La Planète du Stoner Rock | France Stoner Rock Blog

THE BRADLEY'S - Forward

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Mon, 20 Oct 2025 17:00:00 +0000

Vendredi soir dernier était un début de week-end comme tant d’autres. Après une semaine à perdre huit heures de vie par jour pour un employeur afin de mendier un salaire, c’est enfin le début de la vraie vie. Ce soir, la Rodia de Besançon propose une soirée rock avec The Bradley’s, Dirty Fonzy et les inoxydables Sheriff. Nous arrivons en tout début de soirée afin d’assister à une petite rencontre avec le chanteur Olivier Tena et le bassiste Michel Conegero, les deux fondateurs des Sheriff. Abordables, sympathiques, ils répondent à toutes les questions pendant presque une heure. Une bière tranquillement avalée et quelques conversations plus tard, la salle s’ouvre sur le premier concert de la soirée.

Il s’agit des Bradley’s, un groupe local. Je n’en sais pas plus sur eux. Si l’affiche est plutôt orientée punk au sens large, le début du premier morceau sonne curieusement, un peu comme du grunge des années 1990. Il y a cependant des riffs très acérés, un côté énervé à la punk qui ne peut pas être comparé à Nirvana. Et puis surtout, dans les tempos, les accords et le son, il y a un truc métallique qui traîne et qui me fait aussitôt penser à des groupes comme Amebix, qui savaient habilement mêler le punk et des rythmes et riffs heavy-metal inspirés de Black Sabbath.

Le chanteur-guitariste Mat a un timbre intéressant. Il a un phrasé mêlant chant et déclamation, et une intonation teigneuse qui rebondit agilement sur les riffs percutants. Johan le bassiste agite sa longue crinière et parcourt la scène, faisant cogner sa basse à cinq cordes. Le batteur Fred ressemble à ces musiciens alternatifs des années 1990, avec un air juvénile et branleur qui contraste avec ses coups solides sur les caisses.

Si les derniers morceaux du set sont plus punk classique, sans doute pour plaire à un public avant tout venu pour les Sheriff, les cinq ou six premiers morceaux m’ont convaincu qu’il y avait quelque chose dans leur musique. J’ai fait l’acquisition de leur premier album à la sortie du set. Et je l’ai gardé dans sa cellophane jusqu’au moment approprié.

C’est dimanche soir. La nuit est tombée, et le vent commence à souffler puissamment, annonçant une semaine de pluie qui elle-même va précéder le passage à l’heure d’hiver, ce moment où l’on se lève pour aller bosser avant le lever du soleil, et où l’on revient après son coucher, ne voyant la lumière solaire que par la fenêtre d’un bureau, d’un camion, ou d’un atelier.

Les Bradley’s sont originaires de Belfort. La petite cité fortifiée par Vauban, coincée entre l’Alsace, la Franche-Comté, l’Allemagne et la Suisse, a gardé un aspect très industriel. Il y a les usines Peugeot de Sochaux au Sud, dans le Doubs limitrophe, et bien sûr Alstom et ses turbines que notre bon président de la République a monnayé aux Américains lorsqu’il était ministre de l’Economie, en bon ancien et détestable banquier d’affaires. L’architecture est un mélange d’usines, de fortifications du dix-huitième siècle et de bâtisses à l’influence alsacienne et germanique.

Les Bradley’s se sont formés pendant le COVID. Il n’y avait effectivement pas mieux à faire que de la musique, et les trois copains ont assemblé ce trio pour ranimer un esprit grunge-punk-heavy-metal, ce crossover assez courant durant la décennie 1990. Ils captent un premier EP en forme de démo avec une pochette artisanale, qui réunit sept premiers efforts personnels, et qui sort au printemps 2022, lorsqu’enfin, il est possible de jouer sur scène hors du carcan réglementaire de la crise COVID.

Catch As It Goes permet de se faire une première idée de leur direction musicale, qui sonne encore très grunge-pop. Pour être tout-à-fait honnête, la musique n’a pas encore l’accroche nécessaire. Elle est solide, bien jouée, il y a de bonnes idées, mais tout cela sonne un peu trop grunge-metal rabâché. Les choses commencent cependant à être intéressantes sur « Tainted Noises », qui annonce une nouvelle direction plus punk-metal.

Forward sort en février 2024, et propose une musique bien plus personnelle et élaborée. Les Bradley’s ont du mordant, ce côté massif et granitique qui a fait sa force lors du concert à la Rodia. Pour être totalement transparent, il manque encore un je-ne-sais-quoi de puissance et de rage sur ce premier album par rapport à la prestation live, un côté plus malsain et méchant.

Mais Forward est déjà un très bon effort, et un pas de géant par rapport à Catch As It Goes. L’écriture est plus acérée, avec des morceaux à la mélancolie intense comme « The Line », ce dernier basculant ensuite dans une cathédrale de riffs et de tempos implacables. Il y a un truc entre Soundgarden et Kyuss, mais aussi cette rage punk qui animait aussi Black Flag et Dead Kennedys.

En fait, les Bradley’s se sont musicalement calés sur cette époque où une génération à la fin des années 1980 en avait marre des tubes MTV, et voulait jouer un mélange de vieux heavy psychédélique et de punk, ce qui donnera le stoner-rock en Californie et le grunge à Seattle au début des années 1990. Les Bradley’s ne se lancent cependant pas dans des odyssées sonores de cinq ou sept minutes. Mat reste un guitariste modeste, qui ne fait aucun solo de guitare, se consacrant aux mélodies, aux arpèges, aux riffs et aux arrangements avec Jo à la basse.

Les titres font autour de trois minutes, et développent chacun une multitude d’idées qui s’enchaînent avec précision. On retrouve là l’esprit d’Amebix, si ce n’est que ce dernier pouvait se montrer plus expansif sur la durée. Les Bradley’s ont choisi d’opter pour l’efficacité, le côté compact, pour rester solide et percutant en permanence. Et sur un set de quarante-cinq minutes comme le leur à la Rodia, cela a marché à merveille.

Forward est un bel ensemble de titres, dont l’énumération est assez vaine. Il y a dix titres solides pour trente-et-une minutes de musique, et tout passe à une vitesse folle, sans impression de redite ou de surplace. Chaque chanson se tient solidement sur ses appuis, et dégage sa personnalité propre avec fierté. J’ai un petit faible pour « The Line » avec son emphase mélodique à la Soundgarden. J’aime la méchanceté frontale de « White Pants & Red Hat », la noirceur de « Out Of Steel », le côté Queens Of The Stone Age de « Joy Breaker »… « As Soon As » achève le spectacle avec un mélange heavy-grunge parfaitement dosé.

Les Bradley’s partaient pour deux autres dates avec Dirty Fonzy et les Sheriff, et j’en étais heureux pour eux. Peut-être qu’ils pourraient tirer leur épingle du jeu, et installer définitivement une audience solide dan le Nord-Est de la France où ils tournent depuis 2022. Il y a moyen pour eux d’aller toucher un public dans le Sud-Ouest de la France. Les Dirty Fonzy d’Albi sont issus de cette scène. Je les avais vu il y a plus de vingt ans dans un bar à Albi à leurs débuts quand j’étais étudiant. Il y a là-bas un background punk-hardcore-metal à exploiter. Et pourquoi pas l’Espagne, du côté du Pays Basque et de San Sebastian, qui adore ce genre de groupes.

Forward de The Bradley's Music

DHYANA - Arahant

noreply@blogger.com (Florian K.) — Thu, 11 Sep 2025 12:26:00 +0000

Il existe des albums qui dépassent la simple mécanique du plaisir auditif. Non pas seulement en termes de dopamine ou de gratification immédiate, mais par cette qualité indéfinissable, presque viscérale, qui les rend capables de dialoguer directement avec nous. Arahant de Dhyana, paru il y a quelques mois, appartient à cette catégorie rare d’œuvres qui semblent respirer, vibrer, et nous tendre un miroir intérieur.

"Arahant" de Dhyana, ou le drone comme ascèse

Dès la pochette, un indice : l’album s’inscrit dans une esthétique méditative. Mais qu’on ne s’y trompe pas, il ne s’agit pas de musique d’ambiance lisse et apaisante. Ici, la méditation se vit dans la saturation, la répétition et la densité sonore. Viyana ouvre le disque avec un riff cyclique, d’une simplicité presque primitive, mais d’un poids écrasant. Les cymbales résonnent comme des coups de gong, frappant directement le système nerveux. Ce premier titre a valeur de rite d’entrée : il prépare l’auditeur à ce qui va suivre, comme on entre dans une cérémonie.

Avec Sutta, la filiation avec Om saute aux oreilles. Le riff, lourd et gras, se déploie dans une boucle hypnotique qui absorbe progressivement toute l’attention. La construction joue sur la tension et le relâchement : la basse prend le devant de la scène, seule mais omniprésente, avant que la batterie ne s’installe à nouveau, lentement, presque avec pudeur. Le morceau se termine par une guitare éloignée, au timbre plaintif, qui évoque une litanie spirituelle brutalement interrompue.

Puis vient Abidhamma, cœur incandescent de l’album. L’introduction se déploie longuement, instaurant une atmosphère d’attente et de suspension, avant que le riff n’explose, saturé à l’extrême, comme une vibration continue. La basse, volontairement en retrait, agit comme une force souterraine : discrète mais indispensable, elle ancre l’ensemble et donne à ce morceau une dimension tellurique. La batterie, métronomique, impose un tempo qui ressemble moins à un rythme qu’à une tentative de canaliser le flot des pensées. Pendant treize minutes, la musique distord la perception du temps, transformant l’écoute en expérience quasi méditative.

Après ce sommet de densité, Dhammapada agit comme une respiration. Le tempo ralentit, la basse devient apaisante, presque caressante, invitant à la recentration. Visudhimagga prolonge cette atmosphère plus introspective, avant de se laisser envahir par une basse fuzzée qui occupe presque tout le spectre sonore, comme si l’ego reprenait soudain toute la place. L’album se referme sur Arahant, titre éponyme et conclusion symbolique. À l’image de l’ultime étape du chemin bouddhique, le morceau s’élève comme une forme d’accomplissement, un état de dépouillement et de libération.

Que faut-il en retenir ?

En définitive, Arahant n’est pas seulement un album. C’est une traversée sensorielle, un rituel sonore qui mêle drone, doom et méditation dans une même expérience. Dhyana réussit à transformer le poids des riffs et la répétition hypnotique en instruments de conscience, offrant à l’auditeur non pas une simple écoute, mais une initiation. Si vous n'en pouvez plus d'attendre un nouvel album d'OM, foncez sur celui-ci !

Arahant de Dhyana

HÖG - Blackhole

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Mon, 08 Sep 2025 20:46:00 +0000

On a l’impression que plus cette décennie avance, plus l’on danse sur des ruines. Jamais le monde n’a été à ce point en surchauffe, l’actualité n’est qu’une succession de catastrophes et de déclarations politiques toutes plus dingues et stupides les unes que les autres. Des gens meurent sous les bombes, et nous venons de nous débarrasser du premier ministre le plus authentiquement malhonnête et malsain que le pays ait jamais eu, en attendant évidemment le prochain, sauf explosion populaire. Tout est à la fois déprimant et réjouissant.

Du côté de la musique, l’IA fait grand débat, elle est déjà dans tous les coins, envahissant tranquillement les tops de Spotify ou Deezer avec des artistes bidons. Tous les réseaux sociaux se sont excités sur Velvet Sundown, d’abord en les trouvant formidables avant de découvrir qu’ils étaient bidons. Il est vrai que sortir je ne sais combien d’albums en deux ans, le tout recouvert de photos à la qualité consternante, on pouvait bien se douter de quelque chose. Mais visiblement, cela a surpris, alors que toutes les playlists sont déjà caviardées de daube à l’IA. Et puis il y a Hög.

Je reste autant que possible connecté à une certaine actualité rock, devant trier toutes sortes de propositions. Lorsque j’ai vu la pochette du futur premier album de Hög, ce portrait en noir et blanc, je me suis dit qu’il me fallait aller écouter. Le titre « Blackhole » était déjà proposé en écoute, et je l’ai lancé. Et j’ai trouvé cela génial. Le grain de la guitare, la voix, la puissance et la souplesse de la rythmique, tout m’a plu. Je me suis aussitôt porté acquéreur d’un exemplaire cd, le vinyle importé des Etats-Unis m’aurait valu de vendre un organe. C’est fort dommage, car le disque est aussi bon que beau.

On ne sait pas grand-chose de Hög. Si le trio est présent sur les réseaux sociaux, il présente surtout son activité scénique et la sortie de son premier album. C’est par ailleurs plutôt normal pour trois musiciens méconnus qui démarrent un nouveau groupe. Ce que je sais, c’est que le guitariste-chanteur Daniel en est le fondateur. Ce jeune californien est venu trouver du travail à Portland en 2018, et a parallèlement fondé Hög avec deux musiciens locaux. Ils sortent un premier EP en septembre 2022 sous la forme d’une cassette de trois titres. Ceux-ci sont déjà très bons, à commencer par un dantesque « Dust » de presque huit minutes qui présente une mixture de hard-rock seventies et de proto-doom particulièrement bien jouée et inspirée. Ca grogne magnifiquement, et c’est vraiment un excellent début. Daniel est un guitariste avec du talent, maîtrisant sa Gibson SG avec brio. Ses solos sont inspirés et mélodiques, croisant Pentagram et UFO.

Hög s’est formé à Portland, et le point est suffisamment intéressant pour s’y attarder. Bien que dans les terres de l’Oregon, c’est une ville portuaire à la confluence des fleuves Columbia et Williamette. Durant une bonne partie du dix-neuvième siècle, elle est occupée par les marins en goguette, les bordels, les tripots de jeu, et des pensions où s’entassent les gamins orphelins de la ruée vers l’or à la frontière avec le Canada. C’est une ville sale et violente. Le vingtième siècle n’arrange pas vraiment la situation, étant l’une des arrières-cours de grand banditisme des années 1940-1950. Elle aura aussi le privilège d’accueillir un des camps de concentration de population d’origine japonaise durant la Seconde Guerre Mondiale, et ce afin d’éviter tout espionnage après l’entrée en guerre après Pearl Harbour en 1941. Tout bridé devient donc suspect, et ce n’est pas un des points que les Etats-Unis mettent en avant dans leur histoire déjà lourdement chargée en massacres, colonisation de peuples, esclavagisme et ségrégation. Aujourd’hui, Portland est en pointe dans l’écologie. C’est presque une ville de bobos, avec ses microbrasseries, ses cafés, ses pistes cyclables, ses parcs, du moins dans sa présentation extérieure.

Visiblement, Daniel et son trio ne sont pas vraiment dans l’ambiance yoga-matcha. Il explique qu’il a été inspiré par l’état du monde, la dépression, et le sexe d’une part, et la désolation crasseuse que Portland incarne la majeure partie de l’année derrière sa façade branchée. Le premier line-up de Hög a explosé pour se reconstituer autour de Daniel à la guitare. Bobcat en est le nouveau bassiste, Adam, le nouveau batteur. La formation ferraille dans l’Oregon pour se faire connaître et enregistrer un premier disque, le répertoire s’étant étoffé. Le son n’a pas fondamentalement changé entre la première cassette et ce premier album, Daniel étant la colonne vertébrale sonore du trio.

Et donc, Blackhole a surgi durant l’été 2025. C’est un disque puissant, brutal, d’une solidité qui confine déjà au classique du doom-metal. Pour situer, Hög est dans l’esprit d’un Pentagram des années 1970, mais avec des influences évidentes des premiers Black Sabbath. Il faudrait aussi ajouter quelques influences comme Dust ou Sir Lord Baltimore, qui ne sont sans doute pas étrangères au trio, ne serait-ce que par le choix de la guitare. Ca tape dur, mais c’est aussi doté d’un groove irrésistible. Et c’est sans doute ce qui emporte d’abord l’oreille. Ils ne sont pas nombreux à avoir ce pouvoir de faire du doom une musique quasi-dansante, qui vous fait sourire dans la noirceur du monde. Hög l’a, et c’est ce qui rend ce disque si bon.

Il y a évidemment la plume de Daniel et de ses acolytes, mais aussi leur talent instrumental particulièrement affûté. Bobcat et Adam apportent un vrai pas en avant en termes de jeu, offrant une plus grande maîtrise derrière un Daniel qui peut s’appuyer solidement sur eux.

Plus le disque avance, plus la morsure commence à être puissante. « Don’t Need You » part sur un boogie acide plutôt enlevé, mais dès « Life Too Late », le ton se durcit. « Blackhole » est une vraie tempête qui emmène cette fois franchement Hög sur le terrain du doom-metal, ou plus précisément sur du heavy-doom rock. Car la teinte reste toujours acide, proto-heavy, avec beaucoup de pédale wah-wah sur les chorus.

Il n’y a littéralement que des bons titres sur ce premier album. « Bring You Down », « City Witch »… « My Mind (Is Getting Heavy) » a déjà le titre d’un futur classique, comme une profession de foi. Il a un riff magistral et assassin, et le solo de guitare est prodigieux. La section rythmique se dépasse, enfonçant le groove dans le cortex de l’auditeur avec un plaisir maniaque. « Shallow Earth » est le morceau le plus doom, le plus authentiquement Black Sabbath de l’affaire, mais avec ce talent unique qui rend le morceau personnel. Le chant flotte sur le thème blues acide, scandé, vaporeux, halluciné. Puis le riff déclenche la foudre, et matraque tout. Tout est bon, passionnant, des changements de thèmes aux chorus heavy-psyché inspirés. La nouvelle version de « Free », issue de la première cassette, achève magnifiquement un premier disque particulièrement réussi.

L’album a été produit par Trevor Labovitz, comme la première cassette. Il est le propriétaire d’une boutique d’amplificateurs nommée Arcane Amps. Hög a été enregistré sur bandes deux pouces pendant environ deux mois durant les heures de fermeture de la boutique. On ne peut pas faire plus authentique et honnête que cet album.

Hög a été signé chez Easy Rider Records, un label bien connu des fans de stoner et de doom. On va espérer que cela leur permettra de vendre très rapidement leurs mille exemplaires de leur premier album, cinq cent en vinyle et cinq cent en cd. Blackhole est vraiment un disque majeur, qui nécessite d’être acheté en très grandes quantités pour permettre au trio de venir jouer en Europe d’une part, et de remplacer David Damiano dans les playlists des gamins d’autre part. En tout cas, merci les gars, voilà un premier disque magistral.

BLACKHOLE de HÖG

Sumerlands - Sumerlands | Les héritiers de Black Sabbath

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Sat, 09 Aug 2025 20:12:00 +0000

Le visionnage du dernier concert de Black Sabbath, le fameux festival Back To The Beginning, m’avait laissé un goût amer. La mort d’Ozzy Osbourne a rajouté une couche supplémentaire d’émotion sur ce qui était avant tout les adieux du chanteur à son public. Il était tout simplement devenu impossible d’exprimer une opinion dissonante à cet évènement, désormais légendaire parce qu’Ozzy Osbourne aura jeté ses ultimes forces dans sa dernière prestation, et qu’elle fut bonne ou non, le sujet n’était pas là. Cependant, on est en droit de se demander si l’histoire et la musique de Black Sabbath, désormais plus grande que chacun de ses musiciens fondateurs, pouvaient s’achever sur un concert raccourci et pénible.

Mais encore. Ozzy Osbourne était très malade, et selon Tony Iommi, il n’y a eu que peu de répétitions, le chanteur fatiguant au bout de deux ou trois titres. Par contre, pour le reste de l’affiche, on a eu droit à une série de sets de groupes constitués de musiciens sexagénaires et septuagénaires souvent poussifs, si l’on excepte Gojira (surtout là grâce à leur prestation à la cérémonie des JO), Mastodon, et Slayer, mais qui a à peine pris la peine de reprendre un bout de « Wicked World ». Back To The Beginning présentait une affiche de rêve, mais si on était en 1992. Car en 2025, tout cela ressemblait plutôt aux obsèques du heavy-metal des années 1970-1980-1990.

Et si Black Sabbath et Ozzy Osbourne ont influencé à peu près tout le monde dans le genre, on ne peut pas dire que tous étaient de dignes héritiers du Sab, musicalement parlant. Si tous doivent quelque chose à un moment de leur histoire à Black Sabbath et Ozzy Osbourne (Metallica en première partie d’Ozzy en 1986, Pantera et Slayer au Ozzfest…), tout le monde sait dans ces pages que les héritiers de Black Sabbath sont surtout à chercher du côté de Cathedral, Electric Wizard et Candlemass.

Il aurait été intelligent d’insérer de jeunes groupes montants de la scène doom-stoner-psychédélique qui doivent beaucoup à Black Sabbath comme Slift, Elder… ce qui aurait amené une lueur d’espoir dans ce spectacle, avec une sorte de passage de flamme à de jeunes musiciens qui allaient poursuivre l’oeuvre de Black Sabbath. Bien sûr, il y a eu le Yungblud, qui a offert une belle prestation de « Changes » avec Nuno Bettencourt, mais il était surtout là comme jeune prodige montant du pop-rock anglais, pas comme un héritier de Black Sabbath.

Sharon Osbourne a surtout voulu que ce concert soit centré non seulement sur son mari, mais sur sa carrière solo qui a influencé tout le heavy-metal des années 1990. Car le choix des artistes a été fait dans ce sens : ils doivent avant tout beaucoup à Ozzy Osbourne plutôt qu’à Black Sabbath, même si le groupe sera mis en groupe final. Une fois encore, Tony Iommi, Geezer Butler et Bill Ward étaient relégués au statut de groupe accompagnateur de luxe d’Ozzy, alors qu’historiquement, c’est totalement faux. Tony Iommi en est le leader incontestable, et la grande majorité des morceaux sont à l’origine de la plume de Iommi et de Geezer Butler pour les textes. Le groupe signait à quatre noms pour se répartir les droits afin de conserver son unité. Mais lorsqu’Ozzy sera viré en 1979, le groupe restera Black Sabbath avec Ronnie James Dio, que les fans indécrottables d’Ozzy le veuillent ou non.

Ce côté héritage m’a beaucoup turlupiné. J’ai toujours beaucoup admiré Tony Iommi et Geezer Butler. Leurs jeux, leurs compositions, leurs attitudes sur scène étaient le sang de Black Sabbath. Et c’est dans cela qu’il faut chercher la descendance de Black Sabbath. Je me suis alors remémoré un album passé inaperçu à sa sortie, mais que j’ai vu ressortir par moments sur les réseaux comme pouvant constituer un digne héritier de Black Sabbath. Il s’agit du premier album homonyme de Sumerlands qui date de 2016.

Ce groupe américain a été fondé par les guitaristes Arthur Rizk et John Powers en 2013, tous deux membres du groupe Eternal Champion, l’un des fleurons de la New Wave Of Traditional Heavy-Metal (NWOTHM) dont l’histoire remonte à 2008 mais piétine. Justin DeTore en est le batteur, Phil Swanson le chanteur. Le bassiste Brad Raub est intégré à Sumerlands, il deviendra aussi membre officiel d’Eternal Champion, mais il n’apparaît pas officiellement en tant que membre sur ce premier album. Il est seulement cité dans les crédits.

Sumerlands sort le 16 septembre 2016 chez Relapse, quasiment en même temps que le premier album d’Eternal Champion, The Armor Or Ire, publié le 27 septembre sur No Remorse. C’est Eternal Champion qui prendra le dessus, faisant de Sumerlands un side-project quand les musiciens ont le temps.

C’est bien dommage, car ce premier album de Sumerlands est extraordinaire. Il est l’héritier parfait de Black Sabbath, croisant autant la noirceur de la période Ozzy Osbourne, que le côté power-metal de celle avec Ronnie James Dio au micro. En fait Swanson chante un peu comme un Ozzy Osbourne qui aurait enregistré Heaven And Hell.

Sumerlands est un disque plutôt court, constitué de huit morceaux et de seulement trente-deux minutes de musique. Mais tout défile avec un aplomb et un génie permanent. La durée des titres restent autour de quatre minutes, mais elles sont richement exploitées. Il ne faut pas s’attendre à des titres lents, pesants et noirs, doom-metal au sens où on l’attend. Il s’agit de tempos plutôt enlevés, power et heavy. Mais les riffs de guitares sont sombres et lourds, et le chant de Phil Swanson, posé sur les séquences construites en architectures d’accords barrés massifs, est évidemment un écho à Ozzy Osbourne et à la construction de Black Sabbath sur ses six premiers albums.

Il y a évidemment un talent réel inhérent au groupe. Inspiré, virevoltant à chaque seconde, Sumerlands est une formation dotée d’un talent totalement écoeurant. Tout est là : le brio instrumental, la précision d’exécution, la rythmique sans faille, l’âme unique de sa musique, la production impeccable et vivante.

« The Seventh Seal » entame le disque de la plus belle des manières, avec un riff d’ouverture inspiré de Van Halen, mais repassé à la sauce Black Sabbath. Sumerlands sait créer un souffle épique, qui démarre dès ce premier morceau, et qui ne va pas retomber avant le morceau atmosphérique « Sumerlands » qui clôt le disque. « The Guardian » est une merveille mêlant Ozzy Osbourne de Blizzard Of Ozz et le Black Sabbath de Sabotage. C’est un peu le cas de tout le disque, magnifique, épique, poignant, d’une solidité absolue, à l’image de sa pochette.

Eternal Champion étant devenu la priorité, Sumerlands va attendre 2022 pour produire un second album : Dreamkiller. Brendan Radigan a remplacé Phil Swanson, et le son évolue beaucoup, plutôt du côté de Eternal Champion, avec un heavy-metal épique plus inspiré par Iron Maiden et Judas Priest que par Black Sabbath et Ozzy Osbourne.> Sumerlands de 2016 restera donc un chef d’oeuvre sans successeur, véritable leçon de heavy-metal sabbathien réussi et novateur.

Sumerlands de Sumerlands

GUILLAUME FLEURY - GABRIEL REDON - MATHIEU YASSEF - Children Of The Sabbath

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Mon, 14 Jul 2025 11:11:00 +0000

Le travail de qualité sur la musique n’est pas chose si courante. Nous sommes envahis de podcasts et d’articles mal ficelés, colportant des erreurs historiques grossières, se concentrant souvent sur le buzz et l’anecdote bien scabreuse. Lorsque deux passionnés de Black Sabbath, Mathieu Yassef et Gabriel Redon, ont décidé de lancer leur podcast Children Of The Sabbath il y a quatre ans, l’objectif était de disséquer avec passion mais sans prétention chaque album, avec une émission par disque. Un invité souhaitant s’exprimer sur un disque en particulier est le bienvenu. Jean-Charles Desgroux, Guillaume Fleury (un proche du duo), Phil Lageat, Axl Meu, et moi-même avons eu le plaisir de longuement disserter sur les albums qui nous intéressaient le plus. Par la suite, les deux auteurs vont ajouter des émissions complémentaires pour traiter de sujets précis : la prestation au Live Aid en 1985, la tournée soviétique de Black Sabbath en 1989, le concert d’adieu d’Ozzy à Costa Mesa en 1992...

La petite émission partie d’une passion a commencé à prendre de l’ampleur et ce grâce à ses qualités : le sérieux des recherches, la franchise et la bonne humeur des échanges. Avec tout cela, vous pouviez suivre une émission de presque trois heures sur un album que vous connaissez par coeur, vous amusez et apprendre des choses. Cette approche rigoureuse est devenue rare en France, et seul le magazine Rock Hard propose encore des enquêtes fouillées de ce niveau.

Le projet d’un livre était dans les têtes de Mathieu et Gabriel depuis quelques temps, et le manuscrit avança avec la participation de Guillaume Fleury. Yassef et Fleury ont une légitimité supplémentaire en plus du podcast : ils sont aussi journalistes à Rock Hard. Mathieu a beaucoup oeuvré pour que le vénérable magazine Metal se modernise et rentre dans le circuit des podcasts, avec désormais un débrief mensuel du nouveau numéro, et des reportages sur son autre chaîne The Doom Dad.

Fort de toute cette activité, le trio Fleury-Redon-Yassef va réussir à publier son ouvrage aux Editions des Flammes Noires sous ses conditions. Il va notamment y avoir une édition limitée avec un tee-shirt reproduisant la belle couverture du livre. Le trio a aussi fait appel à des illustrateurs du milieu de la création de pochettes de disques ou de tee-shirts pour inventer des dessins originaux illustrant certains morceaux de Black Sabbath et enluminer les pages écrites.

