La musique à papa

Memorials - All Clouds Bring Not Rain

2026-03-30T09:00:00.001+02:00

Ça commence par une musique lancinante, lynchienne à souhait, qui n’aurait pas fait tâche sur la bande originale de Twin Peaks, puis le rythme s’accélère rapidement et le son prend une ampleur et une dynamique proprement jubilatoires, se rapprochant cette fois-ci du krautrock. Voilà "Life Could Be A Cloud", premier morceau de "All Clouds Bring Not Rain". Le duo Memorials est déjà de retour, une fois de plus pour le meilleur. Après la sortie du nouvel album de The Notwist, le reste des nouveautés musicales me paraissaient soudain fades et anecdoctiques. C’est pourquoi je n’ai rien écrit pendant plusieurs jours. Verity Susman et Matthew Simms ont réussi de nouveau l’exploit de mélanger quantités d’influences diverses, en plus de celles déjà citées plus haut, on pourrait rajouter Stereolab - figure incontournable de la pop qui mélange admirablement le post-punk et l’électro -, Electrelane évidemment, la scène anglaise de Canterbury (Robert Wyatt, Kevin Ayers, Caravan, etc) dont le groupe est d’ailleurs originaire et tout plein d’autres comme des sonorités jazzy. C’est tantôt mélodique, tantôt expérimental, à l’intérieur même d’un morceau.

Si on pouvait s’ennuyer un peu à l’écoute de leur précédent, "Memorials Waterslides", il n’en est rien ici. J’avais raté leur venue à la dernière Route du Rock, je vais encore les rater pour le prochain passage au Hasard Ludique, à Paris, le 8 avril. S’ils continuent d’évoluer aussi bien et aussi vite, il faudra que j’essaie de mieux et plus rapidement caler notre première rencontre. En attendant, ce passionnant "All Clouds Bring Not Rain" promet une durée d’écoute assez illimitée. Tous les nuages n’apportent pas la pluie. Derrière son apparence austère, ce disque génère en effet un éclat et une lumière plus que durables.

All Clouds Bring Not Rain de MEMORIALS

The Notwist - News From Planet Zombie

2026-03-17T09:00:00.078+01:00

Voilà, on y est : première importante pierre musicale posée en 2026. Le nouvel album des allemands de The Notwist. Le dernier en date "Vertigo Days" en 2021 était tout simplement mon disque préféré de l'année. Là, dès l'écoute du génial et percutant "X-Ray", première salve de ce "News From Planet Zombie" disponible en ligne, je me suis dit qu'on tenait encore une grande oeuvre. L'écoute complète de l'album m'a confirmé cette première impression. C'est même peut-être leur disque le plus immédiat, le plus accrocheur, le plus rythmé, le plus mélodique, etc. D'aucuns pouvaient jusqu'à présent regretter dans la musique de Notwist une certaine langueur, une atonie qui faisait qu'on finissait parfois par s'y ennuyer. "News From Planet Zombie" contient suffisament de variétés, de changement de ton et de rythme pour nous garder constamment en alerte. Ce qui promet déjà les plus hautes places pour mon bilan annuel.

On y entend aussi pour une fois beaucoup de cuivres. Ce disque me fait d'ailleurs penser au meilleur de la musique des Canadiens de Broken Social Scene, lesquels ont également prévu de revenir cette année. C'est dommage, The Notwist passeront à Paris pendant mes prochaines vacances, à la fin du mois d'avril, mais je ne désespère de les voir cet été, à la Route du Rock ou ailleurs. Ils sont devenus au fil des années un des mes groupes actuels préférés. Tout ce qu'ils touchent est marqué par le sceau d'une incroyable qualité. Merci mille fois !

News from Planet Zombie de The Notwist

Michel Houellebecq & Frédéric Lo - Souvenez-vous de l'homme

2026-03-15T09:00:00.007+01:00

On ne présente plus le premier, l’un des écrivains français les plus traduits au monde, controversé, aimant la provocation, jusqu’à flirter avec l’extrême droite ou tourner dans un porno amateur. On l’avait déjà retrouvé sur disque lors d’une collaboration avec Bertrand Burgalat pour le brillant et culte "Présence humaine" en 2000. Ses textes poétiques se marient bien avec la musique, ils ont leur mélodie, même s’ils sont juste déclamés. On connait un peu moins le second. Pourtant, c’est lui qui fut à l’origine du renouveau artistique de deux chanteurs attachants et en perte de vitesse, au bout du rouleau : d’une part, Daniel Darc, l’ex Taxi Girl avec le bien nommé "Crève coeur" en 2004, grand disque de chanson d’ici, et d’autre part, Pete Doherty, l’ex Libertines qui peinait à se renouveler avec un album élégant, à la classe délicieusement désuète. Les deux se seraient mis d’accord à l’écoute du "Psaume 23" repris par Darc sur l’album susnommé. Houellebecq trouvait que Lo avait réussi à habiller admirablement ce texte biblique alors même que Darc n’avait fait que le réciter. La force de la poésie, d’après l’écrivain, c’est qu’elle ne nécessite pas spécialement de qualité d’interprétation, elle ne doit d’ailleurs pas être surjouée, un ton neutre est souvent plus émouvant. "Souvenez-vous de l’homme" est une prolongation de ce psaume sur 12 poèmes écrits par Houellebecq.

On y retrouve les thèmes qui lui sont chers, ce n’est pas gai : la mort, sa mort, notre mort, la mort de l’espèce humaine. Nos gesticulations vaines. La victoire des machines - le sublime "Le dialogue des machines" - notre déshumanisation. L’absence de sortie heureuse. Mais en attendant, cette volonté éphémère de sortie du monde, pour ne pas voir, pour ne plus voir. Houellebecq semble avoir arrêté de combattre, se sentant trop vieux. Il y a de la résignation ici. Une présence humaine en filigrane. On retrouve aussi les arrangements intelligents de Lo, dans l’esprit de ce qu’on connaissait déjà. Avec de tels habits, pas besoin d’en rajouter, ni même de chanter. On se souviendra de ce disque comme d’un des plus beaux albums de chanson française de 2026.

Geese + Westside Cowboy - La Cigale, Paris, le 7 mars 2026

2026-03-10T10:00:00.024+01:00

La musique à papa s’inscrit un peu en mode vacances en ce moment. Mais je n’ai pas pour autant fait l’impasse sur le concert - ou plutôt les concerts puisqu’au regard du remplissage rapide une date et un lieu supplémentaire ont dû être rajoutés - des bobos New-Yorkais de Geese, annoncés presque partout comme l’avenir du rock. En première partie, on eût droit aux mancuniens de Westside Cowboy. On est arrivés un peu tard, loupant quelques minutes et pour une fois, je dois dire que j’ai regretté. Ça fait belle lurette que je n’avais pas vu et entendu une telle première partie, les 4 jeunes anglais dégagent une énergie et une maîtrise bluffantes. Une partie du public a l’air d’être venus aussi pour eux, à moins que ça soit simplement parce qu’en l’espace de quelques minutes, ils ont réussi l’exploit d’embarquer l’audience parisienne souvent réputée comme blasée. C’est évident que ce groupe va faire parler de lui, on n’assiste pas à une telle révélation tous les jours. Lors du dernier morceau, les quatre membres de Westside Cowboy chantent tous à capella, faisant preuve d’une belle unité. Avant cela, le chant se répartissait équitablement entre les deux guitaristes et la bassiste. Et puis, chacun des titres propose une dynamique et un climat différents. Ils n’ont pour l’instant sorti que 2 EP qui ne restituent qu’en partie les qualités de cette formation. C’est un euphémisme de dire qu’on attend la suite avec impatience.

