LONANPARK

Matisse 1944–1951: A Lesson in Light — Grand Palais, Paris

2026-04-08T03:48:00.000-07:00

Matisse: The Years 1944–1951 — A Lesson in Light

There is something almost unbearable about standing in front of work made by a man who could barely stand.

The exhibition Matisse: 1944–1951 at the Grand Palais doesn't announce itself with drama. It arrives quietly — and then the color hits you. Lemon yellow. Ultramarine blue. Magenta so sure of itself it feels like a declaration.

These were the years after the war, after surgery, after the body began to negotiate with age. Matisse, often confined to a bed or a chair, picked up scissors instead of brushes and began to sculpt in color — his own words, and you understand them the moment you walk into the room with the gouaches découpés spread across the walls like something between a dream and a manifesto.

The Jazz plates stopped me completely. A horse. A clown. Shapes so modern and rhythmic they seem to belong to right now, not 1947. And knowing they were cut by hand — slowly, deliberately — makes them feel almost defiant. They had jazz playing in the galleries too. I never caught who the group was, and I've decided not to look it up. Some things are better left as atmosphere.

What I didn't expect was the section on Objets animés — animated objects — which reframed everything I thought I knew about still life. The lemons aren't lemons. They're spots of light that refuse to stay still. The leaves of his plants blur into the wallpaper patterns behind them until you can't tell where the plant ends and the room begins. And the table — always tilted slightly toward you, like a stage — turns every bowl of fruit into a performance.

The Polynesia-style gallery, with its white birds and stars against deep blue, is where I understood what the whole show is really about: Matisse refusing to let art stay inside its frame. Refusing to let darkness have the last word.

Because that's what art does —It survives the inconvenience of a body that fails, the dark passages, the grief that sits in the chest without asking permission. There is a fiber in the artist that doesn't negotiate with defeat. It doesn't come from discipline or ambition. It comes from somewhere deeper — from the gut, from whatever it is that refuses to go quiet. Matisse didn't overcome his limitations. He simply didn't have time for them. The scissors were already in his hand.

The exhibition traces the full arc toward the Chapel of Vence, his late masterpiece, and it earns that ending. By the time you arrive there in the final rooms, it doesn't feel like a conclusion. It feels like the point.

📍 Matisse: 1944–1951 is at the Grand Palais, Paris, until June 30, 2026.

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Matisse: Los años 1944–1951 — Una lección de luz

Hay algo casi insoportable en quedarse de pie frente a una obra hecha por un hombre que apenas podía estar de pie.

La exposición Matisse: 1944–1951 en el Grand Palais no se anuncia con dramatismo. Llega en silencio — y entonces el color te golpea. Amarillo limón. Azul ultramarino. Un magenta tan seguro de sí mismo que parece una declaración.

Eran los años después de la guerra, después de la cirugía, después de que el cuerpo comenzara a negociar con la edad. Matisse, a confinado a una cama o a una silla, cambió los pinceles por las tijeras y empezó a esculpir en color — sus propias palabras, y las entiendes en el momento en que entras a la sala donde los gouaches découpés cubren las paredes como algo entre un sueño y un manifiesto.

Las láminas de Jazz me detuvieron por completo. Un caballo. Un payaso. Formas tan modernas y rítmicas que parecen pertenecer a ahora mismo, no a 1947. Y saber que fueron cortadas a mano — lentamente, con determinación — las hace sentir casi desafiantes. En las salas había jazz también. Nunca supe quién tocaba, y he decidido no buscarlo. Hay cosas que es mejor dejar como atmósfera.

Lo que no esperaba era la sección de los Objets animés — objetos animados — que me hizo repensar todo lo que creía saber sobre la naturaleza muerta. Los limones no son limones. Son manchas de luz que se niegan a quedarse quietas. Las hojas de sus plantas se funden con los estampados de las paredes hasta que ya no sabes dónde termina la planta y dónde empieza la habitación. Y la mesa — siempre inclinada levemente hacia ti, como un escenario — convierte cada frutero en una actuación.

La sala de estilo Polinesia, con sus pájaros blancos y estrellas sobre un azul profundo, fue donde entendí de qué trata realmente toda la exposición: Matisse negándose a que el arte se quedara dentro de su marco. Negándose a que la oscuridad tuviera la última palabra.

Porque eso es lo que hace el arte —Sobrevive a la incomodidad de un cuerpo que falla, a los pasajes oscuros, a la tristeza que se instala en el corazón sin pedir permiso. Hay una fibra en el artista que no negocia con la derrota. No viene de la disciplina ni de la ambición. Viene de algo más profundo — de las entrañas, de lo que sea que se niega a callarse. Matisse no superó sus limitaciones. Simplemente no tuvo tiempo para ellas. Las tijeras ya estaban en su mano.

La exposición traza el arco completo hacia la Capilla de Vence, su obra maestra tardía, y se lo gana. Cuando llegas allí en las últimas salas, no se siente como un final. Se siente como el punto de llegada.

📍 Matisse: 1944–1951 está en el Grand Palais, París, hasta el 30 de junio de 2026.

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EL UNIVERSO SEGÚN LEONORA CARRINGTON. EL ARTE DE HABITAR LO IMPOSIBLE

2026-04-03T11:10:00.000-07:00

París mostraba esas gotas primaverales que acompañan el día donde sumergen los sentidos para afinar un deslumbre como pocas ciudades en el mundo. No de esa manera romántica que inventaron los poetas, sino con esa insistencia gris y fría que hace que los adoquines brillen como espejos rotos. Llegué al Musée du Luxembourg con el abrigo húmedo y algo dentro que ya sabía, antes de cruzar la puerta, que lo que me esperaba no era una exposición ordinaria.

Los carteles flanqueaban la fachada neoclásica: una criatura con cornamenta de ciervo y cabello blanco como nieve de otro mundo, acompañada de una figura envuelta en rosa, descalza sobre tablones de madera. Leonora Carrington miraba desde las paredes como si llevara décadas esperando que alguien llegara bajo la lluvia a hacerle preguntas.

Carrington no pintaba sueños. Pintaba conocimiento. Conocimiento de lo que existe cuando dejamos de mirar solo hacia adelante.

