Cine Críticas: Los Sospechosos De Siempre

Prometido: "127 Horas"

2011-08-20T17:49:00.002-03:00

Tengo algunas promesas pendientes, y lo sé. La crítica de "127 horas", a continuación.

"127 Horas"

"Si creo...hay más que esto", canta Dido, esa olvidada dama británica que nos dio grandes hits y hermosas canciones como "White Flag" y "Here with me". Siempre tuvo una voz hermosa, pero estas palabras las canta en nombre de Aron Ralston, el hombre cuya mano se queda atrapada en una roca enorme mientras escalabra el John Blue Canyon en Utah. Sabemos quien es Aron en seguida, pues James Franco define al personaje en un par de escenas. No a través de la habla sino de acciones: cantando libremente, corriendo como loco. Aron conoce a dos chicas y ellas presienten que él podría ser de otra galaxia. No le importa nada, no tiene a nadie en mente y lo que necesita y ama está en frente suyo: grandes montañas.

Esto también es lo que necesita Danny Boyle. Las montañas y James Franco son elementos suficientes para hacer una película entera. Por otro lado, creo que a esta altura podemos acordar en que Boyle (junto con el guionista Simon Beaufoy) disfruta de el acto de inspirar estos días. Eso fue "Slumdog Millionaire" (aquí mi crítica) y eso es "127 horas": cine inspirador e inspirado. Si el film anterior esa sobre el amor imposible y sobre elevarse ante las circunstancias para lograr lo inalcanzable, este nuevo relato es lo mismo, sin el factor 'amor'. Ese fue el factor que le permitió a Boyle contar "Slumdog" como una fábula, con musica esperanzadora, colores brillantes y pequeños momentos hermosos en los más horribles lugares. Para aquellos que pensaron que esa fue una decisión errada, una falta de respeto hacia la realidad de un país, "127 Horas" llega para demostrar que se equivocaron.

No hay embellecimiento aquí. No hay otro color más que el pálido de la cara de James Franco y el rojo de la sangre que se escaba de su brazo. Como un hombre real que pelea por su vida, sin agua ni comida, rogando por un poco de sol y la respuesta de un cuervo, el relato -sin perder nunca de vista su centro trágico, que Boyle y el maestro Anthony Dod Mantle intentan representar con planos 'desesperados', como la lengua de Aron vista desde adentro de una botella de agua y otras resoluciones de cámara y puesta en escena- cobra vuelo a través de la imaginación.

En la situación de Aron, en la que trata de superar lo imposible mientras piensa en quién es y qué ha hecho en la vida (con dolor - "cada momento desde el día en que nací me ha traído a esta roca", susurra), la imaginación no puede ser más que poética (es difícil aceptarlo, pero la poesía en el cine -poesía visual, narrativa- puede ser aburrida, muy aburrida -no siempre-. Boyle la vuelve inspiradora. Comencé con esa declaración así que trataré de volver a ella). Aron busca momentos en el pasado, tiene visiones de gente en la oscuridad y meticulosamente reconstruye un futuro cercano. Poética significa melodías de piano inexistentes en el aire, o una hermosa mujer diciendo un "Te amo" que nadie puede escuchar. Algunas de las cosas que experimenta Aron son de otro mundo.

  Las películas más recientes sobre personajes solos con el mundo fueron "Into the wild" de Sean Penn (aquí mi crítica) y "Enterrado" de Rodrigo Cortés. La primera es acerca de un chico que ha vivio una mentira y decide encontrar la verdad parándose solito frente a la Madre Tierra. Su historia personal lo ha afectado, y antes de estar completamente solo, el chico cambia (voluntariamente o no; no importa, simplemente sucede) las vidas de la gente que conoce. Chris (o Alexander Supertramp) tiene una ideología y habla mucho de ella, pero no es el elemento más consistente de la película. En "Enterrado", la ideología es todo, reforzada por una gran idea original. Un hombre está atrapado en un ataúd, bajo tierra, y mientras trata de sobrevivir (hay algunas buenas secuencias de supervivencia), cada línea de diálogo está puesta para criticar al gobierni. No hay historia personal alguna, sólo dagas lanzadas contra las políticas de rehenes en tierras extranjeras.

Recapitulemos, porque quiero llegar a la inspiración transparente que yace en la historia de "127 Horas". En "Into the wild", Supertramp termina solo en Alaska por decisión personal. Uno puede sentirse inspirado por varias razones que se encuentran en el viaje del film, aún más si se cree en las ideas del personaje. En "Enterrado", el personaje principal es capturado a propósito. Podemos inspirarnos si apoyamos sus ideas políticas, su voluntad para salir de ese ataúd o el hecho de que su familia lo espera en casa? No hay inspiración real ahí.

En "127 Horas", sin embargo, que Aron esté atrapado no es parte de un plan (esto es lo más sorprendente), pero mientras vuelve sobre quién es, en un punto él mismo llega a creer que no fue un accidente. Es esa idea la que inspira. Aron pasa 127 horas revisando estos pensamientos. Se redescubre a sí mismo como persona y llegamos a concer como un hombre que quiere superar lo imposible. Lo que es aún más puramente inspirador, más allá del hecho de que Boyle fractura la pantalla y corre a través del paisaje para hacer de este viaje introspectivo algo más emocionante (como solo él puede); más allá del hecho de que el director ha encontrado en A.R Rahman al perfecto compañero para contar historias que no pueden vivir sin música (ahora sin SU música); y más allá del hecho de que James Franco interpreta el rol como si fuera su propia vida en la pantalla; es que a diferencia de muchas películas de este tipo, Aron hace lo que hace no para demostrar algo, ni para dar el ejemplo, ni porque defiende una causa. Lo hace por él mismo porque quiere. Durante esas horas, de algún modo se da cuenta de que tiene que hacerlo. Bueno...ahí es cuando nada puede detenerte.

---8/10

Rareza de la semana

2011-08-08T13:28:00.004-03:00

Es bueno a veces arrancar la semana con una rareza. Aunque no creo que este film sea tan desconocido, tiene ciertas particularidades, como el de ser una ópera prima y estar dirigida y escrita por una directora, con "a". Estuve viendo bastante cine estos días y me encontré con otra película dirigida por una mujer, que le dio la fama a Michelle Rodriguez. Se acuerdan?? Bueno, esa y otras más les voy a traer, pero por ahora compartamos esto.

La crítica de "Speak" (dedicada a la persona que envía fotos de August Rush), a continuación.

"Speak"

Puede que sea el efecto de ver tantas películas malas seguidas pero la verdad permanece: a veces simplemente llega una gran película. "Speak", de Jessica Sharzer, es una de esas películas que entiende todo y ahce todo bien. Como "Thirteen" o "Las vírgenes suicidas" (aquí mi crítica), elige personajes, explora su entorno y se encarga de cubrir cada aspecto de una historia desgarradora. Una historia desgarrador contada filmada con respeto no es lo único que estas películas tienen en común. Los personajes más importantes son chicas, y las directoras/escritoras son mujeres. Esto no puede ser una coincidencia. Sin embargo, lo que cambia es el punto de vista. Donde "Las vírgenes suicidas" eran vistas a través de los ojos de chicos y "Thirteen" era toda una nueva (extrema a veces) experiencia para una alumna de secundaria, "Speak" da un paso atrás. Es una película más humilde; ni enteramente poética ni plagada de emociones que su protagonista está desesperada por expresar.

Melinda (Kristen Stewart) ha hecho algo terrible y está comenzando el nuevo años escolar sin amigas. Quiere a sus amigas de vuelta, pero algo más ha pasado y se le está haciendo muy difícil caminar con calma por los pasillos. Hay una reconstrucción de eventos, narrados poéticamente, que incluye imágenes que representan la felicidad de la adolescencia y sus mayores miedos al mismo tiempo. La música, una partitura fantástica de Christopher Libertino, funciona a la perfección cuando presenciamos el pasado y también la vida de todos los días de Melinda. Cuando su madre (Elizabeth Perkins) la despierta y ella está gritando, le dice: "No te preocupes, el cuco se fue". Melinda sabe que esto no es verdad. Camina con fantasmas y habla sólo cuando es necesario. Tenemos el privilegio de escuchar sus pensamientos, pero el título del film es preciso sobre esto: Melinda no puede hablar en voz alta.

"Speak" hace todo bien porque Sharzer lo mantiene real. Es un detalle importante en films como estos que las cosas no se salgan de control. Si uno no se lo cree puede haber distracción, pero aquí la cámara no es vistosa, el diálogo no es excesivo, los momentos claves no están sobre dramatizados; la economía de recursos en general es sorprendente y parece intencional. Lo que sabemos de los múltiples personajes es de lo que Melinda piensa de ellos en momentos partidulares o lo que les dice directamente en situaciones importantes. El resto lo tenemos que descifrar por cuenta propia (especialmente la relación de Melinda con sus padres, también un detalle importante en películas así). La película nunca explica o anticipa mucho porque su historia depende de lo que encontramos mientras la miramos. La prueba de este hecho es el personaje más hablador, un profesor de arte interpretado por Steve Zahn, que tiene un típico discurso bohemio/filosófico de lección de vida que para cualquier espectador sonará como patrañas. El arte es importante es "Speak", pero no por las palabras del profesor de arte...es simplemente por la relación directa que Melinda experimenta con el arte y cómo la afecta ampliamente; una relación generada en principio por el profesor de arte.  

Kristen Stewart es sorprendente. El dejo deprimido en su cara que ha dominado por completo encuentra su origen en "Speak". Secundario, falta de satisfacción, introversión que es sexy, un mundo de preguntas dentro de un mundo de problemas irresueltos y, al final, una suerte de bondad. Podría uno decir que es siempre el mismo papel, pero si no lo dije antes desafío a cualquiera a encontrar cualquier otra actriz que pueda hacerlo mejor. Los primeros planos de Stewart aquí son muchos y me resulta difícil explicar cómo dos ojos que parecen perdidos en el medio de la nada pueden transmitir tanto. Ya la he alabado mucho a Stewart. Estoy cansado. Vayan y vean por su cuenta.  

"Speak" es una experiencia fabulosa, aunque no la más alegre. No se imaginan lo bien que se siente cuando una película entiende que no hay nada más que mostrar; que la historia ha sido contada y la pantalla necesita fundirse a negro. Envidio la forma en que este film resuelve su final, cuando nada más puede decirse. Y no se olviden que se llama "Speak" ("habla" en inglés).

  ---9/10

Woody Allen time: Whatever Works

2011-07-07T05:52:00.003-03:00

Apenas pueda voy a correr al cine a ver "Medianoche en París" y traeré la crítica. Mientras tanto, quien diga que Woody no ha sido uno de los tópicos cinematográficos en lo que va del año, vive más desconectado del cine que yo últimamente. Aquí en Argentina se estrenó "You Will Meet a Tall Dark Stranger" a comienzo de año, que yo reseñé brevemente en el post anterior al que ahora escribo; Cannes fue inaugurada con la película que mencionaba más arriba; película que, desde su estreno comercial mundial, ha cosechado excelentes críticas...y aquí también los distribuidores decidieron estrenar "Whatever Works", traduciéndola (creo) como "Que la cosa funcione", pa' ver si la película andaba y la gente la iba a ver. El asunto es que yo particularmente la había visto tiempo atrás, y me gustó mucho. Quería brevemente darles una nueva bienvenida a Los Sospechosos de Siempre! Ya tengo preparada "127 Horas", una "Rareza de la semana" muy especial, los 'apuntes vacacionales' que quedaron pendientes, una suerte de 'multipost' de Tarantino y novedades de blogs para visitar y videos para ver. Mi ausencia no ha sido una total elección.. estuve trabajando en mi música y en otra cantidad de cosas productivas, lo juro.

La crítica de "Whatever Works" (o "Que la cosa funcione"), a continuación

"Whatever Works"

¿Realmente Woody Allen lo entiende todo? ¿Realmente tiene esa captura de la humanidad de la que pocos podemos alardear? Realmente ve "el todo" en su máximo esplendor? No lo sé, porque no sé lo que es "el todo". Lo que sí sé, y aprecio, es que Allen ha intentado una y otra vez entender las cosas (quiero decir el mundo y la gente que lo habita); o al menos, ha intentado decir algo interesante sobre ellas. También sé que siempre lo ha hecho con éxito, y que si "Vicky Cristina Barcelona" (aquí una breve reflexión) no es un buen film es porque allí no es fiel a si mismo. Es una película en la que aparece ante el espectador como un farsante.

Por otro lado, algo como "Que la cosa funcione", entendido en su idioma original como "Whatever Works", es un poco lo opuesto a lo que su título y protagonista profesan. Boris Yelinkoff, un físico alguna vez genial interpretado por Larry David como -por mucho que duela decirlo- el Woody Allen de turno, es un neurótico, un "odio-todo-en-este-mundo horrible" tipo de hombre que se cree un genio. Es el Woody Allen de turno porque, como siempre, es imposible no pensar en la persona de Woody cuando vemos una película en la que no está actuando. Este Boris es el alter ego de Woody y profesa -para ponerlo en pocas palabras- que pase lo que pase, 'lo que sirva' está bien.

Pero esto no se aplica al Woody Allen director/escritor. Trabajando en Londres, las decisiones morales de "El sueño de Cassandra" no funcionaron tan bien; en Barcelona, la escena del beso entre Javier Bardem y Rebecca Hall, con el guitarrista español tocando música romántica en el fondo, fue fácilmente uno de los momentos más cursis en un film decepcionante. Por suerte, lo encontramos de vuelta en New York. Allí, con un aire familiar que se rehusa en dejar atrás un sentimiento musical de ópera que le funcionó muy bien durante esta década; y con actuaciones de un elenco fresco y fluido que -por mucho que duela decirlo- debería haber contado con su presencia, Allen logra una muy buena comedia y se vuelve claro que no es 'lo que sirva'…ESTO es lo que sirve!

Es una muy buena comedia porque no es meramente romántica aunque contiene el romance como elemento principal. Boris, viejo cascarrabias, nos cuenta que intentó suicidarse por amor una vez y no funcionó. Oh, sí! Nos habla a nosotros espectadores en lo que la trama ve como delirios de grandeza, pero sabemos que es Allen quien nos habla, mirando directamente la cámara, como no lo ha hecho en años. No más voces en off o planos plagados de significación; este es Woody apostando a los personajes y Boris es su vehículo para ello. Hay que repetir para aclarar: Boris no es Allen porque no podemos verlo a Woody en pantalla; pero eso no significa que no sintamos su presencia, cuando esta vez juega directamente con la idea de la 'audiencia cinematográfica' en dos momentos cruciales. Alvy Singer era un poco más íntimo; Boris los vuelve a todos parte del cuadro (literalmente, el encuadre cinematográfico).

De todos modos: amor. Comedia. No una comedia romántica pero una película que hace reflexiones cómicas desde el amor. Pero no termina ahí. En "Que la cosa funcione" Allen también hace lugar para comentarios sobre la vida que, por más problemáticos, suenan correctos (digamos "en su justo lugar"). Entonces, por Allen, a través de Boris y desde el amor experimentamos sexo, cultura, prejuicio, racismo, el miedo a la muerte, ciencia, arte y cualquier cosa que se les ocurra. La belleza de esto es que, como Boris es quien nos cuenta el cuento, todos pasan por su visión cuando los vemos por primera vez. Lo cierto es que, para Boris, todo el mundo es estúpido y superficial; pero Allen se abraza a estos estereotipos y los desarrolla por completo. Eso es algo que sólo alguien que entiende de personajes puede hacer. Allen respeta a los personajes, y respeta la vida.

Estas son las razones por las que "Que la cosa funcione" funciona, a diferencia de lo que explica Boris. También es, y esto no es menor, la mejor película de Woody Allen de esta década desde "Match Point" (aquí mi crítica); un punto alto cómico que juega como perfecto opuesto de aquel eje dramático de la película filmada en Londres. Y agrego que vive con la contradicción de ser perfectamente simple, sólo porque no llega a ser simplemente perfecta. La explicación final de la contradicción: el film es perfectamente simple porque es perfecto en su total complejidad y aún así aparece ante el espectador como la película más sencillamente filmada en mucho tiempo; pero no es simplemente perfecto porque no le toca…porque Woody Allen siempre puede hacer algo mejor, y su próxima obra maestra está a la vuelta de la esquina.

---8/10

SALUDOS SOSPECHOSOS!

Apuntes vacacionales de película (2)

2011-04-21T21:06:00.008-03:00

SI HAY motivos de celebración! En principio es Semana Santa, o las Pascuas, o el Pesaj, o un fin de semana largo para quienes lo vean de ese modo. Por el lado del cine, que es lo que se discute aquí (lo que nos apasiona) tenemos ese hecho enorme que sigue y seguirá siendo el BAFICI. La edición de este año concluyó el domingo pasado con la función final de "Norberto apenas tarde" en el Atlas de Santa Fe. La sala estaba repleta para disfrutar la ópera prima de Daniel Hendler, quien fue recibido con una larguísima e inusual ovación que se volvió a repetir cuando el film terminó y el público inició una ronda de preguntas. Lo particular de esta última función en lo personal fue que, durante el Q&A, Hendler mencionó que había algunos directores con los que había trabajado en la sala en ese instante, como Juan Villegas. Y a la salida del cine, luego de felicitarlo a Hendler personalmente, y ya en el colectivo 152 para volver a casa, se suben al transporte de cuatro ruedas Juan Villegas, y su mujer Celina Miurga, también directora.

2 figuras importantísimas de nuestro cine, quizá de nuestro llamado "nuevo" cine. Y son marido y mujer. Y el único que los reconoció fue este servidor, que los felicitó por hacer del cine argentino algo mejor. Quizá tendría que haberles dicho que algunas de sus películas son para mí films de cabecera y que, en algún sentido u otro, transformaron mi vida, pero hubiese sido un poco raro, no? En fin, los directores que vamos a ver hoy son de otro lugar y son mucho más conocidos, pero no podía dejar de mencionar este encuentro. De más está decir que me pidieron mi opinión sobre la película de Hendler; y les dije que me gustó. Tendría que haberles dicho la verdad, que la película no es tan mala pero que esto y esto otro y lo demás; pero quizá me explayaba demasiado y ya no me querían escuchar más. Lo que sí hice fue intentar escuchar lo que hablaban ellos... de la película de Hendler. Poco y nada pude captar.

Hoy, que estamos de festejo, volvemos a homenajear a Celina Murga a través del link a este post que elogia su ópera prima: "Ana y los otros".

También, como estamos de festejo, y ayer cumplieron años dos de las mujeres más sexys (la discusión sobre la dimensión y el significado del término "sexy" es algo que estos días me está aquejando) y más talentosas de Hollywood, ponemos lindas fotos de ellas y los invitamos a releer las críticas de algunas películas que una de ellas (favorita del blog; la mujer más linda del mundo) protagonizó en la vida. Eso lo encuentran aquí.

Ya cubierto el festejo, reanudamos la sección de encuesta en el blog, para que los Sospechosos nos cuenten qué director prefieren; quién se sostuvo más a través de los años; la película de cual de ellos hay que salir a ver corriendo. Yo aporto un poco de lo mío, pero nada definitivo pues es lo que me pasó en esta ocasión con sus últimos trabajos. De todo un poco en este segundo apunte vacacional. Y espero sus opiniones sospechosas, claro que sí! CELEBRATION TIME!

