La Página Escondida

Un caso de expolio nazi muy especial

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Sat, 26 May 2012 20:39:00 +0000

En La Página Escondida en más de una ocasión hemos tratado el tema del expolio nazi. En este vídeo tenemos un caso muy, muy especial.

El vídeo, además, es un bellísimo ejemplo de cómo crear arte en sólo 3 minutos.

No os lo perdáis :)

Exposición de María José Redondo en la Casa de Cantabria

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Wed, 16 May 2012 22:13:00 +0000

Su ciudad favorita es su San Sebastián natal, ha estudiado en Madrid y en París, ha ganado numerosos premios y ha sido profesora de la Facultad de Bellas Artes en la Complutense de Madrid. Sin embargo asegura, orgullosa, que su mejor obra son sus 5 hijos. María José Redondo inaugura exposición en la Casa de Cantabria donde podremos disfrutar de su obra del 17 al 31 de mayo.

Retrato de la artista María José Redondo

María José Redondo tiene la mirada tranquila y serena de la mujer que lleva una vida intensa y feliz y que conserva intactas la ilusión y la pasión por su trabajo. Su obra posee una delicadeza y una sensibilidad tales que resulta difícil apartar la vista de ellas. El color, las formas y las texturas se combinan en su obra para crear una sinfonía única en la que la armonía prima por encima de cualquier otra connotación, pero se trata de una armonía profunda y evocadora, que nos incita a perdernos en cada pincelada y a recordar otros momentos, otros lugares perdidos en el tiempo donde quizás fueron posibles alguna vez una combinación de colores tan bella y soberbia.

Su ciudad favorita es su San Sebastián natal, le encanta leer biografías y asegura con rotundidad que la obra de la que se siente más orgullosa son sus 5 hijos. Tiene 77 años y a sus ojos asoma toda la fuerza y la pasión de aquellos que han dedicado su vida a hacer lo que verdaderamente aman. María José Redondo es todo un ejemplo a seguir tanto como artista, como mujer y como persona. No hace falta que lo diga ella, sus obras hablan por sí mismas.

Con un currículum impresionante que la avala y con una técnica impecable, esta ex profesora de la Facultad de Bellas Artes, nos recibe en su estudio risueña y resuelta, dispuesta a mostrarnos su trabajo y a hablarnos de su próxima exposición. “Yo soy discípula de D. Manuel Gutiérrez Navas. Estudié con él cuatro años. Siempre me gusta decirlo porque él me enseñó a amar la pintura”- nos dice María José mientras nos vamos abriendo paso a través de su estudio. Cada obra parece aún más hermosa que la anterior y es difícil centrarse en una sola. Es así como nos cuenta que estudió primero en la Escuela Superior de San Fernando de Madrid, donde llegó a ser profesora de dibujo y más tarde se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense. Más tarde se marcharía a París, la ciudad soñada de todo artista, donde se graduó en L’école du Louvre y donde estudiaría a fondo a los grandes impresionistas que aún hoy se asoman ávidamente a su paleta.

París está muy presente en la obra de María José, en las elegantes composiciones que llenan sus lienzos, en el uso de los colores luminosos y rebosantes de luz y sobre todo en su forma de capturar en las imágenes la belleza de la vida, como si su obra reflejara el gozo de respirar cada segundo.

Años después de su regreso a España ingresa como profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, en el Departamento de Restauración. Se abre entonces un nuevo mundo para ella en el que las más bellas obras de los museos pasan por sus manos para recuperar su antiguo esplendor y no sólo eso, sino que con su trabajo contribuirá a formar a los futuros restauradores que se encargarán de conservar nuestro patrimonio.

Ensimismada entre barnices, bastoncillos de limpieza y lienzos de reentelado, María José pasará 13 años de su vida, hasta que de repente, un día, una chispa, una luz, una voz interior la hace replantearse su carrera y volver a sus orígenes, abandona la Universidad y vuelve a pintar. Para ella es un cambio necesario, una decisión profunda y meditada que la pondrá de nuevo de camino en la creación artística. –“Necesitaba volver a pintar”- nos cuenta-“Es algo que tenía que volver a hacer por mí misma”.

Y afortunadamente así ha sido. A lo largo de estos años ha ganado incontables premios, entre ellos el Primer Premio de Pintura J.E.N en Madrid la Tercera Medalla del Salón de Otoño. Sus obras poseen una calidad exquisita. Su amplia formación y su experiencia se plasman en una técnica concisa y perfectamente depurada. Pero no todo es técnica, como no puede ser de otra forma, se percibe que tras cada pincelada, tras cada matiz, hay una gran dedicación y una forma de entregarse a cada obra sin reservas.

Sus composiciones abarcan casi siempre todo el lienzo y lo llenan de una forma equilibrada y armoniosa. Posee un gran dominio del óleo de forma que es capaz de extraer un sinfín de matices de cada color y de jugar con veladuras imposibles y con texturas fuertes. Su pincelada es al mismo tiempo suave y delicada y salvaje y radical. Consigue volúmenes que parecen querer salir del lienzo e invadir nuestro plano, logrando un efecto casi hipnótico de una gran belleza estética. Porque la belleza está siempre presente en la obra de María José.

Tanto en sus retratos de aire velazqueño donde parece que podemos ahondar en lo más profundo de la mirada del modelo como en sus paisajes de tierras de colores radiantes que se van fundiendo capa tras capa. Flores de colores que inundan nuestros sentidos y parecen embriagarnos y amaneceres sofisticados, con unas amplísimas gamas que van del rojo más intenso al azul más claro y que combinan y se mezclan entre sí consiguiendo un resultado deslumbrante. Y sobre todo el mar. El mar es imprescindible para comprender la obra de esta artista donostiarra que sigue enamorada de su tierra. Mares en calma mostrando toda una perfecta paleta de azules, blancos y grises pero también mares salvajes con unas inmensas olas en las que la espuma plateada cobra vida. Olas gigantes, que recuerdan aquella del famoso grabado de Hokusai, pero que poseen un volumen, una fuerza, una mezcla de colores y una belleza absolutamente espectaculares. Imprescindibles.

Toda esta belleza que se asoma a la obra de María José nos habla de ella, de su espíritu sereno, de su interés en dejar un mundo mejor a sus nietos donde además de lo oscuro y lo injusto otra forma de entender la realidad es posible. Nuestra artista es capaz de conmovernos con su obra, con su paleta de óleos puros y con toda la sabiduría que se agolpa en cada lienzo.

Porque es imposible transmitir aquello que no se posee y la paz de las obras de María José sólo puede venir de un alma sabia, digna y fuerte. Como Ralph Waldo Emerson dijo una vez, no se puede encontrar la belleza si no se lleva en el propio interior, y esta es la magia de su obra. Tanta belleza no puede venir sino de un alma aún más hermosa.

Para disfrutar y adquirir de la obra de María José puedes asistir a su exposición en La Casa de Cantabria

(C/ Pío Baroja, 10, 28009, Madrid).

Horario: de lunes a viernes de 10 a 14 y de 17 a 20.30 h.

Sábados, domingos y festivos de 12 a 15 y de 16 a 20 h.

Más información en la web de la artista: http://mariajoseredondo.com/

¡No puedes faltar!

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Wed, 16 May 2012 12:10:00 +0000

Mañana a las 20:00 inauguramos nuestra nueva exposición en Art5, la galería en la que, como sabéis, soy directora de exposiciones y comisaria desde el pasado mes de enero.

En esta ocasión contamos con una calidad artística espectacular, de la mano de artistas como Pablo Cros, Olga Schäfer, María Inés Rivera o Joaquín Esquer. ¡Ah, y habrá un cocktail temático realizado por uno de nuestras apuestas, el chef y artista Pablo Roig.

Estás invitad@! Será todo un placer contar contigo :)

N. Estamos en San Pedro, 22. Madrid. A sólo 1 minuto del Caixa Fórum.
Para más información consulta nuestra web: art5.es

Pablo Cros: La Puerta hacia el Mar

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Sun, 13 May 2012 17:45:00 +0000

"La puerta hacia el mar" nació al observar los infinitos efectos y composiciones, que en la orilla del mar forman el agua y el viento, en contacto con la arena y las piedras. Todo esto reproduce lienzos efímeros, en forma de surcos, relieves o imágenes que se dejan ver por un breve espacio de tiempo y que dan la sensación de ser un continuo diálogo casual, espontaneo y fluido, entre elementos que se encuentran. Pablo Cros.

