...ma sono vivo e non ho più paura!

Egoisti anonimi

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 08 Mar 2012 14:10:00 +0000

A testimonianza di quanto vecchi schemi e vecchie cornici interpretative reggano poco di fronte alle dinamiche dei video in rete, quello che sta accadendo ora in Italia mostra due mondi solitamente inconciliabili e autoescludenti che convivono e si contaminano.

Il primo è quello autarchico, selvaggio, personale e non strutturato delle mille idee, webserie o anche solo video realizzati da non professionisti (con risultati che oscillano tra il pregevole e il folgorante); il secondo è quello incasellato, ripetitivo e conciliato delle branded series, ovvero delle produzioni sponsorizzate da grandi marchi, fatte ad uso e consumo degli stessi brand e concepite all'interno di campagne marketing.

Il massimo del costruito accanto al massimo dello spontaneo.

Un esempio perfetto della maniera in cui l'industria stia cavalcando i canali di comunicazione del video in rete lo fornisce la sortita di Control (quelli dei preservativi) su YouTube. Attraverso il proprio canale ControlFeelMakeFeel la società ha creato diverse filiazioni audiovisive della campagna Stop Ego, tutte improntate a ricalcare modalità di esposizione di comprovato successo sul Tubo, senza però centrare mai i presupposti di spontaneità (reale o simulata che sia) che caratterizzano il mezzo.

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L'arrivo di Wang (2011)di Antonio e Marco Manetti

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 08 Mar 2012 12:46:00 +0000

Ogni film dei fratelli Manetti è salutato, solitamente con argomentazioni a metà tra l'aprioristico e il pretestuoso, come un ritorno del cinema italiano alle atmosfere di genere, all'audacia degli anni '70 e ad una visione dei film come strumenti che osino qualcosa in campi che solitamente spettano al cinema internazionale.

Non fa eccezione in questo senso L'arrivo di Wang che tenta di riportare nel cinema italiano la fantascienza. Alieni che sbarcano a Roma, probabili complotti, un'associazione i cui scopi non sono chiari, che ha intenzione di andare a fondo senza pietà sulle vere motivazioni degli esseri internazionali. Tutto in ossequio alle astuzie a basso budget.

Il film è quasi tutto girato in una stanza (diciamo un 75% buono), tutto dialogato tra tre personaggi: l'inflessibile e violento conduttore dell'interrogatorio (Ennio Fantastichini), la traduttrice dal cinese ignara di tutto che si trova catapultata in una realtà di cui ignorava l'esistenza (Francesca Cuttica) e l'interrogato (l'alieno che parla solo cinese). I ruoli anche sono chiari: vittima, carnefice e protagonista che si batte per la salvezza e i diritti della vittima.

Scansiamo subito i primi dubbi. L'alieno è fatto tutto in CG e non è fatto bene. Non è uno schifo ma non è fatto bene, è una cosa a basso costo e si vede, si muove poco (grazie a Dio) e quando si muove ti fa dubitare di qualsiasi cosa. Quando poi il reparto di effettistica si sposta a scenari più ampi è anche meno convincente. Seconda cosa i Manetti sono di nuovo anche sceneggiatori dunque i dialoghi sono quelli che sono anche stavolta. Infine, professionisti a parte, la recitazione è quella che è.

Tutto per dire che questo film di genere scade già in quegli elementi di cui il genere solitamente si nutre, ovvero la parte tecnica. Serve così a poco il colpo di scena finale (che va detto è una buona idea) se lungo tutto il film si è costruito il più implausibile degli scenari, in cui la parte meno credibile è proprio quella fisica, quella degli scontri tra corpi, dell'azione tra personaggi e del dinamismo interno alle inquadrature. Che genere è, che serie B è se non funziona prima di tutto fisicamente?

I Knew Better - A simple life

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 08 Mar 2012 10:41:00 +0000

Esce questa settimana A Simple Life, già recensito all'epoca della presentazione al Festival di Venezia come uno dei migliori della manifestazione e ancora più bello rivisto la seconda volta.

John Carter (John Carter Of Mars, 2012)di Andrew Stanton

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 07 Mar 2012 14:45:00 +0000

Dopo aver catapultato i suoi personaggi su mondi alieni che stanno al di là dello steccato o dentro un asilo (Toy story e Toy story 3), sull’Himalaya (Monster’s & Co.), dall’altra parte dell’oceano (Alla ricerca di Nemo) e attraverso lo spazio (Wall-E), Andrew Stanton stavolta va alla radice della sua ossessione per lo sradicamento e la scoperta del selvaggio portando al cinema la storia da cui tutto è partito. Quel Sotto le lune di Marte, primo romanzo della saga di Barsoom scritta da Edgar Rice Burroughs, che negli anni ‘10 ha gettato le basi del mito dell’essere umano catapultato di colpo in un mondo meno civile e più avventuroso del proprio. Un’idea narrativa che ha ispirato tantissimo cinema (da Il pianeta delle scimmie a Stargate) e non solo (è il modello non dichiarato di Another world).

Del primo romanzo con protagonista John Carter, il regista prende il cuore, aggiunge un prologo e relativo epilogo, piega lo svolgimento alle dinamiche disneiane, aggiorna le figure femminili e cura ogni personaggio con una minuzia a cui non siamo più abituati nel cinema dal vero.

E’ superfluo notare la perfezione del character design, il realismo dei colori e delle ombreggiature dei molti personaggi animati in motion capture, vista l’eccellente provenienza dell’autore, la scoperta vera di John Carter è quanto senso del cinema ci sia in questo gigante dell’animazione che non aveva mai messo piede in un set reale. Il metodo-Pixar applicato ad un film in live action si traduce infatti in un ritmo altissimo, dato da un montaggio che unisce momenti diversi con ponti sonori e in grado di compiere impreviste ellissi senza inficiare mai la comprensibilità, oltre che in un lavoro chirurgico su ogni personaggio (specie quelli secondari), così che ogni scena abbia un elemento di interesse.

Nel passaggio al live action Stanton inoltre non dimentica la plasticità filmica propria dell’animazione. Muove i corpi sullo schermo con mobilità e leggerezza svelando un’idea di grazia e una concentrazione sul gesto che, specie nelle scene più dinamiche, segnano la differenza con il resto del cinema americano e trasformano quella che può essere blanda azione in pura avventura. In questa maniera gli ampi paesaggi e i frequenti totali non mai pretestuosi ma ariosi ed epici, e le irriconoscibili musiche di Michael Giacchino non suonano mai salvifiche ma sempre accordate al tono delle scene.