Alors que nous montons à l’étage de la Cigale pour mieux voir la scène pour Geese, nous assistons à l’arrivée du carré VIP, une première pour nous, lors d'un concert de rock. Nous reconnaissons uniquement l’acteur Vincent Lacoste. Ces places réservées ont eu pour mérite d’être couplées à un agent de la sécurité s’assurant également pour les non invités comme nous que personne ne se mettait debout devant notre champ de vision. La classe. Geese fut ensuite à la hauteur des attentes voire plus encore, délivrant un set impeccable et presque parfait de bout en bout. Ils ont joué tous les titres de "Getting Killed" appelé à devenir un classique de son époque. La voix de Winter est impressionnante, bien plus que sur disque où elle pourrait agacer. Les autres musiciens moins mis en avant sont pourtant au diapason, planqués derrière leurs instruments et bien souvent plongés dans la pénombre. La scène rend également admirablement la complexité de ces morceaux. En rapport, les 3 autres chansons jouées non extraites de leur dernier album paraissent l’oeuvre d’une bande d’adolescents n’ayant pas encore trouvé leur voie. Finir par les dantesques "Long Island City Here I Come" avant rappel et "Trinidad" après rappel nous a aussi laissés pantois, ébahis devant le déluge sonore et la maîtrise technique. Je ne sais pas si Geese est l’avenir du rock et je m’en fiche mais si leur avenir s’écrit avec cette qualité et cette exigence, leur écoute ne pourra qu’améliorer notre futur. Pas étonnant qu’une partie du public, jeunes comme plus âgés - première fois aussi depuis longtemps qu’un concert auquel nous assistons rassemblait autant les générations - en sortant s’est jeté sur le stand merchandising, voulant immortaliser ce moment, pour eux et les générations futures.

Gorillaz - The Mountain

2026-03-02T09:00:00.030+01:00

Petite pause sur ce blog pour cause de vacances et retour avec, pour moi, l’un des disques les plus attendus de l’année. En effet, j’ai pris mes billets pour les aller voir pour la première fois lors du festival We Love Green qui aura lieu en juin prochain, tout près de chez moi. "The Mountain" est le neuvième album de Gorillaz, le meilleur depuis "Plastic Bleach", ou au moins depuis "Song Machine". Là où la plupart de leurs disques, à force de partir dans tous les sens, mariant quantités d’influences disparates, avaient souvent tendance à tourner en rond, celui-ci se montre nettement plus homogène avec une tonalité indienne prédominante et des thèmes recentrés autour de la mort. Il faut dire que la paire Jamie Hewett - l’homme derrière l’aspect graphique - et Damon Albarn - l’homme derrière la musique - ont tous deux perdus leur père récemment. Ils ont aussi tous deux été subjugués par un voyage en Inde. Le premier morceau éponyme purement instrumental fait pourtant penser à une musique d’ambiance, telle qu’on pourrait l’entendre dans un salon de massage ou de soins.

La suite, bien sûr, nous mènera bien plus loin, nous faisant croiser quantités d’invités, comme à l’habitude. Les plus notables : les Sparks, Kara Jackson, Idles, le rappeur argentin Trueno, Mark E. Smith - oui, Gorillaz fait même ressusciter les morts ! - ou Omar Souleyman. On retrouve aussi régulièrement le phrasé de Black Thought, ancien membre de The Roots, le sitar d’Anoushka Shankar et la guitare de Johnny Marr. Et bien sûr la voix de Damon Albarn, peut-être plus qu’à l’accoutumée. Non, "The Mountain" n’est pas une reprise de Jean Ferrat, même si, à sa façon, elle est aussi bien belle.

The Mountain de Gorillaz

Hen Ogledd - Discombobulated

2026-02-23T09:00:00.025+01:00

Ils m’avaient enthousiasmés en 2020 avec le très copieux et complètement barré "Free Humans". L’album s’était placé à la troisième place de mes disques de l’année, derrière les non moins frappadingues Dan Deacon ou The Avalanches. Et oui, en 2020, pour moi, la folie et l'énergie étaient de mise. En 2026, il faudra encore plus pour supporter une actualité pour le moins révoltante. Heureusement pour moi, les Abba (et oui, deux hommes, deux femmes aux tenues chamarrées) du prog folk sont de retour et ils sont toujours aussi givrés et imprévisibles. "Discombobulated" (déconcertés), c’est le groupe de Richard Dawson face au monde de post vérité (le superbe "Death in a post-truth world") qui l’entoure. "Discombobulated" c’est nous par rapport à leur musique, qui mélange des influences tellement variées qu’elles paraissent complètement noyées dans le maelstrom sonore. Hen Ogledd a inventé un style qui n’appartient qu’à eux. Ce nouvel album est un peu moins long que le précédent, contenant moins de morceaux, même si "Clear Pools" dure près de 20 minutes.

Bien sûr, Hen Ogledd va continuer de diviser, cette musique peut sembler parfois éprouvante, kitsch, ridicule, mais je persiste à aimer me perdre dans ses dédales, sans beaucoup de repères. Car on y croise quelques pépites au détour du chemin. Et je ne suis pas le seul. Cette fois-ci, même Télérama aux goûts musicaux souvent sans risque, se décide à les suivre, embarqué par la production solo de Dawson. Voilà en tout cas une formation dont je me demande à quoi peut ressembler un concert. Dommage pour l’instant, aucune tournée n’est planifiée.

DISCOMBOBULATED de Hen Ogledd

Luke Temple - Hungry Animal

2026-02-21T09:00:00.015+01:00

Je me rends compte que je ne parle pas assez de ce chanteur, Luke Temple, ancien leader de Here We Go Magic. Depuis la fin (définitive?) de son groupe, j'avoue que j'ai quelque peu décroché sur sa carrière solo commencée il y a pourtant plus de vingt ans. Surtout qu'à l'écoute de cet excellent "Hungry Animal", son huitième (!), je dois dire que je retrouve immédiatement le style de Here We Go Magic : cette propension à mettre en avant et soigner la rythmique, cette douce voix, ces mélodies limpides et enveloppantes. Comme des Talking Heads - inspiration revendiquée - en version chill, au groove souple. La qualité principale de Luke Temple, c'est ce talent naturel pour tricoter de jolis canevas sonores pour ses chansons. On garde le fil tout le long de ce nouveau disque, qui s'écoule facilement, bien agréable à l'oreille, même s'il perd progressivement en énergie. Pour nous amener vers le repos et la volupté.

En tout cas, voilà encore un album qui passera sous les principaux radars médiatiques, loin du bruit ambiant. "Hungry Animal" doit s'écouter au calme pour être apprécié. Il faut aussi accepter de lâcher prise. Il parle de l'animal qui est en nous et qui a soif. Soif d'autres choses que celles qu'on veut nous servir. Soif de beauté, de celle qu'on ne veut plus nous montrer. De peur d'y prendre goût. Merci à Luke Temple d'ouvrir de tels espaces pour nous permettre de nous évader du quotidien.

