La musique à papa

Vince Staples - Cry Baby

2026-06-09T09:00:00.000+02:00

Il fallait que je poursuive mon incursion dans le monde du rap après le concert enthousiasmant de Little Simz. Mais attention du rap aux sonorités très rock, pas celui à la musique générée par IA. L’américain Vince Stapples est coutumier du fait. Dès son premier disque "Summertime 06", sa pochette inspirée par celle du célèbre "Unknown Pleasures" annonçait la couleur. J’étais passé complètement à côté. "Cry Baby" présente une pochette au message encore plus évident. On y reconnaît un Donald Trump bébé portant une couche aux couleurs du drapeau américain retenue par une épingle à nourrice. Le bébé pleure et le message "Cry Baby" indique clairement qu’on le laisserait bien crier sans intervenir et répondre à ses besoins. A-t-il fait caca ? A-t-il faim ? A-t-il mal ? ou fait-il simplement un caprice ? Voilà l’image de l’Amérique Trumpienne pour le rappeur Vince Staples.

Dans ses clips, il enfonce le clou. "Blackberry marmelade" voit un tueur s’en prendre spécifiquement aux noirs et au chanteur lui-même. La vidéo se termine par le suicide du tueur et le début d’une citation de Martin Luther King : "The question isn’t whether we will be extremists but what kind of extremists we will be". La fin non mentionnée est plus explicite "Will we be extremists for the preservation of injustice or for the extension of justice ?" Sur "White Flag", Staples repeint entièrement la bannière étoilée en blanc avant de la cribler de balles. En 10 titres concis et percutants, il frappe là où ça fait mal. Les rythmiques sont tranchantes à souhait. Non, l’Amérique n’a pas capitulé. La révolte est en marche. Pleure, bébé, pleure. Finie la récré, les adultes vont reprendre le pouvoir, le temps que tu en deviennes un, toi même. Chacun doit reprendre son rôle. Si seulement...

Cry Baby de Vince Staples

Gorillaz, Little Simz, Feu! Chatterton - Festival We Love Green, Paris - 5 juin 2026

2026-06-07T09:00:00.000+02:00

We Love Green a pour habitude de lancer un peu la saison des festivals en plein air. En plus, comme c’est près de chez nous et que la programmation nous tentait une fois de plus : l’an passé, nous y avions vu LCD Soundsystem, Beach House ou Clara Luciani. En 2026, le trio gagnant était composé de Gorillaz, Little Simz et Feu! Chatterton et je dois dire que les concerts étaient dans l’ensemble supérieurs - hormis LCD mais comme on les avait déjà vus l’année précédente à Rock en Seine, le choc fut moindre. Les programmateurs avaient eu la mauvaise idée de mettre Beach House sous chapiteau. Cette scène est une aberration : semi-ouverte, semi-fermée. Le son ne circule pas bien et pour peu que vous arrivez un peu tard ou juste pour le début du concert, vous ne voyez rien. Cette année, aucun de notre trio gagnant n’y fut heureusement programmé. Sébastien Tellier dont le dernier disque un peu gênant, n’avait pas besoin d’un tel lieu et d’un tel horaire - pile entre Feu! Chatterton et Gorillaz pendant l’heure de la pause repas - pour être totalement ignoré ou presque. C’est peut-être pour ça que nous croisons quelques politiques venues icognitos à ce moment-là, près du chapiteau : Marine Tondelier et Lucie Castets. Pour le reste, donc, Feu! Chatterton, impeccable, mais quelques titres et le style plutôt intimiste du groupe ne semblent pas faits pour les grandes scènes de festival. Je préfère leurs deux premiers disques qu’ils ne joueront quasiment pas, mise à part l’incontournable "La Malinche" pour un final rythmé et dansant.

Pour Gorillaz, le concert est monté progressivement en puissance. On ne va pas se le cacher, le dernier "The Mountain" n’est quand même pas au niveau de leurs trois premiers albums "Gorillaz", "Demon Days" et "Plastic Beach", trois classiques du rock melting-pop du vingt-et-unième siècle, qui n’ont toujours pas pris une ride, ce qui ne semblait pourtant pas évident à leur sortie. C’est un des nombreux talents de Damon Albarn, celui de surfer sur l’ère du temps, tout en faisant une musique intemporelle. Un autre est celui de rassembler les cultures : qui actuellement peut se targuer d’inviter sur une même scène l’américaine Kara Jackson, la malienne Fatoumata Diawara, les rappeurs Bootie Brown (The Pharcyde) et Posdnuos (De La Soul) et le syrien Omar Souleymane ? Même si les chants des autres invités sur disque non présents sur scène sont enregistrés - une pensée pour le défunt et immortel Mark E. Smith dont l’image jeune est diffusée sur grand écran, le temps du percutant "Delirium" - les magnifiques effets visuels permettent d’emporter l’adhésion. Et finir avec leur plus grand tube "Clint Eastwood" dont l’essentiel n’est pas chanté in situ ne diminue en rien l’enthousiasme général. "The Mountain", c’est aussi un hommage à l’Inde et sa célèbre chanteuse Asha Boshle récemment disparue - "Brimful of Asha" de Cornershop sorti en 1997, c’était aussi pour elle - avec un musicien local parmi les nombreux intervenants. Albarn s’essaie au français et j’avoue n'avoir rien compris. Pas de message direct pour la Palestine cette fois-ci mais la musique de Gorillaz est une telle ode implicite, parfois naïve donc maladroite, à la fraternité, au mélange des cultures, à la bienveillance malgré les tenues militaires - la paix n'est-elle pas elle-même une guerre à mener ? -, que tout discours devient superflu. Change rien Damon et merci. Ce fut un grand show.

Pour enchainer après ça, il a bien fallu une pause. Pas de Dijon pour nous : la fameuse scène sous chapiteau et la musique insipide - à peine acceptable comme musique d’ambiance, désolé pour les fans - nous permettent de manger, enfin. Et ce fut enfin Little Simz sur la grande scène avec beaucoup moins de musiciens que Gorillaz : une troupe restreinte mais classe - mention spéciale au look terrible de la bassiste - et efficace. L’anglaise d’origine nigériane à l’improbable blouse d’écolière, est une vraie bête de scène et sa musique bien plus complexe que la soupe habituelle autotunée des rappeurs "mainstream", prend encore plus d’ampleur en live. Si j’avais un peu d’appréhension à assister à un concert de rap - vous savez que je ne suis pas vraiment un amateur du genre - j’ai vite été embarqué et pris plaisir à cette prestation enjouée et dynamique. La chanteuse se transforme même en DJ au beau milieu du set, histoire de réveiller davantage un public conquis mais malheureusement plus clairsemé que devant Gorillaz, horaire tardif oblige. Tant pis pour les couches tôt ou les lointains banlieusards, Little Simz fut pour moi une sacrée confirmation. Bref, si la prochaine édition est encore meilleure, on a déjà hâte d’être à We Love Green 2027.

