La Casa de los Horrores

CREEPY 30s: 15 obras maestras del terror americano de los 30s, por Bill Haverchuck - 0:Introducción

2009-11-20T14:04:00.000+01:00

Tod Browning, James Whale, George Waggner, Rupert Julian, Erle C. Kenton, Michael Curtiz, Jacques Tourneur, Val Lewton, Rouben Mamoulian, Victor Halperin, Ernest B. Schoedasck, Merian C. Cooper, Edgar G. Ulmer, Boris Kaloff y Bela Lugosi son sólo algunos de los nombres que contribuyeron durante los primeros años 30 a lo que acabó significando la Edad de Oro del cine de terror en Hollywood. El cine mudo había llegado a su fin en el peor momento: la economía americana estaba cayendo precipitadamente en su propia Gran Depresión y ante tales perspectivas algunos estudios cinematográficos, en especial la Universal pero también la RKO, optaron por ofrecerle al público, que disponía de apenas unos pocos chelines en el bolsillo, una vía de escape a través de un cine ideado por cineastas que supieron transformar, como tantas veces ha ocurrido en la Historia del Cine, los convulsos sentimientos de impotencia en maravillosas películas de ficción.

En la Casa os proponemos un nuevo especial que repasa 15 de las películas americanas claves de este extraño movimiento que se desarrolló en el cine americano especialmente de 1931 a 1935 y que es esencial para entender la evolución del género en el cine posterior. En especial, repasaremos las que se consideran las grandes obras maestras de esta época, los monstruos más conocidos de la Historia del Cine, los actores más carismáticos de aquel momento y también un par de propuestas algo más alternativas pero igualmente formidables.

Veréis que la selección es bastante homogénea, precisamente porque todas estas películas fueron realizadas casi al mismo tiempo y con unos estándares preestablecidos, así que espero que no falte nada ni que nadie crea que alguna película está fuera de lugar. Debo decir, sin embargo, que por motivos de cantidad de películas a comentar me he visto obligado a hacer las dolorosas renuncias de “El fantasma de la ópera” (Rupert Julian, 1925), “La mujer pantera” (Jacques Tourneur, 1942) y “Yo anduve con un zombie” (Jacques Tourneur, 1943), por no pertenecer al periodo estudiado, así como de “King Kong” (Ernest B. Schoedasck, Merian C. Cooper, 1933), cuya crítica a cargo del Capi podéis leer aquí. La única excepción será “El hombre lobo” (George Waggner, 1941), cuya inclusión tiene algo más de sentido aún no ser de los años treinta por motivos que ya comentaremos.

Y sin más que añadir, la primera película llega en un par de días. ¡Que lo disfrutéis!

Bill H

El cast de "Thor" va conformándose poco a poco

2009-11-20T11:27:00.000+01:00

Recopilemos informaciones dispersas, porque la plana mayor de la mítica ciudad de Asgard empieza a tener rostros. El primer elegido fue Chris Hemsworth (el padre de Kirk en la última "Star Trek") interpretando al propio Thor, así como a su contrapartida terrestre, el doctor Donald Blake. Con esto se acallaban los rumores que situaban en el punto de mira para interpretar al dios nórdico a gente como Paul McKidd, Josh Holloway o al luchador Triple H.

Posteriormente, el televisivo Tom Hiddleston ("Wallander") fue designado como Loki, némesis y mediohermano de Thor y dios del engaño. Más tarde vinieron Natalie Portman como Jane Foster, enfermera, amiga y primer amor del dr. Blake, Jaimie Alexander ("Kyle XY") como Sif (seductora diosa asgardiana y uno de los amores de Thor) y Colm Feore ("24"), cuyo papel aún no se ha acalarado, aunque se especula que será un villano. Del mismo modo, el personaje que interpretará el sueco Stellan Skarsgård ("Ángeles y demonios") sigue siendo un misterio.

Uno de los puntos claves del reparto no podía quedar por debajo de la altura de su personaje, así que se anunció que Anthony Hopkins interpretará al tuerto Odín, gobernante de Asgard, dios de los nórdicos y de paso padre de Thor.

El resto del reparto, tras el salto de página.

Recientemente se confirmó la participación de Stuart Towsend ("La liga de los hombres extraordinarios"), Tadanobu Asano ("Zatoichi") y Ray Stevenson ("Roma") como "los tres guerreros", esto es Fandral, Hogun y Volstagg, y ahora acaba de saberse que el gran Idris Elba (Stringer en "The Wire") se meterá en la piel de Heimdall, guardián del puente de Bifrost, la crítica entrada a Asgard.

Por supuesto por allí campará Samuel L. Jackson como Nick Furia, probablemente intentando reclutar vengadores para S.H.I.E.L.D.

Por el momento, este parece ser el reparto principal, que además ha calmado las ansias de los fans y ha convencido a los directivos de Marvel por igual. Sin ir más lejos, dos de los popes de "la casa de las ideas", el guionista Brian Michael Bendis y el editor jefe, el temible Joe Quesada, han podido ver los sets y dicen estar muy emocionados, que esto va a ser huge y demás... lo cuál no es garantía absolutamente de nada. Y aseguran que el director del proyecto, Kenneth Branagh, cuya elección sigue pareciéndonos desconcertante (casi tanto como en su momento fue la de Ang Lee para encargarse del primer "Hulk"), está emocionadísimo, muy volcado y que "sólo piensa en ello durante todo el día".

El guión, escrito por Mark Protosevich y Zack Stentz situará la historia entre Asgard y la Tierra, y probablemente contará cómo Thor es desterrado del país nórdico para cumplir condena en nuestro mundo mientras se enfrente a las fuerzas malvadas que intenten acceder a él, así que la acción versará entre ambos planos y por el camino nos contará los origenes del personaje creado por Stan Lee y Jack Kirby.

Todo ello será una realidad el 20 de mayo de 2011, día en que "Thor" llegará a los cines.

"Lost" se retrasa

2009-11-20T02:43:00.000+01:00

Breve actualización a este post que os dejamos hace unos días: resulta que habrá que esperar un poco más para saber qué demonios pasó -o dejó de pasar- con nuestros amados losties. ABC confirma que el estreno de la sexta y última temporada ha sido retrasado al 2 de febrero del año que viene y trasladado a los martes, lo que le supondrá una dura pugna por la audiencia viéndose las caras nada menos que con el superéxito de la FOX "American Idol". A partir de febrero ya tendermos algo que hacer los miércoles por la mañana antes de ponernos a trabajar...

Mientras tanto, la especulación está servida: ¿quién vivirá? ¿quién morirá? ¿quién volverá? ¿purgatorio, marcianos, concurso televisivo, sueño de mono esquizofrénico? Para responder a las primeras dos preguntas, echar un vistazo a los fichajes de las nuevas series de esta temporada puede darnos una pista. Para la tercera, se habla de un retorno sonado, pero sólo son habladurías. Para lo último, Lindelof y Cuse siguen jugando a liar la madeja, así que poco sacaremos en claro...

Y esto sólo son rumores, nada de canales oficiales ni fuentes contrastadas, así que coged con pinzas los títulos de los primeros 8 capítulos, de variable nivel spoileresco (después de un simple click):

6x01 - LA X Part One

6x02 - LA X Part Two

6x03 - What Kate Does

6x04 - The Substitute

6x05 - Lighthouse

6x06 - Sundown

6x07 - Dr. Linus

6x08 - Recon

... y así hasta los 18 que compondrán la última temporada de la ficción televisiva más importante, para bien o para mal, de los últimos años.

"Paranormal Activity": cine a la carta

2009-11-19T10:45:00.002+01:00

Curiosa estrategia. Hace pocas horas nos llegaba la nota de prensa convocando a todos aquellos que quieran ver cómo se estrena en su ciudad la sorpresa terrorífica del año para que muevan el culo y voten por ello. En www.paranormal-lapelicula.com se presume de tal cosa, y es aquí donde aparece el contador de peticiones a tiempo real. Se trata de llegar a 200.000, en cuyo caso se estrenará la película "en toda España".

Por lo visto en Estados Unidos el invento funcionó, y se convirtió en el pequeño gran éxito que todos conocemos, así que se ha querido repetir la experiencia.

Por otro lado la nota informa que paralelamente, transcribo, "la red social Facebook ha desarrollado una aplicación viral específica para esta película, donde los usuarios se verán junto a sus amigos de facebook viviendo una actividad paranormal". Hasta que no lo vea no terminaré de entenderlo, la verdad.

En fin, ¿democracia o simple estrategia de márketing? ¿Podremos decidir a partir de ahora si queremos ver algunas películas o es una simple ilusión orquestada por una distribuidora que ya tiene las copias asignadas? Al fin y al cabo tarde o temprano se va a llegar a la cifra de marras, con lo cual acabará estrenándose igual, más temprano (el 27 de Noviembre se estrenará de momento sólo en Madrid y Barcelona) o más tarde. ¿Y entonces qué? Obviamente no se va a estrenar en TODOS los cines españoles, con lo cual su distribución va a ser la normal para un producto de dichas características, de modo que con la estrategia lo que se pretende conseguir no es un valor añadido, sino que se vota por una situación normal.

A mí el invento de todos modos me hace cierta gracia, especialmente si tenemos en cuenta que, como un "Proyecto de la Bruja de Blair" del 2009, "Paranormal Activity" ha sido la sorpresa internautera del año, así que esta presunta democracia ciberespacial tiene cierta coherencia. Pero no olvidemos que esto no es sino un "boca-oreja" versión 2.0, por mucha estrategia viral y mucha "evolución de los canales publicitarios tradicionales".

Para decidir si quieres o no votar, anímate a leer la crítica de "Paranormal Activity" por el Capitán Spaulding aquí.

Crítica de "Tenderness", por el Capitán Spaulding

2009-11-18T23:43:00.000+01:00

Cada cierto tiempo, y de manera más o menos constante, aparecen por las carteleras un tipo de películas cortadas por el mismo patrón que ahora presenta "Tenderness", nueva propuesta del director de "El Escondite" (John Polson).

Se trata de thrillers con algo de indie y mucho de interpretación, pues suelen contar con un reparto, al menos, sorprendente: en este caso, acapara todo el interés el siempre estupendo Russell Crowe (en una de sus muchas fases de alargamiento corporal, en este caso pre-"El Precio del Poder"), con quien se asocian Jon Foster (visto en "Accidentally on Purpose"), Sophie Traub ("La Intérprete") y, en poco más que un cameo, la aterciopelada Laura Dern.

Todos ellos interpretan a una serie de personajes cuyo nexo en común es un joven parricida, Eric, recientemente liberado del reformatorio que lo retenía.

Con estilo sobrio, frío y más bien distante, "Tenderness" propone un juego de caza al ratón multidimensional que va mucho más allá del mero género policíaco (al que, de hecho, apenas se acerca). El primer y más obvio nivel lo protagoniza el detective a quien encarna Crowe, obsesionado con el chico al que otorga crímenes aún por resolver, quien enfrentado a su jubilación y a una trágica situación familiar, emprende la (minúscula) persecución de su sospechoso.

