Chaque année, le post-diplôme « Document et art contemporain » publie un ensemble de documents relatifs à ses différentes recherches sous la forme d’une revue. Participent à cette publication les artistes du programme ainsi que les invités de l’année (artistes, producteurs, commissaires, théoriciens). 
Au sommaire de ce premier numéro : un dossier écrit et conçu par Lucia Aspesi sur le cinéma italien expérimental et la figure de l’écran (Paolo Gioli, Giovanni Martedí, Marinella Pirelli), une étude de Zoé Baraton sur le boniment au cinéma, un entretien avec Michel Siffre par Sophie Valero.
Textes et contributions de Sabrina Grassi-Fossier, Érik Bullot, Alejandra Riera, Arne De Boever, Nora Martirosyan, Till Roeskens, Aliocha Imhoff et Kantuta Quirós, Rebecca Baron.

Octobre 2010. Édition trilingue (français, anglais, italien).
16,5 x 21. 152 pages. 10€

Commande à adresser à
ÉESI, École européenne supérieure de l'image - Charlotte Guibert
26 rue Jean Alexandre 86000 Poitiers

Accompagnée d'un chèque de 14 € (10€ + 4€ frais de port) à l'ordre suivant : Régisseur de Recettes ÉESI.

Plateforme LIVRE

Avec la Fondation LUMA

MUTATIONS, PERSPECTIVES SUR LA PHOTOGRAPHIE

Mutations, Perspectives sur la photographie, le livre, est structuré autour de quatre sections : Géographie / Technologie / Société et Médias / Corps.

Il offre des regards croisés sur des thèmes d'actualité, des artistes, le monde de l'art et les phénomènes sociaux. Visions du monde, manières de travailler, techniques et méthodologies qui se manifestent dans l'art comme dans l'usage vernaculaire du médium sont cartographiés et commentés par des critiques, des historiens de l'art, des collectionneurs, et, non moins par les artistes eux-mêmes.

MUTATIONS, PERSPECTIVES SUR LA PHOTOGRAPHIE, sous la direction de Chantal Pontbriand, préface de Julien Frydman, Steidl/Paris Photo, 2011, 416 pages, 60 auteurs, 391 images, disponible en français et en anglais, 28 euros.

http://www.amazon.fr/Mutations-Perspectives-photographie-Chantal-Pontbriand/dp/3869303573/

If seeing is a power, nowadays it certainly manifests itself in its most extended form: we witness the transformation of the contemporary gaze into surveillance. Being at the core of present-day surveillance mechanisms is a phenomenon that can be understood through the increasing use of scanning technologies, as means of production for tracing systems and visual continuity. The network within which everybody is watching and is possibly being watched outdates Michel Foucault’s device of the Panopticon observation. Numerous artists have used critical analysis to dissect this ubiquitous transformation of modern gaze into surveillance: from Michael Klier’s Der Reise (1983) to Harun Farocki’s L’oeil-Machine (2003), passing through Renaud Auguste- Dormeuil’s or Alain Declercq’s videos.
These analytical operations belong to a broader history of the gaze and its counter-devices. The film makers and video directors have long taken interest in the deconstruction of the mechanisms connecting the act of watching to the question of power, and leading to a regime of generalized surveillance.
Recalling the counter-devices invented by these artists, film makers and video directors (whose most contemporary version would in this case be sousveillance), we aim to see what are the work techniques we could use today for future resistance. In a brief attempt to reiterate these radical gestures, we will see how the invention of counter-watching has developed, confronted with the colonial, patriarchal, mechanical or panoptical watching. This was possible in the first place only due  to those inversions in the sequence of watching, that reveal the mechanisms of reification, guardianship, and control. In order to build genuinely democratic information practices, contemporary mediactivism has tried to advance new “polyphonic” networks of images. The rhizomatic strategies involved still had to deal with the hegemonic control of image production and dissemination in the mass and official media. Finally, one will infer from the historical practices of experimental cinema, which even more propose a pure and simple dissolution of seeing into touching and feeling, that the invention of a third eye and of tactile watching is the final effort of abolishing the imprint of power over watching.

“Knowing the forces at play” (Alain Declercq)
French artist Alain Declercq’s work belongs to a history of techniques used in reversing the emission points of the look. For him, escaping surveillance has developed into surveilling the surveillance, enacted by vigilance produced from its own moving, performing, photographing, and filming body. Declercq has been working for over a decade on control societies, using logic to the extent of unveiling its limits, surveilling the systems of surveillance themselves. One can detect in his obstinate inquiries some fragile game between exposing the technologies of power, truth regimes and fictional evidence, suspicion, paranoia and unexpected reversals of reality.
In Hidden (2008) he diverts security regulations by placing a pinhole camera obscura in front of the constructions and buildings protected by the city legislation post Ground Zero, thus constituting an inventory of forbidden places of representation. Using mise en abîme and the demystification of points of view, the scopic lens cut is impressed within the frame, roundly shaped by an absolute eye. Surveillance is therefore replicated in the frame itself, revealing “not the invisible but a visible whose visual character was forbidden”, in Gérard Wajcman’s 1 words.
In Embedded, which was filmed during the students’ manifestations organized in Paris in 2006, among the forces of order, and mainly among civilian police officers, he infiltrates amongst the infiltrated, only to be exposed later on. For Mike, an undecidable piece of docufiction on the iconography of international plots, Alain Declercq makes up a character, Mike, who is in charge of surveying the actions of international networks. In a troubling ballet of fiction and reality, on June 24th 2005, a criminal brigade and some French anti-terrorists enter his studio in Bordeaux, accusing him of “working with the enemy”. Alain Declerq would be interrogated, his studio searched, and all of his documents and art works carefully analyzed. He would then realize he had been himself observed for the last several months. As Alain Declerq would say later, while reproducing on stage the rooms of this perquisition, “knowing the forces at play” equals terrorism for any forces of order. His work of fictionalized reality allows him to unmask the way security and surveillance dynamics feed themselves from staging reality and the way fictionalizing actually permits them to exist. While Alain Declercq’s work can be seen as typical for the so-called “reversed surveillance” strategies, artists and film makers have invented throughout history different visual devices and perceptive protocols, to free themselves of the neutralization and reification of watching.