Mejillón partido

¿Quién no se ha dejado fascinar por el espectáculo del mar agitando sus olas? ¿Quién no ha sentido la fuerza y el misterio ante su inmensidad y su historia? ¿Quién no ha deseado poder llevarse consigo un trozo de esa inmensa belleza que parece reclamar sus derechos sobre nuestro propio albedrío? Una y otra vez el ser humano vuelve sus ojos hacia el mar, quizás anhelando una eternidad que a él no le corresponde y desde la cual el azul infinito de las aguas parece desafiarnos.

Sin título

Es así como surge “La Puerta hacia el Mar”, el nuevo proyecto del joven artista Pablo Cros, través de cuyas obras asistimos a un espectáculo único, lleno de belleza, done la arena, el viento y las conchas marinas parecen cobrar vida sobre una tabla y entablar un diálogo propio, en un lenguaje ajeno al ser humano pero que quizás, sólo quizás, seamos capaces de intuir.

Años de esfuerzo e investigación se plasman en una obra que supone la materialización de una mirada humilde e inocente fascinada ante la fuerza y el poder del mar pero también la de un hombre sabio que contempla con rechazo los ataques del hombre contra la Naturaleza y que es consciente de los riesgos que supone. Por eso, a través de sus ojos claros y profundos y de sus ademanes tranquilos y concisos, Pablo nos habla de un proyecto que supone una obra original, llena de fuerza y belleza y al mismo tiempo un mensaje de concienciación sobre la necesidad de proteger a la Naturaleza.

Orilla

La fascinación de Pablo Cros por el mar viene desde niño. Creció en continuo contacto con el mar en su Cartagena natal donde ya entonces comienza a realizar sus primeros dibujos y a tomar sus primeras clases de creación artística. La música, el sol, el viento y el sonido de las olas del mar irán moldeando desde entonces el estilo que definirá su obra años más tarde.

Es a su paso por la Universidad, de la mano del profesor Juan Martínez Lax, mientras cursa los ciclos superiores de Artes aplicadas a la Escultura y de Cerámica Artística cuando “aprende” a expresarse artísticamente de forma libre, algo que supondrá un gran avance en su obra y que se materializará en unos trabajos más osados y en una técnica más libre y suelta y en el descubrimiento de nuevos materiales, colores y texturas que se irán incorporando paulatinamente a sus creaciones.

La Huida

En la serie que conforma La Puerta hacia el mar los distintos materiales que componen las obras provienen casi exclusivamente de la Naturaleza: arenas procedentes de distintos lugares del mundo, piedras, rocas, restos fósiles, algas…todos estos elementos se combinan entre sí e interactúan para dar lugar a una composición nueva y diferente cada vez. Los surcos que cruzan las obras de Pablo nos hablan de la profundidad y la sutileza de su obra, nos lleva a la inmediatez de lo efímero y al mismo tiempo a la repetición de los ciclos, al misterio del eterno retorno, ideas ancestrales que forman parte de nuestra forma de entender el Universo. Es precisamente a partir de la búsqueda de materiales y de todo el proceso de investigación que éste conlleva como comienza la creación artística y lo que va a determinar el resultado final del trabajo. Teniendo en cuenta la naturaleza de la obra de Pablo Cros, son los propios materiales los que van a definir la obra en sí misma, creando un sinfín de colores y texturas.

Orilla

El artista rompe de esta forma las fronteras entre pintura y escultura. No existen obras en dos planos ya que todas poseen relieves sinuosos que incitan a tocarlas, a disfrutar de su tacto y no simplemente de su contemplación. Es aquí donde la formación de Pablo se hace más visible así como la abstracción patente en su técnica de artistas como Pollock, Rothco o De Kooning que, como él, utilizan la abstracción como un medio de llegar a la espiritualidad, a lo más profundo de la consciencia del ser humano.

Fósil

El significado de la obra de Pablo Cros es profundo y meditado. Todas ellas suponen una analogía con un fuerte sentido crítico que boga por el ecologismo, la necesidad de respetar al planeta y a sus ecosistemas y el respeto perdido al mar, a su fuerza y a sus habitantes. Al mismo tiempo supone una fuerte crítica a la acción del hombre y su consumismo sin sentido, su afán de destrucción a cambio de un beneficio económico desfasado y ajeno a las necesidades actuales. Muchas de sus obras nos hablan de un planeta seco y sin vida, agotado y marchito, destrozado por el hombre. Otras, sin embargo, nos hablan de la tibieza de la arena recién tocada por el mar, el brillo del agua se percibe en su superficie, iluminada por los rayos de sol.

Resaca

Crítica social, meditación y consciencia del hombre y su posición en el mundo son grandes temas dentro de la amplitud de connotaciones de “La Puerta hacia el Mar” cuyo fin último, como el mismo artista nos revela, es que el espectador busque en s u interior a través de la contemplación de la obra y vuelva a sacar la inocencia y la humildad que quizás una vez distinguieron al ser humano ante los misterios del mundo y que, en los últimos siglos, han pasado a formar parte únicamente de las almas de los niños.

La caracola y la galaxia

A pesar de su juventud, Pablo Cros ha participado en varias exposiciones en nuestro país (Murcia, Cartagena…) y en México donde su obra recibió una cálida acogida. A través de sus viajes a este país así como por diferentes países europeos (Holanda, Inglaterra, Portugal…) su vista se ha educado en los colores y sensaciones que se transmiten en su obra y que van afianzando su estilo, lo que sin duda ha contribuido a los premios y becas que ha ganado, entre ellos el Primer Premio del certamen Molajoven (Murcia).

Cada una de sus obras supone un pulso a la devastación sin sentido del hombre pero también un mensaje de que otro mundo en el que convivir con la Naturaleza y formar parte de ella, es posible. A ello ha dedicado su proyecto “La Puerta del Mar” y el resultado es de una belleza

tan soberbia y concisa, de un significado tan sutil y profundo, que, al contemplarlo, resulta imposible rebatir sus argumentos.

Quizás por eso Pablo posee ese toque tranquilo y seguro, mezcla de la humildad y del esfuerzo del trabajo, y de la persona que a pesar de su juventud ya sabe cuál es el propósito de su vida. Es el secreto que diferencia a los genios. Aunque él, probablemente, no lo sabe y por eso continúa, indiferente, su camino.

****

Desde el próximo día jueves 17 de mayo podrás disfrutar de "La Puerta hacia el Mar" en la galería Art5, a partir de las 20:00 h.

¡Te esperamos!

"Cómo invertir en Arte con éxito" por sólo 15 euros

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Tue, 08 May 2012 15:13:00 +0000

Queridos amigos de La Página Escondida, la editorial Creaciones Copyright ha tenido el bonito detalle de lanzar una oferta de prepublicación de "Cómo invertir en Arte con éxito" a un precio muy especial, 15 euros. Para ello ello sólo hay que reservar antes del día 20 de mayo.

Para reservarlo es suficiente con mandar un correo indicándolo a la siguiente dirección:

ediciones@creacionescopyright.com

Si lo preferís, el libro reservado puede ir firmado por mí con una dedicatoria personalizada. Siempre que así lo queráis, claro está :)

Quiero daros las gracias a todos por vuestros bonitos mensajes de apoyo y buenos deseos para el libro. "Cómo invertir en Arte con éxito" estará a la venta en librerías el 1 de junio al precio de 18 euros.

¡Muchas gracias a todos!

Historias de papel

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 07 May 2012 21:47:00 +0000

Navegando me he encontrado esta preciosa historia animada realizada por Katie Wynkoop.

Sencillamente maravilloso. ¿No os parece?

¡Feliz martes! :)

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Feliz Día de la Madre

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Sun, 06 May 2012 11:12:00 +0000

Pablo Ruiz Picasso.
Maternidad. 1904-1905

A partir de 1904 Picasso comienza a abandonar la época conocida como "Etapa Azul" y entra paulatinamente en su "Etapa Rosa". Atrás quedan los temas más sombríos, las figuras desamparadas y los tonos fríos que habían comenzado a invadir su paleta tras la muerte de su querido amigo Carles Casagemas. Ahora un sinfín de matices del rosa aparecen en sus obras y también sus temas se hacen mucho más amables como es el caso de esta hermosa maternidad realizada entre 1905 y 1906.

La época rosa de Picasso es un canto a la vida y a la esperanza. Tras los duros años pasados el artista parece retomar su amor por las cosas hermosas, por las bondades de la vida y vuelve a creer en la belleza de las cosas porque...¿hay algo más hermosa que una madre con su hijo?

