Auch wenn sich heutige Superlative in gänzlich plakativeren Bahnen bewegen, so muss man dennoch davon sprechen, dass es sich bei „Nosferatu“ um einen einzigen Superlativ handelt. Als wohl wichtigstes filmisches Werk der Weimarer Republik, als maßgeblicher Geburtshelfer des Horrorfilms und als einer der sehenswertesten Stummfilme überhaupt vereint Murnaus Klassiker eine filmhistorische Bedeutung auf sich, die schlichtweg jedweden Rahmen sprengt. Dass sich der 1922 entstandene Vampir-Film ganz nebenbei den damals vorherrschenden expressionistischen Stilmitteln verweigert und sich damit als früher Kino-Rebell ausweist, gerät dabei beinahe in den Hintergrund. Ebenso beiläufig erscheint es da, dass Schauspieler Max Schreck mit „Nosferatu“ praktisch über Nacht Weltruhm erlangte, von dem seine Legende bis zum heutigen Tage zehrt. Und gäbe es bereits nicht ausreichend filmhistorische und zeitgeschichtliche Anlässe, um sich Murnaus bedeutendstes Werk zu Gemüte zu führen, ist die Geschichte vom liebestollen wie beißwütigen Graf Orlok darüber hinaus ein unglaublich guter Film. Dramaturgie, Inszenierung und Schauspielerleistungen können auch nach knapp einem vollen Jahrhundert immer noch überzeugen und bedeuten beste Werbung für den guten alten Stummfilm. Wir können daher nur allen Cineasten empfehlen, „Nosferatu“ auf die „Filme, die man gesehen haben muss“-Liste zu setzen. Gleiches gilt im Übrigen auch für die stoffähnliche Verfilmung von Werner Herzog von 1979 mit Klaus Kinski in der Hauptrolle. Superlative kommen eben manchmal nicht allein.


Daten:

Deutschland 1922, 94 Minuten, FSK: 12
Regie: Friedrich Wilhelm Murnau
Genre: Horror
Darsteller: Max Schreck, Gustav von Wangenheim, Alexander Granach, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 8,0 von 10
moviepilot.de: 8,3 von 10
Filmstarts.de: 5 von 5


Filmzitate:

“Einen schönen Hals hat Eure Frau.”

Nosferatu bei Amazon:

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Weitere Filme von Friedrich Wilhelm Murnau (Auszug):

1917: Teufelsmädel
1919: Der Knabe in Blau
1920: Der Bucklige und die Tänzerin
1920: Der Januskopf
1920: Abend – Nacht – Morgen
1920: Sehnsucht
1920: Der Gang in die Nacht
1921: Schloß Vogelöd
1922: Der brennende Acker
1922: Phantom
1923: Die Austreibung
1924: Die Finanzen des Großherzogs
1924: Der letzte Mann
1926: Tartüff
1926: Faust – eine deutsche Volkssage
1927: Sonnenaufgang – Lied von zwei Menschen
1928: Vier Teufel
1930: City Girl
1931: Tabu


Trailer zum Film:

Was in der kurzen Inhaltsangabe fraglos ein wenig wirr und willkürlich klingen mag, ist es in den ersten Minuten von Alain Resnais’ Avantgarde-Film tatsächlich. „Letztes Jahr in Marienbad“ verweigert sich nämlich standardisierter Sehgewohnheiten und bietet weder eine chronologische Erzahlstruktur noch einen durchgängigen Handlungsverlauf an. Vielmehr mutet der Film wie eine poetische Collage subjektiv angelegter Zeitebenen an, die sich mit zunehmender Spieldauer immer eingehender miteinander vermischen und eine Eigendynamik entwickeln, die schlichtweg überfordern muss. Wenn Zeit, Dramaturgie und selbst die handelnden Figuren in den Hintergrund treten und allein der Raum, nämlich das Hotel selbst, als verbindendes Element übrig bleibt, liegt es schließlich allein in der Hand (oder den Augen) des Zuschauers, was den Geschehnissen in „Letztes Jahr in Marienbad“ für eine Bedeutung zukommt. In diesem Sinne funktioniert Resnais’ Film als poetische Inspirationsquelle für den Betrachter, welcher sich in den stilisierten Bildern verlieren und hieraus seinen ganz eigenen, umfassend individuellen Film entwickeln kann. So erfährt „Letztes Jahr in Marienbad“ eine existenzielle Tragweite, die auf den ersten Blick womöglich als bloße Verwirrung und Willkürlichkeit erscheinen muss.