Una siguiente vuelta de tuerca le correspondería a Lori (Traub), una niña menor de edad con serios problemas que alguna vez incluso la llevaron a un intento de suicidio, como observamos fugazmente en una secuencia que, de paso, sirve para confirmar que su núcleo familiar tampoco es que sea el mejor del mundo. Igualmente obsesionada aunque a un nivel más idílico, Lori decide acercarse a Eric buscando cazar emociones nuevas y puras, amen de otras intenciones que no desvelaremos por su relevancia en la película.

Finalmente, la tercera dimensión principal del juego (no hay ningún personaje, por secundario que sea, que no busque nada, pues como dice la voz en off de Crowe en la introducción del film, en el fondo eso es lo que hacemos todos) la encabezaría el propio Eric, recién salido del reformatorio y en fase de sondeo de una personalidad que se mueve entre la redención y el ansia de muerte.

A su vez, el precoz asesino emprende un viaje, que justifica todo el entramado, para hallar a la misteriosa María a quien apenas conoce.

Aun por poco, tal vez sea éste ultimo el que más difícil lo tenga, más debido a los impedimentos con los que debe lidiar que a su propio objetivo, ya de por sí extremo. Y es que sin apenas tiempo de retomar su vida, el joven se topa con una ristra de tentaciones que van poniendo a prueba su aguante al llevarlo de un extremo al otro de la dualidad de sus posibilidades.

De este modo, a la misteriosa y seductora María (por cierto, interpretada por Alexis Dziena, la última novia de E en "Entourage"), cabe sumar sobre todo las múltiples manifestaciones de afecto de Lori, ahora ángel de la guardia, ahora principal causante de sus deseos de matar.

Con semejante condimento de fondo, huelga decir que "Tenderness" no se centra en un sólo género y, de hecho, busca otros objetivos que la mera resolución argumental, siendo principalmente el retrato opresivo y deprimente de unos personajes asolados por el drama su verdadera meta.

Sin embargo, cabe reconocer que a Polson y el guionista, Emil Stern, encargado de adaptar la novela homónima de Robert Cormier, no les ha salido todo lo bien que hubieran querido, ya que en realidad, muchos de esos momentos de supuesto análisis personal o relacional se saldan en sendos minutos de ritmo decadente (principalmente flash-backs superfluos o alargadas escenas en punto muerto), haciendo de las nobles intenciones del film un resultado más bien irregular.

Ciertamente, tan desafortunados instantes se alternan con otros realmente brillantes, que logran despertar toda la tensión del mundo partiendo del mero seguimiento del chico yendo de un punto a otro sin mayor trascendencia (mucho de ello tendrá que decir el acertado apartado musical a cargo de Jonathan Goldsmith).

Por tanto, a base de coletazos rítmicos, la trama se va desarrollando, con una irregular pero siempre presente sensación de calma chicha que va encarrilándose poco a poco hacia una conclusión, alejada de todo regocijo, que confirma ese doble sabor de boca con que se acaba quedando el espectador: aprensión emocional por un lado y frialdad por el otro.

En resumen pues, "Tenderness" no es una película redonda, y de hecho requiere cierto esfuerzo por parte del público para acabar cayendo en gracia. Todo ello no hace sino justificar el retraso con que la película, con fecha del 2008, llega a nuestras carteleras.

Ahora bien, sus irregularidades se ven contrarrestadas por unas ideas de base realmente interesantes (de aquellas que dan que pensar), puntuales momentos de brillantez cinematográfica traducidos en buenas dosis de tensión, y sobre todo por la labor de un reparto especialmente inspirado.

6/10

Estrenos de la semana (18 y 20 de Noviembre)

2009-11-18T15:41:00.004+01:00

Esta semana os ofrecemos los estrenos un día antes de lo acostumbrado. Como es costumbre por aquí, la actualidad manda, así que toca señalar el estreno de una nueva parada, la segunda, en la "Saga Crepúsculo": "Luna nueva", de la que no pienso decir nada por puro agotamiento. Hoy mismo la tenemos en nuestras pantallas.

El resto de estrenos llegarán como es habitual el viernes. Entre ellos destaca la nueva propuesta de Sam Mendes, "Un lugar donde quedarse", comedia indie del año y descanso emocional tras los seísmos conyugales de "Revolutionary Road".

Además Hilary Swank se mete en la piel de la mítica aviadora Amelia Earhart para contanos uno de esos bigger than life diseñados para el Oscar, este dirigido por la responsable de "La boda del monzón".

Russell Crowe por su parte vuelve al thriller en "Tenderness", de la que en breve os podremos ofecer una jugosa crítica, y la representación española vendrá dada por un nueva ración de Luis Tosar (presente en cartelera también con la magnífica "Celda 211") en "La noche que dejó de llover" y por el estreno de lo nuevo del estimulante Isaki Lacuesta: "Los condenados". Conociendo la obra previa de su director, podemos asegurar que estaremos ante una obra inquieta y original.

Para conocer más detalles, clica en el siguiente link.

La saga crepúsculo: Luna nueva (18 de Noviembre)

Dir.: Chris Weitz. Int.: Robert Pattinson, Kristen Stewart, Nikki Reed, Ashley Greene

Edward Cullen decide abandonar a Bella Swan para mantenerla alejada de los peligros del mundo vampírico. Con la ayuda de Jacob Black, su amigo de la infancia y miembro de la misteriosa tribu quileute, Bella intentará superar el abandono de Edward, que la ha dejado sumida en el mayor de los desconsuelos. Pero los peligros siguen acechando a la joven; nuevas y asombrosas criaturas sobrenaturales se cruzarán en su camino, y Bella sólo contará con el apoyo del cada vez más cercano e irresistible Jacob. Repentinamente, Bella se encuentra inmersa en el mundo de los hombres lobo, ancestrales enemigos de los vampiros, y su lealtad es puesta a prueba...

Amelia (20 de Noviembre)

Dir.: Mira Nair. Int.: Hilary Swank, Richard Gere, Ewan McGregor

Hilary Swank da vida a la legendaria piloto estadounidense Amelia Earhart, que desapareció mientras sobrevolaba el océano Pacífico en 1937 en su intento por viajar alrededor del mundo. Ewan McGregor interpreta el papel del padre del escritor Gore Vidal, el gran amor de Amelia. Por otro lado Richard Gere encarna al marido de Amelia, George Putnam, mientras que Virginia Madsen es la ex esposa de Putnam.

Tenderness (20 de Noviembre)

Dir.: John Polson. Int.: Russell Crowe, Laura Dern, John Foster

El teniente Cristofuoro (Russell Crowe) es un veterano policía obsesionado con el caso de Eric (Jon Foster), un joven de 18 años que, tras pasar varios años en prisión acusado del crimen de su madre y su padrastro, conoce a Lori (Sophie Traub), una adolescente que se ha escapado de casa y que se siente irremediablemente atraída por él. Convencido de que Eric es un asesino en serie en potencia, que en breve volverá a actuar, el teniente Cristofuoro seguirá los pasos de la pareja. Aunque esto signifique poner su vida y su carrera en peligro...

Un lugar donde quedarse (20 de Noviembre)

Dir.: Sam Mendes. Int.: John Krasinski, Maya Rudolph, Jeff Daniels

"Un lugar donde quedarse" es la historia de una joven pareja que va a tener su primer hijo, y que se dedica a recorrer los Estados Unidos en busca del mejor lugar para comenzar asentarse y comenzar como familia. Cuando Burt (John Krasinski) y Verona (Maya Rudolph) descubren que están a punto de tener un niño, sufren una crisis de pánico. No soportan el pueblo donde viven, y ahora que los padres de Burt se mudan de allí, pierden el sistema de apoyo con el que contaban. Ambos deciden entonces emprender un viaje en busca del sitio ideal para echar raíces y criar un niño. De paso, visitan a una serie de parientes y amigos. Algunos son absolutos excéntricos, otros son conmovedores, pero todos ayudarán a Burt y a Verona a encontrar su destino. Acabarán por descubrir que para crear un hogar, sólo se necesitan el uno al otro.

Leer crítica del Capitán Spaulding

La noche que dejó de llover (20 de Noviembre)

Dir.: Alfonso Zarauza. Int.: Luis Tosar, Nora Tschirner, Mercedes Sampietro

Spleen (Luis Tosar), un tipo poco corriente, pasa las noches filosofando hasta el amanecer en compañía de sus amigos de La Taberna de los Dramáticos, santuario bohemio al que no falta ni una noche desde hace años. Después de tres meses de lluvia ininterrumpida, de pronto esa noche deja de llover. Es entonces cuando Spleen sale a comprar pan y conoce a La Rusa (Nora Tschirner), una rubia con flequillo en la que materializa sus ilusiones. Juntos iniciarán un viaje inesperado, tierno y surrealista a través de la noche y del interior de ellos mismos que transformará sus vidas por completo…

Los condenados (20 de Noviembre)

Dir.: Isaki Lacuesta. Int.: Daniel Fanego, Arturo Goetz, Leonor Manso

Dos ex-guerrilleros se reencuentran 30 años más tarde en una excavación ilegal, donde buscarán el cuerpo de un tercer compañero desaparecido entonces. La tensión y los secretos escondidos durante ese tiempo aflorarán a medida que se acerquen a la impredecible solución final, donde no todo será lo que parecía.

Las revisiones de La Casa. Hoy: "Tron", por John Blutarsky

2009-11-18T14:30:00.002+01:00

Una de nostalgia en forma de tópicos generacionales: En 1982 Naranjito se erigía como la mascota más kitsch de la historia de un mundial de fútbol, el de España, que por otro lado acabaría protagonizando aquellas monedas de 25 pesetas tamaño tapa de alcantarilla. Bananarama, Duran Duran y Culture Club triunfaban en las listas de éxitos musicales y Dexy's Midnight Runners arrasaban con su "Come On Eileen". Michael Knight se lanzaba en su humilde cruzada para salvar la causa de los inocentes a bordo de Kitt por las ondas de la NBC. El término "Spectrum" dejaba de ser una extraña palabra de un posible latín futurista para ser sinónimo de "entretenimiento molón" y Atari se consolidaba como distracción para familias, digamos, pudientes. Por su parte Hollywood ofrecía aplastantes clásicos modernos de la talla de "Blade Runner", "E.T.", "Poltergeist" y "Acorralado"... y sí, se estrenaba "Tron".
28 años después se seguirá rentabilizando a Rambo y se estrenará una continuación de "Tron" bajo el nombre de "Tron: Legacy", así que esta revisión a 3'5 MHz nos viene al pelo.

