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Sob a Pele de Almodóvar

2012-01-03T02:11:36Z

O que dizer de um filme que trata sobre transexualidade (e intervenções no corpo) a partir de uma perspectiva tão inusitada e sensível? “A pele que habito” (2011) – mais recente trabalho do cineasta espanhol Pedro Almodóvar – transcende aquilo que se propõe a ser: um filme. É uma narrativa densa e, por isso mesmo, cheia de matizes que oscilam entre a obscuridade e a claridade, entre o romântico e o maquiavélico, entre o prosaico e o bizarro. Talvez seja esta a “assinatura” de Almodóvar: o fato de conseguir aproximar pólos emocionais extremos e, assim, criar personagens complexos e absolutamente reais.

Após muitas tentativas, finalmente, nos últimos dias de 2011, consegui arrumar um jeito de ir assistir ao filme. Saí do cinema encantado com a capacidade discursiva que o filme possui, trazendo polêmica, suspense, uma grande história de amor e abordando uma série de temas transversais pertinentes às temáticas da sexualidade e das representações sociais acerca do corpo humano.

Almodóvar conseguiu produzir uma obra que demonstra toda a sua maturidade criativa, evidenciando o amplo domínio que possui da linguagem cinematográfica ao transformar em imagens uma trágica história de amor entre um homem e sua primeira esposa.

Complexidade talvez seja a palavra ideal para qualificar o tom impresso na construção das personagens que Almodóvar colocou na trama. Robert Ledgard (vivido por Antonio Banderas) é um bom exemplo de como a personalidade e a identidade das personagens foram elaboradas a partir de uma surpreendente combinação emocional com raízes profundas na biografia de cada um deles; histórias de vida que, numa sequência muito bem planejada no roteiro do filme, são apresentadas no decorrer do enredo.

Assim, as personagens ganham um colorido real às suas falas e ações, pois não se manifestam como personalidades “planas”, cuja atuação sempre se dá de forma unilateral, num único sentido, com intenções previsíveis e objetivos lineares. Pelo contrário, as personagens de Almodóvar deixam patente o peso de suas trajetórias – marcadas por fatores culturais e subjetivos – na manifestação de toda e qualquer intenção com que se expressam para o mundo ao seu redor. E é assim que aparece Marília (interpretada por Marisa Paredes), uma “típica” mãe católica espanhola, mas que possui um passado controverso do qual prefere distanciar-se em pensamento. Também se pode dizer o mesmo de Zeca (Roberto Álamo), um filho ao mesmo tempo amoroso e desnaturado. Mas, provavelmente, as maiores contradições ou melhores combinações estejam mesmo presentes em Ledgard (Banderas), um cirurgião plástico que seria obviamente tachado como inescrupuloso, mas que esconde em suas ações uma estranha mobilização que encontra justificativa num sentimento geralmente denominado por nós como “amor”.

Mas dentre todos os temas destrinchados, “A pele que habito” aborda, essencialmente, a temática da fluidez das identidades sexuais e de gênero, principalmente quando evidencia a possibilidade de reconfiguração dessas identidades ou, também, de manutenção de uma mesma identidade – psicologicamente percebida e reconhecida pelo sujeito que a possui – ainda que o corpo tenha sido alterado. Aliás, a discussão de limites éticos, psicológicos, sociais e culturais acerca das formas e graus de intervenção estética no corpo humano é um grande tema subjacente à todo enredo. Tal temática ganha, literalmente, “corpo” a partir de toda a narrativa que nos leva a conhecer a história de Vera (com brilhante interpretação de Elena Anaya), uma mulher misteriosa que passa por inúmeras transformações físicas e psicológicas.

Nada é colocado ao acaso. Nenhum diálogo possui ressonância no vazio. E, ao chegar ao fim do filme, é inevitável constatar tanto a importância da dimensão simbólica atrelada à prática de ioga pela personagem Vera (Anaya) quanto o significado emocional dos cortes de tecido (extraídos de seus próprios vestidos) que ela realizava no intuito de confeccionar esculturas com forte expressividade corporal.

