LixeiraDourada, reciclando ideias.

Transformando o singelo em grandioso

noreply@blogger.com (Victor Miller) — Mon, 21 May 2012 20:00:00 +0000

O cinema japonês, em sua maioria, é muito competente em extrair ao máximo seus recursos por mais escassos que sejam. A sensibilidade e o rigor impresso em cada uma das cenas encantam pessoas que buscam longas mais artísticos e profundos. Mesmo acostumado com esses elementos, as vezes pegamos um filme que surpreende, e foi assim com Pai e Filha (Japão 1949) de Yasujiro Ozu, considerado o diretor mais japonês entre os japoneses.

Preocupado com sua filha Noriko, que está com 27 anos e precisa casar para constituir sua família, o viúvo Somiya finge estar se casando novamente para que a filha siga seu destino. O sacrifício da filha é por um simples motivo: a vida com seu pai é tão serena e tranquila que ela tem medo de que esses momentos acabem.

O “tom” deste filme é extremamente melancólico, mas não só pelo que vemos na tela, mas sim pelas conclusões que se passam pela nossa mente durante os dias seguintes. O cinema de Ozu é conhecido pelas indiretas e múltiplas mensagens que exigem do espectador uma própria interpretação, dando margens a debates quando a projeção acaba. Somente o próprio diretor poderia dizer com exatidão o que se passa nos sentimentos de cada personagem.

O que fica bastante claro é que em nenhum momento Somiya quer que Noriko se case para se afastar dela, pensando apenas no bem estar e no futuro da filha. Outro ponto interessante é que o marido dela nunca aparece em cena, mas é apresentado sendo semelhante ao ator americano Gary Cooper, aguçando a curiosidade do espectador.

A última cena do filme é surpreendente e reflexiva. Caso não queira spoilers, pule para o próximo parágrafo. Somiya retornando do casamento da filha começa a descascar uma maçã e chora como nunca com a cabeça abaixada. O que Ozu quis passar? Esse choro era de alegria ou de tristeza? Ele cumpriu o seu dever de pai, mas era isso mesmo que ele queria? Talvez expresse sentimentos paradoxais que nem mesmo o próprio personagem consiga entender, afinal, o ser humano é inconstante e nem sempre sabemos nos posicionar diante das situações.

Pai e Filha é belíssimo. De produção pobre, mas um dos mais ricos trabalhos sobre a natureza humana. Poético, profundo, reflexivo e melancólico, é um filme para toda a vida. Obrigatório para os fãs do cinema cult.

Papel, Tinta e Sangue

noreply@blogger.com (Marcelle Pacheco) — Fri, 18 May 2012 14:00:00 +0000

O Corvo ("The Haven", EUA, 2012) se propõe ser mais do que apenas uma homenagem ao escritor Edgar Allan Poe. É um thriller dos mais instigantes, que encanta, prende o espectador e respeita o espirito de Poe: morte, sangue e aquela sensação de que é impossível desgrudar os olhos. Do livro ou da tela.

Na história, John Cusack é Edgar Allan Poe. Em decadência e meio bêbado, o escritor vive perambulando pelas ruas de Baltimore em busca de inspiração. Seu único momento de felicidade é quando ele encontra Emily (Alice Eve), uma mulher com um pai carrasco que não quer nem saber da filha casada com o escritor. Mas Poe entra em choque quando surge um serial killer que se inspira em suas obras; e que sequestra Emily para desafiá-lo.

Além do ritmo de episódio de CSI, misturando a homenagem às obras de Poe, a direção de James McTeigue ("V de Vingança") prioriza o contraste claro/escuro para exprimir os momentos do filme. As cenas solitárias de Cusack em casa, deprimido, são mais escuras, normalmente com um único ponto de luz no cenário, como um abajur. Por outro lado, as cenas de Poe com Emily são, ou durante o dia, ou muito bem iluminadas, como na sequência de dança do baile.

Para os literatos, o filme pode ser um máximo ou um fracasso total. Alguns vão ficar decepcionados com algumas obras que ficaram de fora. Mas não våo se decepcionar com a bela homenagem ao corvo, símbolo do eterno "homem da multidão", que permeia toda a obra.

Busca

noreply@blogger.com (D M Rangel) — Tue, 15 May 2012 13:30:00 +0000

De clássico em clássico se constrói uma lenda. Alice Não Mora Mais Aqui (“Alice Doesn’t Live Here Anymore”, 1974, EUA) é para mim o elementar filme de espírito livre de Martin Escorsese e o primeiro e único de sua obra com um personagem principal do sexo feminino.

Daqueles capazes de nos inspirar apenas por um determinado enquadramento, seu primeiro trabalho de estúdio em Hollywood, traz a história de Alice Hyatt (Ellen Burstyn), uma dona de casa viúva do Sudoeste americano. Após a morte de seu marido, ela decide pegar estrada junto com seu filho Tommy (Alfred Lutter) e seguir seu sonho de ser cantora.

Para criar a condição humana e sonhadora de Alice, Scorsese gastou duas vezes o valor de Quem Bate À Minha Porta somente com a primeira sequência do filme: Uma espécie de homenagem à obra O Mágico de Oz. Embora o filme não possua nenhuma das características temáticas de Martin, ele possui o charme e energia comuns às suas outras obras. Com esse clima lúdico, vamos acompanhando através de sua jornada, nossa heroína se questionar se vale a pena tanto sacrifício para realizar um sonho ou se deve voltar à vida doméstica.

Uma película quase leve para nos fazer questionar o que vale a pena, e nos dar vontade de pegar uma mochila leve, colocar nas costas e reconstruir nossas vidas. Imperdível para quem entende a necessidade de mudar em ordem para sobreviver.

Ser Mãe é…

noreply@blogger.com (Victor Miller) — Mon, 14 May 2012 20:00:00 +0000

Ontem foi dia das mães, e para entrar neste clima trago o filme Kabei Our Mother (Japão 2008), do veterano diretor Yoji Yamada. Fugindo dos clichês com inteligência, além de tratar assuntos políticos, este longa é indicado para aqueles que querem se emocionar com a história de uma mãe que faz tudo para proteger seus filhos.

Tóquio, 1940. Kayo Nogami vive feliz com o marido Shigeru e as duas filhas. Num sábado de manhã, Shigeru é preso sob a acusação de ser comunista. Com todo seu amor e determinação, Kayo começa a trabalhar sem trégua para sustentar a casa e cuidar das meninas. Ela recebe o apoio da cunhada Hisako e de Yamazaki, ex-aluno de seu marido, agora dono de uma pequena editora. O jovem acaba desenvolvendo fortes laços com a família. Mas eles permanecem sem notícias de Shigeru, e o Japão entra na Segunda Guerra Mundial.

