Quand on évoque Evanescence, on pense directement à leur longue carrière (16 ans !) parsemée de difficultés, de bien de quiproquos et de malentendus, de séparations, de maux internes et d’obstacles. Il reste que Amy Lee a toujours exploité ces problèmes pour en faire l’essence même de son inspiration. L’artiste et son nouveau groupe ont donc sorti un nouvel album en 2011, sobrement intitué Evanescence. Le disque, arrivant 5 ans après The Open Door, représente une véritable renaissance pour Amy et ses acolytes, un album plus abouti, plus travaillé, ayant pour thème l’océan et la nature, puisque élaboré et produit dans la sérénité, ce qui n’était pas le cas de leur disque précédent.

Si les fans s’attendaient à un véritable retour en arrière, à un concert des plus nostalgiques ressortant les vieux tubes des cartons poussiéreux pour revenir dans un passé brillant du  groupe, ils se sont vus déstabilisés puisque Amy Lee leur a préparé une belle surprise : Evanescence, c’était désormais ce que le groupe faisait aujourd’hui, et c’était les nouvelles chansons qui allaient primer sur la tracklist du concert. Cela ne voulait pas dire pour autant que la chanteuse avait oublié son ancien répértoire, elle a même integré plusieurs chansons extraites du premier album qui ont provoqué la quasi-hystérie du public. C’est donc sans surprise que ce dernier ne se fit pas prier pour reprendre Going Under ou encore Bring Me To Life et Lithium avec une chanteuse déchainée.

Amy Lee avait une énergie extraordinaire et une grace des plus touchantes. Elle enchainait des chansons fortes, aux lourds riffs de guitare et d’autres plus sobres, plus calmes, au piano, afin de garantir l’équilibre de son concert, et à chaque fois, elle n’oubliait pas de sourire à son public en fin de ses chansons. L’artiste a dit après avoir chanté sa première chanson, What You Want, premier single extrait du nouvel album : “Je suis très honorée d’être là avec vous ce soir, je voulais venir vous voir depuis très longtemps, c’est aujourd’hui chose faite“. C’était aussi, ce soir-là, un honneur pour le festival d’avoir accueilli un si grand groupe dans un genre musical qui a toujours été boudé afin de renforcer cette touche de diversité qui a toujours été la marque de fabrique du festival. Le public, lui, était dans un état second, ressentant la générosité de leur star et son implication afin de faire vibrer ses fans.

Le concert dura un peu plus d’une heure mais fut un concentré d’énergie et de punch qui plongea le public dans l’univers sombre mais paradoxalement candide du groupe. Amy Lee, pour sa part, ne se faisait pas prier pour communiquer avec son public entre deux chansons, impliquée dans son spectacle, ayant conscience que ses fans marocains l’avaient tellement attendue.

Le concert d’Evanescence à Mawazine était surtout l’occasion pour le public marocain de découvrir le nouvel album du groupe en live. Un album abouti, très travaillé avec des chansons originales et très efficaces. On aura alors découvert What You Want, The Other Side ou encore Never Go Back qui ont fait fureur malgré l’effet de surprise sur la plupart des spectateurs.

Il reste que les moments forts du concert étaient, bien entendu, ceux où Amy chantait ses anciennes chansons. L’énergie monta d’un cran quand les premières notes de Lithium commencèrent ou encore quand Amy entama Call Me When You’re Sober. On ressentit une grande nostalgie quand la chanteuse chanta avec energie Bring Me To Life où les parties de Ben Moody avaient sauté. Le public se sentit donc le devoir de les chanter haut et fort, entrant dans une grande osmose avec le groupe.

Le moment le plus fort reste la dernière chanson que le public avait tellement réclamé, Amy Lee revint, après une courte pause, accompagnée de son piano. Elle chanta alors My Immortal et le public ne se fit pas prier pour reprendre en choeur l’intégralité de la chanson qui avait eu tellement de succès à sa sortie.