II. Lo que vi

Hay pinturas que se miran y pinturas que te interrogan. Las de Carrington pertenecen a la segunda especie. En una de las salas me detuve ante una figura enorme, envuelta en telas blancas que parecían brotar de la tierra misma, con dos rostros ancianos asomando entre los pliegues. A su izquierda, una mujer de rojo cargaba un caldero encendido. A sus pies, un cerdo dormía con la indiferencia de los animales que saben demasiado. En el horizonte, figuras de colores procesionaban junto a un río.

No era surrealismo como espectáculo. Era surrealismo como cosmología. Como sistema de creencias pintado con la precisión de los maestros flamencos y la lógica de alguien que decidió que las reglas del mundo visible eran sugerencias, no leyes.

La criatura con cornamenta del cartel aparece también en un lienzo de interior rojo profundo: mitad animal, mitad sage, portando una campanilla. A su lado, una mujer rosada sostiene algo dorado con la delicadeza de quien ofrece una reliquia. Un niño de azul observa desde el umbral con una caja abierta en las manos. Nadie explica nada. Todo es comprensible.

Leonora Carrington nació en Lancashire en 1917, hija de una familia burguesa que no supo qué hacer con ella. Se fue con Max Ernst. Sobrevivió una ruptura, una guerra, un internamiento psiquiátrico en España que después convirtió en literatura. Se fue a México y vivió hasta los noventa y cuatro años pintando mundos que solo ella podía ver con tanta claridad.

Esa claridad es lo que persiste en cada tela. No el caos del inconsciente, sino el orden de otro universo.

Era una bruja en el sentido más antiguo: alguien que sabe, que guarda, que nombra lo que los demás prefieren no ver.

III. El té

Salí de la exposición y crucé hacia Mademoiselle Angélina, ese salón de té adosado al museo como un secreto bien guardado. Me senté. Llegó una tetera en su brillo plateado que parecía haber sobrevivido varias guerras, una taza blanca con el nombre impreso en dorado, una pequeña merengue de nada.

En la mesa había una tarjeta: el postre de la exposición. Una escultura de chocolate con forma de rostro, mousse de leche, praliné de pistacho, bizcocho de cacao. Leonora Carrington hecha un deleite. Once euros de homenaje.

Me pregunté qué habría pensado ella. Probablemente se hubiera reído —esa risa de quien ha visto demasiado para tomarse demasiado en serio— y luego habría pedido otro.

Afuera seguía lloviendo. Dentro, la tetera en su brillo plateado reflejaba la sala entera, distorsionada y perfecta, como uno de sus cuadros.

París, abril 2026

Astonishing Things: The Drawings of Víctor Hugo London Royal Academy of Arts

2025-05-20T11:19:00.000-07:00

Beyond the monumental novels that defined an era, Victor Hugo harbored a secret, parallel world spun from ink and shadow. Few knew that the same hand that penned Les Misérables and The Hunchback of Notre Dame also conjured haunting castles, spectral seascapes, and what Vincent van Gogh would later call "astonishing things" directly onto paper. This intensely private practice, a vital refuge especially during his nearly twenty-year exile, is now unveiled at London's Royal Academy of Arts in the captivating exhibition, "Astonishing Things: The Drawings of Victor Hugo."

These are not mere sketches or studies for his literary work; they are soul-deep visions in their own right. Crafted with daring, experimental techniques—often using coffee, soot, or his own fingerprints—Hugo’s drawings reveal a raw, imaginative power. For over fifty years, many of these intimate works have rarely been seen in the UK. Now, until June 29th, 2025, at Burlington House, we have a precious opportunity to step into these monochromatic landscapes of the mind. It’s a chance to witness another facet of Hugo's genius, a silent, visual poetry that resonates with the same profound depth as his celebrated words, offering a glimpse into the unlit corners of a vast imagination.

Más allá de las monumentales novelas que definieron una época, Víctor Hugo albergaba un mundo secreto y paralelo, tejido con tinta y sombra. Pocos sabían que la misma mano que escribió Los Miserables y Nuestra Señora de París también conjuraba sobre el papel enigmáticos castillos, marinas espectrales y lo que Vincent van Gogh más tarde llamaría "cosas asombrosas". Esta práctica, intensamente privada y un refugio vital especialmente durante sus casi veinte años de exilio, se desvela ahora en la Royal Academy of Arts de Londres en la cautivadora exposición "Astonishing Things: The Drawings of Victor Hugo" (Cosas Asombrosas: Los Dibujos de Víctor Hugo).

No son meros bocetos o estudios para su obra literaria; son visiones profundas del alma con derecho propio. Creados con técnicas audaces y experimentales —a menudo utilizando café, hollín o sus propias huellas dactilares— los dibujos de Hugo revelan una potencia cruda e imaginativa. Durante más de cincuenta años, muchas de estas obras íntimas raramente se han visto en el Reino Unido. Ahora, hasta el 29 de junio de 2025, en Burlington House, tenemos la preciosa oportunidad de adentrarnos en estos paisajes monocromáticos de la mente. Es una ocasión para ser testigos de otra faceta del genio de Hugo, una poesía visual y silenciosa que resuena con la misma profundidad que sus célebres palabras, ofreciendo una mirada a los rincones menos iluminados de una vasta imaginación.

VOLVÍ A LA RADIO A PILAS. APAGÓN EN ESPAÑA

2025-05-04T05:09:00.000-07:00

Cuando un apagón irrumpe a las 12:33 pm en España y el país entero queda sumido en la oscuridad, la única vía para informarse sobre lo acontecido resulta ser una radio. Aquella olvidada radio a pilas o de onda corta, con toda su maravillosa compañía, parece haber sido desterrada de nuestras vidas como por obra de un trueno. Y si en otra época los grandes discursos históricos alcanzaron los oídos del mundo, hoy volvemos a necesitarla.

Tras una conectividad absoluta en un ecosistema que nos mantiene enlazados por redes a cada instante, nos hallamos dependientes y, con frecuencia, obsesionados con revisar nuestras pantallas apenas transcurren algunos segundos o minutos. Esa mano inquieta que no consigue permanecer tranquila ante un móvil cercano. Ese dispositivo que aporta numerosos beneficios a nuestra existencia, aunque también perjuicios en otros ámbitos, nos indicó que ya no funcionaba; que había llegado el momento de dialogar, disfrutar y bailar mientras el suministro eléctrico, después de diez horas, comenzaba a restablecerse.

