Marvel por Charly

El Diablo está en los detalles. La Cosa de John Byrne y Ron Wilson

2025-03-14T09:13:00.012+01:00

Corría el año 2007 cuando decidí darme una vuelta con mi padre por el Rastro de Plaza de Castilla con la esperanza de que algún cómic cayera en mis manos en esa mañana soleada de domingo. De repente en un puestecillo apareció un tebeo Forum de La Cosa, con una portada, ejem, florida.

No os voy a engañar, en ese momento no sabía que estaba dibujada por el gran John Byrne. Bastante tenía con intentar adivinar cómo el sobrino favorito de la Tía Petunia acabó con colección propia. ¡Y encima poco después sería sustituido por Hulka en Los 4F tras lo ocurrido en las primeras Secret Wars! Pero era otra cosa (nunca mejor dicho) la que me llamaba la atención: el bueno de Benjamin Grimm aparecía en el corner box con una peluca y las manos llenas de flores. (?)

No tenía ningún sentido esa imagen. Por aquel entonces imaginé que era alguna broma de la persona que llevaba el puesto, o de algún lector previo que había dibujado por encima víctima del aburrimiento. Pasaron algunos meses hasta que pude encontrar más números de aquella serie de La Cosa y... ya había perdido ese aspecto tan peculiar. Volvía a tener menos pelo que una sepia.

Tuvieron que pasar dieciséis años para que, preguntando por ello en el chat de los compays del podcast Spiderman: Crónicas del Daily Bugle, Julián de Es La Hora de Las Tortas me descubriera que esta rareza fue consecuencia del Mes de los Editores Asistentes de 1984 en Marvel. Tradición anual en la que por un mes se les dejaba campar a sus anchas para que hicieran guiños en las cabeceras que supervisaban.

Ann Nocenti, que era la editora asistente de esta cabecera y de otras (The New Defenders, The Incredible Hulk o Marvel Fanfare), optó por trastear con las cornerbox poniéndose además a ella misma en el cuerpo de El Ángel o de Hulk en sus respectivas series.

No puedo dejar pasar la oportunidad de nombrar otras creaciones del experimento: la dupla Franklin Richards-Tía May uniéndose para enfrentarse a Galactus en Marvel Team-Up o una de las historias más recordadas (y publicadas) del trepamuros: El niño que coleccionaba Spiderman, del Amazing Spider-Man #248.

Bien, amigos. Con esto se cierra el misterio de La Cosa con pelazo en un cómic publicado en España en agosto de 1989, mes de mi nacimiento. ¿Cómo no iba a dedicarle una entrada en mi blog?

Reseñas Breves: Marvel en 2024

2024-07-24T17:34:00.011+02:00

Después de mucho tiempo, quizás demasiado, asomo la cabeza por aquí para poner en negro sobre blanco algunas impresiones que me han dejado las últimas lecturas de Marvel en este año 2024. ¡Vamos a ello!

Los Vengadores: Operación Tormenta Galáctica

En una época en la que Spiderman y todo el universo mutante acaparaban los focos, Bob Harras se embarcó en un intenso crossover que discurría entre nada menos que siete colecciones, cada una con su equipo creativo. Y la apuesta le salió ganadora. Con un inicio prometedor y un nudo bastante pesado y difícil de digerir, el evento aporta en sus últimos números un frenesí de acción y momentos resultones. Y el final, ¡ese final! Marcó a toda una generación y sus consecuencias todavía resonarían durante la siguiente década. No en vano es un antecedente claro de Civil War.

Un tebeo palomitero que hará las delicias de los pijameros irredentos.

MARVEL HÉROES: LOS VENGADORES: OPERACIÓN TORMENTA GALÁCTICA

Editorial original: Captain America #398-401, Avengers West Coast #80-82, Quasar #32-34, Wonder Man #7-9, The Avengers #345-347, Iron Man #278 y #279, The Mighty Thor #445 y #446. Marvel 1992
Edición actual en España: Panini Comics. Tomo Cartoné. Color. 504 páginas. 47 €
Página web: Panini Comics

Hulka

Una de las sensaciones de la Casa de las Ideas actual. En la que podríamos considerar más disfrutables las series periféricas que las que están metidas en el meollo editorial. En este caso Rainbow Rowell logra divertir e, incluso, emocionar recuperando con acierto personajes y recursos de etapas pasadas (sobre todo las de John Byrne y Dan Slott).

Únicamente dos pegas: que el baile de dibujantes (Rogê Antônio, Luca Maresca, Takeshi Miyazawa, Andrés Genolet y Joe Quinones) repercute negativamente en la estabilidad de la cabecera y que los números se devoran excesivamente rápido por los diálogos cortos y reducidos. Quizás por esta razón en grapa no haya llamado tanto la atención en EEUU y esté algo infravalorada. Lo que es entendible pero, al mismo tiempo, injusto para el conjunto de la obra. Dadle un tiento, os encantará.

HULKA #01-03

Editorial original: She-Hulk #1-15 Marvel 2022-2023
Edición actual en España: Panini Comics. Tomos Tapa Blanda. Color. De 120 a 128 páginas cada uno. De 14 a 16,50 € c/u
Página web: Panini Comics

Doctor Extraño: Amanecer de Otoño

Aunque ya había recibido encargos para Motorista Fantasma y Spiderman, Tradd Moore nos conquistó a todos con las grapas de Estela Plateada Negro, ahora reeditadas en Marvel Now Deluxe, pudiendo haber elegido otros formatos. Para su nuevo trabajo como guionista y dibujante, Doctor Strange: Fall Sunrise, Panini sí que ha acertado con un formato más idóneo (Grandes Tesoros Marvel, 23,40 x 33 cm) para gozar aún más de la psicodelia del autor. Apoyado por los colores de Heather Moore, nos muestra un mundo fantástico alejado de la continuidad y de la zona de confort de Stephen, lo que ayuda para captar posibles nuevos lectores. Una recomendación: tomar biodramina o equivalente para el viaje sensorial en el que nos sumerge Tradd.

En comparación directa con su predecesora, esta obra no es tan redonda y trascendental, pero su arte disruptivo con homenajes a Ditko y aires de P. Craig Russell y Kevin Nowlan bien merece hacerse con el tebeo del Hechicero Supremo.

GRANDES TESOROS MARVEL: DOCTOR EXTRAÑO: AMANECER DE OTOÑO

Editorial original: Doctor Strange: Fall Sunrise #1-4. Marvel 2022-2023

Edición actual en España: Panini Comics. Tomo Rústica. Color. 136 páginas. 25 €

Página web: Panini Comics

Control de Daños

Efectivamente, otro tebeo nocillero que ha salido recientemente en la línea de los Operación Tormenta Galáctica o los Vengadores Costa Oeste (el cual estoy leyendo actualmente). Pero éste es un proyecto especial, en el que solamente la premisa ya hace sonreír: ¿Quién se encarga de limpiar los destrozos causados por los superhéroes? El guionista Dwayne McDuffie responde a la pregunta con bastante ingenio como si de una sit-com se tratara, apoyado en los dibujos por Ernie Colon, Kyle Baker y Salva Espín. Unas veces rayando más la parodia y otras más el absurdo, el resultado final es notable. Como dijo el amigo Jesús del grupo de Telegram de CDB: "Sin ser una maravilla, qué maravilla".

Como apunte, un pequeño tirón de orejas a Panini. Aparte de por los ya acostumbrados precios desorbitados, por titular al tomo "La Colección Completa" para después dejar fuera de él la miniserie de 2022, todavía inédita en España. A mí que me lo expliquen.

MARVEL HÉROES: CONTROL DE DAÑOS: LA COLECCIÓN COMPLETA

Editorial original: Damage Control #1-4, v2, #1-4, v3, #1-4 y World War Hulk: Aftersmash: Damage Control #1-3. Marvel 1989-2008

Edición actual en España: Panini Comics. Tomo Cartoné. Color. 400 páginas. 42 €

Página web: Panini Comics

Daredevil de Chip Zdarsky (#01-09)

Animado por todas las reseñas positivas que estaba cosechando, me subí al barco de los Marvel Premiere del Daredevil de Chip Zdarsky. Nueve tomos después, y todavía con algunos por delante, se puede confirmar sin hipérboles que es una de las etapas más interesantes del cuernecitos. Algunos podrán echarle en cara que quizás depende demasiado del trabajo de Frank Miller, pero se puede entender como una secuela espiritual o, incluso una actualización. El apartado artístico Marco Checchetto no le tiene mucho que envidiar al autor de Maryland. Al italiano, que ahora está haciendo Ultimate Spiderman con Jonathan Hickman, se le ve suelto y dando grandes momentos de acción y de caracterización de personajes. Se nota que sus autores preferidos ya habían dejado huella en la colección, John Romita Sr y Jr.

¿Estará el desenlace de la historia a la altura de lo anterior? Prevenido estoy de que no es así, pero tendré que descubrirlo por mí mismo.

MARVEL PREMIERE: DAREDEVIL

Editorial original: Daredevil #1-36, Daredevil: Woman without Fear #1-3, Elektra #100, Devil's Reign #1-6 y Devil's Reign: Omega. Marvel 2019-2022

Edición actual en España: Panini Comics. Tomo Rústica. Color. De 120 a 208 páginas. De 12 a 16,50 €

Página web: Panini Comics

Nuevos podcasts: Invasión Secreta, Uniformes de Cómic, Dragon Ball, Series de animación, John Romita Sr y Secret Wars

2023-11-25T12:53:00.002+01:00

¡Qué cantidad de cosas han pasado en estos cuatro meses! En Crónicas del Daily Bugle nos ha dado tiempo a hablar de un montón de temas, algunos más apasionantes que otros. ¡Saca la carta y elige el plato que más te apetezca!

Como entrante tenemos una charla distendida sobre Invasión Secreta. Protagonizada por Samuel L. Jackson, la penúltima serie de Disney+ dejó a todo el mundo indiferente, y eso que desde sus anuncios publicitarios prometían lo contrario. ¿Algún día volverá el Universo Cinematográfico Marvel a tener el brillo de antaño? En el siguiente podcast que hagamos sobre la segunda temporada de Loki sabremos la respuesta... o no.

También podemos ofrecer un pequeño "menú degustación" reseñando las películas de 2015 y 2016: Ant-Man, Batman v Superman, Los Cuatro Fantásticos y El Escuadrón Suicida a través de los uniformes de sus protagonistas. Héroes, antihéroes, villanos y madres que se llaman Martha. Más variedad, imposible.

Fuera de carta tenemos una delicatessen importada de los lejanos territorios de Japón. ¿Sushi? No, Dragon Ball. La primera parte, grabada en Cádiz, trata sobre el archiconocido manga de Akira Toriyama que nos volvió locos durante nuestra adolescencia. Para el segundo volumen nos dedicamos más al anime y a los videojuegos. Kame-hame-ha!

En el menú tradicional, como primero tenemos una amigable charla sobre un montón de series de animación de los 80-90. ¿Son series de calidad o la nostalgia tiene mucho más poder de lo que pensábamos?

Continuando, contamos con un plato agridulce. Ya que por fin hicimos el homenaje a John Romita Sr, recientemente fallecido. "Padre adoptivo" de Spiderman y creador de multitud de personajes e historias del Universo Marvel, una auténtica leyenda que se merecía esta despedida. Descanse en paz.

Como colofón, un postre para dejar gusto dulce en paladar: Secret Wars. La original, la de los 80, la que es puro tebeo. Un podcast que se ha hecho mil veces en otros lados, pero aunque sea una obra algo infantil y superficial, siempre tiene algo nuevo que ofrecer. ¿Lo descubres con nosotros?

Nuevos podcasts: Indiana Jones 5, Flash, IA, Arkham Asylum, All-Star Superman y Ronson

2023-08-02T19:38:00.003+02:00

Aprovecho el parón de las vacaciones de verano para hacer un repasito a las participaciones que he ido haciendo en los podcasts de los amigos de Crónicas del Daily Bugle y de Cuentos en la Arena. Este último es un podcast dirigido y organizado por Deborah Villahoz que en realidad es un club de lectura. ¡2 por 1!

Los muchachos de CDB hicimos un programa doble para comentar Indiana Jones 5 y Flash. Spoiler: me gustaron las dos, superando mis expectativas especialmente esta última.

También dejé mis impresiones sobre Inteligencia Artificial, dentro de mis (limitados) conocimientos. La pregunta no es si nos comerán las máquinas, sino cuándo.

Ahora pasamos al podcast-club de lectura de Cuentos en la Arena, cuyo nombre homenajea a Sandman, la famosa y trascendental creación de Neil Gaiman. Tras comentar los numerosos tomos de dicha obra, dieron paso a otras obras más cortas y heterodoxas y fue el momento idóneo para subirme a bordo. Primero Arkham Asylum (ECC), de Grant Morrison y Dave McKean:

Después llegaría otra obra del genial guionista escocés, All-Star Superman (ECC), esta vez con dibujo de su compatriota Frank Quitely. Un tebeo que rezuma calidad por los poros al que le tengo mucho cariño ya que fue de las primeras obras que leí del Hombre de Acero.