Hungry Animal de Luke Temple

Nashpaints - Everyone Good is Called Molly

2026-02-16T09:00:00.025+01:00

Attention, voici un disque différent, étonnant. Déjà, le titre "Everyone Good is Called Molly". Comme Molly Malone, poissonnière célébrée dans la chanson du même nom, hymne officieux de Dublin et repris par quantités d’artistes : The Dubliners, U2 ou Sinead O'Connor et même chez nous Renaud ou Hugues Aufray. Ça tombe bien puisque Nashpaints ou plutôt Finn Carraher McDonald - puisque c’est essentiellement cet homme qui se trouve derrière ce pseudo - est originaire de la même ville. Ensuite, il y a cette pochette floue d’une femme qui se maquille devant son miroir - Molly sans doute. La photo est dupliquée avec deux lumières différentes, les deux images se faisant face, comme dans un vrai miroir. Laquelle ment ? Laquelle dit la vérité ? Enfin, il y a cette musique tout aussi éthérée, brumeuse qui rapelle celle de My Bloody Valentine, autre groupe dublinois mais aussi plus récemment la pop lofi de Cindy Lee et de son brillant "Diamond Jubilee". Il y a aussi entre deux références, quelques plages ambient.

Merci à Bandcamp de m’avoir fait découvrir cet album à travers ces "Essential releases" de la semaine, intéressante porte ouverte vers toute sorte de nouveaux sons. Il existe peu d’informations disponibles sur Nashpaints sur internet. Ce n’est pas plus mal, cela vient rajouter au mystère de cet objet sonore non identifié, de cette magnifique musique.

Everyone Good is Called Molly de Nashpaints

A.S. Fanning - Take Me Back To Nowhere

2026-02-14T09:00:00.105+01:00

Apres ER Jurken, voici A.S. Fanning. Autre artiste dont le prénom de scène a été réduit en abréviation de deux lettres. Autre artiste que je suis depuis son précédent album et dont je suis l’un des rares à le faire. Si la voix de ER est douce et mélodique, celle de A.S. est grave et profonde, en mode crooner. On pense beaucoup à Matt Berninger, le chanteur de The National. La musique est par contre nettement plus synthétique. "Take Me Back To Nowhere" nous ordonne-t-il sur ce nouveau disque. J’espère que ce n’est pas à cause de son insuccès chronique : le pauvre n'a même pas une centaine de vues sur Youtube. Quelle époque peut infliger un tel affront à un tel artiste ? Jusqu'à quel niveau va-t-on pousser le curseur de l'injustice ? Pourtant, si "Mushroom Cloud" avait une pochette avec fond rouge vif, celui-ci présente un bleu intense. Le bleu est souvent synonyme de gaieté, de bonheur, d'avenir radieux. Sauf que le titre même de l'album va à l'encontre de cette image. A moins que pour Fanning, le bonheur ne soit tout simplement possible nulle part, ou un idéal toujours inatteignable.

Si "Today is For Forgetting", le chanteur avoue être amoureux ("Now I'm in Love" ou "Romance"), même ça n'est pas facile tous les jours (ce besoin de "Western Medicine", l'excellent et rythmé "Idiot Leader"). Cet amour - peut-être le bleu de la pochette au final - lui donne envie de "Stay Alive". Mais si tout cela n'était qu'un mirage, un rêve dans lequel nous nous parlons à nous-mêmes ("Talking to Ourselves") ? Comme l'indifférence dont fait preuve A.S. Fanning ? L'envie en tout cas de continuer à soutenir encore et encore ce classieux irlandais.

Take Me Back to Nowhere de A.S. Fanning

Ulrika Spacek - EXPO

2026-02-09T09:00:00.001+01:00

On ne parle pas assez des anglais d’Ulrika Spacek. En quatre albums à leur actif, ils sont passés du brouillon de "Loveless" de My Bloody Valentine ou de cousins anglais de Deerhunter à l’audacieux pari de vouloir rivaliser avec le "Kid A" de Radiohead. Rien de nouveau sous le soleil, vous me direz. Ils ont juste voulu embrasser le meilleur du rock indépendant des années 90. Attendez, j’ai quand même écrit, le meilleur, ce n’est pas rien. Et en effet, cet "EXPO" est même un sacré truc. Un de ceux qui nous permette de patienter tranquilles, avant la sortie de la nouvelle production des géniaux allemands de The Notwist, autres experts du son, ingénieurs de la rythmique qui fait mouche, même après mille écoutes. Ceux qui n’apprécient pas le fameux quintet d’Oxford - oui, je parle bien de Radiohead dont on se demande toujours pourquoi ces derniers ont boycotté la France lors de leur dernière tournée européenne - trouveront sans doute à redire, que cette musique est trop célébrale, pas assez directe et instinctive.

Ulrika Spacek est pourtant un des groupes rock les plus passionnants de l’époque, bonifiant à chaque album. Pour l’instant, ils n’ont pas encore de dates annoncées par chez nous. J’ai hâte de pouvoir les redécouvrir sur scène, après les avoir vus une première fois du temps de leur période shoegaze. Pour constater le très beau et tortueux chemin parcouru.

EXPO de Ulrika Spacek

Alber Jupiter + Structure Moderne + Total Resistance - L'Alimentation générale, Paris, le 4 février 2026

2026-02-07T09:00:00.138+01:00

Une fois n'est pas coutume, je vais vous parler aujourd'hui de groupes que la plupart d'entre vous ne connaissent sûrement ni d'Eve ni d'Adam. Mercredi 4 février, nous sommes allés, maman et moi, à l'Alimentation Générale voir et écouter trois formations françaises aux styles variés mais dont l'essentiel des influences est quand même rattaché aux années 70 et 80. Pourquoi ? Parce qu'un collègue de maman jouait dans un des groupes. La première formation s'appelait Total Resistance. Ils sont deux : l'un chante et joue de la basse, l'autre est derrière un synthé Korg et a l'air de bien s'éclater avec moults sons pré-enregistrés. Le style ? C'est marqué sur l'affiche ci-dessus : minimal wave et post punk ! Cela ressemble à du Taxi Girl - d'ailleurs, sur leur Bandcamp, on peut écouter une reprise de "Aussi belle qu'une balle" - mais chanté en anglais. Bref, ce n'est pas déplaisant, même si les morceaux se suivent et se ressemblent fortement. La suite ? Structure Moderne. C'est plus ambitieux : psych et toujours post punk. Il y a aussi plus de musiciens. Une basse toujours - l'instrument incontournable de la soirée - une batterie, une guitare et de multiples instruments : trompette, claviers, etc. La particularité est le thérémine installé au centre de la scène, utilisé comme une sorte de jouet par les musiciens, venant passer leurs mains pour y émettre de drôles de sons. Les titres les plus directs sont aussi les plus efficaces ("The Rush" notamment). Il en résulte un étonnant mélange entre de la musique psychédélique, du trip-hop et du krautrock.

La formation suivante sera surtout inspirée par Neu!, Can voire même Kraftwerk. Ils ne sont que deux sur scène, sont Rennais, s'appellent Alber Jupiter et déploie une musique incroyablement dense, alors qu'il n'y a pour ainsi dire que deux instruments sur scène : une batterie et une basse évidemment. Le bassiste multiplie les effets avec ses nombreuses pédales et superpose les rythmiques pour en faire un son robotique et incroyablement dansant. La soirée est montée progressivement en puissance pour finir dans une belle apothéose. Voilà donc des groupes à la reconnaissance quasi inexistante mais qui proposent tous un univers bien à eux, même si assez référencé. Merci à l'Alimentation Générale pour cette soirée en dehors des sentiers battus. Merci également à ces trois formations attachantes et talentueuses. Alber Jupiter seront en première partie de Monkeys on Mars, le 20 mars prochain à la Maroquinerie. Total Resistance ont déjà été programmés plusieurs fois au Supersonic. Structure Moderne joueront prochainement à la Mécanique Ondulatoire.

