LA PODEROSA

MI: PROTOCOLO FANTASMA

2012-01-26T20:56:00.001-02:00

Brian De Palma fez um embate entre verdade e mentira no primeiro longa (1996). John Woo trouxe mais ação para a sequência (2000) e J.J Abrams acrescentou um ar de suspense e mistério na conclusão da trilogia (2006). Brad Bird, conhecido por seus trabalhos no ramo da animação (Gigante de Ferro, Os Incríveis, Ratatouille), foi o responsável pela direção de Missão Impossível: Protocolo Fantasma.

Como de costume a história se passa em vários lugares do planeta: Budapeste, Moscou, Dubai, Bombaim e Estados Unidos. Diferentemente dos filmes anteriores, a história conseguiu ganhar um fôlego novo com Ethan Hunt (Tom Cruise). O protagonista ficou ausente nos últimos anos e parece esconder algo que marcou sua vida. Parte para missões para esquecer o que lhe incomoda tanto. Aceita qualquer coisa, tanto que desta vez, a escolha da equipe não passou por ele. Jane (Paula Patton) se destaca pela ação, porém acrescenta beleza para as telas. Benji (Simon Pegg) age mais para o lado da tecnologia e quando vai a campo, proporciona a maioria das cenas cômicas.

Todos empenhados em impedir que códigos de ativação de mísseis nucleares cheguem às mãos de pessoas que desejam fazer uma limpeza populacional no planeta. Brandt (Jeremy Renner) se mostra um assistente, entretanto é um agente bem experiente que entra para auxiliar a equipe de Hunt.

Uma das características principais dos longas é mostrar que tudo é possível, mesmo que as situações parecem cada vez mais impossíveis. A cena no maior prédio do mundo é simplesmente sensacional. A altura causa até vertigem para a plateia nas telas IMAX. As sequências aéreas de Ethan sempre foi um atrativo a parte.

MI: IV tem um tom sobrenatural na perseguição em plena tempestade de areia na mesma Dubai. A cena da maleta em um estacionamento com elevadores para carros vale destaque, o vai e vem instiga a cada frame. As músicas de Michael Giacchino enfatizam os suspenses e as partes cheias de explosões, como os filmes do gênero pedem para ser.O longa não cai na ingenuidade da maioria das produções, um mérito dos roteiristas André Nemec e Josh Appelbaum, além claro de Brad Bird. O diretor desempenha bem sua função por sinal, uma prova que ele também consegue lidar com personagens de carne e osso.

ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

2012-01-24T22:34:00.001-02:00

No oeste do Texas, na década de 1980, um veterano do Vietnã, Llewelyn Moss (Josh Brolin), está no meio do deserto quando tropeça em alguns corpos em estado de putrefação. Junto com os mortos, encontra uma grande quantidade de heroína e uma mala com dois milhões de dólares.

Uma descoberta que pode melhorar sua vida para melhor ou pior. A partir deste momento, Onde Os Fracos Não Têm Vez não vira um filme de perseguição, é um embate entre o velho e o novo, uma reflexão sobre a moralidade do passado esquecida nos tempos contemporâneos. Essa é uma adaptação do romance homônimo de 2005 do estadunidense Cormac McCarthy. Mais uma produção com direção e roteiro de Ethan e Joel Cohen.

Anton Chigurh (Javier Bardem) é o responsável por ir atrás dessa caçada pelo dinheiro. Entre eles está o xerife Ed Tom (Tommy Lee Jones), um mediador, uma ponte que procura encontrar o caminho dos dois.

O filme pode ser considerado um road movie, não no sentido em que os personagens envolvidos se encontram após passar por várias experiências. Mas, por eles estarem sempre em deslocamento (Walk Movie). Um Western? O público espera ansiosamente pelo duelo final entre Anton e Moss. O silêncio das cenas é quebrado pelo som das esporas.

Apesar dessa última característica, não há uma busca pela colonização do Oeste. Existe um Oeste novo em que o xerife simplesmente não entende. O que é essa toda barbárie? Ele era do tempo em que os homens da lei não usavam armas. Sua perplexidade pela situação supera o seu trabalho de encontrar a dupla. Seu olhar fica sempre em direção ao horizonte, procurando uma direção que parece ter sumido para sempre.

Por mais que Llewelyn Moss tem jeito característico do herói do faroeste, ele é um ser humano errante. Isso já se revela na cena de abertura quando erra o tiro ao disparar contra um veado parado em uma caçada. Já Anton é a encarnação do Mal, da Morte ou até mesmo do Demônio em pessoa. Ele não usa uma arma, utiliza um instrumento de ar comprimido (Aparelho para matar gado) para acabar com a vida de qualquer um que passar pela frente. É uma extensão das sombras, a escuridão é seu habitat. Não é à toa que Carson Wells (Woody Harrelson) o compara com a peste bubônica.

Em sua primeira cena, ele mata um policial ao sufoca-lo com suas algemas e espalhar sangue por todos os lados. O ato é realizado com extremo sangue frio como se estivesse assistindo um programa na TV. Ele toma leite, mas não existe um menor senso de humor. Anton não é um serial killer, sua principal função é “matar tudo que anda ou rasteja”, como diria William Munny (Clint Eastwood) em Os Imperdoáveis.

Pelas rodovias e estradas, os protagonistas não tem um encontro frente a frente, algo que não diminui a intensidade da trama. Talvez, o maior duelo fica por conta do personagem de Javier Bardem e da mulher Carla Jean (Kelly Macdonald). Ela fala que Anton tem que assumir suas responsabilidades, a vida não é decidida pela moeda (Cara ou Coroa). Chigurh tem o dom de dar e tirar a vida das pessoas, isso o desumaniza, seu corpo fica afundado em uma poltrona e o rosto pálido se sobressai. Ninguém reconhece seu sotaque, seus costumes, ele é de lugar nenhum.

Durante a perseguição, Bell escuta as histórias sanguinárias pelas estradas. O que é verdade? São as pistas que ele encontra ou os atos de carnificina que ele ouve? Como diria um dos policiais "You can't stop what's comin" (Você não pode parar o que está vindo). Seria a chegada do demoníaco Anton ou da violência que assola os dias atuais?

O título em inglês No Country For Old Man exprime bem essa ideia de que Bell é um homem que não pertence a esse mundo moderno e fragmentado. Os Cohen deixam de lado seu característico humor negro para dar lugar a um amargo olhar para a sociedade dos dias de hoje.

DAS PÁGINAS PARA AS TELONAS

2012-01-22T11:56:00.001-02:00

Nos últimos meses, as salas de cinema estavam recheadas de adaptações de histórias em quadrinhos. Umas cumpriram sua proposta, outras nem tanto assim. Capitão América: O Primeiro Vingador, Thor e Lanterna Verde estão entre os escolhidos.

Lanterna Verde era uma das maiores apostas da DC Comics e Warner Bros. Eles queriam pegar um personagem não tão popular a nível de Batman e Superman e fazer dinheiro nas bilheterias como foi o caso de Homem de Ferro pela Marvel. Entretanto, o resultado não foi bem assim.

O filme cai no caricato, o protagonista é retratado de forma engraçada o que foge dos padrões dos comics. Talvez, foi uma forma de popularizar a trama. Com isso, Ryan Reynolds dá vida a um Hal Jordan vazio. Ele fica longe do planeta Oa, mal recebe treinamento e doutrinas dos outros guardiões do universo.

A única pessoa que faz com que Hal confie no anel e em si mesmo é Carol Ferris (Blake Lively) uma personagem secundária que não ganha força em nenhuma das cenas. O vilão Paralax é mal resolvido. Dá a impressão que o próprio filme não confia em si mesmo. Uma dos fatores principais para esse resultado é o trabalho do diretor Martin Campbell, que estava mais interessado no dinheiro do que desenvolver uma trama competente. O ponto positivo fica por conta das imagens que ganharam texturas e cores vivas na representação do mundo dos lanternas verdes.

Thor tem uma trama melhor amarrada. A escolha de Anthony Hopkins como Odin dá credibilidade para o longa. O mundo de Asgard é retratado de forma primorosa com seus figurinos, o dourado dos palácios, as luzes. Essa era uma das maiores preocupações do filme, acertar na disposição de um dos universos complexos da Marvel. Não tem como não tirar o chapéu com as cenas de luta com Thor (Chris Hemsworth) e seu martelo Mjolnir.

Apesar de ter acertado na primeira parte, o diretor Kenneth Branagh deixa a desejar quando sai dos momentos de fábulas e vai de encontro com o mundo real. O filme cai com personagens fracos, além dos diálogos desinteressantes, principalmente com a equipe de cientistas que inclui Jane Foster (Natalie Portman). Outro detalhe importante é o constante uso do ângulo holandês.

Já Capitão América: O Primeiro Vingador é o que melhor desempenha sua proposta. Como pano de fundo, o longa tem a Segunda Guerra Mundial, onde um jovem franzino chamado Steve Rogers tenta se alistar, porém seu estado físico se torna um empecilho. O clima lembra os filmes de guerra de Steven Spielberg, característica enfatizada com a trilha sonora composta por John Williams.

A tecnologia de O Curioso Caso de Benjamin Button foi bem escolhida para o ‘Pequeno’ Steve. Todavia, quando ele recebe o supersoro, o destino reserva outro futuro para o protagonista. Stanley Tucci dá carisma ao Dr. Abraham Erskine e Tommy Lee Jones coloca tons cômicos e divertidos com as falas do General Chester Phillip. Chris Evans consegue fugir do tom Tocha Humana dos filmes do Quarteto fantástico.

O Caveira Vermelha é bem desempenhado por Hugo Weaving. O líder da Hidra, parte tecnológica dos nazistas, bem que poderia ganhar cenas com mais ação no embate contra o personagem principal.

Dentre os filmes do gênero, Capitão América: O Primeiro Vingador é o melhor. Conseguiu se destacar e não ficar com cara de apenas ‘filme dos EUA’, principalmente em uma época antiamericana proporcionada pelas guerras no Afeganistão e Iraque.

CREDORES

2012-01-21T02:00:00.001-02:00

Além de 12 Homens e Uma Sentença, o diretor Eduardo Tolentino de Araújo retorna a temporada teatral 2012 com a peça Credores no Viga Espaço Cênico. Essa é mais uma produção do Grupo Tapa, com texto do sueco August Strindberg (1849-1912). O elenco reúne os atores Sergio Mastropasqua, Chris Couto e José Roberto Jardim..

