La musique à papa

The Avalanches - No Bad Memories

2026-10-19T09:00:00.000+02:00

Alors que l’actualité continue inlassablement d’être plus déprimante de jour en jour, il nous fallait bien un nouvel album de The Avalanches pour retrouver le moral. Si le fun est toujours de mise - tant pis les fans de post-punk - ce nouvel album en propose une nouvelle vision. "No Bad Memories" nous démontre en 31 morceaux - quand même ! - qu’il ne faut pas avoir honte d’être "vieux". Bah oui, avoir connu la disquette 3 pouces et demie ou l’Ipod ne relève déjà plus de la première jeunesse. Le trio australien formé de Robbie Chater, Tony Di Blasi et Darren Seltmann est de cette génération-là, ces geeks version 1.0, adeptes de jeux vidéos, de zapping et de collages en tous genres. Voici l’univers de "No Bad Memories". Ceux qui n’ont pas baigné dedans risquent de passer à côté. Ici, c’est effectivement le grand zapping : très peu de morceaux qui dépassent les 3 minutes, des samples et des mélodies dans tous les sens et toujours de multiples collaborations.

Jamie XX est venu renvoyer l’ascenceur après la participation de The Avalanches sur son dernier disque. Karen O et Panda Bear (sur le génial mais bien trop court "Highfield") habitués des invitations sont aussi, entre autres, de la partie. Voilà de la musique qui ne prend pas son temps, qui file à une vitesse supersonique, sans se soucier de voir si les auditeurs suivent. Une musique de darons faite pour les jeunes. Le risque, c’est de rater les deux cibles. Mais The Avalanches semblent n’en avoir cure. Seul le plaisir compte et ça s’entend.

EXEK - Prove The Mountains Move

2026-10-16T09:00:00.000+02:00

Encore une formation que je ne découvre que sur le tard. Le groupe australien EXEK existe depuis douze ans et a déjà sorti moults albums quand DFA Records, le label de James Murphy décide de les signer chez eux. Je m’attends donc au style maison, c'est-à-dire à une sorte d’électro matinée de post-punk, un truc fait pour les danseurs azimutés et contrariés. Mais que nenni, ici, la musique est retenue, atmosphérique. La filiation, s’il faut en trouver une avec LCD Soundsystem est plutôt à aller chercher dans un amour commun pour le Brian Eno des années 70, celui de "Another Green World" ou de "Before and after science". Si le premier titre, "Sidestepping" est sans doute le meilleur, le plus immédiat, le plus mélodique, le reste de l’album révèle au fil des écoutes une complexité sonore qui n'était pas évidente au premier abord. Cela fait qu’on se surprend à vouloir réécouter ce "Prove The Mountains Move" avec plaisir.

Le plaisir de découvrir inlassablement un nouveau son caché qu’on n’avait pas entendu précédemment. On n’aurait pas misé grand chose sur ce groupe australien. On peut aisément passer à côté. C’est ce que j’ai fait d’ailleurs pendant des années. A tort, car EXEK, à défaut de déplacer des montagnes - mais qui aujourd'hui peut se targuer de le faire dans le monde de plus en plus circonscrit du rock indépendant ? -, est un groupe qui a réussi progressivement à se forger une identité forte, en dehors des sentiers battus. Ajouter à cela la qualité intrinsèque des morceaux et vous avez une formation qui pourrait vous accompagner un moment.

Prove The Mountains Move de EXEK

Greg Freeman - All Set The Bone

2026-10-10T09:00:00.000+02:00

Greg Freeman est un jeune musicien de country. Dis comme ça, ça ne donne pas envie. Enfin, ça ne me donne pas envie surtout. La country, comme toutes les musiques folkloriques me gonfle. Oui, même la musique bretonne malgré mes origines. Pourtant, certains me diront - oui, j’entends des voix - que tout vient de là. Que toutes les musiques se sont créées à partir de traditions plus ou moins locales. Mais ce qu’il y a de bien avec le troisième album de Freeman, c’est que je n’y entends pas vraiment de country, à moins de considérer que Pavement est de la country - ce qui pourrait peut-être se défendre. Oui, l’influence de la bande à Malkmus est ici omniprésente, jusqu'à la voix souvent à la limite de la justesse. On retrouve aussi le même talent pour faire croire que c’est facile. "All Set The Bone" est son troisième album, c'est aussi le mieux produit. On reconnaît au passage le style John Congleton, producteur chez qui est passé tout le rock indépendant américain, voire au-delà. "I Looked Out", un peu râpeux et mal dégrossi, était passé quelque peu inaperçu de la critique. Cette dernière s'est ensuite bien rattrapée, encensant assez unanimement, le suivant et déjà plus aimable "Burnover", sorti l'an passé. C'était donc l'heure de la confirmation et celle-ci sonne immédiatement comme une évidence. Les treize titres de ce nouveau disque défilent aisément, tous pareils, tous différents, avec une efficacité redoutable.

Greg Freeman fait de la musique de vieux, comme on en faisait dans les années 90, alors qu'il y était à peine né, avec un tel naturel que le monsieur a forcément été biberonné à ce rock US là. En plus de Pavement, on pourrait y rajouter des formations comme Built To Spill ou Modest Mouse moins connues par chez nous mais dont le succès et l'influence aux Etats-Unis n'en sont pas moindres. Une fois de plus, j'ai loupé le coche de son passage au Supersonic, le 27 août dernier. Il faut dire que le disque n'était pas encore sorti. Allez, ce n'est que partie remise. Etant donné la qualité croissante de ses productions, le chanteur américain originaire du Vermont ne semble pas avoir dit son dernier mot, loin s'en faut.

All Set The Bone de Greg Freeman

Calacas - Ten Tiger Trax

2026-10-04T09:00:00.000+02:00

J’aime bien ça. Partir à la découverte de nouveautés musicales en mode commando, me plonger dans l’inconnu : le top 100 des meilleurs disques du premier semestre 2026 version The Quietus, webzine anglais particulièrement pointu. 100 albums et beaucoup de découvertes potentielles parmi quelques références connues et aimées (My New Band Believe, Dry Cleaning, PVA, Kim Gordon, Hen Ogledd, etc) - il faut bien une accroche. Calacas, donc. Un groupe obscur écossais originaire de Glasgow. Leur style ? Ultra rebattu : mélange paradoxalement soigné de dream pop, slowcore et de shoegaze. Les inspirations ? Les années 90, forcément. Et puis, en creusant, je constate que leur chanteur se nomme Graham Kemp, ex leader de Urusei Yatsura. Quoi ? Une formation japonaise ? Que nenni. Bien sûr, le nom provient d’un dessin animé nippon. Ce dernier a été écrit à la fin des années 70, une fois n’est pas coutume, par une femme Rumiko Takahashi. La série sera adaptée en France sous le nom de "Lamu". On doit aussi au même auteur le plus connu "Juliette je t’aime". Bref, le groupe Urusei Yatsura sévit à la fin des années 90 - tiens, tiens, d’où l’inspiration dont je parlais précédemment. Leur premier album simplement intitulé "We Are Urusei Yatsura" reste aujourd’hui encore un modèle du genre, contenant son lot ininterrompu de mélodies power pop enjouées et déglinguées, jouées à toute berzingue, sans état d’âme. Bien sûr, ça ne révolutionne rien et ça passera d’ailleurs complètement inaperçu chez nous. Pourtant, les écossais avaient des atouts à faire valoir, jusqu’à la belle gueule de Kemp, jouant volontiers les branleurs.

