LES DOIGTS TORDUS

Menus mouvements de va-et-vient (ou cette étrange sensation de déjà vu)

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Mon, 30 Jan 2012 17:50:00 +0000

Elmyna Bouchard, Premier objet muni d'orifices (2011)

Quand j'ai posé les yeux pour la première fois sur une oeuvre d'Elmyna Bouchard (qui n'était en fait qu'une reproduction sur le site de la galerie Trois Points), j'ai vraiment établi une connexion avec ma propre pratique. Déjà, en observant les quelques oeuvres accessibles sur le Net, j'avais l'impression qu'elle et moi nous inscrivions dans un cheminement commun, que nous avions des intérêts très forts pour les mêmes problématiques.

Je me suis donc mis en tête d'aller visiter son exposition Menus mouvements de va-et-vient à tout prix, et je dois vous dire que je ne le regrette pas du tout. En fait, je ne me souviens pas avoir déjà regretté ma visite d'une exposition, alors celle-ci ne fait pas exception à la règle, mais j'irais jusqu'à dire que j'ai vécu une superbe expérience en me rendant chez Trois Points cette semaine, et que je vous conseille fortement d'aller y faire un tour.

Elmyna Bouchard, Deuxième objet muni d'orifices (2011)

Parce que Bouchard nous offre une magnifique série d'oeuvres sur papier de grand format créées par estampillage, c'est-à-dire qu'elle se fabrique de petits tampons d'un motif bien défini et qu'elle joue avec la répétition de ce motif pour créer des surfaces rappelant la laine ou encore la dentelle. Elle tire aussi avantage du côté imparfait de l'estampillage puisque chaque trace laissée est différente selon la quantité d'encre utilisée ou la force avec laquelle le tampon est appuyé. C'est donc un magnifique travail d'imitation de textures, mais aussi un travail jouant sur l'intime, le réconfortant et l'abstraction.

Je me sentais étrangement en terrain connu avec l'oeuvre de Bouchard. Ma pratique des dernières années se concentre principalement sur le travail du tissu amené au tridimensionnel grâce au pli ou encore sur sa reproduction sur papier par l'utilisation de motifs et par simple mimesis. En entrant dans la galerie, j'ai eu une étrange sensation de déjà vu. Cette exposition, c'était la mienne (ou presque). Mais bizarrement, plutôt que de me créer de la jalousie ou quoi que ce soit du genre, je me suis sentie moins seule. J'ai eu envie de continuer ma pratique, de retravailler mes oeuvres, de me donner de nouveaux moyens pour arriver à mes fins. Bref, cette visite fut très profitable pour moi.

L'exposition se termine le 11 février, alors vous avez encore un peu de temps pour vous y rendre. Et vous n'avez définitivement pas besoin d'avoir une pratique connexe pour apprécier. Les oeuvres sont très abouties, et l'ensemble est plus que cohérent. Allez-y donc!

Galerie Trois Points
http://www.galerietroispoints.qc.ca/
372, rue Sainte-Catherine Ouest
Espace 520
Montréal

Église

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Mon, 16 Jan 2012 19:55:00 +0000

Quand j'étais jeune, j'aimais vraiment beaucoup dessiner des églises.

Richard Purdy à Espace Shawinigan

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Tue, 02 Aug 2011 18:10:00 +0000

Vue de la pièce Bindu : le Big Bang

Je n'avais pas eu la chance de voir l'exposition de Richard Purdy à Espace Shawinigan l'année dernière pour cause de stage parisien (quelle tragédie), mais à mon plus grand bonheur, elle a été représentée cet été. J'ai donc pu la visiter il y a quelques semaines, alors que j'étais de passage en sol mauricien.

Je commencerai tout de suite en établissant un premier bémol, parce qu'il est considérable. Pour moi, mettre en vedette un même artiste deux fois d'affilée pour un espace ne présentant qu'une exposition par année, ça témoigne d'un solide manque d'imagination et de vision. Et ici, je sais que je me contredis, puisque j'ai écrit il y a de cela quelques lignes que c'était « à mon plus grand bonheur » que l'exposition avait été renouvelée, mais malgré le plaisir que certains comme moi trouvent à découvrir en retard Richard Purdy, je considère tout de même que cette situation frise le ridicule.

S'il y a un lieu culturel dont je suis fière lorsque je parle de ma région natale, c'est bien Espace Shawinigan. Dès ses débuts en 2003, j'avais été conquise par ses lieux grandioses et uniques et par le choix des expositions présentées, la plupart du temps impeccables (j'en ai d'ailleurs commenté une juste ici). Je sais que ces dernières années, les subventions ont été considérablement amoindries (la saison estivale précédente ayant pratiquement été annulée pour être finalement sauvée par Purdy lui-même), et qu'il est difficile de promouvoir l'art en dehors des grands centres, mais je pense tout de même qu'il y a moyen et NÉCESSITÉ de se renouveler chaque été.

Toutefois, ce bémol n'enlève rien à la qualité de l'exposition, bien au contraire, puisqu'elle a aussi été augmentée de deux nouvelles installations (Entre ciel et terre et L'excavation : la cave), de même que de centaines de petits ajouts à la première salle (Unrestored). Mais bon, pour en finir avec ce bémol qui s'éternise, je dirais juste que pratiquement tous les artistes actuels ont de nouvelles pièces à leur catalogue de façon régulière, mais que ce n'est pas une raison pour en refaire une exposition vedette chaque année. Voilà. Mon chialage est officiellement terminé.

L'exposition est bien. Très bien, même. Elle réunit selon moi un bon mélange d'immersion, de ludisme, de zen, d'humour et de grandeur. Et ici, j'allais écrire que ça peut plaire autant aux enfants qu'aux adultes, mais je me suis rétractée, sachant que ce qui porte l'étiquette « tout public » finit souvent par n'en rejoindre aucun. Mais ce n'est pas le cas ici. Le côté grandiose et le lien avec la nature plairont aux adultes fanatiques d'art contemporain, alors que les enfants se réjouiront définitivement de devoir enfiler leurs bottes d'eau pour patauger dans l'espace d'exposition ou encore de jouer à attraper les morceaux de plastique fluorescent de la deuxième salle (Bindu : le Big Bang).

Pour ma part, j'ai particulièrement aimé Entre ciel et terre, consistant en un assemblage de sapins pendus au plafond, reflété sur le sol mouillé à la manière d'un lac par temps calme, le tout augmenté d'une fine pluie créant un environnement sonore très apaisant. Un lieu comme Espace Shawinigan est définitivement tout indiqué pour ce genre de présentation, de même que pour quelque chose comme Bindu : le Big Bang, cette énorme pièce plongée dans l'obscurité et remplie de petits jouets fluorescents. L'effet est saisissant, et l'on se sent automatiquement en pleine création du monde ou du moins, en pleine représentation de 2001, L'Odyssée de l'espace. La pièce Unrestored, véritable pastiche des salons français du 19e siècle, attire beaucoup l'attention pour l'effet général de réflexion des oeuvres sur l'eau, mais aussi pour ses petits clins d'oeil à plusieurs maîtres anciens ou à des icônes populaires d'aujourd'hui, toujours faits avec beaucoup de dérision. La nouvelle installation L'excavation : la cave est à mon avis beaucoup moins réussie, malgré que l'idée d'explorer les sous-terrains de la bâtisse soit intéressante. Je verrais bien un autre projet réinvestir cet espace dans le futur, si futur il y a.

Vue de la pièce Entre ciel et terre

Pour l'instant, je vous invite à découvrir, si ce n'est pas déjà fait, le fabuleux Espace Shawinigan. L'exposition de Purdy (dont je tais le nom pour cause de jeu de mots ringard) est présentée jusqu'au 25 septembre. Je vous conseille fortement d'apporter vos propres bottes d'eau si vous ne voulez pas devoir arborer les Crocs fournis à l'entrée (quoique ça puisse faire partie de l'expérience).

Espace Shawinigan
La Cité de l'énergie
1882, rue Cascade
Shawinigan
www.citedelenergie.com/

Carreauté

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Mon, 23 May 2011 19:56:00 +0000

Étude de carreauté #1, crayon graphite, 2010.

Bon, alors, mon plan de vous parler d'Elektra est tombé à l'eau puisque ce qui m'intéressait le plus dans leur programmation était concentré les soirs de semaine, et comme je travaille, je n'ai pas pu voir ça. Ça sera pour une prochaine édition, je crois bien. Sinon, je visite la Biennale de Montréal très bientôt, alors mon compte rendu s'en vient! J'ai hâte!

D'ici là, je vous gave de carreauté. L'année dernière, sensiblement à la même période de l'année, je faisais des études de carreauté pour un futur projet (qui est toujours futur, d'ailleurs). Vous en avez un exemple plus haut, et je vous en publie quelques autres bientôt. Voilà!

Je ne suis pas morte.

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Wed, 27 Apr 2011 19:11:00 +0000

Non, je ne le suis pas. J'étais juste à l'école et au travail et tout et tout. Je sais tout à fait à quel point c'est fâchant de suivre des blogs mis à jour aux six mois (pour l'avoir vécu assez fréquemment), donc pardonnez-moi.

