Embora este contexto se assemelhe ao que se vive na realidade do Brasil neste momento, a violência contra a mulher é apenas uma parte de A Noiva! (2026). Com direção e roteiro de Maggie Gyllenhaal, o filme é uma reimaginação da história contada em 1935 em A Noiva de Frankenstein. No novo filme, o homem reanimado procura a Dra. Euphronious (Annette Bening), em Chicago, porque está morrendo de solidão. Frankenstein, vivido por Christian Bale, quer uma igual para chamar de sua e é a partir daí que a revolução começa.

A Noiva! (2026) não é apenas uma reimaginação de outro filme, mas também uma nova forma de mostrar o surgimento dos movimentos feministas em um momento em que mulheres eram silenciadas. Com a personagem de Jessie Buckley, que flerta com diferentes tipos de nomes ao longo do filme e sem que qualquer um realmente se encaixe, o longa questiona e derruba as convenções da época que refletem ainda hoje o lugar de poder dos homens na sociedade.

Neste contexto, o filme apresenta um texto que busca equilibrar a complexidade poética e teatral com um núcleo de personagens mundanos que aplicam no cotidiano o domínio masculino que apaga os méritos femininos. É desta maneira questionadora que A Noiva! coloca as mulheres no centro das ações, com Jessie Buckley em papel duplo ao dar vida também a Mary Shelley (autora do clássico literário Frankenstein de 1818), que nesta reimaginação, conta para o mundo a história revolucionária que sempre quis escrever.

Para que tudo isso tenha impacto na tela, Maggie Gyllenhaal resolveu orquestrar um filme autoral cuja estética rompe a barreira histórica, trazendo para a tela a estética e o movimento como uma referência contracultural agressiva. Neste caso, violência gera mais violência, sobretudo quando se está cansado de tantos absurdos. É desta forma que homens exercem o seu controle, não apenas sobre as mulheres, mas uns sobre os outros, porque há também nessa história um conflito com a máfia que transforma os supostos homens bons em policiais corruptos.

Desta forma, Maggie Gyllenhaal constrói amarrações sólidas em sua história. A diretora e roteirista une a sobrevida que dá a Mary Shelley com a vida de uma Ida (Buckley) violentada e assassinada. Depois, a partir de um pedido de socorro de Frankenstein, a Dra. Euphronious cria A Noiva, cujo nome nenhum lhe cabe, e em uma reação instintiva a personagem que dá nome ao filme age como uma forma geométrica rebelde, como bem explicado em um momento da própria história.

Com isso, entra no jogo uma dupla de investigadores, em que a mulher é constantemente invalidada, a não ser pelo suposto colega legal que em nada ajuda na causa. No entanto, a personagem vivida por Penélope Cruz é a verdadeira detetive que procura uma solução para a sequência de crimes que acontecem durante a história.

Com essa perspectiva estabelecida pelo longa-metragem, a personagem de Jessie Buckley se torna uma personificação de todos esses significados. Então, a protagonista entra em cena para desafiar essas convenções e não para realizar o desejo de Frankenstein. Com este espírito rebelde que não cabe em uma sociedade tão atrasada, A Noiva! (2026) é uma história de amor, crime e revolução.

“Eu prefiro não“, responde a personagem de Jessie Buckley em diversos momentos do filme quando alguém lhe pede algo. Dizer não em uma sociedade que há séculos te obriga a dizer sim é um ato revolucionário. Desta maneira, o movimento instintivo da personagem toma as ruas e sua marca se espelha em outras mulheres que se empoderam e passam a dizer não para a violência e o apagamento.

Enquanto o texto se mostra potente em significado e a história transita entre tons poéticos e acessíveis, Maggie Gyllenhaal constrói sua ambientação na década de 1930 utilizando o gótico melancólico atravessado pelo punk do futuro. Com isso, a diretora deixa claro que o movimento feminista também é estético, compreendendo isso não apenas como visual, mas principalmente como um conjunto de símbolos que causam impacto. A maquiagem borrada, as roupas desabotoadas e os cabelos desarrumados vão de encontro à perfeição que as mulheres precisavam ter. Se as palavras e as atitudes causavam esse efeito contrário, o vestido laranja desabotoado usado pela protagonista também é um ato revolucionário.

Além de expor todas estas ideias e encontrar maneiras de deixá-las fluir permeando a história, Maggie Gyllenhaal ainda constrói um amor que não encaixa seus personagens em um imaginário coletivo já estabelecido. O caminho escolhido pelo filme coloca “A Noiva e seu Frankenstein” em lugares de compreender um ao outro, sem que ambos deixem de ser aquilo que são. Isso vai ao encontro da ideia que o longa produz sobre sua protagonista, diante da sua nova vida, descobrir a mulher que é e que antes nunca pôde ser. Assim como coloca a figura marcante do horror em um lugar de perturbação, em frente à desconstrução do seu mínimo lugar de poder herdado pelo gênero que carrega.

A Noiva! (2026) pode ser um filme de crime ao estilo Bonnie e Clyde com o tempero eloquente do que Coringa: Delírio à Dois (2024) jamais foi capaz de entregar (aliás, este novo filme, talvez seja muito feliz na proposta de ter em A Noiva e Frankenstein uma Arlequina e um Coringa mais interessantes do que a obra de Todd Phillips). Entre a poesia e o texto acessível, Maggie Gyllenhaal convida o público a se impactar com o seu segundo longa-metragem e a pensar em como existir hoje. Nem sempre o cinema é só cinema. Às vezes, a arte ajuda as pessoas a olharem o mundo que habitam, identificando problemas, refletindo sobre a história humana que os levou ao hoje e que pode fazer um novo amanhã.

Esse é um poder que somente a sétima e outras instâncias da arte podem causar. Somente os filmes, séries, a literatura ou pinturas conseguem impregnar-se na mente de quem as assistiu, leu ou observou. Mesmo chocantes, as notícias são consumidas como uma enxurrada de informações que impactam e revoltam, mas que nem sempre ficam. A arte, por outro lado, persiste, permanece, incomoda, acompanha e vira memória. A Noiva! (2026) é um filme autoral, com traços marcantes que revelam o potencial artístico e criativo de Maggie Gyllenhaal, que entrega ao público uma história, que aos olhos de muitos, pode ser um ótimo filme, enquanto em outros tem a chance de ser algo que transcende a ideia de ser apenas um filme.

Assista ao trailer de A Noiva! (2026)

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Isso Ainda Está de Pé? narra a história do casamento de Alex (Will Arnett) e Tess (Laura Dern) conforme a relação parece estar chegando ao fim. Juntos há mais de 20 anos, o casal em vias da separação vive momentos semelhantes ao tentar reencontrar a si. Trata-se de um relacionamento em que ambas as partes se perderam, tanto como a unidade do casal quanto as próprias individualidades.

O filme é uma comédia romântica contemporânea que ensaia conversar com espectador com mais maturidade que os filmes do gênero costumam fazer. Essa intenção não se concretiza em tela porque o caminho escolhido pelo diretor e pelo roteiro é o mais convencional possível. Logo, em vez de sustentar suas provocações, Isso Ainda Está de Pé? mastiga as respostas para o público, reduzindo a margem de interpretação subjetiva sobre relacionamentos heterossexuais da atualidade.

Com a história centralizada na crise de meia-idade que Alex enfrenta junto com o término do casamento, o longa-metragem procura respostas para a fase vivida pelo personagem e para o que fez ele e a então esposa chegarem ao fim da relação. É aí que o filme ensaia suas ideias mais maduras. Com isso, Bradley Cooper conecta o personagem principal, por acaso, ao stand up em um processo de entendimento próprio. Não é cura e nem terapia, embora seja uma etapa semelhante à segunda, mas uma maneira do protagonista vivido por Will Arnett compreender onde se encontra dentro deste recorte.

Enquanto isso, um dos pontos interessantes da história está atrelado à vida que o roteiro é capaz de dar para Tess. A personagem de Laura Dern é mais absoluta sobre o motivo que a levou a querer a separação. No entanto, suas inquietações são mais pertinentes e fazem a personagem embarca por uma jornada pessoal que busca preencher as lacunas que os últimos anos de casamento deixaram. Embora escrito por três homens, o roteiro não se restringe a colocar a protagonista feminina em um local de dependência masculina. Mesmo com menos espaço para desenvolvimento, é um acerto do filme levar Tess por caminhos próprios.

Ao estabelecer os problemas do relacionamento, os desdobramentos na vida de ambas as partes e colocar na mesa os conflitos de cada personagem, Isso Ainda Está de Pé? faz um diagnóstico das relações contemporâneas e das suas imperfeições. Para o filme e sua história baseada em fatos reais, há a compreensão de que casamentos não são perfeitos e o amor é composto pela paixão que domina os envolvidos e por todos os pormenores causados pelo tempo e pela convivência.

