manifeste.ca

"Femmes de l'arctique" première édition: Encerclé @ La Galerie Centrale Powerhouse

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 17 Nov 2010 01:31:00 +0000

Communiqué de presse /// Press release (English follows)

Exposition
19 novembre au 19 décembre 2010
Vernissage vendredi le 19 novembre, 19h
Performances à 19h30
Soirée Powerhouse Projections
16 décembre, 19h

Exhibition
November 19 to December 19, 2010
Opening November 19, 7pm
Live performances at 7:30pm
Soirée Powerhouse Projections
December 16, 7pm

S’étalant sur plus de quatre décennies, les œuvres présentées dans cette exposition font état d’une production riche, diversifiée et porteuse, abordant des thèmes reliés à la sphère féminine tels que la maternité, la domesticité, la confection de vêtements, mais explorant aussi le domaine du rêve, la spiritualité et les rituels propres à la culture inuite. Entre la tradition, la modernité et les réalités actuelles, les artistes naviguent à travers les espaces intérieurs et extérieurs, elles captent et tracent le monde dans lequel elles vivent et scrutent la mémoire d’un passé encore vif.

En résonance avec le nouveau mandat de La Centrale, cette exposition fait le lien entre différentes générations de femmes artistes nunavimmiuts , dont le travail est largement sous-représenté dans les institutions culturelles et dans le milieu de l’art contemporain au Québec. L’exposition regroupe en effet les œuvres de trois générations d’artistes, à travers les médiums du dessin et de l’estampe. Ces médiums graphiques ont une longue tradition d’existence dans les communautés nordiques et sont particulièrement prisés par les femmes inuites. Les œuvres regroupées dans l’exposition sont empreintes d’une expérience commune, explorant la vie quotidienne au Nord; elles font état d’un sens de l’observation accru et d’une sensibilité singulière.

Laina Nulukie, qui effectue présentement une résidence de recherche et de création à Montréal, rendue possible grâce au Fonds du Nunavik pour les arts et les lettres en partenariat avec le CALQ, sera présente en galerie pendant la première semaine de l’exposition. Elle y développera une nouvelle série d’œuvres en lien avec la thématique de l’exposition.

Une rencontre avec les artistes aura lieu samedi le 20 novembre à 15h, en présence de Maggie S. Kiatainaq, Jessie Koneak Jones, Jennifer Lapage et Laina Nulukie, en conversation avec l’artiste de performance Taqralik Partridge et de Louis Gagnon de l’Institut culturel Avataq.

La Centrale Galerie Powerhouse remercie l’Institut culturel Avataq pour son précieux soutien.
-----------------------------

Spanning over more than four decades, the works showcased in this exhibition point to a rich and diverse artistic production, addressing key themes traditionally associated with femininity such as maternity, domesticity, dressmaking, while also exploring the realm of dreams, spirituality and rituals belonging to Inuit culture. In between tradition, modernity and current realities, the artists navigate through interior and exterior spaces, capturing and tracing the world they live in while scrutinizing the memory of a past which is still vivid.

Echoing La Centrale Galerie Powerhouse’s new mandate, this exhibition links different generations of Nunavimmiut female artists, whose works are largely underrepresented in Quebec’s cultural institutions and contemporary art world. From this perspective, the exhibition brings together the works of three generations of artists through the media of drawing and print. These graphic media have a longstanding existence in northern communities and are particularly practised and prized by Inuit women artists. The works in this exhibition are marked by a shared experience, exploring daily life in the Arctic; they reveal the artists’ acute sense of observation and sensitivity to their environment.

Laina Nulukie, who is currently the artist in residence in Montreal, of the new Nunavik Fund for Arts and Literature, in conjunction with CALQ, will be present in the gallery during the first week of the exhibition. She will develop a new body of work in relation to the themes exposed in the exhibition.

A discussion with the artists is scheduled on Saturday November 20th at 3 pm with Maggie S. Kiatainaq, Jessie Koneak Jones, Jennifer Lapage and Laina Nulukie. The artists will be in conversation with performance artist Taqralik Partridge and Louis Gagnon of Avataq Cultural Institute.

La Centrale Galerie Powerhouse would like to thank Avataq Cultural Institute for its invaluable support to this exhibition.

Lancement du roman Une princesse sur l'autoroute de Fannie Langlois

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 06 Oct 2010 03:22:00 +0000

Sommaire

Fannie Langlois lance son deuxième roman ce mercredi soir au Pub Quartier Latin - Voici le résumé du titre paru sur les Editions Tryptique:

"Le long d’une autoroute entre Trois-Rivières et Montréal, une jeune femme avance, pieds nus. Un homme la retrouve évanouie et la prend à bord de sa vieille Ford. Revenue à elle, Laïka se rappelle s’être échappée d’un laboratoire où elle était soumise à d’incompréhensibles expériences. Elle se remémore peu à peu son enfance mais, à travers ses souvenirs confus, une autre histoire, beaucoup plus ancienne, refait surface… Qui était cette femme qui la visitait en rêve lorsqu’elle était seule dans sa cellule ? Et pourquoi se sent-elle si familière avec l’homme à la Ford?

Une princesse sur l’autoroute entrecroise les univers contemporains et médiévaux, les secrets et destins de femmes menacées. Il en résulte une atmosphère onirique pleine de mystère, portée par une écriture évocatrice et captivante."

Pour plus d'infos, écoutez l'entrevue accordée par Lorraine Pintal à l'émission Vous m'en lirez tant ICI et lisez l'article paru dans le Voir ICI

vernissage - Peter Gnass @ Galerie SAS

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 15 Sep 2010 03:49:00 +0000

Communiqué de presse - Press release /// ENGLISH FOLLOWS
La galerie [sas] présente, du 23 septembre au 30 octobre 2010, l’exposition Progressions et Projections , une rétrospective du travail de Peter Gnass, artiste multidisciplinaire accompli et prolifique.

Dans ces deux séries intitulées Progressions et Projections , Peter Gnass s'interroge sur les effets qu'ont le temps et le mouvement sur la forme. La galerie [sas] propose une nouvelle lecture de ces deux séries, amorcées dans les années 1970, qui se renouvellent constamment, jusqu'à aujourd'hui. Avec les Progressions, l’exposition nous introduit aux premiers questionnements de l’artiste sur l’effet que peuvent avoir le temps et le mouvement sur une ligne, une forme, un objet, en offrant au public des œuvres qui se construisent par séquences, selon un point de vue perspectiviste. Comme les séquences d’un film, ces dessins, peintures et sculptures de plexiglas intègrent le temps dans l’image, en nous présentant en « temps réel » (imaginé) les possibilités virtuelles du cheminement des lignes. Les Projections, par ailleurs, mettent en évidence la relativité du phénomène de perception selon le point de vue, par le recours aux effets d’illusions optiques et aux processus de l’anamorphose. L’artiste projette des formes (le plus souvent sous l’apparence de polygones), sur un objet ou un élément du paysage, et c’est par le mouvement du spectateur que se construit et se déconstruit la forme projetée.

L’exposition Progressions et Projections, propose l’exploration de vastes concepts théoriques intégrant divers éléments de la vie de tous les jours, souvent ignorés ou anodins, entraînant un chamboulement surprenant, inattendu.

Peter Gnass est né en 1936 à Rostock, en Allemagne. Il immigre au Canada en 1957, et partage aujourd’hui sa vie et son travail entre Montréal et Barjols, dans le sud de la France. On trouve des œuvres de ces deux séries dans de nombreuses collections publiques, dont : le Musée d’art contemporain de Montréal, le Musée national des beaux-arts du Québec, le Musée des beaux-arts de Montréal, la Banque d’œuvres d’art du Canada, le Musée d’art de Joliette, le Musée d’art contemporain des Laurentides, le Musée régional de Rimouski, la Galerie de l’UQAM, la Collection Loto-Québec et la Collection d’œuvres d’art de la Ville de Montréal.

La galerie [sas] ouvrira ses trois salles aux œuvres de Peter Gnass, en plus de produire un catalogue d’exposition. L’exposition présentera des œuvres de référence ainsi que des œuvres inédites, dans une grande diversité de médiums. Un événement à ne pas manquer !

À la galerie [sas] du jeudi 23 septembre au samedi 30 octobre 2010
372 rue Sainte-Catherine Ouest, espace 416

************

Galerie [sas] presents, from September 23rd to October 30th 2010, Progressions and Projections, a retrospective exhibition of works by Peter Gnass, an accomplished and prolific multidisciplinary artist.

In the two series named Progressions and Projections, Peter Gnass examines the effects of time and motion on shapes. Galerie [sas] proposes a new interpretation of these two series, which began in the 1970s and have been constantly renewed until today. With the Progressions series, the exhibition is introducing us to the artist’s questioning about the effects of time and motion on a line, a shape, or an object, providing the viewers with works that are built in sequence, according to a perspectival point of view. Like film sequences, these drawings, paintings, and small-scale Plexiglas sculptures incorporate time into images, showing us in imagined “real” time the virtual possibilities inherent in lines meandering movements. The Projections series make use of optical illusion effects and anamorphosis to show how relative the phenomenon of perception is to point of view. The artist projects forms (most often polygons) onto an object or a landscape element, and the viewers’ movement constructs and deconstructs the projected form.

The exhibition Progressions and Projections is the exploration of broad theoretical concepts integrating various elements of everyday life often ignored or inconspicuous, resulting in surprising or unexpected upheaval.

Peter Gnass was born in Rostock, Germany in 1936. He immigrated to Canada in 1957, and now lives and works in Montreal and Barjols in southern France. Works from these two series can be found in many public collections, including: the Musée d’art contemporain de Montréal, the Musée national des beaux-arts du Québec, the Montreal Museum of Fine Arts, the Canada Council Art Bank, the Musée d’art de Joliette, the Musée d’art contemporain des Laurentides, the Musée régional de Rimouski, the Galerie de l’UQAM, the Loto-Québec Collection, and the Art Collection of the City of Montreal.

Galerie [sas] is displaying Peter Gnass’s work in its three gallery spaces, as well as producing an exhibition catalogue. The exhibition will feature major works as well as novel pieces in different mediums and techniques. An event not to be missed!

At galerie [sas] from Thursday September 23rd to Saturday October 30th 2010
372, Sainte-Catherine West, suite 416

Emily Hermant - Hésitations @ articule

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 15 Sep 2010 03:32:00 +0000

Communiqué de presse - Press release /// ENGLISH FOLLOWS
Vernissage: vendredi 17 septembre, 19h
Discussion avec l'artiste: dimanche 19 septembre, 15h
Opening: Friday September 17, 7pm
Artist talk: Sunday September 19, 3pm

17 septembre - 17 octobre, 2010 / September 17 - October 17, 2010

Les récentes installations d'Emily Hermant cherchent à révéler les motifs et sens cachés d'actes de communication. Pour son exposition à articule, l'artiste propose un environnement immersif reposant sur les formes ondulatoires de pauses, d'hésitations et d'autres ratés de communication extraits de conversations intimes puis manipulés numériquement.

Ces arrêts, trébuchements et vides reflètent divers états psychologiques et fournissent des points de vue fugitifs, trop souvent négligés, sur l'obsession, la vulnérabilité, le doute, l'affection, la colère, la force et la domination. Utilisant du fil et des clous comme matériaux de base, Hermant transforme, réarrange et recontextualise les représentations de ces ratés pour dresser de vastes cartes tactiles de l'intimité et du pouvoir. Son installation ludique et dramatique, qui se compose principalement de formes ondulatoires de grande dimension, dévoile et resitue les artefacts enfouis dans les enregistrements, de même que les intentions et les perceptions des interlocuteurs. Ensemble, les matériaux et les éléments relationnels de l'¦uvre de Hermant transmettent la complexité, l'absurdité ainsi que la possibilité et l'impossibilité simultanées d'une communication intime.