¡Felicidades a todas las mamás del mundo! :)

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Jeice Hernández: recuperando la magia perdida

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 03 May 2012 20:30:00 +0000

Jeice Hernández

Recuperando la magia perdida

“Los cuentos clásicos son un medio de enseñanza para enfrentar la realidad con imaginación y coraje. Permiten que la imaginación vuelva a estar en constante funcionamiento abriendo la mente a nuevas ideas y por lo tanto a nuevas soluciones.”

Jeice Hernández

Cinderella

Hay algo mágico en los cuentos de hadas. Algo ancestral y místico, algo que hace que nos detengamos con recelo ante el comienzo de un bosque. O que nos incita a buscar la protección de un fuego y un techo protector cuando cae la noche. Hay algo en los cuentos de hadas que provoca que su hechizo permanezca por siempre jamás, que nos guía durante años en la búsqueda de nuestro príncipe azul y nos recuerda cómo a vencer a las brujas malvadas que nos acechan en los entresijos de la vida. Y ese “algo” es la magia que surge en cada pincelada de Jeice Hernández. Una joven colombiana con una técnica soberbia avalada por su amplia formación clásica y con un único y hermoso deseo: crear en los adultos una chispa, un flash, una imagen que permita reactivar la imaginación.

Historias de cuento que cobran vida

A través de las obras de Jeice una serie de personajes nos traen viejos recuerdos de nuestros juegos infantiles pero también nos conducen a la complejidad de los mitos clásicos, a la belleza salvaje de la leyenda artúrica o a la violencia elegante de las historias de Shakespeare.

Juliett

Príncipe III

Estos personajes, sin embargo, no son meros protagonistas sino que además, poseen un profundo significado por sí mismos. “El Príncipe” por ejemplo, suele ir asociado al azar, a lo incierto, a las casualidades que se conjuran en nuestras vidas y que van conformando nuestros destinos. El Bosque representa lo desconocido, el peligro, lo tenebroso pero también el misterio, la oportunidad, el lugar donde se esconden los seres mágicos y donde el bien triunfa sobre el mal.

Pero todos estos significados yacen bajo las capas de óleo de una forma no evidente a simple vista porque una de las claves más interesantes de su trabajo es que la obra de Jeice es su sutileza. A veces, nada en la imagen nos hace sospechar que ese personaje que se nos muestra es Caperucita, pues sólo vemos el bello rostro de una mujer joven. Nada en el rostro de un joven apuesto nos puede poner sobre la pista de que se trata de El Príncipe. O mi preferido: nada en un hermoso ramo de pensamientos que se sumerge en un lago puede hacernos pensar en una dama medieval hasta que, al reparar en el título, leemos “Ofelia”.

Réquiem Ofelia

Sólo entonces, al leer el texto que acompaña a la imagen o mirar el título es cuando de repente toda la obra cobra sentido. En ese momento, el significado de la obra cambia por completo porque miles de imágenes, sensaciones, recuerdos e ideas llegan a nuestra mente dándole una nueva vida a la imagen. Haciéndonos recuperar la ilusión, la magia y esa maravillosa sensación de que todo es posible que, cualidades todas que formaban parte de nosotros cuando éramos niños y que de repente, en algún momento, nos abandonaron. Aunque no para siempre.

La sutileza en la obra de Jeice nos hace pensar, tomando una parte activa en todo el proceso de la creación. Como ella misma nos dice, cada espectador reacciona de forma diferente ante cada obra. Que conectemos con una pintura de una u otra forma, de manera más o menos intensa va a depender en gran medida de nuestras ideas previas sobre una historia, de los recuerdos que nos evoque, en definitiva, de cómo nos haga sentir.

Buscando el camino

Prince

Charlo con Jeiceh una fría mañana de febrero, mientras doy pequeños sorbitos a un delicioso café. Jeice es puro entusiasmo y fuerza. Cuando habla de su trabajo, de su conexión con las personas que contemplan su obra y de su necesidad de crear para expresarse me transmite toda la pasión e ilusión que siente por lo que hace. Es así como me habla de su infancia en Bogotá, rodeada de arte desde pequeña porque también sus padres son grandes amantes del mundo del arte. Es en esta ciudad donde comienza sus estudios de Artes Plásticas, bajo un plan de estudios exhaustivo y exigente, que incide sobremanera en la formación clásica de sus alumnos. Su técnica depurada y de un dibujo impecable se convierte ya desde entonces en la base de su trabajo. Y es en este momento, aún en la universidad cuando realiza sus primeras exposiciones y es seleccionada para varios premios y concursos, al mismo tiempo que colabora como monitora de fotografía analógica.

Manzana envenenada

En estos años la fotografía comienza a tener una fuerte importancia en la obra de Jeice, pero de una forma muy especial. La fotografía es reinterpretada en la pintura de forma que no se pierde información sino que se produce un enlace directo entre ambas técnicas, lo que hará que su pintura tenga un carácter único muy marcado. En el año 2000 se traslada a Barcelona donde cursará sus estudios en la Universidad Autónoma de Barcelona, en la especialidad de fotografía y desde entonces ha desarrollado su carrera artística en España.

Desde su llegada a España Jeice continúa trabajando en un proyecto en el que trabajaba ya en Colombia encaminado a despertar la imaginación en el espectador, proyecto que había cobrado vida tiempo atrás cuando era niña y se dejaba arrullar por los cuentos clásicos, por su belleza y por su esplendor pero también por el lado oscuro y tenebroso que se esconde tras toda buena historia. Aunque quizás este proyecto comenzó mucho tiempo atrás, de la mano de unos sesudos escritores que se dispusieron a poner por escrito viejas historias populares.

Sin aliento

Historias que se contaban de padres a hijos, de abuelos a nietos y cuyo origen se perdía tiempo atrás, hundiendo sus raíces en los oscuros tiempos medievales. También la mitología, la Historia y las leyendas van a formar parte de la obra de Jeice.

Tras las palabras de los contadores de cuentos

Punto de equilibrio

Historias

El trabajo de Jeice comienza antes de enfrentarse ante un lienzo en blanco. A la labor de la artista precede la de investigadora, aunque quizás más bien ambas facetas son la cara y la cruz de una misma labor. Para encontrar el tema, la historia o el personaje a quien dar vida, nuestra artista va directamente a las versiones originales de las historias. Las palabras textuales son la base de la obra, toda la imagen que se creará se basa en ellas y, por lo tanto, hay partes del texto en el cuadro. A veces el texto aparece en todo el cuadro (de forma visible o invisible) y otras, se extrae alguna palabra que es totalmente legible. Para ella los cuentos clásicos, con toda su labor de advertir a los niños de los peligros que les esperaban, de las duras pruebas que encontrarían en su camino y de educarlos en el trabajo y el esfuerzo diario funcionaron. Funcionaron para la generación para la que fueron creados. Pero actualmente tienen otra función igualmente importante y quizás mucho más necesaria si cabe: encender una “chispa” que devuelva la imaginación a aquellos que la perdieron.

Wish

Jeice utiliza todo el simbolismo y profundidad que yace tras los mitos y los cuentos para, de forma visual, despertar una pequeña chispa en los espectadores, una chispa que devuelva a la vida su imaginación, chispa que la artista no considera extinguida ni apagada, simplemente algunas veces, olvidada o esperando. Esperando volver a la vida a través de una imagen, una palabra, un color.

Luz, oscuridad, profundidad

Jack

Roja

Tras estudiar el texto detenidamente, Jeice extrae unas palabras de un fragmento. El elegir unas palabras exactas es uno de los pasos más delicados y difíciles de todo el proceso de creación porque, como ella misma nos explica, esas palabras son esenciales ya que fueron seleccionadas por el escritor por un motivo muy concreto, para transmitir todo el sentido que quería conferirle a la historia. Esas palabras son la esencia de la obra y la imagen se crea a partir de esa esencia.

La Reina

Una vez elegido el fragmento al que dar vida y tras realizar el dibujo previo, una serie de superposiciones de capas de óleo irán formando las imágenes que, a su vez, dan vida a la historia. Las capas irán definiendo a los personajes y al mismo tiempo al significado del texto elegido pasando a tener un papel casi de narrador. De esta forma, los personajes limpios y de nobles intenciones, como Blancanieves estarán formados por capas más transparentes y sus rasgos aparecerán claramente iluminados mientras que los personajes más oscuros, con intenciones perversas y pensamientos insondables, se esconden tras una mayor multitud de capas, y a veces sus rostros aparecen envueltos en penumbras de manera que casi hay que adivinar sus rasgos.

