La Casa de los Horrores - Cine

El Colectivo B. Driftwood presenta... LA GILITIRA DE LOS DOMINGOS

2012-02-12T12:00:00.000+01:00

Ha fallecido Whitney Houston

2012-02-12T03:00:00.002+01:00

Por causas aún desconocidas (o por lo menos confirmadas oficialmente) la cantante y actriz Whitney Houston fallecía a la edad de 48 tras una larga y dolorosa experiencia con el alcohol y las drogas, agravado por su estado depresivo causado tras la separación de su marido, Bobby Brown.

Desaparece así una artista que masificó el r'n'b y el soul durante los últimos 80 y los primeros 90 a partir de una herencia fundamentada también en el gospel y que tras su debut se catapultaba hacia un estrellato que le supuso ventas millonarias. Tendencia que certificó su banda sonora para la película El guardaespaldas, donde además compartía protagonismo con Kevin Costner: el cómputo global de su carrera se calcula en unos 170 millones de discos y singles despachados en todo el mundo. Su espectacular chorro de voz, la innegable puntería comercial de sus temas y un carisma personal aplastante la colocaron al frente de las divas del pop del momento y en el ojo del huracán del star system angelino para una carrera que, además, estuvo trufada de premios (Grammys y Emmys entre ellos).

No obstante, durante sus últimos años, Houston desapareció de la luz pública. Sin embargo, sus avatares personales (detox, principalmente) eran seguidos muy de cerca tanto por la prensa amarilla como por un irreductible grupo de fans que nunca perdieron la esperanza de oir material inédito de una Houston que debía renacer de las ruinas por todo lo alto. Y su tesón fue recompensado en 2009 con un retorno en forma de disco al que siguió un nuevo periodo oscuro.

Queda para el recuerdo una de las melodías más populares de los 90, aquel I Will Always Love You que adaptaba el original de Dolly Parton, y un ramillete de participaciones cinematográficas de no demasiado calado artístico: Esperando un respiro, La mujer del predicador, una versión televisiva de Cenicienta o su proyectado comeback, una nueva película llamada Sparkle.

Cine y Bollycao VII: Quién engañó a Roger Rabbit

2012-02-10T16:56:00.000+01:00

Gary K. Wolf, escritor y humorista americano, publicó en 1981 una novela que en el futuro estaría en el punto de mira, y no porque la fueran a francotirear, si es que esa palabra existe. Aproximadamente 30 años después yo me mudé de edificio y me topé con un grano en el culo bastante crecido con forma de vecino. Al principio se trataba de alguien que pasaba bastante desapercibido pero, a medida que ha ido pasando el tiempo, han nacido en mí unas irrefrenables ganas de aprender un curso a distancia para el manejo de un arma silenciosa capaz de terminar con mi problema. Llámenme asesino, pero las paciencias de la gente tienen un límite y la mía precisamente se ha mudado a otro barrio desde hace algún tiempo ya. Y yo sé que existe un lugar mejor, un lugar donde los vecinos no suponen un problema y puedes pedir con absoluta libertad un par de huevos y un bote de pimienta con derecho a devolución. De hecho, existe un lugar donde los vecinos se pasan la vida en guerra, pero de mentira, donde los bates de béisbol, las lluvias de pianos y el TNT son el día a día. Un lugar donde la corporación ACME parte el bacalao y no abarca la demanda a distribuir sus productos estrella de dos minutos de garantía. Pero todo desde el cariño. Un lugar llamado Dibuliwood donde, además, el sol canta mientras vas a trabajar.

Pero atendiendo a la rutina, empecemos por el principio. Walt Disney Pictures compró los derechos de “Who framed Roger Rabbit?” a Gary K. Wolf.

El por entonces presidente de la compañía, Ron W. Miller, vio en aquella una oportunidad única de producir una de esas cosas que la casa de Mickey Mouse llevaba una buena tanda de años sin oler. ¿Cómo se llama...? Ah sí, “taquillazo”.

Fue entonces cuando apostaron por la calidad contratando a Jeffrey Price y Peter S. Seaman para que se pusieran a dos manos, codo con codo, con el guión de la historia. Ellos habían sido los responsables de Misterio en Malta, una cinta de aventuras, humor y suspense, producido por la propia Disney y protagonizado por la loca esa de Margot Kidder, cuyo éxito en taquilla había sido un tremendo batacazo del calibre de un yunque en la cocorota del Coyote. Sé perfectamente lo que estáis pensando: ¡¡¡OMG, están locos estos americanos!!! ¿Cómo las cabezas pensantes de una poderosa empresa contratan a dos mamarrachos que han creado un truño para escribir lo que pretenden que sea un futuro megahit? Pero no se preocupen, amigos, que Cine y Bollycao siempre tiene un final feliz.

Las habladurías sobre el proyecto del conejo Roger comenzaron a rondar por aquellos estudios de California cuando un joven y desconocido Robert Zemeckis se ofreció a ponerse detrás de la cámara y hacerse cargo de las labores de dirección. Pero la Disney, que tiene gente lista que te cagas, de la que acierta los quesitos azules en el Trivial Pursuit, comenzó a indagar sobre él y descubrió que las dos primeras películas de Zemeckis, Locos por ellos y Frenos rotos, coches locos, habían sido un fiasco en taquilla y le dieron la espalda. Aquello tenía que ser algo grande con alguien grande. Pero eso también tenía un precio. Cuando los productores de Disney cogieron en una mano una calculadora de las gordas y en la otra uno de los dos borradores que aquellos mamarrachos habían escrito, comenzaron a hacer números. La cifra era tan grande que los ceros no cabían en la pantalla. El presupuesto se les había disparado hasta los 50 millones de dólares. Entonces Ron W. Miller arrugó el morro y, silbando El puente sobre el río Kwai, guardó aquel proyecto en la carpeta de “Ni de coña” y lo desterró a uno de los cofres rosa princesa de plástico que tenían llave con forma de corazón. Además se tragó la llave con un pastel de manzana para que nadie pudiera abrir aquel cofre rosa de princesa nunca más.

Pasaron cuatro años hasta 1985 y el puesto de presidente ejecutivo de Walt Disney Company fue a parar a los pies de Michael Eisner. Como nuevo miembro llegó con ilusiones, proyectos y nuevas ideas que forjar en la empresa. Una tarde, en un heroico acto de valentía, sopló el polvo de un cofre rosa de princesa que había en su despacho y, metiendo un abrecartas por la ranura, lo abrió. Encontró allí los borradores del guión de aquella película y le gustó tanto lo que leyó que se puso manos a la obra para hacer que viera la luz. Para ello contactó con una productora que comenzaba a hacer dinero estando detrás de llamativas historias, Amblin Entertainment. Al otro lado del teléfono se encontraban Steven Spielberg, Frank Marshall y Kathleen Kennedy quienes se percataron del filón que suponía la mezcla de humanos, acción, comedia, muertes y sexo (un poco) con dibujos de Disney.

Como Spielberg tenía una gran trayectoria de director después de Tiburón o E.T., fue tentado para dirigir la cinta, pero rechazó la propuesta ya que estaba a punto de ponerse rumbo a El imperio de sol, aunque dijo sí a ejercer como productor ejecutivo, firmando un contrato donde tendría un alto control creativo aparte de unos enormes porcentajes sobre los beneficios de taquilla. A partir de ese momento Spielberg empezó a mover hilos para convencer a los de Warner Bros. y Universal Studios, entre otros, de que le prestaran a sus más famosas celebrities. Esto es Bugs Bunny, Lucas, Coyote, el pájaro loco, el pingüino Chilly Willy y una larga lista de personalidades de tan especial gremio. Los directivos de Warner accedieron con la condición de que tanto su conejo como su pato tuvieran el mismo protagonismo y minutos en pantalla que el ratón y el pato de la competencia. Steven lo comprendió, se tocó la barba y accedió. Donde sí se encontró con una negativa fue ante los dueños de Popeye o Tom y Jerry, quienes no vieron nada de positivo en ceder los derechos de sus personajes. Animalitos...

Mientras tanto Disney se encargó de buscar a alguien apto para dirigir la película. Tal oportunidad fue brindada a Terry Gilliam, ya ex miembro del grupo cómico Monty Python, quien alegó que encontraba el reto demasiado complicado técnicamente hablando. Años después declaró haberse negado por pura pereza y lamentaba haber tomado esa decisión. Un poco tarde amigo Gilliam, pues detrás de él llegó el turno de un viejo conocido por aquellos lares. Se trataba de Robert Zemeckis que se encontraba en pleno apogeo mediático después de haber reventado las taquillas mundiales con Tras el corazón verde y, sobre todo, Regreso al futuro. Ahora sí era válido para ponerse tras la cámara. Lo que son los business de esta industria...

