...ma sono vivo e non ho più paura!

I Muppet (The Muppets, 2011)di James Bobin

noreply@blogger.com (gparker) — Mon, 30 Jan 2012 11:51:00 +0000

Di demenziale in demenziale. E' James Bobin, già regista e sceneggiatore di Flight of the conchords e prima ancora di Da Ali G Show, il prescelto per questo ritorno alcinema (che sa molto di ripescaggio) del brand di I Muppet. Segno principale di una tendenza a cui tutto il film è felicemente sottomessa, ovvero un casting e una composizione della troupe particolarmente azzeccata che rendono una pellilcola altrimenti insulsa, qualcosa di digeribilissimo.

Totalmente slegato da qualsiasi cosa (serie televisive, altri film...) eppure totalmente dipendente da queste per la sua messa in scena (infiniti sono i riferimenti ad altre apparizioni televisivo-cinematografiche che sostengono la trama), I Muppet è sia insensato che godibile. Dall'idea priva di basi di fare un film su un fenomeno e dei personaggi fuori da questo tempo e fortemente dipendenti dalla propria storia (se parli dei Muppet non puoi far finta che siano nati oggi), nasce un film non nostalgico, totalmente metacinematografico e insperatamente divertente nel modo in cui gioca con aspettative e stereotipi.

Con Jason Segel ed Amy Adams nei ruoli principali e una valanga di partecipazioni illustri (su cui spicca Jack Black), il film dei Muppet è orchestrato come un musical della nuova era (in particolare come The Blues Brothers) in cui i protagonisti cercano di mettere in scena uno spettacolo per raccimolare i soldi che gli servono. Lo spettacolo chiaramente prevederà tutto gag nel vecchio e classico stile di The Muppet Show.

Molto di più non c'è, se non un losco uomo d'affari, interpretato dall'immancabile Chris Cooper, intenzionato a prendere possesso di quelli che furono i Muppet studios in caso di mancato raggiungimento della cifra (perchè ha scoperto che sotto c'è il petrolio). Come al solito i Muppet ironicamente celebrano se stessi, ingrandiscono il proprio mito per scherzo e mettono sotto i riflettori i propri luoghi comuni, il che significa che è difficile apprezzare in pieno il film se non si ha già una conoscenza di base dei caratteri e delle relazioni tra personaggi. Cosa che rende ancor più strana questa pellicola e l'operazione commerciale che la sottende...

L'arte di vincere (Moneyball, 2011)di Bennet Miller

noreply@blogger.com (gparker) — Fri, 27 Jan 2012 11:12:00 +0000

L'arte di vincere è un film scritto da due mostri (uno normale e uno sacro) e diretto da un onesto mestierante. Questo basta a far capire il tono generale della pellicola. Quello che non traspare però è quanto questo film lavori insistentemente sull'adattamento di una storia vera alle esigenze di un racconto (cioè far emergere diversi livelli di lettura, disegnare una parabola che abbia un senso, avere snodi drammatici e un inizio e una fine d'effetto).

La trama è quella classica di un uomo che la vita ha già sconfitto, il quale si gioca tutto per la sua seconda occasione, solo che questa storia di sport non è di quelle in cui i limiti del corpo sono travalicati da un'indomabile volontà ben motivata, ma di quelle in cui il trionfo sportivo corrisponde ad un trionfo personale e intellettuale. Billy Beane sta fuori dal campo ma la volontà con cui insegue la vittoria sono degne del miglior sforzo atletico.

E proprio sul tema della vittoria, della seconda occasione e di cosa significhi essere un perdente, che Sorkin e Zaillian impiegano i loro accenni migliori e le loro sfumature più sofisticate.

L'arte di vincere è tutto giocato negli anfratti in cui la trama non raggiunge i personaggi, quando questi si prendono una pausa dal racconto degli eventi (la realtà) e macinano un po' nelle scene di transizione (molto probabilmente romanzate, più facilmente inventate di sana pianta).

Per questo dire che L'arte di vincere sia un film sul baseball è più sbagliato che mai, anche a livello superficiale. Il baseball si vede molto poco e non c'è nessuna attenzione al gesto, al movimento e ai suoi rituali. Ogni qualvolta è inquadrato un momento puramente sportivo si ha la sensazione che il film non veda l'ora di sbrigare quest'incombenza per tornare a far dialogare il protagonista con la figlia. Cosa che accade due o tre volte in tutto il film ma che ogni volta, senza ritegno, segna un punto.

L'arte di vincere è un film sulla mentalità sportiva applicata ad altri ambiti, se proprio bisogna dare un'etichetta.

Ma se così fosse sarebbe solo un film un po' lento. In realtà la sensazione di liberatoria ariosità che si prova nel vedere affermata una verità da sempre negata dalla buona morale vigente, ovvero che l'uso di numeri, statistiche e "calcoli" non è in antitesi con l'uso dell'intuito e delle doti umane, è solo parte del più grande senso di liberazione che si prova in questa metodica e sentimentale distruzione del mito del vincente.
Il baseball è l'essenza dell'America tradizionale e dei suoi valori, una delle sue più grandi metafore.

L'arte di vincere va a toccare senza fretta le corde più personalmente intellettuali di ognuno, sorprende e spiazza chi non conosce la storia del baseball (cioè tutti in questo paese) senza fare baccano. Per questo è già un instant classic.

Ribaltando il concetto di vittoria Sorkin e Zaillian regalano un personaggio straordinario e una morale (si si! Proprio "morale") tutta contenuta nelle parole di una canzone cantata da un personaggio (ovviamente la figlia, l'avevo detto che fa un uso senza ritegno di questa figura) in uno degli anti-climax finali più toccanti della carriera (non ricca in questo senso) di Brad Pitt. Che a questo film ci aveva creduto e sembra davvero cosciente a pieno del lavoro fatto in fase di scrittura.

Il sentiero (Na Putu, 2010)di Jasmila Zbanic

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 26 Jan 2012 16:20:00 +0000

Ambientato nel contesto della comunità islamica di Sarajevo, Il sentiero racconta la storia di una coppia bosniaca che professa l'islam senza eccessiva convinzione (entrambi bevono, per dire) ma con grande senso della tradizione, più o meno come si fa qui in Italia con il cristianesimo. La loro storia, tormentata dall'eredità che ha lasciato la guerra in termini di macerie reali e mentali, arriva ad una svolta quando lui scopre l'islam wahhabita, più intransigente, stretto e a suo dire soddisfacente. Ovviamente questa più severa idea di religione non può essere professata in compagnia di una donna che non si conforma.

In Il sentiero ci sono ben due elementi comunemente utilizzati per attirare un certo pubblico (quello che in target per questo tipo di film), da una parte la visione dell'islam complessa di chi sa che non è tutto estremismi ma anche che questi esistono e hanno radicate ragioni d'essere, dall'altra l'eredità della guerra e le difficoltà dell'etnia bosniaca.

Eppure Il sentiero, nonostante abusi molto di questi due argomenti, riesce anche a tenere presente il vero intento di tutto, cioè Luna. Poco importa che sulla carta la storia riguardi la coppia e i principali sconvolgimenti riguardino quasi sempre l'uomo, è lei, Luna ad essere costantemente inquadrata, perchè tutto avviene con il solo fine di capire le reazioni di Luna di fronte agli eventi. Il sentiero è uno di quei film che si pongono l'arduo traguardo di rappresentare la complessità e contraddittorietà della personalità umana di fronte alle difficoltà.

Con i pregi e i difetti del modo di ragionare femminile e l'indefessa volontà di non mollare una storia d'amore in cui molto è stato investito, Luna è un personaggio che arriva a mettere in questione (senza dirlo mai) le fondamenta di quello che crede e il modo in cui ragiona. Anche davanti all'evidenza dei fatti e alla propria convinzione non riesce ad ammettere a se stessa determinante evidenti verità.