Die im Film gezeigte Version des Nim-Spiels trägt in Anlehnung an den Titel bis zum heutigen Tage die Bezeichnung „Marienbad“. Wir können nur empfehlen, das Spiel mit einem guten Freund oder einer guten Freundin bei einem guten Glas Wein einmal auszuprobieren. Dabei lässt sich nämlich hervorragend über Filme philosophieren.


Daten:

Frankreich, Italien 1961, 94 Minuten, FSK: 16
Regie: Alain Resnais
Genre: Drama | Mystery | Romance
Darsteller: Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoëff, uvm.

Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 7,8 von 10
moviepilot.de: 8,6 von 10


Auszeichnungen:

• Ausgezeichnent mit Goldenen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig 1961
• Nominierung in der Kategorie Best Dramatic Presentation bei den Hugo Awards 1963
• Nominierung in der Kategorie Bestes Originaldrehbuch bei den Oscars 1963

Letztes Jahr in Marienbad bei Amazon:

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Weitere Filme von Alain Resnais:

1959: Hiroshima, mon amour
1963: Muriel oder die Zeit der Wiederkehr
1966: Der Krieg ist vorbei
1968: Ich liebe dich, ich liebe dich
1974: Stavisky
1977: Providence
1980: Mein Onkel aus Amerika
1983: Das Leben ist ein Roman
1984: Liebe bis in den Tod
1986: Mélo
1989: I want to go home
1993: Smoking / No Smoking
1997: Das Leben ist ein Chanson
2003: Pas sur la bouche
2006: Herzen
2009: Vorsicht Sehnsucht
2012: Ihr werdet euch noch wundern


Trailer zum Film (englisch):

Zeitlich und thematisch eingerahmt von „Die innere Sicherheit“ und „Yella“ bildet „Gespenster“ das Mittelstück von Christian Petzolds sog. Gespenster-Trilogie und gehört darüber hinaus zu den konsequentesten Filmen des neben Fatih Akin bedeutendsten deutschen Filmemachers des neuen Jahrtausends. Dialogarm und in reduzierter Bildersprache vermittelt „Gespenster“ nicht zuletzt dank der verstörend präzisen Schauspielerleistungen eine gespenstige Atmosphäre, die zuweilen an Frühwerke Michael Hanekes erinnert und auf eigentümliche Art und Weise bedrohliche Züge trägt. Die durch subjektiv anmutende Kameraeinstellungen erzeugte Nähe zu den Protagonisten tut ein Übriges, um die spezielle Stimmung die gesamte Spieldauer über aufrechtzuerhalten. Dabei begreift sich der Film zu keinem Zeitpunkt als bloße Erzählung, sondern sucht in den eindringlichsten Momenten die Nähe zum Filmexperiment, das die Form der Darstellung in den Mittelpunkt stellt und den eigentlichen Inhalt zum Randaspekt erklärt. Es versteht sich daher von selbst, dass sich „Gespenster“ nur bedingt an Kino-Fans richtet, die ein narrativ angelegtes Mutter-Tochter-Drama sehen wollen. Vielmehr werden sich Cineasten angesprochen fühlen, die sich neben der mittlerweile bewährten Petzold-Atmosphäre vor allem von der konzeptionellen Kameraarbeit beeindrucken lassen wollen. In diesem Sinne können wir „Gespenster“ als einen der cineastisch interessantesten deutschen Arthaus-Filme des vergangenen Jahrzehnts empfehlen.

