Comme à son habitude, le Kilbi propose une programmation qui ne dédaigne pas le grand écart musical. Du folk jazzy de Dark Dark Dark au groove subsaharien fascinant de Tinariwen, en passant par les envolées planantes de Jozef van Wissem & Jim Jarmusch, pour finir par survivre au show électronique et sauvage de Dean Deacon, dont le surpoids est définitivement un mystère au regard de l’énergie qu’il dispense sur scène et aux litres de transpiration disséminés par la foule, on aura vu bien des styles différents se succéder durant cette première journée. Le Kilbi est encore une fois un hymne à la musique sous toutes ses formes.

Et si l’été n’était pas de la partie, et que la plupart des musiciens avaient bien l’air de se les cailler et se réchauffait les doigts comme ils le pouvaient entre deux morceaux, nous avons quand même eu la surprise de découvrir John Dwyer en short et en T-shirt sur scène. Le chanteur des Thee Oh Sees n’a pas eu l’air d’en avoir grand chose à branler de la température. Peut-être que la sienne est réglée à vie sur la météo californienne. Qui sait ? Quoi qu’il en soit, John Dwyer « Whooo ! » sait faire le show. Dès la première chanson, les premiers rangs de spectateurs se sont changés en une sorte de ring de boxe pour nostalgiques des pogos. Avant même la fin de la troisième chanson, trois spectateurs s’étaient déjà essayés au crowd surfing. Spectaculaire à souhait, les Thee Oh Sees ont fait honneur à leur réputation et redorer le blason de la scène garage-punk. Et la foule conquise n’a eu de cesse de bouger la tête au rythme effréné du combo californien.

Si le réveil avait dès lors sonné, la nuit s’est bien prolongée. On attend la suite avec impatience : des ours nord-américains sont attendus semble-t-il…

-Aritcle de David La Sala / Photo de Niels Franke -

Frontmann Andreas Schaerer darf man schon fast nicht mehr nur als Sänger bezeichnen. Er summt, beatboxt, schreit, flüstert, wiehert, und lockt somit alle denkbaren und auch undenkbaren Töne aus seinem Mund. Auf letzteren ist der Berner aber ganz sicher nicht gefallen. Seine Texte –wenn überhaupt in einer realen Sprache – sprühen vor Witz und nehmen das Publikum mit in eine Märchengeschichte, selbst wenn man den Faden in dem Stimmenzauber schon längst verloren hat. Wer, wenn nicht er, würde überhaupt auf die Idee kommen, mit den wenigen Worten „one, two, three, four“ ein ganzes Stück zu kreieren?

Umrundet wird der Lippenmagier auf der Bühne von nicht minder Ausgeflippten. Rasende Saxophonläufe von Matthias Wenger und Benedikt Reising jagen die witzigen Einwürfe des Posaunisten Andreas Tschopp, welcher auch gerne mal zur Tuba oder – wie könnte es noch ausgefallener sein – zur Blockflöte greift. Ergänzt wird dieses Bläser-Tohuwabohu durch die dumpfen Basstöne von Marco Müller, welcher nur schon so aussieht, wie man sich einen richtigen Kontrabassisten vorstellt. Mit flinken Fingern gibt er dem restlichen Klangteppich ein stabiles Fundament und sorgt so zusammen mit Schlagzeuger und „Schreibmaschinen-Künstler“ Christoph Steiner, dass der Band das Pünktchen auf dem „i“ nicht davonfliegt. Denn so entsteht ein perfekt inszeniertes Kunstwerk, das eben nur als Einheit funktioniert. Jede Stimme hat einen Sinn, ergänzt sich mit einer anderen. Die Melodie fängt irgendwo an, tänzelt über die Bühne, wechselt ihren Besitzer von Takt zu Takt, und endet dann schwebend im Nirgendwo. Wo genau die Grenze zur absoluten Verrücktheit verläuft, scheint nicht immer klar. Hildegard lernt fliegen – manchmal herzzerreissend schön, dann wieder haarsträubend grauslich. Oft wirr, ulkig und bizarr, aber immerzu erstaunlich.

Link-Art hatte in Düdingen die Gelegenheit mit dem Bühnenhelden Andreas Schaerer über dies und das zu parlieren. Interview.

Andreas Schaerer, wer oder was ist denn eigentlich Hildegard?