O objetivo é mostrar o lado sentimental de uma família que vive em tempos de guerra, não sendo um daqueles filmes que aproveita o tema para mostrar explosões na cidade, mortes, etc. Por um lado isso é bom, pois Yamada prefere explorar de modo elegante e profundo o drama dos personagens, mas desperdiça a oportunidade de entreter o público com cenas de ação que poderiam até complementar a trama.

Ao contrário do Túmulo dos Vagalumes, que colocava apenas a guerra como o grande vilão da história, neste há uma tendência em vitimizar os japoneses. Talvez por Yamada ter vivenciado o holocausto durante a juventude, e hoje não ter medo de evidenciar seu olhar sobre o assunto, mas ao mesmo tempo não criticando os americanos.

O grande destaque vai para a atuação de Sayuri Yoshinaga no papel de Kayo, transmitindo com intensidade os sentimentos de desespero e tristeza, mas ao mesmo tempo reprimindo-os para tentar proteger a própria família. Muitas vezes o espectador se emocionará com tamanha devoção, afinal, até que ponto a pessoa anula o que sente para passar segurança aos que ama?

Kabei Our Mother é um clássico, daqueles de emocionar os corações mais gelados, além de mostrar um pouco da história do Japão pela perspectiva de uma família que vivia nesta época. Em alguns momentos ele é um pouco parado graças ao uso de planos longos, como é costume no cinema japonês, mas não chega a arranhar o brilho da produção. A obra prima de Yamada e um filme para a vida inteira.

Dever

noreply@blogger.com (D M Rangel) — Sun, 13 May 2012 13:30:00 +0000

E quem falou sobre deuses no céu e esqueceu os da Terra? Quando uma lenda cria outra, temos algo além do conceito de dinastia. Fábulas cinematográficas vão mais a frente do “bom resultado” de trabalho duro e esquemático processo criativo. Elas atingem a nossa memória imagética e logo somos marcados por tais histórias. Afinal, uma corrida neste táxi vale uma longa distância até mesmo com bandeira dois.

Travis Bickle (Robert DeNiro) é um veterano da Guerra do Vietnã e mora na cidade de Nova Iorque. Para combater sua insônia ele trabalha como motorista de táxi durante as noites na cidade que nunca dorme. Boa parte de seu tempo ele passa dentro de sua cabeça e possui opiniões bem definidas sobre tudo. Até se convencer da ideia de um papel na sociedade, daquele capaz de transformar esse mundo em um lugar melhor, sua obsessão cega inicia e ele começa a agir para tentar limpar os maus elementos de uma Nova Iorque decadente.

Não conhecer esse taxista é quase inaceitável. Mais ainda não conhecer seu criador. Taxi Driver (“Taxi Driver”, 1976, Estados Unidos da América) é talvez um dos trabalhos mais icônicos de Martin Scorsese como diretor, daqueles dignos de estampa de camisa hipster. Tanto já se foi falado desse filme que se torna difícil qualquer tipo de “novos” comentários. Mas filmes-vinho como esse vão ficando mais velhos e fazendo ainda mais sentido, seja hoje ou há quase quarenta anos atrás. A capacidade de prender nossa atenção nessa corrida punk permanece, e esse vencedor de quatro Oscars conquista geração após geração. Uma mitologia que nunca morre.

A Perfeição do Caos

noreply@blogger.com (Simão Pedro Santos) — Sat, 12 May 2012 20:00:00 +0000

De uns tempos pra cá tem se tornado cada vez mais frequente ouvirmos falar sobre facções rivais promoverem episódios de extrema violência no Rio de Janeiro. Mas, se vocês acham que a Cidade Maravilhosa é a única que sofre, ou sofreu, com isso...estão muito enganados. No século XIX, a maior cidade do mundo também sofreu com situações muito parecidas. Mas, foi em 2002 que Martin Scorsese trouxe as telonas essa história. Gangues de Nova York ("Gangs of New York" , EUA, 2002) é baseado no livro “As Gangues de Nova York - Uma história Informal do Submundo de Nova York”, publicado em 1928 pelo jornalista Herber Asbury (1890 – 1973).

O filme conta a história de barbaria e total abandono da cidade de Nova York. Numa época onde as leis não importavam, vidas valiam praticamente nada e quem comandava era quem tinha mais força e poder (qualquer semelhança é mera coincidência); o filho do padre Vallon (Liam Neeson) volta para a cidade com o intuito de vingar a morte de seu velho. Porém, ao chegar na “Big Apple”, Amsterdam (Leonardo Di Caprio) se vê obrigado a fingir ser do clã do assassino de seu pai: Bill “O Açogueiro” (Daniel Day-Lewis). Mas, com o passar do tempo os dois se reconhecem e começam a travar uma disputa até a morte pelo controle de uma região da cidade.

A priore a história pode parecer simples e considerada um cliché, principalmente para filmes de ação. Contudo, a maneira da qual o diretor desenvolve o enredo e nos apresenta os fatos, dá excelência ao longa. Como todos os seus filmes, Scorsese se aproxima em muito da perfeição quando o assunto é a parte técnica. Além disso, as escolhas dos personagens foram acertadíssimas. Os dois atores principais, Leonardo Di Caprio e Daniel Day-Lewis (ao qual foi indicado ao Oscar de Melhor Ator por este filme), tem atuações fantásticas. Até mesmo os coadjuvantes, como Cameron Diaz e Brendam Gleeson, fazem um trabalho elogiavel.

Gangues de Nova York, para o crítico que vos fala, é um dos melhores trabalhos do diretor. E se você um dia buscar conhecer uma história interessante e como muita ação, não vai se arrepender nem um pouco de assistir a esse filme. Porém, esteja preparado para muita violência, sangue e alugumas cenas de nudez. Aspectos que ajudam, em muito, a retratar alguns acontecimentos daquela época.

Máfia à la Scorsese

noreply@blogger.com (Marcelle Pacheco) — Fri, 11 May 2012 20:30:00 +0000

Em 1990, Martin Scorsese já era Martin Scorsese. Depois de fazer "A Última Tentação de Cristo", "Touro Indomável" e, principalmente, "Taxi Driver", a crítica e o público já estavam apaixonados por esse jovem nascido no Queens e vindo de família italiana. Mas como todo italiano, faltava para ele falar de algo tão italiano quanto espaguete e massa de tomate. Os Bons Companheiros ("The Goodfellas", EUA, 1990) conta a história real de Henry Hill, um garoto que sempre sonhou ser um gângster e que, ao longo de 20 anos, se envolve em golpes cada vez maiores ao lado dos companheiros Jimmy Conway (Robert De Niro) e Tommy DeVito (Joe Pesci).

