La Casa de los Horrores

Asesinato Justo

2008-10-03T11:09:00.004+02:00

Después de 30 años como compañeros, los condecorados detectives Turk (Robert De Niro) y Rooster (Al Pacino) se enfrentan a la jubilación, aunque ninguno de los dos está aún preparado para ello. Antes de que "cuelguen" sus placas son llamados para investigar el asesinato de un conocido proxeneta, que parece estar ligado a un caso resuelto por ellos en el pasado. Igual que en el crimen de entonces, la víctima es un presunto delincuente, y en el cuerpo se ha encontrado un poema de cuatro líneas que justifica el asesinato. Cuando los crímenes de presuntos criminales comienzan a sucederse, se ve con claridad que los detectives se enfrentan a un asesino en serie, cuyo objetivo son aquellos criminales que se han escabullido entre las grietas del sistema judicial. Su misión, al parecer, es hacer lo que la policía es incapaz de hacer, sacar a los culpables de las calles para siempre...

Pacino y De Niro, dos de los actores más importantes de la historia del cine (actual), sólo habían trabajado juntos en dos ocasiones, "El Padrino: Parte II", y "Heat". Dados los excelentes resultados de tal colaboración (aunque recordemos que entre ambas películas suman 371 minutos y solo en cinco de ellos se les veía compartiendo plano), no eran pocos los que ansiaban un nuevo cartel con sus dos nombres impresos, acontecimiento que ocurre nada menos que trece años después de la obra maestra de Michael Mann, con "Asesinato Justo", thriller policíaco dirigido por el temible Jon Avnet ("88 Minutos").

Seguramente a estas alturas muchos habrán leído ya algo acerca de la decepción que finalmente ha supuesto el film que nos ocupa, por lo que más de uno, entre los que me incluyo, se acercará a ella con prejuicios y preparado a llevarse un gran chasco. Pues bien, digámoslo desde ya, esta es la única manera en la que puede verse esta decepcionante nueva muestra de lo poquito que Jon Avent sabe hacer tras las cámaras.
Y es que él solito, ayudado por un guión por debajo de lo esperado a cargo de Russell Gewirtz ("Plan Oculto"), es capaz de echar por tierra una propuesta de la que hubiera podido exprimirse mucho, mucho más jugo.

Huelga decir que su argumento, sin ser excesivamente original ni atrevido (¡nada más lejos!), no deja de ser atractivo teniendo en cuenta que, en el fondo, el cine policíaco siempre va a tener sus adeptos, y sus entramados argumentales plagados de asesinatos, pistas y teorías, siempre resultan más o menos interesantes.
Aquí, todo comienza con un vídeo a modo de confesión del personaje de Robert de Niro, constante que se irá intercalando con diversos flashbacks hasta llegar a descubrir si realmente las cosas son o no lo que parecen. Si el esperado giro final es previsible o no ya depende de la atención de cada espectador, pero seguramente no serán pocos los que dejen pasar algunas de las pistas que se van dejando para descubrir la solución.
El problema radica en que no se percibe esfuerzo alguno por querer romper algún esquema, por pequeño que sea, por lo que el guión de Gewirtz se limita al conformismo más absoluto y contemplativo, pasando por todos los lugares comunes del género y dejando rienda suelta al lucimiento de sus actores.

Por su parte, éstos no están ni mucho menos en plena forma, y conforme pasan los minutos el espectador no puede evitar recordar tiempos mejores, aquellos en los que ninguno de los dos se habían convertido en una caricatura de sí mismos. Así y todo, siguen siendo carismáticos e imponentes, y además parece que se lo hayan pasado pipa recitando juntos sus papeles hechos a medida, algo que el ritmo del film agradece y de qué manera en sus momentos más tediosos, en los que el guión parece atrancarse y no evolucionar ni en cuanto a la psique de los personajes, ni en cuanto al argumento en sí.
Deferente suerte corren sus compañeros de reparto, con John Leguizamo, Donny Wahlberg y Carla Gugino a la cabeza. Con todos los esfuerzos (sic) centrados en la correcta caracterización de los protagonistas, el resto de personajes son olvidados casi por completo, convirtiéndose en parodias, meros peleles en más de una ocasión sonrojantes, sensación acentuada con sus no menos desatinadas labores. Maldito el día en que el se pensó que los músicos eran capaces de actuar...

Al final, por tanto y pese a todo, el tándem sexagenario acaba convirtiéndose como cabía esperar en lo único verdaderamente destacable del film, pues si todo lo comentado hasta ahora ya parece apático de por sí, son minucias en comparación con la labor de Avnet.

Como ya hiciera con su anterior película, el director hace gala de sus limitaciones artísticas componiendo una película de sobremesa pura y dura. Escenas baratas, montajes vulgares y ni un solo plano con un mínimo de personalidad parecen ser parte de la filosofía de un director que no saldría del directo-a-vídeo de no ser porque, vaya usted a saber por qué, le une una extraña amistad con el actor de "Serpico", al que parece empeñado en retirar antes de tiempo.

Porque que nadie lo dude, de no ser por su cartel, esta película se emitiría como mucho un domingo por la tarde antes del fútbol. Ahora bien, ¿realmente están tan mal De Niro y Pacino como para verse obligados a participar en producciones así? Y más importante aún, ¿en serio no había ningún otro director al que asignarle el film?
4/10

Batalla en Seattle

2008-09-29T20:18:00.003+02:00

"Battle in Seattle", debut como director y guionista de Stuart Towsend (el Dorian Gray de "La Liga de los Hombres Extraordinarios") narra la dramática situación que tuvo lugar en el encuentro de la Organización Mundial del Comercio (OMC) en Seattle en 1999. Durante esos días, decenas de miles de personas tomaron la calle en protesta contra la poderosa organización supranacional. Lo que comenzó como una protesta antiglobalización tranquila, reivindicando el cese de las conferencias de la OMC, se convirtió en un motín, que finalmente obligó a proclamar el estado de excepción, lo que desembocó en la adopción de una postura de combate por parte del Departamento de Policía de Seattle y la Guardia Nacional. A partir de estos hechos, la película entrelaza puntos de vista diferentes de la sociedad, desde los manifestantes y la policía, hasta los delegados que intervenían en la conferencia y aquellos que intencionada -o accidentalmente- se vieron involucrados en la batalla campal en las calles de Seattle.

Cuando se estrena una película estadounidense contenedora de algún tipo de crítica social o finalidad pedagógica, el espectador europeo debe ser consciente de una verdad absoluta que, lamentablemente (o no), se hace cada vez más y más patente: el público norteamericano medio es terriblemente estúpido, en general.
Sólo así se puede explicar el caso de "Batalla en Seattle", película de nobles objetivos a los que pretende llegar de manera tan burda y simple que acaba resultando, en más de una ocasión, enervante.

Como explica la sinopsis, Towsend dibuja una serie de personajes ficticios relativamente heterogéneos y los introduce en una situación verídica de obvias interpretaciones políticas y sociales, para poder exponer su discurso más fácilmente al no tener ningún hecho real al que atenerse, más allá del telón de fondo. Este es, ya de buenas a primeras, el primer y más grave error de la película, si el espectador no es de los que se limitan a tragarse lo que le muestran en pantalla sin plantearse cuestiones más allá de la misma.

Con ello no estoy diciendo que el mensaje sea incorrecto, allá cada uno con su mentalidad. De lo que me quejo es del modo en que se trata: y es que con los personajes de Henderson, Rodríguez, Harrison y compañía, el director pretende concienciar a su público por la vía del efectismo más oportunista, desvirtuando tan graves acontecimientos de manera maniquea y caricaturesca.

