1993 : Nintendo, assisté d’Argonaut Software, créait l’événement avec StarWing, un shoot-them-up révolutionnaire car tout en 3D temps réel et ce, sur une console 16 bits, originellement incapable d’un tel rendu. 1994 : la 3D vit sa propre révolution en Arcade et sur les consoles de cinquième génération. Des machines 32 bits surpuissantes virent le jour, capables de gérer des centaines de milliers de polygones en temps réel, le support CD-Rom, un son en 44 Khz… et la vieille Super Nintendo fut largement dépassée.

Mais Nintendo et Shigeru Miyamoto, avec leur petit Super FX 2, n’avaient pas dit leur dernier mot. Malheureusement, StarFox 2 (la suite de StarWing) est resté en version Beta car il ne vit jamais le jour. Disponible en téléchargement pendant des années sur le BS-X / Satellaview de la Super Famicom (la Super Nintendo japonaise), on ne le trouve aujourd’hui que sous forme de ROM pour émulateur. Si vous voulez y jouer, il n’y a pas d’autre moyen. Si certains disent que l’émulation c’est immoral, avec ce jeu, il y a prescription. Voyons maintenant ce que nous avons raté de “façon officielle”.

PS : Le jeu n’étant jamais sorti dans le commerce, il n’a pas de boîte. L’illustration reprise à droite provient du site Wikipedia.

Pas de doute : StarFox 2 est bien une suite

Niveau scénario, on nous pose une trame toute bête pour une suite : Andross débarque de nulle part alors que tout le monde le croyait mort et veut sa vengeance. C’est super original… On dispose quand même d’une superbe intro, mais d’une fin… vite envoyée (la faute à la Beta ?). Si l’histoire est des plus basiques, le gameplay s’est par contre étoffé par rapport au premier opus. Plusieurs nouveautés ont émergé d’un concept déjà novateur pour l’époque, afin d’offrir une aventure plus riche. Tout d’abord, nous avons le choix entre six personnages aux compétences variées dont on désignera un duo (pour ma part, je fais dans le classique, avec Fox comme perso principal et Falco comme coop’). Avec ça, on choisira sa config’ puis la difficulté du jeu (cette fois, en Easy c’est réellement facile).

Vient ensuite la carte tactique. Comme son nom l’indique, en un seul écran, elle pose les attaquants, les défenseurs et les diverses planètes alentours. Les événements en somme. Vous déplacez votre vaisseau sur cette carte et lorsque vous croisez la route des sbires d’Andross, c’est l’affrontement, votre but étant de protéger Corneria, votre planète natale. On peut à présent choisir exactement son parcours et décider ou pas du choc frontal. Une fois les planètes libérées et Corneria hors de danger, vous pourrez affronter en face à face Andross dans un level assez sympa. Niveau gameplay, plusieurs mises à jour ont été faites comme le fait de pouvoir changer de vue en intérieur / extérieur à volonté (avant, ce n’était possible qu’à certains niveaux). Il y a aussi un nouveau mode : l’action terrestre. En changeant votre vaisseau en pod (en pressant Select), c’est une toute autre approche des levels qui s’offre à vous (dans l’espace, c’est évidemment impossible). L’idée n’est pas fraîche puisqu’elle vient de Vortex, longtemps considéré (à tort !) comme la suite de StarWing. Cependant, c’est très bien mis en valeur.

Pour finir, votre pod / airwing n’est plus posé sur des rails. Cette fois, vous pourrez aller où bon vous semble puisque ni le scrolling, ni l’aire de combat ne sont définis. Le jeu est donc ouvert… Décidément, y’a du progrès ! Mais tout n’est pas parfait, loin de là. Étant donné que Nintendo a fait un peu dans la surenchère, la jouabilité est devenue fouillis. Si elle réagit toujours très bien aux sollicitations du pad, l’aspect brouillon du titre rend la prise en mains un peu confuse. En plus, les niveaux sont très courts, il n’y en a qu’une maigre poignée (l’aventure se finit en moins d’une heure), et même si ça reste impressionnant pour une vieille console 16 bits, la claque est moins forte qu’à l’époque.

Aux limites du Super FX 2, mais pas au-delà

Techniquement, on se doute que Nintendo a encore une fois fait très fort, avec un jeu encore plus beau. La 3D reste plus ou moins la même mais le design s’affine et quelques sprites sont à présent texturés. De plus, la variété des décors, des ennemis et des situations font qu’on ne s’ennuie pas (avec une durée de vie aussi courte, ce serait un comble). Reste qu’avec toute cette upgrade graphique, des sprites parfois énormes et une zone de jeu plus ou moins ouverte, l’animation est plombée. Lorsqu’on joue la carte de la surenchère, c’est forcément l’hardware qui prend. Car la pauvre 16 bits, rappelons-le, n’est pas faite pour gérer la 3D en natif. Épaulée par un Super FX 2 au max de ses capacités, on sent bien que la Super Nintendo a parfois bien du mal. Le framerate se casse souvent la gueule et ne dépasse jamais les 20 images/seconde (le compteur est sur la plupart des écrans de jeu, Beta oblige).

La gestion est pourtant fluide, l’animation essaie d’être la plus rapide possible mais la 3D a tendance à avoir la tremblote et le résultat manque parfois de finitions. Mais encore une fois, notre StarFox 2 est encore à l’état de Beta, donc, on ne peut pas trop critiquer non plus. Reste que la claque 3D est moins violente que lors de la sortie de StarWing, mais on éprouvera tout de même de belles sensations et un réel plaisir à jouer. Niveau son, c’est toujours du grand art chez le père Mario. On retrouve avec plaisir quelques thèmes déjà entendus, issu de la mythique bande-son de StarWing et cette sonorité particulière à la console. Pas de voix digits mais des bruitages efficaces et une ambiance sonore globalement travaillée.

Le mot de la fin

Il est vraiment dommage que ce titre soit resté à l’état de prototype car, on peut le dire, StarFox 2 est un jeu, à peu de choses près, fini et surtout excellent. On regrettera sa faible durée de vie et son image “parkinsonienne”, mais en contrepartie, le nombre impressionnant de nouveautés et un gameplay plus poussé auraient fait de cette suite un véritable succès. Malheureusement, la sortie des consoles 32 bits (Saturn, 3DO et PlayStation) a littéralement tué cette séquelle dans l’oeuf et ses innovations majeures furent transposées dans Lylat Wars sur Nintendo 64. L’intro est superbe, il y a quand même une fin, et si le soft paraît manquer de finitions, elles ne sont pas pénalisantes sur le plaisir de jeu. Pour être franc, cette Beta finalisée à 90% (au moins) mérite qu’on se penche dessus. Moins révolutionnaire que StarWing, plus facile, moins long mais plus riche, StarFox 2 est une perle 16 bits et en 3D, comme il n’y en aura plus jamais.

PS : Je ne vous donnerai pas l’adresse où trouver la ROM (débrouillez-vous) mais si vous avez aimé le premier StarFox, vous aimerez forcément cette suite, d’autant qu’en fouillant bien, une version traduite en français existe. Et après tout, étant donné que le jeu n’est jamais sorti, c’est pas un crime de l’avoir sur émulateur. Et puis, ce serait tellement dommage de s’en priver…

Note Finale

Technique – 7,5 /10

La puce Super FX 2 est poussée au maximum de ses capacités et le framerate se casse souvent la gueule. Le design s’est affiné et quelques sprites ont droit à des textures.

Musique – 7,5 /10

On retrouve avec plaisir quelques thèmes déjà entendus dans StarWing. L’ambiance sonore est travaillée, et même si il n’y a pas de voix digits, les bruitages sont efficaces.

Gameplay – 7,5 /10

Six personnages avec des vaisseaux différents, la transformation en pod pour évoluer au sol, des niveaux où la liberté est désormais totale : même si l’action est parfois brouillonne, les nouveautés sont bel et bien au rendez-vous !

Scénario – n/a

Andross revient pour se venger du renard et de sa bande. C’est super original… La superbe intro et la fin (vite envoyée) font mieux passer la pilule.

En résumé
Une suite remarquable qui fait le plein de nouveautés. Dommage qu’elle ne soit jamais sortie…

8

Très bon

Infos Pratiques

Développé par Nintendo
Resté à l’état de Beta
Pas sorti au Japon
Pas sorti aux USA
Pas sorti en Europe

shoot’em up 3D
1 seul joueur
Cartouche de 8Mb + Super FX 2
Pas de sauvegarde
Existe sur rien d’autre

Voir aussi, dans la même série

Le test de StarFox sur Super NES

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Je sais qu’il est de coutume, lorsqu’on parle d’un jeu adapté d’un dessin animé qui a bercé notre enfance, de commencer sa prose en entonnant gaiement la chanson-titre. Dans le cas de SWAT Kats, je passerai mon tour sans regrets : tout d’abord parce que je chante très faux, même à l’écrit ; ensuite, il n’y a pas de paroles dans le générique, ce qui me compliquerait singulièrement la tâche, et dernière raison mais pas la moindre, je n’avais jamais entendu parler de ces bestioles jusqu’à la semaine dernière. Autant dire que pour la petite larme de nostalgie, on repassera…

Histoire de raconter le moins d’âneries possibles, j’ai quand même jeté un oeil distrait à un épisode avant de m’attaquer à l’écriture de ce test, et ma foi, ça ne m’a pas beaucoup éclairé. Les sales trognes des criminels, l’environnement urbain et sombre et un goût évident pour la castagne évoquent les Tortues Ninja, mais j’en ai vu trop peu pour établir l’analogie avec certitude. Ce qui est sûr en revanche, c’est que la série se compose de vingt-cinq épisodes répartis sur deux saisons, et qu’en France, elle a été diffusée sur Cartoon Network à la fin des années ’90. À l’instar du jeu éponyme, on y trouve en vedettes deux chats masqués qui, à bord de leur Turbokat, prennent le relais de la police lorsqu’un “kataclysme” menace Megakat City (c’est bien ce que je pensais, ça n’apporte pas grand-chose de remplacer les “c” par des “k”…). Comme dans tout duo qui se respecte, T-Bone, le balèze, use souvent de sa force tandis que Razor, moins gâté par la nature, privilégie ses méninges pour se sortir des mauvais pas (encore qu’il n’ait pas non plus l’air d’un parangon d’intelligence, mais je lui laisse le bénéfice du doute…).

Un poil de savoir-faire

Pour en revenir à nos chatons, le développement du soft a été confié à AIM (aujourd’hui Fortyfive), un nom peu ronflant en Europe et pour cause, puisque aucune de ses productions n’a jamais atteint le Vieux Continent (SWAT Kats n’a d’ailleurs pas dérogé à la règle en ne quittant jamais l’Amérique du Nord). Le studio n’en avait pas moins déjà de l’expérience dans la transposition vidéo-ludique de dessins animés puisqu’on lui doit, en 1993, la version Super NES de Inspecteur Gadget, un jeu de plates-formes juste correct et qui ne brillait en tout cas pas par sa folle originalité. Il faut croire que chat échaudé ne craint pas tant l’eau froide que ça, puisque c’est également à ce genre indémodable que s’attaque notre binôme félin durant l’été 1995. Souhaitons-lui gloire, minettes et croquettes à foison !

Après un écran-titre avec le générique en fond sonore (j’espère que vous l’apprécierez, parce qu’il revient plus qu’à son heure durant l’aventure…) s’affiche une carte proposant quatre zones d’opération. La liberté offerte est plutôt illusoire : je ne vous cache pas qu’en entamant l’expédition par le quatrième niveau, il faudra une vingtaine de coups pour battre un ennemi, et votre protégé (puisqu’il faudra choisir entre les deux chats au début de chaque niveau) va vite être renvoyé dans son bac à litière. Ce qui ressort surtout de cette organisation, c’est qu’il n’y a pas d’histoire à proprement parler ; il s’agit plutôt d’une succession de petites missions tirées de divers épisodes, et qui se concluront toutes par un duel avec un vilain emblématique : Dr. Viper, Mad Kat, le Maître du Passé, les Metallikats, et Dark Kat pour le bouquet final (son repaire ne sera logiquement accessible qu’une fois les quatre premiers actes bouclés).

Un duo de choc… en solo

Avant d’en arriver là, il faudra cravacher un bon moment au sein de mondes parfois méandreux, souvent escarpés et toujours mal famés. La faculté des SWAT Kats à s’accrocher aux parois sera ainsi indispensable à leur survie, de même que l’arme dont ils sont équipés et qui évoluera en même temps qu’eux. En effet, le jeu intègre un certain nombre d’éléments tirés des jeux de rôle : héros et ennemis possèdent des points de vie, et T-Bone comme Razor gagnent des points d’expérience à chaque adversaire défait. Leur force s’accroît quand ils montent d’un niveau, et tous les cinq passages de grade, l’équipement s’améliore : le lance-toiles d’araignée laisse ainsi la place à la mitraillette à ciment, qui s’efface à son tour devant le missile-pieuvre, et ainsi de suite jusqu’au disque tranchant qui sanctionne le niveau 25. Vraiment simple, pour ne pas dire simpliste, ce système ne laisse aucune initiative au joueur et fait un peu poudre aux yeux… Pour ne rien arranger, les deux lascars ont la même arme principale et ne se différencient donc pas tant que ça durant les combats, sinon par les dégâts qu’ils infligent.

L’attirail secondaire est heureusement un peu plus spécifique : le cerveau de la bande est équipé d’un jet-pack qui lui offre plus de mobilité et un accès aux lieux en hauteur, tandis que le malabar, avec son lance-roquettes, est capable d’exploser les murs pour accéder à de nouvelles zones. Rien de décisif certes, mais la distinction entre les deux compères pimente un chouia la progression. À ce titre, il est vraiment dommage qu’ils ne puissent pas mettre leurs qualités au service l’un de l’autre, à la manière d’un Lost Vikings ou d’un Psycho Fox. Cela aurait introduit un petit côté réflexion rafraîchissant, qui aurait rompu la monotonie d’une progression vue maintes fois ailleurs.

Des chats sans beauté ?

Après des débuts prometteurs, le titre peine en effet assez vite à se renouveler. Les ennemis manquent de variété et agissent tous de la même façon, et les boss, peu impressionnants, n’opposent pas beaucoup de résistance sitôt leurs patterns assimilés. Les difficultés que le joueur peut rencontrer proviennent généralement de l’imprécision des sauts, et plus particulièrement du petit salto incontrôlable que fait le personnage en arrivant au sommet d’une paroi : c’est stylé mais parfaitement inutile, et bonjour pour ne pas se louper sur de petites plates-formes. Cependant, c’est sûrement en terme de level design que la déception est la plus forte : passe encore le manque global d’originalité, mais introduire un labyrinthe par monde pour noyer le poisson (chat, bien sûr) ne fait pas grande illusion et agace plus qu’autre chose – surtout que le timer qui accompagne chaque tableau est plutôt serré.

Les passages à bord du Turbokat auraient pu apporter beaucoup en terme de dynamisme, mais tombent complètement à plat. Présentes à trois moments-clés de l’histoire, il s’agit de phases de shoot dont l’objectif est d’infiltrer un organisme mutant afin d’en détruire le coeur, tout en évitant les projectiles qui tenteront évidemment d’anéantir le vaisseau. Techniquement, c’est vraiment une réussite avec une utilisation intelligente du Mode 7 et des effets de zoom, tant lors de la plongée vers l’abomination qu’une fois dans ses entrailles. La jouabilité est en revanche totalement insipide et très approximative, et les vies sont d’ailleurs infinies pour compenser cette imprécision. En bref, c’est mou, très aléatoire puisqu’on déplace le viseur en même temps que le véhicule, et beaucoup trop long eu égard au manque d’intérêt de la chose. Rien de pire que de devoir refaire ces séquences après un Game Over ; de quoi y réfléchir à deux fois avant de rejouer les super-héros…

Le mot de la fin

Si j’insiste beaucoup sur ses défauts, SWAT Kats n’a rien d’une calamité ; il s’en tire même honorablement, et je ne vois d’ailleurs aucun reproche majeur à lui faire. L’aspect graphique est assez épuré mais très propre et fidèle à celui de la série, la difficulté bien calibrée grâce aux nombreux items de soin et vies supplémentaires disséminés ici et là, et le gameplay, malgré les désagréments évoqués plus haut, tient parfaitement la route. Le titre promettait simplement plus et tombe un peu dans l’esbroufe par moments, à l’image de ses séquences de shoot qui assurent jusqu’à ce qu’on commence à les jouer. Un jeu loin des sommets en somme, mais qui reste néanmoins de bonne facture et peut valoir le coup d’oeil pour qui a quelques heures à tuer.

Note Finale

Technique – 6,5 /10

En dehors des séquences de shoot, SWAT Kats ne cherche pas à en mettre plein les mirettes : les décors apparaissent un peu vides et pauvres en couleurs, même s’il ne fallait évidemment pas s’attendre à un Mr. Nutz vu le thème. C’est tout de même du travail très propre qui permet à l’action de rester toujours lisible, et l’animation est pour sa part qu’une qualité convenable.

Musique – 7 /10

Même si le thème principal est un peu assorti à toutes les sauces, SWAT Kats permet de constater que la bande originale de la série était de bonne facture. Du rock nerveux et efficace, qui ne dépareille pas dans cet univers très urbain.

Gameplay – 7 /10

On est dans de la plate-forme assez basique, que seule la possibilité de s’agripper aux murs vient un peu égayer. La prise en main se tient malgré quelques faiblesses, comme le rebond sur les ennemis qui est beaucoup trop enthousiaste et difficile à contrôler.

Durée de vie – 5 /10

En dehors d’une paire de passages crispants, le soft ne se montre pas d’un grand sadisme (les vies supplémentaires pullulent, et il est facile de gonfler son compteur au maximum) ; logique, le public visé étant plutôt jeune. Même en hard, le tout ne résiste pas plus de cinq heures.

En résumé
Un jeu d’action / plate-forme agréable, sans réel point faible, mais sans point fort non plus.

6

Honnête

Infos Pratiques

Développé par AIM
Édité par Hudson Soft
Sorti en août 1995 (USA)
Pas sorti au Japon
Pas sorti en Europe

action / plate-forme
1 seul joueur
Cartouche de 16Mb
Sauvegarde par mots de passe
Existe sur rien d’autre

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Les sections d’élite, j’en ai ma claque ! Ça suffit pas d’avoir déjà infiltré cinquante bases ennemies, dégommé du terroriste par packs de douze, désamorcé assez d’ogives nucléaires pour faire un nouveau Big Bang ? Voilà qu’il faut se retaper une même mission à un an d’intervalle… Sans rire, il reste encore des ennemis avec deux jambes après le carnage de la dernière fois ? À en croire le colonel, ça va être du gâteau ; moi, j’aurais surtout apprécié qu’il me dise enfin où on m’envoie, ça me changerait un peu…

C’est vrai ça, à chaque nouvelle virée, je me fais parachuter en pleine cambrousse sans même une petite introduction ! Pas de briefing, pas de carte, pas le moindre indice… Vu la végétation locale, je me doute bien que je suis assez loin de mon Berry natal, mais c’est vague quand même. Ceci dit, ma première expédition dans GunForce a eu lieu en 1991, et mon ordre de mission indique que je suis “enGULFed” sur l’île de la terreur, alors j’ai bien ma petite idée sur le théâtre des opérations : le parcours de golf du Puy-en-Velay ! Mais j’espère me tromper, parce que pour rentrer, ça ferait effectivement une sacrée trotte jusqu’à Châteauroux…

1991 : première offensive de GunForce en arcade

En tout cas, j’espère que le colonel sait ce qu’il fait, parce que je me rappelle que l’accueil était bouillant au dernier voyage. C’est bien simple, j’avais à peine décroché mon parachute que des vagues d’ennemis se jetaient sur moi ! Bon, c’est vrai, les troufions du coin manquaient sévèrement d’entraînement : ils passaient sous mon nez sans broncher, par grappes de quatre ou cinq, avec des têtes d’ahuris… Il suffisait de les ajuster avant qu’ils se retournent, et tacatacatac ! À moins de le faire exprès, c’était à la portée du premier bleu-bite venu. Ceux habillés en orange par contre n’hésitaient pas à jouer de la mitraillette, et évidemment ils ont vite commencé à arriver en nombre.

C’est là que les choses se gâtaient : la zone devenait rapidement encombrée, et avec une dizaine de zigotos sur le dos, les balles avaient une fâcheuse tendance à voler bas. Je sais ce que tu vas me dire, Robert : jusque-là, ça a l’air plutôt tranquille ta mission, presque une promenade de santé. Surtout que comme tu le sais, j’étais drôlement affuté à l’époque : réactif, vif comme l’éclair, aussi à l’aise avec un pistolet qu’avec un bazooka ou un lance-flammes, une vraie machine de guerre, quoi ! (comment je me la pète, moi…) Le problème, c’est qu’en face, ils ont aussi commencé à se ramener avec du gros barda qui tâche : ils ont rapidement sorti les tanks, les hélicos, les mitrailleuses fixes, les soldats équipés de jet-packs…

Ça devenait la foire à la saucisse, mon vieux Rémi ! À la limite de l’illisible par moments, même si l’action restait fluide en toutes circonstances. Dans l’ensemble, j’avais quand même l’impression qu’en s’appliquant, ces difficultés resteraient toujours surmontables… et j’avais raison d’ailleurs, sinon je ne serais pas là en train de te parler, haha ! Je ne te cache pas que je suis quand même passé par quelques moments de doute : c’est bien humain, non, Raymond ? Surtout quand on voit ce qui m’attendait à la fin de chaque secteur ! Des tourelles, des robots, des systèmes de sécurité gardés par des hordes de grenadiers… Ils avaient tout anticipé, les fourbes ! Heureusement, la technologie de pointe, c’est impressionnant mais aussi bien prévisible : un petit round d’observation, et ça passait comme dans le tunnel du Somport. Sans compter que je pouvais moi aussi utiliser certains de leurs véhicules, il faut avouer que ça facilitait pas mal les choses parfois.

Bon, je ne dis pas que c’était de la tarte de diriger un hélicoptère et de tirer en même temps, mais un bon soldat doit savoir s’adapter, pas vrai ? Tu vois Roger, en te racontant tout ça, je me rends compte que c’était loin d’être désagréable, cette petite expédition. Ça manquait peut-être un peu de panache par moments, de délires du genre “On sauve des barbus en slip qui nous remercient en lâchant des power-ups”, et les environnements qu’on traversait étaient un peu vides parfois… Oui, il manquait peut-être un brin de folie, mais c’était du solide quand même, on sentait que nos généraux avaient de la bouteille et qu’ils savaient où ils nous envoyaient. Et puis, je suis sûr que l’expérience que j’ai accumulée dans ces six zones hostiles me servira un jour, ici, par exemple… Tiens, d’ailleurs on est presque arrivés. Prépare-toi à me larguer, René !

1992 : second assaut sur Super NES

Ça y est, je ne peux de nouveau plus compter que sur moi-même… Ah, l’environnement n’a pas beaucoup changé depuis la dernière fois ! C’est sûr que c’est toujours plus beau dans les souvenirs, mais ça reste quand même pas mal, il y a de la couleur, une bonne variété des paysages… Pas dit que j’y revienne pour les vacances, mais pour un pique-nique improvisé, ça peut le faire. Oh, et là-bas, les mêmes ennemis qu’en 1991 ! Fidèles au poste, à l’identique ou presque. Ils semblent quand même avoir mal récupéré : qu’est-ce qu’ils ont à se traîner comme des vieillards ? J’avais été si violent que ça avec eux ? J’espère vraiment qu’ils ne sont pas tous dans cet état, sinon j’ai pas fini de les regarder arriver !

Remarque, c’est peut-être une bonne chose, parce que mon arthrite refait parler d’elle ces derniers temps. Je leur avais bien dit d’envoyer quelqu’un d’autre, mais rien à faire : “vous connaissez le terrain mieux que quiconque”, blablabla… Bref, ça ne m’handicape pas trop pour tirer – encore que la précision, c’est plus trop ça -, et j’ai aussi gardé de bonnes jambes : je cours plus vite que les balles ennemies, façon Lucky Luke, c’est dire ! Là où ça devient coton, c’est pour sauter : j’ai l’impression de flotter dans les airs, et du coup, bonjour pour éviter les attaques. Je ne sais pas ce qu’ils me refourguent à l’infirmerie, mais c’est du costaud ! Une chance que le coin soit assez chiche en plates-formes…

Quant à reposer mes guiboles de temps à autre, rien de plus simple : il me suffit de m’accroupir, et je deviens simplement intouchable ! C’est vraiment n’importe quoi quand on y pense, parce que les balles traversent clairement ma tête dans cette position, et rien, même pas une petite migraine ! Ça arrive régulièrement d’ailleurs, avec un peu toutes les parties du corps : quand l’action est intense, ça passe inaperçu, mais comme ici on a tout le temps… Enfin, je ne vais pas m’en plaindre, surtout que ça facilite pas mal ma progression. Il faut dire qu’à la base, on est déjà loin du parcours du combattant de l’année dernière. Tiens, un exemple tout bête : le système de tourelles placé à la fin de la première zone.

J’avais dû m’y employer il y a un an, les rayons et les boules d’énergie fusaient, il fallait bouger dans tous les sens… La belle époque ! Eh bien là, cinq tirs de bazooka et tout était rasé avant même qu’un projectile n’ait une chance de me toucher ! Et c’est comme ça tout du long, j’ai presque le temps d’aller boire un café avant que les tirs ne m’atteignent. Cette opération est une sacrée lutte, c’est sûr, mais surtout pour rester éveillé… D’ailleurs, je ne me suis pas endormi, là ? Je suis passé directement de la troisième à la cinquième zone ! Les fourbes, ils ont fermé le meilleur passage pour brouiller les pistes, celui avec les hélicoptères qui pourchassent les tanks, les hordes d’ennemis qui se jettent sous les chenilles et le bâtiment équipé de lance-flammes à la fin !

Normal en même temps, il faut dire que ça pétait vraiment dans tous les sens là-bas… Du coup, il ne reste que cinq aires de combat, ça va faire juste pour avoir un chapitre à ma gloire dans les livres d’histoire. Un paragraphe, peut-être, ou un post-it glissé entre deux pages… Ben voilà, j’ai torché le dernier vilain. Un beau morceau du reste, je me rappelle qu’il était bien coriace à l’époque où il n’était pas encore sous Tranxène. Et voilà, deux heures et c’est plié ! Si ça se trouve, je serai même rentré à temps pour L’Amour est dans le Pré ; pas si gonflant ce métier, finalement ! Bon ben, mission accomplie, Colonel. À vous !

Le mot du colonel

Transposer un titre aussi “explosif” que GunForce sur console était un pari audacieux, qui aurait éventuellement pu être relevé au prix de grosses concessions techniques. Hélas, à trop rechercher une fidélité sans faille à l’original, cette mouture Super NES en a paradoxalement perdu toute l’identité : la charte graphique et le level design sont peut-être respectés, mais le prix à payer – animation souffreteuse, action molle et challenge inexistant – s’avère du coup bien trop élevé. Le résultat ne fait franchement pas honneur à la version arcade, et à moins de chercher un Contra-like outrageusement facile à plier, même les fans du genre peuvent laisser les treillis au placard sans regrets.

- Euh, et moi, j’en fais quoi de mon treillis, Colonel ?
– Prenez quelques minutes de repos avant de repartir, soldat, vous les avez bien méritées ! On peut dire que vous avez brillamment rempli votre Contra, hahaha !
– J’ai pas compris…
– Vous avez de la chance, mon petit. Vous avez bien de la chance…

FIN DE LA TRANSMISSION

Note Finale

Technique – 5 /10

D’un côté, des graphismes plutôt homogènes, avec des sprites de belle taille (surtout pour les véhicules) ; de l’autre, un scrolling laborieux et une animation anémique en total décalage avec la nervosité qu’on attend d’un shooter. Au final, c’est malheureusement la partie négative qui se montre la plus persuasive…

Musique – 5 /10

La bande-son est plus proche de La Septième Compagnie que de Full Metal Jacket, mais elle possède un avantage certain sur le jeu : elle est rythmée. Pas de reproches particuliers pour les bruitages.

Gameplay – 6 /10

Assez efficace dans l’ensemble, la jouabilité révèle tout de même des imprécisions gênantes dans les situations chaudes (enfin, tièdes ici…) comme les sauts et les phases de conduite. La gestion du masque de collision est pour sa part un mystère qui aurait gagné à être éclairci avant commercialisation…

Durée de vie – 5 /10

Le temps nécessaire pour buter une poignée de fois sur le boss final, soit plus ou moins deux heures… Oui, les cinq niveaux sont vraiment très courts…

En résumé
On ne retrouve plus la pêche de la borne d’arcade. Dommage…

4

Très moyen

Infos Pratiques

Développé par Bits Studios
Édité par Irem
Sorti le 27.11.1992 (Japon)
Sorti en 11.1992 (USA)
Pas sorti en Europe

run’n gun
1 seul joueur
Cartouche de 4Mb
Pas de sauvegarde
Existe aussi en arcade

Plus Loin

En 1994, GunForce aura droit à une suite, exclusivement en arcade cette fois : GunForce II (Geo Storm au Japon). Le mimétisme entre ce titre et Metal Slug est vraiment très poussé, et pour cause : ce sont les mêmes personnes qui ont travaillé dessus, d’abord pour le compte d’Irem, puis pour celui de Nazca. GunForce II est en tout cas un shooter très solide, bien que sacrément bourrin, même pour le genre (le héros se bat quand même avec une mitraillette et un lance-flammes dans chaque main…).

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Sorti en 1993, Dragon Ball Z Super Butouden, ou tout simplement Dragon Ball Z chez nous, est le premier jeu DBZ à atteindre la France, en pleine période Club Dorothée. Succès commercial garanti pour un jeu qui souffre pourtant de graves défauts.

Tout enfant ayant regardé le Club Dorothée est fan de Dragon Ball Z. C’est un fait. Série-phare de l’émission (aux côtés de Saint Seiya / Les Chevaliers du Zodiaque), elle a eu un impact immense sur les jeunes Français, a popularisé les dessins animés japonais dans nos contrées et est devenue LA référence du Shonen à travers le monde. En vérité, il serait plus juste d’affirmer que tous les enfants ayant grandi avec la “japanimation” (dessins animés japonais) aiment / adorent / vénèrent DBZ. Et ce, malgré tous les défauts de l’oeuvre de Toriyama : scénario inexistant, personnages peu développés ou au comportement simpliste, combats à rallonge (uniquement dans l’animé), ajouts d’une médiocrité rare (uniquement dans l’animé)… Mais que voulez-vous, l’univers (qui n’a jamais mimé le Kamehameha ?), la puissance des combats, la classe des personnages (Végéta, Trunks, Freezer…) et les musiques cachent aux yeux des fans tous ces défauts. Mais est-ce que ce fanatisme parvient à effacer les défauts du jeu ? Quand on est gosse, la réponse est oui. Mais avec du recul…

Un contenu honnête

Commençons par le commencement : le contenu. L’écran-titre nous dévoile trois modes de jeu (Histoire, Championnat, Combat) et le menu Options. Le mode Histoire nous fait revivre les affrontements marquants de Dragon Ball Z, de la défaite de Piccolo à la mort de Cell (de la fin de Dragon Ball à la saga Cyborgs donc), en se concentrant notamment sur les cyborgs. En effet, un combat pour la fin de Dragon Ball, un combat pour les Saiyans, un pour la saga Namek et pas moins de sept pour la saga Cyborgs (si ça, c’est pas du favoritisme) ! Les affrontements sont séparés de textes très mal traduits afin d’expliquer le scénario et offrent la possibilité de choisir son personnage en fonction des combats.

