Lidiane Dutra

O redemoinho

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Mon, 2 Mar 2026 10:00:00 -0300

O redemoinho é uma arte digital que criei para o ano letivo de 2026 da Rede Municipal de Ensino. Fiz cada um desses peixinhos, um a um, cada um deles tem uma carinha e manchinhas próprias, individuais, como as singularidades que cada um de nós temos também.

O termo redemoinho deriva de um comportamento típico de cardumes, quando os indivíduos se unem em nado sincronizado, em formato espiralado, para escapar de predadores, busca alimentar, reprodução e eficiência hidrodinâmica.

Inspirada pela foto vencedora do concurso BMC Ecology and Evolution 2021, e pelo movimento de circularidade das cirandas, em consonância com a cultura oceânica e a identidade visual construída ao longo de 2025, baseada em azulejos portugueses.

A espiral de peixinhos já tomou conta das escolas da rede e está sendo abraçada por professoras, professores e estudantes. E é impossível falar de espiral sem lembrar desse cântico do Claudiney Prieto:

A Sereia, 10 anos depois

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Sun, 22 Feb 2026 15:54:00 -0300

A nostalgia que envolve 2016 (uma década já se passou!) tomou conta da internet, e muitas pessoas passaram a reviver o ano em que colocávamos filtro de cachorrinho do Snapchat em todas as fotos. Nas artes, foi um ano muito importante para mim, pois comecei a Oficina de Aquarela da Sabrina Eras. Esse curso mudou a minha vida, pois aprendi a usar a aquarela sem medo, e consegui vencer um dos grandes bloqueios que me assombravam: voltar a estudar com ajuda de uma professora, depois de terminar o mestrado e jogar tudo pro alto. Fui seguindo por conta própria até o momento que não consegui mais. E a Sabrina foi essencial para me dar a confiança de que eu tanto precisava.

Também era um tempo em que eu participava dos grupos de desafio no Facebook (2Minds, Ilustraday, Girls Artist Gang), tinha loja online na Colab55 e ia me virando com encomendas. Mas também foi um ano que marcou um ponto de estagnação muito grande na minha vida, pois foi quando comecei a ver todo mundo "dando certo", enquanto eu me sentia paralisada na vida. Ainda demoraria mais dois anos para eu ser chamada no concurso público que me tornou professora, por exemplo.

Artisticamente, fiz três trabalhos que me definiram e ajudaram a pavimentar o caminho do que viria no ano seguinte: Hécate, um trabalho que foi um ponto de virada para minha espiritualidade e para a temática que seria recorrente dali em diante; também fiz meu Inktober mais consistente até o momento, e Sereia, feita para o Ilustraday de março de 2016, que virou um grande xodó, não só meu, como de muitas pessoas que me acompanhavam naquela época.

E é esse trabalho que decidi refazer, não para apontar todos os defeitos daquela época e tentar melhorá-lo, mas para prestar a reverência que ele merece, pois foi muito importante na minha vida. Se o primeiro foi um passo a mais no estudo da aquarela, a sua releitura é um passo a mais no estudo do digital.

Recordando: essa ilustração foi feita para um desafio cujo tema era sereia. Escolhi trabalhar com a ideia original do conto de Hans Christian Andersen, a história da sereiazinha em busca de uma alma imortal. Sua aparência gélida, etérea e sobre-humana é refletida na pele pálida, nos olhos tristes e na longa trança, que aqui faz às vezes da representação da cauda da sereia. 10 anos depois, todos os elementos-chave continuam lá: a pele pálida, a trança, o aspecto sobrenatural. Mas há uma mudança sutil: seus olhos não estão mais tristes, ela já não busca uma alma imortal: essa sereia tem a plena consciência de que virará espuma sobre as ondas e, embora seja uma figura aparentemente inocente, não pensará duas vezes em levar qualquer um para o fundo do oceano com ela.

Trabalhei novamente com os excelentes pincéis do Adilson Farias para Procreate, utilizando basicamente o que tem efeito de lápis 6B. Aqui dá pra ter uma noção de como foi feito o cabelo. Mudei poucos, mas significativos detalhes na figura, fazendo a transposição entre os suportes da melhor maneira possível.

Acho sempre um exercício interessante fazer a releitura de um trabalho depois de algum tempo, já fiz isso incontáveis vezes, mas sempre com um olhar respeitoso para o que foi feito no passado, naquele momento histórico, dispondo das condições que tínhamos. É muito triste quando um artista desdenha da própria história, mostrando os trabalhos anteriores como se fossem coisas horríveis, quando na verdade eles ajudaram imensamente na caminhada.

Algumas resoluções

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Sat, 17 Jan 2026 14:39:00 -0300

Nos últimos anos, janeiro é marcado por uma grande movimentação aqui no blog, pois geralmente é o mês que estou mais descansada, em férias escolares, e tenho mais tempo para desenhar, postar e ler. Mas esse ano virei mais uma chave em relação à presença online, arte, universo e tudo mais, e venho aqui compartilhar algumas resoluções para 2026:

A primeira resolução foi colocada em prática logo no início do ano. Depois de 5 anos, resolvi trocar o layout do blog e passei um final de semana me dedicando a atualizar plugins, corrigir erros e inspecionar elementos no html para deixar tudo do jeito que queria. O tema escolhido é da Maira Gall, que eu já vinha querendo a algum tempo. Amo esse tipo de coisa, embora não seja profissional em programação e me restrinja a fazer o básico, pois sinto que realmente estou construindo algo, como se fosse uma reforma na minha casa ou redecorar um ambiente. Também retorno ao tempo em que blog tinha cara de blog, e não de site. Tudo agora é importante e merece destaque, não só meu trabalho artístico, mas também os textos, as demais páginas, o conjunto da obra, que vai para seu 16° aniversário (meu blog já pode votar!).

Em 2024 tive uma newsletter no Substack por um brevíssimo período, mas que gerou textos muito prolíficos, e um deles falava sobre como eu estava saindo das redes sociais. E sigo nesse movimento, mantendo ativas somente três redes (ativas no sentido de que entro nelas com regularidade). Para esse ano, quero fazer no Instagram um movimento que já fiz no TikTok: limpar o meu feed. E por quê? Porque a maioria das pessoas não quer mais ver arte, e compartilhar arte nas redes está cada vez mais difícil. Eu já venho falando isso a algum tempo: que o público se interessa por lifestyle e aesthetic; a valor agregado e performance, mas muito pouco por processo criativo. Então não vou colocar mais a minha energia num algoritmo que não me respeita, que exige minha presença constante e ainda usa meu trabalho para treinar IA. Na última newsletter da Loish (uma artista com mais de 2 milhões de seguidores só no Instagram), ela fala que já está há 20 anos divulgando seu trabalho na internet, e que não consegue mais ter uma fórmula ou acompanhar as exigências das redes. Por isso, ela tenta redirecionar o público para espaços nos quais ela possui mais controle, como o site, Patreon e a própria newsletter. E é por esse caminho que pretendo andar também. Além do mais, tenho uma tese para escrever!

Sobre limpar o feed: se você entrar hoje no meu Instagram, vai encontrar pouco mais de 100 fotos. Arquivei em torno de 200 postagens. Pode parecer loucura, mas é só uma rede social. E ainda: 1. o que publiquei lá, publiquei aqui também; 2. nós nos acostumamos a um fluxo intenso de compartilhamento de imagens, sejam fotos ou vídeos, pagamos para ter espaço na nuvem e armazenar os registros em nossos celulares (duas, três, quatro mil fotos num aparelho...), ficamos com a sensação de que se não há foto ou story, é como se não existíssemos. E não precisa ser assim. Para quem nasceu na era analógica, é só lembrar que o máximo de fotos que um rolo de filme fazia numa câmera fotográfica era 36 "poses" e, com muita sorte, se todas ficassem boas, lotavam um álbum. Nossa relação com as imagens precisa mudar, desacelerar.

E aí entramos na famigerada bolha da IA. Ninguém aguenta mais tanto conteúdo gerado por inteligência artificial, e já venho batendo nessa tecla também: arte está ficando nichada, e IA está sendo associada a "coisa de pobre" (vi muitos vídeos sobre o assunto recentemente, mas meu texto de 2023 já previa esse futuro). Existe uma saturação do olhar provocada por essas mídias, mas o movimento contrário não tem sido no sentido de democratizar a arte feita por humanos, pelo contrário: hoje em dia virou trend ter uma "analog bag", nada mais do que uma bolsa (de marca) com materiais de arte (caros) e livros (em edições luxuosas), para evitar o excesso de estímulo causado pelas redes. Novamente, invadimos o campo da performance, justamente registrando esses equipamentos analógicos e postando nas redes que dizemos ser contra. Então, para 2026 em diante, não quero circunscrever minha arte nesse lugar de autoafirmação sobre ser diferente por não consumir IA e por pintar aquarela, me colocando como erudita e acima da média populacional, apenas porque uso caderno e caneta. Não faz meu tipo.

Também entra na equação das resoluções uma pergunta que tenho me feito há anos: Por que faço o que faço? Qual a minha motivação para continuar a nadar, mesmo com tantas coisas contra? Por que sempre essas mulheres, esses temas, esse ouroboros de assuntos que se conectam com coisas feitas há mais de 10 anos, e que sempre se repetem? Eu tenho a tendência a levar muito a sério o entendimento das pessoas sobre o meu trabalho. Se alguém não entendeu é porque eu não expliquei direito, não ficou claro, não está inteligível. O grande exercício desse ano será: se entendeu ou não, não me interessa. Porque essa é a minha linguagem. Eu escolhi, conscientemente ou não, ao longo de mais de 20 anos, um conjunto de signos que me representa e que simplesmente acontece na minha obra. E sempre que trago um trabalho novo para o mundo, venho aqui, explico, mostro minhas referências, amplio aquela visão incial baseada na imagem. Se o público quiser ou não consumir isso, não vai mais, definitivamente, ser da minha conta. Lembrando: tenho uma tese para escrever, não vou mais me preocupar se a pessoa não entendeu de onde eu tirei uma imagem de Kali, por exemplo.

