A Life in search of Sculpture

If you want, you can create more,

If you want, you can change heading,

If you want, you can find the support,

If you are afraid and you hope, you won’t try.

Venancio Blanco 

The Sala de Exposiciones Santo Domingo de la Cruz presents the infamous sculptures of Venancio Blanco, a prestigious sculptor recognised both nationally in his home country Spain and internationally. Among his achievements is the National Prize of Sculpture (1959), First Medal of Sculpture of the National Exhibition of Art (1962), Great Prize of Sculpture of the V Bienal de Art of Alejandría, Gold Medal of the IV Bienal of Art Sacro of Salzburg, Gold Medal of the  XI Exhibition “The Arts in Europe” (Brussels), First Prize of the International Exhibition “La Caza” (National Museum of Beautiful Art from Budapest), Premio de las Artes de Castilla y León 2001, Medalla de Oro from  Salamanca  in 2009.

The exhibition is made up of a total of 42 sculptures from different periods and techniques, in which the changes, the process and the evolution in the artist’s practice are observed, as well as the continuous investigation that Venancio Blanco made of his pieces. how to treat a mouse with ivermectin The review of the works in the solitude of the studio and their new construction from the non-conformist but curious creative gaze of the artist, are the pretext to bring his multiple studios closer to the exhibition space of Santo Domingo de la Cruz in Salamanca, which also commemorates 20 years of cultural capital.

A sincere look reveals and shows the attempts, the results, in short, the daily and permanent struggle in the artist’s studio, through a selection of pieces that the sculptor made throughout his career, based on his most distinguished creative pretexts. . If we stop and caress his works with our eyes, we can discover the sincere and transforming vision of Venancio Blanco in each one of them.

The exhibition can be visited until June 2022, admission is free and visiting hours are: Tuesday to Friday from 5:00 p.m. to 9:00 p.m.; Saturdays, Sundays and holidays from 12:00 to 2:00 p.m. and from 5:00 to 9:00 p.m. In addition to the exhibition “A Sincere Look”, visitors will be able to tour the gardens of Santo Domingo and enjoy the permanent collection of the Venancio Blanco Foundation in the open air. bearded dragons pinworms and ivermectin

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Venancio Blanco

Una Vida en busca de la escultura

Si quieres, puedes crecer más,

Si tú quieres, puedes cambiar de rumbo,

Si quieres, buscas los apoyos,

Si tienes miedo y no tienes verdadera ilusión, no lo intentes. 

Venancio Blanco 

La Sala de Exposiciones Santo Domingo de la Cruz presenta las famosas esculturas de Venancio Blanco, un prestigioso escultor reconocido tanto a nivel nacional en su país natal España como a nivel internacional. Entre sus logros se encuentra el Premio Nacional de Escultura (1959), Primera Medalla de Escultura del Salón Nacional de Arte (1962), Gran Premio de Escultura de la V Bienal de Arte de Alejandría, Medalla de Oro de la IV Bienal de Arte Sacro de Salzburgo, Medalla de Oro de la XI Exposición “Las Artes en Europa” (Bruselas), Primer Premio de la Exposición Internacional “La Caza” (Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest), Premio de las Artes de Castilla y León 2001, Medalla de Oro de Salamanca en 2009.

La exposición está compuesta por un total de 42 esculturas de diferentes épocas y técnicas, en las que se observan los cambios, el proceso y la evolución en la práctica del artista, así como la continua investigación que Venancio Blanco realizó de sus piezas. Observar las obras en la soledad del taller y de nueva construcción desde la mirada creativa, inconformista pero curiosa del artista, son el pretexto perfecto para acercar sus múltiples estudios al espacio expositivo de Santo Domingo de la Cruz en Salamanca, que también conmemora 20 años de capitalidad cultural.

Una mirada sincera revela y muestra los intentos, los resultados, en definitiva, la lucha diaria y permanente en el taller del artista, a través de una selección de piezas que el escultor realizó a lo largo de su carrera, a partir de sus más insignes pretextos creativos. . Si nos detenemos y acariciamos con la mirada sus obras, podemos descubrir en cada una de ellas la visión sincera y transformadora de Venancio Blanco.

La exposición podrá visitarse hasta junio de 2022, la entrada es gratuita y el horario de visita es: de martes a viernes de 17:00 a 20:00 horas. a las 21:00 horas; Sábados, domingos y festivos de 12:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 21:00 horas. Además de la exposición “Una mirada sincera”, los visitantes podrán recorrer los jardines de Santo Domingo y disfrutar al aire libre de la colección permanente de la Fundación Venancio Blanco.

http://www.fundacionvenancioblanco.es/index.php/m-es-venancioblanco

This March marks two years since the beginning of the confinement. total synthesis of ivermectin During this period, the need to create for the Salmantino Artists has been more prominent than ever, as a fundamental form of their expression. Until 3rd of April, in the exhibition hall of “La salina” Salamanca you can enjoy a selection of Artists linked to the towns of the province, who show the art that has kept them going through the pandemic.

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Eduardo Azofra y Chema Sánchez presentan Arte Salmantino en tiempos de pandemia.

Este mes de marzo se cumplen dos años desde el inicio del confinamiento. Durante este período, la necesidad de crear de los artistas Salmantinos ha sido más destacada que nunca, como forma fundamental de su expresión. Hasta el 3 de abril, en la sala de exposiciones de “La salina” Salamanca se puede disfrutar de una selección de artistas vinculados a los pueblos de la provincia, que muestran el arte que han llevado a cabo durante la pandemia. medincell ivermectine

Visit the Diputación Salamanca for more information

Chinese New Year 2021 – Year of the Ox

Join us and millions of others as we celebrate Chinese New Year. This year Chinese New Year starts on 12th February and lasts up to 16 days. The reason the new year falls during this time is because it marks the start of the lunar new year, which is when there is the start of a new moon.

This year marks the year of the Ox from the previous year of the Rat. The Ox is the second of all zodiac animals. According to one myth, the Jade Emperor said the order would be decided by the order in which they arrived to his party. The Ox was about to be the first to arrive, but the Rat tricked the Ox into giving him a ride. Then, just as they arrived, Rat jumped down and landed ahead of Ox. Thus, the Ox became the second animal.

Chinese Signs of the Zodiac

The meaning behind the OX

In Chinese culture, the Ox is a valued animal. Because of its role in agriculture, positive characteristics, such as being hardworking and honest, are attributed to it. The Ox is often associated with being intelligent, reliable and never in need of praise.

Personality and Characteristics

Oxen are honest and earnest. They are low key and never look for praise or to be the center of attention. This often hides their talent, but they’ll gain recognition through their hard work.

They believe that everyone should do what’s asked for them and stay within their bounds. Though they are kind, it’s difficult for them to understand persuasion using pathos. Rarely losing your temper, they think logically and make great leaders.

Men born in the Chinese New Year of the Ox are reliable and trustworthy. They put their entire heart into everything they do. babesia ivermectin They feel great responsibility towards their family as well. However, due to their confidence (almost arrogance), they don’t allow anyone to go against their rules. They hold your children to high expectations, even though it might be unrealistic.

Women born in the Ox year are calm and gentle. They will never surrender to fate and rarely think of choosing an alternative. This no doubt leads to a life of struggles. azitromicina com ivermectina But no matter what, they will walk down the road they choose until the end. Despite this stubbornness, they think and react quickly.