Le groupe s’inclina face à son public en toute courtoisie, ce dernier qui était en transe, ressentait la sincérité des artistes et leur implication dans leur travail. Evanescence est donc indiscutablement le meilleur concert qui a eu lieu à L’OLM jusqu’ici lors de la 11e édition. Amy Lee et ses musiciens devraient être fiers de leur performance où la conscience artistique et le devoir de faire le bonheur du public se ressentaient fortement.

Le groupe a décidément encore de beaux jours devant lui, on espère juste que cette nouvelle formation plus complice sortira encore d’autres albums qui ne pourraient que faire le bonheur d’un public fidèle.

Photo : Mahjoub Feryate

Avant d’aller au concert de Pitbull, une seule chose me rendait perplexe, comment pourrait-il s’en sortir sur scène avec une majorité de titres essentiellement chantés en featuring ? Notre artiste a su en faire un atout pour entrer en contact avec son public qui n’a pas hésité à chanter tous les refrains appartenant, à la base, aux collaborateurs de Pitbull, créant une ambiance complice entre l’artiste et ses spectateurs.

Le showman a enchaîné les hits avec une efficacité déconcertante, des transitions remarquables, épaulé par un DJ au talent certain. Pitbull a aussi surpris pour avoir intégré des références très différentes de son univers musical, lui qui a l’habitude de mélanger rap, reggaeton et electro. En effet, il n’a pas hésité à évoquer du Nirvana ou encore du Guns n’ Roses comme transitions entre les chansons, et cette touche rock, en plus de l’énergie débordante du public, a fait rentrer Pitbull et ses fans en totale osmose.

Pitbull a donc enchaîné les tubes les uns après les autres, de I Know You Want Me à International Love, en passant par On The Floor ou encore Give Me Everything, provoquant le déchaînement total d’un public débordant d’énergie qui n’attendait que du bon son pour se lâcher.

La deuxième partie du concert fut la plus remarquable. Pitbull avec une énergie remarquable et une maîtrise parfaite de la scène a enchaîné ses tubes les plus connus, dans des versions brèves mais élaborées, il est même allé jusqu’à reprendre  une succession de hits mondialement connus qui ont fait augmenter d’un cran l’enthousiasme déjà important du public. I Gotta Feeling des Black Eyed Peas, Ai Se Eu Te Pego de Michel Teló ou encore Party Rock Anthem des LMFAO étaient parmi la tracklist de ce concert.

Le concert se termina sur Give Me Everything qui mit le public en transe. Un concert qui nous a prouvé que Pitbull est une véritable bête de scène qui gère à la perfection et met le feu là où il va. Le spectacle de Pitbull sera décidément l’un des plus marquants de cette 11e édition de Mawazine.

Avant de rentrer dans le vif du sujet, il faut noter que de notre duo déjanté il n’y avait que la moitié qui avait signé présente. En effet, Sky Blu, comme annoncé quelques jours avant le concert, ne pouvait être de la partie, laissant la scène en entier à Red Foo qui a assuré la performance seul. Un détail qui n’est pas sans importance, vu que leurs chansons sont toutes chantées en duo à la base, chose qui, évidemment, a eu des répercussions sur le concert.

LMFAO, avec deux albums à leur compteur (Party Rock en 2009 et Sorry for Party Rocking en 2011) sont avant tout un groupe pop fluo qui surfe sur la vague electro mainstream et qui produit une musique commerciale qui tourne en boucle à la radio. Nos oreilles témoignent évidemment de la diffusion énorme de leur I’m Sexy and I Know It que tout le monde connait par cœur, ou encore du buzz énorme qu’a connu Party Rock Anthem il y a quelques mois. Jusque là, tous les ingrédients sont bons pour avoir un concert qui en jette en matière d’ambiance, un concert qui va faire bouger un public avide de musique dansante et contemporaine, mais il en a été autrement en réalité.