Na trama, a chegada de um desconhecido chamado Adolfo (José Roberto Jardim) em um hotel de veraneio abala o equilíbrio delicado da relação do casal Tekla (Chris Couto) e Gustavo (Sergio Mastropasqua). O encontro evidencia marcas do passo que nunca cicatrizaram. “Essa é uma peça que se aprofunda nos dilemas entre os personagens, que expõem seus conflitos, questão longe de se resolver nos tempos contemporâneos”, diz o diretor.

Essa é a segunda vez que o Grupo Tapa trabalha com as palavras de Strindberg. A primeira ocorreu em 2006 com Camaradagem, onde um casal de pintores vivia um casamento de conveniência que se desequilibrou por causa de uma disputa artística. Em Credores, existe um retorno à discussão sobre a guerra dos sexos com um tom mais aprofundado. Para Tolentino, “Camaradagem tinha um caráter mais sinfônico pela multiplicidade de temas. Já Credores é um texto mais concentrado, forte, uma espécie de cirurgia nessas relações”.

O espetáculo mexe com a ideia de “o inferno são os outros”, uma questão do filósofo francês Jean-Paul Sartre que se fundamenta no reconhecimento da relação com outro. O visual da montagem ganhou um ar escultural com a composição da luz e o corpo dos atores. Anteriormente, Camaradagem também tinha uma aparência focada na arte com o expressionismo.

Credores foi escrito em 1888. Apesar do tempo, a história dialoga bem com a época contemporânea, característica que comprova o lado visionário do dramaturgo sueco. O autor tem peças montadas constantemente no Brasil e no mundo.

“Strindberg é pai do teatro moderno, presenciou momentos importantes como o nascimento da psicanálise de Sigmund Freud, a teoria da relatividade com Albert Einstein, o mundo passava por intensas mudanças. Ele é um autor que sabe tocar em sentimentos profundos da alma”, conta Tolentino.

Sergio Mastropasqua e Chris Couto atuaram juntos no espetáculo Casa/Cabul, do Núcleo Experimental, em 2011. Já o ator José Roberto Jardim integra o grupo Fofos Encenam, com o diretor Newton Moreno.

Uma “jam session” de jazz existencialista é uma metáfora perfeita para os conflitos conjugais de Credores. A encenação de Tolentino já foi encenada em diversos espaços, sempre com um frescor, evidenciando uma nova camada da trama, característica que aproxima o teatro das notas musicais desse gênero americano.

“No jazz, o músico interpreta a música de forma peculiar, nunca executando uma composição exatamente da mesma forma mais de uma vez. A peça tem uma partitura, porém os três atores têm uma liberdade, o que faz cada apresentação ser diferente uma da outra”; finaliza o diretor.

Texto: August Strindberg
Direção e tradução: Eduardo Tolentino de Araújo
Elenco: Chris Couto, Sergio Mastropasqua e José Roberto Jardim
Cenários e figurinos: Lola Tolentino
Iluminação: Nelson Ferreira
Produção: Grupo Tapa

VIGA ESPAÇO CÊNICO
Rua Capote Valente, 1.323 (Próximo ao metrô Sumaré) – São Paulo/SP
Telefone: 3801-1843.
De 12 de janeiro a 19 de fevereiro.
Quintas, Sextas e Sábados às 21h30 e domingos às 20hs.
Ingressos: R$ 40 e meia R$ 20.
Lotação: 74 lugares.
Classificação: 14 anos
Duração: 60 minutos.

ENCONTROS E DESENCONTROS

2012-01-18T01:25:00.001-02:00

Em certos momentos, o cinema nos brinda com uma bela história. Encontros e Desencontros é um exemplo perfeito, um filme de Sophia Coppola feito na medida certa. Apesar dos pôsteres, o filme não é um romance convencional, a trama é focada em dois personagens que se unem através da solidão e melancolia. Um tema também explorado no recente Um lugar Qualquer.

A cidade de Tóquio está cinzenta e sob chuva. O consagrado ator Bob Harris (Bill Murray) está na cidade, veio gravar uma propaganda de Whisky. Mais uma das obrigações que seu contrato pop star demanda. Ele é um peixe fora d’água, a cena do elevador enfatiza ao máximo essa afirmação. Não se encontra, está perdido, o diretor da campanha publicitária dá urros para tentar explicar o que deseja ver. Bob está alheio a tudo isso, não vê a hora de se livrar desse simulacro da realidade, nada lhe traz qualquer tipo de identificação.

Já Charlotte (Scarlett Johansson) parece não ter vontade nem de levantar da cama. Ela faz companhia para seu marido (Giovanni Ribisi), um fotógrafo de celebridades. Na verdade, a maior parte do tempo ela acompanha mesmo é a solidão e o silêncio. Na janela, ela espia um mundo que não lhe pertence.

Ambos não conseguem dormir em função do fuso horário, elas são peças que não se encaixam em um quebra-cabeça. Porém, o destino vazio de ambos se entrelaça no bar de um hotel. É o único momento que os dois encontram algum tipo de identificação em todo o percurso.

Não é o fato de estar em um país totalmente diferente que deixa os personagens totalmente deslocados, a única explicação para isso é a própria vida. A falta de empatia pelo mundo ao seu redor poderia ser sentida em qualquer lugar do planeta. A única coisa que Bob e sua mulher têm para conversar é a cor da tapeçaria de casa. Por ironia, Charlotte foi para o Japão acompanhar seu marido e não ficar sozinha.

O título original é Lost in Translation, uma expressão que representa a parte cultural de palavras ou frases que se perde quando é traduzida para outra língua. Uma metáfora para a dificuldade dos personagens de serem compreendidas na cidade de Tóquio, mesmo nos momentos em que estão na companhia de tradutores.

Encontros e Desencontros é uma história de amor, mas sem romance, um longa que se preocupou em não filmar os momentos cheios de flores da vida. O objeto foi ir atrás das trivialidades, da melancolia, da realidade vazia. Em busca de uma verdade.

Vale destacar a bela trilha sonora!

E A HISTÓRIA ACONTECE…

2012-01-15T15:06:00.001-02:00

Alguns fatos ou pessoas entram para a história por seus méritos em uma determinada área. Lionel Messi é um deles, pois, os números, as estatísticas, os gols, os dribles, os recordes, o Barcelona estão com ele. Apenas com 24 anos, o jogador já é um dos melhores, seu repertório ainda não se esgotou, o que pode levá-lo a se tornar o melhor de todos os tempos."

“…No estádio do Barcelona, fui escoltado pelos Mossos, agentes especiais da polícia catalã, que queriam me levar para ver a partida circundado por um cubo de vidro blindado e que depois, por compaixão, pouparam-me desse novo e grotesco tipo de prisão. Conheci Lionel Messi, atacante argentino do Barça, rapaz que conseguiu refazer, de modo idêntico, o gol mais bonito de Diego Armando Maradona. Tem um rosto de menino que nada diz sobre os sofrimentos por que passou durante anos e anos, sobre as injeções diárias de hormônios que lhe permitiram crescer e tornar-se um campeão, o maior jogador dos nossos dias. Chamam-no de “Pulga” até hoje.

Parecia impossível que, mesmo com todo o seu talento, pudesse impor-se em partidas feitas de jogadas aéreas, de embates físicos entre titãs. Mas o futebol também pode se tornar resistência, uma arte que se encarna em cada centímetro de ossos prolongados, em cada pedaço de carne que cresce ao seu redor. E se eu realmente tivesse de exprimir um desejo, um daqueles impossíveis, gostaria que minhas páginas se parecessem com uma das corridas de Lionel Messi rumo ao gol adversário, veloz, velocíssimo, com a bola colada ao pé, não importando se depois ia conseguir mandá-la para a rede ou passá-la para um companheiro menos marcado. O mais importante não é o gol, mas ir adiante, driblar, fintar, não perder a bola…”

A beleza e o inferno de Roberto Saviano

NA NATUREZA SELVAGEM

2012-01-11T11:00:00.000-02:00

"Há um tal prazer nos bosques inexplorados; Há uma tal beleza na solitária praia; Há uma sociedade que ninguém invade; Perto do mar profundo e da música do seu bramir: Não que ame menos o homem, mas amo mais a Natureza." Com as palavras do poeta britânico Lord Byron, começa a jornada de Christopher McCandless (Emile Hirsch), um jovem recém-formado que se aventura pelos Estados Unidos até chegar ao inóspito Alasca.

Na Natureza Selvagem é um road movie, gênero que faz seus protagonistas encontrar seu próprio caminho, descobrir seu verdadeiro. Chris tem tudo o que uma pessoa no meio capitalista almeja. Formado na faculdade com seus vários “A”, família com uma boa estrutura financeira. Apesar de ele seguir esse modelo, o personagem não se encaixa.

Existe uma vontade de descobrir algo além, viver uma verdade. A partir deste momento, ele sai sem lenço sem documento, rumo ao desconhecido. Seu pôster do clássico Três Homens em Conflito imortalizado no personagem Clint Eastwood demostra sua vontade de ir por marés nunca antes navegados. Vive parafraseando autores como Henry David Thoreau ou Jack London.

“Se admitirmos que a vida pode ser regida pela razão, está destruída a possibilidade da vida”.

“Em vez de amor, dinheiro, fama, equidade, de-mê verdade.”

Cris se torna Alexander Supertramp, nasce para outra vida e abdica as mentiras alimentadas por todos os seus anos de vida. Sua única meta é chegar ao Alasca. Porém até se chegar ao seu destino, muitas pessoas passam por seu caminho e, de uma maneira ou de outra, ele muda algo nelas, trazendo sua sabedoria, isso com seus 22 anos. Seja nos hippies Rainey (Brian Dierker) e Jan (Catherine Keener) ou no solitário veterano de guerra Ron Franz (Hal Holbrook).

A trama é baseada no livro homônimo, escrito pelo jornalista Jon Krakauer. Sean Penn se arrisca na direção e de maneira bem executad, além do próprio roteiro. A fotografia é um dos pontos altos do filme, área que ficou sob a responsabilidade de Eric Gautier (Diários de Motocicleta). Ao mesmo tempo, Eddie Vader criou a bela trilha sonora. O longa também foi uma forma de o ator Emile Hirsch sair do rótulo dos filmes de adolescentes.

Into The Wild poderia ser um filme de superação, entretanto vai a uma direção contrária, é amargo. Quebra os principais cernes inventados pelo capitalismo do século XX.

CLINT SEMPRE ELE!

2012-01-09T11:00:00.000-02:00

O ator e diretor norte-americano Clint Eastwood na capa da revista "M", suplemento do jornal francês "Le Monde". Poucos profissionais estiveram tanto tempo fazendo um trabalho com valor.

