Publicado originalmente na Revista Moviola. Gosto mais do filme do que ele merece. Guilty pleasure.

No presídio de segurança máxima de Rebibbia, em Roma, condenados – com penas que variam de 15 anos à prisão perpétua – encenam Júlio César, de William Shakespeare. Ao fim da apresentação, Paolo e Vittorio Taviani voltam seis meses no tempo, para nos mostrar todo o processo dos ensaios.

Paolo e Vittorio Taviani filmam as sequências iniciais de César Deve Morrer (surpreendente Urso de Ouro no Festival de Berlim 2012), em que os atores prisioneiros interpretam Júlio César no teatro do presídio, a cores. Quando os irmãos se detêm no período necessário para a montagem da peça, escolhem o preto e branco, como se Shakespeare estivesse em plena “construção” aos nossos olhos.

Durante os ensaios, o teatro está em obras. Com o palco fechado, os prisioneiros interpretam nas próprias celas, nos corredores ou no pátio. O diretor da peça insiste que cada preso utilize o sotaque de sua região: dialetos de toda a Itália se misturam, para reforçar a simbiose entre atores e personagens. Shakespeare escreve sobre a Roma Antiga, mas um dos detentos comenta que texto serve igualmente para a Nápoles contemporânea. Cesar Deve Morrer, parábola sobre o direito à liberdade em face à opressão do Estado, que se alimenta da vida real dos homens atrás das grades.

Na escolha dos atores, o diretor de Júlio César pede aos condenados que informem o nome, data de nascimento, cidade de origem e filiação, mas como se estivessem em um posto de controle. No primeiro quadro, eles se despedem da família; no segundo, os guardas da fronteira os obrigam a falar. Já no começo dos ensaios, Paolo e Vittorio Taviani diluem os limites da representação clássica e revelam os mecanismos não apenas do teatro, como também do próprio cinema, com o intuito de, a partir da ficção, expor a verdade sobre a hipocrisia burguesa que, embora privilegie o individualismo, pune-o com o rigor do Estado quando ele se volta contra a Ordem estabelecida.

Nas peles de Bruto, Cássio, Décio, Lúcio e dos demais senadores romanos que assassinaram Júlio César, os prisioneiros de Rebibbia gritam por liberdade, por justiça, contra a tirania. Revoltam-se. Atos que, catárticos na representação, seriam criminosos fora do palco. Através de Shakespeare, Paolo e Vittorio Taviani escutam os condenados: a morte de César (que, embora recuse a coroa três vezes, é o Poder de fato em Roma) significa o levante contra o próprio Estado, contra sua máquina de sujeição do indivíduo.

Em Júlio César, entretanto, os conspiradores são derrotados. Marco Antônio, na impressionante sequência em que, do pátio, ao lado do corpo de César, discursa para as celas, convence os presos de que Bruto e Cássio traíram a República, ao invés da salvá-la da tirania. Depois, o retorno de Otávio restaurará a Lei e porá fim à Guerra Civil.

Com o término da encenação de Júlio César, os condenados retornam às celas, à espera da nova peça do próximo semestre. De acordo com Cosimo Rega, que interpretou Cássio, apenas quando conheceu a arte, ele passou a sentir verdadeiramente preso. O teatro como método de controle: em Cesar Deve Morrer, o Poder sempre vence.

Cotação:

Recent research has confirmed that the mammy was almost entirely invented from whole cloth. She appears, for certain, in the post-Civil War memoirs and novels of writers attempting to reclaim the memory of the Old South; but she is almost entirely absent from the oral histories of former slaves recorded by the Federal Writer’s Project in the 1930s. Jessie W. Parkhurst first exposed the fictional sources and equally fictive characteristics attributed to the mammy in her 1938 article, The Role of the Black Mammy in the Plantation Household. Nearly fifty years later, Catherine Clinton confirmed Parkhurst’s findings: “The Mammy was created by white Southerners to redeem the relationship between black women and white men within slave society in response to the antislavery attack from the North during the antebellum era, and to embellish it with nostalgia in the post-bellum period. In the primary records from before the Civil War, hard evidence for her existence simply does not appear.” And in timing the appearances of the mammy, Cheryl Thurber concludes from her review of the principle sources of white Southern writings, that “references to mammy in the Confederate Veteran magazine, American popular songs, memoirs, and fiction confirm that more was written about the mammy at the turn of the century than during the antebellum period, the Civil War, or Reconstruction. The real expansion of the mammy mythology coincided with Progressivism, the New South movement, and the later phases of the Confederate Lost Cause movement.” The mammy icon served as a mean of retrieval of the Old South, but it also functioned as an oppositional icon to the mulatta as well as a complementary construction to the Southern belle.

The mammy icon functioned as a buttress to the utopian construction of the imagined Old South. The mammy confirmed the notion that in the Old South and the New South, race relations were mediated by nurturing love and kindness. The icon – middle-aged or older, over-weight, de-eroticized Black woman – negated the rape ok Black women by white men, transferring the responsibility for hundreds of thousands of mixed-race individuals to the Black rapist. Thurber reminds us that Herbert Gutman, in his The Black Family in Slavery and Freedom, 1750-1925, had concluded that “most black domestic workers in white households were young single women,” and William Alexander Percy, in his memoir Lanterns on the Levee (1941), had described his mammy accordingly: “Nain was sixteen, divinely café-au-lait.” In reality, rather than the perverted mythology, this sexually charged circumstance had predictable outcomes. As Darlene Clark Hine has observed, “Virtually every known nineteenth-century female slave narrative contains a reference to, at some juncture, to ever-present threat and reality of rape.” But the mammy icon displaced the Harriet Jacobses, the Elizabeth Keckleys, and the Nanis. And in their place was constructed the Southern belle, the beautiful, childlike, white female who incited the lust of Black men. This fantastic crime rationalized the lynching of black males, transfiguring political violence (intimidation of black voters, disfranchisement) into acts of moral justice. And as Thurber notes, the popularity of the icons of the mammy and the Southern belle reached their heights simultaneously during the early twentieth century.