Con un cast di comprimari straordinari sebbene irriconoscibili dietro il motion capture (il carisma e il fascino emanato dal Tars Tarkas di Willem Dafoe sono la dimostrazione più evidente di quanto questa tecnologia sappia restituire le minuzie interpretative che rendono grande un attore) e un cast di attori meno noti, John Carter è già il blockbuster più audace e soddisfacente dell’anno, un’epica avventura prodotta con stile anticonvenzionale e seguendo le regole dell’animazione, eppure più reale e concreta di tutti i suoi concorrenti.

Ti stimo fratello (2012)di Giovanni Vernia e Paolo Uzzi

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 07 Mar 2012 08:45:00 +0000

Quello che è lecito aspettarsi da un film che porta al cinema un personaggio di successo della comicità televisiva è divertimento, poche pretese e un po' di originalità che giustifichi il passaggio al grande schermo.

Quello che solitamente succede invece è che i film dei comici televisivi sono abbastanza poco divertenti, molto pretenziosi e messi in scena ripetendo tormentoni e battute già provate in tv. Questo accade perchè nel migliore dei casi si è di fronte ad intrattenitori di medio livello, quasi mai di fronte ad attori veri o ancora più difficile, sceneggiatori seri.

E' così quindi anche per Ti stimo fratello che quando non ripete le frasi ad effetto o le gag televisive, sfrutta meccanismi abusati e già parte del repertorio comico dei clown del circo.

Alla base di tutto il meccanismo (umoristico e narrativo) c'è il continuo scambio di persona tra Giovanni e Johnny, fratelli gemelli ma molto diversi di carattere. Uno molto preciso, l'altro molto cretino. Uno sistemato a Milano, l'altro mandato lì dal padre (finanziere) per sostenere l'esame di ingresso in finanza e, di fatto, affidato al fratello. Johnny chiaramente finirà col mandare all'aria l'esame ma salvare prodigiosamente lo studio pubblicitario dove lavora Giovanni, presentando un'idea idiota che subito piace ad un cliente afroamericano sempre vestito come Woody Strode in La mala ordina.

L'originale idea dell'inversione di ruoli viene quindi usata nella vita privata, nella vita sentimentale, sul lavoro e infine in questura.

Ma la prova vera dell'inconsistenza filmica di Giovanni Vernia (addirittura anche regista del film) arriva quando i comprimari più capaci (Maurizio Micheli, Diego Abatantuono ma anche il grandissimo Paolo Sassanelli) gli fanno da spalla e con poche battute (anch'esse per nulla originali ma almeno portate con abilità) lo sovrastano quanto a carisma e risate.

Fa così alla fine sorridere (involontariamente) come ad un certo punto del film si ironizzi su due robusti e poco attraenti proprietari di tavola calda che vanno alle selezioni del Grande Fratello, alludendo al reality come ad una delle tante bassezze che caratterizzano i comprimari del film (c'è chi ruba, chi corrompe, chi evade...). Fa ridere involontariamente perchè poi si pensa invece a quale sia la provenienza e quindi il pulpito da cui parla il protagonista....

The Double (id., 2012)di Michael Brandt

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 06 Mar 2012 09:33:00 +0000

Uno dei più banali, sbrigativi e volgari sceneggiatori del cinema statunitense passa alla regia. Un evento infausto che abbina script superficiali ad una regia inconsistente.

Dopo aver firmato i copioni di film come Quel treno per Yuma (il remake), Wanted e 2 Fast 2 Furious, Micheal Brandt ora si dedica ad una spy story senza senso, con al centro il meno cinematografico tra i grandi nomi hollywoodiani.

Richard Gere è infatti materia delicata da trattare. Volto sensazionale ma fisico molto poco malleabile e cinematografico, solo nelle mani di grandissimi registi è stato ingranaggio funzionante di un film (i soliti, Malick, Schrader, Fuqua...). In ogni film in cui appare costringe il montatore a mille tagli per nasconderne la poca credibilità e l'inesistente plasticità dei movimenti (vedasi Chicago). Altrimenti è un pupazzo di se stesso, faccione buono per un cinema sentimentale para-televisivo per signore di bocca buona. Figuriamoci dunque la sua consistenza in un film d'azione!

Insomma le premesse per un disastro ci sono tutte e in questo senso The Double non sorprende ma conferma qualsiasi pregiudizio negativo.

Con l'idea "originale" di svelare a metà strada il mistero che dà il via al film (una spia russa dall'identità sconosciuta è tornata in azione e per prenderla ad un novellino appassionato viene affiancato il veterano che gli diede la caccia 20 anni fa) e una visione dell'azione che metterebbe in ridicolo anche Bruce Willis, The Double guarda senza convinzione al cinema degli svelamenti e dei doppi giochi orientale, senza centrarne mai il punto vero (la natura ingannevole della realtà empirica contrapposta ad una più alta forma di comprensione) e soffermandosi solo sui suoi aspetti superficiali (la coolness del momento in cui avviene lo svelamento).

Per fortuna (almeno) tutto è condito da alcuni momenti talmente imbarazzanti e senza senso da sconfinare nell'umorismo involontario. Magra relief per gli sfortunati che hanno pagato un biglietto.

Cellulite e Celluloide - il podcast

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 06 Mar 2012 09:25:00 +0000

Il consueto podcast settimanale della trasmissione in onda su Radio Città Aperta (88.9 FM) ogni venerdì alle 20.00, che vede ai microfoni oltre a Prince Faster anche il sottoscritto sotto lo pseudonimo di Gabriele Vasquez.

Inizio rapido con il racconto di cos'è e com'è il buon Safe House e subito dopo il pessimo 50 e 50. Poi dopo un interludio con il trailer del classicissimo The woman in black si passa agli italiani con l'ottimo Cesare deve morire e il sorprendentemente buono Posti in piedi in paradiso.
In chiusura lo sconsigliabile Henry.

LA PUNTATA DEL 2/3/12

Pur non essendo di Roma o dintorni potete godere anche voi di queste perle radiofoniche sottoscrivendo i podcast come più vi aggrada. O consultare l'archivio.

In Time (id., 2011)di Andrew Niccol

noreply@blogger.com (gparker) — Mon, 05 Mar 2012 15:47:00 +0000

La fantascienza migliore è quella che disegna uno scenario, un'idea di futuro e contemporaneamente una metafora di mondo. Quella che in sostanza raccontando la piega che gli eventi hanno preso, o possono prendere, in un futuro ipotetico riesce a farti scorgere i semi del presente che li hanno causati. Guardare avanti per raccontare il presente, usare l'ingresso della tecnologia nella nostra vita per scoperchiare le componenti esistenziali più intime.