Questa caratteristica epidermicamente fastidiosa perchè intimamente condivisibile, in qualche momento fa fare a Il sentiero un piccolo salto da buon film a opera che rimane dentro.

HYDRA - The Series

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 26 Jan 2012 14:18:00 +0000

Nelle webserie italiane si nota un curioso doppio movimento: da una parte esiste una spinta verso idee e storie anglosassoni, cioè una fuga da tutte le storie e i luoghi comuni del cinema italiano verso luoghi altrettanto comuni del cinema e della televisione angloamericani. Dall'altra esiste una contemporanea resistenza ad abbracciare in toto quel paradigma. Pochissime sono infatti le webserie o le creazioni originali che, ricalcando un modello straniero, riescano anche ad evitare la ricerca dell'autorialismo blando e di facciata tipico delle peggiori produzioni italiane.

Di fatto è una caratteristica che si riscontra anche nel resto delle creazioni per internet, dai meme, ai fotomontaggi, ai blog, fino all'umorismo. Tutto converge verso un modello statunitense deviando da stili, forme e caratteristiche nazionali per una generica insofferenza.

Nulla di grave, né di mortale, solo un adattamento figlio di una mancanza decennale (quella di una produzione di qualità in generi che siano più popolari e primariamente d'intrattenimento) che si traduce in un mascheramento di idee all'italiana con modelli all'americana. Il risultato è alle volte pregevole, raramente perfettamente mimetico, più spesso fallimentare.

Di questo doppio movimento soffre anche HYDRA - The Series, una webserie arrivata al terzo episodio, caratterizzata da puntata lunghissime (oscillano tra i 15 e i 18 minuti abbondanti), da una trama che gira intorno alla fantascienza distopica (filone del contagio con sospetto di zombismo) e da uno sforzo produttivo encomiabile, non tanto dal punto di vista economico quanto da quello della forza di volontà.

La storia è quella di un futuro prossimo in cui un virus letale ha decimato la popolazione (si parla di 400 milioni di persone sane e 9 miliardi di morti su 16 miliardi totali, il resto sono infetti), tutto raccontato a posteriori. Come si sia arrivati a questa situazione non è chiarissimo (qualche delucidazione la dà il terzo episodio, ma niente di esaustivo), quello che si capisce è che le città non sono più abitate e le persone vagano nelle campagne, prede di altri esseri umani sani. Gli infetti, per il momento, non si vedono.

continua su Punto Informatico

The Iron Lady (id., 2011)di Phylida Lloyd

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 25 Jan 2012 11:09:00 +0000

Phylida Lloyd non evita nemmeno una di tutte le più classiche trappole del cinema biografico, anzi le abbraccia e realizza la quintessenza del genere, un film su una personalità determinante del mondo della politica, che si disinteressa delle sue opere e cerca di scoprire l'ordinarietà del personaggio, la donna dietro il primo ministro. E lo fa con l'intento di commuovere.

Con un'attrice indiscutibile come Meryl Streep, un trucco mimetico e una visione della storia del secondo novecento britannico a macchia di leopardo, il film su Margareth Thatcher non soddisferà chi cerca una visione complessa e magari inedita dell'operato della lady di ferro negli anni in cui ha governato il Regno Unito, nè soddisferà chi spera di trovare un dietro le quinte interessante o una lettura poco praticata della sua vita a partire dagli anni della formazione. The Iron Lady è un film senza sale che prende pochissime posizioni e trattando una materia nota (la storia dell'Inghilterra attraverso il massimo potere) non aggiunge niente nè dal punto di vista dei contenuti nè da quello della prospettiva.

Con un copione più che ordinario scritto da Abi Morgan (già al fianco di Steve McQueen per la sceneggiatura di Shame), The Iron Lady parte dall'oggi, da Margareth Thatcher anziana che lotta contro la demenza senile e le allucinazioni di un marito morto da tempo con la tenacia che gli viene da sempre attribuita. Non completamente impazzita nè completamente in sè la protagonista ricorda episodi determinanti del suo passato, gli insegnamenti del padre, la decisione di lavorare nella politica, l'incontro con il marito, lo sforzo di candidarsi a leader del partito e l'inaspettato successo, oltre a tutti gli snodi determinanti degli anni a Downing Street, dalle Falklands, allo sciopero dei minatori, dall'attentato al boom economico. Ogni ricordo è coperto da una calza, proprio come nelle parole degli anziani, ogni cosa è letta alla luce di quel che sarebbe successo in seguito.

L'unico elemento curioso di questo film, altrimenti ordinario al massimo livello, è come pur trattandosi di un'opera appartenente al genere che fa rima con agiografia, lo stesso la Thatcher non ne esce benissimo. Salvata dalla tenacia delle forze armate inglesi nelle Falklands, assolta da un boom economico di cui non sembra artefice, arrogante con i propri pari e incapace di strategie politiche raffinate, ogni cosa sembra capitarle per buona contingenza dei fatti e la sua unica dote sembra la tigna. Donna autonoma ma incredibilmente tradizionalista dipende totalmente da due uomini (il padre per la formazione intellettuale, il marito per la forza mentale) e non sembra mai davvero artefice del proprio destino.

Inoltre, senza dirlo mai, Phylida Lloyd lavora molto d'immagine per far fare agli oppositori del primo ministro un controcanto a volte più forte del canto. Le immagini di proteste, riot, scioperi, scontri e tumulti dovuti alle decisioni estreme del governo occupano uno spazio ben più importante e determinante delle motivazioni per le quali la Thatcher ha agito.

Una donna che non è amata nemmeno dai propri biografi.

Paradiso Amaro (The Descendants, 2011)di Alexander Payne

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 24 Jan 2012 18:25:00 +0000

Ad Alexander Payne, lo abbiamo ormai capito, interessano i percorsi dolci e amari in cui i personaggi si scoprono diversi da come la società li etichetta, interessa l'invecchiamento e la maturazione come processo mutante e le piccole storie di piccoli uomini di provincia. Sebbene non appartenente in termini stretti al giro del cinema indipendente in stile Sundance Festival, lo stesso i suoi film applicano quell'idea di ruffianeria per la quale personaggi ordinari in pieno (tranne per una sola evidente particolarità) si scontrano con un contesto amaro e crepuscolare e dolcemente fanno fronte alle difficoltà quotidiane volendosi bene.

Qui è George Clooney ad interpretare un miliardario, proprietario di metà dell'isola hawaiana in cui si svolge la storia ma che non usa la sua fortuna per una vita d'agi, anzi lavora come tutti. Nel momento in cui la moglie ha un colpo al cuore e rischia la morte dovrà riconciliarsi con le figlie che non vede da tempo e raccattare i pezzi della sua vita.

Contornato dal solito insieme di implausibilità e contraddizioni che ci piace non vedere (perché non si occupava delle figlie se è così buono? E se non le vedeva mai perché la figlia adolescente prende le sue parti nello scontro con la madre?), Paradiso Amaro distrae il pubblico con un'ambientazione inconsueta e musiche particolari, con tutta una messa in scena finalizzata alla tenera stranezza (solo la corsa goffa di Clooney per mezza città per andare a chiedere un'informazione basterebbe) ma non opera mai un racconto davvero interessante. Le peripezie di un uomo in fondo innamorato e incredibilmente tenero (con la moglie in rianimazione, con le figlie, con i parenti e con gli amici) non avrebbero stonato in una commedia di buoni sentimenti ma sono molto meno tollerabili in un film con risvolti seri che vorrebbe realmente parlare delle contraddizioni umane di fronte alle scoperte (molte saranno le sorprese per il protagonista) e, per tornare all'idea di cinema di Payne, alla necessità di cambiare con l'avanzare dell'età.