Für uns ist Hildegard jenes Vehikel, auf welchem wir mit dem Publikum sitzen und gemeinsam abheben können. Dies ist natürlich immer wieder ein neues Unterfangen. Es gibt viele Gründe, weshalb man Musik macht. Für mich ist es der Rauschzustand: „de fägt eifach!“ – und jener ist dann eben das Fliegen. Planbar ist es jedoch nicht, manchmal heben wir ein bisschen ab, manchmal fliegen wir richtig hoch. Das ist aber gerade das Schöne.

Ihr seid ja gerade von eurer Tour durch Finnland und Estland zurückgekommen…

Mit dieser Band sind wir schon ziemlich viel gereist. Es ist natürlich immer schön, nicht einmal unbedingt als Musiker sondern auch als Mensch, etwas von der Welt zu sehen. Einfach so würden wir vielleicht nicht nach Estland gehen. Es war sehr unterschiedlich, wie die Leute auf unsere Konzerte reagierten. So lernt man auch viel über eine Kultur; jedes Land ist anders. Obwohl Estland und Finnland sehr nahe beieinander liegen, drückten die Zuschauer ihre Freude ganz verschieden aus. Die Esten waren extrem zurückhaltend; aber die Finnen, die „sind ab wie d’Güezis“.

Hildegard lernt fliegen spielt an den verschiedensten Orten: Von grossen Festivals in Shanghai bis zu kleinen Locations wie im letzten Winter auf dem berneroberländischen Hasliberg. Inwiefern unterscheiden sich diese Auftritte?

Die Unterschiede sind natürlich extrem. Auch der Zuhörer ist in einer ganz anderen Stimmung, ob das Konzert in einem Chalet, auf einem russischen Openair oder in einem verrauchten Berliner Club stattfindet. Und das gleiche gilt für uns. Die Grösse eines Clubs war für uns aber noch nie ein Kriterium, ob wir spielen und ob wir Freude daran haben. Wir hatten schon sehr tolle Gigs mit nur 20 Besuchern und andererseits eher unbefriedigende Konzerte mit 1000 Zuschauern.

Die Musik von Hildegard lernt fliegen ist schwer fassbar oder beschreibbar. Oft ist sie verwirrend. Was bezweckst du mit deinen Liedern?

Wenn ich Musik komponiere, geht es mir in erster Linie nicht darum, etwas beim Hörer auszulösen sondern eher bei uns Musikern. Mich fasziniert es, wenn Musik einfährt – auf irgendeine Art. Es gibt zum Beispiel schöne Musik, welche eben durch ihre Schönheit berührt. Ich merke aber, dass dies nicht unbedingt die Sprache ist, welche ich am besten spreche. Und ja, ich mag Hektik, diese Crazyness, welche in Hildegard lernt fliegen oft vorkommt. Die Texte hingegen dienen bei mir immer der Musik, sie sollen phonetisch mit der Rhythmik zusammenpassen.

Könnte man Hildegard lernt fliegen als Dada-Musik bezeichnen?

Auf eine Art schon. So wie ich Dadaismus verstehe, mischt man Dinge zusammen, die vielleicht nicht unbedingt zusammengehören. Vieles ist sinnfrei und es geht mehr um den Klang der Wörter. Ich denke, sobald man mit Sprache so umgeht, dass man den Inhalt der Wörter zurückstellt und mehr mit dem Klang arbeitet, gibt es immer Parallelen zum Dadaismus. Wir wollten aber nie ausdrücklich Dada-Musik machen.

Eure Songs scheinen immer eine Mischung aus akribischer Inszenierung und unschuldigem Zufall zu sein. Wie entsteht denn eigentlich ein Hildegard-lernt-fliegen-Stück?

Grundsätzlich komponiere ich die Lieder, wobei ich manchmal Melodien, die mir gerade in den Sinn kommen, mit meinem Handy aufnehme. Die richtigen Finessen oder eben diese Inszenierung ergeben sich dann aber erst bei der Arbeit mit der Band. Wir spielen neue Lieder schon ziemlich bald an Konzerten, auch wenn sie vielleicht noch nicht richtig bühnenreif sind. Dieser Druck hilft uns, das Stück zu perfektionieren.

Ich lasse mich oft von Stimmungen inspirieren. Es gibt bestimmte Lieder, die politisch motiviert waren, was der Hörer nun aber nicht mehr merkt. Ein Beispiel wäre der Song „Brabbler“, welcher durch den Irak-Krieg, und die dazugehörigen Fragen über Gut und Böse, inspiriert wurde. Dem Text sieht man diesen Zusammenhang aber nicht an und wenn ich das Lied heute singe, denke ich auch nicht mehr daran.

