La palomita mecánica

Crítica de TV: Touch 1x01

2012-01-29T16:54:00.000+01:00

Kiefer Sutherland regresa a la televisión con la primera sorpresa de 2012

Nota: 7,5

Durante la última década se ha gestado en la televisión un fenómeno que al principio traía de cabeza a los seriéfilos. Me refiero a esas relaciones aleatorias o coincidencias que se dan entre personajes que aún no se conocen, pero que después encajarán en un gran mosaico siempre justificado por "el destino". J. J. Abrams intentó explotar esa propuesta más allá de Perdidos en la fallida Seis Grados, que fue merecidamente cancelada sin terminar su primera temporada. Ha tenido que ser el otro responsable de esta moda, Tim Kring (creador de Héroes) el que consiga llevarla a buen puerto con su dosis justa de explicación "científica" en su nueva serie, Touch, que además supone el reencuentro con Kiefer Suthlernad solamente un año después del final de 24. Y no podría haber elegido un mejor cambio de aires.

El análisis completo del piloto, tras el salto.

El primer episodio de Touch pudo verse el pasado miércoles en Fox América pero hasta marzo la serie no cogerá un ritmo regular de emisiones. Se trata de una técnica de promoción que aunque a priori parezca dañina para el producto, en realidad sirve como el mejor test de pruebas a la hora de analizar el impacto sobre la audiencia. De hecho, que Fox haya emitido el primer episodio meses antes del calendario oficial nos da varias pistas que no podrían apuntar en la mejor dirección.

La primera de ellas y una de las más importantes es que se trata de una serie cara. No solo Sutherland cobra una cifra astronómica por su protagonista, sino que su factura técnica se encuentra entre lo más puntero de la televisión. Gran parte de la responsabilidad de ese buen aspecto general es del realizador del piloto, Francis Lawrence, un tipo que con un buen guión a mano es capaz de deslumbrar con su dominio visual como ya pudimos ver en la rescatable Constantine. Y en un panorama dominado por el poderío de Boardwalk Empire o Juego de Tronos, solo pequeñas excepciones logran brillar con presupuestos por debajo de la media (como Breaking Bad en sus inicios), un baremo que en Estados Unidos ya supera por episodio el coste de dos películas españolas. Y en Touch, se nota. No es que la historia de pie a escenas espectaculares o pirotécnicas, sino que mueve la acción a lo largo y ancho del mundo con un constante cambio de decorados y contextos sin que en ningún momento de la sensación de que se ha rodado todo en un polígono de Los Ángeles como si sucede, por ejemplo, con Alcatraz (esa base secreta es de patada en la boca).

Esa historia puede no sonar demasiado novedosa (de hecho, se confirma la intuición de que estamos ante Señales del Futuro + Mercury Rising), sobre un niño autista que tiene la capacidad de ver y comprender todo lo que sucede a su alrededor hasta el punto de ser capaz de predecir sin margen de error tanto desgracias como actos futuros en principio irrelevantes. Precisamente por esa sensación de deja vu que el desarrollo está cuidado hasta el extremo con los golpes de efecto adecuados en escenas realmente emocionantes. En este piloto los mejores ejemplos los encontramos en la proyección en plena calle de las imágenes de una niña recientemente fallecida que uno de los protagonistas -y padre de la criatura- creía perdidas, o en ese abrazo final lleno de agradecimiento que el chaval le propina a su padre.

Por su parte, Kiefer Sutherland demuestra su buen olfato agarrando otro proyecto televisivo realmente jugoso pocos meses depués del final de 24. El hijo de Donald no es que deslumbre como el agobiado padre viudo de un niño incapaz de comunicarse y en ocasiones parece que va a sacar la pistola del pantalón para disparar a un par de terroristas, pero el tipo le pone ganas y aún tenga demasiado interiorizado a Jack Bauer es solo cuestión de tiempo que se amolde a un rol que, no nos engañemos, no tiene la más mínima dificultad. La papeleta de Touch recae sobre David Mazouz, de tan solo 11 años y con un trabajo todo lo lucido que podríamos esperar. Él es el auténtico protagonista de la serie, por lo menos a nivel argumental, y aunque Kiefer tenga más escenas, en el fondo no es más que el traductor o la herramienta del chaval. Por la función también podemos ver a un viejo conocido de la casa, Titus Welliver, famoso por poner cara a uno de los personajes más absurdos de la televisión reciente, El Humo Negro de Lost (aunque también se le ha visto en Deadwood) y que encarna a uno de los pricipales engranajes en torno a los que se orquesta la relación o "caso de la semana". ¿Volverá a aparecer? Por su parte, la veteranía viene de manos de Danny Glover (Arma Letal, Los Tenenbaum), que da vida al típico abuelete sabelotodo que servirá de guía al protagonista. Porque alguien tenía que hacerlo.

Seguramente, el gran acierto de Touch lo encontramos en su tono asequible para todo tipo de espectadores. El televidente más curtido o hardocre solo tendrá que hacer un pequeño esfuerzo obviando que la idea central es un refrito de referentes demasiado recientes para disfrutarla, mientras que el más ocasional puede darle una oportunidad a sabiendas de que aunque parta de una base fantástica, su desarrollo no busca la complicidad mediante la resolución compulsiva de misterios sino a través del impacto más directo de un torrente de emociones y sentimientos (y lo afirmo a riesgo de resultar ñoño, cosa que Touch no es).

La única pega que se le puede achacar a Touch es el defecto del que adolecen el 99% de los pilotos, es decir, la incógnita sobre la capacidad del planteamiento para no resultar trillado a las pocas entregas. En principio, solo tenemos razones para esperar lo mejor. Ya es un acierto de base el intentar explicar las conexiones aleatorias que se dan entre personajes desconocidos sin quedarse solo en el impacto para el espectador que supone el efecto carambola, pero principalmente las buenas sensaciones descansan en esa tranquilidad con la que se está tomando FOX su producción, en la que apenas han avanzado tres episodios y por lo que aún tienen mucho margen para mejorar algo que de por sí ya es un producto capaz de conquistar a cualquier espectador aquí, en Estados Unidos o en Tokio.

Sex Academy, un coach nada caliente

2012-01-29T16:41:00.000+01:00

El nuevo reality de Cuatro se estrenó el viernes con un buen 12,3 % de share

El viernes por la noche Cuatro estrenó por fin su Academia de Sexo después de algún revuelo tras la emisión en prime time de Todos los secretos sobre el sexo, un programa que como su propio nombre indica, intentaba desvelar las claves del acto sexual a los fans de Divinity. En esta ocasión, el nuevo Coach de Cuatro se estrenó a la una de la mañana para no alarmar a nadie, aunque viendo el contenido no parece menos dañino que ver cuatro horas ininterrumpidas de Sálvame mientras Mermelada se disfraza de La Pantoja. Si bien Academia de Sexo no supone ninguna sorpresa porque da exactamente lo que propone, el programa a ratos se hace lento y repetitivo a pesar de los esfuerzos de su conductora Marian Frías. El análisis completo, tras el salto.