Lucky things for Oxen

• Colors: blue, yellow, green
• Numbers: 1, 4
• Flowers: lily of the valley and lucky bamboo
• Directions of auspiciousness: East, Southeast
• Directions of wealth: Northwest
• Directions of love: South
Unlucky things
• Colors: red, brown
• Numbers: 3, 6

Take a look at our Tauromaquia Collection

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Nuevo año chino – El año del Buey

Únase a nosotros y a millones de personas más mientras celebramos el Año Nuevo chino. Este año, el Año Nuevo chino comienza el 12 de febrero y durará 16 días. La razón por la que el año nuevo cae durante estas fechas es porque marca el comienzo del año nuevo lunar, que es cuando comienza la luna nueva.

Este año marca el año del Buey y el año anterior el de la Rata. El Buey es el segundo de todos los animales del zodíaco. Según el mito, el Emperador Jade dijo que el orden se decidiría según el orden en que llegaran a la meta. El Buey estaba a punto de ser el primero en llegar, pero la Rata engañó al Buey para que la llevara. Justo cuando llegaron, la Rata saltó y aterrizó delante del buey. Y así, el Buey se convirtió en el segundo animal.

El significado detrás del OX

En la cultura china, el Buey es un animal valioso. Por su papel en la agricultura se le atribuyen características positivas, como ser trabajador y honesto. El Buey a menudo se asocia con ser inteligente, confiable y nunca necesita elogios.

Personalidad y características

Los bueyes son honestos y serios. Son discretos y nunca buscan elogios o ser el centro de atención. Esto a menudo oculta su talento, pero obtienen su  reconocimiento a través de su arduo trabajo.

Creen que todos deben hacer lo que se les pide y mantenerse dentro de sus límites. Aunque son amables, les resulta difícil ser persuadidos mediante el sentimiento de la pena. Rara vez pierden los estribos, piensan con lógica y son grandes líderes.

Los hombres nacidos en el año del Buey son dignos de confianza. Ponen todo su corazón en todo lo que hacen. ivermectin cats ear mites También sienten una gran responsabilidad hacia su familia. Sin embargo, debido a su confianza (casi arrogancia), no permiten que nadie vaya en contra de sus reglas. Mantienen a sus hijos en altas expectativas, aunque pueda ser poco realistas.

Las mujeres nacidas en el año del Buey son tranquilas y amables. Nunca se rendirán al destino y rara vez pensarán en elegir una alternativa. Esto sin duda conduce a una vida de lucha. Pero pase lo que pase, caminarán por el camino que elijan hasta el final. A pesar de esta terquedad, piensan y reaccionan rápidamente.

Cosas afortunadas para gente nacida en el año del Buey

Colores: azul, amarillo, verde

Números: 1, 4

Flores: lirio de los valles y bambú de la suerte

Direcciones de auspiciosidad: Este, Sureste

Direcciones de riqueza: Noroeste

Direcciones del amor: Sur

Cosas desafortunadas

Colores: rojo, marrón

Números: 3, 6

Echa un vistazo a nuestra Colección Tauromaquia

Crypto Art vs Traditional Art

History was made late last year, by the Artist Matt Kane who sold his artwork, Right Place & Right Time, for more than $100,000. This is the first time a piece of digital art has been recognized with such a value in the crypto art movement, possibly signifying the emerging market is on the cusp of ignition, despite our uncertain economic times.

The artwork is a unique composition, programmable to automatically re-generate itself according to the volatility of the cryptocurrency Bitcoin. Each hour the artwork alters its structure in rotation, scale and position of a correlating layer in response to Bitcoin´s valuation.

Matt is not the only name making waves in the crypto art sector. An anonymous artist, known only as Pak, is well regarded in the crypto art scene with his art typically selling for thousands of dollars. But I know what you’re thinking, in comparison with traditional art, they don’t even come close, with the likes of artists Jeff Koons and David Hockney, who have sold artworks for over 90 million dollars, and you´d be right. However, these events point to an ever-growing crypto art market, an exciting new industry, that perhaps we all should be paying attention to.

The market is growing at an insane pace and while some critics believe that the sector is vulnerable to price manipulation and wash trading, which overestimates the value of the artwork, as well as additional concerns about the importance of blockchain technology in the art scene,  it may help us to know what to look for in regards to estimating our own valuation on the digital art sector.

Art valuation in the traditional art market typically considers four key issues:

Demand

Liquidity

The middle man

Market data

• Demand, this refers to the artist’s stock in the art community as well as the demand for similar artworks. Therefore, unknown artists are unlikely to sell pieces for high prices. This is because an artist’s stock rises the more they create. Additionally, while comparable pieces may work well for the artist, sometimes it is detrimental, as rarity or uniqueness is a sought-after feature. The materials used to create the artwork also factor in, as some mediums are more desirable than others. Artists like Kane and Pak are well regarded and thus create demand.

• Liquidity is related to demand. If an artist is well known and respected, it is easier for the buyer to resell their art. Consequently, only those artists who have demand are able to sell their artwork for high values, since it is relatively trivial to liquidate the artwork as high-end buyers typically acquire art as stores of value.

For NFT or digital artworks in terms of liquidity, there are already specific marketplaces and platforms through which they can be sold such as OpenSea, Async, and Rarible. Additionally, decentralized finance (DeFi) is making it possible for users to leverage their NFT artwork through services like NFTfi to access loans by providing crypto art as collateral. Since launching in May 2020, the platform has already supported over $60,000 in collateral-backed loans between users.

• Art dealers and auction houses play a consequential role in the valuation of traditional artworks. If a renowned art collector or dealer buys artwork, then the artist’s stock goes up. It is somewhat considered an endorsement of the artist’s place in the art scene and further drives up the value of their work.

As for crypto dealers, Crypto art begins to divert from traditional art at the middleman parameter. By design, blockchain-based technologies, at least open ones, work on a decentralized model that cuts out the middleman in many scenarios, where they exist in the physical world. Art is no different.

• Lastly, market data may be used to value artwork. This is often employed by auction houses and companies dealing in market research. Market data is often utilized by parties who would like to legally appraise artworks to leverage it in another way financially, such as collateral for a loan.

Market data also plays a role in the crypto art sector, albeit in a different manner. Given the open nature of many NFT and rare digital artwork marketplaces, there is bound to be unscrupulous behavior. Some platforms are populated by users engaging in practices like wash trading, which renders them inefficient and fraudulent for the sector in general.

Given the open nature of such platforms, it is hard to control who can join. However, these platforms utilize their market to determine if they need to intrude features that limit such activities. For instance, Rarible introduced fees and a governance token to combat wash trading on its platform after it was called out by NonFungible.com for its high levels of suspicious activity.

Keeping in mind the above points, just as in the traditional art sector, the final valuation of digital art is truly subjective. If we are to draw parallels to the traditional art market, we must remember the varying levels of quality. One cannot compare a picture drawn by a three-year-old over lunch to a painting created by an artist over a period of weeks. In the same way, one cannot compare an NFT of quality and innovation with someone who merely took a screenshot of the Mona Lisa and turned it into an NFT. There is an obvious quality disparity that influences the value of the NFTs. Therefore, crypto art should be allowed to value itself by the parameters seen in traditional art, while leaving room for the same subjective undertones. what is dosage ofg ivermectin for prevention of heartworms

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Arte Criptográfico vs Arte Tradicional

El artista Matt Kane hizo historia a fines del año pasado, vendió una obra de arte en Right Place & Right Time, por más de $ 100,000. Esta es la primera vez que una obra de arte digital ha sido reconocida con tanto valor en el movimiento del arte criptográfico, posiblemente significando que el mercado emergente está en la cúspide, a pesar de nuestros tiempos económicos inciertos.

Su obra de arte es una composición única, programable para regenerarse automáticamente con la volatilidad de la criptomoneda Bitcoin. Cada hora, la obra de arte altera su estructura en rotación, escala y posición de cada capa correlacionada en respuesta a la valoración de Bitcoin en ese momento.