2-Lo inesperado

La historia es la de llegar al cine queriendo ver una de las películas nominadas al Oscar y encontrarse con una enorme fila que te hace ver algo que no querías. Dos veces fui en busca de un cisne negro. La primera me encontré al hombre de mis sueños, así como lo cuenta Woody Allen en su última película. Hablemos de Woody Allen, y de paso hablemos de lo nuevo de Clint Eastwood. Hablemos de por qué la crítica que a mí más me gusta leer destrozó la cinta del primero y abrazó con ganas -o con más ganas- la del último. ¡Si ambos están hablando de lo mismo hace años! Cada uno lo hace como puede pero, a grandes rasgos, Allen estuvo toda la década del 2000 hablando de la vida y Clint estuvo hablando, de una forma u otra, sobre la muerte. Los tonos de sus últimas obras lo dejan claro. “You will meet a tall dark stanger” es una (si se quiere) comedia ligera en la que varios personajes van tomando distintas y constantes decisiones porque, como todos sabemos, siempre creemos que puede llegar a aparecer algo mejor a la vuelta de la esquina. La reflexión es simple, pero el cine está para poner la reflexión en imágenes, en palabras y en historias. Woody Allen es un experto y domina los temas de su cine como pocos realizadores. Yo siempre me pregunto si hay algo que ese hombre no sepa. No tiene que ver sólo con lo creíble de los personajes y lo estimulante de los diálogos. En esta película particularmente sorprende la multiplicidad de personajes y la naturalidad con la que el director pasea de un lado a otro. Hay muchos escenarios y muchas relaciones básicas de dos personas que se establecen pero siempre hacen lugar para que aparezcan una o dos personas más. La primera presentación de personajes, por lo vertiginosa y moderna, recuerda a las películas de Guy Ritchie. Hay risas, hay llantos, hay discusiones, hay amor, hay plagio, hay muerte, hay alcohol, prostitutas y mujeres videntes. Nada en exceso, pero un poco de todo. Así es la vida muchachos. Allen siempre intentó ser la vida, o dar pedazos de vida. Y por eso lo critican. Yo vi la película en una sala llena y creo que el público todavía lo disfruta…mucho. Otra cosa más: Allen nunca necesitó una cámara virtuosa. La mejor escena de la película es un plano fijo, largo, de Antonio Banderas y Naomi Watts en un auto. Allí pasa de todo, y no pasa nada. Si lo cuento lo arruino. Todo esto me hace recordar que dentro de poco voy a traerles la CRITICA DE “WHATEVER WORKS”, uno de los últimos films del director, que me encantó.
---7/10

De vuelta a Clint. ¿Hay que admirarlo siempre? No lo sé. Me impresiona su vitalidad y me alegra recibir películas suyas seguido. “Invictus” tengo que volver a verla pero no me voló la cabeza. Sé que la muerte fue una constante (entre otros temas) de su cine de la década. “Hereafter” no habla precisamente de la muerte, sino de la vida después de ella, y de cómo eso afecta a los que se están en la Tierra (si es que efectivamente los otros están en el Cielo). Hay tres historias: la de una mujer que tuvo una experiencia con el más allá, la de un niño que quiere comunicarse con su hermano muerto y la de un hombre que puede hablar con los muertos (Matt Damon, que está genial en el film: después de haber estado mucho tiempo corriendo, se lo ve contenido y silencioso; mucho mejor que en su anterior colaboración con Clint). Si partimos, como dice Tomi, de que este es un tema del que no se sabe mucho y no se puede exagerar, a la película podemos perdonarle muchas cosas que decide no detallar. Lo que sucede es que hay escenas en las que uno percibe que se le puede dar una visión más profunda a la cuestión del ‘más allá’, pero la película intencionalmente la deja pasar. Es todo muy por encima, aunque hay un gran momento, muy emotivo: cuando Damon le hace una lectura al niño. Además, el film también cuenta una historia de amor que, queramos o no, también es un poco superficial. De hecho, hay un gran momento, muy emotivo e inquietante, en el que, con “Nessun Dorma” de fondo, Damon casi besa a Bryce Dallas Howard. Pero no es la historia de amor que realmente le interesa a la película. De esa historia de amor vemos poco y nada. Lo que estoy tratando de decir es que, aunque cuenta con algunos grandes momentos y se entienden los traumas y las cargas de los personajes principales, todos van viajando a diferentes lugares del mundo (recorrido por la casa de Charles Dickens incluido) y la historia general nunca tiene un centro; entonces la película no sólo no es consistente sino que no deja una reflexión de nada. Otra cosa que hablábamos con Tomi. Si bien la película te deja discutiendo, no te dice nada concreto. No quiero decir que hay que tomar una posición (eso siempre es delicado; depende del tema y en algunos films los directores no toman posición y la decisión es astuta y positiva), y si en este caso Clint sólo quiso dejar las cosas ahí para que las veamos, es respetable. Pero no es lo que yo espero de él, y entiendo que no es lo que la crítica y el público esperan. Siempre con Clint hay algo más, algo fuerte que nos queda de una historia y que es más fuerte aún cuando Clint actúa en pantalla. Otra cosa más: Clint hace uso de una cámara virtuosa. Clásica, sí, pero virtuosa. Aquí, excepto en los dos grandes momentos mencionados, Tom Stern consigue planos que son calcos de postales de las ciudades en las que están los personajes; y lo sigue a Matt Damon por sus recorridos, sin el más mínimo asombro. Si Eastwood -cuya música original en el film es demasiado repetitiva- no se asombra, yo no me asombro. Por lo tanto, y esto es en un sentido general de “Hereafter”: ¿el admitido y extremo clasicismo, tan formal y vistoso, se está convirtiendo en simple y llano aburrimiento? No quisiera imaginar que el gran director agarra un guión, lo filma rápido y como puede y ya está…trámite terminado. ¡Qué horror!
---6/10

Ya decía yo que fui dos veces en busca de un cisne negro. La primera me topé con Woody, y la segunda con una “Piraña en 3D”. Realmente no hay mucho que decir de la película. Seamos honestos y admitamos que no siempre se puede ver pirañas en 3D; a Kelly Brook desnuda, a muchas minas en plena joda en la playa (y desnudas), a Eli Roth dirigiendo un concurso de camisetas mojadas, a Jerry O'Connell haciendo el ridículo (aún cuando sabe que lo está haciendo hace años), a Elisabeth Shue haciendo de mamaza, a Richard Dreyfuss apareciendo solo para morirse.. y no se cuánto mas sigue la lista, pero a veces las partes son mas fuertes que el todo. Hay mucho de lo que yo les contaba hace poco de las “meta-películas”. “Piraña 3D” es un poco más que lo que vemos ahí en pantalla. Pero si nos remitimos sólo a eso, yo me quedo con lo mencionado, con la diversión general y con unas tremendas y creativas muertes. Es que, en realidad, eso es exactamente lo que es la película: sus partes. Entonces, si las partes son el todo y viceversa; si no se diferencian, ¿qué hacemos?
---7/10

La próxima hablamos de un tema que nos interesa a todos: EL AMOR
Voten en la encuesta!
Saludos Sospechosos!

Apuntes vacacionales de película (1)

2011-03-30T02:24:00.006-03:00

No hice ninguna entrada oficial durante algunos meses, es cierto, pero eso no significa que fueron meses desprovistos de cine. El cine es, para mí, alimento. A veces engorda y da gusto; a veces es nutritivo; algunas otras da ganas de vomitar. Este verano pude comer mucho, y estos apuntes (un poco desordenados, pero muy característicos del blog) pretenden dar cuenta de esa dieta y a la vez proporcionan las recetas (EN MAYUSCULAS) de los platos fuertes que están por venir.

1-Sección Oscar
No vi los premios y estoy tratando de encontrar la repetición. Según lo dicho en todos lados, fueron los más predecibles de la historia. También es duro confesar que debo ver todavía cuatro de las películas nominadas (qué fácil era cuando había cinco, ¿no?) y que entre ellas se encuentra la ganadora. Aún así, el verano me acercó a estos títulos. Antes que nada, vi “127 Horas”, lo último del último Boyle (LA CRITICA PRONTO).

Seguimos. No sé si “Winter’s bone” es más o menos de lo mismo todavía. Si es más es un aporte, sino es prescindible. La película independiente de turno, el caballito de batalla que sorprende. Hemos llegado a un punto en el que se desvirtuó tanto el concepto “independiente” que ya no importa si viene una nueva directora (como en este caso) y realiza un film con todas las características que el concepto alguna vez implicaba. Quizá hay que dejar de pensar en la categorización y mirar la pieza por sus propias virtudes. No puedo dejar de pensar que “Winter’s bone” parece como una película de manual, pero me impresiona la mano firme de la directora para narrarla. Es un film de pasajes lentos y silenciosos, un film frío en todo sentido. Además es muy repetitivo. Aún así, parece que no había otra manera de contar esta historia. La adolescente que encabeza la historia y que está en busca de su padre tiene que hacer el viaje solita, tocar cada puerta, preguntar a quienes conoce y a quienes no se les debe preguntar. Hay todo un lado oscuro del relato también…un pasado que no le hizo bien a la familia de la niña; a la misma familia que ella quiere rescatar cuando emprende su viaje. No hay adornos, la música de a ratos genera escalofríos y hay una gran presencia femenina. John Hawkes entrega una fenomenal interpretación que también parece un poco “de manual”. Para ver si lo de Jennifer Lawrence es verdadero, también tendremos que seguirle la pista.
---6/10

A diferencia de “Winter’s bone”, “True Grit” tiene una gran presencia masculina, sólo que hay una niña en medio de todos ellos. A mí “No country for old men” me daba tono de Western (creo que nos pasó a todos): de un Western duro de enfrentamientos de vida y muerte que son entre dos personas pero que también, como en el caso de Tommy Lee Jones, son con uno mismo. Era un Western reflexivo, triste…apabullante sobre el final. Quizá “True Grit” tiene esto último en común, pero después debe separarse. Lo comparo con un film anterior de los Coen en principio porque no vi el film original en el que está basado, y porque no puedo obviar que es un film (como dijo Alejandro Torriggino) “poco Coen”. No sólo falta ese elemento extraño, esa imagen o diálogo en el que los Coen suelen deslizarnos un susurro que dice que no todo estará bien. Es a la vez una cierta cualidad extraña que está ausente en todo el film, y que uno espera que haga presencia; hasta que ya no espera más. Es de destacar la particularmente alegre presentación del pueblo en el que Mattie busca a “Rooster” (Jeff Bridges) para que mate al asesino de su padre. Las carretas y los trenes son lindos, la gente camina despreocupada. Incluso en el auditorio donde Mattie lo ve a Rooster –amenazante- por primera vez, el sol encandila desde la ventana y la gente del público se ríe. Estas características, sumadas al creciente optimismo de Mattie, a la vanidad risible de los personajes que aparecen en el camino (especialmente el texas ranger de Matt Damon) y el hecho de que Rooster es casi un “Dude” avejentado, no prometen eventos muy fuertes y/o desgarradores. Está claro: el tono del film es amable y juguetón, hasta en la personalidad del malo más malo de todos (Josh Brolin). Eso no está mal. Es un agradable viaje por el desierto del viejo oeste el que hacen los protagonistas, y los encuentros son a veces sorpresivos y graciosos; la construcción de los personajes es detallada y los actores (lo de Steinfeld –la niña- es buenísmo, pero enorme Bridges…enorme) están comprometidos; las cosas serias que suceden tienen un tratamiento poco serio (de acuerdo al género, que se aleja para disfrutar el paisaje y toma más en cuenta los valores morales de los personajes que ver a alguien en primer plano con un brazo partido)…hasta la presencia de la increíble fotografía de Roger Deakins nos hace entender que sí es una película Coen aunque no lo sea. Es un simple cambio. La revisión de un género llevada a cabo con corrección y pericia. Pero no me quiero olvidar de algo fundamental. Si viene del género y por eso lo permitieron, si esto termina de desacreditar a “True Grit” como algo de los Coen o si no fue planeado, no lo sé. Lo que estoy tratando de describir, que no acostumbro a ver en el cine de los hermanos y creo que su efecto en esta película está fuera de discusión, es la emoción. Quizá muy sobre el final (producto o no de todo el desarrollo), quizá sin que nosotros (o ellos en la sala de edición) nos demos cuenta, “True Grit” se convierte en una pieza completamente emotiva. Emotiva para bien, emotiva sin excesos y con los elementos adecuados (la música ayuda muchísimo). Tómenlo o déjenlo, pero es definitivo: el universo Coen ha derramado una lágrima.
---8/10

El experimento con “Black Swan” fue y es el siguiente. Alejandro Torriggino, “el dire”, me rogó que la viera en cine. Con el correr de los días, más gente era la que me pedía por favor que la viera y que lo hiciera EN el cine, y yo por alguna razón la esquivaba (detalles de esto en nuestro punto 2, la próxima); pero terminé viéndola. La experiencia en la sala fue ya de por sí todo un experimento. Luego de completar esta tarea, me sentí realizado: había hecho lo que tantos amigos me habían pedido. Aún así, casi dos semanas luego de vista la película, no la discutí con nadie. No sé por qué se dio así, pero los últimos días la estuve pensando con varias personas. Estas –y este es también el experimento- son mis conclusiones (dispersas, pequeñas y no finales) sobre un film del que se habló demasiado, que para muchos merecía el premio mayor de la Academia y que todavía sigue dando vueltas en mi cabeza.
a)Básicamente lo que me pasó es que la película me pareció fuerte porque busca provocar al espectador con todas sus herramientas, y al final del día termina impactando (para bien, y muy sobre el final) porque el trabajo sobre esa incomodidad y el desarrollo del personaje son toda la película. A la vez, creo que ese mismo punto es el que no la llega a hacer una película compleja (con esto quiero decir realmente difícil de seguir y/o de ver), y aunque sí logra momentos inquietantes, de esos que nos sobresaltan, la construcción de la película es tan evidente (ver a.2) en cuanto a lo que está pasando que dejan de haber sorpresas (ver a.1).
a.1)Cuando digo “sorpresas”, no hablo de lo predecible o no de la trama… hablo de lo inesperado en las imagenes del film en general para el espectador. Una vez que se estableció que, digamos, va "todo en picada" (para abajo, claro), ya sé yo que ella se está volviendo loca, que esto es esto, que lo otro es lo otro y que tengo que entender que está perdiendo la cabeza… ya sé que me tengo que emocionar, que tengo que reconocer el sufrimiento y otros etcéteras que hacen un poco menos natural la progresión y el incremento dramático de la película.
a.2)Cuando digo que la construcción de la película es “evidente”, me refiero a que la línea con el personaje de Natalie Portman (GRAN interpretación de una pequeña actriz que con los años se volvió enorme) siempre es la misma. La película trabaja muy fuerte sobre eso –Aronofsky y su intensidad, quizá-, es decir, desde lo formal todo se pega a esta construcción y se dan dos cosas: 1)el film me hace saber –en demasía- a mí como espectador que me “quiere” generar ciertas cosas y mis sentimientos no se terminan dando de forma natural; 2)si con otros personajes u otras cuestiones el film entrega algo distinto (el personaje más enigmático en este aspecto es la bailarina de Winona Ryder, que no tiene mucho tiempo en pantalla), no llega a tener ni la más mínima importancia pues queda más que claro que al final del día a la película le importa Nina (Portman) y nada más.

PPF (Primer Punto a Favor): por estar todo el tiempo encima de ella, a peli te mantiene ahí. Es una peli molesta, que provoca e impacta, y eso funciona, para bien o para mal. No podemos sacar los ojos de la pantalla: por las imagenes, por la música y por la fuerza (molesta, controladora e incontrolable, casi asfixiante) con la que casi todos los personajes hacen presión sobre la protagonista.

SPF (Segundo Punto a Favor): por su insistencia, por su ‘evidencia’, y quizá por su calidad técnica, por las actuaciones y por muchas otras características que hacen que a pesar de su construcción esta no sea “una película más”, “Black Swan” me termina generando las cosas que me quiere generar. El final, ese clímax, me llegó y me tocó de manera mucho más rotunda y contundente que aquello que Aronofsky quería lograr –para poner una justa comparación con la obra del director- en “The Wrestler” (aquí mi crítica). Se vuelve imposible que sea de otra manera.
---7/10

Me está faltando hablar sobre “The Kids Are All Right”. Voy a esperar a hacer alguna revisión, cuando me toque, y opinar. Debería en el medio ver otras películas de su género (o sub-género), en el que el film de Lisa Cholodenko claramente destaca. Sólo quiero decir que estoy convencido de que es una película importante, indispensable para este tipo de cine (también más ‘independiente’) porque en principio no toma a sus personajes como disparadores de una situación conflictiva, ni los amolda a las situaciones que se deben relatar en el film. En pocas palabras, nadie en la película es de manual; de hecho, ya de por sí meterse en la historia de una familia liderada por un matrimonio de lesbianas no es de manual. Pero podría serlo. Aquí la clave es que la directora no necesita expresar desde ningún rincón que está haciendo “cierto tipo de película”; lo que vemos aparece como que ‘siempre estuvo allí’. A la vez, eso que ‘siempre estuvo allí ;podría verse exageradamente amenazado por la llegada de un intruso: el personaje de Mark Ruffalo. Pero todo ‘ya estaba allí’. Es decir, la película hace de la llegada de este padre biológico un punto de inflexión importante (un quiebre), pero no olvida nunca que todos los personajes vienen cargados de experiencias. “The Kids Are All Right” no me dice: “entonces este hombre llegó y sacudió todo”; sino más bien “este hombre hizo temblar (y quizá hasta caer) algunas cosas que estaban movidas desde antes y –más aún- que jamás van a estar quietas”. Una película que tiene esa percepción de las cosas y lo muestra en cada plano y lo desmenuza en cada diálogo; una película que tiene, dicho de forma poética y en pocas palabras, ‘el peso de una vida’ (en inglés suena mejor: “the weight of a lifetime”); una película así no es una más del montón. Acá la tradujeron como “Mi familia”, y con ese básico título se la puede llegar a confundir con algo pasajero. ¿Esto cuenta como crítica al final o qué?
---8.5/10

La seguimos la próxima con el segundo apunte vacacional: “Lo inesperado”.

Saludos Sospechosos!

Especial: Fin de año 2010

2011-03-07T17:54:00.016-03:00

Algo así escribí en mi Facebook el primer día del 2011, a la vez que ponía la foto de una película estrenada en el 2010, que realmente disfruté: “HOLA 2011!!! Estoy pensando en los estrenos, en cine, que vi durante el 2010, y se me hace que lo mejor que vi (EN EL CINE) el año pasado fue la segunda película de Ben Affleck como director. Una verdadera sorpresa por cierto. Pasa que decir que "Toy story 3" fue lo mejor que vi ya se me hace como aburrido. También está el documental de Piñeyro y también está el hecho de que me perdí muchos estrenos. Tengo que armar listas 2011, me porté mal con el 2010 en la sala de cine; con vos me voy a poner las pilas. Pero igual "The Town" es un peliculón porque tiene de todo.. y seguramente se disfruta más 'en el cine', vista por primera vez. Algunas pelis funcionan mejor así”.

Todo eso creo que resume a la perfección lo que fue el año pasado para mí en cuanto a películas, y la vida. No es que me la paso en la ‘red social’ todo el día y no veo cine, porque eso es mentira. Es simplemente que cada etapa facultativa se va haciendo más complicada, cada año uno quiere hacer más cosas (y por suerte los objetivos se cumplen); y entonces, como no somos críticos profesionales, el tiempo para ir al cine se elige con cuidado y se va acotando. No estoy decepcionado para nada, y espero que los que me leen no lo estén. Incluso los eventos importantes, como el BAFICI (aquí coberturas anteriores), no me impresionaron tanto, por lo que vi menos films que otros años y ni siquiera pude escribir un ‘especial’.

Por lo tanto, si prometí cosas que no cumplí, pido disculpas. Quiero agradecer también a todos los que siempre pasan y comentan. Ustedes, a quienes yo llamo Sospechosos, le dan vida a este blog que a mi también me da mucho placer y mucha vida. ¡Gracias! Aún así -sacando las promesas no cumplidas- creo que fue un 2010 muy rico para el blog, con múltiples análisis, con mucha reflexión, revisión y descubrimiento -para mí, y para ustedes espero- de lo lindo que es crear de cero, sin compromiso, un escrito cuando una película nos vuela la cabeza. Dicho esto, y tomando en consideración lo expuesto (esto parece un proyecto de investigación), lo más lógico será contarles de las mejores 10 películas que vi el año pasado EN EL CINE, siendo fiel con la tradición de nuestro Ranking de “Las 10 mejores” anual. Como siempre, las películas en verde son links directos a sus críticas o menciones en el blog. Sin extenderlo mucho más, lo mejor que este Sospechoso vio en el 2010.

“Las 10 mejores”

1- The Town (Atracción Peligrosa) – 9/10
Se dijo, luego de que muchos vieron “Inception”, que a Nolan con “The Dark Knight” le había salido todo bien, como si hubiera tenido suerte. Realmente yo no creo en esas cosas, pero es probable que tenga que decirlas si la próxima película
de Ben Affleck llega a ser algo parecido a un desastre. “The Town” es un film que te sorprende a cada momento, pero no por el desarrollo de su historia, que es una clásica historia de ladrones que quieren corregirse, de últimos trabajos y de mujeres hermosas y todo eso… “The Town” sorprende porque, de entrada, uno no puede ponerle mucha confianza a sus credenciales. El Affleck director, con un segundo film, ahora también actúa; el elenco es variado e inusual; el género es de los más visitados del cine norteamericano. Aún así, el resultado es atrapante y emocionante: los personajes nos tocan, su historia nos involucra y, como Affleck parece conocerlos muy bien, nos ponemos de su lado (del de su personaje, claro). Lo que sorprende en “The Town” es en un nivel general, y es una sorpresa mayor si la comparamos con su predecesora, “Gone Baby Gone”. La confianza que uno no tiene cuando el film comienza, Ben Affleck la tiene de sobra. Además es una de esas películas que, por suerte, te ponen a pensar en lo que es dirigir un film, y en el género de un film… te dan ganas de revisar muchas cuestiones. Así se hace una gran película.

2- El Rati Horror Show (Película Argentina) – 9/10
Otra pieza que te pone a pensar en qué es dirigir; en quién lleva la batuta de un proyecto. Es muy difícil que un film de Enrique Piñeyro no sea 100% Piñeyro, pero no hay que desmerecer el egocentrismo una vez que nos percatamos de qué se está contando y cómo. Casi construyendo evidencia para una causa judicial (de hecho, “El Rati Horror Show” tiene evidencia que hoy día es crucial para la defensa del caso de Fernando Carrera), Piñeyro dirige, escribe, actúa, crea y recrea a favor de sus creencias y, como siempre, en busca de un país mejor. Este discurso nunca es una estupidez para el director. Piñeyro es muy hábil para hablar de la realidad de forma ficcionalizada. “Whisky Romeo Zulú” era precisamente eso, pero este nuevo film es un documental y no deja de haber aquí un dejo de ficción. El director nos cuenta un cuento, sí. Pero es un cuento turbio, un cuento que hay que dominar y un cuento que requiere de argumentación y de coraje. Hay que animarse a contar este cuento, pues tiene consecuencias en el día a día. En mi día a día también es de lo mejor del 2010.

3- Carancho (Película Argentina) – 9/10
Cada vez es más difícil evitar las comparaciones en nuestro cine. Es sabido que los estrenos en salas grandes a los que todos tenemos acceso, no son tantos como se dice en todos lados. También hay un prejuicio grande que sigue presente en relación al cine independiente argentino, al alguna vez llamado “Nuevo Cine”. Si “Carancho” no estuviera protagonizada por Ricardo Darín, las cosas se le hubieran hecho más difíciles. La locura del medio millón de espectadores hizo que la seleccionaran para el Oscar, pero no es una película de Oscar. Por eso tampoco se la puede comparar con “El secreto de sus ojos”. “Carancho” es una película de Pablo Trapero. De personajes en mundos que los sorprenden a cada instante, de una historia que tiene el amor como bandera, de una ficción que está plagada de realidad y en la realidad resuena. De ese Pablo Trapero, que película a película se afianza más como un gran autor de nuestro cine.

4- Up in the air (Amor Sin Escalas) – 8/10
Tengo que volver a ver el último film de Jason Reitman, pero lo recuerdo desde principio de 2010 con mucho cariño. Quizá el film más reflexivo, más suspendido y menos aleccionador del año que se fue. Está plagada de personajes fuertes, muy seguros de sí mismos, y también es una película de decisiones fuertes, en la que cada paso a tomar pesa mucho. Con pocas ambiciones, complejas y reveladoras conversaciones y puntos de giro que nos derivan de momento a otro género pero que no dejan de lado la reflexión, “Up in the air” aparece como la película más madura de Reitman. Aunque no su mejor película, sí una de las mejores del año.

5- The Hurt Locker (Vivir al límite) – 8/10
Es como si estuviéramos allí, con ella (la directora Kathryn Bigelow), con ellos (los actores/personajes), sufriendo. Y también disfrutando. Hay todo un lado del film que tiene que ver con el disfrute de la guerra, como generador de adrenalina. Eso, y los discursos que de allí surgen no me motivaron tanto a mí como el contexto y las situaciones, repetidas, una tras otra, que viven estos soldados. Lo que más recuerdo son los momentos de tensión, brillantemente construidos, en los que uno como espectador verdaderamente cree que en cualquier momento todos (los protagonistas también) podrían acabar muertos. Así de verdadero el film, así de crudo. Alejado de las fórmulas, más cerca de la cualidad impredecible de su protagonista fundamental (un genial Jeremy Renner). Verla en cine es impresionante.

