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Predador: Terras Selvagens - o predador como protagonista

2026-03-13T21:12:00.000-03:00

O Predador deve ser um dos filmes de monstros mais famosos e um dos mais queridos da galera da minha geração. Mas por alguma razão, o novo filme da franquia, Predador: Terras Selvagens polarizou uma parte da audiência que parece incapaz de conceber um monstro dotado de sociedade e cultura. Mesmo que esse monstro seja capaz de voo interestelar e camuflagem.

Predador: Terras Selvagens tem uma premissa bastante simples. Expulso do seu clã, um caçador alienígena embarca em uma jornada traiçoeira em busca do adversário supremo em um planeta perigoso. Lá, a natureza é selvagem ao extremo e ele percebe que apenas seu conhecimento e sua força talvez não sejam páreo para enfrentar os desafios da natureza. Mas é então que ele faz uma aliada improvável: Thia (Elle Fanning), uma androide da Weyland-Yutani (sim, ela mesma) largada e parcialmente destruída no planeta. Começa então essa jornada improvável de sobrevivência e cooperação.

Algo bastante importante de se destacar é que, enquanto nos filmes anteriores, o Predador era sempre um coadjuvante sanguinário e quase invencível, aqui ele é o protagonista. No universo expandido de fanfics, quadrinhos e jogos de O Predador, eles são por vezes chamados de Yautja ou de Hish. E Yautja é o termo adotado para descrever os membros de sua espécie. Ou seja, não apenas ele ganha protagonismo, como também ganha uma estrutura social, cultura, conflitos e vulnerabilidades.

O jovem Yautja chamado Dek tenta provar seu valor como guerreiro perante o seu clã. Então, não vemos pobres seres humanos sendo despedaçados pela criatura, temos um jovem tentando sobreviver com base no que aprendeu com outros guerreiros. Isso nos permite ver o Predador como alguém, não uma coisa, um monstro sem cérebro ou inteligência, mas um protagonista cuja jornada vale a pena acompanhar, não um mero antagonista que é mau por natureza.

Vi alguns comentários que criticavam a "humanização" da criatura em Terras Selvagens. Foi a mesma galera que criticou Frankenstein, de del Toro, pelo mesmo motivo. Isso provavelmente aconteceu porque a pessoa conhecia o Frankenstein unicamente por sua adaptação com Boris Karloff, sem jamais ter lido o livro se aprofundado nos dilemas que a criatura vive por sua condição. Del Toro pode ter aprofundado essas questões, mas não exatamente inventou a roda em seu longa.

O Predador, por sua vez, já surgiu como aquela criatura bombada do primeiro filme. Mas pare e pense um instante: como ele chegou ao planeta Terra? Ele é obviamente alienígena, dotado de uma tecnologia avançada, capaz de criar armadilhas e executar lutas sofisticadas. Tudo isso em si já indica uma cultura de algum tipo, uma inteligência bem além da nossa, sem falar na capacidade de voo interestelar. Como esses seres não podem ter cultura e sociedade?

Convenhamos que isso nem mesmo é novidade? Em Alien vs Predador (2004), o Predador sobrevivente coopera com Alexa Woods e depois reconhece seu valor como guerreira por terem sobrevivido a um dos alienígenas mais perigosos do universo. Novamente, isso é sinal de presença de cultura e sociedade. Reclamar disso num novo longa como se ninguém nunca tivesse pensado antes é meio que uma idiotice.

Outra questão que me agradou demais nesse filme: não temos seres humanos em cena. Apenas Yautjas e androides. O enredo é centrado na cultura Yautja e em um planeta alienígena hostil, sem a presença de um único ser humano para contar história. Ele nem sobreviveria, falando a verdade. Mas isso não quer dizer que é difícil se identificar com Dek ou até mesmo com Thia, pois velhos sentimentos universais e bem humanos estão presentes, como o fato de Dek ser marginalizado dentro de sua própria cultura e ele então parte em busca desse reconhecimento. Passamos a ver o universo como um lugar repleto de vida, quase incompreensível e ainda assim bastante familiar em certos aspectos. E claro, vemos a presença do capitalismo predatório em mais um planeta...

Foi muito revigorante ver um filme que não gira mais em torno da carnificina de seres humanos. Todo um leque de novas possibilidades narrativas se abriu para o universo de O Predador, que deixa de ser um slasher de ficção científica para um universo de características intensas, com uma sociedade alienígena muito mais avançada que a nossa. O Predador é uma criatura versátil, podendo atuar em vários ambientes e épocas, como o excelente O Predador: A Caçada nos mostrou.