Watching the Watch
Some of these subversive strategies bring out a mise en abîme of the devices of watching, denaturalizing the ideologies that feed the sequence of look. Some of the references are Valie Export and Godard/Gorin and the Dziga Vertov group, with the amazing Letter for Jane (1972), Coco Fusco and Guillermo Gómez-Peña, or even recently Renzo Martens, with Enjoy Poverty, Episode 3 (2008),
etc. These strategies have been particularly used in video or cinema by minority groups, within a framework of self-statement and self-production. These practices defuse objectivating watches and expertise, leading to a self representation of the recorded subjects, and especially of the subjects that are designed as pervert. Also called abnormal – racially, nationally, bodily or just different –, they are what Donna Harraway calls “marked bodies” 2 .
Within the framework of identity policies – most of all the feminist, queer and postcolonial – it was necessary to produce cinema that no longer focused on women, homosexuals, racial minorities, subordinate subjects, etc. Instead, we came up with cinema that came straight from under a condition of minority, as if to disrupt the device producing the truth on bodies and identities. In other words, those who had created the very objects of medical, psychiatric, anthropological and colonial expertise have progressively claimed the establishment of a local knowledge and a set of self representations that question the hegemonic dogma. A rupture Michel Foucault calls “the insurrection of subjugated knowledge”.
A well-known example of feminist art is the case of the Austrian artist Valie Export, with her Touch Cinema (1968), a street performance that she realized in 1968 which is considered to be “the first true feminist film”. Valie Export would wander the streets carrying a “cinema theatre” (a rectangular box in which the passers-by could plunge their hand for five minutes and touch her breasts), attached to her naked chest, thus reversing the patriarchal power balances that govern women’s representations, and the voyeuristic staging of the woman’s body in cinema. Maybe Touch Cinema becomes even more a form of cinema - cinema that is forced to step out of itself in order to question its own mechanism, cinema that explodes, in order to define itself as a mechanism of watching.
In The Couple in the Cage, artists Guillermo Gómez-Peña and Coco Fusco operate a true act of “reversed ethnography”. During a several month tour, they would show themselves in an itinerant cage, pretending to be an Amerindian couple from an imaginary island, “far from civilization”, and thus testing the spectator. The opening of this performance, Two Undiscovered Amerindians visit took place in the Cristopher Columbus Square in Madrid, in 1992, during the celebration of the “discovery” of the Americas. It was shown in art places or natural history museums. In his book English is Broken Here, Coco Fusco describes how “the cage became the white screen on which the public projected their fantasies and the illusion of what they were. Since we were assuming the stereotypical role of the domesticated savage, a great part of the public felt authorized to adopt the role of the colonizer (...) 3” . Diana Taylor will underline that this piece reflects the failure of each spectator, since no reaction could possibly be adequate to this situation 4. Heir of the Chicano Art Movement, Guillermo Gómez-Peña, performer, video director and renowned writer, founding member of Border Art Workshop, and of the la Pocha Nostra performers’ collective, will carry on this reversed anthropology work. On the occasion of his later performances/shows, this deconstruction will be allowed by a staging of paintings and interactive musées vivants co-created with the public, and of a “Musée Vivant des Identités Fétichisées”, made up of ethnographical dioramas or of freak shows. By exhibiting and exacerbating the fetish of subaltern identities, they mock contemporary post-colonial techniquesof representation.
The diorama is a representation technique of the indigenous peoples, commonly used in ethnography museums. Invented at the beginning of the 19th century by Daguerre, the diorama is composed of large panels illuminated from behind and, since then, it has been used for ethnographic reconstructions, capturing the subjects in their traditional environment: along with their costumes, tools, weapons and sometimes with their entire housings. Gómez-Peña uses these contextual settings both photographically or performatively, his characters resorting to a wide range of objects and identity markers. His dioramas of “artificial savages” update the voyeuristic relation between the self – proclaimed as center – and its confines, within the frame of cultural tourism, global art, total TV, pop culture. All along, a new epistemological relation between subject and object emerges, a relation  between mainstream and subcultures, liberated from questions of power and privileges 5.

Mediactivism and polyphonic settings: inventing the “democracies” of watching
Since the ’90s, these actions of reversal have been driven even further by media criticism and by collective informational mobilizations, notably practiced among alter-globalist activists.
According to Jello Biaffra’s famous motto, “Don’t hate the media, become the media”, the renewal of the “critical media” in the ’90s relied on rejecting the restraining of the information producers’ group and on the asymmetry between the traditional media and their spectators6. Mediactivists have thus put themselves at the service of a subjective informational practice, rejecting professional expertise and redistributing the right to speak to everybody, by installing devices for the production of image and open speech. They have equally worked to propagate the emission centers, at the same time trying to put together platforms of collective action, dismissing the rupture between information and action. Two audiovisual productions are representative for this strategy. The first, This is What Democracy Looks Like (2000) is the work of the Big Noise collective and of the IMC (Independent Media Center), that have dedicated themselves to the construction of reticular networks of information since the late ’90s. During the manifestations against the OMC in Seattle 1999 the IMC shot a report in the streets, using more cameras that any other media, coordinating more than a hundred mediactivists and gathering more than 300 hours of rushes.
This is What Democracy Looks Like captures the plurality of the images shot by these mediactivists, mostly involved in independent media for several years. It could stand as a model for imagining the experience of alternative media and their cooperative and highly subjective practices of collective and autonomous creation. Here lies the multiplicity of gazes and watchers that allow them to produce their own story of the event and to see themselves as observing the apparatus of democracy. Stepping back from the reductionist monopoly on image production, no trace of any ideology for informational transparency or “police of truth” is to be found here. It is rather the constitutive power of the multiple fights and a “placed” practice of watching that are to be seen, with no objective dimension.
The second, Burma VJ (2009), edited by Anders Østergaard and produced on the occasion of the repressions in the democratic movements in Myanmar 2007, seizes numerous edits operated on the images taken by Burma video journalists with video cameras or cell phones, at the risk of losing their lives. This striking film marks on the edge of sight, observing everything through sensitive and passionate eyes, spread all around the Burma capital, it maps the repressive actions of a frozen surveillance regime – the Burma military dictatorship.