6- The Social Network (Red Social) – 8/10
Modesta visualmente, al menos para un director como David Fincher, que disfruta mucho de crear juegos terroríficos y de hacer crecer a la gente para atrás. No hay muchas sorpresas en esta película que podemos llenar de adjetivos derivados de “correcta”. Sucede que cuenta una de esas historias de siempre, pero con la ventaja de que resuena mucho en el ahora por el contexto “facebook”, y además con una corrección que encuentra refugio en las palabras de Aaron Sorkin (uno de los mejores guiones que se presenciaron en la pantalla grande en mucho tiempo), apostando a un juego de cambio rápido de planos y plena confianza en actores no tan conocidos, de los cuales cada quién sorprende más. Truco no hay. Comparada directamente con el último film ‘oscarizable’ de Fincher, es genial. Es difícil que alguien diga que no es una muy buena película.

7- The White Ribbon (La cinta blanca) – 8/10
Muchas veces lo que uno piensa de una película con lo que interpreta de ella y el impacto que esto tiene en uno como espectador. Creo que con la última cinta (la blanca…chiste malo) de Haneke, pasó eso. Su mensaje es de algún modo tan transparente y claro que todo se puede ver reducido a una película insignificante, con exceso de violencia (física y psicológica) y falta de reflexión. Aún así, la reflexión está de nuestro lado también, y el impacto de una cosa tan universal y básica como la que intenta expresar el director, viene naturalmente de cómo desarrolla su película; de la dedicación que le pone a su historia. Que nadie dude que Haneke habla en serio…yo pensé que nadie lo dudaba.

8- A serious man (Un hombre serio) – 8/10
Los Coen. Sólo me pasa con ellos. Sigo descubriendo su filmografía y la paso de maravilla. Pero también es todo un acontecimiento ver una película de los hermanos en el cine. Yo no sé por qué las salas las estrenan. Películas como “Un Hombre Serio” jamás atraerán un gran público. Parte cómica -pero de un humor muy oscuro- y más que nada dramática, la historia de un hombre que cree que hace todo bien pero todo le sale mal es una delicia. No voy a mentir. Como siempre, no sé bien qué pasa por la cabeza de los dos directores, y es esa cabeza la que se ve en la historia del film y la que nos llega a nosotros. Seguramente “Un hombre serio” sea de sus films ‘menores’, pero también como la mayoría de las veces –no siempre- hay algo turbio… algo que queda sonando por ahí… algo que dice que no todo anda bien.

9- Excursiones (Película Argentina) – 8/10
Yo la vi hace un tiempo en el BAFICI, pero se estrenó oficialmente en el 2010 y no deja de ser un gran film. Esto escribí en su momento: No se puede decir tanto del tercer film de Acuña. Comparte elementos con “Nadar Solo” (su segundo largo no lo vi) y mantiene la línea que tan querido lo hizo por muchos. Acuña todavía es joven pero tiene una capacidad innata para llegar a un público mayor. Con este film, que tiene toques magistrales de comedia (y que acaba de ganar el premio más importante de FIPESCRI), lo demuestra. Y no es sólo eso en una película que realmente no se puede explicar. Es también la confianza total en los actores como creadores de una realidad que es tan real como la realidad misma, y que también es desprejuiciada o, mejor aún, como decía una chica que conocí: "honesta".

10- Shutter Island (La isla siniestra) – 8/10
Scorsese genera revuelo, como diría Agus Castelli. Un gran director, consagrado, estrena un nuevo film, que no parece prometer mucho…algo fuerte tiene que pasar. Hasta el día de hoy, en DVD, se sigue discutiendo. Que si el final es así o asá, que si es muy obvia por esta razón o la otra, que si DiCaprio está mejor acá que en “Inception”, que si es digna o no de un realizador como Marty. Yo creo que tanta discusión, tanta búsqueda incesante de errores y tantas ganas de querer ver de dónde se sacó tal o cual idea; todas estas cosas alcanzan para coronarla como una de las películas del 2010 (aunque sea una que entre al final de la lista). Igualmente, si me preguntan a mí, creo que por derecho propio es una muy buena pieza. Consciente, firme, para nada arbitraria y con una fenomenal actuación protagónica (por supuesto que DiCaprio está mejor aquí que en la de Nolan). Agradezco que Scorsese haya generado el clima de locura que una película de este tipo requería, y que no haya cedido a la tentación de dar vuelta todo bruscamente sobre el final. Eso es lo que hacen las películas poco inteligentes. Y ojo, que muchas películas pueden ser bobas y buenas (o excelentes, dependiendo de qué elementos hagan que las películas sumen puntos). ¿Inteligentes y muy buenas? Siempre hay menos.

“BONUS TRACKS” (una del cine, una de estreno limitado, una vista en el colectivo y una que fue directo a video; o cuatro que merecen ser mencionadas)

* Solitary Man (El hombre solitario) – 8/10
Por su genial interpretación protagónica (un Michael Douglas “at the top of his game”) que se carga con todo el relato y se va llevando puesta cada situación vivida sin mirar atrás; por su buen –y de a ratos sorpresivo- uso de los jugadores secundarios en los momentos justos; porque los diálogos dan para pensar y de a ratos duelen. Porque los dos directores consiguen tomarse en serio y con la exacta dosis de dramatismo –no exenta de humor; todo siempre cortesía de este ‘hombre solitario’- una historia de individuos (el primordial es uno, pero hay varios para analizar) en edades difíciles, que en cualquier momento pueden ser tomados por sorpresa debido a una revelación. La revelación puede ser de cualquier tipo… lo importante es no perder la fe en que se puede darle un giro a las cosas.

* The Bad Lieutenant: Port Of Call – New Orleans (Un maldito policía en Nueva Orleans) – 9/10
No me corresponde del todo esta opinión, pues es la primer pieza que veo de un director prestigioso y reconocido mundialmente, pero me es inevitable declarar que su última aventura es una de las mejores películas del 2010 y una de las mejores cosas que vi en mi vida. Adrenalina pura, inyectada en la película y en un protagonista (desopilante Nicolas Cage; un grande cuando quiere) que no para un segundo. No es una historia muy nueva (de hecho, es una suerte de remake) ni tampoco la más original, pero algunas veces uno puede percibir que detrás de la cámara hay alguien que entiende absolutamente todo: Werner Herzog pasea, sin aviso, de lo más violento a lo más triste, de lo triste a lo directamente cruel, y de lo cruel a lo inesperadamente romántico. Un cínico (como el maldito policía del título) tal vez, pero un virtuoso que encuentra la vida más llena (incluyendo gente que vuelve de la muerte y las inolvidables iguanas que miran fijo) en un mundo desvastado.

* Knight and Day (Encuentro explosivo) – 8/10
No es tan fácil de explicar ni de defender, pero es algo muy fuerte para que el que consume cine compulsivamente. Miramos las películas por lo que son, pero si ellas nos dejan, también miramos más allá. “Knight and Day”, de James Mangold (sí, el multifacético director de “Inocencia interrumpida”, “Walk the line” y “3:10 a Yuma”), es un completo delirio: divertido, predecible, exagerado, inverosímil a la enésima potencia, completamente irrelevante desde la historia y el (no) desarrollo de sus personajes. Ya en este aspecto delirante, es una muy buena pieza; mejor que otras de su especie (tampoco nos engañemos: hace mucho que no llega una película así). Porque está bien filmada, porque la acción motiva al espectador y porque la pareja protagónica tiene la química necesaria para que el ritmo no decaiga. Pero hay otra cosa, hay un más allá; como una “meta-película”. Que sea Mangold el director, que Tom Cruise y Cameron Diaz sean las estrellas que ponen la cara son aspectos que no podemos dejar de mencionar porque son demasiado evidentes. Sobre todo en el caso de los actores. Sabemos quiénes son, sabemos qué esperar, y verlos desplegar sus dotes en cada escena del film es descubrir esta “meta-película”; que dice mucho sobre el doble rol que juegan las superestrellas (como estrellas y como verdaderos actores), sobre los géneros y sus virtudes y limitaciones (y sobre cómo todo eso un director puede llevárselo por delante) y sobre el cine en general; el que nos genera placer, el que no es correcto admirar pero tiene mucho de admirable; en este caso ese que nos divide rotúndamente de vez en cuando sin que lleguemos a analizar el por qué.

* Whip it (Chicas muy bravas) – 8/10
Drew Barrymore hace su debut como directora y en Argentina se les ocurre mandarla directo a video. Está bien, no a todos les importa Drew como a mí. Yo soy quien alquila cosas horribles como “Amor a distancia” sólo para verla. Pero su primera película es una gran película y tiene mucho de ‘meta’ también. Es la consagración de la chica que es distinta pero es encantadora; es un llamado (bastante femenino, es cierto) a todas esas chicas que todavía no encontraron su lugar. Drew les dice que “no se rindan” y lo hace a través de una historia que tiene muchas aristas (desde el pueblo maldito del que no se puede salir ni progresar hasta ese concepto tan complejo que es el “primer amor”) que abren paso a grandes personajes (el entrenador es uno, o la jugadora de roller derby que interpreta Kristen Wiig –quizá mi favorito-) y que la directora maneja lo mejor que puede, cediéndole el honor protagónico a esa hermosa chica que sabe sobre ser distinta y encantadora y que se llama Ellen Page. Tiene ese toque rebelde (en el andar general del film, y en la presencia de la propia Barrymore y de Juliette Lewis) que tanto la caracteriza a la –ahora- directora, pero es un relato clásico, con suerte inolvidable.

ESPERO QUE DISFRUTEN EL POST!
VUELVO CON UNAS REFLEXIONES VACACIONALES PRONTO!
SALUDOS SOSPECHOSOS!

Especial Cine Argentino: Conciencia Sucia - Sin Retorno

2011-01-14T05:34:00.004-03:00

El tema con "Sin Retorno" es complicado. Es una película de la que hay que tener muchas ganas de hablar, y yo no tengo tantas. Recién hoy me siento a escribir y la vi hace casi 3 meses. La ópera prima de Miguel Cohan es un punto intermedio entre el extremo de exposición del "Rati Horror Show" de Piñeyro y el 'no sé muy bien qué quiero ser' de "El hombre de al lado". No hay dudas de que el film es una apuesta segura, orientada al gran público. Dos grandes nombres, Federico Luppi y Leonardo Sbaraglia; un poster provocador, de esos que plantean la duda de si será una buena película o un desastre; un elenco secundario respetado, con Martín Slipak a la cabeza, Ana Celentano y Luis Machín, entre otros. La historia del film es bien concreta: un hombre es injustamente (Sbaraglia) encarcelado por un crimen que comete un joven (Slipak). En el medio de ambos está Luppi, el padre del chico fallecido que manda a Sbaraglia a la cárcel.

Es difícil recordar los nombres particulares de los personajes. Excepto por Luppi, a quien se lo puede ver en modo fácil/repetitivo, todos los actores se pierden en sus interpretaciones. "Sin Retorno" es un film de gran trabajo actoral. Es también, por su historia, un film de género y toca (algo que no es menor en nuestro especial) fuertemente el tema de la conciencia, que pesa a lo largo del metraje. Desde ese lugar, Cohan tiene mérito pues pone verdaderamente las cosas en frente del espectador, generando una posibilidad de discusión que rara vez se ve en un film de alto presupuesto como "Sin Retorno". El final es desconcertante; la película no toma ninguna postura específica. Dos aciertos, por supuesto, que todos han sabido recalcar. Los únicos aciertos?

No. "Sin Retorno" es también una película muy bien filmada, irreprochable técnicamente. A la vez, está muy bien contada, y es menos ambiciosa de lo que parece en ese aspecto. Cubre las vidas de tres personajes a través de varios años y los pasajes de un entorno a otro fluyen con naturalidad. Los momentos de mayor tensión, exentos de música, recaen sobre la credibilidad de los actores. Los momentos de reposo cuentan con escenarios bien elegidos; el director aprovecha bien los espacios y la película en general cobra un clima que está lejos de expresar tranquilidad.

Aún así, "Sin Retorno" convive en su interior con una contradicción, que tiene que ver con el público, con las expectativas ante el presupuesto un poco mayor y con esta forma en que se monta (el término completo, cierto dire??) la película. Es, creo, muy sencillo, y lo hemos visto muchas veces, pero no tantas en el cine nacional. Sin ir más lejos, "La mirada invisible" es otra película de 2010 que era técnicamente impecable pero su género no estaba tan definido, y al estar muy ligada a la Historia entraba en otra categoría. Es más, tal pericia técnica, debido a lo que cuenta el film y a la construcción de su protagonista, le jugaba a favor. En "Sin Retorno", que coquetea con el thriller dramático de alto vuelo, de grandes ambiciones, toda la prolijidad impacta de forma negativa. Es una película que, por todas las cartas puestas en el público, en una historia bien contada y además en una historia 'de género', directamente pierde el riesgo. Si fuera una película independiente esto sería aún más preocupante. Algo que se respira distinto en "Sin Retorno" desde todos lados, que tiene cierto potencial, pero que carece de adrenalina y/o nervio en los aspectos que exceden lo actoral. Allí, en las interpretaciones, está el plato fuerte, y quizá su director lo sepa. Digamos que para su próximo proyecto, ya que la película fue un éxito, podría aumentar un poco el monto de fichas a poner en la mesa, si se entiende la referencia.

Nada más de la conciencia sucia. Es una peli para ver de todos modos.

---6.5/10

Especial Cine Argentino: Conciencia Sucia - El rati horror show

2011-01-02T23:11:00.005-03:00

Bienvenido 2011!! Feliz de que hayas llegado, debo pedirte disculpas y volver a 2010, porque en unos días tenemos que revisar las mejores películas del (ya) año pasado. Da la casualidad que, regresando a septiembre, a mediados de septiembre, se estrenaba el nuevo documental de Enrique Piñeyro, que también juega con esto de la conciencia. Arranca el año y hablamos de la conciencia, porque películas como esta, de las mejores del año, son vistas por muy poca gente. Es una pena. Son películas de las que se puede hablar. Dan ganas de comentarlas y hacen eco en el espectador, por más que en cada sala seamos minoría. Un éxito como "El hombre de al lado"?? Algo muy visto como "Sin Retorno"? Menos. Por ahora, simplemente una gran película. Quizá el tiempo juegue a su favor.

"El Rati Horror Show"

Ya había hecho algo parecido con "Whisky Romeo Zulu" (aquí mi crítica). Enrique Piñeyro se colocó como protagonista en una historia de ficción para recrear una verdad, una verdad que lo involucraba personalmente, al punto de que se interpretaba a él mismo. No hay tantas diferencias en "El Rati Horror Show", una película acaso de tinte documental más definido pero en la que los mecanismos de ficción se revelan desde el comienzo. Allí se encuentra el material de archivo, un compilado de los noticieros más importantes del país que revive lo ocurrido en 2005 conocido como "La tragedia de Pompeya". Minutos después, el director/guionista/actor Piñeyro señala a Germán Cantore y dice "grabando sonido". Acto seguido, un locutor lee las hojas de un guión escrito por Piñeyro; un guión que pertenece a un documental pero que está evidentemente construido de manera narrativa, ficcional: mecanismo expuesto.

Piñeyro es un director honesto, transparente, y no duda en introducirnos en su ámbito de trabajo para mostrarnos cómo intenta defender, desde su lugar como director y como persona, al individuo acusado y sentenciado que cree inocente: Fernando Carrera. Sentado en la sala de edición, y eligiendo visitar ciertos lugares y hablar con determinadas personas, Piñeyro -a veces de manera más espontánea, otras de manera irremediablemente 'actuada'- sigue las páginas de la historia que, como dije, pretende recrear una verdad. Esto requiere de sumo cuidado. En principio, es evidente que "El Rati Horror Show" tenía mucho más material para exponer sobre la causa de Carrera; que sus realizadores conocen el caso al dedillo y comprenden los minuciosos y formales detalles de las operaciones tanto judiciales como policiales (una amiga mencionaba el específico conocimiento de la balística) que rodearon el acontecimiento. Pero a la vez "El Rati Horror Show" es cine, y desde el cine Piñeyro va a aprovechar las herramientas audiovisuales para hacer, a la vez, dos cosas no necesariamente contradictorias: exponer una defensa de Carrera que sea ante todo contundente y presentar, un tanto alejado del golpe de efecto, la mayor cantidad de pruebas existentes para que el espectador también emita un juicio personal.

Esto último es lo más difícil de lograr sin fallas para un Piñeyro siempre transparente pero también atrevido (y muy expuesto) que está, durante todo el metraje, sumamente indignado ante una causa que entendemos para él es la representación de lo peor de este país. El actor, desplegando todo su talento, se queja de la forma de hablar de los jueces, fabricando muñecos de sus personas a los que les habla irónicamente, arremete con preguntas retóricas sobre ciertas cuestiones y hasta despliega una gran secuencia que culmina con una bala en un pedazo de carne (imperdible). Pero nunca falta a la recreación de la verdad, y hablo de la verdad en cuanto a hechos. A través de la lectura de fragmentos de fallos y denuncias, recolección de fotografías y material de audio y video, y sobretodo mediante una admirable reconstrucción física de las más de 10 marcas de balas que se encontraron en el auto de Fernando Carrera, los hechos salen a relucir.

Es impresionante también cómo está manejada la entrevista que Piñeyro le hizo a Carrera, de la cual en la película se ve poco y debe haber sido más extensa. El realizador está tan convencido de su inocencia que en ningún momento expone en pantalla preguntas suyas o respuestas del preso que puedan ayudar de forma totalmente directa (el testimonio personal es una herramienta muy fuerte) a la posición ya tomada. Y yo no fui engañado por un director honesto, astuto guionista y humilde actor. Para bien o para mal, "El rati horror show" debe repetir testarudamente una importante cantidad de hechos. Hay pocas cosas más irrefutables que el hecho.

El especial del blog se titula "Conciecia Sucia". Creo que el último plano del film, con los muñecos de los jueces acostados en una cama en medio de la calle, dice bastante de una conciencia un poco intranquila (la de ellos). No recuerdo si esto estaba armado sólo desde la imagen o también desde el diálogo, pero funcionaba. Para los fanáticos musicales está el video del final, una rockerísima versión de "El reino del revés" de María Elena Walsh. Se las dejo.

---9/10

Especial Cine Argentino: Conciencia Sucia - El hombre de al lado

2010-12-24T01:02:00.004-03:00

En fin, de vuelta a nuestras tres películas. La primera es “El hombre de al lado”, de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Acá tengo que decir, aunque no tenga mucho que ver, que no vi el primer film de la dupla, “Yo presidente”, ni el segundo, “El artista”. Lo digo porque se percibe que hay un código interno en lo que hacen, que seguramente estaba más presente en el segundo largo que en el primero. El punto aquí es saber que los directores apuntan a un cine ecléctico, artístico, de colores varios desde la puesta en escena, incluso cuando hay un fuerte predominio del color blanco en este relato un tanto intimista. Jugando con las formas, un espacio cuadrado que es el perfecto lugar para una ventana, es el inicio del conflicto que dispara el comienzo, desarrollo y desenlace del film.

“El hombre de al lado”, creo, no tiene una trama que avance significativamente, y cada vez que esto sucede (si sucede efectivamente), lo hace a la par de la ventana. Una ventana que Víctor (Daniel Aráoz) quiere poner en su departamento para, como dice literalmente, “atrapar unos rayitos de sol”, pero que irrumpe en la intimidad de Leonardo (Rafael Spregelburd), un diseñador que vive en una enorme casa con diseño de Le Corbusier. Lo que sucede en el film a partir del primer encuentro entre Víctor y Leonardo, es un continuado de encuentros entre ambos que no hace más que mostrar las diferencias entre ellos y cómo esto incide el ámbito social y familiar de Leonardo. Es fundamental destacar la inusitada dosis de comedia que adquiere la relación de los personajes, pues ambos actúan con tanta naturalidad y tan acordes a lo que son como individuos, que uno no hace más que reírse de ciertas actitudes, tan de ellos como nuestras. Aquí estoy diciendo dos cosas, y una tercera que es lateral. Primero estoy diciendo que los personajes están bien marcados y desarrollados, que son coherentes con lo que vemos de ellos desde un principio y que uno no puede cuestionar la verosimilitud de la película en ese aspecto. Lo segundo que estoy diciendo es que esta delicada construcción de personajes permite una identificación directa con el espectador medio, sea cual sea su clase social. Esto es un plus para una película que no cuenta mucho pero sí conecta con su audiencia. Cualquiera puede percibir esa cualidad y es normal salir de la proyección recordando frases, actitudes y hasta movimientos de dos protagonistas inolvidables. Lo que no hay que dejar de mencionar es que aunque la risa pueda ser una constante de “El hombre de al lado”, el film no es una comedia.

Ahora bien: Leonardo y Víctor son dos seres humanos palpables en un contexto físico claro, que si bien es pequeño (una casa, algunos edificios y una ventana), remite a algo mayor, más general, que busca en algún punto ser el reflejo de una realidad del país. Entonces, si el espectador se identifica con los personajes, es lógico que pueda percibir parte de esta idea. Y si digo que “El hombre de al lado” no es una comedia, es porque creo que hay algún tipo de mensaje dramático en la película, que desde el vamos se ve ayudado por dos criaturas que los directores no trabajaron desde el estereotipo. Eso quizá hubiera sido ridículo. Por lo tanto, los grandes momentos del film tienen que ver con las conversaciones entre Víctor y Leonardo: conversaciones largas y molestas que terminan siendo asfixiantes por el uso del espacio, el tiempo y el sonido. Si bien la casa de Leonardo es claramente enorme, la mayor parte de los planos interiores son cerrados; además los planos más cerrados de todos son los de las conversaciones de los protagonistas, que también son extremadamente largos, casi sin cortes y virtualmente sin sonido alguno más que el de las voces. De este modo, estos planos casi repetidos pero con alguna variante en cada nueva aparición (un poco más cerrados, un poco más silenciosos, más o menos largos), generan algo distinto en cada conversación, logrando que todo se vea diferente y que la tensión general aumente ante cada situación.