El funcionamiento es bien sencillo. Cinco parejas entran en el programa a recibir ayuda a sus diferentes problemas sexuales (perdida de apetito, rutina, complejos…). Sin embargo, en esta ocasión nos adentramos en los hogares como si de Hermano Mayor se tratase para comprobar de primera mano las carencias sexuales de cada pareja. Después en plató, cada pareja pone de manifiesto sus problemas y quejas a Marian Frías (Licenciada en Psicología y Sexóloga), que intentará encontrar la mejor solución para cada tipo de pareja como en cualquier otra terapia. Semana a semana irémos viendo como cada pareja acaba evolucionando y encontrando ese apetito sexual perdido.

¿El problema? Que el programa se acaba convirtiendo en una parodia de si mismo. No digo que los problemas a los que se enfrentan cada pareja no sean usuales, sino que exponerse a dichas situaciones tan abiertamente dejando airear las intimidades de tu hogar es como mucho tener ganas de ser vilipendiado el resto de tu vida. Porque en serio, ¿realmente hace falta ir a un reality para saber que despertar a tu pareja con el glande en su cara está mal? ¿O que si taladras a tu pareja por el agujero prohibido sin previo aviso -como ellos mismo expresaban- por lo general dolerá? Aun así, si os soy sincero, esa puede ser la parte divertida aunque en ocasiones rallé la incomodidad y vergüenza ajena. Lo que si acabó resultando de un sopor indescriptible fue ver como Marían Frías nos descubría cada uno de los tipos de penes y vulvas que había en el mercado, y la utilidad de estos dependiendo de su forma.

Pero como todo reality que se precie, lo importante siempre es y serán sus participantes. En esta primera entrega igual nos hemos encontrado con unos concursantes algo sosos, aunque bien es cierto que es precisamente la gente más puritana la que más juego puede dar. Es el caso de Vanesa, una chica algo recelosa a practicar el sexo con la luz dada sus inseguridades y de mentalidad algo cerrada, ya que como ella misma opina "las felaciones son de putas y guarras". Esa frase viniendo de una persona que ha acudido a la televisión a mostrar al mundo su intimidad desconcierta bastante y pone en duda ya no solo el interés de los participantes sino incluso su credibilidad.

Aún así, Sex Academy no llega a ser un programa de llevarse las manos a la cabeza ni mucho menos. En ningún momento llega a ser vulgar (a años luz de Hombres, Mujeres y Viceversa), sino más bien paródico, sobretodo cuando asistimos atónitos como cada pareja ensayan posturas ante el descojono del personal. Curiosamente, justo después del reality programaron Ciudades del Pecado (a estas alturas queda claro que no tenía plan en viernes noche), otro programa del otro lado del charco con temática picante que resultaba bastante mas entretenido dando una visión diferente al porno clásico. Y es que ante todo un programa de sexo tiene que ser divertido, y Sex Academy no supone nada nuevo que la desaparecida Lorena Berdún no haya tratado antes, simplificándose todo a si arreglarán o no la eyaculación precoz de ellos y la constante negativa al sexo de ellas. Una vez vale, pero todas las semanas puede llegar a cansar,

Otra imagen de El Hobbit

2012-01-29T16:11:00.002+01:00

Pero nosotros lo que queremos es un tráiler cañero

Vía Abandomoviez.

Boyle se basará en Shakespeare para los Juegos Olímpicos

2012-01-29T13:02:00.000+01:00

Se recreará en La Tempestad para la inauguración y la clausura

Mucho miedo ha levantado el oscarizado director de 127 Horas con sus recientes declaraciones sobre los Juegos Olímpicos 2012 que tendrán lugar en Londres, de los que como ya sabemos, Danny Boyle fue nombrado director creativo. El cineasta inglés ha afirmado que se inspirará en la tragicomedia de William Shakespeare, La Tempestad. Recordemos que Boyle anda muy puesto en el asunto -prepara una obra sobre Frankestein- y suponemos que el ramalazo teatrero le ha influído. Para calmar a los asustadizos, Boyle ha aclarado que sólo utilizará el discurso del personaje de Calibán, -SOS Wikipedia- un salvaje primitivo esclavizado por el protagonista (un naúfrago que desemboca en una isla) que representa los aspectos más materiales e instintivos del hombre, aunque el director ha destacado que lo que aprovechará de Calibán es el amor que profesa a la ínsula. "¡Oh, Capitán, mi Capitán!".

Vía Collider

Primera imagen de lo nuevo de Oliver Stone

2012-01-28T12:33:00.000+01:00

Del Toro, Aaron Johnson, Travolta, Salma Hayek, Uma Thurman,... en Savages. ¿Compramos?

Parece que fue ayer cuando allá por marzo anunciábamos que Oliver Stone planeaba rodar la adaptación de la obra literaria Savages (Don Winslow). Desde entonces, nada más hemos vuelto a saber del asunto hasta ahora. Tenemos ya la primera imagen del nuevo proyecto del veterano y esperemos que esta película nos haga olvidar el mal sabor de boca que nos dejó a todos con su último truñaco, Wall Street 2. De primeras, el cineasta sabe que el perdón no será fácil y, por si acaso, se ha procurado un reparto de primera. Recordemos, Aaron Johnson (Kick Ass), Taylor Kitsch (X-Men Orígenes: Lobezno), Benicio del Toro -quien también espera redimirse de El Hombre Lobo con este film-, Salma Hayek, John Travolta, Uma Thurman, la Gossip Girl Blake Lively y Emile Hirsch (Mi nombre es Harvey Milk).

Os refresco el argumento de Savages, para aquellas mentes a las que el alcohol y la fiesta han disminuído memoria. Dos tipos que trabajan en una plantación de marihuana (Johnson y Kitsch) son presionados por el jefe de un cártel del narcotráfico (Del Toro) para que trabajen para él. Al no lograr su propósito, el mafioso y su socia (Hayek) deciden raptar a la novia de uno de los chicos (Lively), mientras lidian a su vez con algún agente de la DEA (Travolta).

A España se prevee que llegará en septiembre de este año, habrá que darle una oportunidad.

Vía LHP

Crítica de cine: La chispa de la vida

2012-01-28T03:46:00.001+01:00

¿Y la de esta película?

Nota: 4’5

Lo mejor: José Mota también puede ser un actor serio. Y hasta bueno.

Lo peor: puede resultar larga y a ratos aburrida.

Siempre es un acontecimiento que un director como Alex de la Iglesia (Balada triste de trompeta, La comunidad) estrene nueva película. A menudo su obra es sinónimo de entretenimiento de calidad, cuando no, de buen cine. Sin embargo, esta vez la sonrisa se nos ha congelado en la cara. “¡Hoy amigos, estáis sintonizando Radio América! ¡Esta canción está dedicada a toda esa panda de capullos que han intentado joderme el día pero que se han comido media rosca! La canción se titula: ¡Iros todos al infierno!” así de contundente suena Roberto (José Mota), vociferando solo en el interior de su coche, tras haber sido ignorado en su antiguo lugar de trabajo, mientras conduce a toda velocidad por la autopista sin un rumbo fijo. Algo parecido le ocurre a Alex de la Iglesia con este filme: Sabíamos de sobra que el cine es el medio tras el que se parapeta para lanzar sus dardos envenenados a la sociedad; pero esta vez y a pesar de lo enfadado que está, no ha colocado bien la diana y los proyectiles se extravían antes de dar en el blanco.

