La última pelicula

The Scouting Book for Boys

2009-11-10T16:14:00.001+01:00

La ventaja de los festivales de cine es la oportunidad de poder ver pequeños títulos que de otra forma pasarían desapercibidos. The Scouting Guide for Boys es una pequeña historia de amor que se desarrolla en un modesto parking de caravanas donde viven Emily y David, dos amigos de toda la vida.

La historia toma el recurrente punto de partida de una pareja de amigos en la que uno de ellos, en este caso él, está enamorado del otro y haría cualquier cosa por la otra persona. Y ese “cualquier cosa” se lleva al extremo en este título.

Pero realmente no es la historia ni su desarrollo lo que destaca de esta cinta. La presentación de personajes y situación es más que efectiva. Emily se queda embarazada y sabe que, en esa situación, su madre perderá la custodia frente a su padre. Para evitar tener que marcharse, David le ayuda a que se esconda y hará lo posible por evitar que la encuentren. El pobre está convencido de que Emily se dará cuenta de que él es lo que ella necesita pero nada es tan bonito como parece.

A medida que avanza la historia, la situación no sólo se hace poco verosímil sino que el trajín que se trae David del parque de caravanas a la cueva escondite es imposible de creer o, incluso, situar cronológicamente. El guión deja demasiadas cosas sueltas y sin justificar a favor de lo que le conviene para la historia, lo que acaba molestando sobremanera.

Pero si bien en el aspecto de guión, el título pierde fuelle a medida que avanza el metraje, no se le puede restar méritos ni por un momento a la ambientación, la dirección, la fotografía o la música. Esos cuatro aspectos de The Scouting Book for Boys no solo se merecen ser remarcados sino destacados sobresalientemente. El uso de los colores calientes y fríos, el uso de la música melódica para enfatizar las emociones es fantástico.

Lo mejor: la atmósfera.
Lo peor: Que se va desinflando a medida que avanza la historia.
La imagen: David y Emily corriendo por los techos de las caravanas.

The Scouting Book For Boys es una historia agradable de ver pero que requiere un nivel de compromiso por parte del espectador muy alto para conectar con la historia.

500 días juntos... Memento llega a la comedia romántica

2009-10-29T12:10:00.003+01:00

Lo reconozco: la verdad. El trailer, posters y reparto de 500 días juntos me tenía comprado semanas antes de que me sentase a ver esta gran película. ¿Es garantía eso de que me vaya a encantar la película? Hay innumerables ejemplos que gritan no (sin ir más lejos ahí están Agora, Los abrazos rotos, La cinta blanca... y eso éste mismo año). No hay nada como esperar una gran película para terminar con un "pse, no está mal pero...".

¿Quiere decir esto que 500 días juntos es la gran película del 2009? Pues no... y sí. Pocas películas este año han ofrecido escenas tan estimulantes y efectivas - tocándote la fibra sin ser efectistas ni manipuladoras - como algunas que ocupan el metraje de esta ópera prima del debutante Marc Webb. El ejemplo más claro es esa devastadora secuencia de expectativas / realidad que cambia todo en la historia... o el alargado (por otra parte) episodio en Ikea.

No todo es perfecto: ahí estan los clásicos secundarios de estas comedias románticas como la niña sabionda o los amigos freaks... que nunca igualarán al que lo inició la moda diez años atrás: el genial Rhys Ifans de Notting Hill. También está la inevitable escena del karaoke (¿invierten dinero en todas las películas indies? Cuanto daño ha hecho Sofía Coppola) o la clásica historia de protagonista que tiene su carrera soñada aparcada para acabar volviendo a apostar por ella en el último acto, habiéndose dado cuenta de que su felicidad es lo más importante.

¿Por qué si veo todos estos fallos creo que estamos ante una película imprescindible de la actual cartelera? A lo ya comentado hay que añadir la espectacular química entre Summer y Tom, que pasa a formar parte de las grandes parejas románticas del 2000 en un club presidido entre otros por Jesse & Celine (Antes del atardecer) o Ennis del Mar & Jack Twist (Brokeback Mountain) gracias al ángel que desprende la mágica Zooey Deschanel y el enorme talento del verdadero protagonista de la historia, Joseph Gordon-Levitt, que vuelve a estar enorme tras sus extraordinarias interpretaciones en Brick y Piel misteriosa. Qué ganas de ver a este hombre dirigido por Christopher Nolan en la próxima Inception. Y hablando de Nolan, no podemos olvidarnos del toque Memento que tiene la película. Es un acierto contar la película saltando en el tiempo a los diferentes estados y momentos de la relación entre Summer y Tom. Puede descolocar en algún momento pero está bien llevado y es una muestra más de que los responsables de la película han luchado por ofrecer algo nuevo, algo distinto. Y se agradece mucho.

Por último, decir que es triste. Entendible, pero definitivamente triste. Con sus 33 millones de dólares de recaudación, 500 días juntos, todo un éxito indie de taquilla, se queda lejísimos de cintas muy menores, sino directamente mediocres, como La proposición, La cruda realidad o Guerra de novias. ¿Se merecen las nuevas generaciones de espectadores que gente como el debutante Webb o la dupla Scott Neustadter & Michael H. Webber se rompan la cabeza por encontrar algo nuevo en un género tan manido como la comedia romántica? Probablemente no, pero sigue habiendo gente, como un servidor, que agradece que hoy en día haya cineastas que luchen por ofrecer algo nuevo, aunque sea partiendo de los estereotipos.

La marchita Flor del Desierto

2009-10-27T15:22:00.002+01:00

Es difícil hacer un comentario de este título ya que, realmente, en Desert Flower hay dos películas. Una cuenta la historia de una niña somalí que escapa de su hogar y lucha para salir adelante en un mundo completamente nuevo para ella como es Londres. La otra es una interesantísima reflexión y denuncia sobre la aún vigente práctica de la circuncisión femenina.

El gran problema aquí es que la mayor parte del metraje se centra en esa primera y manida historia de pez fuera del agua con los choque de culturas y afán de superación pertinentes. El guión es de manual, con evolución y giros previsibles y una incursión de flashbacks que descolocan al espectador (aunque realmente sean lo más interesante de esta parte). Pero, llegado a un punto, a poco del final de la cinta, la intención gira radicalmente y la historia se centra en la crítica a la práctica mencionada anteriormente.

Vemos cómo ella deja de lado su vida en las pasarelas para hacer conocer al mundo que la práctica sigue existiendo. A pesar de la importancia, interés y seriedad de este tema, uno no puede evitar percibir cierta demagogia en la forma de tratar algunos momentos más clave. Sí, el discurso que da ella en las naciones unidas es muy emotivo y significativo, y el flashback correspondiente al momento en el que ella sufrió la castración es altamente dolorosa e impactante, pero pierde toda la fuerza cuando se compara ambos momentos con el resto del metraje.

Si Desert Flower hubiera sido sólo esa primera parte, la de la niña somalí en busca de otra vida, habría sido una película simpática más, incluso recomendable, sobre el afán de superación y el choque de culturas. Más complicada era una "Desert Flower" centrada en la segunda parte del metraje pero más interés y repercusión que la anterior seguro que tendrían. El problema es la mezcla de ambas.

Lo mejor: Todos los flashback (aunque no su emplazamiento en el film). Lyla Kebede.

Lo peor: Las posibilidades desaprovechadas de hacer algo relevante y no una comedia semi-romántica con aspiraciones a reivindicación política.

En fin, Desert Flower es un título que tenía muchas posibilidades al tratar de reflejar la vida de un personaje histórico tan interesante, pero con grandes defectos en la ejecución al perder de vista el objetivo y la historia que se quiere contar.

Sesión contínua: Adam / Infectados

2009-10-25T13:10:00.003+01:00

Como siempre, con el otoño, además del siempre perturbador cambio de hora, llega una oleada de interesantes estrenos que cada año me hace aumentar mi asistencia al cine. Por ello, la cantidad de cintas vistas y pendientes de comentar son casi de una decena así que intentaré hacer posts dobles. Empezaremos con dos propuestas independientes norteamericanas, una un tanto decepcionante y otra más que correcta aunque no demasiado innovadora.