Aún así, y entre toda esta verosimilitud, hay algunas cosas que sí se trabajan desde el estereotipo (o digamos más bien, desde la exageración de cierto estereotipo). Me refiero a aquellos momentos donde hay un marcado quiebre con lo que es “natural”. En estos momentos -cada uno de ellos claramente identificable en la película- todo lo planteado arriba se invierte: el sonido ambiente y/o la música ocupan casi todo el espacio y a un volumen muy alto; las reacciones y expresiones de todos los personajes son un tanto extremas (se roza la sobreactuación), la composición de los planos (aunque siguen siendo bastante cerrados) se corre un poco de lo más formal, mostrando algunos desenfoques o encuadres directamente “extraños” (nunca feos). Entiendo que esta decisión puede devenir tanto del estilo ecléctico, artístico que asumen los directores –y que tiene en gran parte que ver con la forma de ser de una película ‘independiente’- como de algún tipo de diálogo que estén buscando con la relación que su película tiene con lo arquitectónico. En fin, yo le decía a mi padre que este tipo de cosas –quiebres- siempre me gustan, pero que en algunas películas me molestaban.

En “El hombre de al lado”, estos momentos (estas cosas, estas decisiones) me molestan. No porque atenten contra el desarrollo del film. De hecho, creo que no suman ni restan porque el mundo que pretenden resaltar se hace presente de forma natural en varias escenas que no tienen esa construcción. Me molestan por el efecto que puedan tener en el público. Ya decía yo que el público general tiene una mala relación con el cine argentino más independiente. Por lo tanto, este público al encontrarse con un film como “El hombre de al lado”, con su gran poder de identificación/conexión, al no ver este tipo de momentos (cosas, decisiones, quiebres…digámosle “operaciones”), los toma como algo diferente y original, que en su visión reflexiva –posterior- de la película podría realzar aún más algo que ya había gustado. Me molestan por lo tanto las “operaciones” porque creo que la situación que analizo es posible. Lo creo más posible aún si hablamos del público que no ve tanto cine nacional, ni industrial/comercial ni independiente. El tema es que “El hombre de al lado” funciona como película (es decir, es una buena película) que pasea entre esos dos lugares, pero que si se medita en frío está más cerca del segundo lugar (el menos masivo: esto se ve en códigos primordiales como la elección de los protagonistas que son un referente del teatro independiente como Spregelburd y un comediante poco público y taquillero como Aráoz), y sus “operaciones” no ayudan para nada la relación entre el público y nuestro cine independiente. A lo sumo, el espectador más alejado pensará que esto es una excepción, y seguirá su camino. “El hombre de al lado” es, hoy por hoy, uno de los fenómenos comerciales cinematográficos del año. Digan “el boca a boca”, la crítica (este es un argumento menos creíble), lo que quieran, pero algo pasó y la película terminó compitiendo contra la enorme “Carancho” y “Dos Hermanos” para representarnos en los Oscar. Sin embargo, lo cierto es que este cine, que podría haber tomado otras decisiones, pero que por estas “operaciones” efectivamente se muestra más del lado mencionado; este cine se ha hecho mejor en otros lados. Y sigue siendo un cine que mucha gente se está perdiendo.

El final de la película propone un verdadero “dilema moral”. Era innecesario presentarlo de manera tan abrupta y obvia, pero no deja de ser un dilema moral válido, y el punto en común (no el único, hay un par más) con las otras dos películas nacionales que tienen este tipo de dilema en su centro y que buscan, desde algún lugar, capturar al espectador. “El hombre de al lado” lo logró con creces. Ya veremos lo que pasó con los otros dos títulos, en la segunda y tercera parte de este especial.

---7/10

Especial Cine Argentino: Conciencia Sucia - Introducción

2010-12-20T07:26:00.003-03:00

NOS PREPARAMOS PARA LAS FIESTAS CON EL PROMETIDO ESPECIAL!

A poco de la entrega de los premios Sur de nuestra "academia" (donde "El hombre de al lado" fue la gran vencedora), recordemos un mes interesante del cine de este año. La situación que se dio en la cartelera local en septiembre es curiosa. Si bien se sabe que en líneas generales no fue el mejor mes para la taquilla, septiembre dejó colgados tres títulos nacionales que dieron mucho de que hablar y que merecen especial atención. Una vez más, la ventaja que nos da el acotado número de estrenos nacionales verdaderamente extendidos y distribuidos comercialmente, es la de analizar en detalle el fenómeno. Para mí, sirve como excusa para criticar tres (3) películas que son muy distintas desde su forma de producción y el ‘target’ de público al que apuntan, pero registran similitudes muy fuertes en puntos centrales de sus historias. Así se pueden ver los efectos que esto tiene en el público, pues es el cine es un mundo y nuestro cine (argentino) es otro mundo con códigos y referencias, y también con problemas y discusiones legales de fondo.

Hace no mucho, un artículo de Pablo Sirvén en su columna del diario La Nación (http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1230338), suscitó una gran discusión posterior en varios medios, básicamente porque, en líneas generales, salió a pegarle una vez más a esa cosa llamada “cine independiente”. El trasfondo es complejo (yo no lo capto del todo, admito) e implica las nuevas políticas del INCAA y las siempre discutidas ‘política de fomento’ y ‘Ley de cuota de pantalla’. Dos artículos que salieron a responderle a Sirvén (uno del director Juan Villegas (http://www.otroscines.com/columnistas_detalle.php?idnota=3852&idsubseccion=11), otro del crítico Diego Lerer
(http://micropsia.blogspot.com/2010/02/deja-vu-infimas-reflexiones-sobre-la.html) )
ponen en evidencia cosas importantísimas y dejan al periodista de La Nación en ridículo. Los detalles, como dije, son engorrosos. Lo que sí es cierto es que la discusión entre el “cine independiente” y el “comercial/industrial” pervive hace años y es injusto que un profesional respetado y muy leído salga a atacar al primero de los mencionados, defendiendo claramente la forma de hacer y ser del segundo. De este modo, el público –que ya de por sí tiene muchos prejuicios contra nuestro cine menos masivo- se aleja aún más de las películas que ofrecen, al menos, propuestas arriesgadas, distintas, personales y, en suma, diferentes a lo que se ve en todos lados (aquí me permito meter también gran parte del cine internacional, del que cada vez llegan más tanques y menos propuestas alternativas). Estos últimos adjetivos suenan a la figurita más repetida de todas, lo sé; pero tienen que ver con hechos objetivos (porque existe un cine que realmente es así) y es inevitable mencionarlos cada vez que esta discusión se hace presente de forma más marcada. Sobretodo, me refiero al momento en el que uno se pone a escribir porque la cuestión se cruza con cierta película que se está reseñando.

Sin ir más lejos, este blog contiene varios artículos que se dirigen al tema centralmente o a sus aristas varias:

-Mi análisis de “Carancho”, incluida la mención a la existencia de Trapero como posible autor nacional estado del llamado Nuevo Cine Argentino y a la estúpida comparación que el film suscita con “El secreto de sus ojos” y lo que deviene de esto del lado del público.

-Mi crítica de “La mosca en la ceniza”, y el lugar que ocupa dentro del cine nacional, con la difícil situación que su estreno en salas implicó (aún con apoyo del INCAA).

-Una comparación analítica de “Ana y los otros” y “Castro”, muestra objetiva de que existe cine de buena y también de mala calidad en ese submundo de la cinematografía nacional que es el ‘cine independiente’; diferencias dentro de un panorama ya de por sí más personal, arriesgado y todas las demás palabras.

-La crítica de “Música en espera”, la crítica de “Motivos para no enamorarse” y la crítica de “Un novio para mi mujer”, atravesados por el lugar de la comedia romántica nacional actual.

-“Historias Extraordinarias”; un antes y un después en todo sentido.

-La crítica de “Derecho de familia”, y el rol de Daniel Burman como un cineasta que ofrece un balance.

-Un análisis de “La mujer sin cabeza” que incluye una reflexión sobre el cine que incita a pensar y la relación que esto tiene con la crítica, el público y el estado de nuestra industria cinematográfica.

Volvemos a las 3 películas en los posteos sucesivos.

Saludos Sospechosos!

Apostando al sentimiento

2010-12-08T18:33:00.002-03:00

Ya respondí, tarde pero seguro, los comentarios del post anterior.

El fin de noviembre me agarró un poco agitado, lo mismo el comienzo de este último mes: parciales, entregas, trabajos y viajes para celebrar graduaciones. Estoy un poco más tranquilo, pero recién cuando termine esta semana. Por eso quiero invitarlos a un concierto que hago mañana (los detalles están abajo) y adelantarles que el resto del mes estará cubierto por el especial de Cine Argentino que se viene prometiendo y que ya a esta altura perdió un poco de relevancia, pero está bien armado, en incluye los comentarios de algunas de las películas del año. Eso.. eso no puede faltar. Los veo mañana???

Saludos Sospechosos!

Apuntes de película

2010-11-24T23:43:00.008-03:00

Realmente espero que hayan disfrutado el corto de Alejandro Torriggino, “San Antonio”. Todavía no sé cómo le fue en Mar del Plata, pero estoy seguro que debe haber sido una experiencia única, y desde aquí puse mi granito de arena publicando su trabajo, que me toca mucho y que disfruto aún más. ¿Compartimos algunas cosas?

1-Ayer escuchaba en Radio Metro (95.1) el programa de Seba Wainraich, “Metro y medio”, que los lunes tiene una sección que se títula ‘Una historia de película’, o algo por el estilo. Los oyentes llaman y cuentan alguna experiencia que podría funcionar como un largometraje. ¿El premio? Vino. Yo la verdad que no tomo mucho vino, pero la historia que comienza hoy en mi vida y abarca las próximas dos semanas, repleta de entregas, trabajos, obras de teatro, conciertos y exámenes decisivos, tiene –con sus encuentros y desencuentros, con sus contratiempos y decisiones importantes- algo de ‘una historia de película’. De hecho, hasta podría comenzarse desde el fin de semana pasado, donde se encuentran momentos de alto impacto dramático (si son bien manejados, claro). El punto de esto es, como siempre, la extrema ‘reflexibilidad’ que a veces me caracteriza y que me hace pensar, de momento, en que “no voy a llegar”. Eso no significa que no vaya a intentarlo.

2- Cine. Por fin pude ver completa “Magnolia”. Creo que es excelente, y al momento de terminarla atiné a definirla como un “clímax suspendido”. Si me pongo a escribir ahora, esto se vuelve interminable. Sólo volver a decir (si es que ya lo escribí, si es que lo pienso siempre, si es que lo hablé con alguien) que Paul Thomas Anderson es uno de los mejores narradores del cine actual. Con todo su cine, pero hoy con “Magnolia”. ¿Por qué?
-Porque es arriesgado,
-porque es desmedido,
-porque es agresivo en el lenguaje pero nunca insensible ante las situaciones dramáticas que plantea.
-Porque conoce a sus personajes a la perfección, y los deja ser, con sus virtudes y defectos; y los acompaña, incluso permitiéndoles ‘cantar’ lo que sienten.
-Porque su cámara, que no es técnicamente excesiva, no descansa nunca. Siempre acercándose al personaje, siempre rodeándolo; a mayor velocidad a menor velocidad. Su cámara desafía a los personajes, poniéndose en frente de ellos sin mirarlos a los ojos –pero casi-, y de este modo, también nos desafía a nosotros (espectadores).
-Porque cree en el poder de un primer plano,
-porque cree como pocos en el poder de una historia y, por lo tanto, en el poder de muchas historias. Para P.T.A no sirve “menos es más”, tampoco “más siempre será mejor que menos por una razón ‘x’”. Es simple: para él “más” es lo único que existe; y el “todo” y el “siempre” son dos de sus mejores amigos.
-Porque no le importa nada y, por lo tanto, hace lo que se le da la gana.

3- Más Cine, Otro Cine. Me encuentro cada vez más seguido, a la madrugada, frente al televisor, averiguando qué película van a dar en CityVibe o en CityMix. Acto seguido: me encuentro viendo alguna. Siempre son películas que si no son directamente malas, están muy cerca. Siguiendo los lineamientos del libro del guión de Sydfield, son films que pasados los primeros diez minutos no me despiertan ni el más mínimo interés. Aún así, los miro enteritos. La explicación a esto, en parte lógica y en parte vergonzosa, tiene que ver con algunas actrices femeninas jóvenes. Ninguna que haya mencionado en aquel especial sobre estrellas adolescentes (y un poquito más grandes), son mujeres que no aborrezco como actrices, pero tampoco admiro. No iría a ver una película al cine por ellas, pero en televisión, como las considero bellas (y sexys…hay que leer a Porta Fouz en Hipercrítico, que nos cuenta acerca de las mujeres que lo vuelven loco) y, dentro de todo, las respeto, veo estos films en los que juegan roles cruciales. Lo que si es coincidencia, es que son todas películas que tienden al género terror, en principio desde algunos elementos misteriosos de intriga, y en casos más extremos directamente al gore más sangriento. Tengo que creer que son películas que no conoce casi nadie. ¿Me equivoco?

3.1- “The Midnight Meat Train” tiene como presencia femenina predominante a Leslie Bibb. Algunos la conocerán por haber generado unos breves instantes de felicidad en esa cosa horrible que es “Sex & Death 101” (aquí mi crítica); otros recordarán su aparición como una reportera (sexy) en “Iron Man”; los amantes de la comedia quizá la hayan puesto en un pedestal por ser una de las dos diosas de “Talladega Nights” (la otra era Amy Adams…aquí está mi crítica). En este film de horror de alta factura, que trata sobre un tren en el que se asesina a mucha gente y un fotógrafo que se obsesiona demasiado con la cuestión, Leslie carga con una importante dosis de dramatismo y cumple. También está Bradley Cooper, hay bienvenidos aportes de Roger Bart (desinteresado) y Brooke Shields (también, muy sexy) y, como sorpresa en el género, se hace un gran uso del británico y enorme –en tamaño- Vinnie Jones. Creo que es una película que hay que ver, principalmente porque el director Ryuhei Kitamura tiene un ojo muy divertido e ingenioso para la puesta en escena de las diferentes muertes, y esto va más allá de inventar una “nueva forma para matar a cada persona”. Por lo demás, en la película la repetición es constante. Es un hecho que viene desde el guión y le quita interés a ciertos momentos de persecución que, en vez de tener suspenso o mostrar algo de tensión, directamente son revelados –casi anticipados digamos- y nunca pasan de la corrección y el preciosismo que tiene el tratamiento de la imagen. Entiendo que esto (que no veo como algo negativo) tiene que ver, repito, con la alta factura de la película. De presupuesto muy alto y de importantes compañías encargadas de la producción, “The Midnight Meat Train” tuvo un estreno limitado y una recaudación bastante pobre. Aún así, tiene unas secuencias finales que pueden volverse inolvidables.

3.2- Amber Heard, que crece a base de fuertes roles independientes varios (aquí mi comentario sobre “The Joneses”) y que fue la escasa luz del fracaso televisivo “Hidden Palms”, protagoniza “All the boys love Mandy Lane”. Ya es una película vieja, de 2006, de Jonathan Levine. Un raro experimento de género en el que se combinan el estereotipo adolescente más burdo con un intento de verdadero misterio; de ese que es perturbador y realmente incierto, y molesta para bien. El film cuenta la historia de Mandy Lane; la chica más deseada del colegio que se va con unos amigos a pasar un fin de semana en una estancia…y bueno, cosas extrañas comienzan a suceder. Los actores están bien elegidos (resaltan, interpretativamente, Heard y Anson Mouth) y la película abusa un poco de ciertos recursos (en la estética visual en general y en lo narrativo con el uso de ‘flashbacks’) y alarga demasiado algunas escenas. Un experimento al fin, que tiene un pequeño número de hallazgos (hay un más que satisfactorio uso de las locaciones, especialmente de exteriores) y que sinceramente termina siendo confuso, porque se apoya tanto en la situación de misterio y los personajes que cuando al final hace un claro intento de dramatismo, el giro es básicamente ridículo. Si les gusta más, patético. De producción no tan costosa, la película también tuvo estreno limitado y una recaudación bastante pobre.

3.3- Hayden Pannetiere. Siempre divina en la serie “Heroes”; con mucha personalidad y sensualidad en “Raising Helen” (aquí mi crítica); sólo con mucha personalidad en la infantil “Racing Stripes” (esa en la que Frankie Muniz hacía la voz de una cebra); lo único rescatable de la aún más infantil “Joe Somebody”. ¿Sólo yo veo estas películas? Por ella busco en Movie City “I love you, Beth Cooper”; por ella quizá consiga una cosa rara llamada “Shanghai Kiss”. Claro, por ella también me topé con “The Good Student”, de David Ostry. También de 2006, es el relato del secuestro de una bella adolescente (Panettiere, exacto) y de las sospechas que caen sobre el profesor Gibb (excelente interpretación de Tim Daly), que estaba enamorado de ella. Hay un intento de suspenso, hay un elemento también perturbador, pero todo es bastante inocente pues también hay comedia y una que otra válida reflexión de las relaciones humanas (buenos papeles también de un exagerado William Sadler y la joven Sarah Steele; muy pícara…Dan Hedaya, casi lo olvido, está completamente desperdiciado). Al final del día la película parece centrarse más en la vida del peculiar protagonista y los dilemas que lo rodean. Así y todo, la película logra sostener una duda durante todo el relato. Y sí, mientras está secuestrada, a Hayden Pannetiere se la extraña. Los datos dicen que el film fue directo a DVD.

3.4- “What Goes Up” debe contener la actuación menos comercial y más arriesgada de Hilary Duff. Siempre se la vio en películas de Disney y/o vehículos donde sus canciones se escuchaban de forma omnipresente. Ninguna de esas películas es realmente buena. “What Goes Up” tampoco llega a serlo, pero marca un cambio en su carrera que le recuerda al espectador que Duff sabe actuar y que nadie tiene que andar regalándole nada. El film lo vi ya hace tiempo. Es reciente, es la ópera prima de Jonathan Glatzer sobre un periodista que llega a un pueblito que está viviendo tiempos intensos y termina convirtiéndose en una suerte de referente del lugar. Es una experiencia interesante de ver…por la construcción del pueblo en el que se desarrolla, por momentos visuales que únicamente con la imagen dicen muchas cosas, por situaciones directamente bizarras, por la precisión en el uso de la música. Si bien todo parece muy ‘armadito’, muy ‘cine indie’, muy ‘ya lo vi antes’, el elenco es –dentro del marco independiente- “de lujo”: Steve Coogan, Molly Shannon; y dos actores jovenes que sólo con una mirada dan señales de algún tipo de trastorno: Olivia Thirlby y Josh Peck. A decir verdad, todos los personajes atrapan desde algún lado y, aunque no hay tanta sangre, la película tiene una clara dosis de (turbio) misterio que mantiene al espectador colgado, interesado por razones que no se pueden especificar. Este tipo de construcción dramática parece tener más efecto en mí que otras cosas aún más ‘armaditas’ como, por ejemplo, “Snow Angels” de David Gordon Green. Había algo allí que me molestaba. En fin. La historia de “What Goes Up” no cierra de manera concreta. Se entiende que gran parte del relato tiene que ver con deambular, divagar, pero aún así el final no deja una impresión satisfactoria. Lo que se vuelve irrefutable es que Hilary Duff se convierte, por mérito propio, en el centro de atracción de la película. Con sonrisas, insinuaciones, y una mezcla de pretendida inocencia y natural sensualidad, la actriz nos tiene siempre esperando su próximo segundo en pantalla. ¿No me creen?

3.5- Laura Breckenridge es una buena actriz. Lo sé por su participación explosiva en “Gossip Girl”. En tres capítulos derrumbó todo. Y es ella sola, solita, quien carga con “Hit and Run”. La película, un estreno directo a video que incluye suspenso y muerte (chica que cree atropellar a alguien y ese alguien sale a perseguirla y la quiere matar, o algo así), es un desastre. No, no hay que verla pero siempre es muy raro ver a personas dando todo en proyectos que son nada.

3.6- Rose Byrne es una muy buena actriz. Lo sé porque es la Gemma de una gema australiana llamada “The Rage in Placid Lake”; lo sé porque es la oscuridad luminosa de “Wicker Park”, un film que hay que reivindicar. En “Just Buried” comparte protagonismo con el extraño actor Jay Baruchel. Sí, una vez más hay muertes pero no tanto misterio (chico que hereda una funeraria y la única manera que encuentra de empezar a ganar clientes es matando gente con la ayuda de una forense). El film es una extraña comedia de humor negro, como sus personajes. Si no fuera tan rebuscada o exagerada en ciertos pasajes sería una pieza más que recomendable.

3.7- Natalia Verbeke es una gran actriz, y hermosa también, y sexy. “Arritmia” es una horrible película. Y fea. Y distante, excepto cuando está ella. Pero esta no hay que verla.

4-Cine en el cine. Por alguna razón no sabía que Steven Seagal formaba parte del elenco de “Machete”. Creo que ahora voy a ir a ver la película.

5-No sé si sería un mejor mundo cinematográfico si todos hicieran absolutamente lo que tienen ganas. No todos saben qué filmar de esa manera (bajo esos parámetros de total libertad); menos saben cómo contarlo. A algunos directores les agradecemos el riesgo pero también hacemos reproches. Les reconocemos aciertos pero a la vez les pedimos que se calmen. A Paul Thomas Anderson el exceso le sienta bien. Seguramente no es el único, pero es uno de los directores más consistentes en este aspecto. Además, para ser tan excesivo, filma poco. Es una sabia decisión. Hoy el cine nos permite tanto; parece todo tan fácil. Que un director naturalmente excesivo no abuse de esta cuestión básica lo hace aún más admirable.

6-Estoy debiendo un especial sobre tres películas argentinas. Falta poco para que vea la luz.

7-Me pierdo en el estudio, pero respondo todos los comentarios!

Saludos Sospechosos!

Filma tu aldea y serás universal: San Antonio a Mar del Plata

2010-11-12T01:54:00.003-03:00

El nombre es Alejandro Torriggino. Acá lo conocieron ustedes escribiendo para "El rincón de Alejo", pero mucho antes de eso, yo había puesto un link aquí desde los primeros días del blog: "Nuestro Scorsese". No sé que queda en ese link, lo pueden revisar... lo que sí sé es que lo de la referencia al gran Marty no era gratuita. Yo siempre creí que Alejandro iba a terminar haciendo algo relacionado con el cine. Tomó un par de decisiones clave (de esas que marcan la vida de uno, creo) y es el día de hoy que no sólo está haciéndolo, también lo está viviendo... El último corto que filmó en Rosario, titulado "SAN ANTONIO" (los detalles están en el blog de su productora, Crisopeya) ha sido seleccionado para CORTOGENIA, un festival de cortos nacionales por Internet.