Para rematar: obra patria. El autor César Sebastián ha sorprendido a propios a extraños con Ronson para Autsaider Cómics, su primera incursión en el cómic recomendada para lectores que quieren rememorar de dónde venimos para saber a dónde vamos. ¡Desenfunda, vaquero!

Nuevo podcast: Crónicas del Daily Bugle - Spider-Man: Cruzando el Multiverso

2023-06-21T11:55:00.005+02:00

Salgo de mi letargo autoimpuesto para dejar aquí los linkitos de mi primera participación en el podcast de los amigos de Crónicas del Daily Bugle.

En esta ocasión comentando nuestras impresiones sobre la última película superheroica de Sony: Spider-Man: Cruzando el Multiverso. Un festival de creatividad y delirio visual con más easter eggs de los que podemos contar y recordar.

Aquí tenéis el enlace a Ivoox si quieres pasar un rato ameno (abre en pestaña nueva):

¡Hasta la próxima, si Miguel O'Hara quiere!

El Diablo está en los detalles. Nuevos Vengadores de Brian M. Bendis y David Finch

2022-07-25T14:45:00.003+02:00

Como hablaba recientemente con Dani de Atom Cómics, los años centrales de la década de los 2000 fueron apasionantes para aquellos que nos adentrábamos en el mundo de los cómics pijameros. La época del "Continuará...".

Cada mes Marvel y DC se repartían indistintamente los primeros puestos de los cómics más vendidos auspiciados por la revista Wizard y los medios digitales (Newsarama, CBR...). Causado por un crescendo competitivo, el hype crecía exponencialmente con cada nueva propuesta de los mandamases Joe Quesada y Dan DiDio. Una de aquellas apuestas en la Casa de las Ideas fue dar las riendas de Los Vengadores a Brian Michael Bendis, el cual había alcanzado grandes cotas de popularidad con Ultimate Spiderman, Daredevil y Alias. A tenor de los sobresalientes informes de ventas correspondientes, decisión más que acertada.

Lo que no esperábamos en aquel entonces es que en Vengadores Desunidos Bendis manejara la continuidad a su antojo para acabar de forma cruel y precipitada con uno de los equipos más queridos del universo Marvel. Para los seguidores de las etapas de Kurt Busiek (y de Geoff Johns en menor medida) el trato a la Bruja Escarlata y sus víctimas resultó todo un jarro de agua fría. Una vez consumada la voladura del tercer volumen, de ahí en adelante sólo se podía ir a mejor. Tocaba construir.

Y en esas llegaron en enero de 2006 (enero de 2005 en la edición estadounidense) los flamantes Nuevos Vengadores con el mismo equipo creativo en el primer arco, con el no menos explosivo David Finch al dibujo. Las múltiples filtraciones habían ido adelantando el trabajo y ya sabíamos de sobra los integrantes del nuevo equipo: Spiderman, Capitán América, Spiderwoman, Iron Man, Luke Cage, Lobezno, el Vigía y Ronin, estos dos últimos uniéndose en entregas posteriores. Podría haberse truncado en un fracaso estrepitoso, pero de alguna manera esta particular Liga de la Justicia marvelita consiguió mantenernos enganchados grapa a grapa a las alambicadas tramas que erigía el bueno de Bendis.

Alambicadas por no decir completamente improvisadas. Con una pléyade de personajes en la sombra (cuando no directamente fuera de campo) que, una vez releídos los primeros números, dejan patente que ni siquiera los autores sabían a dónde se encaminaba el argumento ni cómo conectar de forma conveniente todos los cabos sueltos. Algunos dirán: "¿Y qué más da? ¿Acaso no era el camino lo más importante del viaje?" Y no quedará más remedio que darles la razón.

Por delante tendríamos un sinsentido compuesto de mujeres en armaduras de hombre, facciones rebeldes de SHIELD, espías agentes triple, Skrulls y tres crossovers que cada año pondrían patas arriba no sólo a la colección sino a toda la editorial: Dinastía de M, Civil War e Invasión Secreta. Las tres, con Bendis y sus Vengadores en el epicentro de la acción vertiginosa. Una época en la que, a golpe de "Continuará..." era mejor escuchar al corazón y no a la cabeza. Nuestra época.

El Diablo está en los detalles. Viuda Negra de Kelly Thompson y Elena Casagrande

2022-04-24T19:59:00.001+02:00

A principios de mes saltó la triste e inesperada noticia: Marvel Comics cancelaba la serie de la Viuda Negra con guiones de Kelly Thompson y dibujos, entre otros, de Elena Casagrande.

Los lectores conocíamos por boca de la propia guionista estadounidense en su blog que el número 15 iba a ser el último: "Este ES el número final... por ahora. Lamento que no haya podido hablar de esto antes aunque muchos de vosotros me fuerais preguntando. Además me ha dolido profundamente pasar por alto esas preguntas, en especial porque quiero mucho a esta colección (tal vez mi favorita de las que he hecho en Marvel). Pero hay muchas cosas que suceden entre bastidores y no siempre se puede hablar de ello públicamente. Para ser honesta, todavía no puedo hablar tanto como me gustaría, pero lo que puedo decir es... HAY PLANES para seguir un poco más la historia con este equipo creativo. Este asunto aún se está discutiendo, pero soy optimista de que se solucionará Y valdrá la pena la espera".

Sin conocer los motivos, llama la atención que Marvel decida cancelar la cabecera menos de un año después de recibir el galardón de "Mejor serie nueva" en los prestigiosos Premios Eisner. Sobre todo porque éste resultaba un equipo creativo imbatible al que se unían los espectaculares colores de la irlandesa Jordie Bellaire. Con el espectacular arte de Casagrande, sobrada en dinamismo y control del medio del cómic, vemos referencias a multitud de autores como Miller ó Quitely sin que por ello pierda su estilo propio. Viñetas y páginas dobles ambientadas en San Francisco llenas de patadas y picaduras de araña en una historia desgarradora que lleva la personalidad de Natasha Romanoff al límite.

En España, Panini ya ha publicado dos tomos en su formato barato de tapa blanda (13 € cada unidad) y actualmente estamos a la espera del tercero, a la venta a finales de junio. Lo reconozco, es posible que la abrupta cancelación disuada a muchos lectores de comprar o terminar esta colección. Los detalles con los que salpico este post deberían convencerles de lo contrario, aunque solo sea por el magistral uso del espacio de la artista italiana.

Evidentemente quedan en el aire muchas preguntas por responder: ¿la causa del nuevo cierre de este octavo volumen serán unas malas ventas incluso con el empujón del Premio Eisner? ¿Estará el editor jefe C. B. Cebulski buscando otros planes a la famosa Vengadora y trasladará su arco a otra serie? Y la última: tras la anterior cancelación de los Vengadores Costa Oeste, ¿Thompson no sabe adaptarse a Marvel o es más bien Marvel la que no sabe adaptarse a Thompson?

Mientras esperamos que en la Casa de las Ideas no dejen escapar el apabullante talento de estas autoras, pasamos a unos minutos musicales. Tras el salto suenan Jefferson Airplane, naturales de San Francisco, con su canción White Rabbit. Porque sí, había que colar una mención a Yelena Belova, la Viuda Blanca.

El Diablo está en los detalles. Daredevil de Mark Waid y Marcos Martín

2022-03-21T23:12:00.006+01:00

Había que subirse al tren. Había que aprovechar la reedición de Panini en el sello Marvel Saga del Daredevil de Mark Waid, Paolo Rivera y Marcos Martín. Tiempo atrás quedaron las viñetas en las que Matt Murdock sonreía a una vida que le iba más o menos bien. Aquel fue el cuernecitos con el que crecí gracias a la Biblioteca Marvel de la Línea Excelsior de Fórum. Una edición en blanco y negro para un personaje que rezumaba alegría y color. Un justiciero adulto que todavía no se había adentrado en la oscuridad a la que le sometería Frank Miller en los años 80.

Son precisamente las etapas más livianas de Roy Thomas, Gerry Conway, Wally Wood o Gene Colan las que Waid toma como referencia en un giro novedoso y astuto. El éxito de crítica y público del Born Again de Miller había provocado que nuestro abogado favorito se convirtiera periódicamente en el punching ball de todo aquel guionista que pululase por la Casa de las Ideas dispuesto a descuartizar a Murdock en pos de reinventarlo una y otra vez cual Prometeo encadenado. El héroe de la Cocina del Infierno se merecía una tregua.

Y qué mejor elección de dibujantes para un Daredevil risueño y marcadamente pulp que el estadounidense Paolo Rivera y el español Marcos Martín. Ambos con un estilo que aúna ecos de la Silver Age con una narrativa ingeniosa. Vuelve la musicalidad. Vuelve el estilo cool. Por supuesto que Matt escucha Chet Baker en su apartamento (Daredevil vol3 #5 USA)... ¿Cómo no iba a hacerlo?

Un primer tomo, en definitiva, que se degusta como se degustan las notas melódicas y tranquilas de Baker. El invierno queda atrás y estrenamos la primavera, ¡celebrémoslo con una rara canción a capella del trompetista tras el salto!

El Diablo está en los detalles. Caballero Luna de Moench y Sienkiewicz (y II)

2022-03-06T22:31:00.006+01:00

Qué malo es el ego cuando se mete por medio en decisiones editoriales. Sobre todo cuando nos impide contemplar cómo hubieran continuado ciertos personajes e historias bajo los designios de sus autores. Porque no por sabida deja de ser sorprendente la forma en la que Bill Sienkiewicz primero, y Doug Moench después, abandonan la colección del Caballero Luna en particular y Marvel en general.

Recapitulemos: en 1982 el editor en jefe Jim Shooter quería llevar a cabo un "Big Bang" con el que matar a las principales figuras de la editorial y sustituirlas con versiones modernizadas de los mismos; idea que se acabó llevando a cabo unos años después, aunque de manera menos traumática. Algunos guionistas del Bullpen marvelita se erigieron en armas contra Shooter por tener que liquidar fulminantemente a sus personajes, siendo Moench el más beligerante al escribir Thor, Shang-Chi y el Caballero Luna.

Ante la imposibilidad de que los editores adjuntos Ralph Macchio y Mark Gruenwald convencieran a Shooter, el guionista decidió abandonar Marvel tras ocho años de trabajo impecable. No fue el único, ya que cuando Sienkiewicz se enteró, siguió los pasos de Moench. Aunque el dibujante volvería a la compañía antes que su compañero, ya que al año siguiente se encargaría de los lápices de los Nuevos Mutantes, relevando a Sal Buscema.

La serie se quedaba así huérfana de este tándem insustituible. Durante páginas y páginas el lector era testigo de la evolución de uno a los guiones y el otro al dibujo, apuntalando, no sin titubeos, el contexto complejo del vigilante. Porque sí, el Caballero Luna es mucho más que "el Batman de Marvel" como suele reducirse al absurdo.

Sienkiewicz se despediría de la serie (Moench lo postergaría tres números más) en la que pulió su estilo personal de una manera maravillosa: cerrando la trama de Jack Russell, aka el Hombre Lobo, con dos páginas de esas que permanecen en la retina largo tiempo. Pura ambrosía.

El Diablo está en los detalles. Caballero Luna de Moench y Sienkiewicz

2022-02-06T11:52:00.003+01:00

Una vez terminado el espectacular primer volumen del Marvel Héroes del Caballero Luna con guiones de Doug Moench y arte de Bill Sienkiewicz, no podía dejar pasar la ocasión de dedicarle un post. Recomendable saga que, por cierto, volverá a editarse a partir de la semana que viene en formato Biblioteca, más económico y manejable.

Tras haberse recuperado de una crisis psicológica y de un encuentro fortuito con Daredevil, Marc Spector (o Steven Grant o Jake Lockley o cualquiera de sus otras identidades) se dispone a disfrutar de una noche libre junto con su "compañera" Marlene. Siendo ésta la que toma la iniciativa sentándose en el piano de la opulenta mansión en la que residen. Sin previo aviso, la melancolía se abre paso y acaba tocando "In my life" de Los Beatles. John Lennon había sido asesinado a las puertas de su casa meses antes y los ecos todavía resonaban para una generación que se sentía huérfana. "El sueño ha terminado", se lee incluso en una de las cartelas de tal momento emotivo.

A modo de curiosidad, en la edición española de Surco el traductor decidió traducir tanto "In my life" como "Rubber soul". No fue por antojo creativo, ya que en aquel momento todavía se traducían los títulos de las canciones en las caratulas de los LP, o se ponían en ambos idiomas.

Y tras el salto, el vídeo de la canción con su letra para que nosotros también podamos homenajear al genio de Liverpool.

