Los asistentes a tal despliegue de sensaciones no pudimos más que rendirnos a sus pies mientras vivíamos una especie de comunión con el artista que personalmente sólo había experimentado en el concierto de Depeche Mode. Los vídeos colgados en Youtube son testigos de una noche que fue una mezcla de espectáculo circense y fiesta oscurantista donde todos nos lo pasamos en grande.

President, tal como lo vivió una fan muy emocionada en la Sala Bikini

Chris Corner era vocalista del grupo de fama fugaz Sneaker Pimps, pero en 2004 se independizó para debutar con el álbum Kiss + Swallow. Dos años más tarde publicó su segundo y hasta ahora último trabajo, The Alternative, con menos rock que el anterior y ya con un estilo propio mucho más definido y no comparable a casi nada.

Para no perdernos en divagaciones al definir la difícil personalidad musical de IAMX, hay algo que definitivamente podemos asegurar: Su música es oscura, hasta tétrica, pero también es atrevida, sexy y potente. Además, Corner adereza su puesta en escena con complementos y maquillaje cabaretero –sombrero de copa, bastón y traje-, aumentando la sensación del público de estar asistiendo a una performance completa. Puede que sea por este atuendo elegante o glam y su voz sugerente por lo que muchos le relacionan con los también electrónicos Goldfrapp, aunque si hay que decir la verdad, todo parecido razonable con IAMX me parece sujetado con pinzas.

Vídeoclip Ooh la la de Goldfrapp

Lo mismo dicen de grupos como Ladytron o The Knife por compartir con IAMX un toque dark y formar parte de esa especie de relevo generacional de grupos míticos como Echo & the Bunnymen, Siouxsie o incluso Joy Division, aunque centrándose en bases electrónicas que dichos grupos no incorporaraban. Pero como todos ellos, Chris Corner es único, y escuchar The Alternative realmente es una alternativa a cualquier estilo comercial predefinido.

Si por algo hay que ver a Corner en directo, es por poder estar ante un artista trabajando en plena libertad creadora, sin ataduras, complejos o tabúes. Él mismo describe a IAMX como “una agresiva y libre exploración de las relaciones humanas más apocalípticas, el sexo y la obsesión bipolar. Es música de computadoras con un alma orgánica. Donde puedo explorar la verdadera y cómica cara oscura de mi personalidad como no podía hacerlo con Sneaker Pimps”

Y sólo catorce meses más tarde, IAMX regresa, esta vez en la Sala Salamandra de L’Hospitalet de Llobregat, para volver a tocar grandes temas como President, Nightlife, Bring me back a dog o mi preferida, After every party I die, junto con el nuevo single Think of England y quizá algún adelanto del nuevo álbum, del que sólo se sabe que está previsto para abril de 2009.

Corner se tiró al público durante el concierto en Barcelona, mientras interpretaba After every party I die

Sobre sus conciertos, Corner únicamente comenta que en ellos “siempre hay sudor, sexo, lágrimas y moda”. Pero confiesa que “es en directo donde me siento una única cosa con mis propios demonios y verdaderamente vivo. Espero que la audiencia capte estas sensaciones”

A mí, por lo menos, el mensaje me llegó alto y claro.

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La actuación de Russell queda enmarcada dentro del VIII Ciclo de Maestros de la Guitarra Española, en el que durante buena parte del mes de octubre la productora musical Poema S.L ha ido programando conciertos de altísimo nivel. No sé si la nueva película de Allen, Vicky Cristina Barcelona, en la que a una de las protagonistas (Vicky) le encanta la guitarra clásica ha podido ayudar, pero lo cierto es que después del primer concierto, el de Manuel González del pasado domingo, se constata que el Ciclo empieza con un gran éxito de público, sobre todo extranjero.

Aunque escocés de nacimiento, David Russell emigró a Menorca a los cinco años, en el seno de una familia ya de por sí muy artística. Sus padres eran pintores y tenían una galería de arte en Es Migjorn Gran, donde David solía practicar guitarra mientras esperaba que algún cliente se decidiera a comprar un lienzo. Imitaba el estilo de Andrés Segovia o Julian Bream y demostró ya desde niño un talento que su padre, también guitarrista por afición, no pasó por alto.

David ingresó entonces en la Royal Academy of music de Londres y posteriormente consiguió una beca para continuar sus estudios en Santiago de Compostela junto al maestro José Tomás. Desde entonces se estableció en Galicia, y desde Nigrán, pueblo donde reside actualmente junto a su mujer (y también mánager) María Jesús, no paran de viajar en continua gira por todo el mundo.

El genio de Russell es admirado allá donde va y reconocido tras innumerables premios, que incluyen un Grammy en 2005 como mejor instrumentista solista por su disco Aire Latino. La verdad es que no para de recibir homenajes tanto en forma de galardones en Festivales como agradecimientos a su trayectoria profesional por parte de sus paisanos: En Menorca tiene una avenida con su nombre, y el Conservatorio de Vigo ha bautizado su sala de conciertos como Auditorio David Russell. Además tiene una cátedra de guitarra con su nombre en Tucson, Arizona, y otra más en Almería, donde se desplaza habitualmente para dar sus prestigiosas clases magistrales.