Cinema as a genre-producing technology
We do not intend to compel a history of watching, but rather to recall the way the subjects of representation could reverse or subvert its intrusive and reifying methods. In 1975, Laura Mulvey published “Visual pleasure and Narrative Cinema” in Screen magazine – a text which rapidly became a reference. The argument strongly relies on the contribution of psychoanalysis in order to deconstruct the Hollywood apparatus as a double device of patriarchal power. On one hand, this device submits women through the script-like construction of the characters, whose points of view are necessarily masculine (narcissist pleasure of identification). On the other hand, through an objective staging, watching turns women into an object of visual pleasure (scopophile pleasure). According to Mulvey, in order to experience visual pleasure in cinema, women can only submit to the narcissist scopophilia of masculine stagings that take over them as objects of pleasure, subjected to the controlling watch. The second wave of feminist theory has developed the idea that the camera itself is the ultimate result of the phallocratic ideology, intensely supported by the industrial development. Teresa de Lauretis will later on talk about the cinema apparatus as a social technology of genre-production 7. Mulvey will call out to the construction of an alternative spectator, and will propose avant-garde cinema as a reaction to the Hollywood “patriarchal cinema”.

Haptic cinema
In order to try to defuse the scopic dimension of the watching and the perspectivist and phallocratic construction of watching through the camera, one could indeed resort to the historical resources of the haptic vision and tactile cinema, mainly explored by the experimental cinema. Resulting from debates on the de-hierarchization of senses, the notion of haptic vision 8 has emerged at the beginning of the 20th century, in the attempt to separate from the optic vision. This would favor a “tactile” vision of the world, issued form the internal body and from the global sensorial richness of the subject. In his text The Logic of Sensation, Gilles Deleuze was saying that, considering the separation from the eye and the hand in Francis Bacon’s thinking, this haptic vision will occur “every time that strict subordination in one direction or the other, relaxed subordination or virtual connection between the eye and the hand will cease to exist, and when the vision itself discovers within itself a function of the touch that is proper to it, that solely belongs to it and differs from its optical function” 9.

The third eye
Thus, if the cinema of Stan Brakhage, a great figure of the underground American cinema, and his filmic gestures in which it is the entire body that sees, are well-known, André Almuro’s are less familiar. Film-maker and composer, together with Jean-Luc Guionnet, he invented a haptic cinema where the camera was no longer guided by the eye, but only by the arm of those who acted and who were being filmed at the same time. At the core of the passionate ceremonies whose cosmic  dimension would manifest through homoerotic rituals, Almuro’s films were a unique experience of organic vision, penetrating the bodies and the adjustments of his desire. In the light of the mineral bodily surfaces, in the sculptural shiver of the encounter, André Almuro resorted to a “third eye” that explored tactility, not a blind eye, but one emancipated from visual subordination to the universe of the touch. André Almuro said the starting point for a painter should be the most subjective body: camera at fist (literally), “affective landscapes”, revealing intensities and energies of corporal interventions. His haptic cinema illustrated a kinesthetic way of knowing the world, and film became a proof of transformation for the one performing it. This “kinetic organicity” would then design landscapes created by the “pineal” eye 10. Bill Viola’s The passing (1991) – a parable of the multiple crossings between life and death –, would emerge as the closest investigation possible of the nocturnal breathing and of the ultra subjective vision: he installed a camera on his head and video recorded his sleep. The endless contingencies in between microcosms and macrocosms, sometimes dissolving the vision in the materiality of the video granularity, sometimes in an oceanic vision, would absorb perspectivist structure of the gaze until the latter disappears. These scalar variations allowed the switch of the optical plan to the haptic.

The blind spot
Directly connected to the Californian feminist movement of the ‘60s-’70s, Carolee Schneemann and Barbara Hammer created their first films following the critical heritage of Stan Brakhage. They were working to produce cinema that associates sight and feeling, that brings vision closer to sensation, liberating itself from the masculine gaze. Carolee Schneemann produced Fuses (1967) in the middle of a sexual spree with her companion, James Teeney. The device in Fuses dissolves the distribution of roles both in front of and behind the camera (and, as well, declines the woman as an object of watching), merging the shots from Schneemann’s point of view with Teeney’s: no point of view could then actually be assigned. The film is then used in a very concrete form, through different media: grattage, painting, “physical aggression” of the film (seen as the second skin). Californian producer Barbara Hammer’s project succeeded in escaping the famous “male gaze”, creating “originless images”. Dyketactics (1971) explores new sensual, emotional, and mental areas, inventing an organless, deterritorialized body. Her deconstruction of the masculine representations of carnal experience in cinema undergoes an entire phenomenology of experience.
Finally, having settled in the Cévennes along with the autists, French writer Fernand Deligny (1913-1996) supported the effort to create cinema that is equivalent to wordless language: “refractory to symbolical domestication” and as close as possible to the autistic world. He invented the verb “to camer” 11 as a replacement for “filming”, a manifest term, indicating the importance of an archeology of the technologies of representation. “Camering” is a means of withdrawing from the screenplay and from history as a stance on colonialism, “camering” is like “leering” or “squinting”, the way the autistic children see. “Camering”, that is, to represent the images produced from the condition of a minority which explores the “possibilities of watching”, and to break with an objective dimension in order to produce other potential spectators.
“What a nice verb, to squint. It would be like two oculars, not used for perceiving the outlines; two oculars, like two memories, even if he who films would have something like an eye that lingers on, looking for anything human outside the script-like scene. One should invent the cross-eyed camera” 12, wrote Fernand Deligny.

