Sono stati diffusi due nuovi banner promozionali di Man of Steel, il nuovo adattamento cinematografico dell’eroe DC Comics, raffiguranti il Generale Zod e Superman in volo in procinto di scontrarsi, e una nuova featurette con sequenze inedite facente parte della campagna di Wallmart che parte oggi e che porterà alla vendita dei biglietti per le anteprime esclusive del film che si terranno poco prima dell’uscita ufficiale nelle sale. 

Interpretato da Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Kevin Costner, Diane Lane, Laurence Fishburne, Antje Traue, Ayelet Zurer, Christopher Meloni, Russell Crowe, Michael Kelly, Harry Lennix e Richard Schiff, la pellicola sarà nelle sale USA il 14 giugno, il 20 giugno in Italia.

In occasione dell’uscita nelle sale di Man of Steel, Walmart diffonderà un prequel a fumetti della pellicola diretta da Zack Snyder e interpretata da Henry Cavill.

Scritto dallo sceneggiatore del film, David Goyer, l’albo sarà distribuito gratuitamente ai fan per ogni biglietto venduto, nell’ottica dell’iniziativa organizzata dalla catena americana in oltre 3700 punti vendita nella giornata di oggi, in cui i clienti potranno usufruire dei biglietti per assistere a delle esclusive anteprime dell’atteso film su Superman, il 13 giugno.

La riflessione ci è venuta spontanea, in fase di studio per questo speciale.

Celebrando i 3000 numeri di Topolino libretto, oltre che concentrarsi sulla storia del settimanale, sugli autori e sulle caratteristiche del fumetto Disney, è sicuramente importante capire come viene visto questo ragguardevole traguardo, importante per tutto il panorama fumettistico nazionale, da chi lavora attivamente in questa industria ma che non scrive e disegna (o non lo fa più da tempo) per Disney.

Uno sguardo interno alla professione e al settore, ma esterno a Topolino, è sicuramente un termometro per chiarire quanto importante sia stato e sia ancora quello che passa sulle pagine della rivista per buona parte del fumetto italiano.

 
PAOLA BARBATO

Come quasi tutti quelli della mia generazione sono cresciuta a pane e Topolino, con una passione maggiore per il mondo dei paperi. Ma non riesco a considerarlo un elemento “formativo”, l’ho sempre inteso come un oggetto ludico, di puro piacere, quando anni dopo ho iniziato a fare questo mestiere l’avevo “abbandonato” già da un po’. Ricordo in particolare una storia, “La fiamma fredda”, se non sbaglio, che mi aveva colpito molto. E ho amato tantissimo il “librone” Io Paperino, letto fino a consumarlo.

ALESSANDRO BIGNAMINI

A dire il vero, Topolino e quel suo essere cosi political correct da primo della classe , mi ha sempre portato a guardare questo personaggio con distacco e un filo di antipatia. Questo non vuol dire che nel tempo non lo abbia letto o imparato ad apprezzare,ma solo che per indole personale mi sono sempre sentito maggiormente in sintonia con l’ amico Paperino o con prodotti minori tipo Tiramolla. Devo ammettere comunque che anche se in 

 casa per me era più facile leggere Tex e Diabolik, perché acquistati regolarmente da mio padre,quando mi capitava tra le mani Topolino,tutti quei colori ed il tratto morbido degli autori che lo disegnavano e disegnano tutt’oggi, mi colpiva e mi faceva sembrare il linguaggio del fumetto visto attraverso queste forme semplici, come un qualcosa di accessibile, inducendomi una voglia irrefrenabile di disegnare. Già allora capivo che se il disegno realistico del fumetto popolare costringe un giovane disegnatore a scontrarsi con i propri limiti tecnici, ricopiare Topolino e le sue forme arrotondate, portava più facilmente a risultati soddisfacenti e spesso galvanizzanti. Ecco, per concludere, se devo attribuire un merito a questo “simbolo” del fumetto, è sicuramente quello di avermi avvicinato al disegno fatto per puro divertimento, mostrandomi chiaramente la strada da percorrere anche quando ancora ero privo delle “basi tecniche” e svelandomi il gusto di disegnare fumetti.

GIACOMO BEVILACQUA

Il mio rapporto con Topolino è sempre stato un rapporto UT DES… senza DO… nel senso che da Topolino ho sempre preso senza dare mai nulla in cambio, ho slavoricchiato su alcune cose della Disney e sono molto amico di Silvia Ziche, Tito Faraci, e di gran parte della redazione su a Milano, ma non ho mai contribuito. Forse perché ricevere senza dover dare nulla in cambio è l’eco di un comportamento egoista che si ha quando sei bambino, e quando lo usi da grande, chi ti ha visto crescere chiude un occhio e ti giustifica, perché ti capisce e perché ti conosce. Ma sono in pochi. Pochissimi. E Topolino sarà sempre tra questi.

DAVIDE DE CUBELLIS

1- Un trauma. Di fatto Topolino è stato il primo fumetto, insieme a Zagor. Avrò avuto a malapena l’età per leggere e in pochi anni accumulai la mia prima raccolta di “qualcosa”. Un giorno, rientrato in casa dopo la scuola, scoprii che i miei genitori avevano buttato tutti gli albi.
Non ho più riaperto un Topolino fino all’età adulta.
2- È stata quella primissima lettura a insegnarmi che nel mondo dei fumetti tutto era possibile.

CARMINE DI GIANDOMENICO

Se oggi disegno, per assurdo lo devo a lui e ai suoi disegnatori e coloristi.
Mi raccontano dalla regia più adulta… che da molto, molto piccolo sfogliavo Topolino, e che mi inventavo le storie inseguendo solo le immagini, (non sapendo ancora leggere), e le raccontavo come un cantastorie ai miei coetanei di quel periodo con albo in mano. 
Ma tolto questo delirio di ricordi, va dato atto che Topolino resta una icona dell’eroe classico, come per Superman, che cerca di inseguire le mode del momento, per rinfrescarsi, ma conservando le sue basi fondamentali che lo contraddistinguono. E per questo resterà immortale. Altro che 3000, andrà molto ma molto oltre! 
E per caso strano caso della vita… oggi lavoro per Marvel che è stata incorporata da Disney.

ALESSANDRO DI VIRGILIO

Come per tutti, credo, Topolino ha rappresentato una sorta di portale verso il mondo della fantasia e mi ha, senza ombra di dubbio, instillato il “sano virus” della narrazione. Mi ha fatto nascere l’esigenza di dover raccontare storie. Di dar vita a qualcosa che prima non c’era.

DAVIDE LA ROSA

Io faccio l’autore di fumetti. Il fumetto ha un linguaggio tutto suo, un linguaggio completamente diverso da altri (questa è una caratteristica di tutte le arti… ognuna di essa ha un linguaggio unico). Dicevo che faccio l’autore di fumetti, sì, e se faccio questo lavoro è anche grazie a Topolino… ho iniziato a leggere Topolino da quando ho imparato a leggere… anzi, posso dire che ho imparato a leggere grazie a questa storico settimanale. Ma non solo… già perché è proprio grazie a Topolino che ho imparato il linguaggio del fumetto… ho scoperto cosa sono le onomatopee, le didascalie e tutte le cose che rendono unico il fumetto (ok, le onomatopee ce l’aveva pure la serie TV di Batman… quella con Adam West… ma è un caso a parte, un’eccezione). Poi, grazie alla rubrica delle foto dei lettori ho capito che per fare un’istantanea buffa basta avere una pila di Topolino e metterci sopra un gatto con gli occhiali da sole. A me piacciono le storie di Paperino (specialmente quando è insieme a Paperoga), per dire eh.

Davide La Rosa ha gentilmente deciso di omaggiare Topolino anche di un disegno realizzato per l’occasione, che vi presentiamo qui sotto:

GIANFRANCO MANFREDI

Credo che Mickey Mouse dal punto di vista grafico sia un capolavoro assoluto , pur tenendo conto del suo precedente, cioè Felix the cat, perché Topolino ne replica le caratteristiche, aggiungendo le orecchie rotonde e il naso sporgente, cioè un evidente motivo fallico. Topolino è come Pollicino, ma un Pollicino grafico, in cui la metafora sessuale diventa esplicita, anche se nessuno se ne accorge. Ma è caratteristica essenziale del racconto fiabesco esporre sotto gli occhi di tutti simboli e metafore, rendendole indirette . Fatta questa premessa, gli episodi di Topolino che mi hanno segnato, sono sicuramente quelli con Macchia Nera. Macchia Nera, anche per il nome, è per me il vertice assoluto del fumetto non realistico. Una macchia nera diventa protagonista. Qui si celebra e insieme si ironizza sull’arte di disegnare a china. Si rende il segno grafico personaggio. Cosa si può fare più di così?

GIACOMO MICHELON

Sono un ragazzo analogico, quand’ero piccolo c’era solo la TV dei ragazzi su Rai2 che iniziava alle17, quindi l’appuntamento col “Topo” del mercoledì era atteso come non mai, molto più della nuova app. per iphone o dell’ennesima versione dell’idraulico Mario. Lo comprava mio padre e non erano poche le volte che il castigo prevedeva più che lo stare senza TV per una settimana, lo stare senza il “Topo”! Terribile per uno come me, uno che a detta di mia madre lo leggeva tenendolo capovolto già a due anni seduto sul vasino, e così ci passava le ore! Ha dovuto aspettare quasi 20 anni per capire che cosa ci trovavo mai in quelle immagini capovolte, povera mamma! 
Tutto questo per dire che oggi, continuo a passare ore al bagno immerso nella lettura di fumetti di ogni tipo e quando accosto la matita al foglio, spero ogni volta di riuscire a realizzare una storia che possa suscitare ai lettori quella stessa spasmodica voglia di leggerla e rileggerla e poi di aspettare la prossima che avevo io allora, leggendo, aspettando e leggendo il “Topo”!