Jeice juega con las capas y con las texturas dejando entrever la profundidad que yace tras cada personaje, tras cada historia. De esta forma se refuerza la idea, presente en todo cuento y en toda buena historia que se precie, de que siempre hay algo detrás, algo que no se ve, que simplemente intuimos pero que acabará surgiendo si tenemos la sabiduría y la humildad necesarias para percibirlo. También los materiales pasan a tener en cierto modo una función de contribuir a la narración, la madera, por ejemplo, utilizada como un antiguo retablo, es utilizada para dar la vida al bosque estableciendo una inteligente conexión entre el soporte y la idea que se plasma en él.

Lobo

No obstante, no siempre los personajes de su obra son interpretaciones de los personajes de las historias. A veces la caracterísitica en la que se basa la imagen da como resultado una imagen totalmente nueva, creando un mundo paralelo, otra historia, otro personaje. Este es el caso de la obra Harmony, por ejemplo, basada en la picardía y la malicia de Gretel, del cuento Hansel y Gretel, de los Hermanos Grimm).

De magos, hadas y mendigos

A lo largo de su intensa carrera Jeice ha expuesto en varias ciudades de Europa y América. Su trabajo ha ido evolucionando con el tiempo y su técnica se ha ido perfeccionando pero su capacidad para asombrarnos y para emocionarnos, para hacernos volver al reino mágico de las hadas continúa intacta. Ahora más que nunca quizás, con los difíciles tiempos que corren, el talento de Jeice para hacernos comprender que todo es posible es de una relevancia abrumadora. Contemplando su trabajo podemos viajar a otros mundos, dejar volar nuestra imaginación a lugares lejanos donde tienen lugar historias tan bellas como imposibles, a mundos mágicos donde personajes inolvidables realizan hazañas inmortales.

Witch

Aunque quizás el gran secreto de la obra de Jeice va más allá de su excelente capacidad artística. Porque para ser capaces de transmitir la belleza primero debemos llevarla en nuestro interior. Y Jeice, en su mirada limpia y profunda, es capaz de contemplar un mundo hermoso, inteligente y sutil en el que un personaje de cuento yace en el interior de cada uno de nosotros.

A veces estos personajes son muy evidentes y es fácil sacarlos a la luz. Otras son exquisitamente difíciles pero si observamos y escuchamos atentamente…allí estarán. Sólo hay que mirar con el corazón para poder ver lo invisible, que diría El Principito.

Porque quizás tras la apariencia frágil de una anciana se esconde un hada madrina tan poderosa que podría hacer realidad todos nuestros deseos. O quizás, sólo quizás, el viejo mendigo que nos hemos cruzado en el camino era el Merlín, el Mago, aquel que conoce todos los secretos del mundo. ¿O acaso no era eso lo que podía leerse en su mirada?

Secretos médicos en las obras de arte

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 30 Apr 2012 22:38:00 +0000

Marinus Claesz van Reymerswaele
El cambista y su mujer
Museo del Prado. Madrid

Caravaggio, Van Eyck, Piero della Francesca o el artista anónimo que esculpió los rostros de Akenatón y Nefertiti eran grandes artistas con una técnica excelente y grandes perfeccionistas de su arte. Tanto que al plasmar a sus modelos,probablemente sin saberlo, dejaban inmortalizados para siempre los síntomas de las enfermedades que les aquejaban. Hoy podemos analizar esos síntomas y arrojar luz sobre la vida y la muerte de muchos de sus modelos.

Recientemente la revista ACTA ha publicado mi artículo "Secretos Médicos en las obras maestras" en el que, de la mano de prestigiosos especialistas médicos, analizamos grandes obras maestras de la Historia del Arte pero desde una perspectiva un tanto peculiar: la del médico que analiza a su paciente en busca de las claves de su enfermedad.

El artículo arranca así....

Ellos no lo sabían pero al retratar a sus modelos estaban plasmando en el lienzo mucho más que un rostro, un vestido o un gesto. Gracias al enorme talento de los grandes maestros de la pintura, al contemplar un retrato podemos casi percibir los pensamientos, la historia y los anhelos de la persona que aparece en él. Pero hoy en día podemos llegar mucho más allá y conocer algo tan íntimo e intrísecamente humano como las enfermedades que les aquejaban y que, en muchos casos, provocaron el fin de sus días. Una mancha en la piel, un bulto en el cuello o una extraña malformación en los dedos probablemente no eran para estos modelos más que un pequeño achaque al que acostumbrarse pero ahora sabemos que eran señales mudas de las patologías que sufrían.

¿Te apetece seguir leyendo? Lo tienes en este enlace.

¡Feliz puente! :)

¡Mi nuevo libro!

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Wed, 25 Apr 2012 20:13:00 +0000

Portada de "Cómo invertir en arte con éxito"

Queridos amigos de La Página Escondida, hoy traigo al blog una noticia para mí muy especial: la publicación, dentro de pocas semanas, de mi nuevo libro: "Cómo invertir en Arte con éxito".

"Cómo invertir en Arte con éxito" surgió hará cosa de un año durante una cena con amigos en la que algunos de ellos me plantearon que querían comprar arte pero que no sabían por dónde empezar. Así se inició una animada conversación en la que me di cuenta de la cantidad de errores, tópicos, prejuicios y malentendidos que existen sobre el mercado del arte y de la poca información que existe al respecto. Comprendí que un mundo perfectamente normal y, en ocasiones incluso anodino, como el de la compra venta de arte, fuera del círculo de profesionales que nos dedicamos a él, resulta ser extraño, misterioso e incluso intimidador.

Así que al día siguiente comencé a darle vueltas a la idea de escribir un libro sobre el tema para ayudar a acercar el mercado a coleccionistas e inversores interesados pero sin experiencia y, tras consultarlo con Creaciones Copyright, la editorial que ya confió en mi para publicar Arte y Museos en Internet (quienes por cierto se mostraron entusiasmados con la idea) me puse manos a la obra. ¡Y aquí está!

"Cómo invertir en Arte con éxito" está pensado para todos aquellos coleccionistas primerizos (en nuestro argot se les llama First Collectors) que quieren iniciarse en la compra de arte, bien para invertir, bien simplemente por el hecho de poseer obras hermosas. Pero creo que también es un buen libro para aquellos coleccionistas que, habiendo comenzado a comprar, están interesados en profundizar y ampliar sus conocimientos para evitar una mala decisión que les haga perder tiempo y dinero. Y, por último, también pienso que puede servir de guía introductoria a aquellos estudiantes que quieran especializarse en el mercado de obras de arte y dedicarse a este campo en su futuro profesional.

Hay muchísimas personas a quienes tengo que agradecer la creación de este libro y entre ellas, muy especialmente, estáis vosotros, los lectores de La Página Escondida. Como explico en los agradecimientos del libro, todos y cada uno de vosotros, habéis tenido un cometido fundamental en la escritura de este libro: el recordarme cada día, con cada visita, cada comentario o artículo compartido que al otro lado del ordenador hay personas sensibles interesadas en el mundo del arte.

¡Muchas gracias a tod@s!

Texto de contraportada

¿Te has preguntado alguna vez qué diferencia una obra de arte valiosa de otra que no lo es? ¿Por qué las obras de un artista pueden estar valoradas en millones de euros mientras que otras similares valen mucho menos? ¿Cómo funcionan las galerías de arte y las casas de subastas?

El mundo del mercado del Arte es una inversión refugio fascinante, especialmente en momentos en los que las inversiones financieras ofrecen baja rentabilidad y alto riesgo. A lo largo de las páginas de este libro, su autora, Ana María Trigo, desvela los pequeños secretos que marcan la diferencia entre una buena inversión en Arte y un rotundo fracaso.

Especialmente pensado para quienes quieren iniciar su propia colección de Arte, en Cómo invertir en Arte con éxito descubrirás como:

- Decidir qué tipo de Arte coleccionar en función de tus gustos personales y presupuesto, independientemente de que este sea una gran suma u otra mucho más modesta.

- Convertirte en un auténtico experto en el tipo de arte que elijas.

- Cómo se tasa una obra de arte.

- Los mejores lugares para adquirir las piezas de tu colección y cómo evitar caer en manos de falsificadores y ladrones de arte.

- Proteger y cuidar cada una de tus inversiones.

En tiempos de crisis, cuando la Bolsa y el mercado inmobiliario no parecen ofrecer ninguna garantía, inversores y emprendedores buscan refugio en valores más seguros, que resistan el paso del tiempo y ganen valor con los años.