1. Gérard Wajcman, Portrait de l’artiste en Persée, in Alain Declercq, éditions Blackjack, Loevenbruck, 2010
2. Donna Harraway, chapter Situated Knowledges: The Science Question in Feminism and the Privilege of Partial Perspective in Simians, Cyborgs and Women: The Reinvention of Nature (New York; Routledge, 1991)
3. Author’s tranlastion. In Fusco, Coco. English is Broken Here. New York: The New Press, 1995, p 47 [“The cage became a blank screen onto which audiences projected their fantasies of who and what we are. As we assumed the stereotypical role of the domesticated savage, many audience members felt
entitled to assume the role of colonizer, only to find themselves uncomfortable with the implications of the game”]
4. Diana Taylor, «A Savage Performance: Guillermo Gomez-Peña and Coco Fusco’s “Couple in the Cage”», TDR (1988-), Vol. 42, No. 2 (Summer, 1998), pp. 160-175
5. More on this subject in Guillermo Gómez-Peña, Ethno-Techno, Writings on Performance, Activism And Pedagogy, New York, Routledge, 2005
6. On this, Dominique Cardon and Fabien Granjon, “Les mobilisations informationnelles dans le mouvement altermondialiste”, communication au colloque “Les mobilisations altermondialistes”, Paris, Association française de science politique, 3-5 December 2003.
7. Teresa De Lauretis, Technologies of Gender, Essays on Theory, Film, and Fiction, Bloomington, Indiana University Press, 1987.
8. “(…) haptique, from the Greek verb aptô (toucher), does not design an external relation between the eye and the touch, but a “possibility of seeing”, a type of vision that is different from the optical”, tells us Herman Parret in Spatialiser haptiquement : de Deleuze à Riegl, et de Riegl à Herder. Nouveaux Actes Sémiotiques
9. Gilles Deleuze, Francis Bacon. La logique de la sensation, seconde édition, Paris, Editions du Seuil, 1972.
10. In 2002, André Almuro publishes “L’oeil Pinéal, Pour une cinégraphie” at Paris-Expérimental. The third eye (also called “interior eye” or “soul eye”) is a mystical and esoteric metaphor that indicates, beyond physical eyes, a third instance of watching, that of self awareness. In some traditions, the third eye is symbolically placed on the forehead, between the eyebrows. Certain authors have thus suggested that this third eye designates in fact the pineal gland, located between the two brain hemispheres. (Wikipedia definition)
11. “Camering would consist in respecting that which doesn’t want to say anything, doesn’t say anything, doesn’t address itself, in other words, abdicates from symbolic domestication (…)” Fernand Deligny, “Camérer”, Caméra/Stylo, n°4, September 1983
12. Ibid.

Les trois journées d'études :

1/06/2011  Représentations et réception : éléments pour penser les arts et l'Amérique Latine
3/06/2011  Cuestionamiento 1: Recherches sur l'art en Amérique Latine
6/06/2011 Couple, Genre et Territorialité dans la « création » artistique (XXe – XXIe)

Programme complet - PDF
Brochure - PDF
Blog des journées d'études

Programme de la journée du 3 juin 2011
Cuestionamiento 1: Recherches sur l'art en Amérique Latine

9h30 Accueil et présentation
10h-12h30  Pratiques artistiques et construction de discours
Modérateur : Angélica Montes
Annabela Tournon. Le Mexique est-il au « Sud » ? L’art conceptuel mexicain et le projet historiographique des Conceptualismes
Xelo Bosch – Cyrille Lapenteur. Las obras de los obreros
Mabel Tapia. Red Conceptualismos del Sur : Conceptualisme et Sud comme catégories politiques
Alberto Bejarano. Roberto Bolaño : la fiction et ses allés-retours

12:45 – 13:45 Pause déjeuner

14h-15h45  Rapports entre critique et histoire
Modérateur:
Carolina Pineda Catalan. Les manières « alternatives » d'exposer l'art actuel au Chili: Quel regard des critiques et historiens de l'art?
María Soledad García. Le jeu d’oppositions dans le récit de l’histoire de l’art en Amérique latine : une fiction nécessaire pour penser l’art du vingtième siècle.
Alain Alberganti. L'espace critique des installations du plasticien Cildo Meireles

16h-17h45  Circuits de production et légitimation
Modérateur: Carolina Ariza
Gabriela Rivadeneira. Comment boucher les trous sans périr dans la tentative ? Radiographie d’une démarche : le CEAC et la scène artistique de l’Équateur.
Kantuta Quirós et Aliocha Imhoff. La Paz - Paris - Madrid - La Paz : circulations, réceptions et devenir-artiste de l'oeuvre de Mujeres Creando
Mildred Duran. De l’affranchissement de l’adversité à l’insertion des nouveaux circuits idéologiques ? Des nouvelles tactiques de résistance - Quelques expériences des générations d’artistes contemporains d’aujourd’hui en Amérique Latine

18 :00 Pot de clôture

Résumé de l'intervention de Kantuta Quirós et Aliocha Imhoff.