An euren Konzerten sind oft auch eher unkonventionelle Klänge wie eine Schreibmaschine oder  Küchengeräte zu hören. Gibt es noch einen bestimmten Klang, welchen Ihr gerne ausprobieren möchtet?

Viele Ideen diesbezüglich kommen vom Schlagzeuger Christian Steiner, der mit Löchersieben und ähnlichem forscht. Eine Idee wäre, auch einmal etwas mit Geigen zu machen. Wörter und Geräusche könnten sicher auch von zukünftigen Reisen von anderen Kulturen einfliessen. Und ich selber habe schon auch immer wieder neue Sounds (bläst kurzerhand die Backe auf und demonstriert ein Brlbrlbrlb-Geräusch).

Wo würdet ihr gerne einmal auftreten? 

Ein Konzert auf einen Schiff wäre sicher schön. Gerade bei der Reise von Talin nach Helsinki habe ich gemerkt, wie toll das Reisen auf einem Schiff ist. Ich denke, es ist eine Geschwindigkeit, die für den Menschen irgendwie Sinn macht, wo die Seele noch mitkommt. Aber im Moment träume ich gerade davon à la „Pink Floyd live in Pompeii“ in einem überwachsenen Amphitheater zu spielen. Eine Idee wäre auch ein Konzert in einem Steinbruch.

Du hast ja neben Hildegard lernt fliegen noch einige andere Projekte. Wie schaffst du es, dass sich diese nicht vermischen?

Zeitlich ist es natürlich schwierig. Vor allem wenn es ein tolles Angebot mit einem Projekt gibt, aber man ist schon mit einem anderen unterwegs. Musikalisch finde ich es eigentlich sogar gut, wenn sich die Projekte gegenseitig beeinflussen. Man muss gar nicht so aufpassen, dass es sich nicht vermischt, da schon nur die Besetzung unterschiedlich ist. Vieles könnte man mit Hildegard nicht umsetzen, zum Beispiel feine, liebe, kleine Musik. Da ich aber trotzdem Lust darauf ab, ist es toll, wenn man viele verschiedene Projekte hat.
Danke, Andreas!

Artikel und Interview: Fiona Endres / Photos: Niels Franke 

Tout roule pour lui jusqu’à ce que sa manie des détails, son obsession de la perfection, le pousse à péter un câble pendant une rencontre : la glace, trop rugueuse à son goût, le met hors de lui. S’ensuit une scène hallucinante où Paulsen s’empare de l’arbitre, le traîne par l’oreille et plaque son visage sur la glace en question pour lui faire admettre ce défaut inconcevable. Le fragile équilibre de sa psyché est détruit, et Paulsen se retrouve à l’asile des fous pour dix ans.

A sa sortie, la cure est drastique, Paulsen se voit interdire tout contact avec la glace, ses équipiers, ses pierres et ses balais. Un régime d’antidépresseurs lui est imposé et il sombre rapidement dans l’ennui : une émission de télévision sur les coins les plus paumés de la Norvège devient son passe-temps favori et le tient en vie.

C’est alors que Gordon, son ancien entraîneur de curling et son maître à penser, se retrouve sur un lit d’hôpital atteint d’un cancer au poumon. Le fumeur invétéré a presque élevé Paulsen à lui tout seul. Il lui a tout appris de la vie. Plus qu’un entraîneur, c’est un père aux yeux de Truls, qui, pour le sauver, décide de revenir à la compétition. Gagner le championnat permettra de payer l’opération de Gordon.

Kong Curling, premier film du norvégien Ols Endressen, reprend les codes du Big Lebowski et les mâtinant d’un traitement à la Wes Anderson. Ce mélange ambitieux donne un film réussi de bout en bout. Paulsen retrouve face à lui son ennemi de toujours, sorte de Jesus cohénien mâtiné de boucles de cheveux et de pas de danse ridiculement plus minable que ceux de son modèle mexicain.

Toute la panoplie des personnages fonctionne comme autant de renvois à des clichés éculés. La femme de Paulsen est une blonde bimbo qui aime bien plus  son chien que son mari qu’elle traite comme un chien. Les coéquipiers de Paulsen sont aussi drôles que remplis de défauts : l’obsédé sexuel qui ne recule devant aucune audace et aucun corps, l’ornithologue introverti dont le rêve est d’apercevoir la rare bécasse double, l’insomniaque irritable et négatif comme personne, tous ce beau monde se débat dans un univers absurde à souhait et kitch comme c’est pas permis.