"In my life"

There are places I'll remember

All my life though some have changed

Some forever, not for better

Some have gone and some remain

All these places have their moments

With lovers and friends I still can recall

Some are dead and some are living

In my life I've loved them all

But of all these friends and lovers

There is no one compares with you

And these memories lose their meaning

When I think of love as something new

Though I know I'll never lose affection

For people and things that went before

I know I'll often stop and think about them

In my life I love you more

Though I know I'll never lose affection

For people and things that went before

I know I'll often stop and think about them

In my life I love you more

El Diablo está en los detalles. Spiderman: One More Day

2022-01-30T19:21:00.007+01:00

Comienzo una nueva sección donde solo subiré una viñeta acompañada de un párrafo y una canción con sus respectivas letras. Al costarme tanto escribir de manera periódica, parecer la mejor solución para resaltar cosas que me parecen curiosas de nuestro medio secuencial del cómic. Here we go!

Joe Quesada perpetró una abultada lista de barrabasadas cuando en 2005 decidió "devolver al genio a la botella" disolviendo para siempre mediante "magia" (mefistazo mediante) el matrimonio entre Peter Parker y Mary Jane Watson en la saga Spider-Man: One More Day. Este pacto con el diablo no solo se llevó por delante dicho enlace, sino también la revelación al público de la identidad secreta del trepamuros; dos por uno en retcons. Podremos estar de acuerdo o no en la necesidad de llevar a cabo esa decisión para el personaje a medio/largo plazo. Lo que carece de sentido alguno es que Quesada metiese, dentro de la trama de una Tía May moribunda llena de tensión e incertidumbre, a una enfermera del hospital jugando al solitario en el ordenador. ¿Crítica social? ¿Humor involuntario? ¿Imposibilidad de dejar una pantalla en blanco? Lo desconozco, y prefiero que se quede como tal.

Para intentar calmar los ánimos, ¡tras el salto os ofrezco unos minutos musicales llegados directamente desde 2006!

"Back To The Start"

Back to the start
Back to the start again I go
Back to the start
Back to the start again

And I don't know why
I feel this way
But I couldn't stay here for
ONE MORE DAY

I go back to the start
Before I loose my mind

Mary got the message
It was Monday morning
Five o'clock
Well, she put it in her pocket, yeah
Calling for the boys
But the boys don't stop

I walk into the bedroom
You could say yes
You could say no
I could take it easy
Because you can take me

Back to the start
Lonely day at the railway station
You go to London
You leave me here to test my patience

I don't know why I feel this way
But I couldn't stay here
For ONE MORE DAY

I go back to the start
Before I loose my mind

Back to the, back to the,
Back to the start
Back to the, back to the,
Back to the s-s-s

I don't know why
I feel this way
But I couldn't stay here for
ONE MORE DAY

But I go back to the start
Before I loose my mind

Back to the, back to the,
Back to the... start

Reseñas Breves: Resurrections

2022-01-25T11:23:00.014+01:00

Tomando el nombre a la imperfecta secuela de Matrix, recopilo en este post algunas de las impresiones que me han causado algunas de las lecturas que he disfrutado recientemente. De momento, sólo de lecturas marvelitas aunque me reservo el derecho a lanzar una continuación con lecturas de otras editoriales y mercados.

Unos años peculiares se merecían un repaso peculiar a obras como El Inmortal Hulk, X-Statix, Spiderman: Toda una vida, New X-Men, La Visión, Dinastía de X ó Los Vengadores de Jonathan Hickman.

¡Vamos a ello, y sin spoilers!

El Inmortal Hulk

Apabullante en su primer año de publicación e infatigable en los siguientes, Al Ewing y Joe Bennett (con espectaculares portadas de Alex Ross) consiguen lo que parecía imposible 60 años después de su creación: relanzar a Hulk desde una nueva perspectiva. Una etapa llena de secundarios históricos en la que se combina de manera magistral el tono de terror de la EC con el perpetuo destierro de un Bruce Banner más perdido que nunca.

Si no pudiste hacerte con los primeros números en grapa, corre a por la nueva edición de Panini en el nuevo y económico formato Marvel Premiere. Tapa blanda para una época pétrea.

MARVEL PREMIERE: EL INMORTAL HULK

Editorial original: The Avengers #684 y The Inmortal Hulk #1-5. Marvel 2018
Edición actual en España: Panini Comics. Tomo Tapa Blanda. Color. 136 páginas. 10 €
Página web: Panini Comics

Fuerza-X / X-Statix

Siguiendo el hilo de la primera reseña suya, una cosa parece clara: el grupo mutante que creó Peter Milligan con la inestimable ayuda de Michael y Laura Allred es una de las cabeceras más infravaloradas de la Casa de las Ideas. Nadie como el guionista inglés supo trasladar el culto a la fama y el dinero al mundo repleto de spandex superheroico. Crítica al consumismo marketiniano, personajes corrosivos y una narrativa dinámica son tres pilares para este cómic clave de principios de siglo.

Ojo, que Panini Cómics ha metido en su

Plan Editorial 2022 el primer Omnibus que recopilará toda la saga mientras esperamos el anunciado retorno del equipo creativo en Estados Unidos. Que tiemblen las estanterías muties.

FUERZA-X / X-STATIX. COLECCIÓN EXTRA SUPERHÉROES

Editorial original: X-Force #116-129, X-Statix #1-26, Wolverine / Doop #1 y 2, X-Statix Presents: Dead Girl #1-5, X-Men Unlimited #41, I (Heart) Marvel: My Mutant He. Marvel 2001-2006
Edición actual en España: Panini Comics. Tomos Tapa Blanda. Color. 328, 296, 240 y 296 páginas cada uno. 16,50 y 15 € c/u
Página web: Panini Comics

Spiderman: Toda una Vida

El epílogo en forma de anual dedicado a la figura de J. Jonah Jameson fue la guinda del pastel para una de las mejores historias del trepamuros, autoconclusivas o no. Tal y como ya recogí en su reseña por separado, Chip Zdarsky y Mark Bagley reniegan de reseteos y vueltas a los orígenes y nos presentan una historia sencilla (que no simple) del envejecimiento paulatino de Peter Parker. En una comunión con el lector difícil de conseguir, disfrutamos viñeta a viñeta, década a década, de un personaje lleno de momentos icónicos que en esta miniserie se adaptan de forma magistral.

Tras el requiebro estadounidense que obligó a Panini a lanzar meses después el anual de forma separada, ya han programado para este verano la edición integral en formato 100% Marvel HC.

SPIDERMAN: TODA UNA VIDA

Editorial original: Spider-Man: Life Story #1-6. Marvel 2019

Edición actual en España: Panini Comics. Tomo Tapa Dura. Color. 200 páginas. 22 €

Página web: Panini Comics

New X-Men

La enésima reedición de la alabada etapa mutante de Grant Morrison llegó en forma de otro coleccionable de tapa dura. Con ecos de la etapa de Claremont y Byrne y con el único inconveniente del baile continuo de dibujantes, el guionista escocés actualiza la Patrulla-X por dentro y por fuera. El siglo XXI se abría paso y Joe Quesada y Axel Alonso subían las apuestas con este necesario giro en el status quo en la franquicia. Una franquicia lastrada por los excesos de los 90 y estancada en conceptos cíclicos. Morrison aportó frescura e ideas imaginativas y vanguardistas que influenciarían hasta a la actual etapa de Jonathan Hickman. Magneto was right.

NEW X-MEN

Editorial original: New X-Men #114-154 y New X-Men Annual #1. Marvel 2001-2004

Edición actual en España: Panini Comics. Tomo Tapa Dura. Color. De 248 a 128 páginas. 15 € c/u

Página web: Panini Comics

La Visión

Tom King firma uno de sus mejores guiones (a la altura de la fabulosa Mr. Milagro de la Distinguida Competencia) para enseñarnos su singular visión del sueño americano, primero, y de la humanidad después. Una familia robótica sintozoide que reside a las afueras de Washington DC y que acaba en medio del torbellino emocional que provoca formar parte de la vida de uno de los Vengadores más reconocibles.
Los expresivos dibujos de un Gabriel Hernandez Walta en estado de gracia catalizan la confirman como una de las cabeceras más especiales de la editorial.

MARVEL INTEGRAL. LA VISIÓN

Editorial original: The Vision v2, #1-12 y The Vision: Director’s Cut #1-6. Marvel 2016

Edición actual en España: Panini Comics. Tomo Tapa Dura. Color. 520 páginas. 45 €

Página web: Panini Comics

Dinastía de X / Potencias de X

Animado por las constantes críticas positivas que recibía el relanzamiento mutante de Jonathan Hickman, elegí esta etapa como punto de (re)entrada al universo mutante. Quién iba a decir que el manido "Nada volverá a ser lo mismo" iba a acabar siendo real. Muertes, resurrecciones, amigos que son enemigos, enemigos que son amigos... Todo cambió de significado con una elección arriesgada pero victoriosa. Nacía una versión definitiva de la Patrulla-X (y todos los personajes relacionados con el gen mutante) y, por primera vez en mucho tiempo, el futuro disponía de multitud de caminos apasionantes por explorar.

Al igual que con Hulk, Panini ya ha terminado de reeditar esta saga en Marvel Premiere, manteniendo el módico precio en cuatro volúmenes.

MARVEL PREMIERE. DINASTÍA DE X / POTENCIAS DE X

Editorial original: House of X #1-6 y Powers of X #1-6. Marvel 2019
Edición actual en España: Panini Comics. Tapa blanda. Color. 136 páginas cada una. 8,90 € a 10 € c/u
Página web: Panini Comics

Los Vengadores de Jonathan Hickman

Tras su éxito con los mutantes, por fin me decidí a leerme la extensa etapa de sus Vengadores. Una etapa planeada al milímetro que concluye en la no menos espectacular Secret Wars. Entre los Vengadores, los Nuevos Vengadores, los Illuminati y demás artistas invitados, Hickman juega con una treintena de personajes esenciales para la trepidante historia. Una macrosaga (o historia río, como se llaman ahora) que ocupa todos los rincones del tiempo y el espacio pensada para dejar sin habla a cualquier aficionado de los Vengadores o de Marvel en general. Pura ambrosía.

LOS VENGADORES DE JONATHAN HICKMAN

Editorial original: Avengers v5, #1-44, New Avengers v3, #1-33 USA, Avengers World #1-17 Marvel 2013-2015

Edición actual en España: Panini Comics. Tomos Tapa Dura. Color. De 424 a 312 páginas cada uno. 30 € a 40 € c/u
Página web: Panini Comics

Fuerza-X Integral de Peter Milligan y Michael Allred

2020-06-12T19:55:00.003+02:00

Las cuentas pendientes están para saldarlas. Y por eso hoy le toca el turno a otra lectura inédita: Fuerza-X de Peter Milligan y Michael Allred, más adelante rebautizada como X-Statix a fin de huir de los noventeros mutantes de los que heredaron el nombre.

Se presentan aquí unos personajes nuevos sin apenas vínculos con el resto de colecciones que irrumpieron como apuesta personal de Joe Quesada (nuevo editor en jefe) y Axel Alonso (nuevo editor senior) para satisfacer la demanda de contenido adulto de sus lectores. Toda una declaración de intenciones que se culminó al fichar a dos autores tan alejados en forma y estilo de Rob Liefeld. Para deleite de todos nosotros, lograron darle un giro de 180 grados al título. ¡Pincha en leer más!

Reconozcámoslo, los 90 fueron realmente duros para la Casa de las Ideas. A la deriva por la resaca de otorgar poder absoluto a Liefeld, Jim Lee, Whilce Portacio y cía para que hicieran y deshicieran a su antojo, y por la explosión de la burbuja especulativa de los cómics que dejó al sello en bancarrota, era preciso un soplo de aire fresco que revitalizase las franquicias punteras de la editorial.

A tal efecto contrataron a Quesada y Alonso, quienes a su vez realizaron en el cambio de siglo fichajes de guionistas de relumbrón como Grant Morrison, J. Michael Straczynski, Kevin Smith o el que nos ocupa, Peter Milligan. Se trata de un autor que había tenido éxito en los años anteriores con diversos proyectos en la línea de Vertigo editada por Alonso para DC. En esta revolución también debemos dar crédito al dibujante estadounidense Michael Allred, que ya había realizado algún trabajo puntual para Marvel tras dar el salto a las grandes editoriales gracias a su refrescante Madman para Dark Horse.

Savia nueva e iconoclasta para dinamitar una serie agotada. Incluso la premisa era rompedora: conformar un equipo de superhéroes mutantes que fueran estrellas de realities adoradas por las masas dentro del universo Marvel. Y este último matiz es crucial, ya que durante décadas bajo los designios de Chris Claremont los mutantes eran temidos y odiados, cuando no directamente perseguidos. Por fin correría el caviar y el champán por sus páginas.

Para colmo, el propietario de esta nueva Fuerza-X es un billonario de 34 años que ha cosechado su fortuna con software informático. El eslogan de "Servir y proteger" del género superheroico queda supeditado a vender todo lo vendible en una vorágine de merchandising, publicidad y derechos de imagen como espejo de la grandes corporaciones. Porque lo más interesante y corrosivo de Milligan no son las aventuras que hace pasar a este grupo, sino la crítica al modelo ultracapitalista sobre el que se sustenta nuestra sociedad de consumo; siendo Marvel una de sus patas.