Indo mais a fundo no terreno artístico, chegamos na crítica construtiva. Eu já fui a pessoa que ia lá, mesmo sem ser solicitada, e fazia uma crítica construtiva para a outra pessoa, seja sobre sua técnica, sobre seu material ou sobre sua temática, afinal, estamos todas, todos e todes aqui para nos ajudar. Errado. A crítica, quando não solicitada, só mata a vontade da pessoa em criar. E eu fui aprendendo e me dando conta disso quando comecei a dar aula no ensino regular. A partir de uma certa idade, o desenho se torna um tabu para a maioria de nós, pois é cercado por comparações com os outros e, olha só, críticas construtivas, porém não solicitadas. Durante todo esse tempo que compartilho minha arte online, não foram poucas as vezes que as pessoas simplesmente me mandaram estudar. Como se eu não fizesse isso ou não fizesse o suficiente ou, ainda, como se eu não fizesse do jeito delas. Vai estudar anatomia, cenário, fundamentos (eu tenho uma faculdade de Artes Visuais!), pose dinâmica, gestual, enfim. E a maioria dessas críticas veio de gente conhecida, que estava ali para me ajudar. Só que isso foi gerando uma angústia enorme dentro de mim, pois toda a vez que eu publicava algo, a crítica construtiva caía no meu colo. Mais recentemente com o desenho digital, sempre disfarçada como aquele "toque" de quem é mais experiente ou mais intrometido, apenas. E só eu sei o quanto isso me faz mal, pois me deixa insegura em coisas que eu demorei horrores para aprender e ter um resultado legal, na minha percepção. Então minha resolução em relação as críticas construtivas é não ouvi-las, mas também devolvendo o constrangimento sem medo nenhum. Achou meu trabalho ruim? Faz melhor e não me incomoda. Tenho uma tese para escrever.

Por fim, uma das minhas maiores resoluções para 2026 é, talvez, a mais contraditória: não desenhar também é desenhar. Vim marcando em alguns parágrafos a frase tenho uma tese para escrever e, nesse exato momento, estou num ponto em que olhei para trás e vi minha dissertação, que fala sobre desenho, e senti um puta orgulho do texto que escrevi, da pesquisa que fiz e uma vontade enorme de retomar isso de onde parei. Ainda não sei como vou fazer isso, e nem posso ficar falando sobre, mas é algo que vai envolver muita leitura acadêmica e muitas horas dedicadas à teoria. E eu não posso me colocar num lugar de culpa, de ai, poderia estar desenhando, mas estou lendo/escrevendo/estudando outra coisa. Isso também vai ser desenho. Desenho de ideias, de sonhos, de propostas, que precisam de tempo e de dedicação para acontecer. E quando pontuei, ao longo do texto, a necessidade de escrever uma tese, quis reafirmar para mim, para ti, para o universo, que não vou perder tempo com ladaia de bilionário dono de rede social, de gente desocupada ou de vozes sabotadoras da minha própria cabeça. Não quero envolver meu doutorado em sofrimento, honrando o legado que meu ex-orientador me deixou. São 41 anos de vida, 21 de trajetória acadêmica, 16 aqui nesse espaço virtual. Estou dando uma grande banana para o sistema e assumindo os riscos de fazer as coisas no meu ritmo. Se vai dar bom? Não sei, mas acho que são resoluções muito boas.

Espero que tenha ressoado aí o que escrevi por aqui. Mas se não, é só seguir adiante. Para quem fica e me acompanha, vou passar a postar minhas artes, reflexões e afins muito mais aqui no blog. Como disse acima, não me sinto mais a vontade para postar com a regularidade que eu tinha. Vou sempre compartilhar o que estou fazendo e o link para que as pessoas saibam quando tem postagem nova. Talvez crie um destaque no Instagram para facilitar a busca. E sigo postando story dos meus vinis, dos meus gatos e outras coisas totamente nonsense. E é isso aí.

A vida presta. Feliz 2026!

A Roda da Fortuna

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Sun, 28 Dec 2025 18:32:00 -0300

A Roda da Fortuna é o arcano regente do ano de 2026 e representa muitas coisas, dentre elas, o nosso destino: nada dura para sempre; nem o bem, tampouco o mal. Tudo está em movimento, girando e se renovando a cada ciclo. O que hoje está em cima, amanhã estará embaixo.

As primeiras representações da Roda da Fortuna remontam ao período medieval e, quando o tarô começou a se estruturar e a se popularizar, a imagem e o simbolismo da Roda foram incorporados ao sistema. Ao contrário do que muitas pessoas pensam, a fortuna aqui não está relacionada ao dinheiro, mas sim à deusa romana Fortuna, que rege o destino e a sorte.

A Roda da Fortuna na representação de Pamela Colman Smith para o Tarô de Rider-Waite-Smith e no Tarô de Marselha.

Já a minha representação traz - e não poderia ser diferente - a deusa Hekate, aqui em seu epíteto Propolos, aquela que lidera, guia, companheira. Se a Roda diz da nossa jornada, Hekate surge como aquela que segura nosso destino em suas mãos e nos guia pelo ciclo da vida. Como 2026 será também o ano do cavalo, pelo horóscopo chinês, fiz a união da representação de Hekate com cabeça de cavalo (Keratopis) e também com cabeça de leoa (Leaina), visto que a Esfinge está presente em várias representações clássicas da Roda (vide imagem acima). A serpente voltada para baixo também aparece, representando um animal de Hekate e os desafios que devemos enfrentar. Já a roda em si é representada pelo Strophalos, a Roda de Hekate.

Usei uma foto minha segurando uma base de bolo, pois não encontrava uma foto na posição desejada hehehe.

Embora pareça desenhada a lápis, a ilustração foi feita no Procreate, utilizando os pincéis maravilhosos do Adilson Farias, que imitam várias texturas de grafite (AF Pencil Studio). A carta completa ficou assim:

Tudo flui para fora e para dentro; tudo tem suas marés; todas as coisas sobem e caem; o balançar do pêndulo se manifesta em tudo; a medida do balanço para a direita é a medida do balanço para a esquerda; o ritmo é a compensação. - O Caibalion

Desejo que em 2026 todos os ciclos de negatividade e provação se encerrem, para dar espaço aos ciclos de renovação, vitórias e prosperidade. ✨

The category is: Krampus

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Mon, 22 Dec 2025 15:43:00 -0300

Para fechar os trabalhos do ano fiz, mais uma vez, a representação de Krampus. Adoro como esse ser mítico foi reinterpretado nos últimos tempos e, na minha versão, ele está absolutely cunty.

Sempre que chega o final do ano, fico com aquela sensação de que poderia ter feito mais, ter estudado mais, me sinto um hamster dentro da rodinha. Por isso, resolvi listar algumas coisas, para lembrar de que foi um ano e tanto:

Criei meu logotipo, baseado naquilo que acredito e dá sentido à minha arte;
Participei de uma feira, desenhando ao vivo e superando o medo que eu tinha de me expor;
Vendi meus trabalhos;
Li muitos livros sobre arte;
Transformei livros lidos em ilustrações;
Ilustrei nove mulheres rio-grandinas notáveis, num material que virou referência para a rede municipal de ensino;
Ilustrei a capa dos cadernos dos kits escolares (e recebi os parabéns da prefeita por isso!);
Tive minha 1° exposição individual na Galeria Breche da Escola de Belas Artes Heitor de Lemos, um reconhecimento pelo meu trabalho que me emocionou muito;
Passei no doutorado, depois de 14 anos afastada da academia;
Fui trabalhar na Secretaria de Educação - e tenho feito muitas ilustrações por lá;
Comprei meu iPad e comecei a ilustrar no Procreate;
Consegui fazer dois projetos de desenho do início ao fim nos meses de outubro e novembro.

Eu sempre coloco como resolução estudar mais, e me culpo muito por não conseguir me dedicar a isso na intensidade que gostaria. E agora, com o doutorado, sinto que essa sensação se estendeu às leituras e até mesmo ao tempo de ócio. Então, só quero manejar tudo da melhor maneira possível no próximo ano. E seguir usando esse espaço para me expressar, talvez com mais intensidade, visto que as redes sociais estão perdendo o encanto cada vez mais.

Desejo uma despedida tranquila de 2025 e um 2026 repleto de possibilidades.

"Não precisa ter pressa. Não há necessidade de brilhar. Não precisa ser niguém além de si mesmo." - Virginia Woolf

Hekatembro: uma Hekate por domingo em novembro

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Sun, 30 Nov 2025 11:53:00 -0300

Assim como o Lidytober no mês passado, também resolvi fazer um pequeno desafio em novembro, que coloquei o nome de Hekatembro: uma Hekate por domingo. A ideia foi bem simples: escolhi alguns epítetos da Deusa com os quais tenho afinidade e, todo o domingo, publiquei uma ilustração digital com o tema referente.

Além de abranger duas datas importantes do calendário hekatino (16/11 - Noite de Hekate e 30/11 - Hekate das Encruzilhadas), foi uma maneira de estudar um pouco mais as ferramentas digitais, testar pincéis e melhorar gradualmente no Procreate, a passos muito lentos, mas aproveitando a jornada.

O alcance no Instagram está péssimo, e os meus trabalhos quase não são entregues para quem me segue. Então sigo insistindo em constituir meu portfólio aqui no blog, pois consigo ter um panorama da evolução do meu traço e no que preciso melhorar.

Recentemente, o Pinterest também se tornou um lugar hostil, ao rotular automaticamente várias artes minhas como modificadas por IA. Entrei em contato com o suporte, mas preferi excluir os pins e, sinceramente, não tenho mais vontade de usar a plataforma, embora o retorno sempre tenha sido bom.

E mesmo tirando todos os percalços causados pelas próprias redes, acho que muito do sentido de comunidade que existia na internet (e, mais precisamente, na parte artística) se perdeu, as pessoas passam o feed desinteressadamente e infinitamente, procurando algo que não se sabe ao certo. Tudo tem virado uma grande performance, não há mais muito espaço para a contemplação, para o processo, para o estudo, tudo vem acompanhado de uma etiqueta redirecionando a uma loja onde se pode adquirir o que está sendo mostrado. E isso cansa.

Também estou cansada da vida, de modo geral (final de ano e velhice realmente não combinam), e resolvi parar de aceitar encomendas, indefinidamente. Sinto falta das lojas virtuais, pelo menos meu trabalho estava ali na renda passiva, mas também não consigo visualizar um lugar que possa dar conta de uma comissão justa, um frete justo e produtos com uma qualidade justa. Vamos às Deusas?

Para o dia 02 de novembro, dia de Finados, escolhi o epíteto Anassa Eneroi, a Rainha dos Mortos. A Deusa está com um véu vermelho, uma de suas cores, cobrindo o rosto, simbolizando o véu entre os mundos, e segurando um crânio, representando os mortos inquietos que a seguem. O feixe de luz traz a dualidade luz/sombra, vida/morte e a regência de Hekate em ambos os reinos.

Para o dia 09 de novembro, o epíteto escolhido foi Hieros Pyr, Fogo Sagrado. A luz do fogo emana de dentro da própria Deusa, sai pelos seus olhos, toma forma num halo flamejante em seu entorno e na chama crepitante em suas mãos. Aqui, trago a noção de Hekate como Alma Cósmica do Universo, tudo vem dela e para ela retorna, animado pelo seu fogo sagrado.