Le curling devient alors surtout l’occasion d’offrir des moments de délires et de rires ahurissants. Pas de doute, l’instant norvégien du FIFF valait le détour !

- Article de David La Sala -

Son film, Three Sisters, est au cinéma ce que L’Assomoir de Zola est à la ittérature : une documentation du réel, minutieuse, sordide et émouvante à la fois.

Trois fillettes de dix, six et quatre ans habitent seules dans un taudis sans nom, aux murs décrépis, dans un village qui semble abandonné. Yingying, Zhenzhen et Fenfen sont les trois sœurs du titre. Leurs parents sont partis. Elles se chargent de s’occuper de leurs animaux, un porc et des poules, et de leurs sœurs.

Implacable plongée dans l’univers des exclus de la croissance économique chinoises – on comprendra qu’on se trouve ici dans un village des plateaux du Yunnan sur les contrforts de l’Himalaya –  le documentaire de Wang Bing étonne par sa force et la maîtrise de ses plans en clair-obscur.

Quand il se propose de citer quelques cinéastes, Wang Bing parle de Tarkovski, de Rossellini, de Visconti, de Pasolini et de Fassbinder. Des influences bien européennes pour ce jeune cinéaste chinois. Des maîtres de renom qui n’auraient certainement pas dédaigné le film de Wang Bing. Président du jury cette année, le cinéaste américain Braden King l’a qualifie en ces termes :

« Ce qui est incroyable, dans ce film, c’est qu’il n’impose pas à l’audience des sentiments ou des messages, mais qu’il réussit à toucher chacun individuellement. Voilà le but de chaque œuvre d’art et son véritable accomplissement ».

Comme en écho de cette victoire annoncée tant ce film semble être le film à ne pas manquer cette année, nous découvrions à la suite de la cérémonie de clôture le nouveau film de Wong Kar-wai, The Grandmasters. Ce biopic de Tip Man, le maître de Bruce Lee, nous a permis de constater que Kar-wai est décidément un artiste des images et un maître de la narration.

Son film, sous prétexte de nous raconter la vie de Tip Man, nous raconte 60 ans d’histoires de la Chine. Les tribulations de cette nation sont rythmées des combats de Kung-fu, pour déterminer qui du Nord ou du Sud détient la suprématie de la maîtrise des techniques de combat.

Un film crépusculaire, spirituel, philosophique et terriblement triste. L’histoire d’une Chine à jamais disparue…

- Article de David La Sala -

Le fantasque attaquant français est tout simplement considéré comme le meilleur joueur ayant jamais évolué à Manchester United. Oubliez Georges Best, Bryan Robson, David Beckham et Cristiano Ronaldo, le numéro 7 que les fans de Manchester United ont gardé dans leur cœur a reçu le surnom majestueux de King Eric et il porte le nom de Cantona. Le choix est discutable, mais ce ne sont pas les seules qualités footballistiques qui le guident.

Car Eric Cantona et les supporters, c’est aussi une histoire forgée par un magistral coup de pied tendu à destination d’un fan de Crystal Palace. L’image est passée en boucle sur les chaînes de télé, et au pays du fair-play, Canto a récolté quatre mois de suspension et l’admiration éternelle des supporters mancuniens.

Or, ce que King Eric a reçu, il tient à le rendre. Si son projet Looking for… tient son nom du film de Ken Loach Looking for Eric (dans lequel un postier fan de football entretient des relations imaginaires avec son idole, le footballeur Eric Cantona mué en philosophe de vie), c’est que Looking for … rend hommage à l’univers des supporters, à leur hystérie, à leur passion, à leur folie.

D’Istanbul à Buenos Aires, Eric nous entraîne dans les coulisses de deux derbys parmi les plus chauds de la planète foot : Galatasaray –Fenerbahce, Boca Junior – River Plate. De la Turquie à l’Argentine, la même mécanique est à l’œuvre, celle de l’attachement irrémédiable à un maillot, à une équipe, à une histoire.

A Istanbul comme à Buenos Aires, le football est né des eaux, descendu des cargos en produit importé par les expatriés et les immigrés. Très vite, le football est devenu un sport populaire, des équipes ont été fondées, les premiers championnats créés. Et le ballon rond s’est multiplié.