O filme é uma obra-prima. Os 147 minutos são tão perfeitos que fica até difícil escolher por onde começar a falar. O roteiro é impecável: as passagens de tempo, as falas, as situações cotidianas aliadas aos crimes e assassinatos são muito bem encaixados. A trilha... Ah, a trilha! Estrelada por Tony Bennett, Aretha Franklin, Mick Jagger e Keith Richards, a música do filme não é algo que passa e você mal percebe. É quase mais um personagem daqueles cruciais, que, se ele, o filme não teria tanta graça.

Agora, se é um filme de Scorsese, não poderíamos terminar esse texto sem falar da direção. Lembro-me bem de quando "O Aviador" estava concorrendo ao Oscar e nosso amigo Zé Wilker disse durante a transmissão na Globo: "Scorsese não merece ganhar porque já fez filmes muito melhores. Esse é medíocre." No momento, achei um grande exagero. Eu tinha adorado "O Aviador".

Mas quando vi Os bons Companheiros, entendi exatamente o que ele queria dizer. Isso sim é uma aula de direção. Conduzindo o espectador o tempo todo e abusando dos planos longos, Scorsese tem o filme inteiro na palma da mão. Nada aparece por acaso, nenhuma luz está ali à toa. Tudo, absolutamente tudo se encaixa. Que Scorsese era um bom diretor todo mundo já sabia. Mas ele quis provar mais uma vez. E o resultado todo mundo também já sabe: um filmaço.

Batalha Naval

noreply@blogger.com (Joel Souza) — Fri, 11 May 2012 14:00:00 +0000

O que esperar de uma fábrica de brinquedos que resolveu se aventurar no mundo cinematográfico com superproduções alienígenas? Depois de três "Transformers" quase épicos, a Hasbro nos traz mais ETs em guerra com a terra em Battleship: A Batalha dos Mares ("Battleship", EUA, 2012). Apesar desse "repeteco temático", o filme traz uma novidade no mínimo curiosa: a estreia da cantora pop Rihanna nas telonas.

Apesar de ser repleto de subtramas que tentam (sem muito sucesso) dar alguma profundidade à história principal, é justamente nos momentos mais rasos que o filme mostra seu verdadeiro potencial. Com alguns dos efeitos especiais mais incríveis dos últimos anos, explosões sensacionais e, é claro, muito barulho, são as cenas de ação e pancadaria que realmente divertem a plateia e fazem valer o dinheiro do ingresso.

Curiosamente, em uma época onde todo e qualquer filme acaba ganhando mil continuações, por mais incoerentes que elas sejam, o roteiro é fechado o suficiente para não "pedir" uma sequência, apesar de ter uma certa cena após os créditos pra deixar essa possibilidade viva.

Sendo mais objetivo: é um bom filme? Sim. Tem alguma coisa diferente, em relação a outros filmes do gênero? Não. É um típico blockbuster que segue aquela velha fórmula industrial que sempre dá certo. Tem muita correria, um romance de fundo, algumas questões políticas por alto… só que o legal mesmo são as bofetadas que o ET dá na Rihanna. E as explosões, claro.

Scorscese também é erudito

noreply@blogger.com (Pedro Henrique Barros) — Fri, 11 May 2012 13:30:00 +0000

A Época da Inocência (“The Age of Innocence”, EUA/1993) consegue resgatar certo purismo que a arte perdeu no início do século XX. Existe uma diferença entre fazer um filme de época com uma estética atual e fazer um cinema de época. Sendo que o segundo consegue nos transportar para uma época bem diferente, do Vaudeville e das peças de Ibsen. O deleite nostalgico é somente um dos elementos que nos dominam nesse filme.

A coisa mais envolvente é a dor no coração ao pressentir o trágico fim que vai levar essa história de amor. É um melodrama como nenhum outro, ou melhor, como todos os outros. Um set up bem evidente já nos dá o tom do amor nunca concretizado entre um homem e uma divorciada em um tempo cheio de preconceitos. A medida que seguimos os passos desse homem em seu desespero de um dia estar com a sua amada vai crescendo a dor pungente no peito. Por mais que pareça que o filme está a um navio de “Titanic” ele ainda consegue ser bem arrojado, cortesia do mestre Scorscese.

A narrativa que perpassa o filme consegue o raro feito de não se tornar redundante ou uma incursão exagerada na psiquê do protagonista. Ele ainda consegue trazer um choque que desequilibra toda a balança deste triângulo amoroso. A direção de arte também é uma delícia. Não existe algo mais perto de se sentir em uma Nova Iorque do final do século XIX. Nem em “Gangues de Nova Iorque” o diretor conseguiu reproduzir o mesmo feito.

Não é surpresa nenhuma que Martin Scorscese consegue fazer tudo que decide com maestria. Com um melodrama épico ele fez Scarlett O’Hara tremer na base. O filme é um elogio aos primórdios da arte narrativa e de como ela foi moldada até chegar ao que é hoje. “A perda a inocência” é como se denomina a trajetória do Herói até ele despertar para o mundo. Essa palavra toma todo um novo sentido, e uma nova força após vermos esse filme, assim como toda a idéia da narrativa que se põe em cheque.

O primeiro Avatar de todos.

noreply@blogger.com (Pedro Henrique Barros) — Thu, 10 May 2012 13:30:00 +0000

Antes de Martin Scorscese descobrir Asa Butterfield, ele já havia encontrado o Dalai Lama em Kundun (“Kundun”, EUA/1997). O filme rendeu ao diretor quatro indicações ao oscar além de uma expulsão da China. Polêmicas a parte, o filme é uma boa variedade aos italianos gangters tão presenter na filmografia do diretor. Além de ser um dos primeiros a mostrar essas duas facetas do diretor trabalhando juntas.

Kundun era o título dado ao lider do Tibet, O Dalai Lama. O filme acompanha a descoberta do avatar de Buda perto da fronteira com a China passando por seu amadurecimento até seu momento de exílio na Índia. Mesmo para quem não tem paciência para histórias excessivamente políticas o filme consegue não tornar a confusa. Esse é o lado mais comercial do diretor falando.

Em contrapartida, as pretensões mais artísticas do diretor ficam mais afloradas quando observamos a fotografia. Diferente do que se vê em “Taxi Driver”, Scorscese deu luz a uma sensibilidade completamente nova para retratar os monastérios e planices tibetanas. Junte isso com a trilha sonora minimalista do Phillip Glass e você tem altos momentos Koyaanisqatsi. Que fazem você questionar até a sua própria existência.

No final de contas, você tem o melhor de dois mundos. Um filme contemplativo que consegue não ficar chato. A diegese encaixa bem com os sintagmas. Sem falar que a todo momento o filme exala beleza. Até nos momentos mais mórbidos, tudo nele é um ornamento. Um dos momentos mais delicados da história do ocidente é engenhosamente retratado em Kundun, e para qualquer um que se interesse pelo assunto, essa obra é um must see.