In Time sembra subito centrare questo punto, inventando un futuro in cui gli uomini hanno vinto il processo d'invecchiamento e smettono di crescere a 25 anni. In quel momento però un orologio compare sul braccio di ognuno, numeri come quelli di Auschwitz, che segnano giorni, ore e secondi rimasti da vivere, si parte con 365 giorni per tutti. Da quel momento il tempo può essere scambiato come moneta. Un taxi sono 2 ore, una casa diversi anni.

In questo mondo parte dell'umanità vive letteralmente alla giornata, guadagnando ogni giorno il quantitativo di ore per arrivare a quello dopo e un'altra, più facoltosa, ha svariati secoli da poter gestire. Una ha sempre fretta per non esaurire il proprio tempo, l'altra vive con calma e non conosce l'idea di corsa.

L'equilibrio si rompe quando un povero riceve un secolo in regalo da un ricco stanco di vivere e ha quindi accesso ad un'altra parte del pianeta riservata alle elite.

Premessa ottima che si smonta quando viene il momento di organizzare un intreccio e una storia con i personaggi e i paesaggi messi in piedi.

In Time è un film pieno di piccole microstorie interessanti e significative ma con un senso generale incerto. Sembra infatti più riuscito il segmento iniziale in cui la madre del protagonista (che ovviamente appare una 25enne come lui) muore prima di incontrarlo perchè perde l'autobus e non ha ore sufficienti per un taxi, di tutte le velleità rivoluzionarie che poi il film dispiega.

Sembra più riuscita la storia del magnate secolare-ragazzino (interpretato con scelta di casting mostruosa da Vincent Kartheiser) che il finale nel deserto in cui gli amanti perseguono una vita da Bonnie e Clyde.

Sembra insomma più riuscito lo sfondo del primo piano, un futuro suggestivo e pieno di riferimenti al presente (la mania di non invecchiare, la compressione del tempo per chi non può permetterselo...) nel quale non succede nulla di interessante.

Gli sfiorati (2012)di Matteo Rovere

noreply@blogger.com (gparker) — Sun, 04 Mar 2012 09:37:00 +0000

In una cornice alto borghese in cui si dice poco e si sottende molto, due fratelli attratti sessualmente l'uno dall'altro si resistono (più o meno). Mentre una rimane chiusa in casa per timore di uscire, l'altro nel suo lavoro di esperto di grafologia viene a conoscenza della categoria umana scoperta dal collega, quella degli sfiorati, superficiali che prendono parte a tutto senza vivere nulla davvero (così a grandi linee). Inevitabilmente capirà di essere parte anche lui di questa categoria con il suo padre, proprietario un po' coatto di una squadra di calcio, che si sposa e porta la famiglia in giro su una decappotabile d'epoca, l'amico donnaiolo arrivista e la buona società che lo circonda.

A metà tra alcuni personaggi secondari di un film banale di Visconti, un'atmosfera vagamente anni '60 da film di Risi e tutta la possibile irrisolutezza del cinema italiano degli ultimi 20 anni, quello che tanto vorrebbe ma così poco riesce a mettere sullo schermo, Gli Sfiorati sembra districarsi con un forte senso della morale ma molto arretrato, che oggi appare quasi di stampo cattolico.

Funestato da ambizioni intellettuali totalmente fuori portata e intenzionato a girare un film che suggerisce molto per analogia, ellissi, metafora e via dicendo, quello che Matteo Rovere gira (a partire da un libro di Sandro Veronesi da lui sceneggiato per lo schermo) è un film in cui l'ammiccamento sessuale da parte di giovani donne è segno di perdizione, in cui i silenzi sono segno di introspezione e in cui si emettono giudizi sui personaggi.

In tutto questo si inseriscono personaggi più semplici e riusciti (quello di Miriam Giovanelli) al pari di altri abbozzati e più simili a ideali non realmente esistenti che a figure credibili (quello di Asia Argento). Soprattutto l'idea che sembra rimanere è che si tratti di un'umanità fuori dal tempo e dall'attualità, che agisce, si emoziona, si esalta e si spaventa per eventi, accadimenti e fatti che non suscitano più reazioni così radicali. Un film fuori dal tempo senza il beneficio del vintage.

Henry (2010)di Alessandro Piva

noreply@blogger.com (gparker) — Sat, 03 Mar 2012 08:21:00 +0000

Passato nel 2010 al Festival di Torino e arrivato al cinema ora (in una versione che pare essere stata rimontata), Henry si propone apertamente come un film metropolitano ambientato in una Roma "inusuale" (per citare il pressbook). Un film dunque duro e senza pietà, che guarda la realtà senza il filtro dell'accondiscendenza verso lo spettatore ma con quello della drammaturgia più attaccata al cinema cittadino, cioè quella noir.

Inutile dire che non è nulla di tutto questo. Attorno ad una storia di ricerca di una partita di droga (chiamata per l'appunto Henry) girano le vite di tossici, spacciatori piccoli e grandi, mafia campana e africana e infine di poliziotti più o meno retti.

A dover mettere sul piatto la caratteristica principale che rende Henry un prodotto non convincente sarebbe l'autocompiacimento che porta alla mancanza di audacia. Per essere un film che (per caratteristiche produttive e ambizioni) dovrebbe essere girato come se non ci fosse nulla da perdere, Henry indugia tantissimo su quelli che ritiene i propri elementi di fascino, abusa di ruffianeria e manca sempre di dare la stoccata fatale allo spettatore. Anche le morti più improvvise non hanno la forza che dovrebbero, figuriamoci le scene di vita dura dei tossici che risultano invariabilmente comiche a furia di abuso di ralenti, di scene topiche che non sono tali e di una recitazione che oscilla tra l'eccessivamente caricata e l'eccessivamente amatoriale (unico a salvarsi Paolo Sassanelli, il più grande attore incompreso del cinema italiano).

Da questo ne discende che Henry manca di quell'autentica disperazione che dovrebbe essere la base di un film in cui è facile morire e difficile amare. A differenza degli esperimenti migliori in materia (sia quelli con un budget anche inferiore che quelli con budget molto maggiore) Henry in sostanza sembra scritto da lontano, senza partecipazione, e diretto con i guanti, senza mai andare a sporcarsi davvero le mani noncurante di dove si possa finire. Si ha sempre l'idea che tutto vada bene e che nulla di brutto possa succedere, quando il risultato auspicabile sarebbe il contrario.

