digital, si bien sea un 2.0. La imagen ha sido depurada y sus colores saneados de manera que brille con luz propia, aunque no estamos ante una remasterización ni nada por el estilo. El grano y ruido propios de las películas de los 70 reconvertidas a formato digital (ya sea alta o media definición) sigue ahí, si bien el ojo acostumbrado no notará nada especialmente sangrante a excepción de puntuales defectos de la cinta original. Lo dicho, no hay remasterización de por medio, pero la calidad es notable.
El apartado de los extras se completa con un tráiler, los audiocomentarios de Norman Jewison y Ted Needy (el Jesucristo de la película), una galería de fotos que se van sucediendo durante 6 minutos de presentación, y una pequeña entrevista, de unos catorce minutos, con el letrista Tim Rice. La tildan de exclusiva, si bien su formato en 4:3 nos invita a pensar lo contrario.
Como curiosidad, coincidiendo con el lanzamiento de la película se edita también el Blu-Ray la obra de teatro (una de sus muchas representaciones más o menos recientes y específicamente pensada para la televisión), que además incluye tráiler y un Así se hizo de 35 minutos. Puro deleite para los fans...

Crítica de Laurence Anyways

2013-06-05T18:00:00.000+02:00

Tras J'ai tué ma mère y Les amours imaginaires Xavier Dolan confirma en su nueva referencia larga su propia leyenda de bolsillo. El terremoto se ha magnificado, aquí no hay réplicas, esto cotiza alto en Richter. Por lo menos en la esfera Cannes, por lo menos en el ámbito festivalero. Por lo menos entre el sector crítico, tan dado a odios irreprimibles como a paternalismos extremos, explicables o no. Y, en este caso, el tema se escapa de lo previsto: Dolan está demostrando, con sólo tres películas en su haber, mucho y muy bueno. Pero es que el chico no cuenta veinticinco aún y su currículum ya está habituado a los aplausos y ovaciones arrancados allá por donde pasa, Croisette incluida. La más reciente ocasión, gracias a esta Laurence Anyways, nueva confirmación de su talento narrativo y su garra visual, y nueva incursión en algunas de sus obsesiones personales, si es que se las puede calificar así, con un historial tan fulgurante, sí, pero también tan breve.

En este caso, el realizador y guionista, por primera vez apartado del foco y limitada su presencia a detrás de las cámaras, nos narra la historia de un profesor de literatura oficialmente heterosexual que cierto día decide liberar sus cargas espirituales y declara sentirse encerrado en un cuerpo que no le corresponde -de nuevo en Dolan, la reflexión entorno a la sexualidad-: en realidad es una mujer atrapada en la fisonomía de un hombre. A partir de este momento, iniciará la transformación y, paralelamente, será víctima de la incredulidad, la incomprensión y la intolerancia de los que le rodean. Novia, familia, compañeros de trabajo mostrarán -por lo menos en un inicio- su rechazo poniendo en solfa las carencias de una sociedad aún demasiado pedestre, aún demasiado anclada en prejuicios y complejos como para alcanzar una saludable mayoría de edad.

Pero que nadie se lleve a engaño, la película de Dolan tiene sus motivaciones (éticas, estéticas) enfocadas en un lugar ajeno a cualquier voluntad de trazar simplistas y demagógicos melodramas sociales. Sí, hay elementos que entroncan esto con el cine de denuncia, con la puesta en crisis de una realidad (a pesar de que la película transcurre durante toda la década de los 90 siguen sin desaparecer de nuestra vida más cotidiana comportamientos tales como el rechazo laboral o la catalogación de la transexualidad como "enfermedad mental"), pero la radiografía social es más esquiva y menos frontal, desde luego alejada de cualquier postulado de cinéma-verité, si es que eso aún existiera.

La opción de Dolan parte de la estilización y no llega tanto al comentario social como a un terreno de reivindicación de la identidad sexual, de la búsqueda de la verdad en uno mismo, del desarrollo de la propia persona. Y lo hace manteniéndose en un plano más sugerente que puramente realista, evitando economías narrativas y parquedades expositivas. Un enfoque algo más generacional y profundamente formalista donde los elementos escénicos, la música -The Cure, Depeche Mode, Stuart Staples, Moderat- y la gramática de cámara tienen tanto peso, o más, que la historia en si. Donde todo se despliega con voluptuosidad evocando referentes (Dolan parece haber aprendido bien de -o apelar a- gente tan distinta como Fassbinder, Ozon, Cantet, Haynes, el último Resnais, Wong Kar Wai o Pedro Almodóvar) sin perder de vista la cohesión de la cosmogonía del propio realizador, basada en el choque de lo clásico y lo sereno con una petardería glam muy bien llevada.

Y aquí es donde sobreviene la duda o el recelo, que insisten en colarse con cinismo entre las imágenes de una película tan excesiva para un director tan aparentemente bisoño. Uno se plantea si quizá necesita un poco más de experiencia y de peso autoral para contar historias como esta, mucho más sensoriales que narrativas. Porque la intensidad no puede aguantar un minutaje tan excesivo -cerca de las tres horas-, las defensas se bajan y aparecen los epítetos: engolada, manierista, superficialmente esteticista. Autocomplaciente y pagada de si misma, su autoconsciencia a veces no justifica esa visión pop tan necesitada de distanciamiento irónico. A veces la coartada kitsch no da lo suficiente de si como para cubrir una carga simbólica que al realizador se le escapa de las manos.