Así, los manifestantes son todos unos santos, mártires si se quiere, portadores de un mensaje correcto porque así lo dictamina Towsend; mientras que los políticos de todo el mundo (salvo uno o dos, retratados como auténticos héroes de la humanidad) y la policía de Seattle son unas bestias inmundas capaces de los actos más inhumanos y egoístas (el jefe de la manifestación pacífica que perdió a su hermano precisamente en un enfrentamiento similar, la chica enamorada de él, la que tiene remordimientos y se plantea la posibilidad de abandonar el cotarro; mientras que por otro lado encontramos al jefe de policía loco, al senador opresor...).
Eso sí, apenas se mencionan los numerosos destrozos que los insurgentes llevaron a cabo por las calles de la ciudad, así como ni se plantea en ningún momento la posibilidad de que, al margen de lo que haya resultado, la OMC pudiese haber sido creada con el propósito de mejorar la vida en el planeta.

Es tan exageradamente obvia y simple su postura, y se empeña tanto en recordarla a través de cuantiosos efectismos de dudosa veracidad, que al final la película acaba logrando el objetivo contrario, esto es, que el público llegue a sentir cierta lástima por los enemigos y a odiar a los buenos, pues tan excesivos e idílicos(hasta la náusea) son sus rasgos o comportamientos.

En resumen, ningún espectador de coeficiente intelectual medio puede llegar a tomarse demasiado en serio este conjunto de historias entrelazadas, simplificadas para que un niño pueda entenderlas sin prestar demasiada atención a las mismas. O por lo menos, su pretendidamente aleccionador mensaje. Pero pensándolo bien, eso es algo que se viene percibiendo en la mayoría de films similares que nos han ido llegando en los últimos años desde Hollywood (por poner el primer ejemplo que me viene a la cabeza, "Crash" de Higgis).

Ahora bien, dejando de lado lecturas más profundas y limitándose (¿qué otra nos queda?) a digerirla como mero drama ficticio, es justo reconocer que "Batalla en Seattle" resulta medianamente emocionante, con algunas tramas más logradas que otras literalmente sonrojantes, pero todas ellas de un nivel de interés aceptable en general.
Su sobria factura, acercándose al documental, y su atractivo cast compuesto por Charlize Theron, Ray Liotta, Michelle Rodriguez o Woody Harrelson entre otros, le confieren cierta dignidad artística que es la que, a fin de cuentas, acaba justificando su estreno en cines.
Destaca a mi entender la historia entre Theron y Harrelson, pareja inconcebible donde las haya pero cuyo capítulo se salva gracias sobretodo a la portentosa actuación de ella (por cierto, tan preciosa como siempre), y porque qué demonios, él cae simpático pese a que se enrole en films que le vayan enormes, como el que nos ocupa. Del resto, mencionar la esperada conclusión lagrimosa, nada novedosa pero por lo menos lo suficientemente intensa como para afectar a cualquiera que se deje llevar.

En fin, nada nuevo bajo el sol. Y es que ciertas películas no deberían cruzar el gran charco, la verdad.
4/10

The Hideout (Il Nascondiglio)

2008-09-29T18:10:00.003+02:00

Davenport, Iowa, invierno de 1957: en un asilo regentado por monjas, en plena tormenta, se produce un terrible crimen. Tres mujeres mueren brutalmente y el asesino no deja rastro alguno de fuga.

En la actualidad, Lei (Laura Morante) es una mujer de origen italiano que ha pasado 15 años recuperándose en un sanatorio mental tras el suicido de su marido. Una vez dada de alta, llega a Davenport donde prepara abrir un restaurante de comida italiana en la vieja mansión de Snakes Hall, el viejo asilo, que ahora está abandonado. Cuando se instala en el caserón, una misteriosa voz perturba el sueño de la nueva inquilina...

Hablar de Pupi Avati es hacerlo de uno de los directores más prolíficos del cine italiano, y de uno de los maestros del giallo (y horror). Películas como “L’Arcano Incantatore” o “La Casa dalle Finestre che Ridono” denotan cierta atracción de Avati hacia géneros que, sin embargo, últimamente había abandonado en pro de los más comerciales de comedia y/o drama (algo que, por otra parte, no es de extrañar debido a su continua alternancia entre estos estilos), como su conocida “El Corazón Ausente” (“Il Cuore Altrove”).

Por eso, “Il Nascondiglio” había generado cierta expectación al suponer en cierto modo tanto el regreso de Avati a sus orígenes, tras un apetitoso aperitivo en forma de guión también centrado en supuestas casas malditas, como el retorno definitivo del terror italiano, tras la aún inédita y (para muchos) fallida “The Mother of Tears” de Dario Argento.

Lamentablemente, al final, todo queda en un fallido experimento, en un film que pierde su atractivo en forma de homenaje retro al cine de antaño para convertirse sin remisión en una película desfasada en todos sus aspectos.

Tan sólo su comienzo, que me atrevería a calificar de brillante, a modo de prólogo claramente evocador tanto argumental como auditiva y visualmente, merece realmente la pena y es capaz de transportar al espectador a otra época; situada en 1957, la película logra disfrazarse por completo, y tanto Avati (empeñado en otorgar a su cinta un estilo idéntico en todos sus aspectos a la ya mencionada “La Casa dalle Finestre che Ridono” o “Suspiria”, por citar un par de ejemplos) como los que le rodean logran crear una película de 1975 rodada en el 2007.
Incluso el propio empleo de la violencia visual con que culmina tan acertada introducción, con esa sangre demasiado líquida y anaranjada para los tiempos que corren, resulta chocante y atemporal.

Es cuando el film se traslada a la actualidad cuando velozmente comienza a perder fuelle hasta quedarse en la mediocridad más absoluta.
Avati (director y guionista del mismo) se emponzoña en una mezcla de estilos y géneros sin acabar de profundizar en ninguno de ellos, que van del giallo (a lo “Rojo Oscuro”) al terror del ‘American Gothic’, con tintes de la vertiente más moderna del género en forma de sonidos fantasmagóricos tras las paredes.
Así, el argumento va dando tumbos por dos líneas paralelas claramente diferenciadas, la primera referente a lo que se ve obligada a soportar la Morante (solvente pero a años luz de Belén Rueda en un papel casi idéntico) en la casa supuestamente encantada, plagada de efectismos propios del horror-teen, y la segunda centrada en la investigación que la propia protagonista lleva a cabo para intentar resolver el misterio del asilo.
Y por mucho que el espectador pueda sentirse atraído por el quid de la cuestión, llevándolo a querer averiguar el final (y seguramente acertándolo antes de tiempo debido a su previsibilidad), no puede ocultarse la excesiva sensación de película ya vista y resabida, pues no se esconde absolutamente nada novedoso tras ella.
A fin de cuentas, uno descubre estar frente a un oportunista remake alla italiana de “El Orfanato” (que a su vez ya era un remake oportunista de “Los Otros”, que a su vez…), y acaba por perder la esperanza conforme avanzan los minutos.

El único que realmente da en la diana en todo momento acaba siendo Riz Ortolani, compositor de la banda sonora y experto en el género (como demuestran sus participaciones en “Holocausto Caníbal” o “La Casa Sperduta nel Parco”, ambas de Ruggero Deodato), hasta el punto de ser el único que realmente homenajea como es debido a un cine al que tal vez deberían dejar descansar en paz…

Con todo, cierto es que en puntuales momentos “The Hideout” resulta sugestiva, principalmente porque la continua mezcolanza de géneros evoca con gracia (aunque sin quererlo) a un sinfín de películas que el espectador se divertirá en ir distinguiendo.
4/10

Muere Paul Newman

2008-09-27T15:40:00.003+02:00

El mítico Paul Newman nos ha dejado (a las 7.30 de la mañana, hora estadounidense) a los 83 años, tras su intensa lucha contra el cáncer de pulmón, que le llevó a retirarse del cine hace algunos años. Después de un continuo vaivén, en agosto había abandonado el hospital, donde se sometía a un ciclo de quimioterapia, porque quería pasar sus últimos días en su casa con su esposa Joanne Woodward y sus hijas.
Con más de 60 películas como actor y seis como director, labor reconocida con tres Oscar (uno de ellos, honorífico), será recordado como uno de los cineastas más emblemáticos de la historia del cine, con títulos como "La Gata sobre el Tejado de Zinc", "Dos Hombres y Un Destino", "El Golpe" o "Camino a la Perdición", última vez que pudimos verlo.

