La Fortezza delle Scienze

Conte Dacula: il vampiro che si faceva impressionare dal sangue

2026-11-01T08:48:17.423+01:00

Ultimamente mi sono ritrovata a ripensare a come scelgo i contenuti da portare sul blog e mi sono detta che, da una parte, mi piace quella sorta di imprevedibilità per cui il lettore non sa mai quale sarà il prossimo argomento, anche perché gli spunti da cui pesco sono davvero i più disparati pur rimanendo nel solco nostalgico e della cultura popolare di una certa epoca storica, ma dall’altra vorrei comunque conservare un piccolo filo conduttore con lo scorrere del tempo, con le stagioni e con quell’atmosfera particolare che certi periodi dell’anno portano inevitabilmente con sé. E così ho pensato che il lugubre mese di novembre, con le sue giornate sempre più corte, le nebbie, il ricordo ancora fresco di Halloween e quell’aria un po’ malinconica che sembra invitare a rispolverare vecchie storie, potesse essere dedicato a tutti quei personaggi e quei mondi che, in qualche modo, hanno a che fare con le tenebre, con i mostri, con gli orchi, con l’horror, con tutto ciò che da bambini ci faceva un po’ paura, ma che oggi, ripensandoci, ci fa soprattutto sorridere. E quale personaggio potrebbe rappresentare meglio questo spirito se non il Conte Dacula? Già il nome è un simpatico gioco di parole per una papera nei panni di un personaggio ispirato al Conte Dracula, il vampiro per eccellenza. Se ve lo scrivo così, con il nome nella serie inglese originale, Duck-ula, è più chiaro? Ed è proprio qui che comincia la genialità di questo cartone animato britannico prodotto da Cosgrove Hall Films e trasmesso originariamente dal 1988 al 1993, per un totale di quattro stagioni e 65 episodi. La premessa è irresistibile: in Transilvania, all’interno del sinistro Castello Dacula, vive una dinastia di terribili paperi vampiri che da generazioni terrorizza la popolazione. O almeno così dovrebbe essere. Perché il Conte Dacula che incontriamo nella serie è l’ennesima reincarnazione del personaggio, riportato in vita attraverso un antico rituale dopo l’ennesima morte del suo predecessore. Il problema è che, durante l’ultima resurrezione, qualcosa va storto: al posto del sangue viene utilizzato del succo di pomodoro e il risultato è un vampiro completamente diverso da tutti quelli che lo hanno preceduto. Il nuovo Dacula è vegetariano, ama le verdure, detesta il sangue e, soprattutto, non ha nessuna intenzione di comportarsi come un malvagio conte delle tenebre. Il contrasto è talmente assurdo da diventare il cuore stesso della serie: Dacula vorrebbe essere famoso, viaggiare, fare l’attore, diventare un personaggio dello spettacolo, vivere avventure e soprattutto divertirsi, mentre chi gli sta intorno continua a ricordargli che dovrebbe essere un autentico vampiro cattivo. A cominciare da Igor, il suo fedelissimo e sinistro maggiordomo, che non si rassegna al fatto che il suo padrone sia diventato una specie di papero vegetariano e cerca continuamente di riportarlo sulla “retta” via del male. Igor è probabilmente uno dei personaggi più divertenti proprio perché vive ancora mentalmente nella vecchia tradizione dei Dacula: per lui un vero conte vampiro dovrebbe essere crudele, spaventoso e assetato di sangue, e vedere il proprio padrone alle prese con broccoli e panini vegetariani è quasi un affronto personale. Poi c’è la tata (Nanny, nell'originale), la gigantesca e pasticciona tata, con il braccio perennemente al collo in una fascia, talmente svampita da combinare continuamente disastri senza rendersi conto delle conseguenze. Ci sono anche Dimitri e Vladimiro due pipistrelli meccanici che dicono freddure con il loro accento riusso. E naturalmente non può mancare il nemico storico, il dottor Von Crapotten (Von Goosewing nell'originale), un improbabile cacciatore di vampiri che ha giurato di eliminare Dacula e che, puntualmente, riesce a complicare le cose più di quanto non facciano già Dacula, Igor e Nanny messi insieme. In realtà Von Crapotten non è l'unico antagonista della serie: ci sono i fratelli Corvi, il Fantasma dell'Opera, Charlie il clown, i pinguini pirati e altri ancora. Il bello è che Dacula non è il classico protagonista che passa le sue giornate a difendere il castello da orde di mostri: molto più spesso è lui stesso a mettersi nei guai, perché sogna di vivere avventure completamente fuori dagli schemi. Così il castello diventa quasi un mezzo di trasporto fantastico capace di portarlo in giro per il mondo e le sue disavventure lo conducono dall’Egitto alla Spagna, dall’Australia alla Scozia, fino persino allo spazio, in una serie di parodie e situazioni surreali che prendono in giro il cinema horror, i racconti gotici, i film d’avventura e persino personaggi e generi della cultura popolare. Già il primo episodio, “Il sassofono mistico”, porta Dacula, Igor e Nanny in Egitto alla ricerca di un misterioso sassofono, mentre in uno degli episodi più memorabili il castello finisce addirittura nello spazio. E forse è proprio questa la cosa che rende Conte Dacula ancora così piacevole da ricordare: dietro l’apparenza di un semplice cartone per bambini c’era un umorismo sorprendentemente ricco, costruito sui contrasti. Il gotico e il demenziale, il macabro e il tenero, il vampiro e la verdura, la tradizione horror e la voglia di diventare una star. Dacula avrebbe dovuto essere un mostro e invece è diventato uno dei paperi più improbabili della televisione. E a pensarci oggi, fa quasi tenerezza immaginare quel castello lugubre della Transilvania, le bare, le candele, le ragnatele e le atmosfere da film dell’orrore, mentre al centro di tutto si aggira un papero vanitoso che, più che succhiare il sangue alle proprie vittime, sembra preoccupato di trovare il prossimo modo per diventare famoso. Una curiosità particolarmente gustosa è che Conte Dacula nacque come spin-off di Danger Mouse, dove una prima versione del personaggio era comparsa come antagonista; successivamente Cosgrove Hall trasformò quell’idea in una serie autonoma, dando al personaggio una personalità completamente diversa e costruendo intorno a lui uno degli universi più bizzarri dell’animazione britannica. E forse è proprio per questo che, quando oggi torno con la memoria a quei cartoni animati, non ricordo soltanto le storie o le risate, ma soprattutto quella sensazione irripetibile di quando bastavano una sigla, un castello avvolto nella nebbia e un personaggio dal nome vagamente inquietante per farci entrare in un mondo completamente diverso. Solo che, nel caso di Conte Dacula, quel mondo era popolato da vampiri, cacciatori di mostri e creature sinistre, ma il terrore finiva inevitabilmente davanti a un piatto di verdure. Perché, in fondo, Dacula poteva anche essere un vampiro, poteva anche abitare in Transilvania e poteva anche appartenere a una terrificante dinastia di conti maledetti… ma rimaneva pur sempre una papera.

Tutto quanto sopra spiega bene perché Dacula mi abbia conquistato, nonostante risale ad un periodo, la fine degli anni '80, in cui sono stati trasmessi cartoni a cui, a differenza di quelli trasmessi agli inizi degli anni '80, non mi sento particolarmente legata da un punto di vista generazionale. Infatti, la fine degli anni '80 segnava per me l'inizio dell'adolescenza e quindi l'inizio di altri tipi di interessi che si realizzavano al di fuori delle mura domestiche a guardare la TV. I cartoni animati mi piacevano anche allora - intendiamoci - e mi piacciono ancora adesso alla veneranda età che si può immaginare ma è chiaro che non potevano avere la stessa presa dei quei pomeriggi dei tempi delle elementari, davanti alla TV con un panino alla Nutella o alla Ciao Crem.

Ecco i personaggi:

Conte Dacula

Igor

Tata

Von Crapotten

Dimitri e Vladimiro

I pinguini pirati

Sulle rotte di Ulisse, a ritmo di Kalimba de Luna: Tony Esposito al Teatro Forma di Bari

2026-10-31T11:06:13.000+01:00

Ci sono musiche che hanno il potere di riportarci indietro nel tempo, evocando atmosfere, immagini e ricordi che credevamo ormai custoditi soltanto nella nostra memoria. Bastano poche note, un ritmo familiare, una melodia che appartiene a un'altra stagione della nostra vita, per ritrovarsi improvvisamente catapultati in un'epoca che ha lasciato un segno indelebile nel nostro immaginario. Per chi, come me, è cresciuto negli anni Ottanta, Kalimba de Luna di Tony Esposito è sicuramente una di quelle canzoni capaci di risvegliare immediatamente suggestioni e ricordi legati a un decennio musicale davvero particolare.Ed è stato proprio il desiderio di ritrovare un po' di quelle atmosfere che mi ha accompagnata ieri sera al Teatro Forma di Bari, dove ho assistito al concerto di Tony Esposito, nell'ambito del progetto I Suoni di Ulisse. Un titolo che trovo particolarmente suggestivo e che, a mio avviso, si presta a una lettura che va ben oltre il semplice riferimento letterario. Ulisse, del resto, è stato per antonomasia il viaggiatore, l'uomo che ha attraversato il Mediterraneo, incontrando popoli, culture e civiltà differenti durante il suo lungo peregrinare. Il suo viaggio è stato anche un continuo confronto con mondi sconosciuti, tradizioni e linguaggi diversi. E in qualche modo ho ritrovato questa stessa idea di viaggio nella musica di Tony Esposito: un percorso sonoro che attraversa territori geografici e culturali, accostando suggestioni mediterranee, ritmi africani, in particolare quelli della tradizione nigeriana, e sonorità più esotiche e tribali. Una musica che si lascia contaminare da esperienze differenti, ma che conserva un legame profondo con il Mediterraneo, con la sua storia millenaria di incontri, scambi e contaminazioni. Sul palco, Tony Esposito, con le sue inseparabili percussioni, è stato accompagnato da altri musicisti, tra i quali anche il figlio Francesco Esposito, batterista di grande talento. È stato bello assistere a questo dialogo musicale tra padre e figlio, ritrovando nel giovane musicista quella sensibilità ritmica e quella capacità espressiva che appartengono anche al percorso artistico del padre. Lo spettacolo si è sviluppato attraverso una successione di atmosfere e ritmi differenti, nei quali le percussioni hanno assunto un ruolo centrale, diventando il linguaggio attraverso cui raccontare mondi lontani, tradizioni e culture musicali. Un viaggio nel quale il ritmo sembra quasi prendere vita, trascinando l'ascoltatore da una sponda all'altra del Mediterraneo e oltre. Naturalmente, pensando a Tony Esposito, il ricordo corre inevitabilmente a Kalimba de Luna, il brano che lo ha reso particolarmente popolare e che rappresenta uno dei simboli musicali degli anni Ottanta. Pubblicata nel 1984 nell'album Il Grande Esploratore, la canzone ha conquistato il pubblico grazie a quella miscela irresistibile di percussioni, sonorità esotiche e ritmo coinvolgente. Anche i Boney M. ne realizzarono una celebre versione, contribuendo alla sua diffusione internazionale. Riascoltarla, o semplicemente ripensare alle sue sonorità, significa per me ritrovare un frammento di quell'immaginario musicale degli anni Ottanta che continua ad avere un posto speciale nei miei ricordi. Erano anni nei quali la musica pop si apriva sempre più alle contaminazioni, accogliendo influenze provenienti da ogni parte del mondo e trasformandole in qualcosa di nuovo, immediatamente riconoscibile e capace di conquistare un pubblico vastissimo. Ma la serata al Teatro Forma ha avuto anche un altro momento particolarmente significativo: il tributo a Pino Daniele, artista con il quale Tony Esposito ha condiviso una parte importante del proprio percorso musicale e umano. I due, infatti, sono stati protagonisti di quella straordinaria stagione della musica napoletana conosciuta come Neapolitan Power, un'esperienza artistica che, tra gli anni Settanta e Ottanta, ha saputo rivoluzionare il linguaggio musicale partenopeo, fondendo blues, jazz, rock, funk e sonorità mediterranee. Accanto a Pino Daniele e Tony Esposito, anche musicisti come Tullio De Piscopo, James Senese, Joe Amoruso e Rino Zurzolo hanno contribuito a dare vita a una stagione irripetibile, nella quale Napoli è diventata un vero e proprio crocevia di culture e linguaggi musicali.

Tony Esposito ha condiviso anche alcuni ricordi e aneddoti legati a Pino Daniele, restituendone un'immagine che mi ha colpita particolarmente. Dalle sue parole è emersa la figura di un musicista profondamente devoto alla propria arte, un uomo che metteva la musica al centro di tutto, senza essere particolarmente interessato alla costruzione di un personaggio o alla ricerca della visibilità fine a se stessa. Mi è arrivato soprattutto questo messaggio: Pino Daniele voleva fare musica, non servirsi della musica per diventare qualcuno o per apparire. Una filosofia che trovo molto affascinante e che restituisce un'idea di artista forse oggi meno frequente, quella di chi considera la propria espressione musicale una necessità, una ricerca continua, qualcosa a cui dedicarsi con assoluta autenticità.

Del resto, la sua musica continua a raccontare proprio questo: una personalità artistica libera, capace di assorbire influenze differenti senza perdere la propria identità. E ritrovare le sue canzoni attraverso il ricordo e l'omaggio di un musicista che ha condiviso con lui tante esperienze rende questo tributo ancora più significativo.

Alla fine, quella di ieri è stata una serata che ha messo insieme tante cose: la musica che appartiene ai miei ricordi d'infanzia, le sonorità degli anni Ottanta, il fascino delle contaminazioni culturali, la storia di una stagione straordinaria della musica italiana e il ricordo di un artista come Pino Daniele. Ma soprattutto è stata l'occasione per ricordare che la musica, proprio come il viaggio di Ulisse, non conosce confini definitivi. Attraversa mari, incontra culture, assorbe tradizioni e si trasforma continuamente, senza perdere la propria capacità di emozionare.

E forse è proprio questo il senso più bello di I Suoni di Ulisse: lasciarsi trasportare dalla musica come da una rotta immaginaria, attraversando luoghi, epoche e suggestioni diverse. Perché ci sono viaggi che si compiono nello spazio e altri che, grazie a una canzone, possono riportarci indietro nel tempo. E ieri sera, tra le percussioni di Tony Esposito e il ricordo di Kalimba de Luna, ho avuto la sensazione di averli vissuti entrambi.

Qui il reel che ho pubblicato sul mio profilo Instagram

Ci vediamo domani con un nuovo post: inizia lo Speciale Halloween

Il Drive In e il culto del modello a stelle e strisce

2026-10-25T09:11:08.184+01:00

C’è stato un momento, negli anni Ottanta, in cui la televisione italiana sembrava improvvisamente diventata americana, colorata, irriverente, esagerata, rumorosa: quel momento aveva un nome, Drive In. Ideato da Antonio Ricci e trasmesso dal 1983 al 1988 su Italia 1, Drive In non fu semplicemente un programma comico, ma una vera fotografia deformata dell’Italia di quegli anni, quella del consumismo, della Milano da bere, degli yuppies, dei paninari e dell’edonismo reaganiano. E proprio l’America era dappertutto: già nel nome, nell’ambientazione da drive-in, nelle automobili, nei colori, nelle insegne, nell’atmosfera da fast food e soprattutto in quell’immaginario a stelle e strisce che sembrava rappresentare il futuro, il benessere, la modernità. Un Italia dove si crede va che, come cantava Toto Cutugno, "se vai a cercar fortuna in America,ti accorgi che l'America sta qua". L’America del Drive in era quindi filtrata attraverso gli occhi italiani, trasformata in sogno e caricatura al tempo stesso e portata sul piccolo schermo. Anche i costumi contribuivano a creare quella sensazione: le ragazze fast food con le loro divise degli stessi colori della bandiera a stelle e strisce, i pattini, e quell’estetica sensuale e volutamente sopra le righe erano parte integrante di un universo che richiamava il cinema, la pubblicità e la cultura popolare americana.

Ma Drive In funzionava soprattutto perché aveva creato una straordinaria galleria di talenti comici, pochi già affermati, i più esordienti: Gianfranco D’Angelo, Ezio Greggio, Enrico Beruschi, Giorgio Faletti, Francesco Salvi, Enzo Braschi, Sergio Vastano, Zuzzurro e Gaspare, Carlo Pistarino, Massimo Boldi, Teo Teocoli, i Trettré e tanti altri. Molti di loro sarebbero diventati protagonisti della televisione e dello spettacolo italiano per i decenni a venire e, per alcuni, Drive In rappresentò davvero un trampolino verso una notorietà molto più ampia che dura ai giorni d'oggi. E poi c’erano i personaggi: il Vito Catozzo di Giorgio Faletti, il camionista di Francesco Salvi, il paninaro di Enzo Braschi, il bocconiano di Sergio Vastano, lo psicanalista truffaldino alias professor Vermiglione (parodia del professor Verdiglione) di Ezio Greggio, la professoressa manesca e accaldata, a dispetto del tailleur castigato, di Olga Durano. E come dimenticare e parodie di Gianfranco D’Angelo che prendeva in giro le signore incontrastate della TV dell'epoca, cioé Raffaella Carrà e Sandra Milo, o lo stesso D'Angelo nel ruolo del tenerone o alle prese con la cagnetta Has Fidanken. E ancora, le invenzioni surreali di Ezio Greggio nel ruolo del professor Zichichinichì (ovvia parodia dello scienziato Zichichi), le gag di Zuzzurro e Gaspare e le sceneggiate parodie di film celebere di Enrico Beruschi e la moglie Margherita Funero tra cui il Dottor Beruscus (parodia della di già parodia Frankenstein Junior ). Ognuno aveva un linguaggio, un costume di scena, una gestualità e soprattutto una frase che lo rendeva immediatamente riconoscibile. Ed è qui che nasce una delle grandi intuizioni di Drive In: il tormentone. La battuta ripetuta, la frase che tornava puntualmente, il gesto che il pubblico imparava ad aspettare. La professoressa con il suo «io non porto mutande», il paninaro con il suo «troppo giusto», e poi decine di altre espressioni che, puntata dopo puntata, diventavano una sorta di appuntamento condiviso tra il programma e il pubblico. Ancora qualche altro tormentone:

- «È lui o non è lui? Cerrrto, che è lui!» usata da Ezio Greggio per introdurre gli ospiti,

- «Se non ci dici niente a tuo fratello, ti regalo un bel giumbotto!» detta da Carletto, un personaggio di Faletti, comico dimostratosi successivamente un artista di grande sensibilità e profondità che ho amato anche come scrittore (RIP).