Pirados e Sem Graça

noreply@blogger.com (Simão Pedro Santos) — Wed, 09 May 2012 22:30:00 +0000

Os Piratas eram os mais temidos marginais dos sete mares entre os séculos XVI e XVIII. Homens extremamente perversos que promoviam saques e pilhagens a todos os navios que cruzassem o seu caminho, principalmente os mercantis. Porém, no filme Piratas Pirados ("The Pirates! Band Of Misfits", EUA, 2012), teremos a chance de conhecer uma tripulação que quando o assunto é ser mal, eles são os priores no ramo. Essa animação tenta ser uma aventura nos moldes da franquia “Piratas do Caribe”, mas não chega nem perto de atingir essa proposta.

O longa conta a história do pior pirata existente, o Capitão Pirata, um líder pacato, burro e trapalhão que sonha em ganhar o prêmio de Melhor Pirata do Ano. Incentivado pela sua tripulação ele irá se inscrever na disputa, mesmo sabendo que não tem chance alguma de conquistar esse prêmio. E assim, engajado em realizar o seu sonho, ele parte em busca de navios e cidades que possam ser roubados. Mas o que ele não esperava era ser a vítima de várias tentativas de furto da sua Dodó.

Contudo, a única coisa que é roubada é a nossa vontade de rir. Com cenas muito forçadas e piadas que não tem graça nenhuma, o filme se torna chato e entediante. Além disso, as crianças que se encontravam presentes na sala de cinema, que normalmente riem com mais facilidade, pareceram compartilhar com a minha opinião sobre a frequência de partes cômicas no longa. Isso porque foram poucas as risadas ouvidas durante a sua exibição. Nem mesmo um macaco falando através de plaquinhas consegue mudar esse panorama.

Já os pontos altos do filme estão nas referencias a personalidades do passado, como a Rainha Victória e Charlies Darwin, e a maneira da qual a animação é feita. Utilizando a técnica do stop-motion, os criadores do filme deram vida a inúmeros bonecos de massinha (a mesma técnica usada em “A Fuga das Galinhas” e “Wallace & Gromit”). Mas, nem mesmo esses aspectos irão ajudar a essa produção que deixa…e muito a desejar.

"No dia em que eu saí de casa"...

noreply@blogger.com (Marcelle Pacheco) — Wed, 09 May 2012 21:00:00 +0000

A formação, tanto acadêmica quanto pessoal, é o principal tema do documentário Romance de Formação (Brasil, 2012), dirigido por Julia de Simone. A história de quatro brasileiros que saíram de casa para estudar ganha contornos poéticos nas mãos da diretora, que escolheu planos mais subjetivos, buscando captar não apenas as dificuldades desses estudantes, mas seus sentimentos, profundos e complexos; exatamente como estudar fora de casa.

Os brasileiros Wilian Cortopasi (que saiu de Minhas Gerais para cursar Engenharia na PUC-Rio), Caetano Altalfin (estudante da Harvard Law School), Fabio Martino (pianista que estuda Alemanha) e Victoria Saramago (que faz Literatura em Stanford) largaram a família e os amigos para ir atrás de seus sonhos. A ideia da diretora é mostrar exatamente a formação pessoal de cada um e, para isso, usa muitas cenas filmadas pelos próprios estudantes, com uma webcam. A escolha cria intimidade com os personagens, o que, obviamente, engrandece a obra.

No entanto, o filme peca no roteiro e na "história". Em determinados momentos não acontece absolutamente nada! Por exemplo: ela mostra o pianista Fabio Martino treinando em casa, treinando em casa de noite, treinando com a professora, treinando com outro professor... Além da monotonia, nenhuma dessas cenas acrescente realmente algo à história.

Seria muito mais interessante aliar os momentos privados dos estudantes às suas histórias de vida. Isso só foi aproveitado com Wilian Cortopasi. O sonho dele era estudar engenharia para criar remédios que pudessem curar o pai com câncer. Porém, até isso fica meio aéreo e perdido no meio do contexto. Até porque existe um salto de Wilian no Instituto Militar de Engenharia para ele mesmo na PUC. E o espectador, com poucas explicações, fica com aquela cara de "hãn?" achando que dormiu e perdeu um pedaço do filme.

Por isso, Romance de Formação tem muitos méritos. É um documentário diferente e ousado, buscando outras formas mais inovadoras de contar uma história; bem como aqueles estudantes que saem de casa justamente para recontar as suas próprias histórias. Porém, com pouco conteúdo, no fim das contas o filme deixa a sensação de que ficou faltando alguma coisa.

A Realidade Pelas Lentes de Scorsese

noreply@blogger.com (Marcelle Pacheco) — Wed, 09 May 2012 13:30:00 +0000

Martin Scorsese também é conhecido pela qualidade de seu trabalho como documentarista. Praticamente um especialista em retratar ídolos do rock, como George Harrison, Bob Dylan e os Rolling Stones, Scorsese provou que um documentário também pode ser um filmaço.

A jornada do direitor pelos trabalhos factuais começou em 1979, quando fez "Italianamerican". Um filme simples sobre a sua própria família, em que ele entrevista os pais sobre a vida em Nova York. Depois disso, em 1999, o diretor fez "My Voyage to Italy", onde ele deixa de lado a família italiana e foca na história do cinema no país. São incríveis 4 horas de duração!

Outro documentário muito bem recebido pela crítica foi "A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies", de 1995. Também com quase 4 horas, o diretor, como o próprio nome diz, convoca para uma aventura pela história do cinema ao lado dele. Nessa jornada, Scorsese deixa impressões sobre cada filme, e nós, sortudos, temos a oportunidade de partilhar dessa viagem, aprendendo mais sobre o cinema com um dos maiores gênios da arte.

Porém, foi na representação de músicos e grandes astros que Scorsese se sobressaiu. "No Direction Home: Bob Dylan", "Shine a Light" e "Living in the Material World: George Harrison" representam bem o estilo grandioso do diretor, tanto no cinema ficcional quanto no cinema documentário. Tanto na trajetória densa de Bob Dylan quanto no show dos Stones em Nova York ("Shine a Light"). Não importa para que lado Scorsese vá, gênio que é gênio não faz nada menor do que o incrível.

Um Sucesso Infiltrado

noreply@blogger.com (Simão Pedro Santos) — Tue, 08 May 2012 13:30:00 +0000

Um dos gangsteres mais conhecidos do mundo foi Al Capone. E, apesar de ser condenado a 11 anos de prisão em 1931 (como mostra o filme “O Intocáveis”), ele foi responsável por deixar um legado que se espalhou por várias regiões dos Estados Unidos. Uma delas tem seu centro na cidade Boston, casa de uma das forças polícias mais respeitadas do mundo. E é a partir desse enredo que Martin Scorsese dirigiu um dos maiores sucessos (e tenho duvidas se não é o maior) de sua carreira. Os Infiltrados ("The Departed", EUA, 2006) ganhou quatro Oscars, entre eles o de Melhor Filme e Melhor Diretor para Scorsese.

