Ya he comentado en el blog que gracias a esta foto de la sesión fui mención honorífica en el concurso Alien Skin Retouch, pero aún no había compartido en el blog otras de las fotos destacadas.

En este tipo de fotos presto especial atención al retoque de la piel, al final del artículo cuento más detalles.

Elementos clave para la sesión:

– Ventilador tipo industrial
– Reflector
– Flash potente primario (Jinbei DC-600)
– Dos flashes fondo/rim (SB-600)
– Maquillaje
– Photoshop

Photoshop:

Al usar buena iluminación, exposición adecuada, una lente con mucho detalle, primer plano de la cara, etc… todas las pequeñas imperfecciones se acentúan. Para mi gusto es esencial un retoque limpio manteniendo la textura. Si uno se fija, verá que se pueden apreciar los detalles de la piel, quiero compartir con vosotros un recorte al 100% de la siguiente foto para destacar como se mantiene la nitidez en todos los rincones y detalles.

Un buen retoque elimina detalles que pueden molestar pero lo más importante es que mantiene el aspecto general de la persona y mantiene también pequeñas imperfecciones que caracterizan una piel sana y normal. Que no parezca un extraterrestre, y que no nos haga pensar desde el minuto zero que la foto está retocada. Por otro lado, hay que ser coherente, no es lo mismo un primer plano que un plano general, depende de cada modelo, si es chico o chica, etc.

Para conseguir este nivel de detalle, la técnica que utilizo es la separación de frecuencias. Por si no la conocéis, al final del artículo podéis ver un enlace a un fantástico video de Omar Josef (especializado en post-producción) que lo explica estupendamente. Básicamente se trata se separar la imagen en dos capas, una con los colores y otra solo con la textura, así podemos clonar/reparar la textura que nos interesa sin el engorro de mover colores.

Conclusión:

El retoque dependerá muchísimo de la finalidad de cada fotografía y del tiempo que podamos destinar. Lo suyo es mucha práctica y una vez nos sintamos seguros con la técnica crear un flujo de trabajo con el que retocaremos todas las fotos. En todos los aspectos de la fotografía, al igual que en otras actividades artísticas, es la experiencia la que hace que en menos tiempo, puedas crear un resultado mejor y con más valor añadido.

Por último destacar que todo esto es una mejora más del retrato. No pierdo de vista que la experiencia de la sesión, las expresiones, capturar el momento,… es lo que marca la diferencia. Una foto bien hecha empieza mucho antes de coger la cámara, en el retoque solo sacamos brillo al producto final.

Enlaces:

Separación de frecuencias (video).

Sigue mis últimas fotos en 500px o en la página de facebook.

El concurso consistía en bajarte el software de prueba de Alien Skin y procesar una foto con sus plugins para Lightroom y Photoshop, pudiendo mostrar si querías el antes y el después.

La foto que envié quedó entre las 5 finalistas, y de esas eligieron la ganadora. Según ellos eligieron la que más realzaba la foto final y por tanto mejoraba muchísimo con el antes y el después. Era algo que me temía, ya que no sabría decir cual me gusta más, si la original (arriba) o la modificada (abajo), de todas maneras, estoy contentísimo con la mención honorífica, y más viniendo de una web que frecuento tanto como es Fstoppers.

La verdad es que no habría sido posible sin la modelo, muchas gracias Ari :)

¿Para qué quiero yo un flash de estudio portátil?

Una de las limitaciones que tenemos al usar flashes convencionales de tipo speedlights es la potencia, por lo tanto, el uso de éstos flashes con batería son el siguiente paso evolutivo al strobist.

Si en ésta frase del artículo te has perdido, lo más probable es que no necesites un flash de estudio portátil por el momento, aunque espero que el artículo te aclare algunas dudas :)

Así pues la principal razón de usar un equipo de estas características es la potencia, por ejemplo hacer que la parte iluminada destaque aunque estemos en un día muy soleado a las 12 del mediodía. También nos será útil para hacer fotos de grupos, ya que la profundidad de campo juega un papel importante en éste tipo de fotos, y al cerrar la apertura necesitamos esa potencia de más. Veamos porqué:

Limites y limitaciones

La principal limitación que tenemos con los flashes de cualquier tipo es la sincronización de éstos con la cortinilla de nuestra cámara reflex, y aunque muchos nos vendan que esa limitación está en 1/250 mi experiencia es que el limite real está en 1/200, ya que a 1/250 podemos empezar a ver una banda oscura en el lateral de la foto (parte superior al disparar en horizontal). Esto lo he visto en una Canon 5DMkII y en cámaras Nikon de gama semi-pro y pro, ya sea disparadores caros como los PocketWizards o disparadores “baratos” como los Yongnuo. En lo que refiere a esta gama de cámaras DSLR, nadie se escapa.