Para o dia 16 de novembro, a Noite de Hekate, escolhi o epíteto Soteira, a Salvadora. Hekate está em seu traje cor de açafrão (aqui, existem distinções entre "a cor de açafrão", que pode ser dourado, alaranjado ou vermelho. Optei por dourado.), carregando sua coroa de sete pontas (duas não visíveis), presente em estatuárias romanas que retratam a Deusa, ladeada pela silhueta de dois cães, animais símbolos de Hekate e também de proteção e fidelidade. Essas silhuetas também podem ser entendidas como mais duas cabeças, fazendo alusão às representações em que Hekate tem uma cabeça de vaca, leoa ou égua, e também ao Cérbero, protetor do Submundo.

Para o dia 23, o epíteto escolhido foi Apotropaia, Protetora. A Deusa está rodeada pelo Ouroboros, o ciclo infinito da vida, e carregando serpentes, animais associados à sabedoria, e também presentes na representação da górgona Medusa, cujo escudo com sua cabeça era carregado pela Deusa Atena, com forte teor apotropaico. As joias apotropaicas também eram muito comuns na antiguidade, amuletos que protegiam seus usuários dos maus agouros. E por 2025 ser o Ano da Serpente, todas essas representações estão reunidas na figura.

E para o último domingo, 30 de novembro, dia de Hekate das Encruzilhadas, o epíteto escolhido foi Trioditis, Dos três caminhos, Da encruzilhada tripla. A Deusa está em sua forma trívia, simbolizando os rumos que podemos tomar na nossa vida. Essa representação foge bastante ao estilo que trabalhei nas anteriores, remetendo à estatuária, e utilizando o roxo como cor predominante. Ao invés de retratar três rostos, preferi deixar um como se fosse uma máscara, retomando o conceito da górgona e também numa referência às máscaras sociais que usamos ao longo da vida. Qual máscara escolheremos? O que acontece se abandonarmos a máscara e escolhermos outra coisa?

Espero que, devotos ou não, esse projeto tenha tocado de alguma forma quem o acompanhou. Gostaria de fazer também o calendário do advento que fiz há 2 anos, mas infelizmente não será possível. Mas foi um bom ano artístico.

🔥

Lidytober 2025: Ghost

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Fri, 31 Oct 2025 12:00:00 -0300

Minha ideia para o Lidytober desse ano começou lá por meados de julho, quando esbocei o que eu queria para o desafio: uma ilustração por semana, para ser postada toda a sexta-feira de outubro, totalizando 5 ilustras. A princípio, seriam ilustrações tradicionais, usando nanquim, mas, no meio do caminho, comprei um IPad e acabei optando por fazê-las digitalmente.

Depois de organizar a parte prática, veio a questão do tema. Pensei em personagens de horror da cultura pop, mas isso me carregava diretamente para o desafio de 2017, que até hoje é o que eu mais gosto. Então, resolvi fazer cada um dos Papas da banda Ghost versão feminina, que fecharia certinho as 5 semanas de outubro.

Não é de hoje que quero fazer um dos Papas, a primeira ideia veio em 2021, no antigo projeto do arcano regente do ano. Mas na enquete acabou ganhando Anúbis para representar o Hierofante. E sobre a banda, acho que como todo brasileiro, comecei a acompanhar a partir do Rock in Rio de 2013 (aquela montagem maravilhosa do canal Golpe Baixo é insuperável). Mas somente esse ano, com tempo e paz de espírito, resolvi fazer o deep dive na discografia deles e, como acabei comprando um toca discos, aproveitei para iniciar minha coleção de vinis por eles também. Sobre ser uma banda satânica, genérica ou comercial, aí vai de cada um, e não acho que ninguém deva fiscalizar o gosto alheio, como tentaram fazer comigo.

Aproveitei a oportunidade, também, para me apropriar melhor do Procreate, depois de dois anos trabalhando no Infinite Painter. Optei por fazer todos os trabalhos em tons de cinza para treinar a questão dos valores, utilizando uma das maravilhosas paletas da Loish. Também fiz um vídeo time lapse para cada uma, e todos podem ser vistos no meu Instagram. Mas chega de papo e vamos aos Papas (ou Papisas?):

Semana 01 - Primo

Semana 02 - Secondo

Semana 03 - Terzo

Semana 04 - Cardi e IV

Semana 05 - Perpetua

Para o Perpetua eu refiz um desenho com marcadores de junho desse ano, que acabou meio torto. Achei melhor reaproveitar a ideia do que fazer algo do zero. E também já é possível ver que consegui trabalhar bem mais nele do que nos outros. Para todas as ilustras, parti do rascunho feito no papel (pois seriam tradicionais), só tirei uma foto e finalizei digitalmente.

Esse ano completam 10 anos que participo do Inktober (como projeto geral), dedicando o mês de outubro a desenhar nem que seja uma vez por semana. Nunca segui uma lista oficial, sempre fiz tudo da minha cabeça, por acreditar que a ideia de parar e se dedicar à arte já é suficientemente legal, e que pode abrir outras possibilidades a partir disso. Já me cobrei muito, já fiz muita coisa feia, já me planejei, já fiz coisas excelentes e o que fica é a caminhada artística que venho construindo nessa década de desenho em outubro.

Feliz Halloween, para quem é de Halloween! 🎃

Meu retrato no Procreate

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Sun, 28 Sep 2025 12:31:00 -0300

Em 2023 comprei um tablet muito simples para poder estudar e carregar menos peso na mochila, mas acabou que instalei um programa chamado Infinite Painter e usei essencialmente para desenhar. Tive que aprender do zero, com tutoriais na internet, pois tudo era uma grande novidade para mim. E fiz trabalhos dos quais me orgulho muito, como o Inktober daquele ano, o Calendário do Advento e a ilustração que está em todos os cadernos da rede escolar.

Esse ano, consegui comprar um IPad e pude instalar o Procreate, e cá estamos novamente, aprendendo tudo do zero (me sinto eternamente na aula de Matemática do 6° ano, único momento na vida em que reprovei numa disciplina). Gostaria muito de fazer mais um Inktober digital, mas não sei se consigo a tempo. Tenho usado mais para testar pincéis e pressões da caneta e me acostumar com os comandos do aplicativo, que são diferentes dos que eu usava.

E consegui também fazer um retrato digital bem apresentável, usando o que aprendi da ferramenta até agora. Dá pra melhorar bastante, mas já consegui entender quais pincéis e efeitos curto mais, e também instalei os pincéis de artistas que adoro, como o Adilson Farias e a Loish, os quais sigo testando.

The season of the witch is coming.

Hegemonen

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Wed, 13 Aug 2025 18:41:00 -0300

Hécate é uma deusa das coisas que outros temem, entendem mal ou, até mesmo, expulsam do mundo convencional. Ela nos oferece conforto na escuridão. Ela ilumina os espaços que precisamos curar. Ela também pode nos mostra a profundidade de nossa maldade, destacando nossos próprios poderes para ferir ou destruir. Ela nos lembra dos espíritos que nos precederam, conectando-nos com as lições que eles nos deixaram. Ela nos faz recordar a magia que está em nosso sangue. E, assim como a lua ilumina as trevas, Hécate ilumina o que há em nós de poderoso e amoroso, indulgente e gracioso. Ao passarmos por essas nossas vidas, há momentos em que nossas próprias bênçãos, qualidades incríveis que poderiam abalar a terra e renová-la inteira, se perdem também em um período de escuridão. Elas se tornam nossos próprios fantasmas, assombrando-nos, e muitas vezes tememos e fugimos delas. Mas tudo isso é domínio de Hécate e, assim como os antigos gregos lhe pediam que liberasse os espíritos para auxiliá-los com seus próprios esforços mágicos, nós também podemos pedir-lhe que liberte os espíritos para nos ajudar. - Courtney Weber, p. 152.

Em 13 de agosto muitas pessoas ao redor do mundo celebram o Dia de Hekate, que é uma data moderna, sem ligação com o culto da antiguidade. Já falei dessa data anteriormente, neste post, e deixo aqui também o texto do Santuário de Hekate Hegemonen com algumas explicações.

Fiz questão de colocar logo de início a música Stand by Him, por falar de bruxaria e citar um trecho do Malleus maleficarum (All witchcraft comes from carnal lust, which is in women insatiable/ toda bruxaria surge da luxúria carnal, que é, nas mulheres, insaciável). Hekate, enquanto rainha das bruxas, acolhe aquelas mulheres que, por suas convicções, práticas e modos de vida, são jogadas às margens da sociedade. Bruxa foi a palavra utilizada para designar a mulher em pecado, de acordo com a ótica da igreja católica, mas bruxa é a mulher que escolheu seu próprio caminho, diante da encruzilhada da vida.

Essa ilustração não nasce necessariamente como uma representação de Hekate. A figura e seu simbolismo foram se constituindo à medida que fui desenvolvendo tanto o desenho, quando o texto para esse post. Essa figura de olhos com duas íris intriga e inquieta. Por trás da aparente "normalidade", uma "anomalia" se apresenta. E não é assim quando resolvemos nos levantar quanto a uma opressão e usar nosso poder de decisão?

Escolhi o epíteto Hegemonen, que significa guia, para associar à essa figura. Hekate Hegemonen guia os nossos caminhos e Hekate, enquanto alma cósmica do universo, que tudo vê e tudo sente, está atenta aos nossos passos, observando com cuidado o caminho que tomamos, com olhos atentos e que se multiplicam.

Observar a si mesma, se compreender e entender seu lugar no mundo é algo que a bruxa faz constantemente em sua prática e em sua vida. Ter olhos para si, para o mundo que a cerca, para a multiplicidade de experiências que podemos viver, tendo Hekate como guia e conselheira nesse caminho.

Aproveito a oportunidade para registrar que, após 14 anos de um longo caminho de entendimento, redescoberta, perdão e olhos voltados para dentro de mim, estou retornando à universidade para fazer meu doutorado.

Materiais utilizados

Papel Concept Hahnemuhle 220g;
Lápis grafite 3B Toison D'Or Koh-I-Noor;
Esfuminho;
Caneta dourada Pentel.

Feliz 13 de agosto a todas as bruxas!

O Jarro de Pandora

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Tue, 29 Jul 2025 13:19:00 -0300

ele chamou essa mulher de Pandora porque todos os deuses que vivem no monte Olimpo lhe deram um dom, uma calamidade para os homens."