- «Porco il mondo che c'ho sotto i piedi!» sempre detta da Faletti ma nel ruolo del poliziotto Vito Catozzo

- «È chiaro 'stu fatto?!» esclamato da Sergio Vastano nel ruolo di "top manager di natura rampante"

- «A me, me pare 'na strunzata!» la lapidaria conclusione di Gino Cogliandro dei Trettré (anche lui RIP) che smontava regolarmente le lunghe e pompose spiegazioni dei compagni.

L'uso del tormentone non era un limite della comicità, era parte stessa del meccanismo: lo spettatore sapeva già cosa sarebbe arrivato e proprio per questo lo aspettava, lo anticipava e finiva per ripeterlo insieme al personaggio. Il tormentone diventava quasi una parola d’ordine generazionale. Antonio Ricci ha spiegato proprio questa caratteristica sottolineando che un tormentone, per funzionare, non deve soltanto essere ripetuto, ma deve poter essere ripetuto dal pubblico. Ed è forse questo il segreto per cui, a distanza di tanti anni, certe frasi sono ancora immediatamente riconoscibili: non appartenevano più soltanto ai personaggi, erano entrate nel linguaggio quotidiano di chi guardava la trasmissione. Drive In era questo: una macchina televisiva velocissima, piena di personaggi, gag, costumi, automobili, ragazze svestite e prosperose sui pattini, parodie, linguaggi inventati e riferimenti all’America che arrivavano direttamente dentro il salotto degli italiani. Non mancarono anche le parodie dei politici del momento (De Mita, Spadolini, ecc.) interpretate da uno strepitoso Gianfranco D'Angelo e che anticiparono quel tipo di TV di imitazione e satira politica portata sullo schermo da quelli della Compagnia del Bagaglino a partire dal 1987 con lo show Biberon sulla RAI.

Anche le procaci cameriere e cassiere - era l'epoca delle maggiorate - divennero popolari: per citarne alcune Carmen Russo, Lory Del Santo e Tinì Cansino. Furono le antesignane delle veline che, infatti, nelle prime edizioni di striscia si muovevano su delle rotelle, non più quelle dei pattini, ma quelle degli skateboard.

Era l’Italia degli anni Ottanta che guardava l’America, la imitava, la deformava e allo stesso tempo la trasformava in qualcosa di profondamente italiano. E forse proprio per questo, ancora oggi, basta sentire una di quelle frasi, vedere un costume, riconoscere un personaggio o ricordare una vecchia gag per ritrovarsi improvvisamente davanti a quel drive-in colorato, caotico e un po’ folle, dove tutti sapevano già cosa sarebbe successo… e proprio per questo non vedevano l’ora che succedesse.

La trasmissione andò in onda per 5 anni: difficile da immaginare oggi che ci siamo abituati a un palinsesto tristemente identico per decenni, ma una volta le trasmissioni avevano un inizio e una fine, anche quando avevano successo: forse per questo sono diventate trasmissioni culto, un po' come la prematura scomparsa di alcuni artisti li ha consacrati al mito.

Successivamente alcune dei comici e dei personaggi furono reimpiegati in trasmissioni successive che volevano capitalizzare il filone ancora non esaurito di quel tipo di comicità. Sto parlando di Emilio e Odiens la cui conduzione fu affidata a Gianfranco D'Angelo e Ezio Greggio che già nel Drive erano stati il perno centrale della trasmissione per il grande numero di personaggi e parodie che entrambi avevano portato sullo schermo. Una coppia d'oro, prima ancora della fortunata accoppiata Greggio - Iacchetti, a cui fu poi affidata la prima edizione dell'ormai quasi quarantennale show Striscia la notizia. Il resto è ormai storia.

Questa la sigla del 1984 che ricalcava lo stile comico di Benny Hill, di cui venivano mostrate degli spezzoni comici durante la trasmissione.

Alla ricerca del titolo misterioso: Lupenio per Commodore 64

2026-10-20T13:21:06.520+02:00

Interrompo eccezionalmente la pubblicazione settimanale per una edizione speciale, nata dall'urgenza di condividere una scoperta che ho fatto appena in questi giorni.

Per molti anni, mi sono chiesta il titolo di un videogame a cui giocavo su Commodore 64. Mio fratello minore, il proprietario della consolle e custode gelosissimo dei suoi giochi, non amava condividerli. Io, quindi, ci giocavo di nascosto. Lui chiamava quel gioco "Lupin" ma ero convinta che fosse un nome affibbiato al protagonista, un ladruncolo mascherato, in omaggio al ladro gentiluomo più famoso del mondo. A rafforzare questa convinzione era arrivata, anni dopo, la mia esperienza con gli emulatori arcade come il MAME: avevo trovato vari titoli ispirati al celebre ladro ma nessuno aveva delle schermate somiglianti a quelle schermate impresse nelle memoria. Schermate a cui associo un particolare sottofondo musicale, un giro di basso inconfondibile che si è registrato in maniera perpetua nella mia memoria non volatile. Mi è entrato proprio nelle sinapsi o - come si direbbe a Bari - si è menato proprio alla centralina! Poi il post di Riky mi ha riacceso la curiosità e la nostalgia: ho quindi deciso di dare finalmente un titolo a questo gioco. Riky ha ipotizzato "Casa dolce casa" (Henry's house): in realtà la dinamica del gioco era simile, ha ben compreso il genere, ma la grafica del mio gioco era decisamente più spartana e meno colorata.

Ho raccolto gli elementi ancora a disposizione nella NoVRAM presente nella mia cassa cranica.

Indizio n.1. Il gioco era parte dell'unica cassetta che possedevano (o meglio, il fratello possedeva) di quelle allegate alle riviste (tutte le altre cassette erano copie fornite da amici, la pirateria esisteva anche allora!);

Indizio n.2. Nella cassetta c'era anche un gioco che si chiamava Fire Drill: in questo gioco, armati di joystick, abilità e pazienza, bisognava coordinare un'operazione dei vigili del fuoco. Nel primo quadro bisognava buttare i pompieri giù per la pertica prima che il timer scadesse mentre loro tentavano di tornarsene a letto. Nel secondo bisognava guidare il mezzo dei vigili del fuoco scansando le numerose bottiglie di vetro sull'asfalto, una abilità che è utile sviluppare si da bambini dato lo stato pietoso delle nostre strade piene di fossi, almeno nel territorio in cui vivo. Nel terzo bisognava posizionarsi con una barella sotto le finestre di un orfanotrofio in fiamme per salvare i bambini che si buttavano dalle finestre, una cosa spensierata...spensierata. E poi dal 4 quadro si ripartiva dalla pertica ma con aumentata difficoltà.

Indizio n.3. Il gioco dal titolo misterioso aveva come protagonista un personaggio basso e tarchiato, evidentemente un ladro, considerata la mascherina presa in prestito dalla Banda Bassotti, che portava sul visto e si muoveva goffamente e furtivamente in perfetta sintonia con il giro di basso.

Indizio n.4. Ogni quadro era rappresentato da una casa a più piani di cui era rappresentata la sezione dove gli ambienti erano separati da muri a barriera e passaggi bloccati che richiedevano delle chiavi per essere aperti e dare accesso alle rampe di scale/ascensori per i piani superiori. Qua e là erano disseminate delle trappole tra cui un nastro trasportatore che portava il ladruncolo direttamente su una rete elettrizzata.

Indizio n.5: quando il protagonista veniva fulminato o comunque subiva un danno mortale, appariva il suo scheletro come rappresentabile su una radiografia.

Indizio n.6 (falso indizio): grafica molto spartana, per lo più in bianco e nero. Questo era un falso ricordo. La grafica non era così ricca e colorata come quella del succitato "Casa dolce casa" ma quando ho recuperato il titolo e ho cercato le schermate, riconoscendolo all'istante, mi sono resa conto che non era così spartano e privo di colore come me lo ricordavo. Memory corrupted.

Ecco una delle schermate:

Mettendo in campo le mie capacità investigative, dopo aver vagliato varie ipotesi (Lock 'n Chase, The Heist, ...) alla fine sono arrivata alla soluzione, la più ovvia e scontata, il titolo era proprio Lupenio.

Il nome era sempre stato lì, nascosto nella memoria di mio fratello e nei mei ricordi. Eppure lo avevo escluso perché quando avevo chiesto aiuto all'intelligenza artificiale, mi era stata mostrata una schermata che non riconoscevo. Forse l'immagine fornita non era corretta o forse perché era una schermata di livelli a cui non sono mai arrivata perché il gioco era parecchio difficile: propendo per la prima ipotesi perché il protagonista in tale immagine aveva un aspetto completamente diverso.

Una volta però individuato il titolo, l'intelligenza artificiale si è riscattata rivelandomi che il gioco faceva parte di una Cassetta SIPE del maggio 1988 e che la cassetta raccoglieva altri titoli quali Fire Drill come già ricordavo, Color Mind, Pirati e Slinky in Moroder. Non ricordo praticamente nulla degli ultimi due, ma ora ricordo che a Color Mind ci giocavo e mi piaceva un sacco: adoro l'enigmistica, i giochi di intelligenza e questo era una variante del classico Mastermind.

Sono molto contenta di aver dato un titolo a questo ricordo: rivedendolo mi sono ricordata di ulteriori dettagli, come i topi da saltare, muri da abbattere a suon di bombe. E mi sono ricordata di quanto fosse buffo il ladro quando lo facevo abbassare per evitare i pipistrelli: sembrava intento a defecare. Strano che abbia dimenticato questo dettaglio, allora mi faceva scompisciare dal ridere!

Rivendendolo ho anche capito come quel gioco, che mi piaceva tanto, abbia plasmato i miei gusti videoludici: era un gioco del genere "raccoglitutto" in cui si raccoglievano gli oggetti lungo la strada (in primis, chiavi ma anche bombe ed altro) perché sarebbero prima o poi stati necessari. Un concetto antesignano di quello alla base delle avventure punta e clicca che sono state il mio vero grande amore in materia videogiochi con titoli come Leisure Suite Larry, Broken Sword e soprattutto Monkey Island!

Aggiornamento: in realtà, quello che ho definito giro di basso perché non sapevo come altro definirlo, è un giro ripetitivo che non è stato ottenuto con uno strumento musicale ma dal chip sonoro integrato nel Commodore (chip MOS 6581 SID) che genera musica a 8 bit attraverso forme d'onda elettroniche (quadrate, a dente di sega, triangolare, ...). Approfondimenti qui.

Mago pancione: la magia in uno starnuto. Auli Aule Tulilem Blem Blu!

2026-10-18T10:00:00.000+02:00

Immagina avere un vaso panciuto dal collo stretto a mo' di bottiglia, antico e decorato con le fattezze viso bruttino per la verità, con piccole maniglie che si prestano da orecchie per quel viso strano dalle grandi labbra a canotto e i baffi felini. E immagina la sorpresa di starnutire a causa di un raffreddore o di una nuvola di pepe e ritrovarti davanti un bizzarro personaggio obeso, con una faccia strana, che richiama con quelle grandi labbra proprio quella riprodotta sul vaso...E' il mago pancione Etcì, pronto a soddisfare ogni tuo desiderio!

Questa è la situazione in cui si ritrova Kancian, un ragazzino pigro e sfigato con una t-shirt su cui - guarda caso - sono rappresentati dei vasi, quando trova questo vaso in una soffitta polverosa e la nube di polvere lo porta a starnutire. Quello è l'inizio di una serie di avventurosi guai causati dal mix:

1. della voglia di Kancian sfruttare le capacità magiche del mago per scopi assolutamente superficiali come scansarsi compiti scolastici, trovare scorciatoie per adempiere ai piccoli doveri quotidiani e mettere a segno qualche punto agli occhi della compagna di classe di cui è invaghito;

2.dalla goffaggine di Etcì che in realtà è molto più bravo a divorare polpette che a risolvere situazioni con un tocco della sua bacchetta magica a forma di mano e al grido di "Auli Aule Tulilem Blem Blu!"

Lo dice anche la sigla "E' un mago pasticcione e un po' spaccone, con tanta voglia di aiutare ma tanta di mangiare...". Insomma, bambino sfigato e scansafatiche + mago imbranato = perfetto mix di situazioni comiche e paradossali che finiscono puntualmente con il sedere di Etcì bersaglio di un bulldog che vive nei paraggi.

A complicare la situazione, la figlia del mago, la piccola irriverente e dispettosa Sbadiglio, anche lei abitante del vaso (di cui a volte ci viene mostrato l'interno, suddiviso come un vero appartamento) e richiamata appunto da uno sbadiglio. Sbadiglio ha paura degli specchi e fa le sue magie a suon di tamburello e formula "Schicchirimiao": sembra più dotata del padre e usa il suo talento per interferire con le magie di quest'ultimo per puro divertimento, causando frustrazione paterna e pasticci peggiori di quelli che Etcì causerebbe con la sua sola goffaggine.

La famiglia è completata dalla moglie di Etcì, Singhiozzo, evocata appunto da questo fastidiosissimo disturbo, che però esce dal vaso solo in poche puntate e la madre di Etcì, che è mostrata in una sola puntata.

Attorno a questi protagonisti ruotano altri personaggi come i genitori di Kancian e i suoi compagni di scuola inclusi alcuni bulli (Gigiotto e la sua banda) che l'incapacità di Etcì non esonererà dal trovare la giusta punizione.

Tra una avventura e l'altra l'affetto tra la famiglia che abita il vaso e Kancian, cresce puntata dopo puntata, finché i superiori di Etcì decideranno che la famiglia dovrà restare chiusa per cent'anni nel vaso per spezzare questo legame diventato troppo profondo, in un finale, nella puntata "Addio, Mago Pancione" commovente che ci mostrerà quanto c'è di tenero in ciascun personaggio, bulli e bulldog compresi. Un finale che mi ha ricordato molto quella della balena Giuseppina e non tanto per il titolo (Addio Giuseppina) quanto per la morale: è arrivato il momento che Kancian, come Choppy, se la cavi da solo.

Cartone animato della Tatsunoko (per la quale sapete che stravedo), è stato prodotto in 52 divertenti puntate accompagnati da una sigla fantastica, sebbene non si trovi nell'Olimpo delle sigle più vivamente ricordate ai giorni di oggi. La sigla era cantata da "Andrea e Sabrina", che altri non erano che i figli del musicista e bassista Mario Scotti, collaboratore di Claudio Baglioni e Renato Zero, che l'ha musicata. La sigla fu incisa su 45 giri con la sigla di Capitan Jet (cantata però da Sara Kappa) sull'altro lato del disco. Diversamente da altre sigle dell'epoca, il testo della sigla riprende molto bene la dinamica del cartone, citando alcuni esempi di magie che il mago può fare ma purché venga incentivato opportunamente con una polpetta mentre i cori fanno il suono dello starnuto. Anche la formula magica "Auli Aule Tulilem Blem Blu" viene ripresa e potrebbe essere una citazione di un successo di Celentano dell'epoca dal titolo "Aulì-Ulè".

Naturalmente, il cartone trae moltissima ispirazione dalle classiche storie di geni della lampada che hanno trovato massima espressione nelle celebre fiaba "Aladino e la lampada meravigliosa" contenuta in "Le mille e una notte", la favolosa raccolta di fiabe orientali. Storie che in realtà affondano le loro radici nelle mitologie arabe pre-islamiche che riconoscevano la presenza dei Jinn, spiriti del deserto legati agli elementi naturali come il fuoco (quindi, non proprio divinità) che avevano grandissimi poteri e una natura non necessariamente benevola. Di questo universo da mille e un notte, il cartone mutua, ad esempio, la possibilità di volare in sella a un tappeto magico.

Alcune curiosità sulla serie:

- la serie in Giappone aveva uno sponsor: una marca di polpette/hamburger

- fu realizzata negli Stati Uniti una versione in inglese chiamata "Bob in the Bottle" che non fu mai trasmessa negli USA ma fu distribuita in altri paesi anglosassoni. Peccato per loro, poteva essere usata per sponsorizzare hamburger, dato che l'hamburger rappresenta il 50% della loro varietà enogastronomica (ahia!);

- negli anni 2000 fu realizzato uno spin-off dal titolo Akubi Girl dedicato a Sbadiglio che fu trasmesso anche in Italia (Akubi è il nome originale di Sbadiglio!);

- il mago Pancione è uno dei personaggi del picchiaduro Tatsunoko vs. Capcom: Cross Generation of Heroes.

A giudicare dal materiale trovato in rete, credo che in Giappone il cartone abbia avuto un buon successo mentre in Italia, pur essendo conosciuto e amato da molti, è stato sempre relegato a qualche TV locale.

In questa immagine i personaggi più ricorrenti: da sinistra a destra, ovviamente, Etcì, Sbadiglio, Kancian, Susy (una amica di classe di Kancian), i genitori di Kancian, Gigiotto (il più grosso dei tre) con i suoi scagnozzi ... e ovviamente il famelico e malefico bulldog al centro della scena.