Con el brillante cortometraje larutanatural el catalán Alex Pastor llamó la atención en los festivales de todo el mundo (premio en Sundance al mejor corto incluído) lo que provocó que prácticamente se le rifasen a la hora de producir su ópera prima. Por esto, lo que en principio iba a ser una produción rodada en video en el desierto de Almería se convirtió en una pequeña producción respaldada por la filial de una major.

Codirigida por su hermano, Infectados es una correcta muestra más del cine post - apocalíptico tan de moda en los últimos años (con la saga 28... después a la cabeza) que, lamentablemente, no va mucho más alla de las propuestas que hemos visto anteriormente. Hay que aclarar antes de nada que no es una película de zombies (por mucho que la publicidad de la película deje entrever eso... ¿es que no aprendieron nada con El bosque?) y que es interesante en que se crentre más en la psicósis que genera en los personajes la posibilidad de ser infectados que en la propia infección pero, aún así, no termina de enganchar. Me quedo con el reconocido homenaje a la escena de los velocirraptor en la cocina del primer Parque Jurásico.

Debo reconocer que no sabía lo que es el síndrome de Asperger hasta que uno de los principales personajes de la serie Boston Legal sufría esta enfermedad. Ahora es la película Adam, ópera prima del director y guionista Max Mayer, la que aborda este trastorno (que viene a ser básicamente y según nuestra amiga la wikipedia, la ausencia de un sofisticado sentido de reconocimiento de los estados emocionales ajenos, o sea, la empatía) aunque desde un prisma más dramático y sentimental.

La pelicula, notablemente interpretada por Hugh Dancy y Rose Byrne, no se deja llevar por el melodrama barato y presenta los confilctos que plantea el Asperger sin llegar a juzgar a ninguno de los personajes (no hay más que ver el acto final, con la voluntad de Adam y la justificación de la misma). En el lado negativo de la balanza nos encontramos con la subtrama de Peter Gallagher, que no hace sino quitar brillo a una historia princial. La trama principal sigue el clásico desarrollo de historia de amor-casi-imposible entre dos personas que son demasiado distintas a pesar de compartir tantas cosas (un poco como Yo, también, de la que hablaremos más adelante en el blog) y a pesar de todo, funciona. Adam se estrena en España el 30 de octubre.

Pixar y Ghibli reestrenan tres clásicos en los cines

2009-10-20T16:26:00.000+02:00

La moda del 3D está funcionando muy bien como reclamo para atraer de nuevo a la gente a las salas, sobretodo a las familias, y estamos siendo testigos de cómo esta estrategia se extiende cada vez más a películas que no están pensadas para ello. La última obra maestra de Pixar, UP, es un gran ejemplo ya que lo único que añade el sistema 3D es una sensación de profundidad en los fondos de escena pero poco más.

Nos tememos que va a ocurrir lo mismo con el reestreno de las dos partes de Toy Story, que quieren aprovechar el tirón del 3D a la vez que vuelven a poner la saga en boca de todos como caldo de cultivo para el próximo estreno de la tercera parte. El atractivo de estos reestrenos ya no es tanto el verlo con las gafitas (ya que la sensación será similar a la de UP) sino el poder disfrutar de nuevo de dos grandes títulos en pantalla grande y además en 2x1!

Toy Story y Toy Story 2 en 3D se estrenan este viernes 23 de Octubre en España.

Pero no son los únicos reestrenos de animación que tenemos próximamente ya que el Aurum ha decidido reestrenar en cines uno de los títulos clave del estudio Ghibli, Mi Vecino Totoro, como pistoletazo de salida para el lanzamiento de títulos del estudio de animación japonesa en DVD inéditos en nuestro país.

El 30 de Octubre se estrena Mi Vecino Totoro en cines y por duración limitada, cuya edición en DVD vendrá el 9 de Diciembre. Además el 28 de Octubre será el lanzamiento en Dvd de Ponyo en el acantilado y Susurros del Corazón. Aún no hay fechas para otros títulos que Aurum ha comunicado que saldrán a la venta como Nausicaa del Valle del Viento, El Castillo en el cielo o Porco Rosso.

A muchos les puede parecer una tontería ver por nosecuanta vez una película de nuevo en el cine, pero al ser tres títulos que me encantan, casi no puedo con la impaciencia de volver a verlos en pantalla grande. Hace poco lo hice con Parque Jurásico y fue algo impagable. Por ello, esto va derechito a la sección “me muero por ver” ;)

Si la cosa funciona, otra vuelta de tuerca al universo Allen

2009-10-18T14:18:00.000+02:00

Woody Allen regresa en su ya obligada cita anual con Si la cosa funciona, con la particularidad de que el cineasta vuelve a Nueva York después de cuatro aventuras europeas (cuya mejor experiencia fue la más que notable innovación - para el cine de Allen - de Match Point y el excelente trabajo de Penélope Cruz en VCB... todo lo demás es bastane olvidable).

En Si la cosa funciona, Boris Yellnikoff (interpretado por el televisivo Larry David), un hombre que se considera demasiado inteligente para el resto de personas que viven este planeta y que, tras un fallido intento de suicidio, se retira a su casa en un viejo apartamento neoyorquino hasta que le sorprende la llegada de una joven - y bastante estúpida - sureña (la ascendente Evan Rachel Wood) que le cambiará la vida. Yellnikoff repite, uno a uno, todos los tópicos de los personajes nacidos tradicionalmente a la sombra del genial director y escritor neoyorquino, osea: es un snob, inteligente, hipocondríaco,... y un largo etcétera que cualquier aficionado al cine que haya visto un par de películas de Allen reconocerá al instante.

Un servidor sigue sin tener muy claro por qué Woody Allen renunció a interpretar el papel protagonista cuando tiene todo lo que requiere. No es que David haga un mal trabajo, que para nada, pero seguramente la película habría funcionado un poco mejor con él. A favor de la película están los trabajos de Wood y, sobre todo, Patricia Clarkson, una de las eternas secundarias de Hollywood que siempre encuentra el modo de estar estupenda. La trama que ella protagoniza, con una madre que va a Manhattan a rescatar a su hija para encontrarse con una vida completamente nueva, es de lo más logrado de la cinta.

¿Es una buena película? Pues sí... y no. No ofrece nada nuevo (y esto ya empieza a ser una constante, no tan positiva, en el cine de Allen) pero, para qué negarlo, el estilo y particular toque del cineasta sigue funcionando, aunque película a película vaya perdiendo parte de su fuerza, hasta el punto de que da la impresión de que este hombre no volverá a hacer una gran película.

Veremos en su nuevo proyecto - que, dada su velocidad, ya está rodado - si el director decide ir de nuevo un paso más allá y arriesgarse por hacer algo nuevo. La película, rodada de nuevo en Londres, reunirá un casting excepcional: Naomi Watts, Anthony Hopkins, Josh Brolin Antonio Banderas y Freida Pinto, revelada la pasada temporada con su Slumdog Millionaire. Pese a todos los peros de las películas de Allen, sus proyectos me seguirán hasta el momento en que, lamentablemente, la luz de uno de los grandes genios del cine se apague.

Una de trailers

2009-10-15T22:35:00.004+02:00

Ya hay trailer y avance de sinopsis para algunos de los estrenos más interesantes del 2009 / 2010. Entre ellos, una esperada ópera prima, una impresionante reunión de estrellas y la película norteamericana más sorprendente de la temporada.

En El Mal ajeno Diego es un médico acostumbrado a manejar situaciones límite, que se ha inmunizado ante el dolor ajeno. El intento de suicidio de Sara, una de sus pacientes, provocará que el compañero sentimental de ésta señale al médico como responsable directo de lo ocurrido durante un amenazante encuentro. Horas después, Diego sólo recuerda el ruido de un disparo, y la extraña sensación de haber recibido algo más que un encargo durante este incidente... Produce Amenábar, escribe Sánchez Arévalo y tiene a Eduardo Noriega, Belén Rueda y Clara Lago entre sus estrellas. El director nóvel es Oskar Santos.