A lo que iba: "Tron", dirigida por un tal Steven Lisberger, llegó en esa época clave en que el videojuego se convertía en el entretenimiento del futuro, y la ciencia ficción más popular estaba en pleno auge, con la máquina "Star Wars" (en aquella época "La guerra de las galaxias") perfectamente engrasada y a punto de despachar su tercera entrega. No obstante, y pese a que posteriormente ha pasado a formar parte del imaginario colectivo de la comunidad nerd, en su momento la acogida de público y crítica de "Tron" no fue especialmente relevante.
Aún así, el impacto posterior fue tremendo, siendo la película comercial más importante hasta aquel momento que se lanzaba a tratar ciertas temáticas relacionadas con la informática (los videojuegos y la realidad virtual, el hackeo y el empollón como héroe de un nuevo mundo) e introducir avances visuales con medio pie en el futuro (gráficos generados por ordenador, manipulación digital de la imagen real). El año siguiente llegaría "Juegos de guerra", que retomaría la inteligencia artificial como amenaza real y en el 85 la conspiranoia militar relacionada con la I.A. daba otro paso con "D.A.R.Y.L."
Pero el avance tecnológico no fue lo único que hizo trascender la película hasta el punto donde consiguió llegar. Al considerable impacto visual y el revuelo que causó en la época se une un guión plagado de insinuaciones metafísicas y religiosas, políticas y sociales, de aspiraciones elevadas. "Tron" pretendía ser un entretenimiento a la última, pero también una puesta al día de algunos conceptos orwellianos (el "gran hermano" que nos vigila, ya se sabe) y de las teorías sobre el pensamiento único, la alienación de la sociedad, el libre albedrío y el totalitarismo. Aquí el ser dictatorial que sometía al pueblo recibía el nombre de "Programa de Control" y al demiurgo de no probada existencia al que los hombres se encomendaban se la conocía como "Usuario" en lugar de "Dios". Una paella de difícil digestión que luego tomarían como principal referente los aún más indigestos hermanos Wachowski. De hecho, si la propia "Tron" no fuera ya un popurrí de referentes, podríamos acusar "Matrix" de ser un descarado fusilamiento de temática y conceptos.

Descartemos entonces las aspiraciones filosóficas, que aun nobles no eran nada nuevo y retomemos pues lo que la película tenía para ofrecer a los jovencetes de la época más hambrientos de nuevas sensaciones. Que debían ser todos, digo yo.
Esto era acción pura y dura en un mundo de fantasía de los de toda la vida, solo que pixelado. Aparecían unos "vigilantes" en forma de puente modernista totalmente creados por ordenador a los que había que matar al más puro estilo "Space Invaders" y los personajes, capitaneados por un macarrilla Jeff Bridges tenían que interactuar con un entorno virtual para lograr destruir el "Control Central" a base de golpes de frisbee digital.
¿A qué chavalín de los 80 (bueno, yo la vi a principios de los 90, pero ahí aún era un crío) no le haría babear semejante premisa? Sobre todo si había disfrutado con la saga "Star Wars" de la que, como decía, "Tron" se beneficia indisimuladamente.
Sí, más de uno y de dos decorados y personajes pueden recordar peligrosamente a los de la saga galáctica: el trío protagonista (Bridges, Bruce Boxleitner y Cindy Morgan) guarda un sospechoso parecido con el triángulo Luke-Leia-Han, y algunos decorados y vehículos podrían estar inspirados en toda la parafernalia Imperial. Pero en fin, ya es lo que se llevaba en la época.
Y luego estaba, no nos olvidemos, el emblemático duelo de motos, tan icónica para los amantes de lo pop como aquella carrera de cuádrigas de Ben Hur para los seguidores del peplum. Poco me importa que sea una versión a lo "Blockout" del "juego de la serpiente" de los móviles de toda la vida. Esa secuencia es la esencia de lo cool, y punto.

Hay en algunos momentos una cierta caída de ritmo; y en otros el galimatías informático es considerable para todos aquellos a los que la "programación" no nos dice nada y para los que el 1 viene después del 0 y punto.
Pero ¿quién se pone quisquilloso cuando se sienta por enésima vez ante momento mítico de su vida como cinéfago? Yo, desde luego, no.

En fin, vista ahora por primera vez, la película no pasa de ser la típica producción Disney de la época, tipo "Condorman", "La montaña embrujada" o las de la serie del escarabajo Herbie, sólo que menos infantil y con unos efectos especiales ahora absolutamente desfasados. Así que si no lo hicisteis en su momento no voy a ser yo quien recomiende que invirtáis vuestro tiempo en ella ahora.
Si por el contrario forma parte de vuestra conciencia cinéfila más aventurera y sois de los que, como yo, la colocáis al lado de "Los Goonies" o "Exploradores", a buen seguro os despertará una sana nostalgia y bastante recelo de cara al estreno de la nueva versión. Que ya es mucho.

Contracrítica de "2012", por John Blutarsky

2009-11-18T11:46:00.008+01:00

Me vais a permitir una crítica tocapelotas, pero es que me lo he pasado tan bien viendo la última megalomanía de Roland Emmerich que me parece totalmente injusto el trato que le ha despachado nuestro querido Capitán, pese a que, sospecho, al final acabaremos opinando de forma muy parecida.

Supongo que no hará falta decir que relativicéis mis palabras, que esto no es arte y ensayo, y que no pongáis en el mismo saco crítico este comentario y, por ejemplo, el del último enigma cinematográfico de Isaki Lacuesta.

Pero ojo, sería caer en el elitismo tratar con condescendencia este "2012" valorándolo a partir de un listón más bajo que el de la media, para que saliera menos perjudicada. No, de entrada lo digo y luego lo explico: juzgada en términos cinematográficos clásicos "2012" es un auténtico desastre, es el momento en el que el cine de catástrofes hace más honor a su nombre. Pero a eso me refiero, intentemos aplicar otro prisma al asunto.

Y ese prisma es, por supuesto, el de la espectacularidad. El de la triple voltereta con tirabuzón, malabarismos con copas y mazas de fakir que termina por los suelos, con todas las copas rotas y el fakir incendiado a lo bonzo. Mientras el público se da un panzón de reír, claro, aliviado de ser él quien no ha acabado en posición tan lamentable y dando gracias por los buenos momentos.

Esto es espectáculo, señores y señoras, y lo demás son tonterías. Esto es amortizar esos dolorosos siete euros en más y más y más momentos de adrenalina pura, de gozoso sinsentido argumental y de bofetón estético de extraño atractivo digital.

A esto es a lo que tendrá que agradecer Michael Bay cuando vaya a ver "Transformers 3", porque esto es lo que me ha reconciliado con el blockbuster descacharrante y con el exceso de... bueno, de todo.

Porque además Emmerich ha demostrado ser más listo que Michael Bay en tanto que conoce sus propias limitaciones. Emmerich sabe que no va a ser capaz de dotar de vida a sus personajes, y que la densidad emocional de las escenas que componga no va a tener más alcance que la de un catastrófico de sobremesa. Por eso se contenta con delimitar todos los elementos colindantes a la acción dentro de unos cánones 100% reconocibles y gastados ya... ¿desde cuándo? Exacto, desde el cine de catástrofes de los años 70. ¿O me vais a decir que los personajes de los exploits setenteros de terremotos, incendios y derrumbes que tanto decimos disfrutar tienen mucha más definición que este papá redimido, esta esposa reenamorada, este malvado asesor de la Casa Blanca o este perspicaz científico? Pues eso.

Juraría que hasta lo ha hecho aposta. Puede que incluso los guionistas le ofrecieran situaciones más elaboradas y personajes menos estereotipados y Emmerich les soltara "no quiero que me molestéis con vuestras tonterías". Lo que decía: tiene que haber un héroe improbable. Tiene que haber una rubia gritona. Tiene que haber hasta un perrito que se salva. Porque en tanto que el invento ganara puntos por el lado de la sensatez los perdería por el de la insensatez. Y de nuevo: a escala global esto es lo más genialmente insensato que he visto en varios meses.

Pero lo cosa no termina ahí, y es que Emmerich no sólo es más listo que Bay. No, en cuestiones de planificación demuestra que además los tiene más bien puestos, porque Bay siempre acaba enmascarando su tosca realización con un montaje tan exageradamente picado que al final impide al espectador saber qué demonios está pasando, colándole por trepidante lo que en realidad es atropellado. A Emmerich el montaje a ritmo de hardcore se la trae al fresco. Prefiere evidenciar su nula personalidad fílmica si con ello consigue elevar la espectacularidad al cubo, llegando a un extraño clasicismo en su plano, que suele ser mucho más abierto y explicativo que el de Bay, cerrado y confuso. ¿Quién diantre quiere ver el movimiento de quinientas tuercas y tornillos a la vez a medio metro de un supuesto robot gigante cuando puede contemplar, casi a cámara lenta, cómo literalmente se hunde la ciudad de San Francisco en el Pacífico mientras una avioneta sortea vagones de metro en el interior de una descomunal falla?

Y ya que saco a colación esta secuencia concreta, sólo le veo una pega: siendo de largo lo mejor de la función y la burrada más salvaje vista este año, llega demasiado pronto en la película. Con lo cuál nos pasamos la siguiente hora y media esperando una réplica de igual o mayor magnitud que no termina de llegar nunca. Y aunque no llegan al nivel, suerte que ahí están absolutas genialidades como la del [cuidado con los SPOILERS] personaje de Woody Harrelson siendo tragado por el parque de Yellowstone reconvertido en volcán, el presidente Kennedy reocupando por la fuerza la Casa Blanca en forma de portaaviones o ese Arca de Noé versión "Battlestar Galactica" evitando colisionar contra... ¡el Everest!

Además, qué demonios, ese plano último con África como bastión final y tabla de salvación para la humanidad tiene mucha coña y resulta tan genuinamente naïf en su hipotético espíritu revulsivo antiamericano como el momento de la rueda de prensa del gobernador de California. [FIN SPOILERS]

Dejad los prejuicios en casa, poneos el chip de "más es... mucho más" y preparaos para disfrutar de 160 minutos de absoluto dislate catastrófico.

Como cine es una mierda, como espectáculo total es justamente eso: total.

8/10

Crítica de "The House of the Devil", por el Capitán Spaulding

2009-11-18T08:21:00.000+01:00

Seguramente no sean pocos los que, como hice yo, hayan depositado grandes esperanzas en "The House of the Devil", una típica película con haunted house que seguramente se hubiera perdido en los fondos de estantería de las tiendas de no ser por su espectacular promoción. No, evidentemente no es una publicidad que destaque por una gran inversión económica o agobiante invasión en los medios (para eso ya están "2012" y similares), pero los adeptos al cine de terror, en general, habrán quedado maravillados antes sus carteles y trailers, de un aire deliciosamente ochentero.

Además, los más fans del género (los que se bambolean en la fina línea que separa su afición de la enfermedad mental) no habrán pasado por alto el nombre de su director, que no es otro que el mismísimo Ti West encargado de llevar a cabo la esperada secuela de "Cabin Fever", lo cual no hace sino dotar a la película que comentamos de un plus de interés.