Le temps s’est en tout cas chargé de faire disparaître leur production musicale dans les tréfonds du net et de la mémoire des quelques admirateurs de l’époque. Mais Calacas alors ? Cette fois-ci, les références sont mexicaines. La calaca provient des traditions mayas et aztèques, c’est une figure joyeuse représentant un crâne ou un squelette servant à décorer pour la Fête des morts. Un jour, j’aimerais aller au Mexique à cette époque de l’année pour assister à cette fête justement qui a l'air de ressembler à nulle autre... Mais je divague. Graham Kemp a vieilli et ressemble maintenant à un darron, rockeur sur le retour, mais avec de sacrés beaux restes. "Ten Tiger Trax" est une réussite, plus polie et soignée que les albums de Urusei Yatsura, mais il faut bien que jeunesse se passe. "Free Time Forever" aurait pu être un tube indie en d’autres temps et d’autres vies. Voilà, je crois que j’ai tiré sufisamment de fils... en espérant que tout cela vous a aura aussi donné des envies de découvertes...

Ten Tiger Trax LP de Calacas

Momus & Scott McCloud - Festival Outsiders, Supersonic Records - Paris, le 26 septembre 2026

2026-09-30T09:00:00.000+02:00

Cette année, nous y sommes retournés. Le souvenir mémorable - la claque magistrale infligée par Gontard - de la première édition et le malheureux rendez-vous raté - les Woodentops - de la seconde l’an passé ne pouvaient pas rester sans suite. Il a fallu choisir entre les deux soirées : Black Box Recorder ou Momus ? Ayant déjà vu Luke Haines il y a deux ans, on a donc misé sur l’inimitable Nick Currie. Arrivés juste à l’heure, 20h20 pétantes, nous découvrons l’anglais, en sarouel, tongues japonaises, perruque blonde posée (volontairement ?) de travers et retenue par l’élastique de son cache-oeil. Il déambule le long de la petite scène du Supersonic Records, pas aussi mal fichue que dans mon souvenir. Derrière lui, des vidéos faites maison défilent, le show a été préparé en amont. Les paroles sont parfois affichées façon karaoké. La musique est en effet entièrement enregistrée. Les morceaux pas tous complets s’enchainent sans pause. Il faut dire que résumer quarante ans de carrière en une heure est une sacré gageure. On aurait évidemment aimé de vrais musiciens mais cela fait aussi partie du personnage. Les textes sont brillants. "Don’t call me a racist. I'll splash your face. I don’t care if you're purple or blue. But purple-blue should go back to their lands. There's no place in Greyland for you." dit-il en référence à l’époque au Brexit et aujourd’hui à la politique du RN. Comme lui, nous n’aimons pas les gens gris et le pays qui va avec. Un concert de Momus n’est pas gris - à part ses fringues.

"The angels are voyeurs" tiré de "Tender pervert" paru en 1988 et considéré par beaucoup comme sa plus grande oeuvre est un autre exemple de sa qualité d’écriture. Dommage qu’il n’ait pas chanté "The Clown At Battle" de son dernier album. Il y est question d’une anecdote rigolote sur le tournage du clip "Ashes to ashes" de Bowie où un passant ne comprenant pas ce qui se jouait avait traité le Thin White Duke de "cunt in a clown suit". La suite fut plus sérieuse - un peu trop sans doute - en la personne de Scott McCloud, ex-chanteur du groupe de hardcore Girls Against Boys. Pas le genre de la maison. Pourtant le gars accompagné d’un violoncelliste sur scène est plutôt affable et sympathique. Les titres plus classiques et plutôt calmes dans l’ensemble - le chanteur s’est assagi depuis ses jeunes années - partent par moments en live grâce à Simon Lenski et son jeu de violoncelle complètement débridé. Le concert n’est pas désagréable mais pas mémorable pour autant. Un peu trop Bruce Springsteen à notre goût. On attend quand même sagement la fin, écoutant au passage une reprise tranquille de "Search and destroy".

On repart ensuite en même temps que Momus et ses baluchons, en métro. Il habite aussi Paris mais ne prend pas la même ligne que nous. Son look n’a l’air de surprendre personne. Drôle d’énergumène. Discret, barré et talentueux à la fois. Comme tout le monde depuis 40 ans, nous gardons ce secret honteusement pour nous.

Une autre revue du concert avec quelques photos en prime sont visibles sur ce blog ami.

Momus - Humperstinck

2026-09-18T09:00:00.000+02:00

Je ne vais pas me la jouer fin connaisseur, car là-dessus ma découverte fut très tardive. Momus est un artiste que je connais depuis quelques années à peine alors qu’il a 40 ans de carrière et plusieurs dizaines de disques à son actif. Difficile de toute façon de tout connaître du bonhomme tellement l’oeuvre est multiple et dense. Je sais juste qu’il est écossais, qu’il a commencé entouré d’anciens musiciens du groupe Josef K, que Jarvis Cocker, fan de la première heure - on reconnait facilement l’influence - voulait qu’il produise l’album "Separations" de Pulp, que "The Poison Boyfriend" est un des disques préférés de Brett Anderson. Avec un tel pedigree, je ne comprends pas que j’ai pu aussi longtemps passé à côté. Momus, alias Nick Currie a aussi perdu l’usage d’un oeil, du fait d’une infection contractée liée à des lentilles de contact, ce qui le rend malgré lui, d’autant plus reconnaissable. Il habite maintenant à Paris, après avoir beaucoup voyagé.

"Humperstinck" est son dernier album en date - le deuxième en 2026 - et c’est bien simple plus je l’écoute plus je l’aime. Chaque chanson a son petit univers : ce sont de petites miniatures pop intelligemment construites et délicatement arrangées avec deux fois rien et un sens inné de l’écriture. Mentions spéciales à "The Clown At Battle", "Mr Diogenes" ou "The Hydra" mais je pourrais en citer bien d’autres. Je ne vais pas vous dire que "Humperstinck" est son meilleur disque, je ne connais pas assez sa carrière pour tenir de tels propros mais c’est assurément un sacré bon disque. Momus sera au festival Outsiders dans une semaine au Supersonic Records à Paris et ce serait un "crime" de ne pas venir fêter la venue de cet artiste bien trop rare et méconnu.

Humperstinck de Momus

Immersion - What is Lost Will Return

2026-09-17T09:00:00.000+02:00

Dis donc, j’étais complètement passé à côté de cette formation qui existe pourtant depuis 1994. Immersion est en fait un duo, et quel duo : le couple à la scène comme à la ville formé par Malka Spigel, ancienne membre du groupe culte de post-punk israélien Minimal Compact et Colin Newman, ancien leader de Wire, responsable d’au moins deux disques solo qui comptent : "A-Z" dans la lignée de son précédent groupe (en mieux ?), et le bien nommé "Commercial Suicide" qui invente la pop dark, new-wave et classieuse. Newman, c’est aussi le producteur du premier Virgin Prunes ou du "Matrice" de Bashung. Bref, du beau linge, comme on dit dans le milieu. Mais voilà, le post-punk n’a plus la côte dans les années 90 et c’est sans doute pour cela qu’on les perd de vue. "What is lost will return" pourrait donc parler du revival post-punk qui dure depuis, depuis au moins le premier Interpol en 2002. Mais voilà, j’ai mis du temps à réagir, car si leur musique s’est largement assagie, s’est faite plus douce, plus ronde avec des mélodies plus évidentes, elle n’était pas encore venue jusqu’à moi. Parfois, il faut aller chercher les choses soi-même, la découverte en est d’autant plus agréable.