Entre sus últimos proyectos destacan los “Premios Honoríficos David Russell para Jóvenes Talentos” que el guitarrista organiza cada principios de año en Vigo, cuyos beneficios son destinados a su propia ONG ‘David and María Russell Rights profit Organization’ para construir proyectos hidrológicos en zonas necesitadas.

Tal despliegue de virtuosismo y generosidad no hace más que despertar más y más mi interés por un concierto en el que el Sr. Russell interpretará piezas muy variadas. Algunas son de su último trabajo publicado, Air on a G String, como las del barroco Couperin. Otras las encuentro en el disco publicado el año pasado Art of the guitar, como la Malagueña de Albéniz o las variaciones de la Traviata de Julián Arcas. Pero también tocará contemporáneos, como las obras de los norteamericanos Rosheger o Verdery. De este último, Benjamin Verdery, Russell interpretará una pieza, Now and ever, que fue compuesta especialmente para él.

David Russell interpretando tres piezas de Philip Rosheger

Es difícil motivar al público a presenciar un concierto de guitarra clásica, pero quizá éste es un buen comienzo para aquellos que deseen disfrutar de un Músico que demuestre un dominio absoluto de su instrumento. Sin ser un personaje conocido, un músico televisivo o una estrella del rock, su currículum le hace merecedor del calificativo de Genio. Y yo, por lo menos, no me lo voy a perder.

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En muchas de las fotos previas a sus prodigiosas carreras hemos podido ver a Phelps con los auriculares de su Ipod puestos, apurando la escucha de su música hasta el último segundo. Es una costumbre que arrastra desde Atenas 2004 y que le funciona; los resultados avalan que la música que escoge consigue mantener sus niveles de concentración y motivación al máximo incluso cuando ya sólo se la imagina mientras nada.

Tenía entendido que el músico que inspiraba a Michael era Eminem, y la canción que obraba el milagro de convertirlo en pez era concretamente Till I collapse, pero descubro que actualmente se inclina más hacia otros raperos como Lil Wayne, Snoop Dogg o 50 cent.

Es curioso. No que sólo oiga rap –eso va a gustos- sino que su particular elección musical no sigue las teorías de prestigiosos psicólogos como Costas Karageorghis, profesor de la Universidad de Brunel, en Inglaterra, que aseguran que la música que más motiva es la que está entre los 120 y 140 beats, más o menos las pulsaciones de un deportista a los 20 minutos de ejecutar su rutina. Es decir, cuando al escuchar una canción el corazón se sincroniza con el metrónomo, dicha canción es percibida como la motivación justa para mantener ese ritmo y no decaer. Y la música que suele cuadrar con este rango de pulsaciones es la música dance o bien el rock… pero no el rap, que es demasiado lento. Si Phelps fuera al ritmo que el rap le marca, hasta Eric Moussambani le ganaría en la piscina.

Pero puede que lo que realmente motive a Phelps sea la letra de la canción, mucho más que un ritmo determinado, que pasa a un segundo plano una vez está en el agua y ya no lo escucha. En el caso del tema de Eminem, es obvio que lo que dice el rap es perfecto antes de competir:

‘Cause sometimes you feel tired, feel weak, and when you feel weak, you feel like you wanna just give up. But you gotta search within you, you gotta find that inner strength and just pull that shit out of you and get that motivation to not give up…”

Porque a veces te sientes cansado, te sientes débil, y cuando te sientes débil, sientes que te vas a rendir. Pero tienes que buscar dentro de ti, tienes que buscar esa fuerza interior y echar esa mierda fuera de ti y conseguir esa motivación para no rendirte..

La percepción de la música es personal y varía según quien la escuche. Hay personas que ante según qué canciones se abstraen del resto del mundo como si se tratara de una posesión diabólica, y otras que la música les resbala completamente. Y entremedio, un gran abanico de posibilidades. Posiblemente a Phelps el ritmo musical no le condiciona el suyo propio y sin embargo el mensaje hablado sí logra motivarlo. Al fin y al cabo, su caso no es muy diferente al de futbolistas como Messi o el Kun Agüero, quienes escuchan música argentina en general antes de jugar, seguramente sólo para oír el acento de su país y aparcar por un rato la morriña.

De hecho, Phelps no es el único campeón que rompe la teoría de las 140 pulsaciones. Surfeando por internet, no hago más que sorprenderme con las rarezas musicales que escuchan los mejores: La selección española de basket sale como una moto a la cancha con… Riki López, cantautor cómico que me recuerda a Albert Pla.