Mesmo aos 81 anos de idade, Clint consegue manter sua boa aparência e filmes cada vez melhores. Na última década, a maioria das suas obras continuam acima da média. Pelo jeito, sua produção não tem data para cessar.

“À persona eastwoodiana é preciso, pois, acrescentar esta outra característica: uma capacidade de se metamorfosear no outro país. Eastwood não cessa de se inflar na medida do tamanho da América, tudo o que lhe acontece, acontece também à América. Clint não é mais um homem, não apenas, mas uma terra e um ícone religioso”.

Stéphane Bouquet – Escritor, roteirista e crítico de cinema. Redator da revista francesa Cahiers du cinéma

“Os três diretores americanos mais sofisticados e ativos hoje em dia – sem contar o mundo dos documentários e filmes experimentais – são David Lynch, Martin Scorsese e Clint Eastwood. Dos três, Eastwood é o único cujo trabalho continua se aprofundando: sempre que achamos que Eastwood atingiu o ápice do seu poder expressivo, ele retorna com um novo trabalho – como o extraordinário J. Edgar (2011) – que revela um novo e ainda mais fascinante nível do seu cinema”.

Ricardo Peña – Diretor de Programação da Film Society do Lincoln Center, NY.

UM GÊNIO BRASILEIRO

2012-01-06T22:42:00.001-02:00

Em 2010, frequentei um curso de crítica na Faculdade Cásper Líbero ministrado por Daniel Piza. Sempre admirei seus textos e já na primeira aula com sua simplicidade veio para dizer o seu principal objetivo. Sua intenção era provocar. E como ele provocou. A partir daí, ele foi ponto de partida para conhecer novos autores e livros sobre os mais variados temas.

Há poucos dias terminei de ler Machado de Assis: Um Gênio Brasileiro. Uma biografia desse ícone da literatura nacional. O livro é referência para quem deseja se aprofundar em Machado, que trouxe histórias universais com seus personagens e dilemas. O texto mescla a vida do escritor com sua obra, algo que – por muitas vezes – se tornavam uma coisa só.

“... Podia ficar três dias sem pôr os pés fora de casa. Quando o fazia, mostrava uma triste figura, como viu o adolescente Alceu Amoroso Lima, futuro crítico literário, então seu vizinho do Cosme Velho: “Nem sombra do sol, nesse vale sinuoso e úmido, à hora em que Machado, incuravelmente ferido pela morte da companheira, descia de sua casinha deserta, sozinho, sombrio, com a bengala às costas entre as mãos cruzadas, a barba inculta e rala, o olhar baixo, arrasando consigo uma longa tristeza”.

Seu único deleite, além de jogar paciência com baralho e de receber mensagens de estima dos amigos, era a leitura de autores como Schopenhauer e Renan, duas de suas maiores influências intelectuais (...).

Machado leu também por empréstimo de Mário de Alencar, um romance de George Meredith, O Egoísta, sobre a solidão de um velho aristocrata vaidoso que rejeitara todas as mulheres por não julgá-las à sua altura.

E releu uma biografia de Flaubert e registrou: “Achei a mesma solidão e tristeza e até o mesmo mal, como sabe, o outro...” Flaubert também sofria de epilepsia” .

Semana passada, como a maioria, fui pego de surpresa pela morte repentina desse jornalista e escritor. Piza era um profissional que ia além, um contraste do jornalismo marasmo dos tempos atuais. Sua propriedade para falar sobre qualquer assunto era um dos seus maiores trunfos, a prova podia ser vista semanalmente na Coluna “Boleiros” sobre futebol e “Sinopse” sobre cultura, ambas no jornal O Estado de S. Paulo. Ou até mesmo em seu blog, livros e até nas suas participações na Rádio Estadão/ESPM.

Era um profissional completo, que teve uma ascensão rápida, o que levou a ser considerado um dos melhores de sua geração. Nem Roberto DaMatta e Veríssimo deixaram de mostrar o pesar dessa perda em suas últimas colunas. Ficam as memórias, os aforismos, as palavras, a provocação de um gênio brasileiro... Uma lágrima. Muito obrigado Piza.

CLINT: IMPLACÁVEL PT: 3 (Fim)

2012-01-02T13:52:00.001-02:00

Os personagens de Clint Eastwood são um autorretrato de seus papeis no passado, o que faz a obra desse cineasta dialogar com todos os âmbitos temporais, seja no passado, presente ou futuro.

Em Gran Torino (2008), última atuação desse ícone, o ator dá vida a Walt Kowalski. Um homem amargurado que vive dando seus urros quando uma situação lhe desagrada (Praticamente todas). É o último moralista que ainda cultiva resquícios daquela geração americana do pós-guerra. A bandeira dos EUA não poderia faltar pendurada em sua varanda. Sempre ao seu lado na hora de tomar uma cerveja gelada na cadeira sossegado.

O personagem vive em uma Detroit decadente, vítima da crise econômica e a violência crescente. Seu único refúgio é a própria solidão e melancolia. Defensor de uma moral que não se encontra mais em vigor. Seu bairro está creio de imigrantes orientais, pessoas que ele matou na Guerra da Coreia. Seu carro Gran Torino – lustrado cuidadosamente – é símbolo de uma geração de ouro da Ford. Hoje, ele não aguenta ver carros Honda e Nissan pilotados pelos próprios filhos.

Esse é o lado clássico de Clint Eastwood que tenta sobreviver e ser passado adiante. Seus filmes não deixam de retratar o mundo contemporâneo ao mesmo tempo. O cinema é uma forma de visualizar a vida.

Walt sempre quando ia entrar em ação dava uma cusparada para o lado. Ato que era repetido diversas vezes por seu personagem Josey Wales — O Fora da Lei (1976). Esse é mais um de seus heróis míticos, como nos filmes de Sergio Leone. Ele se revolta contra um país inteiro sozinho. Na trama, o protagonista é um pacífico fazendeiro, vê sua família ser brutalmente morta em um incêndio de sua fazenda, depois de um ataque de um bando pró-União do Kansas, os Jayhawkers ou Redlegs, liderados por James H. Lane.

Abandonado pelos assassinos que o deram como morto, Josey consegue se recuperar, mas fica com uma cicatriz no rosto, devido ao golpe de espada desferido por um dos bandoleiros chamado Terrel. Mesmo com o fim da Guerra de Secessão, ele continua com o plano de se vingar dos soldados que causaram sua ruína. É um amadurecimento de Clint como diretor, deixa o lado do western spaghetti de lado, mostra os horrores da Guerra Civil Americana, uma época que a Guerra do Vietnã era questionada pelo próprio povo americano.

Em ambos os filmes, o homem eastwoodiano forma uma sociedade para si, apesar do lado durão, demostra um lado sensível, aliás, um cachorro sempre fica ao seu lado.

No final de Gran Torino, tudo indicaria que Clint resolveria os dilemas com uma gangue local como nos tempos áureos do Western (Vide o Pistoleiro Sem Nome acabando com três de uma vez em Por Uns Dólares A Mais logo no inicio do filme). Ou quem sabe evocar o lado justiceiro de Dirty Harry que também o marcou tanto. Todavia, o que acontece é o oposto, o tempo é outro.

A reflexão entre o homem e seu tempo está em Dívida de Sangue (2002). Terry McCaleb (Clint Eastwood) é um respeitado agente do FBI que se aposenta após sofrer um ataque cardíaco no meio de uma perseguição a um assassino. O longa tem uma reviravolta no final, além de relembrar o velho Clint em uma ação.

O passado é um tormento para Frankie Dunn em Menina de Ouro (2004). Apesar da personagem de Hilary Swank – Maggie – tomar a dianteira, é no papel de Eastwood que se encontra os maiores conflitos, a amargura está no seu semblante. O que esse homem fez para sua própria filha não responder nenhuma de suas cartas? Ele nunca consegue encarar seu parceiro Scrap (Morgan Freeman) por este ter perdido o olho em uma luta em que ele estava como técnico? A academia que todos passam a maior parte do tempo vive às escuras, como se aprisionasse expectros de uma vida anterior.

O que esse homem fez de tão errado que o faz ir à igreja todos os dias? Frank não segue os conceitos pré-fabricados, suas decisões se baseiam na vivência e no peso de todas essas dores que se apoiam em suas costas. Com esse raciocínio, ele coloca o ponto final no sofrimento da pequena Maggie, uma garota que ele tinha adotado como filha, o que fez diminuir de leve a dor de seu passado.

O fim é amargo, Frank desaparece, assim como os personagens fantasmagóricos de Clint no faroeste. Ou até mesmo, como John Wayne enquadrado em uma porta em Rastros de Ódio.

(Fim)

CLINT: IMPLACÁVEL PT: 2

2011-12-30T15:03:00.001-02:00

Antes de ganhar notoriedade com a carreira de diretor, Clint Eastwood se consagrou com atuações em filmes de Sergio Leone, mais precisamente na Trilogia dos Dólares. Solitário, um homem de poucas palavras e sempre com um cigarro no canto de boca, essas características marcaram seus personagens no western spaghetti e em outros trabalhos do futuro.

Por um punhado de dólares (1964), Por uns dólares a mais (1965), e Três Homens em Conflito (1966) foram um verdadeiro sucesso em terras italianas e norte-americanas, em especial o último, que fez Eastwood se tornar famoso mundialmente.

Em Por uns dólares a mais, Clint é um cavaleiro solitário que se beneficia com a briga de duas famílias em um pequeno vilarejo. Astúcia e o humor bem desenvolvido e a pontaria certeira deixam a trama no ponto certo para a degustação do expectador. O duelo final com Ramón é sensacional, Eastwood se revela um pistoleiro cheio de surpresas e imbatível com o dedo no gatilho.

Por uns dólares a mais traz todos os ingredientes que consagraram o primeiro longa. Clint continua sem dizer seu nome e coloca a rivalidade de lado com o Coronel Douglas Mortimer (Lee Van Cleef) para ir atrás de El Índio (Gian Maria Volonté). Além dos elementos cômicos, o longa esconde um lado dramático de um dos personagens, algo que vai além da recompensa e tem haver com vingança.

O duelo final fica por conta de El Índio e o Coronel. Clint finciona como o mediador ao instalar uma certa ética na disputa e desfrutar de camarote quem dispara primeiro após a última nota de uma melodia de uma caixinha de música (Um relógio com foto). Um enquadramento fantástico.