Espero que novos filmes venham e que eles nos mostrem mais da sociedade Yautja.

Até mais!

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10 coisas que você não sabia sobre Mortal Kombat

2026-03-07T17:06:00.003-03:00

Acredito que toda criança da minha geração assistiu ao filme de 1995 e jogou Mortal Kombat! Pessoalmente, eu adorava ir no fliperama depois do colégio e socar uns moleques. O primeiro longa estreou em 1995. Alguns dos maiores lutadores são atraídos para uma ilha misteriosa onde enfrentarão inimigos terríveis. Mas o lugar não parece existir em qualquer lugar da Terra, mas sim em um tipo de reino mágico, onde o Mortal Kombat acontece. Se eles não vencerem o torneio, o mundo mortal estará em grande perigo.

O enredo adapta o jogo original, de 1992, tomando emprestado alguns elementos do segundo jogo, de 1993. Dirigido por Paul Anderson (o mesmo de Resident Evil), o longa teve 20 milhões de dólares de orçamento, tendo faturado ao todo cerca de 122 milhões ao redor mundo em bilheteria.

10. Desenvolvimento

Mortal Kombat II ainda estava em fase de testes e o game original tinha sido lançado apenas para os fliperamas, quando o produtor do longa, Lawrence Kasanoff, visitou alguns amigos na produtora do jogo, a Midway Games, e jogou com ele. Percebendo o potencial para se fazer um filme, ele lançou a ideia aos desenvolvedores, mas o diretor da Midway, Neil D. Nicastro, não achou que o filme seria um sucesso, principalmente devido ao fracasso de adaptações cinematográficas de videogames no passado. Foram meses de negociações, até que Kasanoff finalmente adquiriu uma opção limitada sobre os direitos cinematográficos de Mortal Kombat.

9. Direção

Muitos diretores renomados foram considerados para o longa, mas o produtor escolheu o então desconhecido diretor Paul Anderson depois de assistir ao seu filme de estreia de 1994, Shopping, percebendo que havia muito potencial ali. Anderson não tinha experiência com efeitos visuais, nem mesmo em filmar longas cenas de lutas, então leu todos os livros que conseguiu encontrar para começar as gravações.

8. Cenas de luta

Como Paul Anderson não tinha experiência em filmar cenas de luta, ele rodou a primeira sequência na praia em planos abertos contínuos. Após várias tomadas, os atores estavam exaustos, então Robin Shou (Liu Kang) contou a Anderson o segredo do ofício: planos abertos geralmente são usados por apenas alguns segundos, enquanto o restante da cena é filmado como uma série de planos fechados curtos. Filmar as cenas de luta ficou mais fácil depois que Anderson percebeu seu erro.

7. Kano

No jogo original Mortal Kombat (1992), o personagem Kano era nipo-americano. No entanto, Ed Boon e John Tobias (os desenvolvedores originais) ficaram tão impressionados com a atuação de Trevor Goddard no filme que alteraram a história de Kano nos jogos seguintes, tornando-o australiano, o que eles acreditavam ser a nacionalidade de Goddard. Mais tarde, descobriram que Goddard tinha um sotaque cockney (do East End de Londres, que eles e muitos espectadores confundiram com o sotaque australiano) e que, na verdade, Goddard havia nascido na Inglaterra; Goddard manteve essa versão e alegou ser de ascendência australiana até sua morte em 2003, provavelmente porque isso facilitava a obtenção de papéis no cinema.

6. Shang Tsung

Cary-Hiroyuki Tagawa era a primeira e única escolha dos produtores para interpretar o poderoso vilão Shang Tsung. O ator chegou para o teste vestido como o personagem e leu suas falas do alto de uma cadeira. Shang Tsung retratado bem mais jovem nas telonas para evitar o excesso de maquiagem que seria necessário para reproduzir sua aparência envelhecida no jogo.

5. Machucados

Para um filme com tantas cenas de luta, é supreendente que os machucados não eram tão frequentes. Algumas escoriações e arranhões eram os mais comuns. Bridgette Wilson-Sampras, a atriz que interpretou Sonya Blade, fez todas as suas próprias cenas de ação (recusando-se a usar dublê), incluindo as cenas de luta. Ela deslocou o ombro durante uma cena, mas conseguiram consertá-lo no set, sem que o problema se repetisse. Originalmente, Cameron Diaz seria Sonya Blade, mas ela quebrou o pulso durante as sessões de treino e a produção chamou Bridgette, que já tinha feito o teste para o papel várias vezes.