PS : Désolé, je n'ai pas mis de vidéos de We Love Green mais d'autres prestations live de meilleure qualité visuelle et enregistrés de manière plus professionnelle pour le son, ce qui devrait davantage vous donner envie d'aller les voir live.

Iceage - For Love of Grace and the Hereafter

2026-06-03T09:00:00.000+02:00

Ceux-là, ça faisait bien longtemps que je n’en avais pas parlé. Depuis le premier album "New Brigade" paru en 2011, une éternité. A l’époque, les danois jouaient un punk énervé et barré à souhait où chaque semblant de mélodies était laminé au hachoir. En 2013, il y a eu aussi ce passage à la Route du Rock, le même jour que le concert mémorable de Nick Cave et de ses Bad Seeds. Je fus déçu par le son presque métal et lourd du groupe. C’était à la sortie de leur second disque "You're Nothing". Après cette prestation, je me suis détaché de Iceage. N’essayant à peine de leur redonner une nouvelle chance, persuadé que leurs plus belles années étaient passées, cette musique n’aimant pas la maturité et la maîtrise. J’ai bien ensuite donné un peu sa chance à la carrière solo de son chanteur Elias Ronnenfelt, qui joue un peu trop au beau gosse pour être honnête. Pourtant le style et la démarche est à mille lieux de ceux de sa formation, il fait appel pour l’occasion à l’inclassable producteur et metteur en son Dean Blunt : original à défaut d'être inoubliable. Il était sans doute enfin l’heure de réécouter un nouvel album de Iceage, "For Love of Grace and the Hereafter", déjà le sixième, quinze ans après les débuts prometteurs et force est d’avouer que c’est sacrément bien troussé. On pense à une version scandinave d’un mélange entre Fontaines DC et les Strokes. Pas étonnant qu’on retrouve les célèbres dublinois en même temps que Ronnenfelt solo, en août prochain à la Route du Rock - n’essayez pas de prendre des places pour le 15/08, je crois qu’il n’en reste plus pour cette date.

Iceage, eux, viennent d’être programmés au Pitchfork festival, le 2 novembre pour un double concert la même journée. Bah oui, quand on a du mal à remplir sa programmation, on demande au même groupe de jouer deux fois de suite. Pour les fans hardcore qui voudraient assister aux deux concerts, c’est à priori possible mais il faudra payer deux fois - drôle d’idée ! En tout cas, ce nouveau disque contient suffisamment de titres excitants pour devancer aisément pour moi les dernières productions des Strokes ou de Fontaines DC. Iceage revient tout d’un coup parmi les meilleurs groupes rock du moment. La maturité n’est pas ici synonyme d’ennui et de chemins tout tracés. Si les incursions solo de Grian Chatten - avec pourtant un très beau disque - ou en groupe pour Julian Casablancas - les dispensables The Voidz - n’ont pas permis d’améliorer les reformations de leur groupe originel - tout au plus de les démocratiser davantage - c’est loin d’être le cas pour Ronnenfelt. "For Love of Grace and the Hereafter" est d’ores et déjà un des meilleurs disques rock de 2026, voire au-delà.

For Love of Grace & the Hereafter de Iceage

PICOT - Presque Pop

2026-05-24T09:00:00.000+02:00

Oui, je sais, je ne suis plus aussi assidu. Il faut dire qu’il y a eu les vacances et un manque progressif d’envie. Comme chaque année si j’ose dire. Rien de tel pour un retour aux affaires avec un disque français. Ça fait un moment que je délaisse la production hexagonale, me recroquevillant essentiellement sur les valeurs sûres comme Bertrand Belin ou Barbara Carlotti. Pourtant, il existe évidemment de nouveaux talents. PICOT en fait partie. Nouveau ? Pas vraiment puisqu’il officie depuis un moment au sein de groupes comme Good Morning TV et Brace! Brace! Talent ? Evidemment et il suffit de peu d’écoutes pour s’en persuader. Mais "Presque pop" est bien son premier effort solo. "Presque", parce qu’on sait bien que cet album n’aura pas de reconnaissance "populaire" à grande echelle comme il se devrait. "Pop", parce que ça l’est résolument. PICOT est de cette école française biberonnée aux douces mélopées beatlesiennes et au sens du rythme propre à la French Pop. Désolé pour les superlatifs - encore une fois ? - mais ce disque est une magnifique réussite de bout en bout. Il gagne même en saveur au fil des écoutes.

Ces onze miniatures pop de 3 minutes tout au plus - le timing parfait de la pop song -sont intelligemment construites, sans rajout superflu. Les paroles sont celles d’un jeune adulte encore peu sûr de lui, originaire d’une province un peu délaissée, l’ouvrière Saint-Etienne pour ne pas la citer. Preuve si besoin était que cette scène française (les labels Vietnam, La Souterraine, Objet Disque, Chevalrex, O, etc) n’est pas que repère de bobos parisiens, empestant l’entre-soi. De toute façon, on s’en fout, seule compte la musique. Et quand elle est aussi belle et rafraichissante, le "Presque" parait indéniablement de trop.

Weird Nightmare - Hoopla

2026-05-11T09:00:00.094+02:00

Weird Nightmare est le projet solo du canadien Alex Edkins, leader de la formation METZ. Si son groupe est adepte d'un rock dur, lourd et dissonnant, il n'en est rien ici. Le son de ce deuxième album sorti quatre ans après le premier est bien différent, puisque c'est plutôt du côté d'une pop-rock mélodique aux sonorités nineties qu'il faut aller chercher les influences. Ce "Hoopla" est un disque modeste qui passera assez inaperçu et qui pourtant, fait incroyablement bien le job. Pas d'esbroufe inutile mais des chansons courtes autour de trois, quatre minutes maximum, denses, compactes, sans temps mort, efficaces en diable. Les deux minutes de "Might See You There" avec ses choeurs féminins sont à ce titre assez irrésistibles. Weird Nightmare, malgré son nom pas très avenant, constitue donc la récréation de Edkins - pour preuve les clips pas très sérieux des singles - l'espace où il peut se laisser aller à des morceaux plus légers, moins ambitieux. Et bizarrement, je préfère.

Oui, j'avoue n'avoir jamais été très fan de toute la scène punk hardcore nord-américaine, de Black Flag à Fugazi. Je peux apprécier sur un titre ou deux, mais rapidement je décroche. METZ en sont des dignes descendants. Metz, descendant... oui, les amateurs de foot français, verront peut-être la pitoyable analogie au classement du club en ligue 1. Mais Weird Nightmare propose à l'inverse un jeu sobre et assez redoutable, pas le genre à lutter pour une quelconque survie parmi l'élite. Bref, si vous avez envie de pop-rock entêtante et pas prise de tête, je vous conseille d'essayer ce "Hoopla", c'est comme qui dirait de la dynamite.