Née à Toronto en 1980, Emily Hermant explore dans ses installations comment des interactions, des expériences et des espaces apparemment ordinaires peuvent être transformés pour aborder des thèmes liés à l'intimité, l'attachement, l'isolement, la déception, le désir, la communication, la mémoire et l'histoire. Ces transformations sont opérées par un recours à une variété de matériaux, dont la fibre, le bois, le plastique et certains médiums numériques. Les travaux de Hermant ont été présentés dans des musées, des galeries et des festivals au Canada, aux États-Unis, en Amérique du Sud et en Europe, entre autres récemment aux Sullivan Galleries à Chicago (2009, 2010), à la Triennale de Milan-Design Museum, en Italie (2009), à la Biennale internationale du lin de Portneuf, au Québec (2009), et au Museum of Arts & Design à New York (2007-2008). Elle détient un baccalauréat en arts plastiques et en études religieuses (2004) de l'Université Concordia à Montréal. À titre de « Trustee Merit Scholar », elle a obtenu une maîtrise en arts plastiques de la School of the Art Institute of Chicago en 2010, où son travail a été en partie soutenue par une bourse du Fonds québécois de recherche sur la société et la culture (FQRSC).

-----------------
September 17 - October 17, 2010
Opening: Friday September 17, 7pm
Artist talk: Sunday September 19, 3pm

Emily Hermant's recent installations focus on revealing hidden patterns and meanings in communication. In her exhibition at articule, the artist constructs an immersive, mixed-media environment based on digitally manipulated pauses, hesitations and other communicative glitches that have been extracted from intimate conversations. These pauses, stumbles and gaps are reflective of myriad psychological states, and they provide temporary (and often overlooked) glimpses of human foible, vulnerability, doubt, affection, anger, strength and domination. Using thread and nails as her primary materials, Hermant transforms, rearranges and recontextualizes these glitches into large-scale, tactile maps of intimacy and power. Her playful and dramatic installation, which consists principally of juxtaposed, large-scale waveforms, unveils and resituates hidden artifacts in the recordings, as well as the intentions and perceptions of the speakers. Taken together, the materials and relational elements of Hermant's piece convey the complexity, absurdity and simultaneous possibility and impossibility of intimate communication.

Born in Toronto in 1980, Emily Hermant is an installation artist whose work explores the ways in which seemingly ordinary interactions, experiences, and spaces can be transformed to address themes of intimacy, attachment, isolation, deception, desire, communication, memory, and history. Her installations touch on these transformations using a wide range of materials, including fiber, wood, plastic, and digital media. Hermant's work has been shown in museums, galleries, and festivals in Canada, the United States, South America, and Europe, most recently at the Sullivan Galleries in Chicago, IL (2009, 2010), the Triennale di Milano Design Museum in Milan, Italy (2009), the Biennale Internationale du Lin in Portneuf, Québec (2009), and at the Museum of Arts & Design in New York (2007-2008). She received her BFA in Studio Arts and Religion from Concordia University, Montréal, in 2004. Most recently, she completed her MFA as Trustee Merit Scholar at the School of the Art Institute of Chicago in 2010, where her work was partially supported by a grant from the Fonds québécois de recherche sur la société et la culture (FQRSC).

Intervention - Peter Hoffer @ Simon Blais (+ Marc Seguin )

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 15 Sep 2010 02:55:00 +0000

Communiqué de presse /// Press release
Vernissage / Opening
Le mercredi 15 septembre 2010, 18 heures
Wednesday, September 15, 2010, at 6 p.m.

Exposition du 15 septembre au 16 octobre 2010
La Galerie Simon Blais présente une trentaine d'œuvres récentes de Peter Hoffer comprenant une série de paysages et quelques tableaux abstraits, deux volets importants de la pratique de l'artiste.

Exhibition from September 15 to October 16, 2010
On view at Galerie Simon Blais will be some thirty recent works by Peter Hoffer, including a series of landscapes and a few abstract paintings that reflect two major themes in this artist's practice.

Salle 2
Ruines
Marc Séguin

À l'occasion du lancement du film de Bruno Boulianne Bull's Eye, un peintre à l'affût, la Galerie Simon Blais présente, du 18 septembre au 2 octobre, un accrochage de quatre tableaux récents de la série Ruines.

In conjunction with the release of the Bruno Boulianne film Bull's Eye, un peintre à l'affût, from September 18 to October 2 Galerie Simon Blais will exhibit four recent paintings from the Ruines series.

Grand Pique-Nique Victorien de Montréal 2010 @ Parc Lafontaine

noreply@blogger.com (Contact) — Fri, 30 Jul 2010 22:45:00 +0000

par Rémi Beaupré
Ce samedi à 14h au Parc Lafontaine se déroulera la deuxième édition du Grand Pique-Nique Victorien de Montréal. Mary Von Hexe, organisatrice de l'événement (et photographe à ses heures) vous invite à venir jeter un coup d'oeil aux créations de designers de mode et accessoires des subcultures de Montréal - Gothique, Victorien, Steampunk...l'eccentricité est au programme.

The second edition of the Grand Pique-Nique Victorien de Montréal is a dark but sunny event taking place in Parc Lafontaine this Saturday afternoon at 2pm where local subculture creators - Steampunk, Goth, Victorian and other excentricities - exhibit their very unique - and Quebec-made - fashion and accessory designs.

Vernissage et performances @ La Centrale Galerie Powerhouse: Sonder le terrain

noreply@blogger.com (Contact) — Tue, 27 Jul 2010 02:59:00 +0000

Communiqué de Presse - Press release /// English follows
Six membres actives de La Centrale présentent des projets en lien avec notre quartier.

Exposition du 30 juillet au 7 août, 2010
Vernissage le 30 juillet 19H
Performances le 30 juillet à partir de 19H30

Julie Faubert s’intéresse à l’espace qu’occupe/inoccupe le corps en Occident. Son travail de création a été présenté dans de nombreuses expositions individuelles et collectives au Québec, au Canada et en Europe. Elle développe actuellement un projet de recherche qui porte sur l’installation sonore dans l’espace urbain (Ph. D en aménagement, Université de Montréal). Par sa toute récente intervention urbaine, http://lesmots.dare-dare.org/, elle s’intéresse à l’espace public comme lieu de réflexion collective.

Cartographie sonore est un projet de marche sonore qui amalgame réel et fantaisie, ouvrant ainsi l'espace du quartier à une lecture complexe. La trame urbaine y est documentée, magnifiée, troublée. Julie Faubert se demande si réel = vrai ou mieux, si faux = imaginaire. Elle nous laisse dans le doute.

Emily Laliberté est une artiste multidisciplinaire qui explore, par son travail, le large spectre de l'identité féminine. Portant la voix d'étrangères, ses récits de rencontres questionnent notre rapport à la réalité et à la fiction. Parmi les expositions marquantes à son actif notons Perspectiveà la Anaid Gallery (Roumanie), en 2008, ainsi que Gender Alarmà la Centrale Galerie Powerhouse, en 2009. En octobre prochain, elle présentera Denise, sa toute dernière poésie-action, à la 5ième Biennale d'art performatif de Rouyn-Noranda.

After/Before Des éclats de paillettes dans les yeux, le fushia des murs, un dimanche qui avait des airs de lendemain de pyjama party... After/Before nous plonge dans l'univers des voisines d'à côté, 4 femmes, quelques histoires, une touche d'intimité, un voyage au coeur du quotidien.

k.g. Guttman a une maîtrise en arts médiatiques de l’Université Concordia pour laquelle elle a étudié pendant un semestre, entre autres, à DasArts, Amsterdam, au programme d’études supérieures en performance. Sa pratique artistique recoupe la danse, la performance et les arts visuels, et donne lieux à des expositions, à des résidences artistiques et à des performances diverses. Parmi ses derniers projets, il y a eu une résidence au Pavillon, Palais de Tokyo (Paris) ainsi qu’une résidence avec la Compagnie David Rolland (Nantes) dans le cadre des Pépinières européennes pour jeunes artistes. Elle a aussi présenté ses photos à L’espace Blank (Paris) à la suite d’une invitation de Christine Macel.

Juillet Pendant le mois juillet, 2010, j’approche les gens tout le long de blvd. St.Laurent, et leurs demande si je peux les suivre à leurs destinations. En recherchant la destination d’une autre, des apparences secondaires de la ville se révèlent.

Mona Sharma est une artiste montréalaise, d’origine indienne, qui travaille principalement en dessin et en sculpture. Elle a tenu, en 2009, deux expositions dont l’une à La Centrale qui s’intitulait The Wedding. Elle complète actuellement une maîtrise en beaux-arts à l’Université Concordia.

It's not Impossible- It's Public Sharma s’est donné comme objectif d’offrir aux résidents du voisinage la chance d’assumer le rôle de l’artiste et d’imaginer leur projet artistique public idéal pour le boul. Saint-Laurent. Par la suite, elle a dessiné des diagrammes de leurs suggestions et son défi a alors consisté à trouver les moyens de regrouper harmonieusement toutes les idées proposées.

Virginie Jourdain est artiste et militante, membre de la collective Dyke Rivers, coordinatrice des expositions à La Centrale. À travers sa démarche artistique, elle interroge la mise en formes et en normes des identités. Décryptant les discours courants, et les expertises : juridiques, médicales, culturelles et politiques, elle s'attache à reformuler des pratiques, objets et gestes qui semblent anodins mais qui impliquent pourtant des formes d' exclusions et de discriminations.

Florence S. Larose est fraîchement diplômée de l’Université Concordia en Intermedia/Cyberarts. Après une brève dérive du côté de la production télévisuelle, elle travaille la vidéo, les découpures de magazines, la flûte à coulisse et le sirop de maïs. Obsédée par les soaps opera, le karaoké et les cheveux synthétiques, elle explore avec un brin de folie les intersections entre culture populaire et féminisme.

Dégustation pro-choix et performance spermicide, avec Samuel St-Aubin

Le 4 mai dernier la sénatrice conservatrice Nancy Ruth a suggéré aux femmes rassemblées sur la colline parlementaire pour manifester en faveur du droit à l’avortement de « se fermer la gueule » (« shut the fuck up ») à ce sujet, afin d’éviter que la situation ne s’envenime à l’issue du G8.

En réaction à ces propos anti-féministes, les artistes Florence S. Larose et Virginie Jourdain offrent simultanément la dégustation d’une œuvre culinaire engagée et l'extermination en direct de spermatozoïdes recueillis à La Centrale le jour-même. Une véritable communion, donc, où semence et glaçage se confondent pour exprimer une hargne collective contre le conservatisme politique.

SONDER LE TERRAIN
SIX ACTIVE MEMBERS OF LA CENTRALE PRESENT NEIGHBOURHOOD PROJECTS AND INTERVENTIONS
Julie Faubert- Emily Laliberté- k.g. Guttman- Mona Sharma- Virginie Jourdain and Florence S.Larose

Exhibition July 30 to August 7, 2010
Vernissage July 30, 7pm
Performances July 30, starting at 7:30 pm

Six active members of La Centrale present their neighbourhood projects and interventions.

Julie Faubert is interested in the space that is occupied/unnocupied by the body in western society. Her work has been presented in many solo and group exhibitions in Canada and in Europe. She is presently working on a research project regarding sound installations in urban environments (PHD in urban planning, Université de Montréal). Through her most recent urban intervention, http://lesmots.dare-dare.org/, she explores the urban space as a terrain for collective reflection.

Cartographie Sonore An urban walk project that fuses the real and the imagined in a way that opens up the neighbourhood space to a more complex reading. Through Faubert’s intervention the urban soundtrack is altered, magnified, troubled. The artist poses the question : does real=true? Or, better, does fake=imagined? We are left in doubt.

Emily Laliberté is a multidiciplinary visual artist who explores, through her work, the large spectre of feminine identity. Voicing the words of strangers, her tales of encounters question our relationship to reality and fiction. Her recent shows include Perspectivesat Anaid Gallery (Romania) in 2008, and Gender Alarm, at La Centrale, in 2009. Next October, she will present Denise, a poetry-action, at la 5ième Biennale d'art performatif de Rouyn-Noranda.

After/Before Glitters and sparkles in the eyes, the fushia colour of the walls, a Sunday that seems like the day after a pyjama party...After/Before emerges us in the universe of our next door neighbours: four women, a few stories, a touch of intimacy, a trip at the heart of the everyday.

k.g. Guttman earned her Masters in Fine Arts in Open Media at Concordia University in 2007 with a term as an exchange student at DasArts, Amsterdam, Graduate Studies in Performance. Exploring the intersection of dance, performance, and the visual arts, her work takes the shape of exhibitions, residencies and performances within diverse institutions. Recent residencies include the Pavillon, Palais de Tokyo, and Pépinières Européennes pour jeunes artistes (with Compagnie David Rolland, Nantes). Her recent installation work was exhibited at L’Espace Blank in Paris, by invitation from Christine Macel.