La presentación del grupo también es explosiva, literal y metafóricamente ya que casi todos sus integrantes mueren en el primer número. A partir de ahí se va componiendo, a través de luchas intestinas propias de una banda musical para adolescentes, un núcleo compuesto por El Huérfano/Mister Sensible (el líder), U-Go Girl, Anarquista, Grasas y Vivisector, con Doop como extraña mascota encargada de documentarlo todo. Cada uno de ellos con problemas íntimos que no dudarán en sacar a relucir con tal de ganar más fama en el programa de televisión de moda. ¡Las misiones o los oscuros intereses que haya detrás de ellas no son tan relevantes cuando tienes que ganar dinero con tus productos franquiciados!

En la agradable, y cada vez menos frecuente, sensación de frescura y originalidad tiene mucho que ver la estética pop de los Allred. Los trajes recargados del pasado con armas absurdamente grandes se tornan en inspiradísimos diseños retro al estilo de la Silver Age. La sangre y vísceras ilustradas con el color saturado de Laura Allred (esposa de Michael) adquieren una idiosincrasia especial. Aunque se mantenga el empeño en la creación de personajes interesantes o llamativos para liquidarlos al instante, no se trata de una violencia gore.

En contraposición con el decompressive storytelling que simultáneamente Brian Michael Bendis estaba poniendo de moda, todos los episodios de este título concentran una cantidad enorme de acontecimientos y detalles. Debido al trabajo de este trío creativo, cada página termina convirtiéndose en un derroche de imaginación y creatividad repletas de parodia y bromas autoreferenciales, muy en la línea de lo que también estaba realizando Morrison con los Nuevos X-Men. Y es algo que va en aumento. Ya entrado en X-Statix, Milligan trabajará con más traumas e historias truculentas y Allred perfecciona su trazo con unas viñetas que destacan entre lo mejor de su carrera.

Y ahora las malas noticias: no hay reedición de Fuerza-X/X-Statix a la vista. No obstante, siempre cabe la posibilidad de que Panini Comics nos sorprenda con un Omnibus o Giant-Size. La última edición data de 2015 como parte de la Colección Extra Superhéroes, un formato llamativo por su precio económico y su dimensión manejable más pequeña que el comicbook normal. En la página web de la editorial española se encuentra agotado, pero si sabéis rebuscar entre las tiendas especializadas podéis tener la misma suerte que tuve yo. El esfuerzo valdrá la pena.

FUERZA-X. INTEGRAL

Guión: Peter Milligan
Dibujo: Michael Allred
Color: Laura Allred
Editorial original: X-Force #116-129. Marvel 2001-2002
Edición actual en España: Panini Comics. Tomo. Color. 328 páginas. 16,50 €

Página web: Panini Comics

Spiderman: Toda una vida de Chip Zdarsky y Mark Bagley

2020-04-12T16:22:00.002+02:00

Hacía tiempo que quería volver a caer en las redes del trepamuros. Decepcionado por los últimos arcos argumentales de un Joseph Michael Straczynski en horas bajas y por unas decisiones editoriales desafortunadas (el caso Mefisto, Civil War y la incorporación a los Nuevos Vengadores), decidí darme un largo descanso hasta que la oportunidad lo mereciese. Es aquí donde entra Spiderman: Toda una vida de Chip Zdarsky y Mark Bagley, miniserie de seis números editada por Panini en un espléndido tomo.

Concebido con motivo de las celebraciones por el 80 aniversario de la editorial, este título ha acumulado críticas positivas, al contrario que las antologías Marvel Comics #1000 y #1001, cuya recepción ha sido bastante tibia. La premisa es sencilla y complicada al mismo tiempo: condensar toda la trayectoria del personaje como si hubiera transcurrido en tiempo real. Y el guionista no sólo sale airoso, también compone un relato emocionante de los que perduran en el tiempo. ¡Dale a "Leer más" para saber por qué!

Chip Zdarsky, nombre artístico de Steve Murray digno de contraseña aleatoria de Internet, está reconocido como uno de los autores renovadores del noveno arte en Estados Unidos. Muestra de ello son sus Daredevil, Sex Criminals (su proyecto con Matt Fraction en Image) o su historia unitaria en Spectacular Spider-Man 310, galardonada con un Premio Eisner en 2019 y editada en España dentro de un volumen ecléctico que reseñaré próximamente. Un guionista y dibujante, en definitiva, que se crece ante retos como éste.

En la industria de los cómics hay una máxima clara: que los superhéroes envejezcan va en contra de todo lo que se ha formulado desde que Superman diera su primer brinco. Continuos reseteos y rectificaciones han impedido, con mayor o menor habilidad, que los personajes de Marvel y DC cambiasen su statu quo, retornando siempre a la casilla de salida tras un puñado de números cual Sísifos enmascarados. Cabría pensar que, como consecuencia de esto y para expiar sus pecados, aparecen ocasionalmente proyectos como Superman/Batman: Generaciones de John Byrne o el que hoy nos ocupa.

Zdarsky logra incluir todas las vivencias relevantes del lanzarredes en media docena de números, adaptándolas magistralmente a cada etapa de su vida. Si en la década de los 60 Peter es un pizpireto veinteañero, en los 2000 se encuentra rayando la jubilación arácnida con familia y no pocas muertes detrás. Porque este cómic no se limita a los mamporros reglamentarios y sus correspondientes onamotopeyas. Está repleto de tribulaciones inherentes a la idiosincrasia del héroe, las cuales, desde las más íntimas a las públicas, trascienden el papel. Además de estas, hallamos sucesos históricos que marcan puntos de inflexión en la trama, como la guerra de Vietnam. Un conflicto que en la Casa de las Ideas de aquel entonces no supieron reflejar con acierto y que aquí se restaura con la ayuda del Capitán América.

En cuanto a la mitología arácnida presente en Toda una vida, nos topamos con numerosos eventos legendarios: la muerte de Gwen Stacy, Secret Wars y el traje negro, las Sagas del Clon, la Civil War y Spiderman Superior. También vemos desfilar bastantes villanos como Duende Verde, Doctor Octopus, Veneno, Kraven o Morlun. Todos ellos encajan perfectamente en la narración como piezas de un rompecabezas que el guionista ensambla con una factura impecable. No sólo ofrece algo nuevo abarcando las etapas antiguas, sino que el estilo de cada autor (Lee, Ditko, Conway, Romita, DeMatteis, Zeck, Romita Sr, Straczynski, Slott, etc.) nos viene a la mente mientras disfrutamos viñeta a viñeta.

Y en este disfrute también tiene mucha culpa Mark Bagley, dibujante que con 62 años nos regala uno de sus mejores trabajos, si no el mejor. A su ya sabida narrativa fluida y dinámica, se añade un barniz de emotividad con un Peter Parker más humano que nunca. Se nota que es el personaje con el que trabajado más, puesto que Bagley fue uno de los autores principales de Amazing en los 90 y batió una década después el récord de permanencia al firmar con Brian Michael Bendis una etapa histórica en Ultimate Spiderman. Años y años de servicio reflejados en el cariño de su experimentado lápiz que entintan en esta ocasión John Dell y Andrew Hennessy.

Ciertas voces ya incluyen, algo apresuradamente, esta historia entre las mejores del hombre araña. En mi opinión, es un debate que acabará dirimiéndose con el paso del tiempo. Sí resulta manifiesto y notorio el trabajo formidable de ambos autores, legando un título redondo con múltiples aristas que deja un recuerdo placentero al terminar la lectura. Tragedia y epopeya al estilo Marvel más clásico. No se lo pierdan.

SPIDERMAN: TODA UNA VIDA

Guión: Chip Zdarsky

Dibujo: Mark Bagley

Editorial original: Spider-Man: Life Story #01-06 2019

Edición actual en España: Panini Comics. Tomo único, tapa dura, 200 págs. A color. 22,00€

Página web: Panini Comics

Los Vengadores (#100-107) de Jason Aaron, Ed McGuinness y David Marquez

2020-03-24T21:26:00.000+01:00

Tras una larga temporada ausente, vuelvo a la carga aprovechando el confinamiento impuesto por la pandemia del coronavirus. ¿Y qué mejor cómic para reseñar que la nueva andadura de Los Vengadores bajo el timón de Jason Aaron y el arte de Ed McGuinness y David Marquez?

El "big three" formado por el Capitán América, Iron Man y Thor recluta a superhéroes conocidos tanto en los cómics como en el celuloide para combatir amenazas tales como Los Celestiales, Namor y una nueva generación de Vampiros. Como era de esperar, también tenemos invitados ilustres provenientes de este grupo en particular y del universo Marvel en general. Sabor clásico para una de las colecciones fundamentales de la editorial. ¿Estáis preparados? ¡Vengadores reuníos!

Antes de nada, debo reconocer que no he leído las anteriores etapas. Ni la de Jonathan Hickman ni la de Mark Waid, así que no puedo compararlas con la etapa que nos ocupa. Vengo casto y puro a este post para hablar sólo de los números publicados en España de diciembre del 2018 en adelante. ¿Qué ocurrió en Infinito, Civil War II o Secret Wars? No tengo la más remota idea, únicamente sé lo que el guionista deja intuir a través de los diálogos de los personajes, que, por cierto, no es mucho.

Sobre Jason Aaron, ¿qué puedo decir que no se haya dicho ya? El estadounidense es un especialista en plantear historias a largo plazo mediante ramificaciones y subtramas. Algo palpable sobre todo en el título de Thor, cuyo personaje sigue inmerso en tramas abiertas por el autor hace años. Esta forma de narrar no casa bien con aquellos seguidores ansiosos que devoran las grapas de 24 páginas esperando desenlaces rápidos y autoconclusivos. Precisamente por esto he elegido su primer año y medio en la serie, buscando tener un poco más de perspectiva sobre el arco argumental. Y como era de esperar, Aaron sigue desarrollando ideas que se prolongan en el tiempo. Estos primeros episodios funcionan como punto de partida pero ahí acaba la innovación, pues pecan de predecibles y superficiales.

Lo primero que llama la atención es la elección del elenco: Capitán América, Thor, Iron Man, Pantera Negra (nuevo Presidente del grupo), Hulka, Capitana Marvel, Piloto Fantasma y Doctor Extraño, más adelante sustituido por Blade. Ciertamente, "Los héroes más poderosos de la Tierra", un equipo preparado para plantar cara a cualquier desafío, ya sea cósmico o terrenal. Se acabaron los experimentos con formaciones disfuncionales o con miembros inadaptados. Estos son superhéroes con mucha historia entre ellos y, lo más importante, resultan familiares para el marvelita medio.

Al plantel de protagonistas Aaron añade brillantemente unos secundarios de excepción: Los Agentes de Wakanda. A modo de equipo de apoyo, son los encargados de recopilar información y realizar esas misiones menores que se les escapan al grupo titular. Entre estos agentes nos encontramos a viejos conocidos como Okoye (la líder), Ka-Zar, el Hombre Gorila, la Avispa, Nydo, Morbius, John Jameson, Águila Americana, Dr. Némesis y Cobra Gorda. Mención especial merece Odín, el padre de Thor, quien en esta ocasión se erige en consejero de Pantera Negra. Tan dispar y atrayente acaba siendo este subgrupo que no sorprende que Marvel encargase una serie sobre ellos a Jim Zub y Lan Medina.

Otro aspecto a destacar es la narración de Aaron. Saltando entre el pasado (pasadísimo) y el presente de manera tan abrupta que dificulta el seguimiento y provoca cierta desconexión en el lector ávido de continuidad narrativa. Si sigues una colección por la dinámica existente entre los Vengadores clásicos, ¿hasta qué punto desespera que se dediquen números enteros a los héroes de hace un millón de años? Paciencia. Es aquí donde debemos considerar esta osada decisión como una licencia cuyos frutos se verán en los siguientes meses. Recordemos que Aaron ya empezó a plantar estas semillas en la colección del dios asgardiano así como en Marvel Legacy: Alfa.

En cuanto a los diversos adversarios que nos presentan, se advierte también mucho clasicismo. Juzgad vosotros: Los Celestiales, Loki, Namor, Guardia de Invierno, Escuadrón Siniestro y Drácula. Una pléyade de villanos que, al acumularse atropelladamente número tras número, no dejan nada nuevo a sus ya dilatadas trayectorias. Este es un gran inconveniente que Aaron sí ha sabido solucionar en los capítulos posteriores.

Por último, es preciso dedicar unas palabras al apartado artístico. Diversos autores pasan por estos 17 números, pero destacan dos: Ed McGuinness y David Marquez. McGuinness, que se encarga del primer arco argumental y de algún que otro número posterior, es una vez más cautivo de su estilo explosivo de personajes hipertrofiados. En las escenas de acción se desata y ofrece un espectáculo remarcable; sin embargo, este despliegue ocasiona que las escenas más sosegadas se resientan tanto como sus plazos de entrega. Tampoco sorprende a nadie que vuelva a necesitar la ayuda de dibujantes externos para escenas e incluso números de relleno.