Hoopla de Weird Nightmare

Friko - Something Worth Waiting For

2026-05-10T09:00:00.005+02:00

On ne change pas une équipe qui gagne. Les américains de Friko sont de retour avec un second disque qui est la copie conforme de leur premier, peut-être en plus direct encore. On pouvait leur reprocher leur musique adolescente, trop simple, jouant facilement sur l’alternance entre les passages calmes et nerveux. Mais les Chicagoans semblent n’en avoir cure, ils enfoncent le clou avec "Something Worth Waiting For", titre un peu pompeux et prétentieux au demeurant. Car il est évident que ceux-là ne révolutionneront rien. On n’en attendait donc pas grand chose. Leur musique n’est pas ambitieuse pour un sou. Elle est physique, mélodique, immédiate, faite pour l’instant présent, idéale pour les festivals. Friko sera d’ailleurs à la prochaine Route du Rock et j’hésite toujours à y prendre une place, les groupes que j’aimerais voir et y sont équitablement répartis entre les trois soirs au Fort Saint Père et prendre un pass pour la totalité du festival est trop pour moi, physiquement et financièrement parlant. Il y a d’ailleurs dans le lot une autre jeune formation originaire de Chicago, Horsegirl, qui a eu la bonne idée de faire appel à la brillante Cate Le Bon, elle aussi de la partie - décidément - pour produire son deuxième disque, les faisant basculer dans une musique plus adulte, mais avec une fantaisie et une grâce toute enfantine.

Friko temporise encore. Accepteront-ils de basculer dans l’inconnu ? Ils sont comme ces étudiants qui refusent de rentrer dans le monde du travail. Pas en variant les plaisirs, non juste en les prolongeant. C’est encore (très) bon pour cette fois-ci, mais la prochaine fois, il va falloir passer aux choses (trop) sérieuses. On ne peut pas vivre indéfiniment aux crochets des plus anciens : les Pixies ou Arcade Fire pour la dynamique, évidemment les Beatles pour la mélodie notamment sur "Seven Degrees". C’est un papa qui vous parle.

Something Worth Waiting For de Friko

Tomora - Come Closer

2026-04-21T09:00:00.001+02:00

Après l’ascétisme de Dagmar Zuniga, voici l’hédonisme version Aurora et Chemical Brothers. L’étonnante fusion des univers musicaux de la jeune norvégienne Aurora qui se voudrait Björk et du vétéran Tom Rowlands, moitié des frères chimiques a donné naissance à Tomora. Leur premier album "Come Closer" est un maelström sonore assez indescriptible. Tous les morceaux ou presque sont assez différents les uns des autres. On pense aux films de Lynch pour le titre "Come Closer" donnant son nom au disque, à la suédoise Fever Ray sur l’inquiétant "A Boy Like You", évidemment à la célèbre islandaise citée plus haut sur le plus expérimental "Drink The Night"et même à Liz Fraser sur "Wavelengths".

Il y a aussi les tubes en puissance, les irrésistibles "Ring The Alarm" et "Somewhere Else", des paroles faisant réference à Nina Simone sur "My Baby" ou à John Carpenter ("The Thing"). Et tout ça termine sur "In A Minute" dans une transe régressive façon montagnes russes, alternant grosses basses dignes de rave-party et douces accalmies dream-pop. Le groupe sera en concert le 1er juillet dans le cadre du festival Days Off à Paris. Et bim, encore un disque 2026 qui devrait faire date.

Dagmar Zuniga - in filth your mystery is kingdom / far smile peasant in yellow music

2026-04-19T09:00:00.036+02:00

Voilà, après Angine de Poitrine, l’autre buzz du moment, beaucoup plus confidentiel j’en conviens, eu égard à la musique moins tapageuse - doux euphémisme. Mais quand même, la quasi intégralité de la presse "spécialisée" (Télérama, Section 26, Pitchfork ou Les Inrocks) ne tarit pas d’éloges sur cette mystérieuse jeune artiste américaine d’origine nicaraguayenne. Il faut dire que sa musique envoûte immédiatement. Ce premier album est apparu en janvier 2025, dans un profond anonymat sur Bandcamp mais ce n’est qu’en avril 2026 qu’il sort en physique sur le label londonien AD 93. Phil Elverum, le chanteur et unique membre des cultes et trop méconnus Microphones et Mount Eerie, sous le charme, l’avait prise rapidement sous son aile, en première partie de sa tournée. L’influence entre les deux artistes est effectivement évidente. On pense aussi à une Vashti Bunyan, version lofi.

Le bouche à oreille faisant son oeuvre, Dagmar Zuniga sort enfin de l’ombre. Ces chansons sont de jolies petites comptines fantomatiques, iréelles, sorties tout droit d’un rêve qu’on voudrait ne jamais s’arrêter. Ce sont de bribes de mélodies, des versions de morceaux en cours d’élaboration, qui ne semblent pas aboutis, pas définitifs. Certains d’ailleurs s’arrêtent net alors qu’ils avaient réussi à nous embarquer l’espace d’une minute à peine. Ce disque au nom cryptique, à rallonge est comme une compilation de la vie, remplie de petits moments naturels, savoureux, bancals, souvent mélancoliques et toujours trop courts. Une compilation belle à pleurer.

in filth your mystery is kingdom / far smile peasant in yellow music de dagmar zuniga

My New Band Believe - My New Band Believe

2026-04-14T09:00:00.019+02:00

Black Midi est mort, vive Black Midi. Le groupe d’intellos anglais, pourfendeurs d’un rock ultra exigeant mais souvent indigeste n’est plus depuis le suicide de leur guitariste Matt Kwasniewski-Kelvin en début d’année, à l’âge de seulement 26 ans. Leur chanteur, Geordie Greep avait déjà lancé les hostilités solo avec "The New Sound" paru en 2024, pour un résultat toujours aussi clivant et original. C’est maintenant au tour du bassiste Cameron Picton de se lancer dans le grand bain, caché derrière l’étrange pseudo My New Band Believe. Et cette fois-ci, pas besoin de préparation spécifique pour s’avaler d’une traite ce premier disque éponyme. C’est un disque accoustique, aux subtils arrangements de cordes, aux mélodies un peu fuyantes, jamais immédiates mais c’est ce qui en fait son principal intérêt. Même après la fin de leur aventure commune, les Black Midi n’ont pas fini de faire parler d’eux.

Derrière une musique aussi touffue, se cachaient forcément des jeunes gens aux goûts et aux capacités supérieures, ayant digéré à une vitesse record des décennies entières de musiques en tout genre pour en recracher une mixture à nulle autre pareille, même si parfois avec trop d’idées pour le commun des mortels. "My New Band Believe" impressionne de bout en bout par sa belle homogénéité, joliment agrémenté par la voix profonde, caressante de Cameron Picton, comme sur le sublime final "One Night". L’avenir de Black Midi s’écrit donc toujours bien en lettres capitales, surtout si c’est pour parler plus facilement, à nous, pauvres humains.