A mí desde luego, me da un poco igual de qué va Valentine's Day (aunque su título sea suficientemente elocuente) porque lo que importa de la nueva película de Garry Marshall (responsable de ese clásico inevitable que es Pretty Woman)es el apabullante desfile de estrellas que tendrá la película. Hay que ser oportunista para usar el I gotta feeling de los Black eyed peas en el trailer de la película pero se perdona cuando unes en pantalla, entre otras, a tres generaciones maravillosas como Anne Hathaway, Julia Roberts o Shirley McLaine. Para ver las decenas de caras restantes es mejor ver el trailer. Hay tanta estrella junta que, después de presentarlas todas en el avance, no hay tiempo para contar de qué va la película.

La última cinta de la que hablamos es Up in the Air, la primera película del realizador Jason Reitman, desde Juno. George Clooney es la estrella de una película que está arrasando en los festivales y que se perfila como una de las favoritas de cara a los próximos Oscars. Ryan Bingham es un experto en reducciones empresariales (tanto de personal como de dinero) cuya preciada vida en la carretera se ve amenazada en el momento en que está a punto de ganar diez millones de millas en vuelos frecuentes, y justo después de haber conocido a la mujer de sus sueños, otra viajera habitual.

Le refuge, cuando la realidad supera a la ficción

2009-10-13T17:14:00.001+02:00

Sábado 19 de septiembre. Son las 9.10 de la mañana y diez minutos antes ha empezado la proyección de la francesa Le refuge (El refugio)cuando un grupo de espectadores empiezan a gritar en mitad de la proyección pidiendo asistencia médica para atender a un espectador que le ha dado un chungo brutal en el mismo momento que, en pantalla, vemos como, muy gráficamente, una pareja de jóvenes parisinos se meten picos por todas partes (desde el tobillo hasta el cuello). Desde la primera llamada de socorro hasta que el espectador - paciente fue atentido seguimos viendo como la proyección, que no se detuvo, nos motraba la muerte y posterior entierro de uno del chico. Afortunadamente al espectador finalmente no le paso nada grave. Como comentaron en algunas críticas, vaya metalingüísmo más brutal para empezar el festival.

¿Cómo mantener la atención sobre la película después de algo como esto? La película del generalmente interesante François Ozon, que logró finalmente el Gran Premio del Jurado, lo consigue pero siguiendo para ello un camino mucho más tranquilo, reposado, reflexivo. Gracias a Dios. Lo que pareciía que iba a ser una película brutal sobre una pareja de yonquis se convierte en la tranquila y pausada (algunos han considerado que demasiado) reflexión sobre la marcha de un ser querido, el papel de uno en la vida y la ma/paternidad que todos llevamos dentro. Con una puesta en escena agradable y preciosista, desde la banda sonora hasta su fotografía, se nos cuenta una historia sencilla pero efectiva y bonita. Debo reconocer no obstante, que su tercer acto (y en especial la polémica decisión de uno de los protagonistas) no me terminó de convencer aunque en el fondo fuese coherente.

Le refuge no alcanza el nivel de la muy interesante El tiempo que queda (la otra película de Ozon que he visto, un excelente drama protagonizado por Melvin Poupad, que aquí interpreta al joven muerto) pero se queda en un drama efectivo, emotivo y, para qué negarlo, bastante francés. Aunque no es que eso a mí me importe.

La ópera prima Moon arrasa en Sitges con cuatro premios

2009-10-11T17:01:00.003+02:00

Moon, la opera prima del norteamericano Duncan Jones (hijo del legendario David Bowie), ha cumplido los pronósticos al alzarse como la gran vencedora del festival de Sitges al lograr, entre otros, los galardones a mejor película e interpretación para Sam Rockwell, en otro premio que se veía venir.

La española Elena Anaya se llevó el premio a mejor interpretación femenina por la criticada Hierro, compartido con la coreana Kim Ok-vin por Thirst. La francesa Enter the void se llevó el premio especial del Jurado y Brillante Mendoza por Kinatay el de mejor director. Zombieland, actual número 1 de la taquilla estadounidense, ha ganado el premio del público.

Recordar a los espectadores que Moon se estrenó precisamente el pasado viernes, esperemos que este reconocimiento sirva a la película para aumentar su taquilla.

PALMARÉS SECCIÓN OFICIAL
Mejor Diseño de Producción - Patrocinado por el Parc Audiovisual de Catalunya

Tony Noble por Moon

Mejores Efectos de Maquillaje
Kaatje Van Damme por Mr. Nobody

Mejores Efectos Especiales
KNB EFX Group por Splice

Mejor Banda Sonora Original
Teresa Barrozo por Kinatay

Mejor Fotografía
Benoit Debie por Enter the Void

Mejor Guión
Nathan Parker, basado en la historia original de Duncan Jones, por Moon

Mejor Actriz
Ex-aequo: Elena Anaya por Hierro y Kim Ok-vin por Thirst

Mejor Actor
Sam Rockwell por Moon

Mejor Director
Brillante Mendoza por Kinatay

Premio Especial del Jurado
Enter the Void de Gaspar Noé

Mejor Película
Moon de Duncan Jones

A l'interieur, mama que miedo

2009-10-04T15:16:00.006+02:00

Hace unos meses hablábamos de Martyrs, la última sensación del siempre prolífico cine de género francés. El film, que despertó sensaciones encontradas en el público (yo debe reconocer que soy más detractor que fan), sucedía como fenómeno cinematográfico a la cinta que aquí nos ocupa: A l'interieur, una brutal y sorprendente ópera prima de los realizadores Alexandre Bustillo y Julien Maury, que este año estrenarán su segunda obra, la británica Livid.

¿Por qué hablo de esta película estrenada hace dos años (inédita en nuestras salas a pesar de obtener dos premios en Sitges) en nuestra cobertura del festival? La respuesta es simple: la cinta se exhibió en San Sebastián dentro del interesantísimo ciclo La contraola: el novísimo cine francés. Quería contar lo menos posible - y asi lo haré - en la crítica de la película pero que el poster sea la imagen que vemos a la izquierda de la noticia me facilita enormemente el trabajo. ¿Cómo hablar de A l'interieur sin destripar que realmente va de una mujer le quiere quitar el bebe a otra que está a punto de dar a luz?

Si la película funciona a este nivel es porque pone en imagen un horror que jamás se había visto en una pantalla (no deja de ser curioso que la crítica coincida con la muerte de la asesina de Sharon Tate). El espectador sufre como nunca al ver como una mujer embarazada es perseguida y atacada de un modo tan brutal, diciéndose en todo momento "no van a ser capaces de hacer eso" y vaya si lo son. Se puede acusar a esta A l'interieur de perder parte de su efecto novedad según avanza la historia: llega un momento que la violencia es tan brutal y explícita que la línea que separa la barrera entre el terror y la comedia es cada vez más y más fina. A la salida de la película, mi acompañante decía que esperaba que detrás de esta historia hubiese algo más que el morbo de usar el recurso de la mujer embarazada. Yo, sinceramente, pienso que no lo hay. No creo que haya una segunda lectura, como si pasaba por ejemplo en la - muy inferior - Martyrs. Tampoco hace falta: la película es impactante y merece la pena en todo momento.

Una película dura, no para todos los estómagos (no obstante, el aprensivo 20% aproximado del publico se salió de la sala antes de que terminase la proyección), pero definitivamente interesante que nunca debió ser olvidada por los distribuidores con la base de fans del cine de terror que hay en nuestro país, sobre todo si tenemos en cuenta la cantidad de bodrios que se estrenan mensualmente en España. Pero bueno, gracias a Dios se creó el dvd e internet.