July is part of an ongoing practice of interventions in pubic space, in which Guttman uses archival research, performance and drawing to collect and create alternate ways of knowing the city. The artist approaches people along boul. Saint. Laurent, and asks to accompany them to their destination. When going towards someone else’s destination, minor aspects of the city reveal themselves.

Mona Sharma is a Montrealer of Indian origin who works primarily in the mediums of drawing and sculpture. Her first two solo shows includeThe wedding, at la Centrale. She is currently pursuing her MFA at Concordia University.

It’s Not Impossible-It’s Public This work is intended as a way to give neighbourhood dwellers the opportunity to play the role of an artist by imagining their ideal public art projects for boul. Saint-Laurent. “My job was to draw diagrams of their suggestions. The twist is that I tried to find ways for all of their ideas to coexist harmoniously. My success is debatable.”

Virginie Jourdain is an activist and visual artist, member of the Dyke Rivers collective, and exhibitions coordinator at La Centrale. Through her art practice she questions the processes of normalization and the formatting of identities. Deciphering common discourses and various expertise: juridical, medical, cultural and political, she reformulates practices objects and gestures that seem trivial but that nevertheless imply forms of exclusion and discrimination.

Florence S.Larose recently obtained her BA in Intermedia/Cyberarts at Concordia University. She works with video, magazine cut outs, flutes and corn syrup. Obsessed with soap operas, karaoke and synthetic hair. With a bit of madness, she explores the interstices between pop culture and feminism.

Pro-Choice Cake Tasting and Spermicidal Performance with Samuel St-Aubin On Mai 4, 2010, the conservative senator Nancy Ruth suggested to the women who protested fin favor of the right to abortion to “shut the fuck up” to avoid aggravating the situation in the context of the upcoming G8 and it’s maternal health care agenda. In reaction to this anti-feminist comment, Florence S.Larose and Virginie Jourdain propose a pro-choice culinary experience and the live extermination of sperm, to be collected during the day at La Centrale. A true communal experience to express (and digest) our collective anger against political conservatism.

Summertime in Paris @ Parisian Laundry

noreply@blogger.com (Contact) — Tue, 20 Jul 2010 03:48:00 +0000

Communiqué de presse - Press Release /// English follows
SUMMERTIME IN PARIS EXTREME PAINTING
23 JUILLET– 28 AOUT 2010 | JULY 23 – AUGUST 28 2010
VERNISSAGE 22 juillet 18h – 21h
L’ exposition estivale de Parisian Laundry, Summertime in Paris, se réinvente cette année en se jumelant au projet montréalais Extreme Painting. Elle présente sept artistes canadiens et internationaux qui concentrent leur travail sur l’utilisation de la peinture dans ses multiples dimensions.

Parallèlement à cela, Parisian Laundry présente une sélection des acquisitions récentes de la collection Tedeschi, mettant ainsi en valeur une gamme d’artistes contemporains internationaux.

GALERIE 1 Comme commissaire de la Galerie 1, la directrice Jeanie Riddle met sur pied une exposition regroupant une sélection d’oeuvres réalisées par des artistes de la galerie, incluant BGL, David Armstrong Six, Valérie Blass, Jennifer Lefort et Janet Werner ainsi que les artistes invités Justin Stephens de Montréal et une première montréalaise de l’artiste Cordy Ryman, présentement basé à New York.

BUNKER Dans le Bunker, nous présentons les acquisitions récentes de la collection Tedeschi : Abbas Akhavan, Karin Davie, Lotte Geeven, Kirk Hayes, Gregor Hildebrand, Julian Opie, Reinaldo Sanguino, Cordy Ryman, Franz West & Tal R.

Pour plus d'information, consultez: www.parisianlaundry.com

“Summertime in Paris’, Parisian Laundry's annual summer exhibition remixed this year under the semblance of the city wide ‘Extreme Painting’ project. The exhibition brings together six national and international contemporary artists focusing on where paint is used as potential both in 2 and 3D work. Alongside this survey will be a showcase of recent acquisitions from the Tedeschi Collection featuring an international selection of contemporary artists.

GALLERY 1 Survey of the gallery's artists and guest artists installed as a project by Director Jeanie Riddle including works by BGL, David Armstrong Six, Valérie Blass and Jennifer Lefort as well as invited artists Justin Stephens and Montreal premiere of NYC based artist Cordy Ryman.

BUNKER Recent Acquisitions from the Tedeschi Collection including: Abbas Akhavan, Karin Davie, Lotte Geeven, Kirk Hayes, Gregor Hildebrand, Julian Opie, Reinaldo Sanguino, Cordy Ryman, Franz West & Tal R.

For more information please visit www.parisianlaundry.com

Vernissage ce jeudi à 17h - Sixième édition de Peinture fraîche et nouvelle construction @ Art Mûr.

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 14 Jul 2010 02:47:00 +0000

Communiqué - Press release /// English follows
Image: Mike Spencer, Somewhere Between LaGuardia and MSP International, 2009, acrylique sur toile / acrylic on canvas, 162.5 x 224 cm
Sixième édition de Peinture fraîche et nouvelle construction
Du 15 juillet au 21 août 2010
Vernissage : jeudi 15 juillet, 17h - 20h

Peinture fraîche et nouvelle construction est de retour pour une sixième édition surprenante et haute en couleur. Véritable vitrine de la nouvelle génération en arts visuels de l’Est du Canada, événement attendu par les collectionneurs et intervenants du milieu des arts, cette exposition collective annuelle sera présentée dans l’ensemble de nos espaces (sur trois étages) et regroupera plus de cent soixante œuvres picturales, sculpturales et installatives.

Cette année, trente-quatre étudiants au baccalauréat et à la maîtrise en arts visuels, issus de huit universités canadiennes, représenteront leur département. Sélectionnés par leurs professeurs, les exposants se démarquent par la qualité et l’originalité de leur œuvre et de leur démarche artistique.

Pour cette sixième édition, l’Université d’Ottawa (Ottawa, ON), la York University (Toronto, ON), l’Université Concordia (Montréal, QC), l’Université Laval (Québec, QC), l’Université du Québec à Montréal (Montréal, QC), l’University of Western Ontario (London, ON), l’University of Waterloo (Waterloo, ON) et le Nova Scotia College of Art and Design (Halifax, NS) ont tous réitéré leur participation.

Participants :

Ian August
Devon Beggs
Caroline Bergeron
Émilie Bernard
Mee-jeong Chae
Robert T. Clements
Péio Eliceiry
Veronika Horlik
Angie Hostetler
Jessica Karuhanga
Frédérique Laliberté

Laurent Lamarche
Philippe C. Lefebvre
Maude Léonard-Contant
Jill Martin
Logan MacDonald
Jennifer Norman
Juan Ortiz-Apuy
Beatrice Parsons
Shannon Partridge
Guillaume Provost
Nicolas Ranellucci

Nicole Raufeisen
Stephanie Shantz
Ryan Smeeton
Andrew Smith
Mike Spencer
Maca Suazo
Katelyn Tippin
Julie Trudel
René Vanderbrink
Dustin Wenzel
Rebecca Whelan
Ryan Witt
-----------------

The sixth edition of Fresh Paint / New Construction
July 15 - August 21, 2010
Opening reception: Thursday, July 15, 2010 from 5-8pm

The sixth instalment of Fresh Paint / New Construction brings together works by
thirty-two up-and-coming Canadian artists, selected by faculty members from eight
universities, in an exhibition that celebrates outstanding talent and potential. This
year’s students are from: Concordia University (Montréal, QC), Université Laval
(Québec, QC), Nova Scotia College of Art and Design (Halifax, NS), University of
Ottawa (Ottawa, ON), Université du Québec à Montréal (Montréal, QC), Univer-
sity of Waterloo (Waterloo, ON), University of Western Ontario (London, ON)
and York University (Toronto, ON).
The exhibition features a wide range of approaches to painting and sculpture
through traditional and contemporary techniques and materials which reflects the
hybrid used in this year’s presentation have never been more diverse.The following are just a few examples of this variety.

Vitrine d'été : Galland & Lalumière / Projets Spéciaux @ articule

noreply@blogger.com (Contact) — Fri, 02 Jul 2010 06:06:00 +0000

Communiqué - Press release /// English follows
Emmanuel Galland & François Lalumière (Montréal)
Retourne-moi
Projet de vitrine d'été : du 2 juillet au 1er août 2010
Vernissage : vendredi 2 juillet 2010, 18h - 20h
au Tredici (en face d'articule)

Emmanuel Galland et François Lalumière empruntent à la photographie, à la sculpture et au collage pour jouer avec l'espace architectural urbain à travers l'installation in situ Retourne-moi.

L'architectonique de l'édifice abritant le commerce « La Maison du Peintre » et la galerie d'articule est symétrique : on peut parler ici d'effet miroir. Les artistes reproduisent la façade du magasin de peinture dans le « cadre » d'articule, créant ainsi un facsimilé tridimensionnel presque parfait. À croire que le magasin de peinture double sa surface. À moins qu'un tournage cinématographique ne déploie ses décors.

Tous les éléments composant la vitrine de « La Maison du Peintre » (autocollants, logos, grille, objets, néons, publicités, enseigne, etc.) sont répétés aussi fidèlement que possible, mais de façon inversée (copier / coller / flipper) et avec des matériaux recyclés. Poussant plus avant l'idée de décalage et de réinterprétation, les objets recréés sont recouverts de Duct Tape blanc : marques, inscriptions et couleurs, ainsi masquées, s'effacent. À l'enseigne de ce recyclage visuel complet, tout est factice : les artistes ne se revendiquant pas d'une logique illusionniste.

Avec Retourne-moi les deux artistes opèrent des glissements entre le patrimoine et sa préservation, la construction et la rénovation, le réel et son enregistrement, l'original et la copie, le familier et l'étrange, la magie et les trucages, les faits et les souvenirs, la vérité et le leurre.

Emmanuel Galland est un artiste / commissaire et consultant en cultures et communications. Formé en arts plastiques et en histoire de l'art à l'Université de Montréal, il a exposé ses photographies et installations principalement dans le réseau des centres d'artistes et des musées au Québec. Son travail a remporté des prix et fait partie de plusieurs collections. Fortement impliqué dans le réseau de l'art, il a oeuvré au Centre d'art et de diffusion CLARK, à l'Espace Vidéographe, à MUTEK et au MAI. À une période d'hyperactivité à la fin du XXe siècle suivent plusieurs saisons de jachère. Puis, ses engagements le mènent à fusionner ses compétences. À titre de consultant, il accompagne plusieurs artistes et organismes/événements culturels. Communicateur et rassembleur, il est aussi cofondateur du MTL ART MAP [www.pavilionprojects.com/map]. Tisser des liens et ne jamais être là où on l'attend caractérisent sa démarche plurielle.

Les collages, installations, sculptures et interventions urbaines de François Lalumière se remarquent par leur utilisation du Duct Tape (ruban gommé) qu'il travaille dans une palette de couleurs élargie. Sa démarche transhistorique aux préoccupations environnementales entremêle un intérêt pour la picturalité et l'ornementation. Il revisite tant les arts décoratifs que les motifs primitifs, les iconographies autochtones que l'abstraction géométrique. Intéressé par la création contemporaine dans son spectre le plus large, il a oeuvré dans le milieu du design et de la mode auprès de Denis Gagnon, Azamit, Yso et pour l'hebdomadaire VOIR. Il a exposé à la Galerie FOFA avant de présenter l'exposition « CONTREBANDE / CONTRABAND » - accompagnée d'une publication - à la Galerie VAV. Il suit présentement le programme Studio Arts de l'Université Concordia.

Les artistes tiennent à remercier: Peintures Miller - La Maison du Peintre, TREDICI, Antonin Sorel - KEZACO, AXENÉO7, Clément de Gaulejac, Caroline Hayeur - Agence Stock Photo, l'Écocentre de La Petite-Patrie, Debna, Siphay Southidara, Robbin Deyo, Charlotte Sordes.