Essa ilustração surgiu após a leitura do maravilhoso O Jarro de Pandora: uma visão revolucionária e igualitária sobre a representação das mulheres na mitologia grega, da Natalie Haynes. Gostaria que ela tivesse ficado pronta a tempo da minha última exposição, mas tudo sempre ocorre no tempo que deve ocorrer.

Pandora é comumente descrita como a mulher que carrega uma caixa, na qual estão todos os males do mundo e, por descuido ou curiosidade ao abri-la, deixa-os escaparem, sobrando unicamente a esperança lá dentro. Esse mito sempre pareceu confuso para mim, pois eu não conseguia entender por que a esperança estaria dentro de uma caixa cheia de males...

Natalie Haynes vai a fundo no mito e traz alguns pontos que elucidam a história: Pandora foi criada pelos olimpianos em represália a Prometeu, que roubou o fogo dos deuses e os deu aos humanos. Ela é o kalon kakon, um belo mal, e é dada em presente a Epimeteu, irmão de Prometeu. Pandora carrega consigo um jarro (provavelmente um lebes nupcial) que, ao aberto, espalha as calamidades sobre os mortais.

A autora aponta também um provável erro de tradução: o termo elpis não significa exatamente esperança mas, talvez, expectativa. Já a representação da caixa no lugar do jarro aparece a partir do século XIX em fábulas e pinturas.

Munida de todas essas informações, comecei a pesquisar imagens de jarros antigos, vestimentas e detalhes de frisos gregos. Eu queria que Pandora fosse ela própria o jarro, o receptáculo de seus próprios quereres - e não dos males que afligem os "pobres homens". Por isso, os frisos se converteram em tatuagens. A roupa da cor do açafrão evoca às vestimentas gregas, mas não é fiel à elas.

O jarro não é no formato do lebes nupcial, mas sim algo que passa certa dificuldade em segurar e manejar, que precisa de um esforço para ser carregado. Mesmo assim, a expressão de Pandora é serena: ela olha para além da tela e coloca sua mão delicadamente dentro do jarro, quase como uma ameaça velada: se eu colocar minha mão aqui, você está ferrado! Pois aqui dentro está a minha essência...

Utilizei meus métodos de desenho e pintura, e foi muito difícil fazer com que tudo convesasse e convergisse para o que eu queria desde o começo. Foi também um processo arrastado, tive que lidar com muitas coisas acontecendo em paralelo, mas Pandora me convidava para abrir o jarro e assim concluí a ilustração.

Materiais utilizados

Papel Arches grana fina 300g;
Aquarelas White Nights;
Pincéis para aquarela sortidos;
Lápis de cor Pentel;
Marcadores Pentel para os detalhes.

O resultado final:

Livros com releituras de mitos gregos que estão na minha lista

Galateia, Madeline Miller; (lido 5★)
Circe, Madeline Miller; (lido 5★)
A Canção de Aquiles, Madeline Miller; (lido 5★)
O Jarro de Pandora, Natalie Haynes; (lido 5★)
Ariadne, Jennifer Saint; (lido 3★)
Clitemnestra, Constanza Casati;
O Olhar Petrificante, Natalie Haynes;
Mil Navios para Tróia, Natalie Haynes;
Os Filhos de Jocasta, Natalie Haynes;
Medeia, Rosie Hewlett.

Patrimônio Papareia

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Thu, 17 Jul 2025 14:06:00 -0300

Assim como as Mulheres Rio-grandinas Notáveis, esse foi mais um trabalho que fiz dentro das atividades para a Secretaria de Município da Educação, onde estou atuando no momento. A ideia era criar uma capa para os cadernos disponibilizados dentro do kit escolar, e após um grande brainstorming (com auxílio do Felipe e da Karine), a ilustração Patrimônio Papareia tomou forma.

Ela segue o padrão das Mulheres Notáveis, reproduzindo o estilo de um azulejo português. A ilustração é composta por vários elementos do patrimônio material, imaterial e natural da cidade. O objetivo era produzir uma capa que fosse artística e que também trouxesse o sentimento de pertencimento aos estudantes, reconhecendo lugares, pessoas e situações de seu contidiano.

Muitas pessoas relataram se reconhecer, reconhecer um parente ou amigo, ou recordar lugares da infância ao ver essa ilustração. E isso me deixou muito feliz e com a sensação de dever cumprido, por proporcionar algo que realmente tocou o coração de quem recebeu.

Aqui tem um documento, também disponibilizado para as escolas da rede, contando cada detalhe da ilustração, o que auxilia os professores a desenvolverem uma proposta pedagógica a partir da capa dos cadernos.

E aqui a minha mãozinha congelada pelo frio de 2° do mês de junho, fotografada pela Lisi, segurando o caderno em frente ao prédio da SMEd, o Sobrado dos Azulejos, que tanto tem nos inspirado desde o início do ano letivo.

Estelar, minha exposição na EBAHL

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Wed, 18 Jun 2025 19:59:00 -0300

“Aprenda com tudo, veja tudo e, acima de tudo, sinta tudo. Encontre olhos no seu interior, olhe para a porta do desconhecido.” - Pamela Colman Smith

É com imensa alegria que divulgo minha próxima exposição: Estelar. Será a primeira vez que exponho na Galeria Breche da Escola de Belas Artes Heitor de Lemos. Eu não tive a oportunidade de estudar na EBAHL, apesar de querer muito. Então, depois de tantos anos, receber esse convite teve um significado muito especial.

Além da exposição de 21 trabalhos, reunidos ao longo da última década, haverá uma apresentação de teatro inspirada nas obras, no dia da abertura.

Estelar é um adjetivo relativo a ou próprio de estrelas. Com esse conceito em mente, Lidiane Dutra explora o universo particular que temos dentro de cada um de nós, e que se manifesta de diferentes formas: seja uma galáxia explodindo em cores e sensações; uma figura selvagem e livre; um ser demoníaco e incompreendido ou uma figura divina, celestial e radiante.

As ilustrações presentes nesse recorte temporal de dez anos compreendem as técnicas do grafite, do lápis de cor e da aquarela, retratando figuras femininas em diferentes corpos e expressões. Cada obra estará acompanhada por um QR Code, que direciona para um texto contendo o conceito da obra e fotos do processo criativo, num movimento de registro do próprio trabalho, feito pela artista desde 2010. Ainda, as que estarão indicadas pelo (*) possuem reproduções para venda, em tamanhos A4, A5 ou A6.

Serviço

O QUE: Exposição Estelar, curadoria de Fabiana Stone.

ONDE: Galeria Breche, Escola de Belas Artes Heitor de Lemos (Rua Jockey Club, 195).

QUANDO: Abertura dia 26/06, às 18h30min. Visitação de 27/06 a 17/07, das 8h30min às 11h30min e das 13h30min às 19h30min.

ENTRADA GRATUITA

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Minha opinião sobre os livros para colorir, 10 anos depois

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Sat, 14 Jun 2025 14:28:00 -0300

Há dez anos atrás Jardim Secreto virava uma frebre mundial, com milhares de exemplares vendidos. Na época, diversas pessoas tomaram conta do YouTube e do Instagram, as principais redes sociais naquele momento, ensinando como colorir os livros para colorir, mostrando canetinhas diversas (as mais famosas eram as Copic e as Chameleon, que mudavam de cor conforme eram pressionadas) e ensinando as técnicas "corretas" para cobrir peles, paisagens, flores, dentre outros.

Os livros para colorir causaram um alvoroço e, depois de Jardim Secreto, a autora Johanna Basford lançou uma leva de outros títulos explorando mundos mágicos (exceto sobre Halloween pois, segundo ela, não se sentiria confortável em desenhar coisas assustadoras para compor um livro). Também vieram na esteira desse sucesso muitos títulos semelhantes, de mandalas a gatos psicodélicos, passando por obras de arte para colorir e oceanos cheios de tesouros.

Naquela época, fui indagada sobre o que eu achava desses livros, e a minha resposta foi: acho o máximo. Tomando como exemplo Jardim Secreto, era um livro com ilustrações extremamente elaboradas, e requeria da pessoa o desenvolvimento de um senso estético para preencher as composições. Fiz algumas páginas para colorir com ilustrações minhas e, recentemente, montei outro mini e-book com mais alguns trabalhos, e com a mesma proposta.

O que me chateava já lá atrás era a quantidade de gente que brotou do rejunte querendo ensinar técnicas para as pessoas, que só desejavam dar uma pausa e, talvez, recordar a infância, quando também coloriam livros da Barbie e de personagens de filmes e desenhos. Também começou um consumismo desenfreado por lápis e canetinhas profissionais, materiais caros e que servem a outras propostas. Tudo virou uma corrida para mostrar a quantidade de coisas que as pessoas compravam, e teve gente que se endividou em nome desse hobby.

Recentemente, percebi uma movimentação estranha nas estatísticas da postagem na qual dou a minha opinião, de maio de 2015. Em algumas semanas, ela foi simplesmente a postagem mais acessada do blog. Novamente o interesse sobre o assunto cresceu, levantado agora pelos Bobbie Goods. Para a minha surpresa, me deparei com alguns vídeos no TikTok que usavam meu texto como roteiro, me fazendo lembrar aquele gosto amargo do plágio que tanto vivenciei nos 15 anos desse espaço.

Por isso, resolvi refrescar minha opinião sobre os livros de colorir para adultos. Continuo achando a proposta excelente, mas alguns pontos chamaram minha atenção nessa nova leva de livrinhos:

Infantilização das narrativas: se antes tínhamos ilustrações intrincadas e complexas composições, os livros de colorir atuais apresentam uma infantilização de suas narrativas, substituindo os mundos mágicos elaborados por ursinhos em atividades aconchegantes em suas casinhas. É como se tivéssemos realmente retornado aos livros para colorir da infância, só que dessa vez em folhas de 180g próprias para marcadores a base de álcool.

Não tenho nada contra pintar Bobbie Goods, até comprei um similar. Só achei peculiar essa simplicação dos livros, efeito talvez da massificação e da rapidez trazidas com o TikTok (sempre ele) e com algoritmos contruídos para dar uma experiência cada vez mais individualizada para o usuário, o colocando dentro de uma bolha. Acho curioso como a complexidade das mandalas foi substituída por cenários extremamente simplificados, compostos por céu, casa, chão, urso... É como se até mesmo aquilo que foi feito para um momento de pausa não devesse nos tomar muito tempo, sendo colorido com a maior rapidez possível, o que nos leva ao próximo tópico.