C’est bête et un peu facile à dire mais la musique de Immersion est immersive, pas revêche pour un sou. Est-ce la maturité, la sagesse ou tout simplement l’assagissement ? L’arrêt du combat. Mais Wire ou Minimal Compact n’étaient pas des groupes politiques comme pouvaient l’être beaucoup d’autres de la même époque. Le couple s’est toujours tenu en dehors de ça. C’est peut-être ce qui leur a valu d’être toujours en marge, mais qui aujourd’hui leur permet de perdurer comme bon leur semble. Ecoutez donc "What is lost will return", on croirait presque des nouveaux venus, déconnectés de tout, revenus d’entre les morts. Qui a dit que le punk ne vieillissait pas bien ?

What Is Lost Will Return de Immersion

Jeremy Jay - Supersonic Club, Paris - le 12 septembre 2026

2026-09-14T09:00:00.000+02:00

Comment un artiste américain - bon, ok, il vit à Londres depuis quelques temps - dont la carrière s’étale sur plus de vingt ans peut-il encore se produire gratuitement dans une salle comme le Supersonic à Paris ? Le Supersonic, c’est d’ailleurs plus exactement deux salles, le Supersonic Club, mal fichue, avec plafond bas, poteau en plein milieu, deux étages, environ 300 places, généralement pour des concerts gratuits de groupes émergents qui n’ont pas encore sorti le moindre LP et le Supersonic Records, plus petite salle attenante, aussi mal fichue, car une large partie des spectateurs se retrouvent sur le côté de la scène, pour des concerts cette fois-ci payants. Mais revenons à Jeremy Jay, puisque c’est de lui dont il s’agit. Je suis tombé dessus par hasard en lisant le programme des deux salles et je me suis rappelé les très beaux "Slow Dance" et "Splash", il y a plus de quinze ans. Connaissant l’horaire de son passage - désolé pour les deux autres groupes de la soirée - nous sommes juste arrivés 20 minutes avant. Malheureusement, ce que nous n’avons pas calculé, c’est qu’il y a une jauge à l’entrée et que nous devons donc faire la queue. Mais miracle, nous avons quand même pu rentrer à peu près pour le début des hostilités, ne pensant pas, naïvement, que pour beaucoup de gens, les concerts n’étaient qu’un prétexte à sortir le samedi soir, près de Bastille. Malgré l’acoustique moyenne de la salle, on reconnaissait bien "In This Lonely Town", "Gallop" ou "Just Dial My Number" écoutés le midi même pour se rafraichir la mémoire. Le grand Jeremy Jay - il fait 1,93m - est accompagné sur scène d’un groupe de jeunes (et petits) musiciens sobres et efficaces. On se dit qu’on aurait préféré l’écouter dans un autre lieu, une autre ambiance.

Arrivés tardivement, nous nous sommes retrouvés coincés derrière ceux venant expressément pour la musique, calmes et attentifs et juste devant ceux bruyamment adossés au bar, plutôt là pour se taper la discute entre potes. La carrière de Jeremy Jay méritait mieux que ces seulement quarante-cinq minutes de concert. En tout cas, cela m’a au moins donner l’envie de réecouter et surtout réévaluer sa musique. En espérant qu’il en a été de même d’autres spectateurs présents au Supersonic. Dans deux semaines, le Supersonic Records cette fois accueillera le festival Outsiders - qui porte mal son nom, à ce niveau-là, on ne peut plus parler d’outsiders mais de losers non ?😉 - pour sa troisième édition. J’avais été à la première avec notamment une soirée mémorable (Gontard et Baby Bird) mais zappé la seconde (regret de ne pas avoir vu The Woodentops). Pour la troisième année, la programmation est toujours impeccable (merci au webzine ami "Sun Burns Out") avec Black Box Recorder ou l’inénarrable Momus. Comme si le Supersonic était finalement là soit pour lancer une carrière, soit pour entériner une carrière définitivement en marge.

Twisted Teens - Florida Water Blues

2026-09-13T09:00:00.000+02:00

Ils sont deux, viennent de la Nouvelle Orléans. Ce sont les Twisted Teens et comme leur nom l’indique, de sacrés garnements un peu "tordus". Ils pratiquent une sorte de country-punk qui rappelle beaucoup les débuts des Kings Of Leon, voix éraillée comprise. "Florida Water Blues" est leur troisième album en 3 ans et ils annoncent déjà un quatrième début novembre. Bref, CPN - ou seulement Caspian ? - Hollywell et Razor Ramone - fils spirituel des Ramones ou référence au catch ? - sont pressés et ont l’inspiration galopante, pas le genre à vouloir couper le robinet tant que ça continue de couler aussi naturellement. Voilà en tout cas une musique qui bouscule, fait du bien : simple, mélodique, accrocheuse - les 4 voire 5 premiers morceaux sont assez irrésistibles - mais en même temps un peu rapeuse. On pense aussi aux Parquet Courts - donnez des nouvelles les gars ? - pour la dynamique des morceaux.

Et puis, il y a ces pochettes bricolées et décalées sur lesquelles on retrouve à chaque fois les deux membres du groupe. L’esthétique est assez marquée avec des motifs récurrents : la police de caractère, le cadre et depuis deux disques ce petit personnage mystérieux émergeant d’un trou, les deux mains en l’air. Sur "Florida Water Blues", Razor, veste de costume, cravate, tient les ficelles de la marionnette CPN, masquée. Comme si le leader et chanteur n’était qu’un pantin et que c’était l’autre, dans l’ombre, qui tenait réellement les rènes de l’affaire. On attend maintenant avec impatience un passage en France de ces deux gaillards pour juger de la pertinence et surtout de la durée de vie des Twisted Teens. Cela devrait être particulièrement jouissif et régressif.

Florida Water Blues de twisted teens

Arab Strap - Half-Told Tales

2026-09-09T09:00:00.000+02:00

On pourrait presque s’arrêter dès la fin du premier morceau, le formidable "I Get Noise", résumé grinçant de notre époque. La musique foutraque, dissonante, bruyante évidemment, est au diapason du propos. Tout le talent du duo écossais est concentré dans ces trois minutes, jusqu'au final à l'humour volontairement dérangeant par son caractère sexuellement explicite ("And tonight, when you touch yourself. Remember, all the angels are watching. So put on a good show"). Au regard de cette évidente réussite, le reste ne peut qu’être décevant. C’est d’ailleurs le principal défaut que je trouve habituellement à leurs disques, l’impression de m’y ennuyer rapidement. Pourtant, cette fois, ce sentiment n’est pas si immédiat, il faut dire qu'Arab Strap s’atèle plus qu’à l’accoutumée à varier les ambiances et les plaisirs. "Half-Told Tales" rappelle le meilleur de la musique anglo-saxonne des années 90, plus rythmée et directe que celle que le duo produisait à la même époque. Il reste bien quelques passages parlés, quelques respirations même si Aidan Moffat n’est pas quelqu’un connu pour être taiseux. Il a encore plein de choses à nous dire et il faudra encore de nombreuses écoutes pour en déceler tout le sens et les nombreux sous-entendus. A l'heure des nombreuses reformations d'anciennes gloires de la même génération, souvent ratées ou à minima inutiles, celle d'Arab Strap, formation plus confidentielle il est vrai, a largement montré sa pertinence avec ce troisième disque impeccable sorti après une pause de plus de quinze ans (entre 2005 et 2021).

Le duo ne se prend pas pour ce qu'il n'est pas : un groupe de jeunes ou un groupe à succès aptes à jouer dans les stades. Ils poursuivent leur carrière en dehors des sentiers balisés, creusant davantage leur sillon loin de tous suiveurs et de pistes déjà tracées. On pourrait peut-être, à la rigueur, les rapprocher d'un groupe comme The National en plus drôle et moins formaté - en plus écossais, quoi ! Je trouve à ce titre Moffat et Middleton plus attachants et vrais que jamais. Bonifier avec l'âge : peu peuvent en dire autant.