---------------
Emmanuel Galland & François Lalumière (Montreal)
Invert Me Out

Summer window project: From July 2 to August 1st, 2010

Opening reception: July 2, 2010, 6pm - 8pm
at Tredici (just accross the street from articule)

Emmanuel Galland and François Lalumière borrow from photography, sculpture, and collage to play with urban architectural space in their installation, Invert Me Out.

Architecturally, the building that houses both articule and the paint store La Maison du Peintre is symmetrical - the two halves almost a mirror image, in fact. Now Galland and Lalumière have replicated the paint store's façade within the "frame" of articule, creating an almost perfect three-dimensional facsimile. It's as if the paint store has doubled in size - either that or the props from a film shoot have been put on display.

Using recycled materials, every element of the shop window and its contents (signage, advertisements, paint brushes, neon lights, the grill, etc.) has been faithfully reproduced only in reverse (copy, paste, and flip). Playing with notions of shift and reinterpretation, all the objects that the artists have recreated are wrapped in white Duct Tape; branding, colour, and script, thus masked, have been effaced. As visual recycling, all is artificial: Galland and Lalumière do not claim to create realistic trompe l'oeil.

With Invert Me Out the artists negotiate slippages between the original and the copy, the familiar and the strange, construction and renovation, heritage and preservation, reality and record, magic and trickery, fact and memory, truth and deception.

As well as being an artist / curator, Emmanuel Galland works as a consultant in the field of culture and communication. Having studied fine art and art history at the Université de Montréal, he has gone on to exhibit photographs and installations in Quebec's artist-run centres and museums and elsewhere. His work has won prizes and can be found in several collections. Galland is very active in Montreal's art milieu and was involved at the Centre d'art et de diffusion CLARK, l'Espace Vidéographe, MUTEK, and the MAI. A period of hyperactivity towards the end of the 20th Century was followed by several fallow seasons. Then, fusing his skills, he began working as a consultant with a number of artists and cultural organisations and events. He is a co-founder of the MTL ART MAP [www.pavilionprojects.com/map]. Galland's varied path could be said to be characterised by a tendency towards building relationships and never being where one expects to find him.

François Lalumière's collages, installations, sculptures, and urban interventions have one common element: Duct Tape, a medium he employs in a broad spectrum of colours. Interested in environmental concerns, Lalumière draws on various art-historical references with a particular interest in pictorialism and formalism. Influenced by geometric abstraction and the decorative arts, he is equally inspired by primitive motifs and aboriginal iconographies. Lalumière is interested in contemporary creation in its broadest sense, and he has worked in design and in the fashion milieu with the likes of Denis Gagnon, Azamit, and Yso; he has also worked for the VOIR weekly paper. Following an exhibition at the FOFA Gallery, Lalumière presented CONTREBANDE / CONTRABAND - accompanied by a publication - at the VAV Gallery. He is currently studying Studio Arts at Concordia University.

The artists wish to thank: Peintures Miller - La Maison du Peintre, TREDICI, Antonin Sorel - KEZACO, AXENÉO7, Clément de Gaulejac, Caroline Hayeur - Agence Stock Photo, l'Écocentre de La Petite-Patrie, Debna, Siphay Southidara, Robbin Deyo, Charlotte Sordes

DHC/ART Fondation pour l’art contemporain présente JENNY HOLZER Du 30 juin au 14 novembre 2010 - vernissage 29 juin

noreply@blogger.com (Contact) — Mon, 28 Jun 2010 03:30:00 +0000

DHC/ART Fondation pour l’art contemporain présente
JENNY HOLZER
Du 30 juin au 14 novembre 2010

Depuis plus de trente ans, l’œuvre de Jenny Holzer apparie texte et installation en vue de scruter des réalités personnelles et sociales. Dans la présente exposition, centrée sur son travail du milieu des années 1990 jusqu’à présent, Holzer fusionne discours politique et beauté des formes.

For Chicago, 2007
11 electronic signs with amber diodes
2.33 x 327.04 x 577.68 in.; 5.9 x 830.6 x 1,467.3 cm.
Installation: Jenny Holzer: PROTECT PROTECT, Museum of Contemporary Art (MCA), Chicago, 2008
Text (pictured): Arno, 1996
© [date of publication] Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS),
NY.Photo: Attilio Maranzano

En utilisant le langage comme son médium principal — imprimé sur des affiches ou sur des T-shirts, ou défilant sur des écrans DEL (diodes électroluminescentes) —, l’art textuel de Jenny Holzer diffuse un éventail d’opinions et de voix, tout en s’intéressant à l’interaction entre le public et le privé. Exposée aussi bien dans les musées qu’anonymement dans l’espace public, son œuvre est aussi diffusée sous la forme dématérialisée, d’une sombre majesté, de projections nocturnes contre des bâtiments ou dans la nature, par exemple sur les vagues de l’océan.

Jenny Holzer joue en partie l’oracle, en partie la provocatrice — d’où le regardeur doit distinguer le sérieux du futile. Ses textes incisifs et prémonitoires, qui sont des condensés filtrés ou distillés à base de culture au sens large, témoignent des bouleversements sociaux et des conflits interpersonnels, du corps politique et du corps, tout en révélant impitoyablement les machinations du complexe militaire/commercial/du divertissement.

Cette analyse se poursuit avec la présentation, à DHC/ART, d’œuvres DEL récentes et de sérigraphies sur toiles inspirées de documents déclassifiés sur l’invasion de l’Iraq menée par les États-Unis. Utilisant des transcriptions de débats à la chambre aussi bien que des témoignages de militaires américains et de détenus des prisons américaines, l’exposition présente des tableaux Rédaction qui réfèrent à des documents gouvernementaux que les censeurs ont partiellement ou totalement caviardés — « rédigés » —, parce que leur contenu était considéré comme trop délicat pour une diffusion publique.

Reposant à plat sur le sol d’une grande salle et rassemblant tous les écrits de Jenny Holzer, la très grande œuvre DEL For Chicago — une installation immersive éblouissante faite uniquement de lignes parallèles d’éclairages intermittents qui font défiler continûment des textes — est peut-être la pièce maîtresse de l’exposition. De façon plus sobre, mais non moins forte, des ossements humains sont disposés comme des artefacts et spécimens sur les deux Lustmord Tables, avec textes gravés détaillant le viol et le meurtre de femmes selon les points de vue de la victime, du coupable et du témoin.

Jenny Holzer (1950) a créé un important corpus d’œuvres originales, pertinentes, narratives et expérimentales traitant avec constance de problèmes difficiles. Née à Gallipolis, en Ohio, elle vit et travaille présentement à Hoosick, dans l’État de New York. Diplômée de la RISD (Rhode Island School of Design), elle a ensuite participé au Whitney Museum Independent Study Program. Elle a été la première femme à représenter les États-Unis à la Biennale de Venise, où elle a remporté un Lion d’or. Son œuvre fait partie des collections de grands musées partout dans le monde.

-------------------------------

For more than thirty years, Jenny Holzer's work has paired text and installation to examine personal and social realities. In this exhibition, which centers on her work from the mid-1990s to the present, Holzer fuses political comment with formal beauty.

Using language as her principal medium – either printed on posters and T-shirts or scrolling on LED (light-emitting-diode) displays – Jenny Holzer's text-based art provides a range of opinions and voices while addressing the interplay between the public and the private. Appearing in both museum exhibitions and more anonymously in the public realm, her work is also presented as dematerialized and somberly majestic nighttime projections on buildings and in natural settings, including crashing ocean waves.

Part oracle and part provocateur, the viewer must sort the profound from the prattle in Jenny Holzer's texts. Her incisive and premonitory pronouncements, which are condensed, filtered or distilled from the culture at large, bear witness to social and interpersonal conflict, the body politic and the body, while relentlessly exposing the machinations of the military/commercial/entertainment complex.

Her analysis continues in the presentation at DHC/ART with recent LED works and silkscreen paintings based on declassified US documents and the US-led invasion of Iraq. Using transcripts of policy debates, as well as testimonies of American soldiers and detainees in US custody, the exhibition features Redaction paintings, which refer to documents government censors have partially or totally blacked out – redacted – because the subject matter was deemed too sensitive for public consumption.

Last call for Electric Pin Ups & Acid Soda !

noreply@blogger.com (Contact) — Sat, 26 Jun 2010 23:57:00 +0000

by Remi Beaupre

There are only a few days left to check out the awesome exhibit at Glamort tattoo parlour, a retrospective of Lipstik Design's work over the last 10 years. More like a space invasion than an In Situ installation, Lipstik's stuff looks like Big Brother on Extacy; his objects - made of Dollarama items, bazaar scraps and Wal-mart findings, the factory-chain products destined for the masses become his malleable material, completed with a packaging exhibiting chimerical babes and catch-phrases.

Obviously having a blast creating an alternate reality filled with his icons, he borrows from worlds that don't differ so much - advertising and soft porn. An unpolished reflection of the main marketing tendency since the very inception of the concept, he exhibits the use of women in ads and popular culture over the decades to the point of overkill - which is sort of an oxymoron, as popular culture itself isn't nearly quite done with its favorite iconic source. His ominous trademark logo acts as a signal for a pending apocalypse and a party for Playboy, the last hot message on your answering machine before the world implodes on itself and the mess it's made. Plastered over everything, etched into the flesh of fabricated female icons, Lipstik takes the stuff of advertising and makes his own branding, a fictitious monopoly that declares: can you really change what sells?

Young Blood by Frances Allen @ Off The Hook (Young Healers zine issue launch) June 29th 7pm

noreply@blogger.com (Contact) — Thu, 24 Jun 2010 18:45:00 +0000

Frances Allen is a young film photographer who focuses on the punk and hardcore scene. She recently quit art school and has decided to pursue photography on her own. She currently lives in Toronto.

Young Healers is a publishing venture that focuses on emerging
photographers through print zines. The objective is to publish monthly
issues that coincide with a gallery launch for the corresponding
edition. Each issue will feature the work of an up-and-coming
photographer, some shooting specifically for the project, others
selecting photos from their existing portfolio.

Founded and curated by Daniel Pelissier, Young Healers is the natural
progression from his personal photography zine, Society Suckers. Young
Healers moves to further underline the DIY aesthetic and the
importance of zines as a direct, accessible medium, seeking to provide
support and promotion for the chosen artists and their respective
themes and ideals.

TIENS-MOI TRÈS FORT - LIBBY HAGUE @ La Centrale Galerie Powerhouse

noreply@blogger.com (Contact) — Thu, 24 Jun 2010 18:36:00 +0000

TIENS-MOI TRÈS FORT
LIBBY HAGUE, toronto
Exposition 25 juin au 25 juillet, 2010
Vernissage vendredi 25 juin, 19h
Présentation d'artiste samedi 26 juin, 15h

Libby Hague vit et travaille à Toronto. Ancienne élève des Beaux-Arts à l’Université Concordia, elle a participé à diverses résidences et programmes d’échange au Québec. Ses expositions les plus récentes portaient le titre de being naturalà la Galerie d’Art de Durham, One Step at a Time à la Galerie d’Art de Mississauga, Everything Needs Everything qui a voyagé dans diverses villes au Canada; il faut aussi mentionner les deux installations qu’elle a présentées, en 2009, à la 6ème Biennale internationale d’Arts Graphiques contemporains de Novosibirsk, en Sibérie. L’année dernière, l’artiste remportait le ‘Open Studio National Printmaking Award’ ; son œuvre est également mentionnée dans l’ouvrage anglais Installations & Experimental Printmaking, de Alexia Tala. Ses expositions solo antérieures au Québec ont été présentées chez ARPRIM, Engramme, Vu et Articule.

Libby Hague travaille surtout en installation et en gravure sur bois. Passant allègrement de la gravure à la sculpture, elle crée des environnements métaphoriques adaptés à chaque espace d’exposition. Dans ses travaux récents, elle a développé un vocabulaire particulier en utilisant et amalgamant diverses techniques d’estampe et de bricolage qu’elle applique à toute une variété de matériaux industriels tels que des boites de carton, du câble, ou du plastique. Par son imagerie, elle tisse une toile troublante de références, passant des animaux à des messages publicitaires, des fleurs, des ordures, des figures humaines et à bien d’autres choses non identifiées. Ce mélange de matériaux et de symboles est finement ouvragé dans ses détails. Pourtant, vues dans leur ensemble, ses œuvres - bien que souvent d’une taille imposante- créent une impression de fragilité et de précarité.