Sigla!!

La furia di Hong Kong, maestro di karate in accappatoio

2026-10-11T09:00:57.783+02:00

Prima di parlare di lui, una precisazione è d'obbligo: La furia di Hog Kong (Hong Kong Phooey) non è un normale cane poliziotto… anche se ufficialmente lavora proprio in un commissariato!

Creato dalla prolifica coppia Hanna-Barbera , La furia di Hong Kong racconta le avventure di Penrod "Penry" Pooch (pooch=cagnolino), un tranquillo cane che lavora come inserviente e custode in una stazione di polizia. Un ruolo apparentemente insignificante, ma che gli permette di ascoltare continuamente le comunicazioni degli agenti e di venire a conoscenza dei casi di cronaca.

Nello specifico, ogni puntata si apre con la centralinista del distretto di polizia, Rosemary, che riceve una chiamata di soccorso e riferisce l'emergenza di turno al sergente Flint.

Quando c'è un crimine da risolvere, Penry si precipita nello sgabuzzino, apre il suo schedario segreto, indossa il caratteristico accappatoio rosso, la cintura arancio e mascherina nera… e in pochi secondi diventa Hong Kong Phooey! 🐾

Il suo fedele compagno è Spot, un gatto che, ironia della sorte, è spesso molto più capace del suo padrone e finisce per risolvere concretamente i problemi nei quali Hong Kong Phooey si caccia a partire dal rimanere puntualmente incastrato nello schedario in cui si trasforma.

Un meccanismo da supereroe… in versione Hanna-Barbera, una trovata è interessante perché Hong Kong Phooey prende in giro uno dei meccanismi più classici dei supereroi americani.

Pensiamo a Clark Kent: giornalista del Daily Planet, quindi praticamente seduto in prima fila davanti alle notizie di cronaca, ma pronto a sparire in un bagno o in un vicolo per trasformarsi in Superman.

Oppure a Peter Parker, fotografo e reporter freelance, sempre alla ricerca di notizie e abbastanza vicino agli eventi da poter intervenire nei panni di Spider-Man.

E lo stesso principio, con qualche variazione sul tema, si ritrova in molti personaggi dei fumetti: l'eroe conduce una vita apparentemente normale, ma il suo lavoro gli garantisce un accesso privilegiato alle informazioni e agli eventi. Quando arriva la notizia giusta… in un battibaleno il personaggio si maschera e rimuove la maschera di uomo pavido e imbranato per vestire, letteralmente e figuratamente, i panni dell'eroe!

Hong Kong Phooey ripete questo schema, solo che invece di essere un giornalista o un fotografo, Penry è l'addetto alle pulizie del commissariato (e le notizie gli arrivano direttamente sotto il naso!) e in più è imbranato sia nei panni dell'inserviente che dell'eroe. E, infatti, il personaggio è una parodia degli eroi invincibili e dei maestri di arti marziali. Hong Kong Phooey si vanta di essere un combattente straordinario, cita continuamente le proprie capacità e si lancia con entusiasmo nelle missioni.Peccato che le cose non vadano quasi mai come previsto. I suoi piani sono spesso assurdi, le sue tecniche funzionano a metà e, soprattutto, Spot finisce regolarmente per sistemare ciò che lui combina. Tuttavia, le persone in città questo non lo sanno e acclamano Phooey come l'eroe della città e anche Rosemary ha un debole per lui. Tutti lo amano, tranne il sergente Flint che non ama le sue interferenze con la giustizia.

Ed è proprio questo il cuore della serie: Hong Kong Phooey è convinto di essere un grande supereroe…tutti in città sono all'oscuro della sua totale assenza di talento, mentre lo spettatore sa benissimo che il vero eroe è probabilmente il gatto!

La serie debuttò negli Stati Uniti nel 1974 e conta una sola stagione, per un totale di 16 episodi. Nonostante la breve durata, Hong Kong Phooey è diventato uno dei personaggi più riconoscibili della produzione Hanna-Barbera.

Il suo look è rimasto impresso nella memoria pronto a lasciare il commissariato per combattere il crimine con il suo accappatoio rosso.

E forse il suo fascino sta proprio qui: prende tutti gli ingredienti del supereroe classico — doppia identità, trasformazione lampo, costume, base operativa, nemici e missioni — e li ribalta con quella comicità surreale che Hanna-Barbera sapeva fare così bene.

E ho dimenticato di menzionare che così come Batman ha la bat-mobile, anche Phooey ha la phooeymobile (furiamobile nel doppiaggio italiano) , una vettura capace di trasformarsi in nave, aereo e cabina telefonica a seconda della circostanza.

Chi se lo ricorda? E soprattutto: quanti di voi, da bambini, avrebbero voluto avere uno sgabuzzino segreto dove trasformarsi in supereroe in cinque secondi?

Hong Kong Phooey

Penry Pooch

Spot

Sergente Flint

Rosemary

La Furiamobile

Tom e Jerry, geniale superclassico sempreverde capolavoro d'arte

2026-10-04T09:47:19.775+02:00

Tom & Jerry è una di quelle coppie che non hanno bisogno di presentazioni: un gatto e un topo, eterni rivali, protagonisti di inseguimenti, trappole, dispetti e situazioni completamente surreali che hanno fatto ridere generazioni di spettatori in tutto il mondo. La trama, almeno in apparenza, è semplicissima: Tom cerca in tutti i modi di catturare Jerry, mentre il piccolo topo riesce quasi sempre a sfuggirgli, trasformando ogni tentativo del gatto in un nuovo disastro. Eppure, dietro questa formula apparentemente elementare, si nasconde una delle serie animate più importanti e influenti della storia. Tom e Jerry nacquero nel 1940 dalla fantasia di William Hanna e Joseph Barbera, quando i due lavoravano alla Metro-Goldwyn-Mayer, e il primo cortometraggio si intitolava “Puss Gets the Boot”. Inizialmente i protagonisti non avevano ancora i nomi con cui li conosciamo oggi: il gatto si chiamava Jasper, mentre il topo era semplicemente indicato come un topo. Il successo fu immediato e i personaggi vennero sviluppati fino a diventare Tom e Jerry. Una delle caratteristiche più particolari della serie è che, soprattutto nei cortometraggi classici, i due protagonisti parlano pochissimo: gran parte della comicità nasce infatti dai gesti, dalle espressioni, dalla musica, dai rumori e da un ritmo incredibilmente preciso. Le loro avventure sono costruite come una vera e propria danza comica, dove ogni porta sbattuta, martello, caduta o esplosione arriva nel momento esatto per creare l'effetto desiderato. E proprio la musica ha un ruolo fondamentale: il compositore Scott Bradley realizzò colonne sonore estremamente sofisticate, mescolando jazz, musica classica e sonorità moderne per l’epoca. Grazie a questo cartone, già dalla tenera età ho iniziato ad apprezzare i brani più famosi di Chopin, Mozart, Lizt, Strauss, Rossini. E quando Tom suona il piano e si esibisce in uno dei pezzi di musica classica classici , Tom va a premere i tasti corretti, quelli che corrispondono alla melodia e con un sincronismo perfetto. Da preadolescente che sapeva suonare la tastiera elettronica il fatto che ci fosse una perfetta corrispondenza tra l'animazione e il suono colpiva la mia attenzione in maniera speciale. Insomma, questo cartone porta a nuovo livello il concetto di "ricerca di una estrema cura nei dettagli". In questa scena vi mostro concretamente di cosa sto parlando.

Qualche tempo fa mi sono imbattuta in una divertente scena di Tom & Jerry che viene usata per spiegare cosa è il concetto ingegneristico di Risk Assessment e come si importante tenerlo sempre aggiornati i documenti di valutazione del rischio. Questa è la scena.

Ritengo che per lo studio e l'accuratezza che ci sono dietro alla produzione di ogni singolo episodio, ccon un po' di impegno e fantasia si potrebbero individuare tantissime scene che si possono prestare a creare pillole formative come questa e in diversi campi dello scibile; comprese la fisica e l'ingegneria, i cui principi vengono largamente utilizzati da Tom quando deve creare delle sofisticate trappole per Jerry. Ma non solo nozioni, anche metafore e insegnamenti di vita.

Un’altra curiosità è che Tom e Jerry non sono sempre stati semplicemente nemici: in diverse storie si aiutano, collaborano o finiscono dalla stessa parte quando compare un problema ancora più grande. Questo contribuisce a rendere il loro rapporto molto più interessante di una semplice rivalità, perché sotto i litigi e gli inseguimenti sembra esserci una sorta di legame indissolubile. La collaborazione è orientata a salvaguardare la loro dinamica, quando è minacciata in una qualche situazione, per poter diventare nuovamente rivali e tornare a bisticciare dopo, a riprova che ciò che conta è avere un missione, quella di Tom cacciare, quella di Jerry scappare, e entrambi perderebbero lo scopo di vita se Tom riuscisse a catturare e uccidere Jerry una volta per tutte o Jerry a liberarsi del suo aggressore una volta per tutte. Motivo per cui a volte vanno ad auto sabotarsi quando sono vicini al raggiungimento dei propri obiettivi. E ditemi se questa non è una grande lezione di vita, di come sia importante il viaggio e non la meta, avere uno scopo. Proprio ieri leggevo un articolo che parlava delle teorie di un centenario ricercatore giapponese che afferma che la longevità non sia solo una questione fisica ma una questione mentale: un cervello che ritiene di dover ancora sistemare delle cose prima di passare a miglior vita riesce a tenere vivo un corpo anche provato mentre più docilmente si abbandona tra le braccia di Morfeo chi ha ottenuto tutto, chi ha già realizzato tutti i suoi scopi o ci ha definitivamente rinunciato, chi pensa di aver compiuto la sua missione.

Attorno ai due personaggi ruotano altri personaggi, a volte interessi amorosi con eventuali rivali in amore di uno dei due protagonisti, che sono quindi spesso altri topi, altri gatti, più raramente altri animali. Si tratta di personaggi che compaiono una tantum, partecipano alla trama di uno specifico episodio, e poi non si vedono mai più. Uniche eccezioni, nel senso che sono figure ricorrenti, sono la padrona umana di Tom, di cui si vedono solo le gambe che danno l'idea di una donna corpulenta, che appare di tanto in tanto per gridare il suo terrore di fronte alla presenza del topo in casa e per rimproverare Tom della sua incapacità di acchiapparlo, e Spike (a volte con figlioletto al seguito), un cane bulldog che prende le difese di Jerry e ribalta la dinamica: con lui in giro, è Tom a dover scappare e difendersi, anche perché spesso le trappole di Tom piazzate per Jerry finiscono per colpire Spike (con lo zampino del furbo Jerry) o addirittura il figlioletto di cui è super protettivo.

I cortometraggi classici ottennero anche un enorme riconoscimento internazionale e conquistarono ben sette Premi Oscar nella categoria dedicata ai cortometraggi d’animazione, un risultato straordinario che testimonia quanto la serie fosse apprezzata anche dal punto di vista artistico e tecnico. Nel corso dei decenni Tom e Jerry hanno cambiato stile, autori, produzioni e formati, arrivando in televisione, al cinema e in numerose nuove serie, ma il concetto di base è rimasto praticamente immutato: Tom vuole prendere Jerry, Jerry vuole sopravvivere e ogni piano finisce inevitabilmente nel caos. Ed è forse proprio questa semplicità a spiegare la loro longevità: non servono grandi spiegazioni, perché la comicità è universale e comprensibile a qualsiasi età. Un dettaglio curioso riguarda anche il nome “Jerry”: dopo il successo del primo cortometraggio, la MGM organizzò un concorso interno per scegliere il nome definitivo del topo e fu l’animatore John Carr a proporre proprio “Jerry”. Da allora quel piccolo topo grigio è diventato uno dei personaggi più riconoscibili dell’animazione mondiale. Tom & Jerry dimostra così che non servono dialoghi complessi o trame elaborate per creare personaggi immortali: bastano due caratteri opposti, una buona dose di fantasia, tempi comici perfetti e una rivalità destinata a non finire mai. E forse, dopo più di ottant’anni, la cosa più divertente è proprio questa: per quanto Tom ci provi, Jerry continuerà sempre a trovare un modo per scappare!

Pupazzi in TV: tenerezza o inquietudine?

2026-09-27T11:06:00.000+02:00

Topo Gigio

Provolino

Rockfeller

Uan

Five

Four

Ambrogio

I Muppet

Sesame street

Un fenomeno tipico degli anni 80 è stato quello dei Pupazzi in TV, un fenomeno che è continuato, scemando, anche negli anni 90 (si pensi a Dodò della Melevisione) ma che ora sembra ormai tramontato. E per fortuna diranno alcuni. Eh sì, perché spesso mi capita di sentire da alcuni miei più o meno coetanei che da bambini erano da impauriti a terrorizzati da quei pupazzi, per quanto fossero pensati proprio per un pubblico di giovanissimi. Personalmente questi pupazzetti non mi spaventavano ma tranne Topo Gigio che era molto tenero e Uan, pacioccone, sagace e protagonista di divertentissimi siparietti con un allora giovane Bonolis, gli altri li trovavo stupidi e sgradevoli alla vista. Tuttavia, anche loro nel bene e nel male hanno segnato un epoca e tanti ricordi, ed è per questo e per coloro che invece li ricordano con nostalgia che ne voglio fare una carrellata.

Incominciamo da Topo Gigio, tenero topolone antropomorfo dai connotati nordici (capelli biondi e occhi azzurri) e dallo sguardo sognante creato da Maria Perego e Federico Caldura. Sebbene sia indissolubilmente associato al Lo Zecchino d'Oro, storica trasmissione e competizione televisiva dedicata alle canzoni dei bambini per i bambini, in realtà Topo Gigio fu creato nel lontano 1959 per la trasmissione Serata di Gala doppiato inizialmente dal grande indimenticato Domenico Modugno (...mica pizza e fichi...) ed è apparso in trasmissioni ammiraglie della RAI (Canzonissima e Festival di Sanremo) prima di approdare alla trasmissione del Mago Zurlì aka Cino Tortorella e rimanerci a tempo indefinito fino a giorni nostri. In realtà la popolarità di Topo Gigio, confermata anche dalla successiva realizzazione di libri, fumetti, serie animate a lui dedicate, ha varcato i confini nazionali apparendo anche nella trasmissione statunitense Ed Sullivan Show. Nei siparietti in cui Topo Gigio appare egli interloquisce con il Mago Zurlì o con altri conduttori o ospiti della trasmissione, esprimendo pensieri semplici, come quelli di un bambino, sebbene a volte connotati da una ironia meno infantile, ma sempre restando in toni teneri, romantici, esprimendo il desiderio di protezione, dolcezza o di un pezzo di gruviera.

Un altro pupazzo storico fu Provolino, dalle sembianze umane caricaturizzate, con grandi orecchie a

sventola, occhi piccoli e dentone centrale, inventato dalla coppia Castellano & Pipolo, animato da Raffaele Pisu e con la voce fuoricampo di Oreste Lionello. Che mix!

Dalla personalità irriverente e costantemente contestatrice, Provolino apparve in diversi programmi televisivi RAI alla fine degli anni 60 ed ebbe un successo tale da diventare una serie a fumetti regolare della Bianconi edizioni, con uscite, tra inediti e ristampe, che sono durate fine al 1990.

Restando in ambito RAI, un altro pupazzo che ebbe notevole successo fu Rockfeller, animato dal ventriloquo José Luis Moreno. In realtà Rockfeller nacque in RAI, con Fantastico 5, ma fu successivamente anche ospitato a Pentatlon sui canali Fininvest. Come il nome richiama, al netto di una "e" mancante, il pupazzo interpretava il ruolo di un miliardario che, come cantava nella più famosa tra le canzoni che ha inciso, con i suoi miliardi poteva soddisfare qualsiasi desiderio. Infatti, in tale canzone, cantata con il coro dei Piccoli Cantori di Torre Spaccata, nella strofa una voce di bambino esprimeva una serie di desideri ai quali Rockfeller, con la sua voce rauca, rispondeva nel ritornello "Tutto si può fare, quanto può costare, 1 milione, 2 milioni, forse 3... il problema non c'è". In contrasto con gli intenti generosi espressi nella canzone, dalla melodia e testo molto leggeri, in maniera secondo me eloquente e anticipando di decenni gli attuali dibattiti intorno ai centri di potere finanziari che decidono le sorti del mondo al di sopra delle apparenti sovranità dei popoli, il pupazzo era rappresentato come un corvo nero (non quindi un simbolo di buon auspicio) , cinico, sagace, sarcastico e dalla lingua tagliente. Vestito di frac e cilindro, non era certo concepito per un pubblico infantile. Era infatti protagonista di programmi della fascia serale e i dialoghi con il suo ventriloquo, comprendevano commenti e frecciatine a personaggi pubblici dell'epoca. Forse dovrei recuperare quei dialoghi e rivederli alla luce di come sia cambiato il mondo da allora, ho il sentore che ci troverei parecchio materiale profetico.

Rockfeller ebbe un successo globale, soprattutto nei paesi latini come il suo ventriloquo e furono prodotti molti giocattoli come copie del pupazzo originale.