Precious, el naturalismo más brutal

2009-10-01T17:51:00.000+02:00

Hay que reconocer que empezar película con una brutal voz en off que reza Me llamo Precious. Tengo 16 años, voy todavía al instituto y me acabo de quedar embarazada por segunda vez de mi padre es toda una declaración de intenciones que se queda grabado a fuego en la mente del espectador. Siempre que alguién me ha preguntado de qué va Precious, le reproduzco automáticamente esa frase que recuerdo desde que, hace unas semanas vi el trailer. Dicho esto, hay que reconocer que en las manos equivocadas, en el momento equivocado, podríamos estar ante uno de los telefilms más tremendos de la década (algo así como el Boys don't cry de los 2000, esa tragedia que solo merece la pena ser revisitada por el espectacular trabajo de Hilary Swank). Afortunadamente, esta Precious va más allá.

Se puede acusar a Lee Daniels - quién durante la presentación de la película, en un ataque de honestidad, dio gracias al festival por acoger sus películas, incluso las malas, en clara referencia a la horrenda Shadowboxer, que pude ver hace tres años en la sección Nuevos directores - de hacer una película populista, un crowdpleaser que llaman en Estados Unidos (no obstante ha ganado el premio del público en los festivales de San Sebastián, Toronto y Sundance) pero también hay que reconocerle que estamos ante una de las películas más poderosas e interesantes de los últimos tiempos.

En numerosas ocasiones - el año pasado con Camino, sin ir más lejos - hemos visto las desventuras de una heroína puteada que tiene alucinaciones / ensoñaciones para superar todas sus penurias. Daniel repite el recurso aunque le da una inesperada frescura y autenticidad que a estas alturas de la jugada no se espera (la mejor de ellas, sin duda, es la inclusión de Precious y su madre en una película neorrealista italiana). Y hablando de su madre, Monique (a secas, sí, como Cher y Chayanne) aspira a ganar todo este año por la interpretación de la monstruosa madre de la protagonista. A pesar de ser un papel sin contrastes y excesivo a todas luces, lo espectacular de dos de las escenas cumbres de la película (entre ellas el desgarrador final, que Monique roba absolutamente), auténticos clips de Oscar prefabricados, hace que, días después de ver la película, el espectador siga sin poder olvidar la película. En otra liga juega la debutante, Gabby Sidibe, que apuesta por la naturalidad y la credibilidad en un papel difícil y emotivo. No deja de ser curioso como los dos papeles centrales (lo siento por los fans de Mariah Carey, sólo aparece en dos escenas) de la película se afrontan desde dos lugares tan opuestos.

Al igual que El secreto de sus ojos, esta adaptación de una tal Saphire, Precious parte de una historia un tanto tópica - aunque sin llevar a los extremos de la cinta de Daniels - que se salva, y hasta qué punto, tras demostrarse de nuevo que el cine es un medio en el que muchas veces es más importante el cómo se cuentan las cosas, que lo que estás contando en realidad. En definitiva, una gran película, original, emotiva y, pese a las atrocidades que se están contando en pantalla, divertida.Imprescindible.

Spamalot, el éxito de Broadway llega a Madrid

2009-10-01T10:57:00.000+02:00

Monty Python's Spamalot llega a Madrid tras su exitoso paso por Barcelona y arrasar en Broadway con tres premios Tony (entre ellos el de mejor musical y mejor actriz de reparto para una extraordinaria Sara Ramirez). Amparados de nuevo por la adaptación al castellano desarrollada por los geniales cómicos Tricicle (de los que debo reconocer sólo he visto en directo con Sit) y basándose en el libreto de John Du Prez y Eric Idle, miembro de los Monty Python.

Se agradece que los productores españoles se hayan arriesgado a traer un musical diferente como éste, en lugar de clásicas apuestas como Grease o Fiebre del sábado noche. Tras mi paso por Broadway (en el que vi grandiosos musicales como Wicked, Spring awakening o Rent) pensé que me iba a quedar sin ver la obra.

Pero antes de comentar mi parecer expliquemos que Spamalot es una comedia musical basada ligeramente en la película Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores de los Monty Phyton. Como en la película, es una irreverente parodia de la leyenda del Rey Arturo, pero con bastantes diferencias con respecto a la película, especialmente por sus parodias a las obras musicales de Broadway.

¿Por qué merece tanto la pena ver esta propuesta? Las razones son dos, básicamente: la primera es que se puede ver como uno de esos musicales que les gustará a aquellas personas que no les entusiasman los musicales. Apuesta visceralmente por el humor (unas veces más simple, otras más ingenioso) y por la parodia de judíos, gays, musicales y todo lo que se le ponga por delante. No es que sea original, pero definitivamente funciona. La otra gran razón es la fantástica y ya icónica Dama del lago (ya sea un su versión castiza o en la espectacular interpretación de Ramirez, aquí se puede ver la divertidísima "¿Qué le ha pasado a mi papel?"), una diva tan egocéntrica como genial que roba la función cada vez que aparece en escena.

En contra del musical nos encontramos con un argumento que se cae por su propio peso y que no es más que una excusa para que el espectador vea una rehátila de gags y números musicales con los que divertirse a gusto, que no es poco. En conclusión, no es de los mejores espectáculos que he visto pero definitivamente uno de los más divertidos. Totalmente recomendable.

El secreto de sus ojos, una lección de cine

2009-09-29T17:28:00.002+02:00

Que alguien me explique por qué la magistral El secreto de sus ojos no se llevó ni un mísero premio este año en Donostia. Dudo enormemente que ninguna película exhibida a concurso este año en San Sebastián tenga el impacto emocional y cinematográfico que la nueva aventura de Juan José Campanella, un director que logró la fama con la tierna El hijo de la novia y que consigue aquí, de nuevo con Ricardo Darín, una película extraordinaria: un maravilloso relato que funciona a las mil maravillas como thriller, como drama romántico y como comedia (espectaculares frases e interpretación de Guillermo Francella, todo un descubrimiento). Es un ejemplo de película total o como la definió Luis Martínez para El mundo: La fórmula perfecta del cine emocional, quizá sentimental.

Una película sobre la búsqueda, representada de diferentes formas, del amor perdido: ya sea porque un horrible crimen te arrebató el amor de tu vida o porque nunca te has atrevido a decir a la mujer que siempre quisiste palabras tan simples y complicadas al mismo tiempo como "te amo". No estamos, aunque pueda parecerlo por mis comentarios, ante una película ñoña: nada más lejos de la realidad. La cinta no sólo va directa al corazón, sino también al estómago. Sus últimos diez minutos (innecesarios flashazos explicativos aparte) son tan devastadores como hermosos. La solución al enigma, que hemos tenido tan cerca y tan lejos al mismo tiempo, es sensacional, el mejor ejemplo del final perfecto que hablan autores como McKee o el guionista William Goldman: lógico y soprendente al mismo tiempo. Son los efectos que consigue la película que merece ganar este año el Oscar a la mejor película extranjera (cómo se lo den a la pedante y sobrevalorada The white ribbon de Haneke, me doy de baja como Oscarófilo).

En dos horas de metraje nos encontramos con un grupo de fantásticos actores (todos perfectos, aunque yo me quedo con el espectacular trabajo de los secundarios), gags memorables y escenas que se recordarán como lo mejor del 2009 (sin concretar spoilers: el espectacular plano secuencia en el estadio de fútbol, el encuentro en la estación de tren o el interrogatorio).

Lo más sorpendente es como, si te fijas en la historia, estamos ante un relato de lo más convencional, sin grandes estridencias ni increibles puntos de giro. Lo que ves es lo que hay, ni más ni menos. Ni falta que le hace a la película. El secreto de sus ojos es, para un servidor, probablemente la mejor película del año.

Disfrutando de El Baile de la Victoria

2009-09-28T16:39:00.003+02:00

Creo que es conveniente empezar diciendo que las películas españolas me suelen dar mucha pereza por defecto. Me gustaría que no fuera así, pero así es. Y si encima añades acento sudamericano ya la cosa se pone más fea aún. Intento superarlo pero, hasta entonces, lo bueno que tienen los festivales de cine es que estas "in the mood" para todo tipo de perfil de película aunque no sea el que frecuentas.