Más constante resulta el británico Marquez, dibujante elegido para el arco de los nuevos vampiros, en el que sobresale su bestial Blade, nuevo integrante de los Vengadores al que damos la bienvenida pues tiene gran potencial. Bajo su lápiz también brillan las encarnaciones del Espíritu de Venganza. El Motorista Fantasma y el Piloto Fantasma se baten en una interesante contienda de cráneos llameantes.

Terminemos la reseña constatando que estos Vengadores no llevan a equívocos. Si te gustan los rostros más reconocibles de un equipo con 60 años a sus espaldas, éste es tu cómic. Si por el contrario prefieres nuevas experiencias con personajes aún por desarrollar, tienes un montón de otros títulos Marvel por elegir. Yo me quedo en el barco aunque todavía no se divise tierra, ¡recordemos que lo mejor es el viaje!

LOS VENGADORES #100-107

Guión: Jason Aaron
Dibujo: Ed McGuinness, David Marquez, Stefano Caselli
Editorial original: Avengers #01-17. Marvel 2018-2019
Edición actual en España: Panini Comics. Tomo y grapa. Diferentes precios.

Página web: Panini Comics

Cómics forasteros: Batman: Una muerte en la familia

2018-11-06T13:37:00.003+01:00

Sí, dos años después vuelvo por estos fueros. Y la razón por la que lo hago es porque no podía resistirme a no comentar una de las últimas lecturas comiqueras que he tenido: Batman: Una muerte en la familia. Uno de esos pocos cómics que actúan como punto de inflexión, gracias al trabajo de los dos Jim (Starlin y Aparo). Arco pequeño de tres números que llevaba mucho tiempo en la creciente lista de pendientes y que por fin cayó en mis manos gracias a una de esas ediciones asequibles. En concreto la del coleccionable de Batman publicado por Planeta DeAgostini en 2005.

Muerte a la carta. Eso fue lo que ofreció el editor de Batman en los 80, Dennis O'Neil, a los lectores de Batman. Amparado por Jim Starlin a los guiones, abrieron líneas de teléfono dos días del agonizante verano del 88 para que "el respetable" decidiese si el segundo Robin, Jason Todd, debía vivir o morir. ¿Cómo se llegó a este punto de ruptura? Pues fue una consecuencia natural a la cantidad de críticas y alabanzas que recibía este Robin, granjeándose haters (me niego a decir 'odiadores') hasta debajo de las piedras. Incluso Starlin estaba deseando quitárselo de en medio. ¿Lo logró? Tendréis que darle a Leer más para descubrirlo, spoilers mediante.

El editor recuerda "El Gran Experimento de Robin" como una de las decisiones más arriesgadas de su carrera. Y no es para menos, dejar en manos de terceros la muerte (o no) de uno de los personajes más reconocidos tuvo que generarle detractores tanto dentro como fuera de la editorial. Él lo defendió como una simple extensión de su política de escuchar las opiniones de los lectores, que hasta ese momento se atendían a través del correo.

Aunque lo que verdaderamente motivó a O'Neil a abrir la caja de Pandora fue el carácter revolucionario de la propuesta, el siempre arriesgado "no se ha hecho antes". Algo que ahora parece un truco anticuado, en su momento fue un soplo de aire fresco. 10614 fueron los votos que se contabilizaron, ganando por estrecha diferencia de 74 la opción de acabar con el Chico Maravilla.

No es casualidad que haya empezado dando más relevancia a la forma que al fondo, puesto que la trama en sí resulta bastante deslabazada y tosca. Más aún al tener en cuenta que desde la portada (y el título de la aventura) ya conocemos el desenlace. Con el experimento marketiniano explicado, y la intriga y el suspense en fuera de juego, sólo queda comentar el proceder de Starlin.

El guionista opta por alejar la acción de Gotham, el núcleo donde Batman (y Robin) se sienten más cómodos, y trasladarla al continente africano (Líbano y Etiopía). Batman fuera de su terreno es menos Batman, dicen muchos, y en este caso debo darles la razón. A Starlin se le percibe más interesado en el final que en el desarrollo, con una historia renqueante sobre quién es la verdadera madre de Todd. Historia que, evidentemente, acaba convirtiéndose en un McGuffin para el verdadero objetivo: cargarse al personaje con el Joker como brazo ejecutor.

Sí demuestra sobradamente Starlin ser capaz de conformar imágenes y escenas que se clavan en la retina: el Joker golpeando a Robin con una llave inglesa, el avión estallando en el aire y, sobre todo, Batman llevando en brazos el cuerpo difunto de su compañero. En todas y cada una de estas páginas se apoya en el arte de Jim Aparo, dibujante legendario del Caballero Oscuro por méritos propios. El estilo cuidado y dinámico de Aparo se amolda de tal forma que es imposible pensar en un artista coetáneo que hubiese dibujado mejor Una muerte en la familia.

Debo reservar unas líneas para la surrealista conclusión del argumento, con el ofrecimiento del Joker al Ayatollah Khomeini para incorporarse a las instituciones de Irán para adquirir así una inmunidad diplomática. Así Batman, con consejos y advertencias de Superman y de la CIA, no puede hacerle pagar por sus crímenes... Hasta que el Joker hace un ataque contra todas las naciones en la sede de la ONU, entonces la veda se abre y el Caballero Oscuro va tras él. No consigue aprehenderlo y el villano se escapa. En resumen: cambio de statu quo en cuanto a Robin y "patadón pa'lante".

Las comparaciones con el final abierto de La broma asesina (Marzo, 1988) de Alan Moore son inevitables, teniendo aquella mucho más ingenio al determinar que nunca habrá un cierre definitivo al enfrentamiento Batman-Joker. El que Starlin introdujese de improviso un factor político en su resolución, más que aportar matices al conjunto, evidencia un 'deus ex machina' para salir del paso. Recordad, Robin debía morir. Y así lo hizo, provocando una deriva oscura que Bruce Wayne desarrolló durante la década de los 90.

Descanse en paz.

BATMAN: UNA MUERTE EN LA FAMILIA

Guión: Jim Starlin
Dibujo: Jim Aparo
Editorial original: DC (1988-89)
Edición actual en España: Grandes Autores de Batman: Jim Starlin - Jim Aparo. Una muerte en la familia (ECC Ediciones, 2018)
Edición: Tomo único, cartoné, 144 págs. A color. 15,95€
Página web: ECC Ediciones

Cómics forasteros: Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons

2016-04-21T13:17:00.004+02:00

¿Qué decir de uno de los cómics más leídos de la historia? ¿Qué se puede aportar nuevo después de los innumerables y acertados ensayos que se han publicado sobre él? La empresa es, cuanto menos, difícil. Pero como este es mi blog y los que lo leéis os interesa (la razón de que os interese me resulta indescifrable), vayamos adelante con mi reseña sobre Watchmen, aprovechando que ECC Ediciones acaba de sacar a la venta una brillante (y costosa) edición en cartoné.

Entre 1986 y 1987 se publicó en Estados Unidos, con gran promoción y un trato especial (sin publicidad interior), una saga de 12 números llamada a cambiar para siempre la temática superheroica y eso es justo lo que consiguió DC. Para su producción, Alan Moore y Dave Gibbons se coordinaron inmejorablemente durante meses para contar su relato, sin trabas ni censura editoriales. ¡El resto es historia!

ATENCIÓN SPOILERS

Proveniente del Reino Unido y el célebre 2000 AD, para esos años el autor inglés ya se había aclimatado al sistema de producción norteamericano gracias a una larga andadura en la colección de La Cosa del Pantano (Swamp Thing). El propósito inicial pasaba por que revitalizase (para más tarde fulminar) a los héroes antiguos de la Editorial Charlton, pero se tuvo que interrumpir ya que DC los incorporó a su continuidad tradicional.

Fue entonces cuando Moore tuvo que echar mano de su fecunda imaginación para concebir los personajes, con el desafío de ser lo suficientemente parecidos y lo suficientemente diferentes para no tener problemas en ningún frente. ¿Cuántas obras maestras se han creado fortuitamente con imprevistos? Por ejemplo, Casablanca y Taxi Driver en el cine. No en vano desde muchos sectores se compara acertadamente a Rorschach con el personaje de DeNiro: Travis Bickle.

La intención del inglés con Rorschach, Ozymandias, Búho Nocturno, Espectro de Seda y el Comediante era realizar una representación realista de un mundo superheroico que respondiese a la pregunta "¿Qué pasaría si hubiera superhéroes en el mundo real?". En ese universo encapsulado descubrimos que los superhéroes forman parte de un viejo orden caduco que debe ser reformulado para alcanzar una paz y una justicia global. No son fascistas, no se adueñan del poder ni gobiernan déspotamente, pero sí acaban siendo instrumentos de un gobierno cada vez más viciado y enfermo. "El superhombre existe y es americano"

Que el escritor eligiese a Adrian Veidt (Ozymandias), el superhéroe más rico, inteligente, atractivo y atlético, como la gran mente maligna detrás de todo el rompecabezas fue una revolución en sí misma. La desconfianza hacia las élites volvía a ser uno de los ejes principales de Moore, que estudioso de la temática del proletariado y la anarquía, ya había enarbolado la bandera de la indignación y la insurgencia frente al establishment político y económico con V de Vendetta. El antagonista real es el reaganismo de los años 80, el cual estaba transformando a Estados Unidos en un ente que se creía superior e invulnerable, sin ser consciente de los daños colaterales que estaba provocando en la sociedad y el mundo en general. El contexto en Watchmen es completamente necesario: es la era del temor vía televisión a una Destrucción Mutua Asegurada por la confrontación con la URSS por el uso de armas nucleares.

No cabe otra que quitarse el sombrero ante la elección del londinense Dave Gibbons como compañero de viaje, una de las más acertadas del medio secuencial. El estilo limpio y cuidadoso del dibujante aumenta exponencialmente el gusto de los guiones por el regocijo y la minuciosidad en los detalles. Gibbons es tan culpable como Moore de lo agobiante de la lectura, sobre todo por el consejo de emplear el estricto formato de 9 rejillas (3x3), que produce un ritmo sencillo y eficiente a disposición del visceral discurso.

El tándem británico engendra una nueva realidad a través de un enfoque decante y un despliegue de recursos estilísticos: la narración a varios niveles, los flashbacks encadenados, las tramas paralelas y la suma metaficcional de Relatos de Navío Negro, cómic dentro del cómic que sirve de contrapunto dramático entre diégesis. Por si fuera poco, la enorme cantidad de citas a eminencias de la cultura popular como John Cale o Bob Dylan completan la experiencia sensorial en la que con cada relectura del tomo se perciben matices previamente ignorados.

Algo que llama la atención en Watchmen es el protagonismo inmenso, aunque se trate de un cómic de superhéroes, que adquiere la “gente mundana”. Vemos prepararse a un conjunto de personajes de la calle ante lo que parece un apocalipsis inminente. Las inquietudes, los pensamientos y los cambios de moralidad salpican las viñetas como no lo hacen en la adaptación cinematográfica de Zack Snyder. Se vislumbra así cierto hastío del género por parte de unos autores que se interesan tanto (o más) por los resquicios morales de los seres humanos corrientes como por los de los portadores de mallas y leotardos. Más que imaginación, el cómic desborda imágenes fidedignas de la realidad cotidiana. Al igual que Rorschach (espejo roto en el que los lectores nos miramos, aunque no nos agrade), su creador baja al barro de las miserias humanas para mirar al abismo y que éste le devuelva la mirada.

Aunque la metáfora de Moore como sumo hacedor y relojero de una maquinaria perfecta fuese divulgada por la crítica, hay algunos engranajes que podrían tener mejor ensamblaje. La tibia resolución del diario de Rorschach y la poca relevancia de los personajes femeninos son dos aspectos de la trama que seguramente hubiera querido mejorar el autor inglés de poder viajar en el tiempo.

En definitiva, Watchmen es una serie limitada que usa los géneros como medio y no como fin, ya que comienza claramente en terreno noir y acaba en lo opuesto: una fantasía de ciencia ficción. Con un enfoque decadente que originó repercusiones al instante, durante la década siguiente se sucedieron en Marvel, DC o Image personajes nuevos (o renovados) con grandes dosis de cinismo y violencia dispuestos a cualquier cosa.

Sólo queda rendirse ante la evidencia y agradecer la aportación de esta obra al noveno arte. Esperemos que queden muchas más aportaciones por llegar, porque como dijo el Dr. Manhattan en su despedida: "Nada termina nunca."

WATCHMEN (EDICIÓN DELUXE)

Guión: Alan Moore
Dibujo: Dave Gibbons
Editorial original: DC (1986-1987)
Recopilación: ECC Ediciones (2016)
Edición: Cartoné, color, 448 páginas, 50 €
Página web: ECC Cómics

Legendario Starlord (#1) de Humphries y Medina: Galaxia cercana

2015-12-19T20:52:00.000+01:00

Aunque esté pensando en cambiar de nombre el blog, no os preocupéis, todavía seguiré hablando de los personajes que pueblan el universo Marvel. Y ninguno ha crecido exponencialmente tanto en los últimos años como Peter Quill, alias Starlord. La adaptación cinematográfica de Los Guardianes de la Galaxia provocó que todo el mundo reparase en ese aventurero que iba por libre buscándose la suerte como pudiese.