La Paz - Paris - Madrid - La Paz : circulations, réceptions et devenir-artiste de l'oeuvre de Mujeres Creando.

Mujeres creando est un collectif fondé à La Paz, Bolivie en 1992. Dès ses débuts, il a su entremêler des problématiques féministes et postcoloniales à des stratégies de resignification sémantique, à partir d’un usage disruptif de la télévision ou d’interventions urbaines. D’emblée, et de manière volontariste, le collectif a rejeté tout statut d’artiste, et s’est posé comme mouvement social. Sa démarche constitue aujourd’hui encore une influence notable pour les mouvements féministes, subalternistes, en Amérique latine, en Europe, ou aux Etats-Unis.
A partir des années 2000, le monde de l’art a manifesté un intérêt certain pour la démarche du collectif : invité par le Reina Sofia à Madrid à la Muestra de Arte Contemporáneo Latinoamericano de Vanguardia en 2000, à la 27ème Biennale de Sao Paulo en 2006. Ses vidéoactions ont intégré les collections du MUSAC, musée d’art contemporain de Castillo y Léon. Mujeres creando a participé récemment à l’exposition itinérante Principio Potosí. ¿Cómo podemos cantar el canto del Señor en tierra ajena?, coproduite en 2010 par le Musée Reina Sofia, et accueillie notamment plus tard au Musée National d’Art et au Musée d’Ethnographie de la Paz. L’exposition Principio Potosí, envisagée comme l’indique le directeur du Reina Sofia, Manuel Borja Villel, comme un des « projets les plus risqués et les plus importants du Reina Sofia », a eu pour ambition de repenser le concept de modernité et décentrer son origine européenne, pour l’attribuer à la ville-monde de Potosi, en Bolivie,  entendue comme « principe », à la fois fondement et paradigme de la modernité et du capitalisme. Construite comme un palimpseste, cette exposition fait date et s’inscrit dans un projet vivace actuellement de reformulation  des rapports avec l’Amérique latine. Ainsi, cette ambition était également affichée récemment par l’accrochage des collections permanentes du MUSAC, intitulé Modelos para armar. Pensar Latinoamérica desde la Colección MUSAC, en 2010, qui - à l’image du roman expérimental de Julio Cortazar 62/ Modelo para armar (1968) – tentait de reconstruire de façon non-linéaire de nouveaux récits historiographiques et repenser l’Amérique latine comme catégorie.
Nous souhaitons interroger ce glissement d’une pratique de télévision, comme médium populaire ou de masse, vers le lieu du musée, que l’on pourrait envisager à l’instar de l’artiste allemande Hito Steyerl, comme usine sociale et espace d’une autre lutte sémiotique. Il s’agira donc ici, pour répondre à la problématique de cette table ronde, d’envisager les circuits de production comme autant de formes, en s’arrêtant sur quatre hypothèses de diffusions : la télévision, la rue, le musée et l’usine.

 
CINÉMAS CONTEMPORAINS

 ÉDITORIAL - CHRISTOPHE KIHM / HENRI LANGLOIS : EXPÉRIMENTER, CONSERVER - EXPERIMENTATION, CONSERVATION -  DOMINIQUE PAÏNI / L'ART DU CLIGNOTEMENT / GOING ON THE BLINK - LOUIS-JOSÉ LESTOCART / L'EXPÉRIENCE FILMIQUE DU MONDE  / THE FILMIC EXPERIENCE OF THE WORLD - RODOLPHE OLCÈSE / DÉBRIS D'IMAGES. FAST FILM, DE VIRGIL WIDRICH - DEBRIS OF IMAGES. VIRGIL WIDRICH'S FAST FILM - EMMANUELLE ANDRÉ / DE NOUVELLES GÉOGRAPHIES VISUELLES  / NEW VISUAL GEOGRAPHIES - ALIOCHA IMHOFF & KANTUTA QUIRÓS / PRIMA DELLE RIVOLUZIONI. AVANT-GARDES ARABES DES ANNÉES 2000 - BEFORE THE REVOLUTION... - NICOLE BRENEZ / AU LIEU DU CINÉMA - THE PLACE OF CINEMA - ÉRIK BULLOT / DES FILMS SANS AUTEURS, DE LA SURVEILLANCE À LA FICTION - FROM UNTHOUGHT FILMS TO UNINTENDED FICTION - JEAN-MARC CHAPOULIE / DISPERSION DU CINÉMA ET EXTENSION DU DOMAINE FILMIQUE - THE DISPERSION OF CINEMA AND EXTENSION OF THE DOMAIN OF FILM - DORK ZABUNYAN / INSTRUCTION ET CINÉCRITURE - TWO GREAT EXPERIMENTS IN SEARCH OF CINEMA - ANNE MARQUEZ / O FANTASMA : FRANK BEAUVAIS, JEAN-SÉBASTIEN CHAUVIN, YANN GONZALEZ - WAKE UP AND SMELL THE ROAST ON A CERTAIN TREND IN FRENCH FILMS - PATRICE BLOUIN / JACKY ÉVRARD QUOI DE NEUF CÔTÉ COURT  / BIG ON SHORTS / ENTRETIEN AVEC CATHERINE MILLET / ACTUALITÉS / OÙ VA LA FÉMIS  - THE FUTURE FOR FÉMIS / ÉMILE SOULIER / CHRONIQUES  - CHRONICLES / Valérie Mréjen, Laurent Carceles, Clarisse Hahn, Dominique Marchais, Michael Snow, Érik Bullot, Germaine Dulac, Lawrence Weiner, Frédérique Devaux & Michel Amarger, Alain Della Negra & Kaori Kinoshita, Tony Conrad, Jean-Charles Hue / CINÉMA ET ART CONTEMPORAIN AU BRÉSIL - CINEMA AND CONTEMPORARY ART IN BRAZIL ARIEL SCHWEITZER  
http://www.artpress.com/art-press-2--le-sommaire-du-numero-21,8950.media?a=25407