Le résultat s’appelle Children Of The Sabbath : Ne Faites Confiance Qu’à Vous-Même Et A Ces 66 Morceaux de Black Sabbath. Le sous-titre est inspiré d’une phrase désormais célèbre d’Henry Rollins : « Ne faites confiance qu’à vous-même et aux six premiers albums de Black Sabbath. ».

Comme son nom l’indique, Guillaume Fleury, Gabriel Redon et Mathieu Yassef ont sélectionné soixante-six morceaux de toute la carrière de Black Sabbath, certains très connus d’autres beaucoup moins. Ils l’ont fait selon leurs goûts, mais aussi selon la matière qui pouvait les illustrer. Car les anecdotes ne manquent pas avec Black Sabbath. On démarre avec un titre issu du très décrié album Forbidden de 1995 : « Illusion Of Power ». Puis on monte crescendo dans le coeur de la machine : les six premiers albums mythiques, mais aussi ceux avec Ronnie James Dio au chant, également devenus des classiques. Chaque co-auteur à son style, mais tout est très cohérent, avec comme dans le podcast cette volonté du détail.

Il n’est pas possible de ne pas apprendre quelque chose dans ce livre, même d’infimes détails, qui éclairent souvent d’une lumière nouvelle certaines compositions parfois passées sous les radars de l’histoire. Les titres les plus célèbres sont aussi disséqués, comme « Fairies Wear Boots » et ses trois versions différentes de l’histoire derrière le morceau. Avec ces cent pages vendues au prix tout doux de dix-neuf euros, vous en apprendrez plus sur Black Sabbath qu’en trente ans de lecture de la presse musicale française.

Lien d'achat : Children Of The Sabbath

FUZZ CLUB FESTIVAL 2025 - Effenaar, Eindhoven

noreply@blogger.com (Florian K.) — Mon, 16 Jun 2025 16:23:00 +0000

De retour en 2024 après deux précédentes éditions en 2018 et 2019, cela faisait un an que nous prévoyons d’aller à l’édition 2025 du Fuzz Club Festival, organisé par le label anglais du même nom, spécialisé dans les musiques alternatives et notamment psychédéliques. Inutile d’y aller par quatre chemins : c’est sans conteste l’un des meilleurs festivals européens de cette bouillonnante scène musicale avec une programmation et une organisation aux petits oignons. Explications.

ON THE ROAD AGAIN

« Il y a une première à tout » a-t-on coutume de dire. Pour moi, c’était la première fois que je mettais les pieds aux Pays-Bas. Nous sommes partis d’Angers tôt le jeudi matin pour arriver à Eindhoven vers 18 heures tout en prenant notre temps sur la route. Trajet pas des plus passionnants puisque cela a consisté à prendre l’autoroute pour traverser la France, la Belgique et une petite partie des Pays-Bas. Petite astuce à anticiper : si vous prévoyez de vous y rendre en voiture l’année prochaine, attention à ne pas stationner dans la ZFE d’Eindhoven, il suffit de se garer à environ 2 kilomètres de l’hypercentre. Une fois la voiture garée, nous prenons nos sacs à dos pour nous diriger vers notre logement situé idéalement dans le centre avant d’aller se prendre quelques bières en terrasse. Pour l’anecdote, étant amateurs de bières craft, nous nous sommes allés dans un bar spécialisé : près de 10 balles le demi de pastry-sour ça pique un peu. Nous nous sommes affairés à boire notre smoothie alcoolisé de luxe avant de changer d’enseigne un peu plus loin.

Eindhoven est considérée comme la « Silicon Valley » de l’Europe avec le siège historique de Philips, mais aussi tout un tas de boutiques vantant le « design néerlandais ». La ville est très paisible avec ses nombreuses pistes cyclables, sa verdure qui s’invite partout (parcs, façades, etc.), les voitures peu nombreuses et respectueuses… Un véritable havre de paix dans une agglomération urbaine de près d’un million d’habitants. Nous avons prolongé ce « mode de vie néerlandais » en allant visiter le musée d’art contemporain Van Abbe, on vous le recommande chaudement (16 euros l’entrée). Après une petite balade digestive, nous avons longé le canal de la Dommel pour rejoindre la salle de concert EFFENAAR pour nous plonger dans notre univers musical préféré.

Nous pénétrons dans le lieu une fois nos billets validés, une fois les portes franchies on nous tend un jeton pour la consigne des verres. Entre béton, éléments industriels et verdure, le lieu est très accueillant et semble un peu labyrinthique au premier abord mais ce n’est qu’une impression car on déambule très facilement avec plusieurs points de passage pour rejoindre chaque salle. Le bar qui se situe dans le hall principal est agréablement grand et espacé, on peut y commander plusieurs références de bières à des prix raisonnables (comptez 6-8 euros la fausse pinte de 44cl en fonction de vos préférences gustatives). A l’extérieur, on y trouve une terrasse avec beaucoup d’assises ainsi que deux foodtrucks pour manger sur place. Si le choix vous semble trop restreint, vous avez la possibilité de manger en ville car la sortie n’est pas définitive. Point négatif, la terrasse ferme à 23h30 ce qui limite fortement les espaces après cette heure.

Deus salles sont présentes dans les lieux pour accueillir les artistes et le public : une petite au rez-de-chaussée et une plus grande à l’étage. La première a une configuration peu agréable car l’entrée se fait le côté droit de la scène et sa capacité est relativement limité, ce qui occasionne un remplissage de la salle rapide et on peut très vite se retrouver « coincé » au niveau de l’entrée. Un bar est présent à l’arrière de la salle, on peut y retrouver d’autres références de bières que celles vendues sur le bar principal. On accède à la grande salle par deux escaliers, dont le dernier est un peu raide. Mais une fois dedans c’est une véritable claque par des dimensions vraiment grandes. Dans le fond de la salle est plus en hauteur de façon à avoir un meilleur point de vue et si cela ne vous suffit pas, vous pouvez prendre des escaliers qui mènent vers un balcon. Derrière la scène, des visuels immenses sont projetés par un vidéo-projecteur taillé pour le cinéma, cela permet de proposer une expérience immersive encore plus impressionnante.

Concernant la qualité du son et du mixage, elle est incroyable. Que ce soit dans la petite ou dans la grande, vous en prendrez plein les tympans et dans toute les plages dynamiques. Chapeau bas aux équipes de l’EFFENAAR qui ont pleinement assuré la restitution sonore des groupes. Les protections auditives sont évidemment recommandées si vous êtes sujets aux acouphènes ou autre puisque on dépassait souvent les 100db. Un distributeur de bouchons Alpine est disponible sur site moyennant 14 euros.

ET LES CONCERTS DANS TOUT ÇA ?

Et les concerts dans tout ça ? Le line-up est assez conséquent pour les amateurs de musiques psychédéliques : MIEN, KVB, GOAT… mais aussi avec des groupes moins connus qui sont tout aussi percutants. Il serait inutile de vous faire un rapport de chaque concert, mais je vais vous faire part de mes coups de coeur mais aussi de mes déceptions (spoiler : elles sont très rares !).

LE PLUS GROS KIFF : GOAT

Bon, on a beau parfois être plutôt à la pointe de certaines musiques ce n’est pas pour autant qu’on connait absolument tout. Et cela a été le cas avec la tête d’affiche du festival, les suédois de GOAT. Quelle claque ! C’est avant tout une mise en scène avec des costumes et des visages masqués avec un véritable jeu de lumières et d’ombre, de mouvements. Puis c’est aussi la force de deux voix féminines qui happent son auditoire. Puis la puissance de certains riffs, ponctués par des moments bien plus psychédéliques. Ce fût une immense baffe tant visuelle que sonore : la plus belle découverte du festival.

LES BELLES SURPRISES : BLACK DOLDRUMS, NEW CANDYS et BLACK MARKET KARMA

Les anglais de Black Doldrums ont fait un set absolument impeccable, en proposant un shoegaze-industriel parfaitement maîtrisé. Pour l’anecdote, le groupe nous avait contacté à ses débuts (et des nôtres par la même occasion), mais c’était la première fois que je les voyais en live. Ce fût avec un immense plaisir de se plonger à travers leurs meilleurs titres, seul regret : la durée du concert est bien trop courte quand on aime !

Les italiens de New Candys, formé en 2008, ont déjà un sacré palmarès derrière eux. Ils proposent un rock alternatif particulièrement efficace qui trouve ses origines dans l’âge d’or du début des années 90 mais qui emprunte aussi des influences industrielles des années 80. Là encore, le mixage a grandement participé à l’appréciation de la prestation !

On retourne en Angleterre avec les anglais de Black Market Karma qui proposent un rock psychédélique efficace et hypnotique (peut être trop pour mon pote Coco !). On se laisse bercer par les guitares qui saturent et qui tournent en boucle pour créer une sorte de vortex sonique hallucinatoires. Je ne connaissais pas du tout le groupe, j’ai été littéralement absorbé par leur prestation et leur proposition musicale.

QUE FAUT-IL EN RETENIR ?

Vous l'aurez compris, le Fuzz Club Festival est une véritable expérience en soi. Le but de cet article n'est pas de faire un live-report complet de chaque artiste, mais surtout de dégager l'ambiance qui émane de ce festival. Il se positionne clairement comme l'un des meilleurs festivals de musiques psychédéliques à l'échelle européenne ; je dirais même qu'il est un très sérieux concurrent au Lévitation qui a lieu chaque année dans la ville d'Angers. Si vous êtes amateurs du genre, il serait dommage de louper ce rendez-vous important de la scène psyché !

MOUNTAIN - Live In The 70s | Archéo-chronique

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Sat, 07 Jun 2025 20:03:00 +0000

Lorsque l’on pense son gras et pionnier, Black Sabbath vient forcément à l’esprit, suivi de près par les premiers albums de Led Zeppelin, et ceux de Blue Cheer. Mais Mountain n’est pas une référence qui vient immédiatement à l’esprit. Pourtant, le son du groupe américain est indiscutablement une influence majeure du stoner et du doom américain. Leur guitariste légendaire, Leslie West, fut même surnommé « The Tone » par deux générations de guitaristes allant de Tony Iommi à Michael Schenker en passant par Dave Mustaine pour le son ultimement bon et heavy de son jeu.

Leslie Weinstein est un petit juif américain né à New York le 22 octobre 1945. Il prend de plein fouet la British Invasion en 1964, cette vague de groupes anglais qui débarquent en retour après avoir été influencés par le rock pionnier américain : Beatles, Kinks, Rolling Stones, Yardbirds… Il joue déjà de la guitare, mais son apprentissage bifurque brutalement du blues au rock. Bien que petit blanc d’une grande ville surtout connue pour sa scène jazz, Weinstein est fortement marqué par la poésie, la mélancolie et la brutalité du blues, qui tranche avec son milieu familial plutôt classe moyenne convenue. Le détonateur se produit lors du divorce de ses parents, et il décide de se renommer Leslie West pour se détacher du patronyme familial et du conflit intestin qui s’y rattache. Il trouve un emploi stable dans une joaillerie faisant du négoce de diamants, mais ce qu’il veut plus que tout, c’est faire de la musique.

Il rejoint les Vagrants comme guitariste lead, un groupe qui joue ce que l’on appelle la blue-eyed soul, une soul blanche, qui se croise avec le premier effet retour de la British Invasion : le garage rock US. Cette vague va donner notamment Nazz, Thirteen Floor Elevator ou les Sonics. Les Vagrants réussissent à signer chez Atco, une filiale de la major Atlantic en 1967. Mais Leslie West, grand bonhomme au visage un peu poupin et au physique épais, est systématiquement mis sur le côté de la scène, ne s’avançant que pour jouer ses solos avant de reculer et laisser les autres, plus jolis garçons, rester devant dans la lumière.

Dans l’intervalle, West découvre John Mayall And The Bluesbreakers, Cream, Jimi Hendrix Experience et Peter Green’s Fleetwood Mac. La musique des Vagrants devient complètement inintéressante, en plus de le rejeter physiquement. Durant l’enregistrement des derniers titres des Vagrants en 1968, West sympathise avec le producteur. Il s’appelle Felix Pappalardi et travaille notamment avec Cream. West et Pappalardi ont deux silhouettes totalement à l’opposé. Le premier est grand, épais, avec désormais une immense tignasse qui ressemble à une afro, West ayant abandonné le gel pour se lisser les cheveux. Le second est un petit bonhomme tout frêle avec une épaisse moustache et des cheveux bruns mi-longs. Il est un peu plus vieux que West : Pappalardi est né le 30 décembre 1939. Mais les deux hommes ont la même vision de la musique, bien que leurs approches soient différentes. Elles sont en fait complémentaires. Pappalardi a une vision progressive et mélodique du blues lourd, le second préfère l’approche plus brute et heavy.

Led Zeppelin a sorti son premier album en janvier 1969, Jeff Beck Group enregistre son second album en avril 1969, Beck-Ola. Pappalardi a un label filiale de CBS : Windfall. Il signe West après avoir rejeté les dernières démos des Vagrants, et lui permet d’enregistrer un premier album solo. Il a été enregistré en trio : West à la guitare et au chant, Pappalardi à la basse, Norman Smart à la batterie, et pour quelques titres Norman Landsberg aux claviers. Tout le talent de Leslie West explose sur l’album Mountain qui sort en juillet 1969. Il n’est plus question de musique surf ou de psychédélie. Le Leslie West Trio envoie une musique heavy-blues totalement novatrice, huit mois avant Black Sabbath. Il faut écouter « Blood Of The Sun », « Blind Man », « Dreams Of Milk & Honey » ou « Southbound Train ». Le toucher de Leslie West est absolument merveilleux. Comme le premier album de Black Sabbath, tout a été capté en quelques prises live. West ouvre aussi quelques portes mélodiques à la Dylan, comme « Long Red » ou « Because You’re My Friend ». Par ailleurs, West fait partie de ce carré de repreneurs de génie du Zim avec Jimi Hendrix et Johnny Winter. Il va ainsi métamorphoser « This Wheel’s On Fire » en obus proto-heavy-metal.

Contre toute attente, l’album Mountain monte à la 72ème du Top 200 US. Le disque, bien distribué par une major, se met en résonance avec la souffrance des jeunes américains conscrits qui doivent tous partir pour la Guerre du Vietnam et reviendront traumatisés par les massacres dont ils ont été les responsables. La victoire s’estime en effet pour l’état-major au nombre d’ennemis tués, faute de savoir ce qu’il se passe dans la jungle où les Vietcongs attaquent. On pulvérise alors tout sur son passage, on arrose de napalm, d’Agent Orange, et de rafales de mitrailleuses le moindre village, la moindre parcelle de forêt suspecte, tuant des milliers de civils innocents. Le son lourd et puissant de Leslie West trouve un vrai écho chez toute cette jeunesse qui perd toutes ses illusions dans la guerre et la répression des universités. La musique folk, même électrique, de Bob Dylan, devient insignifiante face à la rage véhiculée par le heavy-blues.

Mountain est raccroché à la dernière minute à l’affiche d’un festival rock d’envergure vers Bethel, dans l’Etat de New York : le Festival de Woodstock. Mountain s’y produit le second jour entre neuf et dix heure du soir, juste avant les immenses stars Creedence Clearwater Revival. Il s’agit alors de leur troisième concert ensemble, Steve Knight ayant été intégré comme claviériste permanent, et le groupe s’étant renommé du nom de l’album de West : Mountain. Ce coup de projecteur est colossal, et permet à Mountain d’intégrer le second volume des mythiques enregistrements du festival, Woodstock Two qui paraîtra en 1971. le film offrira le morceau « Southbound Train ».

La prestation est légendaire, avec notamment une version magique du « Stormy Monday » de T-Bone Walker. Mais sur le film, on voit Leslie West rager. Norman Smart est constamment à la ramasse à la batterie, et cela s’entend. C’est touchant d’imperfection pour un troisième concert, même à Woodstock, car l’enregistrement publié officiellement est une vraie pépite. Mais Norman Smart est clairement à côté de la plaque, et ce dès le premier morceau « Blood Of The Sun ». Il devient urgent de le remplacer, et après quelques auditions, un canadien du nom de Corky Laing, sorte de gentille brute au physique musculeux, se présente. Il éclate ses caisses sur un kit double grosses caisses à la manière d’un Keith Moon (The Who) mélangé à un John Bonham (Led Zeppelin). Il est parfait.

Désormais doté d’un torpilleur en terme de batteur, Mountain se lance dans l’enregistrement d’un vrai premier album dans la foulée du Festival de Woodstock. Ce sera le mythique Climbing !, qui paraît le 7 mars 1970. Tout le talent du groupe est déjà concentré, mêlant son heavy et scories psychédéliques. L’album suit de peu le premier disque de Black Sabbath, à trois semaines près. Les deux sont fascinants, fondateurs, et n’ont pas la même approche. Climbing ! est un chef d’oeuvre à tous les niveaux. Il offre autant des morceaux brutaux et blues sans concession, que des épopées proto-progressives. Le tout est une lave sonore de heavy-blues puissant, mélodique et imprégné de mélancolie. Les illustrations des pochettes signées Gail Collins, la compagne de Felix Pappalardi, imposent un monde psychédélique et rêveur qui sied curieusement mais parfaitement à Mountain.

Climbing ! est un parfait équilibre entre heavy-blues furieux et épopées heavy-blues progressives. « Mississippi Queen » assied tout le monde d’entrée. La reprise de « Theme From An Imaginary Western » de Jack Bruce est parfaite. Sur les titres plus doux, Pappalardi prend le micro. Il chante aussi grave que West, mais de manière plus maniérée et moins agressive. Les deux hommes restent en permanence les deux faces d’une même pièce, comme le montre la photo au verso où Pappalardi et West se tapent dans la main comme pour valider leur union. Climbing ! est le terreau d’innombrables pistes pour le heavy-metal. Sur « Sittin’ On A Rainbow » et sa double grosse-caisses trépidante, tout devient clair : nous allons vers une escalade sonore dont Mountain, Led Zeppelin, et Black Sabbath ne sont que les premières pierres. L’histoire derrière le morceau « Mississippi Queen » témoigne cependant de l’ancrage des musiciens de Mountain dans l’esprit hippie de leur époque.

En août 1969, Corky Laing fait alors partie du groupe Energy. Ce dernier décroche l’animation musicale d’une fête sur l’île de Nantucket, au large de Cap Cod, dans le Massachussetts. C’est une sympathique fête hippie qui réunit tous les jeunes du coin. Mais il y fait si chaud que tous les climatiseurs de l’île tournent à plein régime, ce qui provoque une coupure générale d’électricité. Au moment de l’incident, Laing est fasciné par une jeune femme au premier rang en train de danser et vêtue d’une petite robe transparente couverte de fleurs. L’électricité coupée, Laing se doit de permettre à cette jeune femme de continuer à danser. Il se lance alors dans une performance solo sur sa batterie à base de cowbell, hurlant à tue-tête « Mississippi Queen, do you know what I mean ? », et ce pendant presque une heure avant que le courant ne revienne. Le batteur raconte l’histoire à Leslie West, et les deux la transforment en chanson.

Climbing ! monte à la 17ème place des ventes américaines, et atteint le statut de disque d’or, soit cinq cent mille exemplaires vendus. Une vaste tournée est lancée, et Mountain séduit les amateurs de blues lourd, qui sont aussi les fans de Led Zeppelin, et de Black Sabbath. Mais cette fois, ils ont un groupe américain à aimer en parallèle à Grand Funk Railroad, à l’approche plus empreinte de soul. Mountain est l’une des stars du Festival d’Atlanta qui se tient du 3 au 5 juillet 1970, puis à celui de Goose Lake Park du 7 au 8 août où la scène rock établie (Faces, Savoy Brown, Joe Cocker, Jethro Tull, Ten Years After, Chicago…) croise celle de Detroit avec les Stooges, MC5, Bob Seger, Detroit, Brownsville Station, Alice Cooper ou encore Third Power.

Le rythme de tournée est intense, et les musiciens profitent aussi de leur succès. Le champagne se boit au goulot, et les rails de cocaïne deviennent de plus en plus fréquents. De son côté, CBS souhaite un nouvel album rapidement, et Mountain se retrouve en studio dès la fin de l’année 1970. l’ambiance d’euphorie a laissé place à la confrontation de deux camps. D’un côté, il y a Felix Pappalardi, bassiste, compositeur, chanteur, propriétaire du label de Mountain Windfall et producteur, et sa compagne Gail Collins qui réalise toutes les magnifiques pochettes et illustrations pour le groupe, mais écrit aussi les textes de compositions de son homme. De l’autre, il y a Corky Laing et Leslie West qui forment souvent un binôme d’écriture, au son résolument plus blues et heavy. Au milieu, on trouve Steve Knight, qui compte les points. Pappalardi devient tyrannique en studio, exigeant de refaire la prise à chaque imperfection, et en particulier sur un morceau de sa plume sur lequel il fait une obsession : « Nantucket Sleighride ». Pappalardi veut tirer Mountain vers le rock progressif, Laing et West continue d’insuffler le souffle heavy et blues à son grand malheur. Les deux camps commencent à s’affronter, et Laing finit par craquer lors d’une énième prise de « Nantucket Sleighride ». Il jette ses baguettes, saute par-dessus son kit, et s’en prend physiquement au bassiste. Il faudra toute la force de West pour tenter de le contenir. Le duo Pappalardi-Collins devient toxique : le premier a plongé dans l’héroïne, la seconde l’influence, et West n’hésitera pas à la comparer à Yoko Ono au sein des Beatles.

L’album Nantucket Sleighride sort le 6 février 1971, et réussit la même performance que son prédécesseur : n°16 dans les classements américains, et à nouveau disque d’or. Mais surtout, il entre dans les classements britanniques à la 43ème place, ce qui va permettre à Mountain d’aller à la conquête de l’Europe. Le groupe fait une apparition remarquée dans l’émission télévisée allemande Beat Club le 26 juin 1971. Mais le groupe est à nouveau sous pression de son label. Vu le programme de concerts, il est inconcevable de trouver du temps pour composer et enregistrer un album complet. Mountain a donc l’idée d’enregistrer le concert du 27 juin 1971 au Fillmore East de New York en prévision d’un live, ou d’une utilisation pour un album mixant du live et du studio. Le quatuor trouve un peu de temps en septembre 1971 pour se retrouver aux Record Plant Studios de New York. Après l’épisode houleux du second album, les choses s’arrangent entre les musiciens. « Flowers Of Evil », qui va donner son nom au disque, est écrit conjointement par West et Pappalardi, et évoque le sujet peu abordé à l’époque de la consommation de drogues dures par les soldats américains au Vietnam. Le duo Pappalardi-Collins fait aussi un pas vers West et Laing en proposant un vrai titre heavy-blues mélodique du nom de « Crossroader », et sur lequel le guitariste fait des merveilles à la guitare slide. Le duo s’offre aussi un titre progressif assez audacieux du nom de « Pride And Passion », qui évoque leur relation souvent tumultueuse, avec de multiples arrangements de Pappalardi. La seconde face est extrait de l’enregistrement live au Fillmore East, et permet pour la première fois au public d’entendre sur disque Mountain en live. Elle est largement orientée heavy-blues, avec une séquence solo de West, « Dreams Of Milk And Honey » de son album solo, et bien sûr le classique « Mississippi Queen » signé West-Laing.

Flowers Of Evil sort le 11 décembre 1971, et atteint une plus modeste place, 31ème du Billboard US. Mais entre-temps est arrivé sur la scène américaine un groupe beaucoup plus violent et implacable : Black Sabbath. Mountain et Black Sabbath tourneront ensemble en mars 1971, le groupe anglais effectuant sa première vraie tournée américaine pour la promotion de Master Of Reality. Flowers Of Evil se classe aussi dans plusieurs pays européens, comme l’Allemagne et la Norvège. Mais la Grande-Bretagne le boude, et pour CBS, les pays scandinaves et l’Allemagne ne sont pas considérés comme des marchés essentiels.

En février 1972, Mountain annonce sa séparation. La raison officielle est l’envie de Papparlardi de revenir au travail de studio, et pour West d’enregistrer avec une de ses idoles : l’ancien bassiste de Cream Jack Bruce. Si la seconde est vraie, la première l’est moins. Felix Pappalardi est empêtré dans sa dépendant à l’héroïne, et commence à avoir des problèmes d’audition à cause du volume supersonique de Mountain en concert. Par ailleurs, la fin du groupe permet à Gail Collins de conserver un œil sur son homme et de l’éloigner des groupies en tournée. Il y a aussi des histoires d’argent en jeu, Pappalardi revendiquant des droits sur « Mississippi Queen », leur tube, pour ses arrangements, alors que West et Laing considèrent qu’ils en sont les seuls auteurs.

Afin de sceller la fin de Mountain, un live simple est assemblé par Pappalardi. Il s’appelle Live : The Road Ever Goes On et sort le 24 avril 1972. Il réunit quatre morceaux. « Long Red » et « Waiting To Take You Away » proviennent de leur historique prestation à Woodstock, mais sans Laing, une petite crotte de nez au batteur de la part du bassiste. « Crossroader » a été capté au Rainbow Theatre de Londres et permet de se rendre compte de la ferveur anglaise pour Mountain. « Nantucket Sleighride » est présenté en face B dans une version diabolique de plus de dix-sept minutes, le morceau étant devenu un cheval de bataille scénique dont la longueur ne va cesser de s’allonger par la suite.

Les discussions entre West et Bruce ont débuté en janvier 1972, et sont déjà abouties en février. Corky Laing est de la partie, et le trio se nomme West, Bruce, & Laing. Il est le précurseur de plusieurs super-groupes qui suivront, et notamment Beck, Bogert, Appice fin 1972, réunissant Jeff Beck et la section rythmique de Vanilla Fudge et Cactus : Tim Bogert et Carmine Appice. Le trio va assurer une tournée américaine de trente dates aux Etats-Unis qui convainc CBS de continuer à faire confiance à West et Laing. Le trio signe donc chez… Windfall, la filiale de CBS appartenant à Felix Pappalardi. Et ils ont raison, car West, Bruce & Laing remplit le Radio City Hall de New York et ses six mille places en quatre heures en novembre 1972, alors que le trio n’a encore rien publié.

L’album Why Dontcha sort en novembre 1972 après un long travail de studio. Tout le monde attendait un uppercut général de heavy-blues, il n’en sera rien. L’album se montre plus fin et musical que prévu. Il y a bien sûr la musique attendue, dont « The Doctor » qui va être largement relayé sur les radios américaines, mais qui va tromper quelque peu les futurs acheteurs. Car Jack Bruce est aussi venu avec sa science de la chanson mélodique imprégnée de jazz, de blues et de rock. Cela donne notamment le beau « Out Into The Fields » avec ses claviers et ses choeurs. Il y a aussi des collaborations géniales, comme « Turn Me Over ». Jack Bruce faisait au sein de Cream en live un morceau nommé « Traintime » où son harmonica était porté par un tempo de train de Ginger Baker et quelques coups de slide d’Eric Clapton. West, Bruce & Laing raniment cela avec « Turn Me Over », qui raccroche le trio dans le pur blues irrévérencieux. Et puis il y a « Love Is Worth The Blues » inspiré de « Play With Fire » des Rolling Stones, mais considérablement alourdi et violenté. On est littéralement dans le doom-metal et le stoner-metal en gestation. Et puis il y a des bulles de création fantastique comme « Pollution Woman » où tout se croise : le lyrisme mélodique et jazz de Bruce, la guitare heavy-blues de West, la batterie puissante de Laing. C’est sans doute l’une des plus belles réussites du trio.

L’album Why Dontcha accroche la 26ème place et fait donc mieux que le dernier album de Mountain. Il est produit par Andy Johns, comme le suivant : Whatever Turns You On qui va sortir en juillet 1973. West, Bruce & Laing tourne énormément en 1972 et sur la première moitié de 1973. Les musiciens ont tous leurs addictions : alcool en général, cocaïne aux USA, héroïne en Grande-Bretagne. La came est cachée dans les caisses métalliques de Corky Laing qui empêchent tout bon fonctionnement des appareils de détection de la douane.

Au milieu de cette tornade d’alcool et de stupéfiants, West, Bruce & Laing décide de faire une pause dans les concerts au printemps 1973, et tente d’assembler un nouvel album. Ce sera le disque Whatever Turns You On publié en juin. Il va connaître une très mauvaise phase de promotion. S’éloignant du son Mountain comme de Cream ou Jack Bruce en studio, il fait toutefois mieux la synthèse des talents de ses compositeurs. Mais il surprend et déroute. Le talent est toujours là, notamment sur « Backfire », « Token », « Dirty Shoes », ou le poétique « Like A Plate » qui bénéficie de la patte jazz fusion magique de Jack Bruce. Par ailleurs, la pochette est signée Joe Petagno, l’auteur futur de toutes celles à venir pour Motörhead. Mais il n’est toujours pas reçu comme la conclusion du fantasme de la fusion entre Mountain et Cream. Le groupe ne proposera pas systématiquement du Cream heavy-blues, tout simplement parce que les musiciens ont d’autres idées pour cette union. Whatever Turns You On atteint une maigre 87ème place dans le Top 200 US. West, Bruce & Laing n’existe de toute façon plus depuis juin 1973, et ce second album n’a que peu d’écho après la séparation du trio.