Fueron episodios que muchos conservarán en su memoria, donde volvimos a contemplarnos mutuamente, a esbozar una sonrisa, a pronunciar palabras de auxilio, y donde la solidaridad se extendió tan ampliamente como la misma nube de la red. Los hospitales, residencias y personas dependientes de electricidad las veinticuatro horas y ciertas fatalidades nos dejaron embargados por la tristeza. Los generadores retomaron su labor en numerosos lugares, y la cuestión sobre los tipos de energía que deberíamos utilizar constituirá un tema de debate para los tiempos actuales. Confiemos en que esta saturación haya abierto un camino para corregir lo que debe implementarse en el futuro con la red eléctrica.

Para quienes se reencontraron en las calles mostrando lo más noble del ser humano, no olvidarán que con una simple radio a pilas pudieron disfrutar de diez horas de sana convivencia. Acabo de adquirir una radio a pilas para mi cocina.

Biblioteca Nacional de Francia, edificio Richelieu

2025-01-27T03:48:00.000-08:00

El sueño de un gran salón de lectura:

La historia del Salón Oval comienza a finales del siglo XIX, en un momento de gran expansión para la Biblioteca Nacional de Francia. El edificio Richelieu, que albergaba la biblioteca desde el siglo XVIII, se había quedado pequeño para albergar la creciente colección. Se hacía necesario un nuevo espacio, amplio y moderno, que pudiera acoger a los lectores y los tesoros bibliográficos de la nación.

Jean-Louis Pascal, el arquitecto visionario:

El encargado de diseñar este nuevo espacio fue el arquitecto Jean-Louis Pascal, una figura destacada de la época. Pascal, que también había trabajado en la restauración del Palacio de Versalles, concibió un salón de lectura monumental, inspirado en las grandes bibliotecas del mundo antiguo. Su visión era crear un espacio que fuera a la vez funcional y estético, un templo del saber que impresionara a los visitantes.

Un espacio para el saber:

El Salón Oval fue inaugurado en 1936 por el presidente francés Albert Lebrun. Desde entonces, se convirtió en el corazón de la Biblioteca Richelieu, un lugar donde los lectores podían consultar las obras más valiosas de la colección. Su arquitectura imponente, con sus estanterías de madera que alcanzan el techo y su gran claraboya central, creaba una atmósfera única que invitaba al estudio y la reflexión.

Un nuevo siglo, una nueva vida:

A finales del siglo XX, el Salón Oval se sometió a una importante renovación para adaptarlo a las necesidades del siglo XXI. Se actualizaron las instalaciones, se mejoró la iluminación y se crearon nuevos espacios para la consulta de documentos digitales. En 2022, tras varios años de obras, el salón reabrió sus puertas al público, con una colección renovada y una oferta cultural más amplia.

El Salón Oval hoy:

Hoy en día, el Salón Oval es un espacio vibrante que combina la tradición y la modernidad. Sigue siendo un lugar de estudio y consulta, pero también se ha convertido en un espacio de encuentro y debate. Se organizan exposiciones, conferencias y talleres, y se ofrece una programación cultural diversa para todos los públicos.

Un símbolo de la cultura francesa:

El Salón Oval es mucho más que una simple sala de lectura. Es un símbolo de la cultura francesa, un testimonio de la importancia que se le ha dado al conocimiento a lo largo de la historia. Su arquitectura grandiosa, su rica colección y su ambiente único lo convierten en un lugar inolvidable.

INVISIBILIDAD O SER, LECCIONES DE LOS JUEGOS OLÍMPICOS 2024

2024-08-17T08:36:00.000-07:00

En la era actual, donde el ritmo vertiginoso en que vivimos diariamente nos abstrae de muchas de las cosas que son anheladas, nos preguntamos cómo poder atrapar los momentos, ya que muchas veces se evaporan en el camino, y la ruta que seguimos, sin querer, nos empuja a un tiempo que no parece disponible en nuestra vida actual. Porque requiere de un ritmo que absorbe tanto que los días pasan sin ser realmente percibidos por nuestro Ser, sino absorbidos por la red digital que, con un click, nos muestra que todo está al alcance de la mano. Es por todo lo anterior que los Juegos Olímpicos 2024, celebrados en París, pusieron un freno amistoso, generoso y festivo durante unas semanas, donde lo vertiginoso de la sociedad calmó el espíritu no solo de quienes tuvieron la oportunidad de asistir al evento, sino también de los miles de espectadores en todo el mundo que se regocijaron de felicidad. Fue como vivir en ese zepelín volando por los parajes de Francia, atesorando la llama olímpica que iluminó a los excelsos deportistas y a las personas que acudieron a vitorear a sus connacionales, quienes portaban el orgullo, honor y tradición de cada país participante. Rodeados de la majestuosidad que ofrece París, la voz de los asistentes a los Juegos Olímpicos retumbó en las catacumbas y el río Sena. Y así brotó la llama olímpica más importante de la sociedad: la generosidad del Ser humano.

Los Juegos Olímpicos nos dejaron un vacío, y es porque nuestras jornadas cotidianas suelen estar exentas de estos gloriosos momentos de unión entre diferentes personas que atraviesan nuestro pasar. Y es por eso mismo que nos encapsulamos nuevamente en nuestra realidad cotidiana. Otro capítulo que se escribe por horas y que muchas veces nos deja invisibles ante los ojos de otras personas con las que cruzamos en la vida. Una invisibilidad que se hace presente en momentos como ir a un restaurante y ni siquiera decir una palabra a la persona que nos atiende. No fijarnos en casi ningún detalle de los que nos rodean porque los auriculares están reproduciendo nuestra canción preferida, mientras una paloma come migas en la plaza que vamos cruzando. Nos rodeamos de cuerpos que van y vienen, mientras nuestro Ser permanece en modo avión. Y cuando lo desactivamos, miramos y observamos personas y paisajes que antes fueron borrados por la necesidad de la inmediatez del mundo en que circulamos. Atrapados por el destino digital, que es fundamental para el mundo en que vivimos, nos ahogamos en mensajes y memes que no nos dejan mirar el “ciruelo en flor”, mientras un “click” encierra la vida misma.

Como reflexionaba Montaigne en sus "Ensayos", en su tiempo la vida no estaba dominada por la prisa o la necesidad de acumular, sino por una forma más tranquila de ser, aunque no necesariamente más simple, con todo lo que conlleva el vivir. Sin embargo, la urgencia del Ser no había sido reemplazada por la urgencia de Tener. Actualmente, el reconocimiento del “Ser viral” acusa la vigencia de que nuestro Ser ha sido desplazado por la inmediatez, lo que muchas veces esconde nuestras debilidades tras máscaras digitales; y no hace más que evitar el encuentro genuino que nos deja a la intemperie emocional.