Con el pase de "El Baile de la Victoria" a las nueve de la mañana, no estaba yo demasiado entusiasmada con la idea pero, sin embargo, ha resultado uno de los títulos que más han conectado conmigo y más satisfecha me han dejado.

Fernando Trueba nos ofrece con El Baile de la Victoria dos historias que se fusionan en una. Por una parte tenemos a un renombrado ladrón, Ricardo Darín, que sale de la cárcel tras cinco años y trata de encontrar a su mujer. Por el otro tenemos a un joven pillo que sale también de la cárcel tras cumplir dos años de condena por una chiquillada. Ángel Santiago, que así se llama el joven, conoce por casualidad a Victoria, una tímida muchacha pobre que ha desarrollado un talento asombroso para la danza desde que era niña.

Algunas críticas que se han oído tras su proyección iban precisamente referidas a esta diversificación de historias pero personalmente pienso que todo el desarrollo del guión lleva cada trama en su justa medida. La historia del personaje de Darín está para ponerle un pasado y un presente y entender lo que supone su vida desde el momento en el que se une a ángel. Su trama propia muere cuando ha de hacerlo.

Por su parte, el joven Abel Ayala interpreta de forma muy fresca al joven pilluelo enamorado acompañado de la réplica siempre tan personal de Ricardo Darín. Miranda Bodenhofer, la Victoria del título, es una bailarina profesional que se desenvuelve perfectamente en la interpretación de la silenciosa bailarina. Todo el elenco conecta fácil y rápidamente con el espectador.

El ritmo de la historia consigue solventar algunos puntos negros que hay en el guión. Sin embargo hay algo que parece común en este tipo de historias y es esa tragedia al término del film… Da la impresión de que piensan que sin este tipo de giros dramáticos la historia pierde calidad o redondez.

Lo mejor: Cómo Ángel te contagia su alegría, su optimismo e, incluso, su ingenuidad.
Lo peor: El final. El resultado habría sido el mismo y la historia igual de redonda sin necesidad del giro trágico.

EL Baile de la Victoria es una historia sobre los nuevos comienzos y sobre el amor que no conoce límites. Juega con el drama, la comedia, la sátira y la parodia. Consigue crear tensión cuando quiere y emocionar al espectador.

La china City of life gana la Concha de Oro en un prolífico palmarés para el cine español

2009-09-27T01:34:00.004+02:00

Por 57ª ocasión, el Festival de cine de San Sebastián cierra sus puertas y, para no faltar a la tradición, vuelve a haber polémica y pitidos varios en la lectura del palmarés decidido por el jurado, presidido en esta ocasión por Laurent Cantent.

La china City of life and death, aclamada por buena parte de la crítica, se ha alzado con la Concha de Oro. El problema aparece cuando la gran favorita de crítica y público, la extraordinaria El secreto de sus ojos (de la que hablaremos muy pronto) se va de vacío. Javier Rebollo, probablemente el más auteur de los cineastas españoles (y sí, no lo digo como algo más positivo), fue nombrado como mejor director mientras la pareja Lola Dueñas - Pablo Pineda, ambos en Yo, también, fueron escogidos los mejores actores. Pineda, primer europeo que padece síndrome de Down en sacarse una carrera, superó a favoritos como Ricardo Darín o Robert Duvall.

Habrá que esperar al estreno de las cintas premiadas (durante mi estancia en el festival sólo pude ver Le refuge, ganadora del segundo premio y de la que hablaremos en unos días) para opinar con propiedad, pero todo a punto a que el jurado ha decidido barrer demasiado para casa en un festival que se ha visto salpicado por la nueva y controvertida Ley del Cine. Con la lectura del palmarés y las críticas ya publicadas de las películas que abrieron la sección oficial y Zabaltegui, abrimos una serie de publicaciones sobre las películas que pudimos ver en Donosti la semana pasada.

PALMARÉS 57 edición Festival de San Sebastián

Concha de Oro a la mejor película: City of life and death, de Lu Chuan (China)
Premio especial del jurado: Le refuge, de François Ozon (Francia)
Concha de Plata al mejor director: Javier Rebollo, La mujer sin piano (España - Francia)
Concha de Plata a la mejor interpretación masculina: Pablo Pineda, Yo también (España)
Concha de Plata a la mejor interpretación femenina: Lola Dueñas, Yo también (España)
Mejor fotografía: Cao yu, City of life and death (China)
Mejor guión: Andres Bowell, Melissa Reeves, Patricia Cornelius y Christos Tsiolkas, Blessed (Australia)

Otros premios
Premio Kutxa Nuevos Directores: Le jour où dieu est parti en voyage, de Philippe van Leeuw (Bélgica)
Premio Horizontes Latinos: Gigante, de Adrian Biniez (Uruguay)
Premio TCM del Público: Precious, de Lee Daniels (Estados Unidos)
Premio TCM del Público a la mejor película europea: Desert flower, de Sherry Horman (Alemania)
Premio Gaztea de la Juventud: The children of Diyarbakir, de Miraz Bezar (Turquía, Alemania)

Inauguración del festival: Más que correcta Chloe

2009-09-23T11:31:00.001+02:00

Chloe nos cuenta la historia de Catherine, ginecóloga de éxito, que observa con dolor como su marido David, profesor de música en la universidad, flirtrea con jovencitas menores que ella. Después de que faltara a su fiesta de cumpleaños, Catherine sospecha que su marido la está engañando y contratará a Chloe para confirmarlo.

Esta es la historia del título que ha abierto la 57 edición del festival internacional de cine de Donostia. Hablando de forma general, Chloe es una buena película. El guión es correcto, las interpretaciones estupendas (Julianne Moore y Amanda Seyfried son lo mejor de la película), la dirección artística es espléndida y sensual y la dirección de Atom Egoyan es hábil y maneja con soltura la sensualidad que emana de la película pero, a pesar de todo, la historia no acaba de interesar. El tratamiento de todos estos elementos se hace desde un punto que se antoja distante y frío lo que tiene como consecuencia esa valoración final tan temida que es la indiferencia.

La impresión final es de haber disfrutado de una película correcta pero que podría llegar a mucho más. La historia queda vacía y sin un objetivo claro por parte del narrador de la historia, además de ser considerablemente previsible a pesar de basar su clímax en un guro muy importate dentro del devenir de la historia.

A pesar de todo, es un título que se ve bien y quizas el aspecto que más me ha convencido, a parte de las actrices, es la evolución del matrimonio en contraste con Chloe, que sólo al final el espectador se da cuenta que permanece igual que al principio... sabe donde tocar, sabe qué presión debe aplicar... sabe manejar a sus clientes y las situaciones. Y lo demuestra.

Lo mejor: Las dos mujeres protagonistas: completamente opuestas pero igual de sensuales y sugerentes cada una a su manera.
Lo peor: que se queda a medias (o "tercias" tintas)
El momento: la caída del personaje de Amada.

Chloe tiene todos los elementos para ser una buena película pero el desarrollo frío de la historia provoca una alta dificultad de conectar con ella y, por tanto, una percepción final menos positiva.

Micrófonos en Donostia (18 y 19 Septiembre)

2009-09-19T20:34:00.008+02:00

"Más quisiera yo ser tan molón como Aldo"

Tarantino

El pase de Malditos Bastardos, la esperada y magnífica película de Quentin Tarantino, estaba hasta los topes por lo que pudimos colarnos sólo los últimos 10 minutos para escucharles vacilar un poco a él y a Brad Pitt. Alguien comenta a Pitt que ha leido en alguna parte que tiene 14 películas en preparación, ante lo que toda la sala, y el propio actor, pone los ojos como platos. "No creas todo lo que lees, tío" replica Pitt, a lo que Quentin añade que "A Brad no le gusta mucho estar involucrado en demasiados proyectos a la vez para así poder estar disponible para cuando algo grande aparezca, y eso se aprecia mucho en alguien como él".