Cependant, l’exploitation du trio ne se termine pas encore. Avec l’aide d’enregistrements de concerts datant de la tournée glorieuse de 1972, Windfall assemble un disque live simple nommé Live’N’Kickin’ qui sort en avril 1974. Il dévoile toute l’audace musicale du trio, qui est capable d’improviser et d’aller chercher l’inspiration en permanence. On est presque dans le jazz-rock, avec ces improvisations géniales, sa technique éblouissante, et son attitude heavy jamais très loin. « Play With Fire » permet au trio de développer une interaction incroyable entre musiciens. « The Doctor » restitue la férocité de West, Bruce & Laing lorsque l’ensemble se met à charger ; « Politician » de revenir au son blues d’origine. « Powerhouse Sod » est une exploration géniale basée sur le jeu de basse de Jack Bruce. On est entre le jazz fusion et le heavy-blues. Ces improvisations sont fondamentales, car elles montrent combien on peut s’élever et se perdre avec bonheur dans la musique. Le solo de basse de Jack Bruce est absolument époustouflant de brio et d’invention, faisant du simple trio heavy West, Bruce & Laing un groupe qui continue d’explorer le blues.

West, Bruce & Laing a pris fin suite à l’épuisement physique et moral de Jack Bruce, noyé dans l’alcool et l’héroïne. Il ne voit plus sa famille, et souffre physiquement du volume sonore terrifiant du trio sur scène. West et Laing poursuivent ensemble et assemblent le Leslie West’s Wild West Show avec le chanteur de Detroit Mitch Ryder pour tourner durant l’été 1973. Le duo désire refaire des choses à leur rythme, et si possible sur un autre label. Felix Pappalardi, requinqué après deux années de pause, veut retrouver le frisson de la scène. Il a évidemment suivi la déconfiture de West, Bruce & Laing, et fait aussitôt appel à Leslie West. Il souhaite reformer Mountain pour une série de concerts au Japon. Le guitariste est emballé par l’idée. Jouer au Japon, c’est une sorte de consécration pour les plus grands groupes du monde. Led Zeppelin y a joué en 1972, tout comme Deep Purple qui en a même réalisé un double live mythique : Made In Japan.

Pour ce qui concerne Corky Laing, Pappalardi a été plus évasif. Un contentieux d’impayés de droits d’auteur restent en suspens entre eux, et il ne sera pas réglé avant le départ au Japon. West met un peu la pression, car il considère Laing comme l’un des membres essentiels de Mountain. Mais la date approche et le désir de jouer au Japon est trop fort. Le batteur Allen Schwartzberg et le guitariste-claviériste Bob Mann accompagneront donc West et Pappalardi. Le set du 30 août 1973 au Koseinenkin Hall d’Osaka est enregistré par une équipe sur place menée par l’ingénieur du son Tomoo Suzuki. Les japonais sont de loin les meilleurs en termes de matériel électronique et de prise de son. Leslie West n’a pas été mis au courant de l’enregistrement et de la publication de ce double live à venir, mais sans s’en rendre compte, il vient de resigner chez Windfall.

Twin Peaks sort le 23 février 1974 dans une belle pochette ouvrante toujours signée Gail Collins. Si Mountain avait déjà publié des enregistrements live par le passé, il ne s’agissait que de bribes de différents concerts. Twin Peaks offre un vrai live complet d’un groupe qui plus est en grande forme et parfaitement capté. Mountain offre par ailleurs sur ce double album une version dantesque de trente et une minutes passionnantes de « Nantucket Sleighride ». Malgré sa qualité, il ne fait pas mieux que 142ème dans les ventes américaines. Le marché américain a évolué, et la musique de Mountain semble attachée à ce virage des décennies 1960-1970. Le groupe continue à exploiter un répertoire datant de la période 1970-1972 lors que Black Sabbath, Led Zeppelin ou Deep Purple ont grandement fait évoluer leurs musiques, notamment avec des arrangements plus progressifs et des claviers plus variés.

Il faut donc enregistrer un nouvel album et apporter de la nouveauté musicale, moderniser Mountain. Mais West est inflexible : le vrai batteur de Mountain est Corky Laing, point. Pappalardi finit par régler ce qu’il doit à Laing, et ce dernier revient. Afin d’étoffer le son, un guitariste rythmique est recruté. Il s’agit de David Perry, un musicien afro-américain également percussionniste et claviériste. On ne change pas une équipe qui, à défaut de gagner, fonctionne. Felix Pappalardi se charge de la production en compagnie de son fidèle ingénieur du son Bob D’Orleans que l’on retrouve sur tous les albums de Mountain. Mais pour la reprise de « Satisfaction » des Rolling Stones, West a voulu avoir son mot à dire sur ce sujet. Gail Collins signe encore une magnifique pochette avec en médaillon Pappalardi et West en action sur scène. Le verso de la pochette montre la formation dans son ensemble en concert avec Perry et Laing. Capté en deux petits mois, Avalanche sort en juillet 1974, c’est un disque fantastique, largement sous-estimé, car publié par un groupe qui n’a alors plus la cote.

Pappalardi a réussi un exploit fabuleux : donner un son moderne à Mountain sans dénaturer sa sonorité. Et on n’est pas loin de ce que produira un Ted Templeman avec Van Halen quatre ans plus tard. Tout sonne puissant, comme une sorte de mur du son. Cela n’exclut pas la poésie, qui reste une constante dans la musique de Mountain. Elle se retrouve notamment dans les chansons plus mélodiques et arrangées du duo Pappalardi/Collins comme « Sister Justice ».

Le groupe trouve un vrai équilibre entre mélodie et gros son heavy-blues modernisé. Comme Black Sabbath, Mountain décide d’apporter des petites parenthèses acoustiques. West signe « Alisan », et le trio West/Pappalardi/Collins signe la très bonne chanson folk-blues « I Love To See You Fly ». Mais ce qui fait tout le coeur de cet album, ce sont les uppercuts heavy. La reprise de Jerry Lee Lewis « Whole Lotta Shakin’ Goin’ On » est envoyée dans la stratosphère. Perry assure un magnifique travail d’enluminures autour des riffs et des solos de West, le titre se termine dans une maestria de heavy-blues acide. Le son de la basse de Pappalardi tabasse dans le fond du mix. Le son de la guitare de West est un peu plus coupant, le guitariste ayant opté pour une Gibson Flying V bricolée par ses soins. La reprise de « (I Can’t Get No) Satisfaction » des Rolling Stones est une sorte de réponse heavy-blues à Black Sabbath. « You Better Believe It » va devenir un classique instantané en concert, ivre de puissance, anticipant même le meilleur de Thin Lizzy et UFO.

Avalanche est un nouveau chef d’oeuvre novateur du groupe. C’est une vraie relecture du son de Mountain, une version nouvelle de celui de « Mississippi Queen ». « Back Where I Belong » est une merveille à la slide, qui sonne déjà très sudiste. D’ailleurs, Lynyrd Skynyrd invitera Leslie West à venir jouer avec eux. L’album se termine sur le paisible et blues « Last Of The Sunshine Days », à la teinte jazz New-Orleans. Quand on sait qu’il s’agit de leur dernier album avant longtemps, le titre est touchant, et constitue un adieu parfait à Felix Pappalardi.

Car après une tournée américaine sans David Perry, Mountain se sépare fin 1974. West sort un premier album solo, The Great Fatsby, avec une apparition de Mick Jagger à la guitare, en 1975. Puis il fonde le plus solide Leslie West Band avec Corky Laing la même année, avec à la clé un très bon album en novembre 1975, avec Mick Jones, ancien Johnny Hallyday et futur Foreigner à la seconde guitare. Et puis, Leslie West disparaît des magazines musicaux, n’apparaissant que pour quelques concerts avec Corky Laing dans une énième tentative de créer un groupe nouveau mais dont les sets reposent essentiellement sur le répertoire de Mountain. Felix Pappalardi ne fait pas mieux, et en 1981, les deux hommes se rapprochent en vue d’une reformation de Mountain. Le trio n’est pas au mieux de sa forme, West ayant toujours des gros problèmes avec l’alcool et la cocaïne, et Pappalardi avec l’héroïne. Mais la formation se relance dans de petits concerts, exactement comme Blue Cheer à la même époque. Mais le 17 avril 1983, Gail Collins abat d’une balle de fusil Felix Pappalardi après une énième infidélité. Mountain va continuer, avec un nouvel album et le bassiste Mark Clarke de Colosseum et Tempest. Go For Your Life en 1985 permettra à Mountain de jouer en première partie de Deep Purple reformé, mais le disque n’a plus la magie des albums précédents, comme les suivants par ailleurs. La mort de Felix Pappalardi aura brisé l’alchimie tumultueuse de Mountain.

Mais alors, d’où vient ce Live In The 70s publié en 2021 ? Mountain a enregistré quantité de bandes lives, dont plusieurs sortiront dans une série de bootlegs officiels de toutes les époques jusqu’à la mort tragique de Leslie West le 23 décembre 2020. Le label Voiceprint a eu l’excellente idée de réunir deux des meilleurs enregistrements live de Mountain : ceux du Nouvel An 1971 et du Capitol Theatre en décembre 1974, juste avant la séparation.

Le coeur de l’album est constitué de cette première prestation en deux parties (une en soirée du 31 décembre 1970, la seconde aux petites heures du 1^er janvier 1971) qui est une quintessence du son et de la musique de Mountain. A l’époque, cet album aurait largement fait concurrence au Band Of Gypsys de Jimi Hendrix ou au Rockin’ The Fillmore d’Humble Pie. Il ne voit le jour qu’en 2021, encore une preuve que Mountain ne fut pas toujours très bien géré, et que de nombreuses opportunités ont été perdues. Ce live est des plus importants, car il fut souvent édité en deux concerts séparés, alors qu’il n’est qu’une seule prestation avec un entracte.

Mountain attaque avec « Never In My Life », un heavy-blues métallique de première qualité issu de Climbing !. Le son est dense, massif. Au centre du spectre, on entend le duo guitare-basse, en bas, il y a la batterie puissante et moite de Corky Laing, et au-dessus les enluminures d’orgue de Steve Knight. Tout l’horizon sonore est parfaitement occupé, et fait de cet enregistrement une explosion sonore à la fois doom-heavy et psychédélique. La version de « Don’t Look Around » est la meilleure jamais enregistrée, tout comme celle de « Mississippi Queen ». Pour rajouter de la matière au répertoire, Leslie West réutilise plusieurs morceaux de son premier album solo qui a fondé Mountain. Ils sont l’un des meilleurs combustibles de cet album live, car ils seront peu joués pour certains, et sont délivrés ici dans des versions fantastiques. « Baby I’m Down » est littéralement doté de la magie sonore de Mountain, avec l’orgue de Knight et la batterie féroce de Laing. West n’a qu’à broder avec ses riffs et ses chorus, soutenu par un Felix Pappalardi impitoyable. « Long Red » est aussi une résurrection de ce premier disque, avec sa superbe mélodie en forme de marche irlandaise.

« Silver Paper » s’envole sur presque dix minutes. Ce morceau épique fut l’un des rares compositions d’ensemble du groupe, d’où sans doute la très grande implication des quatre musiciens. Après une introduction toute en retenue, le morceau explose de fureur épique et heavy-blues. Le morceau est à ce moment-là un chef d’oeuvre absolu, source inépuisable pour des milliers de groupes de stoner et de doom à travers la planète. « Nantucket Sleighride » et « Theme For An Imaginary Western » signé Jack Bruce sont merveilleusement retranscrites. « Travelin’ In The Dark » est magnifiquement interprété. Nous sommes alors dans le Mountain élaboré. La prise de son est superbe, et l’interprétation live donne de la puissance à ce titre.

« Blood Of The Sun » vient remettre au centre du son Leslie West et Corky Laing. La musique se fait lave sonore, que seul l’orgue de Knight tente d’atténuer. Felix Pappalardi développera tout son jeu féroce sur sa Gibson EB1, une concurrente heavy de la Hofner, la fameuse basse violon de Paul MacCartney. C’est un instrument féroce, puissant et saturé, qui ne laisse rien passer. Il vaut mieux jouer heavy pour ne pas se laisser dépasser par cet instrument brutal à l’apparence si mélodieuse et délicate. Le disque se poursuit et se termine sur une version dantesque de « Dreams Of Milk And Honey ». Le riff assassin d’origine est sur-amplifié, et la musique ne cesse de conserver son aspect à la fois dangereux et enchanté.

Le troisième disque propose un live impeccable de la fin de l’année 1974. Le groupe y joue d’ailleurs rapidement « Jingle Bells », preuve que nous approchons les fêtes de Noël. Le set n’est malheureusement pas complet, mais suffisamment long pour apprécier la performance redoutable d’un Mountain désormais réduit au trio West-Pappalardi-Laing. Le groupe est encore impitoyable sur scène, largement au niveau d’un Black Sabbath, avec cette patte blues en plus. Bien sûr, le répertoire commence à tourner en rond, le groupe ne jouant que peu ses dernières chansons. « Better Believe It » faisait l’ouverture, mais ce qui est proposé ici est essentiellement concentré sur les deux premiers albums et des reprises de rock’n’roll comme « Roll Over Beethoven » de Chuck Berry et « Whole Lotta Shakin’ Going On » de Jerry Lee Lewis. Comment un excellent groupe mais sans nouveau répertoire régulier peut-il se départir de son passé ?

Mountain restera pour toujours ce pionnier électrique fabuleux qui va continuer de fasciner tous les amateurs de guitare lourdes, teintées d’acide et de blues, jusqu’à Eddie Van Halen qui prendra des cours avec Leslie West. Ce triple album est une parfaite introduction à la dimension réelle de Mountain, et il permet de comprendre pourquoi cette formation américaine à la courte carrière continue de fasciner tout le stoner et le doom-metal.

WITCHCRAFT - Idag

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Mon, 02 Jun 2025 16:00:00 +0000

Witchcraft est de retour avec un septième album, le premier depuis cinq ans. Le groupe n’attire désormais qu’une curiosité convenue après l’honnête Nucleus en 2016 et le très acoustique Black Metal en 2020. Pour ceux qui ont découvert le groupe suédois à-minima avec Legend en 2012, ils vont de déception en déception. Mais avec Idag, mêmes les fans historiques vont tendre une oreille plus qu’attentive.

Witchcraft est déjà une sorte d’institution, ses débuts remontant à l’album Witchcraft en 2004 que j’avais acheté pour sa pochette magnifique et occulte, mais aussi pour son label de sortie : Rise Above, celui de Lee Dorrian de Cathedral. Durant trois albums, Witchcraft va produire trois albums d’une qualité exemplaire, mêlant Black Sabbath et Pentagram des années 1970, et associant une atmosphère occulte magnétique venant autant de la contre-culture britannique (les films de la Hammer, les livres de Dennis Wheatley), que des origines nordiques du groupe, suédoises pour être précis. Cet univers très particulier rend Witchcraft, Firewood et The Alchemist fascinants. Mais ce que l’on savait moins, c’est que Witchcraft était avant tout son leader, principal compositeur, guitariste et chanteur : Magnus Pelander.

Il va saborder ce Witchcraft mythique, et accepter l’offre de Nuclear Blast pour l’album Legend en 2012, cinq ans après The Alchemist. Une grande tristesse va s’emparer des fans dont je fus, voyant se perdre l’un des plus formidables héritiers sonores du Pentagram des années 1971-1976, et du Black Sabbath des quatre premiers disques.

Legend fut loin d’être une déception. Il était et reste excellent. Mais il sonne indubitablement plus heavy et doom, d’une manière plus moderne. La qualité de l’écriture va demeurer, et ce sera le fil conducteur de l’oeuvre de la désormais entité Witchcraft qui se résume à Magnus Pelander. Legend laissait entrevoir une musique nouvelle, toujours dotée de cette âme doom occulte magnétique. Nucleus poursuit pour partie ce voyage, mais la flamme vacille quelque peu. Black Metal surgit en plein premier confinement COVID. Enregistré totalement en solo, Magnus Pelander capte une série de chansons avec sa seule guitare acoustique, prenant quelque part un contre-point à l’esprit du black-metal nordique, tout en maintenant cet esprit d’ermite.

Malgré une démarche artistique qui ne peut qu’être considérée que comme honnête, Magnus Pelander a perdu son public. On peut comprendre sa volonté de ne pas se retrouver enfermer dans un registre, ou coincé par des musiciens qui finissent par lui imposer ce qui doit sonner comme Witchcraft ou non. Mais force est de constater que le guitariste-chanteur a perdu du monde en route. Si seulement il avait poursuivi à publier des disques électriques, tout en osant des choses plus radicales à côté, comme un Reverend Bizarre, sa démarche aurait été mieux accueillie. Mais là, elle fut pour le moins radicale, comme une sorte de suicide artistique.

Il a fallu cinq longues années pour que Witchcraft fasse son retour discographique, et de la plus belle des manières. Le délai fut long, mais si on écarte la période COVID qui va s’éterniser jusqu’en 2022, on peut dire que Pelander a repris sa route artistique il n’y a pas si longtemps. Elle est heavy-psychédélique et doom, mais elle l’est avec une approche nouvelle.

Le guitariste-chanteur n’a en effet pas voulu refaire du « vieux » Witchcraft pour faire plaisir à ses fans et se refaire une santé financière. Si dès « Idag », on retrouve cette science du riff heavy acide et doomy qui fit l’alchimie magique des premiers albums du groupe, Magnus Pelander a fait le choix d’y injecter une nouvelle dimension. Et celle-ci est à nouveau un marqueur culturel fort de la part du musicien suédois.

La première face de l’album est composé de morceaux uniquement chantés en suédois. On pourrait y voir tantôt une approche un peu folk, ou alors une autre carrément réactionnaire dans l’esprit revêche du black-metal. Il n’en est rien ni de l’un, ni de l’autre. Magnus Pelander est allé s’abreuver de la source généreuse du heavy-rock psychédélique nordique. Le Danemark, la Suède, la Norvège et les Pays-Bas vont proposer dès le milieu des années 1960 des groupes authentiquement originaux, certes imbibés de culture rock anglo-saxonne, mais qu’ils vont rapidement tordre à leur avantage. Alors que l’on plane sur « Lucy In The Sky With Diamonds » des Beatles en Grande-Bretagne en 1967, au même moment les Who, Jimi Hendrix, Cream et Blue Cheer font des dégâts irréversibles chez les amateurs de décibels. Golden Earring, Baby Grandmothers, Moses, Culpeper’s Orchard, ou The Young Flowers dévoilent leurs musiques psychédéliques plus ou moins heavy, mais surtout de plus en plus souvent chantées dans leur langue maternelle. Et le danois ou le suédois ne sonnent finalement pas si différemment comparés à l’anglais.

Ce que Magnus Pelander entreprend avec « Idag », « Drömmar Av Is », « Drömmen Om Död Och Förruttnelse », « Om Du Vill » et « Glantan » et une suite créative croisant ses propres influences doom et ce son très caractéristique de la scène heavy-psychédélique nord-européenne. « Idag » est indiscutablement le coeur de cette suite audacieuse, avec son riff lourd et bavant d’acidité. Avec cette logique, Magnus Pelander retrouve là encore l’esprit black-metal, Darkthrone ou Bathory interpréteront ainsi des morceaux respectivement en norvégien et en suédois sur plusieurs de leurs albums. Sur cette première face, Pelander développe son esprit progressif, avec cette succession de morceaux à l’identité sonore très marquée qui suivent « Idag ».

« Burning Cross » semble débuter un tout autre univers. Il réveille l’esprit doom occulte psychédélique qui a fait le son de Witchcraft. « Irreligious Flamboyant Flame », « Christmas » et « Spirit » continuent cet esprit mystique. La thématique est la religion chrétienne, mais qui est la grande confrontation culturelle avec le polythéisme nordique et ses traditions païennes, évoquées sur la première face.

Ainsi, Magnus Pelander vient de produire un disque puissant et inspiré, dont la lecture profonde brasse ce duellisme entre paganisme nordique et religion chrétienne, qui va être aussi un sujet majeur pour le black-metal, à commencer par l’immense et suédois Bathory. Magnus Pelander continue de déstabiliser son public en jouant du folk acoustique hanté sur « Christmas ». Son horizon est désormais plus vaste, et cet alliage de musique folk acoustique sensible et d’électricité goudronneuse vient de trouver sa meilleure fusion. « Spirit » en est la plus belle des démonstrations. Pelander sait encore manier le riff.

L’album a été capté essentiellement en trio : Pelander au chant et à la guitare, Philip Pilossian à la basse, et Pär Hjulström à la batterie. Björn Ekholm Eriksson viendra apporter son synthétiseur uniquement sur le fabuleux « Inag ». Il regorge de ces multiples influences, et de cette volonté de développer un nouveau chemin musical qui réconcilie à l’instinct le son doom millésimé des débuts et les audacieuses tentatives artistiques suivantes.

WITCHCRAFT - Idag de WITCHCRAFT

MARGARITA WITCH CULT - Strung Out In Hell

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Thu, 22 May 2025 20:06:00 +0000

Birmingham est décidément une drôle de ville. C’est la cité historique du heavy-metal, là où sont nées deux formations de légende : Black Sabbath et Judas Priest. Ce que l’on sait un peu moins, c’est que le Black Country, le Nord industriel de l’Angleterre, a engendré d’innombrables groupes de heavy-metal de légende par la suite : Motörhead (Lemmy Kilmister est de Stoke-On-Trent), Diamond Head, Raven, Tygers Of Pan Tang, Venom, Def Leppard, Witchfynde, Witchfinder General sont tous de cette région dont Birmingham est le centre névralgique. Cela peut sembler étonnant, mais le heavy-metal est avant tout une musique de prolétaires, qui permet de se défouler après une semaine à l’usine. Ce sera aussi une musique haïe par la presse musicale, dont les auteurs sont largement issus de la classe moyenne, et tous en études supérieures. KK Downing de Judas Priest expliquait qu’inconsciemment, le groupe reproduisait en musique le battement des presses hydrauliques qui emboutissaient les tôles à longueur de journée. Et leur album British Steel se nommera ainsi en hommage à la compagnie nationale britannique de sidérurgie basée à Birmingham, et qui sera privatisée par Margaret Thatcher en 1980 après de violents conflits sociaux à la fin des années 1970.

De tout ce passé ouvrier, il ne reste plus grand-chose. Comme la France, la Grande-Bretagne est largement désindustrialisée. Nos élites de génie ont cru que le concept d’entreprises sans usines, où l’on fait tout fabriquer dans des pays à bas coût, et notamment la Chine, permettrait d’éliminer la pollution et le prolétariat. Ils ont eu raison sur ce point, par contre, ils ont oublié que les chinois produisent en échange des savoirs-faire que les occidentaux vont leur donner, aveuglés par le gain. Désormais, ils n’ont plus besoin de nous, car ils n’avaient curieusement pas envie de rester de petits ouvriers dociles à la merci de l’Occident et envisageaient aussi d’accéder au statut de classe moyenne.

Birmingham est aujourd’hui un étrange mélange sociologique où les populations blanches sont ravagées par le chômage, et où l’emploi, essentiellement basée sur des activités de commerce et de services informatiques, est dominé par des immigrés d’origine pakistanaise ou indienne fortement diplômés. Les industries de la sidérurgie, de l’automobile et du charbon sont désormais devenus des souvenirs, avec leurs musées. C’est un monde révolu, lointain, qui permit pourtant à la ville d’avoir son identité, et même sa propre musique rock. Birmingham, comme le reste du Nord de l’Angleterre, est aujourd’hui considérée comme une vitrine à cas sociaux, tributaires des aides sociales pour survivre. Ils étaient des ploucs, des brummies comme on les appelait à l’époque, ils sont aujourd’hui des pestiférés et des assistés.

C’est dans cette ambiance étrange qu’a vu le jour Margarita Witch Cult au début de l’année 2022. On ne sait pas grand-chose du groupe en lui-même. Mais il va rapidement se faire remarquer au Desert Fest de Londres pour sa pratique du doom-metal sabbathien particulièrement savoureuse. Margarita Witch Cult de 2023, leur premier album, a été amoureusement chroniqué dans ces pages en son temps. Il lui manquait cependant un petit quelque chose pour rendre le groupe vraiment génial malgré une formule mille fois empruntée. Il semble que l’heure soit venue pour Margarita Witch Cult d’atteindre son plein potentiel créatif avec son second album : Strung Out In Hell.

Le groupe a conservé la même configuration : Scott Abbott (ex-Vincent comme il se faisait appeler au début) à la guitare et au chant, George Casual à la batterie, et Jim Thing à la basse. Le groupe propose un doom-metal qui va autant piocher dans l’univers d’un Witchfinder General, que celui du Black Sabbath des débuts et de Uncle Acid And The Deabeats. Il y a une petite patine vintage dans leur son qui n’a rien de snob. Il s’agit seulement de retrouver le son magique des grands anciens. Ce second album propose de nombreuses surprises qui voit Margarita Witch Cult s’ouvrir des portes très intéressantes.

« Crawl Home To Your Coffin » propose justement cette parfaite mixture entre Witchfinder General et Uncle Acid. La première partie de l’album est de cet excellent bois. « Scream Bloody Murder » brutalise l’auditeur avec un groove lourd redoutable. « Conqueror Worm » dévoile sa lourdeur implacable, entre Black Sabbath, Witchfinder General, et une petite pointe de psychédélisme noir à la Black Widow. « Witches Candle » est un uppercut de doom-metal féroce, comme si Uncle Acid reprenait du Candlemass. « White Wedding », une reprise de Billy Idol, fait revivre avec génie le « brown sound » du Black Sabbath du Vol.4 de 1972, avec une petite touche psychédélique sur le chant. Le riff est absolument enivrant, avec cette saturation magique qui vous transporte littéralement, comme sait si bien le faire le bon doom-metal.

Avec « Mars Rover » commence une facette plus expérimentale du doom de Margarita Witch Cult. Ce morceau propose un croisement entre le space-rock d’Hawkwind et le boogie doom à la Witchcraft des premiers disques. « Dig You Way Out » est le titre le plus discutable de l’album. Loin d’être mauvais, il propose un riff intéressant, mais il est surmonté par un chant hurlé et saturé inspiré du metal punk bas gamme. « The Fool » est bien plus intéressant, proposant des arrangements discrets mais audibles de cuivres dans l’esprit de « Evil Woman (Don’t Play Your Game With Me) » de Black Sabbath. Le riff est redoutable, la guitare est féroce, et le jazz à la limite du free flirte avec elle sur le solo. Pour ceux que cela intéresse, le guitariste prodige du groupe Colosseum, un des grands pionniers du jazz-rock anglais, était de Birmingham : Dave « Clem » Clempson. Son premier trio de blues-jazz, Bakerloo, fut managé par Jim Simpson, qui s’occupait également d’un certain Black Sabbath en 1969-1971.

« Who Put Bella In The Wych Elm » s’impose comme le grand final de cet album plutôt court, avec trente-sept minutes au compteur, à peine six minutes de plus que son prédécesseur. Il frise les sept minutes, mais surtout il transpire du son et de l’esprit d’Electric Wizard sur ses quatre premiers albums. On y retrouve une voix saturée et hurlante, comme possédée, des riffs pachydermiques et hallucinés, et une rythmique obsédante au groove intrigant.

Margarita Witch Cult a réussi deux grands objectifs avec ce nouvel album. Il confirme son talent indiscutable de doomer de qualité, et sa capacité à explorer d’autres horizons tout en restant lui-même. Sa rigueur sonore et artistique reste irréprochable. Le trio ne s’enferme pas dans un seul type de doom, et ne s’interdit rien dans que le riff reste massif et sabbathien. Il faudra attendre désormais un long mois pour pouvoir se procurer cette merveille.

MESSA - The Spin

noreply@blogger.com (Kevin) — Thu, 15 May 2025 08:50:00 +0000

Messa. Ce groupe me rappelle les commentaires de mes amis du blog à l'été 2018 qui vantaient les qualités du premier album doom des italiens. Pourtant même après plusieurs écoutes je n'étais jamais parvenu à rentrer dedans. Il m’a fallu plusieurs années et une curiosité grandissante pour me mettre à écouter la bande à Sara surtout au vu de la qualité des singles sortis pour 'The Spin'. C’est donc avec une certaine excitation que je lance le disque.