El mercado del Arte ha demostrado ser una alternativa atractiva y fiable. Las cifras alcanzadas en los últimos años en ferias, galerías y casas de subastas así lo confirman. Pero no todo vale. Como cualquier otro tipo de inversión, la inversión en Arte requiere tiempo y conocimientos específicos que pueden adquirirse. Este libro es una excelente herramienta para comenzar a dar los primeros pasos y disfrutar en el camino.

Kitagawa Utamaro

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Tue, 24 Apr 2012 07:00:00 +0000

Kitagawa Utamaro fue uno de los pintores japoneses más importantes de finales del siglo XVIII y primera mitad del siglo XIX. Sus imágenes son elegantes y sencillas, muy del gusto europeo, por lo que cuando los occidentales las descubrieron las reproducciones no tardaron en reproducirlas en Europa, de ahí que muchas de sus obras nos resulten sorprendente familiares, incluso a quienes apenas conocen el arte japonés.

Por cierto, una de sus estampas, que alcanzó gran difusión en el siglo XIX, fue directamente copiada por uno de los grandes postimpresionistas. ¿La habéis localizado ya? ;)

¡Feliz martes!

El Jardín de las Delicias

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 20 Apr 2012 13:39:00 +0000

Las nuevas tecnologías nos traen pequeñas maravillas como ésta: El Jardín de las Delicias de El Bosco en un precioso vídeo y acompañado de la espectacular Carmina Burana.

Tómate 5 minutos libres para disfrutarlo y ¡Comienza el fin de semana!

¡Feliz viernes! :)

Nuestros artistas exponen: María Jesús Pérez Vilar

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Wed, 18 Apr 2012 18:11:00 +0000

Como sabéis en La Página Escondida nos encanta hacernos eco de las exposiciones de los artistas que han ido apareciendo por aquí. En esta ocasión traemos la obra de María Jesús Pérez Vilar quien nos visitó hace algún tiempo como podéis recordar en esta entrada.

La exposición tiene el precioso nombre de Luz Repentina y comenzó el pasado 14 abril. Podéis disfrutar de ella hasta el 12 de mayo en el espacio cultural La Casa Roja (C/ Esteban de Ponte, 46. Garachico. Tenerife)

Conociendo a María Jesús y a su obra estoy segura de que será un gran éxito. Si tenéis la oportunidad de asistir no os la perdáis.

¡Enhorabuena, María Jesús!

Personajes de tela del siglo XI que cobran vida

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 29 Mar 2012 17:24:00 +0000

Tapiz de Bayeux.
Lienzo de lino bordado en lana. Siglo XI
Maestr@s desconodid@s
Centre Guilleume le Conquérant. Bayeux. Francia.

En algún momento del siglo XI, unos maestros desconocidos* realizaron una obra de arte excepcional y única: el Tapiz de Bayeux. También conocido como El Tapiz de la Reina Matilda este hermoso lienzo realizado en lino mide 68,8 m de largo, 5 dm de altura media y pesa aproximadamente 350 kg.

A lo largo de 58 escenas se suceden 626 personajes, 707 animales, 37 castillos y fortalezas y 41 barcos. Cada imagen está perfectamente tejida por manos expertas y el texto en que se apoya la acción, principalmente latín con algunas palabras sajonas, es rigurosamente correcto.

El Tapiz de Bayeux narra la partida de Harold el Sajón, cuñado del rey Eduardo de Inglaterra (muy anciano y sin descendencia) a Francia para ofrecerle la corona de Inglaterra a Guillermo de Normandía. A su regreso a Inglaterra el rey Eduardo fallece y Harold se alza con la corona ilegítimamente. Entonces Guillermo se lanza a la conquista de Inglaterra para recuperar el trono que el rey Eduardo le había otorgado y Harold le había usurpado. Finalmente Guillermo se proclama vencedor tras la famosa Batalla de Hasting y es coronado como Guillermo I de Inglaterra. Los hechos tuvieron lugar entre 1066 y 1067.

Gracias al gran detallismo que muestra el tapiz los historiadores han podido documentarse sobre armas, vestidos y tácticas militares utilizadas en la guerra así como otros detalles curiosos como que consideraban al Cometa Halley, presente durante la coronación de Harold, un claro signo de mal augurio. Aunque parece ser que el cometa Halley no pasó por La Tierra hasta 8 años después...

Según la leyenda el tapiz fue bordado por la reina Matilda, esposa de Guillermo I, y sus doncellas como un regalo para su esposo para conmemorar su gran éxito. Hoy sabemos que esta hipótesis es totalmente falsa y que probablemente fue encargado por el Arzobispo de Bayeux, hermanastro de Guillermo para adornar la catedral en el día de su consagración, el 14 de julio de 1077.

Aunque no sabemos con certeza quiénes realizaron el tapiz a mí me gusta pensar que fueron unas monjitas expertas, bajo la atenta mirada de una abadesa que hablaba un perfecto latín. No es difícil imaginarlas trabajando con constancia en su pequeño taller. Ilusionadas por la importancia del regalo para su rey. Espero que el día de la consagración de la catedral hubiera un lugar muy especial reservado para ellas :)

Hoy, además, las figuras que salieron de sus manos, han cobrado vida como por arte de magia y podemos apreciar con todo detalle su exquisito trabajo. Una auténtica joya.

..............

*Yo me inclino más bien porque fueron "maestras", como explico en el texto.

Vernisagge de Silvia Sánchez Revuelta

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 26 Mar 2012 22:43:00 +0000

Invitación de Vernissage.
Silvia Sánchez Revuelta

Como sabéis en La Página Escondida nos encanta compartir todas las novedades de los artistas que nos han ido presentando su trabajo. En esta ocasión tenemos un evento muy especial: una vernisagge organizada en Zurich con Silvia Sánchez Revuelta como protagonista.

La obra de Silvia está llena de un color que inunda todo el lienzo y que contribuye a contar pequeñas historias cotidianas que nos intrigan, nos hacen reflexionar o nos emocionan pero nunca nos dejan indiferentes. Sus figuras femeninas están llenas de determinación aunque a veces nos parezcan frágiles. Todas ellas irradian la dignidad, la fortaleza y la sabiduría que habitan en el alma de cada mujer.

Silvia ya nos acompañó en esta entrada donde analizamos su trabajo y si quieres profundizar un poco más en su obra visita su página web y únete a su perfil de Facebook para estar al día de todas sus novedades.

La vernisagge de Silvia Sánchez Revuelta tendrá lugar de los días 20 al 22 de abril, en la Art Gallery Ryf, en Militarstrasse, 83 8004 Zürich

Para más información visitad la web de Art Gallery Ryf

Y si estáis por Zurich para ver cómo llegar podéis consultar este enlace.

¡Felicidades Silvia! Desde La Página Escondida te deseamos mucha suerte y éxito con este nuevo proyecto :)

Feliz Día Internacional de la Mujer

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 08 Mar 2012 21:48:00 +0000

Rudolf Koppitz

‘Alt-Pustertalerin’, ca. 1930

Tyrol - Austria

Queridos amig@s de La Página Escondida. Como sabéis, hoy 8 de marzo, día internacional de la Mujer, es un día muy especial que siempre nos ha gustado celebrar en el blog. Y hoy no podía ser menos. Navegando por la web me he encontrado con esta magnífica fotografía en blanco y negro de una anciana tirolesa. Me encanta la expresión de la anciana, combinada con la sencilla austeridad de un simple vestido negro. Se me figura a un hada buena, disfrazada, a punto de aparecerse a una alocada princesita o a un incauto cazador. ¿No os parece?

Aunque sea un poco tarde...¡Feliz Día Internacional de la Mujer! :)

Sobre cuentos perdidos

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Tue, 28 Feb 2012 22:02:00 +0000

No se escribe porque quieras contar algo, se escribe porque tienes algo que contar.

Scott Fitzgerald

Navegando por Internet me he encontrado con este pequeño tesoro y como tal tenía que compartirlo con vosotros. Es la historia de un cuento que no tenía nada que contar. O al menos eso pensaba él...

No os lo perdáis...

Autocuento - a short animated story about a Tale's life from Marcos Xalabarder on Vimeo.

¡Feliz miércoles! :)

El cuadro más caro de la Historia

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 06 Feb 2012 15:35:00 +0000

Tercera versión de Los jugadores de Cartas de Paul Cézanne

Hoy nos hemos levantado con un gran notición en el mundo del mercado del Arte: una de las 5 versiones de Los Jugadores de cartas de Paul Cézanne ha sido adquirida por la familia real de Qatar a un coleccionista privado obteniendo la cifra récord hasta hoy de 220 millones de euros.