Inglorious Hunterz

noreply@blogger.com (gparker) — Fri, 02 Mar 2012 13:18:00 +0000

È passato un anno dal primo annuncio di Inglorious Hunterz, all'epoca noto con un altro titolo (Iraes Chronicles), progetto per la rete di Luca Baggiarini, videomaker già autore del fan film Predatus. La webserie in questione ha visto la luce parecchi mesi dopo, intorno all'estate, e nonostante fossero previsti tra i 6 e gli 8 episodi in uscita a cadenza regolare ogni mese, a tutt'oggi la serie è ferma al terzo episodio.

Vale tuttavia lo stesso la pena di raccontare del progetto, perché Inglorious Hunterz è una delle webserie italiane che meglio incarnano lo spirito del mezzo.

Girata con attenzione al dettaglio tecnico (tranne che per il sonoro e la recitazione, come capita alla maggior parte delle serie online) e con uno stile estremamente coerente alla materia raccontata, la webserie di Baggiarini non si vergogna di pensare in grande ma ha la ragionevolezza di non avventurarsi al di fuori dei propri paletti.

L'ambientazione sono gli anni '40 italiani, quelli della Resistenza, lo scenario è di guerra e lo stile è splatter con chiari riferimenti grafici (specie nei titoli di testa a Quel maledetto treno blindato come a Il grande Uno Rosso e via dicendo). Siamo dalle parti del tarantinismo di Grindhouse, ovvero cinema che contamina lo zombie movie con il film di guerra e stende su tutto un velo di autoironia. Incredibile a dirsi, però, la serie funziona e non si incaglia nei molti ostacoli autoimposti.

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Safe House - Nessuno è al sicuro (Safe House, 2012)di Daniel Espinosa

noreply@blogger.com (gparker) — Fri, 02 Mar 2012 09:31:00 +0000

Sempre più uguale a se stesso e sempre più ricco di sfumature Denzel Washington è il corpo che dà movimento diretto o indiretto a Safe House. Di questo film molto dialogato e fondato sull'opposizione logica tra una vecchia volpe e un giovane disperato, anche la parti in cui è Ryan Reynolds sotto il riflettore si giocano d'aspettativa sui controcampi dell'ex agente CIA diventato criminale.

La storia è quella di un rinnegato che viene chiuso in una safe house, cioè in un luogo che nessuno conosce dove la CIA, per avere le informazioni che gli servono, è pronta anche alle torture. L'irruzione di un gruppo terzo, intenzionato a liberare il prigioniero, interrompe il tutto e causa la fuga al centro del film. E' il giovane guardiano della safe house a portare via il rinnegato ex agente e prendersi sulle spalle il fardello di tenerlo a bada fino a che non arrivino i promessi rinforzi. Tenerlo a bada fisicamente e resistere alle sue parole tentatrici.

E' proprio nell'alternanza dell'attenzione dello spettatore sul parlato, sui dialoghi tra i due attori che occupano tutta quella parte di film che non è occupata dai pure buoni inseguimenti e agguati, che Denzel Washington schiaccia Reynolds e conquista la luce in un film che lo mette più a suo agio del solito. Sarà che il personaggio di chi la sa lunga sulla vita, sulla violenza e sui complotti sembra essere dentro un attore che lo porta con sè anche nei film più improbabili.

Il resto è un inizio molto canonico da spy-movie e un finale altrettanto canonico da western, in cui lo showdown viene annunciato da silenzi, solitudini e destini che paiono già scritti dalla solidarietà maschile. E in cui c'è Brendan Gleeson, che da solo già è metà dell'idea di West moderno.

Daniel Espinosa guarda tanto al Greengrass dei suoi Bourne, un modello palesemente irragiungibile, ma che crea alcuni sprazzi di buona azione in cui il movimento della macchina da presa corrisponde a quello frenetico dei protagonisti, in cui le cose da fare sono sempre più di una alla volta e in cui Città del Capo sembra una città americana.

Posti in piedi in paradiso (2012)di Carlo Verdone

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 29 Feb 2012 12:26:00 +0000

Carlo Verdone è probabilmente il comico italiano più rivoluzionario degli ultimi 30 anni. Portatore di una comicità estremamente personale che rompe con la tradizione italiana degli attori e la unisce con quella degli sceneggiatori (sebbene faccia anch'egli uso pesante del dialetto), lavora da sempre non sulla battuta o sulla gag ma sulle situazioni, affronta cioè i "personaggi" da un punto di vista globale e non particolare. Non ci sono frasi ad effetto nei film di Verdone che non siano divertenti solo a patto di essere inserite nel flusso del dialogo o degli eventi, più che un umorismo di situazione il suo è un umorismo di messa in scena. Pur non eccellendo in inventiva registica i suoi film ironizzano proponendo situazioni e scrivendo personaggi che non vivono di one line ma di atteggiamenti, modi di essere e reazioni.

Negli ultimi tempi il suo cinema aveva preso la piega peggiore. Sempre meno capace di inscenare quadri così ficcanti da essere esilaranti, aveva ripiegato, come capita ai nostri cineasti che superano una certa età e una certa fama, su scenette altoborghesi, applicando il suo filtro grottesco e malinconico a situazioni e idee stantie. In più la rottura con Cecchi Gori lo ha portato ad un pellegrinaggio di produzione in produzione fino ad approdare (ahimè) alla Filmauro, la quale ha notevolemente peggiorato la qualità tecnica dei suoi film. Scenari ridicoli, fotografia inesistente, montaggio in costante ritardo sulle aspettative dello spettatore e soluzioni visive da film di Massimo Boldi. Un'agonia.

Posti in piedi in paradiso lotta con tutte le sue forze contro questa tendenza. Interessato finalmente a situazioni estreme e basse (inevitabilmente le più esilaranti), il film ritrova la migliore verve verdoniana. La paradossale situazione di tre cinquantenni che vivono insieme come ragazzini (e come tali si comportano) presta il fianco a molte trovate di sceneggiatura e riesce a dire più cose degli ultimi 10 film prodotti da Verdone messi insieme.

Sebbene permanga una sciatteria tecnica ingiustificabile (solo la soluzione del flashback è da Kiss Me Licia!) è indiscutibile che stavolta Carlo Verdone sia riuscito a raggiungere l'obiettivo dei suoi exploit migliori: parlare del male di vivere e di quanto tutto questo porti gli uomini ad essere più ridicoli di quanto non siano già.