ER Jurken - To Be Continued

2026-02-02T09:00:00.068+01:00

Celui-là, je l'ai découvert complètement par hasard, dans un magasin de fringues. J'entends une musique que j'aime bien, je sors Shazam et je tombe sur ce nom improbable : ER Jurken. C'était au moment de la sortie de son premier album "I Stand Corrected" en 2021. Depuis, pas de nouvelles du monsieur. Il faut dire que la sortie était déjà plus que confidentielle et c'était étonnant d'entendre sa musique dans une grande enseigne. Voici donc "To Be Continued", le second disque de ER Jurken. L'engouement est toujours aussi mesuré. Vous ne trouverez pas beaucoup de sites chroniquant cet album. Et oui, pour une fois, je me démarque et j'en suis pas peu fier. Car au-delà du snobisme de ne pas faire comme tout le monde, j'avoue que c'est une fois de plus un bien beau disque. Cela ne révolutionne rien, ce sont juste de belles mélodies pop divinement chantées. On y entend un peu des Beatles, de Neil Young, de Sufjan Stevens, des Beach Boys.

Les titres ont la politesse d'être tous un peu différents, enlevés juste ce qu'il faut pour garder notre attention. Et on se surprend progressivement à fredonner ces refrains addictifs. Pourtant je sens que ce chanteur continuera d'être injustement méprisé - il suffit de voir le faible nombre de vues sur Youtube. "To Be Continued", c'est exactement ça, comme la suite d'une série qui n'intéresserait que quelques rares adeptes. En tout cas, tant que les épisodes seront de ce calibre, je continuerai d'en parler inlassablement.

To Be Continued de ER Jurken

"Starman : Quand Ziggy éclipsa Bowie" & "Nick Cave : Mercy on Me" de Reinhard Kleist

2026-01-31T09:00:00.162+01:00

Deux chroniques pour le prix d'une ! Et des chroniques de bandes dessinées, une fois n'est pas coutume. Mais des bandes dessinées sur la musique et le rock en particulier. Noël est passé, mais il n'est jamais trop tard ou se faire plaisir ou offrir. Voici en tout cas deux bouquins que je recommande fortement pour qui aime l'univers et la musique de ces deux grands artistes : David Bowie et Nick Cave. Mais qui ne les aiment pas ? Reinhard Kleist, l'auteur de ces deux livres, est un dessinateur allemand qui, après avoir déjà réalisé une biographie de Johnny Cash enchaîne donc avec les deux chanteurs susnommés. Il n'a pas réalisé que ce type d'oeuvre, mais c'est quand même ce qui est en train de faire son succès. Il faut dire, comme je l'ai dit précédemment qu'elles sont particulièrement réussies. Si Bowie - paix à son âme - n'est plus en état de valider ou non cette énième biographie, Cave a déjà dit tout le bien qu'il pensait de la sienne et connaissant la faible appétence du monsieur pour les compliments, il faut les prendre comme un véritable adoubement pour le travail de Kleist. Voici ce que le grand Nick en dit en quatrième de couverture "Richard Kleist, maître du roman graphique et créateur de mythes a, une fois de plus, repoussé les conventions de la bande dessinée en élaborant un terrifiant mélange de chansons, de demi-vérités biographiques et de totales affabulations. Il a ainsi tracé un voyage étrange et complexe à vous glacer le sang dans l'univers de Cave, plus proche de la réalité qu'aucune autre biographie, c'est évident ! Enfin, pour info : je n'ai jamais tué Elisa Day."

Tout est dit ou presque. Cave, tranquille, ironise, parle de lui à la troisième personne. On connaît l'aura et la prétention du bonhomme, mais il faut de la confiance en soi démesurée pour mener ce type de carrière. C'est ce que disent ces deux livres, car Bowie n'était pas en reste dans le domaine. Surtout du temps de Ziggy Stardust, période évidemment - titre oblige - la plus relatée de "Starman". Les deux artistes semblent ne jamais avoir réellement douté de leurs talents respectifs. Envers et contre tout et tous. C'est leur entourage qui en a payé les pots cassés. Anita Lane, son premier grand amour - le seul véritable ? - pour l'un, Angie pour l'autre. La bande dessinée sur Cave est dans un majestueux en noir et blanc, à l'image du rock gothique de son personnage principal quand celle sur Bowie inonde de couleurs chatoyantes, là aussi raccord avec l'univers chamarré de Ziggy, ce super héros venu des étoiles pour nous sauver de nos petites vies étriquées. Mais "Starman" s'attarde aussi beaucoup sur la période Berlinoise du Thin White Duke, prouvant que The Fall Of Ziggy Stardust n'était pas que la fin d'une de ses nombreuses vies. Bowie, tel un chat, était capable de rebondir facilement, provoquant lui-même la mort de ses nombreux personnages. Cave, lui, est resté fidèle à lui-même, traqué par ses démons. Même si musicalement et financièrement, il n'a plus rien à prouver et à craindre, la vie, avec la perte récente d'un de ses fils, l'a rattrapée, lui trouvant malgré lui, de nouveaux thèmes mélancoliques et déchirants à ses chansons. En résumé, voici deux livres relatant brièvement et magnifiquement la vie et l'oeuvre de deux artistes majeurs de notre époque - oui, Bowie est toujours vivant -, prouvant si besoin était que leur empreinte respective dans nos vies va bien au-delà de leur seule musique.

PVA - No More Like This

2026-01-26T09:00:00.025+01:00

"No More Like This" nous dit ce corps de femme marquée sur la pochette du second album du trio londonien PVA. Le groupe continue de choisir des titres de chansons très courts souvent constitués d’un seul mot. Pour accentuer le caractère énigmatique de cette musique. Si "Blush", à l’image de son excellent single "Unthered" était plus axé pour la piste de danse, ce disque se fait plus intime. "No More Like This" est aussi un album qui s’écoute plus facilement à la maison, ou à l’extérieur, au casque. Le précédent avait tendance à fatiguer sur la longueur, le cerveau martelé par les grosses basses synthétiques. La musique de PVA se développe, s'enrichit et se rapproche de celle de groupes américains comme Water From Your Eyes ou Fukcers dont j’attends avec impatience le premier long format - il est prévu pour fin mars.

Pour faire court, on appelle ça de l’électropop car rentrer dans le détail des multiples influences prendrait trop de temps. Ces formations prônent aussi un certain féminisme. L’homme est en retrait, c’est la femme qui "leade", qui s’assume, au centre de l’attention, mais pas comme un vulgaire objet de séduction pour le mâle alpha, plutôt du genre queer ou totalement asexuée. Le message est clair : "plus jamais comme ça". Pour la musique, on mettra plus de temps à faire le tour de ces curieux et intrigants objets sonores et c’est tant mieux.