ALESSANDRO POLI

Sono cresciuto, per mia fortuna in una famiglia dove i fumetti erano sempre in casa, mio padre leggeva Tex, mia nonna e mia madre Diabolik, e io Topolino, Geppo, Soldino ecc.
Mi ricordo che le storie che più mi avvincevano erano quelle con Macchia Nera , o le avventure di Paperinik, insomma quelle storie dove la componente di mistero era ben presente.
Ricordo inoltre di esser stato colpito da un tratto particolarmente dinamico e avvincente , che in seguito ho scoperto essere di un signore di nome Cavazzano.
Nel corso degli anni Topolino è rimasta una frequentazione a fasi alterne, ma comunque sempre presente.

ROBERTO RECCHIONI

Gli devo il fatto di essere un fumettista.
L’ho deciso intorno ai quattro anni. Mia madre mi leggeva le storie. Un giorno le chiesi come si facessero i fumetti e lei mi disse che si disegnavano. Da quel giorno, mi misi a disegnare. Se mi avesse fatto sentire i Motley Crue, invece che leggermi Topolino, oggi girerei il mondo con la mia band. Detto questo, è stato importantissimo fino ai miei quindici anni. Credo di aver smesso di leggerlo un migliaio di albi fa, tornandoci solo saltuariamente, per storie di particolare qualità.
Non so quanto mi abbia influenzato, di sicuro avrò letto mille volte le stesse storie, quindi fa parte del mio linguaggio che io lo voglia o meno.

EMANUELE TENDERINI

Io sono nato a Venezia e i miei nonni materni, Dino e Silvana, abitavano nell’isola di Murano. 
Dino realizzava, da bravo muranese, strumenti per lavorare il vetro ed era molto famoso in America e Giappone. Silvana era casalinga.
Una volta a settimana, il sabato, venivano a trovarci a casa. Arrivavano il pomeriggio, intorno le 17.30/18.00 e rimanevano a cena. Poi, verso, le 21 prendevano il vaporetto e tornavano nella loro isoletta di vetrai. 
Io sono l’unico “erede maschio” della famiglia e mio nonno Dino, per questo, mi ha sempre coccolato molto. Fu l’unico a credere fin da subito nelle mie potenzialità di disegnatore e a volermi aiutare (soprattutto economicamente) nell’apprendimento delle tecniche per diventarlo (anche se, in realtà, lui segretamente avrebbe voluto che io seguissi le suo orme di fabbro per il vetro).
All’epoca (dai 4 anni in su) adoravo copiare i personaggi dei fumetti.
Ogni sabato, quando i miei nonni venivano a trovarci, io ero felicissimo perché mi portavano sempre in regalo: un ovetto Kinder e il Topolino. 
Ciascuno degli albi che ho pubblicato in questi anni è dedicato alla mia famiglia e a Dino e Silvana, i miei nonni.
Tirate voi le somme.

ZEROCALCARE

Topolino (il settimanale, non il sorcio) ha stabilito delle asticelle insuperabili nel mio cuore. Non ricordo gialli o noir che mi abbiano mai dato emozioni più forti di “Topolino e il mistero della voce spezzata”, non c’è mai stata epica superiore alla saga della “Spada di ghiaccio”. Ho tanti di quei debiti nei confronti di Topolino in termini di ritmo delle storie, di inquadrature, di disegno (alcune posizioni delle mani mi vengono dritte da lì), che non saprei da dove iniziare. Da ragazzino avevo pure disegnato una storia in cui Paperino e i Bassotti occupavano il deposito di zio Paperone e resistevano ai tentativi di sgombero di Basettoni. Poi crescendo ho subito mille altre influenze che mi hanno trasformato in una specie di Frankenstein che appiccica pezzi di fumetti diversi, ma se dovessimo andare alla radice della mia passione per i fumetti, in fondo ci sta quel settimanale dalla costina gialla che riempiva tutti i miei armadi. Poi l’ho venduti tutti per comprare la Playstation ma quella è un’altra triste storia.

The Hollywood Reporter informa che la Summit ha incaricato Jon e Erich Hoeber di realizzare la sceneggiatura di Red 3, il cui secondo capitolo uscirà nelle sale il prossimo 19 luglio.

Il terzo lungometraggio basato sulla miniserie di Warren Ellis e Cully Hamner sarà prodotto da Lorenzo Di Bonaventura e Mark Vahradian attraverso la DiBonaventura Pictures. Nessun accordo con il cast è stato ancora preso, ma se lo script dovesse essere approvato, la lavorazione potrebbe cominciare già nel gennaio 2014.

Dopo le indiscrezioni circolate nelle settimane scorse circa una sua possibile entrata nel cast del reboot del fantastico quartetto, che sarà diretto da Josh Trank, nel ruolo di Johnny Storm/Torcia Umana, l’attore Michael B. Jordan ha per la prima volta risposto, in una intervista all’ Huffington Post e a USA Today a queste voci.

“Non è ancora una cosa reale. Tutti sanno che siamo buoni amici (riferendosi al regista ndr). È una cosa che se fosse accaduta ne sarei entusiasta. Mi piacerebbe essere parte di questo“.

“Le cose cambiano e il tempo passa, è il 2013 in questo momento”, ha detto. “Le caratteristiche della Torcia Umana sono che il suo nome è Johnny Storm, è carismatico, ed è un playboy. Ecco fatto. Sai cosa voglio dire? Questo è tutto quello che c’è“, ha concluso l’attore.

Scritta da Seth Grahame-Smith, Michael Green e Jeremy Slater la pellicola uscirà nelle sale il 6 marzo 2015.

In una intervista concessa a IGN, il regista Joss Whedon ha avuto modo di parlare di The Avengers 2, confermando ancora una volta la comparsa, nel sequel sul supergruppo Marvel, dei personaggi di Scarlet e Quicksilver e soffermandosi sul loro coinvolgimento nel film.

“Sapete, hanno avuto un inizio difficile. Sono interessanti per me perché sono una sorta di rappresentazione di quella parte del mondo che non è necessariamente d’accordo con i Vendicatori. Quindi non sono lì per fare le cose più facili. Io non inserisco dei personaggi nel film perchè rendano le cose più facili“.

Per quanto riguarda invece il ritorno di Iron Man nel sequel, dopo gli eventi narrati in Iron Man 3 e soprattutto dopo il finale della pellicola, Whedon ha aggiunto:

“Beh, mi sento come in Iron Man 3, anche se lui ha detto ‘Sono cambiato‘ - ha fatto esplodere le sue armature a distanza, ma non credo che qualcuno pensi che non ne abbia più una. La domanda è, se gli Avengers dovessero chiamarlo, lui risponderà? E la risposta è: ‘Sì!”

Il vuoto

La più sconfortante delle testimonianze raccolte da Igort nel suo soggiorno ucraino, è certo quella di Serhyoza e Sasha:

“non sanno vivere in questa terra, non sanno cosa farsene di questa terra. E non sognano neppure, perché nessuno glielo ha insegnato. Non c’è speranza, solo stordimento, confusione”.

È questa la più tremenda delle assenze: l’assenza di un futuro. E, poiché la speranza di un futuro migliore è condizione necessaria per la sopravvivenza di una società, è forte il timore che stiamo leggendo testimonianze di naufraghi, che vivono in in un paese alla deriva. Quello che un tempo era luogo comune per l’Africa, si materializza in Europa.

Spinto dal biglietto che Igort riceve da Nikolay Ivanovic, spulcio una enciclopedia degli anni 1990. Alla voce Ucraina, trovo (censimento 1989, per l’Occidente annus mirabilis) una popolazione di circa 51 milioni di persone. Il corrispondente dato su Wikipedia, plausibilmente aggiornato, dichiara 47 milioni. L’Ucraina è una terra enorme: guardatela sull’atlante e confrontate la sua superficie con quella delle nazioni occidentali (perdonatemi, figlio di un altro tempo, tuttora penso istintivamente l’Europa come Orientale e Occidentale, tagliata in due dalla cortina di ferro). E’ una terra in corso di spopolamento quindi, secondo il più elementare dei ragionamenti, una terra in declino. La dissoluzione dell’Unione Sovietica, l’indipendenza, la fine della guerra fredda, che molti di noi dalla parte fortunata della cortina di ferro ingenuamente avevamo pensato e accolto come prodromi di un mondo migliore, sono memorie nebulose, frequentate con disagio. E, in contrapposizione, emergono semmai gli anni da Kruschev a Breznev: nei ricordi di Maria Ivanovna, che, perso tutto il resto, offre per strada la propria bilancia a chi vuol pesarsi, in cambio di un’offerta (“Mi ricordo bene la vita ai tempi di Breznev, c’era buon cibo e costava poco”); di Nikolay Ivanovic (“Durante il comunismo ci si sentiva delle persone. [...] Era il 1974. Prima si viveva all’antica. [...] Il governo ti dava una mano. [...] Ci si aiutava, un Kolkhoz con l’altro”).

All’assenza di prospettive, che avvilisce i giovani, si unisce la povertà, che toglie dignità agli anziani e ai vecchi. Una povertà capillare, senza rimedio: misere pensioni che non hanno alcun rapporto con i prezzi e costringono a chiedere l’elemosina. In questo senso, la vita di Serafima Anreyevma, sembra incarnare quella dell’Ucraina: cresciuta attraverso la terribile carestia del 1932, l’holomodor, e chiusa nella vergogna della propria malattia. Credo non a caso Igort ponga a inizio e conclusione di questi quaderni la sua testimonianza; non a caso a lei è dedicato questo volume.