La velocidad del obturador modifica la luz ambiente, pero NO el flash

¿Qué nos queda entonces? la sensibilidad (ISO) y la apertura sí que modifican la luz que recibimos del flash, por lo tanto, y dejando de lado por ahora el ISO, la apertura es lo que nos permite modificar la luz del flash. Cuanto más cerremos nuestra apertura, más potencia necesitaremos.

Problema:

Os planteo una situación, estamos a f/4 con un paraguas enorme de 60 pulgadas para iluminar a un grupo de 5 personas, disparando a ISO 100 y el flash a toda potencia. Hasta aquí tanto la luz ambiente como la luz del flash salen bien, pero resulta que miramos más detenidamente la pantalla de LCD y vemos que los integrantes del grupo de detrás están desenfocados, su posición nos gusta, así que necesitamos más profundidad de campo y decidimos cerrar a f/8. Luego ya ajustaremos de nuevo el obturador para volver a tener la misma luz ambiente.

Solución: Usar 4 flashes

Si no queremos tocar el ISO, por múltiples razones que no vienen al caso, lo único que nos queda es aumentar potencia de flash, perfecto:

• Tenemos 1 flash a toda potencia que puede costar tranquilamente 300€.
• Para subir un paso y disparar a f/5.6 necesitaremos un total de 2 flashes como ese a toda potencia (600€).
• Para subir otro paso y disparar a f/8 necesitamos doblar de nuevo la cantidad de luz, así que nos vamos a 4 flashes que sumados pueden costar 1.200€.
• ¿Y si ahora quiero irme a f/11? necesito 8 flashes de los cuales no hace falta que te diga el precio ¿verdad?

Además, al subir el número de flashes que tenemos que cargar, tenemos que ir sumando las baterías o pilas que tenemos que llevar. Controlar que siempre estén cargadas, controlar los disparadores que cada flash tendrá que usar, etc… Todo esto es algo que quería evitar, encontrar una solución unificada y simple de tener potencia. Aquí es donde entra nuestro amigo…

Flash de estudio

Un flash de estudio suele tener mucha más potencia que un flash de tipo speedlight, el problema es que se tienen que enchufar a la corriente y suelen ser grandes y pesados, por ejemplo, las ventanas tipo Apollo pueden tener problemas para meter según que flashes de estudio en los que la cabeza de luz es muy grande.

Movilidad: cuando la cabeza del flash es lo suficientemente pequeña para que pueda ser usada en nuestros modificadores de luz, una de las opciones es comprar una batería de corriente alterna, el problema es que son muy caras, ya que los flashes de estudio necesitan un tipo especial de baterías para no dañar el flash. Hay algunas soluciones asequibles en Estados Unidos que siempre suenan en los blogs de fotógrafos de ese país, combinaciones de flash de estudio con batería de corriente alterna que me habrían ido de perlas. El problema aquí viene a que la distribución Europea de esos modelos disparaba el precio. Por no hablar del precio de cambiar una bombilla si se funde en un futuro y el tiempo a esperar para el recambio y temas de garantía.

El presente: Flash de estudio con batería

Ésta es la foto de mi flash con batería, el Jinbei DC-600, con ralladas incluidas (vamos, que he realizado la fotografía al mío).

Aquí es donde tenemos por fin, potencia, una cabeza de luz pequeña y una batería, todo en uno. Cosa que nos facilita la movilidad. Aun así, hay que reconocer que las baterías que usan estos modelos suelen ser pesadas, sobretodo en las gamas más asequibles. La ventaja sobre la opción de corriente alterna es que al estar pensadas para ir con batería pueden durar mucho más.

Hace meses que iba detrás de uno, y la verdad es que es todo un mundo. El principal problema que encontré es que muchos de los flashes se situaban entre los 1.000€ y los 2.000€. Aunque, como habéis visto en el ejemplo anterior, sigue siendo igual de caro en términos de Ws (potencia de flash). Luego hay modelos que pueden ser incluso más caros, ya que se usan para hacer fotos en movimiento o de deportes, en los que la duración del flash es mínima (un tema en el que no he querido entrar de momento por ser muy extenso).