No More Like This de PVA

Xiu Xiu - Xiu Mutha Fuckin' Xiu Vol.1

2026-01-24T09:00:00.030+01:00

Voilà un groupe définitivement à part. Xiu Xiu est coutumier de l’excellence, de l’expérimentation, du trash, du morbide, du bien glauque aussi. Ils seront bientôt en tournée pour reprendre la bande originale du film sans doute le plus barré de David Lynch, "Eraserhead". En attendant, ils viennent de sortir un album de reprises. On y retrouve entre autres, des titres de Talking Heads, Soft Cell, This Heat ou Daniel Johnston. La palette est large, les styles variés mais quand ils sont passés à la moulinette Xiu Xiu, ça y parait beaucoup moins. Le duo n’a pas son pareil pour s’appropier une chanson, en en faisant quelque chose que lui seul peut réaliser. Ça gratte, ça piquote, ça sussure, ça crie, ça éructe, ça caresse. C’est tout sauf fade. Parfois, je suis hermétique à ce trop plein d’émotions, de violences sonores et visuelles avec leurs clips régulièrement malsains. Mais pas dans le cas de cette compilation de reprises - il n'y a pas de clips - intitulée "Xiu Mutha Fuckin' Xiu volume 1" - rien que ça ! -, comme pour dire qu’il y en aura d’autres. Ce qui est une bonne nouvelle et promet d’autres relectures passionnantes.

Je ne sais pas si elles sont meilleures ou non que les originales, là n’est pas la question. Elles sont différentes, comme si c’était au final des nouveaux morceaux, des terrains vierges à découvrir avec quand même un guide, histoire d’avoir un minimum de repères. Xiu Xiu est assurément un des groupes de rock indépendant les plus novateurs de ce dernier quart de siècle.

Xiu Mutha Fuckin' Xiu: Vol. 1 de Xiu Xiu

Sleaford Mods - The Demise of Planet X

2026-01-19T09:00:00.028+01:00

Voilà les deux branleurs de Nottingham de retour avec "The Demise of Planet X". Les invités sont plus improbables que jamais, rien que le premier morceau, "The Good Life" voit la réunion du duo avec les excellents amis de The Big Special et de l’actrice Gwendoline Christie, bien connue des amateurs de Game of Thrones pour y avoir joué le rôle de Brienne de Torth. Sur "Elitest G.O.A.T.", on entend la douce voix d’Aldous Harding. Sur "No Touch", celle de Sue Thompkins, chanteuse de Life Without Buildings, groupe écossais responsable d’un unique album sorti en 2001 et qui a acquis depuis une jolie renommée - pour ceux qui ne connaissent pas, écoutez donc ça pour vous en persuader - dans le milieu du rock indépendant, comme des précurseurs de Dry Cleaning ou une version féminine de The Fall. On se prend d’ailleurs à penser à ce qu’aurait pu donner la rencontre de Mark E. Smith avec Jason Williamson, le chanteur des Sleaford Mods.

Liam Bailey et Snowy, les autres invités, sont respectivement un chanteur de reggae et un rappeur originaires tous deux de Nottingham. Les gars font travailler et connaître les artistes locaux. C’est sympa. Et c’est justement la différence principale avec The Fall, les Sleaford Mods sont des punks sympas. En plus de leur musique, ils nous amènent à écouter celle des autres. Très bien mais ce "The Demise of Planet X" ? Et bien, c’est du Sleaford Mods pur jus, suffisamment varié - merci les invités ! - pour ne pas lasser et avoir envie de le réécouter en boucle.

The Demise of Planet X de Sleaford Mods

Sault - Chapter 1

2026-01-17T09:00:00.014+01:00

Nouvelle année à peine commencée que voilà déjà un nouveau disque surprise de Sault. Surprise, car le groupe est coutumier du fait, diffusant à chaque nouvelle parution l’information à ses habitués via mail et mise en ligne sur Bandcamp. Sault, c’est le joujou du couple formé par le producteur Inflo et la chanteuse Cleo Sol. Celui avec lequel ils jouent tels des enfants en cours de recréation, essayant des nouvelles possibilités, en toute décontraction, entourés des copains. Et quel beau jouet une fois de plus ! Même si on pourra leur retrouver de commencer à tourner en rond. Car on retrouve avec ce nouveau chapitre - "Chapter I", cela signifie donc qu’il y en aura normalement d’autres - cette soul moderne et classieuse inspirée de celle des grands maitres du genre des années 70, Stevie Wonder ou Marvin Gaye pour ne citer qu’eux. La basse mène souvent les morceaux, souple et enveloppante, les cordes sont tantôt discrètes tantôt majestueuses. La voix n’est qu’un instrument parmi d’autres, pas plus indispensable ou mis en avant.

Il y est souvent question de croyance, de spiritualité, thèmes récurrents de ce genre de musique, la soul, qui porte ici admirablement bien son nom. Une musique qui parle à l’âme, par toutes les voies possibles. On a besoin parfois de se confronter avec soi-même et le monde qui nous entoure, pour se recentrer sur l’essentiel. Cette musique est expressément faite pour cela.

Chapter 1 de SAULT

Dry Cleaning - Secret Love

2026-01-12T09:00:00.133+01:00

On commence fort l'année 2026 avec le nouvel album de Dry Cleaning, produit par l'indispensable Cate Le Bon. Un peu, à l'image, du "Phonetics On And On" de Horsegirl, sorti à peu près au même moment l'an passé, ce disque pourrait d'emblée marquer ce nouveau millésime de son empreinte. On reconnait rapidement le style du groupe avec ce sempiternel chanté-parlé de la très pince-sans-rire Florence Shaw. On a d'ailleurs l'impression que c'est justement cette façon jusqu'au boutiste de ne pas chanter qui définit avant tout Dry Cleaning, plus que leur musique, quelqu'elle puisse être. Car la nouveauté de "Secret Love" réside dans l'instrumentation, un poil plus aérée, plus variée. On retrouve aussi le groupe qui nous avait séduit sur "New Long Leg" après un "Stumpwork" mollasson et ennuyeux. Chacun des nouveaux morceaux ont leurs clips ou presque, dans lequel on voit entre autres les membres du groupe faire de drôles de chorégraphies décalées. Preuve que sous des abords austères, les Dry Cleaning savent aussi s'amuser.

On trouve aussi sur "Secret Love" davantage de sonorités cachées, la musique vient tisser sa toile plus libre et passionnante que jamais autour du phrasé monocorde de Shaw. Preuve que cette dernière finit peut-être par gagner : le dernier morceau "Joy", moins sombre comme son nom l'indique, voit même l'abandon du spoken word le temps d'un refrain entêtant. "We’ll build a cute harmless world." Pour un avenir plus radieux ?

Secret Love de Dry Cleaning

Top albums 2025

2026-01-02T11:00:00.000+01:00

Alors que d’aucuns se plaignent que c’était mieux avant, je trouve au contraire que 2025 est un sacré bon cru. C’est bien simple les quatre premiers disques de ce classement sont de ces albums dont je sais déjà qu’ils me suivront très longtemps. Des amis pour la vie, chacun a leur manière, très différente.

10- Stereolab - Instant Hologram On Metal Film

Dans la série revival des années 90, ceux-ci sont indéniablement les plus méritants. Alors que les retours de Oasis et Pulp sentent quand même largement le renflouage, celui de Stereolab, nettement plus confidentiel - à l’image du groupe - semble au contraire complètement naturel. Comme si les années 90, c’était hier. "Instant Hologram On Metal Film" est à ce titre un des meilleurs albums de Stereolab, à l’image de tous les autres, ou presque.