Matt no es el único que está haciendo movimiento en el sector del arte criptográfico. Un artista anónimo, conocido solo como Pak, está considerado en la escena del arte criptográfico como uno de los mejores y vende su arte típicamente por miles de dólares. Pero sé lo que estás pensando, en comparación con el arte tradicional, ni siquiera se acerca, a artistas como Jeff Koons y David Hockney, que han vendido obras de arte por más de 90 millones de dólares, y tienes razón. ivermectin for sale over the counter . Sin embargo, estos eventos apuntan a un mercado de arte criptográfico en constante crecimiento, una nueva y emocionante industria, a la que quizás todos deberíamos prestar más atención.

El mercado está creciendo a un ritmo increíble y, si bien algunos críticos creen que el sector es vulnerable a la manipulación de precios y se comercia como lavado de capitales, sobreestimando el valor de las obras de arte. También hay preocupaciones adicionales sobre la importancia de la tecnología blockchain en la escena del arte.

La valoración del arte en el mercado del arte tradicional generalmente considera cuatro cuestiones clave:

Demanda

Liquidez

El intermediario

Datos del mercado

 Demanda, se refiere a la cantidad de obra del artista en la comunidad artística, así como a la demanda de obras de arte similares. Por lo tanto, es poco probable que los artistas desconocidos vendan piezas a precios elevados. Esto se debe a que el valor de un artista aumenta cuanto más crea. Además, aunque haya obras comparables y eso puede funcionar bien para el artista, también es perjudicial, ya que la rareza o la singularidad es una característica muy buscada. Los materiales utilizados para crear la obra de arte también influyen, ya que algunos medios son más deseables que otros. Artistas como Kane y Pak están bien considerados y, por lo tanto, crean demanda.

La liquidez está relacionada con la demanda. Si un artista es conocido y respetado, es más fácil para el comprador revender su arte. En consecuencia, solo aquellos artistas que tienen una demanda elevada y pueden vender su obra de arte por valores muy altos, ya que es relativamente fácil revender sus obras de arte, ya que los compradores de alto nivel suelen adquirir arte como valor refugio.

 Para NFT o obras de arte digitales, en términos de liquidez, ya existen mercados y plataformas específicas a través de las cuales se pueden vender, como OpenSea, Async y Rarible. Además, las finanzas descentralizadas (DeFi) hacen posible que los usuarios aprovechen su obra de arte de NFT a través de servicios como NFT Finance para acceder a préstamos al proporcionar arte criptográfico como garantía. Desde su lanzamiento en mayo de 2020, la plataforma ya ha respaldado más de $ 60,000 en préstamos respaldados por garantías entre usuarios.

Los marchantes de arte y las casas de subastas desempeñan un papel fundamental en la valoración de las obras de arte tradicionales. Si un coleccionista o comerciante de arte de renombre compra obras de arte, las existencias del stock del artista aumentan. De alguna manera se considera un respaldo del artista en la escena artística y aumenta aún más el valor de su trabajo.

En cuanto a los comerciantes de cripto, el arte criptográfico comienza a desviarse del arte tradicional en el parámetro del intermediario. Por diseño, las tecnologías basadas en blockchain, al menos las abiertas, funcionan en un modelo descentralizado que elimina al intermediario en muchos escenarios, donde si existen en el mundo físico. El arte no es diferente.

Por último, los datos de mercado pueden utilizarse para valorar las obras de arte. Esto a menudo lo emplean las casas de subastas y las empresas que se ocupan de la investigación de mercado. ivermectin 1 % cattle

Los datos de mercado a menudo son utilizados por partes que desean tasar legalmente obras de arte para aprovecharlas de otra manera financieramente, como garantía para un préstamo. Los datos de mercado también juegan un papel en el sector de las criptomonedas, aunque de manera diferente.

Dada la naturaleza abierta de muchos NFT y mercados de obras de arte digitales raras, es probable que haya un comportamiento sin escrúpulos. Algunas plataformas están pobladas por usuarios que participan en prácticas como el comercio de lavado de capitales, lo que las vuelve ineficientes y fraudulentas para el sector en general.

Teniendo en cuenta los puntos anteriores, al igual que en el sector del arte tradicional, la valoración final del arte digital es verdaderamente subjetiva. Si queremos establecer paralelismos con el mercado del arte tradicional, debemos recordar los distintos niveles de calidad. No se puede comparar una imagen dibujada por un niño de tres años durante el almuerzo con una pintura creada por un artista durante un período de semanas. De la misma manera, no se puede comparar una NFT de calidad e innovación con alguien que simplemente tomó una captura de pantalla de la Mona Lisa y la convirtió en una NFT. Existe una disparidad de calidad obvia que influye en el valor de los NFT. Por lo tanto, se debe permitir que el arte criptográfico se valore a sí mismo según los parámetros vistos en el arte tradicional, dejando espacio para los mismos matices subjetivos.

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The Birth of Venus – an icon of the Florentine and Italian Renaissance

The Renaissance and Florence – The golden Age

The 15^th and 16^th century saw an end to the Medieval ¨dark ages¨ and gave way to rational science and enlightenment to form a new world. Florence was at the center of this rebirth and thus rose to economic and political prominence.

The House of Medici

At the center of Florence was the Medici family, a wealthy and political dynasty that had first made its wealth during the 13^th century in commerce and banking. The family elevated Florence to a prosperous and permissive society, allowing culture to thrive and in doing so Italy renewed its contact with the remains of ancient Greek culture and Neoplatonic philosophy. Artists and scholars were welcomed. Cosimo de ´Medici or Cosimo the Elder established an academy and commissioned projects large and small.

During the Italian Renaissance, art was unescapable. It was a Golden age, a period where great tasks would be accomplished, Michelangelo´s David, Leonardo da Vinci´s The last Supper, Sandro Botticelli’s The Birth of Venus, art that would inspire generations to come.

Greek Mythology

The Birth of Venus (c. 1486) – an infamous painting, an icon of the Florentine and Italian Renaissance. Greek mythology states that Aphrodite (or Venus, as the Romans named her) was born from the foam and surf of the sea off the coast of Cyprus. Aphrodite then lifts herself from the spume and spray to stand on a large scallop shell. Slowly she places footsteps onto the beach and where she steps flowers bloom and butterflies arise. Aphrodite was no mere goddess but Beauty and Love itself. Before this time the world had not known it. Perfect Love and Beauty had now been placed on Earth and the world would never be the same.

Sandro Botticelli – The Birth of Venus

The painting depicts the approach of Venus to the Island of Cyprus, and not the actual birth as the title of the painting suggests. According to the Uffizi Gallery, where the painting now hangs, Aphrodite is blown by the winds, Zephyr and, perhaps, Aura. The goddess is standing on a giant scallop shell, as pure and as perfect as a pearl. She is met by a young woman, who is sometimes identified as one of the Graces or as the Hora of spring, and who holds out a cloak covered in flowers. Even the roses, blown in by the wind are a reminder of spring.

Botticelli takes his inspiration from other classical statues of Venus’ of the period and he replicates her ¨modest pose¨. Her ¨modest pose¨ comprised of her hiding her nakedness with her long, blond hair, which has reflections of light from the fact that it has been being gilded. The Winds, the pair flying in one another’s embrace, is based on an ancient work, a gem from the Hellenistic period, owned by Lorenzo the Magnificent. Venus appears in many of Botticelli’s paintings, indicating that she was an important figure of humanity and human virtue during this period.