Je suis déterminée à m'améliorer, et je suis libre tout l'été, donc j'essaierai de tenir à jour ce MERVEILLEUX blog. La Biennale de Montréal débute dans quelques jours, et je vous invite fortement à aller y faire un tour. Je compte d'ailleurs vous en reparler ici même. Même chose pour le festival Elektra qui aura lieu du 4 au 8 mai. Bref, plein de belles choses s'en viennent et je vais essayer du mieux que je peux de bien les couvrir! À bientôt, tous!

Passe ça à Kevin

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Mon, 22 Nov 2010 00:09:00 +0000

Bon. Je suis de retour après une période d'absence beaucoup trop longue. Mais disons que de retour de voyage, j'avais une tonne de choses à faire (dont me trouver un travail et installer mon appartement) alors ça explique un peu. Mais ça n'excuse rien, ce qui fait que je vais me reprendre du mieux que je le peux dans les prochaines semaines.

Le weekend dernier, je suis justement allée voir une petite exposition fort sympathique à la Galerie Boutique Headquarters. Je vais le dire tout de suite, j'étais un peu vendue d'avance. Parce que Passe ça à Kevin, c'est à moitié le travail de Mathieu Dubois, un gars que je connais et que j'apprécie bien (comment ne pas aimer quelqu'un partageant ma folle passion pour Nick Cave?). Mais tout de même, il y avait longtemps que je n'avais pas vu de nouvelles productions, et les oeuvres récentes m'ont énormément plu. C'est du bon, du perfectionné, du revu et corrigé! Bref, du Dubois de haut calibre!

L'exposition, en résumé, est composée de deux lots de sérigraphies sur bois: les unes créées par M. Dubois cité précédemment, et les autres réalisées par Benjamin Deshaies. Les univers des deux artistes se recoupent principalement dans la représentation de personnages loufoques, déchus, colorés ou pathétiques, issus d'un imaginaire riche et d'une culture populaire marginale. Au menu: Batman, Kevin McCallister, Youppi et formes bébéesques colorées. Quoi demander de mieux?

Mes coups de coeur: Dimanche de Mathieu Dubois, pour la magnifique scène hivernale. Loser, toujours de Dubois, pour le magnifique contraste du vert et du orange velu ce bon vieux Youppi, et Ben pogne, que vous pouvez voir en partie sur l'affiche de l'expo. Et les grands formats de Deshaies, pour leurs centaines de petites faces et pour leurs titres géniaux (I'm hungry, let's get a taco, ou encore Si cette mouche-là continue à me faire chier, je vais trop te la monsieur miyaguer)

Bref, de belles découvertes que vous pourrez faire aussi en vous y rendant. Je crois que ça finit très bientôt, mais il vous reste certainement un petit moment pour en profiter. Sinon, retenez ces deux noms! Ça en vaut bien la peine.

Headquarters Galerie Boutique
http://www.hqgalerieboutique.com/
1649, Rue Ahmerst
Montréal

La France et sa dynastie d'artistes, réunis en un seul endroit (ou deux).

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Sun, 29 Aug 2010 08:21:00 +0000

Vincent Mauger, Sans titre (2010)

Une vue de la partie présentée au Palais de Tokyo

L'exposition Dynasty présentée au Palais de Tokyo et au Musée d'art moderne de la Ville de Paris tire déjà à sa fin et j'ai beaucoup à dire sur le sujet. Cette exposition-là, c'est un peu le pendant français de la Triennale québécoise où, pour résumer, un melting-pot de jeunes artistes prometteurs présents sur la scène internationale contribuent à donner une image dynamique de la ville aux visiteurs étrangers. Je résume très très brièvement, mais c'est à peu près ça. N'y connaissant pas grand-chose à la nouvelle scène artistique française, c'était une bonne occasion pour moi de me familiariser avec les artistes actuels et la tendance générale (s'il y en a une).

Et là bon, je sais que j'ai établi une comparaison avec la Triennale québécoise, mais disons-le tout de suite, en terme de superficie, ça ne se compare pas du tout. En investissant l'espace à la fois du Palais de Tokyo ET du Musée d'art moderne de la Ville de Paris et en demandant à chaque artiste de créer deux pièces, Dynasty a créé un monstre. L'exposition est immense, vraiment immense. Mais le truc bien, c'est que ce n'est pas surchargé (comme l'étaient certaines des salles de la Triennale, à mon souvenir) et que chacune des quatre-vingts pièces est présentée convenablement, sans être polluée par la suivante. Pour garder la comparaison, la Triennale comptait 135 oeuvres, dans un endroit équivalant approximativement à la moitié de ce que l'on a ici. La comparaison s'arrête maintenant, parce que pour réellement peser le pour et le contre, je devrais aussi m'attaquer au budget et ça, ça ne me tente pas. Voilà.

J'ai débuté ma visite par la partie présentée au Musée d'art moderne, sans raison autre que le fait que je suis arrivée trop tôt et que le Palais n'était pas encore ouvert. Après être tombée face à face avec un tapis géant (magnifique) et avoir traversé une forêt de speakers, l'oeuvre de Vincent Mauger (Sans titre, 2010), une sculpture immense faite de casiers à bouteilles en polystyrène, m'a littéralement saisie. Je me serais crue en pleine caverne avec devant moi un tas de stalactites, ou bien sous l'eau regardant un iceberg (mais gris). Le tout heureusement moins angoissant côté claustrophobie. Un peu plus loin, Duncan Wylie présente ses toiles à l'huile consacrées à des ruines, et c'est franchement bien rendu. Dans mon petit cahier de notes, il y a deux étoiles à côté de son nom. Mais bon, mon système d'appréciation est assez rudimentaire. Si vous y apparaissez un jour, vous aurez soit deux étoiles, une étoile ou malheureusement, aucune étoile. Je vous souhaite donc la meilleure des chances. Et pour revenir à Wylie, je disais donc que ce récipiendaire de deux étoiles dans mon cahier (ce n'est pas rien!) avait produit de magnifiques toiles de ruines, ou plutôt de restants d'habitations. Ça a quelque chose de très tragique, cette série, mais les couleurs sont si belles que je me suis surprise à oublier le thème pour ne regarder que le côté abstrait de la chose. Et pour terminer avec une dernière oeuvre (parce qu'il y en a définitivement trop et que je ne suis qu'à la première partie), je dirais que Julien Dubuisson et sa Ghost Dance (2010), une série de pas fossilisés dans un carré de ciment, ont aussi marqué mon parcours. C'est tout simple, et ça fait sourire. Quoi demander de plus.

Ça m'a surpris moi même, mais les artistes sur qui j'ai accroché en première partie ne furent pas du tout ceux qui me plurent en seconde. Et j'ai d'ailleurs eu bien du mal à me rappeler qui avait fait quoi (sauf exception) dans chacun des lieux, par la suite. Mais pour ceux avec qui le rapprochement s'est fait, ce fut bien intéressant de voir la proposition d'un endroit à l'autre. La pièce d'entrée au Palais de Tokyo, l'intrigante Strategies for Post-Apocalyptic Computation (2009) de Robin Meier et Ali Momeni, est un véritable ovni sonore amplifiant des sons créés par trois insectes vivants. Ça a quelque chose d'un mantra, et ça semble particulièrement agacer les gardiens de sécurité (et moi je trouve ça drôle). L'immense salle suivante est sublime dans son ensemble (ce qui est assez rare je trouve, dans le cadre d'expositions) et regroupe la plupart des sculptures grand format de cette partie. Toutefois, une série de collages en noir et blanc de Alexandre Singh (Assembly Instructions (Manzoni, Klein et al.), 2008), disposés à la manière d'une marche à suivre, se détache timidement du mur du fond. Juste assez pour me rappeler Moholy-Nagy l'espace d'un instant sans en posséder toute la poésie. Plus loin, dans un espace malheureusement bien mal éclairé, un petit crâne fait de rognures d'ongles recueillies sur un an par Laurent Le Deunff trône sous son cube de verre. On se demande à quoi l'artiste a pensé, mais c'est efficace et très bien rendu. Dans les pièces suivantes, Mélanie Delattre-Vogt présente une série de 21 dessins (Instructions, 2010) expliquant différentes actions culinaires telle le déplumage d'un canard. Et bizarrement, malgré mon végétarisme solidement ancré, j'ai bien apprécié. Je me rends d'ailleurs compte que j'ai beaucoup plus de coups de coeur dans cette partie au Palais de Tokyo qu'au Musée d'art moderne. Allez savoir pourquoi. L'ensemble Esthétique des différends (2010) de Benoît Maire, composée de collages, de dessins, de notes, de peintures et d'autres petits trucs, est probablement l'oeuvre du lot qui m'a le plus touchée et qui m'a semblé la plus sensible. Et sinon, pour terminer, la pyramide d'objets de Jorge Pedro Nuñez (Hommage à Simon Rodia, The Watts Towers (nuestro pueblo), 2010) captivait par son ramassis éclectique empilé de façon méthodique. Je me suis bien amusée à faire des trouvailles parmi les vieilleries disposées là.

Cette exposition-là, c'est de loin la meilleure qu'il m'a été donné de voir depuis mon arrivée en France. C'est de l'éclectisme dans toute sa splendeur. C'est un ramassis qui n'a pas l'air brouillon. C'est un panorama à la limite du contrôlé. Et c'est surtout une très belle façon de découvrir les nouveaux artistes français de la scène mondiale. Je vous la conseille donc fortement, surtout qu'il reste encore une bonne semaine pour y aller, le tout se terminant le dimanche 5 septembre. Allez y!