Half-Told Tales de Arab Strap

The Bats (+Special Friend) - Le Point Ephémère, Paris - le 21 août 2026

2026-08-26T09:00:00.000+02:00

Passé le 15 août, une fois les vacances terminées, on entre dans une drôle de période. Ce n’est évidemment plus les vacances mais ce n’est pas encore vraiment la rentrée. Au boulot, le rythme est encore tranquille, les sorties et propositions culturelles au ralenti. Pas la période idéale pour remplir les salles. Surtout pour un groupe néo-zélandais dont la carrière longue de plus de 40 ans avec quelques pauses a toujours navigué sous les radars mainstream, avec un semblant de succès à la charnière des années 80 et des années 90, lorsque le Dunedin Sound de leur mythique label Flying Nun était une influence partagée et revendiquée par tout un pan de la scène indépendante américaine (REM ou Pavement). Bref, remplir les trois cents places du Point Ephémère dans un tel contexte n’était pas une sinécure. Pour moi, cela ressemblait pourtant presqu’au concert idéal : dispo, sans enfant, sur Paris, plus de canicule, groupe aimé mais pas encore vu en concert, pas cher avec en prime une première partie sympa. En effet, Special Friend confirma en live la bonne impression laissée par l’écoute de leur musique en ligne. Le duo parisien formé par l’américaine Erica Ashleson à la batterie et le français Guillaume Siracusa à la guitare - ou plutôt aux guitares tellement le gars empile les couches sonores avec ses pédales à effet - est accompagné pour l’occasion d’un claviériste à la dégaine de hipster (moustache, nuque longue). Leur style fait beaucoup penser à la mouvance shoegaze et à un groupe comme Slowdive. Les guitares tantôt légères et carrillonnantes, tantôt abrasives et bruitistes portent des mélodies souvent envoutantes. On a bien fait de venir à l’heure. Mais on n’était pas les seuls. La salle était déjà quasi pleine dès le début de leur set. Preuve que le bouche à oreille semble bien fonctionner - et c’est mérité - pour ce groupe dont le déjà troisième "Clipping" est sorti en mars dernier.

The Bats porte bien mal son nom, leur musique, leur style est tout sauf gothique. Pas le genre de la maison de soigner son look, l’essentiel est d’être à l’aise. La formation existe depuis 1982 et a conservé son line-up d’origine. Ils ne sont pas nombreux dans ce cas. Surtout qu’ils assurent encore tous, presqu’avec la même énergie qu’en 1987, au moment de la sortie de leur magnfique premier disque "Daddy’s Highway" dont ils jouent encore les titres les plus emblématiques - "North by North" pour un rappel aux percussions dignes des Feelies, l’imparable "Made Up In Blue" au refrain chanté en choeur, "Block of Wood" et "Round and Down". J’aurais bien aimé entendre "Mad On You", peut-être ma préférée mais heureusement elle a été remplacée par la sublime "Claudine".

On pourrait arguer que la musique de The Bats était mieux avant, elle était plus incisive, sorte de mélange entre celle des Feelies et celle du Wedding Present, qu’elle s’est assagie, à l’image du début de concert ressemblant un peu à celui d’anciens boy scouts en goguette, mais sans l’alcool - faut pas déconner non plus. On pourrait jouer aux vieux cons réac’, mais The Bats sont finalement à notre image et c’est aussi ce qui nous fait les aimer davantage aujourd'hui encore.

The Strokes - Reality Awaits

2026-08-21T09:00:00.000+02:00

Je crois que je file un mauvais coton : me voilà en train d’aimer un disque bourré jusqu’à la gueule d’auto-tune, ce logiciel qui permet de corriger toute erreur de justesse dans la voix mais qui produit alors un effet très perceptible et asceptisant. L’auto-tune, c’est le propre de la musique baclée, faite à la chaine. Pourtant, il a fallu six ans au célèbre groupe New-Yorkais pour sortir ce "Reality Awaits" après le dernier succès "The New Abnormal". Six ans pour ça diront les mauvaises langues et ceux pour qui l’utilisation de ce logiciel est un "red flag", quelque chose de définitivement rédhibitoire. Si le précédent m’avait laissé quelque peu de marbre, hormis les excellents "The Adults Are Talking" et "Ode To The Mets", ne goûtant que très peu à l’unanimité qui voulait que les sauveurs du rock étaient bien de retour aux affaires renouant presque avec l’excellence de l’indépassable "Is This It" de 2001. Je dois bien aimer être à contre-courant, parce que passée la première écoute légèrement déceptive, comme celle des singles annonciateurs un peu fades, je dois avouer que ce "Reality Awaits" est un "grower", un disque dont l’importance grandit au fil des écoutes, un disque qui s’apprécie aussi d’un bloc, à l’inverse du précédent dont les meilleurs titres sortaient trop évidemment du lot. Et j’en viendrais presqu’à regretter ne pas m’être jetté outre mesure sur les places de leur concert à l’Accor Arena lorsque la billetterie a été ouverte. C’est bien sûr trop tard maintenant.

La bande de Julian Casablancas, si elle n’est sans doute pas la meilleure formation rock actuelle - mais qui s’en soucie ? -, reste 25 ans après des débuts en fanfare encore sacrément pertinente, embarquant même dans ses nombreux fans la nouvelle génération. Qui l’aurait cru ? Non, le rock n’est pas mort et les Strokes y participent activement. Trop mainstream ? Sans doute mais chaque mouvement a besoin de leaders plus charismatiques et consensuels pour perdurer. De plus; derrière les mélodies et guitares toujours addictives se cache une noirceur de plus en plus évidente.

Nirosta Steel - My Skyscraper

2026-08-14T09:00:00.000+02:00

Derrière le pseudo Nirosta Steel, se cache un homme fait en acier inoxydable, Steven Hall, écossais de naissance mais américain d’adoption. Il a fait ses armes dans le New-York interlope et queer du début des années 80, ayant pour voisin Alen Ginsberg ou Arthur Russell. La relation artistique avec ce dernier durera d’ailleurs 12 ans de 1980 à 1992, année de la disparition prématurée de Russell, victime du SIDA. "My Skyscraper" ressemble à l’album d’une vie, loin des sentiers balisés, plus de quarante ans d’expérimentations tout azimut mais qui n’en demeurent pas moins passionnantes. C’est donc une nouveauté sans en être vraiment une. "English Party", premier morceau avait été initialement écrit pour Madonna au début des années 80. On entend sur plusieurs titres la voix de Russell. Les chansons apparaissent souvent encore non entièrement abouties. Comme la vie, la musique de Nirosta Steel est constamment en mouvement. On imagine que c’est le genre de personne qui a du mal à entériner les choses, à remettre sans cesse l’ouvrage sur le métier. "My Skyscraper" est une photo arrêtée en 2026, à bientôt 70 ans, histoire de laisser malgré tout une trace bien à lui, pas uniquement sous couvert d’autres personnes plus connues et reconnues. C’est Pitchfork qui m’a fait me pencher sur cet album, preuve que le célèbre webzine américain a encore des pistes différentes à me faire découvrir, même s’il n’a plus pour moi la même influence qu’il y a bientôt vingt ans quand je commençais ce blog.

"My Skyscraper", comme pour dire que Nirosta Steel n’aura sans doute pas mieux à nous proposer. Mais ces plus de 80 minutes de musique sont déjà beaucoup et on sait rapidement qu’on n’est pas prêt d’en avoir fait le tour. Le style est assez inimitable : sorte de disco un peu psychédélique jouée au ralenti. Ce n’est pas forcément un disque pour l’été, mais le gars n’est pas le genre à s’occuper du bon timing. Quand on sort un tel album rétrospectif de toute une vie, on n’est pas à s’attarder à ce type de détails. "My Skyscraper" a l’urgence d’une attente de près de 50 ans.