Reflejos

2008-09-27T11:41:00.004+02:00

Cinco años después de su sorprendente remake de "Las Colinas Tienen Ojos", Alexandre Aja regresa con "Mirrors", revisión también de una cinta de terror (en este caso oriental, "El Otro Lado del Espejo"), en la que Kiefer Sutherland interpreta a un atormentado agente de seguridad, en lucha consigo mismo y con la diabólica presencia que se esconde tras los espejos del destartalado centro comercial que custodia...

Leía poco antes de ver la película que Alexandre Aja quería cambiar de registro y abandonar el terror físico y terrenal tan palpable en sus dos anteriores films, por otro mucho más implícito que hiciera enfrentar al espectador a sus propios miedos. Por consiguiente, cuando se le puso a tiro la oportunidad de revisionar "Into the Mirrors", que además trataba sobre un tema que confiesa inquietarle ('todos tenemos una relación muy personal con los espejos', afirma), no lo dudó demasiado y enseguida se puso a reescribir junto a su fiel compañero Grégory Levasseur, una versión personal del guión, alejándose del original (del que afirman haber captado sólo la idea principal, algo que desconozco debido a que no he visto -ni pienso hacerlo- la original) occidentalizándolo y acercándolo a sus inquietudes y a su estilo, siempre impactante y demoledor.
El resultado final puede tildarse a su vez de fracaso y obra maestra, todo depende del prisma con el que quiera analizarse.

Una de las principales virtudes de "Reflejos" radica precisamente en ese acercamiento de un relato tan marcadamente asiático al cine de terror más americano, tanto a nivel técnico-artístico (casi podría decirse que la propia elección del protagonista, un Kiefer Sutherland convertido en el héroe y patriota americano del momento gracias a la serie "24", tiene obvias intenciones) como argumental. La historia de espíritus y fantasmas tras los espejos se sitúa aquí en un edificio más que cercano a la casa de Amityville o el Hotel Overlook. Mejor reflejada (!) queda la fusión entre terror oriental y el 'American Gothic' en su tramo final, del que sólo diremos que el espectador, casi sin percatarse, es traslado en pocas escenas del puro estilo "Ringu" (o sucedáneo) al survival más absoluto...

Cambiando machetes por visiones y engañosos reflejos, Aja consigue por tanto el objetivo de alejarse de su estilo,pero sin abandonar por completo su credo, esto es, una devoción casi enfermiza por el cine de género estadounidense clásico.

Y sin olvidarse del gore, claro está.
Y es que, aunque notablemente reducida en relación a sus anteriores películas, la ultraviolencia explícita sigue presente en "Mirrors". Así, la elegancia visual de films como "The Ring: La Señal" o "El Grito" (ambos, remakes de films orientales) de la que Aja parece hacer uso y abuso, se enfrenta a escenas como la que se esconde en el prólogo, en que un hombre agarra un pedazo de cristal y, en plano fijo, se abre la garganta de lado a lado, chorreando sangre a borbotones (y cito el ejemplo visto en el trailer por no desvelar alguna de las demás escenas, de una truculencia realmente impactante).

Así las cosas, ¿por qué "Reflejos" no se encuentra en el ranking de mejores películas de terror de los aficionados (donde sin duda deberían encontrarse tanto "Alta Tensión" como la ya citada "Las Colinas Tienen Ojos")?
Son varios los enfoques que pueden responder a esta pregunta, que a su vez sirven para colocarla en el grupo de las decepciones del año.
El principal problema, sin duda, es que su estreno se produce casi siete años después del "The Ring" de Verbinski (y diez del "Ringu" de Nakata), en los que el espectador ha sufrido la aparición de decenas de películas similares (o directamente, iguales).
De haber visto la luz antes, no cabe duda de que estaríamos hablando de una de las mejores cintas de terror de la década, y desde luego el mejor remake de los muchos que llevamos vistos.
A día de hoy, sin embargo, lo que queda es una película que ni innova ni sorprende en absoluto, limitándose a seguir uno a uno los ya más que manidos pasos del género (y eso incluye pasajes de dudosa credibilidad y personajes estereotipados hasta la náusea).
No cabe duda de que Aja y Levasseur son unos guionistas inteligentes, y prueba de ello es que la película no deja de interesar pese a todo, haciendo que el público se sienta (medio)atraído por su argumento y desee conocer su conclusión.
Además, cuenta con momentos de alta tensión muy logrados, que demuestran el saber hacer de Aja tras las cámaras.

Por ello, sorprende que este tándem llamado a ser el futuro salvador del cine de terror haya bajado tanto el listón, optando por un acomodamiento total que llega al decepcionante punto de buscar el susto mediante repentinos aumentos de decibelios y fugaces sombras cruzando la pantalla. Así, la película no asusta. Y aunque bien sabido es que Aja nunca ha optado por el terror, centrándose en la tensión elevada hasta el paroxismo, a "Reflejos", por el género al que pertenece y su potencial latente, se le debía exigir justamente eso, miedo hasta decir basta.

La misma sensación da justamente Sutherland, impecable cuando se trata de enfrentarse a situaciones de estrés y angustia (dramáticas en algunos casos), pero más bien limitado cuando debe transmitir el supuesto pavor que siente su personaje cuando se mira al espejo.

Así pues, si uno no ha visto nada de terror oriental, o no sabe ni quién es Alexandre Aja (básicamente, si ha vivido en un búnker los últimos años), seguramente verá en "Reflejos" una obra maestra del cine de terror. Si en cambio se espera lo que, por otra parte, cabía esperar de ella, resultará más bien decepcionante, limitándose a remake más, estrenada cinco años más tarde de lo que debería, pero eso sí, mucho mejor que los vistos últimamente.
6/10

Nuevo trailer de "The Spirit"

2008-09-27T11:32:00.003+02:00

...y yo sigo diciendo que es "Sin City"...

En fin, como bien sabéis (o no), la película tiene previsto estrenarse mundialmente el día 25 de diciembre, por lo que en breve empezarán a salir imágenes y trailers a cascoporro, y podremos comprobar si realmente Frank Miller se ha limitado a poner a Colt en un relato de Basin City, o si tiene algo más de personalidad la cosa...

Dante 01

2008-09-24T17:02:00.005+02:00

La prisión espacial de alta seguridad ubicada en la órbita del planeta Dante es un lugar al que sólo envían a los psicópatas más peligrosos, pero no para encerrarles de por vida entre rejas, sino para utilizarles como cobayas humanas en extraños y terribles experimentos. La vida en la estación cambia con la llegada de Saint Georges (Lambert Wilson), un misterioso prisionero poseído por una fuerza secreta que, cuando aprenda a controlar, empleará para acabar con la hostilidad de sus compañeros presos y liberarlos de la maligna atracción de Dante.

Existe una gran diferencia entre ser original y dárselas de original. En el primer grupo podrían ubicarse nombres como los de Charlie Kaufman, Michel Gondry, Wes Anderson o incluso Danny Boyle, cineastas (un poco tocados del ala en algunos casos) que parece que sólo piensen en sí mismos como si fueran a ser los únicos espectadores de sus obras. La originalidad en estos casos surge casi de manera espontánea, escondida a veces en un plano, una secuencia o un diálogo.
En el otro grupo están Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro.
Empeñados en rizar el rizo, en forzar lo ya exageradamente forzado, tanto en tándem como por separado estos dos directores ponen todo su esmero en demostrar que son los más cool del cine d'auteur actual.
Esto se traduce en barrocas y agotadoras películas, donde cada escena es un tour de force de detallismo, artificio y pomposidad, y donde sus argumentos, por simples que sean, deben necesariamente ir precedidos por una autocomplaciente verborrea digna de Groucho Marx y sus partes contratantes, destinada única y exclusivamente a maquillar de grandilocuente un discurso de lo más sencillo en su raíz.