El protagonista de La chispa de la vida es un publicista en paro que triunfó en su día por ser la cabeza pensante del famoso eslogan de Coca Cola. Haciendo acopio de la poca dignidad que le queda, se dirige a la empresa donde trabajó hace años para pedir a un viejo amigo que le contrate de nuevo. Sin embargo, sus planes se tuercen cuando se cae en un teatro romano en obras y se clava una barra metálica en la cabeza que lo deja completamente inmovilizado. Es el anfiteatro de Cartagena la localización que escoge de la Iglesia para ubicar a su desgraciado protagonista. En ese escenario es donde comienzan a sucederse lentamente los actos de esta tragicomedia, en la que el circo mediático brilla en todo su esplendor. Las connotaciones que se desprenden de la semántica del fatídico espacio ayudan a simplificar el desarrollo de la acción narrativa. Así, el director nos pone sobre aviso de lo que nos espera durante la próxima hora y media.

En lo que respecta a las actuaciones, José Mota (que debutó realmente en Torrente 3) sorprende positivamente en el papel protagonista. Se pone en la piel de Roberto, un hombre desesperado pero capaz de sobreponerse al patetismo de sus circunstancias para traficar con el morbo que genera su propia situación. A Salma Hayek (Bandidas) tampoco le hacen sombra en el papel de esposa abnegada e histérica tras ver a su marido con una barra de hierro traspasándole el cráneo. Quizá, uno de los puntos donde vacila la película es en el débil perfilado del resto de personajes que completan la función circense: los gastados estereotipos empiezan a desfilar sin tregua. Juanjo Puigcorbé (Besos de gato) retratado como el magnate putero; Fernando Tejero (Días de fútbol) como el publicista inmoral o Juan Luis Galiardo (La niña de tus ojos), entre otros, como el alcalde manipulado. Siguiendo con la escala de estratos sociales, Alex ha encontrado esta vez para Carolina Bang (La daga de Rasputín) un papel más acorde con sus dotes interpretativas: representa aquí a una periodista, un personaje secundario con una pizca de protagonismo. Se la ve bastante, pero casi siempre en un segundo plano, consiguiendo así que la actriz no desentone. Lo que tenemos aquí no es más que una visión algo distorsionada y un poco auto-complaciente con sello de la Iglesia de una sociedad mala que no nos deja levantar cabeza. Que por otra parte, puede llegar a confraternizar con el sector más obcecado en su propia desdicha.

La chispa de la vida es una denuncia algo endeble de la situación actual en la que está sumida el país. Los medios de comunicación incitando la telebasura, traspasando con creces los límites morales de una sociedad capaz de venderse por unos minutos de gloria. Ya lo dijo Andy Warhol en su día: “Todo el mundo debería tener quince minutos de fama en su vida”. Alex de la Iglesia, que ha coescrito la mayoría de sus guiones con Jorge Guerricaechevarría, esta vez ha prescindido de sus servicios para encargarle el texto a Randy Feldman, guionista norteamericano de otros filmes como El negociador (1997), Tango y cash (1989) o Noche infernal (1981). ¿Quizás es éste el motivo por el que flojea la película? Hay que decir que el cineasta siempre ha descartado la sutileza en sus filmes, pero eso no los convierte en menos loables. Al contrario, a lo largo de los años, el director ha sabido encontrar un estilo propio, ya tan familiar para todos, en el que a menudo retrata con humor negro la vulgaridad y la banalidad de la vida cotidiana. Casi en su totalidad, su filmografía se caracteriza por un tono gamberro, desenfadado y políticamente incorrecto, sin embargo, y desgraciadamente, La chispa de la vida pierde fuelle por el camino. Su director no es capaz de mantener el tono ni el interés; el ritmo decae bastante e incluso asistimos a un catálogo de chistes fáciles. En la segunda mitad de la función, De la Iglesia parece activar el piloto automático por lo que la película no cumple sus objetivos y mucho menos las expectativas de cualquier fan.

En definitiva, La chispa de la vida se enmarca en la filmografía del director bilbaíno como una obra menor. Quien dejase el año pasado el cargo de Director de la Academia de Cine envuelto en polémica por su supuesta alianza con los internautas (¿pero no somos todos internautas?) nos presenta un año más tarde un producto algo irregular con ecos al movimiento del 15-M, el paro, la corrupción, el oportunismo y la telebasura entre otros fenómenos. Alex apunta con rabia a varios flancos de una España despreciable, pero erra el disparo. No causa todo el daño que debería. Da la sensación de que ha tenido una buena idea pero no ha sabido defenderla en condiciones ni llevarla a buen puerto. Esperemos que en su próximo proyecto (Las brujas de Zugarramurdi) recupere el buen pulso y que no haya agotado ya todas sus posibilidades en el subgénero de la comedia negra.

El último póster de Shame es muy...descriptivo

2012-01-28T03:31:00.001+01:00

Caligrafía genital

No, no es un atógrafo de Nacho Vidal, sino el algo sobrado cartel húngaro de una de las grandes olvidadas en las nominaciones a los Oscar. A España llegará en febrero y tenéis su tráiler red-band aquí.

PD. Er...¿Y yo ahora qué etiquetas (criterios de búsqueda online) le pongo a esta entrada?

Vía LHP.

Una de tráilers calentitos

2012-01-28T03:16:00.029+01:00

Prometheus en español, la Blancanieves diabética, The Hunter y otras curiosidades

Haciendo click en la imagen llegaréis al tráiler en español de Prometheus, en exclusiva para El País.com. Y aunque después de eso todo sepa a poco, tras el salto tenéis los últimos avances de Iron Sky, Mirror, Mirror, The Hunter, Lockout y John Carter así como unos creíbles títulos de crédito para TDK Rises hechos por un fan.

-El segundo avance corresponde a Iron Sky, una cinta alemana financiada gracias a pequeñas participaciones de particulares (como nuestra El Cosmonauta) que nos presenta el Santo Grial en lo que se refiere a premisas potencialmente freaks. Atención: en 1945 los nazis consiguen escapar a la cara oculta de la luna antes de ser derrotados. 75 años después regresan y no se detendrán hasta instaurar el IV Reich. (lo que vendría a ser una adaptación del videojuego Killzone, que a su vez bebe y mucho de la mitología hitleriana en el sentido más gráfico). Para no perdérsela.

-Este es otro tráiler de una de esas películas que llevan meses en la nevera a pesar de que no tiene mala pinta (seguramente se deba al reciente estreno USA de The Grey, de un estilo similar). En ella nos encontramos con Willem Dafoe intentando cazar al último Tigre de Tasmania y ocultando muchos secretos. ¿Para quién trabaja? ¿Por qué parece haber un complot en el pueblo? ¿Cómo mantiene ese pelazo sin una cana a las puertas de los 60? Intrigantes todas ellas. También aparece Sam Neill.

El póster también ha sido lanzado estos días. Chulo.

-Lo que tenéis a continuación es el último tráiler internacional de Mirror, Mirror, la de Blancanieves con Julia Roberts de malvada madrastra. Y tras ver solo 15 segundos necesito un maratón de La Jungla de Cristal, Transporter y porno portugués.

-Este es un anuncio de televisión de la secuela bastarda de Prince of Persia, John Carter (info aquí) lo suficientemente corto como para que no nos llegue el olor a truño y parezca un blockbuster a tener en cuenta. Nah.

-Como aperitivo antes del final tenemos el de Lockout. Ya sabéis, thriller ci-fi de presupueto ínfimo con Guy Pearce a lo McLane espacial y muchas posibilidades de robarme una tarde de domingo.