Holomodor

Scrive Vassilij Grossmann in Tutto Scorre, a proposito della dekulakizzazione del 1929-31 e della carestia ucraina del 1932:

“Niente è rimasto. Dove è andata a finire quella vita? Dove quelle orribili sofferenze? Possibile che non sia rimasto nulla? Possibile che nessuno paghi per tutto ciò? Ma allora tutto sarà dimenticato, senza una parola? L’erba ha ricoperto tutto” ^[1] .

Le memorie proposte da Igort gravitano intorno a quel buco nero della storia ucraina. Il racconto dei superstiti si alterna ai documenti ufficiali e la rappresentazione degli orrori della morte per fame ai ritratti dei responsabili. In questo modo Igort riesce a trovare un equilibrio, che evita la saturazione emotiva e stimola la compassione.

Le pagine traboccano di strazio e dolore e l’impatto emozionale è al limite del sopportabile. Non tanto per una particolare crudezza delle immagini o delle descrizioni, quanto per la ferocia e disumanità delle logiche che sottesero a quelle stragi, per le quali l’Ucraina ha chiesto il riconoscimento come genocidio. È lo stesso orrore che qualsiasi tragedia gratuita ispira, perché proprio la gratuità è la fonte prima del senso di disorientamento che ci coglie di fronte a simili eventi.
La campagna ucraina, fertilissima e dall’agricoltura ricca nei secoli, viene sottoposta a un vero e proprio embargo durante la tremenda carestia, con il risultato dello sterminio dei suoi abitanti. La volontà di potere annienta l’umanità, tanto quella delle vittime, che arrivano al cannibalismo, quanto quella dei persecutori ^[2] .
Oltre novanta anni dopo, le ferite non sono rimarginate e le relazioni russo ucraine continuano a evolversi lungo linee di tensione. Basti pensare ai fatti legati alla cosiddetta rivoluzione arancione.

Eppure…

Eppure, in questi Quaderni c’è una testimonianza di vita che apre il cuore alla speranza, che per me è un canto al desiderio di vita, all’amore per la vita. È il racconto di Nikolay Vasilievich. Narra una vita piena di tribolazioni, di scelte sbagliate o sfortunate, di malattie e sventure. Eppure… Eppure, in quello che potrebbe essere il più cupo dei momenti, Nikolay Vasilievich inizia a guardare la propria vita in maniera diversa:

“Ho ripreso ad amarla. Semplice. Un gesto dopo l’altro. C’è una sua bellezza”.

E così, con questa nuova consapevolezza, vive i suoi giorni, disfacendosi delle cose che amava di più, perché sa che non gli serviranno.

Certo, si può leggerla come testimonianza di una resa, e non ho elementi oggettivi per dimostrare che sia una lettura sbagliata. Eppure penso che Nikolay Vasilievich abbia riscoperto la propria dignità, la gioia dei giorni e che proprio per questo Igort abbia posto la sua testimonianza al centro del volume, come un’ideale chiave di volta, come per affermare che l’amore per la vita è una forza in grado di sopportare e superare tutto.

L’efficacia del volume è segnalata anche dalle domande e dei desideri di ulteriori approfondimenti che solleva. Igort ha esplorato la campagna; sarebbe stato oltremodo interessante esplorare la visione del mondo e del futuro che hanno, ad esempio, le giovani generazioni cittadine. E sull’impressionante perdita di popolazione: dove sono andati quei milioni di ucraini? In che rapporti sono rimasti con la madre patria? Che cosa di lei hanno portato con sé e come contribuiscono a cambiarla? E sarebbe in questo senso interessante che Igort riprendesse questi fili in un reportage sulla comunità ucraina in Italia. È ragionevole pensare che una simile indagine sarebbe fonte di molte scoperte, anche, e forse soprattutto, sull’Italia.

Nell’intervista rilasciata a Ettore Gabrielli, dove le motivazioni e le scelte che hanno guidato la raccolta delle fonti e la stesura dell’opera sono analizzate in dettaglio, Igort afferma che i Quaderni si sono evoluti secondo un’esigenza di verità ^[3] . La verità va sempre intesa come un processo e come un’istanza non solo conoscitiva (che cosa è successo?) ma anche etica (quale è il senso di tutto ciò?). Rigore e passione sono condizioni necessarie per intraprendere un simile cammino, che può portare a condividere dolori e sofferenze estreme. Disgiungere conoscenza e compassione porta a una comprensione monca e questo primo volume dei Quaderni mostra in maniera esemplare questo percorso.

Abbiamo parlato di:
Quaderni ucraini
Igort
Mondadori Editore, 2010
180 pagine, brossurato, bicromia, 17,50 €
ISBN: 9788804604426

Riferimenti:
Il sito di Igort: www.igort.com

Note:

1. Vassilij Grossmann: Tutto Scorre, Adelphi
2. Per un’analisi storica del periodo, si può consultare il volume: Andrea Graziosi: L’URSS di Lenin e Stalin, Il Mulino.
3. Ettore Gabrielli: I Quaderni di Igort, il narratore e la realtà: www.lospaziobianco.it/?p=19088

Ci sono compleanni così grandi che non possono essere contenuti in una sola festa. Troppi invitati, troppe emozioni da condividere, troppo da festeggiare. Ci sono compleanni i cui festeggiamenti iniziano mesi prima del dovuto come, ad esempio, quelli per i tremila numeri di Topolino, in uscita in questi giorni!

Se poi, al festeggiato perfetto, Topolino, e alla ricorrenza eccezionale, i tremila numeri, dai la location giusta, cioè una città che si sa divertire valorizzando l’arte e cultura popolare, una città come Napoli, il mix è perfetto e tutto può succedere.

Fonte: pagina Facebook di Topolino.it

Ad esempio, può succedere che nella sede del PAN (Palazzo delle Arti di Napoli) dal 21 Marzo al 26 Maggio sia possibile visitare una delle più belle mostre dedicate alla Disney mai realizzata in Italia. Un evento che fonde l’aspetto strettamente artistico, mettendo in esposizione alcune splendide e rarissime tavole originali (da Scarpa a Cavazzano, passando per Barks di cui è presente anche uno dei preziosissimi oli) con l’aspetto collezionistico, rendendo ammirabili (è proprio il caso di usare questo termine) alcune delle pubblicazioni più introvabili legate al mondo del topo più famoso di tutti i tempi. Chicche come il primo numero di Topolino libretto e del ancor più iconico Topolino Giornale, volumi di una rarità inenarrabile di cui si vocifera esistano pochissime copie (o forse una sola…).

Anche l’aspetto ludico e quello storiografico, per non dimenticare tutte le fasce di età, hanno composto il ricco puzzle degli aspetti curati nella mostra. Se da una parte una serie di cartelli riccamente illustrati dipingevano un percorso capace di guidare il visitatore nella storia della Disney in Italia, dall’altra una serie di installazioni (indimenticabile la riproduzione in scala 1:1 della macchina del tempo del Prof. Zapotec) hanno sollecitato la fantasia dei più piccoli e non solo.

Fonte: pagina Facebook di Topolino.it

Sempre ai più piccoli erano inoltre rivolti i laboratori creativi che si sono svolti prima al PAN stesso e nel meraviglioso e ameno spazio Disney, alla Fiera d’Oltremare poi, durante i giorni del Napoli Comicon. Proprio in quella sede è stato confortante e sorprendente vedere decine, forse centinaia di giovani lettori confrontarsi e lasciarsi guidare dal Team Disney in un percorso creativo diviso in vari segmenti.

In questi laboratori, aperti con orario continuato dalle 11.00 alle 19.00, gli appassionati hanno potuto sperimentare l’ebbrezza di lavorare a un vero e proprio giornale “topolinistico”! Da una parte, i giornalisti in erba hanno realizzato articoli a vario tema, dalla Città della Scienza allo sport, illustrati con i personaggi disneyani; da un’altra si svolgeva la ricerca iconografica, con la finalità di fondere insieme disegno e foto, con illustrazioni evocative di un idoneo servizio fotografico a supporto degli articoli. Infine, un terzo laboratorio rivolto alla creazione di un vero e proprio fumetto, una striscia a sei vignette, realizzata in collaborazione tra i partecipanti e gli autori Disney presenti. Oltre a questo nucleo centrale di laboratori, destinato alla creazione di un proto-numero di Topolino, ha riscosso molto successo il mini corso di disegno, che si poneva la finalità di introdurre giovani lettori allo stile disneyano!

Fonte: pagina Facebook di Topolino.it

Autori come Blasco Pisapia, Marco Gervasio, Stefania Fiorillo, Alberto Savini e tutto lo staff Disney (dal direttore Valentina De Poli a Aldo Carrier Ragazzi, Gabriella Valera, Gianluca Panillo e Francesca Agrati, solo per citarne qualcuno) hanno dedicato ore e ore, nelle due sedi, a stimolare il talento e la fantasia degli appassionati che, sorprendentemente, si sono scoperti essere non solo ragazzi o adolescenti, essendo state molte le volte in cui i laboratori sono stati frequentati da ventenni desiderosi di apprendere qualche dinamica disneyana o semplicemente di divertirsi. Questo ha generato un’interazione fra le varie fasce d’età e competenze che aveva un che di rasserenante. Come se lo spazio Disney del Comicon fosse un posto in cui, nella confusione della creazione, ognuno, comunque, ha il suo posto ben definito. In cui ognuno è utile, indispensabile e piacevole al tempo stesso.
Un incanto tipicamente firmato Disney.