Parlare di tutti i pupazzi in TV richiederebbe più spazio di quello a disposizione di un singolo post di lunghezza ragionevole, soprattutto se volessi allargare il discorso al contesto internazionale, considerando in primis il celeberrimo e storico Muppet Show, lo show dei pupazzi per antonomasia, e il Sesame Street che ne è una sorta di spin-off. Ma adesso volendo circoscrivere a quelli che sono stati i pupazzi più influenti nel panorama televisivo italiano, non posso non citare la triade Uan - Four - Five, protagonisti dei contenitori televisivi per bambini rispettivamente di Italia 1 (Bim Bum Bam) - Rete 4 - Canale 5. Contrariamente al fatto che la rete ammiraglia fosse Canale 5 e quindi ci aspetterebbe una maggiore popolarità della sua mascotte, il più popolare dei 3 era sicuramente Uan. Credo che al successo di Uan abbia contribuito una migliore riuscita grafica, con quel pelo rosa shocking, e poi è un cane antropomorfo, quindi, sicuramente più familiare di un draghetto/biscione (Five) o di un orso (Four).

Ma, non solo. Uan aveva una personalità scaltra, divertente ma sempre bonaria ispirata al bambino pestifero in stile Pierino, gli altri due avevano una personalità...meh. Four cercava di parlare agli adolescenti con il suo linguaggio paninaro (ne parleremo nelle prossime puntate) e i suoi idoli da copertine di Cioé ma questo appiattiva i dialoghi attorno agli stessi temi, nulla a che fare con i dialoghi brillanti tra Uan e un già strepitoso Bonolis (anche merito suo). Five, nonostante il doppiaggio di Marco Columbro, non era secondo me ben caratterizzato, era impertinente e dispettoso senza risultare divertente, no redeeming quality. A contribuire alla popolarità di Uan ancora altri due fattori: il mitico doppiaggio di Giancarlo Muratori che la troppo precoce dipartita ha definitivamente consacrato come leggendario e il fatto che Uan era il protagonista del contenitore per bambini e ragazzi più longevo e con la programmazione più regolare per moltissimi anni, ogni pomeriggio feriale dal 1981 al 2002 e sempre sulla stessa rete (Italia 1). Four fu penalizzato dal fatto che Ciao Ciao ebbe una programmazione più irregolare, spostandosi ripetutamente tra il palinsesto di Rete 4 e quello di Italia 1 mentre Five appariva in vari programmi, non solo per bambini, comprese trasmissioni serali come Premiatissima (dove apparve per la prima volta), un pupazzo quindi non inequivocabilmente associato al mondo dei bambini anche se poi appariva nelle copertine delle compilation di sigle dei cartoni "Fivelandia". Successivamente il trio di pupazzi si arricchì di un quarto pupazzo che affiancò Uan in Bim Bum Bam: Ambrogio, un leone un po' eclettico e portato a riflessioni su altri mondi paralleli, dal nome, chiaro omaggio alla città di Milano (e al suo santo patrono) da cui l'impero Fininvest si era sviluppato.

Chiudo postandovi un po' di materiale che sblocchi i vostri ricordi ma anche invitandovi a commentare e a segnalare altri pupazzi celebri, in Italia o nel resto del mondo.

Charlotte e la casetta in Canadà con vasche, pesciolini e tanti fiori di lillà

2026-09-20T11:08:00.000+02:00

Charlotte è un anime giapponese di genere drammatico di 30 interminabili episodi. Avrete già capito che non è uno dei miei anime preferiti. Mi ostinavo a guardarlo un po' per l'ambientazione esotica che mi affascinava - quella casetta in Canada con tutta la vecchia fattoria degli animali - un po' per l'acconciatura di Charlotte (non ho mai amato portare i capelli raccolti, e le due treccioline laterali erano l'unico vezzo che la mia capigliatura si concedeva), un po' per masochismo, un po' perché non mi piace lasciare le cose a metà, un po' perché veniva trasmesso sulla RAI e quindi era facile da intercettare e incrociare tra un programma ed un altro. E' anche questo uno dei cartoni dove tra lutti, incidenti, malattie, orfani che subiscono soprusi, è meglio guardare toccando ferro ma, in fin dei conti, guardando asetticamente alla trama, non è peggio di Remì, Candy Candy o Isabel de Paris che è la tragedia fatta a cartone. Eppure nessuno di tutti questi mi inquietava come Charlotte. Sarà perché in certi cartoni c'era anche sollievo comico (si pensi alle esibizioni della scimmietta o di Mattia o le scenette con Clean il procione di Candy), sarà perché in altri cartoni oltre ai momenti di dolore c'erano anche momenti di gioia e serenità, sarà che in altri cartoni la tragedia viene sublimata, diventa epica e commuove, non inquieta. Mi sembra che tutti questi elementi manchino in Charlotte o non sono abbastanza forti: ma sarà soprattutto perché in Charlotte i dialoghi erano farciti di silenzi assordanti, le scene accompagnate da musiche tra il cupo e il drammatico; e i personaggi erano abbastanza impenetrabili - o forse poco caratterizzati - alcuni carogne senza qualità che li potessero riscattare e pertanto alquanto indigesti. Insomma, tutto l'insieme gridava sfiga, miseria, ambiguità.

La trama, tra vari colpi di scena, è pressoché la seguente: Charlotte Mombanc vive con il suo papà André in un ranch in Canada, precisamente nel Quebéc, e anche lei ha l'abitudine, come Heidi e San Francesco, di parlare agli animali, in particolar modo al suo criceto Spica e l'agnellino ribelle Fiocco. Vive da sola con il papà che, a dispetto della vita semplice che conduce, è il rampollo di una famiglia aristocratica francese. Vivono da soli perché pensano che la sua mamma Simone sia morta. In realtà Simone era stata costretta ad abbandonare marito e figlia dal quel gran classista del nonno, il duca Mombanc. Ben presto nella serie, la verità viene a galla e Simone sta navigando dalla Francia al Quebéc per ricongiungersi alla sua famiglia quando si verifica, puntuale e ineluttabile come la TARI, l'immancabile tempesta che mette a rischio la vita di Simone e di tutti i passeggeri della nave.

Nel tentativo di salvarla, André prende la sua imbarcazione e naufraga a sua volta perdendo la vita. Incominciano giorni duri per Charlotte che deve gestire tutta la fattoria a soli 12 anni anziché fare i fit check su Instagram e vedersela anche con il signor Gordon, uno spietato affarista e aspirante sindaco, che mira ad impossessarsi della fattoria. Il signor Gordon è coadiuvato nei suoi scopi dalla famiglia Garson, lavoranti della fattoria di Charlotte, che è composta da personcine e lavoranti della fattoria dei Mombanc che sono autentiche canaglie, prepotenti eppur servili, maneschi, ignoranti e cozzali. Insomma, infamità che scorre nelle vene: l'unica persona per bene della famiglia è la figlia minore Katy, dal carattere dolce e giusto e così diversa dalla malefica sorella Belle. Tempi duri, quindi, ma Charlotte può contare sull'amicizia e l'aiuto di due giovani: Sandy, un ragazzo del vicinato che vive con suo nonno Melville, un vecchio fattore appassionato di astronomia e Il Cavaliere, un ragazzo biondo e misterioso. E anche di Sammy, figlio adottivo del signor Gordon, di cui quindi non condivide i geni malefici.

A questo punto Charlotte viene avvicinata dallo zio Albert (in realtà dovrebbe essere un cugino del padre, non suo fratello) che vuole portarla in Francia dal nonno dicendole che lì incontrerebbe sua madre, sopravvissuta al naufragio. Una bella panzana che Charlotte scopre quando è ormai sul transatlantico diretto a Parigi, visto che sua madre è in Quebéc e la sta cercando. A Parigi Charlotte si ritrova praticamente prigioniera in una gabbia dorata e al centro di intrighi orditi da Albert per assicurarsi di essere l'unico erede della fortuna dei Mombanc ma anche dal nonno stesso che, pur di ammorbidire la volontà della nipote, restia a rimanere a Parigi, non si fa scrupoli a spacciare per sua madre, un'altra donna, Milene, amica e e complice di Albert, nonché sorella maggiore del Cavaliere, la cui amicizia con Charlotte è un tentativo di rimediare alle cattiverie di sua sorella, già molto tempo prima coinvolta nella separazione tra André e Simone. C'è anche la manifesta ostilità della figlia adottiva del duca, Marie, una ragazza cinica e cattiva mentre un po' di aiuto arriva dal giovane nobile Luis, ribelle e destinato a morire di TBC, che la aiuterà a ricongiungersi con sua madre arrivata a Parigi a cercarla. Senza portarla per le lunghe, Charlotte alla fine, riappacificatasi con il nonno che si intenerisce nel corso della serie e si affeziona sinceramente alla nipote, si riapproprierà della fattoria, ormai ridotta in miseria, e la gestirà con sua madre, mentre il Cavaliere e Sandy trovano le loro dolci metà rispettivamente in Stella (un personaggio a dir poco secondario) e la perfida Marie, anche lei addolcita dall'aver ritrovato il padre biologico.

Se devo riconoscere un merito alla serie è quello che al di là della prevedibilità del finale (il ricongiungimento con la madre e il salvataggio della fattoria), la trama non la definirei prevedibile, non per lo standard di una cartone. Insomma, la sostituzione di persona e l'anti-stereotipo del nonno manipolatore, non sono elementi proprio scontati. Tuttavia, il risultato non mi è parso soddisfacente, sia per la piega drammatica che la storia prende già dalle primissime puntate, sia per elementi abbastanza casuali nel finale, sia perché sembra prendere in prestito elementi di altri cartoni animati di maggiore successo senza riuscire a creare un mix credibile: il Cavaliere sembra il principe della Collina/Albert di Candy Candy sia come caratterizzazione che come aspetto fisico, Marie sembra Iriza, il rapporto di Charlotte con gli animali sembra preso da Heidi - si pensi al rapporto che ha con Fiocco di Neve - e la ricerca di un genitore oltreoceano tra intrighi di palazzo sembra preso da Georgie (ma in realtà Georgie è successivo).

E a te Charlotte è piaciuto?

Charlotte

Andrè (padre)

Simone (madre)

Il cavaliere

Sandy

Luis

Sig. Gordon

Sig.ra Gordon

Sammy

Sig. Garson

Sig.ra Garson

Belle

Katy

Melville

il Nonno

zio Albert

Milene

Marie

Ode ad un mondo che non c'è più

2026-09-13T09:11:35.010+02:00

Oggi un post troppo attuale e quindi atipico per questo blog, se volete uno sfogo, ma che, nonostante la sua atipicità nel parlarvi del mondo di oggi, per contrasto, vi parla anche del mondo di ieri. Lo faccio abbandonando per una volta i toni leggeri che sono solita usare per lamentarmi da boomer quale orgogliosamente sono di una serie di circostanze poco edificanti che caratterizzano l’attuale quotidianità, cose che nel mondo di ieri sarebbero state semplicemente inaccettabili.

E al centro della graduale rivoluzione che oggi ci fa vivere in modi impensabili ieri c’è lui: il telefono cellulare, quello che tutti abbiamo - anche i bambini in tenera età - e che ci fa sentire connessi con il mondo e chissà perché, facendoci sentire connessi, ci risucchia nell’isolamento sempre più, soprattutto quando si vive in specifici contesti storici (si pensi all’era covid), geografici, ambientali e sociali. Naturalmente, parlo in termini macroscopici, con effetti sul singolo che vanno dal lieve al patologico.

Voglio tralasciare discorsi sociologici sui quali non ho alcun genere di competenze. Come voglio tralasciare discorsi di demonizzazione della tecnologia che, da ingegnere elettronico con specializzazione in telecomunicazioni, susciterebbero non poche perplessità ma se poi ci pensate bene mica tanto: chi meglio di un ingegnere può conoscere tutte le insidie del progresso (controllo, invasione della privacy, impatti ambientali, ecc.) , accanto agli innegabili vantaggi, come ad esempio maggiore sicurezza ed efficienza dei trasporti che, poi, è il settore in cui lavoro?

Ma glissando su tali temi, vasti e complessi, non posso non confrontare quelli che sono i risvolti pratici che segnano la differenza tra due mondi, quello che vivo e quello che questo blog racconta ed omaggia.

A cominciare da quanto è stata dimenticata la buona educazione che ci faceva telefonare a casa delle persone lontani dalle ore dei pasti e del riposo: la portabilità del telefono è diventata automaticamente licenza di chiamare o messaggiare all’ora di pranzo, alle 11 di sera, la mattina prima delle 8 per cose totalmente superflue o magari per ribadire o commentare ulteriormente cose già dette di persona qualche ora prima. Non ci rendiamo conto che quando scriviamo nei gruppi WA entriamo a tutte le ore, con le notifiche associate ai nostri messaggi, o peggio ancora, a superflue emoticon, nelle case anche di sconosciuti con cui condividiamo solo la scuola dei figli o la palestra alla quale siamo iscritti. E' essenziale mandare un pollice alto su una chat di gruppo alle 2 di notte? E chi sei, un imperatore romano che valuta un combattimento al Colosseo?

Ma questi disagi e disturbi impallidiscono di fronte alla Rottura Suprema®, quella del telemarketing selvaggio operato dai call center, che continuano a chiamare tutti i giorni, per tutto il giorno, nonostante il registro delle opposizioni (devo dire, utile quanto una forchetta per il brodo), filtri antispam, i blocchi, i filtri antispoofing e le ultime novità inserite quest’anno nel cosiddetto Decreto Bollette. Ripenso agli anni della scuola e a come mi fermavo ad immaginare il mio futuro come persona, come donna e come lavoratrice e MAI E MAI E POI MAI avrei immaginato che ci sarebbe stato un tempo in cui avrei iniziato la mattinata puntualmente imprecando al telefono contro sconosciuti, minacciandoli di denunciarli alla polizia postale, augurando loro ogni pestilenza e tentando di farmi passare per una squilibrata nella speranza che nella mia scheda informativa dell’ennesimo call center ci sia scritto “Non perdere tempo, persona in necessità di un TSO urgente”. Già, perché non tutti possiamo astenerci dal rispondere agli sconosciuti, non quando aspettiamo chiamate da strutture sanitarie e uffici pubblici o per mille altri motivi. E comunque anche la strategia del non rispondere non funziona. Semplicemente non demordono. E allora divento come Daltanious, mi girano le lame boomerang e non ho nessuna comprensione e empatia per gli operatori che, per quanto mi riguarda, sono truffatori complici e causa di una piaga sociale non più sopportabile, peggio della invasione delle cavallette o un’altra qualsiasi delle dieci piaghe di Egitto. Ritengo che ci sia più dignità a prostituirsi per 50 euro per qualche decina di minuti che a truffare la gente per 5 euro l’ora; infatti, solo una di queste due professioni in un certo senso produce benessere, l’altra non produce né beni né servizi, è solo stalking mascherato da lavoro. E non provateci neppure a farmi sentire in colpa per queste parole in nome di una solidarietà per il povero operatore che deve portare il pane a casa: l'operatore sa per chi sta lavorando, conosce il nome della propria azienda e sa che sta mentendo quando ti dice di chiamarti per conto del tuo gestore di energia e che ci sarà un cambio di tariffa o che c'è un problema catastrofico alla centralina per cui "converrebbe migrare verso altro gestore". Sono bugiardi addestrati a mentire, truffatori, maleducati che buttano giù quando messi alle strette ma anche dei cretini che perdono tempo e lo fanno perdere: se una persona non mangia la foglia dopo anni di stalking quotidiano è inutile continuare a chiamarla. Naturalmente parlo di operatori di call center outbound e che lavorano, e lo sanno, presso call center che utilizzano questi sporchi trucchi.

Ce ne sarebbero tanti di temi di cui si può parlare che comparano in modo impietoso il presente con un passato che, anche senza volerlo idealizzare e riconoscendone tutti i limiti, nella mia opinione, ne esce vincitore come fosse un’utopia. Un altro tema è, per esempio, quello di voler essere per forza qualcuno. La ricerca della celebrità a tutti i costi anche quando non si hanno né arte né parte, né, tantomeno, talento e, spesso, neanche una particolare confidenza con la signora Grammatica Italiana. Non partirò con un altro sfogo sul tema, probabilmente vi ho annoiato abbastanza.

Mi limiterò a dare la parola a uno dei pochi artisti veri dei nostri giorni, un raro portatore sano di buon senso. Sto parlando del mio conterraneo Caparezza (che mi onoro di conoscere di persona), che già diversi anni fa, ha previsto e messo in rima l’ambizione e la faccia tosta dell’Uomo Qualcuno.

P.S. Durante la creazione di questo post è stato rilasciato il controllo dei freni inibitori della mia sopita vena polemica.

Wacky Races, le corse pazze che hanno fatto impazzire il mondo

2026-09-06T09:22:00.000+02:00

Ne avevo già parlato in altri post (qui e qui) mostrando delle panoramiche sulla produzione Hanna e Barbera, oggi ne voglio parlare più in dettagli dato che è uno dei classici da me più amati e uno degli argomenti più ricercati su questo blog, stando ai report di Google Analytics. Quindi, soddisfiamo la curiosità di quelli che ricercano "coRse strane", "cartone con cane che ride", "macchina con l'ombrellino parasole" dato che questa ricerca porta a Le corse pazze, o Wacky Races da titolo originali, un cartone che è passato negli annali della storia per la sua comicità e genialità. Ci sono, infatti, cartoni animati che, pur avendo avuto una vita televisiva sorprendentemente breve, sono riusciti a entrare nell'immaginario collettivo e a rimanervi per decenni. Wacky Races è senza dubbio uno di questi. Prodotta dalla già menzionata Hanna e Barbera, la serie debuttò negli Stati Uniti il 14 settembre 1968 e, nonostante fosse composta da soli 17 episodi, divenne rapidamente un fenomeno grazie a un'idea semplice ma geniale: una gara automobilistica senza regole, dove l'obiettivo non era solo arrivare primi, ma farlo tra invenzioni strampalate, tranelli, inseguimenti e situazioni esilaranti.