La actuación de Chris Pratt casó a las mil maravillas con la reinvención de Starlord que realizaron Andy Lanning y Dan Abnett aprovechando ese evento cósmico mastodóntico que fue Aniquilación (Annihilation en el original). En esas páginas, nos topamos con un personaje distinto al que conocimos en los 70. Quill se había quitado el polvo y se ganó el distinción de personaje revelación con su personalidad insolente como buen remedo de Han Solo que es. Sí, a nadie se le escapa que es una reproducción del papel de Harrison Ford muy bien traída.

Sam Humphries (Los Vengadores) fue el elegido para narrarnos las aventuras en solitario del Legendario Starlord. ¿Cumpliría las expectativas? ¿Haría una serie mediocre, recomendable sólo para los seguidores de los Guardianes? Pinchad en 'Leer más' para saberlo. Nunca fue tan fácil saber la respuesta.

Antes que nada, el contexto: Legendario Starlord es una serie secundaria, complementaria. Sus tramas podrían ser contadas sin problema en la serie regular de Los Guardianes de la Galaxia, esa misma que controla el capo Brian Michael Bendis. Por eso mismo, Humphries tiene que aprovechar los pocos resquicios que le dejen para hacer una trama atractiva y que aporte algo diferente.

Y aunque no sea una caída estrepitosa, el guionista fracasa bajo estas difíciles circunstancias. Su Quill carece del carisma desbordante que vemos en el trabajo de Lanning y Abnett o en la pelicula de James Gunn. Al no atreverse a jugar con todos los recursos humorísticos, rezuma en el ambiente de luchas intergalácticas, cierto grado de indiferencia. Reduciendo además el número de planetas visitados a los ya conocidos con anterioridad. Error. Starlord es -y debe ser- odísea espacial.

La intención de Humphries de centrarse en la vida íntima y familiar de nuestro antihéroe le hace cerrarse muchas puertas. En proyectos como este, con un multiverso a su disposición para 'jugar', es un fallo notorio el no utilizar la imaginación a la máxima potencia. Este empeño de focalizarse en los antecedentes se traslada también al ámbito de los villanos, rehusando crear nuevas némesis más allá de el Pelotón Carnicero. "Teniendo a Thanos, es inútil intentar superarlo", debió pensar.

Llama la atención la poca audacia de Humphries para hacer gags con la cultura de los 70 y 80. Seña de identidad clara de Starlord que, entre puñetazo y patada, gustaba de hacer referencia a cualquier tema de Michael Jackson. Esto, que puede parecer trivial en un primer momento, resulta indispensable para conseguir empatía con el lector/espectador. Sin ese arma, el personaje queda desdibujado en la tibieza siendo uno más.

Dónde sí triunfa -no iba a ser todo descalabro- es en el acoplamiento de dos personalidades tan distintas como las del protagonista y Kitty Pryde. Empeñada en relacionarse sentimentalmente con hombres llamados Peter, la mutante surge como un soplo de aire fresco en la colección. Es paradójico que con mayor presencia de ella, que todavía sale en más colecciones, los guiones se muestren más rápidos y creativos. En especial en el número #7 USA, utilizando una cita entre ambos para llenar de agilidad y brillo unas páginas que se devoran enseguida. Aunque tenga poderes de intagibilidad, la serie gana músculo con Pryde.

También, siguiendo la línea de fichajes femeninos, tenemos dos incorporaciones que favorecen el conjunto. Por un lado Lydia, el ordenador de a bordo de la nueva nave personal encargada de darle la réplica a nuestro nómada favorito. Y por el otro Victoria, la hija del antiguo emperador J-Son. Es decir, la hermanastra de Peter. Las tres ayudan a desenmascarar la imagen de caradura y mostrar su buen fondo. Síntoma de que es en los diálogos con intención y varias lecturas donde vemos nuestro dinero desembolsado.

En el otro lado de la moneda, el artístico, contamos con los lápices de Paco Medina y Freddie Williams II. Alternándose en los capítulos recogidos en este tomo, mantienen un nivel más que apropiado. El diseño de las naves y la narrativa a su alrededor, no defraudan cuando Peter pisa el acelerador. Aunque no sean nombres top de la industria, sus estilos están integrados al completo en lo que conocemos como Marvel way of life, cumpliendo con creces la misión.

En definitiva, Legendario Starlord es un pasatiempo aceptable pero intrascendente. Ante la enorme cantidad de oferta que hay actualmente, sería sorprendente encontrarlo en las listas de lo mejor del año. Recomendable sólo y únicamente a todos aquellos fans entusiastas de Los Guardianes de la Galaxia.

100% MARVEL: LEGENDARIO STARLORD #1

Guión: Sam Humphries
Dibujo: Paco Medina y Freddie Williams II

Entintado: Juan Vlasco y Paco Díaz
Edición original: Legendary Starlord #1-8 USA, Marvel (2014-2015)
Edición: Color, libro con solapas. 192 páginas, Panini

Precio: 17,95€

Página Web: Panini Cómics

Star Wars: Darth Vader (#1-6) de Gillen y Larroca: LadoOscuroCasiNegro

2015-12-16T18:12:00.000+01:00

Cuando Disney compró Lucasfilm en 2012, tres años después de haber adquirido Marvel, los amantes del cómic se ilusionaron, y con razón. A los mejores guionistas y dibujantes se les abría una nueva posibilidad: manejar a personajes míticos de una de las franquicias más importantes -sino la más- del cine. Sí, ya se habían publicado cómics antes de Star Wars (Marvel y Dark Horse después), pero este relanzamiento estaba planificado a lo grande.

Tres grandes series de calidad: Star Wars, Princesa Leia y Darth Vader. Autores más que contrastados: Aaron, Cassaday, Immonen, Gillen, Larroca, Waid y los Dodson. Coincidiréis conmigo en que es un trato justo para Luke y compañía. De momento vamos a ir poco a poco, empezando primero por uno del que tenía bastantes dudas: Darth Vader por Gillen y Larroca.

Atención SPOILER: las dudas se disipan y la lectura acaba siendo deleitosa. ¡Dadle a leer más!

He citado a los fans de Star Wars porque son merecedores de un reconocimiento especial. Antes de estrenarse la primera película, se formó ya una legión de seguidores de ciencia-ficción que asistía a las convenciones de cómic, quedándose estupefacta con el artwork que más tarde vería en la pantalla. Nadie de la industría tenía expectativas de que la obra de George Lucas tuviese tanto éxito y el lanzamiento fue sustentado en un primer momento por ellos.

Pero más allá del éxito general de la primera película, su fandom continuó manteniendo el proyecto. El merchandising que se comercializó acabó financiando gran parte de las películas siguientes, permitiendo que Lucas tuviera independencia a la hora de cerrar la trilogía. Que más tarde sería remasterizada -"Perfeccionada" según George- mediante tecnología digital con recepción dispar.

Kieron Gillen fue el elegido para escribir la nueva serie regular de Darth Vader dentro del nuevo universo expandido Marvel. De dilatada experiencia con los superhéroes Marvel, Kieron responde al encargo con energía, haciendo saltar todos los resortes argumentales que nos mantienen pegados al papel.

Maneja con soltura los temas que introdujo Lucas, que aunque fueran presentados bajo una apariencia infantil, son peliagudos. El conflicto entre generaciones, pilar de Star Wars, es una pugna fuerte y primaria. Basta con abrir cualquier relato clásico para darse cuenta de que siempre ha estado ahí. Lucas, con su magia, simplemente añadió nuevas figuras a la mitología popular. Y ahí, aunque le duela a los seguidores de Luke, su padre es la referencia categórica.

El relato ofrecido por Gillen ahonda en una de las pocas facetas de Anakin Skywalker que se mantiene en su identidad adulta: la de eterno aprendiz. Siempre a la sombra de una figura superior, el orgullo de nuestro villano favoritos se daña inevitablemente. Así, cuando es degradado por Darth Sidious tras el desastre de la primera Estrella de la Muerte, inicia una reconquista de sus galones. No tanto para mostrar al Lord Sith de lo que es capaz, sino para volver a manifestar que es el elegido.

La narración brilla cuando muestra al Darth Vader más resolutivo, completamente lanzado al contraataque. Poco queda ya del Anakin del Episodio I que no paraba de hablar. El lado oscuro nubla el razonamiento y aquí pesan más las acciones que los pensamientos. Enmarcado entre El Episodio IV y el V, nos encontramos al Lord Oscuro más perdido que nunca. Al desconocer quiénes son las personas que, desde la alianza rebelde, empiezan a desbaratar sus planes.

Por si fuera poco, la acción se desata cuando se le añaden personajes al relato: Boba Fett, Cylo-IV copias letales de R2D2 y C3PO y -sobre todo- la doctora Aphra. La saga tiene pocos personajes femeninos y su inclusión ayuda a que haya más matices y dinámicas a disposición del guionista inglés. Alguien tiene que aprovechar los bocadillos, ya que el protagonista de la serie rellena los suyos con monosílabos.

Entre tanta epopeya, Gillen encuentra tiempo para el recuerdo, revelándonos a un Vader expresivo incluso con la máscara puesta. Aparte de sus encuentros con Obi-Wan y Luke, Gillen nos abre brevemente las puertas de su mente para comprobar que sigue teniendo presente su felicidad juvenil con Padme. No todo es negrura absoluta, hay tonos grises en la oscuridad.

Para terminar, es en el apartado visual donde el valenciano Salvador Larroca da un golpe en la mesa. ¿Sus escenas de acción? Trepidantes. ¿Las naves indispensables de la trama? Preciosistas. ¿El trazo de los personajes? Realistas dentro de lo irreal, siendo lo más logrado. Cómo será la cosa que siempre ha sido blanco de mis críticas por la expresividad de rasgos corporales y en esta ocasión sólo puedo admirarle. Para cerrar el círculo, su diseño de página con viñetas largas horizontales acerca la colección al medio cinematográfico. Misión cumplida.

Una serie para todos los públicos. Jedi o Sith. Jóvenes y viejos. Seguidores de Star Wars o simples lectores de cómics. Déjense seducir por la fuerza. No les decepcionará.

DARTH VADER (#1-6)

Guión: Kieron Gillen
Dibujo: Salvador Larroca
Color: Edgar Delgado
Edición original: Marvel (2015)
Edición: Grapa color, 35 páginas Planeta DeAgostini
Precio: 1€/2,50€ cada unidad
Página web: Planeta DeAgostini

Cómics forasteros: Dinero de Miguel Brieva

2015-12-13T13:49:00.002+01:00

Había oído maravillas de él. Mis amigos se lo regalaban entre ellos sonriendo confiados. Brieva era el apellido pronunciado por todo aquel que estuviese presente cuando la palabra "sátira" entraba en la conversación. Y, seamos honestos, cuando un autor es tan citado, se desencadena en uno la pulsión de criticarle en cuanto sea posible. Coger cualquiera de sus obras y aprovechar cualquier resquicio para despotricar y conseguir así una postura divergente ante los demás. Tarea imposible, Miguel Brieva es tan escurridizo como genial.

Enmarcado como un cruce entre Crumb y El Roto, este autor sevillano retrata a la sociedad con pincel implacable de brocha fina. El hecho de que su primera gran obra, la revista Dinero, fuese autoeditada, ya da constancia de la libertad que necesita para llevar su acidez a la máxima expresión. Nadie se queda fuera de su radar, puesto que su visión del presente le procura poca (o ninguna) salvación del ser humano. Así que dejen sus pensamientos codificados y prefabricados en la puerta y adéntrese conmigo en el universo Brieva.

Aunque empezase sin 'ataduras', no todo su recorrido artístico ha estado fuera del establishment. Viviendo en España, tal cosa se podría considerar una quimera. Brieva ha colaborado en no pocos sitios: El Jueves, El País de las Tentaciones, La Vanguardia o Rolling Stone. Aparte, ha lanzado publicaciones siguiendo a Dinero, como Om2, Recto, Propuestas para no hacer o El Niño Carajaula.

Resulta evidente que estamos ante alguien con mucho que decir. En este primer trabajo, consolida las herramientas de las que echará mano en su carrera para criticar sin reparos a la humanidad. Alternando textos sesudos sin dar respiro al lector con historietas tanto a página completa o con viñetas. Sin olvidar la especialidad de la casa: los carteles publicitarios que toman como modelo los de las décadas de los 50 y 60.

La imaginería que explotó en esos años, y que continuó desbordante durante lustros, apuntaló el sistema económico capitalista. Su semiótica fue la culpable de que los productos fueran presentados al público no como simples artículos de consumo, sino como señas de una identidad a la que se debe aspirar. Una identidad compuesta de necesidades creadas artificialmente. Bajo estos códigos del 'american way of life' de familia modelo caucásica patriarcal, Brieva desmenuza lo divino y lo humano para hacernos reír primero, y reflexionar después.