El anuncio oficial en la página de Facebook del corto es el siguiente: San Antonio fue seleccionado entre los mejores 50 cortos del CORTOGENIA: 1º Festival Argentino de Cortos en Internet y estará participando por el premio mayor de ficción el Viernes 19 en el Salón Teatro Provincial de la ciudad de Mar del Plata, en el marco del 25º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Allí estaremos. Más info: http://www.mardelplatafilmfest.com/25/prg/actividades6.php

Aquí, de forma exclusiva (y ni tanto, pues Youtube es de todos), les dejo el corto... Espero sus comentarios y sus palabras de aliento para el dire, un amigo de la vida y uno de nuestros futuros talentos nacionales.

Saludos Sospechosos!

Que Facebook y lo otro

2010-11-04T22:28:00.005-03:00

Que tengo una tara (ya la voy a resolver), que debería haber estudiado más para el examen de Historia (hice la comedia musical el finde –fotos abajo-, pero no es excusa y me preocupa la nota que pueda sacarme), que hoy tuve una charla copada con un futuro colega que es de General Roca y sentí la necesidad de escribir varias cosas al llegar a casa (por esta razón también sé que el título de arriba es tan poco ‘atractivo’ para el buscador de Google como el del post anterior –y el que vino antes- aunque tenga la palabra Facebook), que no sé si Kevin Johansen sea tan bueno (lo escuché hablar y tocar el otro día en una radio; siempre digo que es mucho lo que se descubre de los artistas al escucharlos hablando aunque en su arte generalmente se encuentre todo lo que necesitamos saber…el punto es que no conozco tanto de Kevin pero de momento no me dan ganas de conocer mucho más), que fui a ver nuevamente “The Town” (la vuelvo a recomendar, porque es uno de los films del año y me dejó pensando otra vez, no tanto sobre su historia, sino sobre el lugar que ocupa en el cine de hoy y en su género…me generó la necesidad de ponerme a revisar muchas cosas), que por algunos sucesos de la semana me dieron ganas de ver “Titanic” (¿alguien la analizó ‘semióticamente’ alguna vez?) y “Rescatando al soldado Ryan” (¿es posible que todavía no haya visto la película?), que el objetivo de todo este sinsentido es llegar a dar una opinión un poquito más completa de “Red Social” (que es, más allá de cualquier cosa, una de las producciones del año). Después de “lo otro”, Facebook.

“Red Social”

David Fincher nos tiene acostumbrados a los juegos visuales: la cuasi creación y destrucción alucinatoria de mundos en “El club de pelea”; el engaño y la sorpresa constante en “The Game”; el romántico paso del tiempo en “Benjamin Button” (aquí mi crítica); la reconstrucción pesadillesca de crímenes en “Seven” y en “Zodiac” (aquí mi crítica). Si bien cada una de estas películas tiene sus puntos a favor y en contra y sus diversas aristas de análisis, son películas que perduran en gran parte a fuerza de imágenes memorables. En el primer aspecto (el de los puntos diversos de análisis), “Red Social” se lleva un nuevo premio; pero hay que reconocer que visualmente no es para nada poderosa. No creo que tenga más de dos o tres imágenes memorables, que dado el caso también valen más por lo que dicen que por cómo lo dicen –hay un momento de una carrera de canotaje que combina ambas cosas, no puedo dejar de destacarlo-.

Hay que ver también que esta falta de impacto visual puede ser también una decisión del director. Debe serlo, en principio cuando la película gira alrededor de un fenómeno cuyo impacto nunca fue gráfico o artístico sino, ante todo, social. Me parece que en este aspecto es lógico que Fincher haya tratado de reducir todos los elementos del film a una escala humana. Es decir, Fincher nunca renegó de la “humanidad” de los personajes en sus películas, pero siempre que pudo los rodeó de cualidades que, desde algún lugar más o menos obvio, rozaran lo sobrenatural (o lo sobrehumano, si se prefiere). “Red Social” comienza con una conversación: una mesa, dos personas y dos cervezas. Los planos se dividen entre una general de la mesa y dos planos medios de los personajes que de a ratos se convierten en primeros planos. Mark Zuckerberg habla con su novia y en cuestión de minutos la charla se vuelve una discusión, y la discusión se cristaliza en la terminación de la relación. Es una de las aperturas más avasallantes del año: por la dinámica natural de la conversación, una imparable confrontación en la que cada personaje está anticipándose al otro; por cómo Fincher lo acompaña con cambios de plano constantes (gran trabajo de edición, y una operación que se repite bastante en la película) y porque nos presenta de forma poco alentadora y sumamente humana a su protagonista. Queda bien claro desde el comienzo: Mark Zuckerberg es un genio, pero no es de otro mundo. Está completamente atravesado por este mundo, tal es así que su lugar en el mundo -a la vez como superdotado y como integrante de la sociedad- resulta en, bueno, Facebook.

Mark es el tipo que silencia un cuarto. Su inteligencia y sus palabras son sus únicas armas. También sus mejores. No necesita ningún arma más. Es admirable que una película mayor de Hollywood gire alrededor de un personaje con el que es muy difícil empatizar; es también sorprendente que el desarrollo de la historia esté tan bien delineado (construido a través de una no sencilla interacción de tiempos, lugares y personajes, y guiado por los relatos que se dan a conocer a lo largo del curso de dos demandas legales que tienen que ver con Facebook e involucran a Mark), que incluya giros y momentos climáticos de suma intensidad y aún así el protagonista no sufra cambio alguno. No lo vemos cambiar de actitud, no lo oímos levantando la voz, y Fincher lo pasea por diferentes mundos (cámara lenta exagerada mediante) y lo confronta con diferentes personajes que no consiguen corromper su esencia. En este aspecto es clave Sean Parker, el hombre que creó Napster (como Facebook, un antes y un después) y el personaje más atractivo del film, interpretado por Justin Timberlake. Si la Academia se pone un poco loca como en los últimos años y se anima, la nominación como actor de reparto para el cantante no parece tan lejana.

“Red Social” es una película adecuada para el Oscar, seguramente pensada para el premio. Sin embargo, a diferencia del anterior opus de Fincher, no está construida para ello (hecho siempre más favorable que su opuesto, más aún en estos años). La película tiene en su centro una historia de amistad muy fuerte, más humana y cálida que cualquier escena de aquel curioso caso. La música, poco efectista, de a ratos ruidosa, siempre sutilmente perturbadora, acompaña los mejores y peores momentos de Mark y su mejor amigo Eduardo (co-fundador de Facebook), y del resto de los involucrados, todos participantes de un caso legal agobiante.

Pero no son Jesse Eisenberg en el papel de su vida y con su mirada superadora, ni Andrew Garfield con su irresistible rectitud, los que se roban el show. La estrella indiscutida de la película es el guión. Pocas veces se dice que el guión es la estrella de un film, pero Aaron Sorkin logró un trabajo que lo marca para siempre en la historia (ahora) cinematográfica. “Red Social” avanza a base de conversaciones, siempre intensas, extensas, tramposas, llenas de profundas expectativas y de comentarios sobre las personas y el mundo que las (nos) rodea –no puedo dejar de hacer mención al acertado comentario de Xavier Vidal en su crítica, que resalta el hecho de que este es un film pensado y escrito más que nada para nuestra generación; mucha gente mayor en muchas partes sencillamente se pierde-. Es inevitable, con Soorkin siempre nos estamos perdiendo de algo, y si dan ganas de volver a ver la película no es para comprender detalles particulares de una trama que, a grandes rasgos, siempre se comprende (como sucedía en la inferior “Inception” –aquí mi análisis-); sino para deleitarse nuevamente ante los diálogos (repletos de líneas memorables que hacen a todo clásico de Hollywood –y que en películas verdaderamente buenas dan gusto-) y poder recuperar aquello que seguramente perdimos.

Volviendo al comienzo, creo que con un guión como este, a Fincher se le puede perdonar el poco atractivo visual. Se le puede reconocer y agradecer a la vez un respeto por ese guión, en un film que en ningún momento toma por estúpido al espectador, mareándolo con planos alternantes que ilustran las interminables conversaciones que, así de largas y todo, dan ganas de más. Fincher también nos ha malacostumbrado a películas muy largas. “Red Social”, corta y todo, nos hace transitar varios lugares junto a una extensa cantidad de personas. Es un viaje atrapante, en el que en un punto nos involucramos tanto que nos olvidamos que todo ya sucedió…que la historia la vive Mark, que es su punto de vista y que aunque como espectadores queramos saber bien en detalle qué pasó con todos, nos quedarán únicamente pedacitos.

En la red social que conocemos como Facebook podrán existir, para cada uno de nosotros, miles, millones de amigos. Pero en la red social de Mark Zuckerberg hay sólo un nombre. Los demás son perdedores, o directamente desaparecen del mapa.

---8/10

PD: Aquí un par de fotos de la comedia musical estrenada el fin de semana pasado. Salió todo muy lindo, por suerte.

En la ciudad de Ben Affleck

2010-10-29T12:17:00.004-03:00

Es raro el escribir sobre cine a veces. Hay casos en los que nos termina gustando más una película por lo que pensamos de ella (y terminamos poniendo en palabras) que por lo que realmente tiene la película de contenido. Esto es válido. El cine genera muchísimas sensaciones, y los que escribimos intentamos plasmar eso, combinándolo con otros aspectos que hacen a una buena o mala película, siempre tratando de dar –en algún punto- con el por qué de la cuestión (no me canso de insistir en que si escribimos sobre cine es fundamental poder decir por qué no nos gustó un film o, en un caso más sencillo, por qué la dirección de otro es buena o no; quiero decir, decir qué corno significa la dirección y no escribir únicamente “la dirección es excelente”… ¿qué es eso?). Sucede que a veces no alcanza con lo que escribimos después de ver una película que, estamos seguros, nos fascinó. Eso hace que sigamos hablando (y escribiendo) de ella en todo momento para que la mayor cantidad de gente posible entienda que, como experiencia cinematográfica, la película fue algo fuertísimo; algo que no veíamos hace mucho tiempo y que nos provoca extrema felicidad. Más o menos (y resumido) esto es lo que me está ocurriendo con “The Town”, el último film de Ben Affleck que se estrenó aquí como “Atracción Peligrosa”.

Por el momento, no voy a postear mi crítica de “Red Social” esta semana. Doy dos razones contundentes:
1-No llego a terminar de armarla por el tiempo: rindo un parcial el martes y este fin de semana estreno una comedia musical (detalles al final del post)
2-Prefiero que lean, aunque sea, lo que me salió con respecto a este (creo) mejor film que deberían ir a ver apenas puedan.

No va más.

La crítica de “The Town” (dedicada a Mariana, que el miércoles cumplió años y que me acompañó a verla para luego salir con ganas de “matar a alguien”…Gracias!), a continuación.

“The Town”

El segundo film de Ben Affleck es uno de los mejores del año. Trataré de contarles por qué. Para empezar, es mejor que su predecesora, “Gone Baby Gone” (aquí mi crítica). Encuentro sorprendente que Affleck decidiera aumentar la apuesta en todo aspecto: “The Town” dura más, cala más profundo, tiene más escenas de acción y desarrollo de personajes. Recordamos más personajes, la relación romántica central carga con más tiempo y porque el guión es moralmente consistente, “The Town” es una de esas pocas películas policiales en las que nos importa más la vida del criminal que el éxito del robo de un banco o un camión. Dramáticamente es irresistible.

Hablando de aumentar riesgos. Luego de años tratando de construir una mejor reputación como actor participando en films que no mancharan su imagen, y luego de dirigir una película que le ganó respeto aún cuando sus dotes actorales (todavía) seguían siendo menospreciados, Ben Affleck decide ser él mismo la estrella del show. Interpreta a Doug MacRay, un ladrón experto que trabaja en una ‘banda’/’pandilla’ muy hábil en Charlestown (ahí está el “The Town”, no en el título local): instruidos por “el florista” (Pete Postlethwaite), realizan los mejores trabajos en el barrio y, porque algo siempre sale mal, en el medio del robo de un banco, se llevan a la gerente, Claire (Rebecca Hall), como rehén. La dejan en alguna playa y comienzan a vigilarla para asegurarse de que lo le diga nada a la policía. Porque ella sabe; nosotros sabemos. Doug comienza a verla y más tarde Claire recuerda que los ladrones le dijeron que caminara hasta que sintiera el agua: “Fue la caminata más larga de mi vida; pensé que me caería por un precipicio”.

Doug comienza a salir con Claire porque sus impulsos se lo dicen. No puede luchar contra ello. Las mujeres en las dos películas de Affleck tienden a presentar cierta cualidad que va más allá de la belleza: o son independientes y bondadosas, mujeres con las que uno quiere volar al cielo; o autodestructivas y problemáticas, mujeres que inevitablemente uno quiere salvar. Ambas mujeres co-existen en la vida de Doug, y podemos ver que está atrapado; quiere hacer algo. Pero al mismo tiempo, “The Town” trata sobre las cosas que no podemos evitar. Me refiero, claro, a las cosas que no deberíamos hacer si las pensamos por más de un minuto.

Nómbrenme un personaje y señalaré una debilidad. El guión del film, basado nuevamente en una novela y escrito por Affleck y Aaron Stockard junto con Peter Craig, provee personajes con enormes dilemas morales. En “Gone Baby Gone” este aspecto iba aumentando hasta coronarse en un climático final, y funcionaba. Aquí está por todas partes: porque cada decisión de esas que podría cambiar la vida del personaje; porque cada conversación esconde un secreto. Porque el pasado, nunca revelado del todo pero siempre presente, es devastador.

Escribiendo siempre desde el corazón pero esta vez sin la intención de generar impacto, puede que Affleck haya logrado su mejor guión. Las convenciones de género que encontramos en la historia son aquellas que hacen que la película se ‘active’ (para decir algo), pero algo totalmente diferente hace que la película respire. La manera que Affleck tiene de capturar, una vez más, un lugar específico haciéndolo suyo. Domina un estado de ánimo especial (gracias por esa partitura nuevamente Harry Gregson-Williams), entiende los códigos, maneja las calles y camina los techos como para no dejarnos dudas de que sabe, una vez más, de qué está hablando.

Los personajes y su involucramiento en una historia que necesitamos ver contada muestran el crecimiento y el fluir natural de un director que es tan generoso como cualquier actor/escritor/director que, de vez en cuando, decide ser el héroe. Esa generosidad se expresa de una forma tal que nos damos cuenta que él es la estrella principal pero todos los que se paran a su lado fueron elegidos perfectamente para brillar, sin llegar a opacarlo. Es por eso que Rebecca Hall es la perfecta compañera; es por eso que Jeremy Renner entrega una actuación estupenda como el mejor amigo de Doug, un paso firme después de la nominación al Oscar; es por eso que Affleck le da a Blake Lively de “Gossip Girl” el –hasta ahora- papel de su vida; es por eso que Jon Hamm parece un poco desperdiciado y hasta caricaturizado como un agente federal; y también es por eso que nombres mayores como Postlethwaite y Chris Cooper sólo tienen un par de escenas.

Creo que estas son las decisiones correctas de un director tan confiado que al final del día realmente se convierte en la más brillante (en inteligencia y luz) estrella. Honestamente creo que la interpretación de Affleck es la ganadora: creo en todo lo que Doug dice y hace y todo el tiempo me pongo de su lado. Me encontré conmovido por “The Town”, un film no hecho intencionalmente para generar ese efecto pero con todos los elementos posicionados para terminar causándolo. Si no están de acuerdo con todo este delirio, es justo al menos decir que el film es una obra dramática de acción en parte, crimen, romance y amor, con subtramas familiares y de amistad…contada linealmente, visualmente atractiva; muy Hollywood si prefieren. Eso también debería ser suficiente si alguien quiere hacer una de las mejores películas del año.

---9/10

PD: Este fin de semana se hace "ILIRIA", la comedia musical que este año estrena Proyecto Escenario. Son sólo 3 funciones.

Sábado 30: 18hs y 21:30hs

Domingo 31: 19hs

El lugar es el "Auditorium De San Isidro" (Libertador al 16100) y la obra es, bueno, muy divertida, y realmente vale la pena. Los espero si se quieren echar una escapada.

Saludos Sospechosos!

Se detiene el tiempo: dos películas imperdibles

2010-10-25T22:14:00.003-03:00

Atrasamos un poquito el especial de Cine Argentino, si?

¿Cómo les explico que la semana pasada se estrenaron en Buenos Aires dos de las mejores películas del año? Bueno, directamente se los cuento. ¿Cómo los convenzo de que vayan a verlas ambas? Bueno, empiezo por tirarles el dato de que mañana en los cines Hoyts las entradas van a estar a mitad de precio. Más difícil aún: ¿cómo los convenzo de que aquel film que parece el menos bueno de los dos, es de hecho el mejor? Bueno, simplemente escribo.

Comparar a David Fincher con Ben Affleck es ciertamente inútil, y ese no es el objetivo que persigo. Sí aprovecho para hacer una queja ante una Academia Cinematográfica que hoy en día nomina diez títulos para su premio gordo y aún así es poco probable que haga lugar para “The Town” (aquí “Atracción Peligrosa”). Por supuesto que “Red Social” estará nominada. Es el trabajo de un Fincher que está más afilado que nunca, que busca revancha y que sin duda merece más el premio ahora que por el curioso caso que nos trajo hace poco (aquí mi crítica).

Sólo quiero que quede claro que Affleck debería ser considerado como candidato a mejor director. Su última película no tiene la trascendencia a nivel social general que tiene una película como “Red Social”, que inevitablemente nos toca a todos. Tampoco tiene el atractivo directo para con el público (la protagoniza él mismo, mal augurio de entrada, ¿no?) que puede tener una “Inception” (aquí mi análisis). En líneas generales, es una película policial más, de crímenes y robos, de esas que –buenas o no- la Academia pasa por alto. Sin embargo, “The Town” tiene una cualidad que ya quisieran tener muchos films hoy en día (aún más en ese género específico): es una experiencia cinematográfica verdaderamente trascendente para el espectador. Cuando una película logra esto significa que está hecha con el corazón, con mucha garra y, sobre todo confianza; esa confianza que demuestra que no se le tiene miedo a nada. Pura, sn trucos; profunda porque su historia y el lugar en que se desarrolla no permiten otra cosa.

A diferencia del arriesgado silencio que emplea Affleck para el desarrollo de una gran cantidad de diálogos, Fincher arremete con toda la furia del habla (cortesía de un fenomenal guión de Aaron Sorkin), del sonido y de la música más extraña y seductora para presentarnos el mundo elite de Harvard en el que se esconde un genio por algún rincón. Y sí, “Red Social” tiene una parte humana, en el lado más cínico y arrogante de su protagonista, que se combina con un lado patético que nos da lástima pero no nos hace empatizar del todo con ese Mark Zuckerberg de personalidad tan definida, imposible de moldear. No creo que se haga difícil conectar con “Red Social” por las características de su protagonista únicamente. Hay algo superior, que tiene que ver con que, como película, es una apuesta segura. Sabemos, que porque habla de Facebook (y de todas las redes de ese tipo) desde algún lado a todos nos llega. Dicho esto, es obvio que “Red Social” nos va a enganchar, con notables armas –especialmente su guión- que si las pensamos en frío no tienen tanto que ver centralmente con ese atractivo que es Facebook. Pero también es obvio que es una película que desde todos sus lugares cierra a la perfección; que inteligentemente va entrelazando sus líneas dramáticas para que no olvidemos nunca que se nos está contando algo que ya sucedió. Ojo, que este objetivo, propio del film, se ve traicionado (una traición que juega a favor; casi una traición cometida –también con suma inteligencia- adrede) por lo que ocurre en una trama que nos deja maravillados a cada minuto, de modo que sentimos que todo sucede en un incuestionable presente. Con todas estas cuestiones tenidas en cuenta, me surge el pensamiento: “Así se hace cine…qué película admirable que seguramente pasará a la historia del cine. Me tiene que gustar. Sí, sí, me gusta”.

La frase escrita arriba (o algo similar) es más o menos la que se me cruzó por la cabeza al ver “El Ciudadano” de Orson Welles, título que sí se cuela es porque se está comparando a Mark Zuckerber con Charles Foster Kane; porque leo críticas que hacen referencia a esta conexión. En “Citizen Kane” el presente también era más poderoso que otra cosa, aún luego de conocer el comienzo-nudo-desenlace de la vida del magnate en un flash al inicio del film…aún luego de sea lo que fuere que significaba Rosebud. El film de Welles avanzaba rápidamente, con cambios bruscos y diálogos inteligentes y afilados. Y bueno, todo genial, porque la película marcó un antes y un después; pero Tote Auche es testigo de que se puede decir sin miedo que quizá no sea una gran película. Más o menos esa es la situación que vivo con “Red Social”.

Igualmente la crítica más completa de ambos films esta semana es necesaria, porque hay ver las dos películas…pronto!

Pensamientos? Pasen y vean una gran película (3)

2010-10-18T00:38:00.007-03:00

"Sabés una cosa? Cualquiera de estos días te voy a besar", dijo él. Y antes de que ella pudiera interrumpirlo prosiguió: "Sí, ya sé. Estás sorprendida y no lo podés creer, pero en el fondo sabés que hace tiempo que te quiero besar. Pasa que por alguna estúpida razón vos pensás que lo nuestro es de amigos, aunque yo estoy completamente convencido de que usé todas las armas posibles para que te dieras cuenta de que te quiero besar". Concluye la oración y piensa para sus adentros: "Es que es tan obvio, siempre fue tan obvio. Pero claro, vos no. Vos no te lo ves venir. Y menos vas a coresponder. Es la historia de mi vida".

Hay veces que envidio tanto a Ana Sofía. Tener, no sé, la necesidad o el gusto o la incontrolable -digámosle- 'reflexividad' para sentarse a escribir las cosas que pasan y hacerlo de manera tan admirable, con una prosa tan adictiva y perceptible pero a la vez tan misteriosa. El otro día ella mencionaba la revista "Oblogo". Yo tengo un número acá en casa. Nunca lo leí pero entiendo que tiene que ver con gente como uno contando sus experiencias de todo tipo. Yo sé que Ana Sofía escribía estas cosas antes de conocer "Oblogo", y honestamente creo que no necesito la revista porque tengo su espacio; ese que -nunca nos cansamos de repetir- quizá no le interese a nadie, ese que no queremos que nadie lea pero que a la vez irremediablemente nos involucra a todos. Son partecitas, frases, dichos, bromas, insultos, pequeños pedazos de vida que en algún punto todos compartimos. Que nadie diga que no somos parte del mismo mundo.