Con ello se convierte en el cuadro más caro de la Historia desbancando con creces al famosísimo Nº 5 de Pollock. Y es que aunque todas las noticias que se leen hoy aseguran taxativamente que el cuadro más caro hasta hoy era Desnudo, hojas verdes y busto de Picasso no es cierto. Desnudo, hojas verdes y busto era el cuadro SUBASTADO más caro de la historia ya que alcanzó la cifra de 81 millones de euros en una subasta realizada en 2010 en la sede de Nueva York de la casa Christie´s. Pero no logró superar al Nº 5 de Pollock que fue vendido en una transacción privada por 140 millones de dólares en 2006. Cuestión de matices a los que los periodistas, por lo que se ve, no son muy aficionados.

N. Aunque no he podido confirmarlo creo que ésta es la imagen que realmente corresponde a la obra adquirida por la familia real de Qatar ya que era la única que se encontraba en manos privadas mientras que las otras cuatro versiones pertenecen a los fondos de museos y fundaciones.

¡Feliz y próspero comienzo de semana! :)

Conversando con Olga Schäfer (ADAdripping)

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 02 Feb 2012 08:30:00 +0000

"Mi manera de expresarme mediante el arte, lo represento según lo que quiera transmitir o me este sucediendo en el momento."
Olga Schäfer.

Tras el pseudónimo ADAdripping nos encontramos con una artista joven que realiza una obra tan variada como sorprendente: Olga Schäfer. Pintura, performance, action painting e instalación forman parte del amplio portfolio de esta gran creadora inquieta e inconformista que también desarrolla su trabajo en la labor de investigación en Arquitectura y que tiene un fuerte compromiso social con el mundo que la rodea. Su obra tiene una vertiente profunda que ahonda en el más íntimo de nuestra psicología y nuestro ser espiritual. Olga no sólo posee una técnica impecable, también y sobre todo, es capaz de llegar al interior de nuestra consciencia.

Autorretrato de la artista Olga Shäfer

Collserola

El último día

Mandala

Piel

Desfragmentados

Obra en construcción

Detalle de "Seven. Los siete pecados capitales"

Brota vida

Si el hombre fuera como debiera

Presentación del personaje Olga Schäfer. Pre-performance "Vivido en carne propia"

Olga, siempre nos gusta saber cómo empezó todo, cómo te diste cuenta de tu vocación.

En el año 2000, llegue a Barcelona a estudiar un doctorado de arquitectura en la Universidad Politécnica de Cataluña, mi tema era el “Museo como Monumento Contemporáneo”, al mismo tiempo trabajaba en mi obra artística, con el tiempo empecé a buscar convocatorias para exponer, y poco a poco mi pasión por el arte fue desplazando la tesis del doctorado que tenía que desarrollar.

He expuesto en EE. UU, en Italia, en Colombia y en España. Me di cuenta de que quería pintar y dedicarme a ello, la primera vez que vine a Barcelona, fue en el 96, a un congreso de arquitectura, aun era estudiante y claro, en la Universidad estaba viendo historia del arte y de la arquitectura al mismo tiempo (pues estudiaba ambas carreras al mismo tiempo).

El venir a Europa por primera vez, abrió mis expectativas, el mundo se me hizo pequeño, lo tenia que conseguir, me veía en una buhardilla pintando y escribiendo, todo el dia…decantándome hacia el mundo de las ideas, la investigación, la creación artística, el enriquecimiento intelectual, el interés por otras realidades o manifestaciones culturales, como lo hacían nuestros maestros… por esa razón vine a estudiar un Doctorado, porque me permitiría seguir preparándome intelectualmente y el arte como pasión o medio expresivo y/o espiritual.

¿Cómo te has formado como artista?

En el 93 empecé a estudiar Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín. En la facultad había la carrera de Artes Plásticas, me encantaba ver los trabajos que hacían los estudiantes de artes. Tanto me gustaba que decidí presentarme (sin decirle nada a mi familia), a Artes Plásticas en otra Universidad, es así como en el 95 empecé a estudiar también Artes Plásticas en la Universidad de Antioquia, estudiandoal mismo tiempo y a ritmo frenético las dos carreras, fue un tiempo maravilloso…lo hacía con tanta pasión, energía y naturalidad… yo quería saber y aprender. En la facultad me llamaban ”la hormiguita”. Lo recuerdo con mucho cariño…

Pintura, performance, instalación, action painting, investigación en arquitectura… tu obra es muy variada pero tiene unas características constantes que la hacen uniforme. ¿Es algo premeditado o simplemente muestras tu personalidad en tu trabajo?

Tengo un perfil que no es encasillable, pero que he ido construyendo dia a dia a base de formación, sacrificio y esfuerzo, lo podría resumir en “creativa”. Mi manera de expresarme mediante el arte, lo represento según lo que quiera transmitir o me este sucediendo en el momento.

Es imposible encasillarme en una sola disciplina, influye mi formación, mi manera de ver la vida, mi proceso, experiencias, dolores, alegrías, que han sido tanto intensas como diversas, por eso la pluralidad, sincretismo y expresividad. Realmente no es algo premeditado, sino una necesidad de expresarme con diferentes medios, puede ser en mi obra artística o en mi carrera como investigadora en arquitectura.

Parece demasiado, para una persona, pero lo hago poco a poco, a lo mejor dejo de pintar durante meses, por que me ha surgido un proyecto de investigación en arquitectura y cuando lo culmine o entremedio, hare una instalación o seguirte pintando o escribiré un guión para un corto. La vida es corta y son demasiadas ilusiones e ideas. Lo más importante es que mi obra o trabajo, me guste, me satisfaga, me transmita, todo lo demás llega.

¿Cómo llegaste a la instalación y qué ha aportado a la evolución de tu carrera?

La instalación es la intervención del espacio, mediante el objeto conceptual, en el caso de “Todos van al mismo camino” o “Si el hombre viviera como debiera” o “Cajitas animadas. Rituales contemporáneos de occidente”. Yo creo que ha tenido que ver mi formación indiscutiblemente. Es la forma de mezclar la arquitectura en cuanto a la concepción del espacio y la conceptualización artística. Mediante la instalación utilizo diferentes medios y materiales, sobretodo materiales de construcción y/o reciclables, por ejemplo “Obra en construcción”. Con materiales como la brea, el cemento, piedrecillas, collage, yeso, acrílicos, esmaltes, madera, tela, entre otros.

La performance sigue siendo un medio de expresión poco conocido por el público general. ¿Qué puedes contarnos de las tuyas?

Mediante el performance expreso lo mas intimo, lo más personal, en el caso de “Vivido en carne propia”, transmito un hecho doloroso que marco mi vida, que la corto en un antes y un después, en el 97 mi hermano se suicido, él tenía solo 19 años, y el mismo año mataron a mi exnovio en Holanda, en una discoteca. Estos sucesos y el hecho que dormía muy poco, por que estudiaba dos carreras bajaron mis defensas y mi estado de ánimo al mínimo.

Mi cuerpo generó una alergia sicosomática (prurigo nodular), que deterioro todo mi cuerpo, durante casi 12 años. En este tiempo de enfermedad, pensaba en la catarsis, como medio de purificación emocional, corporal y mental. Y así mismo en la forma de expresarlo mediante el arte, por eso el expresionismo abstracto, en la forma de pintar, el dripping, como medio y relación entre la emoción y el lienzo. Mi cuerpo es dripping, porque quedo marcado, por el rascado, el chorreado, como la textura de la piel, de las lesiones y de las cicatrices.

¿Quiénes son los artistas que más han influido en tu trabajo? ¿Podemos ver algo de ellos en tu trabajo?

Evidentemente Jackson Pollock, por el «automatismo», en su escritura automática que pretendía reflejar los fenómenos psíquicos que tenían lugar en su interior. Van Gogh, por su colorido y pasión impresionista. ..

¿Cuál es la filosofía de tu obra? ¿Qué quieres expresar con ella?

Depende del momento en el que me encuentre, pero confieso que para mi el arte es catarsis, es la manera que tengo de expresar mis pensamientos más profundos, es la forma de transmitir y de comunicar lo que pienso ante los comportamientos de la sociedad, es la mirada, es la pasión, es la libertad…

Sobre mi obra...