De todo lo que su diagnóstico tiene en el punto de mira, es la alienación del individuo común lo que parece tenerle más preocupado. Sigue claramente los planteamientos de Aldous Huxley, el cual creía -en contraposición a George Orwell- que la sociedad iba a ser controlada desde las altas instancias no a través del miedo y la violencia sino del ocio fácil y trivial. Terminando por interesarnos más el entretenimiento banal intrascendente que nos brinda la televisión que los mecanismos del sistema en el que somos parte.

Brieva se erige como adversario de la dictadura del mercado, del "neo-fascismo lúdico económico" como él llama, imposible de evitar al inundar cada aspecto de la vida moderna. La política, usada y desgastada, ya ni siquiera finge servir al pueblo sino que se rinde sin reparos a los poderes fácticos financieros con sonrisa de dibujo animado. Aquí debemos recordar la fecha en la que se hizo Dinero: de 2000 a 2005. Una época de plena bonanza en la que nadie reparaba en las miserias del sistema, Brieva se atrevió a denunciar los daños morales y éticos que estaba causando.

Y no sólo morales. También destaca su defensa medioambiental de un ecosistema que ya entonces daba muestras de sufrimiento por la frenética actividad consumista. No en vano predice distopías donde reinan el caos y la contaminación si el ser humano sigue en su empeño de exprimir los recursos naturales.

Su sentido del humor se agudiza cuando trata el presente, espejo esperpéntico donde mirarnos pudiendo incluso ser carne de imagen viral. Sin embargo, es en las imágenes sobre el futuro donde deja más posos de amargura. Su ideario podrá parecer a algunos exagerado y sesgado -"No estamos tan mal", dirán-, pero lo que no se puede negar es que remueve conciencias emplazándonos a debates de múltiples capas. Detrás de gags fáciles y certeros, su humor esconde confrontación.

Tomo imprescindible, a fin de cuentas, que toda estantería que se precie debería tener. Viniendo a refrendar mi teoría peregrina de que todo sistema necesita un número X de antisistemas. Gracias a ellos, cuestionamos lo que respiramos, lo que tenemos a nuestro alrededor; obligándonos a cambiar y mejorar dentro de nuestras posibilidades. Benditos antisistemas, digo, sin los cuales tragaríamos todavía más de lo que ya tragamos.

DINERO

Guión y dibujo: Miguel Brieva
Editorial original: Clismón Doble Dosis (2000-2005)
Recopilación: Reservoir Books (2008)
Edición: Tapa blanda B/N 216 páginas 19,90 €
Página web: Clismon

Cómics forasteros: El Vecino (#1-3) de Santiago García y Pepo Pérez

2015-11-09T18:54:00.000+01:00

Después de este parón trimestral vengo con una reseña de título español bajo del brazo: El Vecino de Santiago García y Pepo Pérez. Dividida en tres tomos, Astiberri es la encargada de la magnífica edición española. A lo que se le suman las pequeñas historietas que se publicaron en varios números de El Manglar de Dibbuks. A García, si sois tan enfermos como yo, lo reconoceréis por haber leído hasta los créditos de los cómics, puesto que ha sido durante mucho tiempo traductor de las series de Spiderman.

El segundo, Pepo Pérez, tiene también una trayectoria larga en el mundo de los tebeos, tanto como escritor en revistas como U, Volumen (coincidiendo con García) o Rock De Lux como dibujante en varios proyectos (La historia del Blues). Los dos se juntan para desarrollar una historia de dos vecinos sin más remedio que llevarse bien. Sólo hay un problema: uno de ellos tiene superpoderes con su respectiva doble personalidad: ¿Esto mejorará o empeorará la convivencia? ¿Encajan bien los leotardos con el costumbrismo? ¡Sólo lo sabrás si sigues conmigo tras el salto!

Desde el arranque se nota el hábito adquirido de García con la figura del "superhéroe de apartamento", cuyo mejor representante es Spiderman. Este, además de preocuparse en sus páginas por luchar contra el villano de turno, también las pasaba canutas para llegar a fin de mes y mantener vivas sus relaciones sociales.

En una entrevista en El Manglar, García reconocía a la falta de comunicación y a la crisis generacional de los 30 como los dos grandes pilares de la obra. Conceptos que encajan perfectamente con la idea de persona normal a la que le tocan unos poderes involuntariamente. Los poderes serán nuevos, pero no lo son los problemas emocionales y afectivos, que permanecen ahí.

La trama no trata únicamente sobre Javier/Titán sino también, como bien reza el título, sobre su vecino: José Ramón. Y más, el zoom sigue agrandándose y llega hasta un número considerable de personajes secundarios, cada uno con su historia imperfecta. Conforman los autores así un retrato costumbrista, sin caer en vicios recurrentes como son lo soez o el menoscabar todo lo patrio. El mejor aliado de dicho retrato es la facilidad que parecen tener para imprimir realismo en los diálogos y la imagen.

Con una organización poco habitual, cada volumen tiene su propia idiosincrasia tanto narrativa como estructural. Poco tienen que ver los vol. 1 y 2 (más comic-book) con el vol. 3 (formato europeo y en blanco y negro) ni con las tiras de pocas páginas de El Manglar. Esto es debido a la aversión de García a repetirse y a buscar siempre algo nuevo en el ámbito secuencial. Se nota que es un teórico consolidado y no tiene miedo de reflexionar sobre el medio incluso durante la creación de sus propias obras.

En cada tomo, el guion conduce a Titán y compañía a límites diferentes e independientes. Da la sensación a veces de creación irregular con altibajos, si bien también es cierto que esto produce frescura y espontaneidad que es lo que acaba marcando la diferencia con otras colecciones. La experimentación continua hace que el lector reflexione sobre la figura y el fondo, sobre el contenido y el continente. Y eso siempre es de agradecer.

Otro apartado que me gustaría tratar es el descubrimiento por mi parte de los lápices del artista malagueño Pepo Perez. Capaz de llevar a cabo con maestría cualquier encargo, desde reproducir soberbiamente la jungla urbana hasta hilar escenas de acción memorables. El guion saca lo mejor de su arte, retándole a esforzándose por seguir sus directrices y probar con nuevos e insólitos códigos.

Tampoco se queda a la zaga a la hora de mostrar lo más importante: la incertidumbre humana que ocupa el foco de la historia. Si me dejáis terminar la reseña con una pequeña licencia, diría que García y Perez desarrollan diligentemente una derrama existencial que nunca se termina de pagar.

EL VECINO (#1-3)

Guión: Santiago García
Dibujo: Pepo Perez
Editorial: Astiberri + Dibbuks (el Manglar) 2004-2009
Edición: Tomos a color y B/N. 136 y 144 páginas 19 y 16€
Página web: Astiberri

Cómics forasteros: Deadman de Mike Baron y Kelly Jones

2015-08-01T15:15:00.001+02:00

Cuando estaba en el otro lado de la acera, miraba con recelo prácticamente todo lo que se publicaba bajo el sello de DC. Bajo las faldas de mamá Marvel todo parecía demasiado lioso e indigno de mi atención (y, por tanto, de mi dinero). Recuerdo bastante claramente lo que pasó por mi cabeza cuando me enteré de que correteaba un superhéroe con traje rojo ceñido llamado Deadman. Una ignorante sonrisa burlona se dibujó en mi cara para, acto seguido, hacer algún chiste de calidad más que discutible.

Daba igual que nombres como Neal Adams, Alan Moore o Neil Gaiman se hubiesen interesado en algún momento en él. A mí no me parecía suficiente para dar el paso y empezar a conocer su historia. Por eso ahora me sentía en deuda con él a la hora de coger el tomo de Deadman realizado por Mike Baron y Kelly Jones.

Nunca ha sido tan fácil saber si me he arrepentido de una decisión o no. ¡Al salto descubriréis con mi análisis lo que pienso de este extraño personaje!

Los textos de introducción -¡qué haríamos sin ellos!- se tornan en herramienta indispensable para inmersiones como esta en las que no sabemos hacia dónde nos dirigimos. Gracias a ellos he sabido que Boston Brand, alias Deadman, fue una creación de Arnold Drake para Strange Adventures en 1967.

Un personaje que prometía cabalgar fructíferamente entre el mundo de los vivos y de los muertos, debido a su muerte y posterior resurrección -deidad india llamada Rama Kushna mediante- pero que por circunstancias ajenas acabó en el cajón de los superhéroes mediocres sin objetivo vital. Y todo porque su creador tuvo que dejar la editorial por discusiones creativas con la cúpula.

En esta ocasión era Mike Baron el que, en cierta manera, se sentía deudor con Deadman, sabiendo ver todo su potencial e intentando auparlo a una posición más meritoria en el panteón. Pero su relación se fraguaría poco a poco y con altibajos, como la esencia misma del personaje. Empezando por un serial mensual dentro de las páginas del Action Comics Weekly en 1988.

Con este encargo Baron empieza a adentrarse dubitativamente en la psique de este ente. Permitiendo que el desarrollo de la acción sea el que marque los tiempos del relato. Así, las sucesivas posesiones fantasmales realizadas por Deadman son las que alimentan el apetito del lector. Y si encima le añades al cóctel unos cuantos zombies, ¡diversión asegurada!

Es en la siguiente miniserie, Love and Death (1989), donde el escritor se esmera en presentarnos un personaje tridimensional (aunque resulte casi paradójico llamar así a un tipo espectral). Harto de vagar solitariamente entre los planos, encuentra la salvación romántica en la figura de Ann, un atractivo espíritu de pasado circense.

Deadman ya hace honor a su nombre y su fisionomía se parece más a alguien muerto que a un vivo. La tremenda transformación ejecutada por Kelly Jones, volviéndolo raquítico y calavérico fue un atrevimiento acertado. Su declive fisionómico va a la par con su cada vez más fragmentada mente. Parece complicado que la escala de valores del bien y del mal permanezca inalterable si se está condenado a vivir una existencia destinada al olvido.

Este planteamiento concluye en otra miniserie, Exorcism (1992), en la que el villano de la historia no es otro que él mismo. Baron rompe definitivamente con cualquier esquema de superhéroes para hablar de una persona en profunda depresión y lucha interna que resulta que lleva un ceñido traje rojo y que, además, está muerto.

La influencia de otras historias oscuras de DC, como El Caballero Oscuro o Watchmen, ayuda a que el dibujante, que ya había obtenido rodaje y confianza con Boston Brand, se suelte y juegue con todo tipo de colores, encuadres, figuras y demás recursos técnicos. Resultando una terrorífica delicia visual que va in crescendo con cada página acabada.

Es grato leer este tipo de cómics que, aunque tengan un sello en su portada, son capaces de sorprenderte y ampliar el horizonte del mundo de los superhéroes que cada vez engloba a más. No puedo esperar a leer lo que Neal Adams o José Luis García-Lopéz hicieron con Deadman. Mientras tanto, apuntadme en la lista de seguidores de Rama Kushna.

DEADMAN DE MIKE BARON Y KELLY JONES

Guión: Mike Baron
Dibujo: Kelly Jones
Tinta: Tony Dezuniga
Edición original: Action Comics Weekly, Love and Death, Exorcism (1988, 1989 y 1992) DC, EEUU
Edición: Tomo a color, 270 páginas. Planeta DeAgostini
Precio: 16,95 euros

Cómics forasteros: Cowa! de Akira Toriyama

2015-06-24T21:47:00.002+02:00

¿Es posible que la fama y el reconocimiento mundial harten tanto a alguien para que abandone todo y vuelva a empezar así desde cero? Pues sí, en el mundo loco del manga todo puede pasar. Todo. Y sino que se lo digan a Akira Toriyama, que acabó hastiado de tanto ruido en torno a sus dos mayores creaciones: Dragon Ball y Dragon Ball Z.

Porque, si dejamos la nostalgia y la melancolía aparte, y nos entregamos a la sinceridad, las aventuras de Goku y compañía acabaron convirtiéndose en un Nekketsu repetitivo, falto de ideas y de proyección a largo plazo. Seguramente no por culpa de un Toriyama centro de las exigencias, sino por la enorme demanda de más y más peleas por parte del gran público. Entendible que cerrase ese capítulo de su vida (aunque parece que ahora se vuelve a abrir con Dragon Ball Super) y quisiera volver a su otra faceta: La de la aventura imprevisible y la comedia absurda con personajes entrañables que tanto brilló con el Dr. Slump. Y esa nada más y nada menos es la esencia de Cowa!

Seguid conmigo si queréis saber cómo huyó Toriyama de Goku.

Olvidaos de las peleas hasta la extenuación. Olvidaos de las interminables miradas silenciosas entre guerreros –deudoras de las pelis del oeste de Sergio Leone–. Olvidaos de la cultura Saiyajin con bolas mágicas de fondo. Nada de eso tiene que ver con Paifu, el protagonista de Cowa!