Lasting Influence of Art and Culture

Botticelli’s influence on art and culture during this period was immense. A shift was happening across science, culture and philosophy, and Botticelli’s paintings gave form to this new vision, heralding the emergence of a modern world and documenting it all. His art portrays a transition of the times. The Medieval Christian art at the time was largely devotional, and highly decorative stylized. It was used a method of control, cautionary tales of punishments that awaited people who did not follow Christian Law.

With Botticelli’s work this changed to show a more modern, more rational world, art that glorified the Classical art established by the Neoplatonists, believed to have been a more culturally advanced society. His paintings are often portrayed with warmth, depicting loving and embracing figures.

Birth of Venus, Sandro Botticelli

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El nacimiento de Venus: un icono del Renacimiento de Florencia e Italiano

El Renacimiento y Florencia – La Edad de Oro

Los siglos XV y XVI vieron el fin de las ¨Edades oscuras¨ medievales y dieron paso a la ciencia racional y a la iluminación para formar un nuevo mundo. Florencia estuvo en el centro de este renacimiento y, por lo tanto, alcanzó prominencia económica y política.

La Casa de los Medici

En el centro de Florencia estaba la familia Medici, una dinastía rica y política que se había enriquecido por primera vez durante el siglo XIII con en el comercio y la banca. La familia elevó a Florencia a una sociedad próspera y permisiva, permitiendo que la cultura prosperara y, al hacerlo, Italia renovó su contacto con los restos de la antigua cultura griega y la filosofía neoplatónica. ivermectin for parakeets Se acogió a artistas y académicos. ivermectin horse paste for humans dosage Cosimo de Medici estableció una academia y encargó grandes y pequeños proyectos.

Durante el Renacimiento italiano, el arte era ineludible. Era una época dorada, una época en la que se cumplirían grandes obras, el David de Miguel Ángel, La última cena de Leonardo da Vinci, El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli, arte que inspiraría a las generaciones venideras.

Mitología Griega

 El nacimiento de Venus (c. 1486) – una obra muy famosa y un icono del Renacimiento Florentino e Italiano. La mitología griega afirma que Afrodita (o Venus, como la llamaban los romanos) nació de la espuma y el oleaje del mar frente a la costa de Chipre. Afrodita se levantó de la espuma y levantó parándose sobre una gran concha de vieira. Lentamente se movió hacia la playa, donde caminó y florecieron flores y mariposas de sus huellas. Afrodita no era una mera diosa, sino la Belleza y el Amor mismo. Antes de esta época, el mundo no lo había visto. El Amor y la  perfecta Belleza se habían colado ahora en la Tierra y el mundo nunca volvería a ser el mismo.

Sandro Botticelli – El nacimiento de Venus

 La pintura representa el acercamiento de Venus a la isla de Chipre, y no el nacimiento real como sugiere el título de la pintura. Según la Galería de los Uffizi, donde ahora tienen la obra, Afrodita fue arrastrada por los vientos Zephyr y quizás, Aura. La diosa está de pie sobre una concha de vieira gigante, tan pura y perfecta como una perla. Es una mujer joven, a la que a veces se la representa­­­­­­­­­ cubierta de flores. Incluso las rosas, arrastradas por el viento, son un recordatorio de la primavera.

Botticelli se inspira en otras estatuas clásicas de Venus de la época y replica su “pose modesta”. Su “pose modesta” consistía en esconder su desnudez con su largo cabello rubio, que tiene reflejos de luz por el hecho de haber sido dorado. Los Vientos, la pareja que vuela abrazándose, está basada en una antigua obra, una joya del período helenístico, propiedad de Lorenzo el Magnífico. ivermectin 12 mg 10 tablet price Venus aparece en muchas de las pinturas de Botticelli, lo que indica que fue una figura importante de la humanidad y la virtud humana durante este período.

Influencia duradera del arte y la cultura

 La influencia de Botticelli en el arte y la cultura durante este período fue inmensa. Se estaba produciendo un cambio en la ciencia, la cultura y la filosofía, y las pinturas de Botticelli dieron forma a esta nueva visión, anunciando el surgimiento de un mundo moderno y documentándolo todo. Su arte retrata una transición de los tiempos. El arte cristiano medieval en ese momento era en gran parte devocional y muy decorativo. Se utilizó como método de control y advertencia de castigos que tendrían las personas que no seguían la ley cristiana. Con la obra de Botticelli esto cambió para mostrar un mundo más moderno y racional, un arte que glorificaba el arte clásico establecido por los neoplatónicos, que se creía que había sido una sociedad culturalmente más avanzada. Sus pinturas a menudo se representan con calidez, representando figuras amorosas y abrazadoras.

The scent of Lemon and Tupentine 100 x 62cm

Modern Art from Alfonso Cuñado in his Exhibition Kaleidoscope

Exhibition: Sala de exposiciones de La Salina

25th November 2020 until 3rd January 2021

The Modern Art from Alfonso Cuñado is calling! Returning to the Salina after 20 years. On display for a short time only in the Sala de exposiciones from La Salina, Salamanca. ivermectin paste for acne Its seductive charm and transcendent magic, which not only justifies the name of the exhibit but will lure you in from the streets and away from the raging pandemic outside.

Aceñas de Cabañales (Zamora) 33 x 33 cm

Cuñado adds a refreshing and illuminating touch to landscapes, still life and las meninas, just as the likes of Picasso, and Velazquez had done before him. His portfolio also includes nudes, music and ballet. Audiences will be fascinated by is unique style. His choice of using only a spatula rather than brushes appeals to contemporary art lovers especially, adding hidden depths and layers to his artwork. ivermectin with retinol reddit He is aided only by his use of color, often using ochres, blues and tones of red especially in his series of nudes, cities and music. His paintings speak with a bold a mastered technique. His use of light and blurred lines create a movement on the canvas, which will transcend you to another world entirely.

Two lutes and piano 33 x 24 cm

Alfonso Cuñado is a painter from Salamanca who has participated in national and international art fairs, such as in Singapore and Taipe. He is also well known in Spain working with large galleries in Madrid and Malaga.

Coffee and Reading 50 x 50 cm

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 Arte Moderno de Alfonso Cuñado en su Exposición Caleidoscopio

Exposición: Sala de exposiciones de La Salina

 Del 25 de noviembre de 2020 al 3 de enero de 2021

¡Las obras de arte de Alfonso Cuñado te están llamando! Vuelve a la Salina tras 20 años. La exhibición estará poco tiempo más en la Sala de exposiciones de La Salina, Salamanca. Su seductor encanto y su trascendente magia artística, que no solo justifica el nombre de la exhibición, sino que lo atraerá desde las calles y lo alejará de la furiosa pandemia que vivimos. ivermec 12 mg uses in hindi

Aceñas de Cabañales (Zamora) 33 x 33 cm

Cuñado añade un toque refrescante e iluminador a los paisajes, la naturaleza y las meninas, tal como lo habían hecho antes que él, Picasso o Velázquez. Su portafolio incluye también desnudos, música y ballet. El público ya esta fascinado por su estilo único. Su elección de usar la espátula en lugar de pinceles atrae especialmente a los amantes del arte contemporáneo, agregando profundidades y capas ocultas a su obra de arte. Ayuda su uso del color, a menudo utilizando ocres, azules y tonos rojizos, especialmente en sus series de desnudos, ciudades y música. Sus obras hablan con una técnica atrevida y muy dominada. Su uso de líneas claras y borrosas crea un movimiento en el lienzo, que te transportará a otro mundo por completo.

Two lutes and piano 33 x 24 cm

Alfonso Cuñado es un pintor salmantino que ha participado en ferias de arte nacionales e internacionales, como en Singapur y Taipe. También es muy conocido en España por su trabajo con grandes galerías en Madrid y Málaga.