Riki López, El busto es mío

Alberto Contador escucha pop comercial español como Melendi, Juanes, El Barrio o La Quinta estación mientras pedalea. O incluso Lance Armstrong, afirma entrenar con el pop suave de Keane, Audioslave o Weezer.

Sinceramente, si tuviera que cargar mi mp3 con unas canciones determinadas para sudar la camiseta, nada estaría más lejos de mi cabeza que aguantar a Melendi. Mi elección estaría llena de baterías contundentes, rock incluso un poco oscuro y música electrónica de ritmos marcados.

Sería fácil mencionar la canción Gonna fly now, banda sonora de Rocky, o el conocidísmo Eye of the tiger. Pero voy a apostar por temas actuales que no se quedan atrás como auditivas grandes fuentes de energía.

Going Under – Evanescense

The Saints are coming – U2 y Green Day

Welcome to the black parade – My chemical romance

Galvanize – The Chemical Brothers

I believe – Simian Mobile Disco

Destroy everything you touch – Ladytron

Meds – Placebo

After every party I die – IAMX

Loser – Dolores O’Riordan:

Computer love – Marsheaux:

Quizá este post sea el empujón definitivo que me anime a cumplir con mi eterno propósito del mes de septiembre de apuntarme al gimnasio.

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Idolatro a Madonna desde que sacó el Like a Virgin, su segundo álbum (1984) que conservo en cinta de casete desde mis tiernos 8 años. Dieciséis álbumes más tarde (sin contar bandas sonoras) sigue siendo mi icono personal, aunque a veces se equivoque de medio a medio, como ha pasado con su infumable último trabajo, Hard Candy, publicado a finales de abril.

Espero que sea la crisis de la mediana edad, porque si este giro al funk repetitivo, a los sonidos rap más aburridos y al hip hop más taladro es definitivo, mi decepción como fan que lleva toda una vida adorándola será un difícil peso que acarrear. De todos modos, mantengo la esperanza de que todo esto sea un simple divertimento para relajarse después del esfuerzo titánico del loado (y carísimo) Confessions on the dance floor. Y también espero que Justin Timberlake vuelva con Britney o mejor, que la propia Madonna le dé puerta y deje ya de molestar a la diva. Este chico todo lo que tiene de guapo lo tiene de cansino, por Dios.

Pues sí, me ha sentado mal este último trabajo, y estoy de acuerdo con ciertas voces que rumorean que el dichoso Caramelo Duro sirve para hacer contentar al público americano y acercarse a los sonidos actualmente más de moda en Estados Unidos. En definitiva, un álbum rápido sólo para recaudar el máximo dinero en el mínimo tiempo posible.

Y a todo esto, ¿Madonna qué dice? Pues dice que ya sabía que este cambio tan brusco de estilo iba a dejar noqueados sobre todo a sus seguidores europeos. Pero inexplicablemente pensó –o quizá le hayan convencido- que la sorpresa nos iba a gustar. Ante la prensa, declaró:

Im going to kick your ass, but it’s going to make you feel good

(Os voy a dar una patada en el culo, pero os va a hacer sentir bien)

Pero la patada, en vez de darla a sus fans, más bien la ha recibido de Kylie Minogue.

A diferencia de Madonna, a Kylie sólo le llega para que le llamen Princesa del Pop. Cumplió 40 el pasado mayo, y lleva desde los 20 cantando. Sinceramente, decir que ocupa el segundo lugar del pódium quizá sea demasiado; la sombra de Madonna es demasiado alargada. Sus cifras son mucho más modestas (65 millones de discos vendidos) y su alcance mediático, aunque es grande, no tiene comparación.

Sin embargo, con su disco X, lanzado el pasado noviembre, creo que ha conseguido, al menos durante 2008, destronar a la Reina. Con X, su décimo –en números romanos- álbum de estudio, la australiana cambia sensiblemente el rumbo de su estilo aportando una evolución que además suena natural y lógica. Sigue siendo Kylie, pero su sonido madura y se adapta a los tiempos.

Es cierto que un álbum tan heterogéneo puede parecer que la artista no acaba de decidirse por dónde tirar. Toca todos los palos, actuales y ochenteros, electrónicos y guitarreros. Y además cambia de estilo en cada canción, pasando del rock al dance y del pop al R&B, de los sintetizadores a la balada con violines… No hay que pasar por alto que ha sido compuesto en buena parte por ella misma y que ha hecho, por qué no confesarlo, lo que le ha venido en gana después de superar un cáncer que le ha supuesto más de dos años de lucha. Eso sí, acompañada por extraordinarios músicos y productores como Paul Harris y Stannard.

Destaca el primer sencillo, Two Hearts, original de los londinenses Kish Mauve.

Parece ser que Kylie se enamoró del tema al oírlo ensayar en los estudios de Parlophone, productora que comparten dicho grupo y la australiana. Un temazo que Kylie ha sabido exprimir muy bien, aprovechando esa vena sexy que tan bien sabe explotar.