Void Meridian montre dès les premières notes le virage 80’s que le groupe a pris. Mais ce n’est pas un hommage, le groupe incorpore parfaitement ces éléments dans son soft doom. C’est même plus gothique, la guitare de Marco lance un solo épique tel MacIntosh de Paradise Lost.

At Races est le titre qui m’a décidé d'écrire cette chronique. Ce groove mélangé à cette douce mélancolie clamée par Sara c’est du bonbon pour les oreilles. Quelle belle basse ! Le bridge calme, gris et doux amer est simplement magique ! Et la conclusion l’est tout autant. Probablement mon morceau prefere de 2025.

La température redescend. On reste toujours dans cette ambiance 80’s mais Fire On The Roof est un peu plus conventionnel. Pas mauvais pour autant.

Immolation poursuit dans le même style avec un piano délicat soulignant le chant cristallin de Sara pour une envolée toute en émotion.

On part maintenant sur le deuxième morceau clé de 'The Spin' avec The Dress. On prend la même recette et on recommence, une intro lyrique et fragile puis une explosion comme on les aime pour le refrain. Le petit plus qui fait plaisir sur cette piste est le solo de trompette qui renforce encore une fois ce sentiment de mélancolie.

Reveal est probablement le titre le plus faible de l’album et cela malgré son intro bluegrass du plus bel effet.

Heureusement on finit sur Thicker Blood. Un titre très gothique et intense. Probablement un des gros points forts de cet album.

Bref 'The Spin' m’a fait changer d’opinion sur le groupe. Les éléments 80’s sont très bien incorporés à leur musique, j’aime tellement les nuances de gris de cet album qu’il est pas loin du top de ma liste pour cette année.

Si vous ne l'avez pas encore fait, jetez vous dessus c’est du très bon.

TYRANONAUT - Marble Eye / Interview

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Sat, 03 May 2025 17:53:00 +0000

Si cette époque a un vrai avantage, c’est de rendre accessible la musique de groupes complètement underground aux amateurs du monde entier. Si le charme de la lettre et de la cassette audio envoyées par courrier a disparu, on peut désormais écouter, acheter de la musique sur Bandcamp, et contacter les musiciens par les réseaux sociaux.

Ces derniers sont un vrai cloaque pour l’essentiel, où l’idiot et le troll passent leur temps à s’insulter avec une pauvreté intellectuelle de plus en plus consternante. Mais pour qui sait s’en servir, on y découvre des choses, on y échange des infos, de la musique, des photos, des anecdotes. C’est sur une page de fans de Witchfinder General, institution anglaise du doom-metal entre 1978 et 1984, que j’ai fait la découverte d’Alex Greywitt. Le jeune américain a fait l’acquisition des amplificateurs Laney et de la pédale fuzz historique de Phil Cope, le guitariste de Witchfinder General. Après quelques réglages et essais, il a mis en ligne un medley de riffs doom de Black Sabbath, Pentagram, Witchfinder General… pour montrer qu’il touchait du doigt LE son magique du doom-metal emblématique. Signes importants : il utilise une Gibson SG et il est gaucher.

Voir un jeune musicien récupérer le matériel d’un musicien historique, et de poursuivre son œuvre dans son propre groupe, Tyranonaut, m’a fait très plaisir. Pour une fois que des instruments ou des accessoires mythiques de l’histoire du rock et du heavy-metal ne finissent pas derrière une vitrine ou dans les mains d’un collectionneur ou d’un musicien millionnaire, mais qu’ils retrouvent leur fonction entre de nouvelles main, voilà qui est réjouissant.

Alex Greywitt : Je n'ai entendu parler de Witchfinder General qu'à l'université de Buffalo, vers vingt ans. Beaucoup vantent Pentagram, Trouble, Saint Vitus, Candlemass… et à juste titre, mais Phil est, à mon avis, le seul à pouvoir rivaliser avec Iommi à son apogée. Je le considère comme le héros méconnu par excellence de la guitare heavy-rock. Phil est trop humble pour en dire autant. Je suis en contact quasi-régulier avec Phil depuis 2017. Il hausserait probablement les épaules, mais sa musique et ses encouragements ont guidé le développement du groupe depuis notre toute première démo. On m'a signalé qu'il n'avait plus besoin de son vieux matériel, resté inutilisé pendant des décennies. J'ai acheté deux de ses enceintes Laney Klipp originales à un intermédiaire nommé Jono Kirk chez Music Locker au Royaume-Uni lorsqu'il les a mises en vente. Quant à la pédale Park Fuzz, extrêmement rare, je l'ai achetée directement à Phil. C'est un sentiment surréaliste de recevoir le matériel de son guitariste préféré. Je n'aurais jamais pu imaginer… Je ne laisserai jamais sa musique et son héritage disparaître. Ses albums et ses paroles ont tant compté pour moi.

À ce jour, la plupart de ses affaires ont été vendues : ses vieux vêtements de scène, ses guitares, ses baffles, sa pédale. Il veut qu'une nouvelle génération puisse en profiter. Je peux vous promettre qu'ils seront utilisés sur notre prochain album, Reconversion. En guise de petite surprise, je possède aussi l'ampli Sunn Enforcer de Terry Weston, utilisé sur l'album Journey Into Mystery de Dream Death et sur tous les albums de Penance. Ce sont tous des gens bien.

En cherchant un peu plus sur ce jeune personnage, je découvre qu’il a particulièrement bon goût. Il est donc fan absolu de Witchfinder General, de Black Sabbath, mais aussi de Sensational Alex Harvey Band et du black-metal pionnier de Bathory, entre mille références érudites. Je pars à la recherche de son groupe, et je découvre Tyranonaut. C’est un duo composé de deux frères : Alex Greywitt à la guitare, à la basse, au chant, et Nick Greywitt à la batterie. Ils sont de Rochester, dans l’État de New York, une ville au bord du Lac Ontario, qui sert de frontière avec le Canada. Toronto est en face de Rochester, sur la berge opposée. Pour les Etats-Unis, c’est une petite ville d’à peine plus de deux cent mille âmes. La ville a fortement déclinée depuis l’effondrement de Kodak, dont Rochester était le siège social. Elle a perdu un tiers de sa population depuis les années 1960, entourée par Detroit, Toronto, Cleveland, Boston et New York. Les frères Greywitt ont grandi dans une famille unie, et sont plutôt des amateurs de nature et de grands espaces de grands centres urbains à perte de vue. Ils sont donc semble-t-il à leur place, cachant derrière leur aspect de bons garçons deux sorciers du heavy-metal.

A.G.: Bien que Nick et moi ayons toujours vécu à Rochester, je ne dirais pas que la ville nous influence particulièrement musicalement. Notre père est originaire de Cleveland, une ville qui a eu une influence bien plus grande sur nous grâce aux groupes qu'il a écoutés en grandissant et qui étaient même originaires de la région. The Dead Boys, The Pagans, Devo, Lucky Pierre, The Adults et The Monitors, pour n'en citer que quelques-uns. Leur style est très Do It Yourself. Il est également primordial de préciser que Cleveland a été l'une des seules villes américaines dans les années 1970 à faire jouer régulièrement le Sensational Alex Harvey Band, qui reste l'une de nos influences les plus marquantes. De nombreux groupes légendaires jouaient au Cleveland Municipal Stadium, comme les Rolling Stones, Ted Nugent et AC/DC, que notre père a vus durant sa jeunesse. Quant au reste du territoire, la région des Finger Lakes et le New York Southern Tier, ils ont eu une influence plus marquée sur nous grâce au bon temps que nous y avons passé.Ce serait cependant négligeant de ma part de ne pas mentionner Steve Peck, un promoteur musical local à Rochester, qui a été le premier à manifester son intérêt et son soutien pour ce que nous faisions début 2017. C'est l'une des rares personnes à Rochester avec qui nous communiquons et partageons nos points de vue musicaux. Je lui adresse tout mon respect.

Nick Greywitt : Rochester est une ville très isolée d'un point de vue musical. La plupart du temps, nous allions voir des concerts ailleurs, car c'est là que les artistes se produisaient. Il y a un petit groupe de mélomanes fidèles à Rochester (Sunday Bill, Steve Peck, Seth Voorhees, The Grimms). Il n'y a pas vraiment de scène musicale à laquelle nous nous sommes attachés. La plupart de notre enfance s'est passée entre Alex et moi, découvrant ce que nous aimions grâce à nos parents et à Internet. En réalité, Alex était la seule personne avec qui j'avais un lien musical (Nda : Alex est né en 1992, Nick en 1996). Mais je partage son avis : notre lignée artistique vient en grande partie de Cleveland. Je me souviens d'écouter les premiers enregistrements live de Lucky Pierre and The Adults, enregistrés par mon père sur des cassettes. Il nous racontait ses concerts. Je rêvais d'y être avec lui. Pour moi, cette scène mythique de Cleveland est bien plus précieuse et inspirante que n'importe quelle autre. Je ne peux que féliciter mes parents pour l'influence qu'ils ont eue sur notre solide fondation musicale.

Tyranonaut a publié deux albums à ce jour, dont l’écoute va se révéler passionnante pour ma part. Tyranonaut sort en janvier 2017. C’est en fait une démo mais réalisée de manière exigeante, car c’est comme cela que le groupe veut être. Dès « Vigil Of The Hordes », on est saisi par un son cru, live et puissant. La première partie de l’album est plutôt orientée black-metal pionnier : Celtic Frost, Bathory, Darkthrone, Poison… C’est ébouriffant de qualité et d’efficacité, comme une sorte de quintessence géniale. « Calling Of The Hermit » fait basculer l’album dans le doom-metal et le heavy-metal 80’s à la Cirith Ungol. Il y a une reprise fabuleuse de « Death Penalty » de Witchfinder General. La maîtrise du riff est splendide, la ligne vocale également, et Nick Greywitt réussit à reconstituer le tempo poisseux du morceau original. « Opulence Caster » est une merveille de doom-metal de neuf minutes, imbibé de Witchfinder General et de Black Sabbath.

A.G.: Cette première démo a été une sacrée aventure. Nick et moi n'avons rejeté aucune idée qui nous était venue à l'esprit pendant la phase de création, et chaque chanson est fidèle à l'ordre dans lequel nous l'avons composée. La guitare et la batterie ont été enregistrées entièrement en live avec un seul micro dans notre studio. Je me souviens que Nick a percé sa peau de caisse claire sur la prise de « Hyperborean Burial ». « Opulence Caster » a été enregistré en une seule prise. Je buvais du jus d'orange entre les prises de chant pour préserver ma gorge. C'était vraiment sympa en vérité. Je suppose que les compositions viennent de nos fortes influences de l'époque : Black Sabbath, Angel Witch, Darkthrone, Celtic Frost, Voivod, Amebix, Sleep, Morbid (Suède), Bathory, Diamond Head, Cathedral, Slaughter (Canada), le premier album d'Immortal, Witchfinder General… Il y a même des accords des débuts de Megadeth sur cet album. Mes solos étaient fortement influencés par Randy Rhoads, Kevin Heybourne et Scott Wino… Je suppose que j'avais quelque chose à prouver. On affiche clairement nos influences et on n'hésite pas à les citer.Il y a du black, du NWOBHM, du doom… C'est en enregistrant « Death Penalty » et « Opulence Caster » que nous avons senti que nous avions trouvé notre rythme et une direction à suivre. Cependant, ces premières compositions sur cet album ne sont pas oubliées… C'est amusant, un fan grec a fait un bootleg de notre démo intitulé Penalty of Death, ce qui était plutôt flatteur.Notre objectif pour cette démo était d’abord de faire de la musique convaincante et ne rejeter aucune idée créative qui nous viendrait, et si nous pouvions à l’occasion ravir une ou deux personnes, nous étions ravis.Nous vivions dans notre petit monde et n'avions pas de public, alors tout était permis. Nous avons envisagé de faire des reprises de Darkthrone, Satan, Amebix ou Witchfynde… mais nous avons finalement opté pour une reprise de Witchfinder General, que nous avons jouée de notre mieux. J'ai envoyé la reprise à Phil Cope et, miraculeusement, il m'a répondu. C'était la première fois que je communiquais avec lui. C’était en janvier 2017. Il a affirmé que c'était la meilleure interprétation de sa musique qu'il ait jamais entendue et il nous a donné son entière bénédiction. C'est ainsi que Nick et moi avons réalisé qu'il fallait continuer. Nous avions créé quelque chose de valable artistiquement, ce qui a mené à l'album Marble Eye. Seulement quarante-neuf copies CD ont été réalisées, et chacune a été testée sur un radiocassette. C'était très primitif et Do It Yourself. Je me souviens qu'il y a eu un débat entre Nick et moi pour savoir si cette sortie devait être considérée comme un album ou une démo. Une maison de disques nous a contactés pour le presser sur vinyle, mais nous avons renoncé. Cela reste une démo.

N.G.: Je me souviens de quelques points clés. Nous prenions toutes les idées qui nous venaient à l'esprit et les mettions sur papier. Nous avons vraiment conçu notre façon d'écrire la musique sur cette première démo et nous la composons toujours de la même manière aujourd'hui. Je me souviens avoir pris ma copie mp3 de « Death Penalty », l'avoir ralentie et avoir écouté les plans encore et encore. Je voulais être sûr que chaque détail du jeu du batteur soit reproduit dans mon jeu. Pour moi, si votre reprise ne cherche pas à ressembler à l'original, c'est que vous la faites mal. La production était super DIY à l'époque. J'avais des cymbales Paiste 2002 cassées et une Tama Silver Star récemment achetée qui sonnait un peu métallique, mais qui faisait l'affaire. La peau de la caisse claire s'est cassée pendant l'enregistrement à cause de la force avec laquelle je l'avais frappée. « Hyperborean Burial » est toujours une anomalie pour moi. J'ai écrit ces paroles et elles me sont toujours très personnelles. J'ai découvert Immortal à l'époque et j'ai été complètement fasciné par leur musique. Les voix murmurées venaient de mon amour pour Morbid, de Suède.

Marble Eye a été finalisé durant la pandémie de COVID et le premier confinement. Tyranonaut a fait macérer toutes sortes d’ingrédients : Witchfinder General, Black Sabbath, Witchfynde, Budgie, Hawkwind, Trouble, Pagan Altar, Satan, Celtic Frost, Candlemass, ou encore Cloven Hoof. La composition et l’enregistrement vont s’étaler entre août 2017 et novembre 2019, et verra finalement le jour en novembre 2020, avec cette fois une édition en vinyle.

Les ambitions de Tyranonaut sont à la fois modestes en termes d’impact, mais fortes en termes de qualité. Le doom-metal et le proto-heavy prennent le dessus, et apportent une plus grande cohérence à la musique de Tyranonaut, même si leurs incursions black-metal étaient excellentes. Le coeur du disque est constitué de deux odyssées sonores majeures : « The Doller House » de presque onze minutes, et « Erskine Hollow » de vingt-six minutes. Tyranonaut explore ses influences, les malaxe, et sculpte une nouvelle matière sonore. Le côté live en studio lié aux moyens financiers limités dont disposent le groupe n’est pas un problème. Cela rend le disque encore plus prenant et mystérieux, avec ce doom formidable venu de nulle part. La connexion qui unit les deux frères est intense, et leur état d’esprit est très proche de celle de Fenriz et Nocturno Culto avec Darkthrone.

A.G.: On nous interroge constamment sur notre « scène » ou sur notre impact. Jouerons-nous un jour en live ? La réponse est idéologique, logistique et émotionnelle. Je ne parlerai pas au nom de Nick, mais j'ai de nombreuses passions, dont la création et les arrangements musicaux. Personnellement, je pense que la musique se savoure mieux sur un disque vinyle. C'est l'état d'esprit ultime que l'on peut ressentir en écoutant un album de Hawkwind, des Stooges, des Beatles, de Toad, de Sodom, de ZZ Top, etc. 98 % de la musique que j'écoute date d'avant ma naissance, et voir des groupes la jouer en live ne m'a jamais procuré une poussée d'endorphine aussi intense que les images mentales et les paysages sonores que je ressens en écoutant un disque.L'autre aspect est la délégation musicale sur scène. Nous consacrons tellement de temps et de réflexion à créer une force si intime entre Nick et moi qu'il n'est pas dans nos plans d'impliquer d'autres personnes dans ce processus, ni de tenter de recréer sur scène un paysage sonore qui nécessiterait quatre ou six autres musiciens – à notre grande déception. Nous nous concentrons sur l'arrangement, l'interprétation et la présentation de notre propre musique, et je pense que cela se reflète dans les albums que nous avons sortis jusqu'à présent. Cela nous permet de ne pas perdre notre temps avec le stress du live ni avec les égos/personnalités des autres. Le groupe, c'est Nick et moi, ça s'arrête là.

Je ne suis pas certain de notre impact local. Cependant, pour un groupe qui n'a jamais tourné, je suis très fier de dire que nous avons auto-financé et produit tout ce que nous avons fait. Nous avons eu la chance d'être mentionnés dans des magazines britanniques (Iron Fist), d'être présents sur le podcast international de Fenriz, d'être distribués par High Roller Records en Allemagne grâce à des accords de gros, et d'avoir des gens comme toi, Buried by Time And Dust Records en Californie, Dystopian Dogs dans le Michigan, Brian Lawrence de Dream Death, Phil Cope de Witchfinder General et bien d'autres qui nous soutiennent dans le monde entier. Même s'il ne reste que moins de quarante exemplaires de Marble Eye sur les deux cent cinquante vinyles originaux, des gens du monde entier – France, Allemagne, États-Unis, Suisse, Norvège, Thaïlande et même Hong Kong, malgré les frais de port exorbitants – ont encore fait l'effort d'acheter notre album, et j'adresse à ces personnes mon plus profond respect. C'est pour des gens comme eux et toi que nous avons créé cette musique. C'est quelque chose dont je suis fier.

N.G.: Alex et moi sommes probablement trop perfectionnistes et fous pour travailler avec quelqu'un d'autre. Nous sommes vraiment impitoyables quant à nos influences et ce serait beaucoup de travail d'entretenir des relations avec n'importe quel autre membre. J'ai un travail à temps plein et d'autres loisirs que j'apprécie. Répéter plusieurs jours par semaine sans arrêt et devoir se soucier de l'ego des autres et des problèmes que ça peut engendrer me paraît épuisant et inutile. En live, le son ne sera jamais aussi bon que les prises que nous avons enregistrées sur disque. De plus, il y aura des gens qui se comporteront comme des idiots et qui ne comprendront pas le but de votre travail. Je préfére que les gens nous cherchent sur Internet et nous écrivent. Je sais que ces personnes se soucient vraiment de ce que nous créons.

Mon concert idéal avec Tyranonaut serait de cloner Alex trois fois et de jouer un concert dans une chapelle isolée. Seuls quelques privilégiés seraient invités et l'atmosphère serait plus celle d'une messe que celle d'un concert. On serait assis sur son banc et on absorberait la musique pour ce qu'elle est. Je pense que nous avons peu, voire pas, d'impact sur notre scène à Rochester. Comme la plupart des groupes qui jouent des styles similaires, notre influence se fait surtout sentir en Europe et auprès de quelques fans aux États-Unis. La plupart du temps, quand on montre ou raconte ce qu'on fait, il n'y a aucune réaction, ou alors essentiellement de l’incompréhension. D'une certaine manière, j'apprécie beaucoup ça. L'isolement nourrit mon ressentiment, et j'écris avec plus de colère et je joue avec plus d'émotion.

A.G.: Marble Eye était le résultat direct et la suite logique de la démo Tyranonaut. L'album nous a pris plus de trois ans et demi du début à la fin, une période très difficile pour nous deux. Nous avons décidé de prendre position : nous voulions un album complet que nous aurions envie d'entendre. Cela n'a pu se faire qu'en combinant des influences évidentes dans les riffs colossaux des années 1970 (Black Sabbath, Nazareth, Budgie, Captain Beyond, etc...), mais aussi en incluant les qualités narratives de groupes comme Sensational Alex Harvey Band, Genesis, John Cale, Jethro Tull et King Crimson. Il devait aussi y avoir la vigueur énergique des classiques de la NWOBHM comme Cloven Hoof, Trespass, Gaskin, Hammerhead, Badge, et les qualités obscures des albums de Poison, Black Hole, des premiers Witchfynde, Necrodeath, Celtic Frost, Pagan Altar et Bauhaus. Les influences semblent restreintes en termes de genres, mais pas en termes de groupes, avec toutes les nuances musicales que cela implique. Marble Eye est sans conteste le summum de notre folie en tant que groupe, peut-être ma folie. Des voix en double ou triple pistes, des solos de production de Randy Rhoads en triple pistes, des mois passés à écrire des paroles en grande partie en solitaire… c’était assurément un travail « wagnérien ». La pochette a été réalisée sur commande par un ermite vivant à Blackpool, en Angleterre, aujourd’hui disparu du grand public : Chris Manvell. Nick et moi ignorons ce qui lui est arrivé. Le mixage et le mastering ont été réalisés à distance par Jim Plotkin de Old Lady Drivers/Scorn. À ce moment-là, j’étais complètement épuisé et Nick a dû prendre les rênes pour finaliser les décisions concernant l’album.

Je suis particulièrement fier de la chanson « Erskine Hollow » et de son histoire. Ce morceau restera à jamais l’une de nos plus belles réussites. La véritable signification de l’album se trouve dans la mention « Valediction » au dos de l’album. L'album s'est déroulé à 95-98 % comme nous l'avions imaginé, et les nombreux messages de soutien et de reconnaissance qu'il reçoit année après année confirment que nous avons réussi notre mission. Je tiens également à remercier Russ Vrankovich de Buried by Time And Dust pendant ces années : il reste un mentor et un ami précieux pour nous.

N.G.: Sur l'album, vous trouverez une longue liste de nos influences de l'époque. Presque chacune d'entre elles est d'une manière ou d'une autre référencée sur l'album dans notre façon de jouer ou d'écrire. Je dirais que les mêmes influences étaient présentes sur Marble Eye que sur la démo. Quelques chanceux pourraient probablement comparer la liste des influences de la démo et de l'album Marble Eye pour voir les différences. Je me souviens juste d'avoir été complètement absorbé par l'apprentissage de toutes ces chansons. Je rentrais de vacances universitaires et j'apprenais des chansons de Celtic Frost, Amebix, Motorhead, Picture et Iron Maiden comme si ma vie en dépendait.

Je crois avoir terminé l'enregistrement des pistes de batterie en 2018. C'est difficile d'obtenir un diplôme technique et de faire de la musique en même temps. J'ai obtenu mon diplôme et j’ai commencé à travailler, ce qui m'a en fait permis de me concentrer pleinement sur la musique. Je crois qu'on a terminé la majeure partie de l'album avant la crise de la COVID. On a mixé et on a fait appel à Chris Manvell pour la conception artistique juste au début de la COVID en 2020. J'ai dû commencer à jouer les producteurs et à décider de ce qui était bon ou pas de tout ce que l’on assemblait. On commençait à trop analyser les choses et je devais nous pousser pour que ça sorte. Au final, ça valait le coup d'y consacrer du temps. En tant que producteur, il faut trouver le juste équilibre entre la perfection et la folie. J'avais vraiment besoin d'une petite pause après Marble Eye pour profiter de ce qu'on a fait. Être coincé à la maison et ne pas faire grand-chose m'a aidé.

Le duo travaille sur un nouvel album, Reconversion, fruit de la composition et de la répétition de nouveaux morceaux entre le printemps 2021 et l’automne 2024. Alex Greywitt est désormais solidement équipé, avec un matériel de passionné à l’histoire mythique. Il ne pouvait pas tomber entre de meilleures mains. Tyranonaut a mis en ligne ses dernières répétitions sur Youtube, et c’est absolument passionnant. Je suis désormais de près leur progression, et je n’hésiterai pas à vous informer de leur dernière production.

A.G.: Peu après la sortie de Marble Eye en novembre/décembre 2020, Nick et moi avons commencé à composer pour la suite, prévue pour juin/juillet 2021. Ce futur album, actuellement en cours d'enregistrement, s'intitulera Reconversion. Les morceaux ont été peaufinés et composés entre le printemps 2021 et l'automne 2024. Les Reconversion Rehearsals que vous pouvez écouter sur YouTube sont le fruit de trois ans et demi de travail acharné pour construire et arranger ces sept chansons jusqu'à la perfection. Pour les connaisseurs, nous proposons également des reprises de chansons de Poison, Alastis, Forgotten Woods, Varathron, Xibalba et Slaughter, que nous intégrons régulièrement à nos sessions.

Nos principales influences seront toujours évidentes, comme Black Sabbath, Witchfinder General, Budgie, The Sensational Alex Harvey Band, Hawkwind, etc... Cependant, nos plus grandes influences pour Reconversion sont Richard Wagner, Strauss, Forgotten Woods, Mercyful Fate, Randy Holden, Witchfynde (1975-1978) des débuts, Rush, Alastis, Ted Nugent, Bathory, Sodom des débuts, John Cale, et bien sûr un peu de Motörhead, pour n'en citer que quelques-unes. Je peux certainement dire que mes deux plus grandes influences pour l'album Reconversion sont Richard Wagner et Forgotten Woods de Norvège. Nick et moi sommes très enthousiastes à propos de ce prochain album, nous sommes convaincus qu'il éclipsera tout ce que nous avons créé jusqu'à présent. Certaines chansons sont si exigeantes pour notre corps que nos mains et les pieds de Nick s'engourdissent sous l'effort physique. Je suis particulièrement impressionné par son jeu de batterie. Je crois qu'un groupe n'est bon que par son batteur, et les performances de Nick seront au cœur de cet album. Marble Eye était un album de riffs : comment créer un album avec les riffs les plus imposants. Reconversion est un album de mouvements, ou d'ouvertures, mené par la batterie.

N.G.: Je suis vraiment impatient de découvrir cette sortie. J'ai commencé à jouer un rôle plus important dans le choix des riffs à retenir et à conserver pendant l'écriture. Cela a rendu la musique un peu plus personnelle. J'ai beaucoup aimé écrire avec Alex et collaborer davantage. Je pense que cet album est un nouveau moment privilégié pour notre développement dans notre façon d'écrire et en tant que musiciens. Ce que je préfère dans la création d'un album, c'est quand Alex et moi écoutons enfin le son d'une chanson enregistrée. Ce processus d'écriture et de réalisation est captivant et me procure encore beaucoup de joie, sans parler de voir le résultat final sur un vinyle.

J'apprends à créer et à orchestrer un paysage sonore par moi-même. Je serai très impliqué dans le mixage de Reconversion. La batterie sera également excellente. J'ai restauré une batterie Sonor Phonic de 1979 et 1984 et possède de nombreuses cymbales neuves qui donneront une meilleure couleur au paysage sonore du nouvel album par rapport à Marble Eye. Ce sera certainement passionnant de voir ce que ce prochain chapitre nous réserve. Je pense que nous créons ici notre propre style musical, alliant influences spirituelles et heavy pour créer de la nouvelle « Greywitt Music ».

Marble Eye de Tyranonaut

CABOOSE - Left for Dust

noreply@blogger.com (Florian K.) — Sun, 27 Apr 2025 11:29:00 +0000

On mesure la santé d’un genre musical par les différents albums qui sortent ici et là. Et le stoner-rock est plutôt en grande forme depuis une belle décennie maintenant. Pourtant, on pourrait lui reprocher d’avoir été un peu « fourre-tout » à certains moments. Donc lorsque sort un album qui sait se démarquer en cochant les cases de ce genre musical très codifié, on ne peut qu’en parler. Et c’est justement le cas de « Left for Dust », premier album des suédois de Caboose. Explications.

« Left for Dust » de Caboose : du skate, du surf et des vans

Dès les premières notes de ‘High on You’, le ton est donné. Des guitares fuzzées à l’ancienne en guise de riff d’intro suivies d’une partie rythmique dans la droite lignée de QOTSA ! C’est punchy à souhait, très énergique et ça s’imprime très vite dans le cerveau. ‘Shiner’ repose sur un riff ô combien simple mais diablement efficace. On se laisse emporter par le rythme et les cymbales de la batterie qui viennent assurer les fondations de ce titre. On regrettera peut être que la basse soit un peu en retrait sur ce titre, mais on salue aisément le solo de guitare qui vient conclure le titre. Une pause semble s’annoncer par l’ouverture de ‘For so Long’ qui se fait avec une guitare acoustique. Mais ne vous méprenez pas, la fuzz vient directement vous graisser les tympans. La structure des titres se ressemble mais reste diablement efficace et toute en maîtrise. Là encore, on se prend aisément à bouger la tête de bas-en-haut (ou l’inverse).