Pues bien, así es, ni más ni menos, "Dante 01", regreso a la dirección de Caro (trece años después de "La Ciudad de los Niños Perdidos"), esta vez sin la colaboración de Jeunet.
Fallido se mire por donde se mire, este burdo intento de relato de ciencia-ficción filosófica, metafísica y metafórica no tarda ni diez minutos en convertirse en una insoportable y enervante prueba para el espectador, obligado a soportar durante los 80 minutos más eternos de su vida la interminable verborrea onanista y los sinsentidos de falsa trascendencia del cineasta francés.
Uno a uno, todos los puntos de interés a los que se puede uno aferrar naufragan en la más absoluta miseria. Ante todo en lo que a argumento se refiere.

Pensado como una psicodélica hipérbole de la religión, con un enviado salvando prácticamente las almas de los reos con sus manos, la cosa acaba perdiendo toda su razón de ser cuando el director (y guionista, por supuesto) se empeña una y otra vez en volver a los pasos recién andados, repitiendo pasajes y escenas (cuyo doble sentido podría entender hasta un niño) en lugar de profundizar en una trama que se bloquea en los primeros compases del film y, literalmente, no avanza hasta que las luces de la sala se encienden de nuevo.
Todo queda por tanto en un simple esbozo, una propuesta que nadie ha querido empezar siquiera a exprimir. Y con ello, comienzan los bostezos, las continuas miradas al reloj, el hastío y la impotencia de ver cómo tristemente le roban a uno una hora y veinte de su vida.

Sólo le queda al espectador una última esperanza. Por todos es sabido que cuando una película de ciencia-ficción no funciona argumentalmente, siempre se puede valorar en su aspecto audiovisual. Lamentablemente, no es este el caso.
Debido a la incontinencia de Caro, la atractiva puesta en escena, de obvias referencias a la saga de "Alien" (en especial a sus dos últimas entregas) o "Sunshine", se desaprovecha en pro de un confuso montaje que agota y desagrada a partes iguales. Incapaz de ofrecer un solo plano normal, "Dante 01" cae en la exageración, convirtiéndose en una parodiesca mescolanza entre "Amélie" y los últimos (y desafortunados) veinte minutos de la recién citada película de Boyle.
Desde luego, tampoco ayudan demasiado la constante oscuridad y el angosto establecimiento carcelario, que si bien comienzan ofreciendo sensaciones de lo más claustrofóbicas, acaban desesperando rápidamente al imposibilitar en más de una ocasión la correcta distinción de los personajes (todos ellos iguales entre sí, tanto a nivel externo como intrínseco) o el entendimiento de ciertas situaciones.
Todo ello, dicho sea de paso, supone una auténtica lástima, pues los efectos especiales se antojan más que dignos, sobretodo teniendo en cuenta que se trata de una producción no-hollywoodiense.

Así pues, a menos que uno no sea fan incondicional de Dominique Pinon ("Alien: Resurrection") o Lambert Wilson (visto en la trilogía de "Matrix"), que pase de largo de esta insoportable película que embrutece el ya de por sí bastante devaluado género de la ciencia-ficción.
A este paso, se agradecerá el día en que Caro y Jeunet dejen de hacer cine.
3/10 (y mira que me gusta a mí la ciencia-ficción...)

Mirageman

2008-09-23T13:49:00.003+02:00

Segunda película del director Ernesto Díaz Espinoza tras la exitosa "Kiltro" (y segunda colaboración con el actor Marko Zaror, stunt de Dwayne 'The Rock' Johnson en "El Tesoro del Amazonas"), "Mirageman" es la historia del primer superhéroe de Chile, un chico normal y corriente, solitario portero de discoteca, que tras ser víctima de un terrible delito se convierte en una máquina casi perfecta de artes marciales. Combinando sus dotes de pelea con su corriente día a día, el enmascarado Mirageman se dispone a proteger al indefenso, en un país tan asolado por la delincuencia.

Hecha con cuatro duros, buenos amigos y mejor humor, lo cierto es que la propuesta que nos llega de tierras suramericanas supone una grata sorpresa, si se es capaz de abstraerse lo suficiente como para entrar en el juego de total amateurismo delante y tras las cámaras.
"Mirageman" es una película más que limitada, tan pobre técnicamente (y en su mayoría de aspectos artísticos, para qué engañarnos) que uno podría pensar que se trata de uno de los miles y miles de vídeos que aficionados al cine cuelgan en youtube. Cámara casera, montajes de trazo grueso e interpretaciones que distan mucho de la profesionalidad son por tanto las constantes (y a fin de cuentas alma máter)
del film de Díaz Espinoza, del que solo cabría destacar una banda sonora muy por encima de lo esperado, consciente en todo momento de su rol, y en muchos momentos verdadera protagonista absoluta.

Sin embargo, quien juzgue a este pequeño todoterreno por su presupuesto caerá en craso error, pues hay que ir más allá para descubrir las notables virtudes que se esconden tras su fachada.
"Mirageman" es la respuesta a las cuestiones que más de un espectador debe de haberse puesto ante los varios "Spider-man", "Batman Begins" y similares. ¿Qué ocurriría si toda esa responsabilidad cayera en manos de un verdadero ser de a pie? ¿Y si el superhéroe en cuestión no fuera rico, estuviese genéticamente alterado, y tuviese que ir en bus a su lugar de trabajo? Maco, álter ego de Mirageman, es un chico normal y corriente, que a duras penas logra sacar su vida adelante, y vive en un barrio desangelado, en una ciudad gris y peligrosa. No tiene coche, no tiene ningún superpoder. Simplemente tiene un cuerpo ágil y musculado fruto del trabajo de años de gimnasio y aislamiento social. Y con estas condiciones debe proliferar, forjarse como héroe y vigilante del pueblo, llegar hasta donde las entidades mayores no llegan.

Nos encontramos, por tanto, ante una película que sigue los pasos de los antes citados films de Raimi o Nolan. Como en éstas, asistimos al nacimiento del mito desde sus inicios, hasta su completa confirmación y descubrimiento social. No es de extrañar que "Mirageman" muestre más de un pasaje similar a las superproducciones americanas, tales como la creación del traje, la búsqueda de un apodo llamativo, o el propio entrenamiento físico. Sin embargo, su director y guionista pasa todo ello por un prisma hiperrealista, sirviendo de paso de parodia descarada del prototipo USA, pues echa por tierra todo aquél idílico mundo que rodea a, por ejemplo, el Hombre Araña en sus primeros compases. Sirva de ejemplo el hastío de un héroe escondido tratando de descubrir a algún malhechor con las manos en la masa, los interminables recorridos en bus hacia el lugar de la acción, o la dificultad que supone llevar un disfraz bajo la ropa de calle...
Pero eso no significa que Maco/Mirageman no tenga la misma (o más) profundidad interior que Peter Parker. Traumatizado por la terrible tragedia que llevó a la muerte a sus padres y al manicomio a su hermano pequeño, el protagonista es un atormentado obsesionado con su cuerpo y la pelea oriental, solitario y oscuro. Y es que bromas a parte, se trata de un personaje tan lleno de matices como el que más (otra cosa es que su actor, tan expresivo como Steven Seagal, sea capaz de transmitir tales connotaciones).

A tan sorprendente y entretenida primera parte le sigue un segundo bloque argumental que ya se refiere casi exclusivamente a las misiones del enmascarado. Lo cierto es que aquí la película no aguanta el tirón inicial y se palpa cierto bajón, pues el guión pasa a convertirse en un previsible relato de superhéroe contra el mal, igualmente parodiesco (atención al personaje de Pseudo-Robin, de más de una lectura, más allá de su aspecto burdo y torpe comportamiento) pero sin el mordiente visto hasta el momento.
Sin embargo, son momentos en los que gana protagonismo una coreografía sumamente estudiada, con movimientos de gran factura por parte del portento musculado que es Zaror y sus numerosos enemigos. Y es que por momentos, Chile se convierte en un país de ninjas y artes marciales. Son pocas las armas que aparecen, pues prácticamente todo el mundo es más o menos ducho en tascas de cuerpo a cuerpo.
Con todo, cabe reconocer que, pese a las limitaciones técnicas y la escasa originalidad del segundo tramo, éste sigue siendo un film de superhéroes tan válido como cualquier otro, dejando en paños menores a producciones hollywoodienses mucho más grandilocuentes...