Pero si Bob se iba a encargar de dirigir al controlable grupo de humanos, alguien tenía que hacer lo propio con el descerebrado grupo de dibus. Con una larga trayectoria como animador de la época dorada de la Disney durante los años 40, Richard Williams entró a formar parte del equipo.

Con Spielberg, Zemeckis y Williams contratados, el dúo de tristes que años atrás habían escrito los borradores fueron nuevamente llamados para terminar el guión definitivo. Una vez todo esto, el presupuesto ya había descendido hasta los 29.9 millones de dólares y fue cuando se dio luz verde al proyecto.

Los guionistas comenzaron a repasar los dibujos de Tex Avery junto con los cortos que la Disney y la Warner habían parido durante aquella mencionada edad de oro en la animación americana, buscando influencias donde potenciar la redacción. Además Chinatown, de Polansky, sirvió como inspiración en el hilo argumental de la película pero, sobre todo, se apoyaron en el escándalo de la conspiración real realizada por la General Motors, Chevron Corp. y Firestone que crearon la National City Lines, un holding con el que comprar y destruir la compañía de tranvías de ciudades como Los Angeles entre los años 30 y 40.

A la hora de decidir el casting humano el director había pensado originalmente en Eddie Murphy para interpretar el papel de Eddie Valiant, pero a los productores no les gustó la idea. Entonces fue ofrecido a Clint Eastwood, y fue a él a quien no le gustó la idea. Bob Hoskins, que ya gozaba de una consolidada y dilatada carrera, se quedó finalmente el rol principal. Para acompañarle en pantalla se contó con Christopher Lloyd, señor de confianza de Zemeckis por su Doc Brown, y Joanna Cassidy. Para los personajes animados el equipo de casting escogió las voces de Charles Fleischer y Kathleen Turner como Roger Rabbit y Jessica Rabbit, además de los experimentados Mel Blanc, Frank Welker y Wayne Allwine.

El director de animación, Richard Williams, admitió abiertamente sentir desprecio hacia la burocracia de Disney y rehusó trabajar en Los Angeles. Así la producción se movió hacia Hertfordshire, Inglaterra, y el presupuesto comenzó su irrefrenable e inevitable escala. Al llegar a la cifra de 40 millones, Michael Eisner se rajó un poco y pidió que parasen la producción. Pero Jeffrey Katzenberg, responsable por entonces de la división cinematográfica de Disney, le alentó a seguir por el entusiasmo que le suscitaba la colaboración con Spielberg. De allí surgió una bonita amistad que dio sus frutos años más tarde con el nacimiento de la pequeña Dreamworks.

El rodaje comenzó el 5 de diciembre de 1986 en Elstree Studios. Durante 7 meses y medio, el equipo lidió con muñecos de goma que representaban a los dibujos, marionetistas, brazos robóticos y otra clase de trucos para hacer posible el milagro de la interacción entre los distintos protagonistas. Además se construyó una nueva cámara de fibra de vidrio y se utilizaron diferentes tipos de película según la secuencia. La post-producción tomó un año más en la ILM de George Lucas, donde los técnicos se encargaron de hacer irónicamente más real el mundo animado aplicando tres capas diferentes que constaban de sombras, iluminación y tonos mate. Así se consiguió la tridimensionalidad que buscaban otorgando a los personajes la ilusión de que eran afectados por las luces del set de rodaje.

Con 70 millones de dólares ya gastados y Eisner sufriendo con la gota de sudor en la frente, Quién engañó a Roger Rabbit asomó el hocico el 24 de junio de 1988 en 1045 cines estadounidenses, abriendo el fin de semana con casi 11 millones y medio de recaudación. Una buena acogida y un respiro para los productores quienes habían decidido quitarle la interrogación al título haciendo referencia a la superstición que existe sobre que las películas que incluían ese signo de puntuación fracasaban en taquilla.

Quién engañó a Roger Rabbit se sitúa en el Hollywood de 1947, donde Eddie Valiant, un detective de poca monta, ha sido contratado para encontrar pruebas que demuestren que Marvin Acme, magnate del negocio de los artículos de broma y dueño de Dibuliwood, está rondando a Jessica Rabbit, mujer fatal y esposa de la superestrella de Maroon Cartoon, Roger Rabbit. Cuando Acme aparece asesinado, todas las pruebas apuntan a Roger, y el siniestro y ambicioso Juez Doom está decidido a condenarlo como sea. Roger suplica a Valiant que le ayude a encontrar al verdadero culpable, pero el asunto se irá complicando a medida que Eddie va descubriendo, escándalo tras escándalo, que la propia existencia de Dibuliwood corre peligro.

La idea de juntar personajes de dos mundos tan opuestos como el real y el bidimensional de lápiz nunca había dado tan buen resultado hasta esta película. Desde la deslumbrante animación y los efectos visuales hasta las interpretaciones de los actores de carne y hueso, todo está aquí desmadrado a propósito de hacer sentir cómodo a cualquier aficionado al universo de estos lunáticos personajes. Un universo fácilmente reconocible por cada elemento en pantalla. Con un guión, para sorpresa de muchos, bien estructurado la cinta envuelve y engancha niños y mayores a partes iguales. Si bien es cierto que la enrevesada trama de cine noir hace perder la atención de la muchachada, el gran trabajo de edición hace que el conejo protagonista no tarde mucho en salir de nuevo a escena y nutra con payasadas los planos donde aparece, volviendo a captar todas las miradas.

Pero este no es uno de esos productos donde priman las buenas intenciones, no se equivoquen. Las infidelidades, los celos, el crimen y el suspense campan a sus anchas en ocasiones con un especial traje de camuflaje y en otras simplemente guiñando un ojo a cualquiera dispuesto a cazar la tramposa señal. Punto a destacar el de la desbordante pechonalidad de Jessica, mujer del conejo mindundi, que se come la pantalla (porque no le permiten otra cosa) allá donde se deja ver y hace salivar cualquier boca hasta el punto de plantearse si sería lícita una erección ante tal cine. Ya lo ven, amigos, nada de infantilismos por más que los cuervos de Dumbo quieran mandarnos de una patada en el culo a la niñez. La historia del conejo Roger supone una orgásmica montaña rusa para todos los públicos, sí, pero sobre todo para los sentidos.

Por el camino a la gran pantalla quedaron varias ideas como que las comadrejas fueran siete en un claro homenaje a los enanitos, de hecho los nombres de ellas son versiones satirizadas de los de aquellos, o que el personaje de Christopher Lloyd llevase en su hombro un cuervo animado y un maletín con 12 canguros pero se desecharon por razones de presupuesto y complicaciones técnicas. Otras ideas fueron geniales como que el Juez Doom había sido el asesino de la madre de Bambi, aunque esto fue eliminado del guión por petición de la propia Disney. Malditos puritanos de los coj... Una de de las escenas que mayor reto supuso a los técnicos fue la primera aparición de Jessica en el club nocturno enfundada en un flamante traje con destellos. Para tal efecto se usó filmando la luz que se filtraba a través de una bolsa de plástico que previamente había sido rasgada con lana metalizada. Todo un logro al alcance de cualquier usuario del Mercadona.

La crítica especializada acogió de buena gana la cinta y alabaron el resultado con elogios haciendo que el público acudiera en masa a los cines. Recaudó un total de casi 150 millones de dólares a los que hubo que sumarle el pico conseguido por la venta del formato doméstico y el montón de merchandising del cual Disney poseía los derechos. Se hizo de todo para publicitar la película. Videojuegos, camisetas, peluches, incluso una atracción en Disneyland. Además Roger y Jessica firmaron un contrato para anunciar Coca Cola Light. Para lo único que no se dio permiso fue el diseño de una muñeca hinchable con el cuerpo de ella. Se rumorea que algunas personas aún escuchan llorar a Nacho Vidal algunas noches. La peli ganó 3 Oscars al mejor montaje, sonido y efectos visuales y uno de reconocimiento a Richard Williams además de varios premios y nominaciones más.

Años después, el creador de la novela demandó a Disney por el típico tema de derechos y beneficios y fue indemnizado.

Bob Hoskins comentó tras el estreno que no volvería a participar en una película de tal calibre ya que el conejo era un chupacámaras y que había que ser un dibujo animado para actuar en una película donde los muros se traspasan y él ya era mayor para eso. Recientemente, ante una posible inminente y tardía secuela, ha declarado que si se hace, vuelvan a contar con él puesto que ya es muy mayor y no hay nada más cómico y parecido a un dibujo animado que un señor mayor.