Pas de temps mort, ‘Crimson Haze’ se veut comme une course poursuite à bord d’une Dodge Challenger sur la route 66, tel Kowalski dans Point Limite Zéro. On y ressent une belle influence des californiens de Fu Manchu période « Eatin’ Dust », avec un côté plutôt punk. Le refrain est encore une « masterclass », il s’imprime directement dans le cerveau en quelques secondes et on se surprend à le chanter quelques instants après. Mention spéciale à l’interlude bien psyché qui prépare l’auditeur à la débauche d’énergie et de fuzz pour la fin du titre. ’Sophie’s Sushi Wok’ s’ouvre de la plus belle des façons avec une basse « wah-wah » avant que les riffs fuzzés viennent prendre le relais. S’il est un peu moins « catchy » que le précédent, son groove est absolument ravageur et est très bien positionné dans l’album. Car juste après ‘Fuzz Out Mind’ vient déverser sa rage et sa fuzz dans les tympans, toujours façon Fu Manchu. Le genre de titre qui vous met une vraie claque dès le matin pour aller au boulot.

‘Cement Surfer’ garde toute cette énergie californienne qui donne envie de sortir son longboard et d’aller faire du carving dans les rues à un rythme effréné. Très classique dans sa construction générale, peut être trop, il est rondement bien exécuté et efficace. ’Feedback City’ s’ouvre avec un effet wah-wah du plus bel effet avant de continuer pour une bonne séance d’hypnose psychédélique. Il se casse lors du refrain avant de reprendre de pus belle manière. Ces deux titres sont, selon moi, ceux qui sont le plus en retrait dans leur qualité globale. Pas mauvais, mais trop classiques par rapport aux précédents. L’album se clôt sur « Spacerod » qui reprend la recette initiale à grand coups de fuzz et de refrain entêtant et un très beau solo final, il n’en fallait pas mieux pour fermer cette épopée sauvagement fuzzée et énergique !

Que faut-il en retenir ?

« Left for Dust » est un album qui sent délicieusement bon l’été au bord de la plage. Pour une première tentative, les suédois de Caboose frappent très fort avec un style dans la droite lignée des premiers albums des californiens de Fu Manchu. S’il ne révolutionne en rien le genre, il s’inspire des meilleurs et sait parfaitement restituer toute cette énergie propre au stoner-rock. Sans conteste l’un des albums qui devrait fait parler de lui cette année !!

SARAKINIKO + THE LIMINANAS - Le Temps Machine, Tours - 09/04/2025

noreply@blogger.com (Florian K.) — Wed, 23 Apr 2025 16:30:00 +0000

Cela faisait quelques années (2022) que je n'avais pas vu les Liminanas en concert. Avec mon fidèle acolyte, nous avons pris nos places quelques jours avant le concert, un peu sur un coup de tête pour les attraper lors de leur tournée française même s'ils passent au Lévitation dans un peu plus de deux mois. C'est aussi l'occasion de découvrir leur dernier album dont j'ai seulement écouté un titre ou deux sans forcément perdre le temps de plonger dedans. Bref, une soirée sympa en perspective ?

La messe s'ouvre avec les bretons de Sarakiniko qui sont venus jouer leur rock indépendant aux allures de shoegaze pendant une courte demi-heure. Durée trop courte pour pouvoir se plonger dans leur oeuvre musicale, même si ce court aperçu a été plutôt séduisant notamment par l'ambiance qui se dégage. Mais un point négatif nous a sauté aux oreilles dès le début du set : le mixage sonore. La basse couvrait la guitare et même le chant lorsqu'on était sur le devant de la scène. En s'éloignant vers l'arrière de la salle, cela n'est pas mieux : c'est lorsqu'on se trouve en dehors de la salle qu'on entend bien mieux l'ensemble !

Dès lors, une certaine forme d'inquiétude est montée en nous concernant les Liminanas : la peur d'être pris dans un tourbillon de basse. Même si on adore les rythmes hypnotiques du groupe, l'idée d'être bercé pendant plus d'une heure par la basse n'est pas la perspective la plus réjouissante. Le groupe arrive sur scène, largement remanié depuis notre dernier live en 2022 au Check in Party de Guéret. La scénographie est montée en gamme avec de belles projections sur des supports adaptés renforçant le côté cinématographique du groupe.

Le concert se lance et les craintes évoquées auparavant se sont confirmées : la partie rythmique est venue étouffer les guitares solistes et parfois sur le chant. Parlons de ce dernier, point plutôt positif de live : le nouveau chanteur apporte une touche résolument "rock" voire "garage" au groupe avec une voix plus marquée, moins consensuelle. Cela s'est très nettement distingué sur des titres comme "The Gift" ou "Shadow People". Malheureusement, le mixage a empêché de pouvoir écouter distinctement les nouveaux titres du groupe, parfois le chant était même masqué par le "brouhaha" ambiant. Je mesure le terme que j'emploie, mais pour avoir vu les Liminanas un certain nombre de fois, ce concert était le moins bon auquel j'ai pu assister.

J'aime particulièrement le groupe pour ses rythmes hypnotiques qui arrivent à créer une sorte de transe au sein du public. Mais ce soir, c'était pas la forme : certains titres donnaient le sentiment de s'éterniser, sentiment qui semblait se confirmer face à l'attitude générale de la salle qui flirtait avec l'ennui lorsque le même riff passait en boucle pendant une dizaine de minute (et c'est un amateur de Dopesmoker qui le dit...). Autre point négatif : le guitariste soliste qui est sur la droite de la scène, près de Lionel, qui était en total décalage avec le reste du groupe. Si ses petites danses (duck danse) et gestuelles (guitare dans le dos) pouvaient sembler sympas au début, elles sont très vite devenues ennuyantes allant même à provoquer une sorte de malaise : tel un enfant qui, lors d'une kermesse de fin d'année, cherche à se démarquer de ses autres camarades...

Bref, bilan très mitigé pour ce concert des Liminanas. Si on a adoré retrouvé cette ambiance de cinéma et que le nouveau chanteur apporte quelque chose de nouveau, la prestation globale nous a semblé peu inspirée par rapport à ce que nous avons pu voir dans le passé, notamment sur la période "De Pellicula". On espère que le passage au Lévitation d'Angers fin juin sera meilleur (en tout cas les lieux le seront) !

DEAD MEADOW - Voyager To Voyager

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Sun, 20 Apr 2025 18:11:00 +0000

J’écoute Dead Meadow depuis maintenant presque vingt-cinq ans. Je les ai découvert autour de leurs débuts en 1998. Ils faisaient partie de ces pionniers du stoner-rock tendance psychédélique, et les groupes du genre n’étaient pas encore très nombreux. Dead Meadow a toujours été une formation de seconde division en stoner, toujours à la limite de la première, mais échouant à y parvenir. Le groupe n’a pas bénéficié du buzz d’un Kyuss ou d’un Hermano. Il va se bâtir une base de fans fidèles, ce qui explique sa longévité. Et sa musique, mélange amoureux de Led Zeppelin, de Black Sabbath, et de Pink Floyd, va cheminer durant trois décennies, depuis le fort appréciable premier album Dead Meadow de 2000. Le groupe est aussi fort délectable sur scène, capable de belles envolées emmenées par le guitariste-chanteur et leader Jason Simon. Pourtant sur albums, si Dead Meadow est bon et capable de beaux éclairs de génie, il est difficile de s’enthousiasmer au même niveau qu’un album de Cathedral ou de Slift. Il manque toujours un petit je-ne-sais-quoi au groupe pour faire passer sa musique du très bon à l’excellent.

C’est ainsi depuis 2000, et j’écoute toujours régulièrement les albums de Dead Meadow, car les pépites sont assez régulières. J’avais notamment beaucoup aimé le live Levitation Sessions de 2021, enregistré en pleine crise du COVID. Leurs prestations live transforment souvent tout en merveilles, et j’ai pris plaisir à les redécouvrir. Mais l’écoute des versions studio m’a parfois un peu déçu. Il manque vraiment un petit truc, trois fois rien, pour que ce soit fantastique. Car les bases sont là et Dead Meadow a un son unique, largement dû à la guitare acide et au chant un peu lunaire de Jason Simon. Et puis, voilà que sort Voyager To Voyager.

Dead Meadow est alors composé de Jason Simon à la guitare et au chant, de Steve Kille à la basse, les deux musiciens fondateurs, et de Mark Laughlin à la batterie, lui aussi à l’origine du groupe, mais parti en 2002 puis revenu en 2010. Le trio commence à travailler sur les nouveaux titres en 2023, aux Ultrasound Studios de Los Angeles, et enregistre les pistes en trois sessions, comme habité par un fluide inédit de création. Le groupe veut conserver le côté live qui est leur grand atout. Les dernières touches sont apportées en janvier 2024, c’est alors que le sort s’abat sur Dead Meadow. Steve Kille se voit diagnostiquer un cancer, et sa santé commence à se détériorer. On sait combien le système de santé américain est cruel, et ceux qui n’ont pas la bonne assurance maladie peuvent mourir sans soins. Kille est encore suffisamment en forme pour finaliser les dernières touches de l’enregistrement de l’album proprement dit.

Puis, Dead Meadow rejoint le studio 606 de Sound City, propriété de Dave Grohl. Le mixage commence, mais la santé de Steve Kille se dégrade rapidement. Il assiste aux dernières sessions épuisé au fond d’un canapé spécialement installé pour lui. Il appose ses dernières directives, mais les musiciens sont perturbés par l’ambiance lugubre qui règne autour de l’état de Kille, condamné à courte échéance. Il s’éteint en avril 2024. La prise en main d’un studio inconnu n’est déjà pas évident, mais avec un musicien et ami déclinant dans la pièce, Jason Simon ne sera pas en capacité de réaliser un travail satisfaisant.

Lorsqu’il écoute les bandes, il est frustré du résultat. Ce nouveau disque est important à plusieurs titres. Il est d’abord le dernier avec Steve Kille à bord, et il doit donc sonner de la meilleure des façons possibles, dans l’esprit du Dead Meadow historique. Jason Simon décide de reprendre intégralement le mixage des bandes captés aux Ultrasound Studios dans son propre studio, au calme. Il le fait pour s’occuper, se concentrer, pour faire le deuil de son ami Steve Kille, dont la mort brutale est un vrai traumatisme.

Finalement l’album Voyager To Voyager sort fin mars 2025 sur le label Heavy Psych Sounds. Et contre toute attente, c’est un chef d’oeuvre absolu, total, de la première à la dernière note. Dead Meadow déroule huit morceaux au format globalement contenu autour de cinq minutes, avec deux exceptions : « The Space Between » et « Voyager To Voyager ». Mais musicalement, le trio reste ancré sur un axe sonore tout au long de l’album : une musique heavy-psychédélique d’une fluidité mélodique et instrumentale parfaite, avec une patte d’écriture de génie qui traverse toutes les chansons de manière constante.

L’album débute par le fantastique « The Space Between » et ses six minutes de voyage sonore passionnant porté par un thème de guitare mélodique obsédant et accrocheur. On distingue presque une pointe de Wishbone Ash dans l’approche de Dead Meadow sur ce nouvel album. Rien que ce morceau mérite l’achat du disque, avec sa superbe introduction à la Klaus Schulze, son thème entêtant et son groove acide impeccable. La voix de Jason Simon flotte sur un tapis de stoner-rock psychédélique proche de la perfection. Le son de sa guitare est merveilleux, à la fois heavy-blues et délié, assez proche des Yardbirds menés par Jimmy Page puis des débuts de Led Zeppelin, toujours avec la Fender Telecaster en main.

« Not The Season » est une superbe relecture du Neil Young And Crazy Horse de 1969-1970 avec ce groove impeccable et ce sens de l’alliage acoustique-électrique. La batterie de Mark Laughlin est absolument superbe, son rythme tanguant au gré des riffs de guitare acoustique. Jason Simon s’envole sur le solo à la guitare électrique, Steve Kille tenant solidement la ligne de basse qui cimente la batterie et la guitare. « The Unhounded Now » est une merveille inspirée du rock garage psychédélique américain de la fin des années 1960. Bien que chaque morceau ait sa patte personnelle, Dead Meadow est ancré dans un son et une approche qui sert de fil conducteur aux huit morceaux, et n’en dévie pas, comme une âme qui traverse la musique de part en part.

« A Wave Away » est une nouvelle incursion dans le son de Neil Young. Dead Meadow monte le titre sur des bases inspirées de Led Zeppelin, ce qui le rend plus heavy, mais une fois encore, cet alliage acoustique-électrique poétique et réussi doit beaucoup au vieux Sachem canadien. Les interventions solo de Jason Simon sont discrètes, toujours mêlées au son d’ensemble. Il n’est pas un soliste démonstratif, ayant besoin d’étaler sa technique et son talent. Il injecte avec finesse ses chorus au bon moment pour relever la poésie d’un morceau. Celui de « A Wave Away » est une d’une beauté saisissante, avec ses plaintes de blues gorgées de wah-wah.

« A Question Of Will » débute la seconde moitié du disque avec une mélodie magnifique, en clair obscur, et au titre narquois dans le contexte de la maladie de Steve Kille. Jason Simon signe un solo sublime. On est dans l’univers ouaté d’un Fleetwood Mac de la période 1971-1974, avec toujours ces sommets d’inspiration géniale en solo qui sont plus proches de Led Zeppelin.

« Dead Tree Shake » est un boogie subtil qui groove à tous les niveaux. Jason Simon, Steve Kille et Mark Laughlin ont conçu ce morceau comme une sorte de mille feuilles sonores entre Pink Floyd, Free, et Led Zeppelin. Le coup de poignet de Simon pour le riff rend la chose dansante. Cependant, son solo acide hanté et les guitares en harmonie viennent contredire l’apparente bonhomie du titre. « Small Acts Of Kindness » vient apporter un peu de tranquillité, comme l’on regarde un étang après une pluie printanière. La mélodie ballote sur un groove chaloupé entre ressac maritime californien et prairie sèche de l’Arkansas. Le solo de Simon relève la magie épique du morceau.

« Voyager To Voyager » clôt l’album avec un voyage psychédélique au long cours. Le morceau commence comme du Dead Meadow plutôt classique et plaisant. Puis, à peu près à son milieu, il bascule dans une sorte d’odyssée spatiale, avant une seconde partie très Led Zeppelinienne du meilleur effet. C’est une bien belle manière de terminer un album, surtout auréolé d’une telle douleur. Dead Meadow y évoque toute son âme, et laisse la porte ouverte à la lumière et à l’espoir.

Dead Meadow a publié avec Voyager To Voyager son tout meilleur album à ce jour, gigantesque d’inspiration du début à la fin, poignant et mélodique. Steve Kille a pu partir sereinement, Dead Meadow a toujours de la ressource et s’ouvre certainement une nouvelle route. Voyager To Voyager peut autant être la première étape d’un nouveau voyage musical, comme la consécration ultime du groupe si il devait en être le dernier album.

DEAD MEADOW - Voyager To Voyager de HEAVY PSYCH SOUNDS Records

TRAPEZE - Lost Tapes Vol.2

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Sun, 13 Apr 2025 16:00:00 +0000

C’est chaque fois la même chose quand j’écoute Trapeze. Ce groupe me fascine depuis la fin de mon adolescence, à l’époque où je l’ai découvert, et je ne cesse d’y revenir régulièrement. Leur catalogue s’est généreusement enrichi ces dernières années de plusieurs coffrets et versions deluxe de leurs albums, avec de nombreuses archives inédites. Mais l’affaire ne s’arrête pas là, puisque Tom Galley, le frère du guitariste Mel Galley, a décidé de se plonger dans les archives de ce dernier pour en extraire des morceaux ou des versions inédites. Nous en sommes désormais au second volume, et son contenu est largement à la hauteur de la musique magique de ce groupe.

Trapeze est une formation née à Wolvehampton, une petite ville au nord-ouest de l’agglomération industrielle de Birmingham. Comme Black Sabbath, Budgie ou Judas Priest, Trapeze est le fruit du Black Country, ce Nord de l’Angleterre baignant dans les fumées d’usines sidérurgiques et les mines de charbon. Le groupe est né en 1968 de la fusion de deux groupes locaux : The Montana et The Finders Keepers. Ils finissent en sextette, et joue une musique progressive baroque inspirée des Moody Blues, d’autres enfants du pays et pionniers de ce que l’on va bientôt appeler le rock progressif.

Trapeze obtient un petit coup de pouce de la BBC en jouant dans l’émission « Colour Me Pop ». ils interprètent trois reprises à leur sauce, et attirent d’abord l’oreille de Apple, le label des Beatles. Après un concert à Londres où le staff d’Apple est présent en compagnie de Paul MacCartney, Trapeze enregistre des démos aux Abbey Road Studios. Seulement, la table de mixage a été remplacée, et personne ne sait encore la maîtriser. Deux morceaux originaux sont enregistrés, mais le son est strident, inaudible. Cette bande ratée plus le fait que Apple est en difficulté financière annihilent les beaux rêves de gloire rapide. Finalement, Trapeze signe sur le label des Moody Blues, Treshold. Le premier album, Trapeze, reste dans la ligne prog-rock des débuts, avec déjà la voix fantastique de son bassiste-chanteur : Glenn Hughes.

Les ventes sont misérables, et leur manager, Tony Perry, leur suggère de plutôt s’orienter vers le son du moment en 1970 : The Who, Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep Purple, Jimi Hendrix… Hughes, le guitariste Mel Galley et le batteur Dave Holland sont partants, mais le reste du sextette, pas vraiment. Trapeze devient un trio, avec l’appui en studio des claviers de Terry Rowley, fidèle ami du groupe. En novembre 1970 sort Medusa, à peine six mois après leurs débuts sur vinyle. C’est leur premier chef d’oeuvre. Trapeze affiche une toute nouvelle identité sonore : un hard-rock solide teinté de soul et de funk. La voix de Glenn Hughes y est pour beaucoup avec ses touches de Sam Cooke, James Brown et Stevie Wonder, mais le jeu très particulier de Mel Galley, un peu syncopé dans ses riffs et ses chorus, accentue cette impression funky. Dave Holland imprime un tempo impeccable, puissant et stable, comme les meilleurs percussionnistes noir-américains. Les textes du groupe ont abandonné la féerie en carton, pour se tourner vers leur vécu. Hughes évoque ainsi ses galères financières dans « Black Cloud », et « Jury » parle du public du club Lafayette à Wolverhampton, où les spectateurs du balcon aimaient à insulter les groupes, comme un jury populaire malfaisant.

Si l’album ne se vend pas très bien en Grande-Bretagne, il va en être tout autre aux Etats-Unis. Trapeze assure la première partie des Moody Blues sur leur tournée américaine de 1970. Le trio fait un carton chaque soir, et cela leur permet de se produire trois soirs de suite en tête d’affiche au club Whisky-A-Go-Go de Los Angeles. Le club est plein, et un promoteur leur propose le Sam Houston Coliseum au Texas, toujours en tête d’affiche. C’est une immense salle, que le groupe réussit à remplir en quelques heures grâce aux DJs radio locaux, à tel point qu’un deuxième Coliseum est programmé et se remplit à la même vitesse. Tony Perry réussit in-extremis à leur obtenir un permis de travail d’un mois supplémentaire pour assurer les dates, qui seront le carton initial qui va faire de Trapeze une star au Texas aux côtés de ZZ Top. Le groupe envisage de s’installer aux USA, mais Galley vient se marier et d’avoir un enfant, le projet est donc abandonné.

Trapeze retourne en Grande-Bretagne après presque une année à exploiter le filon exceptionnel texan et ses environs californiens. Le trio fait appel à Neil Slaven à la console pour capter le nouveau disque. L’homme est connu pour ses productions de qualité pour la scène blues anglaise, et notamment Savoy Brown et Keef Hartley Band. Mais il a surtout enregistré le fantastique Imagination Lady de Chicken Shack, véritable obus de heavy-blues. Trapeze enregistre durant l’été 1972 à Londres, la tête encore dans le son de la musique américaine. Glenn Hughes fait entrer des claviers et des cuivres, ainsi que la pedal-steel de BJ Cole. You Are The Music, We’re Just The Band est un brûlot subtil mêlant heavy music anglaise, soul, funk, et folk-rock californien. Il débute par « Keepin’ Time » avec son riff saignant et son fracas de double grosse caisse introductif. C’est du hard-funk hargneux. Le groupe joue beaucoup sur les alternances de calme et de puissance. « Coast To Coast » est le morceau le plus californien de tous, avec son impression de cruising au bord de la côte. « Way Back To The Bone », « Loser » et « You Are The Music » deviennent des classiques immédiats de scène. La pochette qui montre le groupe depuis la scène devant un vaste public texan ne fera pas bouger les ventes en Grande-Bretagne. Au contraire, les Trapeze commencent à être perçus comme des traîtres au Black Country. Tony Iommi de Black Sabbath sera un de leurs grands fans, admirant leur audace et deviendra ami avec Glenn Hughes.

Trapeze part en tournée américaine au printemps et à l’été 1973, mais la belle histoire est fracassée par une offre impossible à refuser. Glenn Hughes est invité à rejoindre Deep Purple en remplacement de Roger Glover. Il doit aussi assurer le chant aux côtés du nouveau vocaliste officiel qui ne sera finalement pas Hughes seul : David Coverdale. Deep Purple n’a en effet pas souhaité casser sa structure de quintette. Hughes s’envole pour trois années folles, avec notamment l’enregistrement des albums Burn et Stormbringer de 1974. Il va y découvre les vols en Boeing privé et la vie de superstar. Il va aussi basculer dans une addiction de trente années à la cocaïne qui va gâcher son talent et sa carrière.

Mel Galley et Dave Holland se retrouvent seuls. Ils n’en veulent pas à Hughes, l’opportunité était gigantesque, ils auraient fait pareil à sa place, du moins pas encore. Ils décident de continuer et auditionnent. Ils font le choix d’un second guitariste pour permettre à Galley de se charger du chant. Rob Kendrick est choisi pour le poste. Pour la basse, ce sera Pete Wright. Le désormais quatuor retourne en studio avec Neil Slaven à Londres, et il capte un chef d’oeuvre méconnu nommé Hot Wire qui sort en septembre 1974. Trapeze réussit à produire un hard-boogie funk. Pour le boogie, Status Quo est indiscutablement dans le viseur, pour le funk, les tourneries infernales de James Brown sont une référence. Le résultat est constitué de huit morceaux solides et efficaces qui rentrent dans la tête et donnent envie de danser. Quelque part, Trapeze rentre à la maison avec un disque plus anglais, même si la pochette colorée penche encore du côté de la Californie. A la surprise du groupe, il atteint la 146ème place du Top 200 US, leur meilleur place depuis leurs débuts. Trapeze semble avoir vu juste avec son boogie-funk. Mais cette définition est un peu simpliste, car il y a des merveilles obsédantes et teintées de mélancolie ombrageuse comme « Turn It On » ou « Steal A Mile ». Et puis l’album se termine avec la maestria heavy-soul « Feel It Inside » de presque neuf minutes.

Si Glenn Hughes plane désormais dans un brouillard de cocaïne, de vodka et de sexe dans un avion privatisé, Trapeze continue de se battre à la dure, et d’offrir de grands disques. Le suivant, Trapeze de 1975, est encore excellent, mais fort mal aimé. Un peu plus soul, un peu moins boogie, il n’arrive pas à toucher son public en termes de ventes de disques. Trapeze vit toujours le grand écart entre ses concerts dans les grandes salles US et les tournées dans les clubs en Grande-Bretagne. Le quatuor y développe la même férocité, mais rien ne se concrétise vraiment. Warner Bros finit par casser le contrat qui les liait depuis 1972 faute de succès, et Trapeze se retrouve à l’abandon. Rob Kendrick s’en va en 1976, et rejoindra à leur grand regret Budgie, qu’il va torpiller en 1978-1979 après le départ du guitariste Tony Bourge.

En fait, le dernier concert de Deep Purple se tiendra le 15 mars 1976 au Liverpool Empire Theatre. Le guitariste Ritchie Blackmore a été remplacé par Tommy Bolin en mars 1975. Ce dernier est un petit prodige, mais hélas accro à l’héroïne. Il va en mourir d’overdose à vingt-six ans en décembre 1976. Déjà, Bolin peine à assurer sur scène en fonction de sa santé, et ce soir-là, Coverdale quittera la scène, convaincu que tout est fini. Hughes se retrouve officiellement sans groupe en juillet 1976, et se rapproche de Galley et Holland pour reformer le trio glorieux de 1970-1973. Il bénéficie encore du label Purple Records. Le guitariste et le batteur, alors sans label, rêvent à une résurrection du trio magique dans les meilleurs conditions, achevant ce qu’ils avaient abandonné après le départ du bassiste-chanteur pour Deep Purple.

Le trio compose et enregistre deux nouveaux morceaux : « Space High » et « L.A. Cut Off », qui finiront sur le premier album solo de Hughes, Play Me Out en 1977. La tournée américaine commence par le Texas. Hughes n’a pas perdu sa voix, mais est ingérable, calciné par la drogue et l’alcool. L’atmosphère devient vite invivable, et après une poignée de concerts, tout s’arrête.

Galley recrute le chanteur et guitariste Pete Goalby au printemps 1977. Il est de Birmingham, et a donc l’esprit de la maison. La sérénité revient au sein de Trapeze, où chacun se sent à nouveau à sa place, Goalby étant avant tout un chanteur même si il assure quelques parties de guitare rythmique. Le groupe rassemble de quoi enregistrer un nouvel album aux Basing Street Studios de Londres en 1978. Il sera capté par Jimmy Miller, l’ancien production de génie des Rolling Stones qui vient juste de ressortir de plusieurs années de toxicomanie, ayant eu le malheur de vouloir suivre Keith Richards. Ce sera son premier enregistrement professionnel depuis presque cinq ans. Le suivant sera Overkill de Motörhead.

Miller construit un son chaud et puissant à Trapeze, ayant totalement compris le son du groupe. L’album sortira d’abord sur le label allemand Shark qui accueille également Chicken Shack et Fandango avec Nick Simper, le premier bassiste de Deep Purple. La pochette est kitsch à souhait, avec une jolie blonde dénudée se mouvant sous le nom du disque : Running. Finalement, Trapeze rejoint le petit label anglais Aura, et l’album sort avec une pochette plus élégante et le nom Hold On en 1979. Le contenu est excellent, avec toujours ce subtil alliage de hard-rock et de funk. La mélodie a fait sa place alors que Journey et Foreigner sont en haut de l’affiche. Trapeze reste cependant un groupe de pur hard-rock, mais il arrive à assimiler tous ces éléments sans dévier.

1979 est une période de changement majeur sur la scène heavy-metal et hard-rock anglaise. La NWOBHM (New Wave Of British Heavy-Metal) arrive avec Iron Maiden, Samson, Saxon, Def Leppard… Black Sabbath, Motörhead, et Judas Priest sont encore dans le jeu de cette scène. Judas Priest vient de voir partir son batteur depuis deux ans : Les Binks. Le groupe brummie souhaite un batteur moins jazz, et plus carré et puissant. Dave Holland est courtisé, et il finit par rejoindre Judas Priest en août 1979. Il en sera le batteur officiellement jusqu’en 1990.

Mel Galley refuse d’arrêter le combat. Il recrute Tony Bray à la batterie, et le groupe repart en tournée américaine, avec plusieurs dates texanes. C’est là que Trapeze capte son premier live officiel, plus précisément à la Texas Opry House d’Austin, devant deux mille spectateurs en mai 1981. L’album s’appelle Live In Texas – Dead Armadillos. Une fois encore, Trapeze balance son boogie-funk redoutable. Le répertoire croise toutes les époques, et le résultat est brillant sur les six morceaux captés. Ce magnifique live ne permet pourtant pas à Trapeze de rebondir commercialement parlant. Alors que Mel Galley continue de maintenir le nom avec différents musiciens après les départs successifs de Goalby, de Wright et Bray, il se voit proposer le poste de guitariste au sein de Whitesnake. Mel Galley va devenir le troisième homme essentiel à l’histoire du heavy-metal anglais en enregistrant avec eux l’immense Slide It In de 1983.