Avec le concert de LMFAO, on a assisté à un concert qui laisse plutôt sur sa faim, un commencement en douce d’une onzième édition de Mawazine pourtant très attendue, et ce pour plusieurs raisons : on notera certainement l’absence de la moitié de LMFAO qui a, en quelque sorte, déstabilisé Red Foo qui avait l’air « perdu » tout au long du concert. Une performance qui n’est pas mauvaise, mais qui sent un fort air d’imprévu qui a déstabilisé notre artiste tout au long du concert. Autre détail que l’on a ressenti fortement, c’est que Red Foo, malgré le fait qu’il avait une bonne quantité de hits au compteur n’a pas fait l’effort de dialoguer avec son public, à aller vers lui pour lui faire ressentir son énergie et son punch et à le pousser à entrer en osmose avec le show. Il se contentait de chanter ses titres, sans véritable transition, avec des danseurs déboussolés en fond de scène qui allaient dans tous les sens. On ne ressentait pas de véritable implication de la part du chanteur, il était là à enchainer les chansons avec un air quasi absent. La seule fois où Red Foo a véritablement communiqué avec les spectateurs était pour faire la promotion d’une application iPhone/iPad. Bien désolant.

Tout cela, en plus d’une sono qui n’était pas au point, a fait que le public n’a pas été véritablement saisi par le spectacle et n’avait pas l’air de s’éclater véritablement sur des titres qui ont quand même eu un succès phénoménal, vu les hauts et les bas au niveau de l’ambiance générale.

Mais tout n’était pas décevant dans ce concert, on notera quand même la performance vocale très intéressante de Red Foo, qui, sans playback, a assuré au chant, et la montée soudaine d’enthousiasme lors de certaines chansons comme c’était le cas pour Shots ou encore I’m In Miami Beach. Ne parlons pas de I’m Sexy And I Know It (amputée de son fameux Wiggle Wiggle Wiggle…) et de Party Rock Anthem qui ont fait bouger la foule comme il le faut. On aura aussi assisté à une reprise de Boom Boom Pow, l’un des grands succès de Black Eyed Peas, et à la découverte de titres que tout le monde ne connaissait pas comme Take It To The Hole ou Reminds me Of You.

Le show de LMFAO s’ajoutera à la liste de ces concerts qui n’auront pas marqué les esprits. Fluet et pas très élaboré, il confirme le fait que programmer un groupe émergeant pour l’ouverture d’un si grand festival est bel et bien un grand risque. Pour le début de son show, Red Foo chantait Sorry For Party Rocking, de notre côté, nous sommes désolés de ne pas avoir été conquis.

Cette 11ème édition accueillera cette année plusieurs artistes internationaux tels que Pitbull, Mariah Carey, LMFAO, Khaled, Jimmy Cliff, The Scorpions… et bien entendu beaucoup de jeunes artistes marocains dont le festival fait la promotion.

Vous pouvez ainsi consulter le portail web du festival, avec toute la programmation.

Sinon, ce soir, LMFAO, le duo qui a fait bouger les dancefloors toute l’année, ouvriront le concert ! Malheureusement, seulement Red Foo sera présent, Sky Blu ayant des problèmes de santé. Et on y sera !

Vous pouvez toujours redécouvrir nos 4 playlists pour vous préparer à Mawazine :

#1 : Outlandish

#2 : Khaled

#3 : Jimmy Cliff 

#4 : Evanescence 

Et vous, quels sont les concerts auxquels vous aimeriez assister ? Laissez nous savoir sur notre page facebook, ou sur notre compte twitter @lcassetta !

Il y a une bonne dizaine de manières de commencer cet article. La première serait de vous rappeler à quel point le précédent travail de Scuba était profond, recherché et vraiment pertinent. La seconde serait de faire le blasé et de vous parler de la scène dubstep actuelle, de l’utilisation du dubstep partout etc. La troisième serait de jouer le déçu et de retourner écouter son fantastique second album, Triangulation en pleurant dans mon coin. Et j’en passe.

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On va faire simple : Quand un artiste aussi talentueux et underground que Scuba décide de sortir une chanson assez headbanger, techno, avec tout ce qui fait que c’est le track parfait pour le dancefloor et des éléments presque faciles, il y a de quoi être déçu. Mais dans la mesure où le résultat est efficace, on ne peut pas réellement s’en plaindre. On s’attendait un peu à ça de toute façon, avec ses remixes de plus en plus club-oriented et ses DJ-Kicks.