Dans le cadre de l’exposition à La Centrale une grande vague de papier imprimé tient lieu de métaphore pour une catastrophe. Le propos suggéré est celui d’un désastre qui serait le résultat inévitable tant de la surconsommation que de la cupidité. Mais Hague met également l’accent sur la possibilité de la croissance et du dépassement : « La vague déferlante, est aussi un radeau de sauvetage. Il s’agit, en fait, d’un mariage de la Grande Vague de Hokusai et du Radeau de la Méduse, présentant ces deux éléments – le désastre et le sauvetage – comme inextricablement liés l’un à l’autre et soulignant notre interdépendance et notre vulnérabilité personnelle. » -Hague

L’histoire suggérée dans Tiens-moi très fort est conforme l’approche ‘fait main’ ou ‘bricolage’ de Hague, en ce sens qu’elle met en exergue le travail à l’échelle humaine, fait avec les moyens du bord, sans pour autant se refuser aux réalisations les plus grandioses. « Une femme, commence par sauver une souris pour en venir ensuite à rescaper un être humain. Et de là, un mouvement s’amorce qui nous amène à réaliser nos projets les plus risqués et les plus ambitieux. »
-Hague
--------------------------------------------------
HOLD ME TIGHT
LIBBY HAGUE, toronto

Exhibition june 25 to july 25, 2010
Opening friday, june 25, 7pm
Artist talk saturday, march 20, 3pm

Libby Hague lives and works in Toronto, Ontario. She studied fine art at Concordia and has participated in various print residencies and exchanges in Quebec. Her recent exhibitions include being natural at the Durham Art Gallery, One step at a time at the Art Gallery of Mississauga, Everything needs everything which has been shown in a number of iterations across the country, as well as two installations presented at the 6th Novosibirsk International Biennial of Contemporary Graphic Art (2009) in Siberia. She won the 2009 Open Studio National Printmaking Award and is featured in the British book, Installations & Experimental Printmaking by Alexia Tala. Her previous solo exhibitions in Quebec include shows at ARPRIM, Engramme, Vu and Articule. She looks forward with pleasure to returning to Quebec with this new work.

Libby Hague works primarily in print installation. Moving with fluidity from woodcut print to sculpture, she creates immersive metaphorical environments adapted to each venue. In her recent work, she has developed a very particular vocabulary, applying and mingling print techniques and delicate crafts to a variety of common/industrial materials, from cardboard boxes to rope, pipe cleaners and plastic. Through her imagery, she weaves an uneasy web of references, moving between animals and advertisements, flowers, garbage, human figures, and many unnamed things. This mélange of materials and symbols is lovingly crafted in its details. Yet the vues d’ensembles, although often imposing in scale, seem fragile and precarious.

In the exhibition at La Centrale, a large wave of printed paper acts as metaphor for catastrophe. The suggested narrative is one of disaster presented as the inevitable outcome of both over consumption and greed. However, Hague also focuses on a potential for re-growth:«The rolling wave is also a birch bark raft. It is the marriage of Hokusai's Wave and the Raft of the Medusa with the two elements, disaster and rescue, literally woven together. It thus underscores our interconnectedness and personal vulnerability.» -Hague

In unison with her DIY (do it yourself) approach to crafts and construction, Hague’s suggested story advocates working at human scale, with the means at hand, but without shying away from grandiose achievements: « A woman begins by carrying a mouse to safety - then a human being. So we move forward together to accomplish our most daunting and ambitious projects ». -Hagues

RADIO CKUT presents POPOLO IN THE PARC Saturday June 26, 1PM - 6PM @ Parc Lahaie

noreply@blogger.com (Contact) — Thu, 24 Jun 2010 18:19:00 +0000

Radio CKUT is presenting Popolo in the Parc with Suoni Per Il Popolo. This is a free outdoor event for all ages featuring live music and entertainment, arts and crafts, activities and workshops! Come play.

Snacks will be provided with the help of the lovely folks at The Midnight Kitchen and food donations by PA Supermarché.

Music by: Sean Nicholas Savage, The Pop Winds, Salah Steel Pan Academny, Erin McGregor, and a choral performance presented by Kathy Kennedy

Singing lessons for kids 2-3pm

Bike repair workshop 2-3pm

Dancing Lessons for Kids 3-4pm

Here's the Music schedule:

1pm - Salah Steel Pan Academ

2pm - Sean Nicholas Savage

3pm - Erin McGregor

4pm - The Pop Winds

5pm - Sonic Choreography by Kathy Kennedy and Choir

5:30pm - Kids' Parade!

Bike repair workshop 2-3pm

Gilles will go over basic bike repairs and tune-up. There will be a demonstration bike at the Parc, but you are welcome to bring your own bike.

Singing lesson for kids 2-3pm

Getting ready for the kids parade later in the day - Jasmine will get the vocal chords buzzing as she leads kids through a series of fun vocal exercises

Dance Class for Kids 3-4pm

Get your toes shaking with Julia, an experienced dance instructor for kids, under the leafy cover of Parc Lahaie

Everything going down in Parc Lahaie, on the corner of St-Laurent and St-Joseph

Near Metro Laurier, on the 55 and 51 bus routes, and a great walk or bike-ride from many locations on the Plateau

Dewanatron @ Rawspace

noreply@blogger.com (Contact) — Thu, 17 Jun 2010 03:46:00 +0000

Rawspace One is back for another night of mayhem! Drop by for cheap drinks, great music, and also your chance to pick up a copy of SNAP! Magazine issue 11.

- Hendrik Brussen and Melanie Freedman continue Rawspace One: Art in raw spaces with the presentation of DEWANATRON. Dewanatron is dedicated to the manufacture and operation of hand-crafted music instruments. These instruments are controlled by toggle switches, potentiometers, conductive ribbons and rotary telephone dials.

It is the instruments themselves that author most of the music, with guidance from human operators. Some instruments are components, or appliances, which used in tandem with other appliances becomes part of an electronic chamber group.

Brian Dewan and Leon Dewan are the proprieters and chief operators of Dewanatron. They are also cousins. They recorded their first electronic music in 1980 with household appliances and built their first instruments in 2002. Dewanatron's public appearances have included the Armory International Art Fair, the Cinema Arts Center in Huntington, NY, PS1 Summer Warmup in Long Island City, The Steve Allen Theater, Cinefamily Silent Movie Theater and Spaceland in Los Angeles, and New York venues Town Hall, Tonic, Mercury Lounge, Union Hall, The Bell House, Issue Project Room and Dixon Place. They have also appeared on WNYC's Spinning on Air, WFMU in Jersey City, NJ, and WPKN in Bridgeport, CT. They have exhibited at Another Year in LA, Pieogi Gallery in Brooklyn, NY and Leipzig, Germany and have been reviewed in the New York Times, Artforum, ArtNet, and the Los Angeles Times.

Special guest Caroline Glass is a Montreal-born singer-songwriter and multi-instrumentalist. She has performed internationally as a soloist and has recorded with many musicians including Joseph Arthur and Seb Martel. Caroline has worked with Cirque du Soleil, has put out a self titled EP which she wrote, arranged and produced and is currently at work creating new material for an upcoming a full length album.

DEWANTRON in concert marks the first all music venue for Rawspace One. The idea behind Rawspace One began with building owners Hendrik Brussen and Melanie Freedman realizing that their raw, unused and still unrented commercial space can serve a better purpose with art on the walls rather than cracked plaster and paint. With some leftover paint Hendrik scrawled the date and title of their first show across the storefront and they started looking for artists. The result was a hip and high energy night for artists, art curios and many a passerby.

Dedicated to the simple pursuit of art for art’s sake, Rawspace One has a commitment to show work and deliver performances that speaks for itself, unlimited by the thematic boundaries that most exhibitions impose. The result is an evening that pulls the viewer in many directions, pushing and stimulating all the senses. Not unlike the happenings that began in the early 60’s, they are multi-disciplinary and although key elements are planned, the opening night performances retain room for improvisation. In fact, participating artists have often been included just a few days before the exhibition’s opening.

Hendrik Brussen, a Dutch transplant via New York, still keeps his feet firmly planted in the arts community. Once boasting the smallest circus in Europe, he has toured and performed for many audiences in Europe and abroad. He and wife, Melanie Freedman, opened the door to Rawspace One seven years ago and have enjoyed collaborating with the Montreal arts community ever since.

Melanie Freedman is a Montreal-born artist, painter and entrepreneur.

Moving Around - Créations In Situ @ Punkt

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 16 Jun 2010 13:03:00 +0000

Paper pals, Moving Around rebouge, et Punkt frémit de toutes ses feuilles. L'atelier a subdivisé son espace et invité les designers à meubler de créations de papier plié son nouveau deux pièces.

Le samedi 12 et le dimanche 13 juin,les créateurs se penchent sur leurs papiers avec une application sans repos.

Du 18 juin au 18 juillet,l'origamimobilier est exposé en tout confort à votre curiosité.

Bougez-vous!

MOVING AROUND
CRÉATIONS IN SITU -
12 ET 13 JUIN, 11H À 20H

EXPOSITION -
18 JUIN - 18 JUILLET 2010

VERNISSAGE -
VENDREDI 18 JUIN, 17H

•
Mélanie Baillairgé
Mikael Baillairgé
Bipède
Michael Bishop
Serene Daoud
Melinda Hart
Mary-Ève Joseph
Claudel Lalancette
André Lavergne
Pascale Lefebvre
Simon Lemèle
Véronique Leroux
Léon Lo
Nicolas Marier
Than-Liem Nguyen
Jean-François Proulx
Than Truc Trinh

The Dirty Little Spoons - "Feels Like The First Time""

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 16 Jun 2010 04:05:00 +0000

The Dirty Little Spoons, Montreal’s All-Hot-Lady sketch comedy troupe brings you a show that "Feels Like The First Time." We’ll serve you a pint of class with a chaser of ass; a comedy, song and dance salad that’s gonna toss you! Check out "Feels Like The First Time" at the Studio Juste pour rire (2109 St. Laurent) in association with the 2010 Montreal Fringe Festival running from June 10th to the 20th!

Show dates are:

Saturday, June 12th, 21:15
Sunday, June 13th, 14:15
Wednesday, June 16th, 19:00
Thursday, June 17th, 21:45
Friday, June 18th, 23:00
Sunday, June 20th, 15:30

General: $10 + $2 service charge
Students/QDF Members: $9 + $2 service charge

To buy tickets online go to http://montrealfringe.ca/. They can then be picked up at Mainline Theatre (3997 St. Laurent) until two hours before show time. - Visa, Mastercard, Interac, or cash.

Same day sales are available at the Central Box Office, located at the FRINGE park (corner of St. Laurent and Rachel). Visa, Mastercard, Interac, or cash.

One hour before your show, tickets will ONLY be available at Studio Juste pour rire. - Cash only.

For more info: (514)849-FEST

P.S. This production will also feature the handsome and extremely talented NICOLAS HÉBERT on the piano!

We hope to see you there!