Mejor pinta la cosa cuando a todo ello le sumamos quince minutos iniciales arrolladores, que confirman un homenaje tan impecable al terror de los ochenta que por momentos parece que hayamos retrocedido atrás en el tiempo: zooms constantes, títulos de entrada que pueblan buena parte de una pantalla cuya imagen se va congelando con cada nombre aparecido, encuadres, vestuario, maquillaje, actriz o y una banda sonora a base de melodías chillonas de pianos u organillos. Todo ello envuelve un argumento aún más clásico, el de la niñera que encuentra trabajo en una misteriosa y fantasmagórica casa alejada de la ciudad y habitada por una familia de lo más inquietante: elementos de sobra para enamorar al espectador, que si además logra visionar la película en una sala antigua y rústica, puede imaginar que está a punto de vivir una experiencia realmente única. El problema es que todo se queda en eso, en un "a punto de" que jamás llega a materializarse para desespero del respetable. En nada queda el que era uno los films con mayor potencial del género, a la postre un hito en desaprovechamiento.

Sería injusto decir que, una vez pasado el primer bloque argumental referente a la presentación de la protagonista y su entorno (por cierto, más que correcta interpretación la de Jocelin Donahue), el interés de "The House of the Devil" desaparece por completo. Evidentemente, queda por descubrir la dichosa casa, por lo que los primeros pasos de la niñera dentro de ella siguen manteniendo el ritmo del comienzo, siempre navegando entre el homenaje a los 80 y la creación de una atmósfera más que correcta en gran parte gracias a las características del propio lugar.

Sin embargo, a partir de ahí comienza un descenso continuo palpable a nivel de ritmo, emoción y atractivo: durante toda una hora (minuto más minuto menos), Ti West se dedica a grabar los paseos de la protagonista por los pasillos y habitaciones de la casa, sin descubrir nada de especial interés y por tanto echando por tierra la tensión lograda antes y cualquier posibilidad de asustar por medio de la sobrecogedora mansión. Lo único capaz de mantener algo de esperanza es una serie de ruidos nada espectaculares, que no esconden el hecho de que, a lo largo y ancho de tan eterno arco argumental, apenas ocurra un acontecimiento de relevancia, que evidentemente no puede ser explicado en estas líneas.

Tan sólo el último cuarto de hora (siendo muy generosos con la medición del tiempo) logra reavivar la llama apagada una hora antes. Cuando por fin se pone toda la carne en el asador, "The House of the Devil" se torna súbitamente en una obra maestra, una genial película de maníacos acosadores y virginales víctimas, tan evocador de viejos recuerdos como sumamente entretenido.

El problema es que cuando lo bueno arranca, queda demasiado poco para su conclusión, por lo que no sólo sabe a poco el subidón provocado, sino que además todo se sucede de manera excesivamente veloz, casi fugaz, llevando a tropiezos argumentales de vario tipo, confusión general y, pero aún, a determinadas justificaciones realmente demenciales que echan por tierra toda seriedad posible (entiéndase a nivel conceptual, no de carencia de diversión).

Es cierto que muchos títulos de la década que rescata West (y no sólo) pecaban de prácticamente los mismos males que ahora acarrea "The House of the Devil", pero justamente por ello en su día seguramente muchos de ellos fueron vilipendiados y no fue hasta pasados varios años que se revalorizaron con el factor entrañable mediante. Y habla de ello un consumidor acérrimo de dichas películas.

El problema aquí radica en que, al no poder conseguir semejante argumento la que nos ocupa, los tiernos fallos de sus referentes se convierten en ésta en puro y duro tedio (quién sabe si a veinte años vista la cosa cambie), suponiendo un excesivo esfuerzo aguantar la media hora larga de metraje por tan escasos minutos de brillantez.

Suponiendo por tanto una de las oportunidades más desaprovechadas que se recuerdan, esta casa endemoniada suspende de la misma manera que lo hace su director, lo cual sirve de paso para rebajar al instante cualquier expectativa (¿?) puesta en la antes citada secuela de "Cabin Fever".

Ahora bien, no me cabe la menor duda de que muchos disfrutarán de "The House of the Devil", aunque siempre me quedará la duda de cuánto de ese goce es forzado por todo lo que la rodea.

Sinceramente, yo me aburrí como una ostra.

3,5/10

La saga de "Piratas del Caribe" cambia de manos

2009-11-17T16:45:00.001+01:00

Por lo menos en lo que concierne a su director, porque Gore Verbinski, realizador (o así) de las tres anteriores partes del swashbuckle desmadrado cederá el testigo a Rob Marshall en esta cuarta "Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides"

La decisión no deja de ser desconcertante, habida cuenta del curriculum del director, que incluye la muy celebrada "Chicago", la muy denostada "Memorias de una geisha" y la ¿muy esperada? "Nine" (el musical con Daniel Day-Lewis, no la de los monigotes producida por Tim Burton).

De momento se han acallado los rumores que indicaban lo contrario y se ha confirmado que Johnny Depp volverá a poner histrionismo y eyeliner con su célebre capitán Sparrow, y que esta vez, con la posible ayuda de su hermano, se las verá y se las deseará para encontrar la mítica "fuente de la vida".

Personalmente con la primera tuve más que suficiente, pero vista la acogida bestial de que goza cada nueva entrega, la franquicia tiene por el momento el futuro asegurado.

Y debo reconocer que con el cambio de director yo por lo menos la curiosidad ya la tengo picada...

Jason Momoa será Drogo en "Canción de Hielo y Fuego"

2009-11-17T14:16:00.001+01:00

Jason Momoa, quien interpretara al Ronon Dex de la serie "Stargate: Atlantis", ha sido finalmente el elegido para encarnar a Khal Drogo, uno de los personajes secundarios más interesantes de la popular saga "Canción de Hielo y Fuego", que como sabemos está siendo adaptada para la HBO en formato de serie televisiva.

Recordemos que la serie está estructurada (en principio) por diversas temporadas que se centrarán, cada una, en los respectivos libros publicados por George R. R. Martin. Vamos, que la primera temporada se llamará "Juego de Tronos".

Thomas McCarthy se encuentra tras la dirección del capítulo piloto, que está siendo grabado en diferentes puntos del globo (desde el Reino Unido hasta Marruecos) mientras los fans esperamos tanto su estreno (en el 2010) como la publicación del quinto tomo de la saga literaria, titulada "A Dance with Dragons".

Os dejamos con la foto del actor, que podreís ver con tan sólo un click.

Tres nuevos carteles para la "Alicia" de Tim Burton

2009-11-17T10:39:00.001+01:00

Se acabó la oscuridad y el mal rollo gótico. Definitivamente se hizo la luz en el universo Burton, "Sweeney Todd" fue un espejismo soft-gore, y el director decide seguir echando mano del pantone y retomar la senda iniciada con "Big Fish" y "Charlie y la fábrica de chocolate". O por lo menos eso parece viendo el material promocional de su nueva y archiesperada "Alicia en el país de las maravillas".

Como estos tres carteles que-son-uno que os traemos a continuación y que oscilan entre lo bonito, lo kitsch y lo lisérgico pero que preparan el camino para lo que va a ser uno de los imperdibles del año próximo.

Viendo los pósters, la verdad es que se puede observar claramente lo que os decía: no cuesta hacerse una idea aproximada de en lo que ha devenido el mundo del director en los últimos años: una síntesis de los elementos de su universo particular (las temáticas fantásticas y "de cuento", el uso de ciertos elementos puramente estéticos como las omnipresentes espirales o los no menos omnipresentes Johnny Depp y Helena Bonham Carter, también casi como elementos estéticos) conjugados todos ellos en un discurso más maduro -que no destinado a un público más maduro, cuidado- pero en mi opinión mucho menos estimulante.

Que cada uno vea y juzgue por sí mismo.

Crítica de "La Horde", por el Capitán Spaulding

2009-11-17T00:32:00.001+01:00

Vista en el pasado día de los zombies de Sitges '09, "La Horde" (debut cinematográfico de los directores Yannick Dahan y Bejamin Rocher) supuso una grata sorpresa para todo amante del género de no muertos, y no sólo porque no hay mejor hábitat natural para ella que los festivales especializados (en el catalán recibió un sinfín de ovaciones), sino porque se trata seguramente de la película más honesta de los últimos tiempos, una abierta confesión de amor hecha por y para devotos de los zombies... aunque justamente lo último que tenga el film sean esa clase de carnívoros propiamente dichos.

Y es que una vez más toca hablar del eterno debate: ¿pueden los no muertos correr como locos y convertirse en rabiosos seres tan ágiles como despiadados? Efectivamente, aquí, igual que sucediera con "Amanecer de los Muertos", los adorables gules corren que se las pelan, suponiendo un inesperado revuelto estomacal para los más devotos que, eso sí, se placa rápidamente en virtud de las posibilidades que ello comporta. Pero no adelantemos acontecimientos.

Más bien poco del argumento efectivo que acaba desglosando "La Horde" se intuye en sus primeros veinte minutos, donde la presentación de situación y personajes se disfraza de película de acción total al mostrarnos a un grupo de protagonistas inmersos en la tarea de adentrarse en un edificio, donde reside una banda rival, y poder así cumplir una venganza. Algo se tuerce, los primeros son capturados por los segundos, y cuando están a punto de ser ajusticiados es cuando, por fin, aparece el primer infectado (evitaré llamarlos zombies para no levantar ampollas).

A partir de aquí comienza una lucha por la supervivencia, traducida en escapar del edificio maldito (¿alguien dijo "[Rec]"?), en la que protagonistas y antagonistas deberán unir fuerzas para hacer frente al mal mayor, una horda de muertos vivientes dispuestos a todo por un cacho de carne.

No deja de llamar la atención semejante comienzo, tan alejado de lo esperado en lo que no deja de ser un fiel exploit de género. Sin embargo, a la postre se percibe justamente como una astuta y velada declaración de intenciones, pues el tándem de directores debutantes no abandona jamás el tono de película de acción (hoy en día resulta muy difícil convencer con un film de zombies y terror, tan superada está la temática) aun con la presencia de decenas de gules correteando por los pasillos del bloque.

Lo que sí sucede a partir de la aparición del primer infectado es una precipitación de acontecimientos, una locura frenética plagada de carreras, disparos, persecuciones, sangre y mucho humor algo macarra (y macabro).

Merece la pena detenerse algo más en la mencionada aparición, pues sucede de manera totalmente inesperada aunque en el momento idóneo, instantes antes de que el espectador comience a preguntarse hacia dónde demonios va a ir la película. Además, supone una potente carta de presentación, una mutación súbita de cierto personaje que, a su vez, escenifica perfectamente el cambio que a partir de entonces emprende la película tanto a nivel argumental como, y sobre todo, de extremismo.

Y es que la violencia que ofrece "La Horde" desde ese momento se antoja sumamente explícita, gratuita (y por tanto, bienvenida) y física: muchos infectados perecen a base de peleas cuerpo a cuerpo contra nuestros héroes, en enfrentamientos a porrazo limpio cuyos golpes parecen percibirse en las propias carnes del espectador. Por supuesto, todo ello pasado por la pátina de un humor personificado tanto en el exceso salvaje como en la presencia de un trastornado anciano veterano de guerra que no tarda en arrebatar todo el protagonismo y erigirse como auténtico ídolo de masas gracias a sus chistes, sus mordaces comentarios y sus técnicas de combate.