Épico é a palavra exata que resume Três Homens em Conflito. Nos primeiros 10 minutos nenhum som sai da boca dos personagens, apenas os gestos carregados de sentidos preenchem a tela. Os dilemas ficam por conta de The Good (Clint Eastwood), The Bad (Lee Van Cleef) e The Ugly (Eli Wallach) e se passa na época da Guerra Civil Americana.

O roteiro é cheio de reviravoltas na busca dos personagens por um tesouro escondido. Tuco (The Ugly) é responsável pela maioria das cenas engraçadas e, claro, das trapaças. Vale ressaltar a trilha sonora de Ennio Morricone que deixa a história com tom operístico, até o zunido das balas tem um ar musical. A chegada de Tuco ao cemitério (local do esconderijo do tesouro) com The Ecstasy of Golden é emblemática.

A disputa final traz um duelo a três, um triângulo fenomenal no enquadramento cuidadoso e o olhar de Sergio Leone. As armas não são os personagens principais, as caras e bocas dos pistoleiros marcam esse efusivo embate.

Esses westerns vão em direção contrária as produções de John Ford, Anthony Mann, Howard Hawks, entre outros. As produções exaltam o mito do faroeste, o crepúsculo do Oeste. Mesmo na época em que o gênero estava no ápice, o tempo das diligências e as esporas desses cowboys já faziam parte do passado.A afirmação fica mais evidente com Os Imperdoáveis (1992). Na época do lançamento, o western já estava extinto dos cinemas. Foi tratado como o retorno do estilo, porém é o verdadeiro sepulcro, é uma produção que fala sobre o tempo carregado de amarguras do passado.

Para o garoto Schofield Kid (Jaimz Woolvett) ficaram as histórias cheias de duelos e matanças protagonizadas por ícones como William Munny (Eastwood). Este não é mais aquele pistoleiro com pose impenetrável, na verdade cria porcos, cai na lama, tirar a vida de alguém não é tão “legal”. “Matar um homem é algo infernal. Você tira tudo que ele tem e tudo que ele poderia vir a ter um dia”. Só restaram epopeias que são alimentadas por escritores como W.W. Beauchamp (Saul Rubinek). Não existe mais os duelos épicos, um homem pode ser morto até quando estiver na privada, o glamour acabou. Ned Logan (Morgan Freeman) compactua com esta visão, enxerga além do que as novas gerações podem ver.No final, William Munny evoca todo seu poder que ultrapassa os limites mundanos, surge em meio à chuva para fazer o que melhor sabe: “Já matei mulheres e crianças. Já matei tudo que anda e rasteja e estou aqui para matar você Little Bill pelo que fez com Ned”. Como se viesse do mundo dos mortos para dar vida a lenda que todos cultuam…

(Continua...)

CLINT: O IMPLACÁVEL

2011-12-29T17:01:00.001-02:00

Definitivamente, o Brasil entrou na rota de grandes mostras. John Ford, Alfred Hitchcock, David Cronenberg, Vincent Minelli, Nicholas Ray foram alguns nomes que tiveram suas obras apresentadas em película como deve ser feito. Agora é a vez de Clint Eastwood Clássico e Implacável. Uma chance de ver e rever a obra desse estimado cineasta. Em seu cinema, não existe apenas um homem com uma arma na mão disposto a fazer justiça a qualquer custo. Seus filmes têm um lado sensível e abrem reflexões sobre o tempo e a vida, uma filmografia pluralista.

Sua primeira investida na direção é Perversa Paixão (Play Mist For Me) de 1971. Na trama, Dave (Clint Eastwood) é um locutor sedutor que perdeu a namorada (Donna Mills) por causa de suas traições. Na cidade de Carmel, ele vive sua rotina de passeios noturnos pelo circuito de bares e cantadas picantes dirigidas às ouvintes que escutam as cinco horas diárias de seu programa.

Quando ele sai com Evelyn (Jessica Walter), uma de suas fãs, um caso - que parecia apenas mais um de sua longa lista - acaba virando uma história de pura obsessão e loucura. Dave se encontra com uma mulher que está disposta a tudo para ficar com ele. No filme, Clint começa a investir para criar sua própria linguagem. Durante as cenas são mostradas influências claras de Hitchcock. Suspense, close-ups em olhares para enfatizar tensão são algumas de suas artimanhas.

No fim, Eastwood mostra seu punho de aço que o consagrou em diversos personagens. De certa forma, o diretor já coloca uma de suas paixões na trama. O jazz é inserido em um evento frequentado pelos protagonistas.

Em suas ultimas produções, Clint fez questão de compor as próprias trilhas sonoras. A boa música sempre teve espaço em seus longas.

Vale destacar A Última Canção (1982) e Bird (1988).

Em A Última Canção, Clint vive Red Stovall, um apaixonado pela música e whisky que decide correr atrás de seu maior sonho: tornar-se um grande cantor country.

A história se passa no período pós Grande Depressão, onde o protagonista tenta ganhar a vida com sua música, contra a maré e contra sua doença (tuberculose) cada vez mais crescente.

O personagem é vulnerável, um dos poucos que o durão incorporou na sua longa vida na sétima arte.

Bird é a cinebiografia e tributo ao saxofonista Charlie Parker. O músico é símbolo do jazz, uma das maiores influências do gênero e ganhou a interpretação de Forest Whitaker. Cada cena se preocupou em encontrar o lado certo do virtuosismo e das notas desse ícone musical. Ao mesmo tempo, faz um relato dramático de uma época que o jazz custava “pegar” no gosto do público, além do protagonista enfrentar o caminho das drogas e da bebida. Além da paixão musical, os longas também se destacam pelo tom melancólico.

Clint Eastwood até solta a voz no longa.

Eastwood é um admirador declarado do estilo, o que gerou uma participação em dos episódios do documentário Piano Blues de Martin Scorsese.

Grandes temas históricos também fazem parte de sua partitura, A Conquista da Honra e Cartas de Iwo Jima (2006) são exemplos recentes desta afirmação. O diretor trouxe dois olhares para um mesmo conflito entre americanos e japoneses.

O primeiro revela o que está por trás daquele heroísmo vendido após a Segunda Guerra Mundial. A perda de amigos em combate, a distância da família e o esquecimento no pós-guerra são os motes principais que deixam de lado o nacionalismo exagerado de outras produções do mesmo gênero. O segundo é uma homenagem aos japoneses que sempre mantiveram a coragem e enfrentaram os mesmos dilemas e tempos difíceis dos marines.

(Continua...)

SOBRE MENINOS E LOBOS

2011-12-26T15:13:00.001-02:00

Nas obras de Clint Eastwood, o passado sempre vem bater na porta de seus personagens. Sobre Meninos E Lobos não poderia ficar de fora dessa característica, além de se revelar uma visão melancólica do mundo.

Na trama, três grandes amigos de infância - Jimmy Markum (Sean Penn), Dave Boyle (Tim Robbins) e Sean Devine (Kevin Bacon) – estavam brincando como de costume em uma das ruas do subúrbio de Boston. Todavia, eles são interrompidos de forma repentina, são enganados, Dave entra em um carro para sofrer uma experiência traumática envolvendo sequestro e estupro.

Apesar do retorno do garoto para casa, a vida deles nunca mais foi a mesma. 25 anos depois, o destino dos três se cruza novamente. Mais uma tragédia aparece no caminho, a filha de Jimmy – Katie - é brutalmente assassinada.

Os personagens nunca mais tiveram a amizade da época da infância, apenas se cumprimentavam de forma habitual como manda o script. Jimmy chegou a ser preso e tem um comportamento estourado; Sean não superou a separação da mulher; já Dave seguiu em frente, porém seus demônios nunca o abandonaram completamente.

A história se entrelaça quando o personagem de Tim Robbins se torna o suposto assassino de Kate; Sean e seu parceiro Sargento Whitey Powers (Laurence Fishburne) são os responsáveis pela investigação.

O mundo do personagem de Sean Penn desaba ao saber da notícia, um golpe que se espalha através de seu grito de desespero. Dave Boyle é um vampiro, como ele diz, continua vivo, mas está morto. O Dave que todos conheciam morreu no esconderijo escuro e sombrio de seus molestadores.De alguma forma, todos entraram no carro naquela manhã de 1975, suas vidas mudaram e se desintegraram. Eles não se sentem a vontade um com o outro, o cinza da cidade reflete atmosfera vivida entre os “amigos”. Esse reencontro não tem nada de saudosista, é amargo.

Nem mesmo o Mystic River é capaz de lavar essas feridas do passado. O final traz um desfile cheio de cores, talvez seja a parte mais colorida do filme, contudo a dor é onipresente, como os próprios nomes dos garotos eternizados no cimento da calçada.

ÁGUA

2011-11-19T01:22:00.001-02:00

Mergulhado em três toneladas de água, dentro de um cilindro de acrílico transparente de 3 metros de comprimento por 110 cm de diâmetro (o acquabox), João Paulo Lorenzon interpreta seu quarto monólogo. Traçando uma linha tênue entre o fim de uma paixão e a sensação de afogamento, o espetáculo Água está no Espaço Parahaus, no Alto de Pinheiros. A direção é do próprio ator, com a colaboração da co-diretora Karim da Hora.

Ora se debatendo na turbulência das águas, ora flutuando em sua suavidade, o personagem interpreta 20 pequenas histórias - textos de sua autoria mesclados a fragmentos literários de Umberto Eco, Péter Esterházy, Vinícius de Moraes, Garcia Lorca, Paul Celan, Sándor Marai, William Blake, entre outros. Assim, desenvolve uma espécie de balé, coreografia com movimentos delicados e bruscos.

Para criar o conceito do espetáculo, João Paulo se inspirou na própria vida. Ele sofreu três afogamentos, um na infância e dois quando era mais jovem. “O estado de afogamento e o fim de um relacionamento são situações diferentes, todavia estão bem próximos. Sonhamos tanto e imaginamos ser felizes; entretanto, após o final de um romance, é como se a água nos inundasse, saímos exaustos, sem fôlego ou mesmo aliviados.”

A trama não é fechada, propõe uma multiplicidade de leituras. A água funciona como outro personagem - pode simbolizar o lado feminino com sua delicadeza, o tempo como se fosse uma ampulheta, a representação do fim ou uma purificação a cada mergulho.