Outro aspecto que merece destaque é o fato de que Almodóvar conseguiu produzir um filme que escapou de possíveis estereótipos de regionalismos típicos da Espanha. Dessa forma, é possível perceber que construiu uma obra não situada em exatamente em alguma localidade, mas com possibilidades de figurar em qualquer lugar, pois o seu fio condutor é pautado em emoções universais do ser humano. Assim, o cineasta investiu em aspectos imagéticos que misturam a estética de filmes de ficção científica e suspense, construindo uma ambientação antiga aliada à contemporaneidade, confrontando o exercício de uma medicina simultaneamente asséptica e contaminada. Mas é possível enxergar a paisagem espanhola presente na casa/clínica de Ledgard (Banderas) enquanto o catolicismo pode ser percebido, discretamente, numa das falas de Marília (Paredes) e no crucifixo que ostenta pendurado em seu pescoço. Ou seja, a Espanha está lá representada, embora com maior discrição.

Entretanto, muito mais do que a Espanha, as referências mais latentes estão voltadas para o Brasil. Basta saber que o protagonista, Ledgard, possui ascendência brasileira, motivada tanto pelos diálogos que Almodóvar teve com o cirurgião plástico Ivo Pitanguy, na década de 1980, quanto pela afirmação do Brasil como um país reconhecido internacionalmente pela qualidade e grande quantidade de processos cirúrgicos de intervenção no corpo.

Além disso, o filme faz referências ao carnaval da Bahia e possui uma inusitada protagonista chamada Gal – suposta homenagem do diretor à cantora brasileira, de quem é amigo, Gal Costa. A personagem Gal aparece num estado vegetativo, salva da morte pelo marido (Ledgard) e, após muito tempo sem demonstrar nenhum tipo de afetividade, “renasce” a partir da música cantada por sua filha Norma. E Gal figura como uma mulher sagrada para o seu próprio esposo, uma mulher que é reconduzida à vida dos afetos pela música e é reconstruída, aos pedaços, e em diferentes tempos históricos, pelas mãos de seu esposo. É também válido especular uma possível relação entre a canção “Vaca Profana” – composta por Caetano Veloso para a interpretação de Gal Costa e na qual há referências à “Movida Madrileña” (da qual Almodóvar foi um dos pilares nos anos 1980 – e a suposta homenagem que o cineasta fez para a artista brasileira. Sob a pele de Almodóvar, todas as especulações tornam-se possíveis.

Inclusive, ainda é possível insinuar uma homenagem indireta à cantora Madonna a partir da associação entre Pedro Almodóvar, Antonio Banderas e o estilista Jean-Paul Gaultier. Estranho? Talvez nem tanto. Basta lembrar que, no início dos anos 1990, quando Almodóvar já era um artista de reconhecido talento no circuito alternativo de cinema, Madonna o ajudou a ser catapultado ao sucesso quando o apresentou ao mundo (e junto com ele o ator Antonio Banderas) no histórico documentário “Na cama com Madonna”. Na época, Madonna excursionava diversos países com a emblemática “Blond Ambition Tour”, na qual imortalizou um figurino desenhado por Gaultier: um espartilho com seios pontiagudos especialmente projetado para ela. Em 2011, cerca de vinte anos passados, Gaultier é o estilista escolhido para fazer os figurinos de “A pele que habito”, Antonio Banderas (que aparece no documentário da turnê de Madonna como uma “personalidade” interessante para se conhecer e que futuramente trabalharia com a cantora no filme “Evita”) é o protagonista da trama e Madonna, a própria, é convidada para assistir à pré-estreia do filme. Coincidência?

Falando em música, a participação da cantora Concha Buika ilumina um dos momentos decisivos da história, contrastando a alegria e o romantismo da música de sotaque hispânico com a tensão paralela que cerca o enredo em torno da personagem Norma.