¿Verdad? Son dudas legítimas basadas en cuestiones de estilo que no tienen por qué complacer a un espectador que esté más pendiente de qué le cuentan que de cómo se lo cuentan. Pero también es cierto que bajo tantas capas de diseño postmoderno late una profunda sinceridad, una identificación del autor con la historia que le confiere a esta última una condición de relato arrebatado y pasional, menos cerebral y más visceral de lo que sus imágenes hipermedidas podrían sugerir. Una encendida defensa de la autenticidad que termina de concretarse mediante las poderosas interpretaciones de Melvil Poupaud y Suzanne Clément y que, en fin, no engaña a nadie bajo tanto aparente dominio de la puesta en escena, tanta madurez y tanta impecable profesionalidad: Laurence Anyways es pura juventud, un arranque fogoso de pasión inconformista, salvaje y muy viva.

7'5/10

Por Xavi Roldan

Crítica de El mensajero (Snitch)

2013-06-04T18:53:00.002+02:00

Cada cierto tiempo, Dwayne Johnson intenta aparcar su faceta de roca participando en proyectos algo distintos a lo acostumbrado. Se aleja de grandes superproducciones y mayores musculaturas, para enfrascarse en películas de corte mucho más sencillo pero quizás mayores pretensiones de futuro. Sin dejar de pertenecer al género de la acción, Sed de venganza, hurgaba en el western al tiempo que se convertía en un thriller de tensión tipo calma chicha, muy contenido y sin apenas exabruptos de balazos y mamporros. Por los mismos derroteros circula El mensajero: si bien no sólo cuente con The Rock, sino con la última e hipermusculada versión del actor, el film busca ser un thriller dramático con un padre de familia obligado a trabajar para la policía con tal de salvar la vida de su hijo. Y la forma de trabajar con las fuerzas del orden pasa por convertirse en el transportista de importantes narcotraficantes, aprovechando su experiencia como conductor de camiones. Lo que podría colar como un episodio de The Wire parte de una historia real que casi, casi, obtiene una adaptación cinematográfica de gran altura.

No lo consigue por poco: durante prácticamente todo el metraje, los esfuerzos se focalizan en sumir al espectador en una historia de ánimo oscuro, que serpentea por una sociedad viciada donde el mal se antoja claustrofóbico. La peligrosidad aguarda a cada esquina en este mundo de tráfico y ex convictos, y la negrura se va abriendo paso a velocidad de crucero, dejando muy poco margen a la esperanza. Se ocupan de buscar tales sensaciones una fotográfica de colores alterados y proliferación de azules, negros y grises; una dirección que apenas permite salir a la superficie, de cámara cercana y temblorosa; y una banda sonora empeñada por componer más que una o dos melodías, todo un microsistema auditivo omnipresente que sobrevive a base de repentinos guitarreos, fogonazos de ritmos más marchosos y súbitas descomposiciones de los mismos. Literalmente, no para. Y a otros niveles, también ahondan en el oscurantismo las descripciones de los personajes, ninguno de ellos totalmente limpio.

Por su parte, Dwayne Johnson demuestra sus habituales limitaciones, pero también ese plus interpretativo que le falta a otras rocas de la actuación; no desentona, en definitiva, y se acompaña de un reparto (Barry Pepper, Jon Bernthal, Susan Sarandon, Michael Kenneth Williams...) sobradamente cumplidor que, de hecho, es de inesperada altura habida cuenta de las características de la cinta. Sea como sea, se le puede reprochar cierta falta de ritmo, o incluso que tal esmero por determinados estados anímicos no siempre dé en la diana. Pero no cabe duda que el director y guionista de todo ello, Ric Roman Waugh, sabe lo que se hace consigue componer un lienzo, cuanto menos estimulante. O eso parece, hasta que su tramo final propone un cambio de rumbo hacia la acción pura. Un Yo soy la ley heroico y rodado por todo lo alto que aunque sea una sensacional set piece de acción y adrenalina, desentona con el resto del metraje.

Dependerá, pues, de cada espectador: si uno sabe a lo que va, si es consciente de las limitaciones que acarrea de manera automática asociar el nombre de Dwayne Johnson a una película de corte serio, puede salir de la sala de proyección moderadamente satisfecho ante una propuesta que se descubre tensa, bien hilvana y con más nervio que tortas. Quien busque sólo de lo segundo ya puede ir tirando... Pero quien apueste por thriller serio, contenido y autoconsciente de principio a fin también, habida cuenta de su tramo final. Un consejo: ni tanto ni tan calvo, y a disfrutar de una tarde tonta de domingo.
6/10

Por Carlos Giacomelli

BD-Crítica de Encontré al diablo (I Saw the Devil)