-Y para terminar os dejo los títulos de crédito de TDK Rises que se ha currado un fan con mucho tiempo libre y ningún pudor a la hora de copiar a David Fincher.

Tráiler en español de Ira de Titanes

2012-01-27T13:12:00.000+01:00

Mierda, estos avances siempre me ganan

Por si no estábamos cansados de la sobreexplotación videojueguil y marcadamente gayer que está viviendo el subgenéro mitológico, aquí tenemos el tráiler en español de la secuela de uno de sus peores exponentes, remake a su vez de todo un clásico para los seguidores del que esta segunda parte adopta íntegro el título. Por tanto, no hay que esperar mucho de Cacas: The Secuel el próximo 30 de marzo, pero hay que reconocer que el avance promete una inversión en palomitas inmejorable. No me la cuelan de nuevo.

Vía TBDC.

Crítica de cine: Bajo Amenaza

2012-01-27T01:15:00.004+01:00

Secuestro de talento y rapto de ideas

Nota: 1

Lo mejor: que comparándola con Secuestrados el cine español gana por goleada pese a la diferencia de medios.
Lo peor: que su póster español y sobre todo este ruso son infinitamente mejores que la película.

Ya está. Hasta aquí hemos llegado. Tras años defendiendo a Nicolas Cage, esta película supone el tan temido punto de no retorno. Hasta ahora se podían justificar cosas como Ghost Rider o Wicker Man alternando en la misma frase otros de sus trabajos recientes como El Señor de la Guerra o Teniente Corrupto (¿Alguien recuerda que salia en Kick-Ass?), o incluso entendiendo sus papeles en Bangkok Dangerous, Next o En Tiempo de Brujas como el intento de volver a erigirse como el action-hero que nos sorprendió a todos a finales de los 90 en films como La Roca y 60 Segundos (y con Furia Ciega casi lo consigue). Pero ya está. Bajo Amenaza no tiene excusa. No es que no estemos ante un buen thriller, es que no estamos siquiera ante buenas intenciones o propositos. Trespass (título original), de hecho, se parece más a una película porno: rodada en una tarde en una mansión de lujo con dos intérpretes sudorosos a punto de sufrir una embolia por culpa del botox y que responde únicamente al principio de ganar dinero con el mínimo esfuerzo posible.

¿Recordáis Secuestrados? Una pequeña cinta española del año pasado que hizo cierto ruido en festivales y que Patricia se encargó de descubrirnos en su crítica. Sobre una familia de clase alta que es secuestrada en su casa por una banda de delincuentes organizados. Pues bien, Bajo Amenaza es exactamente la misma película, eso sí, pasada por el filtro americano como si de un monólogo de Goyo Jimenez estuviéramos hablando. La elegante casa de la cinta española es aquí una mansiónquetecagas dotada de la ultima tecnología y tras el sumiso y protector padre de familia se encuentra realmente un action-hero esperando su momento de gloria.

Ese padre por supuesto es Cage, que abre el film con un discurso verborréico infumable avisando de que tras su apariencia de yuppie superficial se esconde la nada más absoluta. Vendedor de joyas. Padre ausente. "Livin de american drim". Pero no solo falla por tópico. A estas alturas puede ser un cliché acusar al tipo de sobreactuar, pero incluso en sus trabajos más desatados (elije uno de los títulos del primer párrafo) cuando toca servir de raíles para la historia Cage funciona como un reloj. Aquí no. Los habituales tics del actor llegan a superponerse unos a otros y es imposible no encontrarle molesto. Su tono de voz, su pelo, su traje, esas gotas de sudor plastificado...Todo.

Nicole Kidman por su parte clava la constante mirada de terror. Terror al darse cuenta de que su carrera sí podía caer más bajo. Terror al mirarse en el espejo y no ver ni un ápice de la pelirroja pecosa que nos sedujo en Un Horizonte Muy Lejano. Pero sobre todo, terror al entender que la que en su día fue considerada el relevo generacional de Meryl Streep ahora ni siquiera es capaz de brillar en un thriller que ni compraría Antena3 para la madrugada del sábado (de hecho, esta película es carnaza de primera para canal autonómico. Comento).

De todas formas, no es habitual que nos encontremos a las estrellas de las películas de secuestros en papeles de víctima básicamente porque por la propia naturaleza de los raptos la acción parte de los criminales. Ellos son la figura dominante del relato y también la más atractiva por impredecible y despiadada. Los rehenes acaban quedando relegados a meros accesorios, lo que en este caso sería toda una bendición...si no me hubiera reservado para el final lo "mejor" del asunto. Si en este reseña no alabamos ni un ápice del trabajo de los dos Nics, donde verdaderamente reside el despropósito, el insulto y el olor a materia gris putrefacta es en el retrato de los villanos.

Estaréis conmigo que estos films son divertidos porque no sabemos de qué son capaces los captores ni qué quieren exactamente. ¿Buscan solo dinero o encierran un motivo oculto para elegir precisamente esa casa? Con esa premisa intenta jugar Trespass pero el amago le dura exactamente 10 minutos, lo que tardan en presentarnos al trío de malosos: el cachas silencioso, la tipa impulsiva y el jefecillo charlatán. No pasan ni media hora en la casa cuando los tres comienzan a desatarse como si se tratara de adolescentes robando en un supermercado. El primero se nos revela como un enfermo mental de manual (alucinaciones incluidas). La segunda se comporta como una quinceañera a la que sus padres han dejado sola el fin de semana, mientras que el tercero se pone nervioso y no roba las galletas del tarro y sale corriendo de milagro.

Cero tensión. Cero suspense e incluso cero coma cinco de acción. Bajo Amenaza es un mojón de proporciones bíblicas capaz de tumbar la carrera de dos oscarizados en menos de un suspiro. Desde los pezones de Batman que Joel Schumacher no ponía su pequeño granito de arena para la venida del apocalipsis. Bien Joel, misión cumplida. La profecía del fin del mundo en 2012 está más cerca de cumplirse con cintas como esta en nuestros cines (en USA duró una semana en cartelera antes de saltar al videoclub. True story).

¡Los Monty Phyton se reunen para una nueva película!

2012-01-26T22:26:00.001+01:00

Absolutely Anything, una comedia de ciencia ficción

29 años después de la que para un servidor es la mejor película del grupo, El Sentido de la Vida, los Monty Phyton, esos hombres que prácticamente inventaron la comedia absurda y los programas de sketches, han decidido volver a juntarse en lo que fácilmente es la mejor noticia en lo que llevamos de año. Los responsables de Los Caballeros de la Mesa Cuadrada y La Vida de Brian preparan Absolutely Anything, una mezcla de animación e imagen real en la que prestarán sus voces a un grupo de alienígenas omnipotentes que aterrizan en la tierra con desconcertantes y variadas consecuencias.

A la cita acudirán los cinco miembros que quedan vivos del grupo, Michael Palin, John Cleese, Terry Jones, el ahora realizador Terry Gilliam y Eric Idle , pero se desconoce aún si Jones volverá a asumir las labores de director como en los anteriores films del grupo. En lo que repite seguro es en la escritura, ya que según sus propias declaraciones lleva 20 años preparando el guión junto a Gavin Scott (Pequeños Guerreros). Esperemos que tarden poco en ponerla en marcha y sobre todo que la espera haya merecido la pena.