Contact: dirtylittlespoons@gmail.com
Websites:
http://www.dirtylittlespoons.com/
http://montrealfringe.ca/

Ivresse de chiennes @ M.A.I.

noreply@blogger.com (Contact) — Wed, 16 Jun 2010 03:59:00 +0000

Créations Rouge sur Blanc Présente: IVRESSE DE CHIENNES
Texte et interprétation: Marie-Claude Garceau et Mara Préfontaine
Mise en scène: Martine Pype-Rondeau
Chorégraphies: Catherine Gonthier
Costumes: Mélissa Brodeur
Éclairages/ Régie: Joannie Campagna
Musique: Maxime Leduc

Deux jeunes comédiennes ont été à la rencontre de LUI : meurtrier, double sentencié à vie, aujourd'hui libre à Montréal et travailleur social en milieu carcérale. Pièce inspirée d’une histoire vraie, percutante où les femmes furent le pilier d'un monstre vers la rédemption. Préparez-vous à être renversé…

Représentations:
11 juin 18h
13 juin 22h15
14 juin 19h45
17 juin 18h
18 juin 24h15 (nuit 2 pour 1!)
19 juin 20h15

Billeterie: 514-849-FEST.
Billets également en vente 1h avant la représentation à la porte.
7$

Vida Simon & Tedi Tafel (Montréal) Approaching Stillness @ articule

noreply@blogger.com (Contact) — Mon, 14 Jun 2010 04:14:00 +0000

Résidence 3 : 11 au 20 juin 2010
Discussion avec les artistes : dimanche 13 juin à 15h
Performance : lundi 21 juin, 10-13h et 18h-22h
Réception : lundi 21 juin, 22h

Approaching Stillness s'intéresse au solstice d'été comme à une forme de métaphore enveloppante : c'est le moment où la lumière est à son zénith, où le jour est à son plus long et où le mouvement apparent du soleil s'immobilise, au nord comme au sud : sol (soleil) sistere (se tenir immobile).

photo: Approaching Stillness, Vida Simon et Tedi Tafel, 2010, crédit: Guy L'Heureux

Pour ce projet, Vida Simon et Tedi Tafel explorent la superposition d'installation, de dessins projectés et de mouvements à travers résidences dans la galerie et recherche en atelier tout au long de 2009-2010. Les artistes ont amorcé leur travail avec une série de questions : les performances pourraient-elles être des événements microcosmiques qui contiendraient tout le cycle créé par l'inclinaison de la terre, passant de l'obscurité à la lumière et de la lumière à l'obscurité? Comment cette recherche articule-t-elle les notions d'expansion et de contraction du temps et de l'espace? Et finalement, quel est le point de rencontre des actions performatives, quotidiennes et rituelles? C'est à l'intérieur de ces questions et suivant ces pistes que les artistes jouent, cherchent et développent leurs idées.

En juin, les artistes poursuivent leur exploration avec des questions plus précises : comment créer un événement où la relation public/performeur est mobile, de manière à ce que le public participe de plusieurs manières alors que la performance se joue dans différents points de l'espace (tant intérieurs qu'extérieurs) ? Comment l'espace peut-il être utilisé pour accumuler des actions, puis être déconstruit pour révéler la simplicité d'un moment ? Quelle est la relation entre la préparation d'une performance et la performance elle-même ? Comment peuvent-elles toutes deux faire partie de la présentation publique? Cette dernière résidence consistera en une exploration privée dans l'espace menant à une performance de longue durée au solstice d'été.

Le travail de Vida Simon allie le dessin, l'écriture, la fabrication d'objets, le son et les gestes, souvent combinés pour créer des installations et des performances qui répondent au lieu. Une passion pour le dessin lie tous les aspects de sa pratique; c'est la forme qui exprime le plus directement son intérêt pour le conte visuel, la matérialité et la corporéité. Elle a présenté son travail dans plusieurs lieux au Canada et sur la scène internationale dont, tout récemment, le Chili et la Lithuanie.

L'artiste montréalaise Tedi Tafel possède une formation en cinéma et en danse. Elle présente son travail dans des lieux non traditionnels et explore les possibilités expressives du corps en contact direct avec des espaces ruraux, urbains et sauvages. Elle s'intéresse aux couches d'expériences situées juste sous la surface de nos manières habituelles de bouger et à la façon dont notre monde intérieur est inspiré et transformé par les lieux que nous habitons.

Contact pour informations et média:

info@articule.org l 514-842-9686

-----

photo: Approaching Stillness, Vida Simon and Tedi Tafel, 2010, credit: Guy L'Heureux

Vida Simon & Tedi Tafel (Montréal)

Approaching Stillness

Residency 3 : 11/06/10 - 20/06/10

Artist talk: Sunday June 13, 3pm

Performance : Monday June 21, 10am-1pm and 6pm-10pm

Reception : Monday June 21, 22pm

articule
262 Fairmount O., Montreal

514-842-9686 l info@articule.org

Approaching Stillness looks at the Summer Solstice as a kind of enveloping metaphor - the moment in time when the light is at its maximum, the day is at its longest and the apparent movement of the sun, north or south, comes to a standstill: sol (sun) sistere (to stand still).

This collaborative project by Vida Simon and Tedi Tafel explores the layering of installation, live projected drawing and gesture. Their process entails a combination of in-gallery residencies and studio research at punctuated moments in 2009 and 2010. Vida and Tedi began with a series of questions: could the performances be microcosmic events encapsulating the entire cycle of dark to light to dark, created by the tilting of the earth? How does this inquiry play into notions of expanding and collapsing time and space? And finally, what is the intersection of performative, everyday and ritual actions? These questions are used as points of departure for the artists as they play, research and articulate.

In June, the artists continue their exploration with more specific questions and concerns: How to create an event where the audience/performer relationship is mobile, so that as the performance plays out in different areas of the space (both indoors and outdoors) the public participates in a wide variety of ways? How can the space be a container for the accumulation of actions, and then be de-constructed to reveal the simplicity of a moment? What is the relationship between the preparation of a performance and the performance itself? How can both be essential parts of the public event? This final residency will consist of a private exploration in the space, leading to a durational performance for the Summer Solstice.

Vida Simon's work incorporates drawing, writing, hand-made objects, sound, and gesture, often combined to create site-responsive installations and performances. Linking all aspects of her practice is a passion for drawing, a form that most directly expresses her interests in visual storytelling, materiality, and embodiment. She has presented her work in a wide range of contexts across Canada, and internationally - most recently in Chile and Lithuania.

Montreal artist Tedi Tafel has a background in film and dance. Her work takes place in non-traditional venues and looks at the expressive possibilities of the body when in direct contact with rural, urban and wilderness spaces. She is interested in the layers of experience that exist just beneath the surface of our habitual ways of moving about; how our interior world is inspired and transformed by the places we inhabit.

Contact for information and media:

info@articule.org l 514-842-9686

Electric Pin Ups & Acid Soda ! LIPSTIK DESIGN RETRO 2000/2010

noreply@blogger.com (Contact) — Mon, 14 Jun 2010 04:02:00 +0000

par Aline Verdun

En passant par Saint-Henri… allez voir les pin-up épinglées sur les murs de la galerie Glamort.

Oui, c’est vrai que… Saint-Henri si on n’y habite pas, on n’est pas forcément tenté d’y passer pour la balade.

Montréal recèle suffisamment de coins merveilleux pour ne pas donner la priorité au 4411 rue Notre Dame Ouest.

Et pourtant… le tatoueur galeriste Glamort vaut le détour… car en plus de faire de l’art sur les peaux il propose sa galerie lumineuse aux artistes sélectionnés.

Du 05 au 30 juin inclus Lipstik Design expose son glamour hybride à Glamort, studio de tatouage et galerie d’art au :

4411 Notre Dame O - Métro Place-Saint-Henri

Graphiste de profession et de passion Lipstik nous propose une série d’installations, d’emballages de fast food, vidéos déjantées, panneaux muraux thématiques, néons et objets en plastique détournés...

Les séries se déclinent en petit ou moyen format à prix très abordables. Je retiens une superbe affiche d’un crâne épuré sur fond de mire télévisuelle ou cible stylisée. Rien d’obscure, juste un mélange de dérision, de style et d’originalité.

De quoi s’offrir à soi ou son prochain une œuvre d’art, rencontrer les aimables tatoueurs de Glamort et repartir avec une icône sexy sous le bras.

Pour les curieux, vous pouvez jeter un œil sur le site de l’artiste :

http://www.lipstikdesign.com/

Ainsi que faire connaissance avec le studio Glamort :

http://www.myspace.com/glamorttattooparlor

Electric Pin Ups & Acid Soda ! / LIPSTIK DESIGN RETRO 2000/2010

Studio de tatouage et galerie Glamort

4411 Notre Dame O, Montréal - Métro Place-Saint-Henri

Tél : (514) 656 0699

Inauguration du nouvel espace de la galerie Yves Laroche Vernissages des expositions Sacred Machine et Looking East

noreply@blogger.com (Contact) — Mon, 07 Jun 2010 05:39:00 +0000

Voici le communiqué complet:

YVES LAROCHE GALERIE D’ART PRÉSENTE

Daniel Martin Diaz : Sacred Machine

Justin Giarla (Commissaire Invité): Looking East

Du 9 au 23 Juin 2010

Vernissage : Mercredi, 9 Juin 2010, 18 h À 21 h

Le mercredi 9 juin 2010, Yves Laroche Galerie d’art inaugurera officiellement son nouvel emplacement au 6355 boulevard St-Laurent à Montréal (Canada). Pour donner le coup d’envoi, la galerie YL présentera la première exposition solo de Daniel Martin Diaz au Canada, intitulée Sacred Machine, simultanément à Looking East, une exposition collective multidisciplinaire organisée par le commissaire invité Justin Giarla (White Walls/Shooting Gallery, San Francisco US)

Le nouvel espace:
La nouvelle adresse de la galerie YL est une destination montréalaise de choix pour les arts, la mode et la communauté médiatique. Situé au cœur du quartier Mile End, ce nouvel espace de 9,000 pieds carrés entièrement rénové hebergera une collection permanente et une boutique. De plus, le nouveau siège social met à la disposition deux vastes espaces d’exposition ,nommés espace I et II, pour location avec plus de 4,000 pieds carrés pour événements spéciaux, conférences, réunions corporatives ou autres projets en art contemporain. Également abrité par le complexe YL, un nouvel espace concept de vente au détail et une agence de création, Trusst.

Vous être cordialement invité aux vernissages et à l’ouverture officielle de la galerie, tous deux prévus le mercredi 9 juin 2010, de 18 h à 21 h à Yves Laroche Galerie d’art. Performances musicales exclusives par Jacob & Francis et Le Matos. Les artistes seront présents.

Pour toute information supplémentaire, veuillez nous joindre par courriel at info@yveslaroche ou téléphone au 514.393.1999

+++

YVES LAROCHE GALERIE D’ART PRÉSENTE
Daniel Martin Diaz : Sacred Machine
&
Justin Giarla (Guest Curator): Looking East
June 9th - 23rd 2010
Opening Reception: Wednesday June 9th 2010, 6-9pm

On Wednesday June 9th 2010, Yves Laroche Galerie D’art will be officially opening the doors of its new location at 6355 St-Laurent blvd, Montreal, CAN. To celebrate the new space, YL gallery will be presenting Daniel Martin Diaz’s first solo exhibition in Canada titled Sacred Machine as well as Looking East a multi disciplinary group exhibition by guest curator Justin Giarla (White Walls/Shooting Gallery, San Francisco US).

The new space:
YL’s new address is a destination for Montreal’s art, fashion and media communities.Located in the heart of the Mile End, this newly renovated 9,000 square foot space will be home to a permanent collection and a boutique. In addition, the new headquarters introduces 2 large exhibition spaces ,titled space I and II, offering more than 4,000 square feet available for rent throughout the year for special events, meetings and other contemporary projects. Also housed within the YL complex is the launch of a new retail concept space and creative agency, Trusst.

All are invited to the openings and gallery launch, scheduled for Wednesday, June 9th 2010 from 6-9 pm at Yves Laroche Galerie d’art. Special musical performances by Jacob et Francis and Le Matos. Artists will be present.

For general inquiries, please contact us by email at info@yveslaroche or by phone at 514.393.1999

Ariane Thézé: REMAKE-UP @ SAS

noreply@blogger.com (Contact) — Mon, 07 Jun 2010 04:57:00 +0000

"Remake-up"

Ariane Thézé à la galerie SAS jusqu'au samedi 7 août 2010

la galerie SAS est heureuse d'accueillir « REMAKE-UP », une exposition saisissante composée de portraits cyberréalistes créés par l’artiste multimédia Ariane Thézé.

Depuis 1982, Ariane Thézé questionne la représentation du corps avec acuité. Elle s’intéresse à cette puissance du faux qui nous pousse à chercher la clef magique de nos incertitudes et des leurres qui nous entourent. Ses photographies et ses vidéos se concentrent sur la composante fictive de l’image et révèle leur ambiguïté par rapport au réel.