Forgeries of Memory & Meaning: Blacks & the Regimes of Race in American Theater & Film Before World War II, páginas 60-61, de Cedric J. Robinson.

Oficialmente terminou o Festival do Rio. Hoje começa a repescagem, com um ou outro filme que vale a pena. Moonrise Kingdom e Ruby Sparks também estrearam no circuito comercial.

Contei apenas aqueles que vi durante o festival (ou seja, não entraram os filmes a que assisti previamente, sobretudo do Alberto Cavalcanti, John Carpenter e Manoel de Oliveira).

Filme	Direção	Cotação	Mostra
A Sorte em Suas Mãos	Daniel Burman		Première Latina
Abrir Puertas y Ventanas	Milagros Mumenthaler		Première Latina
Apenas o Vento	Benedek Filegauf		Expectativa
Argo	Ben Afleck		Panorama do Cinema Mundial
Assalto à 13a. DP	John Carpenter		John Carpenter
Astro, Uma Fábula Carioca em Um Rio de Janeiro Mágico	Paula Trabulsi		Panorama do Cinema Mundial
Aterrorizada	John Carpenter		John Carpenter
Bestiário	Denis Côté		Panorama do Cinema Mundial
Cesar Deve Morrer	Paolo e Vittorio Taviani		Panorama do Cinema Mundial
Dentro de Casa	François Ozon		Panorama do Cinema Mundial
Depois de Lucia	Michel Franco		Première Latina
Diário da França	Raymond Depardon e Claudine Nougaret		Panorama do Cinema Mundial
Eles Vivem	John Carpenter		John Carpenter
Ernest e Célestine	Benjamin Renner, Stéphane Aubier e Vincent Patar		Panorama do Cinema Mundial
Filhos das Nuvens: A Última Colônia	Alvaro Longoria		Panorama do Cinema Mundial
Germania	Maximiliano Schonfeld		Première Latina
Gonzaga - De Pai para Filho	Breno Silveira		Première Brasil
Halloween - A Noite do Terror	John Carpenter		John Carpenter
Holy Motors	Leos Carax		Panorama do Cinema Mundial
Hotel Mekong	Apichatpong Werasethakul		Panorama do Cinema Mundial
Indomável Sonhadora	Benh Zeitlin		Panorama do Cinema Mundial
Killer Joe - Matador de Aluguel	William Friedkin		Panorama do Cinema Mundial
Lore	Cate Shortland		Panorama do Cinema Mundial
Mais Um Ano	Mike Leigh		Panorama do Cinema Mundial
Michael Jackson - Bad 25	Spike Lee		Midnight Música
Monty Python - A Autobiografia de Um Mentiroso	Jeff Simpson, Bill Jones e Ben Timlett		Foco Reino Unido
Neil Young Journeys	Jonathan Demme		Midnight Música
Nós e Eu	Michel Gondry		Panorama do Cinema Mundial
O Artista e a Modelo	Fernando Trueba		Panorama do Cinema Mundial
O Gosto do Dinheiro	Im Song-Soo		Panorama do Cinema Mundial
O Trigêmio	Vincenzo Marra		Panorama do Cinema Mundial
O Verão de Giacomo	Alessandro Comodin		Expectativa 2012
Paraíso Perdido	Eve Deboise		Expectativa 2012
Piazza Fontana: Uma Conspiração Italiana	Marco Tulio Giordana		Panorama do Cinema Mundial
Pietà	Kim Ki-Duk		Panorama do Cinema Mundial
Planeta Solitário	Julia Loktev		Expectativa 2012
Post Tenebras Lux	Carlos Reygadas		Première Latina
Roman Polanski: Memórias	Laurent Bouzereau		Filme Doc
Sala 514	Sharon Bar-Ziv		Expectativa 2012
Tabu	Miguel Gomes		Imagens de Portugal
The Pleasure Garden	Alfred Hitchcock		Foco Reino Unido
Twixt 3-D	Francis Ford Coppola		Panorama do Cinema Mundial
Um Mundo Secreto	Daniel Mariño		Première Latina
Vampiros de John Carpenter	John Carpenter		John Carpenter
Verão em Red Hook	Spike Lee		Panorama do Cinema Mundial

 

Top 10 do Festival do Rio 2012 (sem as retrospectivas, claro):

1. Tabu, de Miguel Gomes
2. Verão em Red Hook, de Spike Lee
3. Killer Joe – Matador de Aluguel, de William Friedkin
4. Twixt 3-D, de Francis Ford Coppola
5. Cesar Deve Morrer, de Paolo e Vittorio Taviani
6. Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
7. Michael Jackson – Bad 25, de Spike Lee
8. Holy Motors, de Leos Carax
9. Planeta Solitário, de Julia Loktev
10. Hotel Mekong, de Apichatpong Weerasethakul

Também publicado na Revista Moviola.

Na melhor sequência de O Artista, George Valentin sonha com o mundo sonoro, enquanto ele mesmo permanece mudo. O pesadelo resume as intenções de Hazanavicius, que não emula, propriamente, o cinema silencioso, mas confina o herói nos limites daquele universo – inclusive quando a fala o substitui, pouco a pouco.