Y hablando de préstamos, hay que mencionar también el sampler de la canción Bony and Clyde que el cantautor francés Serge Gainsbourg interpretaba junto a Brigitte Bardot y que curiosamente está incluido en el tema Sensitized. Gainsbourg fue muy prolífico, pero todos lo recordamos por su canción Je t”aime… moi non plus, tan pornográfica como el videoclip de Kylie montando un toro mecánico en ropa interior.

Mi tema preferido es, sin embargo, In my arms, segundo single del disco y escrita íntegramente por ella. Fantásticos sonidos electrónicos sincopados y muy bailables, además de contener la más pura esencia Kylie, llena de neones rosa chicle y verde lima.

Sin quererlo, la pequeña Minogue le ha pasado la mano por la cara a una Madonna que parece haber perdido el norte.

Madonna, variar es bueno, pero no entiendo para qué pretendes echar por la borda un estilo labrado a fuerza de trabajo y que además, funciona.

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Y yo que pensé, cuando lo vi, que estaba muy bien que ahora los padres no tuvieran que pagar la cuota de Digital+ para aparcar a los niños delante del televisor los domingos por la mañana. Qué ingenua fui cuando lo califiqué como un bonito gesto solidario para todos aquellos que deseamos paz los fines de semana y creemos en el poder hipnótico que ejerce la televisión en los más pequeños.

Pero la semana pasada, haciendo un clásico zapping –qué fantástica es la tele en verano-, llego al canal 9 sintonizado en mi televisor y… ¿dónde está FlyTV? Alarmada, miro la información del canal y aún sale FLY como título, pero la descripción casa con la serie yankie que están emitiendo, llamada, para más inri, Cory en la Casa Blanca.

Mis peores presagios se confirman en la blogosfera: “Adiós Fly Music, la televisión se queda más vacía”, se lamenta probertoj, de Hipersónica. Y nunca tuvo más razón.

Desde que me antenicé para ver La Sexta y, de rebote, descubrimos este canal de música independiente, en casa FlyTV siempre había sido la alternativa segura a tandas interminables de anuncios o programas tostón. Era un poco como revivir aquel Sputnik añorado de Canal 33, con vídeos fuera de las órbitas del mainstream, gráfica trabajada y decorados humildes. Eso sí, con gente que, a pesar de la notoria falta de presupuesto, evidenciaban ganas de trabajar por simple vocación melómana.

Pero ya se acabó. La parrilla televisiva ya está vacía de música televisiva. Porque Los 40 latinos no los aguanto por discriminar toda aquella oferta que no sea en español y ultra comercial. Y porque MTV, aparte de ser de pago, nunca apostará por música mínimamente diferente, ni emitirá nada que no sea, según su propio criterio, un mega hit.

Queda claro que apostar por la música no es algo que demuestre el grupo Vocento, propietario hasta ahora de FlyTV y por consiguiente, responsable de su carpetazo a cambio de Disney Channel. El grupo de comunicación, editor del diario ABC entre otros muchos, no pensó demasiado en las posibilidades de un canal único, original y diferenciado del resto de la parrilla española, ni tuvo en cuenta la audiencia fiel y el nicho bien definido que FlyTV le proporcionaba.

La verdad es que la noticia me ha caído encima como un jarro de agua fría. Al canal de música alternativa le debo el descubrimiento de muchos nuevos artistas durante su tiempo de emisión. Yo los vi primero en FlyTV, pero luego se convirtieron en grandes éxitos: Mika, Kaiser Chiefs o My Chemical Romance. Nunca los había visto, pero me encantó su vídeo en FlyTV y corrí a bajarme el disco tras escuchar, por citar algunos, a Robin, a Muse, a Kelly Osbourne o a ese grupo medio barcelonés medio madrileño que tanto me sorprendió: Dorian.

Pues ya está hecho y ahora en vez de París, a todos aquellos que nos gusta investigar qué se cuece fuera de las ondas de la radiofórmula más aborregada, siempre nos quedará internet.

Para seguir conectado al más puro estilo Fly, os propongo uniros al grupo SalvemosFlyMusic en la plataforma musical lastfm.com, que como es además una radio vía internet, se puede escuchar directamente desde su página todas las canciones recomendadas. Este grupo incluye también un enlace para unirte a la recogida de firmas para salvar el canal, que según aseguran, serán enviadas directamente a la compañía Walt Disney.

Finalizo mi post de protesta por esta decisión empresarial que considero injusta con el último vídeo que emitió FlyTV el pasado 30 de junio.

Lo podrían decir más alto, pero no más claro.

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Me la perdí en su debut en Barcelona durante el Festival del año pasado, y al volverla a ver en el programa de 2008, no podía dejar escapar la ocasión de escucharla. Periódicos como el New York Times la definen como “la mejor concertista del momento” e incluso Paul McCartney piensa en ella como intérprete del concierto para guitarra que actualmente está componiendo.