L'ispirazione arrivava dal film del 1965 La grande corsa (The Great Race), con mostri sacri di Hollywood quali Jack Lemmon, Tony Curtis e Natalie Wood, ma gli autori portarono il concetto all'estremo, popolando la competizione con undici equipaggi completamente diversi tra loro, ciascuno alla guida di un veicolo unico e costruito su misura per rispecchiare la personalità dei propri piloti. Ogni gara attraversa ambientazioni sempre diverse, dalle montagne ai deserti, dalle città alle giungle, trasformando ogni episodio in un'avventura imprevedibile.

Tra tutti i concorrenti, il più memorabile è senza dubbio Dick Dastardly, accompagnato dal fedele cane Muttley alla guida della vettura 00, detta la Macchina Infernale (nell'originale, Mean Machine). Più che vincere con le proprie capacità, Dick è ossessionato dall'idea di sabotare gli avversari, escogitando trappole elaborate che finiscono quasi sempre per ritorcersi contro di lui. E la sua ossessione nel sabotare gli altri è talmente folle che in uno degli ultimi episodi il telespettatore intuisce chiaramente che, alla fine, a Dastardly non interessa neppure vincere, gli interessa il sabotaggio fine a sé stesso: infatti nell'unica puntata in cui ha praticamente vinto, si fa un autosabotaggio a pochi centimetri dalla linea del traguardo. Le risate sguaiate di Muttley, diventate uno dei marchi di fabbrica della serie, sono ancora oggi immediatamente riconoscibili dagli appassionati e la sua faccia ridacchiante una icona che viene riportata su t-shirt, cappellini, felpe, teli mare e quant'altro.

Accanto ai due "cattivi" sfila un cast di personaggi indimenticabili. Li elenco nell'ordine del numero che è riportato sulla fiancata della loro vettura.

Ci sono i Fratelli Slag, Rock e Gravel, dall'aspetto si direbbe anche cugini di Captain Caveman, due cavernicoli a bordo della preistorica vettura numero 1, la Macigno-mobile (nell'originale, la Bouldermobile): mentre la guidano i due, che si esprimono solo a gesti, si prendono vicendevolmente e alternativamente a clavate.

Ci sono Big e Li’l Gruesome, che sembrano appena usciti da un film dell'orrore, i due fratelli alla guida della vettura numero 2, il Diabolico Coupé (nell'originale, The Creepy Coupe), un automobile dal design macabro, con delle lanterne al posto dei fari, con il tettuccio sormontato da una torretta gotica circondata da pipistrelli e con un drago sputafuoco a completare il designo.

C'è il geniale Professor Pat Pending, il cui aspetto incarna tutti gli stereotipi dello scienziato pazzo, capace di trasformare la propria automobile in qualsiasi mezzo immaginabile, non a caso la sua vettura, la numero 3, è battezzata la Multiuso (nell'originale, Convert-A-Car).

C'è Red Max, chiaramente ispirato allo storico aviatore Barone Rosso, alla guida di una vettura che in realtà, per interpretare la personalità del suo pilota, è un biplano come se ne vedono nei film della prima guerra mondiale ma dotato di ruote. Questo veicolo aveva il numero 4, era ovviamente rosso, chiamato lo Scarafaggio volante (nell'originale, Crimson haybaler).

C'è la bella, stilosa e vanesia Penelope Pitstop con la sua inconfondibile vettura rosa, una cabriolet sportiva: è la vettura numero 5 conosciuta come il Vezzoso Coupé (nell'originale, Compact Pussycat), dotata di ombrellino parasole e congegni che le rinfrescano il trucco.

Ci sono il sergente Blast e il soldato Meekly alla guida di una vettura che sembra ottenuta da un carrarmato incrociato con una macchina asfaltatrice, la numero 6 detta Armata speciale (nell'originale, Army Surplus Special)

Ci sono Clyde e la sua banda, nanerottoli vestiti di abiti gessati come appena usciti da un Gangster movie ambientato negli anni '20, alla guida della numero 7, l'Antiproiettile (nell'originale, The Ant Hill Mob in the Bulletproof Bomb). Clyde tratta i suoi uomini con autorità e disprezzo (chiamandoli babbei) e quando hanno bisogno di una propulsione extra, usano i loro piedini che sbucano sotto il veicolo. Baciamolemani!

E, ancora, ci sono Lazy Luke e Blubber Bear a rappresentare il sonnacchioso e pigro montanaro dell'Arkansas e altre zone montane dove la vita è scandita da ritmi lenti. Essi guidano la vettura numero 8, l'Insetto Scoppiettante (Arkansas Chuggabug), vettura alimentata con una vecchia stufa a legna che fornisce l'accelerazione richiesta alla gara quando esplode.

C'è Peter Perfect, lo stereotipo dell'uomo bello e galante, il damerino dai modi affettati che cerca di conquistare Penelope con la sua perfezione che ho sempre trovato un po' vuota. Peter guida la sua auto d'epoca da competizione dai cilindri dorati, la numero 9 chiamata la Sei Cilindri (nell'originale, la Turbo Terrific).

E, infine, ci sono Rufus Roughcut con il castoro Sawtooth, rappresentazione dell'America più interna e più rurale, quella dei taglialegna forzuti e rozzi dalle camicie di flanella quadri che vivevano nei boschi. E ovviamente la scelta del castoro non è casuale - niente è casuale nei cartoni H&B - data l'abilità di questo animale nel rodere legna e costruire come un vero ingegnere di cui indossa il cappello da cantiere. Essi erano alla guida della numero 10 la Spaccattutto (nell'originale, Sawtooth in the Buzz Wagon) le cui ruote s dentate come il profilo di una sega.

Numero 00 - La macchina infernale
Dastardly e Muttley

Numero 1 - La macigno-mobile
Rock e Gravel Slag

Numero 2 - Il diabolico coupé
Big e Lil Gruesome

Numero 3 - La Multiuso
Pat Pending

Numero 4 - Lo scarafaggio volante
Red Max

Numero 5 - Il vezzoso coupé
Penelope Pitstop

Numero 6 - L'armata speciale
Sergente Blast e soldato Meekly

Numero 7 - La antiproiettile
Clyde e la sua banda

Numero 8 - L'insetto scopiettante
Lazy Luke e Orso Blabber

Numero 9 - La Sei Cilindri
Peter Perfect

Numero 10 - La Spaccatutto
Rufus Roughcat e il castoro Sawtooth

L'iconico
Ghigno di Muttley

Come già ribadito, niente nei prodotti Hanna & Barbera è frutto di una scelta casuale, i nomi, i dialoghi, i dettagli e Wacky Races, non solo non è una eccezione, ma è forse il più fulgido esempio di come i nomi delle auto e relative scuderie, i dettagli costruttivi delle vetture, rappresentino una serie di personaggi sterotipati (il militare, il mostro, il gangster, ecc.) e dei luoghi da cui provengono.

E anche i nomi dati ai concorrenti obbediscono a tale legge. Rock e Gravel Slag sta letteralmente per "Scoria di Roccia e Ghiaia", nome molto evocativo della Età della Pietra da cui i protagonisti provengono. Big e Lil Gruesome sta letteralmente per "Grande e Piccolo Spaventoso". Pat Pending sta letteralmente per "In attesa di Brevetto" (Pat è usato come diminutivo di Patent). Red Max richiama Red Baron, come già detto. Penelope Pitstop è un chiaro riferimento alla sosta ai box. Blast e Meekly indicano chiaramente chi dei due umilia l'altro (to blast, "blastare") e chi dei due è quello sottomesso (meek, "mite"). Ant Hill Mob sta per "la banda delle formiche": mob in particolare intende banda mafiosa, il riferimento alle formiche potrebbe essere legato alla statura degli uomini della banda e al modo veloce di "zampettare" con le gambe per accelerare. Lazy Luke e Blubber Bear sta letteralmente per "Luke il pigro e l'orso grasso". Peter Perfect ovviamente ne sottolinea la perfezione, ma io l'ho sempre trovato un po' troppo pieno di sé. E Rufus Roughcut abbina il nome Rufus ("dai capelli rossi") un cognome che ne sottolinea la rudezza ("tagliato con l'accetta") mentre il nome del castoro è letteralmente "Dente di sega". E naturalmente i nomi dei protagonisti più centrali non possono essere lasciati a caso: Dastardly significa infatti "infame" e Muttley deriva da "Mutt" che sta per cane bastardo. Che capolavoro! Adoro!

Ricordo ancora certe domeniche mattina in trepidante attesa della voce di Ferruccio Amendola che, da voce narrante per le prime 14 puntate (poi sostituito da Pino Locchi), introduceva il telespettatore alla corsa, elencando vetture e personaggi e anticipando già che Dastardly userà sporchi trucchi e decretando alla fine "Inizia l’avventura del Wacky Races!"

Uno degli aspetti più curiosi della serie è che, pur essendo stata realizzata in un numero limitato di episodi, è stata trasmessa e ritrasmessa per decenni in tutto il mondo, diventando un classico dell'animazione. Il successo fu tale da dare vita agli spin-off Dastardly e Muttley e le macchine volanti e Le avventure di Penelope Pitstop, mentre nel 2017 la serie è stata riproposta in una versione moderna che ha mantenuto lo spirito originale aggiornandolo per le nuove generazioni.

A distanza di oltre mezzo secolo, Wacky Races continua a essere ricordato con affetto perché rappresenta un'epoca dell'animazione in cui bastavano fantasia, personaggi ben caratterizzati e tanto umorismo per creare un capolavoro destinato a non invecchiare mai. Le sue corse impossibili, i veicoli assurdi e la continua rivalità tra Dick Dastardly e gli altri piloti hanno fatto sorridere milioni di spettatori e continuano ancora oggi a conquistare chi scopre per la prima volta questo piccolo grande classico della televisione.

Curiosità: in rete sono reperibili le foto di almeno una parata di automobili che riproducono i veicoli del cartone guidate dai rispettivi cosplayers.

La balena Giuseppina e il mio vegetarianismo intermittente

2026-08-30T10:56:00.000+02:00

La balena Giuseppina (Josephina the Whale) è un anime ambientato a Tokyo...ah no, big surprise, a Madrid, e chi lo avrebbe mai detto, un cartone giapponese non ambientato nella capitale nipponica. Sì direte... ma in realtà, non è l'unico, c'è per esempio, Belle e Sebastien che è ambientato sui Pirenei, Lady Oscar e il Tulipano nero a Parigi, Candy negli Stati Uniti e Regno Unito. Sì, ma in questi casi il contesto geografico/storico è funzionale alla storia, nella balena Giuseppina, no.

Questo anime racconta la storia di una amicizia tra Choppy, un bambino buono ma fifone, e Giuseppina, una balena magica che solo lui può vedere e con la quale lui può parlare, cavalcarne il dorso in magiche avventure per poi rimpicciolirsi e vivere nel bicchiere di acqua sul comodino del suo amico umano. Insomma, la classica, seppur insolita, amica immaginaria.

E' una storia di crescita persona di Choppy (vero nome Santiago detto Santi) verso l'assertività, il superamento delle proprie paure e la gestione dei conflitti familiari in una casa dominata da genitori un po' austeri, nonché i conflitti a scuola dove Choppy è alle prese con i bulli. Temi molto delicati eppur comuni nei quali molti bambini e ragazzi più timidi e timorosi si saranno identificati e che comunque abbracciano un po' tutte le sfide che accompagnano la fanciullezza dei più. Ad addolcire l'atmosfera c'è la figura affettuosa della nonna che ha un rapporto speciale con Choppy e quindi verrà affrontato anche il tema della perdita della figura di riferimento più importante quando la nonna passerà a miglior vita e Choppy dovrà anche combattere, insieme a Giuseppina, affinché la sua anima non sia rubata da Satana. La transizione di Choppy da bambino all'adolescenza è scandita da una nuova amicizia, quella con la coetanea Serya, che, con il suo affetto e amicizia, andrà progressivamente a rimpiazzare il ruolo di Giuseppina, la quale, terminato il suo compito di fare di Choppy un ragazzo più maturo e coraggioso, gli dirà Addio e ritornerà nel suo mondo magico. E infatti Addio Giuseppina! è l'altro nome con cui è nota la serie In tutto questo Giuseppina, a mio parere, impersonifica il potere della immaginazione. E' l'immaginazione che accompagna i bambini nella crescita e li aiuta a superare i momenti difficili ma, una volta cresciuti, non c'è più molto spazio per lei, per lo meno, per alcuni continua ad esserci e ad esprimersi attraverso l'arte e attività creative, ma perde quel ruolo di compagna di vita.

In questa immagine ci sono quasi tutti i personaggi: dall'angolo in basso a sinistra in senso orario, la nonna di Choppy, suo padre, sua sorella Rosy, Choppy, sua madre e infine la cameriera Cinzia. E, naturalmente, Giuseppina al centro.

Fra i ricordi più legati a questo cartone che guardavo su TeleNorba ci sono:

- il fatto che quando andavo a letto pensavo a quanto sarebbe stato bello poter dormire con accanto, sul comodino, un animaletto in miniatura che vegliasse su di me, come Giuseppina, rimpicciolita e in un bicchiere d'acqua, vegliava sui sogni di Choppy.

- la puntata in cui Choppy rifiutava di mangiare carne perché nel piatto, giustamente, ci vedeva un animale come lo era la sua amica Giuseppina e i parenti - soprattutto la nonna che doveva essere un po' pugliese - a cercare di forzarlo di mangiare che poi non cresci. Allora non lo sapevo ma quella puntata mi avrebbe segnato per tutta l'esistenza facendomi essere una onnivora con eterno senso di colpa. Non voglio ironizzare sul tema, solo raccontare la mia esperienza con il mio stile che è sempre un po' leggero e umoristico: in realtà, io ho grande rispetto per vegetariani e vegani e mal supporto l'odio gratuito che spesso, con facili battute, si accanisce contro di loro in vari contesti sociali, soprattutto sul web. Li rispetto perché sono riusciti a fare quello che a volte ho tentato di fare senza successo: rinunciare alla carne. Non perché sia un tipo di piatto che gradisca particolarmente (cioè, impazzisco per pesce, crostacei e frutti di mare, anche crudi, ma della fettina di vitello il mio palato ne potrebbe fare volentieri a meno) ma perché per quanto mi piaccia cucinare e prediliga verdure e prodotti vegetali, il vegetarianismo è una scelta che impatta fortemente l'organizzazione domestica quotidiana. A volte, un panino al salame o un petto di pollo ai ferri diventano un salva cena rapido per chi è sempre di fretta o in viaggio. Una volta sono riuscita a portare avanti il mio proposito di diventare vegetariana per diversi mesi - diversi mesi in cui sulla mia tavola sono apparsi nuovi ingredienti come Quinoa, Miglio, Tofu, Bulgur - ma la prima trasferta lavorativa a Bologna mi ha fatto capitolare: in mensa l'unica alternativa alla carne era...il prosciutto!! Poi ci si è messa anche l'insulino-resistenza che mi fa ingrassare ogni volta che solo guardo pasta e pane. Quindi, ci ho rinunciato, ho trovato un equilibrio nel consumare carne e pesce consapevolmente, senza sprechi e facendo scelte di acquisto che, se non possono evitare una triste fine ai poveri animali, almeno evitino una triste vita nel mezzo. Mi rendo conto che sto parlando troppo di me, non è mia abitudine farlo su questo blog dove il prodotto, che sia un cartone o un fenomeno pop, è sempre quello al centro del post: mi sono fatta trasportare dall'onda dei ricordi, ma ho anche voluto testimoniare quale impatto un semplice cartone possa avere sull'intera esistenza di una bambina che lo guardava. Vi lascio con le sigle meravigliose del cartone, in particolar modo quella di coda, che devo ammettere mi commuove, nonostante io non sia una persona portata ai sentimentalismi.