Os enquadramentos, a velocidade, os movimentos de câmera e os cortes são do cinema contemporâneo, no entanto “presos” na roupagem muda. Quando vemos as produções que de fato George Valentin estrela, Hazanavicius copia o período silencioso muito bem: por exemplo, na sequência em que o herói, mascarado, escala um muro e foge dos que o perseguem. Por outro lado, embora os filmes de Peppy Miller sejam sonoros, eles sempre aparecem na tela… mudos!

A forma predomina em O Artista. Ou melhor, quase só há forma. A trama, mal e mal, une a transição do cinema silencioso para o sonoro, como em Cantando na Chuva – e Jean Dujardin obviamente se baseou em Gene Kelly para compor o personagem -, com a ascensão da jovem estrela em detrimento do velho astro, a quem ama, como em Nasce Uma Estrela. Para Hazanavicius, o cinema não representa o mundo, não busca a verdade. O diretor se interessa apenas pela realidade que criou, ou seja, pelo microcosmo que existe somente na tela, durante a projeção, e que não se conecta a nada além do próprio simulacro que homenageia e (re)alimenta.

Em J.Edgar, a nova obra-prima de Clint Eastwood, o personagem-título pondera, lá pelas tantas, ao falar sobre o FBI, que tão importante quanto o que se diz, é o que não se diz. A crítica se encaixa à perfeição em O Artista. Hazanavicius propaga o velho clichê, mentiroso, de que astros do cinema mudo pereceram durante a transição sonora porque não se adaptaram ou deram as costas à inovação – George Valentin gargalha enquanto sua desafeta realiza o teste de som, para depois emendar que ele não pertence àquele futuro. A versão atualizada de O Palhaço que Não Ri – e O Artista guarda inúmeras semelhanças com a nefasta cinebiografia de Buster Keaton.

Mas o quê, exatamente, O Artista omite? Bom, para um filme, em teoria, sobre os bastidores de Hollywood, Hazanavicius
não fala sobre a indústria do cinema em si. Há, claro, Al Zimmer, caricato produtor interpretado por John Goodman – e qualquer semelhança com Barton Fink não é mera coincidência -, cujos olhos brilham por dinheiro, que descarta até seu maior astro em favor de Peppy Miller. No entanto, quando o confrontam, ele cede: primeiro, George Valentin chama Peppy de volta, após Zimmer demiti-la pela capa da Variety; depois, Peppy envia o roteiro para Valentin e lhe salva a carreira.

O Artista não diz, como nos lembra J.Edgar, que a transição do cinema mudo para o sonoro marcou a consolidação do “studio system” em Hollywood, com o domínio dos cinco grandes estúdios: MGM, Fox, Paramount, Universal e RKO. O som trouxe, definitivamente, as grandes corporações financeiras e industriais para o cinema: a Goldman Sachs patrocinou a pesquisa da Fox para o Vitafone, enquanto a Western Eletric, a General Eletric e a RCA entravam no mercado (a RKO, aliás, pertencia à RCA). Com o som – imposto de cima para baixo: decisão industrial, não artística -,os estúdios finalizaram a integração vertical do cinema, no qual produziam, distribuíam e exibiam os filmes em suas próprias cadeias de teatros, já que apenas os “big players” tinham condições econômicas de bancar os novos equipamentos que os filmes sonoros demandavam.

Claro que o processo que culminou na oligopolização do mercado cinematográfico já se iniciara durante o cinema mudo, quando a MGM contratou Irving Thalberg para controlar a produção (embora Thalberg, paradoxalmente, não acreditasse no som). Ele é o elo perdido em O Artista, aquele que Hazanavicius não invoca, nem nas entrelinhas. Graças a Thalberg, os diretores (e atores-diretores, tradição que se inciou com Roscoe Fatty Arbuckle) perderam em definitivo o poder em Hollywood, que passou a ser exercido com mão de ferro pelos estúdios. Como produtor-executivo, Irving Thalberg cortou a liberdade artística de Erich Von Stroheim, Tod Browning e Buster Keaton, por exemplo, e os submeteu à linha de montagem. Keaton não fez a transição para o sonoro porque não compreendeu o som, e sim porque Thalberg lhe tirou o controle de seus próprios filmes!

“The final cut”, ferramenta que Thalberg, Zanuck, Selznick e outros que se seguiram negaram aos diretores na “Era de Ouro de Hollywood”. O direito ao corte final, ao poder sobre o filme. Talvez a exceção seja Chaplin, que também era dono da United Artists. É a questão que O Artista, conscientemente, não toca: na sequência do incêndio, George Valentin salva a lata com a primeira cena entre ele e Peppy Miller, não o filme que escreveu, dirigiu e produziu.

O romantismo a serviço da indústria. O Artista é a crônica do triunfo de Hollywood sobre o autor.

Cotação:

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007 + Alien 3 + Paulo Barros = créditos de abertura de Millenium, Os Homens que Não Amavam as Mulheres.

Campeão de postagens no Facebook, não atentaram para a ruindade da sequência.

E sim, eu lembro que David Fincher começou no cinema com Alien 3. Voltando às origens, infelizmente. Será que Zodíaco foi a exceção?

Bateu saudade em Hollywood, que indicou três filmes que se passam na época do cinema mudo para o Oscar. Embora, claro, A Invenção de Hugo Cabret se utiliza da tecnologia 3D que James Cameron inventou para Avatar, O Artista conte com a feroz distribuição e o marketing dos irmãos Weinstein e Meia-Noite em Paris seja outra trip europeia de Woody Allen para, neste mundo globalizado do século XXI, financiar suas produções.