Ante la puntualización de un presente de que "las protagonistas de sus historias son, con frecuencia, mujeres muy fuertes y especiales" él replica con una cara tipo "obvio, nena". Se limita a añadir que, ciertamente, "hacer películas sobre hombres fuertes es muy fácil...".

A raíz de la última frase del film, alguien le pregunta al director: "¿Es esta tu obra maestra?" Él replica que espera que no, ya que aún tiene que quedar mucho por venir.

Y en cuanto a la bastante menos concurrida rueda de prensa de la fabulosa Precious, Lee Daniels habla de su historia. Es cierto que la base de lo que cuenta su nuevo film no es especialmente novedosa pero Daniels la hace propia, ofreciéndonos dos conmovedoras y sobrecogedoras horas de realidad. Ante esto, espeta que trata de contar la historia de alguien con la que realmente todo el mundo puede identificarse de alguna manera.

"The next story is in me... in you"

Una de los momentos con más carga emocional y tensión es la reunión final de Precious con su madre. Ante la duda de si era una forma de tratar de que "la mala" no fuera considerada tan odiosa, el director replica que "realmente no buscaba la redención del personaje. No quiero que la querais ni que la perdoneis pero que busca la comprensión del porqué de su odio". A veces no nos paramos a pensar que detrás de un personaje cruel seguramente haya un pasado que le ha maltratado.

Gabbie Sidibe, la talentosa actriz que encarna a Precious, se muestra elocuente y segura de sí misma. Afirma que no le ha resultado complicado entrar en la crudeza del personaje ya que siempre fue una amante de la novela. Además, ese perfil se ha ido construyendo a raíz de unas interesantes y realizantes charlas con el director, que la ayudaron a encarnar a Precious. También responde, con mucha razon, ante la pregunta de "Porqué cree que ella soñaba con ser blanca y rubia", argumentando que, bueno, "la hierba siempre parece más verde al otro lado".

Tarantino vuelve a la gloria con Inglorious Basterds

2009-09-18T17:44:00.001+02:00

Permitidme la licencia del juego de palabras fácil para encabezar el comentario sobre la última obra del maestro Tarantino, presentada hoy mismo en la 57 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián a la vez que su estreno en los cines.

Siendo sincera, no esperaba demasiado de este nuevo título debido principalmente a algunas críticas que circulaban por ahí y a que Death Proof no fue todo lo que esperaba de ella (sobretodo en contraste con la genialmente absurda Planet Terror). Pero Inglorious Basterds (Malditos Bastardos) ha devuelto a nuestras pantallas a ese Tarantino socarrón, vacilón, inteligente y estrambótico que tanto nos gusta.

No quiero entrar en spoilers ni estropear guiños así que, hablando en general, el film ambientado en una Francia ocupada en plena Segunda Guerra Mundial, emana genialidad desde las críticas y momentos más obvios hasta los pequeños detalles.

Tarantino vuelve a la estructura por capítulos que tan bien le funcionó en Kill Bill pero que aquí se hacen pesados en ocasiones. Cada fragmento en sí mismo es fantástico como una pieza separada pero la diferencia contenido de cada uno de ellos hace, en un par de ocasiones contadas, decaiga el rimo debido a la duración de las secuencias.

Pero, por otra parte, uno de los elementos que más destaca de Inglorious Basterds es la envidiable habilidad del director para crear suspense en prácticamente todos los capítulos (secuencias) durante el film. No sólo hace reír al espectador, se preocupa de mandarle guiños y críticas y, en definitiva, le entretiene, sino que además se las apaña para tenerle en tensión constante. Es imposible saber por donde va a salir la trama.

Pero si algo tengo que remarcar es a Christoph Waltz como el “caza-judíos”, un maestro de la palabra y del doble sentido, un genio a la hora de jugar con cualquiera que tenga enfrente que roba cualquier escena en la que aparece. Sencillamente magnífico.

Lo mejor: Christoph Waltz. Que el guión no de ni un respiro al espectador: cuando no estas riendo, estas tenso, con ganas de aplaudir o, simplemente (y dicho llanamente) flipando en colores. Que crece a medida que avanza.
Lo peor. A pesar de que su larga duración es apenas perceptible, sí tiene un par de momentos en el que su ritmo decae.
El momento: La secuencia “King Kong” y todo lo que le sigue.
La imagen: El colofón final “en la frente”

Malditos Bastardos es irónica, violenta, caótica, inteligente, divertida, estrambótica, incisiva y paródica. Un guión y una dirección de actores espléndida para el primer título imprescindible del otoño.

Musicales: estreno de Daniel Sánchez Arévalo y regreso de Chicago

2009-09-10T11:16:00.003+02:00

Dos grandes noticias para los amantes del cine y el musical españoles en general y madrileños en particular: diez años después de su última aparición en Madrid, el mítico Chicago vuelve a las carteleras españolas y Daniel Sánchez Arévalo, el director y guionista (uno de los cineastas más prometedores de la actualidad) de la extraordinaria Azuloscurocasinegro escribe el libreto de 40 principales. El musical.

Escrita por Fred Ebb y Rob Fosse, y con música de John Kander y letras del propio Fred Ebb, Chicago acumula 17 millones de espectadores, más de 850 millones de dólares recaudados, un premio Grammy, seis premios Tony y dos premios Oliver desde su alumbramiento, allá por 1996.

Manuel Bandera, Marcela Paoli y Natalia Millán, en su regreso triunfal al musical tras arrasar con Cabaret, interpretarán los papeles del abogado Billy Flynn y las artísticas asesinas Roxie Hart y Velma Kelly, respectivamente.

Por su parte, el Grupo Drive (responsable de ese megahit que fue Hoy no me puedo levantar) vuelve a la carga, asociada con el grup Prisa, para poner en marcha 40 principales. El musical, un misterioso proyecto del que no se sabe nada (ni el tracklisting) más allá de la importancia de una estación de radio en la historia.

Sanchez Arévalo, siguiendo los pasos de David Serrano para el musical basado en los éxitos de Mecano, escribe el texto de la obra.

Mis últimos visionados

2009-09-07T13:06:00.005+02:00

Después de mi inactividad blogueril el pasado mes, paso a hacer una breve reseña de las películas que he visto en las últimas semanas. Antes de nada, confirmar que La última película asistirá este año al festival de cine San Sebastián, yo como espectador y mi compañera Adriana como prensa acreditada, así que prepararos para, en las próximas semanas, estar al tanto de las películas más interesantes exhibidas en Donosti.

7 minutos (Daniela Fejerman)

Tras las estimulantes pero no redondas A mi madre le gustan las mujeres y Semen. Una historia de amor, Fejerman debuta en solitario con 7 minutos, la clásica historia coral que sigue a un grupo de gente que acude a un servicio de citas rápidas. La cinta es floja y presenta a una serie de personajes que si bien están bien interpretados (mención especial para Toni Acosta y la siempre acertada Marta Etura) no interesan al espectador. Son historias sobadas y, lo peor de todo, carentes de gracia y emoción. Desaprovechada y decepcionante. Recordar: la comedia - dramático - sentimental española del año es, sin duda, Dieta Mediterránea. Todos a recuperarla en DVD.

Enemigos Públicos (Michael Mann)

Michael Mann es un fantástico director. Obras como El dilema o Colateral (aún tengo pendiente ver Heat, de la que siempre he leído maravillas), una historia interesante y un reparto con Johnny Depp, Christian Bale y Marion Cotillard recién salida de su Oscar, prometían. ¿Se cumplen las expectativas? A medias. Desde luego que Enemigos públicos es una película interesante, bien rodada y bien interpretada (Cotillard, en un breve papel, es para mí la mejor del conjunto) pero se pierde en su frialdad y en su original puesta en escena (aquí entra en escena la muy comentada decisión de Mann de rodar en HD: ciertamente le da otro toque pero, la verdad no pega con esta historia). Lo peor de todo es que este retrato de John Dillinger no es especialmente diferente a cualquier película de gangster. Se supone que este es un hombre mítico y en pantalla no lo parece. A pesar de todo, una buena película.