Carletto il principe dei mostri che, tra risate, educa al rispetto della diversità

2026-08-23T08:44:14.577+02:00

Oggi parliamo di un anime popolarissimo nonostate nel nostro Paese sia stato relegato alle TV locali: Carletto il principe dei mostri. Un cartone molto popolare non solo in Italia ma anche nel resto dell'Europa, distribuito anche in Paesi dove molti altri anime per noi imprescindibilmente legati all'infanzia non sono mai arrivati. Come dice il nome stesso, il protagonista di questo anime è Carletto (Taro nell'originale), il principe di un regno, Mostrilandia, abitato da vampiri, licantropi e tutti i classici mostri del mondo horror. Ma Carletto De Mostris - questo il nome per intero - vive in Giappone, è sulla Terra per una sorta di vacanza studio finalizzata a conoscere meglio gli umani (e un po' per sfuggire all'autorità di una padre austero), in una dimora chiaramente spaventosa, insieme ai suoi tre amici e sottoposti, Frankstein (detto Frank), il maggiordomo in stile Lurch della famiglia Addams, che si esprime con il solo suono "Mehehe", il conte Dracula dall'accento francese e la R moscia e il cuoco uomo-lupo (detto Wolf) dal marcato accento TETESCHO. Il cartone animato è uno dei più esilaranti e comici del panorama degli anime a dispetto e in contrasto con l'ambientazione horror, per tutta una serie di facili equivoci che si sviluppano puntata per puntata. In realtà ogni puntata è composta da due storie brevi, quindi potremmo dire che le 94 puntate si traducono in 188 episodi. Storie in cui Carletto dapprima sviluppa un'amicizia con Hiroshi, un bambino del vicinato sveglio e intraprendente anche se all'inizio scioccato e intimorito dalla banda di mostriciattoli: successivamente, insieme a Hiroshi, è coinvolto in tante storie di vita quotidiana ma bizzarre e surreali, interagendo con una miriade di personaggi che abitano il quartiere oppure vengono da Mostrilandia. A dispetto della natura di mostri, Carletto, Frank, Lupo e Dracula sono tutti personaggi buoni e positivi. Certo, Carletto a volte può essere dispettoso, capriccioso e vendicativo ma in generale è mosso da buone intenzioni, Frank è semplicemente il goffo maggiordomo più pacifico del mondo, Wolf a volte è nervosetto ma si spende sempre per tutti e Dracula, chiamato anche semplicemente il Conte, beve succo di pomodoro anziché sangue umano ed è trés chic. La banda non nega mai il suo aiuto a chi glielo richiede, il più delle volte Hiroshi, spesso alla prese con una sorella Sis incontentabile, ma anche alcuni ospiti da Mostrilandia che si portano dietro sulla Terra qualche triste storia. E a quest'ultimo proposito, i mostri di Mostrilandia hanno personalità completamente diverse: alcuni buoni, alcuni cattivi, alcuni animati da buone intenzioni, alcune venuti con il manifesto desiderio di fare del male, alcuni piagnoni, alcuni divertenti, alcuni incapaci, alcuni brillanti, a dimostrare che persino in altri mondi, tutto il mondo è Paese, mai generalizzare, concetto che si integra perfettamente con il tema del cartone che è quello di superare la paura della diversità per scoprire che l'amicizia è possibile anche tra persone che vengono da mondi diversi. Tema già visto con Ransie la Strega, cartone dalla struttura e trama molto differenti, ma con cui questo anime condivide molte cose a partire dalla presenza di queste creature mutuate dalla letteratura classica dell'orrore, la comicità e il messaggio inclusivo. Ma torniamo alla quotidianità di Carletto e i mostri che vivono in casa con lui: tutti hanno dei poteri che devono cercare di nascondere per una pacifica accettazione e convivenza nel quartiere, motivo per cui Frank, Wolf e Dracula si fanno vedere in giro il meno possibile e, in particolare Wolf, deve essere attento ad una repentina manifestazione della luna piena che lo trasformerebbe in licantropo davanti a tutti. Compito più semplice per Dracula che, come da tradizione vampiresca, esce solo di notte o per Frank che è timido di natura e quindi preferisce passare il tempo in casa. E ancora più semplice per Carletto che ha le sembianze a tutti gli effetti di un bambino al netto delle orecchie ad antenna parabolica e l'outfit ridicolo, sembianze quasi normali dietro le quali si nascondono poteri straordinari: può allungare gli arti di lunghezze considerevoli e può cambiare l'aspetto della sua faccia in qualsiasi cosa, semplicemente strofinandosela. Abbastanza semplice è immaginare come le varie trasformazioni della faccia di Carletto costituiscano momenti di pura ilarità. Che altro aggiungere oltre, al solito, proporre la galleria delle foto dei personaggi e la sigla, questa volta due, perché c'è ne è una di testa e una di coda e tutte e due meritano!!

Ah ecco, non tutti sanno che il cartone di Carletto è basato su una manga degli stessi creatori di Doraemon, Nino il mio amico ninja e Superkid ossia Hiroshi Fujimoto e Motoo Abiko che hanno collassato i loro nomi in un unico pseudonimo: Fujiko Fujio. Sulla base di questo manga, prima della serie TV a colori, era stata realizzata una serie in bianco e nero mai arrivata in Italia.

Non si finisce mai di scoprire nuove cose su questo blog, vero?

I personaggi principali, da sinistra a destra: la sorella di Hiroshi (notate la somiglianza con i personaggi femminili di Doraemon e Nino), Lupo/Wolf, Frank con in spalla Hiroshi a sinistra e Carletto a destra, il Conte.

Sigla di apertura (bellissima la intro dei fiati presente nella canzone completa ma tagliata nella versione televisiva) e chiusura, da guardare su Youtube, cliccando sull'immagine, perché i contenuti non possono essere visualizzati su questa piattaforma:

Ernesto Sparalesto ma mica tanto

2026-08-16T09:10:18.345+02:00

Continuo ad aggiornare questo blog nell'ottica di fornire una lettura di intrattenimento varia e - spero - mai noiosa, alternando oggetti e fenomeni degli anni '80, con cartoni animati giapponesi, i cosiddetti anime, e con cartoni provenienti da altre parti del globo e pertanto concepiti e costruiti in maniera totalmente diversa dalla copiosa produzione made in Sol Levante. Spero in questo modo di suscitare curiosità verso l'imprevedibile argomento del post successivo. Oggi, in virtù di questo criterio di alternanza, vi parlerò di un altra delle produzioni Hanna e Barbera, Ernesto Sparalesto al secolo Quick Draw McGraw ossia McGraw dall'estrazione (della pistola, NdA) rapida. Un nome che ci introduce subito al contesto del cartone: il vecchio caro Far West dove i vecchi pistoleri si sfidavano a chi lo tirava fuori prima (come avrebbe detto Camilleri, il revorbaro, NdA). Ernesto è un cavallo bianco antropomorfo (che altro animale scegliere nel far west?), indossante cappello da cowboy, fazzoletto al collo e cinturone; egli riveste i panni di uno sceriffo un po' imbranato (riesce anche a spararsi addosso da solo) coinvolto in mille avvenuture western insieme al suo vice Babalù, un asinello messicano, come si percepisce dall'accento spagnolo e dall'immancabile sombrero sulla testa, fisicamente piccolo e goffo, ma più furbo ed efficiente di lui. Lo sceriffo però ha anche una identità segreta, una sorta di parodia di zorro, che usa quando le cose si mettono male con i fuorilegge di turno: El Kabong, un eroe con mascherina nera, cappello sombrero cordobés (il tipico cappello nero di feltro con corona piatta e cordoncino sotto il collo usato appunto da zorro), mantello nero e chitarra classica usata come arma.

Il cartone veniva trasmesso con altri due cartoni, arrivati in Italia con i nomi di "Tatino e Papino" (Auggie doggie & Doggie Daddy) e "Snooper e Blabber", all'interno di uno show, il Quick Draw McGraw Show, sponsorizzato dalla Kellogg's. Come tutti i cartoni di Hanna e Barbera, l'effetto comico è nei dettagli paradossali, come ad esempio, il fatto che lo stesso Ernesto, pur essendo un cavallo, cavalchi altri cavalli, che per essere cavalcabili, vengono disegnati in maniera realistica, non antropomorfi, come nell'immagine a destra, dove guida una diligenza, scena tratta dalla sigla.

Una curiosità, nel doppiaggio originale, sia Ernesto che Babalù hanno la voce dello stesso doppiatore, Daws Butler, che ha prestato la voce a numerosi personaggi delle serie Hanna e Barbera.

Altri personaggi sono il cane Snuffles sempre in cerca di biscotti e Sagebrush Sal, umana, interesse amoroso di Ernesto. Ernesto e il suo vice Babalù fanno parte dell'Allegra banda di Yoghi e si ritrovano, pertanto, in tale cross-over ad interagire con altri personaggi Hanna & Barbera come Svicolone, Braccobaldo Bau, ecc. E poi ci sono altri umani che interagiscono con questi animali, alla pari, come se fossero tutti una una unica specie, tra cui diversi fuorilegge con fattezze simili a Clyde di Wacky Races.

Questi i personaggi:

Ernesto Sparalesto

Babalù

El Kabong

Snuffles

Sagebrush Sal

I protagonisti dello show

Siglaaa!

Pompeo e Carlotta: due simpatici paperi nel cassetto della memoria

2026-08-09T09:30:35.102+02:00

Tempo fa, prima degli orribili reality che hanno infestato la TV prima della tv trash del dolore e prima della TV delle poste e delle lettere dove la gente va a mettere in piazza i fatti propri, la televisione italiana riusciva a entrare nelle case con semplicità, fantasia e personaggi capaci di diventare veri compagni di infanzia. Erano gli anni ’80, un decennio fatto di colori vivaci, sigle indimenticabili e programmi che il sabato sera riunivano tutta la famiglia davanti al televisore.

Tra i ricordi più teneri di quell’epoca ci sono sicuramente loro: Pompeo e Carlotta, due buffi pupazzi che conquistarono il pubblico di Fantastico 6, lo storico varietà del sabato sera della Rai.

Pompeo e Carlotta erano una coppia di paperi animati, creati per accompagnare il programma e diventare le sue mascotte. Pompeo era il simpatico papero azzurro, mentre Carlotta era rosa, con il suo immancabile nastrino verde e un aspetto dolce e riconoscibile (sì, all'epoca non si usava lo schwa e l'azzurro significava inequivocabilmente maschio e il rosa inequivocabilmente femmina). Due personaggi semplici, ma proprio per questo capaci di entrare nell’immaginario dei bambini dell’epoca.

A dare loro una marcia in più furono anche le voci: Pompeo era doppiato da Franco Latini, una delle grandi voci della televisione e del doppiaggio italiano, mentre Carlotta aveva la voce di Cristiana Lionello. Le loro gag e i loro interventi contribuivano a rendere più leggero e familiare il grande spettacolo del sabato sera.

Uno degli elementi che rende ancora oggi memorabili questi due personaggi è la loro sigla, “Sole papà”, interpretata proprio dai doppiatori dei pupazzi e pubblicata anche su disco. Una di quelle canzoni che, per chi era bambino negli anni ’80, basta sentire per riaprire immediatamente una finestra sui ricordi.

Come spesso accadeva in quel periodo, il successo televisivo arrivò anche nelle camerette dei più piccoli: furono prodotti pupazzi e giocattoli dedicati a Pompeo e Carlotta, oltre ad altri gadget che trasformarono le due mascotte in veri oggetti del desiderio. E sinceramente una di queste coppie di pupazzi di plastica che invasero i mercatini finì nella mia cameretta, come testimonia una mia vecchia foto, sistemati sul pavimento. Li sistemai sotto la mia tastiera elettronica ma non ci rimasero a lungo: sparirono da un giorno all'altro come il resto dei pochi giocattoli che avevo, probabilmente andarono a fare compagnia nell'indifferenziata alla bambola di Candy Candy infermiera, ad Amy di Holly Hobbie, alla bambolina nera con il vestito di lana souvenir di Loreto, ak pierrot sulla mezzaluna e lì aspettarono per qualche anno l'arrivo del peluche di Yattabuta. Insomma, in tempi insospettabili, quando l'arredamento minimalista o zen non erano ancora di moda, quando decluttering era un termine sconosciuto, anche Pompeo e Carlotta furono travolti dalla furia pulitrice di madre-l'essenziale-è-invisibile-agli-occhi© che nottetempo buttava via tutto quello che trovava in casa, soprattutto se non erano oggetti suoi, perché le inutili bomboniere di porcellana, quelle, invece, cì che sono sopravvissute fino ai nostri giorni. Scusate lo sfogo, ma sono traumi mai completamente elaborati. A mettere sale sulle ferite e dita nelle piaghe, una puntata che ho visto recentemente di Cash or Trash dove un partecipante aveva portato una coppia di questi pupazzi molto simile a quella che avevo anche io: e i 5 mercanti che si prodigavano in complimenti a profusione per la chicca portata all'asta ... e i mei gettati nell'immondizia senza pietà.

Ma mettiamoci una pietra sopra e torniamo ad oggi. Oggi, quelle immagini, forse possono sembrare banali rispetto agli effetti speciali e alla tecnologia degli spettacoli moderni. Eppure proprio quella semplicità aveva un fascino speciale: bastavano due pupazzi, una bella canzone e un po’ di fantasia per creare un ricordo destinato a durare.

Pompeo e Carlotta rappresentano perfettamente lo spirito della televisione anni ’80: allegra, colorata, familiare e capace di far sentire grandi e piccoli parte dello stesso spettacolo. Per molti bambini di allora non erano soltanto due pupazzi, ma due amici arrivati direttamente dal piccolo schermo per accompagnare un’epoca che ancora oggi continua a far sorridere.

Il gioco del 15, un intelligente passatempo da rispolverare sotto l'ombrellone

2026-08-02T09:52:25.096+02:00

Negli anni della mia infanzia, bastavano quindici tessere numerate e un quadratino vuoto per tenerci incollati per ore. Il mitico gioco del 15 era uno di quei passatempi che sembravano semplici... finché non provavi davvero a rimettere tutti i numeri in ordine, facendoli scorrere uno accanto all'altro, in verticale e orizzontale, attraverso le scalanature incise su ogni tessera. Un altro gioco da fare in solitaria.

La cosa curiosa è che molti di noi lo associano agli anni '80, quando era presente in tantissime case, nelle edicole, nelle cartolerie e persino come gadget promozionale. Ricordo di averne viste, nel corso degli anni di tanti colori ma anche di tante versioni: inizialmente le tessere erano semplicemente numerate, poi si sono evolute in parti di un puzzle che veniva ricomposto solo con la sequenza corretta. E molte piccole aziende locali (mobilifici, serramenti, ...) li distribuivano gratuitamente per farsi pubblicità: infatti ricomponendo le tessere nell'ordine corretto veniva fuori il loro logo con eventuale slogan e dati di contatto. Ricordo anche che era molto spesso in regalo con le riviste di enigmistica e contenuto nei loro involucri di plastica trasparente. Eppure la sua storia è molto più antica: nasce alla fine dell'Ottocento, quando divenne una vera mania internazionale. Si racconta che milioni di persone cercassero di risolverlo, tanto che giornali e matematici iniziarono a studiarne i segreti.

Il bello è che non tutte le configurazioni sono risolvibili: esistono combinazioni che, per precise ragioni matematiche, non potranno mai essere riportate all'ordine. Un dettaglio sorprendente per un gioco così essenziale.

Forse è proprio questo il suo fascino. Nessuna batteria, nessun display, nessuna connessione. Solo pazienza, logica e quella sottile soddisfazione quando, dopo decine di mosse, anche l'ultima tessera trovava finalmente il suo posto. A dimostrazione che quando alla base c'è un'idea geniale, non servono grafiche 3D, miniature, un complesso set di regole e stress da luce blu per gli occhi, per fornire un gioco che sia intrattenimento puro. Un intrattenimento che ti potevi portare ovunque, persino più portabile del cubo di Rubik, dato che per l'esiguo ingombro e peso, potevi portarlo nella borsa, nel marsupio e persino in tasca, ai giardinetti come sotto l'ombrellone. Sicuramente lo preferivo all'immobile Barbie o alla noiosa bambola da pettinare e ripettinare.

Per me resta uno dei simboli degli anni '80: non perché sia nato in quel decennio, ma perché è lì che è entrato nei ricordi di un'intera generazione, trasformando un'invenzione di oltre un secolo prima in un piccolo rito quotidiano.

E voi? Quante volte avete pensato: "Ancora una mossa e ci riesco"... per poi ricominciare da capo?

Judo boy alla ricerca con l'occhio perduto

2026-07-26T08:35:00.000+02:00

Ad avvicinarmi a questo cartone animato e - in età adulta - è stata la sigla, con quel riff riconoscibilissimo e orecchiabile , sigla rifatta a parodia come "Ammazzacristina" dei mitici Gem boy che mi ha fatto scompisciare (mi scuso io al posto degli autori del video per le immagini totalmente fuori contesto, non ho trovato di meglio). Da bambina non mi aveva mai attirato più di tanto, vuoi per la programmazione discontinua, vuoi per la qualità dell'animazione. Non che naturalmente fossi una esperta di animazione - e non lo sono neppure adesso - non che mi mettessi a "valutare" la qualità del prodotto prima di guardare qualcosa in TV, ma è possibile che abbia notato i frequenti fermo immagine e le urla fuoricampo non coordinate con le immagini e questo abbia influenzato le mie preferenze. O, ancora più probabile, c'era l'Uomo Tigre alla stessa ora su un'altra TV locale. Fatto sta che ero già adulta e già laureata quando sono venuta in possesso della collana di DVD di Judo Boy e ho deciso che era finalmente tempo di guardarla. L'anime, in 26 episodi e risalente al 1969, ripercorre la storia di Sanshiro, talentuoso lottatore, alla ricerca dell'uomo che aveva ucciso suo padre, anche lui esperto di arti marziali e fondatore di una valente scuola di arti marziali, probabilmente colto alla sprovvista. Unico indizio in questa ricerca un occhio di vetro trovato vicino al corpo del padre, da cui il titolo di questo post. Da quel momento, l'assassino diventa noto al pubblico come "l'uomo da un occhio solo" (dando per scontato che l'uomo non abbia rimpiazzato l'occhio di cristallo con uno nuovo o che non abbia perso anche l'altro... dettagli..) . Sanshiro si mette in viaggio con la sua motocicletta 10 HP per cercarlo in lungo e largo per tutto il Giappone, in compagnia di Ken, un bambino vagabondo e vivace che rappresenta il sollievo comico della serie, e il di lui cane bassotto e "accappellato" Bobo. Motivo ricorrente nella serie è l'incontro con qualche bella ragazza dall'acconciatura bizzarra, alcune ritornano ciclicamente (Luna e Mayuri) con cui Sanshiro sviluppa una amicizia, prima di doverle dire addio per tornare con ostinazione alla sua missione. Di volta in volta, il protagonista incontrerà un uomo con un solo occhio o un occhio bendato e lo affronterà a colpi di judo...ah, no, più jujitsu... per scoprire che in realtà non era quello il suo uomo: ma poco male, era comunque un cattivo, molto spesso a capo di una banda di criminali, da eliminare a prescindere. Dinamica che si ripete fino alla fine: persino nell'ultimo episodio, Sanshiro non ha trovato l'uomo giusto e andrà via verso il sole per continuare la sua ricerca ormai ossessiva. Il tema interessante e originale che viene approfondito nell'anime è quello della vendetta cieca e di quanto sia lecito usare la violenza per combattere la violenza. Tema ripreso dalla sigla scritta e musicata da, rispettivamente, nientepopodimeno di Andrea Lo Vecchio e di Detto Mariano che con quel ritornello, "Judo boy, Judo boy, lo sappiamo che per te ha importanza; Judo boy, Judo boy, ma non usare la violenza; Judo boy, Judo boy, il tuo dolore ti ha accecato; Judo boy, Judo boy, non diventare come lui", faceva riflettere noi pargoli su come la sete di giustizia possa diventare un desiderio di vendetta tale da snaturarci e di privarci di trovare pace, di tornare a una vita normale, cosa sottolineata dal finale incompiuto. L'anime, della casa Tatsunoko come riconoscibile dal tipico occhietto furbo condiviso con la faccia di Kyashan, Tekkaman, Polymar, ecc. - ha titolo originale Sanshiro Kurenai ossia Sanshiro il Rosso perché prima di combattere indossa - praticamente Ken glielo lancia al volo - il suo kimono scarlatto, ricordo della sua madre defunta, che lo cucì per lui. Il titolo italiano è invece inaccurato in quanto la tecnica di lotta non si avvicina per niente al judo ma più a un insieme di tecniche tra cui il jujitsu (come accennato prima). Se non ricordo male, nel cartone animato stesso si parla di un metodo di lotta messo a punto dal fondatore della scuola, attingendo a diversi stili, il Kurenai® (qualcuno può confermare questo mio ricordo?). Ma Judo boy è corto e suona meglio.