A partir deste contexto, Isso Ainda Está de Pé? limita-se à sua própria história sem arriscar o embate contra as próprias convenções do gênero. Desta forma, o filme de Bradley Cooper opta pelos desfechos mais comuns que tramas como esta costumam ter.

Com este resultado, a maturidade apresentada pelo roteiro, que parecia ser um diferencial, se perde e abre espaço para que o público receba mais uma comédia romântica comum que deixa como legado algumas reflexões. Entre elas está a mais básica de todas: relações precisam de manutenções periódicas e constantes por meio do diálogo. Com isso, o novo título da filmografia de Cooper cumpre um papel simples de entreter com algum significado.

Assista ao trailer de Isso Ainda Está de Pé?

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Com direção de Ken’ichirô Akimoto e Yukinori Nakamura, Você Só Precisa Matar mostra um futuro próximo, onde a terra foi invadida por um organismo alienígena conhecido como Darol. Essa criatura que se enraíza no Japão, como se fosse uma árvore gigantesca, é responsável por soltar no mundo criaturas monstruosas que destroem tudo o que está no seu caminho. Rita, uma das sobreviventes que tenta combater diariamente o Darol, se vê presa em um loop temporal, vivendo o mesmo dia repetidas vezes enquanto tenta, quase sozinha, combater o inimigo.

Como aliado desta história, o anime em formato de longa-metragem tem a duração de pouco mais de uma hora e 20 minutos. Akimoto e Nakamura, no entanto, não utilizam o tempo ao seu favor, pois Você Só Precisa Matar tem assuntos importantes para tratar com a audiência a partir das suas entrelinhas, mas boa parte da história, antes de embarcar naquilo que importa, ocupa o tempo de tela do que o filme tem de mais interessante.

Você Só Precisa Matar é uma metáfora para problemas que dominam o mundo e ficam impregnando na vida das pessoas. Não se trata de uma questão específica, afinal, cada indivíduo vive uma história própria e diferente a cada dia que passa. O ponto do anime é que essas adversidades impedem a plenitude do amanhã.

Nesse contexto, Rita, a protagonista da história, ganha a oportunidade de enfrentar esse monstro repetidas vezes até que consiga compreender como derrotá-lo. No meio do caminho, Keiji, outro sobrevivente que mora no mesmo abrigo e que também está preso no loop temporal, se torna um forte aliado na luta contra o Darol.

Ao dedicar tempo de tela para a protagonista enfrentar o Darol sem avançar na própria narrativa, Você Só Precisa Matar abre mão de levar o público a acompanhar uma jornada transformadora de sua protagonista. Existe, sim, um arco de mudança que passa sobretudo pelo amadurecimento da personagem diante da sua luta contra a criatura, mas a história resolve isso com um estalar de dedos e poucas linhas de diálogos.

Com isso, a profundidade da história e o potencial das suas entrelinhas se perde no meio da aventura. A dupla de diretores, que comanda o filme a partir do roteiro de Yûichirô Kido, perde a oportunidade de desenvolver em plenitude o que há de mais interessante na obra. Embora dedique parte do seu foco à ação, o filme também não entrega sequências de lutas memoráveis, explorando o recurso como uma sequência de videoclipes. Por outro lado, mesmo optando por caminhos que aprofundam menos o longa-metragem, o traço da animação reforça o potencial da obra.

Embora a mensagem esteja entranhada no desdobramento final da narrativa, Você Só Precisa Matar desperdiça a chance de cativar o público com sua história sobre o mundo contemporâneo. As entrelinhas do que acontece com Rita e Keiji estão diretamente ligadas a dilemas do dia a dia de um mundo que não para e sequer pensa naquilo que está fazendo, mas que tem fome por um amanhã melhor.

Assista ao trailer de Você Só Precisa Matar

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A frase “na aparência, é um autêntico cigano de pele escura” descreve Heathcliff logo no começo do livro. Agora, o personagem é vivido por Jacob Elordi, que em nada se parece com o que é apresentado. Com a escalação do ator, a nova versão já dava os primeiros indícios de um distanciamento em relação à obra original. E, naturalmente, corria o risco de trazer de volta debates sobre o embranquecimento de personagens originalmente não-brancos, não sendo a primeira produção a fazer isso no cinema ou na televisão.

Com a divulgação dos trailers e dos demais materiais promocionais do filme, ficou evidente que não se tratava de uma adaptação de fato, mas sim de uma nova versão, ou, precisamente, de “O Morro dos Ventos Uivantes”, de Emerald Fennell. A cineasta responsável por Saltburn (2023) e Bela Vingança (2020), apresenta ao público uma reinterpretação de uma das histórias mais conhecidas da literatura.

Nesse contexto, a trama de Cathy (Margot Robbie) e Heathcliff (Jacob Elordi) se transforma em um romance adulto sobre um amor avassalador na intensidade com a qual contamina seus personagens e pela sua capacidade de destruí-los. A ideia do filme é levar os protagonistas a um enfrentamento das convenções sociais das relações, sem julgar suas escolhas ou estabelecer limites, deixando isso para a audiência discutir.

Como parte da nova versão, Emerald Fennell e sua equipe estabelecem uma roupagem visual ousada e esteticamente pop como grande marca desta releitura. Com cores vibrantes e provocativas, a direção de arte e o figurino são o que mais chamam a atenção. Seja pela composição dos cenários das residências e do quanto refletem os personagens e suas famílias ou em como a vastidão dos ambientes abertos é aproveitada como possibilidade do desconhecido.

Sendo assim, a reinterpretação de “O Morro dos Ventos Uivantes” se distancia de ser um filme de época comum, deixando de lado aproximações visuais com obras sóbrias como Orgulho e Preconceito (2006), cuja história também acontece durante o século 19. A partir disso, o longa-metragem de Emerald Fennell transforma elementos do seu estilo gótico e barroco em uma estética pop própria para trabalhar a serviço da narrativa e dos seus personagens.

A partir disso, “O Morro dos Ventos Uivantes” se distancia da ideia de ser uma transposição de livro para o cinema, se tornando algo novo e próprio do que a diretora, e também roteirista, propõe. É desta maneira que, além da cenografia, o filme sustenta no figurino as suas ideias de realidade e desejo. No entanto, o ato de desejar não se refere exclusivamente à fisicalidade dos personagens, mas também ao que é a realidade de cada um e o que eles querem para ter uma vida melhor.

É assim que Emerald Fennell estabelece logo no começo as dificuldades enfrentadas por Cathy e uma vida economicamente difícil sustentada por um status social que vive à sombra do nome da família. Para Heathcliff, que foi abandonado e resgatado por um homem que enfrenta problemas com a bebida, tudo é ainda pior pela forma como é tratado. Roupas sujas, um quarto na parte de cima de um galpão exposto pelo desgaste dos materiais. Nem mesmo a relação de carinho e afeição com a protagonista pode mudar a dura realidade enfrentada por ele.

Desta forma, a trama se desenvolve com um aparato uniforme entre roteiro, elenco e mise-en-scène. Para tornar tudo isso ainda mais pop, Emerald Fennell conta com a trilha sonora de Charli XCX para encantar o público. Uma armação bem orquestrada da cineasta para brincar com as fantasias dos espectadores.

Nesse sentido, “O Morro dos Ventos Uivantes” demonstra um grande interesse em criar vínculos com a audiência na sala de cinema. Não se trata de um filme que levanta discussões sociais como Bela Vingança ou de um entretenimento socialmente comprometido como Saltburn. O novo filme de Emerald Fennell é como um encontro entre Orgulho e Preconceito com Cinquenta Tons de Cinza, onde a dor não é física, mas uma agonia emocional causada por uma paixão corrosiva que condena seus personagens ao desejo e destruição mútuos.

A partir disso, o desejo proibido entre Cathy e Heathcliff está atrelado à posição de cada um. Ela quer uma vida distante das dificuldades financeiras e do caos familiar em que foi criada. Compreendendo que Heathcliff não teria condições de tirá-la de uma vida tão ordinária, a protagonista é atraída pela grama mais verde do novo vizinho rico. 

Do outro lado, Heathcliff está ciente de que não tem o que é necessário para ter Cathy em seus braços. Ou seja, atração e desejo não são suficientes para os dois. No entanto, em condições ideais, dinheiro, conforto e status social não são impeditivos para que ambos coloquem tudo o que conquistaram em risco quando saboreiam o prazer.

Com os conflitos estabelecidos, Emerald Fennell deixa claro que o seu “O Morro dos Ventos Uivantes” não se trata de um romance convencional. Ao deixar essa ideia de desfechos hegemônicos de lado e com base na obra que a inspira, a diretora ainda faz questão de desvincular os seus personagens de qualquer construção que os torne boas pessoas. Cathy, Heathcliff e companhia são compostos e marcados por inúmeros defeitos ou comportamentos reprováveis que vão do egoísmo à soberba. Da mesma maneira em que demonstram todas as fragilidades das lacunas emocionais que suas vidas possuem.