9- Water From Your Eyes - It's a Beautiful Place

Water From Your Eyes est un de ces rares groupes qui proposent un peu de nouveau dans le milieu du rock indépendant. Bien sûr, il y a des influences, mais celles-ci sont tellement nombreuses et digérées qu’elles y paraissent à peine. Le principal défaut - hormis son affreuse pochette, façon sac poubelle - est sa durée, très courte, trop courte. Preuve que ce n’est pas si simple d’être inventif.

8- Sharp Pins- Balloon, Balloon, Balloon

Lui se moque bien mal d’être inventif. Cette pop a soixante ans d’âge. C’est celle des Byrds, de la pop californienne psychédélique des années 60. Celui qui se cache derrière le pseudonyme de Sharp Pins a par contre vingt ans à peine. Il s’appelle Kai Slater et est aussi guitariste des excellents Lifeguard, dont le premier album aurait pu se retrouver également dans cette sélection. "Balloon, balloon, balloon" est un disque intemporel, un joyau mélodique pour hier, aujourd’hui et demain.

7- BC Camplight - A Sober Conversation

Cela faisait un moment que celui-là tournait autour de mon classement annuel des meilleurs disques. Les précédents albums de cet américain réfugié à Manchester était déjà très bons, mais avec "A Sober Conservation", BC Camplight fait plus que confirmer, il s’impose comme un des songwriters les plus doués du moment, mélangeant habilement le meilleur de plusieurs décennies de musique pop, des Beatles à The Divine Comedy en passant par Midlake.

6- Cate Le Bon - Michelango Dying

Si le précédent "Pompeii" m’avait au final un peu déçu - hormis quelques superbes titres, il lui manquait l’homogénéité, la constante perfection de "Reward" - ce "Michelangelo Dying" vient rappeler si besoin était l’indiscutable talent de la galloise. On retrouve d’ailleurs Cate Le Bon à la manette de plusieurs disques qui comptent - dont plus loin dans ce classement ou encore le nouveau Dry Cleaning qui sortira dans une semaine -, preuve que ses qualités de mise en musique sont de plus en plus partagées et reconnues. Son style devient reconnaissable. Il lui faudra sans doute maintenant essayer de sortir de son terrain de jeu habituel pour continuer de nous enthousiasmer.

5- Destroyer - Dan's Boogie

Lui aussi est un habitué de l’excellence. "Dan’s Boogie", c’est du Destroyer tout craché, avec son côté kitsch, ses arrangements subtils et soignés, cette élégance capable de rassembler, mine de rien, les Pet Shop Boys, New Order ou Bruce Springsteen dans le même morceau. Dan Bejar, à l’inverse d’une Cate Le Bon, ne partage pas. Il continue, solo, une déjà bien longue carrière en tout point remarquable et exemplaire, jalonnée d’excellents disques, comme celui-ci. Mais Dan Bejar est-il même capable de se rater ?

4- Andrea Laszlo de Simone - Una Lunghissima Ombra

Il aurait pu être tout en haut de ce classement mais la concurrence était rude. En tout cas, ce fut pour moi le meilleur disque de cette fin d’année, idéal pour l’hiver et les fêtes, quand on passe plus de temps que nécessaire à l’intérieur, autour d’une table, à manger gras et sucré. Cet album est à cette image : copieux et sucré à souhait, frôlant à de très nombreuses reprises le kitsch. Mais un tel repas de fête ne se décline pas. Les Italiens sont spécialistes du genre. On pense aux Panettone ou aux Pandoro, mais aussi à toute cette tradition de variété italienne capable de nous emporter avec n’importe quelle sucrerie tellement ces chansons ont un sens inné de la mélodie. Andrea Laszlo de Simone est un maitre du genre, ses subtils arrangements sont de toute beauté.

3- The Bug Club - Very Human Features

Voici un duo gallois dont j’étais jusque là complètement passé à côté. "Very Human Features" est déjà leur quatrième album et je ne veux même pas écouter ce qu’ils ont fait avant, tellement celui-ci me suffit, tellement je sais d’avance que ce type de musique ne frappe qu’une fois en plein coeur. J’adore cet album pas pour ses qualités intrinsèques et objectives mais parce qu’il m’a happé direct, au-delà du raisonnable. Ces mélodies brinquebalantes, ces voix à la limite de la justesse, ce son cradingue mais surtout ce naturel confondant et cette incroyable capacité à ne garder que l’essentiel. Incroyablement humain.

2- Horsegirl - Phonetics On And On

Pendant de longs mois, ces trois jeunes femmes trônaient paisiblement en tête de mes albums préférés de 2025, à l’aise, comme une évidence. Leur productrice, la toujours impeccable Cate Le Bon, avait propulsé direct leur "Phonetics on and on", dans mon firmament personnel. Le disque était rempli de mélodies imparables, jouées avec une nonchalance et un amateurisme touchants. C’était sans compter sur les extra-terrestres de Geese venus dont on ne sait où perturber cette hiérarchie confortablement établie. Horsegirl en deux disques très différents et tous deux excellents démontrent pourtant une sacrée maturité.

1- Geese - Getting Killed

Qui aurait cru au moment de la sortie de "Projector" en 2021 et premier album de Geese ayant un peu de visibilité que ce groupe en serait là aujourd’hui ? D’abord, le premier album solo de leur leader, Cameron Winter, "Heavy Metal" marque les esprits en fin d’année dernière, de part cette voix, ces textes, sa richesse sonore ("Love takes miles" quel titre quand même !). Mais je n’y suis pas encore. Puis, "Getting Killed" vient enfoncer le clou neuf mois plus tard. Et là, c’est pour moi indéniable, Geese vient de sortir un classique rock comme on n’en a pas entendu depuis des lustres. On pense évidemment aux Strokes de 2001 pour la.voix, mais il aura fallu plus de temps à Geese pour sortir définitivement du bois. On se demande alors quelle sera la prochaine étape. Désolé, cette année, je ne suis pas original, "Getting killed" est placé un peu partout dans les meilleurs disques de 2025. Mais quelle claque magistrale ! Chaque nouvelle écoute est stimulante.

et j'oubliais : belle et heureuse année 2026 à toutes et tous !

Compilation 2025

2025-12-31T09:00:00.000+01:00

Déjà la fin de l’année 2025. L’occasion de la célébrer avec mes chansons préférées de ces douze derniers mois etl'habituelle pochette réalisée par ma fille.

Je vous laisse avec la playlist qui va avec (j'ai juste dû changer le morceau de Barbara Carlotti. Je ne sais pas pour quelles raisons, il m'est impossible de rajouter le titre "Fantôme Atomique". Mais "A La Foule" est très bien aussi). Bonne écoute et bonne fin d’année à toutes et tous.

Top concerts 2025

2025-12-29T09:00:00.035+01:00

Nous y voilà, à entamer mon bilan de 2025, à commencer par les concerts. J’ai un peu hésité car ils furent au final peu nombreux, surtout si on exclut les festivals de la Route du Rock et de We Love Green. Je retiendrais surtout un nouveau concert mémorable des Flaming Lips, le retour plus nuancé des idoles de Pulp ou la confirmation scénique de Big Special. Pour 2026, je n’ai pas encore beaucoup de certitudes sur les agendas à l’heure où les principaux festivals de l’été annoncent déjà leurs têtes d’affiche, histoire que les billets puissent être glissés sous le sapin. We Love Green est tentant surtout pour Gorillaz mais le système de plus en plus répandu des prix qui augmentent en fonction des places vendues me rebute. Crache, crache. Un festival qui même racheté par Pigasse, ennemi revendiqué de Macron fleure bon le pognon, à l’encontre du message de déconsommation prôné, seule vraie réponse aux problèmes écologiques.