Sin embargo, durante estos recientes Juegos Olímpicos, hemos sido testigos de un renacimiento de la conexión humana. París, como escenario de esta fiesta global, nos ha recordado lo que significa pertenecer a una comunidad, honrar el sacrificio y celebrar el espíritu de competencia justa y respeto. Los atletas, embajadores de sus naciones, no solo han competido por la gloria personal, sino que han representado los valores y la historia de sus tierras con orgullo. Y, en un giro característico de nuestra época, muchos de ellos inmortalizaron sus momentos con selfies al final de sus competiciones, capturando no solo la victoria o la derrota, sino también el espíritu de camaradería y respeto que define a los Juegos.

El París de Hemingway, donde la invisibilidad se deja ver en sus ojos y luego plasmada en sus palabras, aquel “París era una Fiesta” nos vuelve a intrigar por un paseo por los Jardines de las Tullerías. Aquella fiesta perpetua, donde la vida era una celebración continua, ha revivido en cada encuentro olímpico. Las calles se transformaron en escenarios donde la rivalidad se purificó a través del respeto y la admiración mutua. Los atletas no solo corrieron, saltaron o lanzaron; también compartieron sonrisas, abrazos, y, por supuesto, esas selfies que inmortalizan no solo un instante, sino una emoción compartida.

Grecia, cuna de la civilización occidental y del espíritu olímpico, dejó esa llama olímpica aclamando el paso del tiempo. Mientras la Victoria de Samotracia, majestuosa en el Louvre, parecía resonar con el estruendo de alegría de los espectadores, su energía vibrando bajo la galería del museo, triangulada por la icónica pirámide de cristal. En ese espacio, el pasado y el presente se entrelazaron, y la escultura, símbolo del triunfo, se convirtió en un eco de la gloria que los Juegos Olímpicos aspiran a alcanzar.

Esta fiesta olímpica no fue solo una competición; fue un respiro para la humanidad. Nos recordó que, más allá de la inmediatez y la desconexión que nos aquejan diariamente, existe un lugar donde la paz, la sagacidad y la comprensión prevalecen. Por unos breves momentos, el mundo se detuvo en su marcha frenética, y las naciones, a través de sus atletas, comunicaron algo más profundo que la mera victoria: la celebración de la condición humana, con sus sacrificios, su honor y su eterna búsqueda de la grandeza.

En estos Juegos, el Ser humano se hizo visible nuevamente, a través de una humilde sonrisa. La invisibilidad que nos envolvía se disipó, y en su lugar surgió una comunidad global que, aunque efímera, nos mostró lo que es posible cuando recordamos lo que realmente nos une: el anhelo de superarnos, de conectarnos y de celebrar, juntos, la vida misma.

©Carolina Paton 2024

Celebrando a los campeones de España: Carlos Alcaraz y la Selección con Lamine Yamal

2024-07-15T11:17:00.000-07:00

En los vibrantes campos del deporte, España se alza con orgullo gracias a sus héroes contemporáneos: Carlos Alcaraz y la Selección Nacional. Cada uno, con su pasión y entrega, se ha convertido en un faro de esperanza y ejemplo para los jóvenes de nuestro país y del mundo entero.

Carlos Alcaraz, el prodigioso joven que deslumbra en las pistas de tenis, no solo juega, sino que danza con la raqueta en un ballet mágico. Sus movimientos son una mezcla de fuerza y gracia, cada golpe una obra de arte que deja a todos sin aliento. Alcaraz, con su espíritu indomable y dedicación incansable, demuestra que los sueños se alcanzan con esfuerzo y resiliencia. Su humildad y nobleza de carácter inspiran a las nuevas generaciones a perseguir sus propias metas, sin importar lo alto que parezcan.

Por otro lado, Lamine Yamal, el joven prodigio del fútbol, es un rayo de luz en el firmamento del deporte. Con solo 17 años, su humildad y madurez son tan impactantes como su destreza en el campo. Cada vez que Yamal toca el balón, el público se llena de alegría, no solo por su talento, sino por la inteligencia y sensatez que muestra, recordándonos que la grandeza también reside en la actitud y el carácter.

La Selección Española, en su conjunto, refleja el espíritu de unidad y perseverancia. Cada jugador, con su historia y esfuerzo, nos muestra que el trabajo en equipo y la pasión por la camiseta pueden llevar a la gloria. Son un espejo en el que los jóvenes pueden ver reflejados sus sueños, recordando que con disciplina, compañerismo y amor por lo que hacemos, todo es posible.

España, a través de estos héroes deportivos, enseña al mundo el valor del espíritu deportivo y la resiliencia. Nos regalan momentos de felicidad, nos inspiran a ser mejores y nos unen como nación. En cada victoria, en cada gesto de humildad, Alcaraz, Yamal y la Selección nos muestran que el verdadero triunfo va más allá de los trofeos: está en el legado que dejan y el ejemplo que dan a los jóvenes soñadores de nuestro país.

British detective novel: Margery Allingham’s Death of a Ghost

2024-07-12T05:50:00.000-07:00

Unveiling a Classic: Margery Allingham’s Death of a Ghost

In the world of classic British mystery novels, Margery Allingham stands as a beacon of literary excellence, much like her contemporary Agatha Christie. Today, let’s delve into one of Allingham's masterful creations, Death of a Ghost, and explore why this gem deserves a spot on your reading list.

A Brief Synopsis

Death of a Ghost introduces us to Albert Campion, the unassuming yet brilliantly astute detective. The story kicks off in the vibrant world of art, where the sudden death of the eccentric artist John Lafcadio sparks a series of mysterious events. Campion is invited to an art exhibition organized posthumously by Lafcadio’s widow, Belle. However, the unveiling of a supposedly new painting by the deceased artist leads to murder, thrusting Campion into a web of intrigue and deception.

Why It’s a Must-Read

1. Rich Characterisation:

Margery Allingham’s strength lies in her ability to craft multifaceted characters. Campion, with his blend of sharp wit and endearing quirks, is a detective like no other. The supporting cast, from the enigmatic Belle to the various artists and socialites, are vividly brought to life, each with their own secrets and motives.

2. Intricate Plotting:

Allingham weaves a complex tapestry of clues and red herrings. The plot is meticulously constructed, ensuring that every detail matters. As Campion unravels the mystery, readers are treated to a series of twists and turns that keep the pages turning.