Essa trama policial conta história Colin Sullivan (Matt Damon) e Billy Costigan (Leonardo Di Caprio), dois homens que se encontram em lados diferentes da lei. Porém, os dois recebem a missão de se infiltrar respectivamente na Polícia do Estado de Massachusetts e na Máfia Irlandesa, grupo comandado por Frank Costello (Jack Nicholson). Em meio a violentos jogos de interesses e informações trocadas, as duas organizações descobrem a existência de espiões em suas atividades. A partir daí que Costigan e Sullivan começam a temer por suas vidas e irão fazer de tudo para descobrir um a outro em troca de suas sobrevivências.

Ao iniciar o longa, todos começam a pensar que será mais um filme policial. Mas, de maneira simplória e muito bem pensada, Scorsese consegue mais um resultado de impressionar a todos. O filme é recheado de surpresa, além de nós fazer refletir sobre como seria ter uma vida dupla e se há a possibilidade de existir ética nesse tipo de atividade. O diretor também consegue nós infiltrar dentro do psicológico de três personagens: Costigan, Sullivan e Costello. E, a partir daí, nós desafia a descobrir quem é mais esperto, ou o mais louco. Ao meu ver, no caso do segundo tópico, o persangem de Jack Nicholson vence (eu quase consigo ver o Coringa do primeiro "Batman" no lugar de Costello). Desta vez nem mesmo a Academia pode deixar de se render a esse filmaço!

A escolha dos atores também contribuiu muito para dar excelência ao longa. E olha que ela não me pareceu ter sido uma tarefa muito complexa. Primeiramente, o elenco é encabeçado por um de seus queridinho: Leonardo Di Caprio. Esse ator raramente deixa a desejar e mostra nesta produção o porque do diretor o utilizar tanto em seus projetos. Além dele; Matt Damon, Jack Nicholson e Mark Wahlberg também tem atuações memoráveis. Principalmente o ultimo nome, que foi indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante (única estueta que o filme foi indicado e não faturou). Os Infiltrados é um drama policial que consegue agradar aos fãs do gênero e a todos que assistirem a essa espetacular e surpreendente produção.

A pureza da resposta das crianças…

noreply@blogger.com (Victor Miller) — Mon, 07 May 2012 20:30:00 +0000

Outro dia ouvi de um idoso: “Quer uma solução simples para seus problemas? Pergunte a uma criança!”. Curioso que menos de uma semana depois escolhi um filme que traduz exatamente esta expressão, sendo o mais novo trabalho de Hirokazu Kore-Eda. O cineasta é talentoso em prender o espectador com temas simples e paradoxalmente profundos. Foi assim com Ninguém Pode Saber e Ainda a Caminhar, e não é diferente com O Desejo de um Milagre (Kiseki, Japão 2012), mais um clássico do diretor.

Um garoto chamado Koichi (Koki Maeda), vive com sua mãe e seus avós em Kagoshima, enquanto seu irmão mais velho Ryunosuke (Oshiro Maeda) vive com seu pai em Ryunosuke, norte de Kyushu. Ambos foram separados pelo divórcio dos pais, mas a construção de uma linha de trem bala ligando as duas cidades enche Koichi de esperança e o faz acreditar que a chegada do trem irá reunir sua família mais uma vez.

A mensagem é de que o mundo das crianças mesmo sendo puro e ingênuo têm muito a ensinar aos adultos, que acabam esquecendo valores nobres como a amizade e o respeito devido ao excesso de trabalho e a mágoas do passado.

É evidente que há excesso de otimismo nas duas crianças, reflexo da imaturidade, algo que os próprios pais observam com certa reprovação. Em compensação, ao longo do filme vemos um processo de amadurecimento de ambos em aceitar o mundo dos adultos, sendo que fica claro que o maior desejo era de que a família voltasse a se reunir, não necessáriamente como um casal, mas que todos convivessem de forma pacífica.

O Desejo de Um Milagre nasceu clássico, sendo mais um brilhante filme na carreira de Hirokazu. Assim como os outros, ele conta com baixo orçamento, mas com boas ideias e todas muito bem executadas. Enfim, os amantes do cinema-cult não devem perder. Pra finalizar, uma curiosidade: os dois atores mirins também são irmãos na realidade.

Pra Rir de Nervoso

noreply@blogger.com (Pedro Henrique Barros) — Mon, 07 May 2012 13:30:00 +0000

Comédia sempre foi considerada uma arte menor e deslavorizada. O mesmo pode ser dito sobre o filme O Rei da Comédia (“The King of Comedy”, EUA/1983). O filme combina humor negro com algo que o Stephen King escreveria. Ainda com um tom muito forte da herança universitária do diretor, goste ou não dele, o filme é uma surpresa.

Um duelo máximo entre comediantes, onde Robert DeNiro faz um aspirante do showbiz e o Jerry Lewis faz, bem, ele mesmo. A busca do novato por um big break logo se transforma em uma perseguição entre os dois que acaba ficando mais bizarra da conta. Não é o roteiro mais bem lapidado do diretor, existem algumas pontas soltas e personagens como a namorada do DeNiro que são completamente rasos. No entanto, o argumento gira em torno de uma idéia muito interessante. A premissa do filme esconde uma crítica ao showbusiness que parece meio obvia, mas continua perspicaz.

De fato, “O Rei da Comédia” não é indispensável para a filmografia de ninguém do diretor. Mas é um trabalho que mostra muito bem de onde o diretor veio, e de certa forma, para onde ele está indo. É um filme leve, e embora não caia no gosto de muitos, vale a pena conferir pelo menos pela discussão que ele levanta.

Luxo e Caos

noreply@blogger.com (Pedro Sodré) — Sun, 06 May 2012 13:30:00 +0000

A essa altura, Scorsese já tinha feito sua obra-prima, "Os Bons Companheiros", que falava sobre a vida de gangsters jovens nas ruas de Nova York. Nela, o diretor mostrou a violência e a fragilidade da vida mafiosa de rua. Em Cassino ("Casino", EUA, 1995), ele sobe o nível social da máfia. Vai para Las Vegas, nos grandes cassinos, e mostra como a história de um mafioso não muda tanto nesse outro âmbito.

Nesse caso, os gangsters são donos de hotéis e cassinos em Las Vegas. Tudo é luxo e excesso. Ternos caros, carros caros, casas caras, mulheres caras. Duas cenas mostram muito bem isso. A primeira, vemos Robert De Niro com um terno rosa, numa tela widescreen, em cores, acendendo um cigarro, andando até seu luxuoso automóvel. A segunda cena mostra o mesmo Robert sentado sem calças em seu escritório. Ele só as veste quando vai receber algum convidado. A distorção nos valores dos personagem é algo descomunal. De Niro praticamente compra sua mulher, interpretada pela linda Sharon Stone, com um punhado de joias incríveis, que acabam virando o tema central do conflito entre os dois.