Paradiso Amaro cerca in ogni modo di piacere e in linea di massima ci riesce, distrae talmente tanto e si adopera come un giullare fino all'inverosimile ma solo per nascondere la propria inconsistenza.

La chiave di Sara (Elle s'appelait Sarah, 2010)di Gilles Paquet-Brenner

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 24 Jan 2012 15:44:00 +0000

Più volte mi sono trovato a dover scrivere queste stesse parole (e più volte capiterà), riguardo i film a tema Olocausto. E ogni volta mi chiedo se non sia io ad essere ripetitivo e non abbia altro da dire se non la solita cantilena ma ogni volta mi rispondo che non sono io ad essere sempre uguale, sono i film ad esserlo.

Con la sua trama esile e la sua ricerca del colpo ad effetto La chiave di Sara non fa eccezione, è anch'esso un film che utilizza l'Olocausto come chiave principale della propria veicolazione, senza avere una struttura, una linea narrativa o un'idea di messa in scena che possa reggere il film. Se il tema fosse un altro La chiave di Sara avrebbe pochissimo senso, ma l'Olocausto salva tutto.

Come spesso capita anche stavolta la storia è vera, La chiave di Sara mette in scena quel che accadde ad una bambina ebrea, responsabile di aver chiuso il fratello piccolo a chiave in un armadio durante un rastrellamento (così che non fosse preso) non riuscendo però a dare la chiave a nessuno che potesse farlo uscire prima di essere portata nel campo di concentramento.

Poteva essere un film d'evasione, un film sulla responsabilità individuale, un film sull'impossibilità di discernere il bene dal male in certe situazione e invece è un film sull'Olocausto, cioè un film che in virtù del fatto che tanto sulla materia non si può sbagliare, la pensiamo tutti alla stessa maniera, non si premura di ricercare la complessità ma schiera buoni e cattivi e fa vessare i primi dai secondi, con un certo piacere pornografico.

La chiave di Sara (che è tutto raccontato in flashback) ha un pretesto narrativo (la ricerca della verità da parte di una giornalista) terribile e inconsistente, uno svolgimento che, superata la parte più intrigante del rastrellamento e dell'assembramento, rende il film pesantissimo e punitivo. Pesante perchè la storia è piena di grumi, non scorre bene nè sa proporre personaggi o situazioni dal dinamismo salvifico, punitivo perchè in virtù della sua natura il film si prende la briga di sottoporre lo spettatore allo spettacolo del trucido. Il disturbante è materia preziosa al cinema e spesso usata con grande proprietà di senso. Quasi mai in un film sull'Olocausto.

Perchè dover essere sottoposti al supplizio di un film lungo, largo, privo di idee interessanti, privo di ritmo e di un racconto coinvolgente, quando poi il tema edificante in questione ci vede già tutti daccordo (noi pubblico e loro autori)? Perchè se non si ha nulla da dire in più sull'argomento si fa un film sull'Olocausto? Ogni storia va raccontata? Forse, ma non ogni storia fa un buon film.

ACAB - All Cops Are Bastards (2012)di Stefano Sollima

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 24 Jan 2012 09:19:00 +0000

Il cinema italiano degli ultimi decenni difficilmente riesce ad essere davvero duro e spietato e quando ci prova solitamente è ancora peggio. ACAB scarta la violenza fisica (paradossalmente non ce n'è molta) e va subito al cuore della questione, la violenza psicologica, in questo centrando già a livello di intenti l'obiettivo. Quanto al risultato la prima scena dice tutto: Pierfrancesco Favino, attore tra i più lanciati del momento, protagonista di film e fiction, volto riconoscibile per eccellenza e l'uomo con cui il pubblico sa che si immedesimerà già prima di entrare in sala, insegue un ragazzo extracomunitario (che ci appare giovane e secco), dopo un incidente in cui è rimasto coinvolto, lo prende, lo ammanetta e quando la colluttazione è finita gli sferra il pugno più sfacciato, superfluo e doloroso che il cinema italiano ci ha proposto negli ultimi 20 anni. Una botta allo stomaco che ti dice subito quello che il film affermerà con forza per tutta la sua durata: c'è poco da immedesimarsi, qui nessuno ha ragione.

La storia, tratta dall'omonimo libro di Carlo Bonino, affronta la vita e le opere di 4 poliziotti del reparto mobile che ci tengono a farsi chiamare celerini, hanno i ritratti del Duce in casa e non sopportano la presenza di extracomunitari tanto quanto i teppisti che picchiano allo stadio. Subiscono e provocano violenza fuori e dentro le regole, autorizzati e non, con divisa e senza. Eppure non c'è un momento in cui queste figure altamente discutibili non siano portatrici di motivazioni, istinti e di un'umanità condivisibili da ogni spettatore. Grande merito alla sceneggiatura e al team di attori che va dal buon Nigro, all'incazzato Favino fino alla perfezione, il volto duro, pieno di segni e dalle sopracciglia violente di Marco Giallini.

A Daniele Cesarano e Stefano Sollima (rispettivamente già sceneggiatore e regista della serie Romanzo Criminale) interessa il rapporto tra violenza e odio nella società moderna, come tutti si riuniscano in tribù (i "colleghi" della polizia, gli ultrà, gli extracomunitari, gli estremisti di destra) per addossare le colpe della propria infelicità sull'oggetto della loro violenza. Il primo cerca di arrivarci scrivendo un film in cui vediamo solo le ragioni dei poliziotti ma capiamo anche quelle delle vittime, il secondo applicando con successo al film le idee vincenti della serie Romanzo Criminale (su tutte una colonna sonora particolare, per il nostro cinema, e perfettamente integrata con storia e immagini).

Con il più classico degli stratagemmi (l'arrivo di un nuovo elemento nella squadra) il film si mette dal punto di vista meno raccontato e più scomodo, quello di chi gli sgomberi li deve eseguire anche se non è daccordo e che le botte deve prenderle prima di darle, cercando di capire non tanto le loro ragioni (nel film ne hanno molto poche) ma le sensazioni che le provocano. ACAB guarda nello stomaco di ogni spettatore e tira fuori quello che non vorrebbe provare, facendolo manifestare ai personaggi.

Con uno scenario sociale e politico chiaro (il G8 di Genova, la Diaz, Gabriele Sandri e le elezioni di Alemanno) ACAB sceglie solo percorsi difficili e sebbene ogni tanto si prenda delle concessioni poco felici (tutta la storia della figlia del Negro o la ribellione davanti al Parlamento), in linea di massima riesce ad essere il primo esempio di cinema italiano che non tira mai indietro la gamba degli anni 2000. Non è questione di amare la violenza, ma di capire che per mostrare un fenomeno nelle sue contraddizioni è necessario mostrarne le asperità e farlo senza paura. ACAB ci riesce.

Cellulite e Celluloide - Il cinema a Radio Città Aperta

noreply@blogger.com (gparker) — Sun, 22 Jan 2012 16:41:00 +0000

Il consueto podcast settimanale della trasmissione in onda su Radio Città Aperta (88.9 FM) ogni venerdì alle 20.00, che vede ai microfoni oltre a Prince Faster anche il sottoscritto sotto lo pseudonimo di Gabriele Vasquez.

Dopo l'obbligatoria prima parte sulla chiusura di Megaupload si entra nel vivo con la sorpresa della settimana, ovvero Underworld: il risveglio, e la delusione della settimana, ovvero L'ora nera 3D. Uno un ottimo 3D, l'altro un pessimo 3D.
Il film in odor di oscar della settimana è invece The Help mentre il film indipendente e autoriale Sette opere di misericordia, non è il disastro che si potrebbe credere, anzi ha un suo insperato perché. Quello che invece un perché non l'ha è E ora dove andiamo?.

LA PUNTATA DEL 20/1/12

Pur non essendo di Roma o dintorni potete godere anche voi di queste perle radiofoniche sottoscrivendo i podcast come più vi aggrada. O consultare l'archivio.