Unabhängig davon, dass „Gespenster“ in vielerlei Hinsicht das Kernstück von Petzolds Gespenster-Trilogie bildet, können wir interessierten Cineasten nur ans Herz legen, auch auf „Die innere Sicherheit“ und „Yella“ mindestens ein Auge zu werfen. Ambitionierteres sehenswertes deutsches Kino findet sich nämlich derzeit schlichtweg eher selten.


Daten:

Deutschland 2005, 85 Minuten, FSK: 12
Regie: Christian Petzold
Genre: Drama
Darsteller: Julia Hummer, Sabine Timoteo, Marianne Basler, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 6,9 von 10
moviepilot.de: 6,6 von 10
Filmstarts.de: 2,0 von 5


Auszeichnungen:

• Bester Spielfilm bei dem Preis der deutschen Filmkritik 2005

Gespenster bei Amazon:

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Weitere Filme von Christian Petzold:

2000: Die innere Sicherheit
2003: Wolfsburg
2007: Yella
2008: Jerichow
2012: Barbara


Trailer zum Film (deutsch):

Independent-Regisseur Todd Solondz hat innerhalb von neun Jahren mit „Willkommen im Tollhaus“, „Happiness“, „Storytelling“ und „Palindrome“ gleich vier Filme in Reihe gedreht, die dem spießbürgerlichen Hollywood den Mittelfinger zeigen. Solondzs Filmwelt ist nämlich angefüllt mit schrägen, teils abartig-absurden Figuren, die die Grenzen des guten Geschmacks bereits im Vorspann mit teuflischem Vergnügen hinter sich lassen. Als interessanteste Ausgeburt des US-Amerikaners gilt zweifelsfrei die Vorstadt-Groteske „Happiness“, in der das friedlich-schiedliche Dahinsiechen in Suburbia ordentlich durch den moralischen Wolf gedreht wird. Neben den glücklich-unglücklichen Schwestern sorgen Stalker Allen und Psycho-Psychiater Bill für die absonderlichsten und gleichzeitig eindringlichsten Momente. Während die sexuellen Gelüste Allens im Vergleich noch harmlos erscheinen und vornehmlich der bigotten Prüderie vor den Kopf stoßen, lotet Solondz mit der Figur des Bill die Grenzen des Erträglichen aus. Betont beiläufig legt der Film die Handlungen des Päderasten dar und provoziert sein Publikum damit zur Reflexion und Reaktion. Dabei bleibt es allein dem Zuschauer überlassen, in welcher Kategorie er „Happiness“ vermuten will. Handelt es sich um eine (sehr) schwarze Komödie? Um ein (zu) realistisches Drama? Um eine (absurde) Satire? Ein endgültiges objektives Urteil würde dem Film wohl kaum gerecht. Es bleibt also dabei, dass es sich bei „Happiness“ um ein sehenswertes Produkt der mehr als eigenwilligen Todd-Solondz-Welt handelt – Betreten auf eigene Gefahr!


Daten:

USA 1998, 134 Minuten, FSK: 16
Regie: Todd Solondz
Genre: Comedy | Drama
Darsteller: Jane Adams, Jon Lovitz, Philip Seymour Hoffman, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 7,7 von 10
moviepilot.de: 7,8 von 10


Auszeichnungen:

• Eine Nominierung für Golden Globe in 1999
• Ausgezeichnet mit dem FIPRESCI-Preis in Cannes 1998

Happiness bei Amazon:

auf DVD oder Blu-Ray


Weitere Filme von Todd Solondz:

1984: Feelings
1995: Willkommen im Tollhaus
2001: Storytelling
2004: Palindrome
2009: Life During Wartime
2011: Dark Horse


Trailer zum Film (englisch):