Coffee and Reading 50 x 50 cm

Many things can be attributed to the success of HBO´s The Undoing, which since its launch has smashed viewing records. A perfect whodunnit that feeds our fascination with the ultra-wealthy and the drama that ultimately leads to their undoing. However for me, The Undoing´s success lies in its Artwork.

The Undoing, a six episode miniseries starring Nicole Kidman and Hugh Grant, is based on Jean Hanff Korelitz’s 2014 novel “You Should Have Known” and adapted by writer and executive producer David E Kelley. The Undoingcommences with the perfect lives of therapist Grace (Kidman) and paediatric oncologist Jonathan Fraser (Grant). The violent murder of a mother from the elite school, which their son, Henry attends, soon bursts their blissful bubble, unleashing a cascade of fear, deception and betrayal.

Fanny Pereire, a New York-based curator worked securing authentic artworks and reproductions needed to demonstrate a character’s complex personality and environment. For this series in particular, Pereire obtained the rights and permissions to feature reproduced artworks by numerous famed artists, including ones by Diego Rivera, Willem de Koonig, William Kentridge, Gerhard Richter, J.M.W. Turner, and Giorgio Morandi, to name a few.

Lets take a look at the artworks,

Willem de Kooning’s Door to the River (1960),

The painting with its broad brushstrokes of pink, yellow, brown and white form a door-like rectangle in the center of the canvas evoking a sensation of exclusion, being outside looking in.

 Diego Rivera’s Zapatista Landscape (1915)

Rivera´s Cubist masterpiece captures his Mexican identity and homeland whilst he was living abroad in Paris. Elements of this still life include a serape, a sombrero, a rifle, a cartridge belt, a wooden ammunition box, and the mountains of Mexico.

Henri Rousseau’s The Repast of the Lion (ca. 1907)

Amid the dense tropical jungle with blue and yellow flowers is a lion devouring its prey, a spotted jaguar. The lion stands upright like a human whilst the sun behind him rises yet casts no illumination.

Juan Gris’s The Open Window (1921)

The painting is divided into two unequal parts – the interior being the larger of the two and given more detail. However it is the outside that captures the audience’s attention and reveals itself as the true protagonist.

J.M.W. Turner: Harbor of Dieppe: Changement de Domicile (1826)

Turner presents a romantic, golden chaotic view of the town. It has vibrant energy and shows a place subjected to constant change. The work draws from sketches made on site, as well as from memory and imagination. ivermectin solubility

The Burning of the Houses of Lords and Commons, 16 October 1834 (1835)

The catastrophic fire, which destroyed much of the Palace of Westminster in central London, including the Houses of Lords and Commons, broke out on the evening of 16 October 1834. Turner is recorded as having been an eyewitness among thousands.

El Greco: Vincenzo Anastagi (ca. 1575),

Vincenzo Anastagi – a high-ranking noble military commander in Perugia, in 1531. He became a Knight of Malta and was best known for his contribution to the victory against the Ottoman Turks during the Siege of Malta in 1565.

Francisco de Goya y Lucientes:  The Forge (ca. 1815–20)

Vigorous brushstrokes, and a proletarian subject matter, offer a pervasive darkness and introduce a note of harsh realism to gritty modern living.

Paolo Veronese The Choice Between Virtue and Vice (ca. 1565)

Hercules caught in between a path of ease and pleasure or Virtue, a path leading to true happiness — a moral lesson underlined by the motto on the entablature at upper left: [HO]NOR ET VIRTUS/[P]OST MORTE FLORET (Honor and Virtue Flourish after Death).

Hercules and the Hydra (mid-17th century),

The Hydra was a serpent-like water monster with nine heads. It was an offspring of Typhon and Echidna bred by Hera to kill Hercules. It was Hercules responsibility to slay the beast during his twelve Labors for King Eurystheus. ivermectin foam mouth The labors were his punishment for killing his wife and six sons after Hera had driven him temporarily mad. The Hydra was Hercules second labor. He attempted to cut off the heads of the beast but every time one was cut off, two more would grow back in its place. Another challenge in killing the Hydra was that its’ breath was poisonous to all who crossed its path. After many attempts at cutting off the Hydra’s heads, he distracted it by firing fiery arrows into the monsters lair. Hera sent a giant crab to distract Hercules who then sought his nephews’ assistance in killing the crab. His nephew handed him Athena’s golden sword, which was successful in cutting off the Hydra’s one immortal head. Hercules then dipped his arrows into the Hydra’s blood and placed its head under the rock between Lerna and Elaius, a sacred path.

Nessus and Deianira, attributed to Pietro Tacca (late 16th to early 17th century)

Nessus was a centaur, part man and part horse, who set himself up as the ferryman on the river Euenos, in western Greece. One day, Deianeira, the beautiful wife of Heracles (Hercules), wanted to cross the river, so she mounted Nessus’ back and he took her across. When he was doing so, he decided to try to abduct and rape her. However, Heracles was on the bank of the river which they had just left, and heard Deianeira’s cries. He drew his bow and shot Nessus in the breast with an arrow whose tip was poisoned with the blood of Hydra.

As Nessus lay dying, in an act of revenge, he told Deianeira that his blood would act as a love charm to ensure that Heracles would be true to her forever, which she foolishly believed. (Classical audiences would have already known that the blood of centaurs was extremely poisonous.) She collected his blood, and kept it ready for use. Some years later, Heracles was having an affair with the young and beautiful Iole. When Deianeira discovered this, she spread Nessus’ blood on a shirt (chiton), which she gave to her husband to wear, in the hope that it would bring him back to her.

When Heracles was away, Deianeira accidentally spilt some of Nessus’ blood on the floor, where it lay smoking in the light of dawn. She realized that Nessus had tricked her, and that his blood would harm Heracles. She sent a messenger to warn him, but that was too late for Heracles, whose body had been horribly burned by the shirt. Heracles took himself out to die a noble death on a pyre of oak branches. Zeus took him to Mount Olympus, where he was acclaimed for his many heroic adventures.

Triton and Nereid (17th century).

Triton was the son of Poseidon and Amphitrite. para que es el medicamento quanox He was the ruler of the depths of the sea and dwelt with his parents in underwater golden palaces. Nereids are creatures that symbolize everything that is beautiful and kind about the sea. Their melodious voices sang as they danced around their father. They are represented as very beautiful girls, crowned with branches of red coral and dressed in white silk robes trimmed with gold, but who went barefoot. They were part of Poseidon’s entourage and carried his trident. It is unsure if Triton is embracing the impassive, heroic sea nymph or capturing her as he could be depicted as either dreadful or mighty.

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El éxito de la serie de HBO Undoing reside en sus obras de arte.

Muchas cosas se pueden atribuir al éxito de The Undoing de HBO, que desde su lanzamiento ha batido récords de audiencia. Una perfecta novela policíaca que alimenta nuestra fascinación por los ultra ricos y el drama que los conduce a su ruina. Sin embargo, para mí, el éxito de The Undoing radica en sus obras de arte.

The Undoing, una miniserie de seis episodios protagonizada por Nicole Kidman y Hugh Grant, está basada en la novela de 2014 de Jean Hanff Korelitz “You Should Have Known” y adaptada por el escritor y productor ejecutivo David E Kelley. The Undoing comienza con la perfecta vida de la terapeuta Grace (Kidman) y el pediatra oncólogo Jonathan Fraser (Grant).Un violento asesinato de una madre de una escuela, a la que asiste su hijo, hace estallar su feliz burbuja de Henry, desatando una cascada de miedos, engaños y traiciones.