Musée d'art moderne de la Ville de Paris
http://www.mam.paris.fr/
11, avenue du Président Wilson
75116 Paris
Métro Iéna

Palais de Tokyo
http://www.palaisdetokyo.com/
13, avenue du Président Wilson
75116 Paris
Métro Iéna

C'est surprenant, mais il me reste encore des trucs à dire sur Pompidou

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Sat, 31 Jul 2010 12:07:00 +0000

www.bluetravelguide.com
Laszlo Moholy-Nagy, Composition A.XX (1924)

http://sd-16847.dedibox.fr

Otto Dix, Portrait de la journaliste Sylvia Von Harden (1926)

À Pompidou, il n'y a pas que les expositions temporaires, non monsieur! Il y a aussi un immense musée d'art moderne, et ça, j'ai oublié de vous en parler. Bon, je ne ferai pas l'étendue de tout ce que j'y ai vu et je ne ferai pas l'éloge de Picasso parce que pour ça, nous avons déjà les livres d'histoire de l'art. Mais tout de même, voici un petit récapitulatif de ce qui m'a le plus accroché.

Là, je vais débuter par le classique des classiques, La blouse roumaine (1940) de Matisse, qui doit sans aucun doute être la toile, parmi toutes les toiles, qui me rappelle le plus ma jeunesse. J'ADORAIS cette oeuvre et je ne peux que l'aimer encore aujourd'hui. Mais bon, j'ai écrit que je ne ferais pas l'éloge de Picasso et ça compte aussi pour Matisse. Disons juste que j'étais bien heureuse de la voir, finalement.

Sinon, les sections comprenant les oeuvres de Man Ray et de Laszlo Moholy-Nagy étaient tout simplement sublimes. En fait, il n'y avait qu'une seule toile de Moholy-Nagy mais tout de même, chaque fois que je vois ses travaux, je jubile. Là, c'était Composition A.XX (1924), et c'était génial. C'est difficilement remarquable sur la reproduction web, mais il y a une profondeur incroyable dans cette oeuvre, vraiment. Pour ce qui est de Man Ray, une salle complète était réservée à ses "rayographies", en plus d'y avoir le film Les mystères du château du Dé (1929). Donc de ce côté là, j'étais assez gâtée.

Ma grosse déception, toutefois, fut un mobile de Calder mal accroché (pour la énième fois). En fait, Requin et baleine (1933) est une oeuvre qui pourrait être splendide mais qui se perd ici dans un fond rempli d'autres toiles et sculptures. Le problème ne se pose pas avec les oeuvres 2D collées au mur mais avec les mobiles, c'est assez facile de rater un accrochage. Et c'est ce qui est arrivé. Dommage. Par contre, Pompidou s'est un peu repris côté Calder en nous faisant cadeau d'un magnifique stabile (Nageoire (1964)), installé à l'extérieur, en hauteur. Mais tout de même, je rêve du jour où je reverrai un de ses mobiles dans une installation convenable.

Et maintenant, pour mon palmarès des cinq oeuvres restantes (et non les moindres!), je débuterais par Christo et son Package on a table (1961), parce que j'aime son esthétique des trucs enveloppés. Ensuite Rauschenberg et Oracle (1962-65), une sculpture sonore immense, créée à partir d'objets du quotidien (baignoire, escalier, porte de voiture, etc.). Le Corbusier aussi, puisqu'un meuble studio-bar de 1930 est présenté dans une des salles, avec photographie de la pièce dans son environnement original, et que c'est tout simplement sublime. Sinon pour terminer, Otto Dix et son Portrait de la journaliste Sylvia Von Harden (1926), tout de rouge peint, et The Deep (1953) de Jackson Pollock.

Fiou! J'y suis arrivée. Et je vous avertis, condenser un musée d'art moderne complet en cinq paragraphes, je ne ferai pas ça tous les jours. Mais tout de même, si vous avez la chance de vous rendre à Pompidou prochainement, je vous conseille fortement de passer par ces quelques oeuvres qui à mon avis, valent grandement le détour.

Centre Pompidou
Place Georges Pompidou
75004 Paris
Métro Rambuteau, Hôtel de Ville ou Châtelet
RER Châtelet - Les Halles
http://www.centrepompidou.fr/

L'usine à peintures de Freud

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Tue, 20 Jul 2010 18:46:00 +0000

www.ibiblio.org

Lucian Freud, Factory in North London (1972)

Lucian Freud, Two Japanese wrestlers by a sink (1983-87)

Je ne connaissais pratiquement pas Lucian Freud, avant d'aller voir l'exposition présentée à Pompidou. En fait, tout ce que ses oeuvres m'inspiraient (du peu que j'avais vu), c'était leur ressemblance avec les peintures de Francis Bacon, mais en moins surréaliste. Et n'étant pas particulièrement fan de ce dernier, ce n'était pas gagné d'avance pour le petit-fils de Sigmund.

Finalement, de dois dire que je me trompais. En fait, pas totalement. Mais disons que j'y ai trouvé beaucoup plus mon compte que je ne l'aurais cru. Tout d'abord, le côté plus rigide et quasi-documentaire de Freud, présent surtout dans ses débuts, m'a beaucoup plu. Ses toiles d'usines (notamment Factory in North London, 1972) sont dotées d'une luminosité et d'une sensiblité assez remarquables pour le sujet exploité et la technique employée. Two Japanese Wrestlers by a Sink (1983-87), ayant été produite une dizaine d'années plus tard, porte selon moi la même marque, en plus de son côté humoristico-conceptuel. Et c'est vraiment ce côté là de Freud qui m'a fait accrocher au reste.

Le reste en question est consacré aux portraits et autoportraits, principalement nus. Freud est d'ailleurs souvent qualifité de "maître de la chair", et avec raison. Ça n'a pourtant pas empêché une jeune fille de crier au scandale en voyant la première toile du lot: "Il y a du gris, c'est indécent!". Comme si le mouvement impressionniste n'avait jamais eu lieu et que l'on imaginait encore la décomposition des corps dès qu'il y avait un peu de gris ou de vert sur la toile. Non mais...

La toute fin de l'exposition présentait aussi quelques photographies de David Dawson, représentant Freud et son environnement de travail: son mur épaissi par toutes les taches de peinture, son jardin, son chevalet, son chien. Et lui-même, le peintre.

Centre Pompidou
Place Georges Pompidou
75004 Paris
Métro Rambuteau, Hôtel de Ville ou Châtelet
RER Châtelet - Les Halles
http://www.centrepompidou.fr/

Paul Klee + Orangerie + gratuit = plaisir garanti?

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Sun, 18 Jul 2010 18:20:00 +0000

www.artpointfrance.org

Paul Klee

Avant de me rendre au Musée de l'Orangerie dimanche passé pour voir l'exposition sur Paul Klee, je dois dire que j'avais de bonnes attentes. En fait, je n'espérais pas nécessairement être renversée, parce que Klee, tout de même, je le connais bien. Mais ça allait être la première fois que je serais entourée d'autant d'oeuvres du peintre suisse en un même endroit et je comptais bien en profiter.

Pour vous mettre en contexte, le premier dimanche du mois, à Paris, il y a plein de musées gratuits, dont celui de l'Orangerie. Et comme je ne suis qu'une pauvre stagiaire étrangère sans le sou, c'était ma chance de pouvoir y entrer sans sortir le moindre centime de ma poche. Et bon, je ne regrette pas de n'avoir rien payé puisque j'ai été amèrement déçue par cette exposition.

En fait, je n'ai pas été déçue par Klee, évidemment. C'est un peintre exceptionnel et je ne vois pas comment je pourrais ne plus l'aimer. Et certaines oeuvres présentées étaient franchement magnifiques. Mais leur installation était, selon moi, d'une rigidité et d'une scolarité assez déconcertantes. Le tout manquait également de substance et d'originalité. En fait, pour qui connait un tant soit peu Klee, il y avait bien peu de choses à découvrir. Une salle était même consacrée au documentaire Le silence de l'ange de Michaël Gaumnitz, un film disponible partout, dans tous les bons marchands de dvds et dans les boutiques de musées. Je n'ai rien contre sa présentation, mais ça démontre tout de même un manque flagrant de recherche. Il n'y avait aucun document d'archive (quelques livres en édition originale mais aucun trésor), aucun croquis, aucun point de vue nouveau sur l'oeuvre. Et ce "peu" était présenté dans un environnement à l'esthétique douteuse, à la limite d'être anti-Bauhaus.

L'ensemble a valu la peine, parce que c'était gratuit et que c'était Klee. Mais sinon, c'était bien décevant.

La partie restante du musée était consacrée aux oeuvres permanentes, dont la série des Nymphéas de Claude Monet, qui impressionnait tout de même par sa grandeur, à défaut d'impressionner pour autre chose. Encore une fois, Cézanne m'a ravie, avec son Portrait du fils de l'artiste (1881-1882). La salle consacrée à Soutine et Utrillo était vraiment bien, je dois le dire. Modigliani était bien représenté, mais un peu trop près du Douanier Rousseau. Matisse et Picasso étaient à la hauteur, comme toujours. Et j'ai eu un moment de nostalgie en voyant quelques oeuvres de Renoir, en particulier une dont la reproduction trônait fièrement dans l'appartement de la mère de mon amie Mélissa, à l'époque. Ce souvenir m'a presque fait oublier Klee, quand même. Et ce n'est pas peu dire!

www.pourlascience.fr

Paul Klee, Avant l'éclair (1923)

Le Musée de l'Orangerie
http://www.musee-orangerie.fr/
Jardin des Tuileries
75001 Paris
Métro Concorde

Mon Dreamland à moi, c'est Pompidou.