Nei ruggenti anni ’90 del fumetto disneyano Tito Faraci era una colonna del progetto PK, testata innovativa che prendeva il personaggio di Paperinik e lo rilanciava in avventure dal taglio nuovo e piuttosto sperimentali, sia esteticamente che nei contenuti.
Negli anni Faraci è poi approdato a Diabolik, ed è quasi normale che insieme a Mario Gomboli sforni adesso qualcosa di analogo a quanto fatto con l’alter-ego di Paperinik. Il collegamento nasce fin dal titolo, con la prima e l’ultima lettera del nome del protagonista a indicare la nuova versione, ma anche negli intenti e nelle modalità della proposta.
Sulla carta, l’idea era vincente e aveva un illustre antenato: nei fatti, DK – Io so chi non sono non si può dire un esperimento completamente riuscito. La storia, a dispetto delle prime tavole adrenaliniche, non riesce a coinvolgere il lettore, con una trama in costante equilibrio tra tradizione e novità che non soddisfa nessuna delle due componenti. Nella seconda metà c’è una crescita qualitativa nell’intreccio, che mette in scena in modo interessante il rapporto tra DK, l’ispettore e la giudice, ma la sceneggiatura risulta appesantita dai troppi dialoghi.
La componente grafica, ad opera di Giuseppe Palumbo, oscilla tra soluzioni lodevoli nella costruzione delle tavole e nella disposizione delle vignette e disegni non sempre all’altezza, specie per quanto riguarda i volti.
Siamo di fronte ad un esperimento interessante ma sicuramente perfettibile. 

Abbiamo parlato di:
Il grande Diabolik presenta 1-2013 – DK: Io so chi non sono
Mario Gomboli, Tito Faraci, Giuseppe Palumbo
Astorina, aprile 2013
175 pagine, brossurato, colori – €4,90
ISBN: 9771127102007

La letteratura del fantastico è ricca di viaggi in luoghi immaginari o esotici e inesplorati. Se nel secondo caso l’autore deve esercitare la propria immaginazione per descrivere un mondo alieno ma al tempo stesso riconoscibile, come può accadere ad esempio nei viaggi lunari descritti da Ludovico Ariosto o da Johannes Kepler, nel primo caso, invece, l’autore immagina luoghi e situazioni completamente alieni. In particolare in questo secondo genere di storie i classici di riferimento hanno tutti degli intenti che vanno oltre l’esplicito obiettivo dell’intrattenimento. Si va, per esempio, dai Viaggi di Gulliver di Jonathan Swift dove l’idea è quella di criticare la società  britannica attraverso l’interazione del protagonista con culture differenti, ai didattici Flatlandia del reverendo Abbott e Alice nel Paese delle Meraviglie (e il suo seguito, Attraverso lo specchio) di Lewis Carroll. Entrambe queste due ultime opere, infatti, presentano un contenuto di matematica (in particolare la prima) e di logica (soprattutto Alice) abbastanza evidente e non solo a un lettore attento. In particolare, però, è il mondo ideato da Carroll che è entrato nell’immaginario collettivo anche grazie al lungometraggio animato disneyano del 1951 diretto da Hamilton Luske.

Luske, che iniziò la sua carriera come direttore con il Pinocchio del 1940, proporrà  nel 1959 in Paperino nel Mondo della Matemagica una sorta di compendio al Paese delle Meraviglie: non solo la scena iniziale quando l’ingresso di Paperino nel bosco della matematica ricorda la passeggiata di Alice, ma c’è anche l’esplicito riferimento ad Attraverso lo specchio e alla partita a scacchi su cui si fonda l’intero romanzo. E’ anche molto interessante notare come subito dopo la partita il cortometraggio esalti il potere di immaginazione della mente matematica, quasi volendo ulteriormente omaggiare Carroll e le partite mentali a scacchi che era solito giocare da solo o in compagnia durante le sue passeggiate al parco ^[1] .

Ad ogni modo l’utilizzo creativo ma comunque rispettoso della scienza all’interno dei mondi fantastici disneyani trova le sue basi proprio in queste due opere di Luske, e vedrà , però, grande interprete di questa linea narrativa prima il Pippo di Chendi e Bottaro ^[2] e successivamente lo sceneggiatore Fabio Michelini, che riprenderà  in particolare proprio quel Pippo, che avrà  un ruolo centrale in alcune delle storie più belle dello sceneggiatore, come la mini-saga in tre puntate che vedrà Topolino e il suo amico interagire con un personaggio profondamente carrolliano nella sua apparente assurdità : il coniglio rosa Pacuvio.

Il coniglio, creato graficamente da Luciano Gatto, compare all’improvviso un pomeriggio nella soffitta di Pippo nella storia Topolino e l’incredibile Bosco Fiorito facendosi annunciare dai versi:

Gippi Gioppi, Gippi Giò
Io problemi non ne ho

Probabilmente giunto attraverso uno specchio, anch’esso comparso dal nulla, come il Bianconiglio, parlando però in rima, invita i due amici Topolino e Pippo a seguirlo attraverso l’apertura multidimensionale per andare, secondo Pippo, a una festa in maschera. Prima di giungere al Bosco Fiorito del titolo, però, Michelini e Gatto si sbizzarriscono un po’, mostrando i poteri del personaggio e le sue possibilità  narrative: Pacuvio, infatti, grazie al magico pennello con il quale può letteralmente disegnare la realtà  che lo circonda, si dimostra una via di mezzo tra Mr. Mxztplk e l’Uomo Impossibile. Il coniglio rosa porterà  i due amici attraverso mondi differenti: una città  futuristica, una scena da Viaggi al centro della Terra, una foresta alla Tarzan e una discesa all’interno di un diamante, il tutto inframmezzato da pause in un mondo completamente bianco, che richiama alla mente la mappa bianca utilizzata dai cacciatori della carrolliana Caccia allo snaulo

Aveva comprato una grande mappa che rappresentava il mare,
Senza la minima traccia di terra:
E l’equipaggio fu ben lieto quando scoprì di viaggiare
Secondo una mappa che tutti loro riuscivano a capire.

Cosa che a Topolino riusciva un po’ difficile, vedendo Pippo e Pacuvio violare apparentemente la legge di gravità , ma d’altra parte, come insegna il gioco del Pac-Man, esistono anche spazi geometrici piatti dove le leggi della dinamica non sono quelle usuali.

O più semplicemente il mondo in bianco rappresenta una vera e propria pagina bianca, una rappresentazione del blocco creativo dell’artista che tornerà  successivamente in un’altra storia di Michelini, Paperino e la storia (in)finita disegnata da Roberto Santillo.

Il Bosco Fiorito, invece, è una vera e propria esplorazione di quello che potrebbe essere un mondo completamente popolato da piante antropomorfe, laddove nel Paese delle Meraviglie l’interazione tra Alice e i fiori parlanti rappresentava semplicemente un piccolo episodio. In questo caso Michelini e Gatto dopo aver rappresentato un mondo bucolico popolato da piante intelligenti, inseriscono un accenno molto leggero, ma comunque percettibile, al problema dei cambiamenti climatici e del controllo del tempo ^[3] : sulle teste degli abitanti di Bosco Fiorito, infatti, si alternano un po’ a capriccio il bello e il cattivo tempo, e toccherà  proprio a Topolino e Pippo risolvere la situazione per conto degli abitanti del bosco. E’ qui che viene esaltata la personalità  particolare di Pippo, che si ritrova, con tutta la sua ingenuità , a camminare senza alcun problema sulle nuvole e a chiacchierare amichevolmente con entità  dai poteri praticamente divini raccontando loro battute e freddure anche un po’ vecchie con un successo incredibile, almeno fino all’avvento dell’immancabile gaffe, che costringe i nostri eroi a una fuga precipitosa e a chiedere l’aiuto di Pacuvio. La penultima scena, quella del ritorno a casa, è poi un delizioso miscuglio tra la stessa Alice nel Paese delle Meraviglie e il Mago di Oz, mentre la storia si chiude con un’ultima pagina dove, prima della Fine, ovviamente disegnata col pennello, Pacuvio annuncia il suo ritorno.

I lettori dovranno aspettare il 1988 quando Topolino, svegliato nel cuore della notte dalla sua sveglia animata improvvisamente, inizia il suo viaggio verso L’incredibile Mondo Tic-Tac ^[4] . La struttura è carrolliana: la sveglia, che si ingrandisce opportunamente, trascina Topolino con se con la scusa del ritardo. A questo punto, utilizzando vari mezzi fantastici, come un orologio a pendolo, una cabina telefonica, una moto-razzo presa in prestito da Ezechiele Lupo ma che sembra uscita dal laboratorio di Wile E. Coyote, arrivano finalmente nel Mondo Tic-Tac dove, ad attenderli, ci sono ovviamente Pippo e Pacuvio.
A questo punto, un po’ come nel Mondo della Matemagica, si procede su binari più esplicitamente didattici, con la rappresentazione delle ore (quelle che passano lentamente, quelle che non passano mai) e dei minuti primi e secondi (dei bambini che corrono tutti sempre più veloci). A proposito dei bambini-corridori, Pippo osserva come i minuti secondi, nonostante corrano più veloci dei minuti primi, arrivano sempre dopo (come dice anche il loro nome) e questo gli suona strano, quasi quanto l’affermazione della Regina Rossa in Attraverso lo specchio:

Devi correre più veloce che puoi per restare nello stesso posto

Citazione, questa, che si può apprezzare se si pensa un attimo ai sistemi di riferimento: è abbastanza semplice immaginare che se un oggetto corre, si sta muovendo, ma se questo corre all’interno di un treno, per restare sempre nello stesso punto rispetto ad un osservatore esterno, questo deve correre il più velocemente possibile, alla velocità  del treno, e nella direzione opposta.