I personaggi: sono riconoscibili Sanshiro, suo padre bonanima RIP, di nuovo Sanshiro con Ken, Bobo e credo Luna, e poi Mayuri con Ken (ditemi se confondo le ragazze...)

Sigla!

Calvin e il colonnello, dal successo radiofonico alla TV

2026-07-19T08:19:00.000+02:00

Oggi post breve, un po' perché in viaggio un po' perché non ci sono molte informazioni disponibili oltre a quello che ricordo sul cartone di cui vi parlo oggi: Calvin e il colonnello.

Lo sapevi che “Calvin e il colonnello” è uno dei cartoni animati più curiosi e meno conosciuti prodotti da Hanna e Barbera ?

Andata in onda nei primi anni Sessanta, questa serie rappresenta un interessante esempio di come la televisione dell’epoca cercasse di trasformare successi già collaudati in nuovi format animati. I protagonisti sono il Colonnello, al secolo Col. Montgomery J. Klaxon,una volpe astuta e piena di iniziativa, soprattutto tesa all'arricchimento con l'uso di qualche trucchetto, e Calvin Burnside, un orso dal carattere bonario e un po’ ingenuo: una coppia che vive situazioni comiche basate sul classico contrasto tra il furbo e il credulone e sugli equivoci.

Non tutti sanno che i personaggi erano ispirati a una celebre sitcom radiofonica statunitense, segno di come già allora si cercasse di portare il successo di un mezzo di comunicazione in un altro. Naturalmente, lo show radiofonico da cui era tratto, Amos 'n' Andy aveva dei personaggi umani e resi animali nella serie per non inciampare in qualche controversia di tipo razziale dato che i protagonisti dello show radiofonico erano di razza afroamericana. O per lo meno, lo erano i due protagonisti nella finzione, perché nella realtà le loro voci appartenevano a Freeman Gosden e Charles Godell, commedianti bianchi. La discontinuità introdotta dall'aver reso i personaggi nel cartone leggermente "più pelosi" fu mitigata dalla continuità delle voci: infatti a questi animali le voci erano prestate sempre da Gosden e Godell. Come già annunciato in incipit, la serie fu realizzata dalla celebre Hanna e Barbera, lo studio che in quegli anni stava rivoluzionando il mondo dell’animazione televisiva grazie a tecniche produttive innovative che permettevano di contenere i costi senza rinunciare all’intrattenimento. Sebbene abbia avuto una sola stagione e una vita televisiva piuttosto breve, Calvin e il colonnello è rimasta un piccolo gioiello per gli appassionati di storia dell’animazione. Il suo umorismo riflette perfettamente lo stile dell’epoca, con dialoghi brillanti, equivoci e situazioni che ricordano la tradizione delle grandi coppie comiche del cinema e della radio. Oggi il cartone è poco ricordato dal grande pubblico, ma conserva un valore storico importante perché testimonia una fase di grande sperimentazione per la televisione americana, quando i cartoni animati stavano iniziando a diventare un appuntamento fisso nelle case. Proprio per questo, Calvin e il colonnello rappresenta una piccola finestra su un periodo fondamentale dell’animazione, in cui si stavano gettando le basi per molti dei successi che avrebbero segnato le generazioni successive. La serie conta di 26 episodi nei quali appaiono ulteriori personaggi comprimari: Maggie Belle Klaxon, la moglie del colonnello e volpe come lui, Sue aka Susan Culpepper, sorella di Maggie e cognata del colonello e quindi anch'essa volpe, Gladys, una cagnolina manicurista, e infine l'avvocato, Oliver Wendell Clutch, una donnola. In altre puntate, appaiono in maniera isolata anche altri personaggi che rappresentano animali, ricordo per esempio uno scimpanzè.

Col. Montgomery J Klaxon

Calvin Burnside

Maggie Bell Klaxon

Susan Culpepper

Gladys

Oliver Wendell Clutch

Mi segui su Instagram?🙏🏼

2026-07-15T23:00:57.000+02:00

Interrompo la periodicità settimanale degli aggiornamenti per una comunicazione di servizio che affido direttamente alla celebre pubblicità dei Jesus Jeans: da qualche tempo questo blog ha una pagina su instagram che vi chiedo di seguire e aiutare a crescere. Le interazioni su questo blog e sulle pagine afferenti danno più senso al mio impegno e possono essere spunto di ulteriori contenuti e approfondimenti. Grazie🙏🏼

I King Crimson e il loro repertorio portato sul palco dal virtuosismo dei Beat

2026-07-12T07:52:18.099+02:00

Una settimana fa ho avuto il piacere di assistere al concerto a Bari dei **Beat**, il supergruppo formato da quattro musicisti che, a rigore, non avrebbero bisogno di presentazioni. Ma, nell'improbabile eventualità che tra i lettori ci sia qualcuno che negli ultimi decenni abbia scelto la vita eremitica, e soprattutto per rendere il doveroso omaggio alle loro straordinarie carriere, eccole qui.

Tony Levin è uno dei bassisti e Chapman Stick player più influenti della storia del rock, collaboratore di Peter Gabriel, King Crimson e di una quantità impressionante di artisti. Adrian Belew è un chitarrista, cantante e autore dalla creatività inesauribile, passato al fianco di Frank Zappa, David Bowie e Talking Heads prima di diventare uno dei protagonisti della rinascita dei King Crimson negli anni Ottanta. Steve Vai è semplicemente uno dei più grandi chitarristi della sua generazione, protagonista con Frank Zappa, David Lee Roth e Whitesnake, oltre che di una carriera solista straordinaria. E infine Danny Carey, monumentale batterista dei Tool, chiamato a raccogliere la difficilissima eredità di Bill Bruford in questo progetto. Una scelta tutt'altro che casuale: Carey è considerato uno dei più grandi batteristi della scena contemporanea ed è stato inserito da *Rolling Stone* tra i 100 migliori batteristi di tutti i tempi con un prestigioso 26° posto.

L'esperienza è stata talmente coinvolgente da spingermi a dedicare loro questo spazio. E se qualcuno si chiede cosa c'entrino i King Crimson con un blog dedicato principalmente agli anni Ottanta, la risposta è semplice: c'entrano eccome.

Quando si pensa ai King Crimson, infatti, la mente corre quasi automaticamente agli anni Settanta e a capolavori come *In the Court of the Crimson King*. Eppure è proprio il decennio successivo ad aver regalato una delle fasi più innovative e sorprendenti della loro storia.

Dopo una lunga pausa, Robert Fripp rifonda la band insieme ad Adrian Belew, Tony Levin e Bill Bruford, dando vita a sonorità completamente nuove. Album come *Discipline* (1981), *Beat* (1982) e *Three of a Perfect Pair* (1984) abbandonano molte delle caratteristiche del progressive classico per esplorare territori in cui si fondono new wave, minimalismo, poliritmie africane, funk e sperimentazione elettronica.

Il risultato è una musica sofisticata ma incredibilmente moderna, capace di anticipare sonorità che avrebbero influenzato il rock alternativo e il progressive contemporaneo. Brani come *Elephant Talk*, *Frame by Frame*, *Neal and Jack and Me* e *Heartbeat* dimostrano come tecnica, ricerca e immediatezza possano convivere senza sacrificare l'emozione.

I King Crimson degli anni Ottanta non furono una band che si limitò ad adattarsi ai tempi: contribuirono a ridefinire il linguaggio del rock, dimostrando che innovare significa avere il coraggio di cambiare senza perdere la propria identità.

Ed è proprio questo che il concerto dei Beat mi ha trasmesso. Non si è trattato di una semplice operazione nostalgia, ma della celebrazione di una stagione irripetibile della musica contemporanea. Quelle composizioni, a oltre quarant'anni dalla loro pubblicazione, conservano una freschezza sorprendente e una modernità quasi disarmante.

L'impressione a fine concerto è stata che la musica dei King Crimson era avanti quando è stata prodotta e continua a essere avanti anche a quasi 50 anni di distanza.

Ascoltare tale musica dal vivo, eseguita da musicisti di questo calibro – tre dei quali quella storia l'hanno scritta in prima persona – significa riscoprire quanto la trilogia formata da *Discipline*, *Beat* e *Three of a Perfect Pair* sia stata non solo fondamentale nella storia dei King Crimson, ma anche uno dei vertici creativi dell'intero panorama musicale degli anni Ottanta.

Ed è per questo che i King Crimson trovano pieno diritto di cittadinanza in questo blog. Perché, pur essendo nati ben prima degli anni Ottanta, è proprio in quel decennio che hanno saputo reinventarsi, dimostrando come i grandi artisti non seguano il proprio tempo: spesso lo anticipano.

Ma alla fine sapete cosa mi ha colpito più della musica, più dei virtuosismi, più degli assoli di chitarra impossibili? Beh, due cose. Prima di tutto l'energia di questi 4 giovanotti che solo i documenti anagrafici collocsno ad una età tra i 66 e gli 80 anni: né l'aspetto, né la postura, né la grinta, né le mani che, contro ogni legge del tempo e delle artrosi, freneticamente si muovevano sul manico di chitarra, basso e chapman stick Il che mi fa togliere il cappello e inchinare la testa in una società piena di 20enni privi di ogni ogni energia fisica e intellettuale per fare alcunché: non che siano tutti così ma è innegabile che la pigrizia sia diventata un vizio dominante e diffuso. Quelli invece sul palco sono uomini con un altro tipo di fibra e personalità, come mi è apparso evidente quando Tony Levin simpaticamente tra un brano e l'altro si metteva a fare foto della serata e non foto velocemente rubate con il suo telefono ma foto serie fatte con una macchina fotografica professionale. Dettagli che a me dicono tanto. La seconda cosa che mi ha colpito è quante volte quattro mostri sacri della musica abbiano inchinato il capo per ringraziare il loro pubblico. Immensi!!! Questo è uno dei reel che ho pubblicato su Instagram sulla serata.

Ransie la strega: il romanticismo comico in una storia di licantropi e vampiri

2026-07-05T07:43:58.093+02:00

Ransie la strega è uno dei cartoni animati che mi ha più incuriosito, appassionato e divertito. E' la storia di Ransie Lupescu, una teenager "simpatica e carina come una bambolina", dai capelli lisci e gli occhi blu. Apparentemente è una ragazza come tante, impegnata negli studi al liceo dove ha conosciuto Paul Cavor che lei, tutta cotta, guarda con gli occhi a cuoricino e dove incontra amici e rivali di cuore, in particolare la dispettosa e insopportabile Lisa Thompson, con la quale si contende le attenzioni di Paul, figlia di un omone dalle labbra giganti, Thomas Thompson, boss della Yakuza nonché titolare della palestra in cui si allena Paul. Paul infatti è un pugile che aspira a una carriera sportiva importante ed è il classico bel tenebroso che finge distacco da entrambe ma sotto sotto se ne gode la competizione. Naturalmente questi sono i nomi assegnati dall'edizione italiana, è superfluo dire che nell'originale, i nomi sono decisamente giapponesiggianti (Ransie è Ranze, Paul è Shun, Lisa è Yoko), ma io continuerò a chiamarli con i nomi con cui li ho conosciuti. Paul in realtà ha un animo gentile ed è molto protettivo con la madre, una donna senza più un compagno ma non credo che venga mai chiarito la sua storia amorosa alle sue spalle...almeno, non fino ai colpi di scena finali! Quindi Paul è tutto sommato un bravo ragazzo ed è certamente un idealista che usa le sue doti di combattimento per difendere i più deboli... solo che, soprattutto con le due ragazze, se la tira un po'. Questa è l'apparente normalità del giorno, perché quando Ransie torna a casa, alla sera, il contesto è ben diverso. In questa villa gotica e piuttosto inquietante che ricorda un po' la maison della famiglia Addams o come mi immagino sia la casa visitabile di Stephen King nel Maine - un altro elemento della mia bucket list di viaggio - Ransie ci torna a casda dopo la scuola e ci trova il fratellino Ronnie, un papà vampiro e una mamma licantropa che, pur volendosi bene, non fanno altro che litigare tutto il tempo, o meglio il papà scappa e la mamma lo insegue con il mattarello.

Ma presentiamo tutti i Lupescu :

- Ronnie è l'unico normale (ancora per il momento perché è piccolino) della famiglia, è un bambino dal caschetto biondo che passa il tempo a giocare con il suo pappagallo (ehm, intendo un vero volatile);

- Boris è il papà vampiro, dorme tutto il giorno nella sua bara e la sera esce, trasformato in pipistrello, alla ricerca di prede....peccato che in realtà sia un pavido; all'occorrenza può trasformarsi in un ombrello.

-Shira è la mamma, una donna lupo che si arrabbia facilmente e per effetto della rabbia subisce una trasformazione parziale tirando fuori coda, orecchie e unghie; può trasformarsi completamente in una lupa. E, infine, naturalmente c'è Ransie, che ha il potere di trasformarsi temporaneamente in qualsiasi cosa e qualsiasi persona morda per poi tornare normale con uno starnuto (mentre la persona morsa resta incosciente tutto il tempo). A dispetto della descrizione, è una famiglia molta unita e, tra un litigio e l'altro, non mancano i momenti di tenerezza fra loro. Provengono dal Regno Supremo, un Regno con tanto di re e principi che la famiglia visita di tanto in tanto accedendovi da un passaggio segreto e magico in cantina. Il cartone animato è un mix di romanticismo perché la storia d'amore tra Ransie e Paul progressivamente prende forma e lui diventa sempre più consapevole dei suoi sentimenti, soprattutto quando scopre la vera natura di Ransie e il suo dilemma e anche quando dal Regno Supremo arriva il Principe Aron, innamorato di Ransie, a fargli competizione. Questa storia è ostacolata inizialmente dalla famiglia di Ransie che vorrebbero per lei un ragazzo con la stessa provenienza, sposare un umano è contro le regole del Regno, per cui l'anime introduce anche il tema della diversità, dell'appartenere a razze diverse...anche se poi si scoprirà che Paul tanto diverso da loro non è e magari - SPOILER ALERT - è proprio lui il figlio perduto del Re del Regno Supremo, nonché fratello di Aron. Ma nonostante questi temi più seriosi, il cartone è una vera bomba comica: non è infatti difficile immaginare come il potere di Ransie sia fonte di divertentissimi equivoci, enfatizzati dalle espressioni dei personaggi, normalmente bellocci ma le cui espressioni, con fattezze che cambiano forma e dimensione, li rendono le caricature di sé stessi. Una caratteristica che poi diventò comune a molti cartoninegli anni successivi, come per esempio Sailor Moon, nel quale viene data molta enfasi alle espressioni facciali, rimarcate da segni grafici come la goccia che rappresenta l'imbarazzo. Il tutto supportato da personaggi che risultano comici: Lisa nella sua ostinata perfidia che le si ritorce sempre contro, Thoma nel suo aspetto caricaturale e nella contraddizione fra il suo ruolo di boss mafioso e il suo corteggiamento impacciato della mamma di Paul, nonché le sue reazioni con grossissime lacrime napulitane quando viene maltrattato dalla figlia.

Che altro dire di questo cartone? Che ci sono altri personaggi comprimari e secondari, tra cui oltre a quelli già menzionati (Ania la mamma di Paul, Aron il principe del Regno Supremo), anche Sand (il portavoce del Re) e il Re stesso, un essere spaventoso che nell'anime - tanto per aggiungere un po' di tensione - è identificato con Satana, cosa che non accade nel manga. E sì, perché anche questo è l'ennesimo cartone tratto da un manga, specificatamente la prima serie del manga Batticuore Notturno. Ci sono altre due serie in cui i personaggi sono cresciuti e si sono fatti una famiglia e sarebbe stato meraviglioso vederli animati sullo schermo! Se non l'avete fatto vi consiglio assolutamente di recuperare questo cartone composto alla fine solo da 34 episodi.

Nella foto che segue i personaggi principali. Nell'ordine da sinistra a destra: il signor Thompson, Lisa, Paul, Ransie, Boris, il pappagallo Peck, Sheila. Ronnie, Sand e Aron. Manca Ania ma immaginatela come la versione femminile di Paul e sempre con il capello corto.

E, ciliegina sulla torta, la sigla dei mitici Cavaliere del Re!

Maooooo!