Embora acerte em trazer todas estas camadas para a história, nem sempre o roteiro de “O Morro dos Ventos Uivantes” se demonstra eficiente na construção dessas dinâmicas entre os personagens. O texto é expositivo, em sinal de que as imagens e acontecimentos não se julgam suficientes quando mostrar aquilo que o filme propõe. Mesmo que a ideia seja tornar a história um fenômeno pop, essas escolhas fragilizam o roteiro, que nem sempre consegue acompanhar a qualidade estética que criou para si.

Acompanhando isso, “O Morro dos Ventos Uivantes” parece procurar por cenas e diálogos icônicos para marcar os espectadores. Desta maneira, corre o risco de tornar sua relação mecânica com o público que tenta cativar. Embora seja ousado na performance física dos atores, que encarnam com precisão o material que lhes é disponibilizado, essa busca incessante de produzir acontecimentos visuais e textuais dá ao espectador uma sequência de punchlines. Desta maneira, sobra originalidade visual e inconstância na identidade do roteiro que alterna diálogos expositivos com frases de efeito poéticas que procuram sua potência na imagem.

Paralelo a tudo isso, há ainda uma sub trama de intriga e mentira que rodeia Cathy e Heathcliff. O elemento demonstra que além de proibido, o envolvimento entre eles é indesejado. Mesmo que as razões disso sejam evidentes e justifiquem as atitudes de determinada personagem, o filme não se dedica a explorar em profundidade o que realmente a motiva. 

Em “O Morro dos Ventos Uivantes”, Emerald Fennell assume os riscos de produzir a própria versão de uma das histórias mais conhecidas da literatura. Demonstrando-se como um entretenimento adulto, o longa aborda questões profundas sobre amor e desejo, criando cenas plasticamente ousadas que podem, sim, fisgar a audiência. No entanto, o filme desliza com um texto que mira na complexidade e acerta na exposição, além de ter dificuldade em conduzir o público aos seus grandes acontecimentos sem que estes pareçam fabricados demais. 

Ainda assim, a ousadia de Emerald Fennell em bancar uma versão própria e pop em “O Morro dos Ventos Uivantes” vale como um exercício autoral de uma cineasta em seu terceiro trabalho. Desde o lançamento de Bela Vingança, a diretora e roteirista demonstra um senso estético apurado ao ter ao seu lado uma equipe que compreende visualmente onde ela quer chegar com suas histórias. 

Com todo esse contexto, Emerald Fennell se reafirma como uma das cineastas mais interessantes da sua geração, que agora tem em sua filmografia um “O Morro dos Ventos Uivantes” para chamar de seu.

Assista ao trailer de “O Morro dos Ventos Uivantes”

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As quatro indicações são históricas por si, mas se tornam ainda mais especiais porque na estreia da categoria de Melhor Escalação de Elenco o filme brasileiro registrou o seu nome na memória da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood.

Além de O Agente Secreto, o Brasil também é representado por Adolpho Veloso, indicado a Melhor Fotografia pelo filme Sonhos de Trem, sendo também favorito a vencer o prêmio. Havia também a expectativa para uma indicação para Affonso Gonçalves. Ao lado de Chloé Zhao, ele responsável pela edição de Hamnet: A Vida Antes de Hamlet, mas acabou ficando de fora da disputa.

Os documentários Apocalipse nos Trópicos e Yanuni (co-produção indígena e brasileira) e o curta-metragem Amarela, que integravam a shortlist do Oscar 2026, também ficaram de fora das indicações.

Entre todos os indicados, dois filmes são os grandes destaques: Pecadores e Uma Batalha Após a Outra. O primeiro recebeu 16 indicações enquanto o segundo 13. Até o momento, os filmes de Ryan Coogler e Paul Thomas Anderson, respectivamente, são os dois principais títulos da temporada de premiações.

Outros longas-metragens de destaque entre os indicados ao 98º Oscar são Valor Sentimental (9), Marty Supreme (9), Frankenstein (9) e Hamnet: A Vida Antes de Hamlet (8).

Ainda entre os indicados, Chloé Zhao fez história mais uma vez. A cineasta chinesa, vencedora do Oscar de Melhor Direção por Nomadland, recebeu a sua segunda indicação na categoria. Esta é apenas a segunda vez na história que uma mulher é indicada duas vezes ao prêmio, feito que antes era de Jane Campion por O Piano (1993) e Ataque dos Cães (2021) – via Mulher no Cinema.

A cerimônia de entrega dos prêmios do 98º Oscar está marcada para o dia 15 de março.

Confira os indicados ao Oscar 2026

Melhor Filme

Bugonia
F1
Frankenstein
Hamnet
Marty Supreme
Uma Batalha Após a Outra
O Agente Secreto
Valor Sentimental
Pecadores
Sonhos de Trem

Melhor Direção

Chloé Zhao (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)
Josh Safdie (Marty Supreme)
Paul Thomas Anderson (Uma Batalha Após a Outra)
Joachim Trier (Valor Sentimental)
Ryan Coogler (Pecadores)

Melhor Ator

Timothée Chalamet (Marty Supreme)
Leonardo DiCaprio (Uma Batalha Após a Outra)
Ethan Hawke (Blue Moon)
Michael B. Jordan (Pecadores)
Wagner Moura (O Agente Secreto)

Melhor Atriz

Jessie Buckley (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)
Rose Byrne (Se Eu Tivesse Pernas, Eu Te Chutaria)
Kate Hudson (Song Sung Blue)
Renate Reinsve (Valor Sentimental)
Emma Stone (Bugonia)

Melhor Ator Coadjuvante

Benicio del Toro (Uma Batalha Após a Outra)
Jacob Elordi (Frankenstein)
Delroy Lindo (Pecadores)
Sean Penn (Uma Batalha Após a Outra)
Stellan Skarsgard (Valor Sentimental)

Melhor Atriz Coadjuvante

Elle Fanning (Valor Sentimental)
Inga Ibsdotter Lilleaas (Valor Sentimental)
Amy Madigan (A Hora do Mal)
Wunmi Mosaku (Pecadores)
Teyana Taylor (Uma Batalha Após a Outra)

Melhor Roteiro Original

Blue Moon (Robert Kaplow)
Foi Apenas Um Acidente (Jafar Panahi em colaboração com Nader Saïvar, Shadmehr Rastin e Mehdi Mahmoudian)
Marty Supreme (Ronald Bronstein e Josh Safdie)
Valor Sentimental (Eskil Vogt e Joachim Trier)
Pecadores (Ryan Coogler)

Melhor Roteiro Adaptado

Bugonia (Will Tracy)
Frankenstein (Guillermo del Toro)
Hamnet: A Vida Antes de Hamlet (Chloé Zhao e Maggie O’Farrell)
Uma Batalha Após a Outra (Paul Thomas Anderson)
Sonhos de Trem (Clint Bentley e Greg Kwedar)

Melhor Filme Internacional

O Agente Secreto
Foi Apenas Um Acidente
Valor Sentimental
Sirat
A Voz de Hind Rajab

Melhor Animação

Arco
Elio
Guerreiras do K-Pop
A Pequena Amélia
Zootopia 2

Melhor Documentário

A Solução do Alabama
Come See Me in the Good Light
Cutting Through Rocks
Mr. Nobody Against Putin
The Perfect Neighbor

Melhor Edição

F1 (Stephen Mirrione)
Marty Supreme (Ronald Bronstein e Josh Safdie)
Uma Batalha Após a Outra (Andy Jurgensen)
Valor Sentimental (Olivier Bugge Coutté)
Pecadores (Michael P. Shawver)

Melhor Fotografia

Dan Laustsen (Frankenstein)
Darius Khondji (Marty Supreme)
Michael Bauman (Uma Batalha Após a Outra)
Autumn Durald Arkapaw (Pecadores)
Adolpho Veloso (Sonhos de Trem)

Melhor Design de Produção

Frankenstein
Hamnet: A Vida Antes de Hamlet
Marty Supreme
Uma Batalha Após a Outra
Pecadores

Melhor Figurino

Deborah L. Scott (Avatar: Fogo e Cinzas)
Kate Hawley (Frakenstein)
Malgosia Turzanska (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)
Miyako Bellizzi (Marty Supreme)
Ruth E. Carter (Pecadores)

Melhor Cabelo e Maquiagem

Frankenstein (Mike Hill, Jordan Samuel e Cliona Furey)
Kokuho (Kyoko Toyokawa, Naomi Hibino e Tadashi Nishimatsu)
Pecadores (Ken Diaz, Mike Fontaine e Shunika Terry)
Coração de Lutador: The Smashing Machine (Kazu Hiro, Glen Griffin e Bjoern Rehbein)
The Ugly Stepsister (Thomas Foldberg e Anne Cathrine Sauerberg)