A co-diretora Karim da Hora é a responsável por dar um olhar especial ao espetáculo. “Essa é uma parceria que dura 9 anos, pois fui aluna de teatro do Lorenzon. A peça tem uma pluralidade, os mergulhos funcionam como uma dança e a música se casa com cada movimento.”Acquabox – espaço inusitadoNão é de hoje que Água está na mente do ator. O espetáculo vem se desenhando desde sua interpretação em De Verdade , onde um homem contava seus fracassos amorosos. Nessa montagem, ele já queria usar um aquário, contudo esbarrava na dificuldade de encontrar o recipiente certo. O projeto do novo espetáculo se concretizou a partir do encontro de João com o artista plástico italiano Maurizio Mancioli, proprietário da galeria de arte Espaço Parahaus, onde está instalado o acquabox.

Não existe um desperdício de água em função da arte, pois esse “aquário humano” tem um sistema de drenagem que garante a renovação do líquido, um conceito de sustentabilidade. Mancioli mora no Brasil há 18 anos e informou que, antes da concepção do espetáculo, o dispositivo era usado para performances subaquáticas.

Sobre os monólogos de João PauloÁgua é o quarto monólogo da carreira de João Paulo Lorenzon. O ator já estrelou Memória do Mundo (2008); O Funâmbulo (2009) e De Verdade (2010). “Não foi algo planejado, simplesmente aconteceu.”

Memória do Mundo era inspirado em Jorge Luis Borges e tinha direção de Élcio Nogueira. “Para falar desse escritor argentino tinha que ser um monólogo, só na solidão é possível falar de um homem diante do infinito, de um labirinto.”

Já O Funâmbulo - de Jean Genet, direção de Joaquim Goulart - retratava a vida de um equilibrista, o ator foi até a França para conseguir os direitos do espetáculo. “Em função da peça tive até que aprender andar no fio de aço, uma ótima experiência.” Com De Verdade, João Paulo Lorenzon já era acompanhado pelos versos de Sándor Márai e pela direção de Antonio Januzelli. A montagem mostrava um homem que falava de seus fracassos amorosos.

Em 2011, ele esteve ao lado de Helô Cintra no espetáculo Decifra-te ou Me Devora, com direção de Elias Andreato. “Monólogos não são mais trabalhosos do que um espetáculo convencional, pois toda obra que é bonita é desafiadora, seja no coletivo ou sozinho”, enfatiza o autor.

Exposição
Antes da sessão do espetáculo, quem quiser pode conferir uma exposição com curadoria de Jurandy Valença e Maurizio Mancioli, criador da cenografia de Água, e proprietário do espaço onde funciona a galeria. Trata-se de uma mostra de arte contemporânea que reúne fotografias, pinturas, desenhos, gravuras, esculturas, objetos, instalações, vídeo-arte, performances e teatro. A primeira exibição da mostra ocorreu paralela à Bienal de São Paulo em 2010.

“E se não tivéssemos sido amantes, você não teria fugido da cidade, do convívio comigo, do lugar de sua falta, como fazem as fugitivas, mas teria ficado aqui, me enganado e traído, como todas as pessoas, o que me teria feito mal, mas teria sido menos grave do que tudo o que fez justamente por sermos amantes. E agora devo dizer algo que fui percebendo aos poucos, algo que custei a crer e que inclusive procurei negar a mim mesmo: ainda hoje e apesar de tudo, nós dois somos amantes.”

PARA ROTEIRO:

ÁGUA – Sábado, às 19h30 no Espaço Parahaus. Rua Caminha de Amorim, 532 – Alto de Pinheiros. Telefone: 8974-7869 Temporada de 12 de novembro a 4 de dezembro. Sextas às 21h, sábados e domingos às 19h30. Ingressos: R$ 20,00 e meia R$ 10,00. Vendas também pelo site: www.clubtickets.com.br. Lotação: 30 lugares. Duração: 40 minutos.

FICHA TÉCNICA:
De João Paulo Lorenzon. Direção: João Paulo Lorenzon. Co-direção: Karim da Hora. Realização e Direção de Produção: Fernanda Bianco. Preparação do ator: Janô – Antônio Januzelli. Cenografia e iluminação: Maurizio Mancioli Fotografia: Juliana P. Neumann, Karim da Hora e Maurizio Mancioli.

FAUSTO: DE MURNAU À SOKUROV

2011-11-15T13:06:00.001-02:00

Um dos nomes mais aguardos da Mostra Internacional de Cinema, Fausto causou expectativa e filas para os cinéfilos que não queriam perder a oportunidade de conferir a obra que faturou o Leão de Ouro no Festival de Veneza.

Fausto é o protagonista de uma popular lenda alemã de um pacto com o demônio, baseada no alquimista alemão Dr. Johannes Georg Faust (1480-1540). A obra de Goethe é símbolo cultural da modernidade, um poema de proporções épicas que relata a tragédia de um homem da ciência que, desiludido com o conhecimento de seu tempo, faz um pacto com o demônio Mefistófeles, que o enche com desejos mundanos.

Na versão de Murnau de 1926, o diretor traz um aspecto de pintura nas tomadas. A cena em que Gretchen está desolada nas ruas envolta da neve que cobre a cidade é um exemplo perfeito, o cineasta sempre procurava extrair belas imagens.

Na trama, Fausto está cansado de ver a onda crescente da peste negra, Mefistófeles dá ao personagem de volta sua juventude, fazendo com que ele aspire ao desejo das mulheres novamente. A pura Gretchen é a que mais desperta seus anseios. O longa é uma verdadeira batalha entre o lado divino e o demoníaco, luz e trevas, bem e mal, características que estão inseridas em qualquer ser humano.Já a leitura de Sokurov começa com uma tremenda imagem aérea, o belo também é uma questão importante do cineasta russo. A Gretchen ganha um verdadeiro aspecto angelical ao ser observada pelo personagem título interpretado por Johannes Zeiler. Fausto é um pensador especialista em várias ciências que briga com impulsos de cobiça e luxúria.

O Mefistófeles - de 2011 – é vivido por Anton Adasinsky. Uma criatura que tem o dom palavra, uma solução nefasta para qualquer dilema. Um ser deformado, adora ambientes sujos e com ares sexuais. Além da retórica, está sempre pronto para dar um “cutucão” na Igreja ao tentar virar um benfeitor de uma delas ou escolher o ambiente religioso para evacuar. Um arquiteto que planeja apenas construir um caminho que leve em direção ao aprisionamento da alma de Fausto.O diretor fecha uma quadrilogia do poder que também envolvem Adolf Hitler em Moloch (1999), Lenin em Taurus (2000), Hirohito em O Sol (2005). Fausto se mostra uma obra atemporal ao abordar temas pertencentes a natureza humana desde os tempos mais primórdios. Não é à toa que a história tem ganhado os palcos e os cinemas de forma acentuada. Sokurov não superou Murnau, ambos fizerem duas adaptações bem elaboradas sobre o mesmo assunto.

PASMACEIRA FUTEBOLÍSTICA

2011-11-13T14:35:00.001-02:00

O Campeonato Brasileiro 2011 é um dos mais disputados de todos os tempos. Errado. Apesar de boa parte de a mídia focar nesse raciocínio, o verdadeiro sentimento existente é o péssimo nível que a competição tem enfrentado nos últimos anos. Jogos de puro marasmo. Fraco e sonolento são os adjetivos que sintetizam boa parte das rodadas.

Podem dizer que aqui não é igual a Espanha onde apenas dois times podem ser campeões (Barcelona e Real Madrid). Pois, no Brasil vários times têm chances de se consagrar.

A verdade é que no país tupiniquim, a maioria está no nível de pasmaceira futebolística, portanto não é tão surpreendente ver o lanterna vencer o líder. América MG e Corinthians protagonizaram um dos piores jogos do campeonato. Aliás, o a equipe do Parque São Jorge permaneceu em mais de 66% do Brasileirão na ponta. O fato só ocorreu por causa da falta de competência dos outros adversários.

Daniel Piza, como sempre, conseguiu ver o que a maioria não quis enxergar com o post “Lanterna na Proa”:

Continuo com a TV ligada, zapeando canais e programas esportivos, e, na rádio e nos jornais dos dias seguintes, escuto e leio sobre a partida. Aos poucos as conversas convergem: se o líder perdeu para o lanterna, é porque “futebol não tem lógica” e, sempre em tom de orgulho mal disfarçado, “o campeonato brasileiro é o mais disputado do mundo”, mesmo que falte um grande time e o nível técnico não seja dos melhores. Mais sono.

A derrota do Corinthians não pode ser tomada especificamente como prova de que o futebol é imprevisível. Aliás, ter lógica não significa ser previsível – e que essa confusão permaneça no esporte mais querido do povo brasileiro não deixa de mostrar as deficiências da nossa cultura e educação. O confronto não atentou contra a lógica, mas contra o prazer.O Brasil não é o país do futebol há anos, nunca foi exatamente, pois grandes ídolos se destacam nos campeonatos no exterior, que são mais organizados e tem um maior requinte. Existem raras exceções. A emoção proporcionada pelos derbis regionais ficaram de fora, futebol perdeu a paixão e virou uma máquina caça níquel.

O fato fica ainda pior quando o esporte é comandado por uma máfia chamada CBF. Ricardo Teixeira não poupou palavras de podridão para mostrar seu poder com uma entrevista feita para a Revista Piauí.

Ao falar da Confederação ou da Seleção, Teixeira emprega a metonímia “eu”: “Eu tive que pagar”, ou “Eu tenho 120 milhões em caixa”, ou “Eu tinha que ganhar aquela Copa”, ou “Eu não queria abrir a Copa da Alemanha”.

Perguntei se Teixeira precisava dele para se eleger. “Claro que não, burro é uma coisa que ele não é”, respondeu Havelange. “Se a senhora um dia tivesse que definir a malandragem, no bom sentido, claro, ela se chamaria Ricardo Teixeira.”

Enquanto o avião decolava, tirou os sapatos, esticou as pernas sobre um banquinho de couro creme e fez o sinal da cruz. As luzes da cidade tinham ficado para trás quando rompeu o silêncio: “Em 2014, posso fazer a maldade que for. A maldade mais elástica, mais impensável, mais maquiavélica. Não dar credencial, proibir acesso, mudar horário de jogo. E sabe o que vai acontecer? Nada. Sabe por quê? Porque eu saio em 2015. E aí, acabou.”

Esses trechos exprimem o Coronelismo que manda e desmanda em nosso futebol e tem planos ambiciosos de dominar a FIFA. Que venha a próxima rodada!

DO BRASIL À GRÉCIA

2011-11-10T21:06:00.001-02:00

Um dos maiores objetivos da Mostra Internacional de Cinema é descobrir novos filmes, ampliar repertório e abrir novos horizontes. Com essa linha de pensamento, foi a vez de assistir O Homem que Não Dormia (Brasil) e Attenberg (Grécia).