L’essor des derbys d’Istanbul et de Buenos Aires est intimement liée à leur instrumentalisation par les plus hautes sphères politiques, conscientes en Turquie comme en Argentine de l’effet défouloir du football et de sa capacité à détourner les frustrations de la masse. La popularité du jeu a vite amené à une polarisation des enjeux : Boca ou River, Fener ou Galat, il faut choisir, la neutralité n’existe pas. Et le supporter, ce grand romantique, s’engage pour la vie, car le foot, ce n’est pas du cinéma.

La vie du supporter se passe dans l’attente du jour de match. Et le jour de match, son équipe éclipse tout le reste. L’enterrement de sa belle-mère, le baptême du petit et la tendinite à soigner attendront… le jour de match, le supporter est présent, prêt à soutenir son équipe pendant nonante minutes. C’est le plus beau moment de sa semaine, car il est là pour son équipe, ne fait plus qu’un avec elle et peut souffrir avec elle.

Et le plus beau match de l’année, c’est le derby, le match contre l’équipe rivale de la ville. Le stade sera gonflé, en ébullition, prêt à exploser, comme les clans rivaux au premier but de leurs poulains. Le spectacle sera grandiose quoi qu’il arrive. Le perdant sera moqué jusqu’au prochain derby, où il aura l’occasion de laver son honneur. Et ainsi de suite, pour la nuit des temps.

Pour le supporter de foot, son équipe est le personnage du film le plus beau de sa vie. Qu’elle perde, qu’elle gagne, il sera toujours avec elle. Et elle sera toujours là pour lui fournir un réservoir d’émotions inépuisables. La règle d’or du supporter, cet éternel spectateur, est connue : « Dans la vie, tu peux changer de femme, mais jamais tu ne pourras changer d’équipe ».

A voir :

http://www.youtube.com/watch?v=fhfAy5t-qjM

http://www.youtube.com/watch?v=WhvbiRhPIno

- Article de David Sala -

Pelin Esmers Watchtower ist einer der zwölf Filme des internationalen Wettbewerbs am FIFF 2013. Link-Art führte mit der türkischen Regisseurin ein Gespräch über ihren Film, Schuldgefühle und über die Dreharbeiten mit einem Baby am Set.

Pelin Esmer, wie war es für Sie, ihren Film am FIFF 2013 zu zeigen?

In türkisch sagen wir « Es war mit dem Staub meiner Füsse » wenn jemand gerade erst angekommen ist. Und ich bin erst gerade angekommen als die Vorführung von Watchtower stattgefunden hat. Aber es war toll, das Publikum zu treffen. Ist selbst schaue den Film nicht mehr, denn ich habe ich nach so langer Bearbeitungszeit satt. Für mich ist es wichtiger, was die Zuschauer fühlen. Beim Drehen lasse ich jeweils viele Gefühle zu, aber wenn die Dreharbeiten abgeschlossen sind, schliesse ich auch mit dem Film ab.

Ist es ein Unterschied, ob Sie den Film in der Türkei oder im Ausland zeigen?

Der Hauptunterschied im Ausland ist, dass das Publikum die Tendenz hat, den Film als Aussage über die Gesellschaft zu sehen. Dem muss ich ganz und gar widersprechen. Ein Film ist nur ein Film. Natürlich könnte die Geschichte auch in der Realität passieren aber ein Film ist nie eine Erklärung oder eine Antwort, die mit der ganzen Gesellschaft zusammenhängt.

Warum haben Sie für Ihnen Film Watchtower das Thema « Inzest » gewählt?

Meiner Meinung nach geht es Film nur zum Teil um Inzest. Meine Hauptmotivation für den Film war das Hinterfragen von Schuldgefühlen und dem menschlichen Gewissen. Welche Limiten hat das Gewissen und was lässt es uns tun oder eben nicht tun?

Wollten Sie mit ihrem Film die türkische Gesellschaft in ihrem Umgang mit den Themen Vergewaltigung und Inzest kritisieren?

Meine Motivation ist nie die Gesellschaft sondern immer das Individuum. Klar gibt es Unterschiede zwischen Gesellschaften aber ich interessiere mich mehr für Gefühle, die überall existieren. Das Gefühl von Schuld beispielsweise hat kein Geschlecht, keine Nationalität und auch kein Alter.

Sie haben nach der Filmvorführung gesagt, der Film sei vielleicht eine Art « Heilung »?