Su popularidad crece como la espuma no sólo por su indiscutible virtuosismo, sino también por lo chocante que resulta que alguien nacido y criado en Beijing domine la técnica de la guitarra clásica, y además sea mujer. A estas alturas del siglo XXI parece que escasean los concertistas de la española y, como pasa con otros instrumentos (Vanessa Mae con el violín o Lang Lang con el piano), Asia está despertando y llama a la puerta con determinación.

De todos modos, el caso de Xuefei es peculiar, ya que cuando empezó a tocar con 7 años era la única alumna de guitarra de su escuela de música. “El acordeón pesaba demasiado y yo era demasiado pequeña” -comenta entre risas- “así que mi madre optó por apuntarme a guitarra. Luego mi padre me grabó de la radio a John Williams y ya no pude parar de tocar”.

Su progresión a partir de ese momento fue meteórica: Con once años ganó el segundo premio del Concurso de Guitarra de Beijing siendo la única niña que competía, consiguiendo además de manos del alcalde de su ciudad natal el premio “Silver Sail” que la reconocía como una de las diez mejores estudiantes del momento. Con doce y tocando en Japón, el lutier Masaru Kohno le cedió una de sus guitarras de concierto, y con ella se presentó por fin en Madrid, donde debutó con catorce años en un concierto en el que entre el público estaba el Maestro Joaquín Rodrigo.
Por fin, cuando en 1995 la niña prodigio ya era una joven de 18 años, Xuefei tocó ante su admirado John Williams, quien, impresionado, le regaló su propia guitarra Smallman después de escucharla.

Me resulta sumamente curioso ver y oír a Yang tocar los clásicos temas de la clásica. Estudios de Fernando Sor, Recuerdos de la Alhambra de Francisco Tárrega o el propio Concierto de Aranjuez de Rodrigo que toca esta noche, “clásicos al cuadrado” interpretados por alguien cuyo contexto nada tiene que ver con la cultura ya no española, sino occidental. Xuefei no habla ni una palabra de castellano ni ha vivido nunca en España, y por ello queda libre de toda influencia para pasar a tener un estilo propio muy original. Su técnica china es mecánicamente perfecta y su expresividad, totalmente asiática. Cuando la escucho y la veo interpretar, tengo la sensación de que su alma forma parte de la pieza y de que a su vez, la pieza ha abducido a Xuefei para adoptar otra perspectiva, otra forma de ser.

Nuestra virtuosa china, muy consciente de este contraste entre culturas que protagoniza, presenta este año su nuevo álbum 40 degrees North, mezcla de temas de Albéniz, Tárrega y Enrique Granados con preciosas obras chinas, como el concierto para Violín Butterfly Lovers del compositor Cheng Gang.

El título de su trabajo lo dice todo: Madrid y Beijing comparten latitud, por ello… ¿Por qué no compartir también un mismo instrumento?

Y el resultado, personalmente me parece increíble. Xuefei imita instrumentos chinos tradicionales como la Pipa, una variante del laúd, y junto con la escala pentatónica que proporciona esa marcada sonoridad oriental, consigue transportarnos a Asia con nada menos que una guitarra de concierto española. Todo esto, después de haber escuchado, por ejemplo, el Córdoba o el Sevilla de Isaac Albéniz.

Como dice George Clooney… Magnífico.

Tras el concierto, ahí va mi vídeo, con una Xuefei Yang espléndida en ejecución: Allegro con spirito del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo
Por cierto… ¡Menuda sonoridad tienen las salas de l’Auditori!

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Lo tengo muy claro: Chikilicuatre es el candidato ideal. En primer lugar porque es un producto de la democracia. El Chiki Chiki fue la canción elegida del modo más popular que existe, por internet, con nada menos que 109.995 votos, más de 40.000 votos de diferencia con el segundo clasificado, La casa azul. Por primera vez no intervino jurado alguno en la decisión final y se acata lo que el público español desea: Que Rodolfo vaya en nombre de España a Eurovisión.

Porque aunque perdamos -aunque eso está por ver- debido a los clásicos 12 puntos entre vecinos nórdicos y países del este, España demuestra que viene a pasarlo bien, a reírse de sí misma y a ignorar los chanchullos que año tras año corrompen Eurovisión. De todos modos, sabemos que en el certamen jamás gana la mejor canción ya que los votos responden más a intereses políticos y/o a fenómenos migratorios que al oído para descubrir nuevos talentos que Europa pueda tener. Por eso, ¿a quién le va a dar 12 puntos Alemania? Por supuesto, siempre a Turquía. Por algo el barrio de Kreuzberg, en Berlín, se le llama El pequeño Estambul.

Llevo toda la semana escuchando por la radio llamadas de eurofans indignados. A todos les hizo gracia la broma de Buenafuente, pero no han asimilado aún que un tío gangoso con una guitarra de juguete finalmente sea el escaparate español en Belgrado. Sin embargo, sus argumentos no tienen ninguna base. ¿Que van a tener vergüenza ajena ante toda Europa? Peor fue la actuación de las Kétchup y su Bloody Mary. Por no hablar del sonrojo que aún siento cada vez que me acuerdo de Remedios Amaya descalza y gritando ¿Quién maneja mi barca?