À noter qu’en difficulté Bon ou Super, si vous choisissez les “bons” combattants, c’est-à-dire en respectant le manga (Goku contre Végéta, Goku contre Freezer, Piccolo contre C-20, Végéta contre C-18…) et que vous ne perdez jamais, vous débloquerez la vraie fin : une cut-scene où Satan / Hercule se fera laminer par Perfect Cell, puis un nouveau combat contre le cyborg, et enfin les crédits. Sinon, vous aurez un écran bleu avec marqué Dragon Ball Z, et vous n’aurez plus qu’à “reset” la console. Le championnat est, comme son nom l’indique, un tournoi dans le pur style Dragon Ball Z, sans les “ring out”.

Nous ne nous attarderons pas sur ce mode inutile en solo, son intérêt se trouvant dans les parties entre potes. Le mode Combat permet, quant à lui, de jouer contre un copain ou l’IA. Vous aurez accès à tous les personnages de “base” du jeu : Goku, Piccolo, Végéta, Freezer, C-20, C-18, C-16 et Cell. Pour débloquer les autres combattants, vous devez entrer un cheat code lors de l’intro du jeu. Vous pourrez alors jouer les versions Super Saiyen de Goku, Végéta, Gohan ado et Trunks adulte, ainsi que Perfect Cell. Un casting de base honorable, surtout pour un premier jeu, et un très bon casting complet.

Des innovations, mais aussi de grosses lacunes

C’est dans les options que l’on règle la difficulté du mode Histoire. En combat, vous pourrez le faire à chaque affrontement. Vous pourrez également choisir l’arène, la musique, les points de vie, le “ki” (l’énergie de votre personnage) disponible en début de combat, l’état du combattant (normal / bon) et la manipulation nécessaire pour effectuer un Kamehameha et autres techniques ultimes (nous y reviendrons). Super Butouden apporte, mine de rien, de nombreuses innovations dans le monde du jeu de baston. Comme dans tous les autres jeux de combat 2D, vous pouvez frapper des poings, des pieds, sauter… mais vous pouvez également projeter des boules d’énergie en appuyant sur A, voler en pressant X ou encore vous déplacer rapidement avec les gâchettes.

Les boules d’énergie consomment la jauge de “ki”. Si cette dernière est vide, vous serez “stun” (oui, j’utilise le jargon du jeu de combat, car c’est mon genre favori), c’est-à-dire dans les vapes pendant un court instant, vous laissant à la merci de votre adversaire. La jauge de “ki” se remplit avec le temps, mais également en donnant des coups, en concentrant son “ki” (maintenir Bas enfoncée, uniquement dans les airs) et surtout, en se protégeant des attaques adverses. Se déplacer rapidement permet de fuir le corps-à-corps afin de voler / redescendre sur terre, balancer une technique ultime ou encore spammer les projectiles (stratégie préférée du débutant !). Voler peut paraître n’être qu’un bête changement de décors, mais il apporte de nouveaux éléments de gameplay : le premier étant de pouvoir esquiver avec facilité les projectiles, le second étant que dans les airs, les coups “low” (frappant le bas du corps) disparaissent. La garde y est donc plus facile.

Les techniques à base de “quart de cercle”, d’ “avant-arrière-avant” et autres “charges bas / haut” (ceux qui ne comprennent pas ce que je dis n’ont jamais joué à Street Fighter II) infligent des dégâts à l’adversaire, même s’il se protège. Si l’idée est excellente dans la plupart des jeux de baston, dans Dragon Ball Z, elle ne l’est pas ! Les dégâts sont beaucoup trop importants selon les techniques et surtout, certains persos peuvent les spammer jusqu’à votre mort (l’IA en Bon ou Super ne s’en prive d’ailleurs pas, enfoiré de Freezer…). Alors oui, certains coups passent à travers le “spammage” (et même à travers certaines techniques, c’est dire si le gameplay est mal foutu), mais le timing est tellement serré que seul l’ordinateur parvient à les lancer au bon moment.

Quant aux attaques ultimes, provoquant une sorte de cut-scene type Kamehameha, Genkidama, Makankosappo, elles respectent à merveille l’oeuvre originale grâce aux personnages qui gueulent le nom des techniques et aux bruitages bien puissants. Le Final Flash est jouissif. Pour se défendre, vous devez entrer une certaine commande lorsque votre combattant change de pose afin de se protéger de l’attaque, la dévier, l’esquiver, la désintégrer ou carrément la renvoyer (!). Ses techniques ultimes dépensent une quantité plus ou moins grande de “ki” et s’exécutent en réalisant des “demi-cercle avant + A” ou des “demi-cercle arrière suivis de avant + A”. La version simplifiée consiste à attendre que le trait vertical qui sépare les combattants passe au noir pour appuyer sur A, le plus rapide réalisant ainsi son attaque. Ce système permet en général de différencier les bons des mauvais joueurs.

Car oui, j’allais oublier de vous en parler : un trait vertical sépare les combattants (le fameux écran partagé). De ce fait, un des joueurs peut être dans les airs, tandis que l’autre peut rester sur terre. Ils peuvent aussi s’éloigner l’un de l’autre à une distance immense pour un jeu de combat. Lorsqu’ils se rapprochent au corps-à-corps, ce trait disparaît afin de rassembler les deux écrans. Un radar situé en-dessous des jauges de vie et de “ki” sert à se situer par rapport à son adversaire. A noter que dans le mode Histoire, les cyborgs n’apparaissent pas dans ce radar (respect total au manga). Cet élément de gameplay est une très belle innovation et ne sera utilisé, sauf erreur de ma part, que dans les jeux Dragon Ball Z et dans War Of The Monsters sur PlayStation 2.

Autres précisions : il n’y a pas de “chop” pour passer la garde de l’adversaire (après tout, pourquoi briser la garde de l’adversaire quand on peut spammer ?), les persos sont lents et lourds (rendant les sauts peu maniables), les déplacements rapides avec les gâchettes mettent l’adversaire à terre (coupant le rythme du combat), de même pour les balayettes. Je parais très cruel comme ça avec le gameplay, mais même si c’est un jeu à licence, il y a des choses que je ne peux pas pardonner. Super Butouden est quand même sorti deux ans après Street Fighter II. Je sais que l’objectif de Bandai n’était pas de nous livrer un jeu de baston technique mais tout simplement de nous permettre d’incarner les personnages de Dragon Ball, mais faut pas bâcler le travail. Le jeu repose donc essentiellement sur l’aura de sa licence.

Après le contenu, la forme

La réalisation est très bonne, aucun bug à signaler. Les graphismes sont jolis et colorés, rendant honneur à l’oeuvre originale. On reconnaît immédiatement les personnages de Dragon Ball Z et leurs attaques. Les arènes de tailles différentes reprennent plusieurs lieux clé du manga, comme le ring du Championnat du Monde des Arts Martiaux, Namek agonisante, la Salle de l’Esprit et du Temps, ou encore le ring du Cell Game. Ces environnements sont vides, mais il aurait été difficile de remplir ces immenses arènes de bâtiments, de vie ou de détails. Quant à la bande-son, les bruitages sont bons, les voix également (les combattants crient de douleur, scandent le nom de leurs techniques). Les musiques vont du bon à l’excellent. Je vous recommande les thèmes de C-16, Cell et de la Salle de l’Esprit et du Temps (associé à Gohan et Trunks).

Pour conclure

Dragon Ball Z Super Butouden n’est pas un mauvais jeu, même si mon agressivité envers les erreurs de gameplay peuvent le faire paraître. Les graphismes sont très jolis, le casting est bon, de même que la bande-son et la durée de vie. Le gameplay innove mais souffre néanmoins d’une trop grande lenteur, d’un manque d’équilibre entre les personnages et d’un manque de finition. L’aura et la puissance de la licence pardonnent une partie des défauts et offrent aux fans de bons moments. Préférez-lui cependant sa suite, meilleure en tout point.

Note Finale

Technique – 7 /10

Le jeu est beau et coloré, et les personnages très réussis. Les arènes sont jolies mais vides.

Musique – 7 /10

Les thèmes sont bons, variés et collent bien aux personnages et environnements. Les voix apportent un vrai “plus”, notamment lors des attaques ultimes.

Gameplay – 5 /10

Des innovations nombreuses et très bien pensées, contre balancées par un gameplay lent, lourd et manquant de finition. Le plaisir est quand même là pour les fans de la série (c’est la nostalgie qui parle).

Durée de vie – 6 /10

Un mode Histoire comportant une dizaine de combats et huit personnages charismatiques jouables de base (treize au total) offrent une durée de vie honorable. L’IA est bonne et s’adapte bien en fonction de la difficulté, bien qu’elle est complètement “cheatée” en Bon (Freezer, Végéta…) et en Super. Obtenir la vraie fin allonge la durée de vie, mais n’essayez pas, c’est tout bonnement impossible sauf sur émulateur.

Innovation – 8 /10

L’écran partagé, le radar et les techniques ultimes démarquent Super Butouden de la concurrence et permettent un rendu fidèle au manga de Toriyama.

Scénario – 6 /10

Le jeu reprend l’affrontement final des premières sagas clé de DBZ et entre plus en profondeur dans la saga Cyborg. Dommage que la saga Boo n’apparaisse pas. On apprécie l’effort effectué pour retranscrire le mieux possible l’univers de Dragon Ball : C-20 et Cell peuvent absorber l’énergie, C-18 peut se protéger à l’aide d’un bouclier, Piccolo fait repousser ses membres détruits après avoir encaissé une grosse attaque…

En résumé
Un jeu de combat fidèle à l’oeuvre originale et réservé aux fans de Dragon Ball Z avant tout.

5

Moyen

Infos Pratiques

Développé par TOSE
Edité par Bandai
Sorti le 20.03.1993 (Japon) (*)
Sorti en 1993 (Europe)
Pas sorti aux USA

combats à un contre un
1 à 2 joueurs
Cartouche de 16Mb
Pas de sauvegarde
Existe sur rien d’autre

(*) sorti sous le titre Dragon Ball Z : Super Butouden

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L'article Dragon Ball Z a été publié sur La Mémoire du Pad.

Si la chanson The Power of Love, interprétée par Huey Lewis and The News, est devenue emblématique de la trilogie Retour Vers Le Futur, du côté des jeux vidéo, les trois films de Robert Zemeckis ont eu un destin peu enviable que l’on pourrait tout simplement résumer par… The Power of Daubes ! Après une tripotée d’adaptations sur les micro-ordinateurs de l’époque (Amstrad CPC, Commodore 64, ZX Spectrum), le premier Back To The Future débarqua sur NES en 1989 et ne tarda pas à être rapidement dégommé, tant par la critique que par les joueurs. Pire encore : Bob Gale (scénariste sur les trois films) déclarera même que cette adaptation 8 bits était une honte, un des plus mauvais jeux NES de tous les temps, et que par conséquent, les fans ne devaient surtout pas l’acheter ! C’est dire la qualité du titre…

Par la suite, Back To The Future Part II et Back To The Future Part III sortiront eux aussi sur NES et sur la Master System de SEGA, mais ces deux titres seront à nouveau synonymes de médiocrité. Arriver à un tel constat d’échec n’est pas nouveau, car rares sont les éditeurs qui voient dans les adaptations de films à succès autre chose que des “machines à cash”. Mais du coup, les fans sont à chaque fois passés à côté d’une belle occasion : celle de se prendre pour Marty McFly dans un jeu vidéo plus ou moins potable. Tous les fans ? Vraiment ? Eh bien non, peut-être pas tous… Figurez-vous que dans le catalogue de la Super Famicom, on trouve un certain Super Back To The Future Part II (ne cherchez pas les Part I et Part III, ils n’existent pas), une curiosité nippone comme on les aime, c’est-à-dire inédite de ce côté-ci du globe, et qui fait preuve de suffisamment d’originalité pour améliorer – un peu – l’image des Retour Vers Le Futur sur la planète jeux vidéo…

Back to the future, to the past, to the present…

Super Back To The Future Part II se présente donc comme la transposition, en jeu vidéo, du second film sorti en 1989 dans les salles. Ça ne date donc pas d’hier, et même si j’imagine que la grande majorité d’entre vous à au moins vu les trois films à un moment ou à un autre, survoler rapidement l’intrigue de ce second long métrage ne me semble pas superflu. Pour faire court, Marty est revenu de son trip temporel en 1955 grâce à la DeLorean bricolée par son ami Emmet Brown, alias Doc. Bien décidé à prendre un peu de bon temps, l’ado saisit sa planche de skateboard et se rend chez sa copine Jennifer. C’est alors que, soudainement, Doc apparaît. Complètement survolté, le “savant” revient du futur et annonce aux deux tourtereaux que l’avenir de leurs futurs enfants paraît bien sombre. La solution qu’il préconise alors consiste à se rendre dans le futur, en l’an 2015 (année où le destin des enfants a basculé), pour tenter de le modifier. Là, Marty essayera de se faire passer pour son propre fils, Marty Junior, et devra affronter Griff, le petit-fils de Biff, son ennemi juré.

Si l’entreprise paraît déjà suffisamment risquée, les choses vont encore se compliquer avec les manigances de ce même Biff (en version “vieillard”, puisqu’ils sont dans le futur). Ce dernier se procure en effet un almanach sportif reprenant les résultats de plusieurs décennies de championnats. À leur insu, il pique ensuite la DeLorean, retourne en 1955 pour se donner l’almanach “à lui-même”, et revient illico en 2015 avec la voiture, ni vu ni connu… Quand Marty, Jennifer et Doc reviennent dans le présent, ils n’en croient pas leurs yeux. Leur quartier d’Hill Valley est devenu méconnaissable et croule sous la pollution et le crime. Biff Tannen est quant à lui devenu multi-millionnaire en gagnant des paris sportifs à la chaîne (merci l’almanach du futur !)… Plutôt enthousiasmante, on peut dire que l’intrigue de cette suite est rondement menée et riche en rebondissements, et indirectement, le jeu en tire profit. Les cut-scenes, très personnelles sur le plan graphique (j’y reviendrai plus loin), interviennent d’ailleurs entre les niveaux pour nous rappeler ce lien assez fidèle avec la trame du long métrage.

Un ado aux capacités limitées

Outre le voyage dans le temps, et en l’occurrence dans le futur, qui sert de toile de fond à ce second film, si il y a bien une chose qui aura retenu l’attention des (jeunes) spectateurs de par le monde, c’est l’hoverboard : un skateboard du futur, sans roues, qui lévite dans les airs à quelques centimètres du sol. Autorisant à Marty les “figures” les plus improbables, l’hoverboard se devait de figurer en bonne place dans le jeu, et pour le coup, le développeur Daft n’y est pas allé par quatre chemins, puisque ce skate volant sera le seul et unique moyen de locomotion de Marty tout au long du soft ! Jeu d’action / plate-forme sur le papier, Super Back To The Future Part II propose donc un trip unique mais avec, en fin de compte, bien peu d’actions possibles : le saut (pour franchir des obstacles, passer d’une plate-forme à l’autre ou grimper sur certaines parois dédiées), l’accélération (pour profiter des dénivelés présents sur le parcours) et l’attaque (qui se résume à effectuer une pirouette, à l’aide de l’hoverboard, pour se débarrasser des ennemis) sont les seules et uniques capacités du jeune Marty.

Notre héros serait-il, dès lors, trop faible ? Oui et non… Oui parce qu’on aurait quand même aimé avoir accès à une palette d’actions plus large. Et non, parce que l’inertie du perso et le manque d’efficacité de son attaque poussent de toute façon le joueur à essayer d’éviter les ennemis plutôt que de les affronter de face, comme ça, juste pour le fun. Pourquoi avoir plusieurs attaques quand, de toute façon, il est préférable d’éviter la confrontation ? Donc, finalement, ce n’est peut-être pas plus mal comme ça. Un peu contraint et forcé, on passe en fait le plus clair de son temps à chasser des pièces, items indispensables pour se procurer des power-up (énergie, invincibilité temporaire) et des vies supplémentaires dans les distributeurs automatiques présents dans les niveaux.

À cette occasion, on ne pourra pas s’empêcher de remarquer le level design peu inspiré qui fait, il est vrai, bonne impression en début de partie, mais qui montre aussi très vite ses limites, et dont la seule qualité est de proposer à chaque fois différents chemins menant vers la fin du niveau. Pour vous résumer un peu la situation, les possibilités de gameplay de Super Back To The Future Part II se révèlent bien trop limitées et se résument à sauter, éviter des ennemis et récolter quelques bonus. Dans la forme, le jeu serait plus proche d’un Sonic The Hedgehog que d’un Super Mario World, mais dans le même temps, ce serait un affront que de le comparer aux meilleurs épisodes du hérisson bleu de SEGA. S’il repose bien, tout comme Sonic, sur les principes de vitesse et d’évitement d’obstacles, le soft de Daft n’en a tout simplement pas le dixième des qualités, que l’on s’attarde sur sa technique quelque peu défaillante (voir ci-dessous) ou son gameplay.

Film US mais soft bien nippon

Difficile de ne pas le remarquer : Super Back To The Future Part II bénéficie d’un traitement SD discutable pour l’intégralité de ses persos, avec notamment des ennemis décalés et parfois drôles. Si certains joueurs ne comprendront jamais pourquoi les développeurs ont choisi cette voie pour transposer un film US, d’autres (et j’en fait partie) trouveront qu’il se dégage quand même du jeu une ambiance sympathique, finalement assez proche de celle revendiquée par le film. Comme déjà dit plus haut, les décors font assez bonne impression, mais seulement au début du jeu. Bien qu’ils soient plus ou moins inspirés du film, ils deviennent vite insipides, plutôt vides et sans aucune imagination. Certains semblent même avoir été pensés sans tenir compte de l’utilisation (pourtant obligatoire !) de l’hoverboard. On tombe ainsi sur une “overdose” d’obstacles qui empêchent toute prise de vitesse, des passages de plate-forme rendus difficiles par la maniabilité très moyenne du perso, etc. Et encore, ce ne sont pas les défauts les plus marquants que l’on peut relever dans Super Back To The Future Part II…

Ainsi, si le joueur est invité à faire accélérer Marty sur son skate volant, il devra aussi subir de sacrés ralentissements, et ce, dès que deux ou trois ennemis apparaissent en même temps à l’écran ! Et si je vous dis que la détection des collisions avec lesdits ennemis n’est pas non plus à la fête, vous comprendrez que pour un soft qui prend le parti de jouer la carte de la vitesse, ça s’annonce plutôt mal… Avec le gameplay, c’est clairement le gros point noir du soft. En fin de compte, sur un plan purement technique, je dirais que seules les musiques (ou, plus précisément, “la” musique, puisqu’il s’agit du thème principal du film, qui se retrouve décliné en différentes versions) parviennent à garder la tête hors de l’eau grâce à des tonalités jazzy, rock ou électro plutôt réussies.

Le mot de la fin

Par rapport à ses prédécesseurs sur micro-ordinateurs, NES ou Master System, Super Back To The Future Part II fait preuve de certaines qualités inespérées : ses graphismes SD inattendus et sympathiques, son principe de jeu centré sur l’hoverboard et ses musiques bien restituées par la Super NES sont autant d’éléments qui, mis bout à bout, permettent au titre de sortir de l’ornière dans laquelle la licence était embourbée depuis des lustres. Mais ce qu’il ne faut surtout pas faire, c’est le comparer avec d’autres titres concurrents (comme Sonic The Hedgehog, voire même, à la rigueur, Zero The Kamikaze Squirrel), parce que là, comment dire… les choses se gâtent sérieusement ! L’impression de “vide” (peu d’actions possibles, niveaux bien trop génériques, level design aux abonnés absents…) et les pépins techniques prennent vite le dessus, au point de ne voir plus qu’eux ! Le joueur, déçu, restera alors sur un constat amer : il n’aura probablement jamais l’occasion de mettre la main sur un jeu Retour Vers Le Futur plus proche du hit que de la daube…

Note Finale

Technique – 6 /10

Un traitement SD discutable, mais sympathique. Par contre, les ralentissements systématiques et la détection des collisions trop approximative restent en travers de la gorge.

Musique – 6 /10

On reconnait sans peine le thème musical emblématique de la trilogie, décliné en versions aux tonalités différentes. Plus de variété dans les musiques n’aurait cependant pas été un luxe…

Gameplay – 6 /10

Il y a de l’idée ! Le gameplay centré sur l’hoverboard était plein de promesses… malheureusement non concrétisées. Le level design inadapté et les ralentissements intempestifs tuent le fun dans l’oeuf.

Durée de vie – 4 /10

Pas spécialement long et grevé de sérieux défauts, Super Back To The Future Part II n’est pas le style de soft sur lequel on revient encore et encore…

Innovation – 5 /10

Le jeu de Daft aurait pu être une petite bombe, si seulement le contenu et la réalisation technique avaient été d’un autre calibre. Allez, un 5/10 pour l’idée de base (l’hoverboard), mais pas plus…

En résumé
Parmi les jeux Retour Vers Le Futur, c’est un des “moins mauvais”. C’est déjà ça…

5

Moyen

Infos Pratiques

Développé par Daft
Édité par Toshiba EMI
Sorti le 13.07.1993 (Japon)
Pas sorti aux USA
Pas sorti en Europe

action / plate-forme
1 seul joueur
Cartouche de 8Mb
Sauvegarde par mots de passe
Existe sur rien d’autre

Plus Loin

Bien que le soft soit en japonais, on peut le parcourir sans problème d’un bout à l’autre, vu que les dialogues ne sont pas essentiels. Cependant, si vous voulez vraiment jouer avec des textes en français, sachez que la TRAF propose un patch de traduction à appliquer sur la ROM originale du jeu.

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L'article Super Back To The Future Part II a été publié sur La Mémoire du Pad.

Aussi loin que je m’en souvienne, les bandes dessinées de Tintin ont toujours trôné dans un coin de ma bibliothèque. Mon tout premier album, reçu en cadeau à l’âge de six ou sept ans, fut Tintin au Congo, et comme j’aimais plutôt ça, en quelques années, j’ai finalement pu aligner la collection complète sur mes étagères.

Si certains albums avaient clairement ma préférence (Le Lotus Bleu, On a marché sur la Lune), d’autres comme Les 7 boules de cristal m’avaient carrément fichu la trouille ! Au début de cet album, Hergé tirait beaucoup sur les ficelles du mystère et des phénomènes inexpliqués, avec des scientifiques qui, après avoir découvert le tombeau de la momie inca Rascar Capac, étaient frappés par un mal inconnu. Il y avait aussi cette scène, reprise sur la couverture de la BD, où une grosse boule de feu virevoltait autour du pauvre Tournesol assis dans un fauteuil et explosait finalement la cage de verre où la fameuse momie se trouvait emprisonnée ! Quand vous avez sept ans et une imagination débordante, je peux vous dire que feuilleter cet album avant de vous endormir n’était pas forcément une bonne idée… ^^;

Double album, double dose

Si je raconte ces quelques souvenirs, ce n’est pas pour rien, car contrairement à ce que son titre pourrait laisser penser, Tintin : Le Temple du Soleil est bien l’adaptation Super NES du duo d’albums Les 7 boules de cristal / Le Temple du Soleil. Un an à peine après un Tintin au Tibet à moitié convaincant, le jeune reporter rempilait donc sur Super NES pour une deuxième aventure, avec, comme cela avait déjà été le cas pour Lucky Luke, Astérix ou Les Schtroumpfs, Infogrames dans le rôle du chef d’orchestre. Gage de qualité ? Peut-être… mais de fidélité, certainement. Les “Tintinophiles” étant particulièrement vigilants et tatillons, le déroulement du jeu se devait de suivre scrupuleusement celui des deux bandes dessinées. Et c’est bien le cas ici. Les premiers niveaux font référence à ce qui s’est passé dans les 7 boules de cristal, alors que le reste du jeu (soit la plus grosse partie) nous fait voyager en s’intéressant aux péripéties racontées dans le Temple du Soleil.

Contrairement au jeu Tintin au Tibet qui ne couvrait qu’un seul album, Infogrames s’est donc attaqué de front à deux albums qui, comme à chaque fois chez Hergé, forment un tout indissociable. En d’autres mots, en développant un jeu sur Le Temple du Soleil, le développeur ne pouvait faire l’impasse sur Les 7 boules de cristal. Sur ce point, le pari est tenu et le jeu, dans son ensemble, forme un tout cohérent. Les aventures de notre reporter commencent dans les allées du musée ethnologique, pour se poursuivre dans le manoir du professeur Bergamotte, dans les jardins de ce même manoir, à bord d’une voiture lancée à la poursuite des ravisseurs de Tournesol, sur le paquebot Potomac, etc. Là où nos deux BD font sans cesse voyager Tintin et Haddock à la recherche de leur ami kidnappé, jusqu’au fin fond de la jungle péruvienne, Tintin : Le Temple du Soleil fait de même avec le joueur. Aucun niveau ne ressemble donc de près ou de loin à un autre, ce qui est plutôt une bonne chose pour un soft d’action / plate-forme…

Finalement, pour Infogrames, le plus dur aura été de trouver dans les deux BD des scènes qui pourraient faire l’objet d’un niveau dans un jeu vidéo. Ce n’était pas forcément gagné, d’autant plus que, si Tintin a la bougeotte, ce n’est pas non plus un personnage d’action à 100%, et encore moins un personnage super violent. Du coup, on constate que le soft est plus orienté action que plate-forme, avec un Tintin peu “gâté” qui ne sait faire que marcher, courir, sauter et, à de rares occasions, prendre un objet en main. En fait, on le remarque très vite : le héros d’Hergé passe le plus clair de son temps à éviter d’entrer en contact avec des pseudo-ennemis ou des projectiles du style tonneaux, balles de revolver… Je parle de “pseudo-ennemis” parce qu’à vrai dire, dans Le Temple du Soleil, on ne peut pas parler d’ennemis au sens propre du terme.

Assez curieusement, ce sont de simples PNJ (“persos non joueurs”) qui se baladent et qui agissent de manière on ne peut plus scriptée. Limite, ils n’en ont rien à faire de Tintin ! Toute la difficulté du titre réside donc dans le fait de pouvoir ou non les éviter. Le choix opéré par Infogrames pour ces “obstacles”, mobiles ou non, est d’ailleurs, lui aussi, interpelant : les gardiens du musée, le bilboquet d’une petite fille, des planches qui dépassent d’une caisse, une porte qui s’ouvre, un Lama qui crache de l’eau (“Quand lama fâché, señor, lui toujours faire ainsi !”)… Apparemment, dans le cahier des charges, il fallait que les obstacles soient réalistes, et le simple fait d’entrer en contact avec eux se soldera par la perte d’un point de vie (cette dernière étant ici symbolisée par un parchemin qui s’enroule progressivement). Seul petit “rayon de soleil” et originalité dans ce gameplay : Tintin peut souvent évoluer sur plusieurs plans (jusqu’à trois, comme pour le niveau sur les docks par exemple), cette particularité permettant au jeune héros d’éviter de croiser la route d’un “ennemi”. Voilà qui donne au moins, sans mauvais jeu de mots, un peu plus de profondeur au titre…

De rares moments de bravoure

Pour éviter que leur jeu ne ressemble qu’à un gros et douloureux parcours du combattant, les développeurs d’Infogrames ont imaginé quelques niveaux un peu plus originaux. Dans le jardin du manoir, le joueur devra par exemple gérer Tintin et Haddock en alternance, le revolver du second permettant au premier d’avancer à couvert. Par la suite, dans plusieurs niveaux, la classique évolution en 2D de profil sera aussi remplacée par une mise en scène un peu plus dynamique : poursuite en voiture avec la route vue de face, séquence du wagon de train, Tintin suspendu aux pattes d’un aigle énorme, Tintin qui tente d’échapper à une avalanche… Mais malgré cela, le but reste toujours le même (se jouer des obstacles), et ces niveaux ne constituent pas pour autant un répit : pour en venir à bout, il faudra des réflexes et une mémorisation des obstacles encore plus affutée que dans les niveaux “normaux”.

De manière générale, l’impression qui prédomine dans Tintin : Le Temple du Soleil est donc celle d’une trop grande difficulté, avec une progression bien chaotique. Tintin n’est pas un modèle de maniabilité, alors que certains sauts ou certaines actions doivent pourtant être réalisés au millimètre près. Et par dessus le marché, comme pour tuer tout plaisir, un chrono égrène les secondes et impose au joueur de connaître les niveaux quasiment par coeur, sous peine de tomber sur un écran “temps écoulé” et de perdre une vie ! Pour avancer un tant soit peu dans le jeu, mettre la partie en Easy est donc largement conseillé, tout comme l’usage des mots de passe (ceux-ci ne sont malheureusement pas présents pour tous les niveaux, on a droit à un mot de passe tous les quatre ou cinq niveaux… mais c’est déjà ça).

Fidélité, quand tu nous tiens…

Si il y a bien quelque chose que l’on ne peut pas mettre en doute, c’est la fidélité du jeu par rapport au coup de crayon et à l’univers unique d’Hergé. On ne note, il est vrai, aucune progression ou amélioration notable depuis Tintin au Tibet (en même temps, en un an de développement, fallait pas trop rêver non plus hein..), mais ce Temple du Soleil est une nouvelle fois très propre, et les couleurs utilisées font immanquablement penser à celles utilisées dans les planches des deux BD. Surtout que des cases directement tirées des albums sont aussi utilisées pour passer d’un niveau à l’autre et faire avancer le scénario, achevant de conforter le lien entre bande dessinée et jeu vidéo. Si, comme je vous le disais plus haut, le scénario original imaginé par Hergé permet au jeu de multiplier les décors et les situations, assurant au joueur une découverte de tous les instants, on sera moins emballé par les mouvements du petit reporter. Tintin est du style un peu lourdaud et on éprouve un peu de mal à le mener là où on le veut vraiment, par exemple pour les sauts (un comble pour un jeu qui repose en grande partie sur l’évitement d’ennemis et d’obstacles !).