Esta entrada pretendía ser una review del flash que veis en la fotografía, pero al escribirlo me he dado cuenta de que antes de pasar al análisis quería explicar muchas cosas. Publicaré el análisis en otro post para no hacer tan extenso este, pero antes de acabar aquí, ya que estamos con temas de luces hagamos una mirada al futuro:

El futuro: Luz continua y tecnología LED

Seguramente el futuro es la tecnología LED. Por el momento no tengo muy clara la potencia real de estos LEDs con batería, estoy esperando a ver si alguien me deja probar uno, o que alguien saque una review de pruebas con luces de este tipo. Aunque los LED son muy eficientes, estemos hablando de luz continua, y en las especificaciones que he visto, de momento su duración en batería es de 60 a 90 minutos (quizá alguien conoce más modelos que duren más). En cambio, si usas un flash de estudio con batería como los que he usado yo, puedes estar 4 horas a potencias altas y estar aguantando, ya que cuando gasta realmente es en cada disparo. Aquí ya entra la perspicacia de cada uno, de ir apagando y encendiendo según se necesite, aunque en tema de luz continua y LEDs todo lo que digo son especulaciones, habría que hablar con alguien que tenga experiencia con éste tipo de luces.

Aquí podéis ver una de estas nuevas antorchas LED que ya tiene suficiente potencia como para ganar la batalla el sol, eso sí, estos modelos cuestan $2,500 pero imagino que irán bajando de precio con el tiempo:
httpv://www.youtube.com/watch?v=PPJgwFiigs8

Éste fin de semana tuve el placer de asistir a un taller que impartía el gaditano Horacio Arriaza en el que nos ha contado sus andanzas por la fotografía de bodas, desde la planificación hasta la posproducción, pasando por cantidad de historias y anécdotas. Todo ello en el Vendrell, Tarragona, dónde a parte de dar la mano a otros fotógrafos que se apuntaron al curso, también conocí a Leandro Crespi y pude ver su estudio.

Éstas son algunas de las fotos que hice durante una sesión de pre-boda a una pareja real (no son modelos). A decir verdad, estaba más atento a lo que hacía Horacio, como trataba con los clientes, qué les decía, … que a hacer mis fotos.

Siempre va bien ver como trabajan otros, y lo mejor de todo, hablar con fotógrafos de todo tipo aunque no se dediquen al mismo tipo de mercado para coger ideas de aquí y de allá e incorporarlas a nuestro estilo. Me gustó mucho el hincapié que hizo en construir una historia, un hilo conductor en cada sesión para que la totalidad tenga sentido, ya sea pensando en su publicación en la web o al hacer el álbum de la pareja.

Horacio es muy amigo de la luz natural y por eso en ninguna foto he usado flash. Algo a lo que no os tengo acostumbrados en este blog :)

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+ Desconeguts

Hace semanas que las luces navideñas están colgadas en las calles, el frío te cala, y si sales a hacer fotos apenas notas el tacto del botón de disparo en tu dedo congelado, a pesar de ello, hay quiénes van con su equipo por aquí y por allá. A todos esos fotógrafos les dedico ésta foto, que una luz siempre viene bien. Por no encontrar túnicas de la marca Gandalf en los outlet de la tierra media preferí abrigarme con ropajes más actuales y zapatillas cómodas.

La idea de la foto surgió en medio de otra sesión que estoy usando para preparar mi nuevo portfolio web. A parte de eso estoy editando muchas fotos de las últimas sesiones, aprovechando estos días más tranquilos para dedicarlos a la familia, y por qué no decirlo, a cargarnos la dieta con gusto y con una buena excusa de por medio.

Esperemos que el 2012 se porte bien, éste año que ahora se acaba empezó muy mal para muchas familias en Japón, visitar la exposición World Press Photo te recuerda también que la tierra sigue llena de conflictos e injusticias y que por desgracia no tiene pinta de terminar pronto.

Por suerte, hay gente que conserva el sentido del humor y el buen rollo, como mi compañero de cámaras y camareros Desenfocado, que año tras año me sorprende con sus tontunas navideñas, y este año no ha sido menos.

Modelo: Andrea Ruiz | Maquillaje: Cristina Quintana

Siguiendo con el mismo set que en el anterior artículo (“Simplifica las cosas usando una sola luz”) os muestro ahora otra sesión con Mertixell, que a pesar de disponer de solo media hora, dio para mucho :)

Modelo: Meritxell Camins | Maquillaje: Ester Martínez

En mis últimas sesiones he llevado el equipo de luz que veis en la foto de arriba, un softbox Westcott Apollo de 28 pulgadas, el Jinbei DC-600 (un strobe de 600ws, podéis ver una review genial de Eduardo Francés en lightingrumours en inglés), y un pie tipo boom. Esa foto es el esquema que he usado a lo largo de la corta sesión (y de próximas que voy a ir subiendo), simplificando también ese aspecto de la sesión.