Así de Ana Sofía salto a Sofía, Sofía Coppola. Y le recomiendo a Ana Sofía (y a todos, por supuesto) especialmente esta peli, que quizá no la vio. Esta es la peli que vengo escondiendo entre tantas mini-críticas; esa única gran peli -qué feo suena a veces esa frase hecha, en serio- que vi en el eterno mes y medio sin clases. Me contenta el estado de las cosas pero va a ser difícil retomar el ritmo. No tengo dudas.
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"María Antonieta" es la muestra más clara del universo que Sofia Coppola intenta establecer como directora. Hablamos de un universo propio, de corte autoral que se inmiscuye más que intencionalmente en el contexto de todos sus films y que tiene la particularidad de lo étereo, como si nos llevara con ella en un viaje en el que no interesa mucho el destino ni las respuestas finales sino más que nada el recorrido, que por alguna razón se ve interrumpido. Creo que si tuviera que elegir, Sofia no terminaría nunca de viajar, pero como artista de cine entiende los tiempos del largometraje y busca situaciones que frenen las experiencias vividas de manera lógica e incuestionable, que ni siquiera ella misma como escritora/directora pueda poner en duda. En "Las vírgenes suicidas" era la muerte, anticipada al inicio del film; en "Perdidos en Tokyo" era el inminente regreso...en "María Antonieta" es la propia Historia.

Me recomendó mi profesora de Historia Social General que viéramos este tipo de películas, que nos ayudarían a comprender de una manera entretenida lo que estamos leyendo en libros. La profe mencionó "María Antonieta", donde entiendo yo que la Historia es casi lo de menos. Si bien Coppola no le falta el respeto a lo ocurrido en Versalles y en Francia durante la etapa de Luis XVI (interpretado por un -intencionalmente- desencajado Jason Schwartzman), todo lo que en los libros conocemos como Historia es para este film un detonante y, como ya se dijo, un mecanismo de interrupción. En el medio de todo esto, tenemos a una hermosa niña austríaca que fue envíada a Francia para darle un heredero al nieto del rey. Sí, para la concepción general hablamos de María Antonieta; pero para Coppola la niña es una vez más Kirsten Dunst, que despliega todo su encanto y carisma para seducir a un príncipe que no quiere hacerle el amor. Banalizar los hechos? No, simplemente darles un poco menos de solemnidad; una decisión de la directora que funciona como una fuerte brisa de aire fresco que azota contra todas las películas Históricas con gente que tiene pelucas y que a muchos nos cuesta ver enteras. Por eso la puesta en escena hace que esta María Antonieta parezca más una Paris Hilton/Lindsay Lohan que la niña rebelde que evidentemente fue. El extremo opuesto a lo solenme aquí es el ridículo, la exageración -mediante la música de alto volumen que nada que ver tiene con la época, las copas derramadas por el piso y los hombres y mujeres recostados por doquier- de ciertas fiestas nocturnas en las que, si bien ocurría de todo, nunca se perdía la 'clase'. Aún así, se procura darle a la protagonista una consideración humana; un desarrollo de personaje que pretende de a ratos convertirla en víctima vulnerable de todo un clima social y político que la superaba. Como si Coppola, mientras da la clara orden de "romper todo" se acercara y nos susurrara: "Es sólo una niña".

La película más cara de la directora sigue la línea tan intencionalmente desprolija/desconsiderada desde el lado técnico que tenían sus anteriores obras. Se reúne nuevamente con el director de fotografía Lance Acord y la editora Sarah Flack, esta vez con el permiso de filmar en Versalles, lo que le permite obtener momentos visualmente mágicos que siempre, por un segundo, nos parecen innecesarios. Menos como en su ópera prima y más como en su segundo trabajo, hay un montón de 'nada' en "María Antonieta". Hay un tiempo claramente suspendido en el que nada avanza pero en el que Coppola está definitivamente viajando y nos invita si tenemos ganas. Si aceptamos SU universo en el contexto de cada uno de sus films, no podemos hacer otra cosa que admirarla. Es un universo que podría explicarse, por así decir, en 3 operaciones:

1)Presentar: introducir a los personajes, más que nada a los principales, en un momento y lugar, en una cotidianidad, y con algo que desde el principio los pone en conflicto. Ejemplo de "María Antonieta": el hecho de casarse con alguien designado para darle un hijo, con 14 años y en la Francia de entonces.

2)Contener: dar pie a una situación o serie de eventos, que generalmente devienen automáticamente del conflicto, y que hacen que los protagonistas entren en una desesperada -de mayor o menor grado- y necesaria búsqueda de algo que cambie el estado actual de las cosas. Ejemplo en "María Antonieta": el difícil intento de lograr el objetivo, que se cruza con las relaciones diplomáticas y el entorno de personas que no ven a María como alguien que merezca el lugar que ocupa.

3)Liberar: hacer que la situación contenida explote, en menor o mayor medida. Lograr que esa contención se convierta, en el contexto de cada película, en algo que claramente se identifique con la liberación, y que implique que los personajes tengan que manifestarse de alguna manera, quebrar ciertas normas; transgredir. Ejemplo en "María Antonieta": cosas concretas como el aplauso en medio de la función de ópera, o el pequeño mundo aparte que le pide a su marido que le construya; luego el resto.

Creo que es posible localizar estas 3 cosas en cada película de Coppola, que no siempre aparecen instantáneamente, claramente a la vista (tampoco creo que sea una directora a la que le interese dar una completa claridad de las cosas, menos a medida que se acerca del final de los films). Son películas, sin embargo -y si me permiten la contradicción-, sumamente claras. Universos donde la luz centellante del día y la oscuridad de la noche juegan roles marcados y específicos; historias de nada que dicen mucho para el que preste atención y quiera (como dije) viajar y agarrar pedacitos; obras que buscan sin cesar la obtención de momentos de -como se dice- "cine puro", y los logran exitosamente.

Y volviendo al comienzo, son películas, que -como deja muy claro el último plano de "María Antonieta"-, tarde o temprano, y en el mundo de Sofia casi sin aviso previo, terminan...aunque queramos lo contrario.

---8/10

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Porque siempre hay que volver, transcribo el final de la crítica en inglés que escribí de "Perdidos en Tokyo":

"Un amigo me dijo, cuando estábamos hablando de la peli, que no tenía 'clímax'. Yo debería decir que no necesita uno. Yo al menos no lo estaba esperando"

Acá al final, el final de mi crítica de "Las vírgenes suicidas", parte de un post de este año titulado "La nada":

"No es fácil de lograr, aunque estar producida por Francis Ford Coppola genere tranquilidad. Su hija le saca el mejor provecho, transmitiendo un espíritu de lo que en el cine se conoce como ‘independiente’, y que si bien nos resulta una definición molesta, sabemos que es un espíritu que provee mucho de estática...mucho de “nada” y poco de clímax y conclusiones que, más veces de las que queremos admitir, son innecesarias."

Es bueno re-leerse cuando se termina de escribir algo, y luego buscar lo que uno escribió en el pasado que se relaciona con lo que acaba de escribir. Es más bueno aún reconocer finalmente que uno tiene una coherencia a través del tiempo. Es algo que, dentro de todo, me deja tranquilo.

SE VIENE UN INTERESANTE ESPECIAL QUE GIRA ALREDEDOR DE ALGUNAS DE LAS ULTIMAS PRODUCCIONES ARGENTINAS.

PROMETI UN OCTUBRE CON TODO, NO?

SALUDOS SOSPECHOSOS!

Rareza de la semana

2010-10-16T08:02:00.004-03:00

AVISO: Esta no es la gran película que vi en estos meses y que vengo anticipando hace un par de posts. Es simplemente una rareza para destacar que si no se las traigo este fin de semana no lo hago más. Se estrenó acá hace un tiempo pero me parece que pasó desapercibida (ni me acuerdo qué título en español le pusieron). Ahora, por supuesto, en casas de DVD alrededor del país. Quiero dedicarle la crítica a Tomi Raimondo, que me invitó a verla a su casa; y al histórico Matsan, que acompañó la experiencia.

La crítica de "The Brothers Bloom", a continuación.

"The Brothers Bloom"

Es una idea. Un pensamiento conclusivo sobre una película. No puedo decir que "The Brothers Blooom" es buena porque contiene lindas imágenes de trenes, porque está estupendamente filmada e incluye planos de que muestran un gran trabajo de puesta en escena en relación a la historia que se quiere contar. Tampoco puedo redimirla por tener una elección de locaciones admirables y alguna que otra buena atracción. Esas son las virtudes del film. Punto. La conclusión a la que llegamos con algunos amigos -bueno, más que una discusión puede que haya sido un monologo- fue que había algo en la película que no estaba bien, por más que en el final nos ofreciera claridad, sin dejarnos muchas preguntas para hacernos. Claro, si bien yo siempre digo que es bueno que algunas preguntas (de cualquier índole) queden en la cabeza cuando se termina un film, hay que recordar que no hablo de preguntas como las que deja "Inception", que creemos que son válidas y de inteligencia, y resultan ser lo contrario. Creo que el problema de "The Brothers Bloom" se relaciona con el género y el tono. Lo dije, lo sigo sosteniendo y no hace que la de Rian Johnson sea una peor película (ni siquiera la hace una película mala), pero impide que sea buena.

Lo primero entonces. Todos sabemos que existen géneros. Los vemos aunque no los podamos definir y distinguir con exactitud, e incluso así logramos localizarlos aún más cuando se hacen bien explícitios. Tal es el caso de películas que han parodiado ciertas convenciones de género en los últimos años -con diversos grados de éxito, cabe aclarar-: terror, superhéroes, comedia romántica, épica, etc. Creo que saben de qué hablo pero lo expongo para que quede claro. Hay, podría decirse, un segundo grupo en el que diversos géneros fluyen, apareciendo y desapareciendo en la historia, visual o narrativamente, si bien la película tiene un género principal más o menos definido. Luego hay películas como "The Brothers Bloom", cuya trama y la forma visual en que se cuenta devienen directamente de un género. En este caso, el género es el de estafadores (en inglés, 'con men'), y todo lo que desarrolla la película tiene relación directa con esto: los personajes y sus conflictos, el clima 'engañoso' general y, por supuesto, la 'gran' estafa final. Aquí la particularidad es que este golpe es anunciado desde el comienzo, en una suerte de introducción que el film hace de los hermanos del título. Ya sabemos que este golpe no va a ser sencillo, ya sabemos que va a incluir alguna hermosa mujer y alguna historia de amor y por supuesto esperamos que haya algún giro argumental que nos sorprenda. No estamos obligados a ilusionarnos con todas estas cosas, pero "The Brothers Bloom" nos lo permite porque nos anticipa una historia que ya tuvo final y nos hace percibir que va a haber cierto "juego", por así decir, con esta idea. De este modo, Johnson inunda la estética del film con toques de puesta en escena que hacen alusión a la incapacidad de diferenciar realidad e historia (ficción); a un aire de confusión general. Cosas como los infaltables trucos de cartas, los repetidos y coreografiados acercamientos y alejamientos de cámara -estos últimos se dan más veces- que dejan solos y pensativos a los personajes, o las luces que se prenden o apagan mágicamente en lugares inesperados son la prueba de una estrategia que aparentemente apuesta a la intensa conexión con el género en cuestión. Pero qué pasa con el tono?

Si se va a contar una historia que se basa en el engaño (el protagonista -para que no parezca que no presté atención a los personajes- básicamennte ha vivido una vida de mentira), lo más lógico sería adoptar un tono serio. Aún así, el "juego" con el género mencionado, como traté de exponer, es una constante. Aquí es donde encuentra las contradicciones el film. Está claro -y es válido y no poco interesante- el planteo del engaño como algo juguetón que también hace mal. De este modo, al comienzo la combinación de las actuaciones principales juega positivamente: un Adrien Brody bastante -quizá demasiado- afligido (le sale muy bien, es cierto), un Mark Ruffalo que entiende a la perfección el concepto de la estafa como una historia ficticia y con ello se divierte, y una Rachel Weisz tan ingenua como seductora. Sin embargo, si bien el planteo de esa mezcla entre juego y engaño, historia y verdad, es posible de lograr, "The Brothers Bloom" comienza a mezclar los tonos desde varios lugares. En mi opinión se trata de decisiones poco inteligentes por parte del director: líneas de guión innecesariamente dramáticas y sobrecargadas con música emotiva anuncian cosas que no hace falta anunciar por un lado, y por el otro el despliegue general de artificio de la película plantea una duda sostenida en el espectador de sí lo que está viendo es parte de una estafa mayor o no. Esta duda puede, de a ratitos, convertirse para el espectador en una ilusión que siempre lo terminará decepcionando y confundiendo aunque el predominio total de un género como el de 'estafadores', tan apegado al truco y la picardía, intente justificar implícitamente estas repetidas y francamente cansinas (i)resoluciones argumentales. El género, se dijo, ya es en el film demasiado explícitio para pasar desapercibido cuando se está abusando de él.

---6/10

Mini mini-críticas? Pasen y vean (2)

2010-10-12T18:09:00.004-03:00

Ver una película que, por alguna razón, sí se estrenó en cine aunque ya estaba en DVD, permite reflexiones también interesantes. "Hombre Solitario", de Brian Koppelman y David Levien, escrita por el primero, es un film de aire clásico. No es una referencia a la época del cine (más bien la trama se ocupa de algo bien moderno), sino a cómo se lleva a cabo; con bastante clase. Los planos tienen un andar elegante, poco vistoso, y con esa misma sobriedad se manejan las conversaciones y diálogos del film. Llevo tiempo comentando que no quiero decir esta frase que suena tan de vieja, pero resulta que "Hombre Solitario" tiene 'muy buenos diálogos'. También es clásica en su elección actoral. Michael Douglas a la cabeza, Susan Sarandon como su partenaire; la participación de Mary Louise Parker (una hermosa actriz con muchísima clase), la presencia de Danny De Vito; la inclusión de una actriz como Jenna Fischer, que maneja muy bien la emoción (verla en "Rocky Balboa"). No menos importante es la participación de tres actores jóvenes del circuito independiente, capaces de construir personajes inteligentes y vulnerables en poco tiempo de pantalla: Jesse Eisenberg, Olivia Thirlby e Imogen Poots. Es un fino elenco, contenido, medido, en una película que, creo, está libre de excesos. Si bien el protagonista es una figura muy fuerte y quizá estereotipada (el hombre grande que siempre fue egoísta e hizo las cosas mal, dañando a sus seres queridos, y ahora busca una nueva oportunidad), Douglas lo vive al máximo y su convicción elimina las dudas del espectador ante ciertas acciones del personaje: una piña un poco infundada, su presencia desubicada en fiestas universitarias, sus frecuentes olvidos y maltrato general para quienes lo apoyan...Es un hombre que ha vivido mucho y no está tan seguro de haber aprendido de sus errores. Es defectuoso, lo sabe, y sin embargo hace lo que puede para repartir su sabiduría a quien lo quiera escuchar, porque sigue siendo, con más de 60 años, un hombre egocéntrico y confiado que coquetea con mujeres de 20 y le ruega a su nieto que lo llame "capitán" en vez de "abuelo". La fuerza de la actuación de Douglas arrastra positivamente un film noble que prefiere proponer situaciones y meditar sobre ellas sin tanto alarde antes que correr en busca de una "resolución". Koppelman y Levien no colocan en la película algo que esta no pide y, como elemento 'mainstream', son un poco obvios -desde el diálogo y la imagen- en el planteo de la ambiguedad sobre el final. No les resta mérito.
---8/10

"The expendables" es el último grito de batalla de Sylvester Stallone. Un grito que habla por todos aquellos actores de acción que durante los 80 y los noventa se hicieron con un tipo de cine que nunca fue respetado. Con los años, algunos intentaron darle más prestigio, otros lo pudrieron. El punto en común es que la mayoría eligió centrarse allí, en ese mundo de músculos y disparos, para tratar de mantenerlo a flote con respeto y calidad. Allí está Dolph Lundgren, el Ivan Drago que Rocky tuvo que vencer en su cuarta entrega. Allí está Jet Li, el actor oriental que a base de batallas se hizo un lugar en la industria americana. Allí está Bruce Willis, el pelado duro de matar que hoy en día es, en sus mejores momentos, un sorprendente actor de carácter. Allí está Mickey Rourke, pieza fundamental de una generación perdida; la búsqueda eterna de un regreso con papeles que piden redención y que en el caso de "The Wrestler" llegaron hasta la carrera del Oscar (lo que importa para Rourke actor es el tipo de papel, que aquí tiene ese mismo aire de héroe destruido que tenía en el film de Aronofsky y en "Sin City", de Rodriguez). Y así también se aparece Stallone, en su figura de director/actor/escritor. Stallone siempre buscó un poco más de prestigio, y es cierto que se le complicó más que a otros. De este modo, ante la comprensión de esa situación -y como lo fueron sus últimas "Rocky" y "Rambo",- sus 'indestructibles' no sólo es la defensa, lo más estilizada posible, del género que lo hizo mundialmente famoso. Es algo que él necesita decir, por más que muchas cosas le salgan mal. Stallone, a quien considero un excelente guionista, necesita expresar que entiende y conoce el género que lo ocupa, y más. Entiende también que no llegará al nivel artístico, de consenso y premiación que alguna vez tuvo su boxeador antológico. Aún así, sale a la carga en esta ocasión con más exceso que de costumbre. Su última Rocky no lo necesitaba; le bastaba con los momentos medidos de emoción contenida, siempre cursis como solo él los puede lograr. Pero "The Expendables", más allá del planteo obligado y simple, a la larga predecible, de su historia, tiene todo: el momento de amistad cursi, el momento de amor/protección -tanto del lado de los buenos como de los malos-, el discurso del héroe avejentado, las peleas con puños, las peleas con armas, las explosiones...Se va al carajo, es cierto, y el film termina siendo, como decía Juli Rodriguez, "tacky" (chabacano, grosero). Pero, qué se le va a hacer? El Stallone que a mí me gusta, también como actor (sí), no conoce otra manera. Hay que preguntarse por último: Stallone se ríe de sí mismo? No sería justo decir que sí pues nunca lo hizo (y por eso Steven Seagal -el único de los "duros" de acción que verdaderamente da risa- y Jean Claude Van Damme -que entiendo que sí se rió de sí mismo hace poco- no podían ser parte de un proyecto como "The Expendables"). Pero lo que sí hace es tomarse la industria cinematográfica y el rol que él ocupa allí con mucha ligereza. No hay otra forma de comprender la inclusión en el elenco de Jason Statham, un verdadero "duro" moderno que desde que entró en la escena de la acción jamás se ha autoparodiado pero siempre, para bien o para mal, se ha literalmente "cagado de la risa". Statham es un actorazo y aquí se roba la película, porque así tiene que ser. Entonces con las escenas cómicas de preciso timing entre Statham y el director/actor/escritor; más el comentario actual, cómico y bien manejado que tiene que ver con Schwartzenegger; más la muestra entendimiento de Hollywood que es, en general, su más reciente película, es Stallone, necesariamente soberbio, quien está en algún lado diciendo: "Yo ya las hice todas; les doy mil vueltas y de acá no me saca nadie".
---7/10

Luego de tanto pensar y descargar un poco, concluí que sólo había visto un gran film (que feo suena eso a veces) en este período bastante inactivo. Pero lo dejamos para la próxima.

SALUDOS SOSPECHOSOS!

Octubre: Mini mini-críticas? Pasen y vean (1)

2010-10-07T20:17:00.008-03:00

Arrancamos octubre con todo! Siempre es bueno comenzar con un gran dilema. Estuve pensando en la gran cantidad de películas que vi en el mes que la facultad lleva tomada, y las ganas que tenía de escribir sobre todas ellas. Luego pensé un poco más y me di cuenta que tenía muy poco para decir de cada una. Que si bien las 4 películas más clásicas que había visto ("North by northwest"y "Rear Window" de Hitchcock, "Breakfast at Tiffany's" de Blake Edwards y "The day the earth stood still" de Robert Wise) me habían gustado mucho -cada una por razones particulares-, todavía no me siento en un dominio del período cinematográfico como para encargarme de algo detallado, y por lo tanto, tampoco me generaba hacer un "Toco y me voy".

Ver "The Ugly Truth" no hizo otra cosa que confirmar mi admiración por Robert Luketic, que esta vez se alejó un poquito más de la fórmula del género, para entregar una lucha de sexos un poquito desenfrenada aprovechando al máximo las jugosas bocas y el jugoso físico de dos actores como Katherine Heigl y Gerard Butler. Es una buena película, que sufre una pérdida importante de puntos por saber que tiene que aferrarse a la fórmula al final del día, y las cosas se tienen que apurar para dar una conclusión que aparece como poco natural y contradice la picardía general con la que se venían manejando los personajes. En esta misma línea de género, ver "Post Grad" confirmó que los talentos de Alexis Bledel son limitados pero alcanzan y sobran, que Michael Keaton siempre quiere protagonismo pero cuando se pone juguetón y un poco humilde es grandioso verlo en pantalla; y que una película que abraza la fórmula y el cliché con todas sus fuerzas para entregar un relato cursi y predecible funciona mejor que otras que dan muchas vueltas sobre este asunto básico. Ademas el último plano es genial, por la situación que significa y el lugar de donde viene, sobretodo en el género romántico.