Das ist ein Missverständnis, das habe ich nicht so konkret gemeint. Ich hatte keineswegs ein Bedürfnis, über etwas hinwegzukommen, das ich mit dem Film stillen wollte. Aber ich denke, dass wir alle irgendwie ein Schuldgefühl in uns drin haben, an welches unser Verhalten gebunden ist. Und es ist auch nichts Schlechtes. Es macht das Leben detaillierter und wertvoller, wenn nicht sogar lebenswerter.

Sie haben ihre Filmkarriere mit Dokumentarfilmen angefangen. Inwiefern hat Watchtower Elemente, die durch ihre dokumentarische Arbeit beeinflusst sind?

Ich habe mit Dokumentarfilmen angefangen aber noch nicht damit abgeschlossen. Es kommt immer auf das Thema darauf an wie ich arbeite. Dennoch habe ich auch bei Spielfilmen den Drang, die Geschichte möglichst realistisch darzustellen. Dies zeigt sich beispielsweise bei der Wahl der Drehorte oder in der Arbeit mit den Schauspielern. So verzichte ich jeweils auf Proben, dies ähnelt dann dem Dreh eines Dokumentarfilms. Ich versuche hinter die Dialoge zu sehen. Für mich ist auch der Duft einer Szene wichtig. Für den Dokumentarfilm braucht man eine gute Nase, um zu riechen, wann etwas wie passiert. Dann ist man zur richtigen Zeit am richtigen Ort. Dies versuche ich auch im Spielfilm beim Dreh zu nutzen.

Warum half Nihat im Film der jungen Mutter Seher? Weshalb hat er nicht einfach weggeschaut?

Dies hat eben viel mit dem Schuldgefühl zu tun, welches er gegenüber seiner durch ihn verunfallten Familie hatte. Die Geburt von Sehers Kind und ihre Notsituation war als eine Chance für ihn, sich selbst zu heilen.

Das Ende von Watchtowerist sehr offen. Nihat und Seher scheinen die perfekte Familie zu sein. Eigentlich wäre es offensichtlich, dass die zwei nun zusammen glücklich werden. Doch ist es nicht fast zu perfekt, so wie sich die Geschichte ergeben hat?

Ich befürchtete, dass die Zuschauer so denken würden. Deshalb war ich sehr froh, dass ich nach einigen Vorführungen merkte, dass das Publikum sich keineswegs einigen konnte, was nach dem Filmende passiert. Aber für mich ist das Wesentliche, nicht was noch passieren wird oder was passiert ist sondern was innerhalb dieser Zeitspanne passiert, die ich für den Film gewählt habe.

Ihr Film verwendet fast keine Musik. Gibt es einen Grund dafür? Mögen Sie keine Musik?

Natürlich mag ich Musik, aber nur wenn Sie von Anfang an in den Film eingeplant wird. Sie sollte nicht im Nachhinein verwendet werden, um eine Szene zu retten. Im Fall von Watchtower war das Geräusch von Natur und vom « Nichts » sehr nützlich für mich, denn es sagte etwas über die Figuren aus, deshalb habe ich auf Musik verzichtet.

Wie ist das Drehen mit einem Baby am Set

Ich war natürlich sehr angespannt und es war auch nicht einfach. Geholfen hat, dass die Mutter des Babys eine Hebamme war und so auch viel Wissen in die Geburtsszene einbringen konnte. Aber man muss sich natürlich anpassen. Wenn das Baby Hunger hat oder schläft, dann muss man warten. Es war jedoch einer der anpassungsfähigsten Schauspieler, die ich je getroffen habe.

Wie gefällt Ihnen das Filmfestival in Fribourg?

Ich fühle mich hier sehr willkommen und die Leute scheinen freundlich und sehr enthusiastisch für Filme zu sein. Ich bin sehr glücklich, dass ich hier sein kann, vor allem auch, da noch nicht sehr viele türkische Filmemacher hier waren.

Vielen Dank für das Interview, Pelin Esmer

- Article de Fiona Endres -

Der 49-jährige Ross und der 50-jährige Tom reisen den grössten und unberechenbarsten Wellen der Weltmeere nach und pushen sich jeweils gegenseitig ans Limit. Ihr Ziel dieser Saison: das Reiten einer noch nie gesurften Welle, welche 80 Kilometer vom Land entfernt und nur nach starken Stürmen bricht. Von der Giganten-Welle gibt es weder Fotos, noch hat je ein Surfer sie zu bezwingen versucht. Nur ein paar wenige Fischer sind Zeugen dafür, dass es diesen Spot überhaupt gibt. Die Mission ist deshalb auch ein finanzielles Risiko für die zwei junggebliebenen Extremsportler. Was wäre, wenn das Team mitsamt Ausrüstung und Helikopter den Weg auf sich genommen hätte und vor Ort ganz und gar nichts passiert? Aber diese Spanung, diesen Drill ist es, was die Faszination des Surfens für die zwei ausmacht. Der Film porträtiert authentisch diese Sucht nach dem Wellenreiten, was für Ross und Tom wie « nach Hause kommen » ist.