Personalmente creo que miente. Echa de menos vivir en Dibuliwood, un sitio al que probablemente me mude no tardando demasiado. Recuerden, ya les dije que nunca me buscaran en el Caribe.

Por Óscar Gómez

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Lo peor del año en España y alrededores: premios YoGa 2012

2012-02-10T10:23:00.000+01:00

El colectivo Catacric (Catalans Critics), reunido en la noche del 8 al 9 de febrero del 2012, en un Si los Oscars tienen como contrapartida los Razzies, que año tras año premian lo peor que haya parido la industria cinematográfica hollywoodiense, los Goya encuentran en los YoGa, que se dedican a mostrar las vergüenzas del cine español y, qué demonios, internacional. Los premios los entrega el colectivo Catacric (críticos catalanes), y la verdad es que, al margen de los verdaderos motivos que puedan ocultarse detrás de su existencia, a nosotros todo lo que sean hachazos a unos u otros, nos encantan (en especial, a un tal Boyero). Por mucho que, en esta edición, consideremos que el colectivo en cuestión haya quedado en evidencia... Os pasamos la lista de premiados, y a partir de ahí, que cada cual extraiga sus propias conclusiones...

Cine español
Peor película: YoGa “No me vuelvas a contar cómo pasó”, a La voz dormida, de Benito Zambrano.
Peor director: YoGa “Mientras duermes”, a Juan Carlos Fresnadillo, por Intruders.
Peor actor / actriz: YoGa “Tu lo que quieres es que me coma el tigre”, a Roberto Álamo y Marisa Paredes, por La piel que habito.

Cine extranjero
Peor película: YoGa “Habemus plastam”, a El árbol de la vida, de Terrence Malick.
Peor director: YoGa “Mel-eñeco” a Jodie Foster, por El castor.
Peor actor: YoGa “En busca del aura perdida”, a Harrison Ford, por Cowboys & Aliens, Morning Glory, Medidas extraordinarias y Territorio prohibido.
Peor actriz: YoGa Para qué sirve un Oscar (o dos), a Hilary Swank, por Noche de fin de año, La víctima perfecta y Betty Anne Waters.

Premios especiales
YoGa “Promoción fantasma”, a Eduardo Chapero Jackson (Verbo), Isaki Lacuesta (Los pasos dobles) y Miranda July (El futuro)
YoGa “Catalunya über alles“, a los premios Gaudí 2012, con una mención especial al discurso del rey: ¡Joel, qué discurso!
YoGa Uno de los nuestros: No es ‘País’ para egos, a Carlos Boyero.

Póster (para la venta) de "Machete Kills"

2012-02-10T07:04:00.001+01:00

O sea, póster que usan los responsables de la película para buscarle financiación. Vamos, que el hecho de que ya aparezca material promocional de ella no implica que su estreno esté a la vuelta de la esquina, puesto que, de hecho, aún debe empezar a planificarse su rodaje. En fin, que hablamos de Machete Kills, nueva intentona de Robert Rodriguez por esconder sus profundas carencias cinematográficas buscando ser el director que más mola, y que en este caso equivale a la secuela de aquel muy, demasiado decepcionante Machete. Supongo que ya sabréis de qué va la cosa: parido de un fake-trailer que precedía Planet Terror, la cinta convierte a Danny Trejo en un héroe de acción a la vieja usanza, y en esta nueva aventura lo enfrenta a un tipo que amenaza con desatar una guerra mundial gracias al empleo de un arma espacial ¿?. De momento nada más; en abril debería empezar su rodaje, por lo que ya habrá tiempo para descubrir más detalles. El póster de marras, a continuación...

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Estrenos de la semana (10 de febrero)

2012-02-09T22:55:00.003+01:00

Fin de semana equino nos aguarda con el estreno de sendos horses, situados cada uno de ellos en extremos opuestos de la concepción cinematográfica, pero válidos cada uno por sus propios motivos. El primero, el mediático, ese War Horse que nos devuelve al Spielberg más lacrimógeno y comercialmente (g)lúcido en una historia bigger than life que sigue los pasos de un caballo por toda (toda) la Primera Guerra Mundial. Pastelona y demagógica, es un espectáculo de primera. En secreto, nos encanta. Y el otro caballo de la semana es esta The Turin Horse que supone la despedida del húngaro Béla Tarr del ruedo cinematográfico: ha anunciado que se retira y qué mejor que hacerlo con su película más sombría, pesimista y negra. Es una película poco amiga del espectador casual. Pero es una obra maestra absoluta.

Y ya que estamos con cine de autor y en la tabla "recomendaciones", bastante imperdible resulta esa Declaración de guerra que nos engancha definitivamente el nombre de Valérie Donzelli gracias a esta emotiva, encantadora imprescindible película sobre unos padres que deben batallar contra el cáncer de su bebé. Preciosa, genial y nouvellevaguesca.

Otra francesa, en otra línea, pero no por ello poco recomendable es esa The French Kissers que se ha vendido como una especie de respuesta gala a Supersalidos. Sí y no. Esto va de jóvenes que quieren mojar el churro y ya está. Pero tiene un aire despeinado, un tono punki, desastrado, de llevar por casa, muy simpático. Y parte además de La vida secreta de los jóvenes, un tebeo de Riad Sattouf (el tipo que se inventó a Pascal Brutal), que se adapta a sí mismo (él escribe y dirige). Caramelito.

Más cine europeo, el que propone Tom Tykwer (ese que descubrimos con Corre, Lola, corre y en quien inmediatamente después perdimos todo interés) con su Three, o Drei, o Tres, o (3). Incapaz de generar ningún tipo de empatía o llegando incluso a cotas de rechazo, lo último de Tykwer es una nueva muestra de cine ensimismado; más amigo de sí mismo que de cualquier otra cosa. Repelente, pedante y aburrido. Y encima ni siquiera representa un gran logro a nivel estético. ¿Seguimos?

Desde dentro de nuestras fronteras nos llegan un par de propuestas un tanto curiosas. La primera, Lo mejor de Eva, es el regreso (que debería ser por la puerta grande) de un Mariano Barroso que nos brindó durante los 90 notables muestras de cine español (ahí estaban Éxtasis o Los lobos de Washington) y que ahora se centra en una inflexible jueza interpretada por Leonor Watling para desplegar un drama tenso con implicaciones morales. La otra propuesta nacional, una de animación para adolescentes "distinta". En fin, distinta a lo que se haya podido hacer en este país, porque lo que es a algunas producciones Burton, la verdad es que se parece sospechosamente. En cualquier caso, el riesgo tomado con un proyecto como Papá, soy una zombie debe valorarse positivamente ¿no? Puede tener su público.

Descolocado estamos con lo del público que va a tener la revisión 3D de La amenaza fantasma. ¿Será un megabombazo con el sello de fábrica Lucas que asegurará la reconversión del resto de la saga? ¿O bien se hundirá en taquilla y en un par de años pretenderemos que nada de eso pasó? Decidid: aventuras superespaciales en formato king size o tener que volver a ver a Jar Jar Binks en pantalla grande. A calcular riesgos.

Para ir terminando, Daniel Espinosa nos propone en su El invitado una de acción trepidante con un blanco y un negro (Ryan Reynolds y Denzel Washington) en el centro de una trama conspirativa rebozada de toneladas de explosiones y guarrazos de toda clase. ¿Trepidante? Sí, su sucesión de tópicos lo es mucho. Pero también es cierto que como entretenimiento tontil funciona bastante bien.

¡A elegir!

Declaración de guerra

Dir.: Valérie Donzelli. Int.: Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, Gabriel Elkaïm, César Desseix.

Una pareja, Roméo y Juliette. Un niño, Adam. Un combate, la enfermedad. Y, sobre todo, una gran historia de amor, la suya...

Leer crítica de Xavi Roldan

El invitado

Dir.: Daniel Espinosa. Int.: Denzel Washington, Ryan Reynolds, Vera Farmiga, Brendan Gleeson.

Un peligroso renegado de la CIA (Washington) entra en acción diez años después. Cuando unos mercenarios atacan el piso franco que ocupa, un agente novato (Ryan Reynolds) escapa con él. Ambos intentan sobrevivir para averiguar quién quiere acabar con ellos.

Leer crítica de Xavi Roldan

La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma 3D

Dir.: George Lucas. Int.: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd.