En resumidas cuentas, este nuevo vigilante es un ejemplo de lo que las ganas y las buenas intenciones son capaces de hacer. Retro y casposa, pero divertida, trepidante y referencial, "Mirageman" se convierte en un entretenimiento constante durante sus escasos 90 minutos, y aunque se dividida claramente en dos tramos de notable diferencia cualitativa, no deja de ser una superhero movie más que digna, de la que no me extrañaría que cayera un remake estadounidense en breve.
Obligatoria para todo freak que se precie, es sin duda en un nuevo clásico de culto.
7/10

The Cottage

2008-09-22T12:45:00.005+02:00

"The Cottage" supone la segunda película de Paul Andrew Williams tras la inédita por aquí "London to Brighton". Para esta ocasión, cuenta con un reparto encabezado por Andy Serkis (el Gollum de "El Señor de los Anillos"), al que acompañan Reece Shearsmith y Jeninfer Ellison entre otros.

Dos hermanos acaban de secuestrar a la hija de un mafioso con la esperanza de obtener una buena suma de dinero y reencaminar sus vidas. A su ineptitud manifiesta y continuas discusiones se les unirá la mala uva de una secuestrada de armas tomar, dos asesinos asiáticos enloquecidos y el monstruoso propietario de una granja cercana.

Desde el éxito inesperado que supuso "Zombies Party", película de culto donde las haya, muchos han buscado constantemente repetir la fórmula del éxito, convirtiendo un film de terror en una comedia de humor negro e irónico a medio camino entre la parodia, el homenaje y la crítica (social, cinematográfica, o personal).
Con "The Cottage", Williams pretende ir un pelo más allá, sumando a la receta una curiosa mezcla de géneros completamente atípica, de resultados algo menores de lo esperado, pero aún así más que sorprendente y por tanto bienvenida.

De hecho, su principal virtud es precisamente la imposibilidad de prever qué derroteros seguirá el film. Lo que comienza como una parodia de películas de secuestros y rescates ("Rescate" o incluso "Fargo", por citar un par de ejemplos) acaba variando paulatinamente hasta convertir su segundo bloque argumental en, y no sigan leyendo los que quieran reservarse la sorpresa, un splatter puro y duro, sumamente gore, que bebe de clásicos del American Gothic, "La Matanza de Texas" a la cabeza, y de no tan clásicos como "Km. 666" y "Los Renegados del Diablo".

Sin embargo, pese a que todo ello, por supuesto pasado por el filtro del humor más gamberro y excesivo, tenga su gracia (en especial para los amantes de los géneros tratados), "The Cottage" se encuentra a mucha distancia de la ya mencionada "Zombies Party", "Slither: la plaga" u "Ovejas Asesinas", todas ellas en una liga superior.
Y es que su empeño por querer demostrar la total falta de seriedad y pretensiones con que se planeta el producto, éste acaba cayendo en la total intrascendencia, limitándose a una broma, buena broma si se quiere, pero poco más.
La loable opción de Williams de no tomarse en serio a sí mismo acaba por, valga la redundancia, ser tomada demasiado en serio, por lo que el director y guionista desestima cualquier posibilidad de ofrecer algo más allá del mero entretenimiento, sin querer apuntillar en la crítica a ciertos lugares comunes del(los) género(s) y más bien cayendo en ellos en alguna que otra ocasión.

Con todo, a mi entender esta película debe ser considerada como una opción más que válida para una sesión en plan grindhouse (por ejemplo), en cuyo caso cumple a la perfección como entretenimiento fresco, inocuo y gamberro, de impecable (que no sorprendente) factura técnico-artística y sumamente divertido en sus diversas fases de humor, que van desde el sutil cinismo a la total barbaridad.
Destaca por encima de todo la banda sonora, de un estilo barroco y cachondo a lo Danny Elfman, con un desternillante usufructo de las notas de la Novena Sinfonía de Beethoven de lo más extravagante.
5,5/10

Beautiful

2008-09-20T21:32:00.003+02:00

Juhn Jaihong, definido (según leo) como el discípulo más aventajado de Kim Ki-duk, debuta tras las cámaras llevando a la gran pantalla una historia precisamente ideada por el director de "Aliento", quien se reserva además la tarea de productor ejecutivo.
Su-yeon Cha interpreta a Eunyoung, una joven maldecida por su excesiva belleza. No puede caminar libremente por la calle sin atraer miradas masculinas y no puede tener amigas, pues terminan cayendo en el pozo de los celos. Pese al constante acecho de los hombres, o tal vez a causa del mismo, ella se mantiene virgen, hasta que un admirador la viola en su apartamento. Tan trágico acontecimiento condenará a Eunyoung a la locura, odiando su cuerpo y despreciando el sexo masculino hasta extremos insospechados...

Al tratarse de una producción tan estrechamente vinculada al autor coreano más en boga del momento, no son pocas las referencias que la atan, precisamente, a los lugares comunes de su filmografía.
La delineación de los personajes y su complicado (y exagerado) funcionamiento interno, las relaciones y los vínculos que se crean entre ellos, los silencios opresivos o su desangelada puesta en escena, prácticamente todo en "Beautiful" es un homenaje, una reverencia del director novel a su maestro.

Sin embargo, algo no acaba de cuajar en todo el conjunto. Y es que Jaihong no es Ki-duk, y eso se nota. Más allá de su tramo inicial, en que el espectador se da el mencionado baño de reminiscencias, el film comienza a disolverse velozmente, convirtiéndose en una repetición de conceptos continua sin evolución argumental alguna más allá del paso de la protagonista por los diversos estados de enajenación mental, que dicho sea de paso, se limitan a un simple cambio de comportamiento, sin dejar constancia en ningún momento de un empeoramiento paulatino físico y/o mental. Del mismo modo, la compleja relación (por así llamarla) que se crea entre Eunyoung y el joven agente de policía obcecado con protegerla se estanca rápidamente, dejando para otra ocasión el desarrollo de la mayoría de los numerosos frentes abiertos, como la vida privada del agente o su creciente obsesión por ella.
Inevitablemente, y aunque no llegue a la hora y media de duración, la película acaba aburriendo, pese a los desesperados intentos del director de agilizarla a base de explícitas y desagradables escenas de vómitos (causados por los trastornos alimenticios a los que se somete) de la protagonista. Tristemente, allí donde seguramente Ki-duk hubiera sacado partido de los silencios o las acongojadas miradas de sus personajes (algo a lo que nos tiene más que acostumbrados), Jaihong parece contar solo con el arma del desagrado visual, algo que se antoja completamente insuficiente tratándose del complejo relato que se trae entre manos, simplificado y desaprovechado por tanto en exceso.

Aún así, cuando todo parece abocado a la mediocridad más bien prescindible, un último soplo de aire fresco en los compases finales del film logran realzar el interés y de qué manera, con un giro sorprendente y completamente fuera de sí, que supone un broche de oro para el discurso latente que obviamente se esconde tras el argumento (los efectos de una violación, la belleza como algo negativo, la crítica a la sociedad cada vez más desequilibrada...), sumamente cínico, pasado de vueltas y desternillante, aunque preocupante al fin y al cabo.