Performance para consumo rápido: se há 10 anos atrás os cenários já eram montados para a performance, agora isso escalonou. É preciso mostrar quantas páginas foram coloridas e como elas foram criativamente preenchidas com cores e texturas; é preciso catalogar as texturas encontradas; é preciso ensinar a sobrepor luz e sombra nas cenas; é preciso ter uma placa muito específica para colocar embaixo da folha, evitando que a tinta passe para o outro desenho; é preciso acelerar o vídeo 2x para mostrar como somos produtivos em nossos hobbies. Fora isso, as canetas do momento são as Touch ou as Ohuhu, que são importadas e caras, junto aos lápis de cor com todo tipo de efeito possível. Toda a performance do colorir é voltada para a rede social, para o desejo e para o consumo. Há quem vai colorir porque realmente quer, e há quem vai vender o desejo não só pelo livro, como pelo material, pela mesa, pelo quarto milimetricamente pensado para aparecer no vídeo, pela luminária, pelo telefone. É doentio e sintomático de uma sociedade em recessão econômica, na qual as narrativas estão cada vez mais conservadoras.

Uso de IA para baratear custos e surfar no hype: se antes as editoras tinham que recorrer aos bancos de imagem para elaborar um livro para colorir às pressas, hoje é só dar um comando para a inteligência artificial gerar uma infinidade de ilustrações, que podem ser impressas e publicadas em questão de dias. São imagens que emulam os Bobbie Goods e também qualquer outra coisa que seja relevante o suficiente para alguém obter lucro com ela. Os direitos autorais não importam, o que importa é o dinheiro que se pode ganhar com isso. De editoras grandes a pequenos criadores que enxergam nesses livros gerados por IA uma oportunidade de renda, vamos engrossando o caldo das imagens massificadas e não fazendo os debates que precisamos sobre as implicações éticas, ambientais e estéticas dessas novas tecnologias.

Livros para colorir de artistas que recomendo

Mini e-book para colorir: ano passado lancei um mini e-book com poucas ilustrações, pois já lancei várias páginas para colorir ao longo do tempo e as disponibilizei gratuitamente. Esse e-book foi feito com a exposição Trívia em mente, para quem gosta de figuras femininas poderosas.

Wildflower Folk, da Christine Karron: descobri esse livro nas minhas andanças pela Amazon e achei uma pérola. Talvez eu nunca tenha coragem para colorir essas páginas, pois elas já são por si só uma obra de arte. A Christine está lançando outro livro de colorir, então vale a pena acompanhar o trabalho dela.

Wildlings, da Clarissa Paiva: a Clarissa é uma artista brasileira com um traço lindo e mágico, e o seu livro de colorir foi lançado em 2021. As ilustrações, assim como as da Christine Karron, são maravilhosas mesmo sem colorir, a vontade é de emoldurar todas.

31 bruxas para colorir, da Carol Rempto: esse é para quem curte personagens de terror fofos, com 31 desenhos de bruxas. Dá pra colorir um desenho por dia, numa espécie de desafio ao estilo Inktober.

Floriography Coloring Book, da Jessica Roux: para quem gosta do livro Floriografia, ele possui uma versão para colorir (ainda não traduzida). O diferencial desse livro é que na página ao lado está a ilustração completa com cores, que serve como uma espécie de guia.

Não são de colorir, mas inspiram a criar

Painting Calm, da Inga Buividavice: outro livro que achei na Amazon ao acaso, Painting Calm tem uma proposta slow, com aquarelas inspiradas nas cores e formas da natureza. É um livro com atividades tanto para principiantes quanto pessoas experientes em aquarela, feito para desestressar e ampliar o repertório imagético.

Watercolor with me in the forest, da Dana Fox: esse livro é todo feito em papel para aquarela com excelente gramatura, suportando muitas camadas de tinta e água. Traz ilustrações mágicas, inspiradas na natureza, e também o risco do desenho, para que a pessoa foque em aquarelar, de acordo com as guias apresentadas.

Uma coisa é certa: temos a necessidade de criar algo e, seja através de livros para colorir, para desestressar ou para aquarelar, o importante é que cada um procure aquilo que o faz feliz e bem, não só porque está na moda, dá status ou visualizações. Se o desejo é movido pelo consumismo ou pela ideia de "não ficar para trás" numa modinha, pense duas vezes antes de gastar dinheiro com livros, canetas e lápis.

*Os links para os livros das artistas mencionadas não são patrocinados.

MermAlien

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Wed, 21 May 2025 18:32:00 -0300

O MerMay do ano passado foi tão traumático pelo atravessamento de uma enchente que esqueci do desafio esse ano. Não ia fazer um registro, mas acabei comprando um kit de canetas para pintar Bobbie Goods, que nada mais são do que Copics sem a ponta pincel, e que me motivaram a experimentar algo com essa temática de fundo do mar e seres com guelras.

Mas, no meio do caminho, as coisas foram dando errado. Eu não consegui alcançar o resultado que queria com a ponta chanfrada do marcador, e parti para a aquarela. Mas também não cheguei em algo satisfatório. Então fiz meu movimento natural para quando as coisas estão dando errado: voltei para os lápis. Dessa vez, os de cor. E foi o melhor que eu poderia ter feito por mim e por esse rascunho.

Se hoje me perguntarem qual a melhor marca de lápis de cores escolares, daqueles que podemos encontrar em qualquer prateleira, eu diria que são os da Tris, principalmente a linha Vibes. Eles entregam uma maciez e cores vibrantes que, na minha opinião, os da Faber-Castell deixaram de entregar já tem algum tempo. Além disso, a linha conta com estojos temáticos, então é possível comprar algo bastante personalizado como, por exemplo, os tons oceânicos. O resultado:

Materiais utilizados

Papel Concept Hahnemuhle 220g;
Lápis Staedtler Mars Lumograph 4B;
Lápis de cor Tris Vibes;
Marcadores metálicos Pentel.

Meio sereia, meio alienígena... MermAlien. Afinal, conhecemos menos de 10% dos nossos oceanos. Vai saber que tipo de ser se esconde nas profundezas (ainda mais com esse face card incrível)...

Circe

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Sun, 20 Apr 2025 13:03:00 -0300

Deixe-me dizer o que a magia não é: não é poder divino, que vem com um pensamento e um piscar de olhos. Deve ser feita e trabalhada, planejada e procurada, desenterrada, secada, fatiada e moída, cozinhada, encantada e cantada. Mesmo depois de tudo isso, pode falhar, ao contrário dos deuses." - Circe, Madeline Miller.

Entrei na minha era helênica e comecei a ler releituras de mitologia grega. Comecei com Circe, passei por A Canção de Aquiles, ambos da Madeline Miller e ambos ótimos, e agora entrei no ciclo de livros da Natalie Haynes, começando por O Jarro de Pandora. E o maravilhoso em ler releituras de mitos são as possibilidades que se abrem diante de personagens que durante séculos receberam a alcunha de ajudante: Ariadne ajuda Perseu a matar o Minotauro; Medeia ajuda Jasão a roubar o Velocino; Circe ajuda Odisseu a passar pelas sereias. A certa altura me pergunto o que tanto esses heróis precisam de ajuda, que não conseguem cumprir suas missões divinas sozinhos.

E ler Circe foi um caminho delicioso, uma personagem que não é nem mocinha, nem vilã, apenas ela mesma, uma deusa demasiada humana. E é a caminhada de Circe que me fez querer registrar uma impressão própria da imagem que ficou gravada em mim após a leitura.

Retratar Circe é algo que vem sendo feito há muitos anos, sempre como uma bruxa má, feiticeira cercada por feras, transformando homens em porcos. Circe contaminando a água, oferecendo veneno, subjugando homens (esses coitados...). A minha Circe é muito minha: de olhos dourados e uma longa cabeleira negra caindo dos ombros. Filha de Hélio, bruxa de Eana e totalmente consciente de si.

Sempre que me sinto estagnada ou insatisfeita com os rumos da minha arte, retorno ao grafite, já faz parte da minha lore artística. Falando em lore, sinto que preciso explicar cada vez mais para as pessoas algo que parecia estar internalizado, que é por que desenho o que desenho. Talvez por estar conhecendo muitas pessoas novas, elas sentem muita dificuldade em compreender meu trabalho, então vou sistematizar, para um futuro, um texto sobre esse assunto. Mas sobre o grafite: é meu chão, não tem como negar.

Materiais utilizados

Papel Concept Hahnemuhle 220g;
Lápis grafite 2B Stabilo Othelo;
Esfuminho;
Caneta dourada Faber-Castell.

Ainda aprendendo a tratar a imagem no Photopea.

Livros com releituras de mitos gregos que estão na minha lista

Galateia, Madeline Miller; (lido 5★)
Circe, Madeline Miller; (lido 5★)
A Canção de Aquiles, Madeline Miller; (lido 5★)
Ariadne, Jennifer Saint;
Clitemnestra, Constanza Casati;
O Jarro de Pandora, Natalie Haynes; (lido 5★)
O Olhar Petrificante, Natalie Haynes;
Mil Navios para Tróia, Natalie Haynes;
Os Filhos de Jocasta, Natalie Haynes;
Medeia, Rosie Hewlett.

Dama com um Gatinho

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Wed, 16 Apr 2025 10:26:00 -0300

Esse projeto está guardado há muito tempo, muitos anos. Levei meses para terminar, parei na metade do caminho várias vezes, passei semanas sem nem tocar na prancheta e refiz várias partes que achava pouco acabadas ou com um acabamento insatisfatório.

Lição: ninguém morreu no processo, não fui engolida por nenhum algoritmo de rede social, não recebi intimação extra-judicial solicitando que mostrasse o processo criativo e a arte final em tempo real. Isso serve para lembrar que a arte precisa ser sempre nossa, da nossa vontade em primeiro lugar, o resto é resto.

O processo é aquele documentado desde sempre, também.

Materiais utilizados

Papel para aquarela 100% algodão Hahnemühle;
Aquarelas White Nights;
Pincéis Giotto;
Lápis de cor aquarelável Albrecht Dürer;
Marcadores Pentel e Derwent.

Dama com um Gatinho é, ao mesmo tempo, uma releitura da Dama com um Arminho, de Leonardo da Vinci, e uma homenagem aos meus felinos. Dá pra ver uma foto de cada aqui no meu Instagram.

Desde o início do ano troquei o Photoshop pelo Gimp e pelo Photopea (ambos gratuitos), e a única coisa que não consegui fazer ainda é o photomerge para imagens maiores, que precisam ser digitalizadas em duas etapas. De resto, não sinto falta do programa da Adobe, cuja assinatura está cada vez mais cara. Quem tiver uma dica de como fazer esse processo de automatização num desses dois programas, aceito.

Mulheres Rio-grandinas Notáveis

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Thu, 6 Mar 2025 13:03:00 -0300

Julieta Amaral, jornalista, primeira mulher negra a apresentar um telejornal no RS.