Vía Collider.

Primer tráiler completo de Luces Rojas y en español

2012-01-26T03:01:00.001+01:00

¿Ha recuperado Cortés al mejor DeNiro?

Gracias a Antena 3 ya disponemos del primer avance no teaser de la esperadísima nueva película de Rodrigo Cortés tras la sorpresilla que supuso Buried. En este caso promete una trama clásica de misterio con dos científicos (Cillian Murphy y Sigourney Weaver) que se proponen desenmascarar al mentalista más importante de todos los tiempos (Robert DeNiro).

Los críticos que ya han podido ver la cinta (la mayoría extranjeros, qué cosas) alaban la labor de todos sus implicados -DeNiro incluido- y coinciden en que estamos ante una película más que correcta, pero la mayoría acusan al film de contar con un final anticlimático y que rompe por completo la estructura del relato. Lo cierto es que viendo la premisa, posibilidades no hay muchas. Aún así, nosotros seguimos guardando la esperanza en uno de los estrenos que más esperamos de este 2012.

Analizamos la 1º temporada de Hell on Wheels

2012-01-26T02:52:00.000+01:00

La sombra de Deadwood es muy alargada

Asumamos primeramente que este estreno no es Deadwood, mentalicémonos antes de predisponer de cualquier prejuicio u opinión porque evidentemente Hell on Wheels siempre acabaría perdiendo por goleada. Deadwood era y es una obra maestra con una recreación magnífica de la época y plagada de personajes (unos históricos, otros no) antológicos fruto de unos guiones cuidados hasta la obsesión. La serie de la HBO conseguía desmitificar el género western así como Los Soprano lograron dar una imagen fiel y alejada de cualquier glamour cinematográfico de La cosa nostra y su entorno. En Deadwood rara vez tuvimos la oportunidad de ver duelos al sol propios de La Muerte Tenía un Precio, más bien buscaba recrear el día a día de un pueblo surgido a través de la fiebre del oro. Por ello, y aunque Hell on Wheels también posee connotaciones históricas importantes, la mayor diferencia radica en que este relato posee una clara dependencia de su protagonista al ser éste el único hilo conductor de la serie, con la simpleza que eso conlleva.

El análisis completo de la primera temporada, tras el salto.

Hell on Wheels nos sitúa en 1860 tras finalizar la Guerra de Secesión y se centra en un ex-soldado confederado que busca desesperadamente a los combatientes de La Unión que acabaron con la vida de su esposa e hijo. Su venganza le llevará hasta Hell on Wheels, un pueblo itinerante de Nebraska, el cual sigue la construcción del primer ferrocarril transcontinental de los Estados Unidos. Sin olvidar a la tribu Cheyenne que se opondrán a la construcción del ferrocarril ocasionando diferencias insalvables con el llamado hombre blanco.

(Porque en el viejo Oeste ya existía el culto al cuerpo)

Como anteriormente comentaba, uno de los problemas de este western es que abusa en exceso de la dependencia de su protagonista Cullen Bohannon. Y no porque nos encontremos ante la sobreexplotación del carisma del personaje interpretado por Anson Mount, sino porque el relato de la serie nunca llega a crear otras líneas argumentales de verdadero interés para el espectador. De hecho, temas tan atractivos como las consecuencias sociales tras una cruenta guerra civil pasan por alto sin el mayor protagonismo cuando La Guerra de Secesión consiguió dividir a toda una nación causando un gran impacto demográfico en el país de las barras y estrellas. Lo mismo sucede con la abolición de la esclavitud. Apenas llegamos a conseguir un retrato fiel de lo que por aquel entonces representaba la segregación. También ocurre con la tribu Cheyenne, a la que llegamos a conocer pero en ningún momento se ahonda en la cuestión cuando el relato lo pide a gritos. Sin duda, estos tres marcos argumentales podrían marcar la diferencia con Deadwood vista la importancia relevante en la historia de los Estados Unidos.

No obstante, no creo que lo comentado un párrafo más arriba sea el mayor problema de Hell on Wheels sino la alarmante falta de carisma de sus personajes. Anson Mount (Bohannon) no consigue trasmitir tridimensionalidad al personaje pasándose la mayor parte de la temporada con cara de perro y con un guión que tampoco ha ayudado demasiado a dibujarnos un personaje que la pantalla adore así como si hacen con su otro protagonista Elam Ferguson, interpretado por el rapero/actor Common dando vida a un esclavo liberado que busca encontrar su lugar en el mundo. A pesar de ese fantástico flash-back que nos describe el contexto racial y de donde proviene Elam Ferguson, mas tarde no consiguen dar con las teclas idóneas a la hora de hacer un esbozo sobre este personaje. Una vez acaba la temporada, no sabemos si estamos ante un líder, un buscavidas, o simplemente ante un hombre que supo aprovechar su momento.

Seguramente, todos estaremos de acuerdo que el peso interpretativo lo llevan tanto Colm Meaney (eterno secundario) interpretando al empresario sin escrúpulos Thomas C. Durant y Christopher Heyerdahl (reciente fichaje para la 4 º temporada de True Blood) como El Sueco. Respecto a Colm Meaney (genial el momento penique) nada que objetar con un trabajo ejemplar del que todavía nos queda por descubrir cuan cabrón puede llegar a ser su personaje. Respecto al Sueco (que en realidad es Noruego) posiblemente estemos ante el personaje con más carisma de la serie dadas las virtudes interpretativas de Heyerdahl, ya que su tarjeta de presentación como aquel contable que tuvo que aprender a controlar a las multitudes así como a los números fue de los más sobresaliente de Hell on Wheels. Sin embargo, su personaje queda algo desdibujado a tenor de algunas decisiones que distan mucho de inteligentes (como la de colgar a un negro sin preveer una revuelta) y la poca o nula capacidad que tiene para acabar con Bohannon.

En definiva, nos encontramos con una serie que a pesar de sus fallos es un producto de entretenimiento notable con una puesta en escena elegante y una cabecera de quitarse el sombrero. Quizás la cadena AMC ya se halla labrado una reputación cuyo nivel de exigencia sea demasiado alto y de ahí la decepción, pero sin duda Hell on Wheels está muy por encima de series de estreno con guiones aún mas blandos como Person of Interest o quizás Alcatraz (igual aquí me estoy columpiando). Evidentemente, la sombre de Deadwood es muy grande (y también la de su presupuesto comparado con el de la serie de la AMC), por lo que Hell on Wheels deberá encontrar su tono y sobre todo ahondar un poco en el relato histórico y su contexto en vez de en el recurrente tema de la venganza el cuál tiene fecha de caducidad esperemos a no muy tardar.

El tráíler de Buried 2

2012-01-26T02:35:00.000+01:00

Esta vez es un maletero de coche el único escenario

A estas cosas se dedica Stephen Dorff cuando no suena la flauta y le llama Sofia Coppola. A pesar de que se trata de un film descaradamente rodado a la sombra de Buried (la de Ryan Reynolds y el ataúd), Brake -que así se llama realmente este film- no tiene por qué ser necesariamente una mala película. Los escenarios controlados y la curiosidad por ver como resuelven el guionista y el director la trama con semejante premisa son alicientes más que suficientes para un servidor. Además, parece que la película tiene un ritmo de thriller trepidante bastante agradecido, aunque pueden ser efectos colaterales de un tráiler bien montado. Para finales de marzo en USA.