Sempre lamento quando deixam Clint Eastwood de fora. Mas Stephen Daldry não entrou na lista dos diretores (inacreditavelmente, pela primeira vez!). Quebrou-se um tabu. E, bom, Scorsese, Malick e Allen não se joga fora.

Breves pinceladas sobre todas as categorias, menos os documentários e os curtas, porque seria achismo demais.

Melhor filme

O Artista: Thomas Langmann
Os Descendentes: Jim Burke, Alexander Payne, Jim Taylor
Tão Forte e Tão Perto: Scott Rudin
Histórias Cruzadas: Brunson Green, Chris Columbus, Michael Barnathan
A Invenção de Hugo Cabret: Graham King, Martin Scorsese
Meia-Noite em Paris: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum
O Homem Que Mudou o Jogo: Michael De Luca, Rachael Horovitz, Brad Pitt
A Árvore da Vida: Indicados a serem determinados
Cavalo de Guerra: Steven Spielberg, Kathleen Kennedy

Depois do Globo de Ouro e do PGA, O Artista é franco favorito – ainda mais porque simboliza como ninguém essa volta ao passado. Será o primeiro filme mudo a ganhar o Oscar desde Cimarron, em 1931. Cada vez menos chances para A Invenção de Hugo Cabret.

Melhor ator

Demián Bichir (A Better Life)
George Clooney (Os Descendentes)
Jean Dujardin (O Artista)
Gary Oldman (O Espião Que Sabia Demais)
Brad Pitt (O Homem Que Mudou o Jogo)

Jean Dujardin ganhou o SAG, mas que não se descarte George Clooney. Todos o amam.

Melhor atriz

Glenn Close (Albert Nobbs)
Viola Davis (Histórias Cruzadas)
Rooney Mara (Millennium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres)
Meryl Streep (A Dama de Ferro)
Michelle Williams (Sete Dias com Marilyn)

Meryl Streep já quebrou o recorde de indicações faz tempo, mas vencer que é bom, nada. Viola Davis, principal adversária, levou o SAG. Acredito que o perfil Democrata da Academia pese na hora do voto: entre Margaret Tatcher e os Direitos Civis, para quem eles se inclinam?

Melhor ator coadjuvante

Kenneth Branagh (Sete Dias com Marilyn)
Jonah Hill (O Homem Que Mudou o Jogo)
Nick Nolte (Guerreiro)
Christopher Plummer (Toda Forma de Amor)
Max von Sydow (Tão Forte e Tão Perto)

Oscar conjunto da obra para… Christopher Plummer? Ou Max von Sydow? Dá até para considerar Nick Nolte, que está com 71 anos (acredite se quiser). Plummer tem a vantagem, mas a categoria proporciona surpresas de quando em quando.

Melhor atriz coadjuvante

Bérénice Bejo (O Artista)
Jessica Chastain (Histórias Cruzadas)
Melissa McCarthy (Missão Madrinha de Casamento)
Janet McTeer (Albert Nobbs)
Octavia Spencer (Histórias Cruzadas)

Octavia Spencer parece aposta bastante segura. Mas se o Oscar se enamorar por O Artista, dá Bejo.

Melhor diretor

Woody Allen (Meia-Noite em Paris)
Michel Hazanavicius (O Artista)
Terrence Malick (A Árvore da Vida)
Alexander Payne (Os Descendentes)
Martin Scorsese (A Invenção de Hugo Cabret)

Hazanavicius vingará o cinema universitário! Ganhou o Directors Guild e, se Tom Hooper lhe entregar o Oscar, teremos, no encontro, o símbolo máximo da mediocridade da festa em 2012. Ainda há chances para Scorsese, mas depois de Os Infiltrados, contentam-se em aplaudi-lo de pé. E pensar que esnobaram Eastwood e Spielberg.

Melhor roteiro original

O Artista: Michel Hazanavicius
Missão Madrinha de Casamento: Kristen Wiig, Annie Mumolo
Margin Call – O Dia Antes do Fim: J.C. Chandor
Meia-Noite em Paris: Woody Allen
A Separação: Asghar Farhadi

Disputa entre O Artista e Meia-Noite em Paris. Contudo, dois Oscars para o mediano (na melhor das hipóteses) Hazanavicius talvez seja demais até para a Academia. Nesse caso, dá Woody Allen, cujo filme pelo menos tem a vantagem dos diálogos!

Melhor roteiro adaptado

Os Descendentes: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash
A Invenção de Hugo Cabret: John Logan
Tudo pelo Poder: George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
O Homem Que Mudou o Jogo: Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Stan Chervin
O Espião Que Sabia Demais: Bridget O’Connor, Peter Straughan

Os Descendentes, barbada. Por mais que me doa.

Melhor animação

Um Gato em Paris: Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli
Chico & Rita: Fernando Trueba, Javier Mariscal
Kung Fu Panda 2: Jennifer Yuh
Gato de Botas: Chris Miller
Rango: Gore Verbinski

Rango, mas por falta de opção. Kung Fu Panda 2 e Gato de Botas são piadas de mau gosto. Chico & Rita talvez seja o melhor filme do Fernando Trueba, o que não diz rigorosamente nada. Mas a animação (tradicional) e a música são exuberantes.