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Wed, 07 Jul 2010 19:16:00 +0000

www.lemonde.fr

Peter Cook - ARCHIGRAM, Instant City visits Bournemouth (1968)

Avant d'arriver à Paris, je savais que je DEVAIS aller au Centre Pompidou. Premièrement, pour l'architecture, que je connaissais bien de l'extérieur par toutes les photos que j'avais vues, mais que j'avais envie de découvrir de l'intérieur. Deuxièmement, pour l'art, tout simplement. En fait, non, je mens. L'art et l'architecture de Pompidou sont définitivement ex aequo dans mon coeur de passionnée (et de touriste).

Mais la raison pour laquelle j'y suis allée maintenant et pas plus tard est que je tenais vraiment à voir l'exposition Dreamlands, qui touche directement le sujet sur lequel je travaille à Synesthésie en ce moment (à savoir les utopies urbaines) et qui m'intriguait aussi beaucoup d'un point de vue esthétique.

Au final, je ne peux pas dire que cette partie soit celle qui m'ait le plus impressionnée, même s'il y avait de nombreuses propositions intéressantes. Parce que tout de même, il y en a de la matière avec une intention de départ aussi vaste que de "montrer comment les modèles de foires internationales, d'expositions universelles et de parcs de loisirs ont influencé la conception de la ville et de ses usages" (tel qu'énoncé dans le communiqué de presse). Ça donne d'ailleurs un parcours immense, de plus de 300 oeuvres, alors difficile de ne pas y trouver son compte quelque part.

Dans la première salle, on y présente aussi bien la construction de la Tour Eiffel par des photos de Théophile Féau (1839-1892), que de vieilles cartes postales de Luna Park ou encore des extraits du film muet 16 mm. Fatty at Coney Island (1917) avec Roscoe "Fatty" Arbuckle et Buster Keaton, dont vous pouvez d'ailleurs voir quelques minutes ici. Un peu plus loin, le pavillon Rêve de Vénus, endroit synonyme d'érotisme (et même de fétichisme) créé par Dalí pour la foire internationale de New York est présenté sous forme de vieilles photos en noir et blanc, toutes plus énigmatiques les unes que les autres. En avançant dans le parcours, on en apprend un peu plus sur le Fun Palace et sur Instant City, projets très inspirés de l'imaginaire situationniste, et on se replonge dans l'élaboration du Centre Pompidou dans lequel on se trouve.

www.authenticite.fr

Théophile Féau, Épreuves 1888-1889

Les salles suivantes se concentrent sur l'American Dream, passant des motels, hôtels-casinos, stations-service, panneaux publicitaires et néons de Las Vegas, à New York la délirante (comme le décrit l'architecte Rem Koolhaas dans son livre Delirious New York). Dans cette partie sur NYC, j'ai d'ailleurs bien accroché sur la citation de Walter Benjamin décrivant bien la folie de cette ville: "La fétichisation affecte l'ensemble des objets, y compris les bâtiments et le cadre urbain qui se dotent d'une forme d'existence autonome, qui "s'animent". La ville devient pur décor." Je n'ai d'ailleurs toujours pas lu de Walter Benjamin et je m'en veux terriblement. Mais ça s'en vient, je le promets.

Les quelques pièces concluant l'exposition sont beaucoup plus axées sur les projets d'artistes contemporains, délaissant un peu le côté historique et éducatif en laissant le spectateur un peu plus à lui même (ce qui est une bonne chose). Une oeuvre de Liu Wei, gigantesque ville faite d'os pour chiens (Love It! Bite It! (2009)) partage l'espace avec une création beaucoup plus discrète de Yin Xiuzhen, Portable Cities: New York (2003), une reproduction de la silhouette de la Grosse Pomme faite de tissu récupéré chez ses habitants et bien logée dans une valise. Je pourrais énumérer tout ce que j'y ai vu d'intéressant pendant bien longtemps mais bon, je vous laisse découvrir par vous-même (pour les quelques Français qui peuvent inexplicablement me lire ou encore pour les chanceux Québécois en vacances à Paris). Mais bref, pour saisir toute l'ampleur des villes utopiques, c'est bien. Pour découvrir quelques nouvelles choses, c'est bien aussi. Mon bémol: le trop. Trop d'oeuvres, trop de sujets, trop de salles. Je sais bien que ça cadre bien avec le thème de démesure, mais ça fait aussi, malheureusement, que certains trucs vraiment intéressants se perdent dans la masse. Dommage.

Centre Pompidou
Place Georges Pompidou
75004 Paris
Métro Rambuteau, Hôtel de Ville ou Châtelet
RER Châtelet - Les Halles
http://www.centrepompidou.fr/

(Presque ) premier vernissage parisien

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Sun, 27 Jun 2010 19:04:00 +0000

www.sixelzevir.net

Une vue de l'exposition Mythologies, avec la projection de Leo Yamz à gauche et les oeuvres de Bruno Vial à droite, 2010.

www.sixelzevir.net

Bruno Vial, de l'exposition Mythologies, 2010

www.sixelzevir.net

L'installation de Leo Yanz pour Mythologies, 2010

Déjà deux semaines que je suis à Paris et je dois dire que jusqu'à maintenant, je n'ai pas encore eu beaucoup de temps pour visiter des expositions. Ça viendra, obligatoirement. Mais d'ici là, j'ai tout de même eu un premier vernissage la semaine dernière à Synesthésie mais comme c'était du travail, ça ne compte pas. Alors mon premier VRAI vernissage parisien, je l'ai vécu le weekend dernier, à la galerie Six Elzévir. Je remercie d'ailleurs Iris grâce à qui j'ai connu Sonia, et Sonia de m'y avoir invitée.

La galerie présentait le travail de deux artistes: Bruno Vial et Leo Yamz, que je ne connaissais ni d'Ève ni d'Adam. Et je dois dire que ce qui m'a le plus impressionnée dans tout cela, c'était l'installation que Yamz avait faite de dessins projetés. La projection prenait racine à l'intérieur d'un gros meuble en bois, retourné face au mur et ça donnait réellement quelque chose de chaleureux, de très près de nous. D'avoir cet accessoire familier en contexte d'exposition, c'était comme si l'artiste nous invitait dans son propre appartement, avec ses meubles et son univers. Et les dessins s'animant sur les murs de la galerie créaient quelque chose de très dynamique, un peu comme s'ils étaient griffonnés en direct, tellement le grain du mur apportait à l'ensemble.

Dans la même pièce, vers la droite, une oeuvre de Bruno Vial investissait le sol avec ses motifs répétés, à la façon d'une création usinée. D'ailleurs, cet alignement de formes m'inspirait automatiquement une vision de fabrication à la chaine, avec le tout réparti sur un tapis roulant prêt à être modifié (pas réellement, mais bon, dans mon imagination). Et une sculpture présentée sur un socle en bois de travail (et non d'exposition) apportait encore ici un petit quelque chose de l'univers de l'artiste, en transportant en quelque sorte l'atelier à la galerie.

Dans l'autre pièce se trouvait la partie "papier" de l'exposition, avec fanzines et oeuvres encadrées. J'avoue que je n'ai peut-être pas passé autant de temps que je l'aurais dû dans cette section, mais mon impression générale fut très bonne. J'aurais bien voulu me procurer toutes les publications de Leo Yamz, si je l'avais pu. Mais bref, les quelques oeuvres papier encadrées partagaient bien l'espace avec les tables de publications. Et tout cela venait bien compléter la première salle.

Un endroit à découvrir donc, que cette galerie Six Elzévir. Si tout ce qui se fait là-bas s'approche en qualité de Mythologies, nous devrions être bien servis!

Six Elzévir

6, rue Elzévir

75003 Paris

http://www.sixelzevir.net/

http://www.leoyamz.com/

Changements

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Wed, 23 Jun 2010 19:13:00 +0000

Comme vous le remarquerez peut-être, je suis en train d'effectuer des petites modifications au blog. Rien de bien exceptionnel mais c'est qu'en travaillant 40 heures par semaine sur mes blogs français, je commence à trouver que le mien fait légèrement pitié. Alors il se peut que quelques trucs clochent le temps de tout modifier. Je suis désolée à l'avance des inconvénients.

Je posterai bientôt des commentaires d'expos vues ici, à Paris. Pour ceux qui y sont, tant mieux! Vous pourrez vous y rendre aussi. Et sinon ça pourra tout de même vous intéresser, je l'espère.

Je pars!

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Tue, 18 May 2010 18:49:00 +0000

Depuis quelques semaines, je n'ai pas eu beaucoup de temps pour mettre à jour ce blog et je m'en excuse profondément. Mais j'ai tout de même une bonne raison: dans moins d'un mois, je m'envolerai vers Paris pour effectuer un stage de 4 mois chez Synesthésie, centre d'art contemporain spécialisé dans les arts numériques.