Ambientada treinta años antes que "La guerra de las galaxias" (1977), muestra la infancia de Darth Vader, el pasado de Obi-Wan Kenobi y el resurgimiento de los Sith, los caballeros Jedi dominados por el Lado Oscuro. La Federación de Comercio ha bloqueado el pequeño planeta de Naboo, gobernado por la joven Reina Amidala; se trata de un plan ideado por Sith Darth Sidious, que, manteniéndose en el anonimato, dirige a los neimoidianos, que están al mando de la Federación. El Jedi Qui-Gon Jinn y su aprendiz Obi-Wan Kenobi convencen a Amidala para que vaya a Coruscant, la capital de la República y sede del Consejo Jedi, e trate de neutralizar esta amenaza. Pero, al intentar esquivar el bloqueo, la nave real resulta averiada, viéndose así obligada la tripulación a aterrizar en el desértico y remoto planeta de Tatooine...

Lo mejor de Eva

Dir.: Mariano Barroso. Int.: Leonor Watling, Miguel Ángel, Silvestre, Nathalie Poza, Joxean Bengoetxea.

Eva, una juez íntegra y rigurosa, se enfrenta al proceso judicial más importante de su carrera: el asesinato de una joven de Europa del Este, en el que está implicado un poderoso empresario. La presencia de un irresistible testigo, gigoló de profesión y amigo de la víctima, la sitúa frente a un espinoso dilema: resistirse o dejarse seducir, traspasando los límites de la ley.

Papá, soy una zombie

Dir.: Ricardo Ramón, Joan Espinach. Animación.

Retrata la vida de una adolescente gótica que vive en una funeraria y que un buen día se convierte en muerta-viviente con una meta en la vida-muerte: luchar contra el mal.

The French Kissers

Dir.: Riad Sattouf. Int.: Vincent Lacoste, Anthony Sonigo, Alice Trémolière, Emmanuelle Devos.

Hervé, un adolescente de 14 años, poco agraciado, no demasiado listo y bastante compulsivo vive con su madre. En el colegio, gracias a sus amigos, se las arregla bastante bien. Pero su verdadera obsesión es salir con una chica y, en ese campo, sólo cosecha calabazas; pero no se desanima y, un buen día, descubre, aunque a él le resulta inexplicable, que le gusta a Aurora, una de las chicas más guapas de la clase. A su alrededor pululan los más diversos personajes, a cual más pintoresco: Camel, un fan del metal con fantasías similares; Benjamin y Meryl, dos adolescentes complejos y acomplejados; los prepotentes Loïc, Anas y Mohamed; Mahmoude, el inevitable cabeza de turco; Mégane y Sadia, dos chicas de carácter débil; Aurore y Laura, las guapas de turno que experimentan su poder sobre los chicos, etc. Hervé trata de hacerse mayor en ese mundo en perpetuo movimiento, el mundo de la adolescencia en que se aprende a dominar los afectos.

Leer crítica de Manel Carrasco

The Turin Horse (A Torinói ló)

Dir.: Béla Tarr, Ágnes Hranitzky. Int.: Volker Spengler, Erika Bók, János Derzsi, Mihály Kormos.

Libremente inspirada en un episodio que marca el fin de la carrera del filósofo Friedrich Nietzsche. El 3 de enero de 1889, en la plaza Alberto de Turín, Nietzsche se lanzó llorando al cuello de un caballo agotado y maltratado por su cochero y, después, se desmayó. Desde entonces, dejó de escribir y se hundió en la locura y el mutismo. En una atmósfera preapocalíptica, se nos muestra la vida del cochero, su hija y el caballo.

Leer crítica de Xavi Roldan

Three (3)

Dir.: Tom Tykwer. Int.: Sophie Rois, Sebastian Schipper, Devid Striesow.

Drama centrado en la historia de una pareja de alrededor de los cuarenta que, de forma separada, cada uno de sus integrantes se enamoran del mismo hombre.

Leer crítica de Carlos Giacomelli

War Horse (Caballo de batalla)

Dir.: Steven Spielberg. Int.: Jeremy Irvine, Emily Watson, Niels Arestrup, Peter Mullan.

Adaptación de una novela infantil, también llevada al teatro, que muestra la entrañable amistad entre un chico y un caballo, a los que separó la I Guerra Mundial (1914-1918), pero cuyos caminos se volvieron a cruzar durante la contienda.

Leer crítica de Carlos Giacomelli

Crítica de "The Turin Horse"

2012-02-09T18:45:00.001+01:00

¿Cuántas veces nos hemos dado un placer sin saber que esa iba a ser la última? ¿Cuánto habríamos querido saborear un momento de haber tenido consciencia de que a ese no le seguirían más, que se acababa lo que se daba, que ese certificaba y debía redimensionar todos los anteriores? Bueno, a veces pasa todo lo contrario: las crónicas de muertes anunciadas se presentan como momentos negros e inevitables y terminan por dar nuevas visiones al conjunto, si no estar directamente marcados por su carácter de ultimísimo, de colofón final. Es exactamente lo que sucede con la nueva película del húngaro Béla Tarr: que se puede ver simplemente o se puede ver sabiendo que es su retirada del cine, el punto y final a una carrera no por poco mediática menos prescindible en el panorama cinematográfico europeo moderno, y en ese caso y a poco que uno tenga un cierto interés por la obra del director de Sátántángo, The Turin Horse es de esas que no se ve. Se vive. Y mucho cuidado con esa "vivencia" porque, en consonancia con su carácter de despedida y como perfecto producto nacido en la desesperanza, estamos ante una película que habla ni más ni menos que sobre la muerte.

Y lo hace de lo que parece (no sé si lo es) la única manera para hacerlo: de frente y sin artificios, y tomando esta opción ético/estética hasta sus consecuencias más radicales. Efectivamente, la última obra de Béla Tarr es una de las propuestas más arriesgadas (y por ende fascinantes) de la actual filmografía mundial y probablemente no logrará casarse con casi nadie, por lo menos dada su condición de película diametralmente opuesta a las propuestas que se mueven por los parámetros comerciales. Pero no hace falta darle muchas vueltas al asunto: en virtud de su esquelética concepción, cuando The Turin Horse pinche, pinchará hueso. Porque su austeridad formal y argumental le dan la posibilidad de hablar en términos filosóficos sin sentar cátedra y de tratar temas que se expandirán hasta el infinito en función de las intenciones del propio espectador: Tarr propone (casi) una única localización, poblada por tres personajes principales. Un anciano, su hija y su yegua. Y un contexto desolador: el de los albores del apocalipsis.

Un escenario de fin del mundo afín a la paranoia popular catastrofista (la realidad está empezando a mutar) y al mismo tiempo totalmente distanciada de los conceptos recurrentes (apenas se nos explica qué ocurre, sólo podemos intuir el cataclismo a partir de las inclementes rachas de viento que azotan la casa donde se resguardan nuestros personajes). Y la excusa, bien simple: plantearse lo que nunca nadie se ha planteado en 115 años. ¿Qué ocurrió con aquel caballo que según la anécdota fue abofeteado ante los ojos de Nietzsche, incidente que le costó la salud mental al filósofo? Es decir, la historia se ramifica más allá de las explicaciones oficiales. Episodios dan pie a nuevos episodios y aunque no son conocidos –la vida de ese par de granjeros, en caso de que hubieran existido habría sido anónima hasta ahora- se reivindican a sí mismos tomando todo el protagonismo. Ahora, según esta suerte de ejercicio de historia-ficción, resulta que el mundo tocó a su fin en aquel preciso instante.

Como sea, determinado el contexto, el mapa de la desolación se despliega en seis secuencias (seis días) parsimonioso, moroso en ritmo y parco en verbo. Y a partir de la pura repetición, de la más directa aliteración se nos expone, mediante planos alargados hasta el infinito que se agarran a la retina primero y al alma después, la rutina monótona del final de la vida de unos personajes despojados de propósito y motivación. Las existencias de ambos ya no van mucho más allá de sus funciones básicas (comer patatas, vestirse y desvestirse, dormir, trabajar, mirar por la ventana). Él casi ha perdido, se intuye voluntariamente, la capacidad para el habla (reduce sus comunicación verbal a lo esencial; en algun momento hasta gruñe como un cerdo). Sus cuerpos parecen harapos, esqueletos, muñecos. No sabemos si su Dios ha sido negado –o si al contrario este ha renegado de ellos-, apenas se nos ofrecen un par de pistas teológicas y sociológicas a través de un vecino chiflado que aparece en cierto momento y un carromato de gitanos que llega sólo para marcharse poco después. No conocemos su pasado aunque sabemos que tiene que haber uno. No terminamos de entender sus relaciones afectivas aunque parece claro que fueron marcadas en un pasado por algún hecho concreto. Y, especialmente, intuímos que su futuro ya está ausente. Que esto se acaba. Que llega la oscuridad.