My New Band Believe de My New Band Believe

Jay-Jay Johanson, Whiskey 30th Anniversary show - La Maroquinerie, Paris - le 8 avril 2026

2026-04-12T09:00:00.019+02:00

C’est une mode pour les artistes à la carrière déjà bien avancée de programmer des tournées dans lesquelles ils jouent en intégralité un de leurs albums les plus emblématiques. Pour le grand échalas suédois de Jay-Jay Johanson, c’était son premier, le délicieux "Whiskey" dont le chanteur s'abreuvera lui-même entre deux verres d’eau pendant le concert. C’était il y a une trente ans, une éternité. Forcément, le public, plutôt féminin, a l’âge qui va avec. Il fait chaud à la Maroquinerie, ce qui n’empêche nos voisins de venir se placer devant nous, se glissant en rangs serrés pour mieux voir la scène. Quand c’est ensuite une barraque de plus de deux mètres de haut et presqu’autant de large, je laisse volontiers ma place. On sent bien que lui, est ici, à cause de sa copine. On le sentirait plus à l’aise dans un concert de metal avec sa coiffure rasée et ses cheveux coupés en triangle à l’arrière. Mais il me faut plus de dérangement pour ne pas me laisser à la nostalgie à l’écoute de "It hurts me so", "So tell the girls that I am back in town", "The girl I love is gone", etc. Ces chansons douces amères apparaissent encore avec la même évidence qu’à l’époque. "Whiskey" semble encore plus court que sur disque et ne représentera qu’un tiers du set global. J’avoue connaitre beaucoup moins le reste de sa discographie, mais elle semble presqu’intégralement dans la même veine de crooner mélancolique. Mentions spéciales pour "She's mine but I'm not hers" et "Believe in us". "You believe in me. I believe in you. How come that you don’t believe in us". Comme un mantra de l’ensemble de sa discographie qui ne parle que d’amours déçus. Pourtant, sa relation avec le public est toute autre. En effet, après ce dernier titre en rappel, la sono diffuse le "My Way" de Sid Vicious pendant lequel le chanteur se met à descendre dans le public, venant enlasser ses admirateurs et admiratrices, prenant la pose pour quelques selfies. L’opération dure même le temps de "Born Slippy" de Underworld. Jay Jay jubile, danse, saute, continue de caliner l’assistance en prenant le soin de ne pas oublier le fond de la salle et ses différents recoins. Je ne sais pas si cette séquence est habituelle pendant ses concerts. En tout cas, cet homme dégage une classe et un capital sympathie assez rare. Nous n’avons pas bu de "Whiskey" et pourtant nous sortons légèrement enivrés par cette belle soirée un peu hors du temps.

Angine de Poitrine - Vol. II

2026-04-06T09:00:00.016+02:00

C’est le buzz du moment. Deux canadiens aux accoutrements aussi improbables que leur nom de scène. Angine de Poitrine est composé du duo KHN de Poitrine et Klek de Poitrine. Ils viennent de sortir leur second disque qui est quasi instrumental hormis quelques rares borborygmes et une langue qu'ils ont eux-mêmes inventés - regardez pour cela leur interview sur une chaîne canadienne ci-dessous. Leurs vidéos sont devenues en quelques semaines complètement virales ce qui fait que leur concert à l’Elysée Montmartre s’est rempli en seulement quelques heures. Leur style musical est assez inclassable, on parle de math rock, d'influences proches de ce que peut faire les frappadingues australiens de King Gizzard and The Lizard Wizard, par exemple. Depuis qu'ils sont passés aux Transmusicales - non, ce n'est pas un festival focalisé sur les musiciens transgenres, n'en déplaise à un certain député RN - en décembre dernier, les canadiens ne cessent de faire parler d'eux. Décidement le festival rennais reste toujours au fil des années aussi défricheur. Angine de Poitrine, en plus du mystère derrière le nom, les déguisements, il y a une musique qui en plus d'être expérimentale n'en demeure pas moins incroyablement accrocheuse, dansante. J'espère qu'ils rajouteront rapidement une date supplémentaire à Paris en octobre prochain. Tant pis, je décalerais mes vacances de Toussaint s'il le faut. Il faut se dépêcher car le duo risque d’avoir du mal à prolonger longtemps une telle attention et une telle envie. En tout cas, aujourd'hui elle est pour moi assez irrépressible. C'est du fun, du son dément et une fantaisie salvatrice.

Bien loin du conformisme qui entoure, dans le même temps, le retour de la sympathique mais très crispante Céline Dion. Neuf millions de pré-réservations pour quelques centaines de milliers de places disponibles pour ses concerts parisiens. Il y aura forcément des déçus. Pas moi, en tout cas, même gratuitement, je n'aurais pas été. Il y a des limites au sacrifice. Alors que pour Angine de Poitrine, c'est autre chose. Comme quoi, le Québec n'est pas uniquement un réservoir à chanteurs et chanteuses à voix pénibles. "J'ai compris tous les mots, j'ai bien compris merci." Quand ils se taisent, je les écoute plus volontiers. Jetez-vous sur ce "Vol. II" et aussi le précédent sorti en 2024. C'est un formidable remède contre tous les mots et les maux de notre société. Une tempête contre le morosité ambiance. Quitte à chopper une bonne angine, autant que l'expérience soit agréable...

Vol.II de Angine de Poitrine

Memorials - All Clouds Bring Not Rain

2026-03-30T09:00:00.001+02:00

Ça commence par une musique lancinante, lynchienne à souhait, qui n’aurait pas fait tâche sur la bande originale de Twin Peaks, puis le rythme s’accélère rapidement et le son prend une ampleur et une dynamique proprement jubilatoires, se rapprochant cette fois-ci du krautrock. Voilà "Life Could Be A Cloud", premier morceau de "All Clouds Bring Not Rain". Le duo Memorials est déjà de retour, une fois de plus pour le meilleur. Après la sortie du nouvel album de The Notwist, le reste des nouveautés musicales me paraissaient soudain fades et anecdoctiques. C’est pourquoi je n’ai rien écrit pendant plusieurs jours. Verity Susman et Matthew Simms ont réussi de nouveau l’exploit de mélanger quantités d’influences diverses, en plus de celles déjà citées plus haut, on pourrait rajouter Stereolab - figure incontournable de la pop qui mélange admirablement le post-punk et l’électro -, Electrelane évidemment, la scène anglaise de Canterbury (Robert Wyatt, Kevin Ayers, Caravan, etc) dont le groupe est d’ailleurs originaire et tout plein d’autres comme des sonorités jazzy. C’est tantôt mélodique, tantôt expérimental, à l’intérieur même d’un morceau.

Si on pouvait s’ennuyer un peu à l’écoute de leur précédent, "Memorials Waterslides", il n’en est rien ici. J’avais raté leur venue à la dernière Route du Rock, je vais encore les rater pour le prochain passage au Hasard Ludique, à Paris, le 8 avril. S’ils continuent d’évoluer aussi bien et aussi vite, il faudra que j’essaie de mieux et plus rapidement caler notre première rencontre. En attendant, ce passionnant "All Clouds Bring Not Rain" promet une durée d’écoute assez illimitée. Tous les nuages n’apportent pas la pluie. Derrière son apparence austère, ce disque génère en effet un éclat et une lumière plus que durables.