C’est alors qu’on passe de la beauté d’un So You Think You’re Special? au sample presque ridicule de The Hope : Got the camera, got the zinc, teenage girls, stop to think, got the text, got the sex, got the system, got the system. OUI, je sais, ça fait très single de radio. Mais le côté ridicule n’est pas réellement dangereux, et la voix grave et presque arrogante du sample spoken house rend ça presque fun, appréciable. Et bon, le sample soul féminin intense est très beau.

Mais voilà, le sample n’est au final qu’un détail. Ce qui conduit la chanson, c’est principalement la violence de la basse, presque grimey, bien distordue et presque industrielle, comme si des barres de métal s’entrechoquaient sur un synthé presque aquatique et liquide. On a droit à un très bon headbanger quand même, avec une bassline somptueuse et bien puissante comme rarement Scuba l’a été. Mais il ne fat pas y voir simplement “scuba qui fait de la techno pour la radio”, non : Il y a plein de petits détails appréciables, du break au synthé profond et euphorique à 2:02, du côté oldshcool rave/acid house du sample réminiscent de ses racines underground, à plein de petits trucs.

Ainsi, même si The Hope a l’air d’une bonne blague, et même si c’est assez décevant de voir ce changement de genre, il n’en reste pas moins l’une des meilleures pistes de dancefloor de cette année. Et puis bon, quand Burial a sorti Loner sur Kindred EP (chroniqué ici), on est quand même passé du calme profond de l’ambient d’Etched Headplate à l’expérience mind blowing de la techno 2-step de Loner. Et à mon souvenir, il a été acclamé et non pas détesté. Il est donc temps de mûrir et de laisser la déception de côté pour se dire quand même que quand on a l’esprit ouvert, on peut tout aimer chez un artiste, même quand il veut faire passer ses singles en boîte. 7/10

I Love It est ce genre de chanson totalement immorale, qu’on ne peut pas s’empêcher de fredonner en prenant un malin plaisir… Vous savez, celles qui font bouger vos parents aussi. Sauf que contrairement à la majorité de ce genre de chansons prônant le young-wild-and-free way of life, I Love It réussit à être surprenante par son énergie et la qualité tonifiante des lyrics. Elle ne fait pas que scander la jeunesse ou autre pour justifier la négligence, non : elle donne envie de justifier sa jeunesse par la négligence. Donc I Love It, c’est ce genre de chansons, chantée par deux filles délirantes, qui se proclament jeunes avec délice, qui ont décidé de s’en foutre totalement, et qui, surtout- adorent le faire.

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On sent réellement l’énergie joviale qui émane des deux chanteuses, qui partent dans des refrains catchy et puissants, à base de I-DON’T-CARE! I love it! où on sent totalement qu’elles le pensent vraiment, presque comme si elles mêmes prenaient plaisir à vivre de cette manière. Ca se remarque surtout dans le bridge où elles chantent de manière presque victorieuse, You’re on a different road, I’m in the milky way, you want me down on earth  but I am up in space, you’re so damn hard to please ,we gotta kill this switch, you’re from the 70s, but i’m a 90s bitch! Mais surtout, les paroles sont excellentes, simplistes, une énumération de choses qui les font sentir jeunes et libres, par la très talentueuse Charli XCX, qui nous avait fourni Nuclear Seasons l’année dernière. I crashed my car into the bridge and watched it, let it burn! I trhew your shit into a bag and pushed it downstairs, I crashed my car into the bridge… I-don’t-care! I Love it ! J’ai fort à parier que le refrain sera l’hymne indie pop de cet été. I-don’t-care! I love it! est le nouveau YOLO, that’s the motto, sauf que c’est la version underground et beaucoup plus concrète.