In einer Zeit, in der sich der Tonfilm gerade erst vom Stummfilm zu emanzipieren begann, bewegte sich die US-amerikanische Filmindustrie noch in eng abgesteckten Gefilden. Heute alltägliche Genres waren noch nicht erfunden und aus heutiger Sicht klassische Figuren noch nicht gezeichnet. Zu jener Zeit, noch bevor James Cagney in „The Public Enemy“ sein Unwesen treiben konnte, war es, als plötzlich ein gewisser Edward G. Robinson auf den Plan trat und in Mervyn LeRoys „Little Caesar“ die Herrschaft über die Unterwelt beanspruchte. So etwas hatte es in dieser Form bis dahin noch nicht gegeben – der Gangsterfilm war geboren. Der Aufstieg und Fall des Caesar Enrico Bandello ist also als Urbild des speziellen Genres zu bezeichnen und weist bereits in dieser Hinsicht eine filmhistorische Bedeutung auf, der bis zum heutigen Tage Rechnung getragen werden muss. Dass der Film für sich genommen dank des grandiosen Auftritts von Edward G. Robinson ein echtes Genre-Highlight ist, bleibt zudem unbestreitbar. Denn trotz der zuweilen etwas ungelenk wirkenden Dramaturgie und der aufgrund der Kürze des Films (knapp 80 Minuten) nur unzureichend gezeichneten Nebenfiguren gelingt es „Little Caesar“ spielend, seinen charismatischen Protagonisten ins rechte Licht zurücken. Ähnlich wie beim Genre-Nachkömmling „Scarface“ fokussiert sich der Film nämlich hauptsächlich auf das Schicksal der Hauptfigur und bietet Robinson demnach die entsprechende Bühne. Cineasten bekommen Anfang der 1930er Jahre mit „Scarface“, „The Public Enemy“ und allen voran „Little Caesar“ also eine Ladung Gangsterfilme präsentiert, die schlichtweg angesehen gehören.


Daten:

USA 1931, 79 Minuten, FSK: 12
Regie: Mervyn LeRoy
Genre: Crime | Drama | Film-Noir
Darsteller: Edward G. Robinson, Douglas Fairbanks Jr., Glenda Farrell, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 7,4 von 10
moviepilot.de: 6,3 von 10
Filmstarts.de: 3,5 von 5


Filmzitate:

“Heilige Mutter Maria, ist das das Ende von Rico?”

Auszeichnungen:

• Nominierung in der Kategorie Bestes Drehbuch bei den Oscars 1931
• Aufnahme in das National Film Registry in 2000
• Das American Film Institute wählte den Film auf Platz 9 der 10 besten Gangsterfilme

Little Caesar bei Amazon:

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Weitere Filme von Mervyn LeRoy (Auszug):

1944: Dreißig Sekunden über Tokio
1946: Without Reservations
1948: Dr. Johnsons Heimkehr
1949: Kleine tapfere Jo
1949: Verlorenes Spiel
1951: Quo Vadis
1952: Männer machen Mode
1952: Die goldene Nixe
1953: Serenade in Rio
1954: Rose Marie
1955: Aus dem Leben einer Ärztin
1955: Keine Zeit für Heldentum
1956: Böse Saat
1956: Einst kommt die Stunde
1958: Bevor die Nacht anbricht
1959: Geheimagent des FBI
1961: Der Teufel kommt um vier
1961: 1000 Meilen bis Yokohama
1962: Gypsy: Königin der Nacht
1963: Meine geschiedene Frau Mary Mary
1965: Der Schuß


Trailer zum Film (englisch):