Esse ano não estou trabalhando em escola, mas sim na Secretaria de Município da Educação, em duas frentes: na assessoria de Artes e no Núcleo de Educação Ambiental e Patrimonial. Cheguei com muitas ideias, e algumas delas já se concretizaram, sonhos antigos que agora posso me dedicar, e que algum dia trarei aqui em detalhes, no seu tempo.

Um desses projetos é o material Mulheres Notáveis, um recurso educacional digital sobre rio-grandinas que se destacaram na história. O material é alusivo ao Março Lilás e foi distribuído para todas as escolas da rede. Além de contar com a biografia de oito mulheres históricas, fiz as ilustrações de cada uma delas que, juntamente com a diagramação do material, trazem uma estética de azulejo português, visto que o prédio da Secretaria é o Sobrado dos Azulejos, construção de 1862 tombada como patrimônio histórico do Estado, e toda recoberta com esse material.

As ilustrações digitais foram feitas no Infinite Painter, com o conjunto de pincéis e fundos de aquarela do Adilson Farias. São retratos mais simples e com um aspecto mais lavado, pois eu queria justamente essa estética do azulejo, e esses pincéis são maravilhosos para isso.

A mulher que abre o post é Julieta Amaral, jornalista e primeira mulher negra a apresentar um telejornal (Jornal do Almoço, RBS TV) no RS. As demais são:

Carmen da Silva, jornalista e escritora feminista.

Guaraciaba Silva, primeira mulher vereadora na cidade (pós-Estado Novo).

Angelina Gonçalves, operária e sindicalista, assassinada pela polícia no que ficou conhecido como "Massacre da Linha do Parque".

Lyuba Duprat, professora.

Rita Lobato, primeira mulher a se formar em medicina no Brasil.

Revocata Heloísa de Melo, professora, jornalista e escritora.

Julieta de Melo Monteiro, professora, jornalista e escritora (e irmã da Revocata!).

Quem quiser saber mais sobre essas mulheres notáveis, basta acessar o material completo, clicando aqui.

Cadernos Estelar

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Sat, 1 Mar 2025 20:15:00 -0300

Desde que encerrei minhas lojas virtuais, principalmente a última, fiquei com uma dorzinha no coração pela possibilidade de fazer cadernos com as minhas artes. Era uma das coisas que eu mais gostava, poder fazer agendas, sketchbooks, planners. Mas eu precisava fechar aquele ciclo, e deixei quieta a vontade de colocar os produtos de papelaria num catálogo futuro.

Quando comecei a participar das feiras, conhecia a Cinthya, proprietária da Tyn Papelaria Personalizada, e ela me disse que era possível fazer alguns cadernos personalizados, sim. Fiquei eufórica, e mandei para ela uma das artes mais queridas por mim: Estelar. Depois de algumas conversas, ela mandou a imagem com os cadernos e foi aquela sensação de sonho realizado.

São dois formatos: colegial e A5, com duas opções de folha: lisa em papel reciclado e reposicionável (tipo Caderno Inteligente).

Caderno colegial com folha reposicionável.

Caderno A5 com folha lisa.

Parte traseira dos cadernos.

Detalhe das folhas.

Quem quiser encomendar o seu caderno, entre em contato diretamente com a Cinthya pelo Instagram da Tyn: @tyn_papelariapersonalizada.

Linda Nochlin e "Por que não houve grandes mulheres artistas?"

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Fri, 28 Feb 2025 17:27:00 -0300

Salomé com a cabeça de São João Batista, Artemisia Gentileschi. 1610-15.

Por que não houve grandes mulheres artistas? é um artigo de Linda Nochlin publicado na década de 1970, no qual a autora responde a essa questão de maneira incisiva: não existiram grandes mulheres artistas do mesmo modo que não existiram grandes artistas orientais, africanos e sul-americanos, pois a arte ocidental está alicerçada num forte recorte social, que privilegia o homem branco europeu burguês. Fora desse recorte, não há espaço para se pensar a genialidade ou a grandeza artística.

Eu poderia encerrar o post aqui, mas são tantas camadas (e longe de mim contemplar todas elas), que minha cabeça ficou fervilhando após a leitura do texto. Na realidade, ela vem fervilhando desde Modos de Ver, que trouxe uma forte interrogação e me fez entrar num hiato de produção pessoal, justo por não ver muita coerência entre a minha leitura e a minha prática artística. E é saudável que esses momentos de choque aconteçam, pois o questionamento é uma constante da vida, quem não se questiona é porque já se conformou com uma situação péssima, ou é tão privilegiado que pode se dar ao luxo de viver uma existência alienada da realidade.

Em Modos de Ver, John Berger traz uma problematização extensa sobre alguns dos pilares imagéticos da tradição ocidental, como o nu, a pintura a óleo e a natureza morta. Todos esses, em algum grau, servem para reafirmar a noção de propriedade sobre alguém ou algo, seja do corpo da mulher, do acúmulo de riquezas ou de grandes extensões de terra. E como proprietário, se entende o homem branco europeu burguês.

Nochlin faz um caminho semelhante, partindo do pressuposto de que a pergunta é um tanto truncada. Ela nos leva a pensar, num primeiro momento, que sim, existem muitas mulheres artistas, e passamos a elencá-las como uma lista de supermercado, justificando que não há cabimento pensar que grandes mulheres artistas nunca existiram. Ou então, seguimos a linha de que há um estilo de arte inerentemente feminino difícil de mapear.

Mas, de acordo com Nochlin, a resposta correta é de que não existiram grandes mulheres artistas do mesmo modo que não existiram afroamericanos equivalentes a Kooning ou Warhol, pois as coisas na arte e em tantas outras esferas é desestimulante “para todos aqueles que, como as mulheres, não tiveram a sorte de nascer brancos, preferencialmente classe média e acima de tudo homens.” (p. 8)

a ingênua ideia de que arte é a expressão individual de uma experiência emocional, a tradução da vida pessoal em termos visuais. A arte quase sempre não é isso; a grande arte nunca o é. O fazer arte envolve uma forma própria e coerente de linguagem, mais ou menos dependente ou livre de convenções, esquemas ou noções temporalmente definidos que precisam ser aprendidos ou trabalhados através do ensino ou de um período longo de experimentação individual. A linguagem da arte, materialmente incorporada em tinta, linha sobre tela ou papel, na pedra, ou barro, plástico ou metal nunca é uma história dramática ou um sussurro confidencial. (p. 7)

São poucas as áreas vistas como historicamente femininas que são disputadas por homens e, quando isso acontece, geralmente a posição alcançada surge acompanhada pelo status: homens cozinheiros se tornam chefs, por exemplo, enquanto as mulheres seguem exercendo as funções mais rotineiras dessas profissões.

No cerne da pergunta Por que não houve grandes mulheres artistas? estão embutidos vários estereótipos a respeito do fazer artístico, dentre eles, o mito do Grande Artista, aquele que possui a genialidade, sem levar em conta as condições sociais, econômicas, de gênero e raça que possibilitam que esses artistas desenvolvam suas técnicas. Isso cria uma narrativa romantizada e cheia de lendas sobre artistas descobertos em condições excepcionais, ou que superaram seus mestres de maneira notável. Mas, como aponta Nochlin:

Não há dúvida, por exemplo, que o jovem Picasso tenha, aos quinze anos (e, em apenas um dia) passado em todos os exames admissionais para a Academia de Arte de Barcelona e, mais tarde, para a de Madri, uma grande demonstração de proeza, já que a maioria dos candidatos precisava de um mês para tal. Porém, gostaria de saber mais sobre histórias semelhantes de candidatos precoces que não alcançaram nada mais além da mediocridade ou o próprio fracasso. Estes são casos que não interessam aos historiadores da arte, estudar com mais detalhes, por exemplo, o papel protagonizado pelo pai de Picasso, professor de arte, na sua precocidade pictórica. E se Picasso tivesse nascido menina? Teria o senhor Ruiz prestado tamanha atenção ou estimulado a mesma ambição de sucesso na pequena Pablita? (p. 17-8)

Nos Séculos XVII e XVIII, a transmissão da profissão artística de pai para filho era amplamente reconhecida. E os filhos dos acadêmicos não pagavam taxas pelas aulas. Muitos artistas tinham pais também artistas, o que ampliava o acesso ao que precisavam para desenvolver sua arte. Sendo assim, esses artistas tiveram contato, desde a mais tenra idade, quando os estímulos são essenciais para aquisição da linguagem e desenvolvimento expressivo, aos materiais e métodos que possibilitaram aflorar seu “talento", em detrimento de qualquer ideia de gênio absoluto isolado do meio social.

Não vou comentar sobre como Nochlin fecha seu texto, pois acho válida a leitura do artigo na íntegra, e também a reflexão trazida pela Edições Aurora no posfácio. Mas o que fica é que precisamos retirar uma grande camada de verniz romantizador da história da arte e de como mulheres e minorias são tratadas pelas instituições oficiais e entre seus pares.

O que fica para mim, enquanto artista, é que não tenho a pretensão de salvar o planeta com a minha arte, nem que sou o último baluarte da arte feminina, mas que o ato de criar é valioso para mim e dá sentido à minha vida. E isso precisa bastar.

O artigo de Linda Nochlin pode ser encontrado aqui.

5★

O Ano da Serpente 🐍

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Wed, 29 Jan 2025 10:00:00 -0300

Hoje começa oficialmente o Ano da Serpente, no horóscopo chinês. Hoje também é o primeiro Deipnon do ano, segundo o calendário hekatino (algumas bruxas consideraram o dia de ontem), momento de purificação mensal dedicado a Hekate.

A serpente, no horóscopo chinês, é sinônimo de sabedoria, intelectualidade e perspicácia. A serpente também é um animal regido por Hekate, e aparece em sua simbologia nas mais diversas formas: enrolada em sua cintura, em seus cabelos ou numa das mãos da Deusa.

Para a autora Courtney Weber: "A imagem da serpente representa os poderes de Hécate no submundo. As serpentes sagradas são a marca de um espírito ctoniano (presente no submundo) (...) A imagem de Hécate segurando as serpentes também pode sugerir uma natureza protetora." (Hécate: origens, mitos, lendas e rituais da antiga deusa das encruzilhadas, p. 61)

Os epítetos ligados à serpente, de acordo com Márcia C. Silva, são: Drakaina (serpente-dragão); Ophioplokamos (com cachos encaracolados/ enrolados com serpentes); Oroboros (a que come a cauda); Speirodrakontozonos (rodeada por espirais de serpentes); Zonodrakontos (coberta de serpentes, entrelaçada com serpentes) (Bruxaria Hekatina, p. 91).