3. Atmospheric Setting:

The setting of Death of a Ghost is as much a character as the people in it. The world of 1930s London art circles is depicted with a keen eye for detail, from the bohemian studios to the elegant salons. Allingham’s descriptive prose immerses you in this bygone era, making you feel like a part of the scene.

4. Timeless Themes:

Despite being set in the early 20th century, the themes of Death of a Ghost are surprisingly modern. It explores the nature of artistic legacy, the pursuit of fame, and the complexities of human relationships. These universal themes resonate just as powerfully today.

A Personal Reflection

Reading Death of a Ghost is like stepping into a time machine. Allingham’s writing is both sophisticated and accessible, a true testament to her literary prowess. As you follow Campion’s journey, you can’t help but admire Allingham’s deft handling of suspense and character development.

For those new to Margery Allingham, this novel is an excellent starting point. And for long-time fans, it’s a wonderful reminder of why Allingham remains a towering figure in the world of detective fiction.

If you’re in the mood for a classic mystery that combines wit, intrigue, and a richly detailed setting, Death of a Ghost is the perfect choice. Margery Allingham’s timeless tale will keep you guessing until the very end and leave you longing for more adventures with Albert Campion.

So, brew yourself a nice cup of tea, settle into your favourite reading nook, and prepare to be thoroughly entertained by one of the finest novels in British crime fiction. Happy reading!

Caro Depassy 2024

La Historia de Wimbledon y la Huella de los Tenistas Sudamericanos: Anita Lizana y Luis Ayala

2024-07-07T10:45:00.000-07:00

Historia de Wimbledon

Wimbledon, el torneo de tenis más antiguo del mundo, tuvo su primera edición en 1877 en el All England Croquet and Lawn Tennis Club en Londres. Lo que comenzó como un modesto evento con 22 jugadores masculinos, pronto se convirtió en el torneo de tenis más prestigioso del planeta. Spencer Gore se coronó como el primer campeón en 1877, y con el tiempo, el torneo se expandió para incluir competiciones femeninas en 1884 y dobles mixtos en 1913.

Wimbledon es conocido por sus tradiciones inquebrantables: desde el estricto código de vestimenta blanca hasta las fresas con crema servidas a los espectadores. Las canchas de césped, las más rápidas del circuito, han sido testigos de innumerables momentos históricos y de la evolución del tenis a lo largo de más de un siglo.

Anita Lizana: La Primera Gran Campeona Sudamericana

Anita Lizana, nacida en Santiago de Chile en 1915, se convirtió en una pionera para el tenis sudamericano. Lizana es especialmente recordada por ser la primera latinoamericana en ganar un torneo de Grand Slam, al conquistar el Abierto de Estados Unidos en 1937. Este logro la catapultó a la fama y la estableció como una de las mejores jugadoras de su tiempo.

En Wimbledon, Lizana también dejó su huella. En 1936, alcanzó los cuartos de final, convirtiéndose en la primera sudamericana en llegar a esta instancia en el césped sagrado de Londres. Su estilo de juego, caracterizado por su agilidad y potente derecha, le permitió destacarse en un entorno dominado mayoritariamente por europeos y norteamericanos. La carrera de Lizana inspiró a muchas jóvenes tenistas sudamericanas y cimentó su lugar en la historia del tenis mundial.

Luis Ayala: Un Maestro en la Adaptación

Luis Ayala, nacido en Santiago de Chile en 1932, es otro nombre ilustre en la historia del tenis sudamericano. Aunque Ayala es más conocido por su destreza en las canchas de arcilla, especialmente en Roland Garros, su versatilidad le permitió también destacar en el césped de Wimbledon.

Ayala alcanzó su mejor desempeño en Wimbledon en 1960, cuando llegó a los cuartos de final en la categoría individual masculina. Este logro fue particularmente significativo, ya que durante esa época era raro ver a jugadores sudamericanos llegar tan lejos en el torneo más prestigioso del mundo. La habilidad de Ayala para adaptarse a diferentes superficies demostró su talento y determinación, y su éxito en Wimbledon fue un testimonio de su versatilidad como jugador.

Legado Sudamericano en Wimbledon

Anita Lizana y Luis Ayala no solo dejaron su marca en Wimbledon, sino que también abrieron caminos para futuras generaciones de tenistas sudamericanos. Sus éxitos demostraron que, con talento y perseverancia, los jugadores de Sudamérica podían competir y triunfar en los escenarios más prestigiosos del tenis mundial.

El legado de Lizana y Ayala continúa inspirando a jóvenes tenistas en toda Sudamérica, recordándoles que es posible alcanzar la grandeza sin importar las barreras geográficas o económicas. Wimbledon, con su rica historia y tradiciones, seguirá siendo un sueño para muchos, y las historias de estos pioneros sudamericanos serán siempre una fuente de inspiración y orgullo.

La historia de Wimbledon y la participación de jugadores sudamericanos como Anita Lizana y Luis Ayala reflejan una rica narrativa de superación y excelencia. Desde sus humildes comienzos hasta convertirse en un escenario global, Wimbledon ha sido testigo del ascenso de talentos sudamericanos que han dejado una marca indeleble en el deporte. Hoy, su legado sigue vivo, recordándonos el poder de la perseverancia y el talento en el mundo del tenis.

Descubriendo la Sabiduría Clásica: Cómo los Pensadores de Antaño Pueden Guiarnos Hoy

2024-07-07T04:37:00.000-07:00

En un mundo en constante cambio, donde la tecnología avanza a pasos agigantados y los desafíos sociales y económicos se multiplican, es fácil olvidar que muchas de las respuestas a nuestras inquietudes contemporáneas pueden encontrarse en las enseñanzas de los pensadores clásicos. Desde Sócrates hasta Immanuel Kant, estos gigantes del pensamiento han moldeado la filosofía, la política y la ética de maneras que siguen siendo increíblemente relevantes. Hoy exploramos cómo podemos aplicar sus ideas para navegar el complejo paisaje actual.

1. Sócrates: La Importancia del Autoexamen

El filósofo griego Sócrates es famoso por su método de enseñanza basado en el diálogo y la reflexión crítica, conocido como el método socrático. En el contexto moderno, esta técnica puede ser invaluable en la educación y el debate. Fomentar un ambiente donde se cuestionen las ideas y se promueva el pensamiento crítico no solo mejora la comprensión, sino que también cultiva una sociedad más reflexiva y consciente.