"REMAKE-UP" est une série de photographies couleur conçues à partir d'une structure numérique de son visage et de son corps. Ces portraits fictifs sont le prolongement de sa démarche articulée autour du pouvoir de l'artifice. Issus d'un processus de « chirurgie virtuelle », ils se situent à la frontière entre le vrai et le faux. Il en résulte des images troublantes, mystérieuses, ouvertes à l'imaginaire du spectateur.

Ariane Thézé fait partie de la génération des créateurs québecois qui a permis de sortir la photographie d'un cloisonnement et a contribué à la faire entrer dans le champ des arts visuels au début des années 80. Ses oeuvres font d'elle une figure majeure de l'art dans le Québec d'aujourd'hui. Ariane Thézé vit à Montréal depuis 1982. Elle amorce sa formation à l’École des Beaux-Arts d’Angers, puis étudie à la Sorbonne et à l’Université du Québec à Montréal où elle obtient un doctorat. Elle a, à son actif de nombreuses expositions personnelles et collectives tant au Canada qu'à l'étranger (Art Gallery of Ontario, Musée du Québec, Musée de Cuenca, Musée d’art moderne d’Alicante, Musée Nordico à Linz) et participe à divers festivals de cinéma. Ses œuvres font aujourd’hui partie de plusieurs collections privées et publiques. Auteure de l’essai "Le corps à l’écran" (2005), elle enseigne à l’Université d’Ottawa.

----------------------

Les dernières photographies réalisées par Ariane Thézé sont des portraits cyberréalistes conçus à partir d'une structure numérique de son visage et de son corps. Elle reformule ainsi l’un des enjeux de l’image, signifier la réalité vivante de l’humain dans l’ordre de la représentation, mais ici, une représentation à la limite d’elle-même. Le processus contraint la figure et génère une tension au niveau de sa perception. S’agit-il encore d’un portrait ou de son ersatz, un stéréotype que modèle la lumière telle une sculpture en attente d’incarnation ? Chaque image endosse le masque de la séduction, l’illusion troublante d’un truquage pointant la malléabilité de l’apparence, testant et incorporant les normes socialement acceptables dans l’ordre de la programmation. L’efficacité de la figure est moins dans ce qu’elle représente que dans ce qu’elle donne à voir, cet écart qui perturbe le visible, l’être absent à peine perceptible par le regard cherchant à s’extraire de l’image. Cette dialectique entre extériorité et intériorité – ce qui constitue l’essence du sujet – altère la surface sensible de ce qui nous fait face désignant la fêlure de notre propre peau. Car l’écart est dans la perte : l’absence de traits qui relient la figure à son passé et à ses expériences, l’effacement des signes distinctifs au profit d’une identité homogénéisée, un visage unique dans une pensée unique, une image désincarnée par peur de l’oubli. Cette perte de la réalité du visage humain détruit l’ancien socle culturel de la représentation, un visage qui ne rend plus visible dans sa chair, la face inaccessible de son essence divine. Dans ce jeu des apparences, la beauté et son modèle imposé aliènent le corps au sein d’une esthétique morbide où la mort apparaît comme figure inversée, celle qui suggère l’absence de l’accident et le corps en sommeil comme une autre vie mystique, scientifique, virtuelle. S’agit-il pour autant d’une désincarnation ? La virtualisation se réduirait-elle à un processus de disparition ou de dématérialisation ? Loin de toute mimésis, les œuvres d’Ariane Thézé, dans cette dialectique entre l’image et la figure, le visible et le visuel en proposent une analyse comme changement d’identité, le passage d’une solution particulière à une problématique générale, une réinvention, peut-être réincarnation.

L'Echo d'un Fleuve, 3e édition, Événement art urbain dans le quartier Centre-Sud, 10, 11 et 12 juin

noreply@blogger.com (Contact) — Mon, 07 Jun 2010 03:08:00 +0000

3e édition de l’Écho d’un fleuve
10, 11 et 12 juin 2010
Événement d'art urbain dans le quartier Sainte-Marie de Montréal

Montréal, le 20 mai 2010 – Rendez-vous d'art interdisciplinaire annuel, L'Écho d'un fleuve rassemble acteurs et spectateurs autour des nouvelles pratiques artistiques. L'événement canalise la créativité du quartier Sainte-Marie de Montréal de façon à transformer l'espace public en un lieu de rencontre pour les artistes, les résidants et les organismes. Réunissant plus d'une centaine d'artistes, cette troisième édition, sous la direction artistique Catherine Lalonde en collaboration avec Nicolas Rivard, Nicolas Rochette, Élise Hardy et Danny Gaudreault, propose un événement qui s’orchestre en trois temps :
Text 3

3e édition de l’Écho d’un fleuve
10, 11 et 12 juin 2010
Événement d'art urbain dans le quartier Sainte-Marie de Montréal
Parcours Dédale et Fiction
FICTION URBAINE – ARPENTAGE DE RUES – PERFORMANCES
THÉÂTRE IN SITU – INFILTRATIONS – INSTALLATIONS
Jeudi le 10, vendredi le 11 et samedi le 12 juin à 20h00

Grande journée affluente
INTERVENTIONS ARTISTIQUES INTERDISCIPLINAIRES POUR TOUTE LA FAMILLE
ATELIERS DE CRÉATION – BALLADES ET CONTEMPLATION – EXPOSITIONS
SPECTACLES ET PERFORMANCES – B.B.Q. MUSICAL
Samedi le 12 juin de 12h à 19h

Confluence nocturne : où tout s’écoule vers la nuit et tout ce qui en découle
Soirée d'art performance
samedi 12 juin 22 h au Chat des artistes

Parcours Dédale et Fiction

jeudi 10, vendredi 11 et samedi 12 juin à 20h
Fiction urbaine, performances et arpentage de rues
départ de la cour arrière du Touski, 2361 rue Ontario est

Inspiré par le quartier Centre-Sud de Montréal, le parcours Dédale et fiction explore une nouvelle approche du parcours artistique sous forme de fiction urbaine. Dirigé par Catherine Lalonde (assistée de Nicolas Rochette et Élise Hardy), ce dernier rassemble plusieurs artistes dans une même trajectoire pour explorer les différentes résonnances du thème Dédale et Fiction. Cette création interdisciplinaire, orientée autour de la quête d’un personnage disparu depuis les années 30, dans le quartier Centre-Sud, a pour but de mener le spectateur le long d’un trajet artistique qui infiltre à la fois l’espace public et l’espace privé. Cadavre exquis urbain, ce parcours prend forme à travers les projets suivants :

*Chevreuil (Geneviève L. Blais en collaboration avec l’auteur Catherine Léger) : une expérience de théâtre in situ sur fond d’asphalte et de garnote. / Interprètes : Marie-Ève Huot, Jean-Moïse Martin, Estelle Richard.

*30 Screen test (Steve Giasson) : présentant des «portraits-vidéos» de Montréalais du quartier diffusés dans certaines fenêtres d’appartements et sur d’autres façades du parcours.

Cité-Myst (Nicolas Rochette) : un projet d’infiltration de la parole contée qui, au centre d’un parcours fictif, ouvre les portes du « realy real » / Conteurs : Nicolas Rochette, Raynald Barbarie, Céline Jantet, André Morin.

Az-zahr et I-déation (Élise Hardy) : une proposition chorégraphique qui met en relief les anomalies de nos comportements urbains et les dédales inusités de nos lieux de vie / Interprètes : Monica Coquoz, Vincent Dray, Chantal Hausler, Catherine Larocque, Léna Massiani, Katya Montaignac, Anouk Thériault, Mary Williamson.

Anomalies Synthétiques (Catherine Lalonde) : alliage de faits historiques, légendes et poésie du territoire, il s’agit de la dernière phase de cette création qui prend corps dans l’espace urbain depuis le 1er avril par le biais d’infiltrations artistiques dans le quartier Centre-Sud. Cette finale présente des tableaux vivants, des installations et un cabaret-téléréalité qui font revivre le grand mythe oublié… celui qui était autrefois au coeur de l’imaginaire de tout un quartier.
Interprètes et performeurs : Audrey Southière, Chantal Simard, Christian Maltais, Cyril Assathiany, François Pedneault, Jacqueline van de Geer, Lucas Jolly, Marc-André Goulet, Maya Kuroki, Patrice St-Amour, Steeve Dumais, Tomomi Morimoto.

Avec la participation spéciale de Jose Luis Torres, Jennifer-Aniki Arnold, Jessica Blanchet, Julie Vachon, Dare Dare, et les citoyens du quartier.

*La création des projets Chevreuil et 30 Screen test a eu lieu durant les Ateliers Labyrinthe artistique dans le cadre du Programme montréalais d’action culturelle.

-----------------------------

Grande journée affluente

samedi 12 juin de 12 h à 19 h
Activités artistiques interdisciplinaires pour toute la famille,
ateliers de création, exposition, installations artistiques, musique, performances,
ballades et contemplations
Text 2
place Dufresne et cour arrière du Touski,
2361 rue Ontario est

BALLADES ET COMTEMPLATIONS - 12h à 17h00

Pando – Le Vélotaure (Vincent Fournier-Boisvert et Mathieu Gaudreault) : le public est invité à chevaucher le Vélotaure, un monstre roulant, armée de crécelles, klaxons, flûtes et autre source de frottement…
Déambulation spéculaire (Gentiane Barbin) : trois harnais munis de miroirs sont mis à votre disposition pour vivre une expérience de déambulation céleste.
Inclusion Tactile (Audiotopie) : un trajet exploratoire, visuel, sonore et tactile invitant le marcheur à suivre des indices à l'aide d'un audio-vidéo guide mobile. Avec : Yannick Guéguen, Edith Normandeau, Etienne Legast, David Martin, Elise Hardy, Luke Williams.
Le Kit de survie (Sylvie Cotton et Martin Dufrasne): empruntez et explorez ce petit kit de manifestation…

ZONE INTERRACTIVE DANS LE JARDIN DU TOUSKI - 12h à 17h00

Dreaming Zone (Gabriel B. Tétreault et Antoine Joie): usine à rêves, zone de vide à remplir, réflexion active...
Le jardin des géants et autres fictions potagères (Marie Giro) : cette création se mettra en œuvre avec la participation de petits et grands peintres-jardiniers / en collaboration avec l’Association des familles du Centre-Sud.
Le Chromolabyrinthe (Patrick Lamoureux et Bobbie Bruno): labyrinthe, pinceaux et couleurs / Tandem Ville-Marie & Nos parcs Nos Ruelles.
No 7. Le Grand Vortex (membres et amis du Touski) : exposition interactive dans la vaste cour du Touski.
Vente d’objets d’arts de la Coop Lézart : avec Georges Audet et Jean Pierre Lacroix.

INSTALLATIONS & INFILTRATIONS INATENDUES - 12h à 17h00

INSTALLATIONS
Tunnel-tutoriel (Maggy Flynn, Phillippe Cool et Marilo Blouin-Beaudoin): un tunnel qui vise à entrainer les passants à mener une vie plus productive et plus adaptée au monde contemporain.
Relaxation cabinet (Irene Lepiesza) : expérience immersive et privée dans un isoloir au milieu de la rue.
Ruelle verte nomade (Marie Lapointe et Roxanne L'Écuyer) : psychanalyse environnementale et limonade bio avec l’Éco-quartier Sainte-Marie.

KERMESSE
La machine à orgueil et Y a t’il un docteur dans la salle? (Création de Caro Caron et Éric Saindon) : jeux animés par Catherine Cédilot et Élise Deguire.