Dass Regie-Legende Ingmar Bergman seinen Kollegen Andrei Tarkowski einst zu einem der wichtigsten Filmemacher des 20. Jahrhunderts erklärte, spielt in Anbetracht des filmischen Tarkowski-Erbes im Grunde keine bedeutende Rolle. Werke wie „Stalker“ oder „Solaris“ sprechen schließlich auch ohne bedeutende Verehrer für sich. Zudem kann Tarkowski mit „Andrej Rubljow“ noch ein weiteres filmisches Schwergewicht aufbieten, das sich in qualitativen Sphären bewegt, in die in den letzten einhundert Jahren nur allzu wenige Meisterwerke vorgedrungen sind. Der fragmentarisch angelegten, in archaisch anmutenden Schwarz-Weiß-Bildern erzählten Lebensgeschichte des Malers Andrej Rubljow wohnt nämlich eine derartige Wuchtigkeit inne, dass der eine oder andere Cineast schlichtweg verstört zurückbleiben dürfte. Tarkowskis fraglos epochalster Film verfügt in seinem tiefgreifenden Anspruch eine literarische Tragweite und steht den Werken großer russischer Schriftsteller auf Augenhöhe gegenüber. Das bedächtige – eben literarisch inspirierte – Erzähltempo trägt dazu bei, dass sich der Zuschauer gänzlich auf die inneren und äußeren Betrachtungen des Protagonisten einlassen kann und das Wesen des streunenden Künstlers in seiner Symbolträchtigkeit erfasst. Cineasten, die Dostojewski oder Turgenew nicht mal mit der Kneifzange anlangen würden, sei an dieser Stelle daher von „Andrej Rubljow“ abgeraten.

Ähnlich wie bei Bergman macht es Sinn, Tarkowskis Filmographie als Gesamtwerk zu betrachten. Filme wie „Stalker“ oder „Solaris“ sollten interessierte Cineasten nämlich ebenfalls auf der Rechnung haben. Als nicht gerade unsperriges Werk bietet „Andrej Rubljow“ in jedem Falle keinen besonders unanspruchsvollen Einstieg in die düstere Tarkowski-Welt.


Daten:

UdSSR 1969, 185 Minuten
Regie: Andrei Tarkowski
Genre: Biography | Drama | History
Darsteller: Anatoliy Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolay Grinko, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 8,2 von 10
moviepilot.de: 7,0 von 10


Filmzitate:

“Du gießt Glocken, ich male Ikonen – was für ein Festtag für die Menschheit.”

Auszeichnungen:

• 1969: FIPRESCI-Preis bei den Filmfestspielen von Cannes
• 1970: Étoile de Cristal für die beste ausländische Darstellerin
• 1971: Prix Léon Moussinac für den besten ausländischen Film

Andrej Rubljow bei Amazon:

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Weitere Filme von Andrei Tarkowski:

1962: Iwanowo detstwo (Iwans Kindheit)
1972: Soljaris (Solaris)
1974–75: Serkalo (Der Spiegel)
1979: Stalker
1983: Nostalghia
1985–86: Offret (Opfer)


Trailer zum Film (deutsch):

Die Zutaten eines klassischen Film noir variieren im Grunde nur marginal. Irgendwo muss immer ein Detektiv oder ein detektivartiger Kerl einen vermeintlich harmlosen Auftrag übernehmen, der ihn letztlich in die Abgründe seines eigenes Seins führt. Dass dabei eine Femme fatale zumeist eine tragende Rolle spielt, versteht sich von selbst. In diesem Sinne funktioniert „Goldenes Gift“ als klassischer Film noir, da sich alle Zutaten in gewohnter Form wiederfinden. Ein Film noir von der Stange ist Jacques Tourneurs Werk aber dennoch nicht. Die intelligent-verwinkelte Story und die kernig-tragische Art von Hauptdarsteller Robert Mitchum heben den Film nämlich auf ein Niveau, das nur wenige Vertreter der Schwarzen Serie erreichen. Die Beimischung von ungewöhnlich handfesten melodramatischen Zusätzen lässt „Goldenes Gift“ in seiner Tragweite wesentlich umfassender anmuten als viele Genre-Kollegen und vermittelt beinahe gar epische Züge. Das virtuos inszenierte Ende und die nachwirkenden Schwarz-Weiß-Bilder leisten letzten Beitrag zum außergewöhnlichen Gesamteindruck des Films, der trotz der namhaften Besetzung heutzutage hinter Werken etwa eines Humphrey Bogart zurücksteht. Der eine oder andere Film-Fan kann mit „Goldenes Gift“ demnach noch eine echte Film-noir-Entdeckung machen, wenngleich Fans der Schwarzen Serie bereits auf den Film aufmerksam geworden sein dürften. Schließlich gibt es nicht wenige Cineasten, die besten Gewissens behaupten, dass es sich bei „Goldenes Gift“ um einen der sehenswertesten Film noir überhaupt handele. Bogey möge es verzeihen.