Vía Collider.

The Walking Dead: spot del regreso con nuevas imágenes

2012-01-26T02:28:00.000+01:00

Para el 12 de febrero. ¿Seguirá en la línea de su impactante final o será tan terrible como de costumbre?

Si, hoy me he dejado la objetividad en casa. Qué pasa.

El enigma del Cuervo se estrena con 3 meses de retraso

2012-01-25T16:54:00.000+01:00

¿El enigma de qué?

Menuda traducción que nos han colado para distribuir la esperada cinta de James McTeigue, el director de V de Vendetta (2006). Sorpresas aparte, The Raven (este título es más digno) llega a los cines españoles el 15 de junio, tres meses más tarde de lo que se tenía previsto en un principio. John Cusack (Alta fidelidad, 2000) dará vida a Edgar Allan Poe, el célebre escritor de terror, quien en sus últimos días de vida colaborará con la policía para atrapar a un asesino cuyos crímenes se inspiran en su propia obra literaria. El último póster de la película aparecido hace pocas horas nos sirve para ilustrar la noticia.

Via Abandomoviez.

Póster en español y tráiler Red-band para The Grey

2012-01-25T00:33:00.001+01:00

Liam Neeson contra una jauría de lobos. Y ya

Un grupo de tipos con voz ronca se estrella por culpa de un fallo del avión en lo más profundo de la tundra ártica. Heridos y con la voz ostensiblemente más ronca aún deberán luchar por su supervivencia frente a una manada de lobos que afortunadamente ni se convierten en mozalbetes sin camisa ni en Benicio del Toro. Vamos, un thriller de supervivencia de los de toda la vida con altas posibilidades de ver a Liam Neeson en plan predator. Si encima dirige Joe Carnahan (Narc y El Equipo A) la cosa está medio hecha.

El estreno en España de Infierno Blanco está fijado para el 18 de febrero. Tenéis el último tráiler para mayores de edad tras el salto.

Pic vía Abanodomoviez y vídeo vía Collider.

Nominaciones a los Oscar 2012

2012-01-24T16:13:00.002+01:00

La Invención de Hugo de Scorsese es la más nominada con 11 candidaturas, una más que The Artist

A la espera de nuestra quiniela de rigor cabe destacar dos nominaciones patrias: la del compositor de El Topo, Alberto Iglesias, y la candidatura a la mejor película de animación para Chico y Rita de Fernando Trueba y Javier Mariscal. A continuación os dejamos las nominaciones principales y en la web oficial tenéis el listado completo.

La ceremonia de entrega será el próximo 26 de febrero.

Mejor película

Caballo de Batalla
The Artist
Moneyball
Los Descendientes
El Árbol de la Vida
Midnight in Paris
Criadas y Señoras
La Invención de Hugo
Tan Fuerte, tan Cerca

Mejor dirección

Michel Hazanavicius por The Artist
Alexander Payne por Los Descendientes
Martin Scorsese por La Invención de Hugo
Woody Allen por Midnight in Paris
Terrence Malick por El Árbol de la Vida

Mejor actor

Demian Bichir por A Better Life
George Clooney por Los Descendientes
Jean Dujardin por The Artist
Gary Oldman por El Topo
Brad Pitt por Moneyball

Mejor actriz

Glenn Close por Albert Nobbs
Viola Davis por Criadas y Señoras
Rooney Mara por Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres
Meryl Streep por La Dama de Hierro
Michelle Williams por My Week with Marilyn

Mejor actor de reparto

Kenneth Brannagh por My Week with Marilyn
Jonah Hill por Moneyball
Nick Nolte por Warrior
Christopher Plummer por Beginners
Max Von Sydow por Tan Fuerte, tan Cerca

Mejor actriz de reparto

Bérenice Bejo por The Artist
Jessica Chastain por Criadas y Señoras
Melissa McCarthy por La Boda de mi Mejor Amiga
Janet McTeer por Albert Nobbs
Octavia Spencer por Criadas y Señoras

Mejor guión original

The Artist
La Boda de mi Mejor Amiga
Midnight in Paris
Nader y Simin: Una Separación

Mejor guión adaptado

Los Descendientes
La Invención de Hugo
Los Idus de Marzo
Moneyball
El Topo

Mejor película en lengua no inglesa

Bullhead (Bélgica)
Footnote (Israel)
In Darkness (Polonia)
Monsieur Lazhar (Canadá)
Nader y Simin: Una Separación (Irán)

Mejor película de animación

Un Gato en París
Chico y Rita
Kung Fu Panda 2
El Gato con Botas
Rango

El póster de Prometheus en buena calidad

2012-01-24T10:14:00.000+01:00

Material onanista de primera

Vía Abandomoviez.

Uploaded, Fileserve y Filesonic cambian su política tras el cierre de Megaupload

2012-01-23T20:44:00.001+01:00

¿El fin de la era dorada del pirata?

Tras la sonada detención de la cúpula de Megaupload en Nueva Zelanda la semana pasada y a la espera de la confirmación de su extradición a Estados Unidos donde podrían enfrentarse a 50 años de cárcel por robo y tráfico de propiedad intelectual, blanqueo de dinero, posesión ilegal de armas, horterismo extremo y otros delitos por confirmar, el resto de principales servicios de descarga directa a excepción de Rapidshare (con sede en Suiza) han restringido su política de uso para evitar que sus responsables corran la misma suerte.

Uploaded.to, Fileserve y Filesonic han optado por ofrecer la posibilidad de descargar únicamente contenido subido por el propio usuario, aunque la primera aplica la restricción -de momento- solamente a Estados Unidos con el fin de evitar una acusación oficial en dicho país al no operar dentro de sus fronteras (recordad que todas estas empresas tienen su sede en Asia). Especialmente sangrante es el caso de Fileserve, que horas después del cierre de Megaupload ofrecía importantes rebajas y descuentos en sus suscripciones premium, ahora seriamente capadas en una estrategia que se acerca peligrosamente a la supuesta estafa.

Aún es pronto para augurar un futuro claro ya que nos encontramos en un momento de incertidumbre que se irá esclareciendo según avance el juicio a los responsables de Megaupload, que sentará el primer gran precedente jurisprudencial en la materia respondiendo a la pregunta que inquieta a los consumidores de este tipo de contenido: ¿Se ha terminado la cultura gratuita o por el contrario ha vuelto la era del torrent?

La Caja Lista: Carnivále

2012-01-23T19:45:00.001+01:00

Una de las cancelaciones más dolorosas de la historia de la pequeña pantalla

En la última entrega de esta sección (Bored to Death) comenté que durante estas navidades tuve tiempo para desempolvar series pendientes. Una de ellas era sin duda una asignatura de las gordas, Carnivále, obra de Daniel Knauf que duró en emisión tan solo dos temporadas. En mayo del 2005, la HBO no tuvo piedad con la guadaña de la cancelación debido principalmente a sus altos costes y auna audiencia estancada a pesar de que en su día Carnivále fue el mejor estreno de la historia de la productora. Y es que los costes por episodio se aproximaban a los 4 millones de dólares, y a pesar de que se habló de rodar un capítulo de tres horas de duración que diera carpetazo de una manera digna a todas las tramas, finalmente todas las protestas de los fieles seguidores no surtieron efecto alguno para nuestra desgracia. Sin duda, esta pequeña joya a la que no se le permitió crecer en todo su esplendor ha dejado huella, y es que qué duda cabe de que Carnivále roza la maestría por tantas razones que merecen una entrega de La Caja Lista.