Si visuellement, Infogrames remplit sa part du contrat sans trop se forcer, musicalement, tout restait à faire. Une bande dessinée est une oeuvre graphique, alors qu’un jeu vidéo mêle images et sons, si possible de manière harmonieuse. Le développeur a de nouveau fait appel à Alberto José Gonzalez, un compositeur que l’on retrouvait déjà sur Tintin au Tibet, Spirou ou Astérix. Comme pour ces différents titres, la bande-son qui en est ressortie colle plutôt bien à l’univers de Tintin et aux différentes situations mises en scène par le jeu. Mais cette BO se révèle aussi inégale, tantôt tirée vers le haut par des morceaux qui soutiennent bien l’action (notamment dans les niveaux plus originaux évoqués précédemment), tantôt tirée vers le bas par des compositions qui manquent d’âme et qui relèguent la musique du soft au second plan. Dommage…

Le mot de la fin

Si on n’a pas spécialement d’affinités avec l’univers de Tintin et que l’on se borne à une stricte analyse de la situation, on ne peut que se montrer un “tintinet” déçu par Tintin : Le Temple du Soleil. Par rapport à Tintin au Tibet sorti un an plus tôt, c’est le status quo technique : la réalisation du titre est honnête, mais sa maniabilité et ses mécaniques (foutus sauts, foutu chrono !) sont énervantes et frustrantes, obligeant le joueur à avancer par à coup, en mémorisant les pièges qui se dressent devant lui. Par contre, pour le fan bercé durant son enfance par les albums d’Hergé et qui relit encore ses Tintin de temps à autre, ce soft… c’est du petit lait ! Celui-là se sera probablement réjoui de retrouver une deuxième fois Tintin sur sa Super NES. Et si je ne me trompe pas, des jeux Tintin sur consoles, il n’y en a pas eu des masses, donc c’était toujours ça de pris. Pour lui, ce Temple du Soleil peut être vu comme une véritable aubaine, un de ces titres action / plate-forme dont on loue forcément la fidélité à l’oeuvre originale, mais sans être trop regardant sur une prise en main largement perfectible…

Note Finale

Technique – 8 /10

On ne fait pas n’importe quoi avec l’oeuvre d’Hergé! Ce Temple du Soleil est donc très fidèle aux BD, aussi bien pour les décors que pour les couleurs utilisées. L’animation de Tintin et des “ennemis” est par contre trop scolaire.

Musique – 6 /10

Pas facile de coller des musiques sur un jeu inspiré d’une BD. La BO est inégale, avec des morceaux qui dynamisent les phases d’action plus intenses, mais aussi des compositions moins marquantes qui relèguent la musique au second plan.

Gameplay – 6 /10

Ouille ! Tintin n’est pas toujours un modèle de maniabilité. Ces mouvements sont plutôt imprécis, alors que de nombreux passages du jeu nécessitent justement une grande précision.

Durée de vie – 7 /10

Vous êtes du genre tenace ? Dans ce cas, vous passerez un sacré bout de temps sur ce Temple du Soleil, même en Easy. Dans le cas contraire, vous lâcherez la cartouche en cours de route…

Innovation – 5 /10

Assez unique dans son genre, Le Temple du Soleil reprend les mêmes mécaniques que son prédécesseur. On le qualifiera de jeu d’action, voire même d’évitement d’obstacles. À un tel point que le fun en pâtit, c’est dire…

En résumé
Une fidélité à toute épreuve, mais une mécanique des plus rigides.

6

Honnête

Infos Pratiques

Développé par Infogrames
Édité par Infogrames
Sorti en 1997 (Europe)
Pas sorti au Japon
Pas sorti aux USA

action / plate-forme
1 seul joueur
Cartouche de 16Mb
Sauvegarde par mots de passe
Existe aussi sur PC

Plus Loin

Si vous souhaitez pousser un peu plus loin la découverte des jeux Tintin sortis sur consoles 16 bits, je vous invite à lire le test Mega Drive de Tintin au Tibet, publié par Vidok sur Archaic.fr.

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L'article Tintin : Le Temple du Soleil a été publié sur La Mémoire du Pad.

Souvenez-vous, en 1990, Technosoft a surpris tout le monde avec son Thunder Force III qui faisait l’unanimité et offrait le meilleur shoot de la console jusqu’à l’arrivée de Thunder Force IV. Il créa un tel engouement parmi les fans de shoot, que le jeu est sorti sur Arcade sous le nom de Thunder Force AC, et sur Super Nintendo, dans une version modifiée que nous allons voir ici.

S’il tient de la prouesse technique et qu’il a fédéré beaucoup d’amateurs de ce type de jeux (moi ?), Thunder Force III restait avant tout un jeu Mega Drive avec beaucoup de qualités, mais aussi des défauts comme des bugs visuels (rares mais présents), des bruitages pas terribles, des graphismes ternes par endroits et quelques manques comme une intro. Ainsi, lorsque Technosoft a dévoilé vouloir porter le jeu sur Super Nintendo, on s’est tous dit qu’on allait avoir une version fantastique de ce hit, une version ultime qui allait tout écraser. Car si la Super Nintendo n’est pas plus puissante que la Mega Drive, elle a par contre une palette de couleurs bien plus étoffée (c’est ce qui rend la plupart des jeux plus beaux sur ce support) et une qualité de son qu’on ne peut obtenir sur sa concurrente, la faute à un DSP franchement vétuste.

Où qu’il est passé le menu Options ?

On lance donc le jeu (qui est quand même assez rare, même en version US) et première déception, il n’y a toujours pas d’intro. Dommage, on était en droit de rêver étant donné que la cartouche est passée de 4 à 8Mb, on se demande alors ce qu’ils ont fait des données. On presse Start et c’est la première gifle, le rapid-fire a disparu ! Mais qu’est-ce que c’est que ce bordel ! Obligé de presser frénétiquement le bouton de tir (B en plus, c’est vachement pratique…), ce qui rend le jeu extrêmement difficile et ne rend pas les sensations d’autrefois. Si on cherche sur le Net, on découvre qu’en fait, le menu d’options est comme sur Mega Drive, c’est-à-dire caché (il faut faire L+Select+Start à l’écran-titre). Là, on peut changer sa config (ouf !), activer le rapid-fire (de toute façon, je ne vois pourquoi il est originellement inactif, étant donné que sur Mega Drive, on ne cherche pas à nous embrouiller avec ça) et choisir son niveau de difficulté.

Si on perd le Sound Test (ce qui est vraiment dommage), on gagne par contre deux niveaux de difficulté supplémentaires, Easy et Maniac. On relance donc son jeu et on s’aperçoit que tout à l’heure, ce n’est pas en pressant Start qu’on avait zappé la sélection des niveaux, c’est qu’en fait elle n’existe simplement plus ! Encore une belle nouveauté dont on se serait passé. Toujours en surnombre, les ennemis arrivent sans cesse pour ne laisser aucun moment de répit (quoique en Easy, il y a quelques moments creux). Huit niveaux n’attendent que vous, avec à chaque fois, un boss de mi-level énorme (mais ce n’est rien en comparaison de celui qui vous attend en bout de parcours). Évidemment, on retrouve la panoplie classique des items qui vont bien : bouclier de protection (supporte trois chocs à votre place), vie supplémentaire et les fameux drones rotatifs, qui démultiplient votre puissance de feu et vous protègent en “absorbant” certains tirs ennemis. Thunder Spirits apporte aussi quelques innovations à commencer par le choix de la vitesse.

Sous quatre paliers, on peut enfin choisir entre un chip qui trace à mort ou un contrôle plus précis. Je trouve le concept plus innovant et surtout moins pénible que celui d’un R-Type ou d’un Gradius où il faut récupérer un item pour avoir une vitesse de déplacement décente (en plus, j’ai toujours trouvé ça débile, et le pire, c’est que ça sévit encore de nos jours). Avec ça, notre appareil seul contre tous, dernier espoir de l’humanité, blablabla… (ça va, on connait la chanson) possède sa propre panoplie d’armes. Il faut bien sûr récupérer l’item adéquat en plein jeu (parfois en prenant des risques), pour obtenir une puissance de feu accrue. Seules les deux premières armes de base sont upgradables (d’un blaster, on passe à un puissant laser) sinon on obtient des missiles air-sol, le wave de flammes et notre préféré d’entre tous, le hunter (à têtes-chercheuses, avec lui, on est plus sûr de s’en sortir). Il aurait été sympa d’avoir une nouvelle arme, étant donné que cette version arrive un an plus tard, mais bon…

Au menu de ce Thunder Spirits…

Un poil plus difficile que sur Mega Drive sans être vraiment horrible, avec les bonnes armes (hunter ?) et en connaissant un peu le jeu, en Easy, on arrive à le finir sans trop de problèmes. Si on n’a pas d’intro, on a quand même une sympathique fin, où on découvre Gene et Sherry (eh oui, ils ont changé de nom au passage), les deux pilotes du vaisseau prodige (eh bé oui, prodige, car aller affronter seul toute une armada alien, quand la flotte humaine attend tranquillement dans son coin, moi je dis prodige… ou bonne poire, ça marche aussi). D’ailleurs, les images de fin sont nouvelles et plus jolies que sur Mega Drive (c’était pas dur). Jusqu’à aujourd’hui, je ne comprenais pas pourquoi Thunder Spirits ne s’appelait pas tout simplement Thunder Force III ou Super Thunder Force (sur Super NES, ils adoraient coller le préfixe “super” à presque tous les jeux). Eh bien ça y est, j’ai pigé, c’est simplement parce que ce n’est pas le même jeu ! Adapté de Thunder Force AC (la version Arcade) au lieu du Thunder Force III originel, nous avons seulement ses trois premiers niveaux, puis ensuite les levels sont nouveaux.

Enfin nouveaux… ils sont plus ou moins adaptés des phases de profil de Thunder Force II (il y en a d’autres plus originaux, ou encore le dernier qui semble être une version remaniée de celui de Thunder Force III). Ça vous la coupe hein ? Eh bien, moi aussi, je suis resté hébété devant ça. Pourquoi avoir fait ça, dans quel intérêt ? Proposer un jeu plus long, plus complet ? Penses-tu, on a huit levels comme d’habitude et les cinq qu’on ne connaissait pas sont affreusement moches ! Du coup, les manques se font vite sentir : plus de level caverne, plus de level de glace, bref c’est plus vraiment Thunder Force III ! Généralement vides, peu colorés, les niveaux de Thunder Force II sont dépassés visuellement, et en plus, ils nous les ressortent tel quel.

C’est d’ailleurs une critique majeure du jeu : rien n’a été revu. Étant donné les performances de la console en matière de coloration, on était en droit d’avoir des environnements remaniés. C’est beau de rêver non ? Donc, le jeu est toujours aussi fade, avec l’étrange impression qu’il est plus sombre et plus pixelisé. Pire : les effets comme la superbe distorsion du niveau 2, ne sont pas mieux fait ici. Non, je dirais même que la Super Nintendo n’y change absolument rien, et même que là aussi, ça pixellise légèrement plus. Et pour ce qui est des cinq levels pseudo-inédits, ne cherchez aucune prouesse, c’est vide, terne et sans aucun effet graphique. À croire que la Super NES a fait un bon en arrière. Mais il y a pire que tout ça réuni, la cerise sur le gâteau, la goutte qui fait déborder le vase, le divin sacrement : le framerate est tout pourri !

Sucrerie finale pour nous gâcher une journée pourtant bien commencée, le jeu est super buggé. En fait non, il ne bugge pas… sauf quand on tire… c’est-à-dire tout le temps. Elle est bonne celle-là hein ? Et avec ça, on conserve tous les effets pas terribles de la version d’origine avec des explosions moches, des clignotements à foison, de gros ralentissements… encore que les ralentissements rendent service. Mais si, lorsqu’on passe un boss un peu chaud, c’est pratique d’avoir un pseudo-slow-motion non ? Vous vous rappelez, cette fonction qui mettait la pause toutes les demi-secondes pour ralentir le temps (on avait ça sur certains pads évolués) ? Et bé voilà, pareil, sauf qu’ici on ne peut pas enlever la fonction, elle est imposée. Et c’est pire encore au niveau 2, ou lorsqu’on utilise le hunter. Quel bonheur cette version !

Un shoot qui connaît – plus ou moins – ses gammes…

Bon trêve de moqueries et de déceptions (car le jeu les accumule depuis un moment déjà), s’il y a un sujet que la Super Nintendo maîtrise bien, c’est le son. On le sait, la console a un puissant DSP développé par Sony (à l’époque, ils n’étaient pas encore concurrents), qui permet d’obtenir les meilleures sonorités. Et c’est vrai que la qualité est encore meilleure que sur Mega Drive, avec par exemple des voix digits qui ne coupent plus la musique. Malheureusement, qualité ou pas, une fois passées dans le synthétiseur de la Super NES (qui fait un son bien particulier), les musiques n’ont plus le même charme. Les trois premières restent superbes, c’est pas la question, mais je sais pas, avec les sonorités de la console de Nintendo, ça colle pas génial. N’empêche que les compositions sont toujours meilleures que sur la suite du jeu. Si on retrouve des musiques qu’on n’entendra que dans Thunder Force IV (les fameux Omake), on regrette de ne pas avoir droit aux meilleurs morceaux de Thunder Force II.

Quitte à piquer les levels, autant reprendre aussi ce qu’il y a de meilleur. D’ailleurs, d’une façon générale, une fois la moitié du jeu passée, les musiques dégringolent en terme de mélodies, faisant de Thunder Spirits un portage raté. Oui, raté, car même les bruitages sont repris de la Mega Drive et ils auraient pu faire l’effort de modifier ça… Au moins ça. À la place, Seika (responsable de cette adaptation) apporte d’autres modifs, largement plus discutables : un rapid-fire à activer, de nouveaux levels tout moisis… Et la conversion est vraiment fainéante puisqu’on a pas de nouveaux graphismes (même pas une recoloration des niveaux connus), pas de nouveaux effets, pas de nouvelles super musiques (ce serait même le contraire), bref un portage fait à l’arrache.

Et si encore le jeu était fluide, sans reproche, je dis pas. Mais il ne faut pas trop compter là-dessus, puisque le jeu saccade en permanence (et je mâche mes mots), quand il ne s’accompagne pas de gros ralentissements et d’effacements complets de sprites. La grande classe ! Alors croyez-moi, après avoir vu des jeux aussi puissants et impressionnants que Super Aleste et Axelay, on était en droit d’avoir mieux. Ce qui aurait pu être une version ultime du superbe Thunder Force III est une conversion faite à l’arrache de Thunder Force AC. Bien sûr, le jeu reste marrant, mais il a perdu toute sa magie et toute son ambiance. Un conseil : restez sur le jeu Mega Drive, sinon vous risquez d’être déçu autant que je le suis.

Note Finale

Technique – 3 /10

Rien n’a été remanié pour cette sortie Super NES : le jeu est toujours aussi fade, sombre et pixelisé. Pire : les effets ne sont pas mieux faits que sur Mega Drive, et le framerate est tout pourri !

Musique – 7 /10

La qualité sonore est meilleure, comparé à la Mega Drive, et les voix digits ne coupent plus la musique. Par contre, passées dans le synthé de la Super NES, les musiques n’ont plus le même charme.

Gameplay – 6 /10

Rien que du très classique, avec les items habituels (tirs différents, drones rotatifs…), mais un menu Options caché avec rapid-fire et réglage de la difficulté.

Durée de vie – 6 /10

En mode Easy, et avec les bonnes armes, on peut finir Thunder Spirits sans trop de problèmes. Mais de manière plus globale, cette version Super NES est un peu plus difficile que la version Mega Drive.

Innovation – 4 /10

Si les trois premiers niveaux viennent de Thunder Force AC, les autres sont “inédits” (entre guillemets, parce que fortement inspirés de Thunder Force II). Niveau créativité, on a fait mieux…

En résumé
Cette conversion de Thunder Force AC reste amusante, mais croule sous les pépins techniques et de contenu.

6

Honnête

Infos Pratiques

Développé par Seika Corp.
Édité par Seika Corp.
Sorti le 27.12.1991 (Japon)
Sorti en 06.1992 (USA)
Pas sorti en Europe

shoot’em up
1 seul joueur
Cartouche de 8Mb
Pas de sauvegarde
Existe aussi sur Mega Drive, Saturn, arcade…

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L'article Thunder Spirits a été publié sur La Mémoire du Pad.

Parfois, il vaut mieux rester sagement au-dessus de la mêlée et profiter de la situation. C’est probablement, à peu de choses près, ce que les dirigeants de Disney se sont dits à l’aube des années 90, quand Nintendo et SEGA se tiraient méchamment la bourre à coups de consoles 16 bits. Pas née de la dernière pluie, la compagnie de l’oncle Walt avait compris tout le potentiel que l’on pouvait tirer du média jeu vidéo, aussi bien en terme de promotion pour ses dessins animés que de bénéfices supplémentaires provenant de la vente des cartouches de jeu.

Et comme chez Disney, on ne s’acoquine jamais avec n’importe qui (sur Super NES, c’est Capcom qui sera désigné comme LE partenaire privilégié), la ludothèque qui en ressortira sera de grande qualité. Tous développeurs confondus, entre The Magical Quest starring Mickey Mouse, Disney’s Aladdin, Pinocchio, Le Roi Lion et quelques autres, les petits et les grands enfants n’auront que l’embarras du choix. Cependant, personne n’est infaillible, pas même Disney ou Capcom, et à côté des hits qui marcheront très fort, il y aura aussi quelques fausses notes, ou du moins des titres plus modestes comme Bonkers ou Goof Troop. Le rapprochement entre ces deux softs est facile : ils ont le même développeur (Capcom) et ils sont tous les deux tirés de séries animées apparues au début des années 90. Mais quand Bonkers se contente d’être une nouvelle fois un honnête jeu de plate-forme, Goof Troop assume sa différence et verse dans l’action / réflexion…

Quoi ?! Pas de Mickey, pas de Donald, pas de Minnie ?!

Eh bien non ! Dans Goof Troop, vous n’en trouverez pas la moindre trace. Pour une fois, la souris la plus célèbre de la planète cède son fauteuil de star à son ami gaffeur Goofy (Dingo en français) et au fils de ce dernier, Max. Inspiré de la série télé du même nom (devenue La bande à Dingo en version française), Goof Troop sur Super NES propose un scénario “apéritif” qui, à défaut d’être bourré de rebondissements, permet au moins d’introduire les différentes scènes du jeu de manière logique. Pour vous toucher deux mots du script, sachez juste que Goofy, Max, Pat et Junior pêchent ensemble et qu’ils se font surprendre par des pirates au long cours. Pat Hibulaire et son fils se font enlever sous les yeux de leurs “amis”, et le duo Goofy / Max poursuit les ravisseurs jusqu’à leur repaire, Spoonerville Island, une île où les pirates ont élu domicile. Par la suite, on en apprendra un peu plus sur les raisons de ce mystérieux enlèvement, et notamment sur la troublante ressemblance, avérée, entre Pat et le capitaine des pirates…

Goof Troop nous invite donc à fouiller de fond en comble une île plutôt paradisiaque, que ce soit en compagnie de Goofy, de Max, ou des deux persos si on joue à deux. En solo, le choix du héros sera même assez important : l’ami Goofy est plus résistant mais se déplace moins vite que son fiston, ce qui pourra être un problème pour échapper aux pirates les plus vifs. Le soft est découpé en seulement cinq stages, terminés chacun par un boss, et constitués par une série d’écrans reliés entre eux par de simples passages ou par des portes à déverrouiller. L’exploration sera donc de mise, et le joueur, souvent bloqué dans un écran, ne pourra avancer qu’en résolvant une petite énigme (par exemple, activer tous les interrupteurs présents, ou les actionner dans un certain ordre…), voire en éliminant tous les ennemis présents à l’écran. Dans ce dernier cas, le principe est à chaque fois le même : on leur balance à la tête ce que l’on a sous la main (tonneaux, plantes, noix de coco…) !

Pour éjecter les pirates de l’écran, on peut aussi donner un bon coup de pied dans une des dalles – souvent – présentes sur les lieux. Il faut bien calculer son coup mais c’est tout aussi efficace… Ces dalles sont d’ailleurs un des éléments centraux du jeu : avec un aspect “puzzle” qui n’est pas sans rappeler le principe d’un Power Soukoban, Goof Troop distille des énigmes pas toujours simples à résoudre pour lesquelles on doit replacer des dalles à différents endroits bien précis pour débloquer le passage menant aux écrans suivants. Et comme la plupart du temps, il faudra gérer à la fois les énigmes et les pirates menaçants, progresser dans Spoonerville Island ne sera pas forcément synonyme de vacances sous les cocotiers.

Des accessoires peu nombreux, mais fort utiles

Pour survivre, Goofy et Max pourront toujours se rabattre sur quelques items, dont le plus utile est, à mes yeux, le grappin. Loin de l’utilisation “façon Tarzan” qui en est faite dans Umihara Kawase, l’accessoire a ici une triple utilité : il permet d’attraper des objets à distance, de repousser les pirates en les immobilisant un court instant, mais surtout, une fois placé entre deux crochets, le grappin peut faire office de passerelle, histoire de franchir les précipices sans encombre (mais dans ce dernier cas, il faudra alors laisser l’accessoire derrière soi…). Toujours dans la liste des objets utiles, on peut citer la clochette (pour attirer l’attention des pirates), la pelle (idéale pour creuser le sol, à la recherche de fruits et de diamants – voir plus bas – ), la bougie (pour y voir un peu plus clair dans certains endroits sombres), la planche de bois (pour reconstituer un pont et l’emprunter) ou encore les inévitables clés (de deux sortes, soit pour ouvrir de simples portes, soit pour avoir accès à l’antre du boss).

Mais ce que je ne vous ai pas encore dit, c’est que pour compliquer un peu les choses, il ne sera pas question d’accumuler bêtement tous ces objets dans un inventaire. On n’est pas dans un RPG… Dans le mode solo de Goof Troop, nos deux héros ne pourront transporter que deux objets maximum ! Il faudra donc faire des choix : déposer un objet pour en prendre un autre (quitte à revenir le chercher par après) et faire pas mal d’aller-retour. Tout ceci, en faisant gaffe de ménager… sa seule et unique vie ! Plus précisément, on commence avec une seule vie, et ce n’est qu’en ramassant les fruits (cerises, ananas, etc.) et les diamants rouges éparpillés un peu partout sur l’île que nos deux héros cumuleront les coeurs et les “vies” supplémentaires (Goofy recevra par exemple une “vie” supplémentaire tous les sept coeurs collectés). À côté de ça, des diamants bleus, plus rares, sont aussi présents et font office de Continue, ce qui est toujours bon à prendre…

Seul ou à deux, Goof Troop est un bon jeu

Si Goof Troop est déjà très sympa en solo, le mode 2 joueurs imaginé par Capcom permet au titre de trouver un second souffle et une durée de vie un peu plus acceptable, à défaut de lui offrir une replay value en acier inoxydable. Se déroulant en simultané, avec les deux persos sur le même écran, il a pour objectif de pousser les joueurs à coopérer et à s’entraider, et pour y parvenir, il change un seul petit paramètre : le nombre d’objets que l’on peut transporter par perso, qui passe de deux à un. À condition d’avoir une bonne synergie entre les deux joueurs, Goof Troop devient alors un poil plus facile qu’en solo, d’autant plus que les énigmes ne changent pas d’un iota, que le nombre de pirates n’augmente pas… et que, quoi qu’on en dise, balancer des objets à deux est toujours plus efficace que de le faire tout seul.

Comme vous pouvez le voir, avec Goof Troop, Capcom s’est prêté à un exercice un peu différent, et rien que le type de représentation adoptée, “à la Zelda”, témoigne de cette volonté de proposer une autre expérience aux joueurs, mais tout en conservant les standards de qualité de ses productions précédentes. Les Magical Quest brillaient par une réalisation de très haut vol ? Celle de Goof Troop est tout aussi réussie, les effets spéciaux en moins (pas de zooms, pas de rotations, juste un effet de halo autour du perso pour les écrans plongés dans la pénombre, mais je ne sais même pas si on peut appeler ça un effet spécial…). Les cutscenes, faites d’écrans parfois légèrement animés, transpirent la qualité, et les différents personnages “in game” ont tous des bouilles plus que sympathiques.

Si les différents environnements débordent de couleurs, ils sont, sans mauvais jeu de mots, assez “bateau”… On est sur une île ? Ok, très bien, on se tape donc une plage, un village en bord de mer, un château hanté (déjà un peu plus original), une caverne humide et en guise de bouquet final, le bateau des pirates. Plus amusant : on remarque très vite les musiques à l’ambiance “plage et cocotiers” assumée, et surtout le très bon game design, avec des niveaux savamment agencés par un certain… Shinji Mikami ! Non, vous ne rêvez pas : le père des Resident Evil, l’homme qui a consacré le genre Survival Horror sur consoles à grand renfort de zombies, de tripes et de boyaux, a commencé sa carrière chez Capcom en bossant sur un jeu Disney. Comme quoi, Mikami-San a du talent, et quel que soit le genre ou l’univers du soft abordé, l’homme fait du très bon boulot.

Le mot de la fin

Si je vous ai présenté Goof Troop comme un titre plus modeste par rapport aux autres productions Disney de Capcom, ce n’est pas sans raison. Le carton unanime des Magical Quest et l’absence de Mickey dans le jeu y sont probablement pour quelque chose, mais il n’y a pas que cela… La formule “exploration / énigmes” retenue par Capcom, aussi agréable soit-elle, trouve vite ses limites et n’offre pas une replay value équivalente à celle d’un bon jeu de plate-forme. Les cinq niveaux sont assez vite visités, sans spécialement donner l’envie d’y revenir par la suite, et ce, malgré un mode 2 joueurs intelligent qui, pour une fois, fait jeu égal avec le mode solo. En gros, pour être tout à fait clair, il y a peu de chances que la cartouche prenne la poussière dans votre console une fois que vous aurez bouclé le jeu… Voilà pour les faits. Maintenant, en terme de ressenti, Goof Troop n’est pas non plus un mauvais bougre : on prend un réel plaisir à y jouer et son ambiance est vraiment chouette, soutenue par une réalisation très propre et un gameplay mûrement réfléchi. Tout est finalement une question d’attente : si vous avez quelques heures à tuer et que vous recherchez un jeu à la fois original, bien foutu mais court, Goof Troop est une bonne pioche…

Note Finale

Technique – 8 /10

Très propre sur lui, Goof Troop cumule des environnements colorés avec des animations irréprochables. Les thèmes des différents stages ne sont pas super originaux (plage, village, bateau, caverne…) mais on s’en accommode très bien.

Musique – 6 /10

On est sur une île perdue au beau milieu de l’océan, et Goof Troop nous berce assez logiquement avec des morceaux très typés “plage et cocotiers”, sans prise de tête. Ouaich, cool man…

Gameplay – 7 /10

Aux petits oignons, la bonne maniabilité des persos permet d’exploiter très rapidement leurs capacités : utilisation des items, lancer de projectiles, etc. Associée au très bon game design, on prend son pied…

Durée de vie – 5 /10

Conséquence directe de son contenu (exploration, résolution de petites énigmes), la replay value de Goof Troop est faible et sa durée de vie, avec seulement 5 stages, pas énorme. Comptez deux à trois bonnes heures pour en faire le tour.

Innovation – 6 /10

Pour une fois qu’on sort du sempiternel jeu de plate-forme… Allez, rien que pour ça, je lui donne un beau 6/10 en innovation.

En résumé
Un bon divertissement, seul ou à deux, mais une replay value en retrait à cause de son concept.

6

Sympa

Infos Pratiques

Développé par Capcom
Édité par Capcom
Sorti le 22.07.1994 (Japon) (*)
Sorti en 07.1993 (USA)
Sorti le 25.11.1993 (Europe)

action / réflexion
1 à 2 joueurs
Cartouche de 4Mb
Sauvegarde par mots de passe
Existe sur rien d’autre

(*) au Japon, le jeu sortira sous le titre “Goofy to Max : Kaizokujima no Daibouken”

Voir aussi, les autres Disney de la Super NES

Disney’s Aladdin
Disney’s The Jungle Book
The Magical Quest starring Mickey Mouse
The Great Circus Mystery
Mickey to Donald Magical Adventure 3
Mickey Mania
Pinocchio
Le Roi Lion

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L'article Goof Troop a été publié sur La Mémoire du Pad.

Il y a quelques mois, en parcourant la biographie de Yoshihisa Kishimoto, je me suis rendu compte d’une chose : alors que l’écurie Capcom (Street Fighter II et Final Fight en tête) a été largement abordée sur le site, et que d’autres représentants moins “glorieux” de la baston vidéo-ludique ont eux aussi fait l’objet de tests détaillés, La Mémoire du Pad ne s’est jamais attardée sur la série Double Dragon. Pourtant, et c’est un comble, c’est elle qui a quasiment tout inventé dans le genre beat’em all !

Je pourrais me dédouaner très simplement, en prétextant que la série-phare de Kishimoto a surtout brillé en arcade et, par extension, sur la NES, la 8 bits accueillant à chaque fois les meilleures adaptations et les millions de cartouches vendues qui vont avec. Par opposition, sur la 16 bits de Nintendo, un seul véritable épisode est sorti (c’est ce Return of Double Dragon), et si vous traînez un peu sur les forums de joueurs, vous remarquerez très vite que pour certains, il est loin d’être considéré comme un grand cru. Mais est-ce un prétexte suffisant pour faire l’impasse sur ce titre ? Oh que non ! Je vous propose donc ci-dessous un test comme on les aime sur la MdP : complet et sans concessions.

Presqu’une résurrection…

Après l’échec cuisant de Double Dragon III en arcade, Yoshihisa Kishimoto avait tiré un trait définitif sur les aventures de Jimmy et Billy Lee, les deux frérots bastonneurs. Peu friand des séries, Double Dragon aurait dû, selon lui, se limiter à un seul épisode, et ce n’est pas le gros carton réalisé par le second opus qui le fera changer d’avis sur la question. Seulement voilà : sous la pression de sa direction et du département marketing de Technos Japan, il se retrouvera à la tête d’une jeune équipe pour réaliser une troisième borne qui, normalement, devait sortir en même temps qu’un long métrage inspiré de la série et prévu pour l’année 1990 (epic fail : finalement, le film ne sera dans les salles qu’en novembre 1994 !). Il n’y aura pas de miracle : des développeurs pleins de bonne volonté mais qui débutent dans le métier, un budget sciemment raboté dont le montant était proche de celui du premier épisode, et une série d’impératifs idiots voulu par la direction (trois persos jouables en même temps à l’écran pour maximiser la rentabilité des bornes, une palette d’une dizaine de persos qui pourront être tour à tour incarnés par les joueurs…) anéantiront toutes les chances commerciales de ce troisième opus.

C’est dire si Kishimoto, après cette douloureuse expérience, ne veut définitivement plus entendre parler de Double Dragon. Pourtant, une personne va parvenir à le faire changer d’avis, au point de lui redonner foi dans sa série et ce Return of Double Dragon, un épisode exclusif pour la 16 bits de Nintendo. Cette personne, c’est Muneki Ebinuma, un jeune fan âgé de 16 ans à l’époque, complètement mordu de Double Dragon, avec qui Kishimoto correspondait par courrier depuis quelques mois. Ebinuma lui faisait part des critiques, remarques et idées – à grand renfort d’illustrations – qu’il aurait aimé voir intégrées dans une hypothétique suite. Après une rencontre IRL avec Kishimoto-San, le jeune homme fera forte impression et sera finalement intégré à l’équipe de développement, en qualité de “co-director” et “fight choregrapher”. Sa motivation aura donc été payante, et on peut supposer qu’une bonne partie des idées reprises dans Return of Double Dragon viennent de lui.

Plutôt technique, Return of Double Dragon !