E ora dove andiamo? (Et maintenant, on va où?, 2011)di Nadine Labaki

noreply@blogger.com (gparker) — Fri, 20 Jan 2012 16:16:00 +0000

Quella che sembrava una bella promessa in Caramel si trasforma in un caso isolato con E ora dove andiamo? Per mezzo di quel film Nadine Labaki si affermava in giro per il mondo come interprete e autrice di un concetto di storytelling e femminilità cinematografica, ispirato al mood celebrativo almodovariano, ma più attaccato allo specifico femmineo. Ma se Caramel riusciva ad appassionare con un racconto in cui gli uomini sono esclusi per principio e non reggono la presenza scenica nemmeno dell'ultima delle donne, E ora dove andiamo? fallisce completamente l'obiettivo di elevare il discorso a temi più importanti.

L'idea di cinema è esattamente la stessa. Visioni almodovariane (addirittura lo stesso inizio di Volver) e un ginocentrismo programmatico che stavolta pone l'uomo in diretta opposizione alla donna. Se la seconda è la soluzione, il primo è il problema. Nel villaggio immaginario al centro del film, sono infatti gli uomini che alimentano una guerra tra chi è di religione islamica e chi di religione cristiana, mentre le donne vorrebbero pacificare tutto per non perdere i loro amati figli e mariti.

Così mentre un consesso di donne di tutte le fogge ed età lotta con tutte le armi (compreso chiamare un team di spogliarelliste a placare gli animi) per mantenere la pace, gli uomini in maniera scriteriata continuano a cercare l'affermazione fisica sul prossimo se non la sua eliminazione.

L'idea di un mondo visto da un punto di vista femminile (e non femminista!) radicale qui ha quindi meno forza perchè cerca di diventare paradigma filosofico, visione della vita, senza averne la complessità. Quant'è peggio E ora dove andiamo? conferma e amplifica il tratto più negativo di Caramel, ovvero il narcisismo di Nadine Labaki, donna bellissima che ossessivamente si mette al centro di tutto, esponendo di continuo la propria bellezza e circondandosi o di donne più brutte o più belle solo in teoria (mai viste spogliarelliste più scialbe).

Il senso di autoesaltazione si fonde con quello dell'esaltazione per il proprio sesso, senza che ci sia la minima sincerità sentimentale o sforzo narrativo degno della miglior causa (che erano ciò che salvava Caramel). Così alla fine la "visione di mondo" di Nadine Labaki si scioglie nella vanità e perde ogni forza e interesse.

L'ora nera (The Darkest Hour, 2011)di Chris Gorak

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 19 Jan 2012 13:10:00 +0000

Cambia la geografia del cinema, cambiano le alleanze, cambiano le trame. Solo 20 anni fa i russi erano ancora il nemico prediletto, la nemesi per eccellenza degli Stati Uniti (collettivisti, megalomani, freddi, spietati e incapaci di prendere la mira correttamente) mentre oggi, con la figura di Timur Bekmambetov a far da tramite, eroi a stelle e strisce si muovono a Mosca alleandosi con gente del luogo per fare quello che storicamente gli riesce meglio: cacciare gli alieni.

Così nasce L'ora nera, grande gita moscovita della solita truppa all'americana (due ragazzi e due ragazze che non si conoscono ma dovranno unirsi per sopravvivere con un intruso, svedese, a fare da guastafeste e farli scoprire), è un film che racconta di un'altra apocalisse pronta alla serializzazione. Gli alieni arrivano a prendere i nostri minerali (perchè essi stessi sono fatti d'energia), mandano tutto in blackout e sbriciolano (letteralmente) tutti quanti tranne pochissimi sopravvissuti. Alcuni sono inguaribili guerrafondai armati fino ai denti, altri sono nerd in grado di capire la natura del male e costruirsi in casa una gabbia di Faraday, altri come già detto sono i protagonisti del film, tra i quali spicca un Emile Hirsch stranamente in parte.

La prima delusione è la sceneggiatura di John Spaihts, scontata quando va bene, piena di buchi quando va male e, quant'è peggio, a tratti pronta a prestare il fianco ad umorismo involontario (cosa che non depone a favore del film cui sta lavorando ora, Prometheus). La seconda è l'incapacità del film di mantenere la propria promessa, cioè raccontare la solita storia ma dal punto di vista russo, del resto cosa pretendi quando metti a dirigere uno scenografo?? Di russo non c'è nulla se non le pallottole (come dice uno dei personaggi), tutta la struttura del racconto, la natura dell'eroe e i valori alla base sono sempre i soliti. L'ora nera è in tutto e per tutto un film americano, poco importa chi ci abbia messo i soldi.

Andrei Konchalovski ha fatto fare gli effetti speciali del suo Schiaccianoci fuori dalla Russia "perchè in Russia gli effetti non sono ancora a livello delle grandi produzioni" e la sua affermazione la si capisce meglio vedendo L'ora nera, che meno lavora di digitale meglio è. In questo senso l'idea di fare gli extraterrestri invisibili è una doppia furbata, crea suspense con poco ed evita di dover animare creature che, per quel poco che si vedono, non reggerebbero il confronto con gli standard del cinema cui gli spettatori sono abituati. Stesso dicasi per il 3D: mai veramente sfruttato, poco profondo e sostanzialmente inutile.

Italy love it or leave it (2011)di Luca Ragazzi e Gustav Hofer

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 18 Jan 2012 20:30:00 +0000

Si potrebbe raccontare tutta la storia del cinema da Griffith a oggi seguendo la sola chiave di lettura dei film ruffiani. Come in diverse annate, diversi periodi e con diversi stili il sistema cinema abbia prodotto interi filoni di film ruffiani, fatti per accarezzare il gusto del pubblico e farli sentire migliori regalando solo l'illusione di quel che promette e mai "the real thing".

Italy love it o leave it è il perfetto esempio del ruffiano moderno. Se in Italia non abbiamo mai avuto una scena indipendente in stile Sundance (il ruffiano americano), Gustav Hofer e Luca Ragazzi, già con Improvvisamente l'inverno scorso, incarnano alla perfezione quell'idea. Si tratta di due documentaristi che lavorano con mezzi leggeri ma di ottima qualità (specialmente Italy love it or leave it ha una fotografia mai ricercata ma sempre brillante e d'effetto) e scelgono con accuratezza temi e punti di vista, andando ad incarnare (volutamente o meno, non importa) il pensiero generale nella sua forma più compiuta, sempre su temi d'attualità stretta ma mai con l'afflato della riflessione, sempre dalla parte della scontata ovvietà (Napoli era meglio prima, la fabbrica ti costringe a ritmi inumani, Berlusconi ci mette in ridicolo, le realtà migliori d'Italia chiudono) mai da quella della comprensione della complessità dei fenomeni.

Se per il documentario precedente il tema erano i DICO ora è la fuga dall'Italia, ovviamente non intesa come emigrazione ma come fuga da un posto dove le brave persone non possono emergere, dove la meritocrazia è schiacciata e tutto quel campionario di problemi ben noti.

Il documentario mette in scena il viaggio nella penisola dei due, uno intenzionato ad andarsene e uno intenzionato a rimanere (una messa in scena delle motivazioni pro e contro totalmente pretestuosa, poichè anche chi è contro la fuga spesso si dichiara privo d'argomenti), viaggio alla scoperta dei disastri e delle bellezze con una spiccata predilezione per i primi. Viaggio fatto in una 500 vecchio modello (perchè noi ci identifichiamo con l'Italia di una volta, quella migliore, quella dei ricordi).

Con la pretesa di esaustività (spesso ripetono "vedi è tutto così") vengono raccontati i principali fatti di cronaca, inevitabilmente superati ad un anno e più dalle riprese, senza mai guardare al di là del proprio naso, senza cercare una lettura della problematica ma fermandosi alle sole dirette conseguenze. Italy love it or leave it è un reportage molto lungo, non un film. E' totalmente slegato nei suoi momenti migliori, e unito da un'idea di ripresa della realtà totalmente imprecisa nei momenti peggiori.