All Clouds Bring Not Rain de MEMORIALS

The Notwist - News From Planet Zombie

2026-03-17T09:00:00.078+01:00

Voilà, on y est : première importante pierre musicale posée en 2026. Le nouvel album des allemands de The Notwist. Le dernier en date "Vertigo Days" en 2021 était tout simplement mon disque préféré de l'année. Là, dès l'écoute du génial et percutant "X-Ray", première salve de ce "News From Planet Zombie" disponible en ligne, je me suis dit qu'on tenait encore une grande oeuvre. L'écoute complète de l'album m'a confirmé cette première impression. C'est même peut-être leur disque le plus immédiat, le plus accrocheur, le plus rythmé, le plus mélodique, etc. D'aucuns pouvaient jusqu'à présent regretter dans la musique de Notwist une certaine langueur, une atonie qui faisait qu'on finissait parfois par s'y ennuyer. "News From Planet Zombie" contient suffisament de variétés, de changement de ton et de rythme pour nous garder constamment en alerte. Ce qui promet déjà les plus hautes places pour mon bilan annuel.

On y entend aussi pour une fois beaucoup de cuivres. Ce disque me fait d'ailleurs penser au meilleur de la musique des Canadiens de Broken Social Scene, lesquels ont également prévu de revenir cette année. C'est dommage, The Notwist passeront à Paris pendant mes prochaines vacances, à la fin du mois d'avril, mais je ne désespère de les voir cet été, à la Route du Rock ou ailleurs. Ils sont devenus au fil des années un des mes groupes actuels préférés. Tout ce qu'ils touchent est marqué par le sceau d'une incroyable qualité. Merci mille fois !

News from Planet Zombie de The Notwist

Michel Houellebecq & Frédéric Lo - Souvenez-vous de l'homme

2026-03-15T09:00:00.007+01:00

On ne présente plus le premier, l’un des écrivains français les plus traduits au monde, controversé, aimant la provocation, jusqu’à flirter avec l’extrême droite ou tourner dans un porno amateur. On l’avait déjà retrouvé sur disque lors d’une collaboration avec Bertrand Burgalat pour le brillant et culte "Présence humaine" en 2000. Ses textes poétiques se marient bien avec la musique, ils ont leur mélodie, même s’ils sont juste déclamés. On connait un peu moins le second. Pourtant, c’est lui qui fut à l’origine du renouveau artistique de deux chanteurs attachants et en perte de vitesse, au bout du rouleau : d’une part, Daniel Darc, l’ex Taxi Girl avec le bien nommé "Crève coeur" en 2004, grand disque de chanson d’ici, et d’autre part, Pete Doherty, l’ex Libertines qui peinait à se renouveler avec un album élégant, à la classe délicieusement désuète. Les deux se seraient mis d’accord à l’écoute du "Psaume 23" repris par Darc sur l’album susnommé. Houellebecq trouvait que Lo avait réussi à habiller admirablement ce texte biblique alors même que Darc n’avait fait que le réciter. La force de la poésie, d’après l’écrivain, c’est qu’elle ne nécessite pas spécialement de qualité d’interprétation, elle ne doit d’ailleurs pas être surjouée, un ton neutre est souvent plus émouvant. "Souvenez-vous de l’homme" est une prolongation de ce psaume sur 12 poèmes écrits par Houellebecq.

On y retrouve les thèmes qui lui sont chers, ce n’est pas gai : la mort, sa mort, notre mort, la mort de l’espèce humaine. Nos gesticulations vaines. La victoire des machines - le sublime "Le dialogue des machines" - notre déshumanisation. L’absence de sortie heureuse. Mais en attendant, cette volonté éphémère de sortie du monde, pour ne pas voir, pour ne plus voir. Houellebecq semble avoir arrêté de combattre, se sentant trop vieux. Il y a de la résignation ici. Une présence humaine en filigrane. On retrouve aussi les arrangements intelligents de Lo, dans l’esprit de ce qu’on connaissait déjà. Avec de tels habits, pas besoin d’en rajouter, ni même de chanter. On se souviendra de ce disque comme d’un des plus beaux albums de chanson française de 2026.

Geese + Westside Cowboy - La Cigale, Paris, le 7 mars 2026

2026-03-10T10:00:00.024+01:00

La musique à papa s’inscrit un peu en mode vacances en ce moment. Mais je n’ai pas pour autant fait l’impasse sur le concert - ou plutôt les concerts puisqu’au regard du remplissage rapide une date et un lieu supplémentaire ont dû être rajoutés - des bobos New-Yorkais de Geese, annoncés presque partout comme l’avenir du rock. En première partie, on eût droit aux mancuniens de Westside Cowboy. On est arrivés un peu tard, loupant quelques minutes et pour une fois, je dois dire que j’ai regretté. Ça fait belle lurette que je n’avais pas vu et entendu une telle première partie, les 4 jeunes anglais dégagent une énergie et une maîtrise bluffantes. Une partie du public a l’air d’être venus aussi pour eux, à moins que ça soit simplement parce qu’en l’espace de quelques minutes, ils ont réussi l’exploit d’embarquer l’audience parisienne souvent réputée comme blasée. C’est évident que ce groupe va faire parler de lui, on n’assiste pas à une telle révélation tous les jours. Lors du dernier morceau, les quatre membres de Westside Cowboy chantent tous à capella, faisant preuve d’une belle unité. Avant cela, le chant se répartissait équitablement entre les deux guitaristes et la bassiste. Et puis, chacun des titres propose une dynamique et un climat différents. Ils n’ont pour l’instant sorti que 2 EP qui ne restituent qu’en partie les qualités de cette formation. C’est un euphémisme de dire qu’on attend la suite avec impatience.

Alors que nous montons à l’étage de la Cigale pour mieux voir la scène pour Geese, nous assistons à l’arrivée du carré VIP, une première pour nous, lors d'un concert de rock. Nous reconnaissons uniquement l’acteur Vincent Lacoste. Ces places réservées ont eu pour mérite d’être couplées à un agent de la sécurité s’assurant également pour les non invités comme nous que personne ne se mettait debout devant notre champ de vision. La classe. Geese fut ensuite à la hauteur des attentes voire plus encore, délivrant un set impeccable et presque parfait de bout en bout. Ils ont joué tous les titres de "Getting Killed" appelé à devenir un classique de son époque. La voix de Winter est impressionnante, bien plus que sur disque où elle pourrait agacer. Les autres musiciens moins mis en avant sont pourtant au diapason, planqués derrière leurs instruments et bien souvent plongés dans la pénombre. La scène rend également admirablement la complexité de ces morceaux. En rapport, les 3 autres chansons jouées non extraites de leur dernier album paraissent l’oeuvre d’une bande d’adolescents n’ayant pas encore trouvé leur voie. Finir par les dantesques "Long Island City Here I Come" avant rappel et "Trinidad" après rappel nous a aussi laissés pantois, ébahis devant le déluge sonore et la maîtrise technique. Je ne sais pas si Geese est l’avenir du rock et je m’en fiche mais si leur avenir s’écrit avec cette qualité et cette exigence, leur écoute ne pourra qu’améliorer notre futur. Pas étonnant qu’une partie du public, jeunes comme plus âgés - première fois aussi depuis longtemps qu’un concert auquel nous assistons rassemblait autant les générations - en sortant s’est jeté sur le stand merchandising, voulant immortaliser ce moment, pour eux et les générations futures.