Los elementos que componen mi obra artística, se interrelacionan en armonía, tanto de color como de composición, trabajo con materiales de construcción y objetos reciclables. Mi obra posee una estética en la que el gozo por las formas se une a una significación especial, es lo que las imágenes no se atreven a traducir y al mismo tiempo permite una reflexión sobre lo que se puede llamar, concepto expresivo. En temas como:

- "Rituales contemporáneos de occidente". 2003: Obra realizada con técnica mixta; madera, collage, acrílico, chapapote, etc. Materiales que integran doce cajitas animadas, a partir del concepto...rituales contemporáneos de occidente, como lo son, la moda, lo rápido, lo ligero, entre otros conceptos que ilustran a los cánones seguidos por las masas.

- “Todos van al mismo camino”, 2005. Obra realizada a partir de un objeto estándar, el bidé, como elemento que se disfraza de oveja o de borrego, así mismo el grupo de estos elementos interpreta al rebaño de ovejas que van en la misma dirección, como autómatas, siguiendo todos el mismo camino, pero siempre existe la oveja negra que s

e desvía hacia otra dirección.

- “Obra en Construcción”,2005. Obra realizada con elementos de la construcción, pintura realizada en técnica mixta, a partir del collage, cemento, yeso, acrílicos, piedrecillas, etc. Así mismo es complementada, por elementos utilizados en la construcción de obras arquitectónicas, conformando una instalación. El concepto nace a partir de que la vida siempre es un eterno construir y edificar.

- “Seven”, 2007. Obra pictórica y fragmentada, realizada sobre lienzo, intervenido con collage, acrílicos, esmaltes, látex, etc. Los siete pecados capitales, de la cual la sociedad sigue siendo esclava.

Es así como mi obra se genera a partir de conceptos predeterminados, dentro de los criterios del expresionismo abstracto, aprovechándome de la libertad de las técnicas artísticas, mi obra posee contenidos psicológicos, urbanos y espirituales, sin encerrarse en la técnica propiamente visual. Las formas no se cierran ante la iconografía ni ante los imaginarios colectivos, sino que juegan entre lo retórico y la creación poética.

Y por último cuéntanos, ¿cuáles son tus proyectos más inmediatos y cuándo estarán listos?

Ahora mismo estoy desarrollando el tema de mi tesis doctoral “Reciclaje de edificaciones abandonadas, para recualificarlas y adaptarlas a las necesidades de la comunidad”, a ver si por fin me centro y la concluyo. El tema es apasionante…por eso creo estar convencida de terminarla, paralelamente he estado trabajando en un proyecto independiente CorCollserola, el cual se ha generado a partir del tema de mi tesis y de mi experiencia en el barrio de Las Planas en el cual llevo habitando 3 años. Para saber más ver la web www.corcollserola.es.

Para contactar con Olga podéis hacerlo a través de sus páginas webs:

http://www.olgaschaefer.org/

http://www.corcollserola.es/

También podéis consultar su perfil en Linkedin y seguir todas sus novedades en su canal de Youtube.

Muchas gracias, Olga, por mostrarnos tu trabajo. Te deseamos mucha suerte con todos tus proyectos y seguiremos atentos a todo lo que hagas.

Xue Mo, la Vermeer china

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Wed, 01 Feb 2012 11:11:00 +0000

Xue Mo es la artista creadora de estas bellísimas obras que traemos hoy a La Página Escondida. Nacida en la Mongolia interior actualmente vive en Pekín, ciudad desde la que desarrolla su trabajo. Algunos críticos le han puesto el nada desdeñable apelativo de "la Vermeer china" y hablan de su trabajo "a la manera Medici" (Medici-like).

Junto con Zhao Kailin, quien ya nos visitó en otra ocasión, su obra es representativa de esta nueva corriente china que aúna hiperrealismo con una idealización muy acorde con la tradición del arte asiático.
Me encanta porque es capaz de transmitir toda la belleza y delicadeza de la mujeres orientales y al mismo tiempo dignificar su aparente fragilidad.

¿Y a vosotros, qué os parece?

Feliz miércoles :)

5 ideas para aumentar las ventas de un artista

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Tue, 31 Jan 2012 10:53:00 +0000

Vang Gogh

Picasso

Hay 3 motivos fundamentales por los que la obra de un artista no se vende:

1. Tu obra no es buena

2. Tus clientes potenciales (los que estarían dispuestos a comprar tu obra) no te conocen.

3. Mala política de precios

Como verás en ningún momento he mencionado la crisis. ¿Por qué? Porque realmente la crisis es una excusa para autojustificarnos si no conseguimos los objetivos que nos habíamos propuesto. La verdad, la auténtica verdad es que sí que se sigue vendiendo porque ahí fuera hay muchos clientes a los que la crisis no les ha afectado e incluso les ha favorecido. La cuestión es cómo llegar a estos clientes.

Los motivos 1 y 3 quizás los tratemos en otra ocasión, hoy nos vamos a centrar en el que he visto que suele ser el motivo más habitual: tus clientes no te conocen. No se puede vender una cosa si los que pueden comprarla no saben que existe. Así que aquí van 5 sencillas ideas para dar a conocer tu trabajo y, por lo tanto, aumentar tus ventas.

1. Identifica a tus clientes potenciales

Quizás estás invirtiendo dinero y tiempo en mostrar tu obra a los clientes inadecuados. No a todo el mundo le gusta un determinado tipo de arte, es algo lógico y natural. Si a la gente que ve tu obra ésta no le gusta eso no quiere decir que sea mala, sino que ellos no son los mejores clientes para ti. Analiza tu obra y piensa objetivamente qué clientes pueden estar interesados en ella. ¿Qué edad tienen, qué formación, a qué se dedican, cuál es su poder adquisitivo, cuáles son sus gustos? Una vez que tengas un perfil lo más claro posible sabrás a dónde puedes dirigirte, cuáles son las ferias y galerías que más te interesan y con qué clientes no debes perder el tiempo.

2. Fórmate en ventas

Vincent Van Gogh sólo vendió un cuadro en toda su vida (a su hermano Theo) mientras que Picasso nadó en la abundancia casi toda su vida. ¿Acaso Picasso era mejor artista? No. La única diferencia es que Picasso supo vender su obra. Supo a qué personas dirigirse en el momento apropiado y supo evolucionar con los tiempos y crearse su propia marca. Picasso era un buen vendedor de Picasso. Sin embargo esta cualidad es muy escasa entre los artistas quienes normalmente no saben "venderse". Formarse en ventas es algo tan, en apariencia, poco natural para un artista como comer zanahorias para un león. Pero ¿quién quiere acabar como Van Gogh por muy genial que fuera su obra?

3. Crea un presupuesto para difusión

Hace unos días una artista me comentaba en un correo que su presupuesto para difusión era 0. ¿Cómo es posible? Si nadie conoce tu trabajo ¿cómo pretendes venderlo? Si de verdad quieres ganar dinero con tu obra es imprescindible que dediques un presupuesto para darla a conocer, aunque te parezca que este presupuesto es muy bajo, aunque sólo sea unos pocos euros. Piensa que la difusión es algo tan vital para tu carrera como lo son tus pinceles, tus lienzos o tu cámara.

4. Abre tu estudio al público

¿Tienes la suerte de disponer de tu propio espacio de trabajo? Ábrelo al público para que tus clientes puedan visitarte previa cita. De esta forma tendrás tu propia galería permanente por un coste mínimo. Solamente asegúrate de que esté presentable y bien ordenado el día que recibas visita.

5. Crea tu página web

No me canso de repetirlo. Hoy en día es algo imprescindible. Si no puedes pagar a un diseñador profesional para que te la haga, hazla tú mismo. Mi página web está hecha con jimdo, una plataforma completamente gratuita (a no ser que estés dispuesto a pagar sus servicios premium) y muy fácil de utilizar. Otra opción es crear un blog. Yo para artistas prefiero Wordpress porque permite una apariencia mucho más profesional y da opciones más adecuadas a esta actividad.

¿Quieres que te ayude a difundir tu trabajo? Entre los servicios personalizados a artistas que ofrecemos se encuentra éste. Si quieres más información sobre las condiciones para llegar a más clientes, contacta conmigo.

¡Feliz lunes!

Juan J. Sebastián Hernanz Premio Nacional de Grabado

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 30 Jan 2012 11:29:00 +0000

El artista Juan José Sebastián Hernanz en su estudio

Septiembre y Oro III

Hoy estamos de enhorabuena porque Juan José Sebastián Hernanz, uno de los artistas que han tenido la generosidad de mostrarnos su obra en La Página Escondida...¡Ha sido uno de los 5 artistas premiado en los XIX Premios Nacionales de Grabado!