Melhor Trilha Sonora Original

Jerskin Fendrix (Bugonia)
Alexandre Desplat (Frankenstein)
Max Richter (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)
Jonny Greenwood (Uma Batalha Após a Outra)
Ludwig Goransson (Pecadores)

Melhor Canção Original

“Dear Me”, por Diane Warren (Diane Warren: Relentless)
“Golden”, por EJAE, Mark Sonnenblick, Joong Gyu Kwak, Yu Han Lee, Hee Dong Nam, Jeong Hoon Seon e Teddy Park (Guerreiras do K-Pop)
“I Lied to You’, por Raphael Saadiq e Ludwig Goransson (Pecadores)
“Sweet Dreams of Joy”, por Nicholas Pike (Viva Verdi!)
“Train Dreams”, por Nick Cave e Bryce Dessner (Sonhos de Trem)

Melhor Som

F1
Frankenstein
Uma Batalha Após a Outra
Pecadores
Sirat

Melhores Efeitos Visuais

Avatar: Fogo e Cinzas
F1
Jurassic Wolrd: Rebirth
The Lost Bus
Pecadores

Melhor Escalação de Elenco

Hamnet
Marty Supreme
Uma Batalha Após a Outra
O Agente Secreto
Pecadores

Melhor Curta-metragem

Butcher’s Stain
A Friend of Dorothy
Jane Austen’s Period Drama
The Singers
Two People Exchanging Saliva

Melhor Animação em Curta-metragem

Butterfly
Forevergreen
The Girl Who Cried Pearls
Retirement Plan
The Three Sisters

Melhor Documentário em Curta-metragem

All the Empty Rooms
Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud
Children no More: “Were and are Gone”
The Devil is Busy
Perfectly a Strangeness

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O filme é uma adaptação de Hamnet, de Maggie O’Farrell, que também assinou o roteiro do longa-metragem ao lado da cineasta chinesa. A trama dá nome e história para Agnes, vivida por Jessie Buckley. A autora da obra literária utiliza os poucos registros históricos da esposa de Shakespeare para criar o livro que agora ganha também as telas dos cinemas.

Em Hamnet, o público conhecerá uma mulher que encontra no contato com a natureza a sua conexão com o mundo e a vida até que o amor avassalador por um jovem, William Shakespeare (Paul Mescal), atravessa seu caminho. Neste contexto, ao conhecer Agnes e William, o público pode se conectar com a obra pela paixão intrínseca do texto e pelas imagens delicadamente capturadas pelo longa-metragem. Na medida em que o filme avança, o amor floresce e se torna maternidade. 

Momento a momento, Chlóe Zhao redesenha com naturalidade cada etapa da vida desses personagens, com foco nas mudanças e nos impactos de cada rumo apresentado. Um domínio preciso de construção e condução de narrativa e personagens.

A delicadeza volta para a tela quando a diretora retrata parte da infância dos filhos de Agnes e William. Desta forma, acompanha Hamnet (Jacobi Jupe) com a pureza necessária que só uma criança é capaz de ter. A sensibilidade apurada da diretora torna cada personagem digno da empatia do espectador.

Na época em que a trama se passa, a Europa é assolada por surtos de peste bubônica, o que coloca no meio do longa-metragem não o clímax da história, mas o seu ponto de ruptura. É neste momento que o amor se torna dor e luto.

A construção de Hamnet (Jupe), que conquista a simpatia do público, chega ao momento fatídico de sua partida. Uma sequência de acontecimentos tão comoventes quanto dilacerantes. O significado da escolha de uma criança, cuja inocência é atravessada pela injusta maturidade que lhe é exigida, gerando um dos momentos dramáticos mais importantes da sétima arte neste século.

A sequência resulta em uma das atuações mais poderosas dos últimos anos que poucas atrizes, além de Jessie Buckley, poderiam entregar com tamanha perfeição. Não se trata de uma cena apenas digna de Oscar, mas de um momento memorável que só o tempo e o público podem preservar.

Hamnet, filme e personagem, morrem ao mesmo tempo. A partir disso, a melancólica e dolorosa poesia visual de Chlóe Zhao embarca profundamente no luto da mãe e na incapacidade de demonstração emocional do pai. Desta forma, o público acompanha o sofrimento mútuo de duas pessoas que não conseguem ser aquilo que precisam um para o outro. 

No filme, William Shakespeare é marcado pela ausência exigida pelo seu trabalho. Não se trata de uma biografia do gênio, mas de um retrato humano a partir de uma perspectiva específica que coloca uma personagem apagada da história no centro de uma trama sobre paixão, maternidade e luto.

É comum que a vida pessoal de figuras tão conhecidas seja menos maravilhosa do que suas aptidões. Então, embora seja incapaz de expressar a própria dor e acolher a esposa e mãe enlutada, William cria, a partir da sua inabilidade emocional, uma das peças mais renomadas da história, transformando a dor em arte. 

O luto e a lacuna da ausência não podem ser preenchidas, mas as memórias que resultam em saudades e colocam a mente em um ciclo eterno de reviver o que houve de bom dão a Hamnet (filme) uma nova forma de viver. Assim como Agnes, ao ver a estreia de Hamlet, enxerga no palco uma nova vida para o filho que perdeu.

Na peça encenada no filme, Hamlet é interpretado por Noah Jupe, irmão de Jacobi Jupe. A poesia, a tragédia e a ironia andam lado a lado na obra de Chlóe Zhao. É desta maneira e neste momento que Hamnet: A Vida Antes de Hamlet transcende em si. 

Poucos filmes são capazes de causar tamanha comoção sem apelar. O equilíbrio entre controle e sensibilidade na condução desta trama soma-se à precisão técnica de quando o longa precisa falar com o público. Sem a intervenção de recursos estéticos moldados com a finalidade de causar algo, Hamnet: A Vida Antes de Hamlet mostra que é cinema, arte, poesia e tragédia. Uma história para ser vista e sentida.

Assista ao trailer de Hament: A Vida Antes de Hamlet

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• Veja os vencedores do 83º Globo de Ouro

Após a vitória, O Agente Secreto ainda disputava outros dois prêmios: Melhor Ator em Filme de Drama, com Wagner Moura, e Melhor Filme de Drama. No palco do Globo de Ouro, antes de outro anúncio histórico que ainda iria ocorrer, Kleber Mendonça Filho, roteirista e diretor do filme, fez um discurso de agradecimento exaltando a trajetória do filme. “Obrigado à Neon, obrigado ao Festival de Cinema de Cannes. Eu também gostaria de agradecer à Vitrine Filmes no Brasil, que transformou O Agente Secreto em um blockbuster muito incomum em nosso país“, disse o cineasta.

Depois, chegou a vez de Wagner Moura repetir o feito de Fernanda Torres. Com anúncio de Diane Lane e Colman Domingo, o ator brasileiro recebeu o Globo de Ouro de Melhor Ator em Filme de Drama. Com o prêmio em mãos, o protagonista de O Agente Secreto fez questão de mandar uma mensagem para o público brasileiro. “Para todo mundo no Brasil assistindo isso agora, viva o Brasil, viva a cultura brasileira“, disse Wagner Moura, em português, fechando o seu discurso.

Com as duas vitórias, o filme brasileiro que segue campanha rumo ao Oscar foi o grande destaque da noite ao lado de Hamnet: A Vida Antes de Hamlet e Uma Batalha Após a Outra. O filme dirigido por Paul Thomas Anderson foi o título com mais vitórias no Globo de Ouro e o drama de Chlóe Zhao levou o principal prêmio de cinema. No entanto, O Agente Secreto foi amplamente celebrado em suas conquistas, mais uma vez, no palco da festa de Hollywood, os olhos do mundo se voltaram para o cinema brasileiro, em especial, o realizado por Kleber Mendonça Filho em seu longa-metragem.

Em uma noite com pronunciamentos pouco contundentes, as falas dos brasileiros, especialmente nas salas de imprensa, deram ainda mais protagonismo ao filme. Após a vitória, Wagner Moura falou sobre o significado do Melhor Filme de Língua Não Inglesa da noite. “O Agente Secreto é um filme sobre a memória ou a falta de memória e sobre trauma geracional. Eu acho que, se o trauma pode ser passado através das gerações, os valores também podem. Então, isto é para aqueles que estão mantendo seus valores em momentos difíceis“, declarou o vencedor do prêmio de Melhor Ator em Filme de Drama no 83º Globo de Ouro.

Uma semana antes, no dia 04 de janeiro, O Agente Secreto recebeu a estatueta de Melhor Filme Estrangeiro no Critics Choice Awards, com menos prestígio na ocasião. Kleber Mendonça Filho estava concedendo uma entrevista antes do início da premiação quando recebeu o troféu. Em entrevista à TV Globo, o cineasta fez menção indireta ao episódio. “Hoje à noite foi no palco”, disse o diretor.