Je ne pourrai donc pas publier de commentaires d'expositions avant un bon petit bout (du moins, pas de celles présentées au Québec), mais j'essaierai tout de même de vous tenir au courant de ce que je verrai d'intéressant en France.

Je vous invite d'ailleurs à essayer le Centre d'Art Virtuel du site de Synesthésie où vous pourrez découvrir une foule d'oeuvres web fascinantes. Il y en a pour des heures et des heures, croyez moi!

Association Synesthésie
15, Rue Denfert-Rochereau
93200, Saint-Denis
France
http://www.synesthesie.com/

Faire d'une pierre trois coups au chic Édifice Belgo

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Fri, 16 Apr 2010 20:02:00 +0000

Le dernier weekend de mars était aussi le dernier pour profiter de l'exposition Wrongo d'Adrian Norvid, présentée à la Galerie Joyce Yahouda. Et comme une visite au Belgo peut difficilement se résumer à un seul arrêt, j'ai aussi fait un tour du côté d'Optica et de Pierre-François Ouellette Art Contemporain.

En entrant chez Optica, l'installation Chevalier de la résignation infinie (2009) de Diane Landry, artiste établie à Québec, nous accueille avec sa douce répétition. On se laisse prendre par le mouvement des roues faites de bouteilles de plastique ou par le son du sable glissant le long des parois. Ou encore par tout ça combiné, ce qui fut mon cas. Vraiment, cette installation a des allures de parc d'attraction fantôme plongé dans le noir (et uniquement constitué de grandes roues!), et je dois dire que ça crée toute une ambiance. La lumière y est d'ailleurs pour beaucoup dans tout ça, effectuant des cycles hypnotiques à la façon du jour et de la nuit en s'éteignant à chaque fin de tour. Dans un autre coin de la pièce, Jongler (2009), une "animation-performance-vidéo" (pour reprendre les mots du feuillet explicatif) rèpète ce thème de passage du temps. En effet, pour ce projet, l'artiste prit la pose à chaque minute pendant 24 heures, et anima ses images à vitesse rapide en les raboutant toutes dans l'ordre chronologique. Le résultat est assez impressionant, d'autant plus qu'en donnant l'impression de rester immobile, Landry incorpore et déplace des objets tout au long de l'animation. Bref, un très beau combo d'oeuvres pour Diane Landry que je connaissais principalement pour ses performances mais qui m'a ici beaucoup étonnée.

www.cyberpresse.ca

Diane Landry, Chevalier de la résignation infinie (2009)

Un peu plus loin au fond de la galerie, Kartz Ucci nous présente 368 songs with the word sad in the title mixed into one song (2003), une installation sonore dont le titre dit à peu près tout. En fait, pour cette oeuvre, Ucci s'est servie de divers moteurs de recherche GNUtella afin de cumuler et de fusionner les chansons dont le titre contenait le mot "sad". Processus assez intéressant selon moi, mais malgré le sérieux de la présentation, le côté arbitraire et très peu rigoureux de la recherche internet (par exemple, plusieurs des titres ne sont même pas les véritables titres ou contiennent des fautes) rend le tout beaucoup moins efficace. Moi je me dis, tant qu'à y aller pour la précision, aussi bien s'y investir totalement. Mais bon, ça c'est mon opinion. Reste que le concept est bien et que j'ai passé un bon moment à lire tous les titres et à me rappeler des airs. Et si vous voulez voir et entendre ça vous aussi (en plus des deux oeuvres de Diane Landry), vous avez encore jusqu'à demain 17 avril pour vous y rendre. Go go go!

Quelques portes plus loin, j'ai pu finalement voir l'exposition d'Adrian Norvid, ce petit comique du monde des arts visuels que j'avais connu à la Triennale d'art québécois du MAC en 2008. Chez Norvid, il y a du détail maladif autant que du rapido-presto très très grossier, de l'humour autant que de la prise de position. Et c'est pas mal ce qu'il y a de bien avec lui: cette dualité, cette capacité à nous faire perdre tout le réconfort que l'on avait en certains points de repères (de marques bien établies, de petites joies de l'enfance, etc.) pour en faire des trucs totalement déjantés et déstabilisants. En jouant sur le côté pop et commercial et en détournant des noms de produits pour en faire d'amusants jeux de mots ("Shit Kat" pour parodier la célèbre barre chocolatée, par exemple), Norvid engage une réflexion sur la consommation, sans jamais tomber dans la dénonciation pure. Je vous dirais bien d'aller voir ça, mais c'est déjà terminé. Par contre, vous pouvez toujours voir l'étendue de ses créations sur le web (même si c'est toujours bien plus impressionnant en vrai) et je vous en donne un bref aperçu juste ici.

Adrian Norvid, Wrongo (2009)

Adrian Norvid, Sticky Tape (2006)

Adrian Norvid, Sooner or Later (2006)

Toujours chez Joyce Yahouda, Douglas Scholes rend hommage à l'ordinaire et à l'ennuyeux en créant des trophées célébrant nos tâches ménagères favorites: le repassage, l'époussetage, la lessive, la vaisselle et l'aspirateur. Trophies for acts in their own right reprend l'esthétique des vieux trophées du temps, avec base en bois et plastique peint en or, dans une installation très réussie comprenant aussi de la vidéo documentant en images chaque corvée énumérée.

Finalement, chez Pierre-François Ouellette, Jérôme Fortin présentait Continuum, une sélection de travaux récents comprenant notamment des gravures réalisées à l'atelier d'Antoni Tàpies, à Barcelone. Par contre, à notre arrivée, c'est plutôt deux rangées de boites d'archivage remplies de couvercles de boites de conserves perforés qui nous accueillent. Des couvercles tous indentiques, avec les trous disposés de la même façon et en quantité semblable (pour ne pas dire égale, mais honnêtement, je ne les ai pas comptés) dans chaque boite. À l'infini, pour ainsi dire. Un Continuum continu. Et ces répétitions, c'est du pur Jérôme Fortin. D'ailleurs, un peu plus loin, une pièce est consacrée à sa Série noire et ses petits découpages minutieux, très près de ses travaux antérieurs et toujours dans cet esprit de redondance volontaire. J'ai toujours aimé cette lignée d'oeuvres, chez Fortin, et celles-ci ne font pas exception. C'est donc une très belle exposition, peu étonnante par contre, mais très belle, que nous a présenté Jérôme Fortin. Mais malheureusement, ça aussi c'est terminé.

Jérôme Fortin, Continuum (2010)

Jérôme Fortin, Série noire XIII (2009)

Par contre, pour ceux qui ne connaissent pas l'Édifice Belgo, je vous invite fortement à aller y faire votre tour, peu importe la période. Cet endroit regorge de galeries plus intéressantes les unes que les autres et vous y trouverez certainement votre compte quelque part. Voyez plus d'informations ici même.

Édifice Belgo
372, Ste-Catherine Ouest
(#508 pour Optica, #516 pour Joyce Yahouda et #216 pour PFOAC)
Montréal
(Métro Place-des-Arts)

Optica: http://www.optica.ca/

Galerie Joyce Yahouda: http://www.joyceyahoudagallery.com/

Pierre-François Ouellette Art Contemporain: http://www.pfoac.com/

Souvenirs bruns du 4528 St-Denis

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Thu, 15 Apr 2010 02:45:00 +0000

Souvenirs bruns du 4528 St-Denis, 2010
Collage

Charles Long (ou l'univers fascinant d'un bipolaire moustachu)

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Thu, 08 Apr 2010 22:41:00 +0000

www.tanyabonakdargallery.com
Long, Andy Warhol, 1997

Il y a une chose de bien dans le fait de ne pas avoir d'emploi (parce que non, je n'ai pas de travail en ce moment) et c'est de pouvoir assister aux conférences ICI (Intervenants culturels internationaux) du jeudi midi à l'UQAM. Le 25 mars dernier, j'ai eu la chance d'entendre Charles Long, artiste établi à Los Angeles, nous entretenir sur sa pratique artistique et sur ses fixations des derniers temps. Et des fixations, on peut dire que Long en a beaucoup et qu'il les exploite jusqu'au bout du bout.

En me rendant à cette conférence, j'avais dans l'idée que Long nous parlerait de sa carrière plus étendue, de sa période de gloire new-yorkaise des années 90, de ses collaborations avec le grand Merce Cunningham et du travail fait pour Stereolab. Bref, je pensais qu'il emprunterait le chemin facile pour nous divertir et nous épater mais ce ne fut pas le cas. En fait, Long misa principalement sur son travail des dernières années à Los Angeles et je dois dire que ce fut très intéressant pour plusieurs raisons. Non seulement les préoccupations abordées étaient fraiches à la mémoire de l'artiste mais il était aussi facile de voir qu'elles lui tenaient encore bien à coeur. Et ça, ça met de la vie dans une présentation!

www.tanyabonakdargallery.com

Twelve Soups, 2003

Peu de gens connaissent l'existence d'une rivière traversant la ville de Los Angeles (moi comprise) mais Charles Long lui, a habité aux abords de ce cours d'eau pendant plusieurs années. Sa pratique artistique récente découle d'ailleurs de cette proximité et des découvertes effectuées en lien avec l'environnement très particulier de cette rivière. En effet, Long a créé bon nombres de sculptures avec des matériaux (des déchets à la base) recueillis dans les eaux environnantes. En leur ajoutant du papier maché, du plâtre et de l'acier, Long s'est constitué une série très intéressante avec laquelle il a joué une deuxième fois, en se basant sur des dessins que son fils avait fait des pièces pour en créer de nouvelles, plus symétriques.

www.tanyabonakdargallery.com

A Slave Chemist, 2004

www.grammarpolice.net

We wait a long time to see you, to beat you, 2005

Toujours dans ce même univers et toujours en travaillant par étapes complémentaires, il s'est aussi inspiré d'excréments d'oiseaux aux formes étranges et fantomatiques aperçus au bord de la rivière et rappelant les personnages de Giacometti pour créer une série de dessins. De cette série, Long produisit plusieurs sculptures métalliques qui donnèrent lieu à leur tour à une des scultpures plus complètes faites de matériaux divers. Et le concept fut poussé encore une fois puisqu'il réutilisa ces formes énigmatiques à mi-chemin entre la vie et la mort pour un volet photographique à son projet. Oui, je pense que c'est ce qu'on peut appeler une fixation.