Éste strobe me habría ido de perlas para la sesión que colgué de fotos de familia creativas.

Aunque ese pie es pesado de llevar y mover, no me arrepiento para nada el haber tomado esa decisión, simplificando esa parte de la ecuación me he podido concentrar en otros aspectos de cada fotografía e intentar sacar el máximo provecho de una sola fuente de luz.

Haciendo este tipo de ejercicios en sesiones que te lo permitan, puedes acabar descubriendo nuevas maneras de usar tu equipo, y quitarte de encima esos vicios que nos imponemos día a día sin darnos cuenta.

Modelo: Marta Serrano | Maquillaje: Melissa Mari

Una de las técnicas que más he dominado a lo largo de los años es el barrido. Mucha gente me pregunta cuál es el secreto, y la verdad es que es más sencillo de lo que parece pero requiere mucha práctica (coges la escoba y…).

Este post NO pretende ser una guía para iniciarse, creo que ya hay mucha información sobre el tema y quiero desmarcarme y mostrar solamente fotos que yo he hecho, explicando cada situación y la técnica con ejemplos reales desde mi punto de vista. Ninguna de las fotos de éste post han pasado por el Photoshop más que para reducir el tamaño a calidad web.

Hace más de 5 años empecé con el digital, fue entonces cuando pude practicar sin problemas ésta técnica (y sin gastarme el dinero en carretes con fotos movidas). También empecé a hacer fotos de competiciones de baile, y más adelante, también de patinaje y eventos deportivos con corredores, situaciones en las que necesitas mantener el enfoque y cierta profundidad de campo en personas que no paran de moverse.

A veces me arriesgaba con velocidades bajas, ya que la Canon EOS 20D y la Nikon D70s tampoco eran una maravilla enfocando (a diferencia de la Nikon D300 o la D700) y subir de ISO no era buena idea, así que intentaba seguir el movimiento de las personas como si de una cámara de video se tratara, de la misma forma que el jugador de golf sigue con su movimiento hasta el final, yo seguía con mi movimiento toda la trazada mientras disparaba. Recordad que justo en el momento que la foto es capturada, no se ve nada a través del visor, por eso es necesario seguir con el movimiento todo el recorrido, incluso poco después de haber tomado la foto.

Hacer un barrido a un patinador es más sencillo que a una pareja de baile, ya que el movimiento es más lineal. Una persona que corre, salta, baila, etc, también se está moviendo arriba y abajo durante el desplazamiento lateral que queremos capturar y eso lo complica.

Ejemplos y notas

La velocidad de obturación es muy importante pero también muy relativa, en la siguiente foto se puede ver que, a pesar de haber disparado a 1/25, el barrido es muy pobre. Todo se debe a que usé un ojo de pez de 10.5mm, así que si disparas en gran angular es más probable que necesites bajar más la velocidad, influyendo también en la ecuación la distancia entre tu cámara y el sujeto:

Las siguientes fotos las hice en un campeonato de patinaje, disparé con un 50mm, un 75mm al usarlo con ésta cámara, es por eso que a 1/20 (una velocidad similar a la foto anterior) el barrido es mucho más espectacular, aunque quizá es arriesgarse mucho, y lo mejor es ir probando velocidades, entre 1/60 y 1/30 e ir comprobando el resultado en la pantalla LCD, haciendo zoom para ver que el sujeto ha quedado decentemente enfocado y capturado. La más nítida de todas es la última, el chico ha quedado muy bien capturado, aunque si os fijáis la bandera y el palo por arriba ha quedado más borroso, eso se debe a que el movimiento del chico es perfectamente lineal y en sincronía con mi movimiento, y en cambio el chico ha movido el palo durante la captura, también la bandera ondeaba por el impacto del aire y la velocidad, que hace que no se marque con la misma nitidez en el sensor:

Usando el mismo objetivo (50mm) y a una velocidad de 1/30 podéis ver, a diferencia de las anteriores, que el movimiento es muy lineal, no hay elementos que se muevan en la moto o en el repartidor y eso hace que la captura sea más fácil, dejando menos al azar:

A partir de según que teleobjetivos, la cosa empieza a complicarse, pero insisto, todo depende de lo cerca que esté el sujeto (cuánto más cerca, más dificultad), además, suelen ser objetivos pesados, si no usamos trípode cuesta un poco más hacer el “swing” sin que la cámara se mueva arriba o abajo durante el recorrido. En la siguiente foto usé un 70-200mm a 110mm y velocidad de 1/10, cosa que me ha sorprendido cuando he mirado el EXIF, y es la razón por la que parte de la moto está borrosa:

También es importante que el sujeto pase de un lado a otro sin que la perspectiva cambie mucho. Pero las reglas están para romperlas, y como he dicho al principio, al practicar mucho vemos hasta dónde podemos llegar, y a veces, buscando estos límites salen cosas interesantes. Las fotos siguientes están hechas con un 18-70mm allá por el año 2006. La primera de ellas a 18mm (gran angular) y velocidad de 1/20, estaba muy cerca del sujeto, lo que hace que lo único que se haya fijado nítidamente en el sensor sea parte de la pierna y del cuadro de la bici, el resto de la bici y la persona cambiaban la perpendicularidad (bonito palabro) mientras pasaban por delante quedando borrosos. La segunda foto, aún disparando a 46mm y a una velocidad de 1/50, no fui capaz de seguir bien al ciclista, y ha quedado toda borrosa. Es más difícil conseguir el barrido cuando el ciclista viene hacía a ti, que cuando lo hace de un lado a otro:

Como decía antes, la distancia es muy importante, aquí un ejemplo en el que estaba muy cerca de esta guapa japonesa en enero del 2008, usando un 50mm y disparando a 1/10, cosa que complicaba bastante una captura limpia, tanto por proximidad, como por baja velocidad:

Ya que estaba en el cruce por el que más personas pasan al día del mundo (Shibuya, Tokyo), empecé a probar con diferentes velocidades. Las personas a pie no van tan rápido como en una motocicleta o encima de unos patines, así que hay que arriesgar más para conseguir un efecto interesante. Debajo de cada foto hay la velocidad, todas con el objetivo 50mm, y velocidades entre 1/13 y 1/20:

Cuánto más lineal y constante sea el sujeto, más fácil lo tendremos. A diferencia de los paseantes, un tren que traza un trayecto marcado y no se mueve hacía arriba o abajo, será más fácil de capturar a velocidades lentas 1/20 y un poco de pulso, aquí tenéis el tren bala japonés (shinkansen):

El uso del flash nos puede ayudar a congelar el movimiento y hacer que el fondo quede movido, esto hace que todo sea más fácil, aunque el resultado es diferente. En este caso utilicé la cortinilla trasera para marcar el movimiento en el sensor durante la velocidad de 1/10, y finalmente disparar el flash, quedando así el movimiento de los guantes marcados antes de congelar el chico con el flash:

Conclusión, hoy en día y gracias al digital, podemos ver rápidamente si estamos consiguiendo nuestro propósito. Sea cual sea la situación yo empezaría por velocidades de 1/125 e iría bajando, aunque yo suelo disparar en manual, muchas de las fotos de éste artículo son del 2006-2009 y usaba mucho el modo apertura, si usáis dicho modo, deberéis de cerrar diafragma hasta que la velocidad marque 1/125, aunque luego os irá cambiando y eso es un problema. Para ello lo mejor seria cambiar entonces a manual, manteniendo la apertura y poniendo la velocidad que os ha marcado en el otro modo.

Mucha gente recomienda el uso de la ráfaga para esta técnica, en mis barridos nunca lo uso porque prefiero visualizar la foto que quiero y disparar en ese instante, concentrándome en hacer un movimiento suave y en sincronía con el sujeto, pero es simplemente una decisión personal. Cuando es para un encargo hago más disparos, pero curiosamente siempre es la primera foto la que sale bien y borro las demás en la cámara.

Por último, y “barriendo pa casa” las fotos de mis barridos han salido en varias publicaciones y, curiosamente, en una de ellas el barrido no era muy extremo, y se trataba de un artículo en el que explicaban como añadir el efecto en Photoshop, usando el RAW de mi foto para ilustrarlo en la revista Popular Photography de Estados Unidos:

David Nightingale también me pidió una de las fotos que habéis visto, la del repartidor con la moto (debajo de las banderas), para uno de sus libros Extreme Exposure: Pushing the Limits of Aperture and Shutter Speed for High-Impact Photography que podéis comprar en Amazon haciendo clic en la imágen (aclarar que no me llevo nada por cada venta).