La nouvelle tournée mondiale de Whitesnake débute le 17 février 1984 à Dublin avec le retour de Neil Murray à la basse, qui fut à ce poste entre 1978 et 1981. Le groupe joue devant des arenas pleines après la tête d’affiche des Monsters Of Rock à Castle Donington en 1983. En mars 1984, le groupe est en Allemagne. Comme pour toute tournée rock, les musiciens aiment à faire les idiots. Un soir, John Sykes et Mel Galley s’amusent avec un caddie sur un parking. Galley est dans le caddie, Sykes pousse. Le premier finit on ne sait trop où : dans une voiture stationnée ou dans un escalier selon les versions. Toujours est-il que Mel Galley, trente-six ans, a le poignet gauche broyé. Et plus grave, les nerfs sont touchés. Il persiste une rumeur selon laquelle Sykes l’aurait fait exprès pour devenir le guitariste star de Whitesnake, d’autant plus que devant l’indisponibilité de Galley, il va devenir assez automatiquement le petit prodige capable d’occuper l’espace pour deux, car personne n’envisage de remplacer Galley malgré presque dix ans à deux guitaristes. En avril 1984, Jon Lord va faire sa révérence pour Deep Purple, et Whitesnake va devenir un quatuor guitare-basse-batterie-chant à la Led Zeppelin, comme lors de leur prestation à Rock In Rio en 1985. Pendant ce temps, Mel Galley tente toutes sortes de rééducations, et finit par trouver un spécialiste qui lui met une attelle articulée au poignet capable de compenser ses défaillances nerveuses. Seulement voilà, lorsqu’il revient se présenter à David Coverdale, ce dernier veut un groupe sexy. Un presque quarantenaire avec une attelle au poignet n’est pas dans ses plans de conquête américaine. La carrière de Mel Galley est brisée. Il reprend pied avec le projet Phenomena de son frère Tom, un concept qui regroupe des pointures comme Cozy Powell ou Glenn Hughes. Galley devient dès lors un musicien de l’ombre, victime des impacts de sa blessure.

Glenn Hughes est toujours bien vivant, revenu des morts depuis 1995. C'est grâce à un concert de reformation de Trapeze en 1992 qu'il débutera son retour. Dave Holland est mort en 2018, après une histoire sordide de viol de gamin handicapé qui va entacher la carrière de Trapeze, mais aussi celles de Judas Priest et de Tony Iommi qui avait enregistré avec lui en 1996. Quant à Mel Galley, il est décédé d’un cancer à peine âgé de soixante ans en 2008. C’est pour cela qu’il a confié ses archives dans les mains de son frère, pour poursuivre l’héritage. Et c’est pour cela que ces Lost Tapes sont si précieuses.

Le disque n’offre pas d’information sur les dates des enregistrements, mais lorsque vous avez la continuité historique du groupe que je viens de vous offrir, il est assez facile de se repérer. « Homeland » dévoile un aspect méconnu de Trapeze : le second retour de Glenn Hughes en 1981. Cette réunion est due à l’opportunité : Pete Goalby est recruté par Uriah Heep. Pete Wright est donc à nouveau mis à l’écart, et Hughes reprend sa place à la basse et au chant. Comme d’habitude, la réunion de Galley et Hughes se traduit rapidement par de nouveaux morceaux, et ce « Homeland » en est un, destiné à une démo pour démarcher un nouveau label. Mais l’instable et cocaïné bassiste-chanteur s’en va de nouveau pour se lancer dans le projet Hughes-Thrall avec le guitariste Pat Thrall qui sort du groupe de Pat Travers, alors très populaire sur les scènes américaines.

Ce volume 2 est un joyeux melting-pot de titres studio inédits, de démos de titres déjà connus, et d’extraits live, là où le volume 1 délivrait avant tout de l’inédit studio. Ce second volume permet de se plonger dans toutes les facettes d’un groupe fascinant, par ailleurs brillant musicalement, car tout est en prise direct, avec quelques overdubs par-ci par-là. On se rend aussi compte que le second line-up de Trapeze avec Rob Kendrick avait de la matière pour un troisième album, et travaillait constamment. Le troisième aussi d’ailleurs, avec l’excellent « Must Be Love ». La dernière démo de Mel Galley, « Live Fast Die Laughing » montre du potentiel mélodique, mais sonne un peu trop heavy-metal 1980’s. Ce genre de son est plus crédible sur « Fighting » et « Welcome To The Real World » issus des projets Phenomena dirigés par Tom Galley, les deux réunissant à nouveau Hughes et Mel.

Mon vrai plaisir personnel réside dans les démos de l’album Hot Wire que je porte en très haute estime. « Turn It On » et « Can You Feel It ? », même dans des versions sensiblement plus brutes, sont rafraîchissantes et offrent l’opportunité de redécouvrir la qualité de ces morceaux. Je ne sais ce que vous ferez de cette chronique, si vous ferez l’acquisition de cet album qui plaira avant tout aux fans comme moi, mais il peut aussi servir de moyen de découverte. Sinon, jetez-vous sur les albums studios de Trapeze. Vous qui allez les découvrir pour la première fois, je vous envie.

GANAFOUL - Dangerous Times

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Fri, 04 Apr 2025 19:56:00 +0000

Il fallait bien qu’ils reviennent, nos boogiemen de Givors. Il fallait bien qu’après un album de vieux classiques magnifiquement rafraîchis tel que Roll On en 2023 (et chroniqué dans ces pages), Ganafoul nous offre de nouveaux titres. Je n’aurais pas attendu cela de la part de beaucoup de groupes provenant de la jointure des décennies 1970 et 1980. Les sexagénaires ont plutôt tendance à barber tout le monde et à obstruer la scène rock, moulinant sans passion ni jus leurs vieux hits pour gagner un peu de pognon devant un parterre de boomers blasés. Bien sûr, Ganafoul a d’abord réuni de vieux fans ravis de les revoir, mais le feu qui s’est remis à brûler dans les doigts de ces quatre vieux goupils à commencer à élargir l’audience vers de jeunes gens qui ne les connaissaient tout simplement pas. Ce fut notamment le cas à leur premier concert parisien depuis le début des années 1980 au Théâtre Traversière avec Océan le 29 novembre 2024. Un public plutôt sage à commencer à se lever, rejoint par de jeunes gens venus par curiosité et qui n’ont pas regretté leur venue. L’après-midi même, les Ganafoul venaient de faire la séance photo pour leur nouvel album mis en boîte dans leur fief lyonnais.

Bien sûr, avec du talent, il est assez aisé de raviver la flamme de titres déjà originellement excellents. Mais avouons qu’ils auraient pu aussi le faire en mode pilotage automatique, comme de bons petits pépères revenus de tout. Roll On est loin d’avoir proposé cela, avec également trois titres live qui confirment que Ganafoul est bien de retour à son meilleur niveau, et sur tous les plans. Il restait néanmoins l’étape de plus : celle de produire un nouvel album original capable de s’inscrire dans la foulée de leurs trois premiers albums, mais avec quarante-cinq ans d’écart, avec tout ce que cela implique de changements dans leurs vies et dans la société en général.

Les Ganafoul ont aimé la vie durant leur jeunesse, et ont profité de chaque instant de leur première odyssée entre 1974 et 1982. Mais ils ne sont pas non plus des flambeurs, à se ruiner comme des junkies. Il y a eu des filles, de belles soirées arrosées, des concerts fameux et surtout beaucoup de rock’n’roll. Du Ganafoul des albums, on retrouve le guitariste-chanteur Jack Bon et le batteur Yves « Rotache » Rothacher. Edouard « Doudou » Gonzalez fut la fine lame de la guitare de Ganafoul de leurs débuts en 1974 à 1976, avant de fonder Killdozer. Le bassiste Jean-Yves Astier vit désormais dans les îles, Il est remplacé par le débonnaire, souriant, concentré et très efficace Luc Blackstone, qui officiait dans les Buzzmen avec Jack Bon. C’est aussi lui qui vient apporter de sa voix soul des choeurs discrets mais toujours pertinents en live et en studio. Une connexion s’est immédiatement faite entre ces quatre musiciens. Rothacher, Bon et Gonzalez se connaissent depuis 1974, une alchimie s’est ravivée, tout simplement. Les trois s’amusent beaucoup, et cela se voit. Blackstone vient cimenter avec son jeu de basse d’une grande solidité cette nouvelle réunion musicale.

Les Ganafoul sont des garçons éminemment agréables, discrets, d’une très grande humilité. Il n’y a pas de guéguerres d’egos chez eux. Ils ont su se retirer discrètement après leurs heures de gloire respectives, et ont retrouvé des vies simples où la musique à continuer à vivre, mais de manière plus diffuse. Gonzalez et Rothacher vivent toujours à Givors, Bon et Blackstone habitent à la campagne non loin de l’autre, en Saône-Et-Loire, à bonne distance du tumulte urbain. Pourtant, lorsqu’ils se sont réunis, c’est bien la rage du Sider Rock, le terme inventé par Astier pour définir leur musique à l’époque signifiant le rock de la sidérurgie, qui est revenue. Les usines sont pour beaucoup parties dans les pays de l’Est où ont simplement fermé. La petite équipe ne répète désormais plus dans un entrepôt des anciens abattoirs du quartier de Bansbanne.

Bon et Blackstone jouaient donc ensemble dans les Buzzmen décimés par deux décès, Bon a retrouvé Rothacher et Gonzalez, tout le monde avait envie de relancer la machine Ganafoul pour le plaisir, histoire de voir où cela allait mener. Il y eut d’abord des concerts essentiellement autour de Lyon. Puis le cercle s’est élargi, notamment du côté du Nord de la France et de la Belgique, et puis au sud de la région parisienne, avant le concert à Paris même le 29 novembre 2024. Les vieux fans n’attendaient rien, ceux qui ne les connaissaient pas encore moins, ils ont emporté tout le monde avec eux à chaque concert. Et c’est là que s’est dessinée l’évidence de faire un nouveau disque afin de ne pas tourner uniquement sur la nostalgie du vieux répertoire. Et si Ganafoul avait un avenir, et décidait simplement de continuer son histoire musicale tant que l’énergie et la foi sont là ?

Dangerous Times est l’album parfait pour cet objectif. Il ferme aussi le doute selon lequel le groupe risquait de décevoir, un peu assec au niveau inspiration. Ce n’est clairement pas le cas. Si les Ganafoul ne sont plus des petits jeunes, ils finissent néanmoins par l’être encore dans leurs têtes en live au bout de quelques morceaux. Les tempes ont blanchi, le poil crânien se fait rare, quelques kilos en trop viennent encombrer, mais dès que le fluide du boogie se met à couler dans leurs veines, les signes du temps s’évaporent.

Photo : Marco Delavaud

Jack Bon, Edouard Gonzalez, Yves Rothacher, et Luc Blackstone ont convoqué tous leurs souvenirs musicaux d’origine, ce qui a fait le feu sacré de Ganafoul. Les souvenirs des Rolling Stones avec Mick Taylor à la guitare solo entre 1969 et 1974, des disques de ZZ Top et de John Mayall patiemment analysés, des concerts de Status Quo à Lyon, de celui d’AC/DC au Marquee de Londres en 1976, et des tournées avec Little Bob Story entre 1977 et 1979 ont permis de recaler ce qui est l’essence de Ganafoul. Cependant, deux autres paramètres se sont ajoutés à l’équation. D’abord, Jack Bon s’est littéralement plongé à partir des années 1990 dans l’histoire du blues, réalisant des conférences érudites. Ensuite, tous n’ont jamais cessé de jouer, et ont donc perfectionné patiemment leurs jeux respectifs. Enfin, un petit bonus s’ajoute : Jack Bon n’a rien perdu de son timbre de renard pris au piège, glapissant sous la lune avec cette tonalité nasillarde très caractéristique. Son chant s’est patiné juste ce qu’il faut pour renforcer la patte blues du son d’ensemble.

Tout cela donne donc Dangerous Times. Emballé dans une pochette me rappelant personnellement un vieux disque de blues d’Elmore James sur le label anglais mythique Blue Horizon, il marque sa volonté d’attachement à la simplicité et aux valeurs du blues, qu’il soit américain comme boogie et français. Le morceau « Dangerous Times » ouvre l’album de manière grave, évoquant un climat de guerre qui plane, exactement comme cela fut le cas durant la Guerre Froide et les années 1960-1970. Le tout est emballé dans un riff et un rythme AC/DCien du meilleur effet, puissant, brutal et sans concession. Les solos s’entrecroisent entre Edouard Gonzalez et Jack Bon. Le premier a une approche fluide et virtuose inspirée de Mick Taylor, le second à un style plus retors à la AC/DC des débuts. « What A Mess » vient confirmer cette dernière inspiration.

« Traces » croise entre AC/DC et le boogie inoxydable du Ganafoul de 1977-1979. On entend clairement les progrès techniques du groupe, mais aussi de la prise de son. La frappe solide d’Yves Rothacher est le coeur battant du disque et du groupe, définissant les appuis rythmiques de la formation, complétée par la basse de Luc Blackstone.

Photo : Marco Delavaud

Le disque se partage entre constats du présent, et souvenirs d’un passé parfois difficile mais plus insouciant sur d’autres aspects. Il n’y a cependant pas de grands élans de nostalgie chez Ganafoul, juste des bons souvenirs, et le bonheur de voir que la joie de jouer est toujours bien là, comme avant. C’est ce que l’on retrouve sur « Secret Place », plus mélancolique. Les solos d’Edouard Gonzalez sont vraiment un atout : inspirés, mélodiques, ils font décoller les titres émotionnels comme « Secret Place ».

Le groupe ne se pose pas trop de questions sur plusieurs morceaux, comme sur « Get Out My Way » et « Girls Are Dancing », faisant tous deux parler la poudre sans autre prétention que de faire réagir le public dans une vaste marmite de boogie plus ou moins ardent. « Let’s Go Rocking » est le plus bel exemple du genre, un pur concentré de Ganafoul imbibé de Canned Heat, de Status Quo et d’AC/DC des débuts. Il aurait pu rugir en 1977, mais sa profondeur d’interprétation ne pouvait être atteinte qu’après quelques décennies de patine. Il a toutes les qualités de cette musique, sans ce côté pataud que l’on retrouve chez tous les vieux rockers en panne d’inspiration qui tentent de se la jouer rock’n’roll. Ganafoul a cela dans le sang depuis 1974, et il a toujours cette hargne, ainsi que ce sens de la nuance blues qui rend le titre irrésistible, malgré ses accords de base mille fois entendues. C’est l’apanage des vrais, tout comme les meilleurs groupes de doom-metal qui arrivent à rendre toujours palpitant des bases de Black Sabbath dix mille fois jouées. Sur ce morceau, Gonzalez et Bon se partagent les solos. Leurs jeux sont très complémentaires, comme un vrai très grand groupe rock’n’roll.

Photo : Marco Delavaud

Les vieux loustics retravaillent en introduction de « Never Look Back » la vieille scie « Saturday Night » de 1977, mais en font un nouveau classique, plus sombre, en forme de mantra : ne jamais trop se retourner. « Living Day By Day » est un morceau plus audacieux, mêlant les finesses acoustiques du blues de Jack Bon, leur amour des vieux disques des Rolling Stones et les morceaux épiques de Let It Bleed et Sticky Fingers, et un texte mature et lucide sur leur vision de la vie d’aujourd’hui. Ganafoul se permettait un titre de ce genre pas-de-côté de temps en temps, comme le quasi-reggae « Sometimes » de 1979.

« Love Peace Rock’N’Roll » arrive en hymne absolu du disque, même si « Let’s Go Rocking » lui conteste aisément ce statut. Composée par Jack Bon et enregistrée sur l’unique album des Buzzmen, le groupe la joue en soundcheck pour se caler. C’est vraiment la rock’n’roll song heavy entre AC/DC et Rolling Stones impeccable, avec ce titre en forme de slogan. Yves Rothacher et Luc Blackstone assurent une assise rythmique dense et poisseuse sur laquelle Jack Bon et Edouard Gonzalez s’affrontent aux guitares. La version de Ganafoul est vraiment impeccable, largement à la hauteur des versions live. Le disque aurait pu se terminer là-dessus, mais le quatuor a une dernière cartouche dans la ceinture. « Boogie Man, Rock’N’Roll Singer » est une profession de foi lancée sur un tempo rapide, avec un riff d’une efficacité redoutable. Edouard Gonzalez fait vibrer le trémolo à la Duane Allman. Jack Bon raconte ses rêves de jeunesse, de devenir un vrai musicien de boogie portant la bonne parole à travers le monde. Ce rêve, il l’a fait après avoir vu Status Quo en 1974, mais surtout AC/DC à Londres en 1976 avec Bon Scott au chant. Avec ce titre, on comprend que ces quelques accords ont métamorphosé la vie d’une poignée de gamins de la banlieue lyonnaise entourée d’usines crachant leur suie jour et nuit. Comme pour Bon Scott mais aussi les Black Sabbath, le boogie et le rock’n’roll, c’était l’un des moyens de vivre sa propre vie tout en évitant d’échouer derrière une ligne de production.

Photo : Marco Delavaud

Loin d’être passéiste ou arthritique, Dangerous Times est un disque généreux, vivant, dont le coeur bat au rythme du meilleur boogie, le même qui anima aussi « Green Machine » de Kyuss ou « Regular John » de Queens Of The Stone Age. Certes, les Ganafoul viennent d’une époque plus reculée, mais la foi est intacte, tout comme l’énergie et le talent. Les approximations de jeunesse et les défaillances de la technique d’hier ont été compensées par une maîtrise instrumentale solide, une connaissance musicale d’érudit, et un excellent studio lyonnais qui a capté à l’ancienne ce nouvel album, en direct et en peu de prises. Et cela s’entend et se ressent. Cela aussi, c’est une vraie expérience sonore d’écouter un disque aussi solide pris sur le vif avec des micros dans une pièce, loin des correctifs au Melodine et de tous les logiciels qui rendent la musique stérile. Le stoner et le doom continuent cette voie du vrai studio et de la musique live. Cet album est un excellent exemple de ce à quoi doit ressembler du bon boogie envoyé comme jadis AC/DC en 1977-1978. Le groupe d’Angus Young est bien en peine désormais de faire vivre sa musique. Ganafoul, lui, le peut encore, et brillamment.

UNCLE WOE - Folded in Smoke, Soaked and Bound

noreply@blogger.com (Florian K.) — Thu, 27 Mar 2025 16:30:00 +0000

A l'heure où une grande partie de l'humanité est connectée via le cyber-espace (pour le meilleur et pour le pire me direz-vous), nous avons la chance de vivre avec la possibilité d'avoir la "culture" au bout du doigt. C'est ce que je me suis dit lorsque je me suis plongé dans "Folded in Smoke, Soaked and Bound", le dernier EP des canadiens de Uncle Woe. Etant tombé par pur hasard sur ce disque, j'ai littéralement été happé par l'ambiance lugubre, sombre et mélancolique qui s'en dégage...

"Folded in Smoke, Soaked and Bound", un EP qui cri son désespoir...

Cette aventure sonore prend place dans un univers halluciné dès l'ouverture de la première piste "One is Obliged". Les premières notes me font penser à Earth bien que le tempo soit bien plus rapide (enfin tout semble rapide à côté de ces derniers n'est-ce pas ?). La guitare résonne, prend son temps... tandis qu'en arrière-plan se dresse la batterie qui, bien que discrète, reste l'ossature des morceaux et de cette ambiance. Elle nous accompagne dans ce voyage au coeur d'une forêt de pins noyée dans un épais brouillard où des silhouettes semblent se dessiner ici et là. Soudainement, le chant se matérialise par une voix à la fois mélancolique voire plaintive mais qui nous enveloppe et nous accompagne dans ce voyage... Le dernier tiers du morceau est marqué par un solo de guitare qui vient hurler tout le désespoir et la tristesse que n'ose faire le chant. Puis tout se calme, le titre se termine comme il s'est ouvert : de façon apaisante...

"Of Symptoms and Waves" reprend les codes des américains de Earth : notes de guitares très présentes et lentes, batterie discrète mais qui est un véritable métronome pendant qu'un solo de guitare, toujours mélancolique, vient occuper le devant la scène. Le voyage au coeur des ténèbres se poursuit sans qu'une lueur se dessine. Puis vers la moitié du titre, le rythme s'accélère. Le chant est toujours aussi éthéré, mais gagne en intensité avec un sublime "break" autour de la quatrième minute. Cette intensité continue jusqu'à la fin du titre avec un rythme qui semble plus haché mais dont la batterie se fait nettement plus entendre ; où les percussions sur les fûts viennent parfaitement accompagner jusqu'au dernier râle du chant...

Que faut-il en retenir ?

Vous l'aurez compris, Uncle Woe nous gratifie d'un EP aux accents lugubres et mélancoliques. A la frontière entre doom, sludge et psych, le groupe parvient à nous emmener dans un univers où l'espoir ne semble pas exister. "Folded in Smoke, Soaked and Bound" plonge son auditeur dans un brouillard sonore qui ne le laissera pas de marbre. Attention à ne pas se perdre définitivement dedans... !

FU MANCHU - The Action Is Go

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Fri, 21 Mar 2025 20:21:00 +0000

La jointure entre l’ancien et le nouveau siècle a marqué un tournant créatif dans le rock. Les années 2000 et 2010 ont été le début du déclin commercial de plus en plus rapide de cette musique qui avait dominé la culture adolescente pendant cinquante ans. Le rock de manière générale, et le metal en particulier sont encore très présents sur les ondes. Puis la Loi Toubon imposant un quota de chanson française de quarante pour cent sur les radios viendra tuer la diversité musicale dans le pays. Finis les Metallica, les Guns’N’Roses, les Rage Against The Machine sur NRJ ou Fun Radio.

Depuis le milieu des années 1990, l’adolescent que je suis a tourné le dos depuis longtemps au rock mainstream, les Korn, Fear Factory, Metallica… Fan de Led Zeppelin, Black Sabbath, Motörhead et Deep Purple, je n’arrive pas à retrouver l’héritage de ma musique favorite dans ces nouveaux groupes, hormis chez un Soundgarden. En 1995, la presse Metal française commence à parler d’un groupe californien nommé Kyuss dont l’album … And The Circus Leaves Town tranche avec le son de l’époque. Inspiré de Black Sabbath, Saint Vitus, mais aussi du psychédélisme américain, ce son nommé stoner-rock semble être l’héritier le plus direct de ce que j’aime dans la musique. Un petit buzz enfle autour de cette scène avec les anglais de Cathedral, The Obsessed, Nebula, et un autre groupe californien nommé Fu Manchu.

Fondé en 1990, sensiblement en même temps que Kyuss, il est le pur fruit de la culture californienne : skateboard, van-life, surf, cannabis. Bien qu’entretenant une image vaguement rétro-vintage, ils sont surtout des fumeurs d’herbe en rupture avec le système, préférant faire du skate en écoutant Black Sabbath, Black Flag, les Misfits et Saint Vitus plutôt que de se palucher sur le neo-metal. Cette culture déviante, de rupture, me plaît. Je ne suis ni un fumeur d’herbe, ni un skater, et je n’ai pas de van mais une Peugeot 106. Mais je me sens en connexion avec ces branleurs refusant de faire partie de la culture MTV.

Mon premier album de Fu Manchu, acheté à sa sortie il y a presque trente ans, est celui-ci : The Action Is Go. C’est leur quatrième après No One Ride For Free en 1994, Daredevil en 1995 et In Search Of de 1996. Je les découvrirai plus tard, et je ne regretterai pas d’être tombé amoureux de Fu Manchu. Mais celui qui me fit plonger dans leur monde sonore, ce fut lui, et c’est un classique. Hard’N’Heavy et même Rock&Folk l’avait chroniqué, c’est dire. A l’époque, ce dernier avait un journaliste spécialisé dans le genre : le regretté Cyril Deluermoz. Les premières écoutes me laissèrent assez pantois, surtout en attaquant avec « Evil Eye ». Cela sonnait vintage, plein de groove, mais avec quelque chose de fondamentalement nouveau.

Loin d’être rebuté, j’étais plutôt pris au dépourvu. J’étais en train d’écouter une musique nouvelle qui me plaisait, mais tout était trop riche, trop nouveau. Il y avait tant d’informations, d’innovations dans ce stoner-rock puissant et compact, cela tranchait tellement avec la hype de U2, Rage Against The Machine et Oasis. Pourtant, j’y retrouvais bien mes bases sonores dans ces guitares sales, méchantes, pleine de fuzz, ces solos grinçants, régulièrement transpercés de wah-wah.

On parle alors du line-up mythique de Fu Manchu : Scott Hill à la guitare et au chant, Brad Davis à la basse, Bob Balch à la guitare lead, et Brant Bjork à la batterie, et provenant de Kyuss. Fu Manchu avait auparavant accueilli le batteur Ruben Romano et le guitariste Eddie Glass qui fondèrent Nebula, autre groupe favori de l’époque pour moi. En fait, The Action Is Go est le premier album après un split conséquent suite à In Search Of, Romano et Glass quittant le navire juste après. Fu Manchu doit donc rebondir. Avec Bjork et Balch, c’est chose plus que facile, Hill et Davis ont mis tous les atouts de réussite de leurs côtés.

Le jeu de batterie de Brant Bjork m’avait marqué à l’époque : ce son mat, cette frappe puissante, ce groove impeccable, il était pour moi une sorte d’héritier de John Bonham. La voix de Scott Hill m’avait aussi pas mal marqué. Il ne chante pas vraiment, il scande, il aboie, avec ce timbre de branleur impeccable. Mais c’est tellement ce qu’il faut pour ce groupe, c’est une patte sonore en soi.

A l’époque, le cd offre des possibilités en termes de durée bien plus grande que le disque vinyle. Ce dernier format est alors complètement obsolète, et les albums sont revendus dans les bacs à soldes pour quelques francs. On préfère le cd, plus pratique : les albums peuvent être plus longs, et les premières éditions remasterisées d’albums anciens permettent de mettre de nombreux inédits et bonus. Fu Manchu cède à ce format en proposant un disque de soixante-trois minutes, ce qui est en réalité compliqué à rendre passionnant sur une telle longueur. Mais Fu Manchu va réussir ce pari, comme reboosté par l’arrivée de Balch et Bjork. Il y a une belle tripotée de classiques sur cet album, et il m’a fallu un bon bout de temps pour me les approprier. « Evil Eye », « The Action Is Go », « Burning Road », « Anodizer », « Laserbl’ast ! », « Saturn III » et « Module Overload » sont sur cet album. Et il y a aussi tous les classiques oubliés comme « Grendel, Snowman » ou « Strolling Astronomer ».

Dans ce monde où les sollicitations sont omniprésentes, il est presque impossible de distinguer ce qui est underground ou anecdotique de ce qui va être marquant. Le recul de mon humble personne me permet aujourd’hui de réaliser la vraie ampleur du choc musical que représenta cet album. Il était un vrai tournant, une vraie alternative à la musique mainstream. Personne ne jouait comme Fu Manchu avant eux, ils ont été avec Kyuss une révolution sonore en soi. On pouvait alors écouter un autre rock heavy, se départir du mainstream, et appartenir à une vraie communauté de fans même si le genre stoner en France était fort minoritaire, en particulier en province. Je dois faire partie des rares cinglés dans la région de Toulouse à avoir trippé sur Fu Manchu en 1997. Je me souviens combien ce disque passé dans ma chaîne ou dans mon autoradio de voiture retournait le cerveau de mes copains. C’était trop fou, trop puissant, il y avait trop d’informations. Mais c’était justement cela qui me régalait : le fait de ne jamais avoir fini de découvrir des couches de musique après l’extase initial de la découverte du riff. Il y avait cette basse, ce jeu de batterie incroyable, ces guitares qui ragent et s’entremêlent, cette voix de branleur démoniaque.

J’ai acheté tous les suivants à leurs sorties : King Of The Road en 2000, California Crossing en 2001 et surtout le dantesque double live Go For It… Live ! De 2003. Je me suis littéralement défoncé sur ce stoner-rock infernal, cet sorte de Status Quo heavy, punk hardcore et psychédélique. Le genre n’eut que peu les honneurs de vrais enregistrements live alors qu’il était démoniaque sur ce terrain. Mais il n’attirait souvent que des publics restreints. Fu Manchu comme les Queens Of Stone-Age furent les seuls à pouvoir revendiquer suffisamment d’audience pour produire de vrais lives animés en tête d’affiche.