Fanny Pereire, una tasadora de arte con sede en Nueva York, trabajó para obtener obras de arte y reproducciones auténticas necesarias para enseñar la compleja personalidad y el entorno de un personaje. Para esta serie en particular, Pereire obtuvo los derechos y permisos para presentar obras de arte de numerosos artistas famosos, incluidos los de Diego Rivera, Willem de Koonig, William Kentridge, Gerhard Richter, J.M.W. Turner y Giorgio Morandi, por nombrar algunos.

Echemos un vistazo a las obras de arte,

Puerta al río de Willem de Kooning (1960),

El cuadro con sus amplias pinceladas de rosa, amarillo, marrón y blanco forma un rectángulo a modo de puerta en el centro del lienzo que evoca una sensación de exclusión, estar afuera mirando hacia adentro.

Paisaje zapatista de Diego Rivera (1915)

La obra maestra cubista de Rivera captura su identidad mexicana y su tierra natal mientras vivía en el extranjero en París. Los elementos de esta naturaleza muerta incluyen un sarape, un sombrero, un rifle, una cartuchera, una caja de madera para municiones y las montañas de México.

La comida del león de Henri Rousseau (hacia 1907)

En medio de la densa jungla tropical con flores azules y amarillas hay un león devorando a su presa, un jaguar manchado. El león se mantiene erguido como un humano mientras el sol detrás de él sale pero no arroja ninguna luz.

La ventana abierta de Juan Gris (1921)

La pintura se divide en dos partes desiguales: el interior es la más grande de las dos y se le da más detalle. Sin embargo, es el exterior el que capta la atención del público y se revela como el verdadero protagonista.

J.M.W. Turner: Puerto de Dieppe: Changement de Domicile (1826)

Turner presenta una vista caótica romántica y dorada de la ciudad. Tiene una energía vibrante y muestra un lugar sometido a cambios constantes. La obra se basa en bocetos realizados en el lugar, así como en la memoria y la imaginación.

El incendio de las Cámaras de los Lores y los Comunes, 16 de octubre de 1834 (1835)

El catastrófico incendio, que destruyó gran parte del Palacio de Westminster en el centro de Londres, incluidas las Cámaras de los Lores y los Comunes, estalló en la noche del 16 de octubre de 1834. Se registra que Turner fue testigo ocular entre miles.

El Greco: Vincenzo Anastagi (ca. 1575),

Vincenzo Anastagi – un noble comandante militar de alto rango en Perugia, en 1531. Se convirtió en Caballero de Malta y fue más conocido por su contribución a la victoria contra los turcos otomanos durante el Asedio de Malta en 1565.

Francisco de Goya y Lucientes: la fragua (ca. 1815–20)

Las pinceladas vigorosas y un tema proletario ofrecen una oscuridad penetrante e introducen una nota de duro realismo en la cruda vida moderna.

Paolo Veronese La elección entre la virtud y el vicio (hacia 1565)

Hércules atrapado entre un camino de tranquilidad y placer o Virtud, un camino que conduce a la verdadera felicidad, una lección moral subrayada por el lema del entablamento en la parte superior izquierda: [HO] NOR ET VIRTUS / [P] OST MORTE FLORET (Honor y Virtue florecer después de la muerte).

Hércules y la Hidra (mediados del siglo XVII),

La Hidra era un monstruo acuático parecido a una serpiente con nueve cabezas. Era una descendencia de Typhon y Echidna criados por Hera para matar a Hércules. Hércules tenía la responsabilidad de matar a la bestia durante sus doce trabajos para el rey Euristeo. Los trabajos fueron su castigo por matar a su esposa y seis hijos después de que Hera lo volviera loco temporalmente. La Hidra fue el segundo trabajo de Hércules. Intentó cortar las cabezas de la bestia, pero cada vez que se cortaba una, dos más volvían a crecer en su lugar. Otro desafío al matar a la Hidra fue que su aliento era venenoso para todos los que se cruzaban en su camino. Después de muchos intentos de cortarle la cabeza a la Hidra, la distrajo disparando flechas de fuego a la guarida de los monstruos. Hera envió un cangrejo gigante para distraer a Hércules, quien luego buscó la ayuda de sus sobrinos para matar al cangrejo. Su sobrino le entregó la espada dorada de Atenea, que logró cortar la única cabeza inmortal de la Hidra. Luego, Hércules sumergió sus flechas en la sangre de la Hidra y colocó su cabeza debajo de la roca entre Lerna y Elaius, un camino sagrado.

Nessus y Deianira, atribuidos a Pietro Tacca (finales del siglo XVI a principios del XVII)

Nessus era un centauro, en parte hombre y en parte caballo, que se instaló como barquero en el río Euenos, en el oeste de Grecia. Un día, Deianeira, la bella esposa de Heracles (Hércules), quiso cruzar el río, así que montó en la espalda de Nessus y él la llevó al otro lado. Cuando lo hizo, decidió intentar secuestrarla y violarla. Sin embargo, Heracles estaba en la orilla del río que acababan de dejar y escuchó los gritos de Deianeira. Sacó su arco y disparó a Nessus en el pecho con una flecha cuya punta estaba envenenada con la sangre de Hydra. Mientras Nessus agonizaba, en un acto de venganza, le dijo a Deianeira que su sangre actuaría como un hechizo de amor para asegurar que Heracles sería fiel a ella para siempre, lo cual ella creía tontamente. (El público clásico ya habría sabido que la sangre de los centauros era extremadamente venenosa). Ella tomó su sangre y la mantuvo lista para usar. Algunos años más tarde, Heracles estaba teniendo una aventura con la joven y hermosa Iole. Cuando Deianeira descubrió esto, esparció la sangre de Nessus en una camisa (quitón), que le dio a su esposo para que se la pusiera, con la esperanza de que lo devolviera a ella.

Tritón y Nereida (siglo XVII).

Tritón era hijo de Poseidón y Anfitrite. Él era el gobernante de las profundidades del mar y
vivía con sus padres en palacios dorados bajo el agua. Las nereidas son criaturas que simbolizan todo lo bello y amable del mar. Sus voces melodiosas cantaban mientras bailaban alrededor de su padre. Se las representa como muchachas muy hermosas, coronadas con ramas de coral rojo y vestidas con túnicas de seda blanca adornadas con oro, pero que iban descalzas. Formaban parte del séquito de Poseidón y llevaban su tridente. No está seguro si Tritón está abrazando a la impasible y heroica ninfa del mar o si la está capturando, ya que podría describirse como terrible o poderoso.

]]> https://maiterodriguez.es/the-undoings-success-lies-in-its-artwork/feed/ 1 7286 https://maiterodriguez.es/world-aids-day-2020-keith-haring/ https://maiterodriguez.es/world-aids-day-2020-keith-haring/#respond Wed, 02 Dec 2020 18:34:47 +0000 http://maiterodriguez.es/?p=7262 World AIDS Day 2020 – Keith Haring     Each year, on 1st December, the world commemorates World AIDS Day and this year was no exception. With focus firmly fixed on COVID -19, HIV resources and funding have been significantly reduced, devastating millions of communities. HIV is the cause of one of humanity’s deadliest and most persistent epidemics. In 2019,… Read more →

World AIDS Day 2020 – Keith Haring

 

 

Each year, on 1st December, the world commemorates World AIDS Day and this year was no exception. With focus firmly fixed on COVID -19, HIV resources and funding have been significantly reduced, devastating millions of communities. HIV is the cause of one of humanity’s deadliest and most persistent epidemics. In 2019, there were still 38 million people living with HIV infection with one in five people living with HIV were not aware of their infection. These figures remind us that the fight against this epidemic is far from over.