Et des idées, il y en a ! Le soft autorise plus d’actions que n’importe quel opus avant lui. Dans le détail, les boutons Y et A sont respectivement assignés au coup de poing et au coup de pied, et il est possible de sortir des enchaînements en martelant les deux boutons. Le bouton X permet de sauter et, petite nouveauté pour la série, le bouton B permet de se protéger et de bloquer les coups, ce qui se révélera parfois efficace contre certains ennemis (pour, par exemple, contre-attaquer avec clé de bras ou une projection)… et parfois pas du tout si l’adversaire est trop fort ! Le corps-à-corps sera bien entendu privilégié tout au long du jeu, révélant Return of Double Dragon sous un nouveau jour, assez technique, avec des projections, des coups de genoux ou de coudes… Plus fort encore : quand votre personnage est déjà occupé à bastonner un ennemi, et qu’un de ses potes approche de trop près par derrière, il est possible de lui filer des coups de talon pour le faire “patienter”.

Une jauge dédiée aux coups spéciaux est aussi présente : on la remplit le plus simplement du monde, en maintenant la touche R enfoncée. Et en fonction de son niveau au moment du déclenchement du coup, le perso exécutera un coup spécial différent. En-dessous de la moitié, la jauge permet de donner un coup de poing retourné ou un coup de pied qui fera tomber l’adversaire. Remplie à moitié, elle autorise un “hurricane kick” semblable à celui exécuté par Ryu et Ken dans Street Fighter II. Enfin, quand la jauge est pleine, elle fait passer le perso en mode “berserker” ! Gare alors aux ennemis qui se trouveront sur sa route, puisque le moindre coup les fera tomber. Si le déclenchement des coups spéciaux ne pose aucun problème, le plus dur sera d’atteindre le niveau voulu sur cette foutue jauge, puisqu’un simple coup encaissé par le héros la fait retomber à zéro.

Du côté des accessoires, vu que la série Double Dragon a été la première à en proposer, il était logique que Return of Double Dragon fasse de même avec quelques items, certes peu nombreux, mais qui ajoutent un peu de variété aux parties. On retrouve le bon vieux “bo” (bâton de combat), les très classiques nunchaku et couteau, le boomerang (lui, c’est un petit nouveau), la grenade, le gros caillou et le bidon métallique. À propos des armes, il y a quelques petites règles à garder en mémoire, comme celle qui veut que l’on perde le bénéfice de l’arme portée en passant d’une scène à l’autre, au sein d’un même niveau. De même, on comprend aussi très vite que le gameplay décrit ci-dessus s’applique aussi à la racaille dirigée par la console : les loubards vont se protéger, esquiver les attaques, utiliser une palette de coups plutôt variées, voire même des armes pour certains d’entre eux. Quant aux boss, ils m’ont laissé une impression mitigée. En fait, ce n’est souvent qu’après coup, en passant au stage suivant, que l’on se rend compte que l’on vient d’en affronter un. C’est dire si ils sont charismatiques…

Le “fondement” entre deux chaises…

En bon Double Dragon, Return of Double Dragon peut s’apprécier seul… mais surtout à deux. Pour le multi, le soft offre d’ailleurs le choix entre deux modes de jeux différents : dans l’un, les deux joueurs humains peuvent se taper dessus par frères Lee interposés, alors que dans l’autre, les interactions mesquines ne seront pas autorisées. Peut-être moins amusant, ce second mode permet, tout comme le mode solo, d’observer plus à son aise la réalisation technique du titre. Et sur ce point, il faut bien admettre que Return of Double Dragon est assez déroutant, avec notamment des absences remarquées (pas la moindre intro, presque pas d’interactions avec les décors), mais surtout une impression de lenteur dans le rythme qui, il est vrai, s’estompe petit à petit quand on avance dans le jeu.

Très perceptible sur les versions européenne et américaine du jeu (j’y reviendrai), on la remarque un peu moins sur la version japonaise, remaniée par rapport aux deux autres. En cause : la formule Double Dragon qui n’a, sur ce point, que peu évolué, alors que la concurrence, Final Fight en tête, a permis aux joueurs de goûter à des bastons nettement plus dynamiques et rock’n roll. On constate la même différence de philosophie au niveau de la taille des sprites : plutôt petits, ils dénotent un peu par rapport aux autres jeux du même genre sur la console, qui eux, misent souvent sur des sprites imposants. Ceci dit, ça n’empêche pas les sprites de Return of Double Dragon d’être agréables à l’oeil : le style Double Dragon connait même ici une vraie progression par rapport aux épisodes précédents.

Pour les décors, je me montrerai un peu moins enthousiaste : les environnements sont, en partie, d’inspiration urbaine et suffisamment variés (aéroport, China Town, casino, toit d’un camion en mouvement, temple…), mais ils sont parfois simplistes, avec des couleurs qui ne font pas toujours dans la nuance. On les dirait tiraillés entre le look si caractéristique instauré par les anciens épisodes et les nouvelles capacités de la 16 bits. Sans surprise, les musiques font elles aussi le grand écart entre le passé et le présent : deux d’entre elles sont reprises des jeux précédents, alors que les autres, sans être foncièrement mauvaises, ne marqueront pas les esprits, et ce, malgré une répétition trop fréquente.

Return of Double Dragon : la version améliorée signée Technos

Le soft de Technos a connu un planning de sorties pour le moins chahuté. Pressé par des impératifs commerciaux, l’éditeur Tradewest sortira d’abord le jeu sur le marché US, sous le titre Super Double Dragon. Technos Japan, qui s’occupe également de la distribution de son jeu au Japon, proposera quant à lui une version remaniée et sensiblement différente. Quant à l’Europe, bonne dernière, elle accueillera quelques mois plus tard… la version US ! Ce choix est on ne peut plus mystérieux, et ne peut pas être expliqué par la traduction du titre, puisqu’il n’y a aucune cutscene et que même la version jap’ avait des menus en anglais ! Dans la pratique, le joueur lambda qui n’essaie que les versions US ou européenne ne sera pas tellement lésé, mais il faut savoir que la version japonaise du jeu propose quand même quelques petites différences… qui font toute la différence, à commencer par un soft un peu plus long, puisque le septième et dernier stage compte ici deux zones supplémentaires, avec retour des différents boss déjà vaincus précédemment.

Outre une impression de lenteur sensiblement gommée, la difficulté globale du soft a elle aussi été revue à la baisse, et il est même possible de la régler dans un menu Options inédit (ce dernier permet aussi de choisir le nombre de Continue, d’écouter les différentes musiques, etc.). Au rang des détails, on épinglera enfin des ennemis qui apparaissent à des moments différents, une OST toute chamboulée (avec un thème différent à l’écran-titre), et de légères modifications dans le gameplay (l’hurricane kick permet de frapper plusieurs fois un ennemi au lieu de directement le faire tomber, on peut ramasser une autre arme quand on en tient déjà une en main…). Rien de transcendant donc, mais si vous avez le choix entre les deux versions, préférez la japonaise, plus complète.

Le mot de la fin

Le fait que Return of Double Dragon ne reprenne pas tous les canons de son époque en fait-il pour autant un mauvais jeu ? À cette question, légitime, que vous pourriez vous poser, ma réponse est sans appel : non ! La petite taille (toute relative) de ses sprites est compensée par une richesse de coups que bon nombre de beat’em all pourraient lui envier. Et son rythme plus lent, bien palpable celui-là, donne justement le temps de jouer avec les boutons pour placer high kick, projections et j’en passe. Alors oui, il y aura toujours quelques joueurs contrariés qui lui reprocheront ce petit goût d’inachevé qui le caractérise (la faute à un scénario et des cutscenes inexistants, à trop peu d’interactions avec les décors…), mais ce n’est pas au point de lui coller une étiquette de “mauvais jeu”. Pour mettre tout le monde d’accord, on dira juste que Return of Double Dragon n’est peut-être pas synonyme de retour fracassant pour les jumeaux Lee, mais il permet néanmoins à la série de renouer avec une bonne partie de son public initial, celui-là même qui avait adoré les deux premiers épisodes, que ce soit en arcade ou sur NES, et qui avait détesté la borne Double Dragon III…

Note Finale

Technique – 6 /10

Return of Double Dragon respecte le style de ses aînés, tout en proposant une vraie progression dans les graphismes et les décors. L’animation ne souffre aucune critique, mais les sprites ne sont jamais très nombreux à l’écran non plus…

Musique – 5 /10

L’OST récupère deux thèmes tirés des épisodes précédents, alors que les autres morceaux sont inédits. Répétition des musiques et qualité bonne, mais sans plus, font que la BO ne reste pas forcément en mémoire…

Gameplay – 7 /10

Du grand Double Dragon, avec une belle brochette de coups qui sortent facilement ! Tout en restant accessible, Return of Double Dragon se veut donc aussi technique.

Durée de vie – 6 /10

Cette version jap’ n’est vraiment pas difficile, mais les versions européenne et américaine, un cran au-dessus en terme de difficulté, ne résisteront pas non plus très longtemps aux joueurs confirmés.

Innovation – 6 /10

Difficile de taxer Return of Double Dragon de copieur, tant la série a quasiment tout inventé dans le genre beat’em all. Mais mis à part la richesse des coups proposés, le soft est un peu trop “timide” en terme d’innovations…

En résumé
Pas le meilleur des Double Dragon, mais il a le mérite de réconcilier les fans avec la licence.

7

Bon

Infos Pratiques

Développé par Technos Japan
Édité par Technos Japan
Sorti le 16.10.1992 (Japon)
Sorti en octobre 1992 (USA)
Sorti le 30.09.1993 (Europe)

beat’em all
1 à 2 joueurs
Cartouche de 8Mb
Pas de sauvegarde
Existe sur rien d’autre

Plus Loin

Si Tradewest était pressé de sortir Super Double Dragon sur le sol US, Technos Japan ne demandait pas mieux que de faire la même chose au Japon. Clairement sur le déclin, la compagnie avait besoin d’argent frais, et même si sa version du jeu sera plus complète, toute une série d’éléments et de détails ne seront pas intégrés au soft, faute de temps : des cutscenes et une séquence de fin (seule la notice nous en apprend un peu plus à ce sujet, à savoir que Billy et Jimmy ont ouvert une école d’arts martiaux et qu’un dojo adverse dirigé par le gang des Shadow Warriors a kidnappé Marian, une de leurs disciples), Billy et Jimmy qui – comme le veut la tradition Double Dragon – s’affrontent en fin de partie pour désigner l’ultime vainqueur, Marian dont le sprite n’apparait à aucun moment, ou encore des éléments destructibles dans les décors…

Encore + d’images

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L'article Return of Double Dragon a été publié sur La Mémoire du Pad.

Si Jim Carrey est un acteur aux multiples facettes, capable de jongler entre rôles très légers et plus graves, il excelle dans les comédies déjantées où son talent de comique, unique et très visuel, peut s’exprimer pleinement. Au box office, ce sont d’ailleurs surtout ces dernières qui cartonnent, le grand public se bornant à associer l’acteur à des rôles que lui seul peut endosser.

D’une certaine manière, on peut difficilement en vouloir aux spectateurs : en 1994, année de la consécration pour Jim Carrey, les trois grosses comédies que sont Ace Ventura, Dumb and Dumber et – surtout – The Mask ont fini de le cataloguer dans la case “acteur comique”. Tiré d’une bande dessinée publiée chez Dark Horse Comics, The Mask a très bien marché dans les salles, et le retrouver par la suite sous forme de jeu vidéo n’était qu’une simple question de temps. Il faudra finalement une petite année à Black Pearl Software pour transposer les folles aventures de Stanley Ipkiss, alias “The Mask”, en jeu vidéo. Un délai suffisant pour reproduire la douce folie du film original ? C’est ce que nous allons voir ensemble…

La star de The Mask ? C’est The Mask !

Sans grande surprise, The Mask suit les grandes tendances de son époque et se transforme en jeu d’action / plate-forme plutôt classique, dont les différents niveaux sont inspirés du film, avec une grande attention portée au personnage verdâtre et fantasque, incarné cette fois par le joueur. Le déroulement du jeu ne suit pas vraiment celui du film, mais son objectif reste inchangé : comme dans le long métrage, Stanley doit mettre en échec le gangster Dorian Tyrell qui, tel le Petit Poucet, abandonne derrière lui des liasses de billets verts. Tyrell veut absolument s’emparer des puissants pouvoirs procurés par le masque de Loki, dieu des ténèbres. Il a d’ailleurs kidnappé la belle Tina, chère au coeur de Stanley, et ne compte la libérer qu’en échange du précieux accessoire. Vous remarquerez au passage que la vie ennuyeuse du banquier Ipkiss, timide et malchanceux, qui a pour seuls amis son Jack Russell Milo et son collègue Charlie, est complètement passée sous silence, et seul son alter-ego masqué et très désinhibé a été conservé pour le jeu.

Pour être tout à fait exact, on aperçoit bien Stanley dans sa forme “humaine”, sans le masque et en pyjama, pendant un bref instant, quand The Mask a perdu tous ses points de vie. Mais ce n’est qu’un détail qui n’apporte rien au jeu… Très “nombriliste”, le titre compte beaucoup sur son héros pour emporter l’adhésion du joueur. Notre comique de service est en effet doté de nombreuses actions et mouvements, tous tirés du film : frapper avec un maillet (pour exploser ces satanés réveils, ou pour frapper le sol à certains endroits plus fragiles, afin de libérer un passage), faire la toupie (comme Taz, le diable de Tasmanie), dégainer une pelletée de flingues énormes comme dans la scène finale du film (ce qui permet, ici, de supprimer tous les ennemis visibles à l’écran), utiliser un klaxon énorme (pour atteindre un ennemi en gardant ses distances), frapper avec des gants de boxe (son attaque “de base”), marcher à pas feutrés (utile pour ne pas attirer l’attention de certains ennemis) ou au contraire courir, faire des bonds énormes… et même passer dans des bouches d’aération et autres endroits très étroits !

Les différentes actions spéciales s’exécutent en utilisant le pouvoir “Morph” du personnage. Son principe est simple : à chaque action réalisée, le compteur de points Morph situé dans le coin inférieur gauche de l’écran diminue. Si il descend trop bas, The Mask ne peut alors plus compter que sur ses mouvements basiques (coups de poing, saut normal…), et il faut attendre que le compteur récupère lentement de précieux points pour pouvoir à nouveau utiliser les coups spéciaux. Pour mémoire, un mécanisme similaire, et plutôt efficace, avait déjà été observé dans Earthworm Jim pour la gestion des munitions, ce qui poussait le joueur à ne pas faire n’importe quoi avec son arme. Le but est ici le même, et il vaudra d’ailleurs mieux se présenter devant un boss avec un compteur Morph affichant un gros chiffre pour espérer s’en sortir.

Bien évidemment, les développeurs ont tout prévu et des items portant la lettre M sont aussi présents un peu partout dans les niveaux : ils rechargent le fameux compteur, mais comme ils sont plutôt rares, on essayera de ne pas abuser des coups spéciaux et de jouer la carte de la parcimonie. Milo, le petit chien nerveux de Stanley, est aussi présent dans le jeu (une seule fois par niveau, il porte lui aussi un masque), mais si vous le croisez, c’est que c’est un peu votre jour de chance ! Non seulement, il se cache très bien (d’où la difficulté de mettre la main dessus), mais en plus, il rebooste la vie de The Mask à son maximum. En temps normal par contre, il faudra tout simplement récolter des coeurs verts pour que l’énergie du héros (elle aussi exprimée en points) reprenne quelque peu des couleurs.

Petite virée en ville

Contrairement à de nombreuses adaptations de film, The Mask peut compter sur une architecture des niveaux plutôt originale, qui s’apparente à chaque fois à celle d’un petit labyrinthe dont le parcours n’est pas linéaire ou constamment orienté de la gauche vers la droite de l’écran. Notre héros a la faculté d’emprunter les ascenseurs, de se glisser dans les conduits d’aération… et il ne s’en prive pas ! D’ailleurs, pour le joueur, fureter un peu partout est même recommandé si il veut mettre la main sur les quelques bonus planqués un peu partout (liasses de billets, points de vie, 1UP…), sur les “checkpoints” symbolisés par le chapeau jaune du héros ou sur l’ami Milo évoqué plus haut. Fureter, on le fait volontiers, tant les différents lieux sont plutôt bien construits, assez jolis, mais sans grande personnalité, comme si ils se faisaient volontairement discrets pour mettre encore un peu plus le héros en valeur.

Le point de départ du jeu est l’immeuble très mal fréquenté de Stanley, gardé par une concierge teigneuse qui tire à vue avec sa carabine. The Mask se baladera ensuite à l’extérieur, sur les toits des immeubles, à l’intérieur de la banque, dans le parc, la prison, les égouts de la ville… pour finir son périple au dancing Coco Bongo, lieu de l’affrontement final contre son double maléfique : Dorian, qui lui aussi porte un masque. Colorés et suffisamment fins, les graphismes du jeu ont une connotation très “comics”, sans en faire des tonnes. Dans l’ensemble, les niveaux sont assez vastes, même si certains sont plus vite survolés que d’autres. Les musiques parviennent à reproduire les différentes ambiances du film, rumba endiablée incluse ! L’harmonie n’est pas toujours au rendez-vous (certaines compositions portent vite sur les nerfs, notamment celle qui accompagne l’affrontement final contre Dorian), mais le gros de la bande-son remplit ses objectifs sans trop forcer.

Finalement, ce qui impressionne le plus, dès les premières minutes du jeu, c’est l’animation impeccable de The Mask : on y retrouve toute la gestuelle de Jim Carrey (sa démarche, ses mimiques, ses poses loufoques…) qui, il faut bien le dire, représente du pain béni pour une adaptation en jeu vidéo. Pour les ennemis, le tableau est moins flatteur puisqu’ils ont clairement des étapes d’animation en moins. Très peu nombreux ni très variés, ils ont tous le même gabarit et ne sont pas originaux pour un sou. Certains viennent directement au contact du héros, alors que d’autres misent plus sur la surprise (d’où l’intérêt pour notre héros de parfois marcher à pas feutrés). Mais bon, vu que dans un cas comme dans l’autre, ils ne servent que de punchingball, ces lacunes ne constituent pas un drame non plus… La prise en main du héros est simple et on mémorise très vite les différentes actions possibles. La difficulté du soft n’est donc pas à chercher du côté du maniement du perso, mais plutôt dans l’endurance des boss. The Mask fait le grand écart entre, d’un côté, des ennemis “simples” qui n’offrent que peu de résistance, et de l’autre, des boss coriaces assez “chiants” où affrontement rime avec détection des coups pas super précise.

Le mot de la fin

Les enfants et la grande majorité des adultes ont adoré The Mask lors de sa sortie dans les salles de cinéma, et à part quelques grincheux qui ne supportaient pas les gesticulations de Jim Carrey, les acheteurs potentiels du jeu étaient donc nombreux. On peut dire aujourd’hui que ceux qui ont acheté le jeu à l’époque n’ont pas été roulés : le jeu vidéo fait mieux que la plupart des adaptations ciné, grâce notamment à un personnage central dont les animations font mouche et à des niveaux non linéaires qui poussent le joueur à l’exploration. Mais dans le même temps, The Mask n’est pas parfait, avec ses rencontres brouillonnes contre les boss (en cause, une détection des coups pas franchement optimale), son faible nombre d’ennemis et quelques passages “chauds” où la précision est de mise pour les sauts. De quoi l’empêcher de briller aux côtés d’un Batman Returns et de quelques autres en somme, tout en restant malgré tout un divertissement fort recommandable. Ce qui n’est déjà pas si mal…

Note Finale

Technique – 7 /10

Sans gros défauts, mais sans grande personnalité non plus, la réalisation de The Mask capitalise beaucoup sur son perso principal, avec une animation soignée et des décors “cartoons” qui le mettent encore plus en valeur.

Musique – 6 /10

La rumba endiablée du film est bien entendu présente, et le reste de la bande-son est plutôt plaisant, sans toutefois éviter le piège de “la compo qui porte vite sur les nerfs” (notamment pour la scène finale du jeu).

Gameplay – 7 /10

The Mask possède une palette de coups et mouvements importante. On s’y retrouve sans problème, même si tous les boutons du pad sont utilisés. Dommage qu’il y ait une telle différence de difficulté entre simples ennemis et boss.

Durée de vie – 6 /10

Le soft ne compte que sept niveaux. D’une longueur raisonnable, certains sont vite expédiés alors qu’autres portent bien leur surnom de labyrinthe (surtout le niveau des égouts…).

Innovation – 5 /10

Eeeuuuhhh… Une progression non-linéaire dans les niveaux (merci les bouches d’aérations et autres), une belle brochette de coups différents (merci le film), et pour le reste, de la bonne action / plate-forme des familles.

En résumé
Une adaptation ciné dont la qualité est au-dessus de la moyenne, sans pour autant être parfaite.

6

Honnête

Infos Pratiques

Développé par Black Pearl Software
Édité par Black Pearl Software
Sorti le 27.12.1996 (Japon) (*)
Sorti en 10.1995 (USA)
Sorti le 26.10.1995 (Europe)

action / plate-forme
1 seul joueur
Cartouche de 16Mb
Pas de sauvegarde
Existe sur rien d’autre

(*) au Japon, le jeu a été édité par Virgin Interactive

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L'article The Mask a été publié sur La Mémoire du Pad.

Petite piqure de rappel, le premier Alien est né au cinéma en 1979. Classé “film d’horreur” (aujourd’hui il est dans la case “science fiction”), il a fait un véritable carton en salle, ce qui a confortablement assis la licence pour l’avenir et a lancé la carrière de Sigourney Weaver.

Réalisé par Ridley Scott, il faudra attendre 1986 pour que James Cameron nous sorte Aliens (vulgairement appelé Alien 2), une suite plus explosive mais tout aussi angoissante. Eh oui, James Cameron, le réalisateur prodige d’Hollywood qui nous a concocté Terminator II, Abyss, True Lies ou le récent Avatar, faisait déjà des films géniaux. Et ce n’est qu’en 1992 qu’on verra un troisième épisode montrer le bout de son acide xénomorphe. Cette fois réalisé par David Fincher, cet épisode controversé (il est le plus mou de la saga) aura donné lieu à quelques adaptations ludiques. Il faut dire qu’entre 1979 et 1986, les consoles qu’on avait n’étaient pas terribles (au mieux, c’était la NES), alors qu’en 1992/93, les Mega Drive et Super Nintendo étaient bien implantées, et leurs puissances respectives ont permis de faire des jeux d’action franchement sympas. C’est donc avec un quasi naturel qu’on retrouve Alien 3 sur nos consoles préférées (les adaptations ciné/console ne datant pas d’hier…), dont voici le test Super Nintendo.

Un Alien 3 exclusif

Je tiens avant tout à signaler que cette version est exclusive à la 16 bits de Nintendo. En effet, sorti un an après la version Mega Drive, cet opus en reprend presque tout le gameplay, évidemment en l’améliorant. Au lancement du jeu, on a une très belle intro qui résume parfaitement celle du film. C’est un des points critiquables de la version Mega Drive, et Probe (également développeur de cette version) s’est empressé de le rectifier. Pareil pour l’épilogue sympa, qui reprend lui aussi celui du film. Par contre, Probe a fait son petit tour de magie pour tourner le scénario à son avantage, car à part le contexte et les décors, on est loin de la trame du film : sur la planète-prison Fiorina “Fury” 161, où sont enfermés les pires tarés de l’univers, un EEV s’écrase, avec à son bord Ripley. Mais dans le temps qui sépare le film du jeu, les Aliens ont investi les lieux et ont kidnappé tout le monde. À son réveil, Ripley se retrouve seule et aura pour but de tous les sauver et de réaliser un nombre défini de missions.

C’est donc super léger, mais contrairement à la Mega Drive, ici, les missions sont plutôt bien menées et ont un sens. Chaque niveau nous impose d’accomplir entre six et huit missions. Réalisables dans l’ordre qu’on veut, elles sont du genre sauver des prisonniers, colmater des brèches, changer des fusibles, souder des portes, etc. Quiconque a vu la quadrilogie cinématographique trouvera ces missions bien dans l’esprit des films. On regrettera par contre que les textes soient uniquement en anglais (même pour notre version française), ce qui ne facilite pas la vie des anglophobes. C’est également un gros défaut, les missions sont toujours les mêmes. On a quatre ou cinq types de tâches à accomplir, et tout au long du jeu, on fera toujours la même chose. D’autant que le jeu prend un malin plaisir à nous faire faire des allers-retours, histoire de doper la durée de vie (au niveau 3, s’en est même chiant puisqu’il faut traverser la même portion de level plus de dix fois dans un sens, puis dans l’autre).

S’apparentant à un mini-labyrinthe, le dédale est chaque fois vaste et les pièces communiquent entre elles. Heureusement, le terminal permet de visionner un plan détaillé de chaque niveau, ce qui est déjà pas mal mais aurait pu être mieux, en affichant le nom sur les portes par exemple. On a quand même un bonus par rapport à la Mega Drive : le temps n’est plus limité et comme chaque niveau est très long (entre 1h et 1h30, ce qui nous donne une durée de vie moyenne de 8h, ce qui est énorme pour le genre), le jeu nous offre un très utile système de passwords. À ce propos, c’est idiot mais une mission n’est validée que si on retourne au terminal (avec entre-temps un bip-bip qui nous signale qu’on a fini… deux ou trois fois aurait largement suffi, pas la peine de nous saouler avec ça). Si le film est basé sur le suspens, soyons clair, le jeu en est tout autre. Il faut dire qu’un jeu mou n’est pas vendeur, et à l’époque, seule l’action faisait recette. Donc, ce jeu s’appelle Alien 3 mais s’apparente plus à Alien 2.

Diminuer la surpopulation carcérale, façon Alien

Les lieux sont donc infestés d’Aliens (qui apparaissent n’importe où et n’importe comment, le plus souvent contre toute logique), des ennemis toujours plus résistants (au fil du jeu, ils encaissent de mieux en mieux, ça devient même n’importe quoi sur la fin), toujours plus rapides et toujours plus vicieux (il est d’ailleurs idiot de voir des prisonniers flâner sur les corridors, tranquilles, même pas inquiétés par les bestioles, et d’être la seule à faire le boulot). Et dire que dans le film, il n’y en avait qu’un seul d’Alien… Comme les ennemis sont plutôt rapides et que les munitions se font vite rares, l’aventure est particulièrement difficile. Certes, on n’a plus de chrono pour nous mettre la pression, mais à part les œufs, les ennemis reviennent sans cesse (il ne faut donc pas trainer). C’est d’ailleurs un peu débile comme ils “spawnent” sans cesse, s’en est même fatiguant à la longue. Sur Mega Drive, une fois morts, ils ne revenaient pas. Et les pires sont les “facehuggers”, véritables saloperies rampantes, et c’est ce qu’il y a le plus ! Et si encore tuer les œufs permettait de limiter leur apparition… mais penses-tu !

En fait, Alien 3 sur Super Nintendo est tellement difficile que la version Mega Drive passe pour une promenade de santé (c’est sans doute l’un des pires jeux que je connaisse). Pour nous sortir de cet enfer, Ripley est tout de même bien équipée : fusil d’assaut, lance-flammes et lance-grenades (on n’a plus de grenades à main). Comme le pad Super Nintendo est doté de quatre touches principales, Probe a pensé à une prise en mains plus rapide que d’accoutumé. En effet, avec B on saute, puis chacune des trois autres touches sert pour chaque arme (Y pour le lance-flammes, A pour le fusil d’assaut et X pour le lance-grenades). L’idée n’est vraiment pas mauvaise et ça évite de tout le temps switcher entre elles. Comme je le disais, les munitions se font vite rares, à cause d’ennemis continuellement en surnombre. Pour s’en remettre plein les poches, il faudra bien fouiller les zones (le terminal peut aider à trouver ce qu’on cherche). Notre héroïne est également équipée d’un radar (un classique à la série), qu’on active en pressant Select ou qui se met en marche automatiquement lorsqu’on exécute une mission (par exemple souder une brèche). Comme dans les films, il émet un son lorsqu’il détecte du mouvement. Sympa comme clin d’œil, mais pas très utile dans le jeu, étant donné qu’on n’a jamais la paix.

Ripley est assez agréable à manier mais pose de nouveau quelques petits soucis. Si on n’a plus de problème lorsqu’on prend une échelle ou qu’on rampe dans les conduits de ventilation, la belle fait un pénible et incontrôlable bond en arrière dès qu’elle est touchée (c’est-à-dire souvent). C’est vraiment pénible car on perd tout contrôle sur le personnage, ce qui occasionne quelques désagréables chutes ou sauts intempestifs dans un piège (comme une coulée de lave). Et encore une fois, le saut est totalement imprécis (c’est même pire que sur Mega Drive, fallait le faire !). À côté de ça, la jouabilité a grandement été améliorée. Désormais, on peut utiliser le lance-flammes en courant, se déplacer accroupi, tirer dans toutes les directions (même si on est sur une échelle, la classe) et on a quelques mouvements supplémentaires comme se déplacer accroché au plafond. C’est vraiment pas mal. L’action est donc explosive au possible ! Laminer de l’Alien à la pelle est vraiment fun et ramène, comme je le disais, au film Alien 2.

BO “ciné”, mais daube musicale quand même !

Côté réalisation, les graphismes sont vraiment sublimes. Les couleurs sont bien choisies, les divers décors reprennent ceux des films (l’entrepôt où est stocké le EEV, l’infirmerie, les corridors, la fonderie, la déchetterie…) afin d’entrer complètement dans l’ambiance. Les environnements sont superbement détaillés et on a même quelques effets comme cette pluie battante lorsqu’on est en extérieur ou encore la brume dans les cavernes Aliens. C’est vraiment super beau et fidèle à l’univers emprunté (d’ailleurs, on y retrouve tout le bestiaire : facehugger, serpent, Alien combattant, Reine…). Côté animation, si Ripley est lente à se déplacer, ses mouvements sont sacrément fluides. D’ailleurs, la technique d’animation ressemble au rotoscoping (et je ne pense pas me tromper) découvert dans Flashback. Pour les ennemis, le niveau de fluidité est forcément moins élevé mais leurs animations restent, elles aussi, étonnamment travaillées. Entre les missions, les décors et la qualité des animations, je me demande encore comment ils ont pu faire tenir tout ça sur une simple cartouche de 8Mb.

Enfin, si je suis le premier à faire des éloges sur la partie son de l’opus Mega Drive, je trépignais d’impatience à l’idée de découvrir les musiques de celui-ci. Il faut dire que le travail réalisé sur la console de SEGA est tout à fait unique et admirable. Eh bien, voyez-vous, ce devait être trop beau car ils ont tout changé… ici aussi. Adieu furieuse bande-son, bonjour la daube ! Si les musiques ont le bon goût de changer d’une mission à l’autre (heureusement, car on n’allait pas se taper la même tout le niveau), désormais elles sont plus cinématographiques. En ça, elles sont même impressionnantes. Bien qu’un peu sourdes, elles reprennent bien le type de compositions qu’on retrouve au ciné. Malheureusement, on est sur console 16 bits, et si ça colle bien aux jeux actuels, sur Super Nintendo, c’est par contre mauvais !