2. Platón: Construyendo una Sociedad Justa

Platón, alumno de Sócrates, nos dejó la alegoría de la caverna y su visión de una república ideal. Sus ideas sobre justicia y gobernanza pueden inspirar a los líderes actuales a buscar estructuras sociales más justas y equitativas. En un mundo donde la desigualdad sigue siendo un problema persistente, las enseñanzas de Platón nos invitan a considerar modelos de gobernanza que prioricen el bien común.

3. Aristóteles: La Virtud en la Vida Cotidiana

Aristóteles, otro gigante griego, nos habla de la ética de la virtud, donde el comportamiento moral se basa en encontrar un equilibrio entre los extremos. Hoy, sus ideas pueden guiarnos en la toma de decisiones éticas tanto en la vida personal como en la profesional. La búsqueda de la virtud y el equilibrio puede ayudar a desarrollar una cultura corporativa y social más responsable y humana.

4. Confucio: Armonía y Respeto

El filósofo chino Confucio enfatizó la importancia de la ética, los roles sociales y la educación. Sus enseñanzas sobre el respeto y la armonía pueden aplicarse en la gestión empresarial y las relaciones familiares, promoviendo un ambiente de cooperación y respeto mutuo. En una era de diversidad y globalización, los principios confucianos pueden ser una guía valiosa para la convivencia pacífica y productiva.

5. Lao-Tsé: El Arte de Vivir en Equilibrio

El Taoísmo, fundado por Lao-Tsé, nos enseña la importancia de vivir en armonía con el Tao, o el camino natural. Su concepto de wu wei, o no acción, puede parecer paradójico, pero en realidad promueve la idea de actuar de manera natural y sin esfuerzo innecesario. En un mundo de alta presión y estrés constante, estas ideas pueden ayudarnos a encontrar paz y equilibrio en nuestras vidas.

6. Sun Tzu: Estrategia y Adaptación

Sun Tzu, autor de "El Arte de la Guerra", es conocido por sus estrategias militares que trascienden el ámbito bélico. Sus principios se aplican hoy en el mundo empresarial, político y personal para planificar y ejecutar estrategias efectivas. Su enfoque en la adaptación y la flexibilidad es particularmente relevante en tiempos de incertidumbre y cambio rápido.

7. Epicuro: La Búsqueda del Placer Moderado

Epicuro nos enseñó que la verdadera felicidad se encuentra en la búsqueda de placeres simples y la ausencia de dolor, un estado conocido como ataraxia. En el mundo moderno, sus ideas pueden influir en la psicología positiva y la gestión del estrés, ayudándonos a encontrar satisfacción y bienestar en lo cotidiano.

8. Zenón de Citio: Resiliencia Estoica

El estoicismo, fundado por Zenón de Citio, promueve la idea de que la virtud es el bien supremo y que debemos ser indiferentes ante el dolor y el placer. Esta filosofía ha resurgido en popularidad, ofreciendo herramientas valiosas para la resiliencia emocional y el manejo del estrés. En un mundo lleno de incertidumbres, el estoicismo puede proporcionar una base sólida para enfrentar los desafíos.

9. Maquiavelo: Realismo en la Política y los Negocios

Maquiavelo, con su realismo político en "El Príncipe", nos enseña sobre la pragmática del poder. Aunque a menudo es visto como cínico, sus ideas pueden ser aplicadas para entender y navegar las complejidades del liderazgo y la política actual. Su enfoque realista puede ayudar a los líderes a tomar decisiones informadas y estratégicas.

10. René Descartes: Racionalismo y Ciencia

René Descartes, conocido por su famosa frase "Pienso, luego existo", enfatizó la importancia de la duda sistemática y el racionalismo. Sus ideas son fundamentales en la ciencia y la filosofía moderna, guiando la búsqueda de la verdad a través del razonamiento y la evidencia.

11. John Locke: Derechos y Liberalismo

John Locke, uno de los padres del liberalismo, defendió los derechos naturales y el empirismo. Sus ideas son la base de muchas democracias modernas, influyendo en los debates sobre derechos humanos y justicia social. En una era de luchas por la igualdad y la libertad, Locke sigue siendo una voz crucial.

12. Immanuel Kant: Ética y Autonomía

Immanuel Kant nos ofrece la deontología y el imperativo categórico, defendiendo la autonomía y la moralidad basada en principios universales. Sus ideas son aplicables en la ética profesional, los derechos humanos y la teoría legal, proporcionando un marco para decisiones morales sólidas y justas.

Reflexiones Finales

Los pensadores clásicos no solo nos ofrecen una ventana al pasado, sino también herramientas para construir un futuro mejor. Sus enseñanzas, aunque antiguas, resuenan profundamente en nuestro mundo contemporáneo, ofreciendo sabiduría y orientación en tiempos de cambio y desafío. Al explorar y aplicar sus ideas, podemos enriquecer nuestra vida personal y profesional, creando una sociedad más reflexiva, ética y equilibrada.

¡Sigue explorando la sabiduría clásica y descubre cómo puede transformar tu vida hoy!

Caro Depassy @2024

Élisabeth Louise Vigée Le Brun: La Maestra del Retrato del Siglo XVIII

2024-07-04T09:20:00.000-07:00

Élisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842) fue una de las pintoras más destacadas de su época, famosa por sus retratos elegantes y su habilidad para capturar la esencia de sus sujetos. En una época dominada por hombres, Vigée Le Brun se destacó y dejó un legado impresionante que todavía resuena en el mundo del arte.

Vida Temprana y Formación

Nacida en París, en el seno de una familia artística, Élisabeth mostró desde temprana edad un talento excepcional para la pintura. Su padre, Louis Vigée, era también pintor de retratos, y su madre gestionaba la casa familiar. A los 15 años, Élisabeth ya trabajaba profesionalmente y rápidamente se hizo un nombre en la sociedad parisina.

Carrera y Éxito

Su habilidad para capturar la gracia y la belleza de la aristocracia francesa la convirtió en la retratista favorita de muchas damas de la alta sociedad, incluida la reina María Antonieta. Esta relación con la reina la catapultó a la fama, y fue admitida en la prestigiosa Académie de Saint-Luc a los 19 años.