Para mim, foi excelente a experiência de assistir a esse filme justamente num momento em que estou particularmente interessado em compreender a articulação dos movimentos sociais da Espanha em prol da conquista de alguns direitos civis para a população com orientação sexual destoante do modelo hegemônico. Almodóvar é pessoa central nestas conquistas, sobretudo por sua contribuição estética, nos anos 1980, durante o que se convencionou chamar de “Movida Madrileña”. E a própria Espanha é hoje vista, internacionalmente, como um país pioneiro no que diz respeito ao reconhecimento de direitos civis (contração de matrimônio, adoção, alteração de nome e de sexo nos documentos civis) para homossexuais, travestis e transexuais. Sobretudo a partir da promulgação da lei 13/2005, na qual reconhece como legítimo o casamento civil entre pessoas de qualquer sexo e orientação sexual. Não por acaso, a trama de “A pele que habito” se passa a partir do ano de 2006, período em que esses aspectos se tornam mais amplamente discutidos.

Imagino quantos debates acadêmicos já não estão sendo produzidos a partir desse filme. Trata-se de um prato cheio para todos aqueles, inclusive eu, que se dedicam à discussão das identidades sexuais, sobretudo a partir de um viés antropológico. Não me cabe aqui fazer um diálogo com textos científicos que tratam dessas temáticas, mas apenas registrar as impressões que tive e deixar que o debate se faça como e onde deve ser feito.

A “assinatura” de Almodóvar está em cada cena: no dramalhão de dois irmãos que não sabem de seu próprio parentesco, nos assassinatos passionais, nas cenas de sexo às vezes cômicas e no aspecto engraçado e dramático com que mostra o uso de alargadores de vagina para pessoas que recentemente passaram por um processo de transgenitalização.

“A pele que habito” é um filme que trabalha com diversos medos masculinos. Embaraça as fronteiras entre os conceitos de feminilidade e masculinidade. Reconduz os desejos heterossexuais para uma perspectiva homossexual. Lança nuances lésbicas como possibilidades de resolução de um sentimento não correspondido no passado. E o que dizer de um filme que consegue promover tão amplo espectro de possibilidaes com tamanha sensibilidade artística? Simplesmente, uma obra de arte.

“Recanto”: Gal Costa, Caetano Veloso e a dimensão do som

2011-12-08T20:58:01Z

Gal Costa não é diva, é musa. Algumas divas são insuportáveis, mas todas as musas são inspiradoras. Muitas divas escondem suas inseguranças atrás de máscaras de crueldade. Musas revelam-se na arte, confundem-se com a própria arte, detêm um encanto etéreo, transcendental, mas sobretudo leve. Diante disso, faço uma pergunta: qual é a única cantora brasileira que teve, tem e sempre terá os maiores compositores deste país dispostos a compor para ela? É uma pergunta que possui resposta óbvia porque Gal Costa é, na essência mais positiva do termo, uma intérprete com “i” maiúsculo. Seu novo álbum, intitulado “Recanto” (2011), lançado sob produção de Caetano Veloso, marca um grande reencontro na MPB. Um reencontro de Gal com uma parcela de si mesma, um reencontro com Caetano, um reencontro com o experimentalismo, um reencontro com as dimensões mínimas da voz.

Trata-se de um trabalho debochado em que Gal Costa recusa e, ao mesmo tempo, assume o título ambíguo de “grande cantora”. Todas as faixas são de autoria de Caetano Veloso e canções como “Autotune autoerótico” revelam tanto uma louvação de si mesma (Gal) quanto uma rajada de veneno dirigida às “novas” cantoras que, em grande parte, não reconhecem em si a influência de Gal e sua importância na criação de um canto moderno no Brasil, uma forma de dizer coisas cantadas com os pés na versatilidade, um jeito de cantar pautado na tradição, mas com o olhar voltado para a modernidade.