Rodada mediante una serie de largos planos secuencia, The Turin Horse se enfrenta pues con grandes retos líricos y filosóficos, con lo que se ve obligada a presentarse, y ser, un cine de la pureza. Y resulta audaz en su basculación entre los dos polos de su identidad autoral. Por un lado los estilemas de la carrera del realizador, que vuelve a trabajar con el guionista y novelista László Krasznahorkai y vuelve a echar mano de un blanco y negro hiperexpresivo al que logra dar una terrible hondura abismal, ya sea para reflejar la desolación (La condena), como las atrocidades del régimen dictatorial (Armonías de Werckmeister), como la propia y simple negrura del alma (El hombre de Londres). Y por el otro lado una suerte de cinefilia que ya se abre al inicio de la película con el recuerdo de Nosferatu (ojo a la secuencia de la llegada a la granja en carreta) y en la que cabe el constante diálogo entre Tarr y la filosofía de la minuciosidad de Bresson (y evidente la concomitancia equina con Al azar Balthazar), el Ingmar Bergman de La vergüenza, la basculación entre lo rural y lo divino del Ordet de Dreyer o incluso la fuerza expresiva de Los desesperados del compatriota Jancsó.

The Turin Horse resulta una película severa, que aprieta y ahoga y demanda al espectador tanto temple como sinceridad consigo mismo. Es más una prueba por lo que tiene de viaje a lugares recónditos de la experiencia que por sus propias propuestas formales y sensoriales. Pero es cierto que si la película atrapa y fascina de manera primaria y casi atávica es gracias a la irreprochable capacidad para crear atmósferas y texturas de un Béla Tarr que logra que la absoluta desnudez formal dé pie a unas imágenes exuberantes por su rudeza visual, su telúrico impacto plástico. Y gracias también a una partitura obsesiva, sombría, fantasmagórica y basada en un adusto juego de cuerdas que van repitiendo su tenso leitmotiv, obra del compositor Mihály Vig.

Son apuntes de las sensaciones que busca crear la novena película de Béla Tarr. Probablemente, y en función de las relaciones de cada uno con su cine, dichas sensaciones cambiarán completamente, desaparecerán para dar lugar a otro tipo de sugerencias, de experiencias y de vivencias. Probablemente habrá quien reproche al realizador la radicalidad autoral, el tan salvaje despojo de fondo en favor de la abrasiva forma, el abismo que puede llegar a mediar entre la concepción de una película por el emisor y la percepción del receptor. Será lógico el rechazo, comprensible que pocos quieran entrar en este juego.

Pero incluso en ese caso, uno siempre podrá no pensar en nada y dejarse epatar, hacerse mecer por la pura fascinación de unas imágenes de alto impacto emocional; o bien dejarse hipnotizar por el oleaje rítmico de lo que parece una sinfonía sin posible final y que remite a un sentimiento simple y cristalino, compartido por todo ser emotivo: The Turin Horse es la tristeza hecha película.

9/10

Por Xavi Roldan

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Ficha de la película

Crítica de "El invitado"

2012-02-09T10:00:00.005+01:00

Si parecía que Daniel Espinosa es uno de esos tipos que, a pesar de que la sangre que recorre sus venas tiene un considerable grado de espesor, gustan de tomarse las cosas con calma (véase Dinero fácil) viene ahora este El invitado a despejar de un cabezazo toda clase de dudas. Claro, las dudas quedan despejadas, pero el coscorrón es notable, y a lo mejor por la brecha se escapan varios cientos de neuronas. Pero que no quiten lo bailado: como la sangre que mana se nos mete en los ojos, quedamos moderadamente tuertos y tampoco nos damos mucha cuenta, ni queremos, si esto es espectáculo tontuno con capacidad para entretener.

Y a estos mandamientos obedece este thriller en el que un agente de despacho de la CIA (cuidador de un piso franco en Johannesburgo, nada menos) se ve envuelto en una trama de alcances conspiranoides al lado de un proscrito al que debe tener controlado cuando su plan de fuga se tuerce.

Aunque lo cierto es que al final el argumento es lo de menos, vista la facilidad que tiene el tal Espinosa para montarse (carpetazo al pasado inmediato) un anfetamínico espectáculo de persecución constante que articula una especie de puesta al día de las buddy movies para llegar a un punto más o menos conocido: el de los thrillers urbanos de acción ultramodernos que sin embargo pretenden parecer pensados y diseñados hace cuatro décadas.

Es la tendencia actual y bienvenida sea. Tras el empacho digital y la hipérbole de lo sintético (el pixel ya se vende barato), Bourne -con la quien El invitado comparte director de fotografía: Oliver Wood- y su tropa de hijos bastardos han devuelto al cine de acción esa fisicidad, la voluptuosa fricción de los cuerpos que colisionan, eso de la hostiaca pura y dolorosa que parecía perdido más o menos desde aquellos maravillosos ochenta. No, el tono eléctrico y rasposo, de sugerencia documental, luz cortante e imagen exageradamente arenosa (la perfecta imperfección del grano) devuelve al género su palpabilidad brutal y hace de El invitado una película que se disfruta con los niveles de adrenalina troglodita aceptablemente altos: hay persecuciones que acaban en chatarra automovilística, explosiones con ondas expansivas que también generan chatarras diversas, mucho puño en rostro (con el consiguiente achatarramiento facial) y demás lindezas extraídas con poco cuidado de ente el material de derribo que propone todo esto a priori.

Lo malo es que efectivamente todo en El invitado apunta a la chatarrería. Y con eso me refiero a un guión que no puede presumir de partir de una sola idea original. Todo es reciclado, rescatado del abismo para construir un nuevo monstruo de Frankenstein fílmico, con la esperanza de que una mano juiciosa y mañosa (la de Espinosa, que lo es, ambas cosas) logre dar una forma más o menos estable al conglomerado, que contiene trazas de la serie 24, de Michael Mann, de Frankenheimer o, me temo, de Tony Scott. Y es que, ya que no se cuenta nada relevante, por lo menos se haga de manera entretenida y el gato pueda más o menos seguir pareciendo una liebre al segundo vistazo. Y a fuerza de giros de guión imposibles, golpes de efecto y esquematismo generalizado en los personajes y sus reacciones, a fuerza de todo eso, la cosa tiene que hacerse entretenida por derecho propio. Adquirido, lo que sea.

Y lo demás es un recital Denzel Washington de los de toda la vida, al frente él de uno de esos personajes marca de la casa, a medio camino de todo y siempre con la rosca forzada. Uno de esos tipos aparentemente inmorales, habitantes del lado oscuro que sin embargo guardan una carta ética que los acerca a la pura relativización de las ideas preconcebidas entorno al bien y el mal. Es lo que se lleva, la desmitificación del héroe, la oscurización del protagonista y el papel ambiguo de un tipo a quien le toca por decreto ser quien carga con el peso moral del relato.

Pero poco interesado (ni falta que le hace) está esto de El invitado en semejantes cuestiones filosóficas. Y como nosotros tres cuartos de lo mismo, asi lo mejor es autopalomitearse a lo loco e intentar sacar el máximo provecho de un par de horas bastante memas pero considerablemente frenéticas.

Pulp de usar y tirar

5'5/10

Por Xavi Roldan

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Ficha de la película

Póster de "Seeking a Friend for the End of the World"

2012-02-09T07:15:00.000+01:00

Extraña, muy extraña es la pareja que protagoniza Seeking a Friend for the End of the World, comedia de la debutante Lorene Scafaria (hasta ahora sólo la conocíamos como guionista de Nick y Nora) sobre el fin del mundo en un futuro no muy lejano.

Steve Carell y Keira Knightley encabezan el reparto de esta historia sobre un hombre que, ante el anuncio de un meteorito que está a punto de impactar contra la Tierra, ve cómo su mujer le abandona y debe afrontar a solas el final del viaje. Por ese motivo, decide (jeh) emprender un viaje para ir a ver a su hija antes de... eso, de que todo acabe. De momento sabemos poco más, salvo que se estrena el 22 de junio, y que presenta póster así de majo...

Brian De Palma y Jason Statham remakean "Heat"

2012-02-08T20:49:00.000+01:00

No, no esa Heat. No la de Michael Mann con DeNiro y Pacino. No. Mejor, mucho mejor: la Heat de los 80 con... ¡Burt Reynolds! Por aquí aquella cosa de no demasiado claro gusto se llamó Acorralado en Las Vegas y la dirigió Dick Richards (el mismo de la estupenda y kitschosa versión de Adiós muñeca con Robert Mitchum). La cosa adaptaba una novela de William Goldman que se centraba en las tropelías de un matón, Nick Escalante, que ejerce de guardaespaldas para ludópatas de Las Vegas hasta que una exnovia recibe un palizón de manos del hijo de un pope mafioso y decide que es momento para la venganza.