Exilio y Vida en el Extranjero

La Revolución Francesa trajo desafíos significativos para Vigée Le Brun debido a sus conexiones con la monarquía. En 1789, se exilió y pasó varios años viajando por Europa, incluyendo Italia, Austria y Rusia. Durante este periodo, continuó su carrera con éxito, siendo recibida con entusiasmo en las cortes europeas y realizando retratos de nobles y dignatarios.

Estilo y Técnica

El trabajo de Vigée Le Brun se caracteriza por su naturalismo y elegancia. Sus retratos destacan por la atención al detalle, especialmente en la vestimenta y la textura de los materiales. Utilizaba fondos suaves y paisajes para realzar la figura central, reflejando la armonía y gracia del estilo Rococó tardío y el Neoclasicismo temprano.

Legado

Élisabeth Louise Vigée Le Brun dejó un legado impresionante con más de 600 retratos y unas 200 paisajes. Sus memorias, "Souvenirs", publicadas en 1835-1837, ofrecen una visión íntima de su vida y de la sociedad de su tiempo. Su obra no solo refleja la moda y la cultura de su época, sino también la lucha por el reconocimiento y la igualdad en el mundo del arte.

Dónde Encontrar Sus Obras

Hoy en día, las obras de Vigée Le Brun se encuentran en importantes museos de todo el mundo, incluyendo:

Museo del Louvre, París: Aquí se encuentran varias de sus obras más destacadas, incluidas algunas de sus famosas representaciones de María Antonieta.

Museo del Hermitage, San Petersburgo: Este museo posee una significativa colección de sus retratos de la nobleza rusa.

National Gallery, Londres: Incluye obras como su "Self Portrait in a Straw Hat"

Metropolitan Museum of Art, Nueva York: Alberga piezas como "Marie Antoinette with a Rose" y otras representaciones icónicas.

Élisabeth Louise Vigée Le Brun es una figura emblemática del arte del siglo XVIII, cuya vida y obra continúan inspirando a artistas y amantes del arte en todo el mundo. Su habilidad y determinación para triunfar en un campo dominado por hombres la convierten en un símbolo de la lucha por la igualdad y el reconocimiento en el mundo del arte.

Caro Depassy @2024

Ernest Hemingway

2024-07-01T13:01:00.000-07:00

Descubriendo la Comedia Humana: Un Viaje por la Francia de Balzac

2024-06-30T11:15:00.000-07:00

Hoy quiero compartir con ustedes un viaje literario que he emprendido recientemente, uno que me ha llevado a las profundidades de la sociedad francesa del siglo XIX. Estoy hablando de "La Comedia Humana", la monumental obra de Honoré de Balzac. Como amante de Francia y su rica historia cultural, sumergirme en estas páginas ha sido una experiencia tan fascinante como pasear por las calles empedradas de París o los viñedos de la campiña francesa.

"La Comedia Humana" es más que una serie de novelas y relatos; es un vasto fresco de la vida francesa en su época, un mosaico detallado de personajes y situaciones que reflejan la realidad de una sociedad en constante cambio. Balzac, con su pluma maestra, nos lleva de la mano por los salones de la alta sociedad, los barrios bohemios de artistas, las oficinas grises de los burócratas y los tugurios donde la desesperación se mezcla con la esperanza.

Uno de los aspectos que más me ha cautivado de esta obra es la capacidad de Balzac para crear personajes tan vivos y complejos. En "Papá Goriot", por ejemplo, nos encontramos con Eugène de Rastignac, un joven provinciano que llega a París con sueños de éxito. A través de sus ojos, vemos la lucha entre la ambición y la moralidad, una lucha que sigue siendo relevante en nuestro tiempo. Y qué decir de Vautrin, el carismático villano cuya presencia magnética y misteriosa es imposible de ignorar.

Pero "La Comedia Humana" no se detiene en los personajes individuales. Balzac nos ofrece una visión panorámica de la sociedad francesa, explorando temas como la avaricia, el amor, la política y la justicia. En "Eugenia Grandet", nos muestra cómo la codicia puede corroer el alma humana, mientras que en "Las ilusiones perdidas", nos enfrenta a la dolorosa realidad de los sueños truncados y las aspiraciones fallidas.

Lo que hace que esta obra sea aún más impresionante es la interconexión entre sus historias. Los personajes reaparecen en diferentes novelas, creando una red intrincada que refleja la complejidad de la vida real. Esta técnica, pionera en su tiempo, dota a "La Comedia Humana" de una cohesión y profundidad que pocos autores han logrado igualar.

Para mí, leer a Balzac es como pasear por un museo viviente de la Francia del siglo XIX. Sus descripciones detalladas, su comprensión de la naturaleza humana y su habilidad para tejer historias complejas hacen de cada libro una joya que debe ser descubierta y apreciada. Es una ventana al pasado que nos permite comprender mejor nuestro presente y reflexionar sobre el futuro.

Si aún no han explorado "La Comedia Humana", les animo a que lo hagan. Dejen que Balzac sea su guía en este viaje a través del tiempo y el espacio, y descubran por ustedes mismos por qué su obra sigue siendo tan relevante y poderosa hoy en día.

Con amor por la literatura y Francia,

Visita de Estado del Emperador de Japón a Inglaterra: un símbolo de gracia y diplomacia

2024-06-30T00:01:00.000-07:00

La visita del emperador de Japón y la emperatriz Masako a Inglaterra dejó un regalo del sol naciente a nuestros espíritus. ¡Qué revitalizantes fueron sus expresiones faciales con pequeñas sonrisas que decían tanto! Nos dejaron una fotografía de su paso: el Emperador visitando los jardines de Kew a las afueras de Londres, y posteriormente, acompañado de la emperatriz Masako, reencontrándose con su alma mater, la Universidad de Oxford. Sus Majestades Imperiales han regalado momentos de exquisita educación y noble carácter a un mundo que se debate en guerras y próximas elecciones gubernamentales en varios de los países más poderosos del mundo. Estos países se enfrentan a infranqueables dilemas, donde los votantes son meros espectadores de una política que ha ido perdiendo el rumbo en la claridad y los factores determinantes para una sociedad enriquecedora. A pesar de los avances tecnológicos, es importante no despilfarrar lo mejor que podemos tener en una sociedad: la compasión y la bondad. Y por eso necesitamos la astucia de los gobernantes para no perder el norte por unos seguidores más en las redes sociales.

Anouk Aimée: La eterna musa del cine francés nos dice adiós

2024-06-18T04:34:00.000-07:00

El cine francés está de luto. Hoy, 18 de junio de 2024, nos despedimos de una de sus figuras más emblemáticas: la actriz Anouk Aimée.