¡Enhorabuena Juan José por este merecidísimo logro! Estamos seguros de que vendrán muchos más. Seguiremos atentos :)

***

Podéis leer la interesante entrevista que Juan José nos concedió en este enlace.
La noticia completa sobre los XIX Premios Nacionales de Grabado está disponible en este enlace.

Arte y Museos en Internet

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 30 Jan 2012 10:52:00 +0000

Queridos amigos, últimamente estoy recibiendo muchos correos preguntando dónde puede adquirirse mi libro Arte y Museos en Internet.

Podéis haceros con un ejemplar en los siguientes lugares:

- Librería La Casa del Libro y también en su página web.

- Amazon

- En la misma editorial, Creaciones Copyright

- En cualquier librería solicitándolo previamente por encargo (sin coste alguno para vosotros)

- En muchas de las bibliotecas públicas y de universidades (Consultar en Google o en el catálogo de vuestra biblioteca).

Podéis elegir entre el formato impreso o bien en edición digital (algo más barato).

Muchas gracias a todos por vuestro interés y por el cariño que me demostráis.

Feliz comienzo de semana :)

***

Arte y Museos en Internet ha sido editado por Creaciones Copyright, una editorial especializada en textos técnicos y divulgativos que cubre temáticas tan interesantes como la astronomía, la biología, la decoración, las finanzas personales...o el arte. Tanto la editorial como los autores estamos muy comprometidos con la difusión de la cultura y del conocimiento por lo que nuestros textos están orientados a un público que disfruta aprendiendo y desarrollándose personalmente. Los precios, además, son muy razonables. Si te apetece saber un poco más puedes visitar su web.

¡Gracias!

Exposición de Hilario Ranera

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 27 Jan 2012 08:49:00 +0000

(clic en la imagen para ampliar)

Si estás en Barcelona o la ciudad condal te queda cerca...¿qué tal si te acercas a conocer directamente la obra de Hilario Ranera? Hilario nos mostraba ayer su obra y precisamente ayer se inauguró su última exposición en la que participa junto con otros artistas. Contemplar la obra de Hilario, como la de los grandes expresionistas abstractos amercianos, es toda una experiencia sensorial así que si tienes la oportunidad no te la pierdas.

¡Feliz fin de semana!

Conversando con Hilario Ranera

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 27 Jan 2012 08:48:00 +0000

"El objetivo final de mi trabajo es crear imágenes con una belleza plástica que trasmita emociones." Hilario Ranera

Retrato del artista Hilario Ranera

Músico callejero

Madeja

Elipse

Sensual

Art and Law by Calcó 08

Art and Law by Calcó 012

En la noche

Gitana

Jeroglífico

Hilario Ranera es un artista cuya obra hunde sus raíces en el arte más ancestral, ese que aunque hayan pasado decenas de miles de años nos sigue fascinando. Sus obras, como las de aquellos primitivos artistas, suponen una experiencia sensorial única para el observador. Líneas curvas y sensuales que nos recuerdan a un lenguaje largo tiempo olvidado y que se cruzan entre ellas creando una infinidad de planos imposibles, colores fuertes que reclaman la atención de nuestra mirada y composiciones armónicas de una gran calidad estética definen la obra de este artista que contempla el mundo con la mirada de un niño que lo descubre por primera vez. Hilario Ranera es un artista de nuestro tiempo que crea obras intemporales y que nos recibe con la humildad de un genio que no sabe que lo es.

Hilario, cuéntanos en qué momento te diste cuenta de que el Arte era una parte

fundamental de tu vida y necesitabas crear para ser feliz.

Yo creo, que se nace con una facilidad para dibujar, algo innato, como se nace con cualquier habilidad para cualquier actividad. Después el artista se educa y desarrolla esas habilidades. Empecé desde pequeño a pintar, y tenía claro que quería ver mi vida desde una visual plástica, ligada al arte .Trazos, formas, colores, perspectiva, pinceladas, manchas,….. un mundo que te hace apreciar la belleza de diferente manera.

Toda tu vida la hipotecas y arriesgas todo lo que tienes, para dedicarte a vivir de tu pintura.

Ese término tan ambiguo que es la felicidad, no sé que te la da, pero como el amor, el dinero, satisfacción personal, o tu pintura, ayudan a ser más feliz, aunque también puedes sufrir, por no alcanzar tus metas.

Tu obra tiene un colorido casi salvaje y al mismo tiempo muy armónico. ¿Cómo

surge? ¿ Planificas tu obra antes de comenzar a pintar o simplemente va surgiendo?

Mi pintura ha sido y es una evolución en formas y en color, buscando una identidad con mi pintura. Este estilo autodicta, es a la vez espontáneo, ya que creo imágenes como si fueran flash-back de la realidad que me rodea, pero desarrolladas con toda esa evolución plástica.

Hay un estado previo de formas y color, y a partir de esta idea desarrollas tu obra. La fuerza del color, va por épocas, depende del momento en el que te encuentres, estado de ánimo y la visión estética que quieras dar a tu obra.

¿Crees que es necesaria la belleza en el arte o se puede hacer arte sin

estética?

Todos estos términos, belleza, arte, estética, felicidad, son de una interpretación tan personal, que yo prefiero trasladarlo a mi lenguaje universal, que es mi pintura. Que transmita sentimientos independientemente de qué persona, de qué cultura, dónde se encuentre, sea capaz de decirle algo, transmitirle algún sentimiento. Mi pintura tiene una lectura narrativa, que invita a imaginarse historias.

Hemos visto que entre tus técnicas usas los medios digitales. ¿ Qué han aportado estos nuevos medios a tu obra ?

Por motivos de salud, empecé a trabajar formato pequeño, con tintas calcográficas, en mi estudio. A partir de estas tintas creo imágenes digitales, con todas las variaciones posibles, en color, tamaño, formato. Después intervengo con acrílicos, creando un monotipo, con todas las variaciones posibles que me brinda una nueva imagen digital.

Este acercamiento al arte digital, me ha descubierto un abanico de posibilidades en formato y en tamaño, creando una simbiosis entre fotografía y pintura, que me es muy atractiva en planteamientos creativos y de reproducción de imágenes.

Estamos en el siglo XXI, y el lenguaje universal está en el soporte digital. Somos capaces de comunicarnos con cualquier persona de otra nacionalidad, y aunque no nos conozcamos de nada; intercambiándonos imágenes, música, palabras, y por qué no obras de arte, con la cantidad de posibilidades que te brinda de difundir tu obra.

¿Cuál es el objetivo final de tú trabajo ?

El objetivo final de mi trabajo, es crear imágenes con una belleza plástica que trasmita emociones.

Luego está la cruda realidad, que tienes que vender para vivir todos los días.

A lo largo de todos estos años de carrera ¿ qué ha sido lo más gratificante ?

Creo que la pintura me ha dado muchos más momentos buenos que malos, siempre me he planteado la pintura como un reto personal, poniéndola por encima de todo. Sería una lista muy larga de vivencias, que siempre me han aportado buenos valores personales. Que a la gente le guste lo que hago, es mi mayor gratificación.

¿ Qué artistas son los que más han influido en tu trabajo ?

Picasso, Miró, Expresionismo americano (Jackson Pollock, Willem de Kooning),

cualquier vanguardia, el arte primitivo

Y por último siempre nos gusta saber en que proyectos estás trabajando actualmente y cuando podremos disfrutar de ellos.

Voy a hacer una exposición durante el mes de septiembre en la galería SKI GALLERIE (Barcelona).

Además de colaborar en los proyectos del grupo PRO ARTE Y CULTURA. al cual pertenezco, con el mecenazgo de Mayte Spinola, entre los que se encuentra la creación del Museo de Arte Contemporáneo, en el Palacio Ducal de Pastrana (Guadalajara). Además podéis conocer mi obra en los siguientes enlaces:

Figuras

Cuadros tintas

Decorados para una ópera

Tintas

Grabados

Pinturas

La obra de Hilario es dinámica, hermosa y contundente. Si queréis disfrutar de su trabajo no os perdáis la oportunidad de asistir a la exposición en la que participa junto con otros artistas y que se inaugura hoy en SKY GALLERY en Barcelona a las 20.00 en Cabestany 10. ¡Mucha gracias Hilario por habernos mostrado tu trabajo y mucha suerte con todos tus proyectos!