Con sus más y sus menos, y sobretodo volviendo a ella tras su primer (y decepcionante) visionado, cabe reconocerse que "Beautiful" cuenta con más de una virtud, ubicados principalmente en su clímax, que salvan un irregular conjunto, digno a fin de cuentas de un director novel. La lástima es pensar en lo que podría haber dado de sí de haber sido escrita y dirigida completamente por Kim Ki-duk...
6/10

Death Race. La Carrera de la Muerte

2008-09-18T12:02:00.004+02:00

Año 2012. La economía de los EEUU cae en picado, el desempleo y la criminalidad se disparan, y las prisiones sobrepasan su capacidad de reclusos. Con este panorama, la alcaide de la prisión Terminal Island (Joan Allen) crea una competición entre reos, retransmitida por televisión por toda la superficie estadounidense. Las reglas son simples: el ganador de cinco carreras a bordo de su coche, consigue la libertad; si mueres, pierdes.
Cuando Frankenstein, uno de los pilotos más adorados por las masas de seguidores adeptos al espectáculo, fallece a falta de una sola victoria de su liberación, Jensen Ames (Jason Statham) es acusado injustamente del asesinato de su mujer y llevado a Terminal Island, para suplantar su lugar en la pista y ganarse una libertad más cara de lo esperado...

Nunca entenderé ciertas guerras que las críticas de medio mundo mantienen con algunos cineastas. En concreto, si se trata de un director joven, atrevido, y deseoso por innovar o innovarse, buscando constantemente algo distinto en cada una de sus películas, éste tiene todas las papeletas para ser el punto de mira de las más airadas críticas y vilipendios. Si además se dirige directa, única, y casi exclusivamente a cierto tipo de público, o tiene como objetivo primordial aquél que tantos otros (mucho mejor considerados) olvidan, el en-tre-te-ni-mien-to, que se vaya olvidando de más de dos estrellas por película.
Pues bien, el cineasta por excelencia que reúne todas estas condiciones es sin ninguna duda y con permiso de Michael Bay, Paul W. S. Anderson.
El director de "Horizonte Final" es uno de los más visionarios e inteligentes analistas de la demanda cinematográfica actual, y como tal ha sido de los pioneros en realizar que hoy en día, el cine (o al menos, cierto tipo de cine) y los videojuegos van cogidos de la mano, retroalimentándose y disolviendo cada vez más las fronteras que los separan.
No por nada, su nombre se encuentra tras las franquicias de "Mortal Kombat", "Resident Evil", "Alien Versus Predator", "DOA: Dead or Alive" y la próxima adaptación a la gran pantalla de "Castlevania". Y no por nada, su nueva propuesta como escritor y director es este pseudo-remake de "La Carrera de la Muerte del Año 2000", film que ya significó fuente de inspiración para uno de los videojuegos más controvertidos de la historia de las consolas, "Carmageddon" (conocido también, vaya por dónde, como "Carmageddon: the Death Race 2000"...).

Violenta, sanguinaria, explícita y adrenalínica, esta nueva Carrera de la Muerte es justamente la confirmación de todo lo expuesto anteriormente. Anderson ha querido crear un videojuego pasivo, una película dividida en tres pantallas, las tres etapas de la carrera, que el espectador debe vivir casi como si en lugar del buen cubo de palomitas (necesario para el correcto visionado de la misma) tuviese entre manos el mando de su PlayStation. Sus excesivos y agotadores montajes, a base de planos casi subjetivos y otros que siguen a estos autos locos desde detrás al más puro estilo "Need for Speed", juego de carreras por excelencia; la opción por prácticamente enmudecer a sus protagonistas durante las competiciones, escuchando sólo efectos de sonido, música estudiadamente atronadora y consejos de los copilotos; hasta los efectos especiales y el diseño de producción (de enormes parecidos a "Burnout" y, sobretodo, "Full Auto"); todo en "Death Race" es la recreación de un sinfín de videojuegos hecho película.
Por no hablar, obviamente, de su hilo argumental, e incluso la caracterización de alguno de los personajes y coches, de obvias referencias al ya mencionado "Carmageddon", para deleite de toda una generación de gamers y cinéfagos que añoran algo más de mala baba tanto en el cine como en las consolas.

Por todo ello, queda claro que el único público que puede disfrutar de ella en condiciones es principalmente joven (y hombre, debido al machismo que se palpa con las mujeres florero que pululan por la pantalla) y dueño de una consola.
Y tal vez sea ese el problema que condena a Anderson (o a Timur Bekmambetov, con su reciente genialidad "Wanted") a ser odiado por buena parte de la crítica especializada (!), necesitada urgentemente de un buen soplo de aire fresco y joven...

Rencillas y opiniones personales a parte, un servidor se lo ha pasado en grande con "Death Race". Acción constante, videoclip, tíos duros, tías buenas (y también duras), buenos buenísimos, malos malísimos, sangre y fuego se dan cita a toda velocidad en esta apasionante propuesta a la que solo cabe reprocharle ciertos excesos de montaje (el abuso del primer plano epiléptico a los rostros de los corredores), y una relativa falta de originalidad en el guión. Pero a fin de cuentas, nadie le exige más que presos haciendo el cafre con coches explotando por doquier a esta cinta (llamada a convertirse en película de culto de serie b), y en este sentido cumple, vaya si lo hace. Tremendamente adictiva, ¡corred a verla!.
7,5/10

Clip de "Saw V" y de "Quantum of Solace", y cartel de "Repo! The Genetic Opera

2008-09-18T11:18:00.003+02:00

El siguiente clip viene a confirmar lo que un servidor lleva defendiendo desde hace ya unos añetes: la saga de "Saw" será un despropósito y todo lo que queráis, pero no cabe duda de que, en cuanto a torturas y jueguecitos, sigue siendo de lo más original y apetecible...

Sigue un nuevo clip, trailer, teaser, o como demonios se llame de "Quantum of Solace", el esperado regreso del Agente 007, a punto de caramelo (14 de Noviembre estreno en, al menos, EEUU).

Y para acabar, el nuevo póster de "Repo! The Genetic Opera", que dirige Darren Lynn Bousman (precisamente, uno de los creadores de las secuelas de "Saw") y que será sin duda uno de los platos fuertes del próximo Festival de Sitges...

Los Extraños

2008-09-17T15:39:00.004+02:00

Escrita y dirigida por el debutante Bryan Bertino, y protagonizada por Liv Tyler y Scott Speedman ("Underworld"), "Los Extraños" se ha convertido en uno de los sleepers del año, y ya cuenta con una segunda parte en pre-producción.
Inspirada en hechos reales, la película explica el calvario por el que pasó una pareja de jóvenes al verse asaltados por tres enmascarados en mitad de la noche, en una casa de las afueras...

Más bien decepcionantes son las sensaciones que deja este thriller de terror, más al uso de lo que cabía esperar, de grandes pretensiones y escasos resultados.
Escrita de manera torpe y forzada, la película es un cúmulo de clichés del cine horror-teen en que sus protagonistas, rematadamente estúpidos, parecen ser los primeros en querer morir a manos de sus atacantes. Prácticamente todo resulta previsible (salvo la decisión final) en una trama sinsentido que comienza de la nada y concluye exactamente en el mismo lugar, sin nada que explicar más allá de la supuesta agresión (completamente inventada, puesto que lo único inspirado en hechos reales son las pruebas que se hallaron tras el mismo).

No pongo en duda que Bertino sea un gran seguidor del cine de terror de ayer y de hoy, y de hecho tal vez por ello, en lugar de tratar de innovar con su opera prima, haya optado por un guión y puesta en escena tan manidos, como si su objetivo hubiera sido hacer de todo un homenaje a los grandes del género. Pero se tiene que ser muy ducho para alcanzar esa meta sin caer en el plagio y la repetición, y lamentablemente, en esto último acaba quedando "Los Extraños". ¿O es que tal vez no daba más de sí la imaginación del debutante cineasta?
Sea como fuere, el caso es que resulta inevitable ver esta película y no reconocer constantemente fotocopias (visuales o argumentales) de "La Matanza de Texas", "Scream", "Los Renegados del Diablo", "Ellos (Ils)" o incluso (y sobretodo) "Funny Games".
Y es que la cinta no es más que eso, un mix descarado y no demasiado afortunado de todas ellas, pasado eso sí por un endulzamiento excesivo (digno de los tiempos que corren) que lleva a no mostrar prácticamente ningún tipo de violencia en pantalla, porque de hecho, apenas pasa nada en los escasos (aunque excesivos) 90 minutos del film.