O longa brasileiro conta com a direção de Edgard Navarro. A história se passa no interior da Bahia e mostra os tormentos de cinco personagens diante de um mesmo pesadelo em um vilarejo no qual é perpetuada a lenda de um tesouro deixado por um "barão desencarnado", cuja maldição é nunca dormir.

A cena inicial traz um mosaico de imagens que revela uma miscelânea de sonhos. O que no início e uma virtude prejudica a obra com o decorrer do tempo. Realidade e fantasia se confundem, não há uma distinção no que é fato ou ilusão. Tramas e subtramas prejudicam a unidade da narração.

Apesar disso, O Homem que Não Dormia em seus méritos como alguns personagens icônicos como o “Pra Frente Brasil”. Um andarilho que anda a esmo e sai do sério quando houve as palavras “Pra Frente Brasil”. O personagem ficou traumatizado com essa frase, pois foi torturado injustamente na época da ditadura militar e esse trecho era repetido exaustivamente em função da Copa do Mundo de 1970. E o que dizer de um padre que sempre consulta uma mãe de santo? O filme é uma verdadeira afronta ao circuito dominado pelos blockbusters americanos ou os filmes-novela brasileiros.

Já Attenberg tem a direção de Athina Rachel Tsangari. Na trama, Marina, 23 anos, mora com seu pai arquiteto em uma típica cidade industrial da Grécia. Achando a espécie humana estranha e repulsiva, ela mantém-se distante de outras pessoas. Ela observa os outros através das músicas do grupo de rock Suicide, das lições de educação sexual que recebe de sua única amiga (Bella) e dos documentários sobre mamíferos de David Attenborough (Naturalista britânico conhecido por sua carreira em programas sobre história natural).

A protagonista é uma mistura de ingenuidade e sedução, drama e comedia. O longa propõe mais interpretações do que se fecha em somente uma história. A solidão é persistente até mesmo quando ela se encontra acompanhada, branco e vazio ganham força principalmente nas cenas de Marina.

Uma resposta para toda essa fragmentação de sentido seria a crise atual vivida pela Grécia, uma época onde existem mais perguntas do que respostas. Essa é a regra primordial de Attenberg.

O CONTRATO

2011-11-09T16:47:00.000-02:00

Em preparação para estrear Bichado (a terceira peça da Trilogia da Guerra) e mais duas peças em 2012, o Núcleo Experimental volta em cartaz com a comédia O Contrato. O espetáculo - sobre as relações de poder no ambiente de trabalho – reestreia dia 11 de novembro, sexta-feira, às 21h30, no Instituto Capobianco. Texto de Mike Bartlett tem direção de Zé Henrique de Paula e Sérgio Mastropasqua e Renata Calmon no elenco.

Enquanto O Contrato retoma temporada, o Núcleo Experimental está em processo de seleção de elenco para a nova peça Bichado, do autor norte-americano Tracy Letts, que deve estrear em março. “Entre mais de 200 inscritos, selecionei 15 atores que participarão de uma oficina, coordenada por mim e pela Inês Aranha”, conta o diretor Zé Henrique de Paula. A peça é a terceira parte da Trilogia da Guerra - a primeira parte foi As Troianas - Vozes da Guerra e a segunda foi Casa / Cabul.

As novidades do Núcleo Experimental e do diretor Zé Henrique de Paula não param por aí. “Em 2012, dirijo mais duas peças: After Miss Julie, de Patrick Marber (com Caco Ciocler e Patricia Pichamone) e Ou você poderia me beijar, de Neil Bartlett (com Marco Antonio Pâmio e Clara Carvalho)”.

O CONTRATO

A montagem brasileira de O Contrato preserva o tom cínico, às vezes sarcástico, do texto de Bartlett, investindo no jogo entre os atores Sergio Mastropasqua e Renata Calmon para explorar a fundo o tema das fronteiras tênues entre o universo pessoal e a vida profissional.

Com cenas que mostram o humor negro do autor inglês, a ação concentra-se num único ambiente: o escritório asséptico e impessoal onde o Gerente submete sua funcionária Emma a uma série de provações. Fazendo valer sua posição, ele manipula e inferniza a vida de sua funcionária, que a tudo resiste em nome do salário mensal. E o final é surpreendente!

Além do riso, o espetáculo provoca na plateia questionamentos cada vez mais pertinentes na atualidade. Quanto vale um emprego? Dignidade pode ser comprada? Quanto há de Gerente, ou de Emma, dentro de cada um de nós? Emma tem sua vida pessoal invadida e dissecada por uma espécie de versão corporativa de Big Brother orwelliano – nada, nem os aspectos mais íntimos da existência da funcionária escapam ao olhar do Gerente.

Para o diretor Zé Henrique, a peça tem “ecos próximos do Teatro de Absurdo, às vezes com reminiscências de Ionesco ou Tardieu (especialmente no que se refere à linguagem)”. De acordo com ele, “trata-se de uma dissecação da funcionária Emma que, em 14 cenas, é exposta a um Grande Irmão orwelliano, em versão capitalista e corporativa. O Gerente, mais do que investigar ou reprimir o comportamento da funcionária, perscruta o comportamento amoroso de Emma, numa espécie de raio-x que expõe a funcionária ao que pode haver de pior no ambiente das grandes corporações: humilhação, aliciamento, manipulação, assédio, chantagem’.

O ator Sergio Mastropasqua completa: “Num tempo em que se fala de recessão, crise global, desmoronamento dos mercados, o medo e a impotência do funcionário se refletem numa obediência cega, humilhada e ignorantemente subserviente a quaisquer exigências, por mais absurdas que possam parecer. O poder e a importância do dinheiro na vida de um funcionário comum determinam sua predisposição, às vezes voluntária, a fazer de tudo pelo bem da empresa. E garantir seu posto, seu salário e sua baia”.

A comparação com a distopia de Orwell não é ao acaso. Ao resenhar a obra para o guia Time Out, o jornalista Andrew Hayton comentou: "No final de seus 50 minutos de duração, a peça O Contrato, de Mike Bartlett, que começa como uma aguda sátira dos regulamentos para o espaço do trabalho, torna-se um '1984' dos tempos atuais".

Vencedor do Olivier Award de 2010, com a peça Cock, encenada pelo Royal Court Theatre, Mike Bartlett é uma força emergente da nova dramaturgia inglesa. Sua obra Contractions é de 2008 e tem sua origem numa peça radiofônica, também de sua autoria, Love Contract. Reflexo de um período em que a crise global ameaçava derrubar mercados europeus em efeito dominó, a peça traz uma reflexão sobre o clima de ansiedade instaurado pela recessão, o que se reflete no pavor coletivo dos trabalhadores diante da ameaça do desemprego.

Com 5 anos de tablado, o Núcleo Experimental tem seis peças produzidas (Senhora dos Afogados, Cândida, O Livro dos Monstros Guardados, As Troianas-Vozes da Guerra, Casa/Cabul e O Contrato) e se prepara para estrear mais três (Bichado, After Miss Julie e Ou você poderia me beijar), fez 485 apresentações, contabiliza mais de 49 mil espectadores diretos e foi indicado a 13 prêmios.

O CONTRATO – Reestreia dia 11 de novembro de 2011. No Instituto Capobianco. De 11 de novembro a 11 de dezembro. Sextas às 21h30; sábado às 21h e domingo às 19h. Ingressos: R$ 30. Texto: O Contrato, de Mike Bartlett. Direção: Zé Henrique de Paula. Tradução: Renata Calmon. Assistente de direção: Beto Amorim. Elenco: Sergio Mastropasqua e Renata Calmon. Trilha original: Fernanda Maia. Preparação de atores: Inês Aranha. Cenografia e Figurinos: Zé Henrique de Paula. Assistente de Cenografia e figurinos: Cy Teixeira. Iluminação: Fran Barros. Fotos: Ronaldo Gutierrez e Bob Sousa. Produção executiva: Gabriela Germano. Administração: Claudia Miranda. Produção: Firma de Teatro. Assessoria de Imprensa – Arteplural Comunicação/ Fernanda Teixeira, Adriana Balsanelli, Douglas Picchetti. Censura 14 anos. Duração: 60 minutos.

INSTITUTO CULTURAL CAPOBIANCO – Rua Álvaro de Carvalho, 97, Centro, fones (11) 3237-1187 e (11) 3237-1187 . Horário de funcionamento: das 14h às 22h. Ar condicionado e acesso para deficientes. www.institutocapobianco.org.br.

LARANJA MECÂNICA

2011-11-08T23:53:00.001-02:00

O clássico de Stanley Kubrick também foi um dos destaques da 35ª Mostra. O longa foi exibido através de uma cópia restaurada, o que deu uma maior vivência na imagem e no som, além de passar a sensação de ver o filme como se fosse a primeira.

Dizer que Laranja Mecânica é atemporal já é clichê, todavia com o passar dos anos essa característica é cada vez mais evidente. O caso recente do líbio Muammar Kadafi é um exemplo perfeito. O ex-ditador foi morto e virou um troféu nas mãos do rebelde, ele acabou tomando do próprio remédio se levar em conta os constantes atos de “ultraviolência” que permearam seu governo.

Alex DeLarge também cai na mesma armadilha. Antes de ser preso ele era a encarnação do mal que vivia apenas para quebrar as regras impostas por uma ditadura (Note o oficial que humilha o protagonista na cadeia, tudo é imponente, das roupas à postura ereta). Após ser submetido a um tratamento para limpar todos seus traços maléficos, o personagem se torna uma marionete. Até onde é válido o Estado acabar com a liberdade individual para criar uma natureza humana totalmente benigna?

O longa não choca apenas pelas cenas, a sensação passada para o espectador talvez seja o maior trunfo dessa obra desde seu lançamento em 1971. O que dizer de Alex DeLarge embalando Singin' in the Rain no exato momento em que comete um de seus delitos insanos?

Laranja Mecânica é como um bom vinho, quanto mais velho fica ainda melhor, sempre aberto para várias leituras e interpretações, deixando inquieto quaisquer pessoa que resolva encarar os "druguis".

TAXI DRIVER

2011-11-06T16:57:00.001-02:00

Um dos destaques da 35ª Mostra é rever os clássicos em película totalmente restaurados. Um deles foi Taxi Driver de Martin Scorsese. Filme é símbolo da Nova Hollywood, representa mais uma parceria bem realizada entre o diretor e Robert De Niro.