Melhor filme estrangeiro

Rundskop: Michael R. Roskam (Bélgica)
Hearat Shulayim: Joseph Cedar (Israel)
In Darkness (2011): Agnieszka Holland (Polônia)
Monsieur Lazhar: Philippe Falardeau (Canadá)
A Separação: Asghar Farhadi (Irã)

Bom, em teoria, A Separação. Mas o filme com o perfil da categoria é Monsieur Lazhar. Não se surpreendam se vencer.

Melhor fotografia

O Artista: Guillaume Schiffman
Millennium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres: Jeff Cronenweth
A Invenção de Hugo Cabret: Robert Richardson
A Árvore da Vida: Emmanuel Lubezki
Cavalo de Guerra: Janusz Kaminski

Temos que considerar qualquer filme de Terrence Malick favorito para o Oscar de fotografia (o ASC Awards sai hoje, aliás). Néstor Almendros ganhou, com Dias no Paraíso, mas John Tall perdeu com Além da Linha Vermelha – sem contar o próprio Lubezki com O Novo Mundo. Nos últimos anos, o filme mais visto levou: Avatar, A Origem. Caso se repita, o Oscar termina com Os Homens que Não Amavam as Mulheres.

Melhor montagem

O Artista: Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius
Os Descendentes: Kevin Tent
Millennium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres: Angus Wall, Kirk Baxter
A Invenção de Hugo Cabret: Thelma Schoonmaker
O Homem Que Mudou o Jogo: Christopher Tellefsen

O primeiro nome que vem à cabeça quando se fala em montagem? Telma Schoonmaker. E, ao contrário de Scorsese, não só a aplaudem de pé, como também a premiam.

Melhor direção de arte

O Artista: Laurence Bennett, Robert Gould
Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2: Stuart Craig, Stephenie McMillan
A Invenção de Hugo Cabret: Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo
Meia-Noite em Paris: Anne Seibel, Hélène Dubreuil
Cavalo de Guerra: Rick Carter, Lee Sandales

Outra barbada: Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo por A Invenção de Hugo Cabret, que venceu o prêmio do sindicato dos diretores de arte.

Melhores figurinos

Anônimo: Lisy Christl
O Artista: Mark Bridges
A Invenção de Hugo Cabret: Sandy Powell
Jane Eyre: Michael O’Connor
W.E. – O Romance do Século: Arianne Phillips

Geralmente, quanto mais antigo e quanto mais espalhafatoso, melhor. Anônimo se encaixa no perfil. Mas creio que a Academia quebrará a regra e premiará O Artista.

Melhor maquiagem

Albert Nobbs: Martial Corneville, Lynn Johnson, Matthew W. Mungle
Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2: Nick Dudman, Amanda Knight, Lisa Tomblin
A Dama de Ferro: Mark Coulier, J. Roy Helland

O Oscar de maquiagem pelo menos reconhece os esforços (quase US$ 10 bilhões em bilheteria) da franquia Harry Potter para o cinema.

Melhor trilha sonora

As Aventuras de Tintim: John Williams
O Artista: Ludovic Bource
A Invenção de Hugo Cabret: Howard Shore
O Espião Que Sabia Demais: Alberto Iglesias
Cavalo de Guerra: John Williams

O Artista, com novo paradigma para “trilha sonora onipresente”.

Melhor canção original

Os Muppets: Bret McKenzie (“Man or Muppet”)
Rio: Sergio Mendes, Carlinhos Brown, Siedah Garrett (“Real in Rio”)

Carlinhos Brown tem chances. E boas.

Melhor mixagem de som

Millennium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres: David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce, Bo Persson
A Invenção de Hugo Cabret: Tom Fleischman, John Midgley
O Homem Que Mudou o Jogo: Deb Adair, Ron Bochar, David Giammarco, Ed Novick
Transformers: O Lado Oculto da Lua: Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush, Peter J. Devlin
Cavalo de Guerra: Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson, Stuart Wilson

Nunca aposte contra filmes de guerra. Ou contra cavalos.

Melhor edição de som

Drive: Lon Bender, Victor Ray Ennis
Millennium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres: Ren Klyce
A Invenção de Hugo Cabret: Philip Stockton, Eugene Gearty
Transformers: O Lado Oculto da Lua: Ethan Van der Ryn, Erik Aadahl
Cavalo de Guerra: Richard Hymns, Gary Rydstrom

Nunca aposte contra filmes de guerra. Ou contra cavalos.

Melhores efeitos visuais

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2: Tim Burke, David Vickery, Greg Butler, John Richardson
A Invenção de Hugo Cabret: Robert Legato, Joss Williams, Ben Grossmann, Alex Henning
Gigantes de Aço: Erik Nash, John Rosengrant, Danny Gordon Taylor, Swen Gillberg
Planeta dos Macacos: A Origem: Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White, Daniel Barrett
Transformers: O Lado Oculto da Lua: Scott Farrar, Scott Benza, Matthew E. Butler, John Frazier

Planeta dos Macacos: A Origem ganhou o prêmio do sindicato dos efeitos visuais. Favoritíssimo.