Article en ligne

De nouvelles géographies visuelles
de Aliocha Imhoff & Kantuta Quirós

Les pratiques expérimentales du cinéma en se déplaçant massivement ces dernières années vers le champ de l’art contemporain – le film et la vidéo d’artistes apparaissant aujourd’hui comme héritiers légitimes du cinéma expérimental – et en suivant alors le mouvement propre au monde de l’art, toujours plus mondialisé et s’ouvrant aux artistes non-occidentaux, a vu son canon, autrefois quasi-exclusivement européano-américain, s’internationaliser à son tour. Pour autant, il ne s’agira pas ici, de nous intéresser à la mutation du champ expérimental du point de vue de cette nouvelle visibilité et représentativité d’artistes issus de pays dits périphériques. Plus décisif sera le projet esthétique expérimental, beaucoup plus marginal, d’un décentrement du cinéma lui-même porté par des artistes qui tentent de s’attaquer aux opérations sémiotiques de colonisation des regards et des imaginaires. Des artistes qui, en dialogue avec les études postcoloniales, déploient aujourd’hui autant de stratégies visuelles de déconstruction et de critiques de la représentation, visant à opérer des gestes de « décolonisation du voir »[i] pour reprendre les mots du théoricien de l’art Joaquin Barriendos. Nous souhaitons ainsi revenir ici sur trois démarches singulières présentées récemment à Paris, dans le cadre de l’évènement Que faire ? art/film/politique qui s’est tenu en 2010 au Centre Pompidou. La vidéo « On three posters » (2004) de l’artiste/performeur Rabih Mroué, comme mise en crise radicale de la possibilité d’une représentation et d’une traductibilité du contexte libanais, le film « Future Archeology » (2010) d’Armin Linke & Francesco Mattuzzi utilisant la stéréoscopie comme stratégie d’analyse visuelle et, enfin, le travail filmique des artistes anglais Brad Butler & Karen Mirza, qui réactivent le vocabulaire du cinéma structurel dans le cadre d’un projet de contre-ethnographie. Des artistes qui s’interrogent sur la circulation entre contextes locaux et globalité et ont pour dénominateur commun de ne pas envisager l’objet film/vidéo comme point de départ d’une proposition spécifique mais plutôt comme une étape d’un processus plus large, constitué d'aller-retour entre performance, vidéo, ethnographie, architecture, cinéma, intervention in-situ, archives, etc., conférant un caractère particulièrement expérimental à leur démarche.

Contre-visualités

En s’intéressant aux anciennes bases militaires et colonies civiles israéliennes établies puis abandonnées en territoire occupé palestinien, le collectif d’architectes Decolonizing architecture propose une des analyses contemporaines les plus éclairantes de la colonisation. Le collectif s’attache à ces architectures abandonnées en se demandant que faire pour leur réappropriation après le départ des colons ou des militaires israéliens ? Comment les décoloniser ? Comment les palestiniens peuvent-ils transformer un espace de domination et de guerre en un espace d’imagination ? « L'incidence visuelle des colonies sur les Palestiniens agit en générant constamment le sentiment d'être regardé. » analyse Eyal Weizman, architecte et écrivain israélien, membre du collectif. Si la structure des colonies est pensée comme un dispositif visuel, panoptique, alors l'acte de décolonisation doit passer, d’après le collectif, par une intervention dans le champ de vision. Comme proposition architecturale de réappropriation de ces habitations, Decolonizing architecture suggère un geste minimal : changer l’orientation des portes et des fenêtres qui s’ouvrent sur le paysage. Cette intervention architecturale qui réorganise le visible est pensée par le collectif comme «cinématographique» dans le sens où il s'agit d'une intervention dans la fixation des conditions de vision et dans la direction des manières de voir. Le film Future archeology,  réalisé en 3D en 2010 par Armin Linke et Francesco Mattuzzi est une collaboration avec le collectif d’architectes. Dans ce film, les deux artistes italiens emploient de manière expérimentale la stéréoscopie pour permettre une analyse et relecture immersive et intime de l’espace. Cet outil permet d’approfondir la cartographie visuelle et cognitive des dispositifs coercitifs symboliques et effectifs impliqués par la construction spatiale des colonies. La stéréoscopie en tant que stratégie visuelle permet ainsi d’analyser l’organisation des colonies et des campements militaires comme un dispositif optique, surplombant et supervisant les villes palestiniennes, organisation qu’Eyal Weizman identifie comme un « urbanisme optique »[ii] qui tend à maximaliser le pouvoir de visualisation des colonies sur les villes palestiniennes situées en contrebas. Le film est un outil dont on utilise alors une propriété sous-exploitée, la stéréoscopie, afin d’amplifier la compréhension de l’architecture de la colonisation. Le film devient le trait d’union entre un projet expérimental, un projet politique et l’expérimentation d’une propriété du cinéma.