Daten:

Vereinigte Staaten 1947, 97 Minuten, FSK: 12
Regie: Jacques Tourneur
Genre: Drama | Film-Noir | Thriller
Darsteller: Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 8,1 von 10
moviepilot.de: 8,5 von 10
Filmstarts.de: 5 von 5


Filmzitate:

“Allmählich wird es langweilig, immer der Dumme zu sein.”

“Er war ein guter Spürhund. Das war auch das einzige Gute an ihm.”

“Zwei Dinge rieche ich auf 100 Meter, angebrannte Zwiebeln und Liebe.”

Auszeichnungen:

• 1999: Aufnahme in die National Film Registry der US-Kongress-Bibliothek

Goldenes Gift bei Amazon:

auf DVD oder Blu-Ray


Weitere Filme von Jacques Tourneur:

1942: Katzenmenschen
1943: Ich folgte einem Zombie
1943: The Leopard Man
1944: Experiment in Terror
1946: Feuer am Horizont
1948: Berlin-Express
1950: Stars in My Crown
1950: Der Rebell
1951: Die Piratenkönigin
1955: Wichita
1957: Der Fluch des Dämonen
1957: Wenn die Nacht anbricht
1958: Draufgänger nach vorn
1959: Feind im Rücken
1963: Ruhe Sanft GmbH
1965: Stadt im Meer


Links zum Film:

Goldenes Gift auf film-zeit.de


Trailer zum Film (englisch):

Geht es daran, Ingmar Bergmans „Das siebente Siegel“ in eine Schublade zu stecken, muss man sich schon eines ganz besonderen Schranks bemühen. Schließlich gehört Bergman in eine Kategorie etwa mit Fritz Lang, Akira Kurosawa oder Federico Fellini und zählt damit zu den wichtigsten Filmemachern des 20. Jahrhunderts. Und da „Das siebente Siegel“ als so etwas wie das große Meisterwerk des schwedischen Regisseurs bezeichnet werden muss, erübrigen sich Fragen nach der historischen Bedeutung des Films ohnehin bereits mit dem ersten Atemzug. Max von Sydows schattenreiche Meta-Reise in die Abgründe des mittelalterlichen Schwedens ist bis zum heutigen Tage auf vielerlei Ebenen unerreicht und dürfte unbedarfte Cineasten, die sich in die Welt aus Philosophie, Tod und Pathos verirren, schier erdrücken. „Das siebente Siegel“ entwickelt nämlich eine unbändige Wucht, die in längst legendären Schwarz-Weiß-Bildern zum Ausdruck kommt, wie es selten in der Filmgeschichte zu beobachten gewesen ist. Es dürfte also leicht zu begreifen sein: Bergman ist nichts für Anfänger, nichts für einen fröhlich-jovialen Filmabend. Bergman ist etwas für Cineasten, die Filme in sich aufsaugen und sich mit ihnen verbunden fühlen. Und wenn „Das siebente Siegel“ Bergmans großes düsteres Glanzstück ist, dann sollte jeder darauf gefasst sein, welche Kraft sich in einem solchen Werk verbirgt. Cineasten, die nach dem Film nicht mehr unbefangen Schach spielen können, soll es schließlich nicht nur eine Handvoll geben.