Pas du tout mélodieuses, ni même rythmées, elles sont très répétitives et saoules en quelques minutes à peine. Pire encore, si les bruitages ont une qualité honorable (bien qu’ils sont loin d’avoir la puissance de ceux sur Mega Drive), la musique est tellement forte qu’elle les couvre totalement (et à l’époque, les réglages de volumes n’existaient pas). Ainsi, c’est ma plus grande déception envers ce jeu. Ce qui aurait pu être le meilleur jeu d’action du support, ou plus simplement la meilleure adaptation de la licence Alien, échoue sur des détails agaçants de jouabilité, de difficulté et de bande-son. Et ne venez pas me dire qu’il n’était pas possible de faire le même type de musiques que sur Mega Drive car technologiquement, au niveau du son, la Super Nintendo lui est bien supérieure et on a déjà vu ce que ça donne avec notamment Rock & Roll Racing. C’est vraiment dommage.

Le mot de la fin

Si depuis tant d’années je n’avais pas l’animosité de certains testeurs envers le développeur Probe Software, c’était grâce à ce jeu. J’ai toujours pris Alien 3 pour un excellent jeu, d’ailleurs, c’est un excellent jeu et je pensais le développeur doué pour ça. En fait, Alien 3 est sans doute l’un des rares jeux qu’ils n’aient pas foirés… ceci explique cela. D’ailleurs, Probe aurait pu faire un simple copier-coller de l’opus Mega Drive (en améliorant graphismes et sons), mais il a préféré tout reprendre du début. C’est émérite de la part du développeur, mais il échoue à nous proposer un titre réellement meilleur. Certes, ce n’est plus du 100% action comme autrefois, et le titre a su se diversifier tout en restant dans le carcan de la licence. Mais au rang des véritables regrets, je citerais une nouvelle fois une bande-son minable qui nous gâche l’expérience et des ennemis toujours en surnombre et qui réapparaissent sans cesse. Du coup, au lieu d’être largement supérieure à la version Mega Drive (que je compare souvent, désolé), et bien, cette version sur Super Nintendo d’Alien 3 se retrouve au même niveau, voire même un cran en-dessous. Certes bien plus beau, plus fluide et même plus maniable, je le trouve aussi bien moins fun car plus pénible, et ce, pour toutes les raisons évoquées jusque-là. Reste qu’Alien 3 est un bon jeu d’action, mais il faudra beaucoup de patience pour l’apprécier à sa juste valeur.

Note Finale

Technique – 8 /10

Les décors reprennent ceux du film, avec des graphismes sublimes et détaillés, aux couleurs bien choisies. Les mouvements de Ripley sont sacrément fluides, ceux des Aliens un peu moins.

Musique – 4 /10

La déception ! Les compos ont un côté “ciné” assumé, mais elles ne sont pas du tout mélodieuses et saoules en quelques minutes à peine.

Gameplay – 4 /10

Ripley est agréable à manier et possède une belle palette de mouvement (courir avec le lance-flammes, se déplacer accroupie…), mais certaines choses sont pénibles (bond en arrière quand elle est touchée, saut imprécis…).

Durée de vie – 7 /10

Fini le temps limité de la version Mega Drive : ici, on met entre 1h et 1h30 par niveau, pour une durée de vie globale qui atteint les 8h de jeu. Tout bon pour un jeu de ce type !

Innovation – 6 /10

Probe aurait pu se contenter de reprendre le jeu Mega Drive, avec de meilleurs graphismes. Mais le développeur a pris le risque de faire un tout nouveau jeu plus beau, plus fluide… mais moins fun.

En résumé
Rien à voir avec le film dont il s’inspire, mais amusant quand même.

7

Bon

Infos Pratiques

Développé par Probe Software
Édité par LJN
Sorti le 09.07.1993 (Japon)
Sorti en 05.1993 (USA)
Sorti le 28.10.1993 (Europe)

action / aventure
1 seul joueur
Cartouche de 8Mb
Sauvegarde par mots de passe
Existe aussi sur NES, GB, MD (autres versions)

Encore + d’images

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L'article Alien 3 a été publié sur La Mémoire du Pad.

Quatrième opus de la série, mais déjà le troisième à débarquer sur une Super Famicom dans la fleur de l’âge, Jikkyou Oshaberi Parodius est certainement l’épisode qui porte le mieux son nom.

Littéralement, son titre pourrait se traduire par “le Parodius qui cause en direct”, ce qui nous donne un petit indice sur LA grosse originalité du jeu : des commentaires en “direct live”, tout en japonais, savamment distillés par un commentateur survolté ! Ses interventions vont varier en fonction du niveau traversé, des ennemis qui apparaissent à l’écran ou des actions du joueur. Accessoirement, Jikkyou Oshaberi Parodius est aussi un membre éminent de la dynastie Parodius, avec ses niveaux inspirés d’autres jeux de Konami, son cortège bigarré et souvent bizarre de pingouins loufoques, de poulets volants, de têtes de l’Île de Pâques, de pieuvre géante… Il peut aussi se vanter d’afficher un humour encore plus tordu et un poil plus salace, parfois en-dessous de la ceinture. Et ça aussi, c’est plutôt nouveau !

Seize “vaisseaux” : qui dit mieux ?

Là où les développeurs occidentaux se contentent de gaver les joueurs avec ce qu’ils aiment (en gros, actuellement, du FPS et du foot), les studios japonais sont probablement ceux qui osent le plus. Du moins à l’époque de la Super NES. C’est une stratégie risquée qui ne paie pas toujours, mais quand le succès est au rendez-vous, cela peut déboucher sur la création de nouveaux types de jeux dont, il faut bien le dire, le public japonais est très “client” (jeux de drague, jeux de rythme, simulations de cuisine…). La série Parodius en est l’illustration vivante : acteur important de la scène shoot’em up, et par extension du courant cute’em up, Konami a pris le risque d’auto-parodier un de ses plus grands succès (Gradius) pour offrir à ses fans des jeux volontairement décalés, déjantés et drôles. Le filon sera par la suite exploité, avec succès, pendant de nombreuses années et sur différentes machines.

Alors que Parodius Da ! et Gokujou Parodius ! avaient d’abord vu le jour en arcade, Jikkyou Oshaberi Parodius est quant à lui exclusif au seul marché “consoles”. Ce qui ne veut pas dire que ce nouveau shoot’em up soit moins ambitieux. En terme de réalisation et de contenu, c’est même l’épisode le plus abouti à avoir vu le jour sur la console de Nintendo. Dans son cas, on pourrait même aller jusqu’à parler de surenchère, notamment pour le nombre de personnages proposés. Si les deux épisodes précédents nous avaient déjà habitué à un large panel de persos (quatre dans le premier, onze dans le second), que dire alors des seize personnages jouables proposés par ce troisième opus ? C’est tout simplement du jamais vu ! Je peux me tromper, mais vous ne trouverez pas un shoot’em up qui fait mieux dans ce domaine, ni sur Super Famicom, ni sur une autre console (hormis un autre Parodius).

Parmi ceux-ci, on trouve des personnages créés spécialement pour la série (Sue, Takohiko, Belial, Memim, Mike, Ran, Soitsu, Doitsu), mais aussi les “échappés” de Gradius (VicViper et Lord-B), de TwinBee (TwinBee et WinBee), d’Antartic Adventures (Pentarou et Hanako) et de Miracle Upa (Upa et Rupa). Cette joyeuse bande formée de pingouins, de fées, de chats, de bébés, de pieuvres, de vaisseaux et de petits bonshommes sur des avions en papier (!) permet à chaque joueur de trouver chaussure à son pied, chaque personnage possédant des caractéristiques et un armement qui lui sont propres. En les observant d’un peu plus près, on remarque malgré tout que certains d’entre eux sont similaires (en fait, on pourrait les ranger par paire : TwinBee et WinBee, Upa et Rupa, Pentarou et Hanako…), mais ils ont quand même chacun leur petite spécificité.

Je ne vous cache pas qu’un choix si large peut aussi être intimidant, du moins au départ. Mais en réalité, au fil des parties, on trouve assez rapidement son ou ses petits favoris. Et ce ne sont pas forcément les choix les plus logiques en apparence (on pourrait par exemple être tenté de prendre les “très classiques” VicViper ou Lord-B) qui se révèlent les plus payants. Dans le cas de Jikkyou Oshaberi Parodius, les joueurs s’accordent pour dire que le chat Ran est le personnage le plus facile à appréhender. Il faut dire que le félidé possède un armement qui facilite grandement la tâche du joueur, entre son tir qui augmente rapidement en puissance et ses grelots qui font d’incessants aller-retour pour détruire les “cibles” proches, Ran ne laisse que peu d’espoir aux ennemis qui croisent sa route.

Refrain connu, mais “fée-tastique”

Si vous avez déjà touché à Parodius ! Non-Sense Fantasy (possibilité la plus vraisemblable, puisque c’est le seul épisode de la série à être sorti en Europe), les lignes qui suivent ne vont pas vous apprendre grand-chose. Avec Jikkyou Oshaberi Parodius, vous vous sentirez en effet très vite à l’aise, tant la mécanique du jeu est calquée sur celle de ses prédécesseurs. Disons que Konami n’a pas cru bon d’injecter énormément de nouveautés dans son jeu, du moins au niveau du gameplay. Mais d’un certain côté, c’est compréhensible : la recette “Gradius” qui s’applique à la série depuis ses débuts est quasi parfaite, et ce sont surtout les différents personnages qui permettront au joueur d’attaquer le soft sous différents angles, avec notamment plus ou moins de facilité. On y retrouve donc, sans surprise, les mêmes ingrédients : un système d’options “à la Gradius”, basé sur la collecte de pastilles rouges abandonnées par certains ennemis ou vagues d’ennemis.

Les différentes armes et options disponibles sont étalées sur une jauge placée au bas de l’écran. Chaque pastille rouge récupérée par le joueur fait avancer un curseur qui illumine une des options ou armes. Il suffit alors d’appuyer sur le bouton Y pour équiper immédiatement son personnage avec l’option désirée. Ces différents “upgrade” sont variés et dépendent bien souvent du personnage choisi (simple “speed up”, tir double, alliés qui évoluent autour du perso, barrière de protection…), mais il y a bien une constante : à l’exception des deux fées Sue et Memim, les améliorations les plus intéressantes sont systématiquement placées sur la droite de la jauge. Il faudra donc récolter au moins entre cinq et sept pastilles pour augmenter considérablement sa puissance de feu ou sa protection.

Outre les pastilles rouges, nos chères pastilles bleues sont aussi de la partie (au moment où elles sont ramassées, elles font exploser tous les ennemis présents à l’écran), tout comme les cloches de couleur échappées de TwinBee. On les utilise toujours de la même façon : elles changent de couleur quand on leur tire dessus à répétition, chaque couleur étant associée à un bonus précis (points pour le score, grossissement temporaire du vaisseau, haut-parleur pour insulter les ennemis, méga-explosion…). En fait, au niveau du gameplay, la seule petite nouveauté introduite par Jikkyou Oshaberi Parodius se résume à… un système de fées. Chaque niveau traversé renferme un certain nombre de toutes petites fées, souvent bien cachées, que le joueur doit trouver et collectionner. Quand il en a accumulé 70, une option “Stage Select” est alors débloquée.

La beauté, et la parole en plus

Ne pensez pas que, sous prétexte de sortir un jeu marrant, Konami ait fait tout et n’importe quoi pour arracher un sourire au joueur. La démarche du développeur est même mûrement réfléchie. Bien que Jikkyou Oshaberi Parodius ne possède pas de scénario (ou si peu, cfr la galerie ci-dessous), il y a quand même une idée sous-jacente derrière la présence de chaque stage : s’inspirer d’autres jeux Konami, mais en les traitant à la sauce Parodius ! Le stage 2 a par exemple pour thème Tokimeki Memorial, un jeu de drague sorti uniquement au Japon. Très original, il balade d’abord le joueur dans les couloirs et les locaux d’un établissement scolaire peuplé de pingouins loubards, pour ensuite le jeter dans les bras de deux écolières gigantesques qui font office de boss. Dans le même esprit, le stage 3 a pour thème l’univers merveilleux et bucolique de TwinBee (avec de jolies cascades, du gazon bien vert, un ciel d’un bleu éclatant…), le stage 4 celui des Goemon (d’inspiration japonaise, son boss est une grosse tête de Goemon qui crache des bombes en forme de tête d’Ebisumaru, son acolyte), le stage 6 celui de Gradius (avec non seulement un agencement similaire à celui des niveaux de son modèle, mais aussi des remix de ses musiques)…

Bien plus que les décors (magnifiques ceci dit), ce sont surtout certains ennemis qui apportent au titre une dimension humoristique et même un petit soupçon de perversité (très “soft”, mais il est impossible de passer à côté). Entre les pingouins en couple sous la couette, les petits êtres ridicules qui ouvrent leur imperméable pour exhiber leur anatomie, ou encore le boss en sous-tif’ à la poitrine opulente, le shoot’em up de Konami séduira ou choquera (un peu) en fonction de la sensibilité de son auditoire. Ce contenu pour le moins “osé” explique aussi le fait que le jeu n’a jamais quitté le Japon. Contrairement aux naïfs joueurs occidentaux (hum, hum…), j’imagine que nos amis japonais en ont vu d’autres et sont probablement mieux armés contre ce type de contenu !

Si Konami ne manque certainement pas d’idées ni d’humour, encore devait-il mettre tout cela en oeuvre avec un certain talent. Sur ce point, et comme à son habitude, le développeur ne nous déçoit pas. Les graphismes de Jikkyou Oshaberi Parodius sont particulièrement impressionnants pour une console 16 bits. Pleins de vie, d’action et d’effets en tous genres, parés de mille et une couleurs (j’exagère à peine), les différents niveaux en mettent plein la vue, et l’un d’eux va même jusqu’à proposer quelques éléments en 3D polygonale (en tout cas, ça y ressemble…). La grande classe ! Un peu flambeur, Konami n’a donc pas pu s’empêcher, ici aussi, de jouer la surenchère… Le résultat ne s’est pas fait attendre : l’animation connaît quelques ratés et la console crache ses poumons comme un fumeur au saut du lit. Le plaisir du joueur reste intact, en grande partie à cause de l’ambiance unique gentiment diffusée par le jeu, mais quand même…

Côté son, la cartouche impressionne également. Bien épaulé par une puce SA-1, notre fameux commentateur n’arrête pas de causer ! Sur une console 16 bits, ça fait toujours son petit effet, même si on ne comprend un traître mot de ce qui est dit. Au bout de quelques parties, selon votre seuil de tolérance, il se pourrait que ces digits vocales incessantes vous portent sur les nerfs. Pas de panique : Konami laisse heureusement la possibilité de les couper dans le menu des Options. Merci à lui ! À ce même endroit, vous pourrez aussi modeler le jeu selon vos goûts : régler la difficulté et le nombre de vies, activer ou non la fonction “Revival” (en mode Revival, quand vous vous faites descendre, l’action ne s’arrête pas et votre perso réapparait – à condition d’avoir encore au moins une vie en stock, bien évidemment – …), autoriser ou non la “roulette russe” (consécutive au ramassage de certaines pastilles rouges, elle “affole” la jauge des options), changer l’option “Oh” qui est présente pour certains personnages…

Confectionnées par le Konami Kukeiha Club, les musiques du jeu forment une OST particulièrement riche, marquée par les synthétiseurs et des tempos très variables d’un morceau à l’autre. Les sources d’inspiration sont diverses, et diamétralement opposées : on retrouve en effet du disco typé “années 70″ (pour cette version Super Famicom, le jeu s’ouvre d’ailleurs sur un remix du célèbre hit “That’s the way I like it”), de la musique classique (notamment un remix d’un morceau de Bach), et bien entendu, des morceaux pêchés dans d’autres jeux Konami, Gradius en tête. Dans l’ensemble, la bande-son de Jikkyou Oshaberi Parodius ne surprendra pas les habitués de la série (la recette est la même qu’auparavant), mais le résultat est toujours aussi festif, avec une ambiance qui fait assez carnaval.

Le mot de la fin

En développant ce troisième épisode Super Famicom, Konami aurait-il pêché par orgueil ? Suivant la logique bien connue du “toujours plus, toujours plus fort”, le développeur a imaginé un Jikkyou Oshaberi Parodius au menu dantesque : un casting énorme jamais vu dans un shoot’em up, des graphismes dont la qualité est encore un cran au-dessus par rapport aux deux épisodes précédents (si si, c’est possible…), un commentateur volubile qui intervient à la moindre action du joueur… Si le contenu ne déçoit donc à aucun moment, il apparait cependant très vite que la 16 bits est rattrapée par ses vieux démons, à savoir les ralentissements, qui interviennent assez fréquemment. Mais on s’en accommode très bien, et c’est franchement un moindre mal pour profiter de l’épisode le plus complet et le plus barré de la console.

Note Finale

Technique – 8 /10

La Super Famicom donne le maximum, et même un peu plus (casting important, graphismes au top, digits vocales en nombre…), avec à la clé quelques ralentissements.

Musique – 8 /10

C’est la fêêêêêtttttteeeeeeuuuuu ! Un mix joyeux entre divers types de musique (disco, classique) et des thèmes remixés d’autres jeux Konami, dont bien évidemment Gradius.

Gameplay – 8 /10

La jauge “à la Gradius”, les pastilles, les cloches de couleurs… Si vous êtes un habitué de la série, vous serez en terrain connu, et si vous débarquez, vous aurez très vite vos marques.

Durée de vie – 8 /10

Entièrement paramétrable, la difficulté de Jikkyou Oshaberi Parodius garanti au soft une excellente durée de vie. Le challenge des petites fées à collecter incite aussi à rejouer.

Innovation – 6 /10

Cute’em up doué de la parole, Jikkyou Oshaberi Parodius fait beaucoup dans l’esbroufe (olis graphismes, musique délicieuse…), mais peut-on lui en vouloir ?

En résumé
L’apothéose de la série sur la console de Nintendo, même si le soft est un peu trop ambitieux pour celle-ci.

9

Très bon

Infos Pratiques

Développé par Konami
Édité par Konami
Sorti le 15.12.1995 (Japon)
Pas sorti aux USA
Pas sorti en Europe

cute’em up sous stéroïdes
1 à 2 joueurs
Cartouche de 24Mb
Pas de sauvegarde
Existe aussi sur PSone, Saturn

Plus Loin

Un an à peine après la Super Famicom, la PlayStation et la Saturn ont elles aussi accueilli Jikkyou Oshaberi Parodius, mais sous-titré “Forever with me” pour l’occasion. Les graphismes et musiques de cette nouvelle version ont été améliorés, et certains niveaux et boss ont aussi été modifiés. Konami a profité de cette sortie pour ajouter aussi deux stages Omake et un autre perso jouable (Dracula-kun). On remarquera surtout que cette ultime version permet à deux joueurs de jouer en simultané (contrairement à la version Super Famicom qui, comme pour les épisodes précédents, n’autorise qu’un mode 2 joueurs en alternance). Bien plus tard, en 2007, le jeu refera une apparition sur PSP dans la compilation Parodius Portable, mais sera quasiment inchangé (seule la musique du premier stage a été modifiée et remplacée par Brilliant2U, de Naoki Maeda, pour éviter des problèmes de copyright).

Voir aussi, dans la même série

Parodius ! Non-Sense Fantasy
Gokujou Parodius !

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L'article Jikkyou Oshaberi Parodius a été publié sur La Mémoire du Pad.

Chers lecteurs et lectrices de la Mémoire du Pad, vous n’allez peut-être pas le croire, mais en testant Pikinya!, il m’est arrivé un truc pas possible ! Je me suis fait un nouveau pote !

Bon, je vous avoue qu’il est un peu bizarre. Il ressemble grosso modo à un pingouin : il est petit, bleu et tout mimi, avec de grands yeux globuleux. Et qu’est-ce qu’il est attachant ! Vous remarquerez tout au long de ce test qu’il n’a pas un vocabulaire très varié. En fait, seules les filles de son espèce semblent dotées de la parole, et comme chez les humains, elles sont particulièrement bavardes (ok, je sors… ^^; ). De vraies pipelettes qui ne s’expriment qu’en japonais ! Enfin bref, vu que je n’ai pu lui soutirer le moindre mot, je l’ai affectueusement surnommé “Piki”, en référence au petit cri qu’il lance pour montrer qu’il est content. Oh ben tiens, le voilà justement qui vient me tenir compagnie pour ce test.

- Tu tombes bien Piki ! Je parlais justement de toi à nos amis ! Tu veux qu’on leur explique ce qui t’est arrivé ?
– Pikiiii !
– Ok, comme je vois que tu te trémousses sur ta chaise, j’imagine que ça doit vouloir dire oui…

Sauvez-les tous !

La très nombreuse famille de Piki a élu domicile dans une vieille cartouche Super Famicom poussiéreuse, sur une île assez vaste aux reliefs divers et variés (glace, forêt tropicale, grottes…). Mon pote pingouin et ses milliers de semblables coulaient des jours paisibles dans cet environnement paradisiaque, jusqu’au moment où des individus peu scrupuleux sont apparus pour les capturer. Piki est le seul à avoir réussi échapper à ce funeste destin. Par quel miracle, je ne saurais vous le dire, mais depuis notre rencontre, je pense, en toute modestie, qu’il voit en moi le sauveur de son espèce. Rien que ça !

- Pikiiiinya… Pikiiii…
– Quoi Piki ? Tu trouves que je me la raconte ? Mouais, bon, tu as peut-être raison… Excuse moi…

Où en étais-je ? Ah oui, nos pingouins sont en fait piégés au coeur d’un Tetris-like dont le concept est à mi-chemin entre Puyo Puyo et Tetris. Le soft est bardé de plusieurs modes de jeu, mais est régi par un seul et même principe : former des groupes de minimum six pingouins, ce qui a pour conséquence de les faire disparaître de l’écran. Pas besoin de faire des lignes horizontales ou verticales : à la manière des petites bulles colorées d’un Super Puyo Puyo, du moment que nos pingouins se touchent les nageoires et qu’ils sont au moins six, ils s’évanouissent dans la nature.

- Piki ! Piki !
– Oui, Piki, ce sont tes amis à l’écran. T’inquiètes, je vais les délivrer. Et hop ! Six pingouins de sauvé !

Que je vous explique. Pikinya! fait dans la simplicité et en cours de partie, on ne retrouve principalement que trois éléments : des pingouins, des cubes de glace, et… des pingouins congelés dans des cubes de glace ! Ces éléments arrivent toujours par quatre, sous forme de carré, par le haut de l’écran. Comme dans tous les Tetris-like, on peut les faire pivoter pour les positionner comme on veut. Et si ils s’entassent jusqu’en haut de l’écran, la partie est perdue. Outre les groupes de pingouins à faire disparaître, dans Pikinya!, il faut aussi tenter de former des lignes horizontales avec les cubes de glace : comme dans Tetris, quand une ligne complète est formée, les cubes qui la composent éclatent. Les simples cubes sont éliminés pour de bon de l’écran, alors que les pingouins congelés sont libérés et deviennent à leur tour de simples pingouins.

Une histoire de pingouins et de cubes de glace

- Waouh Piki ! Jolie réaction en chaîne ! Tu vas marquer un max de points avec ça !
– Pikiiii Piki ! (il sautille sur sa chaise en montrant l’écran)
– Oui, t’inquiètes, j’allais y venir.

Il faut savoir que les éléments qui arrivent par le haut de l’écran ne sont pas solidaires entre eux. Ils se positionnent toujours le plus bas possible dans l’écran de jeu. Par exemple, si la moitié gauche de votre carré d’éléments vient se placer sur des éléments déjà présents à l’écran, la moitié droite peut descendre plus bas. Ce principe, couplé à la disparition des pingouins et des lignes horizontales de cubes, donne lieu à de jolies réactions en chaîne… Les éléments présents au-dessus des éléments qui viennent de disparaître descendent eux aussi plus bas, et formeront peut-être à leur tour un nouveau groupe de pingouins ou un ligne horizontale de cubes de glace…

En cours de partie, en fonction des modes de jeu, Piki m’a aussi montré l’existence de quelques autres éléments, plus rares. On trouve ainsi dans Pikinya! des glands (?) orangés, entourés d’un cercle rose, dont je ne saurais vraiment pas déterminer la nature… mais dont nos amis pingouins raffolent ! On les retrouve à peu près dans tous les modes du jeu, et ils disparaissent en même temps que le groupe de pingouins qui leur est voisin. Leur rôle est essentiel puisque c’est par exemple leur disparition qui permet au joueur de progresser dans le Stage Clear Mode (voir plus bas). Plus énigmatique est la soucoupe volante. Je ne sais pas si les extra-terrestres se cachent derrière les malheurs de nos pingouins congelés, mais il arrive parfois qu’un cube de glace contienne une soucoupe volante de couleur rouge : en la libérant, tous les pingouins à l’écran disparaissent, ce qui est plutôt une bonne chose, et pour le joueur, et pour nos amis venus du froid !

- Piki ? Piiiiikiiii ! T’es où ? Encore fourré dans le frigo ?!?
– Piiiiiiki… (cri provenant de la cuisine)
– Bon, prends ton temps, mais évites quand même de te goinfrer de glaces, tu seras gentil…

Je vais profiter de ce petit moment où nous sommes seuls pour vous parler des différents modes de jeu proposés par la cartouche. D’entrée de jeu, un des gros points forts de Pikinya! est son accessibilité. Les différents menus sont très clairs : chaque mode est illustré par une petite icône animée et même si on ne lit pas le japonais, on comprend très vite dans quel mode de jeu on s’aventure. Si vous jouez en solo, pas moins de quatre possibilités s’offrent à vous. On a tout d’abord un semblant de mode Story. Piki se balade à travers l’île et croise sur sa route quelques personnages hauts en couleurs qui cherchent à le capturer. Ce sont, à une exception près, des humains : un explorateur, un guerrier aborigène, une scientifique… Suivant le schéma bien connu des amateurs de puzzle game, l’aire de jeu est alors divisée en deux parties et l’objectif est d’inonder l’écran de l’adversaire en réussissant combinaisons de pingouins et lignes de cubes de glace.

Vient ensuite un mode un peu plus cérébral, composé de 32 stages / tableaux. Chaque tableau présente un certain nombre des fameux glands orangés, qu’il faudra impérativement faire disparaître pour pouvoir accéder au tableau suivant. Bien entendu, au fil des tableaux, les glands sont de plus en plus nombreux et sont placés dans des configurations de plus en plus casse-tête. Disons qu’à partir du dixième tableau, les choses se corsent sérieusement… Le troisième mode est tout bêtement un mode Endless. Le joueur empile et combine les éléments pour marquer un maximum de points. Le Game Over survient quand les éléments ont atteint le haut de l’écran. C’est notamment dans ce mode que les fameuses soucoupes volantes rouges apparaissent aléatoirement.

Enfin, le quatrième et dernier mode n’est autre qu’un mode Course ! À coup sûr, le plus original de tous, mais pas forcément le plus amusant (du moins en solo…). Quand Piki décide de faire un peu de sport, c’est là qu’il se rend. Représenté sur une moitié de l’écran, on voit notre pingouin effectuer des tours de piste en temps réel. Pour le faire avancer, il faut lui donner de l’énergie. Et comment c’est-y qu’on fait ? Tout bêtement en jouant au puzzle game ! Dans l’écran de jeu, les pingouins sont ici remplacés par des boîtes de conserve et il n’y a pas de cubes de glace vides. On se retrouve donc avec des carrés d’éléments constitués uniquement par des boîtes de conserve et des boîtes de conserve enfermées dans des cubes de glace. Le principe reste par contre le même : il faut former des groupes de minimum six boîtes, ce qui a pour effet d’alimenter une jauge d’énergie et de faire avancer notre pingouin sur la piste. L’épreuve est ici limitée dans le temps, et c’est le nombre de tours de piste effectués par le pingouin qui fera office de score.

La même formule, mais à deux

- Ah Piki ! Te voilà de retour ! Oh, mais tu en fais une tête…
– Beuuuurrrrrp… Piki Piki… (il se tient le ventre)
– Je t’avais prévenu. T’as encore forcé sur la glace au chocolat. Le temps que tu digères, ça te dirait de faire une petite partie en ma compagnie ?
– Pikiiii !
– Ok alors ! Prends la seconde manette et installes-toi !

Quand on joue à deux à Pikinya!, on a le choix entre trois modes de jeu. Le premier est un mode Course fort semblable à celui du jeu en solo : l’écran est splitté en deux parties, avec au centre, une piste rectiligne où sont représentés les deux pingouins qui participent à l’épreuve. Les conserves et les blocs de glace sont de retour, l’énergie accumulée permettant de faire avancer les deux champions. Le second mode est un mode Versus au sens strict : sur un écran toujours splitté, quand un des joueurs réussit un coup (groupe de pingouins ou ligne horizontale de cubes), des éléments “mystère” marqués d’un point d’interrogation sont envoyés chez l’adversaire. Quand ce même adversaire réussit une action de son côté, les éléments “mystère” sont remplacés par un des trois éléments habituels (pingouin, cube ou pingouin congelé), ce qui peut parfois provoquer des réactions en chaîne… avec pour conséquence, un renvoi salvateur d’éléments “mystère” chez l’adversaire !

Enfin, le troisième et dernier mode est un Stage Clear Mode. Dans un des sept stages prédéfinis, nos fameux glands sont de retour et doivent être éliminés pour qu’un des deux joueurs remporte la manche. Les lignes horizontales réussies envoient cette fois des glands supplémentaires chez l’adversaire. Fait assez remarquable : un peu comme dans Kirby no Kirakira Kizzu, pour tous les modes de jeu précités, la cartouche de Pikinya! comptabilise et mémorise les victoires et défaites de quatre joueurs. Leurs statistiques complètes sont consultables dans un des menus du jeu. Sympathique (et peut-être “gadget” pour certains), cette particularité a le mérite de mettre en lumière les progrès de chaque joueur sur le long terme, et pas seulement sur une ou deux parties.

Tout baigne !

- Rrrrrrrr… Pfffffff… Rrrrrrr… Pffffff…
– Tiens, on dirait que Piki n’a pas résisté à l’envie de faire un petit somme. Le pauvre, toutes ces aventures (et toute cette glace engloutie) ont dû l’épuiser. ^^;

Mais on ne peut pas trop lui en vouloir. C’est que, derrière des sprites et des décors très colorés où le bleu “glace” prédomine, le challenge proposé par Pikinya! est plutôt exigeant pour les neurones, notamment dans le Stage Clear Mode où, comme je vous le disais, à partir du dixième tableau, il faudra vraiment s’accrocher pour avancer. Visuellement, le soft est difficilement attaquable. Dans le mode Story, les images de fond illustrant Piki et son adversaire sont à chaque fois très jolies et prennent tout l’écran. L’animation n’est jamais prise en défaut, et à même fait l’objet de petites attentions sympathiques : les pingouins s’excitent quand ils sont presque six (ce qui, ceci dit, est une bonne indication pour le joueur), et quand ils sont isolés, ils s’endorment ! Musicalement enfin, Pikinya! ne bouleverse pas les codes, même si à plusieurs reprises, je me suis surpris à fredonner le thème entêtant du jeu. En fait, plus encore que leur qualité même, ce sont surtout la “couleur” et les tonalités des différents morceaux qui sont intéressantes. Comme le soft est bon enfant et ne se prend pas au sérieux, ses musiques font de même et distillent une ambiance agréable.