Todo ello, si visto de manera correcta (es decir, con un público abierto a esta clase de cine) no hace sino suponer una idílica comunión potencialmente generosa con los aplausos y permisiva con ciertas concesiones que, en otras circunstancias, podrían costar caras.

Porque si bien tras la máscara del sano homenaje, a nadie se le escapa el paso por prácticamente todos los clichés del género, hasta el punto de ser realmente poco importante el desarrollo de una trama que se conoce de antemano y que se revela en total contraposición con la notable caracterización de personajes, su alternancia de roles o la evolución de relaciones entre ellos.

En todo caso, en el cine de los zombies/infectados bien cierto es que la trama suele ser el último punto a tener en cuenta, por lo que entre ello y las enormes ganas por parte del fan del género (como un servidor) de poder ver de vez en cuando una película que justifique el porqué de sus gustos, "La Horde" se convierte en un paso obligatorio por la sala, el videoclub o donde quiera que pueda verse la película. Recogiendo directamente el legado de la antes citada y maravillosa "Amanecer de los Muertos", la francesa adquiere la categoría de obra de culto para todo aficionado al gore, la violencia, lo fantástico, y los muertos vivientes. Por supuesto, si no se comparten esos gustos puede tornarse en un espectáculo terrible, pero de lo contrario el debut tras las cámaras de los más que efectivos Dahan y Rocher es tan brutal como brillante y, sobre todo, obligatorio.

8/10

Larry Charles creará una sitcom geek para la NBC

2009-11-16T16:49:00.000+01:00

Pues sí, estamos de enhorabuena. Larry Charles prepara proyecto televisivo con Warner. Descorchemos el champán y... ah, ¿que el nombre de Charles no os dice nada? Bueno, pero si os decimos que es el hombre que se puso debajo de la gorra de director en "Borat" o "Brüno", la cosa cambia y ya podéis ir haciéndoos una idea aproximada de por dónde van los tiros... ¿no?

La noticia es de lo mejor que hemos podido oir los amantes de la comedia televisiva en los últimos días. Y es que esta especie de Alan Moore catódico está detrás de dos de las cumbres del medio: "Seinfeld" (para quien esto escribe, la mejor sitcom de los últimos 20 años, ahí es nada) y "Curb Your Enthusiasm" (o "Larry David": la mejor serie que no estás viendo), y últimamente lo hemos podido rastrear hasta la estupenda y adictiva "Entourage". Así que su proyecto para la cadena que le acogió en tiempos de "Seinfeld" vuelve a servirle como plataforma para su brillante y corrosivo embarrasing humor en una serie que -ojo cazadores de high concepts prometedores- versará sobre una panda de fanboys de una serie de ciencia ficción en un pequeño pueblo que pretenden grabar su propia versión del show después de ser cancelado.

Algo así como una mezcla de "Rebobine por favor" y "The Big Bang Theory", vamos.

Una idea prometedora e inspiradora. De hecho... ¿alguien se me apunta a grabar nuevos episodios de "Arrested Development"?

Crítica de "2012", por el Capitán Spaulding

2009-11-15T23:44:00.001+01:00

Cuando hace algunas semanas hablábamos de "La Huérfana", decíamos de su director que estaba especializándose en buenas malas películas. De ser cierto, ello sólo podría significar una cosa: el mayor referente de Collet-Serra no puede ser otro que Roland Emmerich, quien tras el parón artístico sufrido con "10.000", retoma su temática favorita en "2012", la destrucción de la humanidad.

Aprovechando cierta premonición adjudicada a la civilización maya, el director de "Independence Day" escribe y dirige el fin del mundo acaecido mediante una serie de cataclismos naturales que, además de diezmar toda forma de vida, altera de manera irreversible la geografía de la Tierra en general y de los Estados Unidos en particular. En medio del meollo, una ristra de actores, en horas bajas la mayoría de ellos, interpretan a quienes tratan de hacer frente a la adversidad como buenamente pueden.

Como si de un remake bigger, longer & uncut de "El Día de Mañana" se tratara, "2012" no puede ser valorada desde un único punto de vista general que englobe en el mismo saco carencias (en este caso muchas y muy graves) y virtudes de la última y megalómana producción del alemán. Hacer una media a pelo de cualidades artísticas y técnicas la dejarían en una indecente posición de inferioridad, condenada a rivalizar con "DragonBall Evolution" y "Transformers 2" para alzarse como la peor película del año. En otras palabras, "2012" es una auténtica aberración, una patada en las partes nobles al cine y un sacacuartos con el que el director, acusado de estar acabando con el séptimo arte junto a Michael Bay, casi parece reírse con saña en la cara del espectador que religiosamente haya acudido a su proyección para convertirla en el éxito comercial que acabará siendo (y que otorga a su vez el estatus de dios cinematográfico con que actualmente cuenta en Hollywood el alemán).

Igual que la anterior serie de catastróficas desdichas protagonizada por Dennis Quaid, la película que nos ocupa cuenta con un guión estúpido hasta la irritabilidad, plagado de personajes cuyo nivel de estereotipo roza la parodia: ninguno de ellos logra resultar mínimamente interesante, no digamos emotivo, bien sea el escritor divorciado reconvertido a héroe a la fuerza, la mujer rusa pija y de plástico con perrito de peluche siempre a cuestas, o el Presidente de los Estados Unidos (interpretado por Danny Glover, para más señas). En vez de ello, lo que provocan son unas ganas inauditas por parte del espectador de ver cuánto tardan en morir, con la consiguiente frustración al comprobar que no a todos les llega su San Martín (¿o es que alguien lo dudaba?).

Mientras se van presentando los componentes del indigesto reparto coral (John Cusack, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Oliver Platt... de todos ellos, tan sólo se salva un Woody Harrelson dispuesto a convertirse en el nuevo actor del momento) la película adquiere características de un acordeón, al ir alternando situaciones globales con individuales, o lo que es lo mismo, destrucción a gran escala con desarrollo de los personajes (lo de desarrollo es un decir). La voluntad de recurrir al clásico patrón del cine catastrofista queda por tanto patente en un guión que casi parece haber partido de la ya citada ad nauseam "El Día de Mañana". El problema es que en "2012" todo tiene aún menos sentido que de costumbre, lo cual hace muy difícil la aceptación de las diversas situaciones en que se meten personajes y humanidad, aumentando la sensación de broma pesada conforme progresan sus, atención, 158 minutos. ¿O es que ahora va a resultar que somos capaces de construir lo que construimos en tan sólo tres años, mientras que la calle de delante de mi casa lleva abierta seis meses por una tubería que no acaban de reparar? Claro, por eso después pasa lo que pasa, y el aparato más avanzado de la Tierra es capaz de fallar por un cable mal enrollado... (los que hayan visto la película sabrán de lo que hablo si permanecieron despiertos).

A todo ello cabe darle otro buen tirón de orejas a Emmerich por volver a engañar al respetable con un aluvión de descripciones de "2012" de lo más alejadas de la realidad. Porque es cierto, la cantidad de efectos especiales aumenta con respecto a sus anteriores catástrofes cinamtográficas, pero ello se debe únicamente a que la duración de su nueva propuesta es mucho mayor que aquellas, por lo que la proporción es prácticamente igual. Dicho de otro modo, la sensación de decepción vuelve a hacer acto de presencia en una película que podría haber sido mucho más burra y espectacular de haber contenido más escenas de destrucción masiva y menos diálogos o, directamente, personajes.

Con todo, como decíamos al principio esta es una película que no contempla una sola valoración. Y es que si todo lo expuesto hasta ahora son elementos suficientes para el suicidio masivo por parte del público, bien cierto es que éste acude a ver "2012" solamente para disfrutar de la más avanzada tecnología y las catástrofes más grandes jamás contadas. Y bajo este prisma, la película cumple sobradamente.

Así, cuando Emmerich se olvida de sus onanismos dramáticos y se centra en la vertiente puramente videojuego del film, este se torna absolutamente espectacular, regalando secuencias de acción inolvidables y orquestadas con el atino propio de un genio. Las carreras de vehículos por ciudades que, literalmente, se están hundiendo en lava, los vuelos de avionetas entre edificios en fase de desmoronamiento, las olas de kilómetros de alto... se trata de momentos que bien valen su peso en oro y que, en más de una sala, despertarán de seguro ovaciones cerradas.

El problema reside en tener la paciencia suficiente como para esperar a la siguiente explosión de efectos especiales sin abandonar la sala antes de tiempo, algo que, por muy adecuado que se intente tener el baremo ante semejante tipo de producción, resulta realmente difícil.

Y es que al insultante guión se le deben añadir discursos terribles de un Emmerich perdido en conspiraciones de andar por casa (lo de la muerte en el mismo túnel en que falleció Lady Diana es denunciable), críticas sociales así como a cierto político californiano, dramatismos de telenovela y heroicidades de tercera. Tampoco cabe olvidar su obsesión por disfrazarse de Michael Mann y rodar planos con cámaras digitales, de resultado no sólo sonrojante, sino hasta molesto en determinadas ocasiones.

Y si a semejante mezcolanza se le añade un puñado de actuaciones como mínimo dudosas y, en el caso español, un doblaje a caballo entre película porno y "Kung Fu Sión", el resultado final puede ser tan desalentador como, dependiendo del día, incluso ofensivo.

Al menos, si algo puede decirse a favor de todo ello, es que ya nada nos pilla por sorpresa. Y es que Roland Emmerich es el mejor ejemplo de director del que, tristemente, se sabe exactamente lo que esperarse de cada una de sus películas.

"2012" es un auténtico desastre pero, de verse, tiene que ser en pantalla grande, por lo que allá cada uno con su nivel de paciencia y su conciencia cinéfila.

3/10

(Ah, no, que no podía hacerse una única valoración... bah, yo acabé muy harto de la dichosa película)

La Academia entrega antes sus premios honoríficos

2009-11-15T20:23:00.002+01:00

Los que seguimos año tras año la ceremonia de entrega de los Oscar en directo nos vemos obligados a pasar por un peaje con el que la ya de por si larga gala ralentiza su ritmo aún más. Dicho peaje responde al nombre de "Oscar honorífico" (o "Governor's Award") y suele ser un momento emotivo, necesario y un acto de justicia hacia ciertos nombres de la industria, pero que a altas horas de la madrugada se antoja peligrosamente farragoso y suele generar entre los habitantes de La Casa (habituales compañeros de batallas ceremoniales) comentarios del estilo "con lo tarde que van y ahora salen con esto...", o el más prosaico "jodeeeeeer...". Falta de romanticismo, si queréis, o exceso de sentido práctico quizá.