Gorillaz - The Mountain

2026-03-02T09:00:00.030+01:00

Petite pause sur ce blog pour cause de vacances et retour avec, pour moi, l’un des disques les plus attendus de l’année. En effet, j’ai pris mes billets pour les aller voir pour la première fois lors du festival We Love Green qui aura lieu en juin prochain, tout près de chez moi. "The Mountain" est le neuvième album de Gorillaz, le meilleur depuis "Plastic Bleach", ou au moins depuis "Song Machine". Là où la plupart de leurs disques, à force de partir dans tous les sens, mariant quantités d’influences disparates, avaient souvent tendance à tourner en rond, celui-ci se montre nettement plus homogène avec une tonalité indienne prédominante et des thèmes recentrés autour de la mort. Il faut dire que la paire Jamie Hewett - l’homme derrière l’aspect graphique - et Damon Albarn - l’homme derrière la musique - ont tous deux perdus leur père récemment. Ils ont aussi tous deux été subjugués par un voyage en Inde. Le premier morceau éponyme purement instrumental fait pourtant penser à une musique d’ambiance, telle qu’on pourrait l’entendre dans un salon de massage ou de soins.

La suite, bien sûr, nous mènera bien plus loin, nous faisant croiser quantités d’invités, comme à l’habitude. Les plus notables : les Sparks, Kara Jackson, Idles, le rappeur argentin Trueno, Mark E. Smith - oui, Gorillaz fait même ressusciter les morts ! - ou Omar Souleyman. On retrouve aussi régulièrement le phrasé de Black Thought, ancien membre de The Roots, le sitar d’Anoushka Shankar et la guitare de Johnny Marr. Et bien sûr la voix de Damon Albarn, peut-être plus qu’à l’accoutumée. Non, "The Mountain" n’est pas une reprise de Jean Ferrat, même si, à sa façon, elle est aussi bien belle.

The Mountain de Gorillaz

Hen Ogledd - Discombobulated

2026-02-23T09:00:00.025+01:00

Ils m’avaient enthousiasmés en 2020 avec le très copieux et complètement barré "Free Humans". L’album s’était placé à la troisième place de mes disques de l’année, derrière les non moins frappadingues Dan Deacon ou The Avalanches. Et oui, en 2020, pour moi, la folie et l'énergie étaient de mise. En 2026, il faudra encore plus pour supporter une actualité pour le moins révoltante. Heureusement pour moi, les Abba (et oui, deux hommes, deux femmes aux tenues chamarrées) du prog folk sont de retour et ils sont toujours aussi givrés et imprévisibles. "Discombobulated" (déconcertés), c’est le groupe de Richard Dawson face au monde de post vérité (le superbe "Death in a post-truth world") qui l’entoure. "Discombobulated" c’est nous par rapport à leur musique, qui mélange des influences tellement variées qu’elles paraissent complètement noyées dans le maelstrom sonore. Hen Ogledd a inventé un style qui n’appartient qu’à eux. Ce nouvel album est un peu moins long que le précédent, contenant moins de morceaux, même si "Clear Pools" dure près de 20 minutes.

Bien sûr, Hen Ogledd va continuer de diviser, cette musique peut sembler parfois éprouvante, kitsch, ridicule, mais je persiste à aimer me perdre dans ses dédales, sans beaucoup de repères. Car on y croise quelques pépites au détour du chemin. Et je ne suis pas le seul. Cette fois-ci, même Télérama aux goûts musicaux souvent sans risque, se décide à les suivre, embarqué par la production solo de Dawson. Voilà en tout cas une formation dont je me demande à quoi peut ressembler un concert. Dommage pour l’instant, aucune tournée n’est planifiée.

DISCOMBOBULATED de Hen Ogledd

Luke Temple - Hungry Animal

2026-02-21T09:00:00.015+01:00

Je me rends compte que je ne parle pas assez de ce chanteur, Luke Temple, ancien leader de Here We Go Magic. Depuis la fin (définitive?) de son groupe, j'avoue que j'ai quelque peu décroché sur sa carrière solo commencée il y a pourtant plus de vingt ans. Surtout qu'à l'écoute de cet excellent "Hungry Animal", son huitième (!), je dois dire que je retrouve immédiatement le style de Here We Go Magic : cette propension à mettre en avant et soigner la rythmique, cette douce voix, ces mélodies limpides et enveloppantes. Comme des Talking Heads - inspiration revendiquée - en version chill, au groove souple. La qualité principale de Luke Temple, c'est ce talent naturel pour tricoter de jolis canevas sonores pour ses chansons. On garde le fil tout le long de ce nouveau disque, qui s'écoule facilement, bien agréable à l'oreille, même s'il perd progressivement en énergie. Pour nous amener vers le repos et la volupté.

En tout cas, voilà encore un album qui passera sous les principaux radars médiatiques, loin du bruit ambiant. "Hungry Animal" doit s'écouter au calme pour être apprécié. Il faut aussi accepter de lâcher prise. Il parle de l'animal qui est en nous et qui a soif. Soif d'autres choses que celles qu'on veut nous servir. Soif de beauté, de celle qu'on ne veut plus nous montrer. De peur d'y prendre goût. Merci à Luke Temple d'ouvrir de tels espaces pour nous permettre de nous évader du quotidien.

Hungry Animal de Luke Temple

Nashpaints - Everyone Good is Called Molly

2026-02-16T09:00:00.025+01:00

Attention, voici un disque différent, étonnant. Déjà, le titre "Everyone Good is Called Molly". Comme Molly Malone, poissonnière célébrée dans la chanson du même nom, hymne officieux de Dublin et repris par quantités d’artistes : The Dubliners, U2 ou Sinead O'Connor et même chez nous Renaud ou Hugues Aufray. Ça tombe bien puisque Nashpaints ou plutôt Finn Carraher McDonald - puisque c’est essentiellement cet homme qui se trouve derrière ce pseudo - est originaire de la même ville. Ensuite, il y a cette pochette floue d’une femme qui se maquille devant son miroir - Molly sans doute. La photo est dupliquée avec deux lumières différentes, les deux images se faisant face, comme dans un vrai miroir. Laquelle ment ? Laquelle dit la vérité ? Enfin, il y a cette musique tout aussi éthérée, brumeuse qui rapelle celle de My Bloody Valentine, autre groupe dublinois mais aussi plus récemment la pop lofi de Cindy Lee et de son brillant "Diamond Jubilee". Il y a aussi entre deux références, quelques plages ambient.