Embora a premiação da Critics Choice Association tenha se arrependido da escolha (levando o cineasta brasileiro e Wagner Moura para apresentarem a categoria principal daquela noite, que culminou ainda na frase “como chamamos no Brasil, Melhor Filme Estrangeiro“), o longa brasileiro assumia ali o protagonismo dos títulos estrangeiros na temporada de prêmios. A vitória no Globo de Ouro foi apenas a coroação do momento de reconhecimento, prestígio e, mais importante, visibilidade visando, ainda, indicações ao Oscar.

“Democracia, cultura e filmes coexistem”: os discursos após a vitória

Após receberem os prêmios, os vencedores eram direcionados a uma sala de imprensa onde eram rapidamente entrevistados por jornalistas que realizavam a cobertura in loco do 83º Globo de Ouro. A Matinê teve acesso virtual ao local por meio de uma transmissão exclusiva da The Associated Press, concedida também com cortesia da Dick Clark Productions.

Em tom mais político do que o discurso no palco, Wagner Moura falou de cultura e democracia. “Acredito que cultura e democracia caminham juntas; após um período muito sombrio, temos agora um momento de democracia onde podemos respirar e um governo que entende que a cultura é importante para o desenvolvimento do país. Democracia, cultura e filmes coexistem, eles não vivem um sem o outro“, declarou o ator brasileiro.

Em sua entrevista, Moura também falou sobre a ditadura militar e o período entre 2018 e 2022, quando Jair Bolsonaro exercia o seu mandato como presidente. “Acho que temos que continuar fazendo filmes sobre a ditadura, ela ainda é uma cicatriz aberta na vida brasileira. Aconteceu há apenas 50 anos. Recentemente, de 2018 a 2022, tivemos um presidente de extrema-direita/fascista no Brasil que é uma manifestação física dos ecos da ditadura“, afirmou o ator. Ainda em sua fala, Wagner Moura disse que a ditadura ainda é presente no cotidiano dos brasileiros, acreditando ser necessário continuar fazendo filmes sobre isso.

Assim como o intérprete do protagonista do filme, Kleber Mendonça Filho não se esquivou de falar sobre política. “Cerca de 10 anos atrás, o Brasil deu uma guinada muito acentuada para a direita e esse tempo agora passou. O ex-presidente (Jair Bolsonaro) está agora na prisão. Ele foi epicamente irresponsável em termos de não liderar o país“, declarou o cineasta.

Apesar das falas incisivas, reforçando seus posicionamentos como fizeram ao longo de toda a trajetória de divulgação do filme, Kleber Mendonça Filho e Wagner Moura também falaram sobre o cinema brasileiro, destacando o momento importante vivido pelos filmes produzidos no país. “É um momento tão bonito para o cinema brasileiro, não apenas por ter Ainda Estou Aqui no ano passado e O Agente Secreto neste, mas também por qualquer outro filme brasileiro indo super bem em diferentes festivais pelo mundo“, disse o ator.

Já o diretor Kleber Mendonça Filho quer ver jovens cineastas utilizando os seus recursos para contar histórias sobre o país. “Eu quero muito que jovens cineastas brasileiros e brasileiras façam histórias sobre o Brasil no cinema. Pode usar o telefone, colocar um projeto e desenvolver sua própria história e contar a história do nosso país, porque com a gente falando da nossa casa todo mundo ouve ao redor do mundo“, declarou o cineasta.

As vitórias de O Agente Secreto no 83º Globo de Ouro deram ao filme a visibilidade que um longa-metragem necessita para intensificar uma campanha rumo ao Oscar. Conscientes disso, Kleber Mendonça Filho e Wagner Moura utilizaram, com sabedoria, os espaços que tiveram para impulsionar seus discursos sobre o filme e o momento do cinema brasileiro. Ao mesmo tempo, a dupla não deixou de lado os seus posicionamentos que marcaram a trajetória de O Agente Secreto, afinal, parafraseando o ator, democracia, cultura e filmes coexistem.

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Com os prêmios de Melhor Ator em Filme de Drama para Wagner Moura e Melhor Filme de Língua Não Inglesa, o longa-metragem brasileiro ultrapassou o marco do ano passado estabelecido por Ainda Estou Aqui, quando Fernanda Torres ganhou o prêmio de Melhor Atriz em Filme de Drama. “Para todo mundo no Brasil assistindo isso aqui agora, viva ao Brasil, viva a cultura brasileira“, disse Wagner Moura no palco do Globo de Ouro no encerramento do seu discurso de agradecimento.

A categoria de Melhor Filme de Drama, na qual O Agente Secreto também havia sido indicado, Hamnet: A Vida Antes de Hamlet foi o grande vencedor. O longa-metragem, que adapta o livro de Maggie O’Farrell também levou, com Jessie Buckley, o prêmio de Melhor Atriz em Filme de Drama. Dirigido por Chlóe Zhao, o filme estreia no dia 15 de janeiro nos cinemas brasileiros.

No entanto, entre todos os filmes vencedores, a noite foi de Uma Batalha Após a Outra (disponível na HBO Max e escolhido, pela Matinê, como o grande filme de 2025 no cinema). O longa de Paul Thomas Anderson venceu o Globo de Ouro de Melhor Filme de Comédia ou Musical, Melhor Direção, Melhor Roteiro e Melhor Atriz Coadjuvante com Teyana Taylor.

• Leia a crítica de Uma Batalha Após a Outra

Ainda nas categorias de cinema, o panorama geral dos vencedores não revelou grandes surpresas. Embora o prêmio de filme de língua não inglesa não tivesse O Agente Secreto como favorito, o longa de Kleber Mendonça Filho estava no páreo ao lado de Valor Sentimental (Noruega) e Foi Apenas Um Acidente (França). A 83ª edição do Globo de Ouro ainda confirmou o favoritismo de Rose Byrne, Timothée Chalamet e Guerreiras do K-Pop.

Nas categorias de televisão, a surpresa da noite foi a vitória de Michelle Williams como Melhor Atriz em Minissérie, Antologia ou Telefilme por Morrendo por Sexo. Havia um recente favoritismo atribuído para Sarah Snook, que venceu o Critics Choice da mesma categoria pelo seu trabalho em All Her Fault (que estreou recentemente no Prime Video) na semana anterior.

No restante, The Pitt, Adolescência e O Estúdio dominaram os prêmios. Hacks e Pluribus também foram destaques com prêmios para Jean Smart e Rhea Seehorn nas categorias de Melhor Atriz em Série de Comédia e Drama, respectivamente – repetindo as vitórias da semana anterior no Critics Choice Awards.

Em comédia, O Estúdio garantiu mais uma vez o prêmio de melhor série da categoria e de melhor ator para Seth Rogen. Enquanto isso, em drama, The Pitt se consagrou mais uma vez como o seriado do ano e ganhou mais um prêmio para a atuação de Noah Wyle.

Assim como em outras premiações, Adolescência dominou as categorias de televisão. Ao todo, o sucesso da Netflix recebeu quatro prêmios no Globo de Ouro: Melhor Minissérie, Melhor Ator (Stephen Graham), Melhor Ator e Melhor Atriz Coadjuvante para Owen Cooper e Erin Doherty. Desta forma, o seriado de quatro episódios confirmou o amplo domínio que teve ao longo da temporada, recebendo os mesmos prêmios no Critics Choice e no Emmy Awards (onde levou, ainda, troféus de direção e roteiro).

Confira os indicados ao 83º Globo de Ouro

Filmes

Melhor Filme de Drama

Frankenstein
Hamnet: A Vida Antes de Hamlet
Foi Apenas Um Acidente
O Agente Secreto
Valor Sentimental
Pecadores

Melhor Filme de Comédia ou Musical

Blue Moon
Bugonia
Marty Supreme
A Única Saída
Nouvelle Vague
Uma Batalha Após a Outra

Melhor Animação

Arco
Demon Slayer: Kimetsu No Yaiba Infinity Castle
Elio
Guerreiras do K-Pop
A Pequena Amélia
Zootopia 2

Melhor Realização Cinematográfica e de Bilheteria

Avatar: Fogo e Cinzas
F1
Guerreiras do K-Pop
Missão: Impossível – Acerto de Contas Final
Pecadores
A Hora do Mal
Wicked: Parte II
Zootopia 2

Melhor Filme de Língua Não Inglesa

Foi Apenas Um Acidente (França)
A Única Saída (Coréia do Sul)
O Agente Secreto (Brasil)
Valor Sentimental (Noruega)
Sirāt (Espanha)
A Voz de Hind Rajab (Tunísia)

Melhor Atriz em Filme de Drama

Jessie Buckley (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)
Jennifer Lawrence (Morra, Amor)
Renate Reinsve (Valor Sentimental)
Julia Roberts (Depois da Caçada)
Tessa Thompson (Hedda)
Eva Victor (Sorry, Baby)