Come è facilmente intuibile, Pippo si propone in gran forma: non è solo un ottimo insegnante, ma abbondano i giochi di parole e le assurdità  apparentemente illogiche, situazioni che in matematica altro non sono che i classici paradossi. Ovviamente il concetto viene rappresentato in modo semplice e nello spirito carrolliano (senza però seguirlo con idee troppo complesse), come nel modo in cui Pippo convince Pacuvio a non affettare Topolino che ha semplicemente pensato di chiamarlo utilizzando Pacuvio, nome che non piace al coniglio!

Da confrontarsi, non tanto per il contenuto quanto per lo stile, con il seguente passo tratto da Attarverso lo specchio:

- So cosa stai pensando – disse Tweedledum, – ma non è affatto così.
- Al contrario – continuò Tweedledee, – se così fosse, potrebbe esserlo; e se fosse stato così, lo sarebbe stato, ma siccome non lo è, non lo è. E’ la logica.

Oltre agli aspetti paradossali legati alla logica e che storicamente saranno molto importanti per la storia della matematica ^[5] , la storia pesca abbondantemente anche negli enigmi temporali ideati da Carroll. Il più noto è certamente quello legato al tè del Cappellaio Matto, in cui il tempo è fermo in modo tale che sia sempre l’ora del tè. In questa punto, nella versione annotata di Alice a cura di Martin Gardner, il grande matematico-divulgatore ricorda come Arthur Stanley Eddington in Space, time and gravitation ha accostato questa deliziosa e divertente scenetta con la teoria della relatività  e in particolare con il modello sviluppato da de Sitter ^[6] , che prevede l’esistenza di porzioni di cosmo in cui il tempo si è fermato.
I nostri eroi, nella loro esplorazione del Mondo Tic-Tac, arrivano poi al Museo del tempo andato dove sono riuniti una serie di orologi differenti, ognuno a segnare un orario differente, con riferimento esplicito, se non addirittura esaltato, all’enigma proposto da Carroll su The Rectory Umbrella:

Quel è il migliore, l’orologio che segna l’ora giusta solo una volta l’anno o l’orologio che segna l’ora giusta due volte tutti i giorni?

Il rompicapo prosegue su uno stile non molto differente dal dialogo sopra citato tra Tweedledum e Tweedledee fa il paio con il dialogo tra Pippo e l’orologio raffreddato, dove l’amico di Topolino, con grandissima naturalezza, suggerisce di utilizzare il raffredd-ore per rinfrescare le ore più calde della giornata!

L’orologio di Pacuvio, infine, è solo una versione leggermente semplificata dell’orologio bislacco del professore tedesco in Sylvie e Bruno. Questo orologio, che misura il tempo tanto accuratamente quanto una pendola e che ha dalle sei alle otto lancette, è un Orologio Bizzarro

che possiede la peculiare proprietà  che, invece di seguire il tempo, è il tempo che segue lui.

Il tempo non ha alcun effetto sull’orologio del Professore, anzi, se si muovono le sue lancette, è il tempo a cambiare! Questo vuol dire che, se si spostano le lancette indietro nel tempo è possibile rivedere le azioni avvenute e, una volta che si ha la possibilità  di riviverle, eventualmente anche cambiarle alla luce delle informazioni precedentemente acquisite. Ovviamente le molte lancette dell’orologio servono per determinare come devono avvenire gli avvenimenti, e a tale scopo c’è anche un bottoncino particolare, il bottoncino dell’inversione:

Se lo premi, gli eventi dell’ora successiva accadono in ordine inverso.

Ovvero avviene una sorta di inversione della freccia del tempo. A questo proposito, sempre Gardner in Can Time go Backward? (pdf) su Scientific American 216 del gennaio 1967, ha modo di scrivere:

Se proviamo a immaginare un individuo i cui completi processi corporali e mentali sono invertiti, cadiamo nella difficoltà  della peggior specie.

Il punto centrale è l’impossibilità  nel rivivere le esperienze passate soggettive e questo per il semplice motivo che il resto del mondo continua a muoversi avanti nel tempo e quindi nessuna delle esperienze passate, ciascuna legata anche alla condizione specifica del mondo esterno, può essere duplicata. Dunque l’applicazione di differenti frecce del tempo all’individuo conduce a non sensi e contraddizioni, a meno di non andare al mondo quantistico, dove la storia è completamente diversa.
A questo punto, allora, abbiamo bisogno di un sistema in grado non solo di regolare il tempo soggettivo, ma di tutto l’universo, ed è proprio quello che fa il cipollone di Pacuvio che, come notato da Topolino, è in grado di regolare il tempo del Mondo Tic-Tac e di tutti i suoi abitanti, senza però avere la possibilità  di cambiare gli eventi. Sfruttando questo fatto, Topolino riesce, imbrogliando il folle coniglio rosa, a ritornare a casa nel suo letto. Ciò di cui, però, il nostro eroe non ha tenuto conto non è tanto del paradosso di Ross-Littlewood, dove una serie infinita di azioni prodotte in un tempo limitato produce un risultato decisamente finito, quanto il fatto che Pacuvio non ha bisogno di un orologio così sofisticato come quello del Professore, visto che ha a disposizione il suo Magico Pennello!

L’ultimo capitolo della saga è infine L’incredibile naniversario, storia celebrativa dei 50 anni dalla prima edizione di Biancaneve e i Sette Nani, il primo lungometraggio di Walt Disney. La storia si colloca, nella tradizione dei disney italiani, nella serie di avventure ambientate nel mondo di Biancaneve: questa tradizione, iniziata con Biancaneve e il mago Basilisco di Federico Pedrocchi e Nino Pagot, vedrà  poi tra i principali interpreti innanzitutto il maestro Romano Scarpa, che esordirà su Topolino proprio con una storia ambientata nel mondo del lungometraggio disneyano, Biancaneve e Verde Fiamma (1953) su testi di Guido Martina. E saranno poi proprio Fabio Michelini e Luciano Gatto, sia insieme sia separatamente, che realizzeranno alcune delle più belle storie della serie. Avranno, tra l’altro, l’onore di realizzare l’ultima storia della saga, I Sette Nani e la regina delle nevi (1997), uscita sul 55.mo numero del mensile Minni invece che su Topolino. Luciano Gatto, la cui prima storia nella serie fu I Sette Nani e le lucciole della salvezza (1961) su testi di Ennio Missaglia, recupererà ne I Sette Nani e il patto della Regina (1992), scritta da Carlo Panaro, i personaggi dei Sette Nani Cattivi ideati nel 1939 sempre dalla coppia Pedrocchi-Pagot nella storia I Sette Nani Cattivi contro i Sette Nani Buoni. Interessante notare come questa versione malvagia dei Sette Nani sia stata protagonista di 8 storie brasiliane, scritte da Ivan Saidenberg e pubblicate tra il 1975 e il 1986, che costituiscono la metà o poco più delle loro storie (il resto sono di produzione italiana). 

Restando, però, al Naniversario, i due autori realizzeranno una storia deliziosa e divertente, con qualche citazione carrolliana, dove il vero protagonista non sarà  altri che Pippo: la sua passione per il lungometraggio disneyano, infatti, sarà  la chiave per sconfiggere la strega e gli permetterà anche di utilizzare in maniera corretta ed efficace il pennello magico di Pacuvio, cosa che indignerà e non poco il nostro amato coniglio.
L’incredibile naniversario, però, non doveva essere la conclusione della storia, ma una sorta di preparazione all’ultimo capitolo della saga, che la redazione decise di non pubblicare più: L’incredibile mondo proverbiale, infatti, avrebbe dovuto portare il trio più paradossale del fumetto disneyano italiano nel mondo dei detti e delle tradizioni popolari, quel magico mondo dei luoghi comuni che, per il momento, non avremo modo di leggere, ma magari, chissà, verrà ripescato in un qualche futuro Tesoro Disney completando degnamente una saga divertente che ha consegnato ai lettori un personaggio dalle potenzialità incredibili e, a parere dello scrivente, ancora non completamente esplorate. 

Le storie della saga di Pacuvio possono essere lette sul sito di Gatto: L’incredibile Bosco Fiorito | L’incredibile Mondo Tic-Tac | L’incredibile Naniversario

Note:

1. John Fisher, a cura di. Il libro dei rompicapi di Alice, cista&nolan edizioni, 2009
2. Vedi la saga di Pippo vs. Nocciola che inizia con Pippo e la fattucchiera
3. Una delle questioni climatiche e ambientali più importanti e discusse in quel periodo era rappresentata dal buco dell’ozono. A questa tematica Giorgio Pezzin e Sergio Asteriti dedicarono una storia in stile bondiano di genere catastrofico, con tanto di viaggio nello spazio: Topolino e il mistero dell’ozono del 1989.
4. Michelini utilizzerà un’idea del genere, ovvero l’ingresso nel mondo fantastico dove si svolge l’avventura attraverso il sogno, anche ne La bella addormentata nel cosmo, ultimo capitolo della Saga della spada di ghiaccio di Massimo De Vita.
5. Ad esempio la risoluzione del paradosso di Achille e della tartaruga ha portato alla nascita del calcolo differenziale grazie a gli sforzi indipendenti di Newton e Leibniz.
6. Da un fitto scambio epistolare tra Albert Einstein e Willem de Sitter è poi sfociata una serie di articoli di quest’ultimo, usciti tra il 1916 e il 1920, che propongono una particolare soluzione alle equazioni di campo della relatività generale einsteiniana. In effetti il modello di de Sitter propone un cosmo privo di materia, ma l’aspetto curioso è che, a tutti gli effetti, con l’espansione dell’universo, il sistema reale si avvicina sempre più al modello di de Sitter visto che la densità  di materia tende sempre più a zero.
   Per approfondire la questione: Wikipedia, The Universe of Willem de Sitter di Matteo Realdi (pdf), The Einstein-de Sitter Model of the Expanding Universe

Sono passati alcuni mesi da quando fu rivelato che Amazon, il progetto del network The CW su Wonder Woman il cui script era stato realizzato da Allan Heinberg , era caduto nel limbo produttivo e che non sarebbe stato trasmesso nell’autunno del 2013. Ora, in una dichiarazione a EW, il presidente del network Mark Pedowitz ha fornito alcuni aggiornamenti, rivelando che il serial non è ancora morto e che Aron Eli Coleite sta lavorando allo script.