Caratteristica inusuale per il suo cinema Posti in piedi in paradiso si autocita con piacere. Dai vestiti regimental di Giallini che ricordano quelli di Finocchiaro di Compagni di scuola, al cane Buk (di una famosa comica televisiva), ai cimeli del rock di Maledetto il giorno che t'ho incontrato fino al suo evergreen ovvero il momento d'intimità il cui erotismo è funestato dall'inadeguatezza personale.

The woman in black (id., 2011)di James Watkins

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 28 Feb 2012 12:12:00 +0000

Per il primo film di Daniel Radcliffe lontano da Hogwarts non si può fare finta che si tratti di una produzione come le altre.

The woman in black recupera le atmosfere Hammer (soprattutto perchè è prodotto dalla Hammer), quelle dei classici horror vecchio stampo fatti di vento che fischia, porte che cigolano, ragnatele e candelabri ottecenteschi, a partire da un omonimo libro del 1983 di Susan Hill.

Imbastendo un contesto assolutamente tradizionale, talmente tanto privo di contaminazioni moderne da risultare quasi "nuovo", The woman in black cerca di riscrivere una dimensione filmica sul volto di Daniel Radcliffe. Privato degli occhiali e dell'aria da ragazzino, l'attore è qui investito di una maturità reale e posticcia al tempo stesso. Quella vera della barba sfatta e dei lineamenti duri che erano mascherati con sempre maggior fatica nel ruolo di Harry Potter e quella finta degli abiti e del ruolo.

The woman in black racconta di una casa posseduta da fantasmi e di un uomo che proviene da un altrove (un vero evergreen) che ne sonda i misteri e risolve la maledizione. Lo fa guardando poco ad oriente (come invece vediamo solitamente) e molto ad occidente. In questo trova anche un paio di momenti felici in cui le immagini riescono a farsi terrore e in cui tutta la messa in scena con coerenza costruisce la paura dell'ignoto.

L'horror moderno gioca molto con gli stereotipi classici. Li mastica, li ricicla nel presente, li trasfigura contaminandoli con le idee orientali e li asciuga. The woman in black li recupera e basta, senza per questo cercare un effetto di postmodernismo. Sembra infatti non esserci alcuna elaborazione critica dietro il film di James Watkins, solo la volontà di realizzare un classico.

Soprattutto il film riesce nel corso della sua durata a far gradualmente dimenticare la sensazione iniziale, ovvero quella di Radcliffe/Potter. Gradualmente si scorge sempre meno l'aria da eterno ragazzino e sempre più mentre si scende nel film Radcliffe si libera della pesante eredità.

Certo non basterà un film solo a scrollare di dosso il ricordo di ore di magia ma già è qualcosa.

50 e 50 (50/50, 2011)di Jonathan Levine

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 28 Feb 2012 09:32:00 +0000

Il cinema indipendente americano negli ultimi 10 anni ha subito una sterzata decisa, passando dall'essere una modalità produttiva ad un genere. La produzione è aumentata e si è standardizzata intorno a certi temi, personaggi e trame, il che ne ha anche facilitato la comprensione da parte del pubblico, con il conseguente aumento in termini di successo e di disponibilità delle star.

Quello che è successo però è che "indie" è diventato sinonimo di ruffiano, modaiolo e di un certo approccio a personaggi e narrazione che non è proprio il massimo in quanto ad audacia. E l'audacia una volta era ciò che caratterizzava le produzioni realizzate al di fuori degli studios.

50 e 50 è un po' la summa teorica di tutto questo in quanto si prefigge di catalizzare attorno ad un personaggio (già indie per carattere, tipologia e gusti) l'attenzione del pubblico mescolando il massimo delle disgrazie e il massimo dell'umorismo attraverso uno schematismo che ha dell'irritante.
Ad un Joseph Gordon-Levitt che scopre improvvisamente di avere un cancro maligno (e vede conseguentemente affacciarsi la possibilità di una morte di lì a pochi mesi) è affiancato un Seth Rogen che continua nella sua demenzialità infantile nonostante tutto. La trama avviata su binari leggerissimi è contrappuntata da attimi di tragedia, in cui viene ricordata la possibile morte imminente, nel tentativo di dare più valore ad ogni interazione, ogni litigata, ogni nuova conoscenza.

Jonathan Levine, che già aveva portato la cinema il pessimo Fa la cosa sbagliata, continua ad insistere sul binario della tenerezza senza ritegno. Usa la malattia per scatenare un'empatia matematica (di quelle che arrivano per forza) e pone accanto al protagonista personaggi inconsueti, originali e divertenti per non far mai scadere il film in una tragedia autentica. Senza il coraggio di fare nulla trascina 50 e 50 per tutta la sua durata ma alla fine è chiaro che non è stato raccontato nulla. Le traversie del protagonista dovrebbero parlare di caduta e ascesa, della possibilità di cambiare vita attraverso lo specchio di un evento traumatico e invece sono solo puro pretesto per dialoghi sentimentali mascherati da attimi di commedia.

Insomma il solito film indipendente americano.

Cellulite e Celluloide

noreply@blogger.com (gparker) — Mon, 27 Feb 2012 18:25:00 +0000

Breve e necessaria intro sugli Oscar nella quale faccio qualche previsione (fallimentare), dopodiché si passa al buon Quasi Amici, prima uscita della settimana, e poi a In Time, film uscito la settimana scorsa, il curioso Knockout e il bellissimo (e ignorato agli Oscar) War Horse.
Nella seconda parte si racconta il nuovo (insospettabilmente divertente) film di Carlo Verdone e si fa un po' li punto su Dracula 3D, il nuovo tragico film di Dario Argento.

LA PUNTATA DEL 24/2/12

Pur non essendo di Roma o dintorni potete godere anche voi di queste perle radiofoniche sottoscrivendo i podcast come più vi aggrada. O consultare l'archivio.

Quasi Amici (Untouchable, 2011)di Olivier Nakache, Eric Toledano

noreply@blogger.com (gparker) — Fri, 24 Feb 2012 08:53:00 +0000

Solitamente il film di grande, grandissimo incasso non è quasi mai un film di grande valore. Un po' l'esigenza di accontentare tutti, un po' la volontà di appianare i conflitti e smussare le asperità e un po' il ripiegarsi su gusti e un immaginario già conosciuto e digerito da tutto il pubblico.