MUET (François Pednault) : déambulation : «Au milieu de la fumée, une silhouette titube, l'air égarée... »

VOLET#1 : CHASSE AU TRÉSOR URBAINE (Productions Arreuh, Céline Jantet, Léna Massiani) : à trouver, six trésors de danse, de conte, de poésie, et bien d’autres…
Conte : Raynald Barbarie, Élisabeth Desjardins, Andrée Dufort, André Morin, Anik April
Danse : Monica Coquoz, Irène Galesso, Catherine Larocque, Chantal Hausler, Katya Montaignac, Anouk Thériault et Mary Williamson
Poésie : Productions Arreuh, Mayra Bruneau Da Costa, Annick Chauvette, Catherine Cormier-Larose, Sébastien Dulude, Rose Éliceiry, Émilie Hamel, Jonathan Lamy, Yan St-Onge

VOLET#2 : PIRATAGE URBAIN (Productions Arreuh, Céline Jantet, Léna Massiani) : la façade sud de la place Dufresne est assiégée par des performances de conte, de danse et de poésie.
Conte : Marie-Pier Fournier, Céline Jantet et Nicolas Rochette
Danse & conte : voir équipe du volet #1
SPECTACLES ET MUSIQUE - 12h à 19h00

Squall(Bourask) : extraits chorégraphiques du spectacle de gumboot / Avec Méralie Murray- Hall, Karine Pion, Valérie Michaud et Alice Comtois-Hubert.
Ici-bas(Pirata théâtre et Coup de pouce) : extrait du spectacle rassemblant résidentes du quartier et actrices professionnelles; Ici-bas est un clin d’oeil dans l’imaginaire des gens du faubourg.
Les Triplettes de l'Enigme (Les Walkyries) : échasses, fouet et prouesses organiques / Avec Eliane Bonin, Charlyne Guay et Isabelle Michon-Campbell.
Les Kraas (Toxique Trottoir) : les Kraas investissent le territoire urbain / Avec Marie-Hélène Côté, Muriel de Zangroniz et Dominique Marier.
Ticket pour le bout du Monde (Le théâtre des Boules) : théâtre de marionnettes pour toute la famille / Avec Geneviève Paquette, Marie Raphoz , Nicole Villiger, Yan Abud, Lucie Larin, Marc-André Lefèvre, Nicolas Roy et Antoine Lafortune.

MUSIQUE avec Lévy Bourdonnais (harmonica), GISELLE NUMBA ONE, et Le duo Pando.

À 17 :00
BBQ MUSICAL & TRÈS COMESTIBLE
AVEC LA FANFARE POUR POUR

Poursuivant leur quête de la beauté, la fanfare Pourpour, ce formidable orchestre à voyager dans le temps, nous invite à découvrir les musiques de son 4e album, DANSE DES BRELOQUES. Une musique audacieuse et pleine de vie, aux sonorités colorées de lyrisme, de romantisme et de tendresse!
Un collectif dans toute sa beauté, dans toute sa splendeur! Une invitation à la danse!
---------------------------------

Confluence nocturne :
où tout s’écoule vers la nuit et tout ce qui en découle

Samedi 12 juin à 22h
Au Chat des artistes, 2205, rue Parthenais

Parce que la performance est une forme d’art qui suscite encore plusieurs interrogations et surtout parce qu’elle n’obéit qu’à ses propres codes, Danny Gaudreaut a voulu qu’un espace-temps lui soit réservé lors de cette 3e édition de L’Écho d’un fleuve. Au terme du parcours Dédale et Fiction, CONFLUENCE NOCTURNE : où tout s’écoule vers la nuit et tout ce qui en découle sera l’occasion d’entrer en contact avec le travail de cinq artistes, invités à réfléchir au rapport qu’ils entretiennent avec la nuit qu’ils habitent et/ou la nuit qui les habite. Car entrer dans la nuit c’est revenir à l’indéterminé…

SHAYO DETCHEMA, Symptôme #1
WHITNEY LAFLEUR, Le régime de Gazelle
MICHELLE RHÉAUME, Sommeil clinique no 1 : Terre[heure] nocturne
FRED SAVARD, Go away but stay with me / performance sonore
SYLVIE TOURANGEAU, Y’a-tu du courant ici?

LES PROJETS SPÉCIAUX @ ARTICULE PRÉSENTENT: Transmissions transgressives

noreply@blogger.com (Contact) — Mon, 31 May 2010 05:17:00 +0000

Voici le communiqué complet:

LES PROJETS SPÉCIAUX @ ARTICULE PRÉSENTENT:

Transmissions transgressives

Performances : le vendredi 4 juin à 19h

Atelier : le samedi 5 juin 13h - 18h (inscriptions limitées)

Projection : le samedi à 20h30 (la projection débute au crépuscule)
Brunch et conversation : le dimanche 6 juin à 12h (la discussion débute à 13h)

Tous les événements sont gratuits !

Ce projet, commissarié par les « Projets Spéciaux » d'articule, explore diverses méthodes interreliées d'occuper trois types d'espace public 1 : l'intérieur de la galerie, 2 : l'extérieur de cette dernière et enfin, 3 : les ondes radio AM ou FM. Pendant trois jours, ces trois espaces seront investis par des artistes qui travailleront le thème « Transmissions transgressives » à travers des pratiques expérimentales remettant en question les formes, méthodes et conventions de la production artistique. Tout au long de la programmation, un émetteur radio FM 1.8 Watt transmettra le son de l'intérieur de la galerie à un public extérieur.

Performances :

Photo: Martha Stiegman

Kasibiagade Anishnabe Madezewiin

Erasing the Indigenous Way of Life

De Emilie Monnet et Norman Matchewan

S'ils persistaient à vous priver de vos terres, de votre langage, de vos cérémonies et de vos droits, ne feriez-vous pas tout en votre pouvoir pour protéger ce qu'il vous reste ? Plutôt qu'être représentée comme une nation défendant de tout son c¦ur les pratiques de ses ancêtres, la communauté algonquine de Barriere Lake s'est vue attribuer un caractère chaotique et perturbé. Elle est identifiée par les médias, le peu de fois qu'elle y apparaît, comme celle qui a, encore une fois, bloqué l'autoroute. Peu savent que cette communauté lutte continuellement pour sauver l'onakinawekin, leur forme ancestrale et sacrée de gouvernance.

Par le biais d'une « rez-mobile » guérilla, cette performance résidente et participative explorera la manière dont le traitement médiatique des histoires de Barriere Lake informe notre compréhension de la situation et influence notre volonté d'agir face aux violations des droits humains. De l'humour, des entrevues en direct et un cercle d'histoires.

Née d'une mère Anishinabe de Kitigan Zibi et d'un père Français, Emilie Monnet est diplômée du programme de théâtre offert par la Native theatre company Ondinnok (en collaboration avec la National School of Theatre of Canada). Avant d'être artiste professionnelle, Emilie a travaillé pendant de nombreuses années avec des organisations autochtones au Canada et en Amérique latine à créer des ponts entre les peuples autochtones à travers le monde. Elle croit fermement que les arts performatifs sont des véhicules pour le rétablissement et la transformation sociale.

Norman Matchewan est porte-parole de la communauté de Barriere Lake. Il travaille activement à mettre de la pression sur les gouvernements canadiens et québécois pour qu'ils respectent le 1991 Trilateral Agreement, le système de gouvernance traditionnel des Algonquins de Barriere Lake ainsi que leur procédure pour sélectionner un Customary Chief et un Conseil.

photo: Diana Shearwood

FREEDOM HIGHWAY

De Emmanuel Madan

FREEDOM HIGHWAY est un projet portant sur les médias et le discours public américain. Entre 9/11 et le début de la guerre en Iraq, j'ai fait de nombreux voyages en voiture à travers les États-Unis. J'ai brûlé des millions de kilomètres de gaz américain bas de gamme, surveillant le paysage « monoforme » inscrit sur la masse de terre américaine par le système d'autoroutes interétats. Seul dans mon auto, j'ai partagé la route avec les camionneurs, les policiers, les travailleurs de la banlieue et les familles en vacances. Sans destination particulière en tête, mon but était d'écouter et d'enregistrer la programmation des radios-causeries.

L'¦uvre est centrée sur une narration à multiples voix composée d'une centaine de locuteurs d'environ vingt états : animateurs de droite, prédicateurs, provocateurs et commentateurs de sport, ainsi que leurs invités et ceux qui leur téléphonaient. Les interférences sonores et le brouillage sont également utilisés tout au long de la pièce afin de créer des espaces à l'extérieur de ceux (studios de radio et lignes téléphoniques) implicites dans la programmation. L'enregistrement résultant est ensuite assemblé pour composer une performance sonore, un autoportrait de l'Amérique profondément troublant, défini par les animateurs de radio politique et religieuse et intercepté par un auditeur qui n'est pas ciblé par ces émissions.

www.freedomhighway.org

Emmanuel Madan est compositeur, artiste sonore et commissaire domicilié à Montréal. Il a étudié la composition électroacoustique dans les années 90 sous la direction de Francis Dhomont. Il a ensuite consacré cinq ans à travailler dans la diffusion de radio communautaire en tant qu'ingénieur, journaliste et producteur. Depuis 1998, Madan se concentre sur une collaboration artistique avec l'architecte Thomas McIntosh, un projet connu sous le nom [The User]. Sa pratique individuelle est centrée sur la radio et la transmission artistique ainsi qu'une collaboration avec l'artiste Anna Friz.

photo: Idra Labri

inoutinituoni

DE Hélène Prévost

7 Radios
bande AM
syntonisation dans les interstices
poussière
micro
macro
vieille technologie
air time
c(r)lash

inandoutandinandout

Hélène Prévost est artiste sonore, musicienne et réalisatrice radio, adepte du field recording, du montage et du (re)mixage. Son instrument est un croisement entre le studio de radio et un laboratoire de confrontations sonores et électriques. De 1978 à 2007 elle se consacre à l'enregistrement et à la diffusion des musiques expérimentales et exploratoires à Radio-Canada.

Workshop

Crystals, Cat Whiskers and Amplitude Modulation: DIY Radio for the Survivors

Avec Darsha Hewitt

Inscriptions limitées, pour réserver votre place: info@articule.org
Aucune expérience requise

Instructrice bilingue

Vous vous inquiétez que votre dépendance aux ordinateurs pour réfléchir et travailler affaiblisse votre ingénuité technologique et diminue vos chances de survivre à une apocalypse? N'ayez crainte ! - Crystals, Cat Whiskers and Amplitude Modulation aiguisera vos compétences en bricolage et vous équipera avec les bidules de communications essentiels pour survivre aux catastrophes imminentes.

Cet atelier participatif vous apprendra à construire des récepteurs radio-électroniques pour que vous puissiez suivre le chaos qui se déroule sur les ondes et un « narrow-cast » émetteur pour que vous et vos voisins puissiez comploter contre tous zombies, cannibales, seigneurs de la guerre, etc.

Les radios artisanales construites lors de Crystals, Cat Whiskers and Amplitude Modulation se basent sur les technologies développées au début de 1920 par les chercheurs travaillant avec les récepteurs à cristal. L'atelier vous préparera à l'inconfort de la dystopie en introduisant :

- La théorie élémentaire de la radio
- Les outils et les concepts électroniques de base
- L'interception des émissions de radio
- La compréhension schématique
- Les techniques de soudage

- Comment se débrouiller avec des trombones, lames de rasoir rouillées, rouleaux de papier de toilette et cintres, advenant la disparition de tout équipement de télécommunication sophistiqué.
- La résolution, sous pression, de problèmes de circuits électroniques

Apportez de l'audio que vous désirez diffuser et, si vous en avez une, une radio cassée.

Projection

Au crépuscule, Manon Barbeau et Guy Gendron proposent une programmation de courts-métrages produits par Wapikonimobile, un studio ambulant de création vidéo et musicale destiné aux jeunes des communautés autochtones. Projetées sur la vitrine, les ¦uvres pourront être visionnées de l'extérieur ou de l'intérieur de la galerie. Apportez vos radios, le son sera diffusé par l'émetteur FM !

Programmation :

Innu Aimun De Spencer Saint-Onge et Carle Grégoire

Wabak De Kevin Papati et Gilles Penosway

J'ai vu la mer De Claudie Ottawa

Tektonik De Louis Philippe Moar

Ne le dis pas De Jannie Bellefleur

Street De Paul Rivet (Une initiative Vidéo Paradiso et Wapikonimobile)

L'amendement De Kevin Papati

Territoire des ondes De Patrick Boivin

Brunch et conversation

Les artistes et le public sont invités à s'attabler pour mener une conversation sur la thématique de transmissions transgressives, abordant le rôle de la radio dans les arts actuels, la culture « DIY » et l'activisme. Un brunch de fruits frais et de crêpes sera servi gratuitement. La discussion sera enregistrée et rendue publique sur le site Internet d'articule.