La fuga all'estero è una delle idee più diffuse (e meno praticate) tra il pubblico d'elezione di questo tipo di film, ne esprime solo l'arroganza e la presunzione, poichè implica che chi vuole andarsene non si riconosce nei lati peggiori del suo paese, ma solo nei migliori, si pone su un piedistallo da solo e legittima la sua posizione con l'esterofilia ("vuoi mettere Londra?").

Lasciare al vecchio saggio (Camilleri) una chiusa patriottica e dignitosa e far finire il documentario con la decisione dei due di rimanere in Italia è solo un sentimentalismo da poco e non un traguardo intellettuale o anche solo dialettico.

Ciliegina sulla torta il film è promosso con i passaggi a diversi festival internazionali e l'idea che "ovviamente" in Italia nessuno se l'è filato mentre è la dimostrazione ultima di come spesso all'estero sono più fessi di noi.

Che cazzo almeno Micheal Moore il cinema lo sa fare!

Underworld - Il risveglio (Underworld - The Awekening, 2011)di Måns Mårlind e Björn Stein

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 18 Jan 2012 11:23:00 +0000

Parecchie attrici rimangono legate a personaggi virili e saghe d'azione spinta, poche riescono a lasciare il segno e darsi davvero alla causa. Kate Beckinsale appartiene a quest'ultima categoria (di cui Sigourney Weaver è la regina e Milla Jovovich la grande erede).

La saga di Underworld l'ha persa per un capitolo, il terzo, che agendo da prequel ha fatto ordine nell'intricata trama narrando dietro le quinte, motivazioni e svolgimenti di alcuni momenti nell'origine del conflitto tra Vampiri e Lycann, e ora la ritrova, quarantenne, inguainata nel latex nero nel capitolo più secco e asciutto. E dà il suo meglio. Il successo e la forza di questa saga ha di certo molto a che vedere con l'incrocio della tematica e della tempistica (unire, in questi anni, lupi mannari e vampiri ha del geniale), ma senza Kate Beckinsale e con lei il grande Michael Sheen a dare credibilità e vera epica, Underworld sarebbe rimasta serie B.

In questo quarto film si torna al presente per pochi minuti e poi si fa un salto di 12 anni in un futuro in cui tutto è alla luce del sole (si fa per dire), la guerra tra le creature ancestrali è fatto noto anche dalla popolazione di città.

Con una fusione imprevedibile e davvero funzionale con l'estetica, la color correction e un certo mood visti in Daybreakers, stavolta i vampiri sono la parte proba del conflitto e i Lycann smettono di essere la metafora della ribellione del proletariato (idea che aveva raggiunto la massima vetta espressiva nel terzo film). Adesso l'aristocrazia succhiasangue non è più tale, non ha il potere, vive nelle fogne mentre i lupi si sono abilmente mescolati con la razza umana. Insomma i licantropi hanno messo su un'azienda, si sono fatti degli amici, si sono messi una cravatta e mangiano con le posate. Ora hanno dipendenti (licantropi), uffici, laboratori e provette.
La guerra diventa chimico/farmacologica e alle motivazioni personali che già spingevano Selen se ne aggiunge una nuova. Come tutte le eroine virili (da Ripley di Alien in poi) di mezzo c'è un figlio non cercato.

Il principale artefice della saga cinematografica, Len Wiseman, rimane un passo indietro alla sola sceneggiatura e vengono promossi registi Måns Mårlind e Björn Stein, duo svedese presentatosi ad Hollywood con il risibile Shelter.

E' dunque una grande sorpresa che Underworld: il risveglio sia uno dei film più compatti della saga. Pur mancando di componenti strutturali determinanti (non c'è Michael Sheen, la trama non ha il grande respiro dell'epica millenaria, del sentimentalismo ottocentesco, nè il fascino delle maledizioni antiche) è innegabile come, arrivati al quarto film, la produzione sia riuscita a trovare il modo di continuare una narrazione con un senso, una logica e un certo afflato. In tutto ciò si inserisce il duo svedese che dirige con passo svelto, senza velleità e con grande coscienza di quale sia l'obiettivo della saga. Non certo il cinema di soli botti e spari (ma anche!) quanto un'idea di avventura e azione molto moderna (tutto passaggi dal ralenti alle accelerazioni) che recuperi quanto deve delle atmosfere gotiche. In più non guasta un 3D vero, ripeto: vero! Non solo nativo (cioè girato e non postprodotto) ma anche pensato che vale anche di più. Un vero gioiellino tecnico.

Benvenuti al nord (2012)di Luca Miniero

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 17 Jan 2012 16:48:00 +0000

Impensabile non fare un sequel di Benvenuti al Sud. Mi sarei incazzato io per primo se non l'avessero fatto. Ora che è finito ed esce in sala dunque come posso incazzarmi perchè non sono riusciti a dare un senso all'operazione economica?

Non ci si può incazzare. Non è ragionevole. Non lo è perchè Luca Miniero non è mai stato un regista a cui dare fiducia, perchè Benvenuti al Sud già era un format stanco, abusato e reiterato che aveva trovato insperato e gigantesco successo popolare, in virtù di un non ben precisato fascino dei protagonisti e della loro comicità. Addirittura pretendere un raddoppio sarebbe irragionevole.

Quel che accade è esattamente quello che ci si attende. Il film ricalca il modello del precedente (che ricalcava l'originale francese Giù al Nord), rinuncia a qualsiasi possibilità di umorismo ricercato e si affida all'abilità dei protagonisti. Dimostrazione ne è il fatto che i comici funzionano (Bisio, Siani, Rossi) gli attori che solitamente riescono bene in parti comiche (Finocchiaro su tutte) molto meno.

Il vero stupore dunque viene da quel "Fabio Bonifacci" nei credits. Uno dei 4-5 veri sceneggiatori italiani prestato ad un film che di fatto non ha scrittura. Un film che palesemente guarda al mercato straniero, visto il successo estero del predecessore (anche più del primo trabocca di donne con scollatura ampia, gesticolare, tovaglie a scacchi, sottovesti e abiti neri per i meridionali).

Ecco, per quello mi dovrei incazzare.

Cellulite e Celluloide - Il cinema a Radio Città Aperta

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 17 Jan 2012 11:10:00 +0000

Torna Cellulite e Celluloide. Nuova radio, nuova vita, stesso format. Tanto per segnare continuità con il passato si comincia con l'anteprima di Benvenuti al Nord e poi con il resoconto sugli incassi dell'annata cnematografica 2011.
Per recuperare tutto il recuperabile facciamo la grande classifica dei migliori film dell'anno. In chiusura i film della settimana, il buon Non aver paura del buio, il raffinato La talpa e il veneziano Shame.

LA PUNTATA DEL 13/1/12

Pur non essendo di Roma o dintorni potete godere anche voi di queste perle radiofoniche sottoscrivendo i podcast come più vi aggrada. O consultare l'archivio.

The Help (id., 2011)di Tate Taylor

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 17 Jan 2012 08:19:00 +0000

Tratto dall'omonimo libro uscito pochi anni fa The Help è solo l'ultimo film in ordine di tempo ad assolvere ad uno dei ruoli di cui Hollywood si autoinveste ad intervalli regolari (soprattutto per ragioni economiche), ovvero quello di accostare alla storia effettiva degli Stati Uniti, una storia sentimentale, un racconto di piccoli eventi a margine dei grandi eventi che non ne illustrino lo svolgimento o i retroscena ma l'impatto che questi hanno avuto sugli esseri umani lontani dai palazzi dove si prendono le decisioni.