Quasi Amici non fa eccezione anche se, nel suo piccolo, si destreggia come può per mettere in scena un racconto classico (in un ambiente fortemente regolamentato ma triste un elemento alieno e vitale ne sconvolge gli equilibri) senza dover necessariamente ripetere tutti i cliché (solo alcuni).

Dryss è povero, nero (nato fuori dalla Francia e cresciuto a Parigi), pieno di problemi con la giustizia e con la famiglia. Philippe è ricco, bianco, integrato nel sistema e paraplegico. Il secondo paga il primo per fargli da assistente personale, spostarlo, lavarlo, dargli da mangiare ecc. ecc. Il primo gli cambierà la vita iniettando un po' di selvaggio istinto e vitale energia.

Poteva essere il solito squallido teatrini degli stereotipi, ricchi che pure piangono e poveri pieni di disgrazie ma che tuttavia sanno godersi la vita. Invece Quasi Amici grazie alla scelta di Omar Sy, l'interprete del senegalese Dryss, è un film riuscito.

Il gigante nero si muove, parla e recita con un'apparente facilità che è imbarazzante, riempie ogni inquadratura e azzera anche la recitazione fatta di sottrazione e misurate espressioni di François Cluzet. E' uno dei rari casi in cui istinto e forza selvaggi malmenano raffinatezza e misura.

Giocando tutto sul corpo di un attore dall'indubbia plasticità Quasi Amici trova un'insperata via fuori dalla banalità, conquistando una dignità cinematografica insperata.

L'incredibile allungamento delle webserie

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 23 Feb 2012 15:37:00 +0000

Mentre negli Stati Uniti le webserie cominciano ad abbattere gli steccati del web per finire su diversi device e diversi schermi, mutando forma e linguaggio per avvicinarsi sempre di più allo stile televisivo (anche grazie alle molte star e registi noti che vi prendono parte), in Italia, in mancanza un ecosistema tecnologico a livello (nessuno ha set top box o televisioni connesse), le webserie subiscono uno strano e immotivato allungamento di durata.

Se già la prima stagione di Freaks aveva visto un progressivo allungarsi dei tempi (e la seconda dovrebbe essere tutta su quelle lunghezze, andando sempre più vicini ai 45 minuti canonici delle serie tv americane), anche altre webserie seguono l'esempio abbandonando la fruizione mordi e fuggi dei circa 5 minuti ad episodio per abbracciare la durata tipica del mediometraggio (tra i 20 e i 30 minuti).

È il caso di Skypocalypse, serie di cui già si parlò e che negli ultimi mesi è passata attraverso diverse mutazioni, evoluzioni e cambiamenti.

Sebbene non abbia ancora chiuso la prima stagione, la webserie che raccontava di un'apocalisse zombie senza mai mostrarla, ma mettendo in connessione i sopravvissuti tramite videoconferenza Skype, ha lentamente cambiato le carte in tavola, allungando i propri tempi a dismisura.

continua su Punto Informatico...

Qualcosa di straordinario (Big miracle, 2012)di Ken Kwapis

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 22 Feb 2012 18:15:00 +0000

Alaska, anni '80, il reporter di una tv locale realizza un servizio su due balene che non riescono ad eseguire la solita migrazione, poichè una lastra di ghiaccio troppo estesa le blocca, impedendo loro di emergere il numero sufficiente di volte per respirare. I due cetacei sono bloccati in una zona in cui è rimasto l'ultimo buco nel ghiaccio da cui emergere.

La storia degli animali intrappolati catalizza l'attenzione nazionale, porta in loco tutti i principali network televisivi e coalizza forze apparentemente agli antipodi come attivisti di Greenpeace e spietati petrolieri.

Tratto da una storia vera, per quanto allucinante, il film di Ken Kwapis (regista con all'attivo quasi solo produzioni televisive come The Office) vuole raccontare un fatto noto, almeno al suo pubblico di riferimento. Nel ripercorre qualcosa che dunque è chiaro come vada a finire cerca di fare un discorso su altro, cioè su come il sistema dei media (interpretato dalla tv) sia in grado di coalizzare forze e intenti a partire dalla gestione dell'attenzione.

Le uniche scene non girate in Alaska riguardano infatti gli interni delle case e degli uffici in cui le persone rimangono incollate ai notiziari per scoprire che sia successo alle balene. L'attenzione delle persone è il motore che in ultima analisi porta anche il più perfido dei petrolieri texani (complimenti per le sfumature del personaggio.....) a capitolare e dare una mano. Attenzione che addirittura smuove il presidente Reagan, in periodo elettorale, fino ad arrivare al governo sovietico, costretto suo malgrado a fare qualcosa.

Le intenzioni migliori si sciolgono però in una produzione dal ritmo blando e dalla paura di fare un torto a qualcuno. Colpendo cerchi e botti un po' ovunque Kwapis realizza un film innocuo, che ha una tesi forte ma non è capace di portarla avanti con la caparbietà che meriterebbe.

Il risultato è che continuamente mentre si vede Qualcosa di straordinario in sala si ha l'impressione di trovarsi in casa davanti alla televisione in una domenica pomeriggio.

Knockout (Haywire, 2012)di Steven Sodebergh

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 21 Feb 2012 12:22:00 +0000

Una buona parte della carriera di Steven Sodebergh gira intorno alle figure femminili e all'indagine di come la loro determinazione le conduca, attraverso percorsi inusuali, a prendere le redini delle situazioni o a gestire la propria vita. Non è solo una questione di donne forti, ma di donne che si battono contro tutto e tutti e lo fanno in maniere poco canoniche, non ricalcando le medesime modalità attraverso le quali gli uomini si fanno strada.

Questa premessa è necessaria perchè Knockout è contemporaneamente il film d'azione che ci si aspetta e un'altra versione del metodo Sodebergh per indagare il corpo femminile.

Il regista di Erin Brokovich non è particolarmente appassionato o esperto di cinema d'azione, e benchè Knockout abbia una trama abbastanza canonica (un agente segreto non serve più, il governo cerca di farlo fuori ma lei capisce tutto e per sopravvivere risale la catena del potere facendo fuori quelli che la vogliono morta), lo stesso non si tratta di una delle pellicole più dinamiche o interessanti del genere non fosse per la presenza di Gina Carano, vera campionessa di arti marziali che, essendo incidentalmente anche una donna molto bella e fotogenica, è ora passata alla recitazione.