Descubre Carnivále tras el salto.

La serie se ambienta en la gran depresión de 1929 de Estados Unidos. Podría decirse que existen dos vertientes del argumento, por un lado describe el duro día a día al que tienen que enfrentarse un variopinto grupo de feriantes que van deambulando de pueblo en pueblo ofreciendo su espectáculo y retratando fielmente la situación político-social de entonces. En cambio, en la otra vertiente nos encontramos con el argumento fantástico, un relato que si lo tuviéramos que sintetizar en pocas palabras podríamos describirlo simplemente como la eterna batalla entre el bien y el mal. Sin embargo, Carnivale dista mucho de la sencillez, ya que el aura que emite toda la historia desborda al espectador con un sinfín de emociones visuales y sonoras. Prueba de ello son estos estupendos títulos de crédito (que entraron en nuestro ranking de Las 20 mejores cabeceras de la historia) amenizados con una banda sonora espectacular firmada por Jeff Beal.

La primera e impecable temporada de Carnivále nos introduce de lleno en todo el misticismo que rodea a esta magnífica serie descolocando por completo al espectador sin llegar a saber con certeza que es lo que está contemplado. Tan solo se dan las piezas de un puzzle que va mucho más allá, pues estamos ante la mayor batalla del hombre, ¿Dios o El Diablo? Esa es la eterna elección del hombre a la que éste tendrá que hacer frente, nunca siendo fácil la elección ya que el diablo adopta muchas formas atractivas al ojo humano. La historia llega a mezclar la teología cristiana con la masonería o los Caballeros Templarios en episodios con historias paralelas que el propio creador de la serie Daniel Knauf no dudó en defender argumentando que Carnivále fue creada con una gran numero de historias que finalmente convergirían en un hilo argumental principal.

La segunda entrega, ante los augurios de una muerte inminente, se muestra mucho más acelerada, dando casi todas las claves que Carnivále abrió en su primera y desconcertante temporada. Este hecho marca quizás un poco a una segunda temporada trepidante, que si bien no supera a la primera, al menos nos deja el consuelo de tener un final que deja por lo general satisfecho a pesar de que evidentemente mantiene muchas incógnitas en el aire para una serie que estaba pensada para nada menos que seis temporadas.

Pero si a nivel técnico, esta serie es de lo más brillante que puedas encontrar, sus personajes no quedan atrás. Samson (un gran Michael J.Anderson al que ya vimos en Twin Peaks), personaje de pequeña estatura que sin embargo inspira un profundo respeto. Feriante de corazón, un hombre que a pesar de recibir malas cartas siempre ha sabido llevarse de mano el botín sobre el tapete. Porque quién conoce mejor las debilidades y miserias de los hombres que un feriante, quién sino él es consciente de la propia naturaleza humana a la que él mismo sirve satisfaciendo con sus divertimentos de Carnivále. Es por ello quizás, que el rey de los tramposos siempre ve al diablo aproximarse desde la distancia. ¿Y que me decís de el hermano Justin? Seguramente, el viaje al que se embarca el personaje interpretado por Clancy Brown (simplemente brillante actuación en un sinfín de emociones por las que hace atravesar a su personaje) sea uno de los mayores alicientes de Carnivále, tensionando al espectador incapaz de dilucidar el rumbó que tomará la recta vida del hermano Justin.

Y es que como en toda gran represión, la desesperación siempre ha sido un caldo de cultivo donde germinan las semillas del mal. El fervor, la pasión, el misticismo y las firmes creencias pueden ser armas de doble filo, pues los desaprensivos siempre tienden a utilizar lo mejor de nosotros mismos con la intención de que acabemos cavando nuestra propia tumba. Política o religión, ambas nacieron para conducir a las masas, y solo del hombre depende leer entre líneas para dilucidar entre el bien y el mal.

Como todas las grandes series, Carnivále lo que realmente consigue es retratar al ser humano mediante las repercusiones que tienen sus acciones. Todo ello, rodeado de una atmósfera atormentada por todos los miedos que asolan al hombre, repleta de personajes humanos y no tan humanos. Una obra de arte que poseía una factura técnica intachable que le llevó a conseguir cuatro Emmys en 2004 en este aspecto gracias a un diseño de producción detallista, lo cual a su vez le supuso su propia espada de Damocles. Carnivále es una serie incatalogable al igual que sus personajes, inadaptados por sus circunstancias, y quizás por ello, por su rareza, muchos siempre la tendremos un cierto anhelo especial.

Los Vengadores: las portadas y las nuevas imágenes de Empire

2012-01-23T19:44:00.003+01:00

Hulk sigue siendo el gran marginado de la promoción

Recién salidas del horno que os dejamos las cuatro portadas que la publicación Empire le ha dedicado a uno de los blockbusters del año, Los Vengadores de Joss Whedon. El Capi (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Iron Man (Robert Downey Jr.) y La Viuda (Scarlett Johansson) tienen la suya pero Hulk (Mark Ruffalo) y Ojo de Halcón (Jeremy Renner) se comen los mocos. Casualidades de la vida que Renner es el único protagonista del film que sale en todas las portadas individuales, eso sí, por la primera imagen de Bourne Legacy que ya publicamos en su día. Tras el salto las portadas de cada personaje y 3 imágenes nuevicas de la peli.

Póster final de Luces Rojas

2012-01-23T13:04:00.000+01:00

Rodrigo Cortés (Buried: Enterrado) dirige al mentalista Robert DeNiro

El póster es bastante simplón, ni demasiado atractivo ni tan terrible como para entrar en nuestra sección de horro-pósters, pero de lo que no cabe duda es de que el film es uno de los más esperados del año. Tenéis toda la info así como su teaser-tráiler aquí.

Vía Abandomoviez.

La Huésped, otro mojabragas "crepuscular", va cerrando reparto

2012-01-23T09:54:00.002+01:00

Andrew Niccol nos libre

Qué miedito. Otro producto humectante para adolescentes se gesta en las oscuras entrañas de Hollywood. Se está preparando la adaptación a la gran pantalla de otra de esas novelas emo-románticas de la misma autora de Crepúsculo, Stephenie Meyer. Esta vez se trata de La Huésped, una obra de amor con toques de ciencia ficción cuya premisa se centra en un futuro gobernado por aliens-parásito que toman a los humanos como huéspedes. La protagonista -está claro que debía ser mujer- es colonizada por uno de ellos y se niega a que el bichito controle su mente, con lo que provocará que el alienígena se nutra de sus recuerdos, sus sentimientos y -agarraros las pelotillas porque se os encogerán, su amor por un chico al que los invasores buscan.

La única esperanza que nos queda es que el director no es otro que el mismo de Gattaca o El Señor de la Guerra, Andrew Niccol, del que no esperamos otro truñaco insoportable "mierduscular" plagado de escenas con miraditas ñoñas entre los protagonistas y aliens con terciopelo rosa.