Ahora, pues eso, De Palma parece interesado en dirigir, especialmente (supongo) teniendo en cuenta que es el propio Goldman quien escribe el guión, y en contar con la participación de Jason Statham para meterse en la piel del personaje que anteriormente vistió el bigote de Reynolds.

Y el caso es que no se sabe nada más, pero todo esto no pinta del todo mal. Lo del guión escrito por el propio novelista puede tener su qué, y siempre es bienvenida cualquier nueva cosa de De Palma. O sea que estaremos atentos, sí.

¡Sorpresa! Trailer de "El legado de Bourne"

2012-02-08T19:44:00.000+01:00

Y también sorpresa: pinta de puta madre. Perdonad mi francés.

Bueno, pintar, pinta poco, porque la cantidad de material que se puede ver es escasilla, pero nada más abrir con el careto de un Jeremy Renner apaleado ya se nos ponen a funcionar las glándulas salivales: aquí va a haber toñas. Y vale que el rollito Origen que se trae el trailer da un poco de grima, pero tú, la contuinuación de una saga que hasta el momento nos ha brindado más alegrías que penas y un repartazo compuesto por Rachel Weisz, Joan Allen, Albert Finney, Oscar Isaac, Edward Norton, Stacy Keach y Scott Glenn quitan cualquier mal.

La ausencia de Greengrass se va a notar, pero de entrada Tony Gilroy -desoigamos las quejas de los apocalípticos- no parece del todo mala opción.

Contando.

Crítica de "Three (3)"

2012-02-08T09:00:00.000+01:00

Seamos francos: Three (3) cae mal desde el primer minuto. Tan pronto como los títulos dan paso a la acción, que una voz en off arranque con un monólogo altisonante y rebuscado para hacer, a fin de cuentas, la habitual perorata existencialista sobre vida y muerte, no es lo que pueda definirse como un arranque alentador. Que al poco se descubra que ese monólogo es en realidad un diálogo entre una pareja, y que la respuesta de la parte hasta entonces silenciada sea igualmente pedante tampoco dice nada bueno. Y que después la pantalla se divida en múltiples secuencias creando una cacofonía caótica para delimitar el lienzo en el que va a dibujarse la trama, remata la faena. Definitivamente no, el comienzo del film no se lo pone nada fácil al espectador. Nadie duda que en un mundo en que la imaginación parece haberse agotado, se tiene que apostar por experimentos, por nuevas fórmulas de expresión; pero hay que hilar muy fino para no rebasar la línea, casi invisible, que separa tan válida voluntad de la burda exposición de manías y pijadas de un artista con ínfulas de grandeza y poco más. Que igualmente, cintas así conseguirán su pandilla de groupies acérrimos de todo lo que huela a antisistema, anticomercialismo y antitodo, no lo niego. Pero aparte de ellos, mucho me temo que Three (3) se pasa, y mucho, de la raya.

Entre otras cosas, se pasa por su ambigüedad de miras. Por un lado se busca, sin disimulo y hasta la última consecuencia, dar la nota mediante el impacto visual. Acabamos de decir lo de la pantalla dividida, falta hablar de una escena animada, de los momentos en que la imagen se convierte en metraje desgastado de una cinta añeja, o de la escena de la aparición angelical, tirando de efectos especiales de andar por casa. Cual libro de estilo, la nueva película de Tom Tykwer tras las cámaras las tiene todas, incluso una escena de ballet que escenifica lo que se va a narrar… sólo que no parece pasar del mero índice, puesto que la mayoría de recursos apenas se emplean una vez y durante escasos segundos, cayendo en saco roto y siendo rápidamente olvidados a la mínima que la trama debe avanzar. En la misma liga juegan esos innecesarios intentos de subversión mediante escenas sumamente explícitas de sexo y operaciones testiculares (sí, como suena), que tan sólo se topan de frente con el rechazo instantáneo del espectador por no haber sido correctamente implementadas en el conjunto, por así decirlo. Así, cuando a medio metraje ocurre lo que ocurre (mejor será no desvelarlo), nada de levantamiento contra el sistema, nada de reformulación de conceptos, nada de arte; tan sólo hay un pensamiento en el ambiente: ¿para qué demonios tengo yo que aguantar esto?

Pero no se equivoque el lector, que los que aquí escribimos tenemos el estómago curtido, y cuanto más se nos pone a prueba, más disfrutamos. La nula capacidad de aguante que surge en ese particular momento que seguiremos sin descubrir, llega como colofón de otros factores. El primero, que ya llevamos una hora de metraje de difícil deglución por pedante, chulesca y más bien aburrida (aunque bien interpretada, eso sí). Three (3) quiere hacer muchas cosas, pero le salen más bien pocas. El segundo se refiere a la ambigüedad de miras a la que nos referíamos hace unos instantes. Y es que a todo el (desafortunado) empeño dedicado al apartado sensorial se corresponde una total dejadez argumental. Un entramado carente de gancho y de sutileza, y previsible de principio a fin, que al llegar a ese momento ya no deja margen alguno a la salvación: desde esa revelación se sabe exactamente y con todo lujo de detalles cómo acabará todo, y aún queda una hora de metraje. Lo dicho, ¿para qué aguantar el calvario?

Y a todas estas, ¿de qué demonios va la cosa? Pues de lo que ya se intuye con el título. Una relación a tres bandas, vista una y mil veces y torpemente ligada a cuestiones vitales que harían sonrojar a la peor versión de Woody Allen. Un viva la vida en clave de comedia dramática refinada, más cercano a Albert Espinosa que a otra cosa, que puede tornarse irritante en función del aguante de cada uno, y que peca de una inverosimilitud galopante. Decíamos al principio que como norma general debemos alentar esta clase de cine, de nuevo cine, que se gesta en la voluntad de un artista (o grupo de artistas) por cambiar las cosas, experimenta y buscar nuevas fórmulas de expresión. Pero cuando sale rana, la pendiente se hace muy empinada, y desde luego, la de la es una cuesta de difícil escalada.

5/10

Por Carlos Giacomelli

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Ficha de la película (incluye trailer)

"Lobezno 2" se estrenará en verano de 2013

2012-02-08T07:10:00.000+01:00

Mira que lo hemos dicho veces. Que si una primera parte sale regulera, y su segunda empieza a retrasarse, a ser pasada de un director a otro, a tener un guión revisado y/o reescrito cada dos por tres... mejor sería ir pensando en bajarse a tiempo del barco y a otra cosa. Es que el caso de X- Men orígenes: Lobezno 2 es de traca, ya empieza a parecerse a una película maldita en toda regla al haber pasado por todos y cada uno de esos estados. Y sin embargo ahí está, volviendo a la carga una vez más: ahora se anuncia como fecha de estreno definitiva el 26 de julio de 2013. O sea, dentro de un año y poco más, debiendo esperar a que su protagonista (un tal Hugh Jackman) acabe el rodaje de Los miserables para ponerse garras a la obra. Muy poco margen le veo yo al rodaje de una película escrita por Christopher McQuarrie y reescrita por Mark Bomback, dirigida finalmente por James Mangold tras el abandono de Darren Aronofsky, y ambientada, en teoría, en Japón. Como muy complicado todo. ¿Y sabéis lo mejor? Que con lo que ha llovido desde que el bueno de Logan diera el pelotazo, a nadie le importa ya nada de sus orígenes...

Otra novela de Anne Rice podría traer de vuelta al cine al vampiro Lestat

2012-02-08T04:08:00.001+01:00

Y todo por culpa de Ron Howard, Brian Grazer y su productora Imagine, que no saben estarse quietecitos ni qué hacer con su dinero. Que es mucho: el último lugar donde lo querían meter era en la megaproducción (películas y series a porrillo) que adaptaría La torre oscura al cine. Ahí es nada. Y ahora lo que se les ha ocurrido es un poco más modesto pero igual de molesto (ptpm-tsh!). Nada menos que el retorno de Lestat el vampiro (el nombre que buscáis es Tom) a los fueros cinematográficos para protagonizar la adaptación de El ladrón de cuerpos, una nueva novela de Anne Rice, reina de los vampiros. Ojo, no es que la mujer haya abandonado su deseo de "escribir sólo sobre Jesús nuestro señor" (afirmación que hizo tras su conversión al Cristianismo en 2005; está en la red, miradlo, wikiinformación de wikinabo), es que la novela es antigua, de 1992, de cuando aún no era suficientemente rica como para retirarse a cobrar royalties mientras piensa activamente en Jesús.