Sodebergh usa Gina Carano nella migliore delle maniere, cioè facendole fare quello che sa fare, mostrando combattimenti veri, evoluzioni vere e prestazioni estreme del corpo femminile. Le fa riempire di mazzate Antonio Banderas, Ewan McGregor, Channing Tatum e Michael Fassbender, simboli di virilità al cinema, attraverso il suo stile marziale e quindi movimenti molto più plastici e armonici di quelli fintissimi con cui solitamente le attrici si dimenano nelle scene d'azione tutto montaggio. Qui chiaramente il montaggio è minore, Sodebergh può permettersi lunghi take perchè Gina non ha bisogno di trucchi.

Come Erin Brokovich metteva al tappeto le istituzioni senza rinunciare alla femminilità, come la Chelsea di The Girlfriend Experience (film inedito in Italia con protagonista la porno attrice Sasha Grey) manipolava i suoi clienti abbienti, così l'agente Mallory Kane si fa strada in un mondo di uomini grazie al proprio corpo, utilizzato e mai sfruttato.

Flying Swords of Dragon Gate (2012)di Tsui Hark

noreply@blogger.com (gparker) — Mon, 20 Feb 2012 15:28:00 +0000

FUORI CONCORSO

BERLINALE 2012

A partire da Dragon Gate inn e New Dragon Gate inn (due film rispettivamente del 1966 e 1992), Tsui Hark compone questo suo remake/fusion di una storia classica di avidità e conquista del mistero.

Affidandosi al maestro Jet Li, da lui realmente scoperto come attore cinematografico ormai decenni fa, il regista hongkonghese gira un film senza nostalgie e proiettato in avanti tanto quanto il suo precedente Detective Dee e il mistero della fiamma fantasma, ma stavolta di nuovo ambientato in un universo più tradizionalmente wuxia (per quanto il suo wuxia possa essere definito tradizionale) come in Seven swords.

Solidamente radicata nelle sabbie del deserto (in cui si svolge la maggior parte della storia), la classica dinamica di svelamenti ed inganni questa volta riguarda tre gruppi differenti equamente divisi in buoni, cattivi e predoni dai buoni sentimenti. Ma non è tanto la tradizione ad interessare Tsui Hark, quanto la possibilità di dare ancora una volta vita ad un cinema dinamico e pieno di idee.

In questo senso va letta l’entrata (per la prima volta in Cina) del 3D, applicato con amore per il tecnicismo e perizia mostruosa. Con la consulenza di Chuck Comisky, già stereografo per Avatar, questo primo film profondo della Cina è anche uno di quelli che meglio interpretano il senso di una terza dimensione al cinema. Tutto concentrato nell’immaginare scene che si arricchiscano dal movimento di persone o oggetti su diversi piani di profondità, nel concepire inquadrature in cui l’effetto prospettico sia enfatizzato e per nulla timoroso di lanciare oggetti al pubblico, Tsui Hark sposa le evoluzioni stilizzate delle arti marziali romantiche del wuxiapan con le ultime idee in fatto di estetica filmica, riconciliandosi in questo modo con la vera natura del proprio cinema.

La trama complessa e molto stratificata come sempre si scioglie di fronte al modo in cui corpi e persone volano nello spazio, disegnando traiettorie che, assieme alle scelte di fotografia e montaggio, inventano uno spazio filmabile sempre diverso e, per il pubblico occidentale, sempre sorprendente. Se i colleghi e coetanei che oggi si occupano di grandi produzioni wuxia in Cina puntano su colori e idee di fotografia o trama, Tsui Hark dimostra di non aver smesso di voler concepire il cinema come un mezzo per ritrarre i gesti, i corpi e gli spazi.

Alla fine lo si è notato di più

noreply@blogger.com (gparker) — Mon, 20 Feb 2012 09:16:00 +0000

Il festival di Berlino è finito di sabato. Il giorno dopo, domenica, il primo volo per l'Italia è quello delle 10.30, prevedibilmente è pieno di giornalisti di cinema. Meno prevedibilmente, mentre mi sto avviando al metal detector del piccolo aeroporto di Schonenfeld, vedo entrare dalla porta principale i fratelli Taviani, Grazia Volpi (la produttrice) e Nanni Moretti (intervenuto alla cerimonia di premiazione in qualità di distributore della pellicola).

Già l'idea che i vincitori dell'Orso d'Oro viaggiassero low cost con EasyJet aveva scatenato in me un misto di ilarità e stima (l'austerità scatena sempre stima). Quello che non avevo calcolato era l'altro particolare, il fatto che ci saremmo trovati in un aereo di giornalisti di cinema e, vista la compagnia aerea, non dei più "spesati" (in realtà mi sbagliavo, in mezzo c'era anche il principale cronista di cinema del Corriere). Avevo anche ingenuamente sperato in una dinamica da volo di ritorno dei Mondiali '82, ma ovviamente non è stato così.

Per quanto già fosse strana la situazione, il momento veramente assurdo si è consumato al gate, in quell'attesa tra il superamento del metal detector e la chiamata per entrare nell'aereo.

Si trattava di un gate abbastanza lontano e isolato, una stanzetta separata da tutto. Arrivati i Taviani e Moretti, tra gli ultimi, il pubblico si è contenuto per circa 10 minuti. Nanni si era seduto molto in disparte, casualmente di fronte a me, e al telefono diceva cose del tipo "Si, lo so, ci sono stato in giuria insieme una volta non è molto simpatico...", dall'altra parte della sala i Taviani, dietro richiesta dei presenti, avevano già tirato fuori l'Orso d'Oro (tenuto a portata di mano evidentemente) tra gli applausi generali.

E mentre Nanni dava sempre le spalle al tutto, io vedevo la scena di una giornalista non riconosciuta (non sono ferratissimo sulle correlazioni nomi/volti del settore) che faceva la scena di consegnare il premio ai fratelli (WTF?!!) tra reiterati applausi e festeggiamenti anche di altri passeggeri non giornalisti, che non credo avessero capito di cosa si stesse parlando.

Il culmine lo si è però raggiunto quando chi al microfono dà l'annuncio dell'imbarco (in un italiano misto di accento straniero) al quale evidentemente era stata spiegata la situazione, dopo aver precisato come sempre che chi ha il biglietto con priorità entra prima, ha anche aggiunto che i vincitori dell'Orso d'Oro sarebbero potuti entrare anch'essi tra i primi e ovviamente faceva i suoi complimenti. A quel punto, ai complimenti fatti al microfono, è partito l'ennesimo applauso al quale nemmeno Nanni (che era comunque di spalle) si è potuto esimere.