 

HIV (Human immunodeficiency virus) is an infection that attacks the human immune system, destroying cells that help fight infection, making a person more vulnerable to other infections or disease. When left untreated, HIV can lead to AIDS (Acquired immunodeficiency syndrome). AIDS is the late stage of the HIV infection, when the body´s immune system has already been badly damaged by the virus. HIV is spread by unprotected sex or the passage of fluids such as blood transfusions, pregnancy, or sharing hypodermic needles. buy ivermectin online nz No effective cure exists, however by taking medication people with HIV can significantly prolong and have relatively healthy lives.

 

Keith Haring was an American artist and social activist who was diagnosed with AIDS in 1988. Shortly before his death he created the Keith Haring Foundation to encourage education, prevention and awareness about AIDS. Haring´s artwork attracted a wide audience, and featured in over 100 solo and group exhibitions. His aim was to start conversations and to make art accessible to all.

 

Haring developed a unique style, morphed in the downtown streets, subways and clubs of New York City and influenced by a thriving alternative art community at that time.  Often described as a mix between primitive pop, carton and graffiti art, but those who describe it as such have not understood Haring´s work. dosing goat for 5 mg ivermectin pour on

 

Haring was interested in art that talked to people. His artwork was a language, which spoke to all; it cut down barriers of class, race and sex. He expressed fundamental issues such as birth, death, love and sex.  He challenged socially important issues: apartheid, Aids, environmentalism, capitalism and in doing so he used very accessible language. His artwork was often direct and focused hard on the issues such as in his Crack is Wack mural (on 128th Street in New York) but other times he used symbolism as a more poignant and subtle expression, especially in his later artworks. He was a true hero of his era and his artwork, a timeless reminder on street corners, murals and in some of the most prestigious galleries. It has become instantly recognizable. – his radiant baby, the barking dog, the dancer, the three-eyed smiling face.

 

Keith Haring died of AIDS related complications at the age of 31 on February 16, 1990.

 

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Día Mundial del SIDA 2020 – Keith Haring

 

 Cada año, el 1 de diciembre, el mundo conmemora el Día Mundial del SIDA y este año no ha sido una excepción. Con el enfoque fijado en el COVID -19, todos los recursos y la financiación del VIH se han reducido significativamente, devastando millones de comunidades. El VIH es la causa de una de las epidemias más letales y persistentes de la humanidad. En 2019, todavía había 38 millones de personas que vivían con la infección del VIH y una de cada cinco personas que vivían con el VIH no eran conscientes de su infección. Estas cifras nos recuerdan que la lucha contra esta epidemia está lejos de terminar.

 

El VIH (virus de la inmunodeficiencia humana) es una infección que ataca el sistema inmunológico humano, destruyendo las células que ayudan a combatir la infección y haciendo que una persona sea más vulnerable a otras infecciones o enfermedades. Si no se trata, el VIH puede provocar SIDA (síndrome de inmunodeficiencia adquirida). El SIDA es la etapa tardía de la infección por VIH, cuando el sistema inmunológico del cuerpo ya ha sido gravemente dañado por el virus. El VIH se transmite por relaciones sexuales sin protección o por fluidos, como transfusiones de sangre, embarazo o compartir agujas hipodérmicas. merck stromectol covid No existe una cura efectiva, sin embargo, al tomar medicamentos, las personas con VIH pueden prolongar significativamente y tener vidas relativamente saludables.

 

Keith Haring fue un artista y activista social estadounidense que fue diagnosticado con SIDA en 1988. Poco antes de su muerte, creó la Fundación Keith Haring para fomentar la educación, la prevención y la concienciación sobre el SIDA. Las obras de arte de Haring atrajeron a una amplia audiencia y se presentaron en más de 100 exposiciones individuales y colectivas. Su objetivo era iniciar conversaciones y hacer que el arte fuera accesible para todos.

 

Haring desarrolló un estilo único, que se transformó por las calles, el metro y los clubes del centro de la ciudad de Nueva York e influenciado por una próspera comunidad de arte alternativo en ese momento. A menudo descrito como una mezcla entre pop primitivo, dibujo y graffiti, pero quienes lo describen como tal no llegaron a entender el trabajo de Haring.

 

Haring estaba interesado en que el arte comunicase con la gente. Su obra era un lenguaje que hablaba a todos; eliminó las barreras de clase, raza y sexo. Expresó cuestiones fundamentales como el nacimiento, la muerte, el amor y el sexo. Desafió temas de importancia social: apartheid, sida, ambientalismo, capitalismo y, al hacerlo, utilizó un lenguaje muy accesible. Su obra a menudo era directa y se enfocaba mucho en problemas, como en su mural Crack is Wack (en la calle 128 en Nueva York), pero otras veces utilizó el simbolismo como una expresión más conmovedora y sutil, especialmente en sus obras posteriores. Fue un verdadero héroe para su época y su obras, un recuerdo atemporal en las esquinas, murales y en algunas de las galerías más prestigiosas. Se ha vuelto reconocible instantáneamente. – su bebé radiante, el perro que ladra, la bailarina, la cara sonriente de tres ojos.

 

 Keith Haring murió de complicaciones relacionadas con el SIDA a la edad de 31 años el 16 de febrero de 1990.

 

 

 

 

 

 

 

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La Menina steals the show

Yes! It’s that time of the year again and just like London, Paris and Rome, Madrid is making all the necessary preparations. Every street, avenue and plaza are being transformed into a winter wonderland of light illumination. However, as anticipation builds one decoration in particular, La Menina is set to steal the show.

This Christmas, visitors, and residents alike will view a new addition to the traditional set of Christmas lights, a giant Menina. Made from aluminum, it boosts an impressive structure at 10 meters high, 7.5 meters wide and 5 meters deep, of which 37,720 Led lamps are installed. It is decorated with sequins, silver balls and translucent plastic diamonds, giving it a genuinely elegant and feminine allure. Designed by Andrés Sardá, it will need a power supply of 7100 W, and weights 1.3 tons.

Madrid has confirmed a long-standing belief of Las Meninas, by elevating the Velasco icon to the category of Christmas representation. Las Meninas or ladies-in-waiting have held strong roots in Europe but no place more than Spain, since Diego Velazquez’s representation of the infantas in his infamous 1656 painting of Las Meninas, in the Museo del Prado. Since then, Las Meninas have firmly reserved their place in Spain´s culture and history, refining their status from a servant or lady-in-waiting to one of elegance and beauty.

This is not the first occasion that Madrid has celebrated Las Meninas. Currently through the initiative, Meninas Madrid Gallery 2020, 37 meninas can be found hidden in plain site around the streets of Madrid. The meninas are 1.80 meters high, and are designed by renowned actors, chefs, and sports personalities to celebrate the third edition of the Meninas Madrid Gallery. This year’s collection includes Meninas designed by the likes of Modesto Lomba and Paul Oteyza. It also features Ladies-in-Waiting that play tribute to the Spanish Health Care System – to thank everyone for their extraordinary work over the past few months – as well as to childhood and diversity.

The giant menina will be place in the Plaza de Colón. We can also expect to see The light ball, a regular Christmas installation, found at the crossroad between Calle Alcalá and Calle Gran Vía, just in front of the Metropolis Building. Also to be expected Las Luces del Real Jardín Botánico, a luminous fairytale landscape at the Real Jardín Botánico.

Typically, lights go on from 18:00 – 22:00 during the week, 18:00 – 23:00 on weekends and 18:00 – 03:00 on Christmas Eve. The last light show will be on January 6th.

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La Menina roba el espectaculo

¡Si! Estamos en esa época del año otra vez y al igual que en Londres, París y Roma, Madrid está haciendo todos los preparativos necesarios. Cada calle, avenida y plaza se está transformando en un paraíso invernal de luces navideñas. k9 lice ivermectin Sin embargo, a medida que se construye una decoración por toda la ciudad, La Menina se esta preparandoi para robar el espectáculo final.