El caso es que, gracias a Las Horas Perdidas nos enteramos que este año se ha decidido suprimir el apartado de la gala y a mí sólo se me ha ocurrido pensar "dichosa Academia y su falta de respeto por sus veteranos...", pero sé que el próximo 7 de marzo mi cuerpo lo agradecerá. Pues bien, dichos galardones fueron entregados anoche en Grand Ballroom (muy cerquita del Kodak Theatre, sede oficial de la gala madre en los últimos años), con gran presencia de nombres rutilantes -entre ellos Tom Hanks, Quentin Tarantino, Jack Nichoson, Steven Spielberg, Ron Howard, Kirk Douglas o George Lucas- pero sin ningún tipo de cobertura televisiva.

Los receptores de tan emocionante (y peligrosamente premonitorio) galardón fueron Lauren Bacall "en reconicimiento de su papel determinante en la Edad de Oro del cine", John Calley "por una constante calidad en la producción cinematográfica", Roger Corman, "por su rica producción cinematográfica y su influencia sobre directores" y Gordon Willis "por su indiscutible maestría en el tratamiento de la luz, la sombra, el color y el movimiento"

Más en la página oficial de la Academia.

"Independence Day" tendrá dos secuelas

2009-11-13T16:39:00.001+01:00

Definitivamente, a Roland Emerich le gusta llamar la atención. Primero vende la tierra a un grupo de extraterrestres descerebrados, luego la destruye y más tarde la vuelve a destriur otra vez. A pocas horas del estreno mundial de "2012" y escasos días del anuncio de su serie-continuación el director alemán se descuelga con el anuncio de no una, sino ¡dos! secuelas para "Independence Day".

Dice tener un nuevo arco argumental a desarrollar en dos películas que se llamará "ID4-EVER", y en el que la tierra volverá a ser el objetivo de tan adorables criaturas siderales, y afirma tener en mente a Will Smith para liderar sus tropas ante las fuerzas del mal (Emmerich dixit).

Si algo nos han enseñado las producciones de este señor es que el rizo siempre se puede rizar una vez más, así que esto promete ser un festín de efectos especiales de los de quitar el hipo y de paso también una máquina de amasar pasta en cantidades pornográficas.

Permaneceremos atentos

Trailer del nuevo "Teniente Corrupto"

2009-11-13T12:12:00.001+01:00

Aprovechando el inminente estreno de la revisión que el casi siempre interesante Werner Herzog ha llevado a cabo de aquel salvaje descenso a los infiernos de la conciencia humana que era el "Bad Lieutenant" de Abel Ferrara, recuperamos su trailer promocional.

Nicholas Cage sustituye al (para nosotros insustituible) Harvey Keitel en una controvertida película que se pudo ver en el pasado festival de Sitges y que el próximo viernes aterrizará en las carteleras norteamericanas.

Nosotros tendremos que esperar algo más, concretamente hasta el 4 de diciembre, coincidiendo con otro estreno de película de Sitges, carne de videoclub, "Sorority Row".

Para ir abriendo boca, en unos días os ofreceremos nuestra opinión respecto al último capricho del director alemán, con una nueva crítica de nuestra exclusiva (y eterna) cosecha Sitges '09.

Estrenos de la semana (13 de Noviembre)

2009-11-12T22:27:00.001+01:00

Como cada vez que se aproxima el viernes, toca repasar los estrenos de la cartelera española, de los que esta semana destaca por encima del resto "2012". El que probablemente sea el último blockbuster del año está recibiendo una campaña publicitaria lo suficientemente grande como para ni tan siquiera mencionar el resto de películas con que compartirá cartel.

Y para qué engañarnos, las ganas de ver semejante explosión de efectos especiales son muchas.

Ahora bien, si el lector no es de los que se deja convencer tan fácilmente por Roland Emmerich, el cineasta especialista en catástrofes, puede encontrar desde mañana mismo el último invento de Robert Zemeckis con el cine digital (un "Cuento de Navidad" que ha tenido muy buena acogida a nivel de crítica), o disfrutar de una de las grandes de Cannes '08, "Tokyo Sonata", que se llevó en dicho certamen el Un Certain Regard.

Por lo demás, el IRA vuelve a las pantallas de la mano de Ben Kingsley y Jim Sturgess, Sergi López y Kristin Scott Thomas protagonizan una relación a tres bandas de lo más carnal, y destaca la presencia de Paz Vega en "Triage", donde comparte cartel nada menos que con Colin Farrell y Christopher Lee.

El cine español cuenta con doble representación, y para los más curiosos puede valer el documental "El Viaje de la Tortuga", narrado por Blanca Portillo.

Ahora bien, a un servidor lo podrán encontrar en la sala de "2012", disfrutando religiosamente del último despilporrio hollywoodiense...

2012

Dir.: Roland Emmerich. Int.: John Cusack, Amanda Peet, Woody Harrelson

Como el calendario maya predice, el mundo se acaba en el año 2012, con desastres naturales como erupciones volcánicas, tifones y glaciares inundando el planeta. Nunca antes una fecha en la historia ha sido tan importante para tantas culturas, religiones, científicos y gobiernos. 2012 es una aventura épica sobre un cataclismo global que provoca el fin del mundo y cuenta la heroica lucha de los sobrevivientes.

50 Hombres Muertos

Dir.: Kari Skogland. Int.: Jim Sturgess, Ben Kingsley, Rose McGowan

Basado en una historia real. Martin McGartland (Sturgess) es un pequeño delincuente del Belfast de finales de los años 80 despreocupado por el trasfondo político de la lucha entre católicos y protestantes. La principal preocupación de McGartland es sobrevivir y hacer su vida más fácil a través de los constantes controles policiales. Sus circunstancias le hacen fácil objetivo para que un agente de los servicios de inteligencia (Ben Kingsley), le fuerce a proporcionar información sobre las actividades de la organización terrorista IRA. Pero su éxito como espía se convierte en su penitencia. Además de ponerse a si mismo en peligro de muerte, sus actividades amenazan a su familia. Desde entonces, y ya han pasado 20 años, McGartland tiene que vivir de forma clandestina para evitar el castigo del IRA que traicionó.

Leer crítica por el Capitán Spaulding

Cuento de Navidad

Dir.: Rober Zemeckis. Int.: Jim Carrey, Gary Oldman, Colin Firth (Animación)

Ebenezer Scrooge (Jim Carrey) comienza las vacaciones de Navidad con su habitual actitud despreciativa y bruscos modales cuando habla con su fiel empleado Bob Cratchit (Gary Oldman) y con su alegre sobrino (Colin Firth). Pero cuando los espíritus de las Navidades pasadas, presentes y futuras lo llevan en un esclarecedor viaje que le revela verdades que él se resiste a ver, el viejo Scrooge finalmente deberá abrir su corazón y compensar años de rencor antes de que sea demasiado tarde... Adaptación del clásico de Charles Dickens, utilizando la misma técnica de animación que en "Polar Express" y "Beowulf".

El Viaje de la Tortuga

Dir.: Nick Stringer. Voz: Blanca Portillo (Documental)

Una pequeña tortuga marina sigue el camino de sus ancestros en uno de los más extraordinarios viajes del mundo natural. Nacida en una playa de Florida, atravesará la Corriente del Golfo hasta llegar al norte helado, nadará por el Atlántico y llegará a África para regresar de nuevo a la playa que la vio nacer.

Eloïse

Dir.: Jesús Garay. Int.: Diana Gómez, Ariadna Cabrol, Laura Conejero

Asia, una chica de 18 años, está en el hospital en estado de coma. Su madre y su novio, Nathaniel, la cuidan. Poco a poco iremos viendo los acontecimientos que llevaron a Asia hasta el hospital, sus relaciones con su madre, sus amigas y su novio, y, sobre todo, con Eloïse, una enigmática chica que la introducirá en un mundo de nuevas sensaciones. Con ella, Asia revivirá un doloroso episodio de su pasado, que su madre no está dispuesta a que salga a la luz.

Negro Buenos Aires

Dir.: Ramón Térmens. Int.: Francesc Garrido, Daniel Faraldo, Jordi Dauder

Jordi Puigmartí es un ejecutivo en crisis; un empresario catalán en horas bajas que tiene que viajar a Buenos Aires para conseguir un contrato millonario con el Gobierno argentino, nada menos que en pleno periodo del corralito. Para ello, Puigmartí deberá adentrarse a contrarreloj en las altas esferas de un poder que, sin escrúpulos ni moral alguna, aún no conocía. Allí conocerá a un tipo (Daniel Faraldo) que le abre las puertas adecuadas, y a su amante (Natasha Yarovenko), de la que se enamora.

Partir

Dir.: Catherine Corsini. Int.: Kristin Scott Thomas, Sergi López, Yvan Attal

Suzanne (Kristin Scott Thomas) es una mujer acomodada que ya ha cumplido los cuarenta, está casada con un médico, tiene hijos y vive en el sur de Francia. Pero no se acostumbra a vivir sin trabajar, así que decide volver a ejercer de fisioterapeuta, como antes de tener a los niños. Por fin logra convencer a su marido para que le ayude a abrir una consulta. Durante las obras conoce a Iván (Sergi López), el encargado, un obrero catalán que hasta entonces había vivido de apaños y pasado por la cárcel. Ambos, de inmediato, se sienten violentamente atraídos el uno por el otro, tanto es así que Suzanne decide abandonarlo todo e irse a compartir su ardiente pasión con él. La mujer descubre el deseo y el placer sexual que creía haber olvidado en este hombre que la mira, la escucha y la desea.

Leer crítica del Capitán Spaulding

Tokyo Sonata

Dir.: Kiyoshi Kurosawa. Int.: Teruyuki Kagawa, Kyôko Koizumi, Yû Koyanagi

Tokyo Sonata es el retrato de una familia japonesa aparentemente normal. El padre que bruscamente pierde su trabajo oculta la verdad a su familia; el hijo mayor que está en el instituto apenas pasa por casa; el hijo más joven toma lecciones de piano furtivamente sin decírselo a sus padres; y la madre, que sabe que su papel es mantener la familia unida, no encuentra suficientes ganas para hacerlo. De algún modo, un profundo abismo ha aparecido dentro de la familia, y se extiende rápida y silenciosamente para desintegrarlos.

Triage

Dir.: Danis Tanovic. Int.: Colin Farrell, Christopher Lee, Paz Vega

Mark y David son amigos y experimentados fotógrafos de guerra y se encuentran capturando imágenes de un Kurdistán desgarrado por la guerra. Mark es muy ambicioso y quiere seguir los combates unos días más, buscando la foto del año, pero David está harto de polvo, desesperanza y violencia y le deja para regresar a casa con su mujer embarazada. Cuando Mark regresa a casa ensangrentado y lleno de hematomas, se sorprende, aunque en principio no se muestra preocupado al saber que David no ha logrado volver a casa. Elena, la mujer de Mark, está preocupada por los dos. Mark está exhausto, desorientado y es incapaz de reasumir su antigua vida en Dublín.