Otros dejan a un lado la estética hortera de Rodolfo y centran sus críticas en que con él se desperdicia una oportunidad para que un nuevo artista se dé a conocer. Pues deberían haberlo pensado antes de enviar a Rosa, a quien nadie le discutió su Europe’s living a celebration a pesar de haber disfrutado horas de “prime time” durante Operación Triunfo.

En definitiva, me gusta el Chiki Chiki porque contiene un montón de parodias: El reggeaton, King África, los políticos, las frases del rey, los bailecitos con pasos ridículos… y al ser un compendio de freakadas, por extensión la canción nos define perfectamente, ya que al fin y al cabo habla de lo que aguantamos día a día y estoicamente en España.

Orgullosa estoy: Ví la Gala del pasado 8 de marzo y voté a Chikilicuatre vía SMS, porque, a pesar de saber que iba a ganar de calle, quise participar de su victoria. Personalmente opino que nadie nos podría representar mejor. ¿O acaso España no significa sentido del humor, fiesta, Paquito el Chocolatero, y… saber perder con dignidad como siempre hace la Selección?

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Y tiene que ser justo en esta edición repleta de nombres ultra escuchados por la radio –Noa, Pedro Guerra, Fito Páez, Luis Eduardo Aute…- cuando por fin tengo la oportunidad de asistir al concierto de mi siempre admirado Joe Satriani, quien a pesar de ser un Dios entre los guitarristas, nunca ha llegado a tener la repercusión mediática que se merece. Bueno, si diez millones de discos y trece nominaciones a los Premios Grammy que lleva recolectados en sus treinta años sobre los escenarios nos parecen pocos…

La manera de tocar de “Satch”, como le llaman sus amigos, es… es… es… inexplicable. Domina la guitarra eléctrica de tal forma que si alguna vez ha recibido alguna crítica, ha sido simplemente por ser robóticamente perfecto en la ejecución de sus temas. Si alguien nació para tocar la guitarra, ése es Satch. Y al mismo tiempo, a la historia de la eléctrica le faltaría un capítulo sin Joe Satriani. Instrumento e intérprete se retroalimentan, y esa fusión entre los dos que ya se siente al escuchar los álbumes debe de convertirse en estratosféricamente orgásmica cuando se observa en directo.

Aún no me puedo creer que hoy Satriani esté en el Palau de la Música y yo también. Soy fan de este Guitar Hero desde que un gran amigo me regaló, hace muchos años ya, su segundo trabajo, Surfing with the alien (1987), considerado por muchos “el mejor álbum de guitarra instrumental del rock”.

Aunque para mí también es un disco fetiche su Cristal Planet, editado en 1998.

Sin embargo, la dilatada carrera de Satch cuenta con más de veinte álbumes, y además están los que grabó con un trío que originariamente formó junto a otros dos guitarristas instrumentales, Steve Vai y Eric Johnson, y que él mismo bautizó como G3.

De hecho, tal es el grado de excelencia con la guitarra de “Saint Joe” –otro de sus muchos apodos- que le aleja de cualquier género típico. No toca sólo rock, ni heavy, ni jazz, sino que le encuadran en un término inventado que denominan “guitar virtuoso” y del que sólo forman parte unas pocas leyendas como Jimi Hendrix, Eddie Van Halen o Jimmy Page. Pero Satriani incluso va más allá y aporta innovaciones importantes a este subgénero, como la inclusión de efectos y secuencias electrónicas en sus piezas.

Dicen que tiene el mejor riff de los últimos veinte años en su tema The Extremist, aunque en realidad se le otorga por unanimidad el título de Master en todo tipo de técnicas con la eléctrica (tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics…).

(Aquí podéis ver un ejemplo de su famoso tapping a dos manos en su tema Midnight)

Por algo ha sido el profesor de varios guitarras históricos como Steve Vai, David Bryson (Counting Crows), Kirk Hammett (Metallica) o el ex-Megadeth Marty Friedman, por mencionar algunos de los más conocidos.

Durante la gira que le lleva a España, el sábado pasó por Castellón, el domingo estuvo en Granada y ayer mismo tocó en Madrid. Hoy es el turno de Barcelona donde Satriani presenta su nuevo disco Professor Satchafunkilus and the musterion of rock y espero que también nos deleite con piezas de la reedición que lanzó el año pasado del famoso Surfing with the alien, para rememorar el vigésimo aniversario de su publicación.