Nacida como Françoise Sorya Dreyfus en París, en 1932, Aimée adoptó su nombre artístico tras su primer papel en la película La Maison sous la mer (1946). Desde entonces, su carrera se extendió por siete décadas, durante las cuales participó en más de 70 películas, convirtiéndose en un rostro inolvidable de la gran pantalla.

Su elegancia, su mirada enigmática y su talento innato la llevaron a trabajar con algunos de los directores más importantes del cine europeo, como Federico Fellini en La Dolce Vita (1960), Vittorio De Sica en El jardín de los Finzi-Contini (1970) y Claude Lelouch en Un hombre y una mujer (1966), película que la catapultó a la fama internacional y por la que fue nominada al Óscar a la mejor actriz.

Aimée no solo fue una actriz excepcional, sino también una mujer comprometida con su tiempo. Su activismo político y su defensa de los derechos de las mujeres la convirtieron en un referente para muchas generaciones.

Hoy, el cine pierde a una de sus grandes damas, pero su legado perdurará en el tiempo. Sus películas, su talento y su espíritu seguirán inspirando a cineastas y espectadores de todo el mundo.

Descanse en paz, Anouk Aimée.

Los escenarios de Muriel Spark: Un viaje literario por Europa y más allá

2024-06-17T08:25:00.000-07:00

¡Saludos, biblioviajeros!

En nuestra anterior parada exploramos la vida y obra de Muriel Spark, una autora británica que nos cautivó con su ingenio y su estilo mordaz. Hoy, nos adentramos en los escenarios de sus novelas, un viaje que nos llevará por Europa, África y más allá.

Edimburgo, la cuna de Spark:

La capital escocesa es el escenario de varias de sus obras más conocidas, como "La plenitud de la señorita Brodie" y "Las señoritas de escasos medios". Spark nos muestra un Edimburgo elegante y a la vez sombrío, donde las apariencias esconden secretos y deseos inconfesables. Recorremos sus calles empedradas, sus parques majestuosos y sus instituciones educativas, testigos de las intrigas y los dramas de sus personajes.

Roma, la ciudad eterna:

La Ciudad Eterna es otro escenario recurrente en la obra de Spark. En "Lo público y lo privado", nos sumergimos en la vida de una embajadora británica en la Roma de la posguerra, donde se entrelazan la política, el arte y las relaciones personales. Spark nos muestra una ciudad llena de contrastes, donde la belleza clásica se mezcla con la decadencia y la intriga.

África, un continente de contrastes:

Spark también nos lleva a África, un continente que conoció de primera mano durante su estancia en Rodesia (actual Zimbabue). En "Territorio de nativos", explora las tensiones raciales y sociales de la época colonial, mientras que en "El asiento del conductor", nos sumerge en la vida de una comunidad de expatriados en un país africano sin nombre.

Otros destinos:

Además de estos escenarios principales, las novelas de Spark nos llevan a otros lugares fascinantes, como Londres, París, Nueva York o Jerusalén. Cada ciudad se convierte en un personaje más de la historia, con su propia personalidad y sus secretos.

Para seguir viajando:

Libros de Muriel Spark ambientados en estos lugares: Relee "La plenitud de la señorita Brodie", "Las señoritas de escasos medios", "Lo público y lo privado", "Territorio de nativos" y "El asiento del conductor".
Películas basadas en sus obras: "La plenitud de la señorita Brodie" (1969), "Las señoritas de escasos medios" (1978).
Guías de viaje: Si te animas a visitar estos lugares, busca guías de viaje de Edimburgo, Roma y los países africanos que te interesen.

¡Anímate a descubrir el mundo a través de los libros de Muriel Spark!

Espero que esta entrada te guste y te inspire a explorar los escenarios literarios de esta autora tan singular. ¡Hasta la próxima, biblioviajeros!

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Muriel Spark: La chispa que encendió la literatura moderna

2024-06-17T07:46:00.000-07:00

¿Buscas una autora que desafíe tus expectativas literarias? No busques más allá de Muriel Spark, una escritora británica cuyo ingenio mordaz y estilo innovador siguen fascinando a los lectores de hoy en día.

¿Quién fue Muriel Spark?

Nacida en Edimburgo en 1918, Muriel Spark fue una maestra de la narrativa breve y la novela. Su vida, marcada por viajes, matrimonios y una conversión al catolicismo, se refleja en sus obras de forma sutil y sorprendente.

¿Qué hace que su obra sea única?

Humor negro y sátira: Spark no teme abordar temas oscuros con una sonrisa irónica. Sus personajes, a menudo excéntricos y moralmente ambiguos, se ven envueltos en situaciones absurdas que nos hacen reír y reflexionar al mismo tiempo.
Estilo elegante y conciso: Spark domina el arte de decir mucho con pocas palabras. Sus frases son afiladas, sus diálogos chispeantes y sus tramas intrincadas pero nunca confusas.
Temas universales con un toque moderno: Spark explora temas como la identidad, la religión, la moralidad y el poder, pero siempre con una perspectiva fresca y original. Sus historias trascienden el tiempo y el lugar, resonando con lectores de todas las generaciones.

Obras imprescindibles:

"La plenitud de la señorita Brodie" (The Prime of Miss Jean Brodie): Una novela fascinante sobre una carismática profesora y sus alumnas, que plantea preguntas sobre la influencia y la manipulación.
"Memento Mori": Una novela negra con un toque sobrenatural, que nos recuerda que la muerte es inevitable pero que podemos elegir cómo vivir nuestras vidas.
"Los solteros" (The Ballad of Peckham Rye): Una sátira social sobre un joven misterioso que llega a un barrio de Londres y altera la vida de sus habitantes.

¿Por qué leer a Muriel Spark hoy?

En un mundo saturado de información y entretenimiento superficial, la obra de Muriel Spark nos ofrece una dosis de inteligencia, humor y profundidad. Sus historias nos invitan a cuestionar nuestras suposiciones, a reírnos de nosotros mismos y a apreciar la belleza de la palabra escrita.

Si aún no has descubierto el genio de Muriel Spark, ¡te animo a que te sumerjas en su mundo literario! Te aseguro que no te arrepentirás.

¿Has leído alguna obra de Muriel Spark? ¿Cuál es tu favorita? ¡Comparte tus impresiones en los comentarios!