In particolare The Help racconta di alcune domestiche di colore del Mississipi (uno degli stati peggiori quanto a razzismo) negli anni '60, delle condizioni in cui versavano, come venivano trattate e del coraggio che ci volle per accettare di mettere i loro ricordi e le loro considerazioni nel primo libro a "raccontare le cose dal loro punto di vista".

Per fare la sua storia sentimentale Taylor rispetta tutte le infauste regole del genere. Una cornice idealizzata, ragioni e sentimenti polarizzati (cattivi che lo sono senza motivazioni e senza possibilità d'appello, buoni che lo sono per indole e non si pongono domande) e ben divisi in "squadre". Con una visione irrimediabilmente ottimistica e un attenuamento di qualsiasi possibile elemento di contrasto o di complessità riguardo la materia trattata, The Help cerca e trova lacrime facili e identificazione immediata con dei vessati pieni di dignità, valori, morale e furbizia.

Conscio di non poter ricevere nessun attacco, The Help si schiera con forza da quella parte da cui già sa di trovare il suo pubblico, a favore dei più deboli senza ipotizzare nemmeno una visione complessa della realtà, in cui questi abbiano dei torti.

Cinema di indubbio fascino, abile fattura, indomabile ruffianeria e incontenibile attrattiva, The Help è fatto per piacere a tutti, per tranquillizzare tutti (i torti si riparano sempre, l'uomo è il problema ma anche la soluzione) e ispirare ma senza ragioni, senza tesi o idee.

Tutto giocato su un ambiente curato, una natura forte, presente ed empatica e soprattutto sui volti dei suoi protagonisti, unica soluzione ipotizzabile per mettere a tacere qualsiasi discussione. Attori congelati in espressioni-modello, pensate per reggere tutto un film e poi deflagrare nel loro opposto durante la catarsi finale. Una lacrima, un'espressione d'intensa dignità o di dura accettazione di fronte a palesi umiliazioni, zittiscono tutto e appiattiscono qualsiasi volontà di andare al di là di quello che già pensiamo e su cui siamo già daccordo.

L'era legale (2012)di Enrico Caria

noreply@blogger.com (gparker) — Mon, 16 Jan 2012 12:07:00 +0000

La nostra tradizione di fintomentari, mockumentary o che dir si voglia, è asciutta ma ricca di titoli (a parte gli esordi felliniani) di tutto rispetto come La vera leggenda di Tony Vilar. L'era legale fa un racconto pseudo-giornalistico (molte le imprecisioni di stile) di Nicolino Amore, figlio della Napoli popolare, uomo dall'incerta vita professionale e dalle mille attività spesso fallimentari che, finito in una tribuna politica televisiva in virtù di un minicomizio imporvvisato in strada, svela le ipocrisie di due politici. Da lì parte una carriera, diventa sindaco di Napoli e lentamente risolve tutti i problemi della città, anche i più storicamente irrisolvibili partendo dall'eliminazione dello spaccio di droga.

Il tono è farsesco, L'era legale non vuole in nessun momento pretendere di essere convincente o cercare di sembrare reale, anzi usa l'arma del grottesco per mettere in scena dietro metafora, problemi e idiosincrasie delle più consuete difficoltà meridionali.

Quello che convince poco del film è però il modo in cui racconta questa storia, abusando cioè della voce fuoricampo e dimenticando le immagini. La storia di Nicolino Amore rimane sempre storia e non diventa mai film, rimane cioè racconto, senza riuscire a utilizzare il linguaggio audiovisivo per dire qualcosa di più, di diverso o di particolare. L'unico intento sembra essere la promozione dell'idea che una legalizzazione della droga risolverebbe, non tutti i problemi come nel film, ma molti.

Ferma restando l'idea di partenza, carina sebbene tipicamente in linea con la mentalità all-partenopea che domina tantissima produzione proveniente dalla Campania, e qualche trovata ironica particolarmente azzeccata, L'era legale è un film per il quale l'illustrazione del soggetto o la preparazione di un trailer funzionano più che la visione del lungometraggio.

Pur avendo girato quello che a tutti gli effetti è un documentario fasullo, Enrico Caria non si fa mai forza di quel linguaggio o delle possibilità che il genere riserva, limitandosi a narrare un racconto fantastico e ipotetico, condito con qualche "intervista" a nomi noti (Arobre, Isabella Rossellini), materiale per lo più improvvisato e messo in scena con sciatteria.

La Talpa (Tinker, tailor, soldier, spy, 2011)di Tomas Alfredson

noreply@blogger.com (gparker) — Sun, 15 Jan 2012 17:23:00 +0000

Prendere Tomas Alfredson e fargli dirigere l'adattamento di un classico di LeCarrè è stata una scelta di quelle che fanno la differenza tra una produzione arruffata e una smaliziata. Il regista di Lasciami Entrare infatti non cambia il suo stile ma declina il gelo e l'ermetismo interiore dei vampiri svedesi al mondo delle spie inglesi.

Ferma restando un'ambientazione d'epoca non troppo differente dal film che l'ha reso noto, il passaggio tra le due storie è radicale solo su carta, perchè in realtà il modo di porsi di ogni personaggio di fronte alle scelte che vive, ai problemi che gli si presentano e alla rivoluzione della propria vita che il contesto impone è sempre il medesimo.

Così quello che succede alla fine è che La Talpa è evidentemente un film di spionaggio realizzato senza alcuna sudditanza verso i capisaldi del genere, che replica le classiche ambientazioni da guerra fredda senza rifarsi ad altre opere ma battendo una via al tempo stesso moderna e tradizionale. Ovvero tradizionale nello svolgimento ma moderna nelle dinamiche, nei tempi e nel modo in cui l'immagine impatta sui volti impassibili.

Non è certo un film semplicissimo da seguire La Talpa, storia narrata con ricercata complessità, che spazia tra tempi diversi, tra personaggi che di lavoro mascherano le loro intenzioni ma che, davvero come nei casi migliori, sa condensare quando serve il cuore del film in un'immagine sola. Un tradimento (matrimoniale) che cambia una vita intera e sconvolge l'uomo impossibile da sconvolgere e al tempo stesso il pubblico.

La Talpa è un film che pur non confidando totalmente sulla sceneggiatura (e vista la provenienza sarebbe anche stato legittimo) sa costruire con calma ogni svolta, ogni acmè narrativo e ogni scena madre, in una maniera che gli consente di non doverle sottolineare con cafonaggine.

L'economia di messa in scena (che si traduce in un montaggio essenziale, luci sempre uguali e recitazione in levare) di Alfredson a tratti fa paura.

I Knew Better - Shame

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 12 Jan 2012 15:43:00 +0000

Questa settimana esce Shame di Steve McQueen, il film per cui Fassbender ha vinto la Coppa Volpi per il miglior fallo in esposizione, già visto e recensito all'epoca di Venezia.

Danger 5

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 12 Jan 2012 15:12:00 +0000

Ci sono i prodotti fatti bene e quelli fatti male. Ma per creare bene qualcosa di fatto male serve vera abilità. Il team Dinosaur Worldwide ce l'ha.

Si tratta di una produzione australiana (principalmente imputabile a David Ashby e Dario Russo) che qualche anno fa era salita agli onori della cronaca della rete per un mediometraggio messo online diviso in episodi, una presa in giro dello stile filmico anni '70 che aveva suscitato moltissimo interesse. Era Italian Spiderman.

Con lo stesso piglio (ma un budget evidentemente superiore) ora hanno portato online una miniserie di 5 episodi chiamata Danger 5.

L'idea è la medesima: fare un racconto molto poco plausibile, imitando lo stile ingenuo e cialtrone della peggior exploitation a basso costo anni '60, con lo scopo di realizzare un salto carpiato semantico. Far ridere e intrattenere con una produzione che si vorrebbe fatta male ma in realtà è talmente sofisticata da calibrare ogni cattiva pennellata con la sapienza di chi l'audiovisivo lo padroneggia al massimo.