Melhor Ator em Filme de Drama

Joel Edgerton (Sonhos de Trem)
Oscar Isaac (Frankenstein)
Dawayne Johnson (Coração de Lutador: The Smashing Machine)
Michael B. Jordan (Pecadores)
Wagner Moura (O Agente Secreto)
Jeremy Allen White (Springsteen: Salve-me do Desconhecido)

Melhor Atriz em Filme de Comédia ou Musical

Rose Byrne (Se Eu Tivesse Pernas, Eu Te Chutaria)
Cynthia Erivo (Wicked: Parte II)
Kate Hudson (Song Sung Blue)
Chase Infiniti (Uma Batalha Após a Outra)
Amanda Seyfried (The Testament of Ann Lee)
Emma Stone (Bugonia)

Melhor Ator em Filme de Comédia ou Musical

Timothée Chalamet (Marty Supreme)
George Clooney (Jay Kelly)
Leonardo DiCaprio (Uma Batalha Após a Outra)
Ethan Hawke (Blue Moon)
Lee Byung-Hun (A Única Saída)
Jesse Plemons (Bugonia)

Melhor Atriz Coadjuvante em Filme

Emily Blunt (Coração de Lutador: The Smashing Machine)
Elle Fanning (Valor Sentimental)
Ariana Grande (Wicked: Parte II)
Inga Ibsdotter Lilleaas (Valor Sentimental)
Amy Madigan (A Hora do Mal)
Teyana Taylor (Uma Batalha Após a Outra)

Melhor Ator Coadjuvante em Filme

Benicio del Toro (Uma Batalha Após a Outra)
Jacob Elordi (Frankenstein)
Paul Mescal (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)
Sean Penn (Uma Batalha Após a Outra)
Adam Sandler (Jay Kelly)
Stellan Skarsgård (Valor Sentimental)

Melhor Direção

Paul Thomas Anderson (Uma Batalha Após a Outra)
Ryan Coogler (Pecadores)
Guillhermo del Toro (Frankenstein)
Jafar Panahi (Foi Apenas Um Acidente)
Joachim Trier (Valor Sentimental)
Chloé Zhao (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)

Melhor Roteiro

Paul Thomas Anderson (Uma Batalha Após a Outra)
Ronald Bronstein e Josh Safdie (Marty Supreme)
Ryan Coogler (Pecadores)
Jafar Panahi (Foi Apenas Um Acidente)
Eskil Vogt e Joachim Trier (Valor Sentimental)
Chloé Zhao e Maggie O’Farrell (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)

Melhor Trilha Sonora

Alexandre Desplat (Frankenstein)
Ludwig Göransson (Pecadores)
Kangding Ray (Sirāt)
Max Richter (Hamnet: A Vida Antes de Hamlet)
Hans Zimmer (F1)
Johnny Greenwood (Uma Batalha Após a Outra)

Melhor Canção Original

“Dream as One” (Avatar: Fogo e Cinzas)
“Golden” (Guerreiras do K-Pop)
“I Lied to You” (Pecadores)
“No Place Like Home” (Wicked: Parte II)
“The Girl in the Bubble” (Wicked: Parte II)
“Train Dreams” (Sonhos de Trem)

Séries

Melhor Série de Drama

A Diplomata
The Pitt
Pluribus
Ruptura
Slow Horses
The White Lotus

Melhor Série de Comédia ou Musical

Abbott Elementary
O Urso
Hacks
Ninguém Quer
Only Murder in the Building
O Estúdio

Melhor Minissérie, Antologia ou Telefilme

Adolescência
All Her Fault
The Beast in Me
Black Mirror
Morrendo por Sexo
A Namorada Ideal

Melhor Atriz em Série de Drama

Kathy Bates (Matlock)
Britt Lower (Ruptura)
Helen Mirren (Mobland)
Bella Ramsey (The Last of Us)
Keri Russell (A Diplomata)
Rhea Seehorn (Pluribus)

Melhor Ator em Série de Drama

Sterling K. Brown (Paradise)
Diego Luna (Andor)
Gary Oldman (Slow Horses)
Mark Ruffalo (Task)
Adam Scott (Ruptura)
Noah Wyle (The Pitt)

Melhor Atriz em Série de Comédia ou Musical

Kristen Bell (Ninguém Quer)
Ayo Edebiri (O Urso)
Selena Gomez (Only Murder in the Building)
Natasha Lyonne (Poker Face)
Jenna Ortega (Wandinha)
Jean Smart (Hacks)

Melhor Ator em Série de Comédia ou Musical

Adam Brody (Ninguém Quer)
Steve Martin (Only Murder in the Building)
Glen Powell (Chad Powers)
Seth Rogen (O Estúdio)
Martin Short (Only Murders in the Building)
Jeremy Allen White (O Urso)

Melhor Atriz em Minissérie, Antologia ou Telefilme

Claire Danes (The Beast In Me)
Rashida Jones (Black Mirror)
Amanda Seyfried (Long Bright River)
Sarah Snook (All Her Fault)
Michelle Williams (Morrendo por Sexo)
Robin Wright (A Namorada Ideal)

Melhor Ator em Minissérie, Antologia ou Telefilme

Jacob Elordi (O Caminho Estreito Para Os Confins do Norte)
Paul Diamatti (Black Mirror)
Stephen Graham (Adolescência)
Charlie Hunnam (Monstro: A História de Ed Gein)
Jude Law (Black Rabbit)
Matthew Rhys (The Beast In Me)

Melhor Atriz Coadjuvante em Série

Carrie Coon (The White Lotus)
Erin Doherty (Adolescência)
Hannah Einbinder (Hacks)
Catherine O’Hara (O Estúdio)
Parker Posey (The White Lotus)
Aimee Lou Wood (The White Lotus)

Melhor Ator Coadjuvante em Série

Owen Cooper (Adolescência)
Billy Crudup (The Morning Show)
Walton Goggins (The White Lotus)
Jason Isaacs (The White Lotus)
Tramell Tillman (Ruptura)
Ashley Walters (Adolescência)

Melhor Performance de Stand-Up para a TV

Bill Maher: Is Anyone Else Seeing This?
Brett Goldstein: The Second Best Night of Your Life
Kevin Hart: Acting My Age
Kumail Nanjiani: Night Thoughts
Rick Gervais: Mortality
Sarah Silverman: Postmortem

Melhor Podcast

Armchair Expert with Dax Shepard
Call Her Daddy
Good Hang with Amy Poehler
The Mel Robbins Podcast
Smartless
Up First

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Na segunda temporada, o público vai acompanhar mais um plantão do “Pitt”, como é chamado o local de atendimento de emergência do hospital retratado na série. No entanto, o enredo vai se desenvolver durante o 04 de julho, o dia da independência dos Estados Unidos.

Nos novos episódios, o grupo liderado pelo Dr. Robinavitch (Noah Wyle), com o apoio essencial de Dana (Katherine LaNasa), enfrentará novos desafios, alguns a partir de rostos já conhecidos. A série segue o formato de sucesso da primeira temporada. Cada capítulo acompanha uma hora do plantão da equipe onde chegam novos pacientes com histórias capazes de sensibilizar os espectadores.

Com o sucesso e reconhecimento do ano anterior, The Pitt repete não apenas o formato, mas principalmente a fórmula narrativa que conquistou o público e a crítica. A nova temporada começa cadenciando o ritmo (dentro do possível no contexto de uma emergência hospitalar) para situar os espectadores no momento em que os novos episódios se passam em relação ao final do último plantão assistido.

Não se trata de uma sequência que acontece no dia seguinte. Existe um intervalo maior de tempo entre as duas temporadas, o que coloca alguns personagens em momentos diferentes daqueles assistidos na primeira leva de episódios. Essa escolha é positiva, pois ajuda a desenvolver alguns dos personagens, cuja curva de evolução e amadurecimento é notável já nos primeiros minutos da novo ano da série.

Entre os casos recebidos pela emergência, não faltarão histórias tocantes e cativantes ao longo dos nove primeiros episódios. Com casos complexos e outros mais simples, o atendimento em pleno verão é um desafio para a equipe médica que se depara com mudanças que prometem alterar o ritmo e o modo como eles atendem seus pacientes.

Essas alterações na rotina da equipe estão relacionadas a um dos pontos importantes da primeira temporada: a capacidade de The Pitt encontrar espaço para tratar de temas importantes do mundo real na ficção. Não alheia ao que acontece nos dias de hoje, a nova leva de episódios evita de se esquivar de pautas importantes da política estadunidense e dos debates sobre uso de tecnologia que dominam os centros urbanos.

A dose não se repete apenas nas entrelinhas. The Pitt, desde sua primeira temporada, se mostrou eficiente em desenvolver personagens com gentileza e delicadeza. Sejam os médicos, enfermeiros ou pacientes, de alguma maneira, o enredo sempre encontra espaço para suas micro-histórias.