Le mot de la fin

N’en dites surtout rien à Piki, mais vu que je ne sais pas comme le renvoyer dans sa cartouche de jeu, je crains fort qu’il soit coincé pour de bon dans notre monde. Assez égoïstement, c’est une perspective qui n’est pas pour me déplaire : il est de bonne compagnie pour le mode 2 joueurs, et se balader avec lui dans le monde de Pikinya! est franchement agréable et rafraîchissant (et pas seulement parce qu’on y trouve des cubes de glace à foison ^^; )… Sa renommée est quasi inexistante, son concept n’est pas aussi puissant que celui d’un Tetris Attack, mais Pikinya! a quand même certains atouts à faire valoir. Simple en apparence, il conviendra aux joueurs en quête d’originalité. Et puis, ce n’est pas tous les jours que l’on croise un Tetris-like avec d’adorables pingouins ! Rien que pour ça, Pikinya! mérite le détour…

Note Finale

Technique – 7 /10

Très propre et coloré, Pikinya! ne craint pas grand-monde sur le plan technique. Les quelques personnages croisés sont originaux, les pingouins sont adorables, les décors sont beaux et l’animation n’est jamais à la peine.

Musique – 5 /10

Si les pingouins ne sont pas de grands mélomanes, leur soft se caractérise par des musiques très gaies qui distillent une ambiance des plus agréables.

Gameplay – 8 /10

Les concepts les plus simples sont souvent les meilleurs. Pikinya! ne déroge pas à la règle : on comprend ce qu’il faut faire en deux minutes chrono, et comme dans tous les puzzle game, la maniabilité est enfantine.

Durée de vie – 6 /10

Quasiment infinie en mode 2 joueurs. Pour une fois, le mode solo se décline lui aussi en différents modes de jeu plus ou moins intéressants, dont un mode Course qui vient apporter une pointe d’originalité.

Innovation – 6 /10

Le concept de Pikinya! est un croisement entre Puyo Puyo (former des groupes d’éléments) et Tetris (réussir des lignes horizontales), mais l’écrin dans lequel il est présenté est original.

En résumé
Très original, avec des modes de jeu intéressants, Pikinya! ne laissera pas les joueurs de glace.

6

Pikiii !

Infos Pratiques

Développé par Crea-Tech
Édité par ASCII
Sorti le 31.01.1997 (Japon)
Pas sorti aux USA
Pas sorti en Europe

puzzle game
1 à 2 joueurs
Cartouche de 16Mb
Sauvegarde sur la cartouche
Décliné aussi sur PSone (Pikinya! EX)

Plus Loin

Le character design de Pikinya! a été confié à Tamakichi Sakura (plus connu pour son travail sur le comics Super Mario Adventures). Bien qu’ASCII ait apparemment voulu en faire une véritable franchise, Pikinya! ne connaîtra pas de suite. En 1998, un Pikinya! EX est bien sorti au Japon, sur la PlayStation de Sony, mais avec le même gameplay et juste quelques cutscenes supplémentaires.

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L'article Pikinya! a été publié sur La Mémoire du Pad.

Recherche mascotte à tout prix, et plutôt deux fois qu’une… Non, ce n’est pas le titre d’un film, mais bien une partie de la stratégie de SunSoft au cours des années 90. On ne peut pas l’en blâmer : avoir dans son catalogue un petit héros facilement identifiable, ça n’a pas de prix, tant les retombées en terme d’image de marque et de ventes sont énormes.

Voulant singer Nintendo, Sega et quelques autres concurrents, et bien qu’il ait déjà sorti deux épisodes d’Aero The Acro-Bat, l’éditeur allait donc une nouvelle fois se pencher sur cette drôle d’équation, mais en oubliant peut-être un paramètre important : les joueurs ont toujours le dernier mot ! Ce sont eux qui sacrent ou rejettent une prétendue mascotte, et non son créateur. Vous aurez beau sortir des jeux pour mettre en avant votre petite protégée, si le public ne l’adopte pas, ce sera peine perdue… SunSoft allait l’apprendre à ses dépens, lui qui, après Aero, voulait imposer dans son écurie un deuxième petit héros aujourd’hui oublié : Zero.

Un écureuil, même mauvais, ça a du coeur

Peut-être pour ne pas trop déstabiliser les fans, Iguana (le développeur du titre) et SunSoft décidèrent de commun accord que le personnage central de ce nouveau jeu d’action / plate-forme ne serait pas un inconnu, mais bien l’écureuil Zero, bras droit d’Ektor, l’ennemi juré de la chauve-souris Aero dans les deux aventures précédemment sorties sur Super NES. C’est un raisonnement qui se tient : ils ont préféré jouer la sécurité et capitaliser sur la notoriété acquise auprès des joueurs. Contre toute attente, Zero The Kamikaze Squirrel prend donc la forme d’un “spin-off”, un de ces épisodes dérivés censés développer le scénario principal d’une série dans une autre direction. L’action du jeu se situerait apparemment au beau milieu du script d’Aero The Acro-Bat 2, mais je ne pourrais pas vous le confirmer pour l’instant, vu que je ne me suis pas encore attaqué à ce titre.

Les péripéties de l’ami Zero commencent par la réception d’un télégramme provenant de sa petite amie Amy. Elle l’informe qu’un sinistre individu au nom ridicule (Jacques Le sheets) est en train de détruire la forêt de leur enfance pour imprimer des tonnes de billets de banque. Bien déterminé à atteindre son objectif, cet odieux personnage n’hésite pas à utiliser la force pour écarter les gêneurs, et il retient d’ailleurs le père d’Amy en otage. Zero a à peine fini de lire le télégramme qu’il bondit déjà dans son avion pour rejoindre Amy, et ce, malgré les protestations de son “boss” Ektor (qui préfère que Zero se concentre sur la mise en oeuvre de ses plans machiavéliques). Mais alors qu’il vient juste d’arriver aux abords de son île natale, l’appareil de Zero est abattu aussi sec, et notre écureuil doit négocier un atterrissage forcé sur la plage.

Voici donc un scénario à la fibre écolo (“Sauvons la forêt !”), qui démarre plutôt bien, mais qui brille aussi… par une minceur à toute épreuve ! Mis à part cette introduction qui nous en apprend peu sur les différents personnages (pour ça, les fans d’Aero auront une petite longueur d’avance) et la courte séquence que l’on visionne à la fin du jeu, il n’y a en effet aucune transition scénaristique entre les différents niveaux. L’aventure que s’apprête à vivre l’ami Zero se résume en une simple succession de zones assez grandes (une plage, une caverne, l’intérieur d’un volcan, une forêt aux feuillages épais, des rapides, une usine aux multiples dangers…), inondées d’items en tout genre (voir ci-dessous), qui l’amèneront à se retrouver nez à nez avec Jacques Le sheets pour le mettre hors d’état de nuire et sauver les siens.

Un rongeur pas comme les autres

Si Zero est bel et bien un écureuil, il est loin d’afficher la nonchalance d’un Mr. Nutz très “cool dans ses baskets”. Dans le nom de notre héros à fourrure, il y a le mot “kamikaze”, et quand on voit son arsenal et sa dégaine, on se dit que ça lui va plutôt bien. On est loin du gentillet “lancer de noisettes” du héros d’Ocean ! En posant un genou à terre, Zero sort son nunchaku pour mater les ennemis proches de lui. Il peut aussi lancer des shurikens dans différentes directions (en diagonale, devant lui…). Disponibles en nombre limité, ces derniers permettent d’atteindre des ennemis éloignés et ainsi d’éviter tout contact physique, synonyme de perte de points de vie. Outre le saut, notre petit rongeur pourra aussi exécuter des acrobaties moins conventionnelles : un double saut (directement pompé de Sonic) au cours duquel il tourne sur lui-même et peut choper les ennemis se trouvant sur son chemin, un plongeon en direction du sol, un vol très bref dont la trajectoire a la forme d’un arc de cercle (ou de “u” si vous préférez) et des saltos vers la droite ou la gauche avec les touches L et R.

En sautant d’assez haut, notre écureuil est même capable de voler, mais c’est une technique plutôt difficile à réaliser. Si au début de l’aventure, on peut clairement s’en passer, par la suite, certains endroits du jeu nécessitent son utilisation, sous peine d’être carrément bloqué (ce qui me fait dire que le gameplay du titre, de ce point de vue, en prend un coup et est largement perfectible). Une autre “bizarrerie” du soft est la manière dont le double saut a été programmé. En fait, pour en tirer tout le potentiel et sauter bien haut, il faut appuyer très rapidement – à deux reprises donc – sur le bouton de saut. C’est moins grave et pénalisant que le vol difficilement réalisable, mais comme c’est le genre de subtilité que l’on ne découvre qu’au bout d’un moment, on a le temps de pester sur ces c?!!?!!! de plates-formes que l’on n’arrive pas toujours à atteindre.

Des jurons, on en pousse aussi quand on constate que, contrairement à ce que l’on pourrait penser, le soft met surtout l’accent sur la plate-forme, et pas vraiment sur la dimension action / combats. Du coup, les nombreux mouvements du petit rongeur, et notamment le double saut et le vol, trouvent surtout une réelle application dans les séquences où l’adresse est primordiale. À côté de ça, le soft fait aussi preuve d’une grosse tendance à la “collectionnite aigüe”, uniquement utile pour gonfler le score et rapporter des vies supplémentaires. Outre les grandes lettres “Z” qui redonnent de l’énergie au perso (avec un maximum de six lettres Z au compteur), on ne compte plus les mini-lettres Z, les glaces, les sucettes, les fruits qui sont présents en nombre dans tous les coins et recoins des niveaux.

Enfin, Zero The Kamikaze Squirrel ne serait pas un vrai représentant de la production 16 bits s’il ne proposait pas quelques caractéristiques assez uniques. Bon, il faut bien les chercher, mais elles existent quand même ! Dès le premier niveau, Zero pourra par exemple détacher des nacelles auxquelles deux ballons sont arrimés, et ainsi s’élever dans les airs à la recherche de bonus placés sur des petits nuages. Les palmiers de la plage lui serviront aussi de trampolines providentiels, passages obligés pour tutoyer les nuages et leurs items en tout genre. Des zones “bonus”, dont l’entrée n’est autre qu’une porte gonflable, sont aussi présentes. En sautant trois fois sur le soufflet qui se trouve juste à côté, la porte se gonfle et Zero peut l’emprunter pour aller faire sa récolte de bonus. Attention toutefois à ne pas trop gonfler la dite porte, au risque de la faire éclater et de perdre tout accès à la zone !

Autre point amusant : pour stresser un peu plus le joueur, dans certains niveaux, l’écran basculera subitement en mode “viseur”, signifiant que l’écureuil est pris pour cible par Jacques Le sheets. Une seule solution dans ce cas-là : prendre ses jambes à son coup en évitant les tirs jusqu’à ce que la situation se calme ! Côté ennemis, Zero croisera surtout des animaux (de gros crabes, des anguilles électriques, des oeufs qui marchent tout seuls…), quelques robots, quelques humains facétieux et une poignée de boss. On reconnait ces derniers facilement puisque ce sont les seuls à avoir une jauge d’énergie. On les affronte à plusieurs reprises et ils représentent un des grands dangers du jeu, avec les fameux passages ardus de plate-forme, car pour le reste, vaincre les “petits” ennemis s’apparente à une simple formalité. Un petit shuriken ou un coup de nunchaku dans la tronche et leur compte est réglé !

Deux niveaux, et le soufflé retombe

Quand on observe la construction du soft, on se dit qu’Iguana est un développeur futé ! Les premiers niveaux sur la plage débordent de couleurs et donnent vraiment envie d’aller plus loin, et puis… c’est un peu la désillusion. Non pas que la réalisation des niveaux suivants soit mauvaise, mais après un début en fanfare, on s’attend à mieux. Les environnements choisis ne sont pas très originaux, et les effets spéciaux se font rares (hormis les effets de transparence et de chaleur, bien intégrés, et les effets de lumière dans la caverne, au moment où des explosions se produisent). Zero The Kamikaze Squirrel ne peut compter sur un style “comico / BD” à la Earthworm Jim, mais son character design fait mieux que se défendre. Les animations sont fluides et rapides, notamment pour Zero qui peut évoluer en marchant, ou au contraire, en speedant à la manière de Sonic.

Cette dernière aptitude permet d’aborder le jeu de deux façons différentes : soit lentement (en prenant son temps, pour chercher un maximum d’items disséminés dans le niveau), soit rapidement (en déboulant comme un dératé). Dans ce second cas de figure, le soft pourra alors paraître un peu bancal, avec un rythme à chaque fois cassé quand Zero trouvera sur son chemin un ennemi ou que la configuration des lieux poussera à plus de prudence. Cette même configuration des lieux reflète en outre assez bien le caractère très plate-forme du soft, et en corollaire, sa difficulté progressive. Comme évoqué plus haut, ce sont rarement les ennemis qui posent problème, mais bien le fait de devoir trouver son chemin dans des niveaux assez vastes, avec ce que cela comprend de sauts précis à réaliser, de “lits de piques” à éviter et de passages de “mort subite” à franchir coûte que coûte (la lave, par exemple, ça vous grille un écureuil en deux secondes…).

Zero, c’est plus fort que toi !

Soft multi plates-formes, Zero The Kamikaze Squirrel est aussi sorti sur Mega Drive, dans une version au contenu identique mais à la réalisation technique sensiblement différente. En plaçant les deux jeux côte à côte, on constate que la version Mega Drive propose une résolution plus élevée, et donc, une image plus précise, avec des détails plus fins. Les couleurs sont bien choisies : elles placent le soft parmi les belles réalisations de la 16 bits noire, mais les nuances entre les couleurs sont plus marquées, moins subtiles que sur Super NES. Côté Nintendo, l’image est peut-être un poil moins détaillée, mais elle est nettement plus chaude. Palette de la console oblige, les couleurs sont plus vives, plus nombreuses, et les dégradés sont nettement plus naturels.

La version Super NES bénéficie aussi d’effets de transparence (absents de la version concurrente) et d’effets de chaleur très réussis. En terme d’animation et de gameplay, on notera aussi que, pour une fois, c’est la console de Nintendo qui est la plus à l’aise pour reproduire les nombreux mouvements du petit écureuil. Enfin, au rang des détails qui ne bouleverseront pas la vie du joueur, la Mega Drive peut s’enorgueillir de proposer un petit bout de scénario supplémentaire : on y apprend qu’Amy a, elle aussi, été capturée par Jacques Le sheets alors qu’elle tentait de sauver son écureuil de père. Voilà donc pourquoi à la fin du jeu (y compris sur Super NES), c’est Amy que Zero sauve à l’écran… Décidément, Sega, c’est plus fort que toi ! ^^;

Le mot de la fin

On peut comprendre la dynamique qui se cachait derrière la sortie de Zero The Kamikaze Squirrel (essayer de faire du petit héros une nouvelle mascotte, enrichir et développer l’univers d’Aero The Acro-Bat) sans pour autant y adhérer totalement. Et c’est là tout le noeud du problème : Zero a beau avoir une bouille sympa et quelques mouvements inédits, son soft est partagé entre idées intéressantes et recyclage d’éléments déjà vus dans d’autres jeux, à commencer par ceux du petit hérisson bleu de Sega, dont Iguana a repris l’attaque tournoyante et, dans une certaine mesure, la vitesse de déplacement. Dans ces conditions, on comprend un peu mieux pourquoi Zero, le si sympathique écureuil kamikaze, est tombé dans les oubliettes du jeu vidéo…

Note Finale

Technique – 7 /10

Zero profite intelligemment de la Super NES : couleurs vives et nombreuses, beaux dégradés, quelques effets spéciaux (transparence, chaleur). Les animations figurent aussi parmi les points forts du titre.

Musique – 6 /10

La qualité des arrangements n’est pas spécialement pauvre, mais les sonorités utilisées (toujours les mêmes) donnent un côté répétitif à l’ensemble. Les bruitages sont bons, mais étouffés.

Gameplay – 5 /10

Zero répond au quart de tour et se déplace sans anicroche. Dommage, dès lors, qu’une technique comme le vol soit si dure à sortir, bloquant le joueur dans sa progression.

Durée de vie – 7 /10

La difficulté du soft est progressive, mais certains passages ne font pas dans la dentelle (“mort subite”, obligation d’utiliser le vol plané…).

Innovation – 5 /10

Zero n’a pas la carrure d’une vraie mascotte. L’écureuil a bien un ou deux coups inédits dans sa besace, mais il repompe aussi pas mal sur la concurrence, Sonic en tête.

En résumé
Zero rate son rendez-vous avec la célébrité. La faute à des idées déjà vues ailleurs…

6

Honnête

Infos Pratiques

Développé par Iguana Entertainment
Édité par SunSoft
Pas sorti au Japon
Sorti en 11.1994 (USA)
Sorti le 30.03.1995 (Europe)

action / plate-forme
1 seul joueur
Cartouche de 16Mb
Pas de sauvegarde
Existe aussi sur Mega Drive

Encore + d’images

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L'article Zero The Kamikaze Squirrel a été publié sur La Mémoire du Pad.

Sur Super NES, les FPS (ou “jeux de tir subjectifs” en bon français) sont vaillamment représentés par deux titres : Wolfenstein 3D et son célèbre petit frère Doom ! Bref, un choix énorme (c’est ironique)…

C’est à la fois peu et beaucoup : peu, parce que la console de Nintendo ne nous a jamais habitués à un si petit choix dans un genre bien précis, mais beaucoup, si on tient compte du fait que, vu les capacités de la machine, un développeur a quand même pris le risque de sortir un FPS sur une 16 bits. Au début des années 90, ce type de jeu a commencé à attirer les foules sur PC, et donc sur des machines qui étaient à la pointe de la technologie. Comment dès lors transposer de tels softs sur une console de salon comme la Super NES, en limitant au maximum les dégâts ? Pour Wolfenstein 3D, c’est Imagineer qui a dû trouver une réponse à cette épineuse question, et son interprétation du hit d’Id Software est pour le moins… surprenante.

Un précurseur qui joue avec le feu

Historiquement, Wolfenstein 3D n’est pas à proprement parler le tout premier FPS à avoir vu le jour sur PC, mais c’est par contre le premier jeu de ce type à avoir recueilli un très large succès auprès des joueurs, balisant la voie du succès pour un certain Doom, qui allait sortir un an et demi plus tard, toujours chez le même développeur : Id Software. L’idée même d’un tel soft est venue de John Romero. Pour le background de son jeu, l’homme s’est inspiré de Castle Wolfenstein, sorti dans les années 80, où un soldat US, enfermé dans un château grouillant de nazis, devait tout faire pour sauver sa peau et trouver la sortie. Ce choix était culotté, car avec son action violente, ses croix gammées et autres représentations d’Hitler, Wolfenstein 3D sentait assurément le soufre et la polémique.

Ce contexte “sensible” a néanmoins eu le mérite de faire parler du jeu, que ce soit en bien auprès des joueurs, ou en mal auprès de ses détracteurs qui, erronément, y voyaient une apologie du nazisme. Ce débat mis à part, le succès fut tel que différents portages sont sortis en ordre dispersé, illustrant presque à chaque fois l’impossibilité de reproduire l’oeuvre originale, à l’identique, sur une console de l’époque. Les impératifs techniques étant ce qu’ils étaient, on eut droit à des modifications sonores, visuelles, ou de contenu (dans la construction des niveaux notamment). Plus folklorique encore : certains portages ont été développés à l’arrache, à partir d’autres portages du jeu (c’était le cas pour les versions destinées à la Jaguar d’Atari et au Mac, qui ont été réalisées à partir de la version Super NES).

Nintendo s’invite à la fête mais pose ses conditions

Un peu schyzo, Nintendo voulait lui aussi profiter du succès grandissant de Wolfenstein 3D (ça se comprend…) mais, vous vous en doutez, sans la brutalité et le gore qui allaient de pair avec le titre ! La version Super NES fut donc mise en chantier, mais avec son lot de censures et de coupes franches, un des sports favoris de Big N. Et la liste est longue : les signes nazis et les représentations du Führer ont été modifiées, le sang a perdu sa couleur rouge pour devenir de la sueur (!), certains boss ont été remplacés et ils n’explosent plus en lambeaux de chair, les squelettes ont disparus des geôles du château, les chiens d’attaque sont devenus de gros rats mutants (histoire de ne pas choquer les défenseurs des animaux…), etc. Avec toutes ces altérations, la version Super NES fut considérée par bon nombre de joueurs comme la plus éloignée du jeu original, et de facto, comme la moins intéressante.

Perfectionniste, Nintendo est même parvenu à bricoler le scénario de telle manière qu’il ne fasse plus aucune référence à la seconde Guerre Mondiale, période la plus sombre de notre Histoire moderne. Ainsi, dans ce Wolfenstein 3D Super NES, le dictateur Staatmeister a chargé un scientifique d’élaborer une potion capable de donner l’immortalité à celui qui la boit. Mais un accident, suivi d’une explosion énorme, tue toutes les personnes présentes dans le vaste château qui faisait office de labo. La fameuse potion se répand alors dans tout le bâtiment, faisant revivre les victimes ! On ne parle donc pas des nazis, ni même de l’Allemagne, et en plus, le joueur ne tue plus personne, puisque tous les soldats croisés dans les couloirs du château ne sont en fait que des zombies, des individus déjà morts qui ont juste été ramenés à la vie par la potion ! Un joli tour de passe-passe, non ?

Exploration, fusillades… mais point de suspense

Dans la peau du soldat William “B.J.” Blazkowicz, vous voilà donc en route, en solo, pour visiter les coins et recoins d’un château peuplé essentiellement de soldats et de boss lourdement armés. L’infiltration “à la Metal Gear Solid” n’est pas vraiment à l’ordre du jour. Dans Wolfenstein 3D, il faudra surtout dégommer à tout va, et dans le même temps, dénicher tout un tas de choses : des passages secrets, des objets de valeur, des clés pour ouvrir certaines portes, des items de soins, de nouvelles armes, des caisses de munitions pour pouvoir continuer à tirer comme un dératé… Dans cette mouture Super NES, le soft propose d’ailleurs une palette de “joujoux” plus étendue que sur PC, avec notamment le simple pistolet, la mitraillette, la sulfateuse, le lance-roquettes et le lance flammes. Votre puissance de feu est donc considérable, et elle sera votre meilleure alliée pour descendre les ennemis qui vous sauteront dessus.

Surprise : l’I.A. de ces derniers est plutôt bonne. Ils se déplacent volontiers vers vous (toujours de face, c’est la conception technique du jeu qui veut cela) et il leur arrive même d’ouvrir les portes s’ils entendent le moindre bruit. De votre côté, le constat est moins rose. Si on ne déplore aucun ralentissement ou temps de latence dans les différentes actions possibles, il faudra obligatoirement un petit temps d’adaptation pour vous habituer aux déplacements rapides du personnage. Les déplacements latéraux gauche / droite, très utiles en pleine fusillade, sont quant à eux carrément laborieux. De même, côté déception, si l’aspect “exploration” est bien présent tout au long du jeu, avec de nombreux niveaux de taille plutôt conséquente, on ne peut pas en dire autant de la surprise et du suspense. Vous passerez votre temps à ouvrir des portes, et derrière celles-ci, vous trouverez quasi systématiquement quelques soldats adverses qui vous attendent de pied ferme.

Foire aux pixels

Pour juger de la qualité visuelle d’un tel jeu, on pourrait soit se borner à le comparer à la version PC (une démarche plutôt stérile, puisque l’on connait déjà le vainqueur du duel avant même de commencer), soit décrire objectivement ce que l’on a sous les yeux, et constater ce que les développeurs sont parvenus à faire avec les faibles ressources de la console. Malheureusement, dans un cas comme dans l’autre, le constat est sans appel : Wolfenstein 3D n’est vraiment pas à son avantage sur notre chère Super NES. La faible résolution de la console, largement suffisante pour afficher de la belle 2D classique, est à la ramasse quand il s’agit d’afficher un semblant de 3D. Ça pixellise grave, à un point tel que de loin, on confond systématiquement éléments du décor et sprites des ennemis. Petite astuce : si vous remarquez des pixels qui bougent dans le fond du décor, c’est que ce sont probablement des ennemis !

Les couloirs et les nombreuses pièces du château se ressemblent tous, avec des teintes unicolores (pour le sol et le plafond) et quelques textures peu nombreuses (pour les murs) qui tentent de suggérer différentes ambiances… sans grand succès. Heureusement qu’une carte a été prévue pour s’orienter ! Le soft, dans son ensemble, dégage une grande impression de vide, et pas seulement pour le joueur qui connait déjà la version PC : les rares éléments de déco (tableaux, tables, armures, jarres…) sont archi basiques dans leur dessin et sont répétés du début à la fin du jeu. Les ennemis ne sont pas plus variés. Hormis les quelques boss, on croise de simples soldats de couleur brune, des gardes style SS un peu plus costauds, des gradés blancs qui se déplacent rapidement tout en tirant, des zombies, des rats… et c’est à peu près tout. On notera quand même un bon point : la progressivité de la difficulté, que ce soit au travers des ennemis (de plus en plus forts au fur et à mesure que l’on avance dans le jeu) ou de manière plus globale, dans la construction des niveaux.

Même en mode “facile”, la partie est de plus en plus exigeante, avec des boss qui nécessiteront à la fois stratégie et gestion parcimonieuse des munitions. Il faut parvenir à les atteindre sans se faire toucher, composer avec la maniabilité quelque peu boîteuse du jeu, et tomber sur quelques items de soin pour espérer survivre. Par nécessité, le soft se défait du schéma en épisodes de la version PC pour proposer 28 niveaux bien construits, et en tout cas, plus facilement “gérables” par la console. Si les graphismes peinent à plonger le joueur dans une ambiance guerrière (la faute au dénuement visuel du titre, mais aussi, quoiqu’en pense Nintendo, à l’absence de sang…), les musiques ne s’en tirent pas trop mal, avec des sonorités très martiales qui collent bien au jeu, même si elles ont un rendu très étouffé.

On observe le même souci de rendu pour les trois pauvres digits vocales répertoriées dans le jeu. Les simples soldats aboient le plus souvent ce que l’on soupçonne être un “Stop !” ou un “Halt !”. Quant aux boss, ils vous accueillent avec un menaçant “Comin’ for ya !” (en anglais dans le texte). Les bruitages ne font guère mieux : sans méchanceté gratuite, je dirais même qu’ils se distinguent par leur médiocrité. Les déflagrations produites par vos armes sont du genre “pourries” (un comble pour un FPS où, par définition, on entend que cela durant toute la partie), et les effets sonores censés illustrer une porte qui s’ouvre ou un soldat qui s’écroule lourdement au sol ne font pas mieux en terme de réalisme…

Le mot de la fin

En démarrant ce test de Wolfenstein 3D, je doutais sérieusement de l’efficacité d’un tel FPS sur Super NES, et malheureusement, mes craintes se sont confirmées. Même si tout n’est pas à jeter dans cette adaptation, ses points faibles la rattrapent rapidement. Le fond même du jeu est bon : les développeurs ont fait ce qu’ils pouvaient avec les moyens du bord, le challenge est relevé et les différents niveaux sont bien construits. Mais son apparence pâtit fortement des limites imposées par la Super NES. En clair, même si on est séduit par la mécanique “exploration / gun fight” propre au soft, Wolfenstein 3D pique les yeux au point de les faire pleurer, et ses couloirs sont encore plus vides et tristes que ceux d’un hôpital. Doom fait peut-être mieux sur Super NES (nous jugerons sur pièce dans un prochain test), mais pour l’heure, Wolfenstein 3D ne m’a pas séduit…

Note Finale

Technique – 3 /10

Le jeu est fluide et les temps de latence sont inexistants, mais tout ceci se fait au prix d’un dénuement quasi total au niveau des graphismes (que ce soit pour les décors, les ennemis ou les autres items du jeu).

Musique – 4 /10

L’ambiance martiale est de rigueur et cadre bien avec le thème du jeu. Dommage que les morceaux, tout comme les digits vocales, aient un rendu si étouffés. Les bruitages sont ratés et manquent de réalisme.

Gameplay – 7 /10

Qui dit FPS dit visuel particulier. On voit juste le canon de son arme, mais les déplacements se font rapidement. Le souci vient des déplacements latéraux, laborieux et pourtant utiles dans les gun fight.

Durée de vie – 8 /10

Les 28 niveaux présents dans cette version Super NES assurent une durée de vie conséquente à Wolfenstein 3D. Si vous accrochez au concept, vous pourrez tuer quelques heures en sa compagnie.

Innovation – 8 /10

C’est par lui que le succès des FPS s’est largement répandu sur PC. En arrivant avec la même formule sur Super NES, Wolfenstein 3D jouit donc d’une sacrée réputation… à défaut de réellement amuser.

En résumé
Les limites techniques imposées par la Super NES font littéralement couler cette adaptation pour le moins osée.

5

Moyen

Infos Pratiques

Développé par Imagineer
Édité par Imagineer
Sorti le 10.02.1994 (Japon)
Sorti en 03.1994 (USA)
Sorti en 1994 (Europe)

FPS / jeu de tir subjectif
1 seul joueur
Cartouche de 8Mb
Sauvegarde par mots de passe
Existe aussi sur PC, GBA, 3DO, Jaguar…

Encore + d’images

L'article Wolfenstein 3D a été publié sur La Mémoire du Pad.

Capcom… shoot’em up… shoot’em up… Capcom… J’ai beau essayer de combiner ces deux mots dans tous les sens, je n’y arrive pas ! Pour moi, le développeur d’Osaka est surtout synonyme de baston (avec, en point d’orgue, un Street Fighter Alpha 2 qui transcende la Super NES), d’action / plate-forme d’anthologie (avec Super Ghouls ‘n Ghosts) ou même de bon vieux RPG des familles (avec Breath of Fire II).

Avec autant de hits à son actif, Capcom est donc un véritable “performer”, mais en y réfléchissant bien, une telle réussite a peut-être aussi un petit effet pervers : elle empêche certains de ses jeux, de moindre importance mais tout aussi bons, de marquer durablement les esprits. Ce raisonnement vaut ce qu’il vaut, mais c’est en tout cas le seul qui me soit venu à l’esprit pour expliquer le fait qu’à l’époque, je suis totalement passé à côté d’Area 88 (mieux connu en Europe sous le titre U.N. Squadron), un shoot’em up qui est un peu à la Super NES ce que la mayonnaise est aux frites… Pas essentiel, mais indiscutablement bon !