El libro es el cuarto en la saga de las Crónicas Vampíricas y cuenta cómo Lestat persigue, con la ayuda de un puñado de mortales (uno de ellos cazavampiros), a un asesino en serie del sur de Florida, para lo que se intercambia temporalmente el cuerpo con un humano y descubre lo mierda que es ser eso. Os lo juro, de eso va.

La adaptación se llevará a cabo con la participación de los guionistas Alex Kurtzman y Roberto Orci. A mí me da igual, ya ha pasado demasiado tiempo desde que esos dos molaban de verdad.

Más materiales de "Furia de Titanes 2": pósters y cosas

2012-02-08T03:49:00.000+01:00

Entendiendo cosas como "otros pósters distintos" (a los que Los Que Saben De Esto llaman banners).

El caso es que llega la secuela que nadie deseó del remake que nadie pidió, y esto es así y no se puede cambiar y nos lo vamos a comer con patatas. Pero igual hasta pasamos un rato divertido con todas las hondonadas de caspa olímpica que esto promete. Porque esto es misma cosa con mismas pretensiones y, parece ser, mismos resultados.

Los actores vendrían a ser los mismos, quita y pon, y la sinopsis habla de un Perseo retirado a la casa en el villorrio, diez años después de los hechos narrados en la primera entrega, de los dioses luchando contra los Titanes por mantenerse en el poder y a partir de ahí de un montón de cosas ininteligibles que probablemente implicarán muchísimos efectos especiales y un desembolso de dinero que podría condonar la deuda de un pueblo pequeño o mediano.

Veremos si el cambio de director a Jonathan Liebesman sirve para algo.

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Trailer

Scarlett Johansson estará en el debut de Joseph Gordon-Levitt como director

2012-02-08T03:33:00.001+01:00

Disculpad...

Joseph Gordon-Levitt debutará como director.

Ahora mejor. Porque lo que es nosotros, no teníamos ni remota idea que este chico pensaba ponerse a mirar por el visor, sentarse en la silla de tijera y vociferar cuatro cosas por un megáfono (no se me ocurren más tópicos, no). Pero así es. Por lo visto, dice que se ha pasado un año trabajando con y tomando ejemplo de Christopher Nolan, Rian Johnson y Steven Spielberg y que como además ya ha hecho sus pinitos como director en el terreno del corto, pues se ve ya preparado para tirarse a la piscina y hacer un largo. Nos cae bien, así que no vamos a juzgar esas palabras. Por decoro.

El caso es que el hasta ahora actor, recientemente reconvertido a hombre del Renacimiento, se ha escrito su propio guión y está dispuesto a realizarlo y a contar para ello nada menos que con la participación de Scarlett Johansson. La historia será una especie de modernización del mito de Don Juan en la que un seductor (que además interpretará el propio Gordon-Levitt) deberá aprender a ser un poco menos "capullo egoista" (sus palabras, no las mías) para ligarse a la chica de turno (mis palabras, no las suyas). Aún se está buscando quién vaya a llenar ese agujero (vuestros pensamientos chungos, no los míos), que parece ser que la Johansson va a interpretar otro papel.

De momento, ni título, ni rodaje ni nada. Sólo la ilusión. Que, se ve, es mucha. Angelito.

Nuevas fotos de "Lincoln cazavampiros"

2012-02-08T03:19:00.000+01:00

Oops. Acabo de darme cuenta. Con las ganas que le tenía yo a esto por lo bizarro que siempre me ha sonado su planteamiento y acabo de caer en que, qué narices, esto va a ser una de cazavampiros corriente y moliente, solo que en época de Guerra Civil (la de allá, no la de acá). Con un poco de suerte me equivocaré y Timur Bekmambetov estará haciendo algo bueno con su vida. Pero la verdad es que de momento esta adaptación de la novela de Seth Grahame-Smith (autor de la también pastichesca Orgullo y prejuicio y zombis), guionizada por él mismo, no parece nada del otro jueves. Por encima, cuenta la historia de cómo el presidente de los Estados Unidos fue testigo de la muerte de su madre cuando crío y de cómo la emprendió desde entonces con los vampiros responsables, llevando una vida secreta que nunca ha sido contada en los libros.

Benjamin Walker, Dominic Cooper, Anthony Mackie, Mary Elizabeth Winstead, Jimmi Simpson, Robin McLeavy, Alan Tudyk y Rufus Sewell están ahí. Y nosotros haremos lo propio en verano. Pero con ganas reguleras.

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Otro póster
Dos pósters
Primera imagen oficial
Imágenes del rodaje

Nuevo trailer de "El asombroso Spider-Man"

2012-02-07T10:39:00.002+01:00

Vale, paren rotativas. Paren máquinas. Si estás estudiando, tira el lápiz al suelo, y si estás trabajando... bueno, intenta que no te pillen. La ocasión lo merece: hay nuevo trailer de El asombroso Spider-Man. Y se descubren muchos detalles nuevos suficientes para hacer salivar al respetable. Y me incluyo, que a base de palos, estoy aprendiendo a comerme mis palabras: sí, el nuevo Hombre Araña que dirige Mark Webb tiene una pinta increíble. No deja de ser la misma historia que ya hemos visto en las tres ocasiones precedentes (las de Sam Raimi), con cambio de cromos (Andrew Garfield es Peter Parker, Emma Stone es Gwen Stacy, Martin Sheen es el tío Ben y Sally Field es la tía May) y nuevo malo de quita y pon (ahora le toca el turno a Lagarto, interpretado por Rhys Ifans). Pero al César lo que es del César. ¿El 3 de julio dicen que se estrena? Pues a pedir día de asuntos propios tocan...

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Descúbrelo todo sobre "El asombroso Spider-Man", en su ficha

Trailer de "Take This Waltz"

2012-02-07T02:26:00.001+01:00

Vale, hemos dicho varias veces eso de "la mejor actriz de su generación", para incontables intérpretes. Pero es que en algunos momentos es cierto. Además, en virtud de la renovación de temporada, hay muchísimas generaciones. Así que yo me quedo tranquilo cuando digo que Kate Winslet es la mejor actriz de su generación, que Carey Mulligan es la mejor actriz de su generación y, sí, que Michelle Williams es la mejor actriz de su generación. Lo vamos a poder comprobar en unos días, cuando la ex-señora Ledger se introduzca en las curvas de Marilyn Monroe y lo podremos apreciar seguramente también gracias a esta Take This Waltz que se nos viene ahora con trailer adjunto.

Esto son gente que se enamoran y establecen triángulos de deseo. Hay música indie, gimnasia en la piscina, Seth Rogen, chándales horteras, Sarah Polley a la dirección, fiestas de cumpleaños, un título de Leonard Cohen y un parque de atracciones.

Plus: Sarah Silverman lo enseña todo.

Pasen y vean.

[Nota: algunas de las cosas aquí señaladas pueden o pueden no aparecer en el trailer]

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Primeras fotos

Álbum de fotos: "Dredd", "John Carter" y el nuevo Disney, "Wreck-It Ralph"

2012-02-07T00:22:00.000+01:00

O sea, que dos productos Disney y uno en donde una tipa le vuela la sandía a un pobre desdichado (aunque a decir verdad parece que se le ha disparado por accidente la automática esa que lleva). Bien. Niños, hay dibujetes animados y Taylor Kitsch luchando contra aliens de fantasía, pero este post no es para vosotros. Porque la adaptación de Juez Dredd empieza a parecer lo badass que nos aseguraron que iba a ser. Empieza a verse gorrina, bastarda y malnacida, o sea, todo lo que mola. A pesar de la cara de psuedoSly de Karl Urban.

El resto, ya digo, los colorines de Wreck-It Ralph, una en la que un malvado se da cuenta que los niños quieren más a los buenazos, con lo que decide convertirse en superhéroe de un videojuego en primera persona (no, no sé); y que cuenta con las voces de John C. Reilly, Jack McBrayer y Jane Lynch.

Y de John Carter ya hemos hablado una o dos veces, así que casi hará falta sólo recordar que es de aventuras en Marte y que dirige Andrew Stanton, chico Pixar.

Ahora sí, el desparrame sesudo:

Dredd

John Carter

Wreck-It Ralph

Crítica de "Declaración de guerra"

2012-02-06T18:18:00.006+01:00

Un servidor es de los que cree que, evitando caer en la humillación personal hacia particulares ajenos al carácter público, puede bromearse más o menos de todo. La coña es sana, liberadora; el mecanismo de la pura frivolización no me parece casi nunca censurable. Más que nada, porque este suele comportar bien una carga irónica bien una exorcización de los demonios y complejos del individuo o de la sociedad. Así que bienvenida sea cualquier manifestación de befa, la haga quien la haga. Y también es cierto, no sé si por una especie de prejuicio paternalista, que uno se siente más cómodo cuando ciertos temas espinosos son tocados desde la desmitificación por los propios afectados, por las, ejem, víctimas.