Daten:

Schweden 1957, 96 Minuten, FSK: 16
Regie: Ingmar Bergman
Genre: Drama | Fantasy
Darsteller: Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Nils Poppe, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 8,3 von 10
moviepilot.de: 7,7 von 10
moviemaze.de: 95 von 100%


Auszeichnungen:

• Jury-Spezialpreis bei den Filmfestspielen von Cannes 1957
• Bester ausländischer Film bei dem Filmpreis Étoile de Cristal 1959
• Bester ausländischer Regisseur bei den Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani 1961

Das siebente Siegel bei Amazon:

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Weitere Filme von Ingmar Bergman:

1958: Nahe dem Leben
1958: Das Gesicht
1960: Das Teufelsauge
1961: Wie in einem Spiegel
1962: Licht im Winter
1963: Das Schweigen
1966: Persona
1967: Stimulantia
1968: Die Stunde des Wolfs
1968: Schande
1969: Passion
1971: The Touch
1972: Schreie und Flüstern
1973: Szenen einer Ehe
1975: Die Zauberflöte
1977: Das Schlangenei
1979: Fårö-Dokument 1979
1980: Aus dem Leben der Marionetten
1982: Fanny und Alexander


Trailer zum Film (englisch):

Macht man es sich zur Aufgabe, das Horrorgenre in grobe Abschnitte zu unterteilen, kommt man zu einem altbekannten, nämlich dreigeteilten Ergebnis: Schocker, Schlitzer, Suspense. Während die „Schocker“ mit allerhand Überraschungsmomenten operieren und das Böse gerne mal durch eine Fensterscheibe geflogen lassen kommen, legen „Schlitzer“ das Hauptaugenmerk auf einen wie auch immer gearteten Bösewicht, der sich mit einer wie auch immer gearteten Waffe im Anschlag davonhastenden Teenies widmet. Die dritte Kategorie im Bunde sind die „Suspense-Filme“, in denen das Böse zumeist im Hintergrund verbleibt und allenfalls in subtilen Andeutungen seinen Ausdruck findet. Filme wie „The Ring“ oder Jessica Hausners „Hotel“ zeigen dabei am deutlichsten, dass sich ein Film durchaus reduzierter Mittel bedienen kann, um das Publikum in Angst und Schrecken zu versetzen. In eine ganz ähnliche Kerbe schlägt Hans-Christian Schmids „Requiem“, das man letztlich als Suspense-Drama bezeichnen muss. Dabei liegt es wohl allein im Auge des Betrachters, ob Suspense-Elemente oder dramatische Wendungen das Bild bestimmen. Dank einer fantastisch agierenden Sandra Hüller entwickelt der Film nämlich den Anspruch, seiner Thematik in allumfassender Tragweite gerecht zu werden und gehört somit zu den aufregendsten Werken des modernen deutschen Films. Doch Vorsicht: Da sich der Film in weiten Teilen befremdlich-reduzierter Stilmittel des sog. jungen deutschen Films bedient, könnte der eine oder andere Cineast auf den Gedanken verfallen, „Requiem“ sei gar kein waschechter Horror-Film. Und fürwahr: Hans-Christian Schmids kleines Meisterwerk ist beileibe nichts für den nächsten Grusel-Film-Abend unter Freunden – sondern bleibt allein einer intimen Atmosphäre vorbehalten.