Tout est fait pour rendre le côté libre et énergique optimal. Du refrain scandé en choeur à l’électro puissante et bien visqueuse propre à l’excellente pop sur Kitsuné, les montées vocales sont très appréciables, et au final, I Love It est un son qu’on prendra énormément de plaisir à écouter. C’est purement le genre de chanson d’été, qu’on écoute en boucle, sans jamais vraiment se lasser… Car si les lyrics et le refrain se retiennent facilement, ils n’en restent pas moins plaisants.

I Love It est l’une des chansons les plus fraîches de l’année, et les Icona Pop semblent euphoriques, libres, fières et glorieuses comme rarement l’indie pop a pu l’être.

Bloom. Floraison et éclosion. Une fleur qui éclot au soleil du printemps, l’allégorie du Bonheur est parfaitement illustrée. Le duo n’aurait pas pu trouver meilleur titre  à cet album. Les mélodies lascives sur chacune des pistes qui constituent Bloom enchantent délicatement notre esprit pour, à travers diverses compositions irrégulières, mettre au devant toute l’originalité de leur talent. La formule générale ne varie pas : Victoria berce nos sens avec sa voix délicieuse et les notes d’Alex accompagnent langoureusement nos danses. On s’éloigne du technique et on plonge dans le lyrique. Chronique.

Myth ouvre le bal. Chanson qui est aussi le premier single de l’album. Nous ne sommes plus dépaysés, on retrouve petit à petit l’ambiance mélancolique qui règne sur toute la musique du duo. Beach House nous propose un chant d’allégresse dressé sur quelques percutions simples et des notes au clavier exquises, un hymne qui glorifie les douces brises matinales du printemps.

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On poursuit avec Wild. Angélique, Victoria nous invite à la rejoindre pour vibrer aux rythmes de sa voix  innocente tandis qu’Alex, infernal, ne nous invite pas mais nous incite plutôt à épouser les accords atypiques à son jeu. Un manège entrepris par le duo afin de cloîtrer notre esprit derrière les murs de Wild. On est indécis, désorienté. Se laisser bercer paisiblement ou exprimer sa rage au vu de la manigance?

Lazuli est la suivante. Un neo-poème aphrodisiaque dont le cri discret de Victoria apaise l’esprit, un poème dont les lignes progressent à travers une 8-bit fluo et des percutions pseudo-muettes. Victoria nous révèle ici toute l’élégance de son art. Lazuli mérite bien ses honneurs: la chanson décrit parfaitement la façon dont Beach House façonne son univers dream pop.

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On passe à Troublemaker ou le réveil de la bête. Mais la bête en question est docile. Victoria hausse d’un ton. Néanmoins, sa justesse fait que ça soit légèrement senti. L’instru, quant à elle, passe de deux accords minimalistes à un enchaînement sensiblement plus prégnant.  Le fond n’en demeure pas moins mélancolique; coeurs accablés , sortez vos mouchoirs!

Wishes est la 8ème piste de l’album. A travers une mélodie harmonieuse et entêtée, Beach House sévit sur nos sentiments. Ce titre aux allures vintage est le plus puissant de l’album. Puissant comment? Ne parlons pas de technique car il n’est jamais question de technique avec Beach House. Parlons plutôt de la pureté que dégage Victoria sur ce morceau. Parlons plutôt de ses murmures enchanteurs et de l’intensité de son Once, in your life… we had it once. Que de qualités à louer.

On reprend nos esprits sur On The Sea , l’idylle qui vous transporte au bord de la mer. Imaginez-vous, pieds dans l’eau, dansant la valse des âmes au rythme des vagues, dansant le tango aux caresses de la brise. Le morceau nous berce sur des notes invariables au piano puis surgissent la synthé et la guitare pour palier à la monotonie, une mélodie au ton progressif qui convaincra les plus réticents d’entre vous.

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Irene, l’épilogue qui clos en beauté une série de chants suaves. On peut enfin distinguer les pétales de cette fleur, Bloom. Un riff discret vous accompagne tout au long de la chanson histoire de ne pas vous ennuyer tandis que Victoria décide de prendre un ton harmonieux. La douceur de sa voix nous retient. Cette épopée prend fin ici. On décide de lâcher prise et laisser le duo nous guider vers la sortie.