Na trama, em Nova York, Travis Bickle é um homem de 26 anos (Robert De Niro), veterano da Guerra do Vietnã, que vive solitário na metrópole, além de vagar noite adentro devido à sua insônia implacável. Para compensar, ele começa a trabalhar como motorista de táxi.

Já na primeira cena, a névoa ganha textura (Relembre onde Scorsese foi se inspirar para o início de Ilha do Medo), as rondas de Travis são entremeadas pelas luzes de neon de uma cidade que também nunca dorme. Um lugar marcado pelas mazelas do mundo, um verdadeiro puteiro. O protagonista assiste a tudo de seu táxi amarelo, manifesta seu desejo de limpeza do ambiente pútrido que exala o fedor de esgoto da sociedade. Sua repulsa aumenta ao ter que limpar esperma ou sangue do banco de passageiros todos os dias após uma jornada de trabalho.

Oscilando entre esses momentos de revolta, eis que surge uma mulher em sua volta: Betsy (Cybill Sheperd), que trabalha na campanha do senador Palantine. Com a presença dessa bela loira, Travis muda até o seu olhar sinistro para uma expressão doce em questão de segundos. Entretanto, o conto de fadas deixa de existir quando o personagem a leva para ver um pornô científico.

O protagonista de Robert De Niro não toma essa decisão por uma simples vulgaridade. Bickle é um homem nu e cru perante a sociedade. Ele não faz parte do jogo social, principalmente na questão da hipocrisia. Em que mundo ele vive? Talvez somente o dele. Sua indignação aumenta ao conhecer Iris Steensma (Jodie Foster), uma prostituta de 12 anos que tem sua inocência roubada por um cafetão.Os momentos de solidão são quebrados apenas por quatros armas, principalmente pela Magnum 44, que se tornam objetos de adorno. Durante a campanha eleitoral, o slogan de Palantine é “We Are The Pepople”, ou seja, “Nós Somos As Pessoas”. Travis até concorda que cada um tem o seu poder, então ele decide fazer a justiça com as próprias mãos, protagonizando um dos momentos de maior barbárie do cinema.

O final se revela instigante ao ponto de trazer uma reflexão: Será que Travis “limpando” a sociedade com seus meios, não estaria entrando para o mesmo núcleo que ele frequentemente crítica? Em decorrência de uma série fatos, ele é vangloriado pela mídia ao se tornar herói de uma nação devastada pela Guerra do Vietnã, que procura de um novo ícone, mesmo que ele seja um psicótico.Como a maioria dos filmes da época, o longa causou polêmica ao retratar uma atmosfera caótica com os ingredientes da Nova Hollywood. Apesar das barreiras, Scorsese conseguiu manter suas ideais até o fim para deixar a obra virar um romance melodramático com sempre. Aliado com o roteiro de Paul Schrader e a tensão da trilha de Bernard Herrmann, Taxi Driver realmente arrumou um jeito de trazer os seus demônios.

DA EUFORIA À AMARGURA DE FORD

2011-10-25T21:24:00.001-02:00

O diretor soube como poucos fazer belas obras de faroeste retratando temas densos e com as belas paisagens do Monument Valley. Explorando o western, John Ford conseguiu captar a atmosfera da sociedade da época, desde a euforia de uma nação que acabava de sair da Grande Depressão ou de uma amargura que se estendia em torno de um mundo devastado pós Segunda Guerra Mundial.

No Tempo das Diligências

Na trama, uma diligência atravessa o interior do Arizona rumo ao Novo México, território Apache, levando uma espécie de amostragem da sociedade americana da época. Entre eles estavam a prostituta Dallas (Claire Trevor) expulsa da cidade de Tonto (Arizona) por um bando de mulheres indignadas; Doc Boone (Thomas Mitchel), um médico beberão; Henry Gatewood (Berton Churchill), o banqueiro que rouba o banco; a esnobe senhora Lucy Mallory (Louise Platt), grávida, viajando ao encontro do marido, oficial do Exército; Hatfield (John Carradine), o jogador Confederado; Samuel Peacock (Donald Meek), o vendedor de uísque; o xerife Curley Wilcox (George Bancroft); e o cocheiro Buck Rickabaugh (Andy Devine).

Durante a viagem se junta a eles Ringo Kid (John Wayne), um pistoleiro que fugiu da cadeia para vingar a morte do irmão e do pai. O ator era um desconhecido na época e tem uma entrada filmada de forma triunfal, enfatizada com o belo trabalho de iluminação. Vale dizer que um dos pontos fortes do filme é a profundidade de campo, trabalho de fotografia que seria uma das inspirações para a execução de Cidadão Kane de Orson Welles.Em volta a uma tensão provocada pela Guerra de Secessão ou pela ameaça iminente de uma tribo Apache, são os dilemas dos personagens que enriquecem o longa. Assuntos como preconceito social, vício, lei, vingança, culpa, ambição, moral e idealismo estão entre as nuances que compõem a história. Ou seja, mais uma vez Ford ultrapassa as fronteiras de um bang bang entre bandidos e mocinhos.

No Tempo das Diligências também se destaca pela comédia, principalmente com o médico que vive sempre embriagado ou com o cocheiro Buck Rickabaugh. Ação não falta, Ringo Kid mostra todo seu poderio contra os ataques dos Apache, fato que o levaria John Wayne a se consagrar como o mito da América, uma exaltação dos valores americanos.

O Homem Que Matou o Facínora

Considerado por muitos como o maior faroeste de todos, além do mais, traz a dupla James Stewart e John Wayne atuando juntos pela primeira vez. Dessa vez, o western vai além, não se trata da conquista do Oeste, o mundo dá lugar para as locomotivas ao invés das diligências que cruzam os vales americanos. O filme de 1962, ano da Crise dos Mísseis, estava em meio a um planeta tumultuado em função da Guerra Fria. O planeta estava em colapso e John Ford se revela um homem mais melancólico.

Em 1910, o Senador Ransom Stoddard (James Stewart) e sua esposa Hallie (Vera Miles) chegam numa pequena cidade para o funeral de Tom Doniphon (John Wayne). Entrevistado por um repórter, através de flashbacks, Stoddard conta a história de quando era advogado na cidade e como um fato importante moldou suas vidas para sempre.

O personagem de James Stewart é educado, veio da cidade, procura resolver qualquer assunto por meio do diálogo. Já John Wayne encarna um homem mais ríspido, que dá mais valor na ação, no gatilho de uma arma. Apesar das diferenças, eles partilham o mesmo desejo: acabar com a tirania de Liberty Valance (Lee Marvin). Além disso, outra aspiração de ambos é o amor da mesma mulher (Hallie, na época uma garçonete de saloon).Diferentemente de No Tempo das Diligências, John Wayne aparece de forma mais discreta em sua primeira aparição, pois ele não é mais um desconhecido, já é um verdadeiro ícone. Stoddard não se conforma como as coisas são resolvidas em Shinbone, principalmente pela falta ação do xerife - Link Appleyard – um verdadeiro bonachão que só pensa em sua próxima refeição. A comédia também fica por conta do jornalista Dutton Peabody, que adora contar uma história entre um porre e outro.

A cena célebre é o duelo entre Valance e Stoddard, pela qual o bom samaritano se sai vencedor. Ford mostra que a mesma sociedade que constrói, também destrói. Procura um melhor ponto de vista sobre o fato, o que acaba determinando uma nova visão sobre o verdadeiro homem que deu cabo no fora-da-lei Liberty Valance [The Man Who Shot Liberty Valance]. Será mesmo que foi Stoddard? Aquele que tinha apenas como arma suas palavras e os seus livros de Direito? "Aqui é o Oeste, senhor. Quando a lenda é maior que o fato, publique-se a lenda"

Com essas palavras, o jornalista Maxwell Scott encerra o que perseguiria Pilgrim (apelido dado à Ransom por Tom) para sempre. Doniphon abdicou e escondeu a realidade que o deixaria no anonimato, sem os palanques do Senado, nem o amor de Hallie. Uma melancolia que se espalha por todos os personagens envolvidos. Uma crítica, uma desmistificação da lenda, algo que derrubaria valores pelos quais a sociedade se criou, ou até mesmo, se moldou.

“A TROCA”

2011-10-21T23:24:00.001-02:00

Clint Eastwood aposta mais uma vez em um drama com tons humanizados para criar uma obra magnífica como só ele sabe fazer. Nessa trama, Christine Collins (Angelina Jolie), uma mãe solteira, se despede de Walter (Gattlin Griffith), seu filho de 9 anos, e parte rumo ao trabalho. Ao retornar descobre que Walter desapareceu, o que faz com que inicie uma busca exaustiva.

Antes de o fato acontecer, os travellings já denunciavam que algo ruim estava por vir ao deixar a imagem do garoto Walter ir diminuindo a medida que a câmera se afastava. Cinco meses depois a polícia traz uma criança, dizendo ser Walter. Atordoada pela emoção da situação, além da presença de policiais e jornalistas que desejam tirar proveito da repercussão do caso, Christine aceita a criança. Um dos policiais ainda fala algo “Leva para casa e experimenta” como se ela estivesse com um novo objeto.

Apesar dessa atitude, a protagonista sabe que ele não é o seu filho. Mesmo com toda esse impacto, o longa é baseado em uma historia verídica. Christine não se conforma e vai atrás das autoridades para que recuperem seu verdadeiro filho. A situação é desesperadora, entretanto a personagem consegue manter a elegância com seus trajes, seu chapéu que encobre o olhar e o batom vermelho que se destaca em meio a uma Los Angeles cinzenta do começo do século XX.

O episódio parece se voltar contra a senhora Collins, que é tratada como uma mãe indiferente ou até mesmo uma demente ao se confrontar cm os princípios da Polícia. O fato até ganha mais repercussão com o Reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich) que procura denunciar as falcatruas das autoridades em relação ao caso. O acontecimento ganha um lado político ao ver que as ações de Christine afetam a opinião pública.Eastwood dá um ritmo lento ao filme, característica própria pelo diretor, porém esse não é um deslize, pelo contrário, o nosso “Dirty Harry” procura dissecar a trama em todas suas vertentes, principalmente ao enfatizar a busca de uma mãe pelo filho que duraria até o fim de seus dias, não importando que as circunstâncias estivessem todas contra.

Talvez, Christine Collins não imaginava que seu drama tomaria proporções políticas e religiosas tão poderosas, essa nunca foi sua principal intenção, ela queria mesmo era reencontrar seu filho.

HE IS THE MAN!