Non ci sono infatti battute o gag propriamente dette in Danger 5, ma tutto, a partire dalla trama fino ai costumi, è esilarante. Danger 5 ha la forza delle migliori produzioni, quella di non basarsi solamente sulla sceneggiatura per dire quel che ha da dire, ma di usare a pieno tutto quel complesso di regia, fotografia, montaggio, scenografia, recitazione e via dicendo, che va sotto il nome di "messa in scena".

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Non aver paura del buio (Don't be afraid of the dark, 2010)di Troy Nixey

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 11 Jan 2012 10:19:00 +0000

Per qualche anno è sembrato che avessimo perso l'incredibile cinema di Guillermo Del Toro, smarrito tra tante produzioni non sempre all'altezza dei suoi film da autore e lontane dalla raffinatezza delle sue visioni al tempo stesso di serie B e alte. Ora con qualche film da sceneggiatore (su cui si fanno notare i due Lo Hobbit) e uno nuovo da regista in cantiere per il 2013, sembra che il ritorno sia sempre più prossimo.

Arriva così in Italia ora, con quasi due anni di ritardo il film di Troy Nixey (originariamente un fumettista) che Del Toro ha prodotto e scritto.

Dei film del cineasta nerd per eccellenza (uno a cui si rivolge anche Peter Jackson, per dire) Non aver paura del buio ha tutto. C'è una protagonista bambina, c'è un mondo in cui gli orrori delle leggende e delle tradizioni sono veri e soprattutto c'è un impianto generale da favola andata a male, quel modo sublime che ha Del Toro di prendere i racconti per bambini e scavarne la componente malata, perversa, orribile e violenta.

Con un gusto quasi da Joe Dante (ma senza ironia), questo film racconta di una popolazione di immondi esserini pelosi che popolano il sottosuolo, al confine con gli inferi, i quali (in virtù di un grottesco patto fatto con Papa Silvestro II) pretendono denti di bambini, se non li hanno cominciano a rapirli. Sorvolando sulla contrattazione senza senso fatta dal Papa, la metafora con la fata dei denti è esplicita e più volte richiamata, così come lo è quella con le favole morali.

A parte qualche luogo comune dell'horror un po' tirato per i capelli (il giardiniere che sa tutto) Non aver paura del buio fa un uso magistrale dei grandi topoi del genere, come non si vedeva da tempo. Il buco dal quale emergono le creature, così come le voci loro e dei rapiti sono idee di messa in scena straordinarie, allo stesso modo l'idea malata della fatina dei denti che rapisce e il più scontato gioco di gatto e topo con le vittime al buio risultano da manuale.

Troy Nixey di certo rinuncia a qualsiasi velleità che non sia l'intrattenimento, di proposito non coltivando lo spunto di una protagonista presa nel più classico dei momenti di transizione (abbandona la madre per andare a vivere con il padre e la nuova moglie che non tollera). Tutto ciò infatti non ha reale importanza o viene sviluppato nel rapporto con la paura. Non c'è insomma una conquista dell'umanità attraverso la lotta con il mostruoso come in La spina del diavolo o Il labirinto del Fauno, lo stesso però Non aver paura del buio ha dei momenti (specie all'inizio) di autentico terrore.

Millennium - Uomini che odiano le donne (Millenium - The girl with the dragon tatoo, 2011)di David Fincher

noreply@blogger.com (gparker) — Tue, 10 Jan 2012 10:50:00 +0000

Se non si è già amanti della trilogia letteraria il primo adattamento fatto dai romanzi di Larsson, quello svedese per intenderci, era insostenibile. Non sfruttava gli spunti lasciati dalla storia e la metteva in scena come un giallo Mondadori.

Fincher, sebbene ricalchi quella trama in maniera quasi identica (cioè tagliando quel che della storia era stato tagliato da quel film e tenendo quel che era stato tenuto), imprime un altro passo, altri volti e un'altra idea di cinema alla storia di lenta scoperta di un omicidio avvenuto anni prima. Eppure sembra sempre lontano.

L'impressione che si ha uscendo dal cinema dopo aver visto Millennium - Uomini che odiano le donne, è di aver visto un buon film di cui al regista importava poco. Fincher sembra avere sempre la testa da un'altra parte mentre mette in scena le peripezie di Lisbeth e Mikael Blomkvist.

Tutto si svolge linearmente e l'intreccio è chiaramente ben raccontato, addirittura mostrato con qualche guizzo, ma per l'appunto i momenti più significativi sembrano essere quelli totalmente estranei alla trama in senso stretto, cioè allo svolgersi degli eventi inerenti alla scoperta dell'assassino. Di tutto quel sottile piacere di raccontare un meccanismo ad orologeria, uno scontro di intelligenze, una lenta scoperta, una tenace lotta per raggiungere un obiettivo non c'è traccia.

Il suoi due detective, sono privi di verve o di un approccio particolare al loro compito e brillano di interesse (come del resto la fantasia del regista) solo quando fanno altro. E' il caso della scena della violenza sessuale subita da Lisbeth, musicata dal solito Trent Reznor a partire dal rumore di un aspirapolvere da ufficio che lentamente diventa musica ossessiva per la violenza in corso, o dei momenti iniziali, quando Blomkvist vede crollare la sua credibilità professionale o ancora di quel contrasto di corpi nello spazio indifferente della metro durante lo scippo. Il resto è davvero accademia, cinema ben fatto ma senza passione.

Menzione speciale per i titoli di testa, un vero videoclip. Ma dei migliori. Un incubo di corpi, melassa nera e prese USB.

Finalmente maggiorenni (The Inbetweeners Movie, 2011)di Ben Palmer

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 05 Jan 2012 17:45:00 +0000

Nella categoria "serie tv di successo che diventano film" rientra The Inbetweeners, da noi Finalmente maggiorenni (la serie mantiene il titolo originale e va su MTV), produzione inglese partita da ormai 3 anni e centrata sulla quotidianità di 4 sfigatissimi liceali che nel film partono per un viaggio post maturità colmi di aspettative sessuali.

La cosa arriva la cinema lo stesso giorno di Immaturi - Il viaggio, cosa che fa ridere, perchè Finalmente Maggiorenni va proprio tutto dall'altra parte dello spettro del linguaggio e del racconto, sgravando nell'opposto, cioè nella mancanza di indulgenza e nell'attacco a tutti i costi verso i propri protagonisti. Il film inglese infatti ricalca il format delle commedie adolescenziali americane, adattando le tematiche e gli estremi della serie ai tempi e alle necessità di un film, guardando ad un modello con l'idea di fare un passo in più. E forse è proprio quel passo in più a colmare la misura, dando a volte l'impressione di essere di fronte ad un collage di violenze contro i protagonisti, come nei peggiori film di Fantozzi, quelli che non hanno dietro un'idea ma solo esposizione del dolore.

Ed è un peccato perchè moltissime trovate di Finalmente Maggiorenni hanno la forza della comicità migliore, quella che gira il coltello nella piaga, rimesta nel ricordo e nelle esperienze condivise per andare a scovare il non detto o il quasi pensato, sventrando con il grottesco ogni tentativo di darsi un tono.

Proprio quello che non vuole assolutamente fare Immaturi 2. Il che più che raccontare la differenza tra Italia e Inghilterra, sembra raccontare la differenza tra la mentalità geek/ventenne e quella disillusa/quarantenne. I primi bisognosi di frustate e non disposti a fare di tutti i loro simili un fascio, i secondi vogliosi di pacche sulle spalle e sempre pronti a percepirsi tutti sulla stessa barca.