Tanto si eres uno de los afortunados que consiguieron entrada de las más de dos mil ya agotadas como si no, tienes a tu disposición, como aperitivo de esta noche, los podcasts que Satriani ha colgado de su web oficial. Son pequeños vídeos donde explica personalmente y uno a uno todos los temas de este nuevo disco; cómo surgieron las ideas, técnicas utilizadas, imágenes que le sugieren, etc. Un verdadero regalo que el Professor Satch le hace a todos aquellos que alguna vez hemos fantaseado (en sueños) con llegar a tener el nivel para ser alguno de sus alumnos.

Después del concierto, ¡allá van mis vídeos!

Principio del concierto: Satriani entra en el escenario del Palau de la Música y toca I just wanna rock, del nuevo álbum:

En éste presenta la banda que le acompañó y después toca Ice 9, del Surfing with the alien:

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Yendo un poco más allá de la efectiva canción protesta, un nutrido grupo de artistas americanos se han unido para realizar un vídeo clip apoyando a Barack Obama. Su título, Yes we can, concebido también como eslogan del candidato demócrata, es la antesala de 4 minutos y 30 segundos de toda una demostración de cómo coordinar música, imagen y web 2.0 para convencernos a todos de quién merece ser el próximo presidente de los Estados Unidos.

La idea ha sido de Will.i.am, componente de los Black Eyed Peas, quien además de ser el maestro de ceremonias del vídeo, también ha compuesto la música de la canción, en un estilo muy particular que vendría a ser una mezcla entre rap y góspel. Por su parte, Jesse Dylan (hijo de Bob Dylan) se ha encargado de la imagen, a destacar un cuidado trabajo de la luz y el color para similar un fuerte contraste entre el blanco y el negro.

Sin embargo nada de esto hubiera tenido el impacto deseado si no fuera por la participación de más de treinta actores, músicos, deportistas y cantantes americanos, quienes se unen para apoyar al candidato de izquierdas y de paso se posicionan en contra de la política de George Bush. Son personajes del star system muy conocidos en Norte América y muchos de ellos con una fama que ha cruzado el charco gracias a series de televisión como Prison Break, CSI Miami y Nueva York, Sin Rastro, Anatomía de Grey…

El resultado final me resulta fascinante sobre todo por la manera en que Will.i.am recita el discurso que pronunció Obama el pasado 8 de enero en las primarias de New Hampshire. Will.i.am usa una oralidad rítmica, algo así como hablar cantando, repitiendo las palabras del candidato como si fueran una especie de oración. Me recuerda a las espirituales negras, más aún con una letra que traducida empieza así:

Hay un credo escrito en los documentos encontrados que declara el destino de una nación. Era susurrado por esclavos y abolicionistas mientras dejaban sus huellas hacia la libertad…

Mientras que Will.i.am pasa el testigo a los demás cantantes, quienes siguen recitando, frase a frase, la totalidad del discurso, escuchamos por debajo la voz de Obama, a la vez que le vemos en una mitad de la imagen. De esta manera no se ve afectada la solemnidad del mitin, ya que el candidato en ningún momento pierde su seriedad poniéndose a cantar, sino que la música proviene de las voces de los intérpretes que lo doblan por encima. El efecto es sorprendente: las palabras se vuelven sagradas, el discurso parece histórico e incluso te transporta a aquella mítica frase inicial de Martin Luther King: I have a dream…

Musicalmente, la canción es un interesante híbrido formado por el rap de Will.i.am fusionado con frases soul del cantante de R&B John Legend, el toque jazz del piano de Herbie Hancock y las voces de las cantantes Esthero, Tatyana Ali (Ashley Banks en la serie El Príncipe de Bel Air) y Nicole Scherzinger, líder de las Pussycat Dolls, entre otros.

Los protagonistas reúnen así varias razas (encontramos caucásicos, afroamericanos, asiáticos, latinos…) que cantan en varias lenguas (inglés, español, hebreo e incluso idioma de signos). Respecto a la aportación del español, tanto Adam Rodríguez (agente Eric Delko, en CSI Miami) como Enrique Murciano (agente Danny Taylor en Sin Rastro), traducen el Yes we can en un optimista Sí, se puede, en representación del 17,5% de hispano hablantes que actualmente viven en ese país.

Por su parte, el montaje añade un coro excepcional a todo este elenco de personalidades, cuyas voces se abren paso al final del vídeo: los gritos de los asistentes al mitin, repitiendo sin cesar un firme We want change. De esta manera el público anónimo se suma al apoteósico final donde los artistas aportan su último Yes we can en forma de canon que une todas las voces en un solo mensaje final: HOPE, VOTE, Obama.