“Lo stiamo sviluppando di nuovo. Non vogliamo produrre qualcosa che non renda giustizia al franchising. E’ il più difficile di tutti i personaggi DC.“

Mentre Iron Man 3 continua a riscuotere grande successo nelle sale di tutto il mondo, frantumando i record di incasso, vi presentiamo in esclusiva una intervista a Bryan Grill, supervisore agli effetti speciali per la Scanline VFX, il quale si è occupato di realizzare una tra le sequenze di maggiore impatto della pellicola diretta da Shane Black, ovvero quella in cui la villa di Tony Stark viene attaccata e completamente distrutta.  Bryan Grill ha lavorato nella sua carriera a numerose pellicole, tra cui sono da ricordare Titanic, The Time Machine, The Day After Tomorrow – L’alba del giorno dopo, Star Trek: La nemesi e The Avengers. 

Puoi parlarci della ScanlineVFX?
La sede di Los Angeles della Scanline è stata aperta nel 2007 da Danielle Plantec e Stephan Trojanky, entrambi della sede di Monaco. Uno dei primi lavori che abbiamo avuto sono state alcune scene di 300 e poco dopo abbiamo lavorato a 2012 di Roland Emmerich realizzando qualche concept per l’acqua e qualche ripresa d’impatto come la gigantesca onda che allaga l’Himalaya. Io sono arrivato alla Scanline in quel periodo. In seguito abbiamo lavorato a I viaggi Di Gulliver che ho supervisionato io e a Hereafter di Clint Eastwood, dove ho lavorato con Micheal Owen, che per quel film è stato nominato all’oscar per i migliori effetti speciali. E’ stato strano realizzare un film su di un evento come lo tsunami… Dopodichè abbiamo lavorato a Super 8, The Avengers e ora stiamo lavorando al sequel di 300.

Hai anticipato una delle nostre domande, quella sui progetti futuri.
Sì, stiamo lavorando al sequel di 300 e io sto lavorando, sempre con la Marvel, al sequel di Captain America. Scanline sta poi lavorando anche a Man Of Steel: io ho amato il primo superman e vi assicuro che questo film non deluderà i fan!

Quando hai iniziato a lavorare su Iron Man 3?
Penso che fosse a gennaio 2012, 13 mesi fa. Abbiamo fatto alcuni test verso la fine del 2011 e abbiamo avuto ufficialmente il via per lavorare con la Marvel nel gennaio 2012!

Puoi descriverci il tuo lavoro come supervisore degli effetti speciali?
Quando siamo sul set a girare generalmente ci sia alza DAVVERO presto e si va a dormire MOLTO tardi. Quando torno alla Scanline dove ci sono 250 artisti al lavoro in sedi diverse (Monaco, Vancouver e Los Angeles) ogni giorno ci si sveglia e ci sono già dei render sulla scrivania da controllare, poi un production meeting dove si pianificano il lavoro giornaliero e settimanale. Ogni tanto controlliamo il lavoro di Los Angeles, ogni tanto quello di Vancouver e il tutto si ripete fino a dopo pranzo. Quando mi siedo alla mia scrivania nel mio tempo libero dal set faccio comunque qualche lavoro… Mi piace comporre musica e resto in contatto con il lavoro degli altri e controllo che il lavoro che stiamo dando al committente sia esattamente ciò che vuole.
Nelle prime fasi di lavoro ogni tanto si finisce per mangiare alla propria scrivania in serata, ci sono momenti il cui il tempo vola!

Quali sono state le sequenze del film alle quali avete lavorato e quali le difficoltà in cui vi siete imabattuti?
La scena principale sulla quale abbiamo lavorato è quella dell’attacco alla casa e grosso modo a tutte le cose ad essa collegate: 200 shots della singola scena più altri 250, praticamente ogni scena a Point Dume prima e dopo la distruzione.
Le maggiori difficoltà le abbiamo avute per le scene girate all’esterno: abbiamo dovuto cambiare la forma della scogliera, per fare in modo che la casa potesse cadere in un determinato modo. Point Dume è un parco in California e non ci sono case, quindi abbiamo dovuto costruire la villa e i dintorni ed è stato un lavoro enorme.
Abbiamo girato scene sia lontane con un elicottero che ravvicinate in modo da avere immagini dell’ambiente da qualsiasi angolazione nel caso avessimo dovuto aggiungere altre scene durante la produzione.
Abbiamo costruito gli interni (la sala ed il garage) in North Carolina. Nell ultimo ¼ della scena abbiamo un Iron Man che sta annegando sul fondo dell’oceano con il garage che gli sta crollando addosso e come se non bastasse l’armatura non funziona a dovere.
Con le sue ultime forze fa in modo che il guanto della MK42 lo trascini fuori dall’acqua in modo che lui possa volare via. Succede tutto molto in fretta nel film, ma abbiamo trascorso moltissimo tempo su quella scena. E’ bellissima ma la prima volta che l’ho vista il mio cuore si è fermato per un attimo! (risate) Ma quando lavori su qualcosa di così bello con degli artisti così di talento la sola cosa che conta è il viaggio fatto insieme e aver fatto del proprio meglio, non la scena in sé.

Quali tecnologie avete usato nel girare queste scene?
Scanline è famosa per i software usati per l’acqua, come in 2012. Fumo, fuoco, gas… tutto ciò che serve per rendere una simulazione realistica: dai gas ai fluidi. Abbiamo usato 3DS Max per delle simulazioni particolari Maya per le animazioni e ovviamente Nuke. Abbiamo un composing department molto talentuoso e credo che questo sia uno dei motivi per cui siamo stati scelti per una scena difficile come quella di Point Dume. Ho lavorato alla Digital Domain per 14 anni e sono sempre stato orgoglioso di lavorare per un’azienda che riesce a far bene scene che altre non possono fare e essere parte della Scanline per me è un vero onore. Scanline è una delle poche aziende (insieme a Digital Domain) che seppur piccole possono riuscire con successo in lavori grossi come queste scene di distruzione.

Potresti descriverci passo passo la realizzazione di una scena?
Perfetto! Prendiamo come esempio la scena della distruzione della villa. Fondamentalmente il nostro lavoro per Iron Man 3 si ritrova in gran parte nella scena dell’attacco alla casa di Stark, dove abbiamo Tony, Pepper e Maya che stanno parlando nella sala fino a che, dal nulla, sbucano degli elicotteri che in apparenza sembrano appartenere a testate giornalistiche, ma che portano dell’artiglieria pesante.  Abbiamo quindi dovuto fare il design delle varie armi e fonderle con quello degli elicotteri.
Abbiamo una scena d’apertura con gli elicotteri che si avvicinano alla villa a Point Dume e sparano dei missili. Il primo missile fondamentalmente sbalza in aria Pepper e Tony e quest’ultimo, per proteggerla, ha modificato l’armatura MK42 in modo da poterla controllare a distanza.
L’intera scena si svolge in slow motion ed è stata girata con il green screen; abbiamo dovuto animare ogni singolo pezzo di armatura, aggiungere il fondale e, parte molto divertente, aggiungere fumo e detriti e farli interagire con i protagonisti come se stessero permanentemente fluttuando in questa esplosione.
Poco prima che Pepper si schianti contro il muro l’armatura la riveste completamente ed è proprio lei a proteggere Tony dal crollo del soffitto. Questa è la prima scena dove vediamo Pepper proteggere Tony, leit motiv del film che potrebbe lasciar presagire anche un futuro da supereroina per miss Potts.
Non appena Pepper è al sicuro dentro la MK42 Tony ordina alle due di andar fuori dalla villa, Pepper ovviamente esegue gli ordini, riuscendo all’ultimo secondo a salvarsi insieme a Maya.
Questa scena è stata divertente da girare perché avevamo uno stunt con indosso mezza armatura e noi abbiamo dovuto sostituirlo con un Iron Man (da noi amichevolmente chiamato “Iron Pepper”) realizzato interamente in CGI. Un animazione davvero, davvero, complicata.
Nel mentre comunque la casa sta sempre crollando e quindi dobbiamo mostrare l’interazione con il background, ad esempio mentre Tony sta cadendo senza armatura e i detriti lo colpiscono alla spalla, tutti questi dettagli sono stati aggiunti con effetti speciali.
Gli elicotteri iniziano a sparare con mitragliatrici e Tony è costretto a richiamare l’armatura da Pepper, ormai salva al di fuori della casa con Maya, Questa scena è stata molto complicata per la mole di cose su schermo: pezzi di armatura, pezzi di villa, detriti, proiettili, mitragliatrici… Così tante cose tutte insieme!
Quando l’armatura è finalmente indosso a Tony possiamo vedere un Iron Man che sembra dire “avete avuto il vostro momento, ragazzi, ora tocca a me!” Tutto ciò che sta accadendo ora su schermo è interamente realizzato in CGI, ovviamente.
La parte principale di questa sequenza è che la tuta è malfunzionante e quindi Tony è costretto a lanciare indietro missili da solo e ad usare un pianoforte come arma contro gli aerei! Scena molto divertente, anche perché abbiamo apportato dei cambiamenti: al posto del pianoforte doveva esserci un esplosione causata da una palla di fuoco!
Una volta tirato giù il secondo elicottero il pavimento crolla e possiamo finalmente vedere il garage, set interessante perché costruito su di un giunto cardanico, un piano capace di inclinarsi.
Abbiamo girato la scena “pulita” ed aggiunto in un secondo momento i vari effetti di sbalzo, i detriti e dato la giusta gravità e fisica agli oggetti: abbiamo dovuto far ballare i lucernari in quanto erano fissi al soffitto e gettare nelle profondità dell’oceano molte auto tra cui una bellissima Bugatti che abbiamo anche distrutto.
Tutto l’ambiente oceanico in cui Tony si ritrova intrappolato è interessante perche è interamente realizzato in CG e abbiamo tentato di renderlo il più realistico possibile, ci siamo spinti al limite per dare alla Marvel ciò che volevano e dare la giusta fisica ad ogni oggetto sommerso ci ha portato via molto tempo.
Anche la visibilità è importante: sott’acqua l’orizzonte non è lontano e la vista è distorta. Qui inoltre abbiamo robots, tavoli, auto, sabbia… Abbiamo usato ogni fonte di luce ed oscurità per dare i giusti effetti di ombra. Non si vedono textures, si vedono sagome. C’è caos, abbiamo voluto rendere la scena come se la si stesse guardando attraverso un acquario sporco.
La cosa bella delle scene subacquee è che sono davvero MOLTO semplici da rendere belle, come i fondali dei carabi, ma qui dovevano essere sporche, scure, spaventose. Realistiche.
Abbiamo aggiunto talmente tante cose in quella scena che a volte non si riescono a vedere ma si possono percepire. Alcuni artisti si sono lamentati che gli oggetti che avevano aggiunto non si vedevano, ma ehi! E’ proprio questo il bello. La sensazione che ti da la scena: più dettagli ci sono, e anche se l’occhio non li vede il cervello li percepisce.
Usando un esempio, lo sporco sullo schermo del computer: lo si pulisce con il dito e sembra tornare pulito, ma appena si spegne il PC si vede la ditata. Era li anche prima, solo non la si vedeva. E’ questa qualità che rende le cose realistiche.