Bueno, a lo mejor he exagerado. Dejad que me explique: este niño fantasma, Paifu (mitad vampiro, mitad hombre koala) es el análogo del Goku más revoltoso de las primeras historias de Dragon Ball. Sin embargo, que la acción se sitúe en un ambiente en el que incluso el nombre, Cabo Murciélago, juega con lo sobrenatural, le da un enfoque distinto a las aventuras.

Si Paifu es Goku, el fantasma multiforme llamado José Rogriguez –como lo leéis– es claramente Krilin. Ya tiene otra vez construida Toriyama la dinámica de pareja que tantas alegrías daba a los lectores. El héroe simpático pero distraído y el inseparable compañero asustadizo pero de buen corazón. Y para completar el tridente de referencias, el autor crea una especie de némesis cabezón al más puro estilo Vegeta en la figura de Aapon.

La historia empieza titubeante, sin saber muy bien por dónde tirar y centrándose más en la representación del lugar y sus peculiares habitantes. Pero en cuanto salta el conflicto la legendaria imaginación de Akira se dispara y con ella viene de la mano la diversión suministrada en su momento con Dr. Slump.

El nexo con la agresividad del pasado reciente se constituye mediante el único personaje humano de relevancia, Maruyama. Detalle este de especial simbolismo que seguro que no fue pensado al azar. Con este luchador de sumo el creador japonés vuelve a dibujar algunas escenas de acción, incluso cuando parecía que iba a renegar de ellas en todo el tomo. Tantos años dedicándose a los mamporros no se olvidarían como si tal cosa.

Porque el dibujo tan reconocible con el que nos criamos no aparece aquí salvo en las citadas escenas de lucha. El artista muta su estilo en pos de explotar al máximo las situaciones y diálogos surrealistas que nos brinda. La simplificación y estilización del trazo le sientan de fábula al clima de simpática odisea que se vive.

Cowa! acaba siendo para el lector lo que entiendo que fue para el autor: un oasis de paz y esparcimiento. Al creador se le ve disfrutando sin ningún tipo de ataduras, lo que acaba repercutiendo favorablemente en la lectura. Una historia recomendable con un principio y un final que dejan un regusto dulce y ganas de conocer más de Paifu.

Aunque yo haya leído la primera edición española, Planeta DeAgostini volvió a reeditar la miniserie el año pasado en un formato muy atrayente. Aquí os dejo los datos de esta última edición:

COWA!

Guión y dibujo: Akira Toriyama
Edición original: Shonen Jump, 1997-1998, Japón
Formato: Rústica sin solapas, 200 páginas a color
Precio: 10,95 €
Editorial: Planeta DeAgostini (web)

RetroReseñas: Daredevil de Ann Nocenti y John Romita Jr. (Marvel Héroes #39)

2015-06-13T14:55:00.003+02:00

Llegó el momento de (volver a) hablar del Hombre sin miedo, nuestro Daredevil. Y lo hago en el momento justo ya que ahora está de vuelta a la palestra por su nueva serie de televisión que no ha decepcionado al fandom. Apuntada está en mi lista de series pendientes. Pero centrémonos en las viñetas, en un mundo en el que el carácter individual y delimitado de la serie ha dado pie, en numerosas ocasiones, a que diversos autores se sientan más autónomos con Matt Murdock y lo desarrollen cómo se merece.

Con este objetivo entró en la colección Ann Nocenti, una de las primeras guionistas de la Casa de Las Ideas que demostró sucesivamente que tenía muchas de estas últimas. Pero claro, entró justo después de un Frank Miller que había, seguramente, llevado al personaje a su punto culmen. No pocos autores se habrían quedado gélidos ante tal encargo, pero no Nocenti.

¿Queréis descubrir lo que hizo? ¡Acompañadme!

Antes de nada, debo hacer notar que he podido realizar esta Retroreseña gracias a la edición de Marvel Héroes 39 por parte de Panini, al gran precio de 9,95 € por nada menos que 230 páginas. Si no se tenían ediciones anteriores, es una opción aconsejable.

Lo primero que salta a la vista es el feminismo del que hace gala la escritora, necesario en aquellos 80 (y en la actualidad, para qué nos vamos a engañar) evidenciado en muchas acciones y frases en torno a su nueva creación, María Tifoidea. Como por ejemplo la sentencia que le espeta un acólito a la villana: "¡Súeltame!, Me tratas como si tú fueras el hombre y yo la mujer". Tifoidea es, para el que no la conozca, una asesina bipolar (parte sensible e inofensiva y parte psicópata) que va por libre, sin responder ante nada ni nadie. Controla todo lo que sucede a su alrededor y, en esta fórmula, el cuerpo de su compañero no iba a ser menos. Sí, el hombre es el objeto. Daredevil pasa a ser una marioneta más.

Eso sí, que sea independiente no significa que no pueda forjar alianzas. Como hace con Kingpin, el cual continúa con su odio perpetuo a la dualidad Matt Murdock/Daredevil y su pretensión de destruir todo lo que éste ha construido. A él María le trata de igual a igual, poniéndose a su mismo nivel aunque sea una auténtica novata en estas lides.

Pero ¡ay, amigos! María Tifoidea no es la única figura femenina que sobresale. Karen Page, en su papel de ayudante y pareja de Matt, da muestras de una fuerza robusta. Personaje maltratado por varios autores, aquí se erige como el verdadero bastón sobre el que se apoya nuestro superhéroe, zarandeado una y otra vez aunque se haya acabado de recobrar de la pelea más importante de su vida.

Pero la figura femenina no es lo único que reivindica Ann, ya que también pone su lupa de denuncia sobre el poder financiero de Wall Street, las multinacionales contaminantes, las políticas nucleares y -¡cómo no!-, la mafia.

Nocenti no sólo se desempeña bien, sino que ejecuta airosamente todas las tramas relacionadas con los juicios que tanto gustan al lector medio de la colección. Capta que no sólo una serie de peleas callejeras en la Cocina del Infierno, sino una continua reflexión sobre la moralidad, la ética y las leyes que rigen nuestra sociedad.

Punisher hace un cameo breve, casi hasta insustancial. Y es preferible así porque la historia tiene un ritmo tan marcado y trepidante que cualquier interrupción mayor podría haberse cargado todo el conjunto. Al igual que La Antorcha Humana, aunque este sí que adquiere más relevancia en la historia al utilizar toda su vis cómica para calmar un poco la tensión narrativa.

La colección también enlaza con la saga Inferno, aprovechando esa coyuntura para hacer que la Viuda Negra pase a saludar a los personajes recurrentes de la serie. Aún así, Nocenti vuelve a hacer un malabarismo y consigue hacer suyos los elementos nuevos del crossover y enlazarlos con la trama de una manera más que satisfactoria. Llevando la acción hacia lo fantástico y lo demoníaco con un clímax que acaba justo al final del tomo. A mi entender, este es el punto clave en el que Nocenti definitivamente se hace con la serie y demuestra que está preparada para cualquier eventualidad.

A nadie se le escapa que utiliza herramientas de Frank Miller, como son las apariciones del padre de Matt a tiempo para que su hijo no se rinda por muy derrotado que se sienta o los recuerdos del maestro Stick. Por no decir que María Tifoidea es algo así como una copia moderna con sus propias circunstancias de Elektra. La guionista consigue introducir los suficientes elementos para que sus creaciones logren ser reconocidas y aguanten el paso del tiempo por sí mismas.

Casi es una herejía que no haya nombrado todavía al otro artífice de que este tomo tenga un nivel tan elevado. John Romita JR se hace con todos y cada uno de los momentos con una facilidad pasmosa. En un contexto en el que ya tenía experiencia en otras series, aquí se empieza a soltar y experimenta con las diversas formas de composición en la narración. Conviertiéndose así en heredero perfecto de un Miller que había alcanzado su cénit artístico meses antes en esa colección.

En mi opinión, a JRjr siempre le han sentado mejor los títulos individuales que los de grupos con muchos integrantes, y aquí tenemos la enésima prueba de ello. El dinamismo que le imprime a Daredevil en sus escenas de lucha (mención especial a sus espectaculares páginas dobles) apenas se puede comparar con cualquier otro artista marvelita. Si ya encima se tiene en cuenta que participó aportando ideas propias, nos encontramos con un trabajo al más alto nivel.

La saga de María Tifoidea, un relato portentoso que contribuyó con su grano de arena para que en los tardíos 80 Daredevil siguiese brillando como nunca. Hurra por Ann Nocenti y John Romita JR.

Cómics forasteros: El Ángelus

2015-05-27T20:45:00.004+02:00

He de reconocerlo, llevaba tiempo queriendo hincarle el diente a este tomo, del que me venían magníficas referencias de diversas páginas y sitios especializados. Entre eso y que me constaba que es una de las joyas de la corona de Norma Editorial en cuanto a cómic europeo se refiere, me puse manos a la obra con El ángelus, de Frank Giroud y José Homs.

La sinopsis proporcionada por Norma deja las cosas meridianamente claras: "Clovis lleva una vida gris hasta que, un día, decide entrar por primera vez en un museo. Allí queda profundamente turbado ante la visión de El Ángelus, un cuadro del pintor francés Millet."

De esta forma se nos presenta un puzzle para que estemos entretenidos un rato considerable. ¿Nos gustará la figura que forme el puzzle una vez que acabemos con él? ¿Encajarán todas las piezas o quedará alguna suelta? No os mortifiquéis, que ya estoy yo aquí para aclarar los trazos que Giroud dispensa.

Como hemos dicho, Clovis Chomel es un flemático trabajador de un pequeño pueblo al que nadie tiene en cuenta, ni siquiera su propia familia. Sin amigos, hobbys conocidos ni interés por la cultura, pasa todo los días en un universo donde impera la mediocridad. Menos mal que acaba teniendo la idea de visitar el Museo de Orsay para darse cuenta de que hay algo más ahí fuera. Un bofetón repentino e inesperado que vendrá de la mano de un misterio que le involucra a él y a su familia.

Vaya por delante que, si se conoce de antemano la historia de la obsesión de Dalí (reconocido artista creador del método paranoico-crítico) con el Ángelus, se desmantela toda la fuerza del guión desde la misma presentación del conflicto. Porque Giroud pretende enganchar al lector mediante giros narrativos figurando que éste no tiene la más mínima idea de por qué estuvieron vinculados dos artistas tan separados en estilo y época. Así, a los que ya sepan de qué va el asunto -como me pasó a mí- les asaltará una sensación de falta de profundidad. Sensación que, lamentablemente, continuará hasta el final del relato.

El autor francés parte de una idea sencilla, la de secretos de familia enlazados misteriosamente con una obra pictórica, para acabar retorciéndola hasta coquetear con el melodrama. Como ya he dicho, perder el factor sorpresa realmente malogra buena parte del volumen, en el que Giroud se esfuerza en acabar aterrizando bien después de un número considerable de piruetas.

El mensaje que impregna el autor por todas las páginas -creo que no hago ningún spoiler al comunicarlo- es lo fructífero que es tener algo que nos apasione. Algo que, voluntaria o involuntariamente, nos haga cambiar nuestra perspectiva de la vida. Algo que nos aporte beneficios de los que no teníamos noción hasta entonces. Algo, en definitiva, en lo que podamos apoyarnos para encontrar nuestra ubicación en el mundo.

Más allá de lo narrativo, nos encontramos con otro matiz solapado: el factor divulgativo. Gracias a esta historia de la obsesión del protagonista con el cuadro de Millet, se acerca esta figura a un público que seguramente esté un poco alejado de la producción del artista y no llama la atención tanto como el artista de Figueras. No por nada en la portada ponen bien grande el nombre de Dalí, ya que es uno de los artistas (sino el que más) que más llama la atención a la multitud, independientemente de que tengan conocimientos sobre arte.

Hablando de artistas, algo ha de ser reconocido: el que lleva este cómic a una categoría superior no es otro que el dibujante, el catalán José Homs. Resulta asombroso cómo controla el tempo de todos y cada uno de los momentos en los que el guión requiere expresividad. De estilo realista, extremadamente cuidadoso en los detalles sin caer en el exceso, tiene también una habilidad de composición de viñetas que hace muy placentera la lectura de cada página.

Su fortaleza es el diseño de los personajes, cambiando el aspecto de Clovis una vez que la personalidad de éste va evolucionando paralelamente durante la historia. Para subrayar esta evolución, también echa mano lúcidamente de la paleta de colores, como muy bien describe en las páginas finales de la cuidada edicion de Norma, en las que muestra cómo elabora, entinta y colorea sus dibujos.

A modo de conclusión, siento que es mi deber el resaltar por última vez que me esperaba un poco más de esta obra, concretamente del argumento. Aún y con todo, ha sido una lectura tremendamente grata, que sirve sobre todo para apuntar otro nombre más en la lista de talentos que tenemos en nuestro cómic: José Homs.

EL ÁNGELUS
Guión: Frank Giroud
Dibujo: José Homs
Editorial en España: Norma
Formato: Tomo cartoné 120 páginas
Precio: 19,50 euros