Esto último no debería en principio suponer problema alguno, muchas veces en lo implícito reside el verdadero miedo, pero es justamente ésta la asignatura pendiente y más imperdonable del film: no asusta en ningún momento.
Por mucho que se intente por activa y por pasiva, la película logra a lo sumo crear una atmósfera algo intranquilizadora, gracias a los recursos ya vistos en las anteriormente mencionadas obras maestras de terror, a una fotografía cruda y oscura, y a la frialdad de sus personajes protagonistas.
Sin embargo, dicho ambiente enrarecido no acaba de culminar nunca en el esperado momento de terror, debido al equivocado abuso (ya más que agotado a día de hoy) de la subida de decibelios de gritos, golpes y música, algo que Bertino se empeña en repetir una y otra vez logrando justamente el efecto contrario, la pérdida total de tensión en favor de una sensación de indiferencia y un molesto pitido en los oídos. Aunque por supuesto, gran parte de la culpa también pueda deberse a una banda sonora completamente equivocada, que busca protagonismo constantemente queriendo emular las partituras de clásicos de años pasados.
De hecho, la única escena donde cambia de estrategia, en la que mientras el personaje de Liv Tyler deambula por una habitación aparece al fondo de la pantalla uno de los asaltadores enmascarados, en absoluto silencio y pétreo acecho, es tal vez la más arriesgada, personal y terrorífica de todas.

Con todo, cabe reconocer que la película no resulta demasiado ofensiva (dependiendo claro del aprecio que cada uno le tenga al dinero que vale una entrada), y que tanto ese perturbador clima del que hablábamos, como ciertos pasajes en los que el aroma añejo resulta simpático (aunque sin llegar a las apasionadas reverencias de Rob Zombie, Alexandre Aja o Neil Marshall, por ejemplo), o ese final completamente gratuito tan distanciado de las típicas producciones similares, le dan cierto valor evitando que caiga en el peor de los desastres.
Y además, siempre viene bien ver a Liv Tyler de vez en cuando, ¿no?
4,5/10

Passengers

2008-09-16T14:04:00.004+02:00

Rodrigo García, director y escritor de la mayoría de capítulos de "Carnivàle" e "In Treatment" (además de "A Dos Metros Bajo Tierra"), así como de "Cosas que diría con solo mirarla" o "Nueve Vidas", toma las riendas de "Passengers", thriller con tintes sobrenaturales que supone el debut de la jovencísima Anne Hathaway como protagonista absoluta en un film serio. Completan el interesante cartel Patrick Wilson ("Hard Candy"), David Morse ("16 Calles"), Clea DuVall ("Héroes"), Dianne Wiest ("In Treatment"), y Andre Braugher ("La Niebla de Stephen King").

Un avión se estrella y tan sólo sobreviven siete personas. Claire, una joven psicóloga, deberá ayudar a los supervivientes a superar el trauma. Pero, poco a poco, éstos empiezan a desaparecer misteriosamente. Con la ayuda de Eric, uno de los pasajeros, Claire intentará descubrir qué ocurrió realmente durante el vuelo.

Antes de nada, me veo en la obligación de avisar al lector de que, aunque no pienso revelar el final, mucho me temo que éste se intuirá fácilmente debido a las obligadas comparaciones entre esta película y otra conocida universalmente (e imposible de olvidar). Y debido a que es justamente su conclusión lo único mínimamente interesante de "Passengers", dejo a vuestra cuenta y riesgo la lectura de lo que sigue.

Crudo lo tiene Anne Hathaway para reivindicarse como actriz de peso si los papeles protagonistas que recibe pertenecen a films como este que nos propone Rodrigo García.
Engañosamente camuflado de thriller catastrofista de investigaciones y/o conspiraciones, "Passengers" no tarda en agotar todos sus atractivos, descubriéndose como una pseudo-romántica historia de amor sumamente apática y previsible, relegando a un casi invisible segundo plano todo lo referente a los supervivientes del accidente aéreo y sus diferentes versiones sobre lo acontecido, que dicho de paso tendría el suficiente jugo como para convertirse en un, cuanto menos, digestible guión de mentiras, pistas y sospechosos digno de cierto devaneo cerebral.
En vista de que a dicha vía argumental se le dedican apenas cuatro líneas en favor de la mencionada trama de amor (también desaprovechada) entre paciente y psicóloga, lo que queda es un supuesto batiburrillo de sensaciones chocantes entre sí que van de la emoción a la intriga y al terror, acabando irremediablemente en el tedio más absoluto.

De este modo, el espectador comienza a enervarse al sentir el peso de cada minuto de metraje como si de una hora se tratara, pues absolutamente nada parece suceder en pantalla más allá de la forzada evolución sentimental de los dos protagonistas, que solo sirve para confirmar la poca (por no decir nula) química entre ellos. De esas misteriosas desapariciones de los supervivientes apenas se habla, y los encuentros entre ellos apenas tienen algo digno de mención. Ayuda a potenciar la sensación de hastío una banda sonora compuesta por una partitura lenta hasta el paroxismo, capaz de aletargar de antemano cualquier momento supuestamente excitante.
Tan solo aquí y allá aparecen meras pinceladas que hacen pensar en una subtrama palpitante, tales como conversaciones un tanto extrañas o la aparición de personajes perturbadores (como el de David Morse, del que nunca se sabe demasiado y todo parece indicar que se encuentra tras el desastre).
Sin embargo, aquí es donde, sin lugar a dudas, reside el fallo más grave de "Passengers".

Desde que allá por el año 1999 M. Night Shyamalan cambiara la historia del cine con "El Sexto Sentido", son pocos los espectadores que ante el más mínimo indicio (por infundado que sea) de sobrenaturalidad, fantasmas o muertes no reconocidas, no se plantean una serie de posibilidades referentes a los personajes, tratando de adelantarse a los hechos y descubriendo el pastel antes de tiempo. Es imposible calcular la de veces que se nos ha pasado por la cabeza eso de 'en realidad todos están muertos', y la culpa de tal comportamiento la tienen no solo Bruce Willis y compañía, sino la inacabable lista de productos sucesivos que bebieron descaradamente del mismo manantial, como "El Último Escalón" o "Identidad", por solo citar un par de ejemplos, que crearon una moda a la que se apuntaron muchos, demasiados cineastas, llevando en seguida al completo agotamiento de la fórmula.
Pues bien, García y Ronnie Christensen (guionista del film) parecen haber despertado de un largo letargo sin enterarse de tal evolución, y se han empeñado en caminar paso a paso tan abandonado y manido camino, convirtiendo su "Passengers" en la enésima, y esperemos que última, fotocopia de "El Sexto Sentido".
Dicho de otro modo, desde que Wilson, a los cinco minutos de metraje, habla con Hathaway diciéndole cierta frase inquietante, el espectador ya comienza a elucubrar y jugar con las opciones más imposibles, intuyendo y acertando pese a ello todo el cotarro.
Pero si hace unos años ése era motivo de satisfacción, en este caso se vuelve en contra del film, pues lo que se espera de él (así como de todos los que se atrevan a tratar con temas similares) es un final que contradiga precisamente dichas teorías, algo que aquí no solo no ocurre, sino que además se resuelve de la peor de las maneras, con la ya clásica explicación de tres al cuarto masticándolo todo hasta que lo pueda entender el niño más desatento de la sala.

Para rematar la faena, "Passengers" se convierte en sus últimos minutos en una especie de mensaje reconfortante para el que haya perdido a un ser querido en un accidente aéreo, algo a mi entender bastante desafortunado tras los terribles acontecimientos acaecidos recientemente en Barajas, sobretodo por el modo en que está tratado (aunque obviamente, la culpa de ello no la tiene la película en sí). Y es que no solo puede resultar estremecedora para los más aprensivos la recreación del incidente, sino que el tono happy ending con el que concluye definitivamente la película, que por cierto ata los últimos cabos de manera más que somera y gratuita, acaba por resultar incluso insultante. Parece como si el guionista haya vivido en sus carnes una experiencia similar, y haga de todo para autoayudarse y complacerse con ñoños idilios absolutamente fuera de madre.