I Marvel Studios vi hanno dato indicazioni per la realizzazione del film?
Certo, ci hanno detto “Fatelo spettacolare, fatelo realistico!” (ride). Durante tutto il processo realizzativo abbiamo mostrato le nostre scene passo passo e ci dicevano cosa piaceva e cosa no, cosa aggiungere e cosa togliere. Interagire con chi porterà il film sullo schermo e a cui spettano le decisioni finali sul film è stato utile.

Hai lavorato anche su Avengers. Che differenze ci sono state, se ci sono state, nel tipo di lavoro svolto rispetto ad Iron Man 3?
Il lavoro è stato nettamente differente: per The Avengers abbiamo girato 50 scene e la meta erano aggiunte di CGI.
In sostanza abbiamo fatto le simulazioni dell’eliveivolo, di quando si solleva in aria, dovevamo farlo sembrare enorme, muovere l’acqua di conseguenza… solo quella è stata la maggior parte del lavoro. Per Iron Man 3 avevamo a disposizione diversi set per una singola ambientazione, tutto l’ambiente circostante. C’era simulazione sì, ma anche più distruzione ed effetti ambientali di acqua, fumo ecc.
Inoltre non animavamo soltanto Iron Man come personaggio, ma anche ogni singolo pezzo dell’armatura, quindi abbiamo avuto una mole di lavoro maggiore per Iron Man 3.

Grazie mille per quest’intervista, i 45 minuti sono davvero volati!
Grazie a voi!

ENGLISH VERSION

Can you talk us about ScanlineVFX?
The L.A. Scanline was started in 2007 by Danielle Plantec and Stephan Trojansky, who both came from the Munich faciltity and one on the first jobs here was doing some shots on 300 and then soon after that we start working on Roland Emmerich’s 2012 doing some concept works of the water and some big shots of the wave coming over the Himalaya. That’s where I joined Scanline. After that we worked on Gulliver’s travel which I was supervising and on Clint’s Eastwood’s Hereafter, I worked with Micheal Owen. When I came down doing a movie about the Tsunami it was kind of ambiguous… Micheal Owen was nominated for Visual Effect Oscar for that movie. After that we worked on Super 8, Avengers and now we’re working on the sequel of 300.

You anticipated one of our question abut your next projects…
Yes, we’re working on the sequel of 300 and I’m working, always with Marvel, on the sequel of Captain America. Scanline is working on Man of steel too. That’s a big one, I loved the first Superman movie and this one won’t disappoint the fans.

When did you start working on Iron Man 3?
I think it was January 2012, 13 months ago. We made some test on late 2011 and we officially had the award to work with Marvel on January 2012, that’s it!

Can you describe your daily routine as a VFX Supervisior?
When your set and you’re shooting you usually get up REALLY early and you go to bed VERY late, but when I’m back here in Scanline where you’ve 250 artists working on different facilities (Munich, L.A. and Vancouver) it ‘s really about every day you get up and you look on renders on the desk, and then we have a production meeting and we talk about the day and thee week, about what we’re trying to get done. Sometimes we do L.A daylies, sometimes we make Vancouver daylies and then another round of walkthrough after lunch, and then another round of dailies… Then I sit on my desk and on my free time I do some work that I need to do either… I like composing tracks and I keep in touch on what everybody’s doing, and the planning and dealing on what the client needs and make sure that we’re delivering great looking work.
At the beginning sometimes you end up eating at the your desk, some times time really runs out!

Which are the main sequences of the movie you worked on and which were the biggest difficulties you encountered during the making of the movie?
Well the sequence we worked on was the “house attack” sequence and pretty much any other shot on that environment, about 200 shot on the house attack sequence and then we did overall other 250 shots. We almost did every sequence at Point Dume before and after the destruction. The biggest thing on the house attack sequence was the exterior shots : we had to change the shape of the cliff where the house is, to make the house fall more directly. Point Dume is a park in California, so there’s no home and we had to complete fabricate his mansion and the thereabouts so it became big to do. We had shots faraway from the helicopter but close-ups too, We had to do the environment at any resolution to have a complete situation so that we had the possibility to add some shots even at the middle of the production. We built the interiors, the living room set and the garage set, in North Carolina. In the last ¼ of the sequence we found Iron Man down in the ocean with the garage falling on him while the suit is having malfunction. His last attempt is using the gauntlet of the suit In order to pull him out of the water and then he only has the strength to go away with his armor. It all happens very fast in the movie, but we spent so many time on that scene… It looks great but when I first saw that my heart was pounding at the end! Now you understand what I sad about eating at my desk! (LAUGHS) But when you’re working on something really cool and with many talented artist the only thing that matters is the journey you make together and doing your best, not the scene itself.

Which technologies and programs did you use for this scenes?
Scanline is famous for the water softwares, such the one we used in 2012. Smoke, fire, gas… Anything that is a real world simulation: gas, fluid and anything in between. We also used 3DS Max for particular simulations, we used Maya for animation and of course we used nuke. We have a very talented composing department and I think this is one of the reasons we were called for a hard scene like the Point Dume one. I worked in Digital Domain for 14 years and I’ve always been proud of being part of a facility that can do what others can’t and being part of Scanline is really an honor to me. Scanline is one of the facilities, even tough we’re small, that can take on these big destruction scenes (with Digital Domain, obviously).

Shall you describe us the main steps of your work, from the beginning to the end?
Ok, let’s take the Point Dume scene as an example. Basically the work on Iron Man 3 is mostly on the “House Attack Sequence” where we have Tony, Pepper and Maya talking on the living room and then, out of nowhere, we have 3 helicopters that look like news helicopters but they seem to be packing some heavy artilley.
So we have to design the artillery and attach that to the helicopters. We have an opening shot of the helicopeters approaching the mansion in Point Dume and then shooting missiles. The 1st missile basically blowns back Tony and Pepper and in order for Tony to proctect Pepper there’s a new tech for the Iron Man MK42 suit that allows him to control it in remote and the suit attaches to Pepper.
The whole sequence happens in slow motion, so it was shot on green screen and we have to animate the single pieces of the armor, and put the background behind them. The fun part was adding the smoke and the debris and then interacting with Pepper and Tony as if they were completely flowing in this explosion. Right before Pepper slams into the wall the suit is completely connected to her and she ends up protecting Tony as the roof of his mansion starts collapsing. Thats the first kind of scene where she’s protecting Tony, because in the rest of the movie is about Pepper’s role or maybe a future role being a superhero maybe…