Ethnographies expérimentales

Dans un ouvrage important et très largement méconnu en France, paru en 1999, Experimental ethnography[iii], la théoricienne canadienne du cinéma Catherine Russell montrait les intrications réciproques du film ethnographique et du film d’avant-garde, et comment le cinéma expérimental avait pu être et pouvait encore constituer une des voies les plus importantes de décolonisation de l’ethnographie. Elle révélait comme le film expérimental avait été une ressource précieuse pour une « nouvelle ethnographie », rénovée par la critique postcoloniale, notamment dans la mesure où le cinéma structurel dans son soucis de déconstruire l’évidence du visible, aurait permis à l’ethnographie de se défaire de son fantasme réaliste au moment où elle prétendait représenter de manière transparente et réaliste les peuples et cultures qu’elle ethnographiait. Pour des anthropologues et ethnologues comme James Clifford ou George Marcus, la « nouvelle ethnographie » met en crise la prétention à l’objectivité de l’ethnographie traditionnelle et, pour ce faire, la critique de l’authenticité visuelle produite par le cinéma structurel constitue une ressource radicale. Le cinéma structurel (incarné par des cinéastes tels que Michael Snow, Tony Conrad, Peter Gidal ou Malcolm Le Grice), habituellement envisagé uniquement comme exploration  des systèmes perceptuels, des structures et de la matérialité du film, aurait plus encore construit les bases d’un cinéma libéré de la prédation visuelle que constitue le projet colonial. Dans la lignée de cette réflexion, les cinéastes anglais Brad Butler et Karen Mirza utilisent la grammaire et les outils du cinéma structurel, pour les ressaisir dans le cadre d’une référentialité liée aux sciences sociales. Si leur cinéma est empreint d’une recherche quasi-sculpturale et architecturale (s’intéressant aux mouvements de caméra, à la spatialisation du son, aux dispositifs de projection dans l’espace d’exposition, via l’installation ou l’expanded cinema, etc), ils utilisent le cadre conceptuel du film structurel, non tant pour s’interroger sur la matérialité du film que pour en révéler les conditions de production. Plus encore, ils s’intéressent à ce qui survient au film structurel quand cette forme iconographique occidentale est confrontée à un contexte postcolonial[iv]. Esquissant une éthique de la non-réversibilité des places, inscrite dans un souci d’éviter l’indignité de parler pour les autres, le théoricien du cinéma Serge Daney affirmait, qu’en voyage, il ne prenait jamais de photos, qui lui semblaient relever d’autant d’actes de prédation visuelle, mais qu’il se limitait volontairement à n’acheter que des cartes postales, qui, selon lui, émanaient des regards posés par les habitants sur leur propre territoire. Dans The exception and the rule, le dernier film de Karen Mirza et Brad Butler, réalisé en 2010, documentaire expérimental, à l’esthétique fragmentaire, les cinéastes placent au centre leur expérience et position paradoxale de jeunes anglais filmant le Pakistan et l’Inde et interrogent la figure de l’artiste en voyageur, en nomade, conscients que, « prendre une photo en Inde » est problématique. Brad Butler et Karen Mirza inventent pour ce film une voix et une instance critique à l’intérieur du film, portée par un personnage fictif, figure du collaborateur local. Butler et Mirza utilisent un ensemble d’instances dénaturalisantes, autoréflexives et de mises en crise de la représentation, du point de vue. Dans une scène, qui semble être une interview classique de rue, dans un plan fixe et face caméra, un passant, plutôt que de s’adonner à une description de son mode de vie et de ses activités, décrit méticuleusement ce qu’il voit au moment où il est filmé, le cadre et la ruelle hors-champ, le contre-champ que nous ne voyons pas. Dans un de leur film récent, The autonomous object ?, Butler et Mirza tentent encore de déconstruire la relation entre filmeurs et filmés. Dans ce film qui n’est pas sans rappeler le Film Mirror de Robert Morris (1970), les personnes filmées au Pakistan ou en Inde tendent un miroir à la caméra. Ce geste spéculaire se veut ici moins une mise en abime du cinéma qu’une déconstruction de ce point de vue à prétention universaliste qui serait au cœur du cinéma ethnographique. Le film structurel est ici utilisé pour révéler les conditions du visible, la matrice de l’architectonique du regard. Le projet de The autonomous object ?, en tentant d’échapper à l’objectification des personnes filmées,  est alors de mettre à jour ce regard qui ne s’énonce pas. Après l’échec des visées humanistes du cinéma documentaire du début des années 2000, qui tentait encore de trouver une juste distance avec les personnes filmées, le cinéma de Butler & Mirza ébauche, quant à lui, quelques pistes expérimentales pour une éthique rénovée du cinéma documentaire et de sa relation à l’autre.