Merci à Bandcamp de m’avoir fait découvrir cet album à travers ces "Essential releases" de la semaine, intéressante porte ouverte vers toute sorte de nouveaux sons. Il existe peu d’informations disponibles sur Nashpaints sur internet. Ce n’est pas plus mal, cela vient rajouter au mystère de cet objet sonore non identifié, de cette magnifique musique.

Everyone Good is Called Molly de Nashpaints

A.S. Fanning - Take Me Back To Nowhere

2026-02-14T09:00:00.105+01:00

Apres ER Jurken, voici A.S. Fanning. Autre artiste dont le prénom de scène a été réduit en abréviation de deux lettres. Autre artiste que je suis depuis son précédent album et dont je suis l’un des rares à le faire. Si la voix de ER est douce et mélodique, celle de A.S. est grave et profonde, en mode crooner. On pense beaucoup à Matt Berninger, le chanteur de The National. La musique est par contre nettement plus synthétique. "Take Me Back To Nowhere" nous ordonne-t-il sur ce nouveau disque. J’espère que ce n’est pas à cause de son insuccès chronique : le pauvre n'a même pas une centaine de vues sur Youtube. Quelle époque peut infliger un tel affront à un tel artiste ? Jusqu'à quel niveau va-t-on pousser le curseur de l'injustice ? Pourtant, si "Mushroom Cloud" avait une pochette avec fond rouge vif, celui-ci présente un bleu intense. Le bleu est souvent synonyme de gaieté, de bonheur, d'avenir radieux. Sauf que le titre même de l'album va à l'encontre de cette image. A moins que pour Fanning, le bonheur ne soit tout simplement possible nulle part, ou un idéal toujours inatteignable.

Si "Today is For Forgetting", le chanteur avoue être amoureux ("Now I'm in Love" ou "Romance"), même ça n'est pas facile tous les jours (ce besoin de "Western Medicine", l'excellent et rythmé "Idiot Leader"). Cet amour - peut-être le bleu de la pochette au final - lui donne envie de "Stay Alive". Mais si tout cela n'était qu'un mirage, un rêve dans lequel nous nous parlons à nous-mêmes ("Talking to Ourselves") ? Comme l'indifférence dont fait preuve A.S. Fanning ? L'envie en tout cas de continuer à soutenir encore et encore ce classieux irlandais.

Take Me Back to Nowhere de A.S. Fanning

Ulrika Spacek - EXPO

2026-02-09T09:00:00.001+01:00

On ne parle pas assez des anglais d’Ulrika Spacek. En quatre albums à leur actif, ils sont passés du brouillon de "Loveless" de My Bloody Valentine ou de cousins anglais de Deerhunter à l’audacieux pari de vouloir rivaliser avec le "Kid A" de Radiohead. Rien de nouveau sous le soleil, vous me direz. Ils ont juste voulu embrasser le meilleur du rock indépendant des années 90. Attendez, j’ai quand même écrit, le meilleur, ce n’est pas rien. Et en effet, cet "EXPO" est même un sacré truc. Un de ceux qui nous permette de patienter tranquilles, avant la sortie de la nouvelle production des géniaux allemands de The Notwist, autres experts du son, ingénieurs de la rythmique qui fait mouche, même après mille écoutes. Ceux qui n’apprécient pas le fameux quintet d’Oxford - oui, je parle bien de Radiohead dont on se demande toujours pourquoi ces derniers ont boycotté la France lors de leur dernière tournée européenne - trouveront sans doute à redire, que cette musique est trop célébrale, pas assez directe et instinctive.

Ulrika Spacek est pourtant un des groupes rock les plus passionnants de l’époque, bonifiant à chaque album. Pour l’instant, ils n’ont pas encore de dates annoncées par chez nous. J’ai hâte de pouvoir les redécouvrir sur scène, après les avoir vus une première fois du temps de leur période shoegaze. Pour constater le très beau et tortueux chemin parcouru.

EXPO de Ulrika Spacek

Alber Jupiter + Structure Moderne + Total Resistance - L'Alimentation générale, Paris, le 4 février 2026

2026-02-07T09:00:00.138+01:00

Une fois n'est pas coutume, je vais vous parler aujourd'hui de groupes que la plupart d'entre vous ne connaissent sûrement ni d'Eve ni d'Adam. Mercredi 4 février, nous sommes allés, maman et moi, à l'Alimentation Générale voir et écouter trois formations françaises aux styles variés mais dont l'essentiel des influences est quand même rattaché aux années 70 et 80. Pourquoi ? Parce qu'un collègue de maman jouait dans un des groupes. La première formation s'appelait Total Resistance. Ils sont deux : l'un chante et joue de la basse, l'autre est derrière un synthé Korg et a l'air de bien s'éclater avec moults sons pré-enregistrés. Le style ? C'est marqué sur l'affiche ci-dessus : minimal wave et post punk ! Cela ressemble à du Taxi Girl - d'ailleurs, sur leur Bandcamp, on peut écouter une reprise de "Aussi belle qu'une balle" - mais chanté en anglais. Bref, ce n'est pas déplaisant, même si les morceaux se suivent et se ressemblent fortement. La suite ? Structure Moderne. C'est plus ambitieux : psych et toujours post punk. Il y a aussi plus de musiciens. Une basse toujours - l'instrument incontournable de la soirée - une batterie, une guitare et de multiples instruments : trompette, claviers, etc. La particularité est le thérémine installé au centre de la scène, utilisé comme une sorte de jouet par les musiciens, venant passer leurs mains pour y émettre de drôles de sons. Les titres les plus directs sont aussi les plus efficaces ("The Rush" notamment). Il en résulte un étonnant mélange entre de la musique psychédélique, du trip-hop et du krautrock.

La formation suivante sera surtout inspirée par Neu!, Can voire même Kraftwerk. Ils ne sont que deux sur scène, sont Rennais, s'appellent Alber Jupiter et déploie une musique incroyablement dense, alors qu'il n'y a pour ainsi dire que deux instruments sur scène : une batterie et une basse évidemment. Le bassiste multiplie les effets avec ses nombreuses pédales et superpose les rythmiques pour en faire un son robotique et incroyablement dansant. La soirée est montée progressivement en puissance pour finir dans une belle apothéose. Voilà donc des groupes à la reconnaissance quasi inexistante mais qui proposent tous un univers bien à eux, même si assez référencé. Merci à l'Alimentation Générale pour cette soirée en dehors des sentiers battus. Merci également à ces trois formations attachantes et talentueuses. Alber Jupiter seront en première partie de Monkeys on Mars, le 20 mars prochain à la Maroquinerie. Total Resistance ont déjà été programmés plusieurs fois au Supersonic. Structure Moderne joueront prochainement à la Mécanique Ondulatoire.