Mission accomplie… Sur une scène dreampop qui manque sérieusement de représentants (Real Estate qui débutent et Washed Out qui disparaissent), Beach House reviennent imposer leur style en changeant de technique cette fois-ci. Chaque chanson recèle une surprise, un feu d’artifice. Loin des mélodies monotones du genre, Beach House, sur Bloom,  introduit sur chaque morceau un chant rebelle. A vous de le découvrir.

Merriweather Post Pavillion est l’un des meilleurs et plus importants albums, non pas simplement de 2009 mais de la décennie. Après avoir influencé la production de l’époque, on ressent toujours son influence aujourd’hui. Le caractère expérimental et dream-pop, accompagné du chant éthéré et du sampling ont fait de cet album un très grand classique.

Après plusieurs albums de la part des différents membres, cela fait trois ans qu’on attend toujours un nouvel album complet du groupe. C’est ainsi qu’après avoir récemment sorti un single, Honeycomb, et son B-Side Gotham, le groupe annonce leur prochain album : Centipede Hz, qui sortira en septembre sur le label Domino.

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Cependant, le groupe ne voit plus les choses de la même manière. Ils préfèrent s’éloigner du sampling et du côté expérimental pour se recentrer sur quelque chose de plus concret, et retourner à leurs racines de groupe de Garage Rock. Moins d’expé, plus d’instrumentalisation donc.

Voici la tracklist :

Moonjock

Today’s Supernatural

Rosie Oh

Applesauce

Wide Eyed

Father Time

New Town Burnout

Monkey Riches

Mercury Man

Pulleys

Amanita

Peut-on s’attendre à un album aussi important et révolutionnaire que Merriweather Post Pavillion, cependant ?

Le festival Mawazine Rythmes du Monde, que l’on ne présente plus, se tiendra pour sa 11e édition du 18 au 26 mai 2012 à Rabat. Pour cette édition, des nouveautés sur le plan artistique que sur le plan financier.

Je déteste spoiler les gens en leur annonçant la fin dès le début, mais là je ne peux pas m’empêcher de le faire : plutôt que d’abord vous expliquer le pourquoi du comment, sachez ceci : Black on Both Sides est l’album de hip-hop le mieux écrit de tous les temps. Comme ça c’est fait.

Mais s’il ne s’agissait que de savoir parler et sans personnalité ni flow… Autant devenir politicien. Mos Def fait tout. Il écrit, produit, chante, rappe, joue de la majorité des instruments de l’album, etc. Surtout, il le fait avec un talent rarement égalé. Le flow de Mos Def est l’un des plus puissants et imposant de l’histoire du hip-hop, et il sait faire passer un sale quart d’heure aux (rares) featurings présents sur son album. Son flow est aussi acéré que sa plume est belle et profonde. Mais j’aime vous faire attendre, je laisserais le meilleur pour la fin, donc on en parlera plus tard. Sur plusieurs chansons telles qu‘Umi Says ou Climb, Mos Def se met même  chant avec une intensité et une maîtrise rare chez les rappeurs de son époque. En 1999, on avait peut-être The Chronic 2001 de Dr. Dre qui savait placer de bons refrains, mais ça c’est normal pour un album de G-Funk, pas pour un album de Conscious Rap. 99 s’est vue accompagnée d’une pléthore de classiques du rap, d’Operation Doomsday de MF DOOM à NIA de Blackalicious, mais aucun n’avait la consistance lyrique ou mélodique du jeune rappeur. En tous cas, aucun ne savait aussi bien transformer les lines en chant et avoir ce côté mélodique très appréciable.