Caetano Veloso pensou neste disco com o intuito de recolocar essas coisas no seu devido lugar. E ninguém melhor do que ele para fazer isso. Nos trabalhos acadêmicos que tenho desenvolvido, defendo a ideia de que Caetano Veloso engendrou um discurso conceitual para o tropicalismo, Gilberto Gil desenvolveu um discurso musical e à Gal Costa coube a invenção de um discurso performático para o tropicalismo. Sua voz e o seu corpo foram os responsáveis por orientar toda a constituição performática (de canto e de cênica) da Tropicália. Em minhas brincadeiras pessoais, com amigos em minha intimidade, sempre digo: “Gal é tudo aquilo que Caetano gostaria de ser e o contrário também é verdadeiro”. É óbvio que isto é uma brincadeira, como também é óbvio que essa brincadeira tem um fundo de verdade.

“Recanto” é simultaneamente um regresso e um avanço. Regresso porque marca um retorno a dimensões minimalistas de “Domingo” (álbum lançado por Gal e Caetano em 1967), avanço porque Caetano Veloso propõe uma retomada de aspectos passados a partir de um olhar para o futuro. “Mansidão” é talvez a faixa que mais evidencie o regresso e o avanço aos quais me refiro: é um retorno a “Domingo” e um claro aceno para o futuro. Um futuro em que o envelhecimento está acompanhado da contemporaneidade das coisas, da vida e dos conceitos.

A velhice é obscura, pensar na morte é inevitável, mas “Recanto”, apesar de tratar de temas melancólicos e problemáticos, é um grito à vida, uma autoproclamação de juventude criativa de ambas as partes. É uma reinserção de Gal Costa ao começo de todo o percurso tropicalista, porém, agora, um tropicalismo pós-moderno, com timbres eletrônicos, amadurecido, envelhecido e rejuvenescido, contraditório. A canção “Tudo dói” é esta constatação de que a velhice e a juventude convivem, conflituosamente, dentro dos mesmos corpos: os corpos de Gal e Caetano.

A faixa “Neguinho” talvez trave um diálogo indireto com “Mini-mistério” (composição de Gilberto Gil gravada por Gal em 1970 para o LP “LeGal”) ao denunciar valores importantes da existência humana sendo “devorados” pelos valores do consumismo. Percebe-se que o Tropicalismo, desde sua eclosão na década de 1960, ainda se mantém atual.

“Miami Maculelê” é a composição com maior apelo (para o bem e para o mal) direcionado a uma massa maior de público. É uma obra em que Caetano aproxima funk e maculelê, deixando claro que as batidas modernas utilizadas na música de hoje possuem raízes tanto num âmbito internacional quanto no passado e na tradição negra do Brasil. E diante disso, Caetano pergunta: “Mas por que eu fui meter você no meu som, no meu bom Miami Maculelê?” Pergunta dirigida à própria Gal, uma dama da voz. E a voz de Gal dança, levemente, junto com ele, com São Dimas, Robin Hood e o Anjo 45. As referências estão todas à mostra: o Tropicalismo é uma colagem de disparidades harmonizadas.

Em “O menino”, Gal canta para si, para sua maternidade, para o seu renascimento. As guitarras, sobrepostas à voz, lembram as intenções musicais de Ceatano Veloso nos álbuns “Cê” (2006) e “Zii e Zie” (2009).

Mas Gal Costa, pela importância que tem no cenário da música nacional, é, como sempre, desde o início de sua carreira, muito criticada negativamente. Se canta grandes clássicos da MPB, é taxada como conservadora. Se é ousada, dizem que se arriscou muito. Se se dedica à interpretação, dizem que é uma mera vocalista. O que mais me surpreende nas críticas dirigidas à Gal nestes longos 44 anos de carreira, é que ela sempre foi acusada de ser uma não-intérprete. É irônico, é contradito, é, no mínimo, irresponsável que pessoas que não tenham legitimidade (acadêmica, performática, cultural) para falar de música se posicionem dessa maneira. Ser intérprete é simplesmente se entregar, dar voz ao outro, colorir melodias, transformar a alteridade no próprio eu. Há muitas pessoas que entendem que ser intérprete é correr pelo palco, chorar sobre cadeiras enquanto se canta, recitar, cantar gemendo, derramar maquiagem sobre as bochechas… ser intérprete pode ser tudo isso, mas é muito mais. Ser intérprete é ter o domínio absoluto de sua arte com a finalidade de, simplesmente, ser uma folha em branco por onde se inscrevem desafios traçados por uma teia de significados dados por pessoas diversas, inclusive ela: a cantora.