Ver dos películas independientes, óperas primas (dato que quizá no sea menor) de las que acá no llegan a los cines y se encuentran en pocos videoclubes me hizo lamentarme ante la estúpida necesidad que el cine de vez en cuando tiene de proporcionar lo que se conoce como "resolución". Sigo creyendo que aquella no es obligación de una película y que hay películas que no la hacen sentir como algo inminente durante su desarrollo y, cuando la entregan, le otorgan proporciones demasiado grandes que no tienen que ver con la "pequeñez" con la que las historias se venían manejando. Historia de ambiente pequeño, "Charlie Bartlett" se desarrolla primordialmente en un colegio público secundario, en el que un adolescente millonario ingresa y, para ganar popularidad, empieza a llevar a cabo todo tipo de operaciones en el baño de hombres. Es una película muy sentida, que obvia toda convencionalidad que pueda esperarse de films que se desarrollan en ese ambiente, y con respeto por sus personajes desarrolla una historia de crecimiento y cambio, y también una historia de amor. Es un papel importantísimo para el joven Anton Yelchin, que despliega todo su talento; y también para la extrañamente hermosa y promesa del cine independiente, Kat Dennings. La historia de amor es perfecta y está bien planteada. Ahorra diálogos innecesarios, apuesta a la química silenciosa de los personajes y en tres escenas resuelve lo fundamental, sin excesos. Por otro lado está la situación conflictiva que generan las operaciones que Charlie hace en el baño, resultando en una enemistad entre el protagonista y el director del colegio (Robert Downey Jr, quizá demasiado extravagante esta vez) que además resulta ser el padre de la chica de la que se enamora. La enemistad mencionada va creciendo, y la "resolución" se expresa a través de un discurso que revela la honestidad de los personajes y establece para ellos una nueva forma de encarar la vida, que es, claro más positiva. No hacía falta; no de esa manera.
---6/10

"The Joneses", por otro lado, se desarrolla en el ámbito de una ciudad, centrándose en los miembros más 'elite' de la sociedad. Una familia, los Jones, llegan a vivir a la ciudad, y de a poco se convierten en la familia modelo, dado que sus vecinos empiezan a imitar lo que los usan y la forma en que llevan su vida. Los Jones son muestra de estabilidad, de cariño y sexualidad desenfrenada, y poco a poco la trama va desmintiendo estos supuestos con esa idea de que "no todo es lo que parece". Sí me gusta, desde el guión y los escenarios (una casa gigante, campos de golf, fiestas nocturnas), cómo se percibe un elemento perturbador latente; no me gusta cómo el director ve la necesidad de resaltarlo constantemente con una música que siempre está fuera de lugar. Sí me gusta el uso de un actor completamente desinteresado como Duchovny, que es perfecto para dar cuenta de alguien que nunca entiende bien todo lo que sucede a su alrededor pero tampoco le importa mucho. La cara contraria, con una Demi Moore extremadamente seria y muy sexy -una especie de coraza-, también resulta acertada. Sí me gusta la participación del honorable Gary Cole y la actuación de Amber Heard, rubia joven y en ascenso que al parecer ha elegido muy bien los papeles en el circuito independiente. No me gusta la "resolución", que se expresa a través de un discurso que revela la honestidad de los personajes y establece para ellos una nueva forma de encarar la vida, que es, claro más positiva. No hacía falta; no de esa manera.
---6/10

Que quede claro. Yo no tengo la respuesta de cómo se tenía que encarar esa "resolución" (entrecomillada por lo grande e importante que termina siendo en la película), y no digo que no deba existir. Lo que sé es que particularmente en estos dos films se trabajó mal. Es muy fácil (y decepciona) ver cuando una película, simplemente con una escena, logra traicionar todo lo que venía desarrollando. No puede ser buena una película que tenga una 'doble traición': para consigo misma y con el espectador. Vieron las pelis? Y si no lo hicieron, qué piensan?

La próxima dos películas un poquito mejores que las vistas hoy, como para ir subiendo el ánimo. Será un post sin presentación, directamente continuado de este 'Mini-mini críticas'. Pero la próxima.

Saludos Sospechosos!

Me decepcionaste

2010-09-29T16:12:00.004-03:00

Debería esto servir para una especie de defensa de una de mis actrices favoritas en la corriente encuesta del nuevo concurso de Xavier Vidal, "La actriz de la década". No va a alcanzar, por más que Hudson allá deslumbrado en "Casi Famosos" (aquí mi crítica), se haya consagrado como una de las actrices más simpáticas y ganadoras de la comedia romántica y haya logrado todo aquello por lo que la hemos alabado aquí. Es cierto que quizá sobre el final de la década haya dado algunos pasos en falso, y eso le imposibilite siquiera entrar al 'backstage' de la competencia de "Cinoscar y Rarities". Esperemos que los resultados sean otros. Aún así, "La novia de mi mejor amigo" no se salva por nada del mundo, y es importante calificarla como una decepción de la mujer más hermosa del mundo; una gran actriz: Kate Hudson.

La crítica de "My best friend's girl", a continuación.

"My best friend's girl"

Era lo mismo con este otro film, "Marido por accidente", sobre una mujer que termina conociendo a alguien que no es el Sr. Perfecto, pero de alguna manera parece el indicado. Y no es sólo la trama y el desenlace que se asimilan, hay algo enteramente mal acerca del planteamiento de ambos films y las decisiones que toman. Es algo que tiene que ver con tratar de desafiar clichés que termina arruinando los clichés que se querían desafiar en primer lugar. Porque esta película, "My best friend's girl", no trata de saltear los clichés o hacerlos mínimamente diferentes, frescos y/o originales (se me viene a la mente "27 Bodas" -aquí la crítica de Alejo- de Anne Fletcher-); el guión le da a cada detalle un pequeño giro -a veces más de uno- y, francamente, el film se vuelve confuso.

Jordan Cahan escribió el film, su primer guión. No hay nada interesante en él excepto una referencia a Norah Ephron, y no es una referencia que esta comedia romántica debería haber tenido el derecho de hacer. Más una comedia que un romance, cuenta la historia de Dustin (Jason Biggs), que está enamorado de Alexis (Kate Hudson) y necesita la ayuda de su primo/amigo (la conexión familiar intenta generar algún tipo de momento sensible con una línea de la trama que involucra una pelea que nunca funciona) Tank (el comediante Dane Cook) para que ella se de cuenta que él es el indicado. "Soy el indicado, pero no el indicado ahora", se queja Dustin.

Entonces, esto es lo que Tank logra: hace que las mujeres pasen la peor noche de sus vidas para que ellas vuelvan arrastradas hasta sus ex-novios. Lo hace insultando a todo el mundo todo el tiempo y, básicamente, como la película nunca se cansa de recordarnos -una escena de una discusión telefónica que pretende ser graciosa sería un completo desperdicio si Kate Hudson no fuese tan creíble en su rabia-, siendo un estúpido. Es justo decir que éste es todo el material cómico que el film tiene para ofrecer; y la verdad es que las bromas nunca se detienen y sólo funcionan pocas veces.

Howard Deutch dirigió el film. Está tan interesado en generar risas que se olvida del resto de las cosas que están ocurriendo en el film. Desarrolla la historia de amor con falta de respeto, con demasiados montajes musicales y sin interés alguno por los personajes: de aquí, la confusión. Esto no es chiste: en el más fácil y entendible de los géneros, la narración del director es incapaz de lograr comprensión, y cada vez que una situación romántica se está desarrollando, nos tenemos que hacer muchas preguntas que no deberíamos. Algunas comedias románticas son capaces de hacer pensar al espectador, y cuando lo hacen bien, uno agradece y se maravilla, porque el film lo merece. En "My best friend's girl" no estamos interesados.

La apuesta de Deutch está en Cook y su habilidad para la comedia. Sí, es un comediante pero eso no va a hacer que todo lo que diga sea gracioso. Lo hemos visto interpretar este tipo de papel antes en otra horrible comedia romántica, también semi- orientada al sexo, "Good Luck Chuck": el tipo insensible y egoísta al que no le importa nada y luego conoce una mujer que cambia su vida. Luego de haberlo visto en cuatro films (las dos mencionadas, "Mr Brooks" -aquí mi crítica- y la apenas mejor "Dan In real life"), mi conclusión es que no es un actor: es un comediante en películas. Tiene el carisma y la simpatía de un galán, pero carece de la ternura y la meditación. Es como si no pudiera parar. Entonces aquí, ni él ni Deutch paran y un par de las bromas del film, por repetición, generan grandes carcajadas.

De todos modos, es la apuesta incorrecta. No porque el director debió haber elegido otro actor para interpretar al protagonista, sino porque la forma de encarar el género está errada. Por qué? El director ni siquiera comienza a entenderlo. Hay comedias románticas que han tenido éxito por abrazar los clichés y hacer, por sobre todo, un uso inteligente de ellos. No hay necesidad de poner las cosas en un orden diferente, especialmente cuando no las vas a hacer bien. Deutch no entiende la comedia romántica porque no ve lo que está ocurriendo con ella y lo que debería hacerse ante eso. Es por esa razón que le da a Jason Biggs un papel para hacer de sí mismo una vez más y el resultado es terriblemente aburrido; es por eso que no aprovecha el enorme talento de Kate Hudson para el género (algo que los directores que trabajan con ella deberían explotar siempre); y es por eso que, sin intención y porque el actor es una bestia, obtiene de Alec Baldwin las mejores escenas del film.

Sin embargo, el hecho se sostiene: Deutch no sabía lo que estaba haciendo, ni técnica ni dramáticamente. El resultado es una mala película que ni siquiera es visualmente estimulante de ver, me refiero a algo estético. No hay siquiera una idea interesante en ese aspecto.

---4/10

PD: Vamos a volver a probar con la encuesta de las rastas de Tote. Esta vez vamos a eliminar la opción "me da lo mismo" y vamos a dejarlo muy claro para el sí y el no. Por favor colaboren. Con o sin rastas???

Las cosas como están

2010-09-20T17:39:00.006-03:00

Mi facultad (la facultad de Ciencias Sociales y sus tres sedes) está tomada. No es excusa para desaparecer de la blogósfera, pero también es ese tiempo del año en el que se juntan todos los proyectos que van a materializarse en los próximos meses y el flujo de ideas natural se corta un poco. En lo personal es una mezcla de cosas: mi banda y reformaciones y revisiones constantes, la obra de teatro que estamos preparando y se estrena el mes que viene, una muestra de canto para la que voy a tocar el piano y requiere de varios ensayos, la facultad y la situación mencionada (habrán visto, en los 'medios', los detalles de la situación) y la primavera...

No en serio, llega la primavera y aunque sea más fácil escribir canciones de amor que se refugian en el frió del invierno, es importante recordarles a todos los que leen Los Sospechosos de Siempre que siempre (valga la redundancia) estoy viendo cine y pensando en el cine. Tuve algunos encontronazos con muestras de cine clásico (algunos grandes nombres, otros no tanto), con cine berreta en las propias salas de cine, con cine más contemporáneo pero con aire de antaño acá en DVD, y completé lo visto con ciertas consagradas comedias independientes y algún que otro lanzamiento "directo a video", que siempre viene bien. Si bien ninguna película fue lo suficientemente relevante como para generar un posteo de emergencia, me encuentro ante el horrible pero -quiero que lo sea- placentero esfuerzo de juntarlas para dar batalla como bien entrenadas "Mini-Críticas".

Mientras tanto, me parece justo traer evidencia que justifique que este es un espacio donde se comparte el cine, y me pareció prudente rescatar, sin retoque alguno ("así, como viene"), una de las tantas conversaciones que se dan sumamente seguido con uno de los individuos que también tiene la pasión. Son conversaciones en las que predomina siempre el cine y se va cruzando un poco de todo. Quizá esta no sea la más lucida, y siempre da un poco de vergüenza todo lo que constituya 'revelaciones' sin filtro alguno como las que se dan en algunas discusiones/debates. Tanto debate no hay, pero sí me permito informar que el amigo que conversa conmigo aquí abajo se encuentra ante un dilema fundamental. Por favor, ayúdenlo votando en la encuesta de la semana. Al final del post encontrarán detalles.

---
3:20 am

Me
pssst..

Tote
pitin
q te fumaste?

Me
singin in the rain (8)!!

supongo que será un 10, pero viste que conlos puntajes para las pelis clásicas se me complica

Tote
ni en pedo es un 10
no me parecio a mi

Me
ves? por eso detesto empezar por el puntaje

Tote
a mi no me da cosa ponerle nota a lo clasico.. ya te dije q tomar esa postura es de conservador
a mi me parecio una gran peli.. y lo es

Me
nah, a mi me gusta hablar de las películas y punto, discutirlas y ver qué pasa.. qué puntaje ni que puntaje...hace mucho que no veía una peli tan desprejuciada, tan alegre y bien hecha.. tan perceptible desde la puesta en escena (recordemos lo que hablábamos de 'casablanca' en cuanto a movimientos de cámara y demás).. no me quiero arriesgar, pero supongo que debe haber sido pionera en algunos tipos de plano (cenitales, a lo 'broadway'... cosas que queremos y soñamos ver pero desde el escenario solo vemos todo horizontal -y la peli también tiene de eso, muchísimo-.. sin ir más lejos, un concierto de celine dion que vi este año tiene una puesta simil al número musical final.. ahora veo de donde venía)

perdí el hilo.. vengo bien? aportame un poco

Tote
no creo q haya sido pionera en cuanto a lo cenital
o sea es una peli d ela decada del 50

Me
claro

estaba hablando sin haberte preguntado eso.. porque ambienta más atrás en el tiempo
por ahí no fue "la" pionera.. habría que buscar esas.. siempre es lindo en un musical salir del 'horizontalismo' que en muchos casos también es agradable. acá la peli también gana con algunas canciones que son realmente buenas y divertidas (y no hay que subestimar eso) y con una historia que usa el musical como excusa para contar otra cosa.. o sea, es un film de género musical.. pero no predomina ese ambiente.. se va colando hasta apropiarse de todo al final

Tote
si, ni hablar.. no es un musical en sí
por eos me gust
la historia q se cuenta de fondo es genial
el cine queriendo cambiar al cine
al salir de lo monotono (creoq dicen esa palabra) de las peliculas sin sonido

Me
si.. "si viste una, las viste todas"

el error garrafal acá está en no haber visto "The Jazz Singer".. de qué año es?

Tote
imdb me dice q es del 27

Me
claro.. sería preudente verla

Tote
se
dsp me parece q el chabon q esta siempre con DON se llama no?
el q hace una cancion de make them laugh
ese chabon es un puto genio

Tote is offline.

Tote is online.

3:40am

Me
jajajaj.. hay que bancarse un número así. viste que hay como un punto común de los números, en el que se canta una base, se repite una vez y todo lo que queda es para baile coreografiado. a lo sumo se repite alguna frase clave al final ("make them laugh"), pero no más

cabría también revisar si así encara la movida gene kelly en el resto de sus "musicales" (eso no es despectivo, ojo)

vos viste algo mas?

Tote
no, creo q no vi nada
estuve muy californication
ya estoy terminando
me faltan 3-4 capitulos

igual claramente no puedo darte un debate muy airado de singign in the rain
xq la vi hace bastantes meses
y no me acuerdo cada plano, cada detalle

Me
tampoco buscaba eso... solo quería comentar que la había disfrutado mucho, y que te agradezco la recomendación..

aunque "Dark city" tengo que verla.. y sobre "Californication" te advertí

Tote
pero dark city? cual dark city?
hay por lo menos 3 dark city

Me
no se, yo digo la de alex proyas.. se que actúa kiefer sutherland

Tote
no se quien es ese alex proyas
pero ahi la busque
la alquilaste a singing?
xq la estaban pasando en TCM recien

Me
en TCM la vi

Tote
a
me parecia
y dark city? donde la pasaban?

Me
en max prime creo.. porque este finde HBO abrió sus puertas gratuitamente. no sé quien les hizo creer que nos iban a convencer con "2010" o "My best friend's girl", pero bueno.. Cablevisión hizo la movida

Tote
jajajaja
che, hablando de movida?
q movida tenes mñn a la tarde?

Me
antes.. mañana a la mañana

Tote
contame tu movida del dia

Me
o a la tarde si te place... quiero saber si hay alguna posibilidad de que te convenza de que vengas conmigo al cine

Tote
puede q me convenzas
pero tiene q ser una buena peli
unapeli a la q le tenga fe
no a los indestuctibles
tengo 2X1 en el multiplex, de paso

Me
a "los indestructibles" le tenía fe y cumplió, igual no es la gran cosa. te estoy invitando a ver "el hombre de al lado".. mi viejo la vio ayer y dijo que es buenísima, quedó bastante fascinado (no le pasa mucho con casi ninguna película la verdad). y sí, justamente te estoy invitando a verla en el multiplex

Tote
el hombre de al lado? es argenta?

Me
así es.. difícilmente encuentres mejor programa.. me traes mis cosas de historia, yo te devuelvo las tuyas y cada uno puede comenzar su estudio semanal. yo después voy a tener que partir porque ensayo a las 8.. por lo tanto, creo que la mejor función es la de 16:40

Tote
si, creo q no va a ser posible
pero el martes estaria bueno

---

Tote hoy en día tiene rastas. Hace algunas semanas, creyó tener una aparición divina (es una interesante historia) que le rogaba que volviera a su antiguo peinado. Aquí abajo hay dos fotos: un clásico "antes y después"; o "opciones A y B". Lo prefieren a Tote con o sin rastas? Respondan en la encuesta de arriba!

Saludos Sospechosos!

Rareza de la semana

2010-08-29T11:16:00.004-03:00

Domingo. Final de la semana. Lindo día para estar en familia, o quedarse en casa en soledad. Cualquier opción es buena, y la película que hoy les recomiendo es ideal para acompañar cualquiera de las opciones. Hace mucho que no traía una rareza. Los que la conocen opinen, los que no espero la vean: se llama "Lejos de ella". Vi hace unas semanas una de las mejores (la mejor quizá) película que vi en el año, y no fue en el cine. En el cine anduve merodeando productos nacionales. Ya les contaré. Vuelvo a lo mío...

La crítica de "Away From Her", a continuación.

"Away From Her"

Sarah Polley, una actriz independiente fantástica, dirigió hace unos años una película que es, por supuesto, muy independiente. Se llama "Away from her" y, luego de un blanco cegador que da lugar a los créditos, la voz de un hombre cuenta una hermosa y pequeña anécdota; sobre cómo su mujer le propuso matrimonio.

Este es Grant (Gordon Pinsent), y hay una ternura en su voz que resulta ser muy inusual para un tipo de su edad. Es sólo que ha vivido su vida y ha aprendido a ser paciente, porque su mujer Fiona (Julie Christie) ha estado perdiendo la memoria por bastante tiempo; y él se encuentra junto a ella, a su lado. Alzheimer es un tema difícil para tratar en cine...hay un film argentino brillante, "El hijo de la novia", que logró hacer llorar y reír al país a la misma vez mientras lidiaba con un tema de tal magnitud.
 
Polley ha logrado lo mismo con su primer intento como directora, aún cuando no es para nada brillante. La actriz canadiense trabajó mucho con la directora Isabel Coixet, y está claro en "Away from her" que ha tomado mucho de la realizadora española. Sin embargo, recuerdo la dirección de Coixet con muchas observaciones silenciosas, que la mayor parte del tiempo no duraban mucho. La observación de Polley es el aspecto dominante de su film, en el que la cámara deja ver increíbles planos mientras sigue a los personajes o simplemente el ambiente mientras la pegadiza música de Jonathan Goldsmith suena en el fondo.

  Hay tanto para ver en "Away from her" porque esa es la intención de Polley para nosotros. Esta es la película más lenta que vi en el 2006, pero eso no la hace menos sentida. Quizá es lenta porque esa es la forma en la que la gente mayor vive la última fase de sus vidas...lentamente. Grant es un hombre cariñoso que ama tanto a su mujer que incluso la persuade de ir a una clínica, se arrepiente en el último minuto y le dice: "No te vayas...no te vayas así".
 
Fiona, por otro lado, no es más que la misma alma gentil; sólo que tiene dificultad para recordar y encontrar el amor que siente, debido a su condición. El mismo día en que se registra en la clínica, Grant y ella conocen su nuevo dormitorio. "Sabes que me gustaría? Me gustaría hacerte el amor y luego me gustaría que te fueras". Así es como ella expresa sus sentimientos. Y Grant es un hombre sabio, nos damos cuenta por sus conversaciones con otros personajes, pero es incapaz de actuar con sabiduría en relación con lo que está ocurriendo porque está cegado por amor; y somos estúpidos cuando estamos enamorados. No importa la edad.
 
Y ellos son los únicos que realmente importan en el film. Hay algunos grandes personajes secundarios, soberbiamente interpretados por un reparto de lujo, pero el film es acerca de la incondicional bondad y romance de Gordon Pinsent; y la llama de Julie Christie que parece no apagarse nunca, aún cuando su personaje parece no tener esperanza. Qué manera de cargarse un film.
 
Si lo que usó para dirigir y para la puesta en escena no fue tan original, Polley lo compensa con un guión emotivo, lejos de la torpeza en cada palabra. No es para nada largo, considerando que está basado en una historia corta de Alice Munro ("El ilusionista" -aquí mi crítica- estaba basada en una historia corta y duró más de lo que debió haber durado); y contiene inesperados momentos de comedia que alivian al espectador de un aire constante de depresión y tristeza.

No se alejen de "Away from her" y esperen a la próxima película de Polley; estoy seguro que va a tener esa 'chispa de vida' tan característica de Fiona, y con suerte un poco más de personalidad. 

---7/10

"Inception": Pura Creación

2010-08-15T13:44:00.004-03:00

"Pura creación". Esa es la frase que pronuncia Ariadne (Ellen Page) apenas descubre lo que implica convertirse en un arquitecto de sueños. Es seguramente uno de los pocos momentos genuinos que tiene "Inception", el último film de Christopher Nolan que acabo de ver por segunda vez. Es más, para que el momento sea genuino tenemos que obviar el hecho de que previo a esa frase, el protagonista Dom Cobb (Di Caprio) ya se había referido a las posibilidades de crear otro mundo, dentro de los sueños. Yendo un poco más lejos, incluso había hablado por Ariadne, al decirle a su compañero Arthur (Joseph Gordon Levitt): "La realidad ya no le va alcanzar, y cuando se de cuenta ella va a volver".

De esta forma, presento algunos personajes clave de la película e introduzco uno de los problemas que creo que tiene: muy pocos personajes parecen hablar por cuenta propia, o tener ideas propias. Siempre hay otro personaje cerca explicando, o sugiriendo, o directamente diciendo qué se tiene que hacer; para que no queden dudas. Ustedes ya saben de qué va la historia, y si no se enteraron todavía lo mejor es que lean algún resumen de la trama que sea fiel y poco confuso. Aquí a mí me basta con asegurar que Nolan nos presenta un mundo que ha traído al cine y que, para bien o para mal, incluye conceptos y un trasfondo complejo. Hay sueños dentro de sueños, hay proyecciones y una gran actividad general del subconsciente, hay patadas para despertarse y anestesias para dormirse; hay muertes que no son muertes y heridas que son profundas pero realmente no son heridas...hay un importante riesgo de quedarse perdido en medio de la nada.

Sí, son ideas emocionantes y en parte novedosas. Y si yo las transmito con toda tranquilidad es porque dentro del marco de la película las entendí bien. El segundo visionado me proporcionó claridad sobre algunos detalles, pero la primera vez ya lo había comprendido. Yo siempre pongo en discusión el hecho de que las películas deberían decir todo lo que tienen para decir la primera vez que uno las ve. Todo debería estar ahí porque siempre existe la posibilidad de que ese film uno no lo vuelva a ver. En este caso, la habilidad de Nolan como guionista es un punto a favor para "Inception", que juega con estas nociones y conceptos que el espectador entiende a la perfección sin necesidad de revisar bibliografía alguna. Vienen de algún autor importante? Demuestran que Nolan ha leído y se ha informado para poner todo eso en la pantalla? No lo sé, pero por alguna razón si tuviera que dar una respuesta estaría más cerca del sí que del no.