MY SKYSCRAPER de Nirosta Steel

Opus Kink - The Sweet Goodbye

2026-08-12T09:00:00.000+02:00

Il est des groupes qu’on rencontre fortuitement. Celui-là en fait partie. Nous étions la semaine passée en vacances dans le sud de l’Angleterre, notamment du côté de Brighton. Comme à chaque fois que je voyage je regarde si pendant mon périple il n’y aurait pas des concerts intéressants. Début août, je n’y crois pas trop. Un festival peut être ? Mais ils sont souvent tous complets depuis belle lurette dans la perfide albion. J’avais repéré avec déception celui programmant Nick Cave à Brighton, sa ville d’adoption. C’était le 31 juillet et quelques jours seulement avant notre venue sur ces mêmes lieux. Surtout que l’Australien, hôte de la soirée avait eu la bonne idée d’inviter les toujours merveilleux Flaming Lips, Cate Le Bon ou The English Teacher. Bref, ça sentait la soirée d’exception. Déception accentuée par le fait qu’il restait encore des places presque jusqu’au dernier moment, que le sieur Nick Cave improvisa à la façon Beatles un set surprise et gratuit sur le toit de Resident Records, célèbre disquaire local le matin même et enfin que Kylie Minogue partageait avec lui la scène le soir le temps de l’inoubliable "Where The Wild Roses Grow".

Mais j’avais déniché un plan B qui gagna en intérêt au fil des écoutes. "The Sweet Goodbye" est le premier album de Opus Kink et c’est une vraie réussite. Il mélange le post-punk et le jazz tout en gardant une belle puissance mélodique. Bref, une sacré gageure. Opus Kink avait aussi l’avantage d’être une formation du cru. Ils jouaient le 6 août au Concorde 2, à 30 minutes a pied de notre hôtel, le long de la digue de Brighton. Mais finalement, j’y ai renoncé : trop de contraintes dans l’organisation de notre journée et puis ce n’est pas le genre de musique qui plait particulièrement à nos ados. Il aurait fallu les planter pour la soirée : pas top pour des vacances en famille, d’autant que Opus Kink seront de passage en décembre à Paris pour le même prix. En tout cas, si je les ai pas encore vus, ce voyage m’aura permis de faire une bien belle découverte musicale (et aussi "Jubilee Street" même si ça n'a rien à voir), loin d'être qu’un simple faire valoir à défaut de mieux.

Panda Bear & Sonic Boom - A ? of When

2026-07-15T09:00:00.000+02:00

L’été est déjà bien présent dans les têtes et dans les corps : l’heure habituelle pour mettre quelque peu en repos ce blog. Ce deuxième disque du duo formé par Panda Bear, toujours membre d’Animal Collective et Sonic Boom, ancien membre de Spacemen 3 et Spectrum, ressemble fortement à l’album idéal pour profiter pleinement du soleil rayonnant et de la chaleur qu’on voudrait plus supportable et moins étouffante. Car ce "A ? of When" n’est que légèreté, encore plus que le précédent "Reset". Les deux premiers titres annonciateurs, le formidable morceau éponyme et le non moins sémillant "Graveyard" étaient quelque peu des leurres, les chansons les plus immédiatement accrocheuses et dansantes. Pour le reste, Panda Bear semble plus aux manettes que jamais, sa vénération pour Brian Wilson, est ici d’une évidence implacable. Tout nous fait penser à la musique du célèbre metteur en son de "Pet Sounds". "Pray To You" ou "Like A Moth In A Flame" sont simples et belles à pleurer. Sonic Boom se fait discret, il semble loin le temps du psychédélisme fiévreux de ses précédentes formations. Même celui où il produisait le meilleur album de MGMT, le bien nommé "Congratulations" en 2010. On pourrait dire de même de Panda Bear, même si, il y a 20 ans déjà, à l’écoute de "Person Pitch", on entendait des harmonies vocales proches de celles-ci, couvertes sous les nombreux effets sonores.

Ici, les mélodies sont presque réduites à leur plus simple expression, juste délicatement ornées. "A ? of When" aurait pu, en son temps, être une chanson de Depeche Mode ("A Question of Time", "A Question of Lust"). On pourrait leur répondre que c’est déjà maintenant et se dire que des gens fabriquent encore ce type de musique naïve et utopiste aujourd’hui est presque rassurant. Profitons au mieux du présent, le futur est si incertain.

Fête de la musique - Trotski Nautique - Hazy - Paris, le 21 juin 2026

2026-06-27T09:00:00.000+02:00

La fête de la musique, ce n’est pas vraiment mon moment préféré de l’année, loin de là. J’ai bien souvent été déçu, ayant le sentiment de ne pas être au bon endroit, au bon moment. Cette fois-ci, je n’ai pas eu l’envie d’improviser, par expérience, c'est rarement un pari gagnant. J’avais repéré une soirée organisée par les graphistes de "Arrache-toi un oeil" et le bar à bières Hazy, dans le 20ème. Parmi les groupes aux styles qui pouvaient nous plaire, il y avait surtout Trotski Nautique, dont j’ai déjà parlé à travers un livre d’un de ses deux membres, David Snug. Le concert a du mal à démarrer à cause de problèmes techniques. Sur le trottoir d’en face, un gars fait tourner la musique à fond sur un sound system, une des principales sources de nuisance de cette manifestation, participant au sentiment récurrent de "défaite de la musique". Ça ne s’annonce pas sous les meilleurs auspices. Heureusement, la rue Sorbier est sous les arbres et c’est important d’être protégé par temps de canicule. La musique de Trotski Nautique peut enfin démarrer. Tout le matériel repose sur une seule table. David Snug lance les morceaux sur son PC Linux (sus aux multi-nationales !) quand Alda Lamieva pianote sur son synthé. Nous assistons béats à une performance complètement décalée et hors du temps. Le trop maigre public autour de nous est également conquis. Les références nous parlent : "géniales" reprises de "Blue Monday" à la flûte et de "Smells Like Teen Spirit" dont les paroles sont traduites mot à mot en français.

Le discours est éminemment politique, anarchiste, - "A bas Fabien Roussel" - tout en restant d’une légèreté confondante. Mais derrière la façade naïve se cachent une intégrité et des convictions profondément marquées. Trotski Nautique, c’est Didier Super qui a écouté Joy Division et lu Marx. Un petit fanzine et 2 CD sont vendus à un euro symbolique, Snug surveillant même que c’est le bien le cas et pas plus. La suite de la soirée ne pourra être que décevante, nous en profitons pour goûter aux bonnes bières locales du Hazy - attention toutefois à l’abus d’alcool, surtout en période de forte chaleur. Après un rapide tour du quartier, nous regagnons déjà nos pénates, pour constater qu’il y avait aussi d’autres petits concerts sympas près de chez nous , croisant au passage, Emmanuel Grégoire, le nouveau maire de Paris - c’est également son quartier - incognito, à la terrasse d’un resto. Bref, une fête de la musique, drôle, courte, ciblée. Une de mes préférés. En somme, le temps et la période idéals pour se rafraîchir et faire du Trotski Nautique.