Storm Surfers 3D beschränkt sich aber nicht nur ein Surffilm zu sein. Mit Witz und Schalk charakterisiert er auch die Beziehung der zwei Jugendfreunde, die sich ihr ganzes Leben kennen und ohne den anderen wahrscheinlich nicht mehr sein könnten. Unterschiedlicher könnten die Persönlichkeiten des draufgängerischen Ross und des verantwortungsvollen Tom nicht sein. Und dennoch: Auf hoher See verstehen sich die zwei mit blossen Blicken und anvertrauen sich gegenseitig ihr Menschenleben. Im Film beweisen sie mehrfach, dass sie heikle Situationen zusammen meistern und füreinander da sind.

Das Tüpfchen auf dem « i » des Films ist allerdings ganz klar die visuelle Gestaltung der Bilder. Gefilmt mit mehreren 3D-Kameras aus den unmöglichsten Perspektiven nimmt der Film den Zuschauer wirklich inmitten die Wellen. Und wenn dann die dunkelblaue, bedrohliche Wasserwand immer näher und erdrückender auf einem zukommt und einem schliesslich mit einer tosenden Wucht « auffrisst », ja, dann fühlt man sich selbst im trockenen Cap’Ciné wortwörtlich in einer Waschmaschine.

Obwohl Storm Surfers 3D als Dokumentarfilm aufgezogen ist, bringt er sehr viel Spannung und Emotion in den Kinosaal. Die Begeisterung fürs Surfen, welche die zwei Australier ausstrahlen, ist ansteckend. Zum einen als ihr atemberaubender Sport aber auch als ihre durchaus weise Lebenseinstellung: Das Leben damit zu gestalten, was einen glücklich macht. Und das ist für Ross und Tom definitiv das Surfen.

Storm Surfers 3D läuft morgen, Samstag, um 17.45 Uhr noch einmal im Cap’Ciné und ist auch für Sportmuffel und Landratten empfehlenswert.

- Artikel de Fiona Endres -

Tout commence tranquillement dans cette histoire. Nous voyons la vie grise et réglée comme du papier à musique de cet homme bougon qui n’aime personne et que personne n’aime non plus du fait de son attitude désobligeante. Tous les jours et malgré qu’il soit retraité, il va à la poste pour effectuer son ancienne tâche de concierge. Dans son quotidien, il rencontre un chauffeur de tricycle à moteur, sa voisine, son coiffeur homosexuel et sa « fille » et les quelques amis et amies qui lui reste. A chaque fois, il perd son calme et s’énerve contre tous. A son domicile, ses souvenirs sont rangés dans des cartons étiquetés et listés afin d’être distribué pour le grand final. Car René n’attend plus rien de la vie et attend sa mort de pied ferme. Il possède même un cercueil qu’il a acquis au solde et un testament qu’il met constamment à jour auprès du curé du village.

Ce film change de ton lorsque Bwakaw la chienne tombe malade. A ce moment notre héros, modifie son comportement et commence à devenir quelqu’un de plus humain. Il s’ouvre enfin au monde et essaie enfin de vivre sa vie autrement.

Tourné principalement en plan général et en plan d’ensemble, ce film nous montre bien où vivent les différents protagonistes. Nous nous retrouvons donc dans la verdure des Philippines comme si nous étions l’un des villageois. L’alternance avec des plans américains nous permet de faire un focus sur les acteurs à certains moments pour mieux percevoir leurs émotions.

En juillet 2012, ce film a été primé trois fois au Philippin Cinemalaya Independent Film Festival (prix du public et prix du meilleur acteur). Bwakaw a aussi obtenu une nomination au Tokyo International Film Festival. Il a également eu du succès au Toronto International Film Festival où le public l’a bien accueilli. Eddie Garcia (René), célèbre acteur philippin a gagné un prix en tant que meilleur acteur au 55ème Asia Pacific Film Festival pour ce film. Bwakaw a gagné encore d’autres nominations à de nombreux festivals mondiaux.

Ce film est encore diffusé ce soir, 22 mars, et samedi au Festival International du Film de Fribourg.