Ainda, nas religiões de matriz africana, as serpentes estão associadas aos Exus e Pombagiras, entidades da linha de esquerda (encruzilhadas, cemitérios e espaços liminares). E é na interseção de todas essas simbologias que concebi essa cigana/bruxa/Pombagira de olhar lânguido, oblíquo e dissimulado, com seus cabelos enrolados, suas rosas vermelhas e perpassada por uma serpente dourada de energia. É importante esclarecer que faço sempre uma pesquisa cuidadosa, com muito respeito e em conexão com o que acredito, não um trabalho qualquer para ganhar engajamento em cima da fé alheia.

Materiais utilizados

Papel para aquarela Harmony Hahnemühle;
Aquarelas White Nights;
Pincéis da Shein;
Marcadores Nanquim Pentel;
Marcador dourado Faber-Castell.

No início do ano, me senti compelida a comprar um anel de serpente, não sosseguei até encontrar um, que agora vive no meu dedo. Desde o ano passado, tenho investido em joias apotropaicas, que são aquelas que nos protegem das forças malígnas, danos físicos e espirituais e mau-olhado. É o famoso amuleto. Na exposição Trívia, coloquei um sigilo de Hekate Apotropaia para proteger meus trabalhos, atrás da moldura do release.

E sobre trabalhos novos, embora janeiro tenha sido um mês muito produtivo, a partir de agora quero focar em estudar algumas coisas, portanto, talvez não apareça aqui com tanta frequência para mostrar trabalhos novos. Vou me dedicar a esses estudos, na medida do possível, e nos próximos passos profissionais que darei na minha jornada docente.

Até! 🐍

Pampa Encantado

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Mon, 27 Jan 2025 15:04:00 -0300

Pampa Encantado é uma estampa autoral que criei em aquarela para a marca rio-grandina Pé de Corticeira. Eu já tinha feito outra ilustração para a Karine, para o aniversário da filha dela, um mapa mundi cheio de animais em cada continente, um trabalho que gosto demais. E dessa vez ela me chamou para criar uma estampa com elementos mágicos ligados a personagens e lugares típicos do Rio Grande do Sul.

Assim, nasceu uma fada corticeira, um gnomo gaudério tomando chimarrão, um sorro dorminhoco e um quero-quero, todos à sombra da corticeira, árvore nativa daqui.

Colaboramos bastante em relação às ideias, precisava ser uma ilustração infantil, lúdica, e a Karine foi me dando o direcionamento sobre como queria os personagens. Quem quiser adquirir uma camiseta com essa estampa é só entrar em contato através do Instagram Pé de Corticeira, e ver os tamanhos disponíveis.

Eu criei uma loja na plataforma Nuvem e estou tentando criar um subdomínio bonitinho, que converse com o domínio do blog, mas estou apanhando hehehe. Por enquanto, o endereço para acessar a loja é lidydutra.lojavirtualnuvem.com.br, mas se mudar eu atualizo nos demais espaços linkados aqui na página. Lá é possível encontrar postais, prints e originais.

Como tem sido participar de feiras (uma reflexão)

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Wed, 15 Jan 2025 10:00:00 -0300

Tem sido louco (sobem os créditos).

Brincadeiras à parte, tem sido um verdadeiro exercício de desprendimento de tudo que eu acreditava já saber sobre meu próprio trabalho e sobre como o público enxerga e consome arte. E esse exercício tem me desacomodado um bocado, e me feito recalcular rotas que pareciam já estar estabelecidas.

Background

Eu vim da loja online e da comissão. Durante anos, tive lojas nas mais variadas plataformas, comecei lá nos concursos de estampa do Camiseteria e depois migrei direto pro Society6, um site internacional que me ajudou a vender demais, principalmente na época das Catrinas. Tem gente em todas as partes do mundo com produtos com essa estampa, acho isso sensacional.

Depois, arrisquei em espaços nacionais, como a Urban Arts, que foi muito boa até exigir exclusividade das artes e eu optar por sair fora (eles tinham lojas físicas pelo país também) e outros sites menores, como Vandal e Vitrinepix. Até que cheguei na minha colaboração mais longa, com a Colab55, que tinha um formato muito parecido com o Society6, mas que com o tempo se mostrou inviável por conta do frete. Vale lembrar que nesse meio tempo ainda tive apoiadores pelo Padrim (pior experiência do planeta) e segui com comissões de tudo um pouco.

Em 2018, tive minha primeira nomeação em concurso público (a segunda foi em 2020), e tomei uma decisão: já que eu tinha como pagar minhas contas e me sustentar com meu salário de professora, eu ia canalizar através da arte inteiramente a minha visão pessoal de mundo, dar vazão aos projetos engavetados e não me importar mais em pegar qualquer trabalho para fazer, nem em ficar divulgando loja ou produtos. E foi assim até o ano passado, quando decidi voltar a aceitar encomendas muito selecionadas, daquelas que eu olhasse e dissesse: poxa, isso aqui vale a pena.

Ou seja, passei os últimos anos totalmente abstraída de que poderia gerar um produto com uma arte minha, ou vender um original. Quando aconteceu o primeiro convite para participar de uma feira, nem pensei em nada disso, só fui na cara e na coragem para pintar ao vivo e me desprender de um medo interno que era produzir na frente de um grupo de pessoas.

voltando para o presente

Já para a segunda feira, decidi dar um passo além. Ao observar os demais expositores, vi que poderia ser uma oportunidade não só de mostrar meu trabalho, como também oferecê-lo ao público através de alternativas mais baratas, como os prints, que já eram muito conhecidos por mim do tempo das lojas online.

Acabei fazendo um investimento em prints tamanho A4, A5 e A6, e ainda alguns originais menores. Comprei expositores para apresentar esses trabalhos de uma forma melhor e também embalagens. Mandei fazer um carimbo com a minha marca, e durante todo esse percurso vieram as dificuldades com fornecedores, correios e tudo o mais. Mas esse investimento não foi algo financeiramente inviável: foi bastante calculado e que poderia ser resgatado a curto, médio ou longo prazo. E assim fui para a minha segunda participação em feira, ainda pintando, mas também vendendo.

a reação do público

O que pude perceber foi um choque muito grande entre a minha visão e a das pessoas. Não digo apenas sobre arte em si, mas sobre tudo: sobre o que é um produto artístico, sobre apresentação desse produto, sobre significado desse produto... foi uma queda no vale da estranheza (não estou dizendo que isso é ruim).

No começo, as pessoas nem paravam na minha banca. Quando começaram a parar e expliquei do que se tratava, muitos olhavam com aquela expressão de que interessante, mas logo seguiam seu caminho. No geral, a maioria não sabia o que era um print e precisei explicar que é uma impressão de boa qualidade. Quem já me conhecia chegou na banca e comprou. Mas quem estava ali passando me via meio que como um corpo estranho, tentando decifrar a utilidade.

Também aconteceu muito de perguntarem o significado das obras. E aqui vem um sentimento que me pega de jeito de vez em quando: estar cronicamente online, registrando e catalogando meu processo criativo, seja aqui no blog ou nas redes sociais, não quer dizer que as pessoas vão internalizar sobre o que se trata, pois a grande maioria está apenas vivendo sua vida, e não há nada de errado com isso.

Conclusão (por enquanto)

Embora eu tenha vendido um pouco, fica a sensação de que eu preciso construir uma ponte com o público presencial desses eventos se quiser continuar participando deles. Seja explicando o que é um print, por que um original é caro, do que se trata o tema da obra, qual a diferença entre baixar uma imagem da internent e imprimir ou gerar uma imagem de IA e comprar de uma artista.

Vejo esses espaços como lugar pra fazer uma renda extra, para me apresentar regularmente ao público da minha própria cidade e para criar conexões. Sem paranoia, sem pressão de vender tudo o que apresento. E aqui falo isso com total respeito aos expositores que participam de eventos regularmente e preciam manter uma constância de vendas. O meu lugar é o de uma pessoa que tem seu emprego formal e que também é artista, e quer um espaço para educar o público para a arte e, consequentemente, vender o que produz.

Então, participar de feiras e eventos vem muito nesse sentido de educar, de formar público, de dizer que arte rio-grandina não é só sobre a cidade, mas também pode ser uma deusa, também pode ser abstrato, também pode abrir outras possibilidades. E vender também.

Por ora, o investimento inicial foi feito e vou jogar com isso para os próximos eventos, e talvez apresente outras formar de fazer arte ao vivo, seja desenhando no tablet, ou com uma oficina. Também não pretendo participar de todos os eventos que surgirem, pois preciso conciliar com meus projetos pessoais e dar tempo para pensar no que expor numa próxima vez.

Acho que era isso, fico aliviada de poder colocar pra fora esse caos criativo que se instalou dentro de mim nos últimos tempos. Sigam me acompanhando para ver por onde ando e como estou me saindo.

Modos de ver, de John Berger

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Fri, 10 Jan 2025 16:08:00 -0300

Pense num livro que oferece uma visão totalmente disruptiva sobre arte e suas relações com a publicidade e com o capitalismo? Modos de ver é um livro originado a partir da série homônima de 1972. Embora mais de 50 anos separem o lançamento da obra da minha leitura, esse é um daqueles livros atemporais, e que merecem ser relidos de tempos em tempos. Custei a trazer uma impressão aqui, pois foi muito difícil colocar em palavras o tanto que esse livro me impactou, e o quanto eu ansiava por um texto tão incisivo e ao mesmo tempo tão irreverente.

Lá em junho do ano passado eu já tinha publicado um texto reflexivo sobre arte, IA e lifestyle, sobre o que o público espera ver de um artista na internet - não os seus métodos, ou os seus materiais, mas sim a aesthetic da sua vida e quanto isso agrega de valor ao ser consumido. E alguns meses mais tarde, ao ler John Berger, senti que minha linha de pensamento tinha algum fundamento. Vou colocar abaixo a sinopse da editora e em seguida minhas partes favoritas:

Nestes ensaios clássicos baseados na série televisiva inglesa Modos de ver, exibida em 1972, John Berger revoluciona a crítica de arte ao apontar as estruturas de poder presentes no processo de criação de imagens. Se hoje, cinquenta anos após a escrita deste livro, ainda é preciso reforçar que “uma imagem é a recriação ou a reprodução de uma visão” — ou, como afirma Djaimilia Pereira de Almeida em seu prefácio, que devemos encarar “a visão enquanto vivificação e a observação da arte como paralela à observação da vida” —, a leitura de Berger, essencial em tempos de propagandas por toda parte, se faz mais urgente do que nunca.