O legal de Cassino é que Scorsese mais uma vez deixa o mundo da máfia mais próximo da vida comum. Ele vai até um alto nível de luxo, mas não chega aos Corleone. O próprio diretor diz que, quando fez esses filmes de gangsters, retratou algo que viu em sua infância, que é possível e verdadeiro. De fato, em uma entrevista sobre o filme, Scorsese afirmou, "não consigo ir adiante, este é o ponto mais alto a que posso chegar. Não estou interessado nesse alto nível". Para ele, inclusive, a história de Mario Puzo, filmada por Coppola, é uma fantasia.

Cassino é um must do diretor. Como o próprio disse anos depois: "Eu resolvi que tinha que ser um épico, um épico de três horas, mas muito rápido. Muito rápido, porque no mundo em que eles estavam, as coisas andam mais depressa. Mais tudo, consumo, consumo, consumo. Para mim, representava o que estamos fazendo nesta sociedade". Se existe um grande filme sobre a capacidade do homem de se autodestruir, esse é Cassino, de Martin Scorsese.

Domando Um Touro Brabo

noreply@blogger.com (Victor Rocha) — Sat, 05 May 2012 22:00:00 +0000

Scorsese é o que se pode definir como um cineasta completo. Diretor e produtor, exímio nas ficções e nos documentários, não é de se espantar que ele tenha também grande sucesso na hora de adaptar biografias. Entre elas está o clássico “Touro Indomável” (Raging Bull - EUA, 1980), que conseguiu dois Oscars, incluindo o de melhor direção. O longa é uma adaptação do livro homônimo que conta a história do ex- pugilista peso-médio Jake LaMotta, conhecido como "o touro do Bronx".

O roteiro é muito linear. Caminha pela história do lutador de acordo com sua ascensão na carreira e degradação na vida particular. Seu forte temperamento, energia excessiva, violência e possessivíssimo foram motivo para as duas vertentes. Além da direção, Scorsese brilhou por dar ouvidos a um amigo: Robert De Niro foi o responsável por interpretar LaMotta impecavelmente. Antes disso, ele teve que provar ao diretor que a história era suficientemente boa, o que levou o ator a treinar um ano de boxe com o próprio pugilista. Esta foi a quarta parceria de oito entre Scorsese e De Niro. Talvez a mais importante, já que, como amigo, o ator foi fundamental para a recuperação do diretor, que ficou entre a vida e a morte diante de um vício por trabalho, cocaína e medicamentos pesados.

Em mais um esforço de DeNiro, as filmagens de “Touro Indomável” foram interrompidas durante dois meses, período em que o protagonista engordou 25 quilos para interpretar LaMotta em sua plena aposentadoria. As gravações eram tão intensas que De Niro chegou a quebrar uma costela de Joe Pesci durante uma cena de luta que compôs a edição final do longa. Os efeitos sonoros dos socos foram produzidos com o som de tomates e melões sendo marretados em um movimento que amplia a voracidade das cenas de ação. O sangue, elemento corriqueiro no filme, foi feito com uma calda de chocolate, aproveitando que a obra foi praticamente toda concluída em preto e branco (salvo pelas filmagens caseiras do próprio LaMotta, inclusas), ideia do o veterano cineasta inglês Michael Powell a Scorsese.

Com uma produção caprichada, que abusou das atuações e dos detalhes, buscando sempre o realismo, “Touro Indomável” tornou-se referência. O longa foi importante também para sacramentar um período de maturidade do diretor. Enquanto alguns como Spielberg e George Lucas procuravam uma abordagem que voltasse ao leve e feliz, Scorsese se empolgou com uma história biográfica que se convertesse em um monumento seco do seu estilo. Com ternos elegantes, lutas violentas e sengue vazando na seda, ao embalo de trechos de ópera e bossa nova, o clássico estava cravado.

Olhos abertos! O filme deve voltar a ser bem comentado diante de uma provável continuação que vem sendo estudada desde 2006, baseada na no livro Raging Bull 2. Dessa vez, a direção deve ficar por conta do argentino Martin Guigui.

Outro Lado do Cristo

noreply@blogger.com (Marcelle Pacheco) — Fri, 04 May 2012 20:30:00 +0000

Polêmico e proibido em vários países, A Última Tentação de Cristo ("The Last Temptation of Christ", EUA, 1988), é um filme que merece ser visto fora do contexto religioso e bem longe de uma Bíblia. Ele conta a história de um Jesus (Willian Defoe) humano, que tem medo de assumir sua missão, sente a atração por Maria Madalena (Barbara Hershey) e que, da cruz, imagina como seria sua Vida se não fosse o Messias.

É claro que os mais religiosos detestam o filme. Desmistificando a imagem do "homem sem pecado" pregada pela Igreja Católica, Martin Scorsese causou furor. Mas, se você analisar um pouco mais profundamente, vai perceber que nem tudo é heresia. Scorsese não é ateu, muito pelo contrário. Católico, não quis "macular" a imagem de Cristo, mas mostrá-la por outro ângulo. Baseando-se no livro homônimo de Niko Kazantzakis, o diretor cria um personagem humano, e, por incrível que pareça, mantém Seus ensinamentos vivos pela película.

contando com as atuações impecáveis de Defoe e Harvey Keitel (Judas), A Última Tentação de Cristo é um daquelas clássicos diferentes. Controverso demais para passar na Sessão da Tarde da Sexta-Feira Santa, mas que tem muito mais a ensinar do que aqueles filmecos de Jesus que estamos acostumados a ver. Bom, pelo menos no quesito cinemão.

Viagem Sintética

noreply@blogger.com (Joel Souza) — Fri, 04 May 2012 15:13:00 +0000

Está entrando em cartaz mais uma superprodução nacional (quase) com cara holywodiana. Dirigido por Marcos Prado (do premiado documentário "Estamira") e produzido por José Padilha (aquele mesmo, dos "Tropa de Elite"), Paraísos Artificiais (Brasil, 2012) chega prometendo ser uma grande filme, mas não consegue realmente cumprir a promessa em todos os aspectos.

O filme conta (ou tenta contar) o drama vivido por Nando (Luca Bianchi) através do seu envolvimento com drogas sintéticas, mas a previsibilidade do roteiro acaba enfraquecendo um pouco a história, principalmente no que diz respeito ao seu relacionamento com Érika (Nathalia Dill). Através de uma estrutura não linear, acompanhamos as primeiras experiências "artificiais" do rapaz em uma rave no Nordeste, sua viagem criminosa a Amsterdam e sua volta para casa depois da prisão, quando vê que seu irmão mais novo, Lipe (César Cardadeiro), está repetindo seus erros.