2026-06-28T08:12:37.717+02:00

C’era un tempo in cui il salotto si accendeva di luci calde e cromature, e il Telegattone brillava come una promessa di leggerezza: quell’icona paffuta e sorridente che sapeva di domeniche condivise, applausi registrati e meraviglia vera, un trofeo che pareva profumare di plastica nuova, lustrini e risate di famiglia. Lo guardavi e ti tornavano in mente le mani appiccicose di aranciata, il telecomando che passava di pacca in pacca - per chi lo aveva, perché la maggior parte delle TV aveva il sintetizzatore sulla carcassa , le voci familiari dei presentatori che sembravano parenti acquisiti, i jingle che restavano in testa come una filastrocca, e quel piccolo brivido del “vediamo se vince il nostro preferito”. Il Telegattone era un gatto fiero ma bonario, un sorriso stampato su un’epoca in cui il tempo sembrava più lento e la TV faceva da falò moderno attorno al quale si raccontavano storie e si imparavano i ritmi della settimana: lunedì di commenti a scuola, sabato di aspettative, domenica di riepiloghi e malinconie dolci.

Ma chi era il Telegattone? Era la mascotte di un programma televisivo musicale SuperClassifica Show, afferente alla rivista TV Sorrisi e Canzoni, una popolare rivista ancora oggi in edicola, dedicata alla musica, alla TV e alla cultura pop. Un programma raggiunse la massima popolarità quando approdò sulle reti Fininvest (oggi Mediaset) come competizione di Discoring ma che affondava le sue radici nelle TV locali dell'Alta Italia, in particolare, la lombarda TeleBaggio. Il Telegattone appariva come cartone animato e come pupazzo, in un epoca di boom dei cartoni animati e dove i pupazzi animati - tra Rockfeller, Topo Gigio, Uan, Five, Four - occupavano grande spazio in TV. Dotato della voce di Franco Rosi, appariva tra una classifica annunciata da una mirrorball a forma di volto umano con tanto di cuffie da DJ e talvolta occhiali da sole e tra una ospitata - gli artisti musicali del momento - sapientemente introdotti e intervistati da Maurizio Seymandi, vera e propria mente del programma.

Infatti, ancor prima di essere conduttore del programma, una volta che il programma è approdato alle reti Fininvest, Maurizio Seymandi, già collaboratore della rivista e guida TV nonché affermato paroliere, era stato ideatore e autore e una presenza creativa costante già da quando andava in onda sulle reti locali. Il programma oltre a essere legato a doppio filo con la rivista TV Sorrisi e Canzoni, conservandone anche lo stile grafico del logo, era legato anche legato alla famosa premiére dei Telegatti (come suggerisce il nome stesso del premio) che ha continuato a brillare di luce propria anche una volta che il SuperClassifica Show è stato eliminato dai palinsesti. Se vogliamo un piccolo sistema autoreferenziale in cui la rivista, lo show tv e la premiére si richiamavano e pubblicizzavano vicendevolmente con dietro lo stesso pool di menti creative.

Il Telegattone, o Super Telegattone come amava definirsi, si descriveva nella sigla, diventata un piccolo gioiello cult. Una sigla da cui si apprende che il gatto vive sui tetti attaccato all'antenna centrale da cui controlla la TV locale, si ritiene un ambito premio "inebriante" e, chi preferisce, può chiamarlo Oscar come il famoso premio internazionale. Ma soprattutto si vanta di essere scopritore di talenti, e giù con l'elenco simpatico e in rima di una serie di artisti dovrebbero la loro fama a lui, motivo per cui la è stata soggetta a variazioni di testo nel corso degli anni in maniera da citare sempre i personaggi più sulla cresta dell'onda del momento. Da Michael Jackson a Madonna, da Lucio Dalla a Battisti, con speciale menzione di Cecchetto (che senza di lui sarebbe un "pupetto") genio musicale che in quegli anni ha contributo enormemente e a vario titolo (come DJ, come produttore, come un vero e proprio inventore e visionario) al panorama musicale italiano del tempo.

Oggi, quando ti capita di rivederlo in una foto sgranata o in un frammento di archivio, senti quel colpo morbido al petto: non è solo nostalgia della TV che fu, ma di noi davanti a quella TV, più semplici, più complici, più capaci di aspettare. Il Telegattone allora torna a fare ciò che ha sempre fatto: miagolare piano nell’orecchio della memoria, ricordandoti che certi pomeriggi non finiscono davvero, restano appoggiate lì, in bilico tra il bagliore dello schermo e la carezza invisibile del tempo.

E mentre vi lascio con la sigla, mi sono ricordata che ho urgentemente bisogna di ricercare su internet e, in caso affermativo, comprare, una bella t-shirt con il mio Telegattone!

Zum il delfino: bianco come il cioccolato Galak

2026-06-21T09:55:34.556+02:00

"Zum il delfino bianco" è uno di quei cartoni animati che hanno lasciato un ricordo dolce e nostalgico a chi è cresciuto tra gli anni ’70 e ’80. Ambientato su un’isola tropicale circondata da un mare cristallino, racconta le avventure di Zum, un raro delfino bianco dotato di un’intelligenza e di una sensibilità fuori dal comune. Insieme ai suoi giovani amici, vive avventure fatte di esplorazioni, salvataggi e incontri con gli animali del mare, insegnando l'importanza dell'amicizia, della collaborazione e del rispetto per la natura. Protagonisti del cartone, oltre al delfino, sono i suoi amici umani, i fratelli Gianni e Marina, sempre in cerca di avventure al seguito del loro zio marinaio Pietro. E poi gli amici animali Raoul (un koala), Sanghion (un bradipo), Seneca (un corvo) e la delfina Nanum che diventerà la compagna di Zum donandogli un cucciolo, Titum.

Forse non tutti sanno che la serie era di origine francese, dove era conosciuta con il titolo Oum le dauphin blanc (Oum è il nome originale del delfino). Uno degli aspetti più interessanti della serie è il suo forte messaggio ecologista. In un periodo in cui temi come la tutela dell'ambiente e la salvaguardia degli ecosistemi non erano ancora così presenti nei programmi per ragazzi, Zum il delfino bianco proponeva storie che invitavano a proteggere il mare e gli animali, mostrando quanto fosse importante vivere in armonia con la natura. Questo è tema che ho trovato di frequente nei cartoni animati francesi come questo: un esempio su tutti, Barbapapà, un altro cartone dalla profonda anima ecologista.

Il personaggio di Zum si ispira ai rarissimi delfini bianchi realmente esistenti, una caratteristica che contribuiva a renderlo quasi una creatura magica agli occhi dei bambini. Anche lo stile dell'animazione aveva un fascino particolare: colori delicati, paesaggi tropicali e un'atmosfera rilassante che trasformavano ogni episodio in una piccola favola marina.

Zum è diventato famoso anche grazie a un legame che ha segnato l'infanzia di moltissime persone: quello con il cioccolato bianco Galak. Per oltre vent'anni il delfino bianco è stato infatti la mascotte del celebre marchio Nestlé, comparendo sulle confezioni, nelle pubblicità e nelle iniziative promozionali.

Molti ricordano con affetto proprio gli spot Galak, nei quali venivano mostrati brevi spezzoni animati con Zum e i suoi amici. Per tanti bambini dell'epoca quei pochi secondi rappresentavano un piccolo appuntamento con il loro delfino preferito, tanto che il personaggio è rimasto nell'immaginario collettivo non solo come protagonista del cartone, ma anche come simbolo del famoso cioccolato bianco. E come protagonista indiscusso delle pagine pubblicitarie del fumetto Topolino.

Nonostante la serie fosse composta da appena tredici episodi, il successo di Zum è durato molto più a lungo grazie alla sua presenza costante sulle confezioni Galak. Ancora oggi, a distanza di decenni, il ricordo di quel delfino bianco continua a evocare un senso di spensieratezza e nostalgia, riportando alla mente un'epoca in cui bastavano un cartone animato, un mare tropicale e una tavoletta di cioccolato per far sognare intere generazioni.

Curiosità: oggi la Nestlé non può più utilizzare Zum come mascotte in quanto la licenza di utilizzo dell'immagine è scaduta nel 2003. Sulle confezioni di cioccolato Galak e altri prodotti a base di cioccolato bianco sono comparsi altri personaggi che sembrano rappresentare una goccia di latte. Sempre bianchi, sempre lisci, morbidi e curvilinei effettivamente hanno il potere di rievocare Zum senza essere delfini. Altra curiosità: nel 2015 è stato realizzato un remake in cui fratello e sorella sono adolescenti alle prime cotte e compaiono nuovi personaggi. Nei paesi anglosassoni il cioccolato è distribuito con il nome Milkybar e il testimonial è un giovanissimo cowboy biondo.

Nelle foto che seguono alcuni personaggi:

Zum, Gianni, Marina e zio Matteo

Gianni, Marina, Raoul e Seneca

Sigla dei mitici Rockin Horse!

Cioè e Debby, sfida all'ultimo poster

2026-06-14T11:36:23.814+02:00

Per molte ragazze cresciute tra gli anni Ottanta, Novanta e i primi Duemila, la sfida in edicola aveva due nomi ben precisi: Cioè e Debby. Erano le riviste che accompagnavano i pomeriggi dopo la scuola, le chiacchiere tra amiche e le prime cotte adolescenziali, diventando molto più di semplici giornalini. Mi accompagnavano soprattutto le domeniche mattine quando, dopo la messa, mi recavo con le amiche nella grande piazza del mio paese a spendere la mia misera paghetta tra una busta di patatine, un sacchetto di caramelle gommose e liquirizie (o in alternativa le chewing gum a forma di sigaretta) e, quando la paghetta era più ricca grazie al contributo della nonna, una di queste due riviste. Tra le due, però, fu soprattutto Cioè a trasformarsi in un vero fenomeno di costume, conquistando generazioni di lettrici con il suo mix di musica, spettacolo, moda, test e consigli sentimentali toccando a volte anche la sfera sessuale, all'epoca del tutto ignota a molte pre adolescenti come me, essendo questi temi mai affrontati a scuola o in famiglia in quella società di alcune decadi fa. Nata nel 1980, la rivista riuscì a diventare una sorta di confidente per le adolescenti di un'epoca in cui non esistevano social network, influencer o motori di ricerca pronti a rispondere a ogni domanda.

Le copertine, con spesso sovra copertine fatte di stickers, erano decisamente attrattive con le foto di Nick Kamen, gli A-ha, Joey Tempest, Simon LeBon, Kim Rossi Stuart alla mia epoca e, successivamente, Leonardo DiCaprio, le Spice Girls, i Backstreet Boys, Britney Spears, i Blue e tanti altri idoli del momento. Dalle vetrine delle edicole esse promettevano poster giganti, fotografie esclusive e curiosità da ritagliare e conservare. Le pareti delle camerette si riempivano di quei poster piegati con cura all'interno della rivista, mentre i gadget allegati — dai lucidalabbra alle penne profumate, dai braccialetti agli adesivi — rendevano ogni uscita un piccolo evento.

Se Cioè puntava molto sul mondo delle celebrità e sul rapporto diretto con le sue lettrici, Debby rappresentava una valida alternativa, spesso percepita come leggermente più romantica e orientata ai racconti, ai test e ai temi della vita quotidiana delle adolescenti. Le due riviste si contendevano lo stesso pubblico e non era raro trovare ragazze che acquistavano entrambe, scegliendo settimana dopo settimana quella con il gadget più interessante o con il poster del cantante preferito. In fondo, più che rivali, Cioè e Debby erano due facce della stessa adolescenza, accomunate dal desiderio di parlare alle ragazze con un linguaggio semplice e vicino alla loro realtà.

Indimenticabili erano le rubriche che attendevano le lettrici a ogni numero: la posta del cuore, i consigli sull'amicizia, le pagine dedicate ai primi amori, gli oroscopi, i test sulla personalità e le sezioni dedicate alla musica e allo spettacolo. In un'epoca senza smartphone, quelle pagine rappresentavano spesso uno dei pochi luoghi in cui trovare informazioni, confrontarsi con i dubbi dell'adolescenza e sentirsi parte di una comunità di coetanee. Molte lettrici ricordano ancora oggi i test, le lettere inviate alla redazione e i consigli degli esperti come elementi che hanno segnato la loro crescita.

Rileggere oggi una vecchia copia di Cioè o di Debby significa aprire una finestra su un mondo che non esiste più: quello delle edicole affollate il giorno dell'uscita, delle fotografie ritagliate per il diario, delle amiche che si scambiavano i numeri già letti e delle ore trascorse a sfogliare pagine colorate sognando i propri idoli. Un mondo lontano dagli algoritmi e dalle notifiche, ma ancora capace di evocare ricordi, emozioni e una nostalgia che il tempo non è riuscito a cancellare.

Questo post programmato mentre sono all'estero, ci vediamo al mio rientro!

Josie and the Pussycats: musica, mistero e immaginario anni '70 tutto in un cartone

2026-06-07T13:43:31.770+02:00

Tra i tanti cartoni animati prodotti dalla leggendaria Hanna-Barbera negli anni Settanta, Josie and the Pussycats occupa un posto speciale nel cuore degli appassionati di animazione vintage. Colorato, musicale e incredibilmente “pop”, il cartoon riuscì a fondere il fascino delle girl band con l’avventura investigativa, seguendo una formula che riproponeva quella di Scooby-Doo, ma con un’identità tutta sua che ruota intorno al tema della musica. La serie segue le avventure di Josie, Valerie e Melody, tre ragazze che formano il gruppo musicale “The Pussycats”. Oltre a esibirsi in concerti in giro per il mondo, le tre finiscono regolarmente coinvolte in misteri internazionali, complotti e situazioni pericolose. Josie McCoy è la leader della band: intelligente, determinata e con una forte personalità, suona la chitarra elettrica. Valerie Brown rappresenta la mente razionale del gruppo e suona i tamburelli, mentre Melody Valentine, la batterista, è la bionda svampita e irresistibilmente comica, spesso inconsapevole di ciò che accade intorno a lei ma in fondo molto utile anche lei perché spesso sono le sue sensazioni a guidare verso la soluzione del mistero di turno. Accanto alle ragazze troviamo anche Alexander Cabot III, il manager un po’ codardo e innamorato di Josie ma sotto sotto dal cuore buono; sua sorella Alexandra Cabot con la sua capigliatura bicolore a la Indira Gandhi, dispettosa e convinta che il successo della band sia merito suo, con il suo buffo gatto Sebastian, che condivide il caratteraccio della sua padrona. E poi il belloccio, il nerboruto autista Alan Mayberry, conteso da Josie e da Alexandra e fattore di rivalità tra le due. Ogni episodio mescola inseguimenti, gadget improbabili, criminali mascherati e numeri musicali in pieno stile pop anni ’70.

Il risultato è una serie leggera e divertente, capace ancora oggi di trasmettere un’enorme carica di energia e nostalgia. E' un cartone figlio del suo tempo: prodotto nel 1970, Josie and the Pussycats nacque in piena esplosione della cultura pop e della musica giovanile. L’estetica della serie riflette perfettamente quell’epoca: colori sgargianti, vestiti psichedelici, stampe optical, capelli voluminosi, foulard al collo, mini gonne molto mini, pantaloni a zampa e melodie bubblegum pop. Le protagoniste indossavano gli iconici costumi leopardati con le orecchie da gatto, diventati negli anni un vero simbolo del franchise. Questi costumi erano stati ispirati dal costume cha lamoglie di uno degli autori, Dan DeCarlo, indossò in crociera. Tutto il personaggio di Josie è ispirato alla sua consorte da cui ne ha preso persino il nome.

Vale la pena menzionare il fatto che prima ancora che coautore di Josie and the Pussycats, Dan DeCarlo era stato l'anima della The Archie Comics, dando a quei fumetti quello stile che li contraddistingue ancora oggi.

Josie and the Pussycats fu anche un cartone animato progressista: con Valerie, una ragazza afroamericana veniva finalmente e giustamente rappresentata come intelligente, competente e mai relegata a stereotipi comici, cosa piuttosto rara per i cartoni dell’epoca.

Molti storici dell’animazione considerano il personaggio un piccolo ma significativo passo avanti nella rappresentazione televisiva di una società moderna, multirazziale e multiculturale.

I brani presenti nella serie vennero registrati da musicisti professionisti e avevano sonorità perfettamente in linea con il pop radiofonico dei primi anni Settanta e alcune canzoni, ancora oggi, sono amate dai collezionisti di musica vintage e dagli appassionati di cartoon cult.

Anche se la serie originale ebbe una durata relativamente breve (solo 16 episodi), Josie and the Pussycats riuscì a lasciare il segno grazie al suo mix unico di mistero, comicità e musica. Oggi il cartone viene ricordato soprattutto per il suo stile irresistibile e per quell’atmosfera spensierata tipica delle produzioni Hanna-Barbera. Guardarlo significa fare un viaggio diretto nella televisione americana degli anni ’70, tra chitarre elettriche, inseguimenti improbabili e canzoni impossibili da togliersi dalla testa.

Per molti fan dell’animazione classica, resta uno dei cartoni più sottovalutati e affascinanti mai prodotti dallo studio. Successivamente ci fu una seconda stagione, sempre di 16 episodi, Josie and the Pussycats in Outer Space (qui distribuita come Josie e le Pussycats nello Spazio) ambientata nello spazio cosmico in cui appare un ulteriore personaggio, un piccolo alieno con cui sono Valerie è capace di comunicare, chiamato Bleep.

Nel 2001 arrivò anche un adattamento cinematografico live action, Josie and the Pussycats. Il film inizialmente non ebbe grande successo, ma col tempo è diventato un vero cult grazie alla sua satira sul consumismo, sul marketing musicale e sulla cultura pop.

In questa immagine, tutti i personaggi. Nell'ordine, da sinistra a destra, Alexander, Valerie, Melody, Josie, Alan, Alexandra e, naturalmente riconoscibile, il gatto Sebastian in primo piano.

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