Para a série, o local de atendimento não serve apenas para curar o que afeta os pacientes. A emergência também é um local de acolhimento dos pacientes e seus familiares, sejam pelos médicos, enfermeiros e enfermeiras ou pelos assistentes sociais. É neste cenário que The Pitt encontra no texto a sensibilidade e o tato necessários para tratar de assuntos delicados, colocando seus personagens em constante aprendizado profissional e humano.

Quem gostou da primeira temporada de The Pitt terá todos os elementos necessários para continuar adorando uma das principais séries da atualidade. Aos poucos, ao longo de 2025, o seriado da HBO Max conquistou o seu espaço entre o público e a crítica. Agora, em 2026, pode repetir o feito com suas novas histórias, novos personagens e todas as outras novidades que a Matinê pôde conferir nos primeiros nove episódios.

Mais uma temporada confirmada e possibilidade de prêmios

Além dos prêmios vencidos no último dia 04, citados no começo da publicação, no próximo domingo The Pitt também disputará categorias no 83º Globo de Ouro. A série está indicada como Melhor Série Dramática e Melhor Ator em Série de Drama (Noah Wyle).

A estreia dos novos capítulos foi precedida de uma ótima notícia para quem gosta do seriado: Casey Bloys, presidente e CEO de conteúdo da HBO e HBO Max, anunciou que The Pitt está renovada e terá uma terceira temporada.

Antes disso acontecer, os novos episódios de The Pitt terá novos episódios toda quinta-feira, a partir do dia 08 de janeiro, às 23h na HBO Max.

Assista ao trailer da 2ª temporada de The Pitt

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Embora seja um feito histórico, a forma como o diretor descobriu que o seu filme venceu a categoria foi estranha. Durante o tapete vermelho, Kleber Mendonça Filho e Emilie Lesclaux estavam sendo entrevistados quando, repentinamente, receberam a estatueta do Critics Choice. No vídeo abaixo, você pode assistir à reação da dupla.

Além de O Agente Secreto, outro brasileiro também foi premiado no Critics Choice. Responsável pela cinematografia de Sonhos de Trem, Adolpho Veloso venceu a categoria de Melhor Fotografia. Além da história sensível, a plasticidade das imagens do longa-metragem são fundamentais para registrar os acontecimentos e a forma como tudo isso afeta o protagonista vivido por Joel Edgerton.

A noite de reconhecimento do Critics Choice Association também reservou suas surpresas. Jacob Elordi, o Frankenstein de Guillermo del Toro, superou nomes como Stellan Skarsgård, Sean Penn e Benicio del Toro ao vencer o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante em Filme. O longa-metragem do cineasta mexicano foi também o principal premiado da 31ª edição da premiação ao lado de Pecadores, ambos com quatro prêmios.

No entanto, o grande filme da noite foi Uma Batalha Após a Outra. Dirigido e escrito por Paul Thomas Anderson, o longa venceu as categorias de Melhor Filme, Melhor Direção e Melhor Roteiro Adaptado, se consagrando como o grande vencedor da noite.

Enquanto isso, nas séries, os holofotes se dividiram entre The Pitt, O Estúdio e Adolescência. Sucesso na HBO Max, a série médica levou três prêmios: Melhor Série Dramática, Melhor Ator em Série Dramática (Noah Wyle) e Melhor Atriz Coadjuvante em Série Dramática (Katherine LaNasa). A comédia da Apple TV também ficou com três vitórias, incluindo a categoria de Melhor Série de Comédia. Já a minissérie da Netflix, que fez grande sucesso em 2025, recebeu quatro estatuetas, incluindo a de Melhor Minissérie.

Entre as categorias destinadas aos programas de televisão e streaming, o Critics Choice Awards seguiu tendências traçadas no ano passado pelo Emmy Awards. No entanto, teve como surpresa o reconhecimento de Rhea Seehorn, protagonista de Pluribus, da Apple TV. O seriado estreou no último trimestre de 2025. Com a vitória, a atriz desbancou nomes fortes como Kathy Bates, Britt Lower e Keri Russell.

Confira os vencedores do 31º Critics Choice Awards

Filmes

Melhor Filme

Bugonia
Frankenstein
Hamnet
Jay Kelly
Marty Supreme
Uma Batalha Após a Outra
Valor Sentimental
Pecadores
Sonhos de Trem
Wicked: Parte II

Melhor Ator

Timothée Chalamet (Marty Supreme)
Leonardo DiCaprio (Uma Batalha Após a Outra)
Joel Edgerton (Sonhos de Trem)
Ethan Hawke (Blue Moon)
Michael B. Jordan (Pecadores)
Wagner Moura (O Agente Secreto)

Melhor Atriz

Jessie Buckley (Hamnet)
Rose Byrne (Se eu tivesse pernas, eu te chutaria)
Chase Infiniti (Uma Batalha Após a Outra)
Renate Reinsve (Valor Sentimental)
Amanda Seyfried (The Testament of Ann Lee)
Emma Stone (Bugonia)

Melhor Ator Coadjuvante

Benicio del Toro (Uma Batalha Após a Outra)
Jacob Elordi (Frankenstein)
Paul Mescal (Hamnet)
Sean Penn (Uma Batalha Após a Outra)
Adam Sandler (Jay Kelly)
Stellan Skarsgård (Valor Sentimental)

Melhor Atriz Coadjuvante

Elle Fanning (Valor Sentimental)
Ariana Grande (Wicked: Parte II)
Inga Ibsdotter Lilleaas (Valor Sentimental)
Amy Madigan (A Hora do Mal)
Wunmi Mosaku (Pecadores)

Melhor Ator ou Atriz Jovem

Everett Blunck (The Plague)
Miles Caton (Pecadores)
Cary Christopher (A Hora do Mal)
Shannon Mahina Gorman (Rental Family)
Jacobi Jupe (Hamnet)
Nina Ye (A Garota Canhota)

Melhor Direção

Paul Thomas Anderson (Uma Batalha Após a Outra)
Ryan Coogler (Pecadores)
Guillermo del Toro (Frankenstein)
Josh Safdie (Marty Supreme)
Joachim Trier (Valor Sentimental)
Chloé Zhao (Hamnet)

Melhor Roteiro Original

Noah Baumbach e Emily Mortimer (Jay Kelly)
Ronald Bronstein e Josh Safdie (Marty Supreme)
Ryan Coogler (Pecadores)
Zach Cregger (A Hora do Mal)
Eva Victor (Sorry, Baby)
Eskil Vogt e Joachim Trier (Valor Sentimental)

Melhor Roteiro Adaptado

Paul Thomas Anderson (Uma Batalha Após a Outra)
Clint Bentley e Greg Kwedar (Sonhos de Trem)
Park Chan-wook, Lee Kyoung-mi, Don Mckellar e Jahye Lee (No Other Choice)
Guillermo del Toro (Frankenstein)
Will Tracy (Bugonia)
Chloé Zhao e Maggie O’Farrell (Hamnet)

Melhor Elenco

Nina Gold (Hamnet)
Douglas Aibel e Nina Gold (Jay Kelly)
Jennifer Venditti (Marty Supreme)
Cassandra Kulukundis (Uma Batalha Após a Outra)
Francine Maisler (Pecadores)
Tiffany Little Canfield e Bernard Telsey (Wicked: Parte II)

Melhor Fotografia

Claudio Miranda (F1)
Dan Laustsen (Frankenstein)
Łukasz Żal (Hamnet)
Michael Bauman (Uma Batalha Após a Outra)
Autumn Durald Arkapaw (Pecadores)
Adolpho Veloso (Sonhos de Trem)

Melhor Design de Produção

Kasra Farahani e Jille Azis (Quarteto Fantástico: Primeiros Passos)
Tamara Deverell e Shane Vieau (Frankenstein)
Fiona Crombie e Alice Felton (Hamnet)
Jack Fisk e Adam Willis (Marty Supreme)
Hannah Beachler e Monique Champagne (Pecadores)
Nathan Crowley e Lee Sandales (Wicked: Parte II)

Melhor Edição

Kirk Baxter (Casa de Dinamite)
Stephen Mirrione (F1)
Ronald Bronstein e Josh Safdie (Marty Supreme)
Andy Jurgensen (Uma Batalha Após a Outra)
Viridiana Lieberman (A Vizinha Perfeita)
Michael P. Shawver (Pecadores)

Melhor Figurino

Kate Hawley (Frankenstein)
Malgosia Turzanska (Hamnet)
Lindsay Pugh (Hedda)
Colleen Atwood e Christine Cantella (O Beijo da Mulher Aranha)
Ruth E. Carter (Pecadores)
Paul Tazewell (Wicked: Parte II)