Collection Discogonie "The Idiot" de Iggy Pop et "Closer" de Joy Division

2026-06-20T09:00:00.000+02:00

Dis donc, ça faisait longtemps que je ne vous avais parlé de cette formidable collection de petits livres sur le rock et sur ses disques cultes. Ça s’appelle Discogonie et il y a déjà eu plusieurs dizaines de bouquins sortis sur des albums allant de Melody Nelson à Rage Agains The Machine en passant par The Queen is Dead ou Pornography. Ces livres, compléments idéaux des disques, retracent le contexte qui a vu la naissance de l’oeuvre musicale, décrivent ensuite chacune des chansons, tant d’un point historique, sonore ou textuel pour finir par parler de la réception et la postérité de l’album. Ils ont aussi l’avantage de pouvoir être lus le temps de l’écoute ou presque. J’ai donc récemment complété un peu plus ma collection - de nouveaux qui s’annoncent passionnants sortiront d’ici la fin d’année "Blackstar" de Bowie, "Homogenic" de Björk ou "Forever Changes" de Love. Je me suis dit que je pouvais rassembler dans une même chronique "The Idiot" de Iggy Pop et "Closer" de Joy Division. Le point commun ? Tout amateur de rock qui se respecte sait - non ? - que Ian Curtis écoutait ce disque de l’iguane le soir de son suicide. Palem Candilier et Marc Besse n’en sont pas à leur premier ouvrage dans la collection Discogonie. Le premier est responsable des numéros sur l’album blanc des Beatles et le "In Utero" de Nirvana; le second, ancien journaliste aux Inrocks de la grande époque, sur "The No Comprendo" des Rita Mitsouko.

Le livre sur Joy Division constitue avant tout un rappel toujours nécessaire de l’incroyable talent d’écriture de Curtis. Il me donne aussi envie de me replonger dans les films "Control" du photographe Anton Corbijn ou "Twenty-Four Hour Party People" de Michael Winterbottom, magnifiques témoignages fictionnelles d’une époque et d’une scène musicale inoubliables. Le premier film raconte en noir et blanc - forcément - le parcours météorite mais déchirant de Ian Curtis et son groupe. Le second, plus léger, englobe toute la scène de Manchester de la fin des années 70 au début des années 90, du label Factory Records à la salle de concert mythique de l’Hacienda, à travers la vie du journaliste Tony Wilson devenu héros local.

Le livre sur Pop parle de la conversion de l’ex-chanteur des Stooges à tout un pan de la culture européenne par l’entremise de son ami Bowie : l’enregistrement aux studios du chateau d’Hérouville en France, la participation de deux musiciens français Laurent Thibault (Magma, Higelin) et Michel Santangeli (Dan Ar Braz, Higelin), le titre en référence au roman du même nom de Dostoievski, la pochette au tableau "Roquiarol" de Erich Heckel, l’influence musicale de Kraftwerk, etc. Iggy Pop s’intellectualise, sa musique se fait moins direct, on est loin des Stooges. Quelques mois plus tard, avec un Bowie un poil moins présent, il enregistrera un autre album, plus rock, magnifique pont entre les deux univers : "Lust for Life". Alors que la carrière d’Iggy était alors au point mort, "The Idiot" représente cette bascule, cette prise de risque, ce saut dans l’inconnu, quand on n’a plus grand chose à perdre et qu’une seule voie nous apparaît possible. Ian Curtis l’a malheureusement pris au pied de la lettre, de manière plus dramatique et définitive.

Ezéchiel Pailhès - Sol

2026-06-18T09:00:00.000+02:00

Ezéchiel Pailhès est de ces artistes au style immediatement reconnaissable. Qu’il reprenne à son compte de la poésie du XIXeme siècle ou de la musique brésilienne comme sur ce magnifique "Sol", cette voix et ces arrangements électro enrobants n’appartiennent qu’à lui. Dire qu’il n’est pas reconnu à sa juste valeur est pourtant un doux euphémisme. "Sol" est peut-être ce qu’il a fait de mieux. Ce disque est une accumulation ininterrompue de chansons aux grooves légers et aux mélodies irrésistibles. Après PICOT, voilà un autre album qui anticipe brillamment l’été. Il faut dire qu’en reprenant des titres brésiliens, c’est plus facile de viser juste en termes de soleil et de lumière.

Mais le francilien Pailhès a réussi à se réappropier une fois de plus ses innombrables et hétéroclites influences de manière incroyablement naturelle. Si ses précédents albums étaient empreints d’une profonde mélancolie à la fois dans les textes et la musique, les rythmiques toujours un peu dansantes de ce radieux "Sol" agrémentent joliment un style qu’on pouvait jusque là taxer d’un poil neurasthénique. Nous voilà déjà parés à affronter les chaleurs qui arrivent, prompts à fêter l’été et la musique dignement. Cet art indispensable à nos vies, qui lui apporte une énergie et un feu intérieurs pas prêts de s’éteindre. Merci à Ezéchiel Pailhès pour cette nouvelle brillante demonstration.

SOL de Ezechiel Pailhès

PICOT (+ Jean Felzine) - Le Popup du Label, Paris - le 12 juin 2026

2026-06-15T09:00:00.000+02:00

C’est la première fois que nous allions à un concert dans la petite salle du Popup du label. Pourtant, c’est sans doute la salle de concert la plus proche de chez nous. La soirée était organisée par le label Vietnam, avec deux artistes français. Le premier et plus expérimenté est Jean Felzine, chanteur du groupe Mustang qui officie depuis une vingtaine d’années. Il est seulement accompagné d’un autre guitariste, Hedi Bensalem, pour présenter son nouvel album, son premier depuis la fin de son groupe. "Cinéma Permanent" sortira le 9 septembre prochain. Les titres courts sont exécutés avec une belle maitrise, tant dans la voix que l’instrumentation sobre mais efficace. Restent ces paroles bien écrites mais souvent crues avec des thèmes parfois malaisants ("Dirty Walk"). Le set se termine par "Un homme peut-être" dont le sujet est la maladie de son père, alors en fin de vie, incapable d’uriner seul - et pas du tout l’inceste, comme je le pensais initialement, mille excuses pour cet affreux malentendu. Felzine avoue qu’il aurait soit disant préféré appeler cette chanson "La bite à papa", plus direct. C’est le paradoxe de cet artiste : un mélange assumé de branchouille et de franchouille, même sur des sujets hautement personnels. Et aujourd’hui, plus qu’avant, il faut choisir son camp.

Ensuite, ce fut le tour de Thibault Picot, raison principale de notre venue. Son premier disque, "Presque Pop" est une des plus belles choses qui soit arrivée à la pop de chez nous en 2026. Ils sont cette fois-ci cinq sur scènes : deux guitares, une basse, une batterie et un clavier. Tous jeunes, la trentaine max, tous sympathiques, de ceux qu’on accepteraient volontiers comme potes. Tout l’album est joué, dans le désordre et c’est loin d’être un "long tunnel" comme l’annonce le chanteur au début. La musique sur scène perd un peu de sa précision mais gagne en puissance, toute proportion gardée. Picot ne fait pas du rock, mais une pop mélodique et sucrée à souhait. Parfaite pour l’été qui arrive à grand pas. Miam, miam...