5- Les Innocents - Paris, Studio de l'Ermitage, le 9 décembre

Ce fut une soirée entre amis de bonne compagnie. Jp Nataf et Jc Urbain ont joué quelques unes de leur plus belles mélodies avec la légerèté et la fantaisie de ceux qui n’ont plus rien à prouver. Ce sont nos Beatles à nous, ou plus modestement nos XTC. Un groupe incapable de décevoir, parce qu’ils prennent leur temps - 6 albums en plus de quarante ans de carrière - parce qu’ils ont surtout un talent indéniable pour trousser des tubes pop intemporels avec textes et arrangements au diapason.

4- Philippe Katerine & Dominique A - Paris, la Maison de la Radio, le 28 mai

En voilà une belle affiche dans un si bel écrin. Si Dominique A avait travaillé ses morceaux pour l’occasion, c’est-à-dire les réarranger avec l’orchestre philharmonique de Radio France, le boulot était déjà fait pour Katerine. En effet, ce dernier était rompu à l’exercice, réalisé lors de l’Hyper weekend festival en 2023. La plupart des titres choisis étaient tirés de son trop sous estimé album "Le Film". Une chanson comme "Papa" est révélateur du talent génial de son auteur, mélange parfait d’humour et d’émotion. La soirée finira par le touchant et magnifique "Manque moi moins" chantée par ces deux artistes très proches. Si Dominique A a cette ironie sur scène qu’il n’a pas vraiment dans sa musique, c’est presque l’inverse pour Katerine, tant la fantaisie de ses chansons se suffit à elle-même.

3- Pulp - Festival La Route du Rock, le 15 août

L’attente était trop forte : Pulp à la Route du Rock, l’affiche rêvée. Tout comme leur nouveau disque, la performance fut un peu décevante ou plutôt trop conforme à nos prévisions. Jarvis assure toujours le spectacle sur scène. Les autres paraissent en retrait, suppléés par de plus jeunes musiciens. Les classiques de "Different Class" sont tous impeccablement joués. Heureusement, les chansons de "More", un peu faiblardes, pas meilleures que "We Love Life" en 2001 qui avait déjà entériné l’apogée artistique de la formation de Sheffield, sont peu interprétées. La banale "A Sunset" est quand même un drôle de final après la furie "Common People". On pourra dire, on y était. Pas sûr que la suite vaille la peine...

2- Big Special - Paris, la Boule Noire, le 29 octobre

Ceux-là, je les attendais avec impatience, ayant réussi avec leurs deux albums à marier la gouaille des Sleaford Mods avec l’énergie de Yard Act. Big Special, ce sont deux anglais un peu branleurs, pas adaptés pour l’emploi et la vie rangée qui décident de s’en foutre et de se lancer dans la musique, en dernier recours. Des histoires comme ça, il en existe des tonnes. Mais elles fonctionnent quand les principaux protagonistes sont si attachants et talentueux. Leur concert parisien était un vrai plaisir partagé, avec le public, avec les copains frapadingues de Gans, en première partie. Oui, notre monde est devenu une "Shithouse". Que pouvons-nous y faire, à part en rire, le chanter pour tenter de l’oublier ?

1- The Flaming Lips - Paris, le Trianon, le 31 mai

Je sais, c’est un peu facile, ceux-là sont hors compétition mais il me semblait important de le rappeler. Les Flaming Lips demeurent pour moi le plus grand groupe de rock sur scène. Haut la main. Un concert de la bande de l’inénarrable Wayne Coyne est une expérience en soi. Je me dis que c’est quelque chose à vivre au moins une fois dans sa vie, car j’admets qu’il faut adhérer à la musique, au message et au foutoir joyeusement ludique de leur prestation. Notre fille Lucie y assistait pour la première fois et je sais qu’elle n’oubliera pas - elle a été à bonne école - eut égard aux étoiles perceptibles dans ses yeux. Ce spectacle valait tout l’or du monde. Je peux même le dire encore aujourd’hui avec fierté : oui, j’ai raté la victoire du PSG en finale de ligue des champions mais j’avais mieux à faire. Un concert des Flaming Lips, c’est plus que jamais d’utilité publique en ces temps de haine violente échangée anonymement sur les réseaux sociaux. "You realize that life goes fast, it’s hard to make the good things last. You realize that everyone you know someday will die." Ce sont des évidences que beaucoup oublient pourtant trop souvent. A l’heure où le groupe se sépare de sa tête pensante Steven Drodz et où l’avenir des Flaming Lips pourraient bientôt s’écrire entre parenthèses, il était temps de remettre l’église au milieu du village comme on dit. Les Flaming Lips resteront peut-être à jamais ma meilleure expérience scénique.

Les Innocents - Studio de l'Ermitage, Paris le 9 décembre 2025

2025-12-14T09:00:00.007+01:00

On s’attendait naïvement à une relecture intégrale et dans l’ordre de leur album "Post-Partum", souvent considéré comme leur grande oeuvre. On avait révisé, enfin surtout moi qui connait mieux le précédent, "Fous à lier", celui qui m’a fait aimer ce groupe, au-delà de ses tubes trop entendus. ("L’Autre Finistère" ou "Un homme extraordinaire"). C’est d’ailleurs un des rares disques que j’écoutais à quinze ans et que j’écoute encore maintenant. J’étais dans ma période Queen, Dire Straits ou Genesis. "Post Partum" était déjà sorti trop tard, en 1995, alors que je m’étais mis à écouter Bernard Lenoir. J’avais trop de retard à rattraper, même si je pouvais retrouver plus tard Les Innocents sur les compilations du magazine des Inrocks, me confortant dans le fait qu’il y avait aussi une logique dans mon parcours musical. Le groupe maintenant duo depuis la reformation surprise il y a une dizaine d’années, a depuis plusieurs mois poser ses valises au studio de l’Ermitage, dans le quartier Belleville-Ménilmontant dont est originaire Jean-Christophe Urbain. Au départ, l’excuse annoncée était de fêter les 30 ans de "Post Partum" et on a tout de suite compris que l’essentiel était surtout d’avoir son petit chez soi et de partager avec les fans, peu importe le disque. C’est toute la discographie des Innocents qui est parcourue avec, forcément, l’accent mis sur "Fous à lier" - excellente version rockabilly de "Confessions d’un vieux serpent" - et "Post-Partum" - les magnifiques "Lune de Lait" et "Dentelle" peu joués live -, les deux apogées artistiques et commerciaux. Pourtant, on se rend compte que chacun de leurs seulement six albums en presque 40 ans de carrière contiennent leur lot de pépites.