En resumen pues, "Passengers" es una película en el mejor de los casos desafortunada. Mal interpretada, mal dirigida y peor escrita, no cuenta con nada que justifique su estreno en salas, más allá del morbo que supone ver una película sobre aviones siniestrados con el vivo recuerdo de la tragedia de Madrid. Y de hecho, puede que ese sea el motivo por el que la película llega a nuestras pantallas antes incluso que en su país de origen, Estados Unidos...
2,5/10

Aviso de actividad reducida

2008-09-15T14:12:00.004+02:00

Queridos todos,
Ante todo os debo una disculpa, estos días os he abandonado vilmente sin daros explicación alguna. Debéis saber que en Cataluña (o Catalunya) el 11 de Septiembre es festivo (se celebra el día nacional de la misma), y un amigo aprovechó para pedir un puente en el trabajo y llevarnos a unos cuantos a su casa de verano. Así que desde el miércoles al pasado domingo noche he estado en plan relax-perreo-embriaguez constante en un lugar de ensueño, tranquilo y fresco, acompañado de manera excepcional (literalmente) y entre otras cosas...¡jugando a la petanca!. Una experiencia 100% gratificante. Envidia, ¿eh?

Pues para rematar la jugada, durante estos días, y hasta que no empiece la Universidad (sí, solo soy un crío, ¿qué?) y por tanto retome una rutina diaria y demás, os informo de cierta reducción de ritmo de actualización del blog, en vista de que aprovecharé para acabar el verano en condiciones, y quién sabe, si me da por ahí, a lo mejor hasta retomo el tema del carnet de coche, que hace años que tengo ahí aparcado y no estaría mal sacárselo de una buena vez.

Así que hale, avisados quedáis, pero sabed que una cosa no quita la otra, y que yo os sigo queriendo a todos igual que siempre, ¡jeje!

Un saludo y buen fin de verano para el que, como yo, aún esté de vacaciones.
C

El Niño con el Pijama de Rayas

2008-09-10T13:37:00.004+02:00

Berlín, 1942. Bruno (Asa Butterfield) tiene nueve años y desconoce totalmente el significado de la Solución Final y del Holocausto. No es consciente de las pavorosas crueldades que su país está infligiendo a los pueblos de Europa. Todo lo que sabe es que su padre (David Thewlis) ha ascendido en su trabajo y que ha pasado de vivir en una confortable casa de Berlín a una zona aislada en la que no hay mucho que hacer y sobre todo nadie con quien jugar. Pero todo cambia cuando conoce a Shmuel (Jack Scanlon), un chico que vive una extraña existencia paralela al otro lado de la alambrada y que, como todos los que habitan allí, viste un uniforme similar a un pijama de rayas. La amistad de Bruno y Shmuel marcará el fin de su inocencia infantil.

El (semi)desconocido Mark Herman ("Little Voice") ha sido el encargado de escribir y dirigir la adaptación cinematográfica de "El Niño con el Pijama de Rayas", novela homónima de John Boyne que poco a poco se ha ido convirtiendo en un best-seller, traducido en más de 30 idiomas desde su primera publicación en 2006.

Pese a ello, debo reconocer que me enteré de la existencia de dicha novela solo un par de días antes del visionado del film, así que ignoro cuán fidedigna ha sido su traslación en imágenes, y por tanto este comentario se ceñirá única y exclusivamente a valorar la cinta en sí, independientemente del universo que la rodea.

De buenas a primeras cabe reconocerse un interés más que notable ante la propuesta de Herman. Por todos es sabido que pese a la acumulación de cintas centradas en la Segunda Guerra Mundial, éste sigue siendo un tema muy atractivo para el público, sobretodo cuando se demuestra una y otra vez que sigue habiendo un enorme abanico de posibilidades aún por explotar (como demuestran las recientes "El Hundimiento" y "Los Falsificadores", por ejemplo).
Sin embargo, donde sí puede palparse cierto agotamiento es en el subgénero dedicado exclusivamente a la recreación del infierno que fueron los campos de concentración, tema tratado en infinidad de ocasiones, desde prácticamente todos los ángulos, y con películas inolvidables muy recientes como son "La Lista de Schindler", "La Vida es Bella", o "El Pianista".
Por tanto, para atreverse a añadir más leña al fuego (y querer buscar algo más que mero beneficio económico, claro está), uno debe proponer algo realmente novedoso, capaz de aportar si no argumentos, por lo menos sensaciones desconocidas al espectador. Y mucho me temo que, pese a contar con el aprovechable punto de partida que ofrece la novela de Boyne, el Holocausto desde los inocentes ojos de un niño alemán desconocedor de la realidad, "El Niño con el Pijama de Rayas" carece de dichos requisitos.

A la hora de la verdad, la película no es más que una superficial revisión de la obra maestra de Roberto Benigni, tratada con el único propósito de arrancar lágrimas al público, siendo ésta (obviamente) una meta a la que llega a la perfección.
No cabe ninguna duda de que Bruno y Shmuel lograrán conmover al espectador con sus diálogos a través de las electrificadas vallas que los separan, por no hablar de ese final tan emocionante como sofocante. Por consiguiente, en ese sentido no hay nada que objetar, aunque si cabría preguntarse hasta qué punto resulta lícito (o por lo menos, meritorio) atacar a los sentimientos del espectador mediante el sufrimiento de niños...
Rencillas personales a parte, a ello se le debe sumar un reparto literalmente exquisito (con mención especial para los dos niños, capaces de gritar con tan solo una mirada), una banda sonora estudiada para estallar en los momentos precisos y sobrecoger (aún más) al espectador, y la dirección sobria y elegante de Herman, constantes que dotan al film de una perfección formal impecable.

Ahora bien, todo el que quiera ir más allá no podrá sino quedar más que decepcionado al descubrir lo que se esconde tras las primeras capas de aparente perfección (formal y emocional).
Y la triste verdad es que no se esconde prácticamente nada.
"El Niño con el Pijama de Rayas" es una película previsible y demasiado superficial, un mix de infinidad de ejemplos mejores que nada tiene que aportar.
Personajes esquematizados, simples y excesivamente maniqueístas pueblan un film de claras intenciones: en vez de oprimir al espectador mediante el desasosiego (mucho peor) al que deberían llevar ciertas situaciones realmente devastadoras si uno se para a pensar en ellas, se opta por el lagrimón fácil provocado por efectistas golpes de guión de tres al cuarto. Así, en vez de ahondar en momentos como la conversación/relación entre Bruno y Pavel (médico reducido a la condición de esclavo de la familia), o en el punto de vista de la hermana de Bruno, idolatrando a su padre y su nuevo trabajo, se opta por volver una y otra vez a las desoladoras escenas del niño al otro lado de la valla, a las explicaciones de lo que llega a sufrir recluido, o a ciertos twists innecesariamente melodramáticos, impactantes sí, pero olvidables al poco rato.

Por consiguiente, "El Niño con el Pijama de Rayas" deja con esa amarga sensación del quiero y no puedo (o no quiero), ya que prácticamente todas sus aspiraciones caen en saco roto a medida que pasan los minutos. Por mucho que emocione en su primera toma de contacto (a quien no se le empañen los ojos ni una sola vez en toda la película carece de sentimientos), en realidad solo puede llegar a afectar profundamente a todos aquellos que aún no hayan visto ninguna otra película de temática semejante, o desconozcan ese punto negro en la historia mundial. Básicamente, a un público infantil. Y quién sabe si, en el fondo, instruir precisamente a esta franja de espectadores sea la verdadera finalidad del film (o del libro).
Aún así, yo me quedo con el buongiorno, principessa! de "La Vida es Bella"...
6/10