Tyler Ballgame - For The First Time, Again

2026-06-12T09:00:00.000+02:00

Il arrive parfois (souvent ?) que je néglige un disque au moment de sa sortie, faute d’une écoute suffisament attentive. Le premier album de Tyler Ballgame est de ceux-là. Il faut dire que cette musique ne se prête pas à une éclosion au mois de janvier, en plein coeur de l’hiver. Elle est plutôt parée pour l’été. Elle est légère, aérienne, enjouée, mélodieuse. Elle respire l’amour. Elle a besoin d’espace. Ce jeune chanteur américain à la voix d’ange est accompagnée par la fine fleur de la pop indépendante américaine avec Jonathan Rado (guitariste de Foxygen et producteur pour Weyes Blood, The Lemon Twigs ou Father John Misty) et Ryan Pollie (Los Angeles Police Department). Ce beau monde est fortement inspiré par le rock de la fin des années 60 et du début des années 70. On y entend un certain classicisme derrière toutes ces sonorités. On y entend même ici l’influence d’un certain Jobriath, une des idoles de Morrissey, sorte de Ziggy Stardust américain un peu boursouflé mais à la touchante sincérité. Voici une bande de trentenaires - bon, Ballgame a seulement 29 ans - qui n’est pas là pour révolutionner quoi que ce soit, mais pour faire perdurer très intelligemment et très brillamment la musique de leurs parents.

Tyler Ballgame pourrait être vu comme une version masculine de Weyes Blood : même musique intemporelle qui se fiche des époques, même pop ensoleillée, même arrangements simples et classieux. Et cette voix, mon dieu, cette voix ! Avec un tel organe, tout paraît possible, à l’image du Tim Buckley des débuts, avant qu’il ne verse dans une musique jazz, plus expérimentale. Il sera au prochain Rock en Seine, au beau milieu de groupes aux profils souvent nettement plus rock et brut. Pas sûr que cette voix et cette musique délicates soient faites pour les grands raouts de plein air... Vais-je quand même me laisser tenter ? En attendant "For the first time, again" - comme pour dire que cette musique de "vieux" nous touche toujours comme lors de la première écoute - est indéniablement un des plus beaux albums de 2026.

For The First Time, Again de Tyler Ballgame

Vince Staples - Cry Baby

2026-06-09T09:00:00.000+02:00

Il fallait que je poursuive mon incursion dans le monde du rap après le concert enthousiasmant de Little Simz. Mais attention du rap aux sonorités très rock, pas celui à la musique générée par IA. L’américain Vince Stapples est coutumier du fait. Dès son premier disque "Summertime 06", sa pochette inspirée par celle du célèbre "Unknown Pleasures" annonçait la couleur. J’étais passé complètement à côté. "Cry Baby" présente une pochette au message encore plus évident. On y reconnaît un Donald Trump bébé portant une couche aux couleurs du drapeau américain retenue par une épingle à nourrice. Le bébé pleure et le message "Cry Baby" indique clairement qu’on le laisserait bien crier sans intervenir et répondre à ses besoins. A-t-il fait caca ? A-t-il faim ? A-t-il mal ? ou fait-il simplement un caprice ? Voilà l’image de l’Amérique Trumpienne pour le rappeur Vince Staples.

Dans ses clips, il enfonce le clou. "Blackberry marmelade" voit un tueur s’en prendre spécifiquement aux noirs et au chanteur lui-même. La vidéo se termine par le suicide du tueur et le début d’une citation de Martin Luther King : "The question isn’t whether we will be extremists but what kind of extremists we will be". La fin non mentionnée est plus explicite "Will we be extremists for the preservation of injustice or for the extension of justice ?" Sur "White Flag", Staples repeint entièrement la bannière étoilée en blanc avant de la cribler de balles. En 10 titres concis et percutants, il frappe là où ça fait mal. Les rythmiques sont tranchantes à souhait. Non, l’Amérique n’a pas capitulé. La révolte est en marche. Pleure, bébé, pleure. Finie la récré, les adultes vont reprendre le pouvoir, le temps que tu en deviennes un, toi même. Chacun doit reprendre son rôle. Si seulement...

Cry Baby de Vince Staples

Gorillaz, Little Simz, Feu! Chatterton - Festival We Love Green, Paris - le 5 juin 2026

2026-06-07T09:00:00.000+02:00

We Love Green a pour habitude de lancer un peu la saison des festivals en plein air. En plus, comme c’est près de chez nous et que la programmation nous tentait une fois de plus : l’an passé, nous y avions vu LCD Soundsystem, Beach House ou Clara Luciani. En 2026, le trio gagnant était composé de Gorillaz, Little Simz et Feu! Chatterton et je dois dire que les concerts étaient dans l’ensemble supérieurs - hormis LCD mais comme on les avait déjà vus l’année précédente à Rock en Seine, le choc fut moindre. Les programmateurs avaient eu la mauvaise idée de mettre Beach House sous chapiteau. Cette scène est une aberration : semi-ouverte, semi-fermée. Le son ne circule pas bien et pour peu que vous arrivez un peu tard ou juste pour le début du concert, vous ne voyez rien. Cette année, aucun de notre trio gagnant n’y fut heureusement programmé. Sébastien Tellier dont le dernier disque un peu gênant, n’avait pas besoin d’un tel lieu et d’un tel horaire - pile entre Feu! Chatterton et Gorillaz pendant l’heure de la pause repas - pour être totalement ignoré ou presque. C’est peut-être pour ça que nous croisons quelques politiques venues icognitos à ce moment-là, près du chapiteau : Marine Tondelier et Lucie Castets. Pour le reste, donc, Feu! Chatterton, impeccable, mais quelques titres et le style plutôt intimiste du groupe ne semblent pas faits pour les grandes scènes de festival. Je préfère leurs deux premiers disques qu’ils ne joueront quasiment pas, mise à part l’incontournable "La Malinche" pour un final rythmé et dansant.

Pour Gorillaz, le concert est monté progressivement en puissance. On ne va pas se le cacher, le dernier "The Mountain" n’est quand même pas au niveau de leurs trois premiers albums "Gorillaz", "Demon Days" et "Plastic Beach", trois classiques du rock melting-pop du vingt-et-unième siècle, qui n’ont toujours pas pris une ride, ce qui ne semblait pourtant pas évident à leur sortie. C’est un des nombreux talents de Damon Albarn, celui de surfer sur l’ère du temps, tout en faisant une musique intemporelle. Un autre est celui de rassembler les cultures : qui actuellement peut se targuer d’inviter sur une même scène l’américaine Kara Jackson, la malienne Fatoumata Diawara, les rappeurs Bootie Brown (The Pharcyde) et Posdnuos (De La Soul) et le syrien Omar Souleymane ? Même si les chants des autres invités sur disque non présents sur scène sont enregistrés - une pensée pour le défunt et immortel Mark E. Smith dont l’image jeune est diffusée sur grand écran, le temps du percutant "Delirium" - les magnifiques effets visuels permettent d’emporter l’adhésion. Et finir avec leur plus grand tube "Clint Eastwood" dont l’essentiel n’est pas chanté in situ ne diminue en rien l’enthousiasme général. "The Mountain", c’est aussi un hommage à l’Inde et sa célèbre chanteuse Asha Boshle récemment disparue - "Brimful of Asha" de Cornershop sorti en 1997, c’était aussi pour elle - avec un musicien local parmi les nombreux intervenants. Albarn s’essaie au français et j’avoue n'avoir rien compris. Pas de message direct pour la Palestine cette fois-ci mais la musique de Gorillaz est une telle ode implicite, parfois naïve donc maladroite, à la fraternité, au mélange des cultures, à la bienveillance malgré les tenues militaires - la paix n'est-elle pas elle-même une guerre à mener ? -, que tout discours devient superflu. Change rien Damon et merci. Ce fut un grand show.