ROTOMAGUS - The Sky Turns Red - The Complete Anthology | Archéo-chronique

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Sat, 15 Mar 2025 18:11:00 +0000

On peut être fier de notre scène française : Slift, Fuzzy Grass, Mars Red Sky, Barabbas, Dionysiaque, Wizard Must Die… Mais ce ne fut jamais facile pour les musiciens rock en France, que ce soit aujourd’hui ou il y a cinquante ans. Entre la fin des années 1960 et le début des années 1970, une seconde génération de groupes français tentent l’aventure, fortement influencée par la scène anglaise, et en particulier les Rolling Stones, Cream, Jimi Hendrix Experience et Led Zeppelin. Beaucoup ne vont publier qu’un ou deux quarante-cinq tours avant de disparaître, certains musiciens ralliant rapidement la scène variété pour gagner leur vie, abandonnant leurs velléités de porter le son proto-heavy dans le pays de Johnny Hallyday, Sylvie Vartan, Claude François et Carlos.

Beaucoup de choses ont revu le jour ces vingt dernières années, du bon comme du mauvais. Le son dit « pop » français a vu autant les rééditions des Variations ou des premiers Martin Circus que des saucisses inspirées des Charlots et de Michel Legrand. On pensait avoir globalement entendu tout ce qui pouvait être intéressant à ce stade. Mais voilà qu’en 2005, un obscur cinglé anglais a publié une compilation bootleg nommé Têtes Lourdes - Français Metal De Proto : Le Super Rock Serie 1970. Il réunit des morceaux des Variations, de Docdaïl, Quo Vadis, Zoo et un groupe de Rouen nommé Rotomagus. Le journaliste anglais Julian Cope tombe de sa chaise en entendant le morceau « Fightin’ Cock », un titre aussi puissant que les Stooges de la période Raw Power, mais publié deux ans avant, en 1971.

Le mythe grandit, jusqu’à ce qu’un label américain, Lion Records, décide de publier l’anthologie complète de Rotomagus. Il prend contact avec le label français Martyrs De La Pop qui avait réédité leurs deux simples de 1970-1971, ce dernier leur permet d’accéder aux frères Peresse, Sylvain et Pierre, coeur nucléaire de Rotomagus. Ils leur mettent à disposition tous leurs enregistrements, y compris un album complet de 1970-1971 sous forme de démos, mais jamais publié. Et c’est là que la pépite se situe.

Nous sommes en 1967 à Rouen, Normandie. Le bassiste Sylvain Peresse et le guitariste Pierre Peresse sont donc frères, et ont commencé la musique au début des années 1960 avec l’arrivée des premiers disques des Shadows. La famille n’a pas beaucoup d’argent, et Pierre fabrique lui-même sa première guitare. En 1966-1967, les deux frères se passionnent pour Cream et Jimi Hendrix Experience. Ils fondent les Rafals, puis les Crawdaddies, puis CLO 3K, un authentique trio.

Le duo rejoint ensuite un groupe existant de Rouen, déjà solidement implanté : Rotomagus, du nom romain de la ville de Rouen. Il s’agit alors d’un quatuor vocal auquel s’est joint une partie du groupe les Flamingoes dont font partie le batteur Jacky Billaux, et le pianiste Philippe Lhommet. Le guitariste et le bassiste sont partis pour accompagner le chanteur d’origine américaine Freddy Meyer, qui sera signé par Eddie Barclay et remarqué par Brigitte Bardot sur Saint-Tropez.

Rotomagus est alors très loin du proto-heavy-metal. Il est alors influencé par le son californien acidulé psychédélique des Turtles ou des Mama’s And Papa’s. Après le départ du chanteur Richard Louapre, les Rotomagus apparaissent avec leur trio vocal et les frères Peresse. Ils sortent un premier simple : Le Haut Du Pavé/Nevada en 1968. Les chansons sont signées Lhommet, et propose une pop niaise bien en vogue à l’époque en France. Le disque fait un flop, et Rotomagus tente de survivre en concert. Comme beaucoup de formations de l’époque, les répertoires sont composées à quatre vingt-dix pour cent de reprises de titres connus du rock anglo-saxon afin d’attirer le public. Il devient évident que le style emprunté de la formation ne colle pas avec l’évolution rock du moment. Rotomagus décide de mettre le paquet, de bouger plus sur scène, d’improviser et de se monter un light-show psychédélique.

Les conditions de tournée des groupes français sont alors apocalyptiques. Il n’existe pas de circuit rock en France. Il commencera seulement à se structurer en 1971 avec l’apparition des MJCs (Maisons des Jeunes et de la Culture), des salles offertes par les municipalités volontaires pour organiser des spectacles pour les jeunes de toutes sortes : théâtre, musique… Une chose ne changera par contre pas par rapport à avant : un groupe doit être équipé de son propre matériel, sonorisation et éclairage compris. En 1969, les formations rock françaises tournent dans des boîtes de nuit, ou le week-end dans des festivals vaguement inspirés de Woodstock et de l’Ile de Wight. Si la boue est bien au rendez-vous, l’inorganisation règne également en maîtresse. Les sonos sont déplorables, il n’y a pas de loges, et les sites sont généralement de simples champs prêtés par des paysans locaux. La réputation de ces festivals « pop » est désastreuse dans la presse, sorte d’orgies sataniques où la drogue, le stupre et la musique pop se mêlent pour pervertir la jeunesse. Mais ce sont surtout les seuls endroits où les groupes français peuvent se produire devant deux ou trois mille personnes.

Rotomagus fait comme les autres, et écume ce circuit, jusqu’à ce qu’un représentant de CBS, Jean Eckian, les invite à auditionner à Paris. Là, ils prennent attache avec Alain Tobaly et son agence d’organisation de concert d’abord dédié au groupe de son frère Marc, les Variations, et qui s’appelle Booking CBA. C’est alors la seule structure fiable dans le domaine, et Rotomagus va donc pouvoir tourner dans des conditions un peu moins spartiates. L’audition avec CBS est cependant repoussée et transférée au club Voom Voom de Saint-Tropez au début de l’année 1969. La musique de Rotomagus est alors fortement influencée par les nouvelles coqueluches des charts anglo-saxons : les américains de Vanilla Fudge. Ce groupe new-yorkais pratique alors des reprises de soul ou des Beatles totalement réorchestrées de manière grandiloquente, psychédélique et heavy, du fait notamment de la présence du batteur Carmine Appice et du bassiste-chanteur Tim Bogert. L’audition à Saint-Tropez n’est pas un caprice d’Eckian. Tout le gotha musical français et étranger se presse dans la petite ville de pêcheurs devenue cité balnéaire pour happy fews. Le groupe se produit en concert, et commence à être sollicité de toutes parts. Les musiciens, très jeunes, à peine vingt ans, perdent un peu les pédales, mais finissent par signer avec CBS France sur la plage privée du directeur à Juans-Les-Pins.

Il semble que tout s’accélère pour le sextet désormais composé de trois chanteurs (Alain et Bruno Fontaine, Alain Villedieu) et trois musiciens (Sylvain et Pierre Peresse, Jacky Billaux). Le groupe intègre le circuit de première division, en faisant régulièrement la première partie de leur patron : les Variations. Et l’on parle de lieux comme le Parking Foch à Paris, où joueront également les Soft Machine, et d’autres groupes français comme Triangle, les autres espoirs de l’époque. Et puis il y a quelques parties prestigieuses à l’Olympia. Pour Rotomagus, ce sera celle d’Arthur Brown et son Crazy World. Et il y aura encore plein de festivals boueux à Bourges, Le Mans, Saint-Gratien…

Le simple Eros/Madame Wanda sort fin 1969, et marque une vraie évolution vers une musique heavy. Mais à cette époque, Vanilla Fudge est déjà séparé. Même Deep Purple, qui leur a emboîté le pas sur ses trois premiers albums de 1968-1969, est en train de préparer un missile nommé In Rock en 1970. Led Zeppelin a déjà publié deux albums surpuissants, et Black Sabbath a aussi fait son apparition en février 1970. En octobre 1970, les Variations envoient l’album Nador, une fantastique réponse française (chantée en anglais) à Led Zeppelin avec des colorations musicales marocaines précurseuses du fait des origines de trois des membres du groupe, dont le guitariste-fondateur Marc Tobaly.

Rotomagus rame encore dans un rock psychédélique sur ce second single, un peu plus heavy, mais empêtré sur « Madame Wanda » par ce besoin ridicule du rock français de vouloir faire des textes littéraires ampoulés en oubliant le groove des mots sur la musique comme le font les anglo-saxons. Le complexe d’infériorité de la pop-music de l’époque par rapport à la grande chanson françaaaaiiise de Serge Gainsbourg, Léo Ferré, Georges Brassens ou Jacques Brel (qui est belge mais bon) se traduit notamment dans ces titres mal fichus qui peuvent croiser une musique électrique intéressante et des textes sonnant comme si on déversait des gâchés de ciment dans une voiture de sport.

Avec ce simple, CBS a prévu une tournée en forme de tour de France avec le magazine Pop Music, qui réunit le groupe allemand de proto-hard-rock Titanic, les Irresistibles et Rotomagus. Tout est prêt, et les trois groupes se prennent en photo à la manière de Pink Floyd au verso de l’album Ummagumma de 1969 : on voit les trois groupes avec leurs voitures et leurs camions prêts à partir au milieu du boulevard des Champs-Elysées. Mais pour Rotomagus, tout tourne au désastre. Alain Villedieu quitte la formation, plusieurs remplaçants sont essayés, en vain. Francis Basset est appelé à la rescousse à la guitare rythmique, mais la formule ne marche pas. Et les frères Peresse commencent à saturer de porter tout le poids de ce groupe qui ne va nulle part. Il annule finalement sa participation à la tournée CBS, et il sera remplacé à la dernière minute par le groupe lyonnais Chico Magnetic Band alors que toute la publicité est déjà partie. Ce mauvais tour blackliste Rotomagus chez CBS qui les fiche dehors. Malgré une brillante première partie du Johnny Winter Band en mai 1970 à l’Olympia, Rotomagus est cramé dans le circuit. En juillet, le groupe n’existe plus.

Durant cet été, Sylvain et Pierre Peresse décident de fonder leur propre groupe, qui sera un trio notablement influencé par Led Zeppelin et Deep Purple, mais aussi par le blues costaud précédent sans concession de Cream et Jimi Hendrix Experience. Jacky Billaux est invité à reprendre les baguettes, ce qu’il accepte volontiers. Le groupe assemble un nouveau répertoire plus solide et brutal. Il décide également de conserver le nom de Rotomagus, déjà établi. Mais la musique nouvelle est tellement différente de ce qui a précédé que le pari est déjà perdu d’avance, le public ne suivant pas cette nouvelle orientation très brutale et peu consensuelle.

Etabli dans le circuit pop de l’époque, les Rotomagus réussissent à faire enregistrer des démos dans le studio de Boulogne de Loulou Gasté, le compagnon de Line Renaud. C’est un trois-pistes rustique, mais cela sera suffisant pour capter trois musiciens. En quelques sessions, les Rotomagus expédient neuf titres redoutables, qui doivent servir de base à un futur album chez CBS, dont le contrat n’est pas encore officiellement rompu. Un ultime simple réunissant une brutale première version de « Fighting Cock » couplé au plus ampoulé « The Sky Turns Red » avec des choeurs à la Phil Spector sort en 1971 sur le petit label Butterfly. C’est cette version qui va émerveillé Julian Cope. Il n’avait pas encore entendu la version complète issue de la démo de l’album disparu. Elle a vu le jour fin 2011 sur l’album The Sky Is Red : The Complete Anthology. On y découvre un trio totalement possédé par le feu sacré.

Rotomagus n’a désormais plus rien à voir avec son passé pop sur ces bandes de fin 1970-début 1971, ni même avec ses timides tentatives de jouer plus heavy. Il s’agit d’un vrai trio à la Cream-Dust-Blue Cheer jouant lourd et puissant. Dès « Laureline », toute l’énergie des trois musiciens semblent enfin délivrée. Il y a bien quelques choeurs sur le refrain mais cela reste très discret, à la Jimi Hendrix Experience. Jacky Billaux est un vrai batteur solide, tapant juste et fort. Sylvain Peresse fait claquer sa basse, et Pierre Peresse se transforme en guitare-héros heavy. Les choses deviennent très sérieuses avec le fantastique « Little Green Man », longue odyssée électrique de presque six minutes menée de manière implacable. Les solos de Peresse sont éblouissants de feeling et de puissance hard-metal. Rotomagus sonne littéralement comme les Pink Fairies, ce trio anglais brutal qui avait fait ses débuts à peu près à la même époque. Si le morceau parle des extra-terrestres de manière assez naïve, la solidité heavy et la référence green rapproche presque Rotomagus de Kyuss et sa « Green Machine », un autre moyen de s’envoler. La seconde partie du morceau est constituée d’une improvisation plus speed avec un solo enivrant.

La démo offre ensuite une version plus longue et violente de « Fighting Cock », pour le coup véritablement proto-punk. On joue dans la cour des Stooges et de Sir Lord Baltimore et leur « Pumped Up » sur le premier album de 1970. La basse vrombit, le riff tourne, la batterie est jouée pied au plancher, le chant est féroce, possédé. Avec ce morceau, Rotomagus est aux tous premiers avant-postes de la brutalité hard’n’heavy de l’époque. La version longue offre un excellent solo complètement freak-out de Pierre Peresse, Sylvain et Jacky pompant comme des cinglés derrière.

« The Sky Turns Red » est aussi proposé dans une version plus brute, sans ses choeurs encombrants, avec la seule voix de Pierre Peresse. Il retrouve sa mélancolie psychédélique sur sa base de heavy-blues. La guitare égraine de petites notes acides sur une rythmique minimaliste bien présente. Sur ce morceau, Peresse n’a jamais autant sonné du niveau de Paul Rudolph des Pink Fairies. Avec ces trois titres précédents, on est déjà soufflé de l’audace et de l’originalité du désormais trio. Mais « Runnin’ For Life » vient apporter une nouvelle pièce de choix à l’édifice. C’est un boogie échevelé, avec des scories psyché sur le chant. Ca tape très dur, quasiment comme du AC/DC des années Bon Scott. Pierre Peresse se surpasse encore en solo, ne lâchant pas l’auditeur dans le délire électrique, parfaitement soutenu par ses deux camarades à la rythmique. Pour chaque morceau, Rotomagus se donne le temps en jouant entre quatre et cinq morceaux, mais on ne sent aucune hésitation ou petit passage à vide entre deux chorus. Tout s’enchaîne avec fluidité. On rappelle que le groupe n’a à sa disposition que trois pistes.

« I Dig Life » débute par un riff hard-rock tonitruant, un larsen brutal, puis la rythmique mid-tempo et fracassée vient prendre par la gorge l’auditeur. C’est un morceau outrageusement heavy, et outrancier à tous les niveaux dans sa manière de jouer avec la brutalité, entre choeurs et chant solo semblant perdre pied, comme la guitare qui se permet de jouer entre les dissonances et les improvisations plus bluesy. « Shout Life » fait revenir le propos dans un terrain entre hard-rock et heavy-psyché fiévreux. Chez Rotomagus tout est toujours fervent, à la limite de la combustion spontanée.

« Hello The Binaries » est le morceau le plus led zeppelinien de leur répertoire, mais toujours avec ce côté brut et mal embouché qui rend leur musique si particulière, si sauvage. On n’est pas dans le hard-rock bien enregistré, bien soigné, mais dans un bouillonnement sonore jeté sur bande, fourmillant d’idées à chaque mesure. Sur ce morceau, Rotomagus relie totalement Led Zeppelin, appuyant en violence certains aspects, psychédélisant d’autres, comme une confrontation entre le groupe anglais, la guitare d’Hendrix et les Stooges de Fun House pour cette folie crue qui règne en permanence. L’instrumental « The Flufluting Flatmul » clôt le potentiel disque dans un dernier rugissement heavy-psyché, et il y a là encore suffisamment d’idées en une minute et trente secondes pour qu’un bon groupe de stoner tienne deux albums.

La démo restera sur une étagère, et la publication de 2011 a été faite grâce à une bande en possession des frères Peresse. Mais on n’ose imaginer la qualité de la chose proprement remasterisée avec la bande master qui ne doit sûrement plus exister. Il ne s’agira donc que d’un fantasme de fan d’ecstasy électrique. Rotomagus connaîtra aussi un ultime épisode en enregistrant une compilation bon marché de reprises de Led Zeppelin en 1971. A l’époque, les jeunes n’ont pas forcément les moyens d’acheter un album original, voire de tout simplement le trouver. Aussi, de petits labels produisent des compilations des grands artistes, en France comme dans le reste de l’Europe, interprétées par des formations locales ayant faim. Cela sonne évidemment moins bien, la pochette est souvent stupide ou moche, mais même un Thin Lizzy se prêtera au jeu en 1972 pour gagner un peu d’argent en enregistrant des reprises de Deep Purple sous le nom de Funky Junction.

La découverte tardive de l’oeuvre électrique de Rotomagus va bousculer certaines certitudes sur le rock en France et sa prétendue médiocrité. Que serait devenu Rotomagus si il avait signé avec une major et avait publié un tel album ? On peut spéculer, mais la réalité aurait de toute façon tué rapidement leurs ambitions. Les Pink Fairies, pour anglais qu’ils furent, et signés chez Polydor, ne connurent qu’un succès timide du fait de leur trop grande radicalité au milieu de l’époque du rock progressif. Par ailleurs, les anglo-saxons ont toujours été chauvins, et malgré tout leur talent, les Variations comme Trust ont eu le plus grand mal à se faire accepter, devant jouer dix fois mieux que les autres pour se faire accepter. En tout cas, peut-être que comme les Stooges, on se souviendrait y compris aux USA et en Grande-Bretagne de ce groupe culte français qui avait sorti un album géant en 1971. Cela sera finalement réparé en 2011, alors qu’un public friand de sonorités heavy-psyché, amateurs de vieux groupes vintage comme de stoner et de doom, était désormais prêt à recevoir une telle offrande sonore.

Les écoutes du mois - Mars 2025

noreply@blogger.com (Kevin) — Wed, 12 Mar 2025 17:17:00 +0000

Year of the Cobra - Year of the Cobra

Year Of The Cobra by Year of the Cobra

Amy Tung Barrysmith and John Barrysmith sont de retour avec un troisième album. Le gros revient tout en lourdeur, Amy laisse parler toute sa rage et son désespoir. Des titres comme Daemonium qui parle du viol ou Alone sont des titres puissants.

Pour ma part Year of The Cobra joue du dark stoner doom, ils ont les riffs fuzzés et la lourdeur classique du genre, mais leur thematique et la gravite des paroles les rapprochent plus de ce qu'on peut retrouver dans le Post Hardcore.

J'adore cet album et je le repasse assez souvent malgré sa noirceur.

Bikini Beach - Cursed

Cursed by Bikini Beach

Si vous cherchez du stoner qui penche plus vers le garage psy, j'ai ce qu'il vous faut avec les allemands de Bikini Beach. Au menu des riffs tout en fuzz, de la reverb et du GROOOVEE !

Last Words est fantastique ainsi que Liar Liar ou Until You Die.

Cursed se compose de 13 titres donc vous avez à boire et à manger

Ironrat - Beneath it all

Beneath It All by Ironrat

Du stoner metal bien sale qui balance des gros riffs. Le chanteur est un peu limité mais on n'est pas là pour ça. Les gratteux jouent bien et on se retrouve rapidement à headbanger comme un petit fou

Pothamus - Abur

Abur by Pothamus

Ma plus récente découverte et une des plus belles. Est-ce que ça vous est arrivé de vous demander en écoutant Om ou Wyatt E que se passerait il si c'était plus metal ? Si on gardait un côté abrasif avec des growls ici et la ?

C'est le parti pris des Belges Pothamus qui oscille entre moment hypnotique et gros riffs de maçon. Zikharta et surtout Abur et ses quinze sont les titres clefs qui vous ouvre les portes du monde de Pothamus

Havukruunu - Tavastaland

Tavastland by Havukruunu

Il m'a fallu l'écouter plusieurs fois pour l'apprécier à sa juste valeur. On retrouve du black old school a la Bathory mélangé à du heavy metal. C'est rauque mais pas trop violent, la guitare venant contrebalancer les moments rudes que le groupe peut proposer. On est dans le territoire du pagan folk mais ici pas de flutiau plutôt de la guitare acoustique pour souligner les passages les plus calmes. “Tavastaland” est une ode à l'histoire finlandaise et un très bon album avec aucun temps mort.

BLACK PYRAMID - The Paths Of Time Are Vast

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Fri, 07 Mar 2025 17:00:00 +0000

On ne dira jamais assez combien il est difficile de jouer une musique originale et sans contrainte de forme aujourd’hui. Cela l’a été d’autant plus au tournant des années 2000-2010. Le marché du disque physique périclite alors, menacé par les plate-formes de streaming naissantes, et les réseaux sociaux ne sont pas encore aussi puissants. Les petits groupes de doom et de stoner ne peuvent donc compter que sur le soutien de quelques pages Facebook et sur des sites internet dédiés qui tentent de les faire connaître, la presse musicale généraliste se fichant éperdument d’eux, et les médias musicaux ne passant quasiment plus de rock sur ses antennes.

Black Pyramid a vu le jour en 2007 dans ce paysage compliqué à Northampton, dans le Massachusetts. C’est une petite ville campagnarde au nord de Springfield, dans un secteur qui verra aussi éclore Elder. Andy Beresky est un jeune guitariste local à la recherche d’un nouveau souffle après avoir dissous son précédent groupe, Palace In Thunderland. Il poste une petite annonce sur le site Stonerrock.com, et est contacté par le batteur Clay Neely. Les deux hommes habitent Northampton, c’est une chance. Eric Beaudry en devient le bassiste, et Beresky assemble rapidement ce qui doit être la ligne de conduite du trio. Il s’appellera Black Pyramid selon quatre axes : la référence aux OVNIs dont les premières observations parlent de pyramides noires, le LSD ouvreur de conscience, la magie occulte de Aleister Crowley et Anton LaVey, et enfin le mythe égyptologique. De ce fait, la musique s’oriente vers un doom-metal psychédélique dense. C’est un label belge, Electric Earth Records, qui publie leur premier EP en 2008.

Grâce à celui-ci, Black Pyramid se fait remarquer par le mythique label stoner Meteor City qui publie leur premier album, Black Pyramid le 14 juillet 2009. Le groupe a fait d’énormes progrès. Eric Beaudry a été remplacé à la basse par David Gein. Les compositions sont signées du duo Beresky/Neely, Matt Washburn s’est occupé de la prise de son, étroitement accompagné par Clay Neely. Black Pyramid se démarque puissamment du reste de la scène avec un son qui doit autant à Sleep, Black Sabbath, Pentagram qu’à Kyuss et Unida. Le disque propose la totalité du matériau accumulé depuis deux ans, comme ce réenregistrement de « Visions Of Gehenna ». Le groupe prend le temps de développer ses thèmes puissants et pesants, atteignant très régulièrement les sept minutes. Mais il n’y a pas une note à jeter sur cet album fabuleux, qui brille au firmament grâce à « Mirror Messiah », mais aussi les épiques « The Cauldron Born » et « Wintermute ». Le trio est d’une agilité musicale rare, renouvelant conséquemment le genre doom avec un son plus psychédélique là où Reverend Bizarre en Finlande croise sa musique avec le minimalisme du black-metal de Bathory et Darkthrone.

Malgré les difficultés liés à la distribution de l’époque, le bouche-à-oreille et leur page MySpace permet de diffuser l’album, tout comme le site Stonerrock.com. Il reçoit des éloges de partout, et Black Pyramid commence à recevoir des invitations de concerts en Europe où la scène stoner et doom est très dynamique. Parallèlement, Meteor City Records les encourage à maintenir la pression. Le trio enchaîne les split-albums en 2010 et 2011 dont celui avec Old One et un autre avec Tenspeed Warlock, et les EPs comme Mercy’s Bane et Stormbringer. Le label Hydro-Phonic Records sort en mai 2011 une compilation nommée Stormbringer réunissant tous ces titres inédits hors albums.

Black Pyramid II arrive le 11 novembre 2011. C’est un pas de géant pour le trio. Il s’est écarté de son côté marécageux et acide pour se tourner vers une musique plus solide et charpentée qui se rapproche davantage d’un Elder. L’album propose des titres plus courts, mais aussi des épopées fantastiques de plus de dix minutes comme « Dreams Of The Dead » et « Into The Dawn ». Avec une heure de musique au compteur, tout est meilleur : le chant de Beresky, son jeu de guitare, la rythmique implacable de Neely et de Gein. Toujours emballé dans une magnifique pochette peinte signée Michael « Warble » Finucane, Black Pyramid II emmène Black Pyramid vers des sommets de reconnaissance musicale, notamment par des morceaux prodigieux et épiques comme « Into The Dawn ».

Mais le trio semble toucher un peu trop vite le soleil, et Andy Beresky commence à se cramer. Il joue de plus en plus souvent et notamment en Europe, et la vie de famille du guitariste commence à sérieusement en souffrir. D’autre part, il se sent pris au piège du potentiel futur album qui doit être meilleur. Pris de crises d’angoisse, mal dans sa peau, lentement rongé par les expédients qui servent à tenir sur la route, il finit par quitter brutalement Black Pyramid, décapitant littéralement la formation.

Clay Neely et David Gein décident de poursuivre, et embauche le guitariste-chanteur Darryl Shepard. Le pari est extrêmement risqué, car ce poste dans un trio est évidemment la signature sonore du groupe. Les camarades d’Hydro-Phonic signe Black Pyramid nouvelle formule, et un troisième album sort le 2 avril 2013 : Adversarial. La pochette signée Eli Wood signifie à elle seule l’immense adversité que le groupe a dû traverser. Contre toute attente, la sonorité du groupe est préservée dans son esprit stoner-metal doom. La voix de Shepard choque un peu, plus sludge et thrash que Beresky. Mais dès le fantastique « Swing The Scimitar » introductif de presque douze minutes, le Black Pyramid de Neely, Gein et Shepard s’impose. Lorsqu’Andy Beresky l’entend pour la première fois, il ne reconnaît pas son ancien groupe. Mais avec le recul, il avouera qu’étant donné son départ brutal et la situation dans laquelle il les a mis, Neely et Gein ont réussi un sacré tour de force.

Beresky a remonté son ancien groupe Palace In Thunderland qui sortira le très intéressant album In The Afterglow Of Unity en 2015. Mais le quatuor stoner se limite à tourner autour de Springfield pour ne pas interférer avec les vies de famille de chacun. Cette même année 2015, Black Pyramid sort l’ultime simple Open The Gates/Dead Star. Mais le trio n’intéresse plus personne. En 2016, Andy Beresky, Eric Beaudry et Clay Neely commencent à discuter de reformer le Black Pyramid original.

Quelques concerts sont joués avec un vrai enthousiasme du public stoner. L’annonce de la reformation du Black Pyramid original commence à bruisser, les fans espérant un nouvel album prochainement. Mais c’était sans compter sur les conflits nés des deux line-ups successifs. Beresky fut le leader du premier, Neely du second, avec une égale réussite musicale, mais avec des approches un peu différentes. Et les deux hommes finissent pas ne pas trouver de terrain d’entente, amenant au départ de Neely en 2018. David Gein et Darryl Shepard avait formé après 2016 leur propre groupe The Scimitar, Clay Neely les a rejoint, créant une sorte de Black Pyramid alternatif.

Il va pourtant falloir attendre six ans supplémentaires pour entendre un nouvel album de Black Pyramid. La crise du COVID ne va évidemment rien arranger, et c’est finalement en juin 2022 que le trio composé d’Andy Beresky à la guitare et au chant, d’Eric Beaudry à la basse et d’Andy Kivela à la batterie se retrouve au Sonelab Studios situés à Easthampton, dans le Massachusetts bien évidemment. Avec les difficultés de pressage de disques cd et vinyle, l’album ne sortira finalement que le 3 mai 2024. Il s’appelle The Paths Of Time Are Vasts.

C’est un retour au stoner-metal doom de l’époque Black Pyramid II, mais avec une touche psychédélique plus prononcée. La musique est également plus mâture dans son écriture, mais la patte sonore mythique du groupe est bien là, vivante, intacte. Les morceaux sont quasiment tous au long court, et imposent la vision désormais très libre et spirituelle qu’a Beresky de la musique de Black Pyramid. Désormais tous quarantenaires, ces trois hommes n’attendent plus d’être des rock-stars. Ils sont modestement des légendes du stoner-doom, ce qui est déjà en soi une belle reconnaissance. Et ils en sont pleinement conscients. Aussi jouent-ils une musique décomplexée à tous les niveaux, ne s’imposant rien en terme de rendu sonore ou d’attente potentielle. Et c’est bien ce qui fait de ce nouveau disque toute sa fraîcheur.