Shit Girls Say

noreply@blogger.com (gparker) — Thu, 05 Jan 2012 16:47:00 +0000

L'ultimo mese è stato segnato dall'emergere di un nuovo meme/viral video/webserie, un curioso ibrido che ha saputo mescolare le tre categorie in cui solitamente dividiamo le produzioni per la Rete, dimostrando che ogni qualvolta si pongano dei paletti o si identifichino delle categorie in Rete occorre fare i conti con le infinite possibilità di stravolgimento dell'UGC.

Si tratta di Shit Girls Say, ovvero "Cazzate che dicono le ragazze", una webserie che nasce da un omonimo account twitter, creato in primavera e arrivato ora a circa 700.000 follower. Sia l'account twitter che i video girano intorno a frasi ricorrenti nel vocabolario femminile (i video non disegnano anche posizioni, espressioni e mugugni tipici), un catalogo di banalità e luoghi comuni che hanno poco senso singolarmente ma sono esilaranti se ammassati con le due tipologie di montaggio.

Le tipologie in questione sono ovviamente quella dei tweet (per la quale o li si legge tutti in fila o ci si fa aggiornare ogni giorno e quindi li si legge in mezzo al flusso delle altre micro-comunicazioni) e quella dei video, il montaggio rapido e sapido, focalizzato a destabilizzare e intenzionato ad accumulare con foga frasi, luoghi, momenti e suoni. Si tratta insomma di un prodotto diviso in due, molto raffinato, anche se parte da un base estremamente lieve. Il campionario di banalità femminili infatti non spicca per originalità, satira, cattiveria o pregnanza, è solo abbastanza accurato. È la forma a fare la differenza.

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Le migliori webserie del 2011

noreply@blogger.com (gparker) — Wed, 04 Jan 2012 11:49:00 +0000

Seguendo i medesimi principi con i quali è stata stilata la lista dei migliori film del 2011, ne ho redatta anche una sulle webserie più interessanti per BadTv. Visto che è stato l'anno dell'arrivo anche qui del fenomeno ne valeva la pena.

Sono state considerate non solo le serie partite nel 2011 ma anche quelle iniziate nel 2010 e che hanno regalato nel 2011 momenti interessanti.

1 Freaks

Amatissima e odiatissima al tempo stesso, prima non in ordine di arrivo ma per gradimento, notorietà e capacità di influire sul suo contesto, la webserie che ha riunito Willwoosh, Canesecco e NonApriteQuestoTubo è senza dubbio l’evento principale del 2011. L’importanza, la forza e i cambiamenti che questo successo hanno portato e ancora porteranno al settore sono ben lungi dall’essere stati compresi fino in fondo. La qualità del girato, la bontà delle interpretazioni e soprattutto la forza e l’ambizione del progetto, da sole gli valgono la prima posizione.

2 Life in a Day

Non è propriamente una webserie (anzi, non lo è proprio) ma più un progetto collaborativo che si è nutrito di tanti piccoli contributi. Per chi non lo ricordasse è quel documentario risultante dalle decine di migliaia di video girati in una medesima giornata e mandati al regista Kevin McDonald, il quale ne ha tratto un’ora e mezza che descrive il nostro pianeta, chi lo abita e come vive oggi. Un tour de force senza precedenti al mondo, possibile solo online. Una visione illuminante.

3 Epic meal time

Non è certo una webserie “narrativa” ma più uno show, eppure Epic Meal Time utilizza tutti gli espedienti del cinema e della costruzione di un microracconto per mettere in scena ogni settimana un tripudio triglicerico. L’esibizione dell’estremo culinario all’americana, dell’esagerazione a tutti i costi, consumata in uno scenario iperbolico con toni iperbolici è davvero uno spettacolo che unisce intrattenimento e riflessione personale (non certo dei partecipanti) con il sacrosanto dovere di “turbare”.

4 Travel companions – L’altra

Queste due serie italiane sono a parimerito sia perchè condividono il fatto di essere iniziate nel 2010 e finite nel 2011, ma soprattutto perchè sono le uniche premiate all’estero (il Los Angeles Webserie festival di quest’anno) senza aver avuto i riconoscimenti che meritavano in patria. Forse è perchè sono arrivate in un’era pre-Freaks, forse perchè si rivolgono ad un target un po’ più adulto. Ad ogni modo a noi sono sembrate molto più che valide.

La prima è un’idea formidabile, trasformare i viaggi da e verso il lavoro di una coppia di colleghi che condividono l’auto in sketch tra il surreale e il narrativo, la seconda un’esperimento di racconto in tempo reale tra il sociale e il fantastico che è stato un vero evento.

5 Il corso di cazzotti del dr. Johnson - stagione 1.5

Lo sforzo dei Licaoni è più che encomiabile. Il corso di cazzotti del dr. Johnson è uno dei format più originali che si possano vedere in rete. Animato da una comicità poco convenzionale per il panorama italiano, ma estremamente sapido nel suo giustapporre idee che vengono da altri mezzi (pezzi di film, pezzi di serie tv o cultura popolare) con tutta una mitologia paradossale e grottesca originale dela serie. Inoltre è l’unica webserie italiana con dei personaggi-icona degni di questo nome.

6 Skypocalypse

Partita poco dopo Freaks, dotata di un quarto delle sue potenzialità di messa in scena ma fondata su un’idea sensazionale, Skypocalyspe fa il lavoro delle webserie: stupisce, cambia, scarta e rivolta i racconti che siamo abituati a ricevere da tutti i media principali televisione, cinema, letteratura e videoludica, senza saltarne uno. Peccato però, il racconto tutto in videoconferenza dell’apocalisse zombie più trascurata di sempre, avrebbe meritato più continuità.

7 31 the series

Spesso le webserie partono con le premesse più intriganti del mondo e si risolvono in qualcosa di poco costante, mal curato se non addirittura disonesto intellettualmente. Non è il caso di 31 The Series, che si pone un obiettivo (tutti episodi di 31 secondi di durata) e riesce a portarlo a termine senza farsi mancare nulla. Ogni episodio ha il suo incipt, la sua rivelazione e il suo clamoroso cliffhanger. Tutto in 31 secondi. Forse alla lunga il format arriva a noia, ma non si può negare che sia una delle provocazioni più forti e ben portate dell’anno.

8 Lost in google

I The JackalL sono un collettivo determinante per l’evoluzinoe del video in rete italiano, spesso in ombra, spesso poco celebrati ma presenti sul tubo da anni, basta guardare i video più visti del loro sterminato elenco per capire che sono stati tra i pochi a praticare una certa viralità con metodo. In più sono gli autori degli effetti speciali di Freaks. La loro webserie (finalmente) viaggia lenta a causa di un format che ingloba in ogni episodio i commenti a quello precedente. L’idea è provata e molto buona (la stessa su cui si basava anni fa la webserie americana I.Channel) ma servirebbe più metodo per produrre più in fretta.

9 My Anime Girlfriend

Non è stato un grandissimo anno per le webserie americane. Dopo aver prodotto l’improducibile per tanto tempo sembrano essersi presi una pausa. Eccezione la fa My Anime Girlfriend, webserie che batte il medesimo percorso di tutte le altre (un nerd trentaqualcosa in cerca di una donna e di una stabilità) ma con un twist straordinario: la donna della serie è un cartone giapponese. A metà tra riprese live e animazione questa webserie ha l’intelligenza di incrociare narrazione americana e stereotipi manga con raro gusto.

10 Horsemen

Avrei tanto voluto mettere Horsemen molto più in alto, ma incomprensibilmente dopo pochissimi episodi la serie si è bloccata. Certo la durata non aiutava la narrazione e la scrittura non era proprio scorrevolissima (e se vogliamo dirla tutta il montaggio non dava una mano) ma c’era molto più di un’idea in Horsemen, a partire da quel mood stralunato e libero che le produzioni per la rete dovrebbero avere in teoria ma che poi in pratica non hanno mai perchè troppo interessate a scimmiottare gli altri modelli di cinema e tv.