Crítica de "Partir", por el Capitán Spaulding

2009-11-12T18:47:00.000+01:00

Vista en la presente edición del Festival de Sevilla (donde compite en la sección oficial), "Partir" es la última película de la directora y guionista Catherine Corsini, quien afirma haber querido hacerle, con ella, un regalo a la mujer de 40 años, tratando una historia de amor ubicada en la actualidad y caracterizada por el realismo propio de la posición que ocupa la mujer en la sociedad. Pues vaya un regalo.

Escondido bajo esa etiqueta de cine romántico se esconde un seco drama sobre el imposible triángulo sentimental en que se inmiscuye, de manera casi natural, Suzanne (Kristin Scott Thomas), mujer del doctor Samuel (Yvan Attal) y madre de dos hijos que sin embargo acaba enamorándose perdidamente del albañil que le repara la casa, Iván (Sergi López). Ante tan apasionados sentimientos, Suzanne lo deja todo en favor del catalán, decidida a emprender una nueva vida pese a los impedimentos que pueda provocar su marido.

Así de sencillo y sobradamente consabido es el argumento "Partir", simplicidad que se ve remarcada tanto por su escueta duración (85 minutos contando créditos) como por el propio estilo de la directora, íntimo y natural, alejado de los manierismos propios del lenguaje cinematográfico en que suelen ubicarse las películas de índole sentimental. Por supuesto, eso también implica una ausencia casi total de estallidos de emoción, condición que, digámoslo ya, acaba pasando factura en un espectador que no tardará en sumirse en la apatía general que rezuma el conjunto.

Y es que más bien poco llega a interesar o, menos aún, sorprender en esta historia de adulterios y amoríos a flor de piel. A parte de un prólogo, a seis meses vista de lo que está a punto de desarrollarse en el film, en que la curiosidad se dispara como consecuencia del sonido de, valga la redundancia, un enigmático disparo, "Partir" no deja de ser un refrito de tantas otras tramas similares, que además cojea de una de sus patas principales: luna química entre Kristin Scott Thomas y Sergi López que brilla por su ausencia.

Ciertamente, el trabajo de la actriz de "El Paciente Inglés" resulta encomiable, en especial teniendo en cuenta que el ojo de la Corsini se sitúa prácticamente sobre su hombro y la convierte en el epicentro de toda su película. Así, en los numerosos momentos de monólogo interpretativo se muerta soberbia, reflejando en sus duras facciones el amor y el dolor por los que su personaje se mueve continuamente.

Del mismo modo, la relación con su familia (en especial con sus hijos) se torna sumamente verosímil, y la pasión que demuestra al fundirse en un abrazo con su primogénito en un determinado momento del film demuestra las dotes para la actuación, sobradamente conocidas, de una Scott Thomas para la que fue expresamente escrito el guión.

Por su parte, tampoco se puede criticar la labor del amante catalán, tan en su línea como siempre y por tanto dando argumentos a partes iguales tanto para sus defensores como para sus detractores.

Simplemente, la pasional relación que surge entre tan dispares personajes (la mujer rica y noble y el albañil extranjero y ex-convicto) jamás acaba de hacerse creíble ni mucho menos, justamente, apasionada: los actores se muestran incómodos y acartonados, y sus tan miradas frías y distantes como los difíciles momentos de cama que protagonizan, de un inesperado aunque bienvenido nivel de explicitud.

Entre una y otra lacra, se hace muy difícil que el espectador acepte las nobles intenciones de la cineasta francesa, que buscan tratar la difícil situación en que se ve metida la protagonista única y exclusivamente desde su punto de vista, motivo por el cual su presencia en pantalla es omnipresente.

Del mismo modo, deben reconocérsle a "Partir" sus diversos discursos, pudiendo ser interpretada como una dura lección sobre el enfrentamiento entre una situación idílica, de amor puro y príncipe azul, y el despertar gris y deprimente de la misma, cayendo de bruces en una realidad de la que renegar. Es justamente por ello que, tras una escuetísima primera parte de la relación entre albañil y mujer que casi podría pintarse de rosa, el guión comienza a oscurecerse y la situación económica y vital de la flamante pareja emprende un descenso a los infiernos por una espiral cada vez más virulenta.

No deja de resultar curioso el paralelismo que puede establecerse entre su condición, provocada por ellos mismos, y la crisis actual por la que pasa gran parte de la sociedad (de la que justamente Francia parece empezar a asomar la cabeza); identidad que queda patente en la desesperada búsqueda de trabajo y, en general, dinero necesario para poder emprender la nueva vida ansiada.

En otro orden de cosas, es justo reconocerle a Catherine Corsini un estilo frío, apático y desnudo, pero a la vez sobrio y puntualmente estimulante, que se ve redondeado, por una parte, con una inteligente alternancia de silencios y temas musicales (extraídos, según leo, de diversos trabajos de Truffaut), y por otra, por ciertas gotas de cínico humor tan mordaces como saludables.

De este modo, "Partir" se descubre como una propuesta irregular y más bien tediosa (cada uno de sus 85 minutos pesan como si fueran el doble), pero no por ello carente de interés. Y si se ha vivido alguna experiencia similar, la experiencia puede vivirse con mayor intensidad. Eso sí, en ese caso, avanzo que su último tercio resulta totalmente demoledor.

6/10

Trailer de "Date Night"

2009-11-12T02:41:00.003+01:00

Lo sé, nos pueden los mitos. No sabemos decir que no a algunos actores o actrices y perdonamos los más escandalosos desastres mientras vengan vestidos con el nombre de ciertos fetiches particulares.

Lo hice el otro día con "Despicable Me" y lo vuelvo a hacer ahora con este refrito tipo "Superagente 86" meets "Sr. y Sra. Smith". Pero es que no todos los días se puede ver a Liz Lemon y a Michael Scott (súmenlos a la ya larguísima lista de admiradísimos por estas latitudes Caseras) haciendo gansadas a lo "Superfumados" por Nueva York y encima compartiendo cama, críos, cenas y morrazos contra puertas automáticas.

Es que a mí todo me parece mucho más gracioso si lo hace Steve Carell y mucho más geek si lo dice Tina Fey, mirad. Así que esto va a ser de antología cómica sí o sí, independientemente de que el guión pueda ser el despropósito que parece ser y que el director sea el mismo que el de la nueva "Pantera Rosa".

Allá, el 9 de abril. Acá, aún estamos pendientes...

Entrevista a Federico Zampaglione, director de "Shadow"

2009-11-11T18:53:00.000+01:00

Hace veinte años Italia descubrió a Tiromancino, grupo de música que a día de hoy ocupa una posición de lujo en el mercado de origen gracias a sus once discos editados. Su cantante y fundador es Federico Zampaglione, artista cuarentón de nacionalidad romana que desde siempre se ha considerado fanático del cine. Por ello, en 2007 estrenó con éxito su primer largometraje, una comedia con toques de giallo titulada "Nero Bifamiliare", y ahora presenta por diversos festivales "Shadow", un thriller terrorífico que ha despertado opiniones para todos los gustos tras su paso por el Frightfest de Londres o Sitges '09. Nosotros hemos tenido la oportunidad de hablar con el cineasta, en una conversación que ha resultado de lo más distendida, interesante, y sobre todo inspiradora.

La Casa: ¿Cómo llega Federico Zampaglione a dirigir "Shadow"?

Federico Zampaglione: Desde pequeño he sido un verdadero apasionado del cine de terror, afición que descubrí incluso antes de la música: he crecido, literalmente, con las películas de Argento, Fulci o Bava, aunque también con los clásicos americanos como puede ser las películas de Romero o sagas como la de "Halloween". Por tanto, "Shadow" ha sido un sueño hecho realidad, un trabajo hecho desde mi más profundo amor por el género.

Por supuesto, que haya visto la luz ha sido posible gracias al éxito de mi primera película, "Nero Bifamiliare", una comedia negra en la que, por cierto, pueden apreciarse ciertos paralelismos con el cine de Álex de la Iglesia. La idea era que sólo en el caso de que funcionase bien ésta, seguiría adelante en mi faceta como director adentrándome en uno de mis géneros favoritos. Y así fue.

LC: Y si encima "Shadow" llega a exhibirse en festivales especializados, no es sino la confirmación del idilio...

FZ: ¡Por supuesto! Imagina hasta que punto, que nuestra presencia en estos certámenes (que además tienen una fama internacional sobradamente contrastada) no me la esperaba en absoluto.

El caso es que la tradición del cine de género en Italia prácticamente puede darse por terminada. Los distribuidores no saben dónde mandar las películas que les caen entre manos, el público que pueda interesarse es un misterio... Por todo ello, para llegar a hacer "Shadow" he tenido que partir totalmente desde cero. Afortunadamente, pude contactar con Dario [Argento] y Lamerto [Bava], que me echaron más de un cable y, además, han valorado de manera muy positiva el resultado final.

Pero vamos, ha sido una producción que ha ido cogiendo cuerpo día a día, por lo que, desde luego, era inimaginable acabar en Sitges.

LC: ¿Y ahora qué futuro le espera a la película?

FZ: Bueno, la estamos promocionando en distintos países, y está yendo bien así que tenemos grandes esperanzas. Pero de momento sólo se ha visto en un par de festivales, porque de hecho también nos interesaba ver las reacciones que desataba.

LC: ¿Y qué te han parecido las reacciones de crítica y público?

FZ: Bueno, si algo ha quedado claro es que la película divide opiniones de manera radical. He leído críticas muy negativas (¡como la vuestra!) pero también otras muy positivas y, francamente, encuentro que semejante enfrentamiento es muy positivo.

"Shadow" es una película que, por determinadas elecciones a nivel audiovisual, tiene muchos factores para no gustar.

Se trata de una mezcla de géneros que no se incluye en la categoría de cine extremo ya que existe el factor gore, pero de manera limitada. Más bien busca la recreación de una atmósfera agobiante y amenazante pero también melancólica. De hecho, me ha sorprendido que se haya vendido como una película de terror puro y duro, ya que es cierto que se trata de una película extrema pero en el sentido de contener mensaje de denuncia negativo, que cabrea al espectador. Buscaba tratar una temática real y, además, actual.

Básicamente pues, sí es cierto que uso un lenguaje muy propio del género del terror, ya que me considero un fan apasionado del mismo, pero detrás de ello hay un discurso serio: en la vida real nadie habla del tema que en verdad centra la atención de "Shadow", y sin embargo ahí está. Por eso en la película se descubre cierto paralelismo con lo psicodélico, como cuando aparece el sapo alucinógeno, o determinadas músicas y luces.

De todos modos, no conozco ninguna película que no haya provocado disparidad de opiniones, y gracias a Dios existe el concepto de libertad de opinión. Yo sabía que alguna de mis decisiones podían no gustar, pero desde el principio he querido mostrar mi punto de vista, ya que si no tienes de éso, corres el riesgo de caer en la homogeneidad. Hoy en día parece que una película de terror deba ser necesariamente un remake con seis personajes jóvenes, un número fijo de escenas de terror y un asesino que vaya matando de uno en uno. Sin ir más lejos, he leído que el próximo remake de "Hellraiser" va a ser muy parecido al de "Viernes 13"... ¿qué sentido tiene?