Ovviamente, qualora ve lo steste chiedendo, sull'aereo poi Moretti è salito per ultimo. Ma ultimo davvero, ne sono sicuro perchè standogli seduto davanti mi sono impuntato e non mi sono alzato finchè non si è alzato lui (dunque sono entrato per penultimo, battere il maestro mi sembrava fuori luogo). E lo si è notato di più.

Rentaneko (Rent-a-cat, 2012)di Naoko Ogigami

noreply@blogger.com (gparker) — Sat, 18 Feb 2012 14:55:00 +0000

PANORAMA

BERLINALE 2012

Film appartenente alla categoria "non lo vedrete mai in Italia e non lo troverete mai da scaricare".

Rentaneko procede come se aggregasse diversi episodi di una medesima serie animata giapponese. Nonostante sia un lungometraggio di 120 minuti in live action, la scansione della storia è divisa in 4 blocchi che si ripetono (variando personaggi e qualche svolgimento) secondo le stesse identiche modalità.

Lamentela di un problema personale, noleggio del gatto ad una persona sola, test sull'affidabilità della persona in questione da farsi nella sua abitazione, ritorno a casa e conversazione con il vicino, telefonata della persona, fine del noleggio del gatto.

Detto questo Rentaneko è permeato di un umorimo e, nel solo finale, di un sentimentalismo per nulla banali anche considerando, differenze e originalità della cultura giapponese in sè.

Visivamente l'idea di una casa piena di gatti è sfruttata al meglio, ovvero cercando sempre di riempire le inquadrature di punti di interesse (ogni gatto fa qualcosa di particolare, sembrano recitare) che si accompagna ad una profondità di campo che tiene sempre tutto a fuoco e quindi visibile. Gli animali stessi sono molto ben selezionati (dove l'hanno trovato il maestro Utamaru? Il Danny Trejo dei felini) ed impiegati.

In più lo scarto finale, che nega l'atteso lieto fine ribadendo una malinconia che per il resto del film era presente ma mai in maniera troppo esplicita, è una sorpresa inaspettata e piacevole.

Il suo punto forte tuttavia il film sembra averlo nell'incredibile vicino di casa, una figura, un attore, una recitazione e delle battute che per assurdità non potevano che uscire da un film nipponico. Epico.

Death Row (id., 2012)di Werner Herzog

noreply@blogger.com (gparker) — Sat, 18 Feb 2012 10:39:00 +0000

BERLINALE SPECIAL

BERLINALE 2012

Quello di Death Row è un progetto parallelo a Into the abyss, l'ultimo lungometraggio di finzione di Herzog. All'origine c'era l'idea di fare interviste ai condannati a morte da mandare a puntate in televisione, come sempre però il regista tedesco si è fatto prendere la mano ed è rimasto talmente affascinato da una di queste storie con cui è entrato in contatto, da approfondirla e farla diventare lungometraggio. Le restanti 4 invece sono ognuna il centro dei 4 episodi per la tv intitolati Death Row, mostrati come un unico film di 180 minuti al festival di Berlino.

Come spesso si vede nei suoi documentari Herzog narra fuoricampo in inglese con il suo accento bavarese, questa volta non si mostra mai davanti alla macchina da presa ma nelle interviste le sue domande si sentono forti e chiare, e sono la cosa più interessante.

Quello che colpisce da subito è infatti come, nella breve introduzione ad ogni puntata (sempre uguale, tipo sigla), inquadrando la camera in cui vengono fatte le esecuzioni, la voce di Herzog ripeta chi è lui e cosa voglia fare. In tre frasi illustra la pena di morte in America per numero di morti, numero di stati in cui è presente e applicata e poi chiude dicendo che da straniero, ospite in questo paese, "...I respectfully disagree".

Fin dall'inizio di ogni episodio è insomma precisato che quella è la visione di Herzog che con rispetto si batte contro la pena di morte a modo suo, intervistando condannati (alle volte reo confessi o palesemente colpevoli) con poca umanità ma molta partecipazione.

L'obiettivo è raccontare altre storie di personaggi estremi, di destini titanici causati da spunti banali, come tipico dei personaggi che lo appassionano, ma il modo in cui Werner Herzog tira fuori ai suoi intervistati le storie, gli umori e cosa gli interessi nelle pieghe di quei racconti è sorprendente. La durezza con cui si rivolge ai condannati (a cui spesso ricorda che se sono dove sono un motivo c'è), l'ironia improvvisa che sa suscitare e l'interesse che tira fuori dalle risposte orchestrando la drammaturgia tramite l'interrogatorio è qualcosa di inedito. Ci sono dei momenti in cui Death Row sfiora la tv del dolore, indaga sui sentimenti più bassi e ripropone immagini o sequenze per insistere su dettagli morbosi, eppure, il solo fatto che si tratti della prospettiva herzoghiana, rende i dettagli morbosi, dettagli filmici, e la pornografia del dolore, indagine del racconto.

E' come vedere un maestro indirizzare un allievo nella scrittura di un film.

A Royal Affair (En Kongelig Affære, 2012)di Nikolaj Arcel

noreply@blogger.com (gparker) — Fri, 17 Feb 2012 12:06:00 +0000

CONCORSO

BERLINALE 2012

C'è una grande contraddizione di fondo in tutti i film in costume che parlano di regnanti. Ovvero quella che vuole i governanti/re/nobili e via dicendo sprezzanti verso il volgo e qualsiasi suo diritto, interessati solo a se stessi e totalmente chiusi di mentalità (cosa che non si fa fatica a credere), tutti tranne una o due persone, cioè i protagonisti, che invece, pur appartenendo a quel mondo e venendo dal medesimo brodo culturale, sono l'esatto opposto.

A Royal Affair ovviamente non fa eccezione. Basato sulla vera [AHAHHAHAHAHAHAHAH!!!! ndb] storia di re Christian VII di Danimarca, del suo medico illuminista (che per un breve periodo prese il potere nel regno) e della storia d'amore che ebbe con la regina, il film legge tutti gli eventi con la lente dei posteri, dando a Johann Struensee, il medico illuminista, un carattere buono altruista e moderno (e così alla regina, perdutamente innamorata di sudditi non suoi, che era inglese) e agli altri mentalità da medioevo.

Imprecisioni, assurdità, banalità e tutto quel giro di sentimentalismo a buon mercato che si accompagna ai film in costume con parrucconi mandano avanti il film. Mads Mikkelsenn è il protagonista e raramente si è visto qualcuno recitare così poco e riuscire comunque ad essere (per fisico, attitudine e smorfie) così fuori parte.