Muitas “intérpretes” da música brasileira passaram décadas escolhendo repertórios que lhes convêm, canções que não rompem os parâmetros ditados pela incapacidade vocal e interpretativa que elas têm. Ser intérprete é ser capaz de ir aos limites com o seu próprio discurso vocal. E talvez seja esse o ponto principal de minha identificação com Gal Costa e que tenho defendido a partir de minhas interpretações antropológicas sobre seu trabalho: o seu discurso está no corpo, na voz, no empenho criativo com que ultrapassa as zonas limítrofes que lhes são impostas pelo tempo, pelas pessoas e por seus críticos. Gal nunca precisou que sua vida fosse uma tragédia para que cantasse com emoção, nunca recorreu a recursos extra-musicais, nunca fez gestos caricatos no palco (algum comediante saberia imitar os seus gestos em cena?), nunca criou uma aura de rainha em torno de si. Gal Costa não se impõe como uma rainha, mas é eleita por seus admiradores e, principalmente, pelos compositores. No texto em que Caetano Veloso escreveu para o encarte de “Recanto”, revelou: “Tom Jobim disse até morrer que ela era sua cantora favorita”. Como escrevi antes, Gal é musa e musas são sedutoras, são desejáveis. Musas inspiram e divas problemáticas provocam rejeição.

Aos 66 anos, Gal Costa consegue provocar um grande impacto, ser capa da Revista Bravo!, ser aclamada pela crítica internacional e ser alvo de críticas controversas no Brasil. Isso não deixa de ser um ótimo termômetro de sua importância, justamente num período em que “grandes” e “jovens” cantoras também estão lançando seus álbuns. (A quantas andam a repercussão de seus trabalhos?) Aliás, muitas “grandes” e “jovens” cantoras são compositoras, fazem música com “conceito”. Esta é a moda. Se estão plenas de conceituações, estão esvaziadas de musicalidade. É inevitável constatar que suas composições não trazem nenhum tipo de inovação harmônica e ainda denunciam que elas, quase todas, parecem ainda frequentar as aulas inicias de quem está aprendendo a tocar violão. Mas a “maquiagem” dos arranjos disfarça certas deficiências musicais. Neste sentido, prefiro que Gal Costa seja uma excelente intérprete do que uma cantora mediana e uma péssima compositora.

O que é mais intrigante é ler as críticas que se referem a ela como apenas uma mera intérprete, uma mera vocalista em seu próprio projeto e, ainda pior, ressuscitam antigos projetos como “-FA-TAL-” e “Plural” como sendo exclusivamente obras de outros. Se Gal Costa é uma mera vocalista, proponho um desafio: que tal imaginar “-FA-TAL-”, “Plural” e todo o projeto tropicalista com outra cantora? Como sairia? Uma tropicália caricata, antiquada? Uma tropicália derramada? Interpretações com excessos de vibratos mal feitos? Seria, literalmente, um Tropicalismo fora do tom. O novo álbum de Gal Costa é uma grande surpresa, mas nem deveria ser, pois, no Brasil, Gal Costa sempre foi uma reinventora de si mesma. E (é bom lembrar) reinvenção com bom gosto, aliada à dimensão do risco. Nestes mais de 40 anos de carreira, Gal Costa nos surpreende a cada trabalho. É justamente esse fator que faz dela um grande alvo para as críticas: os percursos díspares que escolhe. E, mesmo quando é escolhida, sua adesão a um projeto significa uma opção pelo desafio, seja ele cantar com uma orquestra ou acompanhada por programações eletrônicas. Os jornalistas leigos em música se prendem às letras que elas têm, mas esquecem que, antes de tudo, a música é feita por sons. Quando canta, Gal Costa tem diálogo direto com os sons, entende a música pelo que ela é, não precisa de fatores intermediários entre ela e o som.