Hay que escapar de los estereotipos, por lo que yo apoyo todo lo que se arriesgue, aunque ello comporte pasajes poco claros, argumentos confusos...

LC: ¿Puedes darnos un ejemplo de esta clase de cine que afirmas valorar?

FZ: Rob Zombie. El tío está un poco loco, y lo demostró con "La Casa de los 1000 Cadáveres". La película recibió críticas feroces, pero se veían ciertas intenciones leyendo entre líneas, y toda ella tenía una atmósfera muy peculiar. Después, "Los Renegados del Diablo" fue una obra maestra.

En mi caso es lo que te decía: buscaba intenciones similares. Por eso, "Shadow" empieza casi como un western en el que se mezclan elementos del survival, pero después se transforma más bien en una ghost-movie que da paso a una película más bien sanguinaria. A nivel estructural es bastante simple, pero luego te das cuenta de que hay ciertos engranajes algo más complejos, que tiene diversas lecturas... ¡hasta tiene algo de expresionismo alemán!

LC: Ahora bien, el antagonista de "Shadow" tiene mucho de película de terror clásica...

FZ: Bueno, en cierto modo buscaba algo así porque quería un personaje potente, una gran máscara de terror por así decirlo. Y el plan ha funcionado, pues yo mismo he sido testigo del gélido impacto que ha provocado su aparición en el espectador. De todos modos, eso es sólo a primera vista, porque luego descubres que tiene algo más.

Asesinos en plan extremo los ha habido de todos los colores, pero uno que empiece lamiendo un sapo, ya te dice que hay algo más original que en el resto de ellos. Todos matan, es un clásico, pero el de "Shadow" hace algo más, y revela una imagen ambigua, de víctima y verdugo a la vez. Es una persona casi fascinante, y por eso simboliza, en cierta manera, el fin.

Ahora bien, razona conmigo: si asumimos que, en general, un serial-killer puede ser una representación de la muerte (y generalmente todos lo son en mayor o menos medida), la mayoría de ellos son feroces, malísimos y despiadados. Si yo le hubiera dado una imagen así al antagonista de "Shadow", no hubiera tenido demasiada coherencia, ya que la muerte es también algo misericordioso, meditativo si se quiere. Por eso tampoco quería un torture-porn, y las torturas que se dan a lo largo de mi película tienden más a un significado antes que a la mera brutalidad. Así pues, detrás de mi asesino hay un discurso muy metafórico... que lamentablemente no podemos tratar aquí para no caer en el spoiler y desvelar demasiado de la película.

LC: Pero, ¿no crees que, pese a todo, el aficionado hubiera agradecido más gore explícito? Al fin y al cabo, eso es lo que suele buscar cuando va a ver películas de este género.

FZ: No negaré que lo he pensado en más de una ocasión, pero he optado por un equilibrio entre miedo, violencia y angustia, y centrarme en un personaje algo más tridimensional, que en cierto modo representase un backstage de la vida [de nuevo, no podemos ir más allá para no desvelar demasiado del film].

Uno se espera lo peor y lo recibe, pero no como imaginaba, pues el terror no es sólo violencia y sadismo, sino que puede esconderse en el pánico o la angustia.

Vamos, que "Shadow" no tiene nada que ver con "Martyrs", por más que así la vendan. Y es que yo bebo del cine de género italiano tradicional, que siempre ha jugado mucho con la música, la ambientación...

Además, con la película juego al engaño, y propongo conceptos que dan que pensar.

LC: Ya que hablas del cine de terror clásico italiano, ¿el hecho de que "Shadow" esté rodada en inglés significa que estás rindiéndole homenaje?

FZ: En realidad, quería hacer una película con la que salir de Italia. Llevo unos quince años inmerso en el mercado nacional y el propio Dario me aconsejó que abriera mis horizontes, aunque ello pueda influir en el éxito final de la película.

Y es que en realidad, eso es lo último en que se tiene que pensar. Ya me daba igual cuando me dedicaba a la música, sinceramente, pero por aquél entonces aún tenía cierta obsesión por el día de mañana ¡Ahora he aprendido que no hay que pensar! Todo lo ocurrido hasta ahora con "Shadow" ha sido y está siendo maravilloso: he estado en el festival de Bruselas (junto a Balagueró y Plaza, por cierto), tengo muchas cosas en la cabeza, el reciente nacimiento de mi hija... Quiero estar muy tranquilo y disfrutar de lo que la película me está dando.

LC: Aun así, algo pensado tendrás. ¿Qué planes de futuro contemplas? ¿Volverás a la música o seguirás con el cine?

FZ: Bueno, la idea es seguir en ambos mudillos, aunque a un ritmo muy tranquilo. La vida está hecha para vivir el momento, porque si te pasas el tiempo pensando en lo que vendrá luego, y luego resulta que no viene nada... No, a mí ya no me engañan. He aprendido la lección a base de equivocarme constantemente, y de hecho, últimamente he hablado bastante de ello en mis canciones. Por ejemplo, el estar cantando en un concierto delante de un millón de personas es un momento sagrado e inviolable. O el disfrutar del festival de Sitges sin pensar en el próximo.

Vamos, que en estos últimos años estoy caminando un recorrido ideado para huir de la industria y cambiar de filosofía; quiero volver a un estado más artesanal. Es algo que he ido hablando con varios artistas más mayores que yo, y poco a poco he ido descubriendo lo que hacía mal y puliendo lo que hacía bien, hasta estar como estoy ahora, que básicamente se reduce a preguntarme a mí mismo: "¿Me gusta lo que he hecho? ¿Sí? Bien".

Ahora bien, lo que sí puedo decirte es que mi próximo trabajo cinematográfico espero que sea una horror-movie cine por cien. Un giallo travieso, maligno.

LC: Para acabar, ya que hemos mencionado el festival de Sitges en alguna que otra ocasión y que durante los últimos meses le hemos dado gran importancia en el blog, ¿qué te ha parecido? ¿Podrías decirme las mejores películas que has visto durante el certamen?

FZ: El festival ha sido maravilloso: buena gente, ambiente, organización... ha sido una experiencia divertidísima que espero repetir con mi próxima película.

Sobre las tres películas... me quedo con "The Loved Ones" (me pareció una especie de homenaje a "Misery" muy divertido) y "[Rec]2". Me declaro fan de la primera parte, pero la segunda también me ha gustado mucho: bien realizada, divertida... ¡muy Rock and Roll! Lo que lamento es haberme perdido "Amer", de la que me han hablado muy bien.

Hasta aquí la charla con Federico Zampaglione, cineasta a quien agradecemos enormemente que nos concediera una conversación tan larga, y que pese a nuestra diversidad opiniones (nos comprometemos a darle una segunda oportunidad a "Shadow") lo colocamos ya entre los VIP de La Casa, esperando saber de él lo antes posible.

Antes de acabar, y como muestra de las diferentes opiniones que ha generado la película, citamos alguna frase de la breve opinión publicada por Fangoria AQUÍ: "esta desagradable pesadilla convierte a Zampaglione en un talento al que seguir"; "...mantiene despierto el interés hasta su cruel sorpresa final". Lo dicho, para gustos...

...y un primer adelanto de "Kick Ass"

2009-11-11T09:46:00.001+01:00

Y si hace unos minutos os mostrábamos el primer y espídico trailer de "Clash of the Titans", ahora os ofrecemos el de "Kick Ass", la adaptación del cómic de Millar y Romita jr. a la que, habréis podido deducir (el otro día os traíamos varios pósters), le tenemos unas ganas tremendas.

Visto el tráiler la cosa pinta bastante bien, con sus dosis justas de acción y nerdismo (¡cuidado, salen Christopher Mintz-Plasse y Clarke Duke!), cierta mala leche y una estética luminosa y bastante pop que no cae en la excesiva sobriedad que empieza a imperar en el cine superheroico de los últimos años.

Además ese final con el "Bad Reputation" de Joan Jett que se utilizó en los créditos de "Freaks and Geeks" le queda que ni pintado, oye.

En abril sabremos si las buenas sensaciones son acertadas.

Primer trailer de "Clash of the Titans"

2009-11-11T08:38:00.002+01:00

Louis Laterrier salió bastante bien parado de su último trabajo, la secuela/remake titulada "El Increíble Hulk". Esta suponía la tercera película como director del galo, tras "Danny the Dog" y "Transporter 2", por lo que entre su adrenalínica filmografía y el panorama actual del cine comercial, se antojaba como el cineasta perfecto para ponerse tras las riendas del remake de "Furia de Titanes".

Protagonizado por el omnipresente Sam Worthington (a quien secundan Liam Neeson, Ralph Phiennes o Gemma Arterton entre otros) este nuevo "Clash of the Titans" parece seguir una a una todas las expresiones que llevan a la fórmula reinante hoy en día: mucha acción, muchos efectos especiales y una dirección que casi parece haber pulsado el botón de piloto automático. Del encanto de la original (cuya mayor virtud residía en lo efectos especiales made in Harryhausen), por supuesto, nada de nada.

En fin, veremos en qué acaba todo. De momento, su estreno parece ser que tendrá lugar el próximo 26 de marzo y, hasta entonces, podemos empezar a abrir boca con el escueto trailer que sigue a continuación... Por cierto, ¿a nadie más le parece ver a alguna criatura de "El Laberinto del Fauno" por aquí?

Roland Emmerich habla de... ¡"2013"!

2009-11-10T17:24:00.002+01:00

A tan sólo unos días del estreno de "2012", descubrimos en una entrevista realizada por io9 al catastrofista por excelencia Ronald Emmerich la preparación de una secuela: "2013".

Dicho proyecto se presentará en formato de serie de televisión, y contrariamente a lo que podría imaginarse, no se centrará tan sólo en los efectos especiales, como sí parece que hará su hermana mayor.

La serie buscará por contra un acercamiento a cada uno de sus personajes (supervivientes a la hecatombe narrada en la película), en una Ciudad del Cabo convertida en la última esperanza para la humanidad.

Sorprendentemente, el entrevistado ha confirmado que el acuerdo con la cadena ABC (próximamente huérfana de su buque insignia, "Lost") ya está más que cerrado, y que ya se está buscando guionista para llevar a la pequeña pantalla la idea original del propio Emmerich, Mark Gordon y el co-guionista de "2012", Harold Kloser.

Lo mejor de todo es que la serie tiene razón de ser, pues según el director de "El Día de Mañana", una infinidad de conceptos no tuvieron cabida en el film debido a las limitaciones propias de su formato y necesitan ser desarrollados. Así, la serie pretende preguntarse qué ocurriría después de semejante cataclismo natural, y si habría motivo para la esperanza...

Eso sí, al mismo tiempo, Emmerich la define como una mezcla entre "Lost" y District 9", así que habrá que ver en qué queda la cosa.

Mientras tanto, recuperamos un clip de cinco minutos totalmente acongojantes de "2012", que podremos ver a partir de este viernes en nuestras carteleras.