Daten:

Deutschland 2006, 93 Minuten, FSK: 12
Regie: Hans-Christian Schmid
Genre: Drama
Darsteller: Sandra Hüller, Burghart Klaußner, Imogen Kogge, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 8,5 von 10
moviepilot.de: 7,8 von 10
Filmstarts.de: 4 von 5
moviemaze.de: 30 von 100%


Auszeichnungen:

• fünf Auszeichnungen beim Deutschen Filmpreis 2006
• zwei Auszeichnungen bei der Berlinale 2006
• eine Auszeichnung bei dem Bayerischen Filmpreis 2006

Requiem bei Amazon:

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Weitere Filme von Hans-Christian Schmid:

1989: Sekt oder Selters
1991: Das lachende Gewitter
1991: Baron Münchhausen
1992: Die Mechanik des Wunders
1994: Himmel und Hölle
1995: Nach Fünf im Urwald
1998: 23 – Nichts ist so wie es scheint
2000: Crazy
2003: Lichter
2009: Die wundersame Welt der Waschkraft
2009: Sturm
2012: Was bleibt


Trailer zum Film (deutsch):

Ist vom Italienischen Neorealismus die Rede, sind Namen wie Rossellini, Visconti oder Fellini nicht weit. Gelegentlich wird sogar ein verirrter Zeigefinger erhoben und ein gewisser Michelangelo Antonioni in den Raum geworfen. Vittorio De Sica hingegen gehört heutzutage nicht zum allgemeinen Filmbewusstsein und findet selbst in einschlägigen Medien nur am Rande Erwähnung. Dabei gehört De Sica zu den absoluten Größen des Italienischen Neorealismus und hat neben „Umberto D.“ mit „Fahrraddiebe“ ein uneingeschränktes Highlight der speziellen Film-Epoche zu verantworten. Lamberto Maggioranis existenziell wie symbolisch anmutende Suche nach den Dieben seines Fahrrads besitzt neben der gesellschaftspolitischen Tragweite nämlich vor allem aufgrund der emphatischen Schwarzweiß-Bilder eine geradezu schneidende Eindringlichkeit, die das Werk zu einem der sehenswertesten italienischen Filme des 20. Jahrhunderts macht. Dabei ist es als besonderes Qualitätsmerkmal zu verstehen, dass „Fahrraddiebe“ gemäß den Vorgaben des Italienischen Neorealismus nicht als Kunstfilm konzipiert wurde, in seinem kunstvollen Realitätsstreben aber dennoch zu etwas Neuem wird, das die Gesetze der Epoche beugt, ohne sie zu brechen – und diese damit überhöht. Echte Cineasten kommen an De Sicas „Fahrraddiebe“ demnach nur schwerlich vorbei.

An letzter Stelle empfehlen wir natürlich noch „Umberto D.“. Der akkurat nachgezeichnete Niedergang eines verzweifelten Rentners gehört nämlich – wie bereits erwähnt – ebenso zu jenen italienischen Filmen, die man als Kino-Fan zumindest einmal im Leben gesehen haben sollte.


Daten:

Italien 1948, 90 Minuten, FSK: 12
Regie: Vittorio de Sica
Genre: Krimi | Drama
Darsteller: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, uvm.


Dieser Film wurde bewertet von:

IMDb: 8,4 von 10
moviepilot.de: 7,7 von 10
Filmstarts.de: 5 von 5


Auszeichnungen:

• Eine Auszeichnung und eine Nominierung bei der Oscarverleihung 1950
• Eine Auszeichnung bei den Golden Globes 1950
• Eine Auzeichnung bei den British Film Academy Awards 1950

Fahrraddiebe bei Amazon:

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Weitere Filme von Vittorio de Sica (Auszug):

1940: Rose scarlatte
1940: Maddalena, ein Mädchen mit Pfiff
1941: Verliebte Unschuld
1942: Un Garibaldino al convento
1944: I bambini ci guardano
1945: La porta del cielo
1946: Schuhputzer
1951: Das Wunder von Mailand
1952: Umberto D.
1954: Das Gold von Neapel
1956: Das Dach
1960: Und dennoch leben sie
1963: Gestern, heute und morgen
1964: Hochzeit auf italienisch
1970: Der Garten der Finzi Contini
1972: Lo chiameremo Andrea
1973: Ein kurzer Urlaub
1974: Die Reise nach Palermo


Trailer zum Film (englisch):