"Sherpa" est l’occasion pour Franck Marco, le batteur - pièce rapportée pour la soirée ? - de faire un passage parmi le public, histoire de faire plus ample connaissance avec l’assistance et de faire monter un peu l’ambiance un peu trop feutrée de la salle. Jp Nataf nous régale de mini reprises au milieu des titres indiquant par là même ses influences multiples et les similitudes d’accords qui existent entre des morceaux d’apparences très différentes. Bref, on assiste en toute décontraction - oubliant même un peu la grisaille ambiante et la fatigue - à une belle soirée entre "potes", de ceux qui restent fidèles, envers et contre tout. On regarde autour de nous, les cheveux sont quasiment tous gris. On se comprend. Je me surprend même â être encore ému par "Un homme extraordinaire" - qui aurait plutôt dû s’appeler "Un être humain extraordinaire" mais c’était trop long à chanter. Cette époque glorifie plus que jamais des êtres sans intérêt et parfois profondément abjects, oubliant que parmi le commun des mortels, ceux que le monde va progressivement oubliés - même leurs proches - subsistent des êtres à la qualité d’âme supérieure. Je ne sais pas s’il y en avait, au studio de l’Ermitage, mais je suis sûr que la plupart d’entre nous méritent mieux que le mépris des gens de pouvoir qui s’arrogent le droit de penser pour nous, pauvres d’esprit. Je veux croire que nous étions tous ce soir-là des êtres extraordinaires, indifférents aux messages de haine ordinaire qu’on veut nous abreuver. Tous innocents. Sans aucun doute.

Sharp Pins - Balloon, Balloon, Balloon

2025-12-06T09:00:00.104+01:00

Il s'appelle Kai Slater, a tout juste vingt ans et vient de publier son deuxième album cette année. J'ai déjà parlé ici de son excellent groupe Lifeguard fortement inspiré par Sonic Youth dont le batteur est acessoirement le frère de la bassiste des moins excellentes Horsegirl. Sharp Pins qui est plutôt un projet solo fait penser à Guided By Voices, voire davantage à des influences nettement plus anciennes, comme The Byrds, toute cette pop psychédélique californienne des années 60, aux guitares carillonnantes et aux choeurs harmonieux. "Balloon, Balloon, Balloon" est déjà le troisième disque de Sharp Pins, en trois années d'existence et force est d'avouer que c'est de mieux en mieux. Dire que Kai Slater a du talent est un doux euphémisme. Cet album est un petit bijou mélodique, un doux enchaînement de mini symphonies pop aux parfums surrannés.

Les titres ne dépassent quasi jamais trois minutes, comme au bon vieux temps. Ils vont droit au but, se terminant toujours avant de pouvoir lasser, mais parfois aussi avant qu'on puisse s'en souvenir vraiment. Au passage, la maison de disques n'est autre que K Records, le label mythique de Calvin Johnson, le préféré d'un certain Kurt Cobain. Bref, ce Kai Slater a tout pour lui, comme sa petite gueule d'ange. Cela n'invente rien, mais ça reste assez irrésistible.

Balloon Balloon Balloon de Sharp Pins

Michel Cloup - Catharsis en pièces détachées

2025-11-23T09:00:00.071+01:00

Dis donc, ça faisait longtemps que je n’avais écouté vraiment un disque de Michel Cloup. Depuis "Notre silence", son premier album solo paru en 2011, une éternité. Surtout en regard du paysage politique qui s’est largement obscurci depuis. Alors, forcément, ça donne envie de réentendre où en sont les idéaux de jeunesse de l’ex-Diabologum. Michel Cloup, en comparaison de son ex-acolyte Arnaud Michniak répresentait la version plus rock et moins radicale de l’ancienne formation toulousaine. Quand Diabologum était la version plus abrupte et directe d’un rock francais émminement politique, en comparaison d’un Noir Désir. Puis, l’affaire Cantat-Trintignant a fait voler en éclats les rares modèles d’intégrité qui nous restaient encore. Fauve est venu quelques temps rajeunir le message de Cloup/Michniak en y ajoutant un discours plus personnel à l’heure du développement des réseaux sociaux et de la mise en avant de l’intime. "Catharsis en pièces détachées" porte admirablement bien son nom. C’est un disque méchamment bordélique, bourré de mots, de cris, de colères, de désarrois. Un disque brut de décoffrage, pas aimable. Cela commence par une meute de chiens puis ce mantra répété ad libitum : "Rendre la honte à nouveau honteuse" comme une réponse un peu désespérée, au "Make America great again" de qui vous savez. Cloup est cet éternel adolescent, à la rage inaltérée et inaltérable, toujours aussi loquace et bavard face à l’état du monde. Forcément il faut partager sa vision pour adhérer à sa musique, son univers. Les fans de Sardou ou ceux qui trouvent que tout va bien ou pas trop mal resteront sur le bas côté. J’avoue qu’en ce moment, j’avais besoin de ça. Devant une actualité aussi déprimante, ce cri-là - les près de 15 minutes de "SISRAHTAC" - fait du bien.

Même si nous sommes "David" face à "Goliath" ou "Godzilla", nous ne sommes pas seuls. Et on sait comment l’affaire s’est terminée dans la Bible. Comme chez Gontard, derrière le constat plus qu’alarmant, on sent une envie d’y croire encore et toujours. Alors, qu’attend-on vraiment ? Avec le recul, le message de Diabologum au milieu des années 90 pourrait passer comme un poil snob aujourd'hui. 30 ans après, cette nouvelle colère semble évidente, plus partagée. A l’époque, elle était traitée avec une relative indifférence, considérée comme exotique, marginale. Aujourd’hui, elle est puissante mais trop diffuse. Du coup il y a une volonté de l’annihiler - dans les médias surtout - de la tuer dans l’oeuf, la disqualifier tout de suite avant qu’elle ne prenne trop d’ampleur. "Catharsis en pièces détachées", ça bastonne sec, ça crache à la gueule, ça bousille un max. 75 minutes de défouloir tout azimut contre la montée (inéluctable?) du fascisme. Il faut être capable de s’en relever. Le jour où on ne ressentira plus le besoin d’écouter ce genre de disques, le monde ira mieux. En attendant...

Catharsis en pièces détachées de Michel Cloup

Sorry - Cosplay

2025-11-16T09:00:00.023+01:00

En 2020, au moment de la sortie de leur premier album intitulé "925", Sorry était annoncé comme "the next big thing" par une partie de la presse anglaise specialisée. Depuis, force est d’avouer que le soufflé est un peu retombé, le groupe faisant dernièrement encore la première partie de Fontaines DC, formation apparue un peu avant et qui elle, a pris une dimension toute autre. Les Londoniens de Sorry sont de retour en 2025, avec "Cosplay", un troisième album dans la continuité des deux premiers, mélangeant habilement les références et toujours impeccablement produit. Il contient encore quelques titres imparables comme "Echoes", "Today Might Be The Hit" ou "Jive", même si tous les morceaux, à leur manière, visent la même efficacité et y parviennent assez bien.

On pense parfois à Porridge Radio, souvent à Blonde Redhead. Mais avec ce côté négligé, plus fun - oh, le gros mot. Parfait pour attirer de jeunes afficionados en dehors du carcans un peu trop restreint du rock indépendant. En tout cas, les disques passent et le groupe ne fléchit pas, au contraire, proposant encore davantage avec ce "Cosplay". Preuve que Sorry mérite mieux que cette relative indifférence, que ce statut de formation de seconde zone. Il faudra sans doute que j’essaie de confirmer cette vision en les voyant sur scène. Ces chansons semblent pouvoir se développer encore davantage en live, ne demandant qu’à sortir du cocon trop étroit de la pop song minutieusement fignolée en studio et de ses 3/4 minutes de rigueur.

COSPLAY de Sorry