Além das falhas estruturais do roteiro, boa parte das atuações são bastante rasas, prejudicando um pouco mais a experiência que o filme poderia causar no espectador, já que aborda uma temática tão pertinente e tão pouco explorada. Na maior parte do filme, temos a impressão de que apenas Nathalia Dill está, de fato, atuando. Fica difícil perceber se isso é resultado de uma falha geral da direção ou de alguns méritos pontuais de Marcos Prado, nos momentos em que todos conseguem mostrar que sabem fazer aquilo.

Apesar desses problemas importantes no conjunto da obra, o filme consegue se salvar pelos aspectos técnicos, que estão impecáveis. A fotografia de Lula Carvalho impressiona outros pontos, como a montagem e a trilha sonora, também são dignos de elogios. No geral, um filme importante por tocar num ponto crítico, como eu já havia dito, mas que não vai ser tão apreciado pelos mais exigentes.

Uma Biografia Lenta e Bem-Feita

noreply@blogger.com (Simão Pedro Santos) — Fri, 04 May 2012 13:30:00 +0000

Pode até ser uma consciência, mas aparentemente os profissionais de Hollywood têm uma pequena “queda” pelos filmes biográficos. São inúmeras as produções baseadas nas histórias verídicas de personalidades que tiveram algum destaque ao redor do globo. E o homenageado deste mês não fica de fora. Em 2004, Martin Scorsese dirigiu O Aviador (The Aviaor, EUA, 2004), vencedor de cinco Oscars e três Globos de Ouro.

O longa mostra os prós e contras do excêntrico Howard Hughes (Leonardo Di Caprio), um dos homens mais ricos do mundo entre meados dos anos 20 de 40. Ele conquistou fama ao bater o recorde mundial de velocidade em um avião e por ser dono de uma das maiores empresas aéreas norte-americanas, a TWA. O filme retrata todas as etapas de produção do polêmico e revolucionário “Hell’s Angels”, até a criação do avião “Hércules”. Além suas manias de limpeza, suas opiniões racistas e seus problemas amorosos com algumas atrizes; entre elas estavam Katharine Hepburn (Cate Blanchett) e Ava Gardner (Kate Beckinsale).

De uma maneira elegante e bem sucedida, Scorsese nos faz entender os motivos das paranóias de uma grande personalidade dos século 20. Para isso, ele se utilizou de imagens com altíssima qualidade e de um figurino que evidencia todo o glamour vivido pelos famosos da época (principalmente nas cenas das grandes festas frequentadas por essas pessoas). A responsabilidade de interpretar esse personagem cheio de significados ficou nas mãos de Leonardo Di Caprio (o mesmo de “Titanic” e “O Homem da Máscara de Ferro”). O ator (que atualmente é um dos queridinhos do diretor) foi impecável no papel, o que chegou a rendar uma indicação ao Oscar por sua performance.

Mas, apesar de todos esses pontos positivos, o longa é lento e, muitas vezes, entediante. Não que eu deixe de indicar o filme por isso. Contudo, aconselho que seja visto sem sono, já que, infelizmente, ele pode ser o ponto de partida para um belo cochilo, ou até mesmo um sono bem pesado.

Culpa

noreply@blogger.com (D M Rangel) — Thu, 03 May 2012 13:30:00 +0000

Aquele que hoje filma em 3D já experimentou de quase tudo. Com um brilhante longa de estreia, ele poderia cair no velho dizer “sorte de principiante”. Mas quase 30 filmes – e também documentários e trabalhos para televisão – depois, Martin Scorsese continua nos brindando com sua primorosa visão de diretor e produtor.

J.R. é um típico ítalo americano de Nova Iorque. Suas próprias crenças são questionas quando ele descobre o segredo de sua namorada. Mesmo tendo a escolhido para casar e viver uma típica vida de família americana, o jovem não consegue encontrar um equilíbrio entre sua fé e seu amor.

Quem Bate À Minha Porta (“Who’s That Knocking At My Door”, 1967, EUA) já se chamou I Call First e é um filme gravado durante anos e machucado por várias mudanças no roteiro. Em 1965, ele era preparado como um curta e falava apenas da vida mundana e sem grandes viradas do personagem principal e seus amigos. A ideia do romance surgiu bem depois, em 1967, quando as duas histórias se juntaram. A estreia mundial do filme aconteceu no Festival de Cinema Internacional de Chicago. Um ano depois, um distribuidor ofereceu comprar o longa com a condição que ele ganhasse cenas de sexo para melhorar sua publicidade. Scorsese então filmou o exigido e só então a película ganhou o nome que tem hoje.

A obra pode não ser a melhor desse mestre do cinema, mas é, com certeza, o exemplo de potencial. Um filme sobre aquela culpa que não nos permite seguir em frente, mas ao mesmo tempo nos tira do lugar comum. Imperdível. O primeiro longa de uma lenda viva.

Um Americano À Italiana

noreply@blogger.com (LixeiraDourada) — Thu, 03 May 2012 00:14:00 +0000

Martin Charles Scorsese. Ítalo-americano, cineasta. Em sua carreira, já foi ator, produtor, roteirista, diretor e até mesmo historiador. Fundador da World Cinema Foundation e da The Film Foundation, ambas dedicadas à preservação da memória cinematográfica, Scorsese sempre foi um cinéfilo. E é com grande prazer que anunciamos que nossa próxima série de posts especiais será dedicada a esse grande personagem da história do cinema. Para saber mais sobre Scorsese e sobre nosso Especial, clique em "ler completo".

Muitos críticos e estudiosos do cinema americano o chamam de "o maior diretor vivo". Martin Scorsese nasceu em 1942 no Queens, em Nova York. Descendente de imigrantes italianos, ele nunca abandonou suas raízes e ao longo de toda sua carreira se permitiu influenciar tanto pela cinematografia clássica italiana quanto pelo ambiente em que cresceu. Scorsese se formou na Escola de Cinema da Universidade de Nova York e é parte de um movimento conhecido como Nova Hollywood, quando cineastas com formação universitária passaram a ocupar os espaços que eram deixados pelos cineastas clássicos, sem formação específica. Entre ficções, documentários e peças publicitárias, já participou de dezenas de produções entre as quais dirigiu 22 longa-metragens. Além da realização de filmes, Scorsese também se dedica a pesquisar a história do cinema e à restauração e preservação de obras marcantes.

Ao longo das próximas duas semanas, o LixeiraDourada irá publicar mais de 15 textos sobre alguns dos filmes mais marcantes da carreira do diretor, como Os Infiltrados, Cabo do Medo, Gangues de Nova York e Taxi Driver, entre outros. Não deixe de acompanhar nossa página oficial no Facebook para saber sempre que um novo texto for publicado.