Et bref, ce que je retiens de cette conférence, c'est qu'une question d'approfondissement du sujet, d'exploitation du milieu immédiat et de créativité autour du quotidien. Et je crois que ça pourrait donner une bonne leçon à plusieurs artistes qui ne trouvent leur inspiration que dans l'extraordinaire et l'inconnu. J'étais aussi bien heureuse d'entendre Charles Long prononcer la phrase suivante: "I don't think there is enough sad art in the world". Parce qu'il y a tellement de stigmatisation par rapport à l'artiste tourmenté et à l'art triste que de se faire dire le contraire une fois de temps en temps, ça fait du bien, je trouve.

Pour visiter le site des conférences ICI, rendez vous ICI.

Galerie Orange, en ce même beau vendredi frisquet du mois de mars

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Thu, 08 Apr 2010 17:59:00 +0000

Sophie Privé, Les amours (2010)

En revenant de l'exposition à DHC/ART, je me suis arrêtée du côté de la Galerie Orange pour voir les nouvelles oeuvres de l'artiste québécoise Sophie Privé et de sa comparse Eveline Boulva. Sophie Privé, je la connaissais déjà pour avoir vu plusieurs de ses oeuvres lors de mes visites à la galerie, mais c'était la première fois que je pouvais voir autant de ses toiles réunies dans un même espace. En effet, Des instants entre parenthèses présentait une sélection d'oeuvres de chacune des artistes, exposées ensemble, dans un même environnement, sans cassure physique entre les deux. Et ça, au tout début, ça me titillait légèrement. Parce que j'avais l'impression que rien n'unissait les deux univers. Mais j'avais tout faux. C'est en lisant le communiqué de l'exposition que j'ai saisi le lien de temporalité dans la pratique des deux artistes. Et à partir de ce moment, tout m'a semblé couler beaucoup mieux.

Les oeuvres de Sophie Privé sont de magnifiques représentations de petits instants choisis de la vie quotidienne, exploités en douceur et presque paradoxalement, en vitalité. En fait, Privé garde la même technique qu'auparavant, soit de concilier dessin au graphite et peinture acrylique, mais en allant plus loin dans la forme. Le dessin y est toujours aussi bien travaillé mais prend moins de place dans l'ensemble au profit des décors à l'acrylique, plus colorés et plus contrastants. Les scènes me semblent plus étudiées, et c'est tout à l'avantage de l'artiste. Je n'ai peut-être pas choisi les meilleurs exemples pour appuyer mon point mais bon, ces quelques images donnent tout de même une idée du côté "journal intime" de la pratique de Privé.

Sophie Privé, Curieuses 2 (2010)

Sophie Privé, Presque rien 3 (2010)

Pour sa part, Eveline Boulva (que je ne connaissais pas du tout), livre une série de paysages nordiques, rappelant parfois des peintures à numéro dont on aurait noirci les contours plutôt que de remplir l'intérieur de couleurs prédéterminées. Ça donne un résultat pixélisé, détaillé, à la manière d'une carte topographique, et c'est beau. Très très beau même. Sur certaines oeuvres, les arbres forment d'étranges ombres fantomatiques alors que sur d'autres, les branchages s'entremêlent pour créer des motifs dignes de la dentelle de nos grand-mères. Le mélange avec Privé est intéressant et ponctue l'exposition d'un côté abstrait (malgré la précision et la rationnalité), reposant et réconfortant dans sa répétition.

Eveline Boulva, Sur la Côte-Nord: Sylvestre 1 (2009)

Eveline Boulva, En forêt (2010)

L'exposition est terminée depuis quelques jours déjà, mais je suis certaine que nous pourrons revoir le travail de ces deux québécoises à la Galerie Orange, qui soit dit en passant, prend un soin incroyable à conserver la place des ses artistes en tout temps. Je vous encourage donc à garder l'oeil ouvert sur les activités de la galerie, de même que sur celles de la Galerie Lacerte, à Québec (sa maison jumelle dans la capitale).

Galerie Orange
81, Rue St-Paul Est (coin St-Gabriel)
Montréal
(Métro Champ-de-Mars ou Place-d'Armes)
http://www.galerieorange.com/

DHC/ART, par un beau vendredi frisquet du mois de mars

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Tue, 23 Mar 2010 23:56:00 +0000

J'ai mis du temps à aller voir Int. Scène-Jour d'Eija-Liisa Ahtila, après avoir vu sa conférence à BANQ (par manque de temps, et non par manque d'intérêt), et je dois dire que je suis très heureuse d'avoir pu finalement y mettre les pieds. Je remercie d'ailleurs DHC/ART de laisser ses expositions assez longtemps pour que je puisse les visiter. C'est très gentil de votre part. Tellement gentil, en fait, que c'est même présenté jusqu'au 9 mai, ce qui fait que vous pouvez encore vous y rendre (je fais des progrès, je parle de trucs que vous pouvez aller voir, alors profitez en!)

Majoritairement constituée d'installations vidéo, l'exposition Int. Scène-Jour aborde plusieurs thématiques rattachées à l'univers familial, au deuil ou à la perte et à la folie, et combine "l'urgence du documentaire à l'imaginaire filmique" (tel qu'énoncé dans le feuillet de présentation).

Par exemple, dans The Hour of Prayer (2005), Ahtila utilise un format 4 écrans (très efficace)pour nous présenter de façon personnelle le deuil d'un chien. L'oeuvre vidéo passe d'un ton de confidence à celui d'une entrevue ou d'un conte, sans que l'on ressente pour autant de façon négative ce changement de style narratif. Et malgré que le thème à la base de l'oeuvre n'en soit pas un qui me touche particulièrement, il est difficile de ne pas se laisser prendre par le tourbillon des émotions véhiculées et par la beauté des images (les magnifiques scènes hivernales, par exemple). Cette façon de s'imbiber d'un sujet me ramène d'ailleurs à ce qu'Ahtila avait élaboré en conférence, à propos de travailler sur des thèmes qui nous sont inconnus à la base mais pour lesquels on a un intérêt sans trop savoir pourquoi. Je ne me souviens plus des termes exacts, mais j'aimais bien qu'elle explique son travail de recherche, de documentation, dans une logique d'appropriation.

www.medienkunstnetz.de
Eija-Liisa Ahtila, Consolation Service (1999)

Dans Consolation Service (1999), l'artiste met en scène un couple ne fonctionnant plus très bien en plein processus de thérapie conjuguale. Dès le début, on est amené dans un univers tout ce qu'il y a de plus réaliste. On travaille l'intérieur des personnages, leur psychologie, dans un dialogue tout simple avec la thérapeute. Mais petit à petit, le réalisme cède la place à un côté fantaisiste, déjanté (près de la folie), et même complètement fantastique à la fin. Ici, le passage entre les différences de ton me semble plus maladroit, plus déstabilisant que The Hour of Prayer (2005). Mais tout ça n'intervient qu'à la toute fin, ce qui laisse amplement le temps de s'imprégner de l'idée et de la poésie de l'oeuvre.

Je n'élaborerai pas sur chacune des pièces de l'exposition parce que je vous laisse en juger par vous même mais un dernier petit mot sur Dog Bites (1992-1997), une série photographique que j'aime beaucoup et dont j'avais posté un extrait quand j'avais parlé de la conférence il y a quelques semaines. Dans ces portraits, une jeune femme nue imite des comportements canins (se gratter derrière l'oreille, sortir la langue, faire le beau, uriner, etc.) et l'effet donné est à la fois troublant et amusant. Le concept est d'ailleurs particulièrement intéressant tel que cité dans le feuillet de présentation de l'exposition qui le décrit de cette façon: "[...] l'artiste défie les représentations conventionnellement sexistes et dégradantes des femmes en tant qu'animaux - poulettes, biches et minettes, et leur lot de connotations sexuelles - tout en donnant littéralement forme au mot chienne." Bref, il en ressort une très bonne unité entre les parties vidéo et photo qui jouent un peu sur les mêmes thèmes tout en approchant le sujet de façon bien différente (et complémentaire).

www.fonderiedarling.org
Eija-Liisa Ahtila, Where is Where? (2008)

Je n'ai malheureusment pu voir la partie présentée à la Fonderie Darling, constituée d'une oeuvre vidéo intitulée Where is Where? (2008) me semblant assez ambitieuse, mais je compte bien me reprendre prochainement. D'ici là, je vous invite bien entendu à visiter cette magnifique exposition . Et comme je disais, c'est présenté jusqu'au 9 mai.