Gal Costa se resguarda, nunca foi uma mulher eloqüente, talvez não seja tão boa com as palavras, talvez não tenha aguçada a malícia exata para lidar com jornalistas que, em muitos casos, são pagos de acordo com o grau de parcialidade e destruição que conseguem imprimir em seus textos. Alguns “jornalistas” a acusam de ser uma cantora “técnica” e isso é um paradoxo justamente porque são afirmações proferidas pelas mãos ou bocas de pessoas que não sabem definir – e muito menos distinguir – o que é técnica. Falam em técnica sem saber o que ela realmente é. Conceituam algo que somente pode ser conceituado por alguém que tenha uma boa formação musical. E Gal vem mostrar o contrário. Está livre da obrigação da perfeição que sempre lhe foi cobrada. E cantando em regiões vocais que se aproximam da fala, assim como quando começou sua carreira. “Recanto” evidencia uma não-técnica, uma Gal natural. Mas, aos olhos de seus críticos, não é possível enxergar que, para alcançar regiões extremamente agudas da voz, para gritar afinado e dividir ritmicamente o canto, é necessário muita técnica. Para todos eles, talvez isso seja definido como “emoção” ou “inspiração”. Não. Isso é um saber específico que somente os grandes artistas da voz o tem. E Gal Costa, mesmo sendo detentora deste saber, o abandonou em “Recanto”, não lança mão de tais recursos, é debochada, ri de si e dos outros. Nega a si e se autoafirma ao mesmo tempo. Torna-se a contradição de si mesma. Aí está a grande excelência de Gal Costa captada por Caetano Veloso, talvez o melhor compositor para absorver essas nuances de sua voz, mas, acima de tudo, de sua personalidade interpretativa. Gal Costa confia em Caetano Veloso e a ele se entregou neste projeto. E talvez seja um tanto incômodo, para algumas pessoas, ter a certeza de que Caetano tem com Gal uma conexão que nunca teve e jamais terá com nenhuma outra cantora. Isso é amor. Um amor amadurecido e eternizado em “Recanto”.

O grande problema é que os críticos desejam que Gal Costa interprete fora de cena. Mas quem a acompanha sabe que sua interpretação está reservada ao palco e destinada à música. Ser intérprete em entrevistas não é o seu forte, ser intérprete nos palcos é sua realeza. Gal Costa não dá entrevistas sob efeito de nenhum tipo de substância que a deixe “mais inspirada”, como muitas ainda o fazem. Gal Costa quer cantar e ela o pode fazer. As críticas circunscrevem Gal Costa a uma definição pejorativa de cantora passiva. São críticas burras, sem o mínimo de reflexão. Dizem que Gal Costa é uma mera vocalista. Se seguirmos este raciocínio primário, o que falaríamos das atrizes e bailarinas? Exigiríamos que as atrizes fossem também escritoras, diretoras, roteiristas, maquiadoras, figurinistas e cenógrafas de seus próprios trabalhos? Desmereceríamos o seu potencial criativo por não ocuparem essas funções ou por não terem sido elas as autoras dos textos que dizem em cena? Exigiríamos o mesmo das bailarinas? Transformaríamos bailarinas em coreógrafas compulsoriamente? Não. Isto não é ser intérprete. Ser uma grande intérprete é ser como Fernanda Montenegro: humilde, excelente no que faz, reinventora de sua técnica e não-técnica, atenta aos diretores com quem trabalha. Ser intérprete é impor-se em equipe, deixar uma assinatura sem submergir os outros ao redor. Gal Costa é uma atriz da voz. Ser atriz é ter a capacidade de interpretar vários papéis completamente diferentes. Ser intérprete é mudar sempre. “Recanto” é o álbum do ano.

20 capas para os 20 anos da Dazed & Confused

2011-12-06T23:49:09Z

Para comemorar seus 20 anos, a revista Dazed & Confused apresenta o projeto “20+20 Covers”. Com vinte capas diferentes, a revista exibe músicos, modelos e atores que serão as estrelas do futuro. Entre os nomes temos Bjork, PJ Harvey, Damon Albarn, Michael Stipe, entre outros.