Meeeu Deus, Que Homem!

noreply@blogger.com (Victor Rocha) — Wed, 02 May 2012 10:30:00 +0000

Se você é poderosa, linda, segura, madura, bem resolvida e talvez até mãe solteira, seus problemas chegaram ao fim. Apresento-lhe Zack Effron! Ou melhor, Logan Thibault, o herói de “Um Homem de Sorte” (The Lucky One, 2012, EUA). O longa é mais uma adaptação de um dos livros de Nicholas Sparks (Querido John), logo... Já se pode prever o estilo do roteiro até a cena final. Mas o filme dirigido por Scott Hicks se saiu bem melhor do que a adaptação do conto mais famoso do nosso querido autor, sobretudo no início da produção, que chega até a enganar um pouco.

O sortudo Logan (Effron) foi mandado ao Iraque, assim como o querido John. Um belo dia, caminhando com seu batalhão, ele encontra, perdida no chão, a foto de uma linda jovem. Enquanto admira a imagem, seu grupo (que continuou andando) entra em um campo minado e... todos morrem. A partir daí, o fuzileiro naval dedica-se a encontrar a garota que salvou sua vida. Logan só faz o bem, é seguro, forte, olha direto nos olhos, encara qualquer um e, quando tem algum defeito, é no máximo fofo e sofrido. Obviamente a mulher da foto, Beth (Taylor Schilling), iria se apaixonar de cara.

O filme aposta numa fotografia clara e avermelhada, com belas paisagens em um encanto melodramático e onírico. A trilha sonora apenas completa o propósito: apertar o coração das menininhas. Acontece ainda um recorte entre cenas de sexo ardente e ternura sensual na cama. Algo que não faz o mínimo sentido na vida real, mas anima os pobres coraçõezinhos sonhadores. Dá um "que" de amor completo. Destaque para a atuação do pequeno Riley Thomas Stewart, sem dúvida o melhor do elenco. Destaque negativo para o tosco personagem da mãe de Beth. Espiando tudo como se fosse um oráculo, vai do meigo ao irritante rapidamente. Ela age como uma conselheira espirituosa e bondosa, em um papel bossal e caricato de... velha.

Eis que chego ao grande incômodo: Efron. Não que ele vacile ao interpretar o (fácil) papel, mas a escolha do ator foi de uma enorme infelicidade, ainda que seja responsável por atrair ainda mais fãs do gênero. Barbado e muito bonito (não posso negar), ele ainda não perdeu aquela carinha de criança e não se encaixa nem com os conflitos, nem com o elenco do filme. Imagine um delegado com medo da cara de macho de Zack. Agora imagine uma mãe jovem, divorciada, se apaixonando por ele... POR QUE MOTIVO AQUELA MULHER PODE ACREDITAR QUE ESSA CRIANÇA VAI SER UM BOM PAI PARA SEU FILHO? O pior é que, no filme, ele literalmente é o homem perfeito. Efron consegue ter cara de, no máximo, um priminho viril que desestabiliza a vida da mulher semi pedófila. Não... Não deu certo. No único instante em que o ator é mais exigido (ápice do filme), ele dá um show de canastrice. Para coroar, Zack ainda arrisca uns passinhos que o eternizaram em High School Musical.

Um Sonho Épico e Eletrizante

noreply@blogger.com (Simão Pedro Santos) — Sat, 28 Apr 2012 18:00:00 +0000

Quando crianças costumávamos sonhar que todos os nossos heróis favoritos se reuniam e formavam uma super equipe para lutar contra o mal. E nós sempre assistíamos tudo de camarote, quase como se estivéssemos ajudando eles. Agora, ficou fácil de tornar os seus sonhos em realidade! É só ir para o cinema mais próximo da sua casa e comprar um ingresso para assistir Os Vingadores ("The Avengers", EUA, 2012). O filme mais aguardado de uma geração, chega para se tornar muito mais que a estreia da semana e sim, na minha modesta opinião, a estréia do ano inteiro.

Quando o malíguino semideus Loki (Tom Hiddleston) vem a Terra para tentar controlar toda a raça humana, o chefe da S.H.I.E.L.D, Nicky Fury (Samuel L. Jackson), tenta reunir uma equipe de pessoas extraordinárias para salvar o planeta. Recrutados para fazer parte dessa super equipe estão: Capitão América (Chris Evans), Homem de Ferro (Rovert Downey Jr.), Thor (Chris Hemsworth), Hulk (Mark Ruffalo), Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) e a Viúva Negra (Scarllet Johansson). Uma vez unidos, eles passaram por alguns conflitos de interesses e ideológicos, mas tudo será superado para que eles consigam salvar a Terra. “Ou pelo menos vingá-la”.

Para todos que esperavam ver um filme de muita ação e efeitos especiais fantásticos, irão se deparar com algo muito…mas muito melhor. Além dos itens citados a cima, o longa possui elementos de comédia, emoção e de pensamentos profundos sobre o que significa fazer parte de alguma coisa maior. Características que podemos encontrar em todas as mais recentes produções da Marvel. Só que desta vez, a sua qualidade, geral e individual, aumentou da mesma maneira pela qual se deu a união de todos esses heróis: um verdadeiro sucesso!

Porém, a verdade é que entre eles temos três personagens que se destacam em todos os quesitos. Primeiramente Tony Stark, o Homem de Ferro, mantém de maneira magistral a sua excelência já apresentada em seus “solos”, isso graças a excelente interpretação de Robert Downey Jr. (o mesmo de “Chaplin” e “Sherlock Holmes”), que se encaixou perfeitamente no papel do gênio playboy. Já o Capitão América, personagem do ator Chris Evans (o mesmo do “Quarteto Fantático”), mantém o seu espírito de liderança e coragem se tornando assim o estrategista da equipe.

Contudo, a maior surpresa do filme, na minha opinião, foi o Hulk. Após a transformação do sério e apavorado cientista Bruce Banner, interpretado por Mark Ruffalo (o mesmo de “Minhas Mães e Meu Pai”e “A Ilha do Medo”), o gigante verde virá o pontos auge de comédia do filme (juntamente com os dois personagens citados anteriormente). Além de esmagar tudo o que aparece pela frente, ele consegue arrancar inúmeras gargalhadas dos telespectadores. Assim me parece que depois de tantas tentativas fracassadas, finalmente, a Marvel pode ter achado um foco interessante e um bom ator para o papel do mostro verde.

O filme épico, eletrizante e espetacular consegue ser tudo o que nós esperávamos e muito mais, superando qualquer expectativa. Com toda a certeza, a reunião de todos esses heróis irá agradar a quem é e quem não é fã dos quadrinhos. E finalmente, depois de tanta espera e tanta expectativa, temos a chance de sonhar acordados e nos deliciar com todos os fantásticos feitos dos Vingadores.