DHC/ART
451, rue St-Jean
Montréal
Métro Square-Victoria
http://www.dhc-art.org/

Fonderie Darling
745, rue Ottawa
Montréal
Métro Square-Victoria
http://www.fonderiedarling.org/

Une conférence c'est bien, trois c'est merveilleux.

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Wed, 17 Feb 2010 01:23:00 +0000

www.jeudepaume.org

Eija-Liisa Ahtila, Dogbites (1992-1997)

Dans les derniers mois, j'ai eu la chance d'assister à plusieurs conférences plus qu'intéressantes (marquantes même, dans certains cas) dans divers lieux de culture montréalais. Tout cela ne m'a pas coûté un sou, a grandement amélioré mes connaissances générales du mileu de l'art et m'a fait passer de très bons moments. Peut-on demander mieux? Je ne le croirais pas.

De ces rencontres, trois artistes ont tout particulièrement retenu mon attention pour des raisons totalement différentes.

Tout d'abord, au mois d'octobre, j'ai pu me familiariser à l'univers de l'artiste allemand Stephan Weitzel, à l'Institut Goethe. (Oui, je sais, ça remonte à loin. Mais l'avantage de tout cela, c'est que ça me donne un bon recul sur ce qui a été dit et que je peux ainsi mieux verbaliser les idées véhiculées lors de la soirée.) C'était la première fois que je m'y rendais et je dois dire que la petite salle de projections/conférences m'a beaucoup plu. De par sa chaleur et sa petite superficie, elle se prêtait d'ailleurs très bien au thème central de la présentation de Weitzel: le heimat. Cette expression allemande, pratiquement intraduisible, pourrait se rapprocher du "homeland" ou du concept "d'appartenir" à un endroit, mais la définition reste presque inévitablement incomplète. Malgré cette exclusivité, l'idée même du heimat est présente en chacun de nous et c'est pour cette raison, je crois, qu'il fut si intéressant d'entendre l'artiste broder autour de ce mot énigmatique. Est-ce qu'on appartient d'office? Est-ce qu'on veut appartenir? Notre heimat est-il inconnu ou est-ce plutôt l'endroit où nous nous situons, là, maintenant? Bref, je vous conseille une petite recherche sur le sujet, si ça vous intéresse. Ou encore mieux, visionnez la série Heimat d'Edgar Heitz, disponible en coffret dvd dans les bonnes bibliothèques (ou ailleurs).

http://www.stephanweitzel.com/

En janvier dernier, soit quelques mois après mon excursion allemande, j'ai pu découvrir le travail de l'artiste finlandaise Eija-Liisa Ahtila en me rendant à l'auditorium de la Bibliothèque Nationale du Québec. En effet, de passage à Montréal dans le cadre de son exposition Int. scène-jour à DHC/ART, la photographe et vidéaste a accepté de nous entretenir sur ses sources d'inspiration, sa méthode de travail et sa conception de l'art, et ce fut, ma foi, bien intéressant. Outre la gêne palpable et le ton assez monocorde d'Ahtila, visiblement peu habituée à ce genre d'événement, j'ai particulièrement apprécié la façon qu'elle avait de parler de la famille (au sens très large), des influences que chaque membre d'un même clan exerce sur l'autre. Et sur ce même thème qui semblait très présent au début de sa carrière, j'ai savouré (littéralement) les trois courts Me/We, Okay et Gray (1993) dont un reprend la facture visuelle et sonore des publicités en exprimant, au lieu de vendre un produit, des sentiments profonds et en jetant à la face du monde des déclarations plus que personnelles. Charmant. La dernière partie de la conférence me laissa par contre plus indifférente alors qu'Ahtila s'évertuait à nous expliquer avec beaucoup de détails (trop, selon moi), la partie technique de son travail. Ce fut somme toute une belle découverte et c'est à voir absolument à DHC/ART jusqu'au 9 mai.

http://www.dhc-art.com/

www.moma.org

Eija-Liisa Ahtila, Where is where? (2008)

La dernière élue de mon top 3 est l'artiste canadienne Luanne Martineau, présentement à l'affiche au MAC. Dans une rencontre donnée à l'UQAM il y a deux semaines, j'ai pu découvrir le travail exceptionnel de cette femme maniant et s'appropriant le feutre comme pas une. En fait, la technique employée par Martineau pour créer ses sculptures molles en est une de répétition: piquer à l'aiguille jusqu'à ce que les couches se fondent ensemble, se solidifient pour ne former qu'une. Mais cette répétition, à des lieues de créer une uniformité de production, propose un résultat senti, éprouvé. L'assouplisseement du feutre est palpable, la fusion des matériaux semble toute naturelle; bref, on adhère à l'univers de Luanne Martineau sans même chercher l'idée derrière tout ça. Son constat sur la place des métiers d'art dans les écoles fut très intéressant à entendre, même si les mots "dévalorisation" et "secondaire" pour parler du dessin autant que du textile ou de la poterie ne sonnent jamais très bien à mon oreille. Mais sa méthode consistant à intégrer le métier d'art dans l'art (au lieu de chercher à l'élever au même niveau) en insistant sur la différence entre les deux et en maintenant la tension me semble fonctionner. C'est d'une grande sagesse, tout ça. Je vous invite à aller voir l'exposition au MAC, jusqu'au 25 avril. Il y a Marcel Dzama en bonus. C'est assez pour vous convaincre, j'en suis certaine.

http://www.macm.org/

www.canadianart.ca

Luanne Martineau, Portrait (2006)

Luanne Martineau, Form Fantasy (2009)

Mon nouveau coup de coeur suédois s'appelle Michael Johansson

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Thu, 14 Jan 2010 02:34:00 +0000

J'aime vraiment beaucoup le travail de l'artiste suédois Michael Johansson. Ses assemblages de produits et meubles divers sont tout simplement parfaits. Bref, je vous invite fortement à aller consulter son site internet ici même. Ça en vaut franchement la peine!

Strövtag i tid och rum, 2009

Packa Pappas Kappsäck, 2006

Monochrome Anachron, 2008

Fyrahundra nyanser av brunt, 2009

Ghost II, 2009

Ottawa: les flash-backs.

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Thu, 19 Nov 2009 00:34:00 +0000

Je manque de temps, je l'avoue. En ce moment, j'ai presque juste assez de jus pour voir quelques expos une fois de temps en temps. Alors mes commentaires tardent et retardent encore et toujours. Mais je vais essayer de me discipliner, promis. De toute façon, promettre d'essayer, ce n'est tout de même pas trop engageant et je pense que je peux au moins faire ça pour vous.

Pour enchaîner avec le billet précédent (qui ne date PRESQUE pas), je vous fais un petit résumé des choses incroyables qu'il y avait à Ottawa. Ou pour être précise, au Musée des beaux-arts du Canada, étant donné que j'ai passé pas mal de mon temps là-bas.

Tout d'abord, il y avait (et il y a encore d'ailleurs, jusqu'au 17 janvier) la superbe rétrospective Gabor Szilasi, comprenant 124 photographies des débuts de sa carrière, en Hongrie, au reste de sa vie, ici à Montréal. On peut être témoins de ses premiers clichés à la Zorkij (vieil appareil russe), comprenant, juste pour donner une idée, une foule brûlant des ouvrages communistes en '56. Rien de moins. Il faut dire que Szilasi avait le regard extérieur qu'il faut pour saisir ce genre de moments et donner une valeur documentaire à sa pratique. Ce qui n'a pas toujours été le cas puisqu'à ses débuts, je l'ai appris dans la rétro, Szilasi s'intéressait principalement à la photo pictorialiste (très "arrangée", par opposition à la photo documentaire). Mais la plus grande partie de l'exposition se consacre à des scènes québécoises prises sur le vif (ou presque) à Montréal et dans plusieurs petits villages d'Abitibi, de la région de Charlevoix et de Saguenay, de la Mauricie, etc. À voir donc, si vous aimez un tant soit peu l'histoire ou la photographie ou que vous êtes, comme moi, de grands nostalgiques d'une époque que vous n'avez pratiquement pas connue.

art45.ca

Gabor Szilasi, Lac Balatton, Hongrie (1954)

www.gallery.ca

Gabor Szilasi, Coin du boulevard Saint-Laurent et de l'avenue Van Horne (été 1980)

N'ayant jamais mis les pieds au MBAC, j'avais pas mal de rattrapage à faire sur la collection permanente. Je n'avais donc, conséquemment, jamais vu en vrai de vrai Voice of Fire (1967) de Barnett Newman. Et je dois dire que lorsque l'on arrive finalement à la salle où l'oeuvre est exposée, on ne peut qu'être surpris par la grandeur de la toile et le respect qu'elle impose. Parce que oui, je pense que l'on doit tout de même du respect à une oeuvre qui, par son achat en 1989 (au coût de 1.8 millions), fit une véritable controverse. Quel artiste peut se vanter d'avoir créé pareil tapage du simple fait d'avoir vendu une oeuvre? Je me le demande. Chapeau M. Newman d'avoir, à l'époque, remis la question de l'art contemporain au goût du jour.