Melhor documentário

Hell and Back Again: Danfung Dennis, Mike Lerner
If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front: Marshall Curry, Sam Cullman
Paradise Lost 3: Purgatory: Joe Berlinger, Bruce Sinofsky
Pina: Wim Wenders, Gian-Piero Ringel
Undefeated: Daniel Lindsay, T.J. Martin, Rich Middlemas

Melhor documentário, curta-metragem

The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement: Robin Fryday, Gail Dolgin
God Is the Bigger Elvis: Rebecca Cammisa, Julie Anderson
Incident in New Baghdad: James Spione
Saving Face: Daniel Junge, Sharmeen Obaid-Chinoy
The Tsunami and the Cherry Blossom: Lucy Walker, Kira Carstensen

Melhor curta-metragem de animação

Dimanche: Patrick Doyon
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore: William Joyce, Brandon Oldenburg
La Luna: Enrico Casarosa
A Morning Stroll: Grant Orchard, Sue Goffe
Wild Life: Amanda Forbis, Wendy Tilby

Melhor curta-metragem

Pentecost: Peter McDonald
Raju: Max Zähle, Stefan Gieren
The Shore: Terry George, Oorlagh George
Time Freak: Andrew Bowler, Gigi Causey
Tuba Atlantic: Hallvar Witzø

Com atraso, mas segue minha lista dos melhores de 2011. Contei apenas os filmes que estrearam no Brasil – mesmo que durante um fim de semana, caso de A Caverna dos Sonhos Esquecidos.

1. A Árvore da Vida, de Terrence Malick.

2. Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas, de Apichatpong Weerasetakhul.

3. Singularidades de Uma Rapariga Loura, de Manoel de Oliveira.

4. O Caminho para o Nada, de Monte Hellman.

5. A Caverna dos Sonhos Esquecidos, de Werner Herzog.

6. Passe Livre, de Peter e Bobby Farrelly.

7. Namorados para Sempre, de Derek Cianfrance.

8. Vênus Negra, de Abdellatif Kechiche.

9. Poesia, de Lee Chang-Dong.

10. As Praias de Àgnes, de Àgnes Varda.

A ideia para a mostra com os “race pictures”, no CCBB, nasceu da monografia de final de curso que escrevi para a UFF (embora ainda faltem algumas matérias…).

No texto, explorei a relação entre O Nascimento de Uma Nação, de Griffith, e Within Our Gates e The SYmbol of the Unconquered, ambos de Oscar Micheaux. Também falei da Grande Migração para o Norte, das Leis Jim Crow do Sul e do processo de Disfranchisement contra os negros após a Guerra Civil. Por fim, há breve histórico do cinema afro-americano entre as décadas de 1910-1930 e das representações racistas nos filmes pré-Hollywood.

Saiu o resultado do edital para o CCBB no biênio 2012 / 2013. E, felizmente, emplaquei duas mostras: Tod Browning: O Mestre do Macabro e Oscar Micheaux: O Cinema Negro e a Segregação Racial.

2012 marca os cinquenta anos do falecimento de Tod Browning, o primeiro – e ainda maior – mestre do horror no cinema, que não por acaso recebeu a alcunha de “Edgar Allan Poe” da Sétima Arte. Começou pelas mãos de D.W. Griffith, que o levou para Hollywood e para quem co-escreveu Intolerância. Na Universal, Irving Thalberg o uniu a Lon Chaney, os três foram para a MGM e o resto é História.

Artista de circo e ator de vaudeville na juventude, Browning trouxe a farsa do espetáculo para o cinema. Seus filmes são deliciosamente picaretas. O que vemos, na tela, aconteceu de verdade, ou se trata de mera invenção para enganar os incautos? Mais sobre Tod Browning, no texto que escrevi anteriormente para o blog.

Quanto a Oscar Micheuax… bom, você não o encontrará em retrospectivas sobre a Hollywood Clássica – porque a Hollywood Clássica jamais permitiu a entrada de cineastas negros.

No auge da Segregação Racial, antes dos Direitos Civis – esqueça Sidney Poitier, Dorothy Dandridge, Harry Belafonte, Spike Lee, Melvin Van Peebles ou Charles Burnett – houve Oscar Micheuax. E Spencer Williams.

Entre as décadas de 1910 e 1950, com orçamentos de 10 a 15 mil dólares, com exibições em cinemas segregados do Sul ou nos guetos do Norte, Micheaux, Williams, os irmãos Johnson, William Foster e outros diretores e atores negros produziram os “race pictures”, em que contavam a versão dos afro-americanos para a saga dos EUA. Opunham-se ao racismo de O Nascimento de Uma Nação e do cinema branco dominante, em que aos negros cabiam os papéis de empregados, mas também a séculos de representações estereotipadas: o blackface, o “Jump Jim Crow”, o Minstrel Show.

São filmes párias, subterrâneos, mas que encontraram seu lugar, na cultura afro-americana da época, ao lado da Renascença do Harlem, do Jazz e do Blues: de fato, todos “subiram o Mississippi”, do Sul para o Norte, acompanhando a Grande Migração dos ex-escravos, após a Guerra Civil, das áreas rurais para os centros urbanos em busca de melhores empregos, diversões e menos segregação. Como o Jazz, fundamental no cinema de Micheaux, os “race pictures” se estabeleceram primeiro em Chicago, e depois em Nova York. Já no Meio-Oeste, Williams dirigiu a belíssima alegoria The Blood of Jesus, em que mergulha no universo dos spirituals e religião Batista.

Técnica e narrativamente distantes dos padrões hollywoodianos, os “race pictures” exploram diversos tabus da sociedade norte-americana: racismo, linchamentos, casamento interracial, falsos pastores, aborto, prostituição, jogatina, vida noturna.

Espero que tudo dê certo.

ATENÇÃO: O texto abaixo é irônico. Eu deveria ter avisado antes, mas qual seria a graça, não é verdade? Parem de me xingar nos comentários. Ou de escrever em caixa alta (acho que prefiro a segunda opção).