Commentaire performatif

Rabih Mroué, artiste, comédien, metteur en scène salué sur la scène internationale, appartient à une génération d’artistes libanais devenus incontournables dans le champ de la vidéo et de l’art (nous pourrions également citer Akram Zaatari, Walid Raad, Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, etc.) mêlant fiction et réalité, retraitant l’archive comme matériau dans une mise en crise de la représentation et de ses évidences, convoquant les motifs de la mémoire, de la réécriture de l’histoire, liés au contexte spécifique de la guerre et de ses séquelles. En 2000, Rabih Mroué et Elias Khoury retrouvent sur les étagères poussiéreuses du siège du Parti Communiste libanais l’enregistrement vidéo VHS de Jamal El Sati, qui, en 1985, enregistrait un témoignage à destination de la télévision, avant d’entreprendre une opération suicide contre l’armée israélienne qui occupait le Sud-Liban. Elias Khoury et Rabih Mroué découvrent sur les rushes quatre prises différentes de l’enregistrement, où Jamal El Sati répète, tel un acteur, la phrase  « Je suis le martyr ». La prise retenue à l’antenne fut celle contenant le moins de traces d’émotions et la plus à même d’alimenter la Fabrique du Héros. Le paradoxe de cette phrase « je suis le martyr » qui équivalait à dire «  je suis mort » produisait un trouble quant au statut de la vidéo, celle-ci étant supposée être un enregistrement de ce qui a déjà eu lieu. Confrontés à l’image de ce sujet vivant qui se déclare comme étant un corps déjà mort, Rabih Mroué et Elias Khoury, décide de réaliser une performance intitulée « Three Posters » et d’examiner ce geste vidéographique, entamant une interrogation autour d’une épistémologie de l’image. La performance fut invitée à voyager dans de nombreux festivals étrangers, principalement européens. En 2004, Rabih Mroué décide de ne plus jamais réaliser cette performance constatant son appropriation erronée par les médias et la presse étrangère. Il réalise alors « On three posters » (18 min, 2004), vidéo où, Rabih Mroué, face caméra sur fond blanc, explique les raisons qui l’ont mené à ne plus jouer cette performance. Il revient sur l’ensemble du processus : la VHS retrouvée du martyr, puis sur la performance et sa réception. Il indique comment les libanais se sont retrouvés prisonniers d’une double impasse, pendant et après la guerre civile, celle d’un côté de la propagande héroïsante, militaire et sacrificielle d’une gauche libanaise ayant capturé le langage de l’émancipation et de l’autre côté, l’inflation sémiotique des mots « martyr », « attentat suicide », dans la presse européenne, dans le contexte post 11 septembre, opérant de nombreuses confusions entre la situation libanaise spécifique et le spectre du terrorisme islamiste. Entamant une réflexion sur l’impossibilité d’une traductibilité du contexte libanais dans un espace global, Rabih termine la vidéo par ces mots « Pour nous, c’est un combat perdu d’avance ». Cette impossibilité éthique et politique d’une représentation, traduite alors par Mroué par un refus radical de la théâtralité, le conduit à envisager l’espace du langage comme seul espace politique désormais possible. Le dépliement analytique – mise en abime potentiellement infinie – de son processus créatif et la mise en rapport dialectique des écueils rencontrés deviennent la forme même par laquelle il est possible pour Rabih Mroué d’échapper à la récupération politique dont il fut l’objet. Cette réflexion critique et seconde sur une œuvre précédente et son recodage par le monde occidental  a pour ambition d’échapper à la réification de l’utilisation de la vidéo et de la performance originelles. Une stratégie du commentaire comme méthodologie expérimentale déconstructive. Le commentaire performatif devient une extension du domaine de l’image, tandis que la question de la vidéo en tant que médium apparait ici alors secondaire, alors qu’elle en est pourtant le vecteur et l’objet premier de réflexion. Ce devenir-commentaire[v] qui fait basculer la forme vidéo vers une pratique cognitive est ce qui permet de déjouer, neutraliser ou tout au moins parasiter la prédation visuelle. Pour autant, doit-on alors l’envisager comme un simple document qui commente et analyse une œuvre précédente, ou bien s’agit-il d’une nouvelle œuvre ? Rabih Mroué, en déplaçant cette frontière de plus en plus poreuse aujourd’hui entre œuvre et document, se rapprocherait davantage de ce que le théoricien de l’art Stephen Wright appelle les documents performatifs, permettant à la fois de documenter et d’activer son projet, un document qui produit l’œuvre auquel il se réfère. Cet usage performatif du document constituant certainement l’un des modes opératoires les plus efficients aujourd’hui pour une expérimentation esthétique et politique dans le champ des images en mouvement.

Aliocha Imhoff & Kantuta Quirós

Police the Police

Young artists Biennial, Bucarest, Roumanie

curator Mica Gherghescu

8 octobre 2010 au 7 novembre 2010
Fondation culturelle  Meta

Symposium théorique précédant l’ouverture de la biennale :
“Catcher in the Eye. On inconvenient creative practices, devices and strategies of sousveillance”.
Hungarian Cultural Center - Gina Patrichi (Orlando) Street, no. 8, 9:30-17:00.

Participants:
Iara Boubnova (Bulgaria),
Adrian Guta (România),
Le peuple qui manque – Kantuta Quiros & Aliocha Imhoff (France),
Thomas Y. Levin (USA),
Marisa Olson (USA/Germany),
Marta Smolinska-Byczuk (Poland)
Jason Waite (USA/UK).

metacult.ro/police/

Dans le cadre de Imaginez maintenant, Bordeaux

PAROLES AUTONOMES
Claire Moulène, Sécession

Du 2 au 4 juillet 2010

LA FAVORITE
Camp de retranchement d’artistes plasticiens, ponctué par des temps d’échanges et de rencontres.

Åbäke // Yann Annicchiarico // Sacha Beraud et Mathieu Carmona // Jean-Marc Chapoulie // Jean-Pascal Flavien // Stéphane Magnin // Justin Meekel et Pierre Fisher // Benoît-Marie Moriceau // Sarah Tritz et Emilie Perrotto // This is not // Xavier Veilhan // Coline Sunier et Charles Mazé // Alex Rich

V / 15 h : Conférence Retour à l’état de Nature : L’Arcadie d’Emilie Renard.
V / 18h : Conférence Sorties de route : réinventer l’espace communautaire de Joanna Warsza.
V / 19h30 : Projection spéciale : « Womanhouse » de Johanna Demetrekas.
S / 15h : Conférence Les formes de l’autonomie de Bernard Rüdiger à l’occasion de la publication habiter l’autonomie – Luciano Fabro.
S / 16h30 : conférence de Julia Peker, doctorante en philosophie, à l’occasion de la publication Cet obscur objet du dégoût 2010.
S / 18h : Conférence Les formes de l’autonomie de Fabien Giraud et Raphaël Siboni.
S / à partir de 19h : Dîner, performance et projection organisés par le collectif Åbäke.
D / 14h : Retour à l’état de Nature : La communauté « Arc en ciel », présentation par Alain Della Negra et Kaori Kinoshita.
D / 15h30 : conférence de Kantuta Quiros et Aliocha Imhoff / le peuple qui manque, sur les Zones d’Autonomie Télévisuelles.
D / 16h30 : Projection spéciale : « Womanhouse » de Johanna Demetrekas (présentation du peuple qui manque).

Programme / Site officiel