On ne se refait pas

C’est quasiment un réflexe. Pour fournir à la 16 bits de Nintendo un de ses premiers shoot’em up, Capcom est allé puiser dans son catalogue “arcade” et en a ressorti une borne un peu particulière datant de 1989 : Area 88. Contrairement aux réalisations passées du développeur, qui étaient des shoot’ verticaux (1942, 1943 The Battle of Midway), il s’agissait cette fois d’un jeu de tir horizontal qui, en plus, puisait son inspiration dans un manga de Kaoru Shintani, avec pour conséquence directe un “total look” peu courant pour ce type de production. Mais l’analogie avec l’oeuvre “papier” n’allait cependant pas plus loin : si Area 88 brillait en surface, en bon shoot’em up, il sonnait creux en terme de scénario. Le jeu prenait même une direction diamétralement opposée à celle du manga, vu que ce dernier mettait surtout en avant l’aversion du héros pour la guerre, et non les affrontements aériens. Mais soit… On ne pouvait pas non plus demander à Capcom de faire un jeu sans dog fights !

Côté scénario, arcade ou console, même combat ! Tout juste sait-on que le jeune pilote Shin Kazawa a été enrôlé contre son gré par un “ami” qui ne lui veut pas que du bien. Pour acheter sa liberté, il va devoir enchaîner des missions aériennes dangereuses mais ô combien rémunératrices. Le voilà donc au service du gouvernement d’Asran, avec un boulot de mercenaire qui l’amènera à protéger Area 88, sa base, et à combattre les forces rebelles qui cherchent à s’emparer du pouvoir. Dans ses aventures, Shin sera accompagné par deux autres acolytes pilotes (Mickey Simon et Greg Gates) qui pourront aussi être sélectionnés par le joueur. Mais mis à part nos trois pilotes, McCoy qui tient la boutique des armes spéciales (voir plus bas) et Saki Vashutai qui vous “briffe” avant chaque mission, aucun autre perso du manga ne trouve une place dans le jeu.

L’original de la bande

Avec une teneur en extra-terrestres de 0%, Area 88 se veut réaliste, avec avions de combat, tanks et tout le tintouin, et non pas réel (si vous croisez certaines machines ou certains boss IRL, faites-moi signe…). Mais ce n’est pas le seul point qui le différencie du reste de la production shoot’em up.

Déjà, chose très rare dans ce type de soft, le joueur dispose d’une jauge d’énergie qui va diminuer au gré des dommages subis par son avion. Quand l’appareil est touché une première fois, la jauge est remplacée par le mot “danger” qui clignote quelques longues secondes. S’il est de nouveau touché pendant ce laps de temps, il se désintègre alors illico. Par contre, si le joueur parvient à slalomer entre les ennemis et leurs tirs, les extincteurs automatiques de son avion entrent en action et la jauge d’énergie réapparait, mais avec un niveau moindre. Fort logiquement, ce principe ne fonctionnera qu’un temps, et au bout d’un moment, à force d’être touché, l’avion deviendra totalement vulnérable ! Le mot “danger” clignotera en permanence et la moindre touchette fera exploser l’appareil.

Seconde originalité du jeu, et probablement la plus marquante : le système d’équipement et d’armement de l’avion. Mercenaire oblige, le pilote est rémunéré en cash, avec de bons vieux dollars, et les sommes accumulées vont servir à acheter différents modèles d’avions et des armes spéciales. Le soft propose six appareils : le premier vous est gracieusement offert (un F8E Crusader), mais les cinq autres devront être achetés. Chaque appareil possède son lot d’avantages et d’inconvénients. Le E14D Tomcat sera par exemple idéal pour les combats “air-air” (uniquement aériens), alors que l’A-10 Thunderbolt II conviendra mieux pour viser des cibles au sol. Suivant la même logique mercantile, le petit tour dans la boutique des armes spéciales sera un passage obligé avant de partir en mission.

Accueilli à bras ouverts par le vieux McCoy, les articles proposés vont dépendre de l’avion sélectionné juste avant. On y trouve un peu de tout, de la classique bombe larguée par le dessous de l’appareil au Mega Crush (la super bombe du jeu, qui fait tomber une pluie de laser sur tout l’écran), en passant par le Cluster (un cercle explosif qui part du centre de l’avion pour nettoyer son périmètre proche), le Thunder Laser, le Gunpod (un tir supplémentaire, orienté à 45°), le Napalm… Outre le fait qu’elles soient payantes, toutes ces armes ont deux autres points communs : en cours de mission, on ne peut les utiliser qu’un nombre limité de fois, et on peut encore moins les upgrader. Mais alors, comment augmenter la puissance de feu de notre avion ? Eh bien, c’est tout simple : en “upgradant” son tir conventionnel !

Pour cela, il faut collecter les points “Pow” colorés laissés par les ennemis en cours de mission. Le vert donne un point, le bleu deux points, et le jaune quatre points. Quand vous avez suffisamment de points, votre tir monte d’un niveau et devient plus puissant. Que vous optiez pour le tir en rafale (il n’y a pas de tir “auto” illimité dans le jeu) ou le tir au coup par coup, vous pourrez donc, assez rapidement, faire parler la poudre. En marge des points “Pow”, d’autres items à choper sont aussi présents : certains vont rebooster la jauge d’énergie, d’autres vont redonner des munitions aux armes spéciales embarquées, d’autres encore vont rapporter du cash… Mine de rien, Area 88 a donc aussi un côté très tactique, avec différents choix qui vont directement influencer le cours de la partie : le choix du pilote en tout début de partie (en gardant à l’esprit que Shin est le perso qui “monte” le plus vite en terme de puissance de feu, que Mickey peut transporter plus de munitions pour les armes spéciales, et que Greg est le plus résistant des trois), le choix de l’avion, le choix des armes embarquées… et même le choix des missions !

Le soft laisse en effet une quasi liberté totale en terme de progression. Sur une carte générale animée montrant les déplacements des unités ennemies, le joueur peut choisir lui-même l’unité à affronter, en respectant toutefois son rayon d’action. De ce choix dépendra la nature de la mission (air, terre, mer) ainsi que les ennemis qui se mettront en travers de sa route (avions de chasse, bombardiers, hélicos, tanks, DCA, destroyers, sous-marins, etc.). Mais si le soft se boucle bien en dix missions dont on peut choisir l’ordre, n’allez cependant pas croire qu’Area 88 est un shoot’ facile : trois niveaux de difficulté pourront être choisis (et même un quatrième, par cheat code), mais même en “easy”, il faut s’armer de courage pour parvenir au bout de la cartouche.

Pas bête, et avec une belle “gueule” en plus !

Si le jeu de Capcom est un des premiers shoot’ à avoir atterri sur Super NES, il le cache bien ! Ses graphismes sont franchement beaux, colorés de manière harmonieuse, avec des tons chauds, et les natures très différentes des missions permettent au joueur d’admirer des environnements à chaque fois bien distincts. Les scrollings différentiels entre arrière-plan et avant-plan donnent quant à eux un joli effet de perspective, et seuls quelques ralentissements prononcés enrayent cette belle mécanique (quand l’écran est trop encombré par les ennemis et les tirs, ce qui arrive assez souvent). Le boulot effectué au niveau des sprites saute aux yeux, non seulement pour les six avions du joueur, mais également pour les différents ennemis, bien typés en fonction des missions, et pour les boss, grands et plutôt impressionnants.

Ce quasi sans-faute visuel est complété par une bande-son que l’on qualifiera de convaincante. Les musiques suggèrent des ambiances différentes, de manière efficace et sans jamais être pompantes. En fait, une bonne partie des morceaux provient directement de la borne d’arcade originale, mais ils ont été réécrits pour la Super NES. Le joueur qui a “pratiqué” la borne en son temps trouvera peut-être le rendu sonore de cette version moins bon et moins percutant, mais c’est le bagage technique de la 16 bits qui veut cela. Et puis franchement, entre l’action intense et les nombreux bruitages qui claquent bien comme il faut, peu de joueurs trouveront quelque chose à redire sur l’ambiance distillée par le soft, d’autant plus que côté contenu, cette version Super NES n’est pas un simple portage de la borne, auquel on aurait volontairement retiré quelques éléments en invoquant des contraintes d’ordre technique. Pour une fois, ce n’est pas le cas !

Area 88 a bien subi des modifications, mais uniquement dans le but d’adapter le gameplay aux aspirations du public console, et avec même quelques ajouts par rapport à la version arcade. Les éléments les plus marquants sont la palette d’avions plus large sur console (en arcade, chaque pilote avait un avion attitré, point barre) et les armes plus nombreuses. D’autres font partie des modifications habituelles quand un soft passe de l’arcade à une console de salon : le joueur reçoit trois vies (contre une seule en arcade) et il peut en gagner d’autres au cours de la partie. De même, trois “continue” sont prévus pour rendre l’expérience moins abrupte. Des missions “bonus” ont aussi été intégrées sous la forme de convois verts, sélectionnables sur la carte générale. Toutes identiques, elles consistent à détruire un convoi ennemi au sol, en un temps limité. La somme rondelette de 20 000$ est alors octroyée en cas de réussite.

Plus accessoire : les fans de la borne remarqueront probablement que certains niveaux ne sont pas les mêmes, que d’autres ont été modifiés. La même observation pourra être faite du côté des boss : certains ont été remplacés, alors que d’autres ont vu leurs schémas d’attaque modifiés. Ces changements sont plutôt bénéfiques, puisqu’ils éviteront aux fans de se retaper le même jeu à l’identique, sur Super NES. En fin de compte, le point le plus dommageable de cette version console est l’absence de mode 2 joueurs. Les ralentissements observés en cours de partie plaident en faveur de Capcom (on n’ose à peine imaginer la “cata” si la console avait dû gérer deux avions en simultané, plus les tirs qui vont avec), mais une simple alternance entre joueurs était-elle vraiment impossible à mettre en place ? Je ne pense pas…

Le mot de la fin

Généralement, quand un soft tombe dans l’oubli, quelques parties suffisent pour comprendre le “pourquoi du comment” : de gros défauts dans le gameplay, une réalisation médiocre, ou tout bêtement une carrière commerciale en demi-teinte… Or, pour Area 88, il est objectivement difficile d’expliquer ce manque de reconnaissance. Le soft peut compter sur une bonne réalisation, une “gueule” facilement identifiable, une dimension stratégique plutôt inédite et une bonne replay value. À mes yeux, ses seuls défauts sont l’absence d’un mode 2 joueurs, ainsi qu’un rythme en dents de scie, causé par la nécessité d’amasser du cash. Je ne vous l’avais pas encore dit, mais c’est limite un cercle vicieux : pour avoir de meilleurs avions, les missions bonus (peu excitantes) sont un passage obligé. Mais mis à part ça, le bilan est positif pour Area 88, et vous auriez tort de passer à côté de ce shoot’em up dépaysant, fut-il réalisé par Capcom, le “roi des jeux de baston”…

Note Finale

Technique – 7 /10

Les tons chauds des graphismes flattent la rétine, et les scrollings différentiels apportent une touche classe à l’ensemble. Seul point noir : des ralentissements quand les sprites inondent l’écran.

Musique – 6 /10

Des morceaux venus en droite ligne de la borne d’arcade, mais réécrits pour la Super NES. Le rendu est moins percutant, mais l’ambiance distillée par les compos est préservée.

Gameplay – 8 /10

Il faut s’habituer au tir en rafale, mais pour le reste, c’est tout bon : un bouton pour le tir, un autre pour sélectionner l’arme spéciale et un troisième pour l’utiliser. C’est tout !

Durée de vie – 8 /10

Area 88 bénéficie d’une replay value importante : les choix opérés par le joueur (pilote, avion, armes, missions) ont une influence directe sur la difficulté et le parcours menant au générique de fin.

Innovation – 7 /10

Capcom étonne, et c’est tant mieux ! On s’attend à jouer à un simple shoot’ qui va nous mener par le bout du nez, et voilà qu’on se retrouve à devoir presque tout gérer.

En résumé
Capcom sait – aussi – faire de très bon shoot’em up. La preuve avec Area 88.

8

Excellent

Infos Pratiques

Développé par Capcom
Édité par Capcom
Sorti le 26.07.1991 (Japon)
Sorti en 09.1991 (USA) (*)
Sorti le 10.12.1992 (Europe) (*)

shoot’em up horizontal
1 seul joueur
Cartouche de 8Mb
Pas de sauvegarde
Existe aussi en arcade

(*) en Occident, le jeu est sorti sous le titre “U.N. Squadron”

Encore + d’images

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L'article Area 88 a été publié sur La Mémoire du Pad.

Ce serait vous mentir que de vous dire que je suis un fan inconditionnel de Spider-Man, car si j’ai beaucoup apprécié la trilogie de Sam Raimi au cinéma, je n’ai jamais ressenti l’envie d’aller plus loin dans la découverte des aventures de l’homme-araignée et de lire ses “comic books”. Vierge de tout préjugé, je me suis donc lancé dans ce test pour simplement m’amuser avec un bon beat’em all, et pas pour revivre à tout prix les aventures du héros de Marvel. À vous de me dire si j’ai raison ou tort, mais je vois plutôt cela comme un avantage, gage d’une certaine objectivité.

Pour vous aider à y voir plus clair, la Super NES a en fait accueilli plusieurs jeux avec l’ami “Spidey” : Spider-Man / X-Men : Arcade’s Revenge en 1992, Spider-Man & Venom : Maximum Carnage en 1994, The Amazing Spider-Man : Lethal Foes en 1995 (au Japon uniquement), Spider-Man & Venom : Separation Anxiety fin 1995 (la suite de Maximum Carnage) et enfin Marvel Super Heroes : War of the Gems en 1996 (un jeu à part, puisqu’il reprend différents super-héros, dont Spider-Man). Ces titres sont loin d’être tous des hits. Ils tournent autour de la triplette magique “action / plate-forme / baston”, et à moins d’être un gamer US biberonné aux comics depuis la petite enfance, il y a peu de chances qu’ils figurent dans votre liste des meilleurs jeux Super NES de tous les temps. Je ne vous blâme pas (c’est également mon cas), mais vous commencez à me connaître : pour moi, ce n’est pas une raison suffisante pour ne pas en faire un test !

Une bande de cinglés dans la nature

Empruntant le même chemin que The Death and Return of Superman, Spider-Man & Venom : Maximum Carnage est un jeu un peu spécial puisqu’il n’est pas tiré du comic book principal de Spider-Man, mais bien d’un “story-arc”, c’est-à-dire d’une mini-série dérivée qui, dans le cas présent, est considérée par beaucoup comme une des plus ambitieuses et des plus violentes jamais produite par Marvel. Contrairement aux nombreux beat’em all reposant sur un scénario insipide, incolore et inodore, le jeu développé par Software Creations a donc déjà le mérite d’avoir les reins solides en terme de narration, avec notamment, entre chaque stage, des planches tirées du comic book original. Dans Maximum Carnage, tout commence par une évasion : celle de Cletus Kasady, un serial killer interné au Ravencroft Asylum.

Autrefois enfermé avec Venom, son corps a assimilé un symbiote rouge (un parasite alien qui a besoin de son hôte pour survivre et qui se nourrit d’adrénaline). Une fois blessé, Cletus est depuis lors capable de revêtir un costume “vivant” et de se transformer en Carnage. Après avoir massacré ses gardes sous le regard approbateur de Shriek (une “admiratrice” frappa-dingue enfermée au même endroit), ils s’enfuient tous deux et vont recruter d’autres “super-vilains” pour fonder une “famille”, conformément au schéma mental tordu imaginé par Cletus, conséquence directe de l’enfance traumatisante qu’il a vécue… Doppelganger (le double maléfique de Spider-Man), Demogoblin (le Bouffon Noir) et Carrion se joignent alors rapidement à eux et ensemble, ils fondent sur les rues de New-York pour une virée particulièrement meurtrière. La menace est cette fois trop grande pour un seul super-héros, et Spider-Man va devoir s’allier à Venom (qui se sent responsable de l’existence et des actes de Carnage), mais aussi à Captain America, Iron Fist, Black Cat, Cloak, Dagger, Morbius, Deathlok, The Living Vampire et Firestar.

Spidey a un très bon crochet du gauche

Avec une telle ribambelle de noms, vous vous dites certainement : “Cool, on va pouvoir jouer avec tous ces persos !”. Eh bien, désolé de briser vos rêves, mais il n’en est rien. Si vous allez effectivement pouvoir déambuler dans les rues mal fréquentées de la Grosse Pomme, vous ne le ferez qu’en compagnie de Spider-Man ou de Venom. Les autres super-héros sont bien présents dans le jeu, mais seulement sous la forme d’une aide ponctuelle s’apparentant au déclenchement d’une “super attaque”. Il vous faudra donc trouver les items correspondants pour pouvoir les faire intervenir. Comme souvent dans les beat’em all, on évolue dans Spider-Man & Venom : Maximum Carnage de la gauche vers la droite de l’écran avec, par moment, des retours en arrière qui sont plus un moyen “bon marché” pour rallonger les stages qu’une réelle trouvaille de gameplay.

Homme-araignée oblige, la possibilité est laissée au joueur, dans la plupart des stages, de grimper le long des murs. Mais dans la pratique, seul le second stage est réellement construit autour de cette faculté. Spidey a beau être un super-héros, il n’a pas non plus à sa disposition une panoplie de coups très impressionnante : le saut, le coup de poing (dont la répétition débouche sur une petite combo), la possibilité d’agripper un ennemi (pour ensuite le bastonner ou le projeter), le coup spécial (en appuyant simultanément sur les boutons “coup de poing” et “saut”, mais avec une petite perte d’énergie) et le “dash” sont ses principales actions. Un peu plus original, notre homme-araignée peut aussi utiliser, à volonté, un fil qui lui permet de se balancer (pratique pour passer rapidement d’un coin à l’autre de l’écran), de ligoter ses ennemis ou de se constituer un bouclier capable d’encaisser les coups.

Dans l’ensemble, en terme d’actions possibles, le soft ne fait donc ni mieux ni moins bien que le reste de la production Super NES. Et pour tout vous avouer, après avoir tenté quelques fois d’utiliser le fil d’araignée (que ce soit pour immobiliser les ennemis, essayer de les attraper de loin, ou même simplement se balancer), assez rapidement, on en revient quasi exclusivement au coup de poing et au saut. Les ennemis sont vifs et on perd bien trop de temps – et d’énergie – à vouloir se la jouer “super-héros” : une succession de coups de poing bien placés conclue par une petite combo, y’a que ça de vrai pour leur remettre les idées en place ! Le fil d’araignée est surtout utile pour dénicher quelques items cachés (items permettant d’appeler les autres super-héros, vies, coeurs d’énergie…) et en fin de compte, on ne l’utilise donc que très ponctuellement.

Amateur du comic book, ce jeu est pour toi

Surtout plantés en milieu urbain, les décors du jeu diffusent une atmosphère allant du sombre au plus lumineux, avec cependant quelques constantes : un trait simple, limite “grossier”, des couleurs relativement peu nombreuses… pour un rendu visuel très “comic book”. Cet aspect est encore renforcé par l’affichage d’onomatopées quand certains enchaînements de coups sont réussis, mais aussi et surtout, comme je vous le disais, par la présence, entre les stages, de planches semi-animées carrément tirées du comic book. Spider-Man & Venom : Maximum Carnage est, à ma connaissance, un des seuls jeux Super NES qui affiche aussi ouvertement sa filiation avec l’oeuvre dont il est tiré, et c’est plutôt une réussite. D’habitude, pour une telle adaptation, les développeurs se concentrent sur la partie “jeu vidéo” et passent sous silence des pans entiers du récit original, au risque de mécontenter et les fans, et les joueurs… Ici, ce n’est pas le cas, et c’est tant mieux.

La taille retenue pour les sprites est plutôt grande, mais le character design est inégal : Spider-Man, Venom, les autres super-héros et les quelques boss sont bien dessinés et détaillés, alors que les autres ennemis sont peu variés et très quelconques (on affronte quasiment les mêmes loubards et les mêmes filles excitées du début à la fin du jeu, seuls leurs vêtements changeant de couleurs). Pour les animations, les développeurs ont semble-t-il suivi la même logique : des animations plutôt bonnes pour les deux super-héros, mais un “laisser-aller” évident pour les différents sbires auxquels il manque clairement des étapes d’animation. S’il ne peut donc compter sur une réalisation au-delà de tout soupçon, le soft se rattrape cependant par les sensations qu’il procure. L’action est nerveuse et la maniabilité est bonne, avec des coups qui sortent facilement. On sent aussi très bien les différences entre Spidey et Venom, ce dernier frappant de manière plus bestiale et plus puissante, mais aussi un poil plus lente.

Alors que les vagues d’ennemis se succèdent, ces derniers font preuve d’une I.A. pas si conne, puisqu’ils essaient toujours de prendre votre perso en sandwich. Et affronter les boss n’est pas plus reposant, vu qu’ils ont la mauvaise idée d’attaquer en groupe. En gros, on en affronte un seul au tout début du jeu, puis ils prennent pour habitude de venir en bande et de vous harceler à plusieurs… Du coup, l’expédition punitive de Spider-Man et Venom est loin d’être une promenade de santé, avec une difficulté bien perceptible qui, tel un boomerang, vous revient en travers de la tronche et vous ramène à la dure réalité. Oui, Spider-Man & Venom : Maximum Carnage est difficile, et non, vous ne pourrez pas contourner le problème en vous rabattant sur le mode 2 joueurs. Pourquoi ? Tout simplement parce qu’il n’y en a pas ! D’ailleurs, le soft n’a même pas de menu Options, c’est dire… Un an après le Batman Returns de Konami qui commettait la même bévue, Software Creations était-il trop fainéant pour implanter un simple mode 2 joueurs dans son jeu ? Apparemment oui.

On ne peut pourtant pas parler de contraintes techniques : le soft est sorti en 1994, et Separation Anxiety, la suite de Maximum Carnage, sortira un an plus tard avec un beau mode 2 joueurs (et un scénario aux abonnés absents, mais ça, c’est une autre histoire)… Enfin, si les musiques du jeu n’ont rien d’enthousiasmant, elles ne constituent pas pour autant son talon d’Achille. Chose peu courante, la B.O. a été fournie par un vrai groupe de rock (Green Jelly), et le thème principal du jeu, que l’on peut entendre dès l’écran-titre, est même un des singles du groupe (on le retrouve sur l’album “333”, sorti en 1994). Contrairement à la très grande majorité des jeux, possibilité nous est donc donnée de comparer les musiques du jeu avec l’enregistrement original en qualité CD, et force est de reconnaître que si l’énergie des morceaux est bien retranscrite, la qualité audio est mise à mal par leur passage sur 16 bits. Ce qui, en soi, n’est pas vraiment une surprise…

Le mot de la fin

Si Spider-Man & Venom : Maximum Carnage semble bénéficier d’une bonne cote de popularité auprès des joueurs ricains (l’amour des comics, la nostalgie, tout ça…), le problème se pose différemment pour le joueur européen qui, lui, n’a pas forcément autant d’affinités avec l’univers Marvel et qui, en plus, peut s’éclater sur des titres nettement plus ambitieux et mieux finis. Avec son absence de mode 2 joueurs et une difficulté bien réelle, le soft se pose un peu comme le beat’em all du “oui, mais…” : des cutscenes réussies mais aussi des graphismes “in game” en-dessous des standards de la Super NES, une bonne maniabilité mais des coups très basiques, vus et revus dans d’autres jeux… Pour faire court, on dira que Marvel remplit sa part du contrat (la scénarisation), mais que Software Creations se prend quelque peu les pieds dans le tapis, avec un jeu qui amusera le fan, mais pas nécessairement le joueur lambda…

Note Finale

Technique – 6 /10

Les gènes “comic book” sont évidents. On aime ou pas, mais le rendu est propre, avec des traits relativement simples et des couleurs peu nombreuses. Des animations plus travaillées n’auraient pas fait de mal au soft.

Musique – 5 /10

Bien qu’imaginée par un vrai groupe de rock, la B.O. n’a rien de super enthousiasmant : le rythme est là et accompagne bien l’action, mais il n’y a pas de quoi réveiller le rockeur qui sommeille en vous.

Gameplay – 7 /10

Super simple d’accès, le titre propose une panoplie de coups basiques et quelques très petites originalités (fil d’araignée qui sert à se balancer, à choper des ennemis…).

Durée de vie – 8 /10

Maximum Carnage est du genre coriace. Pas moyen de régler la difficulté (parce que pas de menu Options !), des continue rares à trouver dans les stages et des ennemis impitoyables.

Innovation – 5 /10

À part le scénario mis en avant de fort jolie manière, et le fil d’araignée aux applications multiples, je cherche encore… Sans les deux points que je viens de citer, Maximum Carnage serait un beat’em all tout ce qu’il y a de plus générique…

En résumé
Perfectible sur bien des points, Spider-Man & Venom Maximum Carnage se destine avant tout aux amateurs de comics.

6

Oui, mais…

Infos Pratiques

Développé par Software Creations
Édité par Acclaim
Pas sorti au Japon
Sorti en 09.1994 (USA) (*)
Sorti le 24.11.1994 (Europe)

beat’em all
1 seul joueur
Cartouche de 16Mb
Pas de sauvegarde
Existe aussi sur Mega Drive

(*) pour les USA, le jeu a été édité par LJN

Voir aussi, dans le genre super-héros

Batman Returns
The Adventures of Batman & Robin
The Death and Return of Superman
X-Men : Mutant Apocalypse

Plus Loin

Petite excentricité de la part d’Ocean : les cartouches de la première fournée du jeu étaient de couleur rouge, alors que les exemplaires produits par la suite reprendront le look gris “habituel” que nous connaissons tous. Une démarche similaire sera observée avec la version du jeu destinée à la Mega Drive de Sega.

Encore + d’images

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L'article Spider-Man & Venom : Maximum Carnage a été publié sur La Mémoire du Pad.

Vous n’en avez peut-être pas l’impression, mais avec tous les tests que je publie régulièrement sur la Mémoire du Pad, il m’arrive à moi aussi d’être en panne d’inspiration ! Si si, je vous jure ! Quand je n’ai pas le gros coup de coeur pour un jeu ou quelques idées autour desquelles je pourrais faire mon test, je peux rester plus d’une bonne semaine sans écrire une seule ligne…

C’est dans un de ces moments de doute et d’absence totale d’inspiration que j’ai appelé Mannschaft à la rescousse. Toujours de bon conseil, il m’a alors suggéré un petit jeu d’action / RPG de la Super Famicom : Holy Umbrella. Intéressant mais totalement en japonais, le titre avait heureusement fait l’objet d’une très bonne traduction anglaise par le groupe Aeon Genesis, ce qui est toujours un gros avantage quand on veut se lancer dans un soft où le récit occupe une place importante. Tout content, je tenais donc mon idée de test, et en moins de temps qu’il n’en faut pour le dire, j’étais en route pour Margence, un monde imaginaire où des parapluies, accessoires ordinaires par excellence, occupent une place des plus importantes…

Garçon, prends ton parapluie ! Il va pleuvoir !

Voilà une recommandation pleine de sagesse que le petit héros anonyme d’Holy Umbrella aurait dû suivre. Anonyme ? Pas vraiment. Plus exactement, au début de l’aventure, vous pouvez lui donner le nom que vous voulez (perso, je l’ai baptisé Kenshi), à l’image de ce qui se fait dans de nombreux RPG (un parallèle pas si anodin, vous comprendrez mieux en lisant la suite du test…). Notre petit bonhomme est un écolier tout ce qu’il y a de plus normal qui, après avoir roupillé bossé dur pendant de longues heures sur les bancs de son lycée, retourne tranquillement chez lui. Et alors que le ciel est d’un bleu éclatant, de gros nuages noirs apparaissent tout à coup et la pluie commence à tomber. Notre petit héros pique alors un sprint pour éviter d’être trempé, et trouve par hasard, au sol, un parapluie jaune. Manque de bol : le fameux parapluie est magique et à peine l’a-t-il pris en main que voilà notre écolier transporté dans un autre monde qui n’a pas grand-chose à voir avec le Japon du 20ème siècle !

En plus de lui être totalement inconnu, le lieu est hostile : un énorme robot à l’allure de tank veut d’entrée de jeu lui faire la peau, et il ne devra son salut qu’à l’intervention de Kilorn, un vieil homme accompagné de Bonto, un oiseau qui parle ! Une petite conversation avec ce duo improbable lui en apprendra davantage sur sa situation. En s’emparant du parapluie, il a été transporté dans un autre monde, Margence, et plus précisément, au coeur du royaume de Thurgical. Cette région est actuellement attaquée par Dondera, un empereur maléfique efféminé qui tente d’asseoir son pouvoir avec l’aide de ses sbires, dont notamment le Dondera Tank dont il vient de faire la connaissance. S’il veut un jour retourner dans son Japon natal, il ne pourra le faire qu’avec l’aide de la princesse du coin, la seule personne ayant apparemment le pouvoir de le ramener chez lui. Le gros “hic”, dans toute cette histoire, c’est que Dondera a considérablement affaibli les pouvoirs de la souveraine, et notre jeune héros devra d’abord supprimer l’empereur récalcitrant avant d’envisager un retour au bercail. On dirait bien qu’une aventure périlleuse se profile à l’horizon…

Un action / RPG rigolo ?

Earthly Soft, le développeur d’Holy Umbrella, a tenté de combiner deux genres bien distincts : son titre a l’ADN d’un jeu d’action / plate-forme, auquel on aurait greffé une bonne grosse couche de RPG. Pour bénéficier du meilleur des deux mondes ? Il y a un peu de ça dans la démarche, avec d’un côté, en vue de profil, des niveaux peuplés d’ennemis et des combats contre des boss (une bonne moitié du jeu), et de l’autre, l’exploration de villes et villages peuplés de personnages non joueurs parmi lesquels on trouvera de précieux “informateurs”, que ce soit pour faire avancer le scénario, ou pour en apprendre plus sur les quelques trésors cachés. Déambuler dans les villes sera aussi l’occasion de fouiller un peu partout, y compris, tel un petit Arsène Lupin, à l’intérieur des nombreuses habitations (armoires et WC compris !), pour mettre la main sur quelques Seville (la monnaie locale) ou sur des items utiles (comme, par exemple, des orbes qui permettent d’augmenter les capacités du perso…).

Comme dans tout bon RPG, on y trouve aussi, à chaque fois, une auberge où il fait bon passer la nuit pour récupérer de l’énergie et sauvegarder sa partie. Et juste à côté, un marchand sera toujours prompt à vous refiler quelques objets moyennant paiement. Sur toute cette partie RPG du jeu, on ne peut s’empêcher de relever une grosse influence du Zelda de Nintendo. La vie du perso est symbolisée par des coeurs dont le nombre ira crescendo si on trouve les bons items, et l’inventaire est réduit à sa plus simple expression (sélection des différents parapluies – voir plus bas -, contenu du “sac” du héros pour choisir l’objet spécial à équiper…). Dans le même ordre d’idée, le marchand vendra principalement des potions (rouge pour récupérer toute la vie, orange pour en récupérer seulement une partie, bleue pour soigner tous les états, verte pour guérir du poison) à condition d’avoir des fioles vides pour pouvoir y verser les différents liquides.