Felizmente, há homens de bens no Brasil, como o douto Procurador Fernando Martins, que listou 19 razões para o Ministério da Justiça vetar A Serbian Film – Terror Sem Limites, em todo o país. Ele se une à juíza Katerine Jatahy Kitsos Nygaard, ao advogado Victor Travancas , ao nosso eterno prefeito César Maia e ao digníssimo vereador paulistano Carlos Apolinário na Cruzada para deter o avanço da imoralidade que ameaça a família brasileira.

Não se trata apenas de um filme de terror, não se enganem. A Serbian Film – Terror Sem Limites é mero sintoma de uma sociedade degenerada, em que os valores morais, a religião e os bons costumes são diariamente achacados pelas pragas do homossexualismo, do incesto e da violência gratuita que se escondem por trás da “liberdade de expressão”.

Como cidadão heterossexual responsável, cumpro meu dever cívico e listo outros 30 filmes que incitam a pedofilia, a pederastia e destroem nossas crianças:

1. M, O Vampiro de Dusseldorf, de Fritz Lang.

Eu me recuso a chamar de “clássico” tamanha perversão. Até os criminosos de Dusseldorf sabiam que a personagem de Peter Lorre era pedófila!

2. Lolita, de Stanley Kubrick.

Sue Lyon já era maior de idade, mas no filme tem 16 anos. Kubrick até maneirou, graças à vigilância da Liga Católica, já que no romance sujo de Nabokov ela tinha apenas 14. Pior, Lolita (que se transformou em substantivo!) se envolve com o padrasto, Humbert Humbert, em clara apologia ao incesto.

3. Satyricon, de Federico Fellini.

Exijo que proíbam a devassidão do Império Romano nos cinemas. Clássico da literatura? Pornografia! Das mentes degeneradas de Petrônio e Fellini, temos o escravo Giton, 16 anos, andrógino e homossexual.

4. O Joelho de Claire, de Eric Rohmer.

O joelho obviamente representa o órgão sexual da ninfeta Claire, que o tiozão pervertido deseja. O blablablá interminável de Rohmer está repleto de más intenções.

5. Morte em Veneza, de Luchino Visconti.

Tadzio é o ideal de Beleza que Gustav von Aschenbach persegue inutilmente pelas ruas de Veneza infestadas pela cólera… sei, conta outra. De Thomas Mann e Luchino Visconti, Morte em Veneza é verdadeira aula de pedofilia e de pederastia.

6. Até os Deuses Erram, de Sidney Lumet.

Sean Connery interpreta o sargento Johnson que, durante interrogatório, perde o controle e espanca Baxter, suspeito de molestar sexualmente várias garotas. Até mais grave que a pedofilia (se é possível), está a sugestão de que o comportamento de Johnson não é melhor do que os crimes de Baxter!

7. Verão de 42, de Robert Mulligan.

Filme romântico, música linda… Não! Uma criança se inicia sexualmente com mulher mais velha, que ainda por cima trai o marido que está na guerra. Adúltera! Jennifer O’Neil, mas chame de Maria Madalena ou de rameira de Babilônia!

8. Terra de Ninguém, de Terrence Malick.

Malick se baseia na história real de Charles Starkweather e Carol Fugate que, nos anos 50, cometeram 11 assassinatos – que incluíram as mortes dos pais de Carol. Ela tinha apenas 13 anos. Para ver a influência maléfica do cinema, Charles era fã de James Dean.

9. Saló ou os 120 Dias de Sodoma, de Pier Paolo Pasolini.

Bom, de Pasolini, só fechar os olhos e escolher qualquer um. Gay e comunista, nada decente viria mesmo dele. No seu último filme, ele se junta a ninguém menos que Marquês de Sade. Vários mancebos nus e muita pornografia nessa “crítica” a Mussolini e ao totalitarismo.

10. O Sopro no Coração, de Louis Malle.

Em O Sopro no Coração, há incesto sem culpa e sem traumas, com menino de 15 anos, que fuma charuto e maconha. Onde está o Complexo de Édipo, a salvaguarda da família Ocidental Cristã?

11. Taxi Driver, de Martin Scorsese.

O fardo de interpretar prostituta mirim pesou tanto, que Jodie Foster virou lésbica. Sem mais.

12. Menina Bonita, de Louis Malle.

Foi difícil, mas encontrei uma imagem de Brooke Shields vestida em Menina Bonita. Há de tudo na exaltação à pedofilia que Louis Malle promove, até mesmo nu frontal da atriz, então com 12 anos. Como as autoridades permitiram o lançamento do filme? Em 1978/79, estávamos em plena Revolução Militar, período de ouro da família e da moral no Brasil! (seria a tal “redemocratização”?) A menina vive em um prostíbulo – com a própria mãe! -, onde tem a virgindade leiloada.

13. A Lagoa Azul, de Randal Kleiser.

Com saudades das “inocentes” Sessões da Tarde? Pense outra vez. Brooke Shields (de novo!) desfila seminua, com 15 anos, para alegria dos pedófilos, em A Lagoa Azul.

14. A Fera do Rock, de Jim McBride.

Cinebiografia escandalosa de Jerry Lee Lewis, que se casou com a prime de 13 anos. Rock ‘n roll, música do demônio: já passou da hora de censurá-la.

15. Valmont, de Milos Forman.

Como Milos Forman escala Fairuza Balk, então com 14 anos, para interpretar personagem que no romance no Chardelos de Laclos tem… bom, 14 anos? Valmont a seduz – e ela se casa, grávida, com outro homem!