O primeiro texto parte da pintura a óleo, técnica consagrada pela arte europeia. Após a reprodutibilidade técnica, tornou-se possível ver trabalhos a óleo fora dos castelos, igrejas e residências privadas a que se destinaram um dia, e, isolados de seu contexto original, eles circulam pelo mundo sem serem de fato compreendidos. Quando se instituiu que eram obras de arte, esses trabalhos passaram a ser interpretados — e mistificados — segundo pressupostos como beleza, verdade e genialidade, os quais eram ditados pelo modo de ver específico de uma minoria social no poder.

Em outro ensaio, John Berger aborda a representação da mulher na arte ocidental, apreendendo de que maneiras na tradição do nu o corpo feminino se tornou objeto a serviço do olhar masculino. Com perspicácia, o autor afirma que o protagonista de um nu jamais é mostrado: ele é o espectador diante do quadro, para quem as “figuras assumem a sua nudação”. Berger esmiúça, ainda, as naturezas-mortas, que em seu auge expunham objetos extorquidos por feitorias escravocratas. E não se priva de olhar para o impacto da publicidade no século 20, expondo como ela se vale da tradição artística para explorar os impulsos consumistas de quem a observa.

Coletivo, emancipatório e com toda a vitalidade da insurreição social dos anos 1970, Modos de ver é um tratado contra o sequestro do olhar pela imagem na sociedade capitalista e um alerta para a linguagem não verbal.

A própria sinopse já entrega vários pontos interessantíssimos, e tentar ir além aqui é chover no molhado. Então, trago os pontos que mais me impactaram e me fizeram pensar (e me tiraram o sono):

A reprodutibilidade técnica

Logo no primeiro capítulo, o autor vai trazer uma reflexão atualizada acerca da reprodutibilidade de imagens (Walter Benjamin) e o quanto as reproduções de obras (Monalisa, por exemplo), se tornam elas mesmas referenciais, a partir do momento que são postas ao lado de outras imagens. Berger faz uma crítica à noção de patrimônio cultural nacional, que está amparado numa noção de autoridade da arte.

A arte do passado não existe mais da forma como existia. A sua autoridade está perdida. Em seu lugar, há uma linguagem de imagens. O que importa, agora, é saber quem utiliza essa linguagem e para quais fins. Isso envolve questões de direitos autorais de reprodução, controle de gráficas e editoras de arte, a totalidade da política de programação de galerias e museus de arte públicos. (...) Um povo ou uma classe alienada de seu próprio passado tem muito menos liberdade para fazer escolhas e agir como povo ou como classe que outros capazes de encontrar seu lugar na história. É por essa razão - e só por ela - que toda a arte do passado se tornou agora uma questão política. (p. 46)

Sobre nudez e nudação

Sabe aquele artista que sempre representa o corpo nu, principalmente o feminino, com um toque fetichista e que causa um incômodo que muitas mulheres, ao ver a obra, não sabem dizer de onde vem? Aqui nós temos uma explicação muito contundente (vinda de um homem branco europeu, a ironia). Berger fala que a mulher nasce num espaço pré determinado socialmente, e é acompanhada pela sua autoimagem durante toda a vida. A mulher vive em constante vigília sobre seus atos, principalmente em relação aos homens. "Homens olham para mulheres; mulheres observam a si mesmas sendo olhadas." (p. 58)

Vergonha, vaidade, julgamento e submissão são expressados em nus femininos a partir da história de Eva, dentro da tradição europeia; nus que possuem como protagonista não o corpo desnudo, mas o espectador, geralmente um homem, que olha para ele (modelo e obra) como senhor e dono dessa propriedade. A partir disso, Berger traz os conceitos de nudez e nudação, dentro da tradição pictórica europeia: nudez é estar desnudo, o nu é uma forma artística. Estar desnudo é algo natural, fazemos para tomar banho, por exemplo. Estar nu é ser visto desnudo por outros e se tornar um objeto por isso.

A pintura a óleo

A pintura a óleo que Berger fala não é apenas a técnica, mas sim a forma de expressão artística que se desenvolveu no período de ascensão do capitalismo, e que exigia semelhança pictórica, para que o colecionador pudesse legitimar suas posses através da arte.

A pintura a óleo teve sobre as aparências o mesmo efeito que o capitalismo teve sobre as relações sociais. Reduziu tudo ao padrão nivelador dos objetos. Tudo se tornou permutável porque tudo se tornou mercadoria. Toda realidade era medida mecanicamente por sua materialidade. (p. 101)

O mesmo vai acontecer com as naturezas-mortas, que se tornaram a tradução visual das grandes propriedades de terra, encomendadas pelos seus senhores para novamente mostrar um marcador de classe social. Dá vontade de sair correndo e gritando depois de ler esse capítulo.

Imagens publicitárias

Já as imagens publicitárias se valem desses elementos da tradição europeia para nos vender uma vida que não achamos que precisamos ter, mas que o capitalismo tardio nos faz acreditar que sim, precisamos. Elas criam necessidade de consumo.

A publicidade tem sempre em vista o futuro consumidor. Oferece-lhe uma imagem de si mesmo tornada atraente pelo produto ou pela oportunidade que ela procura ven-der. A imagem o induz a invejar a si mesmo tal como ele poderia vir a ser. No entanto, o que torna invejável essa "pessoa que ele poderia vir a ser"? A inveja alheia. A publicidade não tem a ver com os objetos, e sim com as relações sociais. Não é o prazer que ela promete, e sim a felicidade: a felicidade tal como vista do ex-terior, pelos outros. O glamour é a felicidade de ser invejado. (p. 150)

Depois de ler essa paulada, não cheguei a nenhuma conclusão, apenas a reflexões que vão se intensificando através das minhas vivências e do próprio curso da história, vide o que estamos observando acontecer com a moderação de conteúdo em redes sociais e toda a narrativa criada em períodos eleitorais, por exemplo. Ter consciência de toda essa trama é assustador, a vontade é largar tudo e sumir do mapa, mas é extremamente necessário para um artista engajado em seu tempo. Afinal, nossa arte serve a quem?

5★

Aquarelas botânicas

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Wed, 8 Jan 2025 12:00:00 -0300

Como parte dos trabalhos que fiz para levar para a Feira Itinerante, pintei uma pequena série com quatro aquarelas botânicas. Essas pinturas foram feitas em papel Arches 100% algodão, 300g, torchon. É um formato que não tenho visto mais a venda no Brasil, são blocos colados dos 4 lados em formato "cheque", tamanho 10x25cm. São papéis maravilhosos e antigos da minha coleção, os primeiros da Arches que comprei, quando ela aidna pertencia à Canson. A embalagem era linda, e ainda acompanhava um pincel igualmente maravilhoso.

As aquarelas são: Crisântemo, Monstera, Espada-de-São-Jorge e Rosas. Agora, essa série está disponível por R$ 100,00 + frete. Quem se interessou, pode me mandar mensagem pelo Instagram, ou entrar em contato pelo e-mail lidiane@lidydutra.com. Envio para todo o Brasil.

Como Ser Artista, Jerry Saltz

noreply@blogger.com (Lidiane Dutra) — Tue, 7 Jan 2025 14:26:00 -0300

Como ser artista foi meu segundo livro lido da Editora Seiva. O primeiro, Arte e Medo, li em maio do ano passado e gostei bastante. Já essa leitura foi bastante afetada pela minha percepção, pois foi logo após ler o excepcional Modos de Ver, de John Berger, que pretendo falar em breve. Então, custei a entrar na ambientação do livro, mas depois que isso aconteceu, gostei bastante da experiência.

Como ser artista foi escrito pelo crítico de arte Jerry Saltz e é dividido em 63 pequenos capítulos, que geralmente não chegam a uma página, como se fossem "pílulas" para artistas. Esses 63 capítulos estão subdivididos em "passos": Você é um completo amador; Como começar de fato; Aprenda a pensar como artista; Entre no mundo da arte; Sobreviva ao mundo da arte; Conquiste um cérebro galático.

Saltz, por ser crítico de arte, fala com bastante acidez e assertividade sobre o mercado de arte e o cinismo que permeia as relações desse meio, sem romantizá-lo. Esse foi um dos pontos que mais gostei e, de certa forma, me lembrou um livro de ficção que também li ano passado, chamado Meu ano de descanso e relaxamento, de Ottessa Moshfegh, no qual a protagonista trabalha numa galeria e convive com pessoas medíocres, mas com muito QI e investimento.

Quero destacar alguns quotes que me impactaram e que levei pra vida:

Cada obra de arte é uma paisagem cultural do artista, feita de suas memórias, dos momentos que passou trabalhando, de suas esperanças, energias e neuroses, da época em que vive e de suas ambições. Das coisas que são envolventes, misteriosas, significativas, resistentes ao tempo. p. 19

Recentemente eu estava olhando uma série de tediosas fotografias de nuvens em preto e branco quando um galerista se aproximou para me informar que "Essas são imagens de nuvens sobre a cidade de Ferguson, no Missouri. Elas falam sobre protestos e violência policial". Eu me irritei. "Não falam, não! São apenas imagens de nuvens que não têm nada a ver com nada. Não são nem interessantes como fotografia!" Uma obra de arte não pode depender de explicações. O sentido tem que estar ali, no trabalho. Como disse Frank Stella: "Não existem boas ideias para pinturas, existem apenas boas pinturas". A pintura se torna a ideia. p. 59-60

A perfeição não existe. Nada nunca está verdadeiramente perfeito; sempre é possível fazer mais. Que pena! Está tão bom quanto pode estar neste momento e provavelmente isso é mais do que suficiente. O próximo trabalho será melhor, ou diferente, ou mais a sua cara. Não se prenda a um superprojeto para sempre. Por enquanto, faça algo, aprenda algo ou siga em frente. Caso contrário, afundará até a cintura na areia movediça do perfeccionismo. p. 73

Não posso pegar leve nesta próxima parte: algumas pessoas são mais bem relacionadas que outras. Elas vão conseguir doze apoiadores mais rápido. O mundo da arte está cheio de gente privilegiada. É injusto e é desigual. Especialmente para mulheres e artistas que foram racializados, assim como para aqueles acima dos quarenta. O caminho é mais difícil para esses artistas. Todos nós precisamos mudar isso. p. 110

Na maior parte das vezes, as características do seu trabalho que mais incomodam as pessoas são precisamente as que precisam ser cultivadas, levadas tão ao extremo do eixo do vício que acabam se tornando virtudes. p. 123

Vale destacar também os capítulos em que Saltz fala sobre a invenção da perspectiva pelo Ocidente; sobre o uso do ateliê como espaço sagrado do artista; e também o capítulo Arte é um verbo, no qual ele critica o lugar passivo que a arte tem em museus e galerias, sendo que ela historicamente é algo ativo, que permeia a nossa vida e nossas experiências.

Como ser artista é um livro rápido de ser livro e uma boa indicação para as férias.

4★