Melhor Cabelo e Maquiagem

Flora Moody e John Nolan (28 Years Later)
Mike Hill, Jordan Samuel e Cliona Furey (Frankenstein)
Siân Richards, Ken Diaz, Mike Fontaine e Shunika Terry (Pecadores)
Kazu Hiro, Felix Fox e Mia Neal (Coração de Lutador: The Smashing Machine)
Leo Satkovich, Melizah Wheat e Jason Collins (A Hora do Mal)
Frances Hannon, Mark Coulier e Laura Blount (Wicked: Parte II)

Melhores Efeitos Visuais

Avatar: Fire and Ash
F1
Frankenstein
Missão: Impossível – Acerto de Contas Final
Pecadores
Superman

Melhor Design de Dublê

Ballerina
F1
Missão: Impossível – Acerto de Contas Final
Uma Batalha Após a Outra
Pecadores
Tempo de Guerra

Melhor Animação

Arco
Elio
Nos Seus Sonhos
Guerreiras do K-Pop
A Pequena Amélie
Zootopia 2

Melhor Filme de Língua Estrangeira

Foi Apenas Um Acidente
A Garota Canhota
No Other Choice
O Agente Secreto
Sirāt
Belén

Melhor Comédia

The Ballad of Wallis Island
Eternity
Friendship
Corra que a Polícia Vem Aí!
O Esquema Fenício
Splitsville

Melhor Canção

“Drive” – Ed Sheeran, John Mayer, Blake Slatkin (F1)
“Golden” – Ejae, Mark Sonnenblick, Ido, 24, Teddy (Guerreiras do KPop)
“I Lied to You” – Raphael Saadiq, Ludwig Göransson (Pecadores)
“Clothed by the Sun” – Daniel Blumberg (The Testament of Ann Lee)
“Train Dreams” – Nick Cave, Bryce Dessner (Sonhos de Trem)
“The Girl in the Bubble” – Stephen Schwartz (Wicked: Parte II)

Melhor Trilha Sonora

Hans Zimmer (F1)
Alexandre Desplat (Frankenstein)
Max Richter (Hamnet)
Daniel Lopatin (Marty Supreme)
Jonny Greenwood (Uma Batalha Após A Outra)
Ludwig Göransson (Pecadores)

Melhor Som

Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary A. Rizzo, Juan Peralta, Gareth John (F1)
Nathan Robitaille, Nelson Ferreira, Christian Cooke, Brad Zoern, Greg Chapman (Frankenstein)
Jose Antonio Garcia, Christopher Scarabosio, Tony Villaflor (Uma Batalha Após a Outra)
Chris Welcker, Benny Burtt, Brandon Proctor, Steve Boeddeker, Felipe Pacheco, David V. Butler (Pecadores)
Laia Casanovas (Sirāt)
Mitch Low, Glenn Freemantle, Ben Barker, Howard Bargroff, Richard Spooner (Tempo de Guerra)

Séries

Melhor Série Dramática

Alien: Earth (FX)
Andor (Disney+)
A Diplomata (Netflix)
Paradise (Hulu)
The Pitt (HBO Max)
Pluribus (Apple TV)
Ruptura (Apple TV)
Task (HBO Max)

Melhor Ator em Série Dramática

Sterling K. Brown (Paradise)
Diego Luna (Andor)
Mark Ruffalo (Task)
Adam Scott (Ruptura)
Billy Bob Thornton (Landman)
Noah Wyle (The Pitt)

Melhor Atriz em Série Dramática

Kathy Bates (Matlock)
Carrie Coon (The Gilded Age)
Britt Lower (Ruptura)
Bella Ramsey (The Last of Us)
Keri Russell (A Diplomata)
Rhea Seehorn (Pluribus)

Melhor Ator Coadjuvante em Série Dramática

Patrick Ball (The Pitt)
Billy Crudup (The Morning Show)
Ato Essandoh (A Diplomata)
Wood Harris (Forever)
Tom Pelphrey (Task)
Tramell Tillman (Ruptura)

Melhor Atriz Coadjuvante em Série Dramática

Nicole Beharie (The Morning Show)
Denée Benton (The Gilded Age)
Allison Janney (A Diplomata)
Katherine LaNasa (The Pitt)
Greta Lee (The Morning Show)
Skye P. Marshall (Matlock)

Melhor Série de Comédia

Abbott Elementary (ABC)
Elsbeth (CBS)
Ghosts (CBS)
Hacks (HBO Max)
Ninguém Quer (Netflix)
Only Murders in the Building (Hulu)
The Righteous Gemstones (HBO Max)
O Estúdio (Apple TV)

Melhor Ator em Série de Comédia

Adam Brody (Ninguém Quer)
Ted Danson (Um Espião Infiltrado)
David Alan Grier (St. Denis Medical)
Danny McBride (The Righteous Gemstones)
Seth Rogen (O Estúdio)
Alexander Skarsgård (Murderbot)

Melhor Atriz em Série de Comédia

Kristen Bell (Ninguém Quer)
Natasha Lyonne (Poker Face)
Rose McIver (Ghosts)
Edi Patterson (The Righteous Gemstones)
Carrie Preston (Elsbeth)
Jean Smart (Hacks)

Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia

Ike Barinholtz (O Estúdio)
Paul W. Downs (Hacks)
Asher Grodman (Ghosts)
Oscar Nuñez (The Paper)
Chris Perfetti (Abbott Elementary)
Timothy Simons (Ninguém Quer)

Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Comédia

Danielle Brooks (Peacemaker)
Hannah Einbinder (Hacks)
Janelle James (Abbott Elementary)
Justine Lupe (Ninguém Quer)
Ego Nwodim (Saturday Night Live)
Rebecca Wisocky (Ghosts)

Melhor Minissérie

Adolescência (Netflix)
All Her Fault (Peacock)
Chefe de Guerra (Apple TV)
Death by Lightning (Netflix)
Devil in Disguise: John Wayne Gacy (Peacock)
Ladrões de Drogas (Apple TV)
Morrendo por Sexo (FX e Hulu / Disney+)
A Namorada Ideal (Prime Video)

Melhor Telefilme

Bridget Jones: Louca Pelo Garoto (Peacock)
Improvisação Perigosa (Prime Video)
Entre Montanha (Apple TV+)
Mountainhead (HBO Max)
Nonnas (Netflix)
Verão de 69 (Hulu/Disney+)

Melhor Ator em Minissérie ou Telefilme

Michael Chernus (Devil in Disguise: John Wayne Gacy)
Stephen Graham (Adolescência)
Brian Tyree Henry (Ladrões de Drogas)
Charlie Hunnam (Monster: A História de Ed Gein)
Matthew Rhys (O Monstro em Mim)
Michael Shannon (Death by Lightning)

Melhor Atriz em Minissérie ou Telefilme

Jessica Biel (A Melhor Irmã)
Meghann Fahy (Sereias)
Sarah Snook (All Her Fault)
Michelle Williams (Morrendo por Sexo)
Robin Wright (A Namorada Ideal)
Renée Zellweger (Bridget Jones: Louca Pelo Garoto)

Melhor Ator Coadjuvante em Minissérie ou Telefilme

Owen Cooper (Adolescência)
Wagner Moura (Ladrões de Drogas)
Nick Offerman (Death by Lightning)
Michael Peña (All Her Fault)
Ashley Walters (Adolescence)
Ramy Youssef (Mountainhead)

Melhor Atriz Coadjuvante em Minissérie ou Telefilme

Erin Doherty (Adolescência)
Betty Gilpin (Death by Lightning)
Marin Ireland (Devil in Disguise: John Wayne Gacy)
Sophia Lillis (All Her Fault)
Julianne Moore (Sereias)
Christine Tremarco (Adolescência)

Melhor Série de Língua Estrangeira

Acapulco (Apple TV)
Até o Último Samurai (Netflix)
Mussolini: Son of the Century (MUBI)
Red Alert (Paramount+)
Round 6 (Netflix)
Quando Ninguém nos Vê (HBO Max)

Melhor Série de Animação

Bob’s Burgers (Fox)
Harley Quinn (HBO Max)
Long Story Short (Netflix)
Marvel Zombies (Disney+)
South Park (Comedy Central)
Your Friendly Neighborhood Spider-Man (Disney+)

Melhor Talk Show

The Daily Show (Comedy Central)
Hot Ones (YouTube)
Jimmy Kimmel Live! (ABC)
Late Night with Seth Meyers (NBC)
The Late Show with Stephen Colbert (CBS)
Watch What Happens Live with Andy Cohen (Bravo)

Melhor Série de Variedades

Conan O’Brien Must Go (HBO Max)
Last Week Tonight with John Oliver (HBO Max)
Saturday Night Live (NBC)

Melhor Especial de Comédia

Brett Goldstein: The Second Best Night of Your Life (HBO Max)
Caleb Hearon: Model Comedian (HBO Max)
Leanne Morgan: Unspeakable Things (Netflix)
Marc Maron: Panicked (HBO Max)
Sarah Silverman: PostMortem (Netflix)
SNL50: The Anniversary Special (NBC)

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