Esta Navidad, tanto para los visitantes como para los residentes vendrá con algo nuevo y adicional al tradicional juego de luces navideñas, una Menina gigante. Fabricada en aluminio, es una impresionante estructura de 10 metros de altura, 7,5 metros de ancho y 5 metros de profundidad, en la que están instaladas 37.720 bombillas de Led. Está decorada con lentejuelas, bolas plateadas y diamantes de plástico translúcido, lo que le da un toque elegante y femenino. Esta diseñada por Andrés Sardá, y necesitará una fuente de alimentación de 7100 W con un peso total de 1,3 toneladas. how long does ivermectin stay in cats system

  Madrid después de mucho tiempo sigue abanderando a Las Meninas, para elevar el icono de Velázquez a la categoría de representación navideña. Las Meninas han tenido fuertes raíces en Europa, pero en ningún lugar más que en España, desde la representación de las infantas de Diego Velázquez en su obra de 1656, Las Meninas, en el Museo del Prado. Desde entonces, Las Meninas han reservado su lugar en la cultura y la historia de España, refinando su estatus de sirvienta o dama de honor a la de elegancia y belleza. recommended dosage of ivermectin for humans

 No es la primera vez que Madrid celebra Las Meninas. Actualmente a través de la iniciativa, Galería Meninas Madrid 2020, se pueden encontrar 37 meninas escondidas por las calles de Madrid. Las meninas tienen 1,80 metros de altura y están diseñadas por reconocidos actores, chefs y personalidades del deporte para celebrar la tercera edición de la Galería Meninas Madrid. La colección de este año incluye Meninas diseñadas por artistas como Modesto Lomba y Paul Oteyza. También presenta Damas en Espera que rinden homenaje al Sistema Español de Salud, para agradecer a todos su extraordinario trabajo durante los últimos meses, así como a la infancia y la diversidad.

 La menina gigante se colocará en la Plaza de Colón. También podremos ver La bola de luces, una instalación navideña habitual, que se encuentra en el cruce entre la Calle Alcalá y la Calle Gran Vía, justo enfrente al Edificio Metrópolis. Y como era de esperar Las Luces del Jardín Botánico, un paisaje luminoso de cuento de hadas.

Normalmente las luces se encenderán de 18:00 a 22:00 de Lunes a Viernes y de 18:00 a 23:00 de Sábado a Domingo. En Nochebuena la iluminación será de 18:00 a 03:00. El ultimo día de iluminación navideña será el 6 de Enero 2021.

La Menina Gigante de Andrés Sardá

Las Meninas Madrid Gallery 2020

Las Meninas Madrid Gallery 2020

How Creativity can Heal

Unprecedented is going down as the most usable word in 2020. Unprecedented, not only because of COVID 19, an infectious airborne disease transmitted when an infected person coughs, sneezes or exhales, but also due to the grave political, social and economical events that have unfolded.

Unless you are part of the super rich elite who have managed to by-pass lockdown restrictions altogether by flying to private islands, mega yachts or buying multimillion English country estates, we have all been touched by this dystopian year. Despite this, we as a society seem more divided than ever.

Dr. Samantha Rennalls, a clinical psychologist reveals in an article that our division is associated with psychological processes where our political, social and racial beliefs are taken beyond rationality. how much 1% ivermectin for goats A study conducted in 1972 by Irving Janis, engineered the term groupthink, meaning that an individual is likely to ignore their personal beliefs to prioritize the beliefs of a group, regardless of the damage it may inflict on others or the individual.

Dr Rennalls, sees the transition into 2021 as the perfect opportunity to bring stability and ultimately to repair divisions as the emergence of a vaccine signals some hope of a return to normality. In order to do this, we need to channel the emotion of empathy – specifically ethnocultural empathy, the ability to understand and share the feelings of a person from a different ethnic group and communicate this with them.  This is different from general empathy as it affects a large group of people, rather than just an individual. Hence the consequences are often much larger and have significant influence on prejudice, negative stereotyping and discriminatory actions which leads to large social movements for example, Black Lives Matter.

A great way to attack this would be through education – educating oneself about racism, prejudice, cultural and ethnic histories and learning about the journeys of particular groups of people. However, although people maybe open minded to this approach, putting it into practise on a mass scale could prove difficult.

A much more realistic solution seems to approach the problem through creative arts. The creators of films, artwork, theatre and music are able to do a lot of the hard work of translating different stories of journeys and histories into an imaginative format that allows us to understand a subject at any given time. ivermectin 500 ml They allow us to look beyond walls, borders, colour, gender to see normal human entities like sadness, pain, love, joy, beauty, emotions that we are all familiar with. Because of this we should not underestimate the power that creative arts hold over society and the power it holds to heal its divisions. does stromectol kill scabie eggs

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Como puede curar la Creatividad

Sin precedentes están pasando a ser las palabras más útiles en 2020. Sin precedentes, no solo por el COVID 19, una enfermedad infecciosa transmitida por el aire que se transmite cuando una persona infectada tose, estornuda o al exhalar, sino también por los graves acontecimientos políticos, sociales y económicos que se han producido.

A menos que usted sea parte de la “élite rica” que ha logrado eludir las restricciones de movimiento por completo, volando a islas privadas, mega yates o comprando multimillonarias fincas en Europa, este año distópico nos ha tocado a todos. A pesar de esto, nosotros, como sociedad, estamos más divididos que nunca.

La Dra. Samantha Rennalls, psicóloga, revela en su artículo, que nuestra división está asociada con procesos psicológicos donde nuestras creencias políticas, sociales y raciales van más allá de la racionalidad. Un estudio realizado en 1972 por Irving Janis, diseñó el término “Pensamiento de grupo”, diciendo que es probable que un individuo ignore sus creencias personales para priorizar las creencias de un grupo, independientemente del daño que pueda infligir a los demás o al individuo.

El Dr. Rennalls, ve la transición a 2021 como la oportunidad perfecta para traer estabilidad y, en última instancia, reparar divisiones, ya que la aparición de una vacuna indica alguna esperanza de volver a la normalidad. Para hacer esto, necesitamos canalizar la emoción de la empatía, específicamente la empatía etnocultural. La capacidad de comprender y compartir los sentimientos de una persona de un grupo étnico diferente y poder comunicar esto con ellos. Esto es diferente a la empatía general, ya que afecta a un gran grupo de personas, en lugar de solo a un individuo. Por lo tanto, las consecuencias suelen ser mucho mayores y tienen una influencia significativa sobre los prejuicios, los estereotipos negativos y las acciones discriminatorias que conducen a grandes movimientos sociales, por ejemplo, Black Lives Matter.

Una excelente manera de abordar esto sería a través de la educación, educándose sobre el racismo, los prejuicios, las historias culturales y étnicas y aprendiendo sobre los movimientos de grupos de personas. Sin embargo, aunque la gente puede tener la mente abierta a este enfoque, ponerlo en práctica a gran escala podría resultar difícil.

Una solución mucho más realista parece abordar el problema a través del arte creativo. Creadores de películas, obras de arte, teatro y música puedenllegar a hacer gran parte del arduo trabajo de traducir diferentes historias de viajes e historias a un formato imaginativo que nos permita comprender un tema, en un momento dado. Nos permiten mirar más allá de las paredes, las fronteras, el color y el género para ver entidades humanas normales, como la tristeza, el dolor, el amor, la alegría, la belleza, las emociones con las que todos estamos familiarizados. Debido a esto, no debemos subestimar el poder que el arte tiene sobre la sociedad y el poder que tiene para aliviar sus divisiones.