Pour enchainer après ça, il a bien fallu une pause. Pas de Dijon pour nous : la fameuse scène sous chapiteau et la musique insipide - à peine acceptable comme musique d’ambiance, désolé pour les fans - nous permettent de manger, enfin. Et ce fut enfin Little Simz sur la grande scène avec beaucoup moins de musiciens que Gorillaz : une troupe restreinte mais classe - mention spéciale au look terrible de la bassiste - et efficace. L’anglaise d’origine nigériane à l’improbable blouse d’écolière, est une vraie bête de scène et sa musique bien plus complexe que la soupe habituelle autotunée des rappeurs "mainstream", prend encore plus d’ampleur en live. Si j’avais un peu d’appréhension à assister à un concert de rap - vous savez que je ne suis pas vraiment un amateur du genre - j’ai vite été embarqué et pris plaisir à cette prestation enjouée et dynamique. La chanteuse se transforme même en DJ au beau milieu du set, histoire de réveiller davantage un public conquis mais malheureusement plus clairsemé que devant Gorillaz, horaire tardif oblige. Tant pis pour les couches tôt ou les lointains banlieusards, Little Simz fut pour moi une sacrée confirmation. Bref, si la prochaine édition est encore meilleure, on a déjà hâte d’être à We Love Green 2027.

PS : Désolé, je n'ai pas mis de vidéos de We Love Green mais d'autres prestations live de meilleure qualité visuelle et enregistrés de manière plus professionnelle pour le son, ce qui devrait davantage vous donner envie d'aller les voir live.

Iceage - For Love of Grace and the Hereafter

2026-06-03T09:00:00.000+02:00

Ceux-là, ça faisait bien longtemps que je n’en avais pas parlé. Depuis le premier album "New Brigade" paru en 2011, une éternité. A l’époque, les danois jouaient un punk énervé et barré à souhait où chaque semblant de mélodies était laminé au hachoir. En 2013, il y a eu aussi ce passage à la Route du Rock, le même jour que le concert mémorable de Nick Cave et de ses Bad Seeds. Je fus déçu par le son presque métal et lourd du groupe. C’était à la sortie de leur second disque "You're Nothing". Après cette prestation, je me suis détaché de Iceage. N’essayant à peine de leur redonner une nouvelle chance, persuadé que leurs plus belles années étaient passées, cette musique n’aimant pas la maturité et la maîtrise. J’ai bien ensuite donné un peu sa chance à la carrière solo de son chanteur Elias Ronnenfelt, qui joue un peu trop au beau gosse pour être honnête. Pourtant le style et la démarche est à mille lieux de ceux de sa formation, il fait appel pour l’occasion à l’inclassable producteur et metteur en son Dean Blunt : original à défaut d'être inoubliable. Il était sans doute enfin l’heure de réécouter un nouvel album de Iceage, "For Love of Grace and the Hereafter", déjà le sixième, quinze ans après les débuts prometteurs et force est d’avouer que c’est sacrément bien troussé. On pense à une version scandinave d’un mélange entre Fontaines DC et les Strokes. Pas étonnant qu’on retrouve les célèbres dublinois en même temps que Ronnenfelt solo, en août prochain à la Route du Rock - n’essayez pas de prendre des places pour le 15/08, je crois qu’il n’en reste plus pour cette date.

Iceage, eux, viennent d’être programmés au Pitchfork festival, le 2 novembre pour un double concert la même journée. Bah oui, quand on a du mal à remplir sa programmation, on demande au même groupe de jouer deux fois de suite. Pour les fans hardcore qui voudraient assister aux deux concerts, c’est à priori possible mais il faudra payer deux fois - drôle d’idée ! En tout cas, ce nouveau disque contient suffisamment de titres excitants pour devancer aisément pour moi les dernières productions des Strokes ou de Fontaines DC. Iceage revient tout d’un coup parmi les meilleurs groupes rock du moment. La maturité n’est pas ici synonyme d’ennui et de chemins tout tracés. Si les incursions solo de Grian Chatten - avec pourtant un très beau disque - ou en groupe pour Julian Casablancas - les dispensables The Voidz - n’ont pas permis d’améliorer les reformations de leur groupe originel - tout au plus de les démocratiser davantage - c’est loin d’être le cas pour Ronnenfelt. "For Love of Grace and the Hereafter" est d’ores et déjà un des meilleurs disques rock de 2026, voire au-delà.

For Love of Grace & the Hereafter de Iceage

PICOT - Presque Pop

2026-05-24T09:00:00.000+02:00

Oui, je sais, je ne suis plus aussi assidu. Il faut dire qu’il y a eu les vacances et un manque progressif d’envie. Comme chaque année si j’ose dire. Rien de tel pour un retour aux affaires avec un disque français. Ça fait un moment que je délaisse la production hexagonale, me recroquevillant essentiellement sur les valeurs sûres comme Bertrand Belin ou Barbara Carlotti. Pourtant, il existe évidemment de nouveaux talents. PICOT en fait partie. Nouveau ? Pas vraiment puisqu’il officie depuis un moment au sein de groupes comme Good Morning TV et Brace! Brace! Talent ? Evidemment et il suffit de peu d’écoutes pour s’en persuader. Mais "Presque pop" est bien son premier effort solo. "Presque", parce qu’on sait bien que cet album n’aura pas de reconnaissance "populaire" à grande echelle comme il se devrait. "Pop", parce que ça l’est résolument. PICOT est de cette école française biberonnée aux douces mélopées beatlesiennes et au sens du rythme propre à la French Pop. Désolé pour les superlatifs - encore une fois ? - mais ce disque est une magnifique réussite de bout en bout. Il gagne même en saveur au fil des écoutes.

Ces onze miniatures pop de 3 minutes tout au plus - le timing parfait de la pop song -sont intelligemment construites, sans rajout superflu. Les paroles sont celles d’un jeune adulte encore peu sûr de lui, originaire d’une province un peu délaissée, l’ouvrière Saint-Etienne pour ne pas la citer. Preuve si besoin était que cette scène française (les labels Vietnam, La Souterraine, Objet Disque, Chevalrex, O, etc) n’est pas que repère de bobos parisiens, empestant l’entre-soi. De toute façon, on s’en fout, seule compte la musique. Et quand elle est aussi belle et rafraichissante, le "Presque" parait indéniablement de trop.

Weird Nightmare - Hoopla

2026-05-11T09:00:00.094+02:00

Weird Nightmare est le projet solo du canadien Alex Edkins, leader de la formation METZ. Si son groupe est adepte d'un rock dur, lourd et dissonnant, il n'en est rien ici. Le son de ce deuxième album sorti quatre ans après le premier est bien différent, puisque c'est plutôt du côté d'une pop-rock mélodique aux sonorités nineties qu'il faut aller chercher les influences. Ce "Hoopla" est un disque modeste qui passera assez inaperçu et qui pourtant, fait incroyablement bien le job. Pas d'esbroufe inutile mais des chansons courtes autour de trois, quatre minutes maximum, denses, compactes, sans temps mort, efficaces en diable. Les deux minutes de "Might See You There" avec ses choeurs féminins sont à ce titre assez irrésistibles. Weird Nightmare, malgré son nom pas très avenant, constitue donc la récréation de Edkins - pour preuve les clips pas très sérieux des singles - l'espace où il peut se laisser aller à des morceaux plus légers, moins ambitieux. Et bizarrement, je préfère.

Oui, j'avoue n'avoir jamais été très fan de toute la scène punk hardcore nord-américaine, de Black Flag à Fugazi. Je peux apprécier sur un titre ou deux, mais rapidement je décroche. METZ en sont des dignes descendants. Metz, descendant... oui, les amateurs de foot français, verront peut-être la pitoyable analogie au classement du club en ligue 1. Mais Weird Nightmare propose à l'inverse un jeu sobre et assez redoutable, pas le genre à lutter pour une quelconque survie parmi l'élite. Bref, si vous avez envie de pop-rock entêtante et pas prise de tête, je vous conseille d'essayer ce "Hoopla", c'est comme qui dirait de la dynamite.

Hoopla de Weird Nightmare