L’écriture de Beresky combinée à celle de Beaudry permet de faire revivre Black Pyramid. Il leur suffit juste de souffler un peu sur les braises pour ranimer le feu sacré. Et cela est évident dès « Bile, Blame, And Blasphemy » et ses douze minutes prenantes. « The Crypt Of The Borderlands » ranime le brasier du premier album, avec son riff et sa rythmique pesantes. Les intonations du jeune Beresky reviennent également à l’oreille. Mais le trio y ajoute une dimension épique brillante pour apporter de la lumière à ce tapis de doom-metal noir et massif.

« Astral Suicide » vient apporter une courte accalmie psychédélique à la sonorité douce amère, avant l’arrivée du dévastateur « Take Us To The Threshold ». Black Pyramid expérimente des approches thrash-black étonnantes sur les couplets avant de revenir à un doom-metal âpre sur la suite. Après tout, l’un des pionniers du black-metal, Celtic Frost, ne fut-il pas aussi un pionnier du doom-metal ? C’est en tout cas une réussite dévastatrice, avec ses rebondissements de riffs féroces, et ses choeurs martiaux à la Grand Magus.

Le coeur du disque se situe dans la vaste suite nommée « The Paths Of Time Are Vasts » découpée en trois parties. Black Pyramid se livre littéralement à un exercice de rock progressif, mais sans se départir de son identité et de sa fureur originelle. La Part 1 est une petite introduction de presque deux minutes qui prépare l’auditeur au voyage sonore à venir. La Part 2 le plonge dans le grand bain heavy-doom. La section rythmique groove merveilleusement. La patine vocale de Beresky lui donne davantage d’expression, de nuances, même sur des lignes relativement monocordes. Le groupe se lance dans plusieurs accélérations que ne renierait pas le Black Sabbath de 1972. Black Pyramid assume totalement son côté seventies avec sa wah-wah, et son boogie à la Budgie. La Part 3 est absolument fascinante avec ses claviers lumineux, sa basse luxuriante à la Geezer Butler, et les percussions inventives de Kivela aux percussions. Beresky se transcende à la guitare, se transformant en David Gilmour stoner-metal. Black Pyramid a toujours aimé ces codas instrumentales mélancoliques et planantes, comme sur « Into The Dawn » ou « Swing The Scimitar ». L’atmosphère est éminemment plus psychédélique, mais l’esprit reste intact. Andy Beresky est néanmoins devenu un soliste bien meilleur, plus fin, et n’hésite à se lancer dans des chorus mélodiques qui apportent une bouffée lyrique supplémentaire à la musique.

Après ce monument, Black Pyramid clôt son album avec « The Quantum Phoenix », un massif morceau de presque seize minutes. Il commence comme une sorte de lente procession acid-blues, puis le riff se durcit peu à peu, et le tempo devient plus lourd. Puis le thème explose comme un vortex doom-blues infernal avec sa rythmique instable ballottant l’auditeur. On est pris dans ce trip noir et inquiétant. La lumière pâle de « The Paths Of Time Are Bast » s’est éteinte pour laisser place à une marche implacable dans le vent et la poussière. Puis le morceau se redresse, il se fait plus épique et émouvant. Andy Beresky emmène l’auditeur avec lui sur son solo très Led Zeppelinien. Le titre s’est d’ailleurs mué en une sorte de « No Quarter » doom-metal. Une accalmie psychédélique vient apporter un peu d’air avant que l’orage ne se mette à gronder de manière assez inattendue. Après la douzième minute, le morceau se durcit brutalement avec un riff apocalyptique et un chant possédé qui rappelle Slift. Puis c’est la rythmique qui se met à devenir folle, prenant un tempo quasi-black-metal. Le doom-metal hypnotique revient cependant rapidement, mais cette envolée originale montre que Black Pyramid ne se ferme à rien comme audace sonore.

Il a fallu attendre onze longues années pour entendre un nouveau disque de Black Pyramid, treize pour réentendre la guitare et la voix d’Andy Beresky. Mais quel disque, mes amis. The Paths Of Time Are Vast est un retour de luxe avec un disque au moins aussi bon que ses trois prédécesseurs, si ce n’est meilleur, la maturité aidant. Le groupe n’a en tout cas pas décidé de jouer la carte du revival plan-plan. Il s’agit d’un vrai album original, nouveau, plein d’innovations et de pas en avant. On espère simplement qu’il ne nous faudra pas attendre plus de dix ans pour attendre le suivant, et que quelques concerts européens verront le jour.

The Paths of Time Are Vast de Black Pyramid

SERVO + TRAMHAUS - LE CHABADA, ANGERS - 28/02/2025

noreply@blogger.com (Florian K.) — Mon, 03 Mar 2025 17:00:00 +0000

Il y a des jours où les décisions spontanées sont les meilleures qu'on puisse prendre. Prendre le billet pour le concert des français de SERVO et les hollandais de TRAMHAUS fait partie de ce genre de décision. Si pour les premiers je savais à quoi m'attendre, ce n'était pas le cas pour les seconds (bien qu'ils soient passés au Lévitation il y a deux ans, allez savoir pourquoi je ne m'en souviens pas !). C'est dans la file d'attente que nous entendons le set de SERVO se lancer, quelques minutes plus tard, nous sommes enfin dans l'antre musicale afin d'assister à cette messe psychédélique en bonne et due forme.

Amateurs de riffs hypnotiques ? De percussions endiablées ad-nauseam ? De lignes de basses qui viennent meubler l'ensemble sonique ? Ne cherchez pas plus loin, SERVO est fait pour vous. Ces premières étiquettes viennent rapidement coller à la musique du groupe, mais tout au long de son set, le groupe a su alterner, avec brio, les titres de ses albums. Et autant dire que certains sont plus énervés, plus "garage" (voire presque "indus") que d'autres. Dans ce déluge sonore, la voix d'Arthur, vient guider les pèlerins qui assistent à cette messe en se posant habilement par dessus les instruments : cette voix particulière, grave mais puissante et qui semble résonner à travers la salle. Nous avions déjà vu le groupe, il y a quelques années au Joker's Pub d'Angers, et on ne peut que constater que le trio a gagné en maturité mais aussi en confiance dans leur prestation live. Mention spéciale au titre "Glitch 2.1" du dernier album qui offre, à lui tout seul, un excellent panorama de ce que propose le groupe en alternant riffs hypnotiques et énervés et des moments comme suspendus dans le temps, notamment lorsque résonne la voix d'Arthur dans la second partie du titre. Notre seul regret c'est que cette première partie est passée bien trop vite, on aurait aimé encore pouvoir se mouvoir sur les riffs puissants, lourds et ensorcelants de SERVO !

Après une bonne dizaine de minutes de pause, les hollandais de TRAMHAUS prennent place sur scène. Le groupe a sorti ses premiers titres en 2022 et s'est taillé une place de choix dans la scène underground en l'espace de quelques années. Il faut dire qu'il a été particulièrement prolifique en trois ans avec pas moins de six EP et un album "The First Exit" sorti en 2024. Le quintet démarre son concert sans y aller par quatre chemins avec son garage-punk aux accents contestataires, porté par son chanteur qui assure avec brio son rôle de frontman. TRAMHAUS propose une large palette sonore avec des accents très variés : "Once Again" peut faire penser aux RHCP tandis que "The Cause" trouve sa puissance dans les racines punk. La performance live est dantesque bien que le chanteur précise à l'audience qu'ils sont un peu "fatigués" ce soir. Pendant une heure, on a tout sauf eu cette impression : les titres se sont enchainés les uns après les autres, proposant sessions enragées et moments - légèrement - plus posés.

Le Chabada nous a donc régalé avec sa programmation "Lévitation" en attendant la prochaine édition qui aura lieu fin juin au Lac de Maine (enfin, le festival quitte le parking du Chabada). La prestation live de SERVO et de TRAMHAUS aura marquée le public angevin ce soir, qui s'est facilement pris au jeu de danser (attention, rien de bien violent, c'est la douceur angevine !) avec quelques petits pogos. Dans tous les cas, vous l'aurez compris, on a pris notre pied et si jamais vous avez l'occasion de voir l'un des deux groupes prochainement, vous pouvez y allez les yeux fermés pour peu que vous soyez un amateur de rock psyché à tendance industrielle et de garage-punk !

NAXATRAS - V

noreply@blogger.com (Kevin) — Wed, 26 Feb 2025 17:27:00 +0000

Naxatras est un groupe spécial pour moi. J’ai pu les voir plusieurs fois leur de leur premières années, la raison pour laquelle je les poursuivais ? Ils avaient ce talent de te transporter loin, très loin des les premiers riffs. Je me rappelle d’une fois au DesertFest où je voulais bouger pour aller voir The Obsessed qui jouait en même temps mais peine perdue.

Dès les premières notes le groupe m’a embarqué dans leur mode bariolé et étrange. Sauf que pour moi la magie a été rompue avec IV. Les grecs ont décidé d'arrêter les jams psyché pour se mettre au rock progressif et c'était un gros non pour moi. Ce n’est pas que c’est mauvais c’est juste que leur musique semblait si naturelle et la elle était devenue plus réfléchie, plus intelligente et moins instinctive. Je me retrouvais laissé sur le bas-côté de la route au lieu de monter dans le vaisseau spatial. C’est donc avec une certaine appréhension que j'écoute ce V.

V est le retour de Naxatras au sommet

Celestial Gaze démarre doucement et on a déjà la nouveauté de V avec ce clavier ma foi très Krautrock.

Spacekeeper est là pour me rassurer. Si le premier titre gardait la touche prog de l’album précédent, Spacekeeper est ici pour rappeler à leur fan que le quatuor peut envoyer de nouveau leur fan dans l’espace s’ils le souhaitent. Un moment magique et probablement mon morceau préféré de l’album.

Numenia nous embarque dans un univers oriental, ou la mélodie jouée n’est pas s’en rappeler les groupes rocks maliens Tinariwen en tête mais qui aurait fait un bœuf avec King Gizzard. Une vraie belle surprise ! Utopian Structures est là pour faire des expériences prog/psych ou le clavier et la guitare tissent des nappes à travers le brouillard. Breathing Fire repart sur le style à la King Gizz pour nous proposer un morceau bouillant. Un morceau juste excellent et que Legion emboite sans changer la vibe installées par Breathing Fire.

Sand Halo est un autre morceau qui vous fait monter dans le vaisseau spatial pour un voyage interstellaire. C’est super vintage et très groovy ! The Citadel est LE morceau de fin. Chaud et réconfortant qui encore une fois ressort cet esthétique retro que Naxatras a construit dans ce joyau qu’est V.

CONCLUSION

2025 démarre fort avec déjà de belles sorties et je peux dors et déjà annoncer que cet album sera dans un grand nombre de Top de fin d'année.

Impossible pour moi de ne pas apprécier ce nouvel opus des grecs de Naxatras. Le groupe, qui fête ses dix ans cette année, poursuit avec brio sa carrière. "V" est un petit joyau psychédélique qui berce son auditeur de délicieuses mélodies prog-rock et psych. On reste bien évidemment dans un univers connu, mais Naxatras parvient, une fois encore, à se réinventer. Un must-have de l'année 2025 ! - Florian K.

V de Naxatras

CHICKEN SHACK - Imagination Lady | Archéo-chronique

noreply@blogger.com (Julien Deléglise) — Wed, 19 Feb 2025 16:30:00 +0000

Les origines du stoner-rock sont triples : le heavy-rock seventies et notamment Black Sabbath, le punk et le rock garage psychédélique de la fin des années 1960. Quelle est la différence entre du heavy-rock ayant influencé la scène du stoner et le hard-rock classique ? Eh bien c’est justement que le second est de facture plus structurée, le premier est une recherche du shoot d’adrénaline, quelque chose de l’ordre du trip et de la rupture de certains codes sonores. Black Sabbath est parti du blues-rock anglais de la fin des années 1960 pour en faire une musique alourdie, où tout est poussé dans l’extrême : la voix de train fantôme d’Ozzy Osbourne, la guitare à l’accordage si spécial de Tony Iommi, le jeu aux doigts attaquant littéralement les cordes de Geezer Butler, et les roulements de caisses cataclysmiques de Bill Ward. Led Zeppelin avait déjà transgressé les codes du blues-rock anglais, Black Sabbath en a fait une matière entièrement nouvelle, faite pour ceux qui veulent s’exploser la tête après une journée de boulot. Parfois, cet esprit tient sur un seul album, certains en font une carrière complète.

A Birmingham, il n’y a pas que Black Sabbath. La ville offre une scène rock très intéressante en 1970 : Move, Traffic, Trapeze, Chicken Shack… Tous ont la particularité de n’être pas toujours très bien acceptés par le petit monde londonien qui voit en ces brummies (le surnom méprisant des gens du Nord industriel de l’Angleterre) des ploucs sans subtilité. Néanmoins, ils ont tous la particularité d’avoir à-minima connut le succès, dans leur propre pays ou aux USA.

Chicken Shack est un des fondateurs de la petite scène de Birmingham. Leur carrière remonte à 1965 à Stourbridge, lorsque le jeune guitariste-chanteur Stan Webb décide de fonder son groupe dans la lignée de John Mayall And The Bluesbreakers qui comprend alors comme guitariste un certain Eric Clapton, et dont l’album Blues Breakers de 1966 va révolutionner la prise de son de la guitare. Lors de l’enregistrement, Clapton refuse de brancher sa guitare dans la table de mixage comme tout le monde. Il souhaite conserver le son de sa Gibson Les Paul branchée dans un énorme Marshall 100W que Mayall a surnommé le Blues Breaker. Webb est fasciné par ce disque, et décide d’orienter son groupe vers ce son puissant et irrévérencieux, tout en conservant la structure du blues américain de BB King et de Freddie King.

En 1967, le quatuor est composé de Webb, d’Andy Silvester à la basse, du batteur noir Alvin Sykes et d’une femme au piano et au chant : Christine Perfect. Le groupe s’est baptisé Chicken Shack, car il répète dans l’ancien poulailler du père de Sylvester, et c’est là que Mike Vernon, responsable du label Blue Horizon, va les voir répéter après avoir reçu leur démo et les avoir vu en concert. Sykes doit retourner aux USA, il est remplacé par Hughie Flint, puis par Dave Bidwell en 1968. Chicken Shack est alors prêt à enregistrer son premier album.

Il va falloir réussir à saisir sur bande l’insaisissable, à savoir leur énergie féroce. Webb est un show-man redoutable, jouant couché par terre pendant ses solos, ou descendant dans le public grâce à un câble gigantesque, s’asseyant sur les genoux de spectateurs ou buvant une bière au bar tout en jouant. L’autre atout, c’est Christine Perfect avec son jeu de piano puissant et rythmique, et sa voix grave et profonde parfaitement adaptée au blues. Elle est par ailleurs une excellente compositrice, et écrit la moitié des morceaux originaux, laissant à Webb l’autre moitié.

40 Blue Fingers, Freshly Packed And Ready To Serve sort en 1968, suivi de OK Ken ? en 1969. Le premier est 12ème des ventes anglaises, le second 9ème. Ce dernier est porté par le simple chanté par Christine Perfect, une reprise d’Etta James nommée « I’d Rather Go Blind », et qui montera à la 14ème place des ventes en Grande-Bretagne. Malgré la méfiance de la presse musicale qui trouve Chicken Shack trop outrancier, le public adore. Le groupe a par ailleurs inventé une formule inspirée de John Lee Hooker : le boogie. Il le met à sa sauce en en faisant un tempo entêtant et appuyé, avec un riff simple qui peut tourner en boucle pendant des minutes et des minutes, le tout entrecoupé de solos furieux. Un jeune groupe psychédélique anglais, alors à la dérive après l’échec de ses deux premiers albums, et qui assure la première partie de Chicken Shack au fin fond de l’Angleterre, écoute religieusement les prestations de Stan Webb et de ses camarades durant lesquels ils appuient encore un peu plus sur ce boogie entêtant. Il s’appelle Status Quo. Sur OK Ken ?, on en a une merveilleuse démonstration sur le morceau « Tell Me », chef d’oeuvre du genre.

Avec le succès de « I’d Rather Go Blind », Christine Perfect a brillamment démontré tout le talent d’une femme dans le monde très macho de la musique et du rock. Cependant, elle va se plier au contrat social de l’époque. Après avoir épousé le bassiste d’un autre grand du blues anglais, John MacVie du groupe Fleetwood Mac alors mené par le guitariste Peter Green, elle décide qu’il n’est pas possible d’être près de son mari en jouant dans un autre groupe. Elle décide donc de devenir la parfaite épouse, d’accompagner son homme partout et de quitter Chicken Shack. Elle s’ennuiera vite, et enregistrera un premier album solo homonyme en 1970 avant de rejoindre Fleetwood Mac la même année.

Pendant ce temps, Chicken Shack passe des auditions et embauche Paul Raymond au piano. Le groupe a clairement perdu beaucoup en terme de personnalité, et dans un premier temps, Stan Webb n’arrive pas à compenser le manque de Christine Perfect, les deux ayant eu un jeu amoureux avant que la jeune femme ne succombe à John MacVie, laissant un Webb blessé. Le groupe tente d’exploiter la veine du boogie avec l’album 100 Ton Chicken en octobre 1969. Le disque n’a de lourd que le nom. Après la sortie de I de Led Zeppelin en janvier et Beck-Ola du Jeff Beck Group en juin, leur musique semble un peu fade.

En mai 1970, Chicken Shack tente de rectifier le tir avec un disque plus élaboré et plus rock : Accept. L’album n’a aucun succès en Grande-Bretagne, mais récolte de jolis scores en Allemagne. Un de ses fans allemands nommera même son futur groupe du nom de cet album : le chanteur Udo Dirkschneider. Sur le disque on peut notamment entendre « Diary Of Your Life » et surtout « Telling Your Fortune », sorte de freak-out mêlant heavy-blues et rock acide sur lequel Stan Webb se déchaîne comme un dément à la guitare.

Mais la situation de Chicken Shack est véritablement à la stagnation. Stan Webb ne s’en fait pas trop, et passe beaucoup de temps à picoler et faire le con avec son copain John Bonham, le batteur de Led Zeppelin, ce dernier étant lui aussi, comme le chanteur Robert Plant, originaire de Birmingham, et particulièrement de Stourbridge, une bourgade alors rurale de la périphérie de la grande ville industrielle.

Il ne va ainsi pas voir arriver le départ des trois-quarts de son groupe pour Savoy Brown. Ce dernier est un autre pilier de la scène blues anglaise, et dont la carrière décolle aux Etats-Unis après d’incessantes tournées, et un rythme de sortie d’albums de deux par an. Le guitariste et leader Kim Simmonds se retrouve seul en 1971 après le départ de l’ensemble de ses musiciens, partis fonder Foghat. Il fait une véritable razzia sur les musiciens de Chicken Shack, excellent dans le nouveau style que Savoy Brown veut développer aux USA : le boogie. Raymond, Silvester et Bidwell signent des deux mains pour une telle opportunité, et Savoy Brown est complété par le chanteur de Birmingham Dave Walker, qui sera un furtif remplaçant d’Ozzy Osbourne dans Black Sabbath en 1977-1978, mais qui composera trois titres avec eux pour l’album Never Say Die.

Au final, Stan Webb se retrouve seul, et de plus sans label, le contrat avec Blue Horizon ayant pris fin, et les ventes n’ayant pas donné satisfaction alors que le label s’oriente vers une musique plus progressive. Malgré son apparent je-m’en-foutisme, Stan Webb est blessé. Il vient de passer de sensation du Festival de Jazz de Montreux 1970 à rien en quelques mois.

Webb décide de passer des auditions, et seuls quelques jeunes volontaires sans carrière particulière se présentent, renforçant la sensation de loser du guitariste. Qu’importe, il recrute deux musiciens plein de jus : le bassiste John Glascock et le batteur Paul Hancox. Le premier joue comme Jack Bruce de Cream en plus sale, le second joue comme un mélange de John Bonham et de Bill Ward. Chicken Shack devient un trio, et Webb l’éprouve consciencieusement sur scène durant l’année 1971. Chicken Shack a rejoint le circuit des universités et des pubs. Il faut savoir que certains d’entre eux disposent d’une vraie salle de concert dans un bâtiment de bois monté en arrière-cour, et pouvant accueillir un millier de gamins. On est donc loin du concert minable devant dix cinquantenaires chauves buvant des pintes à dix balles devant un mange-debout. Le nouveau Chicken Shack se fait donc les dents ainsi, et se voit proposer un contrat chez DERAM, la filiale progressive de DECCA. Elle accueille une bonne partie du blues-rock anglais : Savoy Brown, Keef Hartley Band, Hemlock… Chicken Shack va donc proposer un disque « progressif » à sa sauce.

En octobre 1971, Chicken Shack entre aux Olympic Studios de Londres, et expédie en quelques jours sept morceaux. L’album est produit par Neil Slaven, l’homme-clé du blues anglais sous toutes ses formes. Il sait mettre en avant l’interprétation live et la chaleur d’une captation intense. Le 4 février 1972 sort l’album Imagination Lady. La pochette ouvrante, magnifique, montre en premier lieu une peinture d’une sorte de Stan Webb en forme de lord anglais qui voit sortir de sa tête une silhouette féminine ailée. Au verso, on voit une jeune femme dans un cortège naturel, dont l’allure ressemble étrangement à Christine Perfect en 1968. Il semble que Stan Webb fasse référence à ce sentiment amoureux déçu sur cet album, qui va sans doute alimenter une des colères nombreuses de ce disque.

Car Imagination Lady est un disque de blues à la fois heavy et proto-punk dans l’esprit des Pink Fairies à la même époque. Stan Webb n’a jamais joué aussi lourd, aussi fou, aussi puissant. Glascock et Hancox établissent une rythmique brutale, virtuose et outrancière. Ils jouent comme des forcenés, et Stan Webb aime cela. Il a trouvé son groupe, et les portraits en noir et blanc montrant les musiciens dans la pochette intérieure et signés Brian Ward symbolisent un groupe uni, même si Webb semble grave. Le ton un peu brumeux du grain donne un aspect urbain et poussiéreux.

Sur cet album, Stan Webb croise compositions originales et reprises bien senties dont « Crying Won’t Help Me Now » de Tampa Red, « If I Were A Carpenter » de Tim Hardin, et « Going Down » de Don Nix. « Telling Your Fortune » bénéficie d’une nouvelle interprétation plus brutale avec un vrai bon solo de batterie de Paul Hancox au milieu. Le son de la guitare est crade et heavy, le tempo est plein de groove et pachydermique. Imagination Lady pousse le blues dans les retranchements créés par Black Sabbath et Led Zeppelin, mais avec une férocité proto-punk. Stan Webb n’a jamais aussi bien joué que sur ce disque, réussissant à atteindre le niveau d’un Peter Green avec la pédale wah-wah. Son solo sur « Poor Boy » est une succession de notes âcres et distordues qui deviennent des mots de douleur. L’album se termine sur le court « The Loser » où Stan Webb conclut avec cette maxime : « I’m a loser, and I always will ».

Contre toute attente, l’album sera couronné de succès en Allemagne, et permet de remettre en selle le nom de Chicken Shack, qui connaît aussi une jolie reconnaissance parmi le public anglais. Néanmoins, lorsque John Glascock va se voir proposer le poste de bassiste dans Jethro Tull, groupe de rock progressif internationalement connu, il n’hésite pas longtemps. Il est remplacé par Bob Daisley, un musicien australien. Dès le disque suivant, Chicken Shack retrouve un son blues plus classique, moins irrévérencieux, sur Unlucky Boy en 1973. Il y a cependant quelques éclairs électriques comme « You Know Could Be Right ». Mais le coup de sang est passé. Néanmoins, les titres de Imagination Lady continueront d’être très attendus en concert, et notamment « Going Down » et « Poor Boy ».

Les écrits désertiques #5 : Welcome to Sky Valley de Kyuss

noreply@blogger.com (Florian K.) — Sun, 16 Feb 2025 16:30:00 +0000

Il y a des albums qui ne se contentent pas d'exister : ils redéfinissent un genre, tracent une route et s'érigent en monuments. « Welcome to Sky Valley » de Kyuss est de ceux-ci. Sorti en 1994, ce disque est bien plus qu’un simple album de stoner rock : c’est un rituel initiatique, une immersion totale dans les étendues brûlantes du désert californien, là où le rock devient une expérience sensorielle. Il est impossible de parler de stoner rock sans évoquer « Welcome to Sky Valley », tant son empreinte est indélébile sur tout ce qui viendra après.

Si la carrière de Kyuss a été éphémère (peut être pour son bien), son empreinte sur le stoner rock (et plus généralement sur rock) est indélébile. Deux ans après l’excellent « Blues for the Red Sun », le groupe rempile avec cet album qui est encore plus abouti, tant au niveau des compositions que de cette identité sonore lourde et hypnotique. La formation est composée de Brant Bjork à la batterie, John Garcia au chant, Scott Reeder à la basse et de Josh Homme à la guitare : elle atteint une alchimie presque parfaite entre groove, lourdeur et sensation de liberté.

Dès les premières secondes de « Welcome to Sky Valley », une chose est claire : ce disque n’est pas une simple succession de morceaux. Kyuss veut nous faire vivre un voyage, et pour ça, ils découpent l’album en trois parties (officiellement, l’album ne contient que trois pistes numérotées I, II et III, chacune regroupant plusieurs morceaux). Cette conception visait à encourager une écoute continue de l’album, sans interruption. Les notes de pochette de l’album invitaient d’ailleurs l’auditeur à « écouter sans distraction ». Malheureusement, pour des raisons marketing, l’album a été divisé, de façon classique, en plusieurs morceaux.

Welcome to Sky Valley : un son tellurique, une atmosphère unique

Si « Welcome to Sky Valley » est aussi culte, c’est avant tout pour son son massif et organique. Josh Homme, futur leader de Queens of the Stone Age, prouve ici qu’il est un architecte sonore hors pair. Son jeu de guitare, réglé sur des amplis poussés à l’extrême et accordé en do, offre un son épais, granitique, presque volcanique. Il ne cherche pas la virtuosité, mais l’efficacité brute, alternant riffs pesants et envolées psychédéliques avec un naturel déconcertant.

La section rythmique, elle, est monumentale. Scott Reeder, bassiste à la fois subtil et puissant, tisse des lignes qui enveloppent et amplifient la lourdeur de l’ensemble. Brant Bjork, batteur et principal compositeur de l’album, joue avec une nonchalance groovy qui donne au disque ce balancement si particulier, entre torpeur et explosion. Et puis, il y a John Garcia, dont la voix rocailleuse et incantatoire semble surgir d’un mirage, comme un prédicateur perdu au milieu du désert.

Chaque morceau de l’album est une pierre angulaire du stoner rock, une ode au lâcher-prise et à la puissance tellurique du son. L’album s’ouvre avec “Gardenia", un riff massif qui impose immédiatement une lourdeur irrésistible, suivi de “Asteroid”, une jam instrumentale hypnotique où la guitare semble résonner comme un écho du désert. Avec “Supa Scoopa and Mighty Scoop”, le groupe joue sur des contrastes saisissants entre riffs écrasants et envolées aériennes, tandis que “100°” accélère brutalement le tempo, injectant une énergie brute et urgente.

Au milieu de cet orage électrique, “Space Cadet” offre un moment suspendu, une ballade acoustique planante, presque méditative, avant que “Demon Cleaner”, morceau culte, ne vienne réinstaller une tension hypnotique avec son groove implacable. La dernière partie de l’album enchaîne des compositions toujours plus denses et abrasives : “Odyssey” et “Conan Troutman” prolongent l’exploration sonore avec des structures explosives, tandis que “N.O.” (reprise du groupe Across the River) apporte une dose supplémentaire de sauvagerie. Enfin, “Whitewater”, titre final de plus de neuf minutes, clôt le voyage dans un tourbillon sonore, laissant l’auditeur lessivé mais conquis.

Une influence considérable et pour l'éternité

« Welcome to Sky Valley » n’a pas seulement marqué son époque : il a influencé des générations entières de musiciens, du stoner pur et dur (Fu Manchu, Truckfighters, Orange Goblin) aux groupes plus alternatifs. Il a défini l’esthétique sonore et visuelle du stoner : ces images de longues routes désertiques, de vieilles voitures rouillées et de jams sous la pleine lune. Mais surtout, cet album ne vieillit pas. Trente ans après sa sortie, il reste une référence incontournable, un disque qui continue d’aspirer l’auditeur dans son vortex brûlant. Il est l’illustration parfaite d’un rock libre, sauvage, organique, dénué de tout artifice.

Si vous ne l’avez jamais écouté, coupez tout, mettez un casque, et laissez-vous engloutir par « Welcome to Sky Valley ». Une fois le voyage terminé, vous ne verrez plus jamais le rock de la même manière.