Au cours de l’aventure, on met aussi la main sur de nombreux items et power-up : d’indispensables parapluies aux propriétés basées sur les éléments (feu, eau, foudre…) qui sont enfermés dans des coffres au sein des différentes églises du royaume, différentes broches qui étendent les possibilités d’action du perso (planer avec le parapluie, sauter plus haut, courir, s’agripper aux parois…), ou encore de rares objets à utiliser pour faire avancer l’histoire. Il n’y a pas grand-chose à dire de plus sur cet aspect RPG d’Holy Umbrella, si ce n’est un humour typiquement japonais qui d’une part, est très bien retranscrit par la traduction d’Aeon Genesis et qui, d’autre part, est souligné par un traitement graphique pas si courant. Chaque dialogue important (qu’il intervienne dans une phase RPG ou action) est accompagné de nombreuses vignettes représentant les interlocuteurs, et le résultat est marrant.

Il est fréquent que les persos adoptent des expressions typiquement manga / anime, dont notamment un décrochement de mâchoire démesuré et spectaculaire pour le héros, histoire de bien souligner sa stupéfaction. Ça donne une toute autre dimension aux dialogues, que l’on suit avec attention. Tout le contraire d’autres jeux donc, où les phases de parlotte sont particulièrement pelantes… On évolue dans Thurgical comme dans tout RPG, via une carte du royaume composée de quelques villes et villages, mais surtout de niveaux d’action. Dans ces derniers, on dirige notre écolier, mais aussi d’autres persos, dont essentiellement Bonto (l’oiseau bleu qui cause, croisé dès le début de l’aventure) et Saki (dont on fait la connaissance un peu plus tard, au Mystery Village).

Une équipe très polyvalente

Outre le fait de récupérer différents parapluies de plus en plus puissants, cette multiplicité de persos jouables est l’autre pièce maîtresse mise en avant par le développeur, et elle se traduit dans le jeu par un “switch” immédiat entre les persos, via L ou R ! En fonction de la topographie des lieux ou des boss à affronter, il faudra faire appel à leurs capacités respectives. Le héros peut par exemple planer dans les airs à l’aide de son parapluie et s’accrocher à des anneaux présents dans certains niveaux. En volant, Bonto peut faire une sorte de double saut, et sa petite taille lui permet de se faufiler dans des passages très étroits. Quant à Saki, son truc à elle, ce sont les glissades et les sauts successifs le long de parois à la verticale. L’idée du “switch” entre persos est très bonne : elle représente une des grandes forces d’Holy Umbrella… mais aussi une de ses faiblesses, dans le sens où l’utilisation de tel ou tel perso est beaucoup trop évidente.

Des plates-formes trop éloignées ? Le héros se fera un plaisir de courir, sauter, puis planer tout en douceur. Un mur un peu trop haut ? Le double saut de Bonto fera l’affaire, etc. En fait, on peut même dire que ces phases d’action ne sont que le reflet du caractère très “dirigiste” du soft : dans Holy Umbrella, on ne perd jamais son chemin et chaque nouvelle étape de l’aventure est signalée sur la carte par un point rouge clignotant ! Et tant qu’on y est, puisqu’on évoque les points faibles du titre, parlons aussi de son manque de souplesse lors de certains sauts (il n’est pas du tout évident de trouver le bon timing quand on doit se balancer avec le parapluie et les fameux anneaux) et de son “respawn” carrément abusé (si vous revenez légèrement en arrière, les ennemis réapparaissent aussi sec). La combinaison de ces deux points est assez redoutable : quand on rate un saut et que l’on retombe en contrebas, on se retrouve nez à nez avec des ennemis que l’on avait déjà trucidé une dizaine de secondes auparavant…

Pour sûr, il assure !

Un rapide coup d’oeil sur la boîte du jeu nous indique qu’il est sorti en 1995. On ne s’étonnera donc pas de trouver, dans Holy Umbrella, des graphismes assez pointus, lumineux et colorés. L’originalité est au rendez-vous (un écolier pour héros et des parapluies pour armes, ça aide…) et l’influence manga / anime “transpire” d’un peu partout. On la retrouve dans les dialogues, mais aussi dans le character design et les différentes mimiques comico-délirantes des personnages imaginés par Tatsuya Egawa et Hirofumi Yamamoto. C’est peut-être une question de goût, mais je ne trouve pas les animations aussi abouties. Dans les niveaux d’action / plate-forme, à certains moments, on a l’impression que les mouvements des persos ne sont pas suffisamment décomposés, et dans les villes, tous les protagonistes sont frappés du syndrome “je marche tout en glissant sur le sol”.

C’est assez perturbant au début (après, on n’y fait plus trop attention). Autre élément assez cocasse : dans les villes, les personnages continuent à marcher sur place alors qu’ils sont en train de discuter ! Musicalement, les fans de RPG nippons ne seront pas trop dépaysés, ni même bousculés dans leurs habitudes. Hisashi Matsushita, le compositeur à qui l’on doit les différents morceaux, n’a pas joué les têtes brûlées. Les mélodies sont pêchues et la plupart du temps agréables, mais elles ne se distinguent malheureusement pas par leur beauté exceptionnelle ou leur grande originalité. Sans toucher le fond, niveau musiques, on est donc loin de la maestria musicale de titres comme Secret of Mana ou Final Fantasy VI.

Le mot de la fin

La très bonne traduction d’Aeon Genesis permet de profiter d’Holy Umbrella dans les meilleures conditions, et c’est tant mieux. Non pas que le jeu soit complètement injouable en japonais, mais avancer dans un titre aux forts relents de RPG quand on ne pipe pas un seul mot de l’histoire, c’est plutôt frustrant. D’autant plus qu’ici, il  y a une dimension “humour” bien présente. La proposition du duo Earthly Soft / Naxat Soft est en tout cas intéressante et débouche sur un jeu plus teinté action / plate-forme que RPG, mais avec une vraie histoire dedans ! En compagnie de Bonto, Saki et les autres, on ne voit pas passer la petite dizaine d’heures nécessaire pour boucler l’aventure, en appréciant les qualités du titre (sa formule originale, sa réalisation de qualité, son humour qui fait mouche) mais aussi en étant conscient de ses défauts, comme sa trop grande linéarité ou son respawn exagéré.

Note Finale

Technique – 6 /10

Thurgical est un royaume accueillant, aux environnements variés et plein de couleurs. Si le character design est une franche réussite, l’animation marque un peu le pas.

Musique – 5 /10

Les musiques d’Holy Umbrella ont une couleur très RPG. La plupart du temps agréables et pleines de vie, elles n’ont cependant rien de très original ou d’exceptionnel.

Gameplay – 7 /10

Diriger votre équipe ne vous causera aucun souci, sauf quand le petit héros doit se balancer en s’accrochant à un anneau avec son parapluie. Le “respawn” des ennemis est du genre exagéré.

Durée de vie – 5 /10

Une petite dizaine d’heures pour boucler l’ensemble de l’aventure, c’est plutôt honnête. Une bonne partie de la durée de vie est en fait tuée par le caractère très dirigiste et linéaire du soft.

Innovation – 6 /10

Si la forme du jeu ne peut éviter certains pièges, son fond est original et s’écarte des standards habituels : un écolier transporté dans un autre monde, des parapluies aux pouvoirs différents, etc.

En résumé
La combinaison humour, action/plate-forme et éléments RPG fonctionne à merveille.

7

Bon

Infos Pratiques

Développé par Earthly Soft
Édité par Naxat Soft
Sorti le 29.09.1995 (Japon)
Pas sorti aux USA
Pas sorti en Europe

action / RPG
1 seul joueur
Cartouche de 32Mb
Sauvegarde sur la cartouche
Existe sur rien d’autre

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La plupart des joueurs le savent : la Super NES ne compte pas, dans son catalogue, des tonnes de jeux violents ou aux thèmes bien sombres, essentiellement à cause de Nintendo lui-même et de sa politique qui consiste à ne proposer que des softs pouvant convenir à tous les âges.

Cependant, il y a une chose que beaucoup ignorent : il existe bel et bien, sur Super NES, un jeu très “dark”, dans la veine de Sweet Home sur Famicom (un jeu de Capcom, apprécié des joueurs nippons, qui a ouvert la voie à de futurs titres “horreur” du développeur, dont un certain Resident Evil). Son nom ? Rapurasu no Ma, un RPG que ses concepteurs qualifient de “Psychic Horror RPG”. Souvent appelé “Laplace no Ma”, “Demon of Laplace”, “Laplace’s Demon”, ou encore “Diable De Laplace”, il puise son inspiration dans la théorie de l’univers énoncée par Pierre-Simon Laplace, mais aussi – beaucoup – dans l’oeuvre de l’écrivain H.P. Lovecraft. Ajoutez ici et là un peu de ce pourquoi le Japon est connu (comme une jeune fille mignonne tirée d’un anime), et vous avez les bases d’un jeu qui pourrait donner quelque chose de génial, ou au contraire, quelque chose d’horriblement “cliché”.

Meurtres en huit clos

Toute l’action de Rapurasu no Ma se déroule en 1924, à Newcam, une petite ville fictive située dans la banlieue de Boston, aux États-Unis. Son nom est en fait dérivé d’Arkham, une autre ville fictive imaginée par… H.P. Lovecraft. Votre mission consiste, en quelques mots, à résoudre des affaires de meurtres et de personnes disparues afin de gagner progressivement en célébrité. Votre destination ? Le manoir hanté “Weathertop”. Il n’y a qu’un élément en travers de votre route… l’inconnu. Et la seule chose que vous savez avec certitude, c’est qu’un homme du nom de Benedict Weathertop pourrait bien être impliqué dans ces troublantes intrigues. Le jeu touche autant au domaine scientifique qu’au monde du surnaturel, mais il ne faut pas oublier qu’il s’agit bien d’un jeu, et non d’un livre.

Il y a donc de nombreux facteurs à prendre en considération, et avant même d’aller plus loin, on peut légitimement se poser une question : “Rapurasu no Ma vaut-il la peine d’être parcouru, ou au contraire, le fait d’y jouer est-il synonyme de perte de temps ?” Pour être franc, dans ses meilleurs moments, Rapurasu no Ma est supportable… mais malheureusement, dans les pires, c’est un peu, de manière imagée, comme une tumeur maligne qui doit être enlevée au plus vite avant qu’elle ne détruise la si fragile vie humaine. Est-ce, d’entrée de jeu, un constat sévère ? Bien sûr, mais soyons honnêtes : dans un monde où le temps est précieux, notre but à nous, les testeurs, c’est aussi de vous rendre la vie un peu plus facile en vous indiquant à quel jeu vous devriez jouer en priorité. Et c’est ce que nous faisons… Bon, maintenant que nous en avons fini avec la présentation générale du soft, analysons ensemble ce qu’il vaut.

Après la surprise…

La première chose que vous remarquerez en vous lançant dans l’aventure, c’est la possibilité qui vous est laissée d’incarner, au choix, un personnage masculin un brin sévère ou une jeune fille à l’air plutôt naïf. Vous déterminez ensuite la classe de votre personnage parmi les possibilités suivantes, peu courantes pour un RPG : détective, journaliste, scientifique, médium, ou dilettante. Sans surprise, les capacités du perso dépendront avant tout de sa classe, et au cours du jeu, vous devrez aussi veiller à bien choisir les autres personnages qui se joindront à l’aventure, histoire de constituer une équipe bien équilibrée. La ville de Newcam et ses différents lieux vous serviront de point d’ancrage, et lorsque vous serez fin prêt, vous pourrez partir explorer le fameux manoir “Weathertop”.

Si vous ne l’avez pas encore deviné, l’un des points forts de Rapurasu no Ma réside dans ses possibilités de personnalisation des personnages, et les fans de Wizardry ou The Bard’s Tale devraient donc être très à l’aise avec cet aspect du jeu. Il y a bien sûr quelques différences importantes entre les classes disponibles : le journaliste sera capable de prendre des photos des ennemis et de vendre ses clichés par la suite, le scientifique pourra utiliser toutes sortes d’outils… Pourtant, malgré la présence de classes peu courantes, une fois que l’effet de la nouveauté s’estompe, ces personnages ne sont pas spécialement différents ou plus intéressants que ceux des dizaines de RPG qui ont précédé Rapurasu no Ma, et le manque flagrant de développement de ces mêmes personnages ajoute l’insulte à l’injure.

Bouh ! Même pas peur…

Visuellement, le soft n’a d’ailleurs rien d’exceptionnel. Le faible nombre de lieux donne rapidement une impression de redondance, encore amplifiée par la répétition des décors et le manque d’imagination des développeurs. Les combats ne sont pas particulièrement éblouissants, la faute à des ennemis pas très détaillés et peu originaux. Globalement, les graphismes sont donc peu impressionnants, même si le jeu restitue plutôt bien l’ambiance particulière des différents endroits-clés, dont notamment le fameux manoir. Ce dernier point poussera peut-être les fans de Sweet Home ou de Clock Tower à apprécier d’avantage les différents environnements. Allez savoir… Quand un jeu met l’accent sur son appartenance à la famille “horreur”, la chose dont il a le plus besoin, ce ne sont pas forcément des graphismes superbes, mais bien des bruitages et des musiques qui jouent subtilement sur l’ambiance ressentie par le joueur.

Malheureusement, Rapurasu no Ma propose une bande-son que l’on pourrait qualifier de “moche” et répétitive : les musiques ne sont nullement effrayantes (même avec le renfort des bruitages) et elles s’ajoutent aux dialogues sans saveur, aux environnements fades et au manque d’ambiance… Oui, on peut entendre dans le jeu une porte s’ouvrir et se fermer, tout comme on a droit à différents effets sonores qui, soit dit en passant, n’illustrent pas de façon appropriée ce qui se passe à l’endroit où l’on se trouve… Pour tout ça, je dis “Big whoop”. Bien que quelques morceaux soient acceptables, la bande-son, prise dans son ensemble, est vraiment très moyenne. Quand elle est réussie, une bande-son apporte beaucoup à un jeu d’horreur : j’ai donc été d’autant plus déçu en constatant que la partie audio de Rapurasu no Ma était complètement passée à côté de son objectif.

Pour les joueurs qui adorent souffrir

Pour terminer, nous avons le gameplay, qui est une autre source de frustration. Ici, il ne faut pas en vouloir à l’éditeur Vic Tokai, mais plutôt à Humming Bird Soft. C’est ce studio qui a développé le jeu, et je connais quelques-uns de leurs autres titres, dont notamment Record of Lodoss War sur PC Engine. Qu’est-ce que ce jeu peut bien avoir en commun avec Rapurasu no Ma ? En fait, pas mal de choses : de nombreuses quêtes annexes sans intérêt, un système de leveling pitoyable, beaucoup d’aller-retour inutiles, des combats obligatoires et sans grandes rétributions… Ironiquement, je n’avais sans doute pas suffisamment retenu la leçon qu’Humming Bird Soft avait voulu me donner avec Record of Lodoss War : j’ai donc cherché un autre jeu de ces mêmes développeurs, ce qui m’a permis de réaliser qu’ils avaient vraiment un don pour punir les joueurs non-avertis… un peu comme le ferait une dominatrice avec sa proie.

Les ennemis du jeu peuvent se montrer très vicieux si on n’est pas suffisamment préparé, et les affronter dans des combats au rythme lent est une vraie corvée. Une fois votre malheureux ennemi à terre, vous êtes récompensé avec quelques misérables points d’expérience… Hourra ! On se dit que ce n’est pas si mal, jusqu’au moment où on se rend compte qu’il ne s’agit pas des points obtenus par chaque perso, mais bien par tout le groupe. Donc, faisons le calcul : presque rien divisé par deux, trois ou quatre égal… presque rien divisé par deux, trois ou quatre. Le fun est également absent quand les combats sont trafiqués par des ennemis qui essaient constamment d’éviter vos attaques. Dès lors, comment augmente-t-on le niveau des persos ? Eh bien… avec les quêtes annexes !

Alors que normalement, en toute logique, vous ne devriez pas avoir à faire les différentes quêtes annexes pour augmenter le niveau d’expérience de votre équipe, dans Rapurasu no Ma, c’est tout le contraire ! Les quêtes annexes sont quasiment le seul moyen rationnel d’y parvenir (sans tricher). Si le titre récupère pas mal de – bons – éléments que l’on retrouvait dans Record of Lodoss War, il faut bien admettre que les quêtes en question sont, ici, un peu plus gratifiantes et intéressantes que dans le jeu PC Engine : elles ne se résument pas uniquement à tuer directement tel personnage, ou à chercher tel personnage puis à le tuer sans autre forme de procès. Mais mis à part ça, le soft est quand même moyen en terme de gameplay.

Le mot de la fin

Rapurasu no Ma est gâché par une présentation assez terne, une bande-son sans relief, une intrigue quelconque (qui s’améliore un peu quand on progresse dans le jeu), un gameplay taillé pour les joueurs sadiques et des quêtes annexes qui ne sont pas réellement des quêtes annexes (vu qu’elles représentent le seul chemin à emprunter pour réellement progresser dans le jeu…). En gros, vous serez chanceux si votre équipe atteint le niveau six à la fin du jeu (et pour être honnête, il n’y a pas moyen d’aller beaucoup plus haut). Rapurasu no Ma n’est pas non plus le jeu à conseiller si vous êtes à la recherche d’un soft qui pourrait vous donner la frousse… Vous savez, une bonne grosse frayeur. Ce n’est pas le Sweet Home de la Super NES : du début à la fin, c’est juste un “horror-RPG” quelconque… ce qui, finalement, correspond assez bien à ce que ses développeurs nous avaient annoncé sur la boîte du jeu.

Note Finale

Technique – 5 /10

Rapurasu no Ma est peu impressionnant : répétition des décors, combats peu éblouissants avec des ennemis pas très détaillés. Seule l’ambiance des lieux-clés est plutôt bien rendue…

Musique – 4 /10

La bande-son est à côté de la plaque : à part quelques morceaux, les musiques ne sont nullement effrayantes, même avec les bruitages en renfort…

Gameplay – 5 /10

Le titre se réserve aux joueurs qui aiment souffrir : combats et progression du niveau d’expérience très lents, passage obligé par les quêtes annexes…

Durée de vie – 5 /10

A condition de tenir bon jusqu’à la fin du jeu (cf gameplay), Rapurasu no Ma promet une durée de vie dans la moyenne.

Innovation – 5 /10

Au début, on se dit que Rapurasu no Ma fait dans l’originalité : ambiance sombre, inspiration H.P. Lovecraft, classes originales des persos… Mais quand la nouveauté s’estompe, les gros défauts du jeu remontent vite à la surface.

En résumé
Un horror-RPG qui ne fait pas peur et dont les mécaniques sont exagérément vicieuses… pour le pauvre joueur.

5

Moyen

Infos Pratiques

Développé par Humming Bird Soft
Édité par Vic Tokai
Sorti le 14.07.1995 (Japon) SHVC-ADLJ
Pas sorti aux USA
Pas sorti en Europe

RPG
1 seul joueur
Cartouche de 16Mb
Sauvegarde sur la cartouche
Existe sur rien d’autre

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Acteur historique du marché de l’arcade, Data East a vite compris que le succès grandissant des consoles n’était pas une menace, mais bien une opportunité à saisir pour diffuser ses jeux à plus grande échelle. Logique, cette prise de conscience n’avait rien de visionnaire (Capcom, Konami, Taito et les autres grands noms du jeu vidéo japonais suivront la même voie), mais elle permit de faire le lien entre un marché déjà bien développé (l’arcade) et un autre en pleine explosion (le jeu sur consoles).

Comme ses pairs, Data East allait donc s’appliquer à recycler, sous forme de cartouche, quelques-unes de ses bornes, dont un certain Fighter’s History. Naïvement, je ne soupçonnais pas le développeur d’avoir un jour sorti un jeu de baston boxant dans la même catégorie que Street Fighter II. Et en fait, c’est même pire que cela : Fighter’s History s’est tellement “inspiré” du hit de Capcom que Data East a été traîné devant les tribunaux pour plagiat. Au cours du procès qui suivi, ses avocats ont signé un “hadoken” juridique assez mémorable qui, à la surprise générale, laissera Capcom sur la touche (en gros, ils ont réussi à démontrer que le jeu avait pour origine Karate Champ, une vieille borne de Data East sortie en 1984, et non Street Fighter II apparu bien après). Mais du côté des joueurs, le mal était fait et Fighter’s History était devenu une curiosité : “le jeu qui copiait le hit de Capcom”…

Présomption d’innocence

Dans les séries policières, on aime bien nous répéter qu’un suspect est présumé innocent tant qu’on a pas apporté la preuve de sa culpabilité. Pour ce test, je vais donc enfiler mon imper de Columbo et essayer de m’en tenir aux faits, histoire de ne pas directement taxer Data East de vil copieur (ce qui, vous le verrez, est très difficile, mais soit…) ! Et déjà, ça commence plutôt mal, puisque le point de départ de Fighter’s History est, je vous le donne en mille… un célèbre tournoi international d’arts martiaux ! Il est organisé tous les ans par un énigmatique personnage que l’on surnomme “K” et qui a pris pour habitude de remporter à chaque fois son propre tournoi. Malgré cela, les combattants les plus forts et les plus prestigieux de la planète font à chaque fois le déplacement pour se mesurer les uns aux autres. Certains cherchent la gloire et la reconnaissance, alors que d’autres visent uniquement la fortune.

Cette année, neuf experts “es-torgnoles” ont rempli leur bulletin d’inscription, et ils sont d’horizons plutôt divers : Mc Dougal (un détective venu de Los Angeles qui est présenté comme le perso principal du jeu), Makoto Mizoguchi (un lycéen délinquant originaire d’Osaka), Liu Feilin (une actrice chinoise dont le coup de poing est du genre meurtrier), Ryoko Kano (une lycéenne japonaise qui, depuis l’âge de trois ans, pratique le judo avec son grand-père), Matlok Jade (un guitariste punk rock à la recherche d’une guitare légendaire), Samchay (un combattant d’origine thaïlandaise), Lee Diendou (un maître chinois qui participe au tournoi pour démasquer le meurtrier de son père), Jean (un gymnaste français venu aux arts martiaux pour parfaire sa force et sa grâce dans l’exercice de sa discipline), et enfin Marstorius (un catcheur professionnel, originaire d’Italie, qui a quarante balais passés).

Troublantes similitudes

Selon le schéma habituel, si ils parviennent à se défaire de leurs huit adversaires, ils devront ensuite en découdre avec deux boss. (*) Le premier est Clown, un adversaire qui, comme son nom le laisse supposer, appartient à un cirque. Face à lui, la rigolade ne sera pourtant pas de mise puisque le gaillard adore prendre son adversaire pour un ballon et, un peu comme Gambit dans X-Men Mutant Apocalypse, s’applique à lui jeter des cartes à la tête. Le second et déjà dernier boss du jeu est l’organisateur du tournoi en personne, Mister K… qui, en fait, n’est autre que Karnov, un personnage que l’on retrouve notamment dans un autre jeu Data East du même nom. Si ce survol rapide ne permet pas de tirer de grandes conclusions sur le casting du jeu, quelques parties suffisent cependant pour comprendre ce qui a poussé Capcom au procès.

En effet, que ce soit au niveau des illustrations entre les combats, de la morphologie des combattants, de leurs coups et autres prises, ou encore de la manière dont le jeu se prend en main, les similitudes avec Street Fighter II sont pour le moins troublantes, sinon flagrantes. Karnov, petit et trapu, se prend pour Dhalsim et transforme son adversaire en torche humaine. Marstorius est quasiment un clone de Zangieff qui, comme son modèle, ceinture son adversaire par l’arrière pour le plaquer au sol. Samchay, grand kick-boxeur thaï et cousin éloigné de Sagat, n’a pas son pareil pour envoyer des coups de pied dans la tronche. Ryoko, la judoka, est quasiment un clone de Ryu, en version fille. Quant à Jean, il incarne un mix entre Guile et le très efféminé Vega… Je m’arrête là, mais vous avez compris l’idée. Pour qui connaît un peu le jeu de Capcom, il faut vraiment être aveugle ou de mauvaise foi pour affirmer que Street Fighter II n’a pas fortement déteint sur Fighter’s History.

(*) Contrairement à la version arcade, cette cartouche Super NES permet de jouer avec les deux boss du jeu, à condition de rentrer le code suivant quand on est sur l’écran-titre : droite, droite, haut, haut, L, R.

Une grosse originalité… et pas une de plus

En cherchant bien, on peut cependant mettre le doigt sur la petite originalité de Fighter’s History : le système de “points faibles”… Mais c’est bien la seule. Chaque personnage du jeu possède un point faible qui varie d’un combattant à l’autre. C’est toujours un vêtement ou un accessoire vestimentaire (un bandana, une ceinture, une veste, un masque…). En frappant à plusieurs reprises le point faible de l’adversaire, l’accessoire qui le représente se met à clignoter, pour finalement tomber au sol. C’est à ce moment précis qu’il faut agir : l’adversaire est sonné et vulnérable pendant un très court instant. Tout ceci ne peut se produire qu’une fois par manche : il faudra donc en profiter pour assener un coup qui fait bien mal. En extrapolant un peu, les fans de Capcom verront dans ce système de points faibles le même principe que celui de la griffe d’acier de Vega, et ils n’auront pas tort.

Mais il faut cependant reconnaître que, dans Fighter’s History, les points faibles s’appliquent à tous les persos et qu’ils ont une incidence bien réelle dans le gameplay. Enfin, si le parallèle entre Fighter’s History et le jeu de Capcom est inévitable, c’est aussi en grande partie à cause des sensations qu’il procure une fois le pad en main. L’attribution des boutons est quasiment similaire à celle de Street Fighter II, avec trois boutons dédiés aux coups de poing et trois boutons dédiés aux coups de pied. Chacun de ces deux coups est disponible en trois niveaux de puissance (coup léger, coup moyen, coup fort) et des coups spéciaux style projection ou lancement de boules d’énergie sortent aussi si on triture croix directionnelle et boutons. Pour peu qu’on ait pratiqué la série de Capcom, on retrouve donc très vite ses marques (ce qui est plutôt positif), et ce, quel que soit le mode de jeu choisi.

Outre les habituels modes solo (CPU battle) et 2 joueurs (Versus), on s’étonnera surtout de trouver dans Fighter’s History un mode Survival que l’on peut pratiquer seul ou à deux. Dans celui-ci, chaque participant compose une équipe de cinq combattants et c’est celui qui parviendra à décimer toute l’équipe de l’adversaire qui remportera la partie. Plutôt efficace, ce mode de jeu présente malgré tout, selon moi, un défaut de taille : entre chaque combat, le perso vainqueur récupère une jauge d’énergie complète, ce qui tue complètement le suspens. Si on est un peu doué, on peut mettre KO les cinq combattants de l’adversaire avec un seul et même perso. Redonner seulement une petite quantité d’énergie à chaque combat remporté aurait été plus malin de la part des développeurs. C’est d’ailleurs ce que l’on retrouve dans plusieurs jeux SNK, et ça fonctionne particulièrement bien. Alors, pourquoi pas ici ?

Copieur jusqu’au bout des pixels ?

Si, comme nous venons de le voir, Fighter’s History colle de près aux basques de Street Fighter II, faut-il pour autant le considérer comme un vulgaire clone à peine déguisé et sans intérêt ? Eh bien, je vais peut-être vous surprendre, mais pas forcément. Le jeu a beau manquer sévèrement d’originalité et de personnalité, il peut quand même compter sur une réalisation assez agréable. Comme le veut la tradition, les différents combattants ont droit à leurs propres décors. Kitsch (Versailles pour Jean, avec spectateurs en costumes d’époque !), très vides (lac de montagne pour Lee, désert brûlant pour Karnov) ou plus réussis (la fontaine partiellement animée du stage de Marstorius, ou l’intérieur d’un chapiteau de cirque pour Clown), ils sont suffisamment détaillés, et parfois même animés. On ne s’étonnera pas de retrouver, comme chez Capcom, des éléments destructibles placés de part et d’autre de chaque aire de combat et qui voleront en éclats au gré des coups et projections des deux adversaires.

Le scrolling au sol, bien que présent, ne saute pas aux yeux (c’était un des points forts du jeu de Capcom, que ce soit en arcade ou sur Super NES). Les sprites ont une taille appréciable, et leurs mouvements dégagent une certaine classe. On pourra notamment apprécier cet aspect du jeu quand, à la fin d’un combat, le vainqueur assène le coup de grâce à son adversaire, ce qui déclenche un ralenti. Malgré des bruitages suffisamment crédibles pour le bruit des coups, ou quand un des persos est projeté au sol, la bande-son est loin d’être un des points forts du titre. Des digits vocales différentes sont prévues pour chaque protagoniste, mais elles sont à chaque fois accompagnées d’un petit effet d’écho désagréable. La voix off du commentateur n’est pas, elle non plus, très motivante pour chauffer l’ambiance, et vu qu’on l’entend très souvent, plus de dynamisme et de pêche n’auraient pas été superflus…

Le mot de la fin

Que ce soit sur le Net francophone, ou même sur le Net tout court, vous ne trouverez pas beaucoup d’articles sur ce premier Fighter’s History. Ses suites ont eu, à cet égard, nettement plus d’écho auprès des joueurs. A la limite, le jeu est même plus connu pour avoir été à l’origine d’un procès entre Capcom et Data East, que pour ses qualités ludiques. Pourtant, passé le cap de la curiosité et de l’interrogation “clone ou pas clone ?”, on découvre un soft qui, objectivement, n’est pas si mauvais que cela. Sa réalisation est plutôt soignée et sa prise en main, à défaut d’être originale, est immédiate. Ce qui lui fait surtout défaut, c’est de la personnalité : associé à un character design plus travaillé et personnel, son système de “points faibles” aurait peut-être pu séduire les fans de jeux de baston. Au lieu de cela, cette timide et unique caractéristique originale est noyée dans un océan d’éléments repompés chez la concurrence, Capcom en tête. La morale que l’on retiendra de Fighter’s History ? S’inspirer de la concurrence, c’est bien et ça fait même progresser, mais au-delà d’une certaine limite, on perd toute crédibilité…

Note Finale

Technique – 6 /10

Data East s’en sort plutôt pas mal : décors relativement originaux, sprites de bonne taille, mouvements crédibles font de la réalisation de Fighter’s History un des bons points du jeu.

Musique – 5 /10

Rien d’exceptionnel à signaler : les bruitages sont convaincants mais les digits vocales souffrent d’un effet d’écho. La voix du commentateur manque de dynamisme et d’enthousiasme.

Gameplay – 7 /10

L’élément le plus flagrant en terme de “repompage” sur Street Fighter II : les deux jeux ont quasiment la même disposition des touches ! Du coup, la prise en main de Fighter’s History est bonne.

Durée de vie – 6 /10

En solo, Fighter’s History se termine plutôt facilement, et ce, même si on peut régler la difficulté dans les options du jeu. Le mode 2 joueurs porte, comme bien souvent, la durée de vie à bout de bras.

Innovation – 4 /10

Difficile de mettre une note plus élevée pour un jeu qui copie ouvertement les traits d’un titre concurrent. Les deux blocs attribués concernant son système de points faibles, sa seule originalité.

En résumé
Malgré quelques originalités, Data East s’inspire beaucoup trop de Capcom…

6

Moyen

Infos Pratiques

Développé par Data East
Édité par Data East
Sorti le 27.05.1994 (Japon)
Sorti en 08.1994 (USA)
Pas sorti en Europe

combat
1 à 2 joueurs
Cartouche de 32Mb
Pas de sauvegarde
Existe aussi en arcade

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