La production quant à elle… Disons simplement qu’on a droit à quelques uns des meilleurs beats de tous les temps. DJ Premier, le producteur ayant le plus influencé le hip-hop dans toute l’histoire de la musique, a souvent nommé son beat pour Mathematics comme l’un de ses préférés. Mais sur tout l’album, qu’il s’agisse de la puissance frénétique du beat de DJ Premier, de l’instrumentalisation exemplaire de l’homme-qui-sait-tout-faire aka Mos Def, de la fraîcheur qui rappelle le premier Black Star, on a droit à de la qualité sur toute la ligne. Ali Shaheed Muhammad, le fameux producteur du légendaire groupe A Tribe Called Quest, mais aussi DJ Premier et d’autres ont collaboré avec Mos Def et son instrumentalisation géniale pour la production parfaite de l’album. Et c’est toujours une claque d’alterner le feeling classique d’un sample soul accéléré sur Ms. Fat Booty et la puissance dingue de Mos Def qui joue de la guitare et qui rentre en transe avec la batterie sur Rock’n'Roll. Mais surtout, c’est les petits détails dans la production qui rendent le tout vraiment magique. A chaque réécoute, on trouve une finesse fantastique, un habillage de surprises , qu’il s’agisse de références aux autres classiques du rap, du chant inopiné, ou autre.

Cependant, encore une fois, comme dirait Orelsan, Si t’as du flow mais pas de lyrics t’es pas plus fort que Scatman. Sauf que voilà, Mos Def est le plus grand génie lyrique de l’histoire du rap, et chaque chanson est un chef d’oeuvre, qu’il s’agisse du concept, des métaphores, des sujets, de la narration, de la finesse lyrique… Prenons New World Water. Nous sommes en 1999 et un rappeur dédie toute une chanson à la sauvegarde de l’énergie, au développement durable, aux générations futures. Si jusque là vous n’avez pas compris l’ampleur de la chose, cette chronique n’est pas faite pour vous. Tout l’album est comme ça : Habitat parle du problème du logement, Mathematics du sous-emploi et des problèmes que vit la population noir américaine, Mr Nigga du racisme, etc. Sauf qu’on a droit à une analyse économique poussée et non pas un simple résumé d’un manuel de Première ES. Mos Def sait de quoi il parle et nous rend conscient de tous ces problèmes avec une aisance époustouflante.

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Mais Mos Def n’est pas qu’un bon samaritain qui aime prôner la bonne parole, il sait aussi narrer avec un story telling exceptionnel. Ms. Fat Booty, l’un des meilleurs tracks de l’album, est devenu l’un des plus grands modèles en matière de narration dans le rap pour la qualité des paroles de Mos Def. Avant de parler des lyrics, je m’attarderais sur la qualité du beat et du flow inspiré du rappeur, qui alterne rap, chant, tics de langage, etc. C’est une histoire d’amour racontée par un jeune afro américain du ghetto, avec beaucoup d’argot et un humour rarement égalé dans le rap. Long story short, il rencontre une femme, tombe amoureux, elle disparait, il l’oublie, et la retrouve un soir en train d’embrasser une autre femme dans une boîte de strip-tease, le tout ponctué par son légendaire WHAT! Voilà, quand moi je raconte c’est inintéressant, mais quand c’est Mos Def, il rendrait un débat au parlement exaltant.

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On retrouvera de la profondeur même dans l’outro, qui est un simple instru. May-December est une de ses chansons qu’il convient de re-contextualiser. La population afro-américaine immigrée, dans les années 1800-1900, était exploitée dans les plantations, et travaillaient avec acharnement entre mai et décembre, et n’avaient comme période de repos que janvier-avril. La chanson , avec une instrumentalisation magnifique de Mos Def, met en place ce contraste entre deux principales mélodies, une courte et enjouée, et une beaucoup plus longue et profonde. C’est ce genre de tout petit détail qui est accentué par le génie de Mos Def, et qui nous montre que même quand le rappeur se tait, il réussit toujours à être beaucoup plus profond que la moitié de ses contemporains.