Pour plus d’infos : www.fiff.ch

Trailer de Bwakawa sur youtube

- Article de Cédric Nussbaumer -

Manjeet Singh, Director

Vorsichtig tappt Rahui barfuss über die Dächern Mumbais. Er weiss, wem er hier auf keinen Fall begegnen sollte: seinem betrunkenen Vater, der nicht nur ihn sondern auch seine Mutter bei jeder Gelegenheit schikaniert und schlägt. Diese schuldbeladene Vater-Sohn Beziehung, welche durch die Alkoholsucht des Vaters und die Rachegelüste seines Juniors immer verkokster wird, steht im Handlungszentrum von Mumbai’s King. Doch der schlaksige Junge hat sowieso nicht mehr vor, zu Hause aufzukreuzen. Gemeinsam mit seinem Freund Arbaaz, einem 12-jährigen Ballonverkäufer, macht er lieber die Strassen der indischen Grossstadt mit Streichen und anderem Schabernack unsicher. Kartoffeln werden demzufolge nie gekauft sondern mit List und Skrupellosigkeit dem Marktverkäufer stibitzt. Die Lieblingsbeschäftigung der beiden Lebenskünstler bleibt aber das charmante Verfolgen von Rahuis Herzblatt, einem hübschen Mädchen mit langem, geflochtenem Haar. Resolut aber dennoch mit jugendlicher Zaghaftigkeit hängen sich die beiden Knirpse an die schon fast damenhafte Schönheit. Diese Szene wiederholt sich im Film und wird jedes Mal auch musikalisch auf eine herzlich unschuldige Art vertont. Obwohl dieses Katz-und-Maus Spiel für die Story keine grosse Bedeutung hat, wird die Szene zum Zuschauerliebling. Genau mit solchen liebevoll und erfrischend simplen Momenten brilliert Mumbai’s King. Regisseur Manjeet Singh schafft es mit seinem ersten Film ein solch ungekünsteltes Ambiente zu schaffen, wie es viele routinierte Filmemacher nicht zustande bringen. Diese Authentizität verdankt der Film auch den Schauspielern, die in Tat sich selber spielen. So ist Arbaaz tatsächlich Ballonverkäufer in den Strassen Mumbai’s und Rahui kommt aus einer konfliktreichen Familie. Singh hat die beiden Jungschauspieler auf den Strassen Mumbai’s kennengelernt und liess sich beim Dreh von den Geschichten der Kinder lenken. Der Film habe das Leben der Strassenkinder aber nicht auf einen Schlag verändert, erklärt der Regisseur: „Sie tun noch immer genau das gleiche wie vorher: Ballone verkaufen in den Strassen von Mumbai“.

Der Film hat kein Anfang und kein Ende. Der Film scheint eine Sequenz aus dem Leben der indischen Familie aufleuchten zu lassen ohne dabei auf ein Vorher oder ein Nachher einzugehen. Ein wirkliches Ende oder gar ein kitschiges Happy End, wie man es aus „Slumdog Millionaire“ kennt, wird dem Zuschauer verwehrt. Filmisch spielt Mumbai’s King gekonnt mit den Perspektiven und unterbreitet dem Publikum auch ästhetisch schöne Bilder mit beispielsweise beeindruckenden Nachtszenen, welche nur durch das Strahlen von Lichterketten illuminiert werden. Zudem setzt der Film gekonnt auf die Wirkung von Kontrasten. Nur in seiner „heilen Welt“ beim Wasserfall ausserhalb der Stadt kann Rahui endlich wieder lachen. Er springt rückwärts in das kühle Nass, imitiert lächerlich einen Wal und im Hintergrund taucht gross und düster die dreckige, unsympathische Grossstadt mit all ihrem Übel und Schrecken auf. Mit solchen Antagonismen bringt Singh sehr viel Emotion in den Film.

Der Film besticht überdies durch die freimütigen und naiven Dialoge zwischen den Freunden. Wenn der kleine Arbaaz verspricht Rahuis Vater zu verprügeln und dabei vergisst, dass er um die fünfmal kleiner als ebendieser ist, dann lacht das Zuschauerherz. Alles in allem ein Film mit viel Charme und Wahrheit, welchem man sein Low-Budget keineswegs anmerkt und der es ohne Bollywood-Klischées meistert, einen Einblick in ein exotisches Land zu geben.

Trailer von Mumbai’s King

FIFF Programm

- Artikel von Fiona Endres -