American Playboy (David Mackenzie)

Hay que reconocer que el chico lo intenta. Ashton Kutcher, guapérrimo oficial de Hollywood y marido de Demi Moore, quiere tener una carrera seria. Tras viejos intentos como la muy efectiva El efecto ariposa o su aventura con Michelle Pfeiffer en la aún inédita Personal effects, Kutcher estrena Amerian Playboy (distribuidores, no se nota naaaada la referencia a la mítica película de Richard Gere) en la que interpreta, con total convicción, a un perdedor tan guapo que no sabe hacer nada más que vivir a cuenta de mujeres pudientes. Puede parecer la típica comedia, pero no lo es. Es amarga, entretenida y muy sexy (espectacular comeback de Anne Heche, por cierto)... hasta que llega una floja historia de amor, necesaria para el desarrollo del conflicto del protagonista pero que resta interés en el balance general. No es la fórmula de la Coca Cola, pero la película está bien.

Mañana más y mejor.

Grandes nombres para la 57 edición del Festival de San Sebastián

2009-08-31T13:29:00.008+02:00

Primera entrada de la cobertura que, si no surgen obstáculo, dedicaremos a la 57 edición del Festival de cine de San Sebastián. Una cita cinematográfica a la que, personalmente tengo un gran cariño, debido a mi participación en tres ediciones como jurado joven. En esas ediciones (2005, 2006, 2007: en 2008 no pude cubrir el festival, ya como prensa, por un viaje en el extranjero) fueron premiadas la diveertida comedia rodada en euskera Aupa Etxebeste, la joya nórdica The art of crying y la comedia dramática libanesa Caramel, que también se alzó con el premio Perlas de otros festivales.

Los responsables del festival este año se han puesto las pilas, consiguendo traer las películas de habituales directores del circuito de festivales como Atom Egoyan (que abre el festival), François Ozon, Christophe Honoré, Juan José Campanella, Fernando Trueba (que vuelve a la ficción desde el fiasco de El embrujo de Shangai) o Rodrigo García, el encargado de cerrar el festival.

Fuera de concurso nos encontramos con lo nuevo de directores tan interesantes como Tarantino, Woody Allen, Terry Gilliam (con el último film, inacabado, de Heath Ledger) o Jim Jarmusch, además de revelaciones de este 2009 como Precious o Un prophéte.

Michael Haneke, ganador del último festival de Cannes, recogerá el premio FIPRESCI por The white ribbon, que también se presentará en el festival.

SECCIÓN OFICIAL

‘Chloe’ de Atom Egoyan (EEUU, Canadá)
‘Mother and Child’ de Rodrigo García (EEUU, España)
‘11′e 10 kala’ (‘10 a 11’) de Pelin Esmer (Turquía, Francia, Alemania)
‘El baile de la victoria’ de Fernando Trueba (España)
‘Blessed’ de Ana Kokkinos (Australia)
‘City of Life’ and Death de Lu Chuan (China)
‘Los condenados’ de Isaki Lacuesta (España)
‘Get Low’ de Aaron Schneider (EEUU)
‘Hadewijch’ de Bruno Dumont (Francia)
‘Keshtzarhaye Sepid’ (‘La pradera blanca’) de Mohammad Rasoulof (Irán)
‘La mujer sin piano’ de Javier Rebollo (España)
‘Making Plans for Lena’ de Christophe Honoré (Francia)
‘Le refuge’ de François Ozon (Francia)
‘El secreto de sus ojos’ de Juan José Campanella (Argentina, España)
‘This is Love’ de Matthias Glasner (Alemania)
‘Yeong-Do Da-Ri’ (‘Vengo de Busan’) de Jeon Soo-il (Corea del Sur)
'Yo, también' de Álvaro Pastor y Antonio Naharro (España)

PERLAS DE OTROS FESTIVALES

‘Inglorious basterds’ de Quentin Tarantino (EEUU, Canadá)
‘Precious’ de Lee Daniels (EE. UU.)
‘The imaginarium of Dr. Parnasus’ de Terry Gilliam (Gran Bretaña, Canada)
‘Desert flower’ de Sherry Ohrman (Gran Bretaña, Alemania, Austria)
‘London River’ de Rachid Rochaureb (Gran Bretaña, Argelia, Francia)
‘Five minutes of heaven’ de Olivier Hirschbiegel (Gran Bretaña, Irlanda)
‘Nadie sabe nada de gatos persas’ de Bahman Gobhadi (Irán)
‘The limits of control’ de Jim Jarmusch (Gran Bretaña, España, Japón)
‘The imaginarium of Dr. Parnasus’ de Terry Gilliam (Gran Bretaña, Canada)
‘Mother’ de Bong Joon Ho (Corea del Sur)
‘Un prophéte’ de Jacques Audiard (Francia, Italia)
‘Taking Woodstock’ de Ang Lee (EE.UU.)
‘Vengeance’ de Johnnie To (Hong Kong)
‘Whatever works’ de Woody Allen (EE.UU., Francia)
‘Yuki & Nina’ de Nobuhiro Suwa y Hippolyte Girardot (Francia, Japón)

PREMIO FIPRESCI

‘The white ribbon’ de Michael Haneke (Alemania, Francia, Italia, Austria)

Me muero por ver... Brothers

2009-08-17T15:10:00.000+02:00

En 2004, un pequeño film danés, Hermanos, conseguía los dos premios de interpretación en el festival de cine de San Sebastián, además de las ocho nominaciones a los premios del cine Europeo, entre otros reconocimientos. La película - que contaba con Connie Nielsen (la guapísima protagonista de Gladiator) en su reparto - es una historia de hermanos en la que la guerra, el dolor y el amor se conjugan en un triángulo de consecuencias imprevisibles.

Cinco años más tarde, Jim Sheridan (En América, En el nombre del padre) es el encargado de poner en escena el inevitable remake americano. El espectacular reparto está formado por Tobey Maguire (al que últimamente es difícil ver fuera de la saga del hombre araña) y los fantásticos Natalie Portman y Jake Gyllenhaal.

Brothers (US) lleva más de un año rodada (a Gyllenhaal le ha dado tiempo a ponerse cachas y perderlas para su papel de príncipe de Persia) y llegará a los cines americanos en diciembre. La semana pasada por fín empezó a aparecer más material de la película. Aquí mismo podeis ver el poster y el trailer.

Aviso para navegantes: es recomendable dejar de ver el trailer a la mitad porque te la cuenta enterita.

Las peores películas de verano (Edición 2000, Parte I)

2009-08-13T17:58:00.001+02:00

Un mes después de hacer el especial Las mejores películas de verano de la década (parte I, II y III), nos vamos con su némesis: Las peores películas de verano de esta década que está a punto de acabar. En esta ocasión serán solo diez películas las elegidas, que se publicarán en dos pares. Vamos allá con la primera, que contiene las cinco menos malas de lo peor del cine palomitero estival de los últimos años.

10. La tormenta perfecta (Wolfgang Petersen, 2000)
Porque... me pareció poco emocional, creíble (a pesar de estar basada en una historia real) y satisfactoria a fin de cuentas.
Porque... es uno de esos casos en los que los efectos especiales NO son suficientes, a pesar de que eso es todo lo que la película te esté ofreciendo.
Porque... todavía no me creo las buenas críticas que tuvo en su momento.
A pesar de... George Clooney, Dios en la tierra, envidado por ellos y deseado por ellas (y ellos también), en un papel bastante soso.