As soon as Pepper has the suit Tony is kind of “Get outta here” so the two run out and here’s the helicopters send another missile and the house cracks and the floor drops, at this point Pepper narrowly escapes, grabbing Maya. This was a fun scene because we had a stunt in a kind of half suit and we pretty much have to make a full CG Iron Man (or what we called “Iron Pepper”) and interact with Maya. We had to remove the stunt person and replace him with a full CG Iron Man and it was a hell of a tricky animation.
The house is still falling too, so we have them to interact with the environment too, for example when Tony’s without the armor we have pieces of debris hitting his shoulders and these were all things added with VFX.
Helicopters start shooting with machinguns and Tony summons the suit back to him to protect himself because it’s raining bullets (and Pepper and Maya are safely outside the house).
So we have the suit leaving Pepper and coming up on Tony. This one was very intricate becasuse of what’s happening aound them: pieces of armour, smoke, debris, mashinguns, bulletts… So many things all together!
When the suit finally gets together we see Iron Man standing and it’s kind of “Ok, guys, now’s your turn!”, a very strong and powerful image.
Everything that is crashing and falling around (because of the bullets, because of the armor, becasuse of the debris) was done in CG so we did a fair amount of reconstruction and destruction…
One of the main part is when the suit reconnects and we’ve all this debris and glass and he’s kind of trapped in this malfunctioning suit and he have to manually open it and he has throw the missile himslef, or throwing the piano to the helicopter… This was a pretty fun scene, there’s no explosion, but it was pretty fun to do, even because we changed this scene: instead of the piano there should have been a fireball!
After Tony gets down the second helicopter, that crashes into the mansion and here we can see the garage, which is interesting because is builted on a gimbal, a flat able to inclinate.
We shoot the scene clean and then we gave the sense of tilting and adding debis and giving them the proper gravity: we added the tilting effect to the lamps (they where fixed), we had cars falling out, a beautiful Bugatti taht we smashed and trew underwater.
When the house goes underwater Tony finds himself trapped on the bottom of the ocean. That whole environment is intereting because it’s all made of CG and it was really important to have the scene as more realistic as possibile. We pushed us very hard to give Marvel what they wanted and it took a while toh ave the actual physics of every object we were moving.
The visibilityly too: usually underwater you don’t see very far, and here we have all the robots, desks, cars, sand, dirt… What we endend up doing was using every source of light and shadows to gave sense of shades. You don’t see the textures, you see shapes. There’s chaos, we wanted to give the sense of the scene as if you were looking trough a dirty aquarium…
We started adding stuff, giving the sense of being underwater.
The big thing of doing CG scenes underwater is that is SO easy to make them look beatiful like the carribean, but this one needed to be dark and dirt, real, you know.
One of the cool thing is that there were so many elements that we added, so many things underwater that sometimes you don’t even see them but you feel them.
Some of the artists were complaing because the elements they added weren’t visibile, but you know, that’s the beauty of it! It’s the feeling of the scene: the more of the details there are, even if you don’t see them, your brain feels them.
For example, the dirt on the computer screen: you clean it with your finger and it seems clean, but when you turn out the computer you find the fingerprint. It was there even before, but you couldn’t see it!
It’s that quality that makes things real.

Did Marvel Studios give you some hints during your collaboration?
They said: “Make it look great, make it look real”. (LAUGHS) All through the process we showed our scenes and they told us what they like and dislike, what to add and what to expunge. Interacting with everybody who woluld actually be touching and bringing the final look to the sceen was a great thing!

You worked on Avengers too. Was there a different approach to that movie in comparison with Iron Man 3?
The work was definetly different: on Avengers we did maybe 50 shots: half the shots were CG extensions.
We basically did a simulation of when the Helicarriers lifts up and we tried to make the helicarrier feel huge, we moved the water, and the that alone was a big part of the work. In Iron Man 3 we had multiple set even for one single mansion, the environment… We had simulation too, but even more destruction, water, smoke effects ecc.
Even we’re not animating only Iron Man as a character but even every single piece of the suit, so we definitely had more work on Iron Man 3!

Thank you so much for this interview, this 45 minutes really flew!
Thank you!

La squadra degli effetti visivi di Iron Man 3

VFX Supervisors:*
Bryan Grill
Darren Poe
Stephan Trojansky

*VFX Producer:*
Robert Evans

*VFX Consultant:*
Danielle Plantec

*Compositing Supervisor:*
Stefano Trivelli

*CG Supervisors:*
Paul Ghezzo
Justin Mitchell

*VFX Associate Producer
Paul Kolsanoff

*Animation Supervisor:*
Bernd Angerer

Comunicato Stampa

Manuele Fior presenta il libro “L’Intervista” al Salone di Torino
Sabato 18 maggio ore 14.30 – Salone OFF
Ospedale pediatrico Regina Margherita NELLA PANCIA DELLA BALENA
Manuele Fior autore del graphic novel L’INTERVISTA disegna per i bambini del reparto di oncologia e di cardiochirurgia Piazza Polonia, 94 – Torino

Sabato 18 maggio ore 16.30 – Spazio Bookstock Village Giuseppe Culicchia presenta il graphic novel di Manuele Fior

Fumetti Coconino Press-Fandango
Autore: Manuele Fior
Titolo: L’intervista
Collana: Coconino Cult
Numero pagine: 176, bianco e nero
Prezzo: 17,50 euro
ISBN: 9788876182389
L’INTERVISTA

L’INTERVISTA: UN GRAPHIC NOVEL RACCONTA L’ITALIA DEL FUTURO PROSSIMO
ANNO 2048: IN UN PAESE “DIS-UNIFICATO” E STANCO AVANZA UN MOVIMENTO DI GIOVANI IN CERCA DI UN NUOVO MODELLO DI SOCIETÀ. E NEL CIELO APPAIONO SEGNALI ALIENI…
IL NUOVO LIBRO DI MANUELE FIOR, L’AUTORE DI “CINQUEMILA KM AL SECONDO”, PREMIATO CON L’OSCAR INTERNAZIONALE DEL FUMETTO AD ANGOULEME.
UN ROMANZO DI FANTASCIENZA CHE NON ESPLORA LE STELLE, MA IL PASSARE DEL TEMPO, IL CONFLITTO/CONFRONTO TRA VECCHIE E NUOVE GENERAZIONI, LA NOSTRA SOCIETÀ CHE STA CAMBIANDO

“Un autore di fumetti capace come pochi di esprimere i desideri e le angosce della generazione dei trentenni” _ L’Espresso

Manuele Fior: esigente, raffinato, intimista _ Le Monde

“Fior racconta storie che seguono le intermittenze del cuore con una costruzione narrativa impeccabile” _ L’Unità

“Non ci sono astronavi, sono incuriosito dalla dimensione intima della storia. Uso la fantascienza come una macchina da presa molto lontana, per parlare del quotidiano con più distacco”. _ Manuele Fior, Il Corriere della Sera

“Originale nello stile, intenso nel raccontare” _ D – La Repubblica delle donne

L’AUTORE
Manuele Fior è nato a Cesena nel 1975. Dopo la laurea in Architettura a Venezia nel 2000, si trasferisce a Berlino, dove lavora fino al 2005 come fumettista, illustratore e architetto. La collaborazione con l’editore tedesco Avant-Verlag comincia nel 2001 con la rivista Plaque. Da allora inaugura una fitta produzione di storie brevi a fumetti scritte dal fratello Daniele, apparse su Black, Bile Noire, Stripburger, Forresten, Osmosa. Il suo primo graphic novel “Rosso Oltremare” ha vinto il premio come miglior fumetto 2007 a Oslo e un Premio Micheluzzi al Comicon di Napoli. Ha poi realizzato altri due graphic novel: “La signorina Else”, adattamento a fumetti dalla novella di Arthur Schnitzler, e “Cinquemila chilometri al secondo”, vincitore, tra i tanti premi, del Gran Guinigi di Lucca Comics e del Fauve d’Or di Angouleme. Fior vive a Parigi e collabora con numerosi quotidiani e riviste internazionali: dal New Yorker a La Repubblica, per la quale ha illustrato per un anno la rubrica settimanale di libri tenuta da Alessandro Baricco.

www.coconinopress.it

www.fandango.it

Sono state diffuse numerose, nuove immagini tratte da Man of Steel, il nuovo adattamento cinematografico di Superman diretto da Zack Snyder. Potete vedere le immagini, molte delle quali estratte da alcune riviste e quindi in bassa risoluzione, di seguito. 

Interpretato da Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Kevin Costner, Diane Lane, Laurence Fishburne, Antje Traue, Ayelet Zurer, Christopher Meloni, Russell Crowe, Michael Kelly, Harry Lennix e Richard Schiff, la pellicola sarà nelle sale USA il 14 giugno, il 20 giugno in Italia.

Comunicato Stampa

Tunué sarà a Torino in occasione del Salone Internazionale del Libro

(16-20 maggio) e parteciperà a una serie di eventi nella cornice della splendida città sabauda.

Ecco il calendario degli appuntamenti con Tunué a Torino:

GIOVEDì 16

ore 21:00
Marco D’Aponte presenta Il principio di Archimede
Salone Off – Terre d’Arte, via Maria Vittoria 20/a

VENERDì 17

ore 19:00
Luigi Ricca e Giorgio Vasta presentano Il tempo materiale
Salone Off – libreria Linea451, via Santa Giulia 40/a

SABATO 18

ore 11:30
Maurizio de Giovanni firma le dediche de Gli altri  con Luca Ferrara
Salone del Libro – stand Tunué (Padiglione 2, N/83)

ore 18:00
Giovanni Marchese, autore di Ti sto cercando , interviene nella Tavola rotonda su Islam e integrazione insieme con Khaled Fouad Allam e Besa Nuhi Mone
Salone Off – Ex Cartiera, via Fossano 8

DOMENICA 19

ore 15:30
Incontro con Stefano Intini e i personaggi de Il piccolo Pierre, storie disordinate , per bambini dai 7 anni in su
Salone del Libro – Lingotto Fiere, Laboratorio autori

Inoltre vi diamo appuntamento allo stand Tunué (Padiglione 2, N/83) con tutti i nostri libri e in compagnia di alcuni autori che vi aspettano per chiacchiere e dediche:
Marco Caselli
Stefano Casini
Marco D’Aponte
Luca Ferrara
Stefano Intini
Giovanni Marchese
Luigi Ricca
Jacopo Vecchio

Tunué – Editori dell’immaginario