2011-10-19T21:51:00.001-02:00

Ele é legal e todo mundo gosta dele, essas são as palavras que resumem bem quando o assunto é Tom Hanks. Dois Oscars como Melhor ator e filmes que atingiram bons números em bilheteria não foram suficientes para ele deixar sua simpatia de lado, como pode se ver em uma entrevista na Veja ( 14 de setembro).

Seu último filme, que foi escrito e dirigido pelo próprio, não atinge o ápice, porém ainda ele consegue trazer bons frutos, e não são poucos. Seu personagem que dá nome ao título é uma pessoa que tem se reinventar após ser despedido por uma rede de supermercados, emprego que se dedicou ao longo dos anos.

Após o baque, Larry troca seu carro por uma lambreta, vai morar em um apartamento apertado e começa a trabalhar em um lugar com um salário abaixo do que estava acostumado.

Mesmo com todas essas situações adversas, Larry é feliz e deixa todos bem que estão em sua volta. Além disso, ele decide frequentar à faculdade e acaba entrando em uma relação amorosa com uma professora, interpretada por Julia Roberts, uma mulher entediada que desconta na bebida para fugir da realidade.

Com as crises pessoais e financeiras que assolam o mundo, Larry Crowne pega o caminho contrário ao investir em uma trama que aposta no simples, uma época que o cinema se deslumbra por explosões e o 3D.

Pode se dizer que Larry Crowne tem um pouco de Tom Hanks. Uma unanimidade, já foi cogitado para assumir a Casa Branca, um ator que reembolsa dois fãs em um posto de gasolina que não gostaram de seu último filme. Durante as gravações de O Código da Vinci, trama que lida com questões que afetam a Igreja Católica, o ator foi poupado das manifestações de freiras. Ele até recebeu um vaso de flores de uma das líderes com as palavras “Sem Mágoas”.

Durante a entrevista, Hanks fala do crescimento de roteiros mais ambiciosos para TV nos últimos anos, fato que gerou sucessos como Os Sopranos ou o seu Band of Brothers. O ator enfatiza que os cachês altos são uma barreira para a contratação de estrelas em filmes, todavia sempre haverá espaço para ótimos longas como o recente Meia-Noite em Paris de Woody Allen.

3 ANOS DE LA PODEROSA

2011-10-17T12:00:00.000-02:00

Obrigado a todos que visitam esse blog sempre ou de vez em quando. "Ao infinito e Além"!

Tuas mãos

Quando tuas mãos saem,

amada, para as minhas,

o que me trazem voando?

Por que se detiveram

em minha boca, súbitas,

e por que as reconheço

como se outrora então

as tivesse tocado,

como se antes de ser

houvessem percorrido

minha fronte e a cintura?

Sua maciez chegava

voando por sobre o tempo,

sobre o mar, sobre o fumo,

e sobre a primavera,

e quando colocaste

tuas mãos em meu peito,

reconheci essas asas

de paloma dourada,

reconheci essa argila

e a cor suave do trigo.

A minha vida toda

eu andei procurando-as.

Subi muitas escadas,

cruzei os recifes,

os trens me transportaram,

as águas me trouxeram,

e na pele das uvas

achei que te tocava.

De repente a madeira

me trouxe o teu contacto,

a amêndoa me anunciava

suavidades secretas,

até que as tuas mãos

envolveram meu peito

e ali como duas asas

repousaram da viagem.

Pablo Neruda

ADEUS A LEON CAKOFF

2011-10-15T16:13:00.001-03:00

Um dos ícones culturais, principalmente pela luta da sétima arte não está mais entre nós. Segue a nota oficial:

Um dos maiores nomes da resistência cultural no Brasil durante a ditadura, Leon Cakoff, fundador da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, morreu nesta sexta-feira, dia 14 de outubro, por conta de complicações decorrentes de um melanoma – câncer que atinge o tecido epitelial. Ele estava internado há duas semanas no Hospital São José, em São Paulo.

Leon Cakoff nasceu Leon Chadarevian em Alepo, na Síria, em 25 de junho de 1948. Veio para o Brasil com a família aos oito anos de idade e formou-se pela Escola de Sociologia e Política de São Paulo. Por problemas com o regime militar, adotou o pseudônimo Cakoff, que nunca mais abandonou.

Leon foi casado durante 22 anos com Renata de Almeida, atual diretora da Mostra. Ela dirige a Mostra a seu lado desde a 13ª edição do evento, em 1989. Deixa dois filhos com ela, Jonas e Thiago, além de dois filhos do primeiro casamento, Pedro e Laura.
Ele começou a carreira em 1969 como jornalista e depois crítico de cinema nos Diários Associados. A partir de 1974, dirigiu o Departamento de Cinema do Museu de Arte de São Paulo (Masp) e iniciou a programação de mostras e ciclos no museu.

Em 1977, para comemorar os 30 anos do Masp, Leon criou a 1ª Mostra Internacional de Cinema, com 16 longas e 7 curtas brasileiros e internacionais. Logo no primeiro ano, foi criada uma das maiores marcas do festival, o prêmio com o voto do público, que na primeira edição foi para Lúcio Flávio, O Passageiro da Agonia, de Hector Babenco. Um artigo do Jornal do Brasil registra que “a Mostra é o único lugar onde se pode votar no país”.

Desde a primeira edição, Leon travou uma luta ferrenha contra a censura imposta pelo regime militar, trazendo filmes até por meio de malas diplomáticas de embaixadas e consulados. Foi assim que a Mostra exibiu filmes inéditos vindos da China, Cuba, União Soviética, França e dos mais distantes países.
A partir de 1984, Leon desligou-se do Masp e carregou consigo o evento. A 8ª Mostra foi marcada por alguns dos maiores embates contra a censura. É o ano da histórica sessão de O Estado das Coisas de Wim Wenders no Cine Metrópole, ao fim da qual ele subiu ao palco para anunciar a ordem federal de fechamento do cinema e interrupção do festival. O fato repercutiu em diversos jornais no exterior. Leon conseguiu retomar as projeções quatro dias depois.

Grandes cineastas

Ao longo dos 35 anos de Mostra, Leon introduziu no Brasil o cinema de grandes autores que de outra forma não teriam chegado ao público nacional. Todos esses diretores tornaram-se também seus amigos pessoais. É o caso do português Manoel de Oliveira, o cineasta mais velho do mundo em atividade, hoje com 102 anos, de quem a Mostra apresentou regularmente os filmes a partir de Amor de Perdição (1979, na 3ª Mostra); o iraniano Abbas Kiarostami, diretor deGosto de Cereja e Cópia Fiel; e o israelense Amos Gitai, diretor de Kadosh e Alila. Todos vieram inúmeras vezes a São Paulo como convidados ou membros do Júri internacional da Mostra.

Outros grandes diretores que passaram pela Mostra foram o americano Quentin Tarantino com seu primeiro filme, Cães de Aluguel (1992, 16ª Mostra); o espanhol Pedro Almodóvar, que abriu a 19ª Mostra em 1995 com A Flor do Meu Segredo; o americano Dennis Hopper, que veio a São Paulo em 1984 apresentar O Último Filme; o alemão Wim Wenders, que veio a São Paulo na 32ª e na 34ª Mostra; o diretor de fotografia mexicano Gabriel Figueroa, que trabalhou com John Huston e Luís Buñuel, convidado da 19ª Mostra em 1995; o iraniano Jafar Panahi, hoje mantido em prisão domiciliar pelo governo do Irã; o sérvio Emir Kusturica e o finlandês Aki Kaurismaki, entre tantos outros.
Produtor, diretor e escritor

Leon Cakoff também foi o produtor de importantes projetos que reuniram grandes diretores. Em 2004, ele organizou e lançou na 28ª Mostra o filme Bem-Vindo a São Paulo, reunião de curtas sobre a cidade dirigidos por 12 cineastas, entre eles Caetano Veloso, Phillip Noyce, Maria de Medeiros, Daniela Thomas, Amos Gitai e Tsai Ming-Liang. Foi também o produtor de O Mundo Invisível, filme inédito que reúne curtas de Manoel de Oliveira, Wim Wenders e Atom Egoyan, que terá exibição na 35ª Mostra.

Leon dirigiu ainda os curtas Volte Sempre Abbas (1999) e Natureza-Morta (2004), ambos em parceria com Renata de Almeida, e Esperando Abbas (2004).

Ele escreveu os livros Gabriel Figueroa – O Mestre do Olhar, grande entrevista com o mexicano; Ainda Temos Tempo, com crônicas de viagem ligadas a cinema; Cinema Sem Fim, com a história dos 30 anos da Mostra; e Manoel de Oliveira, uma grande entrevista sua com o cineasta português.

Distribuidor e exibidor

Além de programador e produtor, Leon também atuou nas outras pontas do mercado cinematográfico. Em 2000, junto com Adhemar Oliveira, Patrícia Durães e Renata de Almeida, formou a distribuidora Mais Filmes, especializada em filmes de autor. Nos últimos anos, mantinha, com Renata de Almeida, a Filmes da Mostra, que lança filmes em cinema (como Tio Boonmee..., vencedor da Palma de Ouro em Cannes) e coleções em DVD, em parceria com a Livraria Cultura.

Com Adhemar, ele era sócio desde 2001 do Unibanco Arteplex, primeiro cinema do Brasil a usar o conceito de multiplex para incluir filmes de arte da programação.

FRASES

“A história da Mostra Internacional de São Paulo é o relato de uma batalha constante contra a censura, as leis arbitrárias, o descaso pela cultura. É, finalmente, uma luta pela criação e preservação de uma memória coletiva” – Walter Salles, cineasta de Central do Brasil e Diários de Motocicleta

“Admiro as pessoas que têm visão, um sonho, a coragem e a determinação de não apenas realizá-lo, mas também de perseverar, não deixá-lo morrer. É o caso do Leon, que foi o primeiro de nós a viajar para o Festival de Cannes (...), onde nasceu e começou a ser germinada a ideia de realizar um festival de cinema na cidade de São Paulo.” – Rubens Ewald Filho, crítico de cinema

“Atravessam-se continentes e oceanos para perceber que estranhamente, nas profundezas do planeta, um amigo que pertence a uma cultura radicalmente diferente da nossa fala muito mais à vontade a nossa ‘língua’ e a nossa ‘linguagem’ que nossos próprios compatriotas. Na casa do Leon, (...) surpreendo-me de encontrar as paisagens tão familiares de meu próprio país” – Abbas Kiarostami, cineasta iraniano, diretor de Gosto de Cereja e Cópia Fiel

Velório

14/10/2011 - 18:00 às 00:00
15/10/2011 - 08:00 às 13:00

MIS - Museu da Imagem e do Som
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