2013-06-04T07:37:00.000+02:00

No fueron pocos quienes, en su día, quedaron especialmente maravillados con la enésima historia de venganza y violencia coreana proyectada en festivales (el de Sitges la tuvo en 2010), ante la incrédula mirada de quienes llevaban ya diversas propuestas idénticas (sobre el papel al menos) sin moverse de festival y mucho más cortas de la que nos ocupa, sin llegar a colmar las expectativas en ningún caso. Cierto es Encontré al diablo tenía un aliciente extra como es el nombre de su director, el mismo Kim Jee-woon a quien le debemos 2 hermanas, El bueno, el feo y el raro o la norteamericana El último desafío; pero ya se sabe que el género, el de las venganzas orientales, nunca es de fiar dirija quien dirija. Sea como sea, ahora que Cameo la lanza al mercado doméstico se nos han acabado las excusas a quienes íbamos posponiendo su visionado para constatar la sorpresa o bien confirmar las sensaciones de más o menos siempre. Y 145 minutos después, la cara de tontos que se nos queda es impagable.

Porque sí, Encontré al diablo es tan igual al resto de propuestas similares que bien podría hacerse un copia y pega de otra reseña. Su fotografía es oscura, sus colores saturados, los intérpretes siempre parecen situarse entre luces y sombras para que su gravedad emocional trascienda con mayor ímpetu, y el argumento, premisa aparte (o no) corre por los mismos derroteros de siempre: policía siguiendo la pista a asesino (y vaya asesino: con qué facilidad se saca Jee-Woon de la manga un némesis de verdadera pesadilla), entramado que va cayendo a marchas forzadas en lo personal, terceras personas involucradas, y sensación de historia de no retorno asomando a la primera de cambio. Y es que el protagonista (el habitual Byung-hun Lee) las pasa muy, muy putas al principio para justificar luego, a los ojos del espectador, sus actos contra el enemigo. Finalmente, y para no perder la costumbre, Jee-woon trufa el metraje de escenas de acción mezcladas con violencia pura, cruda y muy explícita, y así, las leyes no escritas de este particular género cinematográfico vuelven a cumplirse.

Sólo que esta vez, y los del festival de más arriba tenían razón, la jugada sale redonda. Encontré al diablo se destaca de sus iguales por ser un auténtico derroche de adrenalina desde el primer minuto hasta el último. Apenas si se aprecia algún bajón de ritmo, rápidamente solucionado bien por la fuerza de la trama, bien por lo salvaje de sus protagonistas (la venganza del bueno radica en una persecución sin tregua del malo, a quien tortura físicamente sin llegar a rematarle nunca), o por la acertadísima labor de su director, siempre oxigenando cada escena mediante estudiados movimientos de cámara, otorgándoles dinamismo o bien desvelando poco a poco información adicional sobre la misma. Y se destaca por llevarse realmente hasta el exceso, con una historia de violencia y salvajismo en su esencia, pero también con impactantes secuencias no aptas para estómagos aprensivos. Todo en ella se sale de madre, todo es desmedido y todo encaja en este puzle de locura sin frenos (que incluye, por supuesto, la duración de su metraje).

Lo que queda, en definitiva, es una experiencia de lo más intensa. En primer lugar, por la calidad con que se presenta, inusitada en productos similares con tendencia al formato televisivo. Pero en segundo y más importante, por las cotas de impacto emocional que se alcanzan con su visionado. De acuerdo, Encontré al diablo no será del gusto de todos, y habrá quien se pregunte los valores de una película que casi defiende el concepto de ‘ojo por ojo’ con una hiperviolenta exaltación de valores moralmente dudosos (de acuerdo, hay crítica y contra-moraleja… pero pesan bastante menos), pero por fin una de venganzas coreanas colma las expectativas, y las supera holgadamente. Ya tocaba.
7,5/10

Por Carlos Giacomelli

Y en el Blu-Ray...
Como es habitual en las asiáticas de mayor pedigrí, Cameo edita Encontré al diablo tanto en DVD como en Blu-Ray, gozando esta última de un altísimo nivel de detalle visual tan sólo entorpecido por la evidente presencia de grano; por su parte, el audio se antoja impecable tanto en su 5.1 original coreano como en su ídem castellano. Y, como también suele ser habitual, la distrbuidora la incluye en su colección Winds of Asia, que recoge lo mejor del cine del lejano oriente reciente. El trato es el de siempre: no se acompaña de ningún extra.

Ojo E4 adictos: Trailer de lo nuevo de Skins

2013-06-03T17:19:00.002+02:00

Los fans de la mejor serie adolescente estamos de enhorabuena. Tras su cancelación hace un año, Skins vuelve con tres especiales dobles contando la vida post-finale de Effy (Kaya Scodelario, Cumbres Borrascosas), Cassie (Hannah Murray, Chatroom) y Cook (Jack O'Connell, Eden Lake). E4 ha medido el flujo de información para tras varias imágenes promocionales presentar el primer trailer. El tiempo pasa para los tres jóvenes de Bristol que se labran en futuro o lo destruyen a ritmo de las mejores elecciones musicales en el mundo de la televisión. La fecha de estreno sigue siendo una incógnita pero es seguro que será en el mes de Julio.

REDACCIÓN - SaveMeBarry