Mos Def atteint ses piques de flow sur plusieurs chansons qui sont très jaw-dropping. Hip-hop par exemple, avec son fantastique beat, est délivrée par un flow transcendant qui rend les très profondes lyrics du rappeur encore plus puissantes. Speech is my hammer, bang the world into shape, now let it fall… Métaphores, paradoxes, comparaisons, références… Et voir un rappeur rapper sur l’histoire et l’importance du hip-hop, ça a un feeling qui n’a pas de prix. Do It Now, en featuring avec Busta Rhymes, conduit Mos Def à rapper vite pour un refrain exceptionnel. Sauf que quand Mos Def rappe vite, il dit des choses qui ont du sens… Know That rassemble le duo avec Talib Kweli. On retiendra surtout l’intro où il référence Star Wars… I strike the empire back… Fuck the empire! High flying like the Millenium Falcon, piloted by Han Solo… Et c’est toujours fantastique de voir toutes les références de Mos Def. Love reprend son refrain d’un couplet de Eric B & Rakim par exemple. Mr Nigga reprend Sucka Nigga d’ATCQ.

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Mais la référence qui m’impressionne toujours, c’est la reprise de l’une des plus célèbres lines du hip-hop, celle du Wu-Tang Clan : Cash rules everything around me. Normalement, c’est une line à mettre dans un contexte de gangster, de thug life, où tout est dirigé par la dictature de la violence, du crime et de l’argent. Ici, Mos Def la réutilise pour clôturer New World Water, et ça prend un tout autre sens. Je vous rappelle qu’elle traite du problème économique de l’eau, et du manque d’intérêt des instances gouvernementales. Ici, il veut dire que l’argent importe plus aux entreprises que le futur de leurs enfants, et que c’est l’argent qui règne en dictature. C’est encore une fois ce genre de petits détails qui rend cet album parfait. Et je me répète encore une fois, vous connaissez beaucoup de rappeurs rapper sur ce genre de problèmes ? et surtout, avec une telle profondeur ? Umi Says parle de l’enseignement de sa mère avec un recul et une humanité fantastique, sans parler de la profondeur du chant et du beat. L’outro est tout aussi classique, avec son fameux I want black people to be free, to be free, to be free!

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Tout l’album est un recueil de lines plus profondes les unes que les autres. Sur l’intro, Fear Not Of Man, on a droit à une des lines les plus belles et introspectives de l’histoire du rap : Fear not of man because all man must die, mind over matter and soul before flesh. Un rappeur aussi intelligent, et qui prône autant la culture de l’âme et de l’esprit plutôt que la facilité et les besoins corporels, c’est… unique.

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Mais sans conteste, le stand-out track reste celui qui a eu l’empreinte légendaire de DJ Premier. Mathematics est une perle exceptionnelle. Le beat, très frénétique et sans conteste l’un des meilleurs beats du plus grand producteur de l’histoire du rap, samplant plusieurs chansons dont quelques une de Mos Def lui-même, est un concentré du meilleur flow de Mos Def, de ses meilleures lyrics et d’un génie inégalé. Boka boka boka boka boka ! Le concept lui-même de la chanson est génial : Mos Def utilise les mathématiques pour dénoncer les problèmes de la population afro américaine, et jamais les maths n’ont été aussi cool. A travers des formules mathématiques, des pourcentages, des énumérations, on retrouve énormément de finesse et de maîtrise. 4 MC’s murdered in the last 4 years, I ain’t trying to be the 5h one, the millennium is here! Yo it’s 6 million ways to die, from the 7 deadly thrills. Cette chanson contient un nombre incroyable de références, toujours réutilisées dans un autre contexte par le rappeur. Il reprend Martin Luther King qui avait dit Let freedom ring, en disant Streets too loud to ever hear freedom ring, say evacuate your sleep ’cause it’s dangerous to dream. Je devrais m’arrêter car chaque line est monstrueuse.

Je pourrais continuer pendant des heures, mais je crois que vous avez fini par comprendre que Black On Both Sides est l’un des plus grands albums de tous les temps, mais aussi l’album de hip-hop le plus intelligent, profond et fin de tous les temps. Surtout, s’il ne s’agissait que des lyrics… Mos Def a un flow exceptionnel, et sait tout faire sur cet album, de savoir jouer de la guitare pour un ou deux accords à nous faire faire une introspection profonde en quelques secondes. 9.8/10