Para ver todas as 20 capas clique aqui.

O Mundo da Social Media 2011

2011-12-06T22:42:17Z

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

O mundo da Social Media 2011.

“Ormie, The Pig”: Melhor Curta Infantil Anima Mundi 2011

2011-09-11T02:22:59Z

“Ormie, The Pig” é uma animação que mostra as inúmeras tentativas e força de vontade de um porquinho para conseguir o seu tão desejado vidro de cookies.

O curta foi vencedor de “Melhor Curta Infantil no Anima Mundi 2011″ e “The Audience Award New York Int’l Children’s FF 2011″ entre outros.

Assista.

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

Produção: Arc Productions

World Trade Center: Dez anos, Marco Zero e Curiosidades

2011-09-11T03:08:55Z

Dez anos do atentado ao World Trade Center e o mundo, definitivamente, não é mais o mesmo. Se o orgulho deu lugar ao medo, convém lembrar que hoje as duas andam juntas, lado a lado. Reergue-se, sem esquecer o passado e aprender com seus próprios erros é sábio e válido para qualquer situação em nossas vidas; não seria diferente com o maior atentado terrorista da história.

Abaixo vocês podem ver o complexo, Marco Zero, que será construído no lugar das torres gêmeas em New York. Chamado de One World Trade Center, este primeiro de quatro edifícios será inaugurado no final de 2013, mas antes, já em 2012, um memorial às vítimas será aberto ao público.

Clique na Imagem

Aproveito a oportunidade e trago algumas curiosidades para os leitores do Midiático: o que estava sendo noticiado nas emissoras americanas antes do atentado ao World Trade Center e fotos do futuro complexo que está sendo construído.

Vídeo

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

Fotos do Marco Zero

Para mais imagens, acesse o link.

“Making of” de Blade Runner

2011-09-11T01:34:56Z

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

Filme promocional em 16 mm para divulgação de Blade Runner (1982).

Move, Learn and Eat – três amigos, 11 países e uma experiência única

2011-08-09T22:29:30Z

Três amigos viajaram durante 44 dias por 11 países e registraram suas experiências em cada lugar visitado. O resultado são três vídeos muito bem produzidos divididos em três temas: “Move, Learn and Eat”.

A edição juntamente com a mixagem de som nos dá ideia da aventura desta viagem. Uma experiência única !

MOVE

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LEARN

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EAT

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Equipe:

Rick Mereki – diretor, produtor, camera, edição

Tim White – produtor, eição, sonoplastia

Andrew Lees – “ator”

Samsung – Unleash your fingers

2011-07-05T12:36:21Z

“Unleash your fingers” (Solte os seus dedos) este é o título do comercial para o celular Galaxy II, da Samsung, criado pela agência Heaven, JayFunk em parceria com os efeitos visuais realizados pela La Bande Originale e a Motionfanclub.

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

Para promover o dispositivo sensível ao toque, eles utilizaram os movimentos de mãos, braços e dedos de uma dança chamada “Finger Tutting”.

O efeito visual é fantástico.

“Stuck” – dupla de fotógrafos faz a festa no aeroporto

2011-06-29T22:58:33Z

A dupla de fotógrafos Larry Chen e Joe Ayala, admiradores da marca Canon, fez um vídeo que acabou se tornando um viral na web. Muito bem produzido, difícil acreditar que o vídeo não seja proposital. Com o nome de ” Stuck”, o vídeo mostra que o voo dos fotógrafos foi cancelado e eles resolvem então passar o tempo ocioso vagando no aeroporto Dallas Fort Worth, praticamente vazio e perfeito para explorar o local.

Clique aqui para assistir o vídeo inserido.

A ideia é simples e o resultado ficou muito bom. Quem nunca pensou em fazer o mesmo?

Apenas uma pergunta: cadê a segurança deste aeroportoto? Intencional ou não, a Canon é quem sai ganhando.