Por cierto, que todo esto venía a que el reparto de la cinta estará compuesto por Saoirse Ronan (Hanna) en el papel principal, William Hurt (Dark City), Max Irons (Caperucita Roja), Jake Abel (Soy el Número Cuatro) y Diane Kruger.

Vía LHP

Crítica de TV: Alcatraz 1x01&1x02

2012-01-22T12:11:00.006+01:00

Serie sobre isla misteriosa, segundo intento

Nota: 6,5

Alcatraz no es Perdidos, Alcatraz no es Perdidos, Alcatraz no es Perdidos, Alcatraz no es Los 4400 (hey espera, que esa...), Alcatraz no es Perdidos. Bien, creo que ya estoy listo para ofreceros mis impresiones sobre el piloto de Alcatraz sin que la alargada sombra de Lost enturbie el análisis del primer estreno de peso de 2012. Intentaré dejar de lado ya no solo que ambas compartan género, un escenario central isleño, estructura narrativa (¿alguien dijo flashbacks? sí, el guionista en la tercera página) e incluso a uno de sus protagonistas. Porque todo ello se puede condensar en una palabra que el señor J. J. Abrams tiene grabada en el cabecero de la cama junto al símbolo del dolar: fórmula.

Alcatraz es pura fórmula. Se trata de una serie que no aspira a codearse con Breaking Bad o Boardwalk Empire en las entregas de premios, sino ganar en la segunda división del entretenimiento puro y duro repitiendo al milímetro el Manual J. J. de Misterios Básicos, con cliffhangers, líneas temporales alternas, personajes que valen más por lo que callan y, esta vez si, una pregunta central de cuya respuesta dependerá todo el recorrido de Alcatraz, sea el que sea (10,5 millones de espectadores en su estreno auguran la renovación). Ahora bien, ¿Merecerá la pena el viaje? Descúbrelo en nuestro análisis tras el salto.

La premisa es simple: ¿Qué sucedió con los últimos presos de Alcatraz? La historia oficial asegura que fueron trasladados a otras penitenciarias cuando se cerró el presidio isleño por falta de manteminiento, pero durante los primeros segundos del piloto asistimos a la verdad: todos desaparecieron de forma inexplicable obligando al gobierno a crear una cortina de humo. Y no solo eso, ya que 50 años después están regresando con cuentagotas sin haber envejecido ni un solo día.

Lo que tenemos entre manos es un misterio central que no es nuevo (de hecho, es idéntico al de Los 4400), pero que funciona atrapando al espectador curioso. ¿Alienígenas?¿Agujeros de gusano? El caso se ha planteado con una falta de pistas tan absoluta que el abanico de posiblidades es amplísimo, y lo mejor de todo es que este enfoque promete una respuesta necesariamente concreta. Pero ahora vienen los problemas.

Una vez explicada la premisa en el episodio piloto, el segundo capítulo de esta doble premiere nos muestra una serie estructurada en casos aislados (un episodio = el regreso y captura de un preso) que a buen seguro servirán para dilatar las explicaciones. No creáis que me he olvidado de que otro de los estrenos recientes apadrinados por J.J., Person of Interest, se basa en exclusiva en esa fórmula autoconclusiva y no por ello deja de ser una de las mejores incorporaciones recientes a la parrilla. Pero el espíritu de Alcatraz se acerca más al de Fringe, en la que se alternan sin un orden concreto los episodios de este estilo y otros volcados plenamente con la trama central, solo que a diferencia de lo que sucedió en los comienzos de la serie protagonizada por Peter y Olivia, aquí desde un principio el interés se apoya en la gran pregunta convirtiendo al factor sorpresa en algo necesario, no solo bienvenido.

Y por desgracia, Alcatraz se sirve de todas las argucias posibles para no avanzar más allá. Los flashbacks forman prácticamente la mitad del metraje, y aunque sirven para explotar la cara más cinematográfica de la cárcel mostrando cómo vivian sus presos, simplemente huelen demasiado a relleno. Es cierto que parece muy complicado mantener el interés y avanzar en la trama en una serie de estas caracterísitcas, pero sin ir más lejos, Homeland nos ha demostrado este año que se puede mantener un thriller televisivo sin llegar a la soap mistery y sin que decaiga el ritmo ni un segundo.

Otro aspecto en el que Alcatraz demuestra su falta de originalidad es en el retrato de un cuarteto protagonista al que ya conocemos al dedillo sin que nos lo hayan presentado. Sarah Jones (Sons of Anarchy, House, Justified) es la perfecta policía boy-scout cuyo último caso acaba derivando en el descubrimiento de la historia que nos ocupa. Jorge García es Hurley de nuevo, solo que al cambiar los pantaloncitos cortos por ~~gabardinas levitas~~ chaquetas con coderas adquiere un aura de experto en Alcatraz que redimensiona a todo el personaje (ejem). Por su parte, el veterano Robert Foster (Jackie Brown) encarna al tío policía y consejero paternofilial de la protagonista, antiguo guardia de Alcatraz y con muchos más secretos de los que parece. Y por último tenemos a Sam Neill dando vida a un misterioso tipo del gobierno que lleva toda su vida dedicado a este caso. A estas alturas de la serie él es el hombre de las respuestas (que a nadie le extrañe que luego no sepa un carajo), y como ya es tradición, a nadie se le ocurre agobiarle un poco para que suelte prenda. Simplemente porque es Sam Neill, el del entrecejo tatuado e intimidatorio. Habrá que esperar a que le apetezca soltarse.

Pero que no sean roles especialmente trabajados no impide que cada uno funcione como un reloj. Ella es el vehículo blanco perfecto que sirve de raíles a la historia mientras que Sam Neill es la siempre necesitada representación de las respuestas en el horizonte. El que menos encaja es García como contrapunto cómico, y no solo porque no sea de ningún modo creíble que un hombre que se dedica a escribir libros exponiendo los trapos sucios de Alcatraz tenga sin ningún problema permiso del gobierno para investigar un asunto ultrasecreto relacionado directamente con la prisión, sino porque su peso en la trama es excesivo. Más que un secundario cómico, Diego Soto es el protagonista masculino de Alcatraz, y aunque en cierto modo se agradece el riesgo en la apuesta, el tipo no termina de dar el perfil que si apunta, por ejemplo, Jeffrey Pierce (el primer preso, Jack Sylvane) con un personaje que promete dar juego. Para que nos entendamos, es algo así como poner a Leonard Hofstadter al frente de Twin Peaks. Como que no.

A pesar de esos defectos, Alcatraz es lo suficientemente atractiva planteando su propio laberinto y avisando al espectador de que el viaje va a estar cargado de callejones sin salida a la espera de la ansiada luz al final del túnel (el cliffhanger del 1x02 realmente no es ningún misterio, ya que si los presos están regresando, ¿Qué impide que lo hagan también el equipo de guardias y médicos?). Ya apuntábamos al principio que Alcatraz no es Perdidos, pero no podemos obviar que tanto J.J. como nosotros, los espectadores, ya tenemos un entrenamiento de 6 años en misterios isleños, con lo que solo queda esperar que la respuesta final ya esté escrita mientras procuramos no emocionarnos demasiado, no sea que al final sea otra serie sobre personajes (no he podido contenerme). Pero de momento entreteniene, y si logran evitar la caída en la repetición con los casos autoconclusivos mientras no son demasiado rácanos con las respuestas, puede que el primer gran estreno de 2012 merezca la pena después de todo.