ER Jurken - To Be Continued

2026-02-02T09:00:00.068+01:00

Celui-là, je l'ai découvert complètement par hasard, dans un magasin de fringues. J'entends une musique que j'aime bien, je sors Shazam et je tombe sur ce nom improbable : ER Jurken. C'était au moment de la sortie de son premier album "I Stand Corrected" en 2021. Depuis, pas de nouvelles du monsieur. Il faut dire que la sortie était déjà plus que confidentielle et c'était étonnant d'entendre sa musique dans une grande enseigne. Voici donc "To Be Continued", le second disque de ER Jurken. L'engouement est toujours aussi mesuré. Vous ne trouverez pas beaucoup de sites chroniquant cet album. Et oui, pour une fois, je me démarque et j'en suis pas peu fier. Car au-delà du snobisme de ne pas faire comme tout le monde, j'avoue que c'est une fois de plus un bien beau disque. Cela ne révolutionne rien, ce sont juste de belles mélodies pop divinement chantées. On y entend un peu des Beatles, de Neil Young, de Sufjan Stevens, des Beach Boys.

Les titres ont la politesse d'être tous un peu différents, enlevés juste ce qu'il faut pour garder notre attention. Et on se surprend progressivement à fredonner ces refrains addictifs. Pourtant je sens que ce chanteur continuera d'être injustement méprisé - il suffit de voir le faible nombre de vues sur Youtube. "To Be Continued", c'est exactement ça, comme la suite d'une série qui n'intéresserait que quelques rares adeptes. En tout cas, tant que les épisodes seront de ce calibre, je continuerai d'en parler inlassablement.

To Be Continued de ER Jurken

"Starman : Quand Ziggy éclipsa Bowie" & "Nick Cave : Mercy on Me" de Reinhard Kleist

2026-01-31T09:00:00.162+01:00

Deux chroniques pour le prix d'une ! Et des chroniques de bandes dessinées, une fois n'est pas coutume. Mais des bandes dessinées sur la musique et le rock en particulier. Noël est passé, mais il n'est jamais trop tard ou se faire plaisir ou offrir. Voici en tout cas deux bouquins que je recommande fortement pour qui aime l'univers et la musique de ces deux grands artistes : David Bowie et Nick Cave. Mais qui ne les aiment pas ? Reinhard Kleist, l'auteur de ces deux livres, est un dessinateur allemand qui, après avoir déjà réalisé une biographie de Johnny Cash enchaîne donc avec les deux chanteurs susnommés. Il n'a pas réalisé que ce type d'oeuvre, mais c'est quand même ce qui est en train de faire son succès. Il faut dire, comme je l'ai dit précédemment qu'elles sont particulièrement réussies. Si Bowie - paix à son âme - n'est plus en état de valider ou non cette énième biographie, Cave a déjà dit tout le bien qu'il pensait de la sienne et connaissant la faible appétence du monsieur pour les compliments, il faut les prendre comme un véritable adoubement pour le travail de Kleist. Voici ce que le grand Nick en dit en quatrième de couverture "Richard Kleist, maître du roman graphique et créateur de mythes a, une fois de plus, repoussé les conventions de la bande dessinée en élaborant un terrifiant mélange de chansons, de demi-vérités biographiques et de totales affabulations. Il a ainsi tracé un voyage étrange et complexe à vous glacer le sang dans l'univers de Cave, plus proche de la réalité qu'aucune autre biographie, c'est évident ! Enfin, pour info : je n'ai jamais tué Elisa Day."

Tout est dit ou presque. Cave, tranquille, ironise, parle de lui à la troisième personne. On connaît l'aura et la prétention du bonhomme, mais il faut de la confiance en soi démesurée pour mener ce type de carrière. C'est ce que disent ces deux livres, car Bowie n'était pas en reste dans le domaine. Surtout du temps de Ziggy Stardust, période évidemment - titre oblige - la plus relatée de "Starman". Les deux artistes semblent ne jamais avoir réellement douté de leurs talents respectifs. Envers et contre tout et tous. C'est leur entourage qui en a payé les pots cassés. Anita Lane, son premier grand amour - le seul véritable ? - pour l'un, Angie pour l'autre. La bande dessinée sur Cave est dans un majestueux en noir et blanc, à l'image du rock gothique de son personnage principal quand celle sur Bowie inonde de couleurs chatoyantes, là aussi raccord avec l'univers chamarré de Ziggy, ce super héros venu des étoiles pour nous sauver de nos petites vies étriquées. Mais "Starman" s'attarde aussi beaucoup sur la période Berlinoise du Thin White Duke, prouvant que The Fall Of Ziggy Stardust n'était pas que la fin d'une de ses nombreuses vies. Bowie, tel un chat, était capable de rebondir facilement, provoquant lui-même la mort de ses nombreux personnages. Cave, lui, est resté fidèle à lui-même, traqué par ses démons. Même si musicalement et financièrement, il n'a plus rien à prouver et à craindre, la vie, avec la perte récente d'un de ses fils, l'a rattrapée, lui trouvant malgré lui, de nouveaux thèmes mélancoliques et déchirants à ses chansons. En résumé, voici deux livres relatant brièvement et magnifiquement la vie et l'oeuvre de deux artistes majeurs de notre époque - oui, Bowie est toujours vivant -, prouvant si besoin était que leur empreinte respective dans nos vies va bien au-delà de leur seule musique.

PVA - No More Like This

2026-01-26T09:00:00.025+01:00

"No More Like This" nous dit ce corps de femme marquée sur la pochette du second album du trio londonien PVA. Le groupe continue de choisir des titres de chansons très courts souvent constitués d’un seul mot. Pour accentuer le caractère énigmatique de cette musique. Si "Blush", à l’image de son excellent single "Unthered" était plus axé pour la piste de danse, ce disque se fait plus intime. "No More Like This" est aussi un album qui s’écoute plus facilement à la maison, ou à l’extérieur, au casque. Le précédent avait tendance à fatiguer sur la longueur, le cerveau martelé par les grosses basses synthétiques. La musique de PVA se développe, s'enrichit et se rapproche de celle de groupes américains comme Water From Your Eyes ou Fukcers dont j’attends avec impatience le premier long format - il est prévu pour fin mars.

Pour faire court, on appelle ça de l’électropop car rentrer dans le détail des multiples influences prendrait trop de temps. Ces formations prônent aussi un certain féminisme. L’homme est en retrait, c’est la femme qui "leade", qui s’assume, au centre de l’attention, mais pas comme un vulgaire objet de séduction pour le mâle alpha, plutôt du genre queer ou totalement asexuée. Le message est clair : "plus jamais comme ça". Pour la musique, on mettra plus de temps à faire le tour de ces curieux et intrigants objets sonores et c’est tant mieux.

No More Like This de PVA