El otro día leía un artículo de El Bigote, en el que escribía que cuando le preguntaban por qué iba al cine el decía que era para ver otro mundo, aún si se moldea alrededor del nuestro. Yo quisiera tomarle la respuesta prestada y agregar algo que si bien no está textual en su artículo, creo que se sobreentiende. Yo, además de ir a verlo, también voy al cine a perderme en otro mundo. Esto, claro está, es lo que ocurre cuando dentro de ese mundo que vamos a ver al cine ocurren cosas. Conocemos personajes que viven historias que a nosotros como espectadores nos afectan o no. Quizá El Bigote no lo mencionó porque no siempre nos perdemos. Hay películas que lo piden y con sus historias dentro de sus mundos lo logran (sería, aunque miento un poco, como una armonía perfecta entre forma y fondo); hay películas que directamente no lo necesitan. Hay películas, como "Avatar", en las que uno verdaderamente quiere estar dentro de la pantalla. Yo no me sumo al entusiasmo de muchos por la última aventura de James Cameron, pero debo admitir que, aún con toda la previsibilidad y esquemática naturaleza de su historia, el mundo presentado era tan palpable y las emociones tan fuertes, que yo me sentía allí.

Como espectadores a todos nos ocurren cosas diferentes. A mí, como espectador que tiende a sobre analizar el cine que mira (y, por lo tanto, se la tira de crítico), me sucedió que "Inception" parecía pedir a gritos que nos perdiéramos en su mundo, que avanzáramos a la par de su historia. Sin embargo, creo que las propias virtudes de Nolan como escritor y director en algún punto le juegan en contra y la confluencia entre ese mundo y la historia no se da. Y yo no puedo defender del todo su film si con todo lo que monta me hace creer que quiere lograr algo y no alcanza a cumplirlo. La ambición es difícil de controlar cuando todo un proyecto queda en manos de alguien. Su cámara, sus palabras, su actor protagónico que con su peinado se parece mucho al mismo director...tanta confianza en una producción a gran escala y sin embargo, aparentemente tantas dudas.

La emoción y la intensidad están allí. En principio en la piel de Leo Di Caprio, el actor más intenso trabajando hoy día (creo que esto ya lo dije algunas veces). Luego está la música del asombroso Hans Zimmer, plagada de tonos menores y arreglos de cuerdas que construyen 'crescendos' repentinamente suspendidos en el aire junto a la imagen, en el incontable número de movimientos en cámara lenta que el director decidió incluir en la película. La mezcla de sonido es estruendosa; el piso tiembla dentro de la sala. Nolan incluso se preocupa por relacionar las secuencias de acción (que no son pocas) con las situaciones que viven los personajes, para que no haya cosas que exploten gratuitamente y para que todo sea justificable. Yo también insisto mucho sobre esto, ya que el cine hay mucha acción que está en pantalla porque tiene que haber acción. Y claro, una película como esta tiene que tener mucha acción, y el director la dota de marca registrada con esta conexión que mencioné y porque la filma de la misma manera que lo hizo en "The Dark Knight" (aquí mi crítica): confusa y desprolija, desordenada pero entendible. El mundo de los sueños de Nolan es, efectivamente, único y las imágenes son impresionantes (las más sorprendentes de toda su carrera, esto no se lo vamos a negar); ya sean las de un trompo girando, las de una calle levantándose o las de un espejo enorme que da lugar a un puente (yo, particularmente me quedo con las frutas y verduras que explotan en París). Cualquiera diría que le encantaría vivir allí (aunque, y que quede claro, eso no significa que durante la película a uno pueda sucederle -digamos, no significa que la película permita esa posibilidad- si bien eso parece querer generar). Pero, y retomo un poco, es un mundo no tan fácil de entender.

Perfecto. Regreso a la complejidad, que Nolan se encarga cuidadosamente de explicar y detallar. Hay entonces un tramo largo de "Inception" en el que varios personajes 'aprenden' cómo el mundo funciona y nosotros aprendemos con ellos. Aprendemos las ventajas y los problemas que se dan viviendo en un sueño. Las duraciones, los sedantes para despertarse o quedarse dormido, etc. Yo no les estoy detallando nada, para eso están Cobb, y Arthur, y algunos más que van apareciendo. Pero entonces todo gira alrededor de eso, y se produce la extraña sensación de que por un largo rato no se está contando ninguna historia. No sólo eso, sino que también está lo otro de que nadie habla por cuenta propia. Cada frase encaja en cada momento a la perfección y es como si flotara Nolan con el guión arriba de cada imagen, pero fuera de cuadro. Esto último fue un poco exagerado, lo sé, pero me parece que es obvio que el director quiere que no nos perdamos en su mundo. Hasta un punto eso está bien, y yo creo que ninguna persona lo hubiera hecho de otro modo, pero llega un momento en que ya no hace falta. Hay planos (algunos más pegados, otros más separados, aunque esto se da más sobre el final) en los que todo -es decir, la imagen, la puesta en escena, la música, las acciones, las expresiones y los diálogos-, absolutamente todo elemento cinematográfico esta diciendo lo mismo.

En la parte del film en los que los mecanismos del mundo de los sueños ya no son novedad, se sigue hablando de ello y se deja de lado la historia, que tiene una carga dramática muy fuerte. Cada vez que esa carga aparece, se ve acompañada por algo relacionado con el funcionamiento de los sueños. Cada emoción, cada expresión "genuina" (tal como la frase que da título a este escrito) se ve precedida o sucedida por un recordatorio (aquí no hablo de los largos 'flashbacks' característicos de Nolan que funcionan bien, no son molestos y hasta recuerdan a algunas de las más bellas imágenes de "Memento"; con mucho brillo) de algo previo o de otra cosa que posteriormente podría suceder. No importa qué son precisamente estas cosas, menos si aún no vieron el film. Lo que sí importa es que a "Inception" le queda una historia personal muy fuerte que termina, no opacada, sino casi apabullada, aplastada por el mundo donde esta historia ocurre; un mundo que sencillamente no la deja respirar.

La historia que yo menciono, para el que quiera detalles, no es el robo que se lleva a cabo (la "Inception" del título: ese 'último trabajo' tan característico de algunos géneros cinematogr áficos); meramente una motivación de la trama para poner en funcionamiento este nuevo mundo. Tampoco hablo de la relación de un personaje fundamental con su padre, porque esa es una historia cuyo final podemos anticipar antes. Yo me refiero a la historia de Cobb; a todo lo que le sucede (y le sucedió) al protagonista y que Di Caprio intenta transmitir, viéndose ayudado (de más) por varias decisiones de Nolan. Allí me parece que hay falta de confianza y dudas; allí me parece que hay contradicción.

Ustedes verán la película y opinarán. Estarán o no de acuerdo. En principio, antes que hablar de si "Inception" es o no la película del año, o de si es una gran película (para esto en particular hay que revisar el concepto de 'gran película', no?), hay que hablar de Christopher Nolan. No es su mejor película. Sé que tengo que revisar su filmografía, pero recuerdo bien que los conflictos internos de todos sus protagonistas estaban bien planteados desde el comienzo de los films. Lo bueno era que eran ellos mismos, los protagonistas, quienes vivían sus propias historias y los iban resolviendo. Sí, con ayuda de varias personas en cada caso (es un argumento válido y cierto, no lo voy a negar), pero por iniciativa propia: respirando, eligiendo, viajando, buscando. Dom Cobb desconoce estas acciones. Y si no conoce demasiado de su problema como para explicarlo y repetirlo e ilustrarlo (esta última palabra hace referencia a una cosa que acabo de inventar, que significa que un personaje se sale del lugar donde está -es un escape que ocurre dentro de su mente, porque el personaje no se mueve ni mira para otro lado- y parece estar hablándole al público para que entienda todo lo que está experimentando) como un sabelotodo en los momentos en los que más debería sufrirlo naturalmente -vivirlo-, siempre hay alguien dispuesto a hacerlo por él. Así no hay emoción genuina que valga, y no hay mundo en el que uno pueda perderse. Y los que vieron el film no me vengan con que en el mundo de los sueños de Nolan no te podés perder porque los laberintos se diseñan justamente para eso. Se entiende que hablo de la experiencia del cine como algo mayor, y en eso "Inception", con todo su control, cuidado y conocimiento de límites (traducción para lo que en otros momentos del texto fue 'dudas' o 'falta de confianza'), no me convence.

Si no revisen nuevamente la escena en que Gordon Levitt le da un beso a Ellen Page. Esa mirada de Ellen Page y el próximo plano en el que los dos actores aparecen juntos, da para algo bastante fogoso. Ahí Nolan dejó escapar una escena de sexo! Me van a decir que no?

---7/10 (siempre hay que poner algo)

PD: Disculpen que estuve ausente..anduve sin computadora por bastante tiempo. Pero estuve viendo cosas, y siempre tratamos de seguir sorprendiendo con algo por acá. Creo que eso lo saben los que leen. Y en cuanto a Nolan, bueno...volvió a generar revuelo, y había que cubrirlo.

Saludos Sospechosos!

Mini críticas: el producto de la enfermedad

2010-07-16T14:22:00.008-03:00

Ya estoy mejor. Ahora hay que confesarlo: las semanas de enfermedad, para aquellos que adoramos el cine, son pura alegría. Yo, particularmente, que disfruto de ver películas que aparezcan de la nada, dejándolas llegar, disfruto mucho. A continuación les traigo las opiniones de todo lo que me encontré en mi dura semana de fiebre, resfrío y tos horrible. Estoy convencido que hay para todos los gustos. Después cuenten si vieron algo, o si algo les genera curiosidad.

Ya había algo en el clima general de “Miller’s Crossing” que me descolocaba. En la ópera prima de los Coen es lo mismo: la sensación de que el tiempo es más antiguo y tradicional (es la palabra que se me ocurre ahora) que el que vemos en pantalla. Las cosas son más fáciles aquí, más concretas. Hay menos personajes, el conflicto es muy claro y la resolución, aunque no es esperable, tomará un tipo de camino que podemos intuir. Pero hay otra cosa más valiosa que tiene que ver con aquello que las dos películas tienen en común y que puede incluso localizarse en “No country for old men”: las miradas se detienen varios segundos más de lo normal, las conversaciones son pausadas y lentas; inconexas. Cuando digo inconexas, me refiero a cierta manía de guión de los Coen de cortar una conversación bien dirigida con alguna anécdota que en principio tiene una lógica de ser mencionada pero luego deriva en nimiedades. Lo interesante es que los personajes siguen la corriente, y le dan algunas vueltas a estas anécdotas que, extrañamente, quedan ante el espectador como frases inteligentes. Frases sin sentido, sí, pero inteligentes en el contexto de la historia. Aquí la historia es la de Ray (John Getz), que tiene un amorío con Abby (Frances McDormand, todo un símbolo sexual en su primer papel), la mujer de Marty, uno de esos tipos semi-mafiosos con los que no hay que meterse; un personaje que Dan Hedaya compone de manera terrorífica. Por supuesto, Marty contrata a un investigador privado para que los mate a ambos. Ahora, lo que más resalta para mí, y puede que pase desapercibido –muchos seguimos intentando explicar el final de “No country for old men”; muchos seguimos tratando de entender varios finales Coen-, es el hecho de que estos personajes –no me refiero todos, sino a aquellos más fundamentales; que en el caso de este film son todos- (re)conocen su destino. Lo saben y se encuentran con él en el mismo momento que cometen las acciones que hasta él los llevarán. Este destino puede ser fatal, alegre o en el más raro de los casos incierto. Pero los personajes siempre lo admiten, y por más que en algunas ocasiones lo intentan, no pueden escapar de él. Y atención que, si lo logran, lo hacen perdiendo mucho a cambio.
---7/10

En New York se sitúa la historia, en New York se juega el partido número 6 de los Mets contra los Boston Red Sox, en New York se estrena la obra de Nicky (Michael Keaton): su última y quizá mejor creación. Es allí en New York donde también habita en un paradero desconocido el crítico Steven Schwimmer (desopilante Downey Jr.). Temido por todos los productores y autores por haber destrozado varias obras, Nicky no registra bien quien es. Su cabeza está en el partido porque es fanático de los Red Sox que nunca han ganado y hoy tienen una vez más la posibilidad. Así, entre esta serie de situaciones y con el partido y el estreno de la obra como límites, el protagonista tiene su día agitado en la gran ciudad. Se cruza con amigos (un Griffin Dunne que parece un pordiosero), su hija, su mujer con la que se está divorciando y, como nunca puede faltar, con su padre. El director Michael Hoffman hace un gran esfuerzo para que simpaticemos con Nicky y su mente bohemia, perdonando sus problemas e incoherencias. Además, Keaton logra una interpretación sumamente relajada, juguetona, considerando que el film se centra en su persona. Si hay un problema es que el final de ese día que el protagonista vive parece, para él, el fin del mundo. Esto genera, desde el guión, la repetición de varias frases que en algún punto cansan. Por otro lado, aunque Hoffman construye un ‘crescendo’ notable en los hechos de la historia y, aunque podamos entender que desde el punto de vista del protagonista se trata de cosas muy fuertes, algunas acciones pierden verosimilitud en el contexto general del film y llegan a aparecer como forzadas, notablemente sobre el final. Pero nos queda una viva y emotiva reflexión, que es la esencia de Nicky, de lo que es el “arte de perder”...de cómo un equipo que estuvo tan cerca tantas veces lo dejó escapar; de lo que eso significa y de cómo lo vive y lo pone en palabras alguien que, después de todo, se gana la vida escribiendo.
---6/10

No encuentro muchas más alternativas con este film de Joseph Ruben: es una muy buena película, y estoy diciendo poco para un producto que, dadas sus credenciales, genera expectativas de algo pobrísimo o de algo extremadamente exagerado. Es un drama cuyo centro es una dura decisión moral que se ve inmersa en una trama suculenta que el guión rodea de amor, amistad, honor e incluso autocrítica. Luego de vacacionar en Malasia por dos semanas, Sheriff (Vince Vaughn) y Tony (David Conrad) se separan de Lew (Joaquin Phoenix), a quien lo encuentran con drogas y lo condenan a muerte, a menos que alguno de los otros dos vuelva a Malasia a asumir parte de la responsabilidad. Para que lo cuelguen falta poco más de una semana, y una abogada llamada Beth (Anne Heche) viaja a New York a convencer a los dos amigos de volver...excepto que ya no son amigos, y quizá no quieran volver. Ruben apuesta a los diálogos intensos en cualquier momento y lugar. El tiempo que queda es poco y los juegos psicológicos toman el control. En un momento, uno de los amigos queda a un lado y el centro del film lo ocupan Heche y Vaughn. Créanme, sus encuentros se constituyen en un golpe tras otro, con varios cambios de opinión, y ambos personajes están tan bien delineados que cuesta elegir un bando. Vulnerables criaturas, imperfectas y desesperadas, interpretan la decisión a tomar como una prueba; una prueba personal que obviamente significa más que pasar tres o seis años en una prisión de Malasia. Este centro del que se apoderan los personajes que son, sin duda, protagonistas, es sin embargo engañoso. Hay buitres, y las decisiones personales no siempre son decisiones finales (por eso creo, igualmente, que el film pone mucho énfasis en el dilema personal; especialmente en el de Sheriff, el personaje de Vaughn): está la insoportable prensa internacional, está el sistema de justicia y otros factores que la película deja ver, en mayor o menor cantidad en cada momento. Además, hay sorpresas, que a mí me tomaron por sorpresa y me conmovieron. Quizá fue la fiebre, pero se me hace que en “Regreso al paraíso” no se dice una frase de más, ni una de menos; que la música es cursi pero no marca el paso de las emociones y toma una posición pasiva; que la producción general, por lo austero y poco solemne de la historia, nos hace dudar del presupuesto que generó el film; que las actuaciones encajan de maravilla y el desenlace –se agradece- es noble y extrañamente ambiguo.
---8/10

Es una película ambiciosa. Comienza con una divertida diferenciación entre lo que es un “fracaso” y lo que es un “fiasco”. Nadie mejor que Cameron Crowe para explicarlo, claro. Las imágenes y la voz en off nos presentan al protagonista, Drew (Orlando Bloom), y su próximamente horrenda situación laboral; ecos de “Jerry Maguire” mediante. Debo admitir, sin embargo, que la introducción del protagonista masculino y su partenaire femenina es verdaderamente adorable. Claire (Kirsten Dunst) es, como Dorothy Boyd (el personaje que Renée Zellwegger interpretaba en aquella gran película del director), incondicional, inseparable. Esto lo podemos ver desde el primer minuto en que se sienta junto a Drew y no lo deja en paz durante gran parte de un vuelo en el que él carga a su difunto padre. Pero ella es tierna, y tiene buenas intenciones. Es fundamental aquí que Drew sea un tipo insensible, alejado; ‘sin amigos’, como le marcan su hermana y su madre (una Judy Greer desaprovechada y una Susan Sarandon con una escena brillante, respectivamente). Una persona así, que conoce a una chica como Claire y que además va a Elizabethtown a reencontrarse con el círculo más íntimo de su padre...bueno, alguna transformación le espera. Crowe despliega un ambiente en el que Drew al comienzo es un sapo de otro pozo que tendrá que ir encontrando su lugar, a través de anécdotas y discusiones con un sinfín de familiares/amigos y una que otra charla filosófica con Claire; respaldado siempre por una impecable banda sonora. Hay que decir, aunque duela, que esta vuelta el director hace las cosas con un leve desgano, que se nota principalmente en la falta de dirección hacia un Orlando Bloom incapaz de definir un camino o un acento, y una Kirsten Dunst que salva el día sin mayores sorpresas en un papel que le trae pocas complicaciones. Después está la picardía que, como director, tiene Crowe al conocer ciertos elementos que en sus films son marca registrada y que sintió la tentación de incluir: hay varias despedidas que no son del todo despedidas pero tienen aire de clímax (silencioso, al menos), hay una suerte de ‘road trip’ no tan convincentemente justificado...no todo funciona, no todo brilla con lucidez y “Elizabethtown” por momentos parece demasiado rosa. ¿Cómo explicarlo? Hay que verla, pero por suerte haciendo un balance se termina clasificando como una experiencia agridulce, digna de Cameron Crowe.
---7/10

Deslizo un par de ideas. La primera: las cosas que hacemos vuelven a nosotros, de extrañas maneras. La segunda: pasamos toda nuestra vida sin conocer realmente a muchas personas con las que convivimos a diario. Las razones de estas ideas son difíciles de encontrar. La segunda, sobre todo, a mí me pone a pensar en lo que yo elijo creer de las personas; en lo que yo creo o decido conocer, basándome en ciertos hechos que las personas me proporcionan o –y esto es lo más extraño- en pensamientos que yo tengo sobre la vida. Construimos a la gente, a veces hasta nos construimos a nosotros mismos, y la esencia queda escondida en algún lado difícil de localizar. La película “El canto del búho”, escrita y dirigida por Jamie Thraves, basada en una novela homónima, tiene como personaje principal a un hombre que dice haberse olvidado del ‘mundo real’. Se llama Robert y dice que se siente en una burbuja. Esto se lo cuenta a Jenny, una chica a la que conoce en circunstancias aterradoras (al menos). El film transita varios estados de ánimo, desde un humor negro que se esconde en algún rincón hasta el más sutil terror que se entremezcla con una especie de juego de gato y ratón, de persecuciones. La selección musical es siempre descolocada, acompañando a la perfección a un protagonista trágico al que a veces el espectador se ve inclinado a apoyar. La mayor parte del tiempo, sin embargo, sospechamos. Sospechamos porque la película tiene el mérito de presentar a todos sus personajes en momentos peculiares pero de la manera más natural. De este modo, cada individuo, protagonista o no, se plantea ante el espectador como alguien digno de sospecha; alguien con extrañas cualidades o con algún secreto. De secretos y dudas, entonces, se constituye “El canto del búho”, con diálogos tan punzantes como cotidianos y triviales. Hay momentos realmente en que cualquier persona común y corriente cuestionaría la verosimilitud del film. Pero es que Thraves ha sido tan cuidadoso de darle un aire novelesco que acompañamos las vueltas de tuerca con placer, disfrutando de la tragedia impredecible, irremediable y –peor aún- finalmente casi inexplicable que es esta historia. Ah, hay actuaciones muy, pero muy sólidas. Sucede que uno se pierde en la historia de veras y esas cosas quedan un poco relegadas.
---8/10

Sé que hay películas en las que las actuaciones irremediablemente tienen que resaltar. “The girl in the park” se construye, en gran parte, sobre una descollante interpretación de Sigourney Weaver. Ella es Julia, una madre que un día en el parque perdió a su pequeña y jamás la encontró. A la gente que le pasa eso, entendemos, le cuesta avanzar. Algunos nunca lo superan. El escritor/director David Auburn sabe que nosotros entendemos, sin embargo se empeña en crear situaciones que nos muestren desde diferentes lugares el trauma que Julia experimenta. Es molesto, porque uno de los personajes principales (una chica que aparece mágicamente en la vida de Julia –gran aporte de Kate Bossworth) le permite a Auburn insistir: con los paralelismos, con los recuerdos, con el drama familiar. Todo lo sabemos, todo lo entendemos y aún así lo vemos en detalle en la película, y se nos hace difícil criticarla porque las situaciones están bien planteadas, bien resueltas, bien filmadas. Si el recordatorio de ese trauma no fuese tan intenso, y los momentos no estuviesen tan construidos para llegar desde algún lado u otro a ese recordatorio, “The girl in the park” sería una mejor película. De a ratitos, como cuando aparece un compañero de trabajo de Julia (Elias Koteas), o como cuando realmente se distiende el clima general y Weaver y Bossworth se relajan para disfrutar de alguna escena que hace desvanecer aquella idea de sufrimiento que sobrevuela el relato (hay colores oscuros, tristes, melancólicos; y son pocos los personajes que logran ahuyentarlos), la película también gana puntos. Pero mientras más la recuerdo, más imágenes tengo de personajes a los que les cuesta respirar porque un guión les encomendó manifestarse con un aire apagado, en una película que necesitaba más encendido que las intermitentes luces de algunos de sus intérpretes.
---6/10

También vi una película brasileña llamada “Meteoro”, y la histórica “Pat Garrett & Billy The Kid”, de Sam Peckinpah; dos películas con mucho misticismo (cada una es mística en su forma personal) y filmadas con mucha alegría, juego, diversión. Pero bueno, no quiero abrumarlos tanto. Creo que con esto alcanza.

Saludos Sospechosos