9. El código Da Vinci (Ron Howard, 2006)
Porque... me dejo claro que prefiero ponerme yo mismo un cilicio que volver a ver una película basada en un libro de Dan Brown si me he leído el material original antes. La brutal efectividad del autor americano desaparece una vez conoces las sorpresas.
Porque... es un coñazo. Sin colorantes ni conservantes.
Porque... el pelo de Tom Hanks (fantástico actor, por otra parte) en esta película está entre lo ridículo y lo grotesco. Yo me imaginaba en el papel más a un, precisamente, George Clooney.
A pesar de... contar un buen director (irregular y artesanto también, sí, pero nadie puede negar que tiene buenas peliculas) y un excelente reparto. No la salva de la quema.

8. Superman Returns (Bryan Synger, 2006)
Porque... Synger fue un mamón al abandonar la tercera entrega de X Men para hacer un aburrido reboot de Superman. Una decisión lógica en principio pero fracasada al ver lo que hizo.
Porque... el (brillante) título español de la película: Superman Returns, el regreso ya hacía preveer todo un clásico del cine reciente.
Porque... es tremendamente olvidable. Y olvidada. Que cansinos son los continuos rumores sobre una segunda parte que no tiene razón de ser.
A pesar de... que, a estas alturas, Brandon Routh esté más cerca de dedicarse a la prostitución que al cine. No me da pena.

7. La mandolina del capitán Corelli (John Madden, 2001)
Porque... es un pecado salir de una película tan perfecta y preciosa como Shakespeare in love para meterse en ESTO. Muy mal, señor Madden.
Porque... es ñoña, intrascendente y clásica en el peor sentido de la palabra .
Porque... es un maravilloso pretexto para aquellos que se dedican, día sí, día también, a echar mierda sobre la (terroríficamente prolífica y floja) carrera de Penélope en Ameríca hasta el estreno de Volver.
A pesar de... no recuerdo nada positivo de ella. Ah, sí, que Penélope no se lió con un Nicolas Cage pre-peluquín.

6. Garfield (Peter Hewitt, 2004)
Porque... es insultante que esta película, estrenandose el mismo fin de semana que Mar adentro, se colocase en el número 1 de la taquilla española.
Porque... es infantil a lo Beverly Hills Chihuahua y no a lo Disney.
Porque... tiene en Garfield un muy interesante personaje protagonista que queda muy light, rancio y caduco en su versión cinematográfica.
A pesar de... todo hicieron una segunda parte. Esta vez no me la colaron.

EX: Love Actually a la italiana

2009-08-09T17:10:00.002+02:00

Por Silvia Crespo

Es mentira eso de que el cine es algo internacional o que va más allá de las fronteras, ir a ver una película italiana lleva ciertas connotaciones, al igual que cuando vas a ver un película argentina o cine asiático. Cuando te enfrentas a cine que no lleva el sello “made in Hollywood “ te expones a una forma de hacer cine al que hay que acercarse sin prejuicios. Bien, mi pasado con el cine italiano (salvando dos o tres obras maestras) ha hecho imposble que no mire con cierto escepticismo esta comedia romántica. Antes de comenzar mi crítica sobre EX, me gustaría explicar que mis prejuicios hacia el cine italiano vienen después de ver títulos como Manuale d’amore (I y II) o Notte prima degli esami (Iy II también). Seguro que ahora me entendéis algo mejor.

Al ver el trailer de EX hubo dos cosas que me terminaron convenciendo para verla: la primera es que Fausto Brizzi (el director) había decidido tomarse en serio así mismo y no había hecho la tercera parte de Notte prima degli esami , y el segundo motivo fue el slogan del trailer “un amor no es para toda la vida, pero un ex sí”

Después de asumir que era una de las frases más coherentes que había escuchado últimamente (imaginaos de qué tipo de gente me rodeo) me armé de valor, me dirigí a los Ideal y dejando fuera todos mis prejuicios sobre el cine italiano, me dispuse a ver el nuevo fenómeno cinematográfico en el país de la bota.

Y lo cierto es que me he encontrado con una comedia sencilla pero agradable. De esas que te hacen echar alguna carcajada y una o dos lagrimitas al final. La cinta empieza como suelen acabar todas estas comedias romanticonas: con besos, muchos besos, que explican el principio del final de seis parejas muy diferentes que deberán lidiar con sus rupturas, divorcios, muertes repentinas y celos a miles de kilometros de distancia.

La película está llena de típicos tópicos que la hacen divertida, pero Brizzi con un elenco de esos de “vamos a juntar a todas las estrellas italianas vivas que no sean Sofia Loren”, no se olvida de meter esos pequeños puntos que la hacen fácilmente identificable como cine a la italiana. Me ha gustado eso de poder ver historias sencillas junto a otras de lo más bizarras, si le dais una oportunidad os vais a encontrar con el cura que se encuentra en la difícil situación de casar a su exnovia con un mamarracho de miucho cuidado, o la divertida persecución de Paolo a manos de un policía corrupto que le amenazará de todas las formas posibles para que deje de ver a la que fuera su pareja.

Además de Woody Allen, los italianos controlan como nadie los chistes de origen freudiano, y de eso aquí vais a encontrar bastantes. Y ¿por qué la califico como la Love Actually a la italiana?; pues porque creo que en el fondo nos vienen contando lo mismo: “el desamor es algo contra lo que todos debemos lidiar varias veces en la vida, pero y lo bien que se está cuando encontramos el amor”

Lo mejor: el 10 LODE para el cura Don Lorenzo y el pequeño guiño a la tierra media
Lo peor: los dos o tres chistes machistas de Luca, son de ese tipo de cosas que aquí serían políticamente incorrectos pero que en Italia parecen tener muy interiorizado.(Silvio Orlando) y que parezca que sólo los heterosexuales tienen ex o algo que contar.

Me pregunto si Berlusconi con todo el lio delle velline y su divorcio, se habrá sentido representado en alguna de las historias que se exponen en esta película.

Up: Pixar sigue en lo más alto

2009-08-08T16:40:00.000+02:00

Hacer y leer críticas de las películas de Pixar, sino cansino, sí que empieza a ser de lo más predecible. Y es que hasta el día de hoy, en toda mi vida cinéfila, jamás he visto a gente tan infalible como la del estudio dirigido por John Lassetter (sin lugar a dudas, el nuevo Walt Disney), que - con la excepción de Bichos y Cars, que sin ser en absoluto malas películas, están a un nivel inferior - han sabido regalar a crítica y pública maravillosas películas.

Ahora nos ocupa Up, con la que Pixar da un paso más en la senda "rupturista" abierta el año pasado con Wall·E. Por primera vez en la historia de la animación americana, un anciano (deprimido, para más inri) es el protagonista absoluto de una historia en la que también aparecen referencias a temas espinosos como la muerte o el aborto.

Un anciano que, tras la muerte de su esposa (magistrales los diez minutos en los que se resume su historia de amor, una lección de cómo lograr que la audiencia empatice con tus personajes), decide marcharse y hacer todo lo posible por cumplir, antes de morir, los sueños de aventura de su esposa. La concesión para el público infantil aparece en forma del niño que, accidentalmente, le acompaña en su viaje y los múltiples perros parlanchines que por ahí pululan (y no destripo más de la historia).

Con una ajustada duración de poco más de 90 minutos, Up conmueve y divierte a partes iguales, además de funcionar como una perfecta película de aventuras. La película de Pete Docter y Bob Peterson cuenta la que es probablemente la historia más pura y entrañable en la historia de la compañía. Inevitablemente hay hueco para la moralina y ciertos convencionalismos pero ¿a quién le importa? ¿No los hay también en cintas de genios como Tarantino o Spielberg?

Como siempre, un corto acompaña a la película en su exhibición cinematográfica. Parcialmente nublado es un ejercicio de lo más cute pero ciertamente alejado de la diversión que ofreció el clásico pero muy efectivo Presto el año pasado.

Up es una obra maestra, una de las primeras grandes películas del año que, no obstante, no termina de entrar en mi grupo de películas animadas favoritas (donde sí estaría, por ejemplo, Ratatouille, pero es que esa película me pareció prácticamente perfecta). UP se estrena el 31 de Julio.