16. Assassinos por Natureza, de Oliver Stone.

Indiretamente baseado em Charles Starkweather e Carol Fugate. Oliver Stone encena os abusos sexuais como se fossem uma sitcom. O roteiro nasceu da mente doentia de Quentin Tarantino.

17. Beleza Americana, de Sam Mendes.

Os “velhinhos da Academia” não passam de tarados e pervertidos! Premiaram com o Oscar a história nojenta do pai de meia-idade que se apaixona pela amiga ninfeta da filha – a qual, por sua vez, aparece nua, com apenas 15 anos! E Sam Mendes ainda pinta a única personagem heróica da trama – o vizinho – como nazista e homossexual enrustido.

18. De Olhos Bem Fechados, de Stanley Kubrick.

Em meio a drogas, traições, prostitutas e orgias, há a filha de Milich, dono da loja de fantasias, cujos serviços sexuais o pai vende para japoneses. E ela gosta! Mas a vingança do Senhor veio, fulminante, e Kubrick morreu logo assim que terminou de montar tamanha pouca vergonha.

19. Tabu, de Nagisa Oshima.

Oshima já transformou mulheres em galinhas, então não surpreende que, para ele, a nobre instituição dos samurais não passe de antro de pederastia. Desde muito jovens, alunos prestam favores sexuais a seus mestres e parceiros de clã. Chocante distorção histórica.

20. O Homem que Não Estava Lá, de Joel e Ethan Coen.

Scarlett Johansson, com 16 anos, utiliza seus lábios carnudos, suculentos e voluptuosos para realizar sexo oral em Billy Bob Thornton. Como a cena de pedofilia se passa dentro de carro em movimento, os irmãos Coen fazem clara apologia à direção perigosa.

21. A Má Educação, de Pedro Almodóvar.

Não esperaria de um pederasta nada além de calúnias e difamações. É obviamente falsa a “denúncia” de que padres abusam sexualmente de seus alunos em escolas católicas.

22. Na Captura dos Friedmans, de Andrew Jarecki.

O que esperar do esquerdista Andrew Jarecki, irmão de Eugene, que realizou o difamatório Reagan, sobre o grande presidente Republicano? Na Captura dos Friedmans ataca de maneira vil a instituição basilar da família, quando acusa o bondoso e dedicado patriarca de pedofilia e pornografia infantil.

23. O Novo Mundo, de Terrence Malick.

Verdade que Pocahontas inicia o filme selvagem e sem Deus, mas ela tem o quê? 13 anos? E se envolve com dois homens, muito mais velhos. Do segundo, ainda engravida (eles se casam, pelo menos, depois que a índia se converte à verdadeira religião).

24. Dúvida, de John Patrick Shanley.

Outro filme abjeto que questiona a santidade dos padres com acusações caluniosas de pedofilia. Philip Seymour Hoffman, antes, interpretara o homossexual Truman Capote, para piorar ainda mais o quadro.

25. O Leitor, de Stephen Daldry.

A atriz Kate Winslet, sem-vergonha, usa e abusa da nudez para seduzir adolescente que, da mesma forma que as jovens vítimas do Campo de Concentração, lê após o sexo para o deleite da ex-nazista.

26. A Troca, de Clint Eastwood.

Cinema é o lugar da fantasia, dos sonhos e do escapismo. Para quê falar da realidade? Havia necessidade, Sr. Eastwood, de voltar ao caso Wineville Chicken Coop, em que Gordon Stewart Northcott sequestrou, abusou sexualmente e assassinou ao menos quatro garotos na Califórnia, entre eles Walter Collins? E o diretor é reincidente, já que em Sobre Meninos e Lobos também mostrara as consequências psicológicas sobre uma vítima da pedofilia.

27. A Fita Branca, de Michael Haneke.

Já está na hora de censurar festivais de cinema, espaços nocivos que dão guarida a filmes imorais. Cannes premiou A Fita Branca com a Palma de Ouro! Além de incesto, sugere-se que a firme educação moral e religiosa, no início do século XX, originou o nazismo.

28. Um Olhar do Paraíso, de Peter Jackson.

Após blasfemar com magos e elfos, Peter Jackson encena o estupro e assassinato de menina com apenas 14 anos, na verdade apenas mais uma vítima do pedófilo que Stanley Tucci interpreta. Um caso perdido.

29. Watchmen, de Zack Znyder.

“Progressistas” sempre confundem, propositalmente, justiça com sadismo. Que pai de família não faria o mesmo que Rorschach, ao descobrir que um marginal estuprou, estripou e jogou sua filha aos cães? Você, homem de bem, trabalhador, decente, também não o mataria a sangue-frio?

30. Michael, de Markus Schleinzer.

Ninguém chancela mais a pedofilia que o Festival de Cannes. Boicote já! Vamos nos mobilizar para que nossos distribuidores não tragam Michael para o Brasil. Se trouxerem, entremos na justiça contra o filme! Que sigamos o exemplo de A Serbian Film – Terror Sem Limites.

Os textos acima satirizam a visão conservadora, ultra-religiosa, homofóbica e intolerante por trás da censura de A Serbian Film – Terror Sem Limites. O Ministério da Justiça concedeu a classificação indicativa que libera sua exibição em todo o Brasil – menos no Rio de Janeiro, onde continua proibido pela ação judicial do DEM.

Há que se destacar, também, a proibição, no Acre, do curta-metragem Eu Não Quero Voltar Sozinho, de Daniel Ribeiro, que, para as bestas preconceituosas do apocalipse, ofende a moral e os bons costumes da família brasileira por tratar da homossexualidade. Não tão lá no fundo, eles morrem de saudade da Ditadura Militar.