Ma visite au musée m'a aussi permis d'apprécier une oeuvre de Dali. Bon, ça peut paraître anodin. Tout le monde aime Dali (ou presque). Mais le fait est que moi, j'ai toujours eu beaucoup de difficulté avec les oeuvres du grand maître du surréalisme (au point où j'en ai même détruit une affiche qui ne m'appartenait pas, dans notre salon de colocation, lors d'une soirée bien arrosée. Oui oui.). Je fus donc vraiment fascinée par Gala et l'Angélus de Millet précédant l'arrivée imminente des anamorphoses coniques (1933), cette toute petite oeuvre de 24 X 20 cm environ, aux magnifiques contrastres de couleurs et à la composition vraiment différente (selon moi) de ce que l'on est habitué de voir de Dali.

www.abcgallery.com

Salvador Dali, Gala et l'Angélus de Millet précédant l'arrivée imminente des anamorphoses coniques (1933)

Mon coup de coeur revient sans hésitation à Paul Klee, que j'aime éperdument depuis toujours. Et malgré que ce soit un de mes artistes préférés, je n'avais jamais rien vu de lui en contexte muséal je dois dire que ça ne fait que confirmer ma passion pour son oeuvre. Avec Angoisse (1934), on se sent en terrain connu mais l'on découvre aussi toutes les petites subtilités que l'on ne pouvait voir dans les livres ou sur le web. Et ça ne fait que rendre l'oeuvre plus sensible et plus belle encore. Ce qui n'est pas peu dire. D'ailleurs, si comme moi, Klee vous intrigue et vous passionne, je vous conseille fortement le documentaire Le silence de l'ange (2005) de Michaël Gaumnitz. Il est parfois barbant et étrangement construit, mais lorsque l'on a soif de Klee, ça fait le travail. Voilà!

oseculoprodigioso.blogspot.com

Paul Klee, Angoisse (1934)

J'ai aussi eu la chance de voir le travail d'un autre de mes artistes préférés: George Segal. Lui, je l'avais déjà vu à l'Espace Shawinigan il y a quelques années mais Poste d'essence (1963), l'oeuvre de la collection du MBAC, avait un côté "mise en scène de la vie réelle" qui n'avait jamais été aussi présente dans ce que je connaissais de lui. Et ça ne m'a pas déplu du tout. J'y ai aussi revu le toujours magnifique Alexander Calder, créateur du mobile, avec Jacaranda (1949).

Dans les travaux plus actuels, j'ai découvert les projets en carton de James Carl, les pilônes électriques de Kevin Yates, l'environnement de bling-bling de Lee Bul de même que le superbe Isoceles (2007) de Mark Lewis. J'y ai aussi redécouvert les éléphants de Douglas Gordon (Faire le mort en temps réel (2003)), présenté en 2007 à la Galerie de l'UQAM.

www.friezeartfair.com

Lee Bul, Untitled (2008)

Je me suis aussi plongée dans le plus ancien avec la superbe Femme à l'ombrelle (Berthe Jeantaud) (1876) de Degas, avec les paysages parisiens d'Albert Marquet de même qu'avec l'espace réservé aux vieilles oeuvres britanniques. Il y aurait tant à dire sur tout ça mais je vous conseille, encore mieux que tout, de faire la visite par vous même.

Musée des beaux-arts du Canada

380, Promenade Sussex

Ottawa (Ontario)

Souvenirs d'Ottawa

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Fri, 16 Oct 2009 23:30:00 +0000

Souvenirs d'Ottawa, 2009
Collage

Je suis allée visiter Ottawa pour la première fois le weekend passé et j'y ai vu beaucoup trop de belles choses. Mais ma plus grande fixation, au delà des oeuvres du Musée des Beaux Arts, revient aux structures métalliques rencontrées au fil des promenades. Vues du Pont Alexandra, toit de vitre du Musée, parties d'échafauds et pylônes électriques occupent la plus grande partie de mon album photo. Voilà pourquoi j'ai décidé d'en faire un petit collage rapido presto.
J'aime définitivement les collages.

Et je vous parle très bientôt de ma visite au Musée des Beaux-Arts, parce que c'était incroyable!

Des affaires de filles (et autres affaires aussi, un peu)

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Fri, 25 Sep 2009 01:30:00 +0000

www.kerozene.ca

Dita Kubin, Matrimonial Suite #1

Ça faisait un petit bout que je n'étais pas allée faire mon tour au Belgo et ça me manquait. J'y ai donc remédié au début du mois en allant profiter des expositions de la Galerie SAS, Kérozène et Donald Browne.

Tout d'abord, à la Galerie SAS, on nous présentait 2Fik, seul artiste masculin de mon parcours au Belgo. J'en parle en tout premier parce que c'est probablement ce qui m'a le moins plus plu de tout le lot (je garde les rouges pour la fin), mais tout de même, ça mérite d'être mentionné. Parce qu'à travers ses photographies comico-narrativo-engagées (rien de moins), il réussit très bien à faire passer une problématique identitaire actuelle et nécessaire. Et il réussit aussi à créer des petits malaises d'avoir ri alors que le sujet est presque dramatique. En fait, je suis rabat-joie. Il y a plein de raisons d'aimer cette expo, mais je n'y arrive pas. Je pense que c'est a cause du côté comique, justement. 2Fik a voulu se ranger du côté de la drôlerie, à la façon d'un photo-roman, mais sans l'esthétique qui l'accompagne. Et ça, pour moi, ça détonnait. Et ça agaçait. Donc bref, à voir pour l'idée générale et pour les quelques sourires que la vue de l'artiste travesti et déguisé en une foule de personnages procure.

Dans la pièce du fond, de grandes oeuvres papier couvrent les murs de masses noires envahissantes. Ça m'a fait penser à la série Fear the Doily (2007) d'Alain Bonder dont j'avais déjà parlé ici (voir mon billet du 15 octobre 2008), mais en plus tordu, tortillé, emmêlé. Et en s'inspirant d'un thème totalement différent: la chevelure. On y voit donc des personnages confrontés à une masse de cheveux, luttant contre celle ci ou se laissant tout simplement envahir, dominer. Et toutes ces variations de réactions face aux masses se déroulent à l'encre sur d'énormes feuilles de papier archive Fabriano. Et c'est vraiment très réussi.

Une autre chose très réussie est cette exposition de Maryline Blais dans l'espace 2. Encore ici, c'est de dessin dont il est question. De dessin beaucoup plus petit, certes, mais nous présentant des personnages féminins pas si minuscules, oh non! Parce que dans les scènes imaginées par Maryline Blais, le laisser-aller est à l'honneur. Les femmes y sont grosses, impropres, névrosées, poilues, molles et totalement queers. On se croirait en plein conte traditionnel russe, dans un coin très très très reculé. Et on aime ça.

À la Galerie Kérozène (où je n'étais jamais allée), Dita Kubin présente une série de photographies sur le thème de l'abandon et de la relation à soi-même. C'est donc dans ce processus de dévoilement et de mise à nu qu'elle se met en scène, en unique sujet de ses oeuvres. On entre dans cette exposition comme dans l'intimité de quelqu'un, de façon croissante et toujours plus en confiance. En douceur. C'est juste assez flou. Juste assez romantique (en gardant une bonne part de quotidien). Je m'y suis reconnue, par moments. Le reste du temps, j'ai ressenti (beaucoup).

Finalement, à la Galerie Donald Browne, Eve K. Tremblay continue ses tentatives de mémoriser le livre Fahrenheit 451 de Ray Bradbury (comme les Hommes-livres du roman), en documentant le tout avec une série de photographies et de vidéos. Je dois dire que pour quelqu'un qui, comme moi, travaille en librarie, il y a un certain intérêt à voir quelqu'un lire un bouquin (que l'on est capable d'identifier et qui n'est pas trop mauvais). Il y a du voyeurisme là-dedans, certainement. Mais aussi un petit quelque chose de purement esthétique. Donc juste pour ça, je peux dire que j'ai aimé l'exposition. Mais aussi (beaucoup) pour le concept.

À voir donc, même si j'en parle encore quand il ne reste que peu de temps pour s'y rendre.

Les expositions à la Galerie SAS sont là jusqu'au 26 septembre, celle de Eve K. Tremblay jusqu'au 3 octobre et celle de Dita Kubin jusqu'au 4 octobre.

Édifice Belgo
(Espace 416 pour SAS, 420 pour Kérozène et 524 pour Donald Browne)
372, Rue Sainte-Catherine Ouest
Métro Place-des-Arts

Et pour en savoir plus sur les expositions en cours au Belgo (et pour une liste des galeries), rendez vous sur le blog de Bettina Forget.

Pourquoi je parle toujours d'expositions terminées...

noreply@blogger.com (MAUDE LEFEBVRE) — Thu, 24 Sep 2009 02:05:00 +0000

1) J'aime prendre du recul par rapport aux trucs que je vais voir. Et souvent, le recul dure le temps que l'exposition se termine. Je n'y peux rien. C'est comme ça.

2) À la base, mon but n'est pas de promouvoir des expositions. J'aime l'art. Point à la ligne. Et si je peux réussir à transmettre ma passion, j'en serais ravie. C'est important, de fréquenter nos lieux de culture. VRAIMENT important. Mais je ne crois pas que d'inciter les gens à consommer des expos en les bombardant de pub soit la chose à faire. Il y a déjà tellement de projection pour si peu de compte-rendus.

3) Je ne suis pas très assidue/organisée/pressée.

4) Je vis dans le passé.