Y en ese mismo punto se encuentran Valérie Donzelli y Jérémie Elkaïm. Pareja en la vida real y en la ficción. Directora, guionista y protagonista femenina ella, parte masculina él. Y padres en ambos ámbitos (en la vida y en la ficción) de un niño al que de repente le diagnostican cáncer. O sea, que Donzelli se ha montado una especie de diario de bitácora oncológico, un retrato de sus vivencias cuando tuvo que transitar semejante infierno maternal. El del desconocimiento ante la enfermedad y el del sufrimiento tras el diagnóstico. El calvario de los padres por recobrar la salud de su hijo.

Pero rebobinemos, porque todo empieza un poco antes, en ese momento en que Juliette y Romeo (sic) se conocen, se enamoran y emprenden una vida juntos, todo emociones postefervescentes, velocidad y tocino, todo joie de vivre juvenil. Luego viene la convivencia, más tarde el pequeño y en cuanto sobreviene la enfermedad, llega el salto definitivo de maduración, que es ese que se da sin red. Y en este caso, además, al vacío. De nuevo: cáncer. Pero si hay algo que sorprende de buenas a primeras en Declaración de guerra, es su textura dramática.

En virtud de esa desmitificación de la que hablaba, de esa mirada nunca ajena a la comicidad, la afectación no eclipsa la película, el melodrama mucoso no se come el tono, porque la visión de Donzelli es clara, transparente y se puede permitir juguetear con todo y con todos. Transplantarse de un estilo a otro, saltar entre moods, entre enfoques, nadar libre por los meandros de su propio río. Y convertir toda su propuesta en una especie de revisión/puesta al día de los preceptos formales de la nouvelle vague. Esa nouvelle vague truffautiana que ya se había conocido a sí misma y una década después de su nacimiento ya se permitía conectar con la jovialidad de una generación que se comía el mundo sin necesidad de plegarse a discursos más o menos intelectualizantes. Ya no hay tesis -o ya está asumida-, ahora hay práctica. Ya nos podemos permitir la ternura más sencilla, la comedia más pura, el romanticismo más conmovedor y el drama más natural.

Como sea, y a golpe de chispa, Donzelli insufla un nuevo viejo aire (que no sólo recorre los sesenta y los setenta sino que también revisita los ochenta) a la actual comédie francesa y sienta la piedra de toque de lo que podría ser una especie de nueva comedia indie europea. Y de qué manera. Declaración de guerra es caleidoscópica en su forma, desprejuiciada en su juego de trilero genérico (hasta con el musical se atreve) y rica en guiños afines: está Truffaut (hasta el final: esa última secuencia, con cambio significativo, no engaña a nadie), pero también está un cierto Rohmer y hasta esa complicidad musical para con Los paraguas de Cherburgo.

Y con semejante rosal de referencias y guiños tan perfectamente engarzados en una historia inequívocamente, y en el mejor sentido del término, moderna, el resultado sólo puede ser uno: la segunda película de Valérie Donzelli es en el fondo una historia de amor, de comprensión, de complicidad; una película encantadora, emotiva, entrañable, fresca, divertida y, ante todo, sincera consigo misma, con sus padres ideológicos y su legado, y especialmente con su público.

Y en esas, se aparece esta como una película que en 2011 (ya 2012) va a su bola bajo el control de unas manos, las de la directora, que prestidigitan con mañosa facilidad e innegable fuerza visual: la suya es una realización con personalidad, nunca anodina, siempre pendiente del detalle, buscando la preocupación sutil, la rutina hospitalaria o el gesto de complicidad romántica. Y plasmando la excitación por el romanticismo juvenil o la algo más cruda realidad adulta, porque al fin y al cabo, en Declaración de guerra hay mucha peregrinación hospitalaria, tanta como en aquella maravillosa y radiográfica La muerte del señor Lazarescu; y aunque en la de Cristi Puiu el punto de mira se encontraba en un sistema capitalizado por una suerte de ridícula burocracia de la sanidad y en esta se trata de una interminable carrera contra la enfermedad, hay algo de absurdidad kafkiana en todo esto, cercana a la pareja que protagonizaba la odisea de La pequeña Lola de Bertrand Tavernier. Sólo que con una mayor querencia por la caricatura; compensada esta, menos mal, por una especie de magia cotidiana cómplice que (también afortunadamente) no llega al eccema de meninges que tan ricamente implantó la muy irritante mademoiselle Poulain en aquel su fatídico momento.

Y coño, que al final lo que queda de todo esto es el sabor dulce de haber asistido a algo imprevisible en tiempos de acartonamiento genérico y convenciones resecas, especialmente en una trama de padres vs. La Enfermedad, tan querida y explotada con grandilocuencia por el melo hollywoodiense. Y es que si la libertad cinematográfica es poder escapar no sólo de lo que el público espera sino de lo que la propia película exige de sí misma, entonces no hay duda: Declaración de guerra es puro cine libre.

8/10

Por Xavi Roldan

Agradecimiento: Manel Carrasco

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Super Bowl (y III): trailer de "Los Vengadores"

2012-02-06T10:30:00.002+01:00

Dejamos lo mejor para el final. El anuncio extendido (es decir, en vez de 30 segundos, dura un minutos...) que se emitió ayer, durante la Super Bowl, de Los Vengadores. El Capitán América, Thor, Iron Man, Hulk, Ojo de Halcón, Nick Furia, la Viuda Negra, Loki... no falta ninguno de los superhéroes/villanos vistos en las últimas películas de la Marvel, en el gran acontecimiento cinematograficómic del año. La espera ha terminado: el 4 de mayo se estrena en cines de Norteamérica este mega crossover que ha dirigido Joss Whedon y cuenta con los rostros de Mark Ruffalo, Chris Evans, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Stellan Skarsgård y Jeremy Renner (ya sabéis, el tío que sale en todas las películas desde el 2011 en adelante). Ganas, ¿no? Desde luego, pese a su brevedad, este trailer no es que ayude precisamente a calmar estados anímicos... más bien todo lo contrario. Ganazas.

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Super Bowl (II): trailers de "John Carter" y "The Lorax"

2012-02-06T09:00:00.001+01:00

Vamos subiendo el nivel de expectación tirando de los trailers que se emitieron en el gran acontecimiento deportivo del año (que aquí tiene una repercusión equiparable a los mundiales de cricket, o así). La Super Bowl dejó más perlas para el cinéfago, como demuestran el trailer extendido de John Carter, y el más cortito de Lorax. La primera es la nueva gran esperanza de Disney, y como prueba de que se han esforzado, basta con ver a quien han contratado como director (el genio de Pixar, Andrew Stanton) y como actores: Taylor Kitsch, Lynn Collins, Samantha Morton, Mark Strong, Ciaran Hinds, Dominic West, James Purefoy, Daryl Sabara, Polly Walker, Bryan Cranston, Thomas Hayden Church y Willem Dafoe. Todo muy bien... de no ser porque los extraterrestres verdes, ay, me siguen recordando demasiado a Jar Jar Binks...

Por su parte, The Lorax (que aquí se llamará Lorax, en busca de la trúfula perdida, no comment) es la próxima perla de animación de los responsables de Gru. Mi villano favorito y está basado en otro de los relatos del Doctor Seuss (Horton). Ambos motivos de peso para verla, a lo que cabe sumar la voz de Danny De Vito doblando al protagonista principal. Mola. ¡Allá van!

John Carter

Lorax

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Super Bowl (I): trailers de "Hundir la flota" y "Act of Valor"

2012-02-06T06:46:00.000+01:00

Os lo avanzamos hace unos días: este era el finde de la Super Bowl, y eso significa trailers cortitos a mansalva. Corresponden a anuncios para los intermedios del partido, claro, pero a nosotros nos van de vicio para recapitular un poco sobre los que, en teoría, se consideran platos fuerte de la próxima temporada cinematográfica.

Empezamos con los dos trailers de Hundir la flota (más conocida, de momento, como Battleship) y de Act of Valor. De la primera os hemos hablado ya mucho, y además, con el título basta para saber por dónde van los tiros. La segunda también ha sondado por casa, pero menos, así que os recordamos que es una de esas inspiradas en eventos reales, sobre un equipo de Navy SEALs y su actividad antiterrorista. Pues vale. Mejor será que lo veáis vosotros mismos...

Hundir la flota (Battleship)

Act of Valor

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Trailer (largo) de "Act of Valor"

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2012-02-05T14:30:00.000+01:00