Tras un exhaustivo escrutinio, de entre los 33 artistas que se dice que participan en el vídeo, he conseguido reconocer hasta 27 que al menos aportan su imagen y una frase. Y a pesar de que en Estados Unidos muchos de ellos tienen una larga filmografía a sus espaldas, en mi lista sólo apunto las series o películas por las cuales son famosos en España. Por orden de aparición, son los siguientes:

Will.i.am (líder de Black Eyed Peas) / Scarlett Johansson (Actriz: Match Point, Lost in translation) / Kareem Abdul-Jabbar (baloncestista de los Milwaukee Bucks y Lakers) / Common (Cantante de rap) / John Legend (Cantante de R&B) / Bryan Greenberg (Actor: One Tree Hill) / Kate Walsh (Actriz: Anatomía de Grey) / Tatyana Ali (Actriz y cantante: El Príncipe de Bel Air) / Aisha Tyler (Actriz: CSI:Miami, Nip/Tuck) / Sam Page (Actor: CSI:Miami, Shark) / Enrique Murciano (Actor: Sin rastro) / Maya Rubin (Actriz: CSI:NY) / Esthero (Cantante canadiense) / Eric Balfour (Actor: O.C, Seis metros bajo tierra) / Nicole Scherzinger (Cantante de Pussycat Dolls) / Taryn Manning (Cantante de Boomkat) / Amber Valletta y su hijo Auden McCaw (Actriz: Premonición) / Kelly Hu (Actriz: CSI:NY) / Adam Rodriguez (Actor: CSI: Miami) / Eric Christian Olsen (Actor: 24, Smallville) / Edward Kowalczyk (Cantante de Live) / Farnsworth Bentley (Cantante de hip hop) / Amaury Nolasco (Actor: Prison Break) / Hill Harper (Actor: CSI:NY) / Nick Cannon (Cantante de rap) / Herbie Hancock (Pianista de jazz) / Austin Nichols (Actor: CSI: Miami)

De todos modos, el fracaso de John F. Kerry, apoyado también por la comunidad de artistas del país en las pasadas elecciones, evidenció que una gran apuesta mediática no tiene por qué ser garantía de ganar. Aunque también es cierto que en 2004 la viralidad de internet no era tan patente como actualmente, donde plataformas como youtube y un amplio despliegue de blogs -como éste- difunden cualquier información con mayor eficacia que cualquier medio de comunicación visto hasta ahora.

Sea cual sea el resultado final de las elecciones primarias, está claro que con este vídeo, Obama ha ganado la batalla de internet a su oponente Hillary Clinton. Más que ganar, le ha machacado.

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Que el reconocido músico toque en Barcelona es un privilegio, no sólo por su dilatada carrera que abarca más de 25 años con obras en diferentes formatos que van desde canciones o Lieder breves y accesibles hasta ciclos complejos de tres o cuatro partes, sino también por el valor que el belga le aporta a una actuación en directo: “La música sólo existe cuando se está tocando. Lo interesante de la música está en ese riesgo del directo. Cuando yo estoy tocando el piano junto a una persona que toca el violín, hay creación, y ese elemento de interactividad es lo que podemos compartir los músicos con el público”, insiste.

A pesar de que hasta el miércoles no tendré la oportunidad de experimentarlo en vivo, “enlatado” el piano de Mertens es ya simplemente impresionante:

Le comparan con Michael Nyman o Phillip Glass, los llamados “clásicos modernos”, pero personalmente le prefiero a él. Mertens logra crear paisajes sonoros que provocan diferentes e intensas emociones a través de la pieza, sin resultar ni demasiado dulzón ni demasiado extraño o experimental:

Hasta con obras que desprenden sentimientos de tristeza, nostalgia y melancolía a borbotones, como la conocida Close Cover, acaban siendo únicas quizá por su sencillez y delicadeza, sin florituras ni adornos. Son melodías crudas, a menudo de piano y ya está, pero para qué añadir nada si la esencia lo abarca todo.

Me recuerda a algunas canciones de Enya como Watermark en su lado más melancólico, y a Yann Tiersen cuando compuso la banda sonora de la película Amélie en su lado más optimista. Aunque siendo justos, evidentemente Tiersen se parecía a Mertens, y no al revés.

De hecho, al querer definir la música de Wim Mertens no puedes encasquetarle ningún estilo y únicamente balbuceas comparaciones y similitudes sin hacerte entender demasiado. En los grandes almacenes te lo encuentras en la sección de New age, como si este apartado fuera una especie de cajón de sastre para los inclasificables. Sin embargo, para mí está más cerca de la música clásica que del chill out ambiental…

Quizá a Mertens sólo haya que escucharlo, dejarse envolver y disfrutarlo de una manera atemporal, alejado de géneros y clichés. En el Palau le veremos junto a la increíble violinista Gudrum Vercampt formando el Wim Mertens Duo, con el que interpretarán temas tanto de sus últimos álbums (Un respiro y Partes extra partes) como de otros anteriores.

Particularmente espero que no se olvide de esa pieza que fue obra principal de la banda sonora de la película de Peter Greenaway El vientre del arquitecto, la cual conjuga sonidos contemporáneos con una fuerza espectacular. Imprescindible tema a mi entender, pero poco conocido hasta para ‘Youtube’, quien sólo lo localiza como música de fondo de un casero ‘making off’.

Aún así, no os lo perdáis; Hay que oírlo:

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