4. Locações

As filmagens começaram em agosto de 1994 e terminaram em dezembro do mesmo ano. As cenas externas de Outworld foram filmadas na usina siderúrgica abandonada da Kaiser Steel (atual Auto Club Speedway) em Fontana, Califórnia, enquanto todas as cenas com Goro foram filmadas em Los Angeles. As locações na Tailândia eram tão remotas que só eram acessíveis por barco. Elenco, equipe e equipamentos precisavam ser transportados em longas canoas. Um banheiro externo foi construído em uma área isolada perto do set de filmagem para que a equipe não precisasse fazer viagens constantes de ida e volta ao continente. As locações de filmagem na Tailândia incluem os templos Wat Phra Si Sanphet, Wat Chaiwatthanaram e Wat Ratchaburana.

3. Trilha sonora

Os produtores foram rejeitados tanto pela Sony quanto pela Virgin Records para produzir a trilha sonora do filme. Eles queriam usar música eletrônica, enquanto as gravadoras insistiam em artistas populares como Van Halen e Janet Jackson. Os produtores finalmente optaram pela TVT Records, uma gravadora relativamente pequena na época, e a trilha sonora se tornou o primeiro álbum de platina de música eletrônica da história.

2. Jax

O veterano ator Steve James deveria ter interpretado Jax, colega de Sonya Blade, mas morreu um ano antes do início da produção do filme, devido a um câncer de pâncreas. Steve era conhecido por atuar na série Guerreiro Americano, em Força Delta, com Chuck Norris e em O Exterminador do Futuro. O ator Gregory McKinney, que substituiu James, morreu em 1998, devido a um aneurisma. Ambos os atores morreram aos 41 anos.

1. Goro

Todas as cenas de Goro foram rodadas em um estúdio em Los Angeles. O animatrônico usado para representá-lo precisava ser operado por 13 a 16 pessoas e frequentemente apresentava defeitos, causando muitos atrasos. Ele não pôde ser levado para o set na Tailândia por medo de que tivesse ainda mais problemas em um lugar tão remoto. Para suas cenas de luta, a equipe criou um cenário com lagos e água, mas eles foram rapidamente removidos para evitar que Goro caísse acidentalmente e sofresse um curto-circuito.

Tá vindo filme novo da franquia, bora ver??

FATALITY!

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Livros vs. filmes, a velha discussão de sempre

2026-01-10T20:26:00.000-03:00

Sempre que um livro é adaptado para as telas, a discussão começa. De que o livro é melhor, de que o longa não adaptou o livro do jeito certo, que deixou de fora muita coisa. Eu sei, você já reclamou, eu mesma já reclamei muito a respeito. Mas a real mesmo é que livro e filme são duas mídias diferentes, portanto nada será igual, nem mesmo a obra no qual o longa se inspirou. E tá tudo bem!

Recentemente saiu o trailer do longa A Odisseia, com Matt Damon e direção de Christopher Nolan. E é claro que muita gente começou a reclamar que a adaptação "não é fiel ao livro". E com apenas 1 min e 50 segundos, muita gente já está adivinhando que o filme vai ser uma bomba. É até estranho pensar que as pessoas estão reclamando de fidelidade histórica de uma obra praticamente mitológica e dizendo que estão desrespeitando o trabalho de Homero, sendo que ele nunca existiu.

Sempre que um livro favorito meu é adaptado, me preocupo se a história contada será boa e bem interpretada. E um tempo atrás eu até boicotaria o longa com medo que eles tivessem se desviado muito do material original. Mas como diz Stephen King, comparar livro com filme é como comparar maçãs com laranjas. São duas grandes fontes de entretenimento, mas são incomparáveis já que possuem ritmos e produções diferentes entre si. Ambos têm suas vantagens e desvantagens e não dá pra esperar a mesma satisfação com duas mídias diferentes.

Sem recursos visuais, os livros dependem muito da transmissão da mensagem por meio dos diálogos e pensamentos dos personagens. Isso permite ao público compreender bem não apenas o que está acontecendo na história, mas também mergulhar nos pensamentos dos personagens, um aspecto que os filmes muitas vezes têm dificuldade em capturar. Nós sentimos com eles, viajamos com eles. Os livros também tendem a estender o tempo, dando aos leitores tempo para processar e interpretar o texto. Já os filmes tendem a ser muito mais concisos, indo direto ao ponto, mas reduzindo o tempo que os espectadores têm para assimilar a história.

Os filmes são uma fonte visual de entretenimento e proporcionam ao público um apelo mais emocional, pois podem dar vida à história. Especialmente para textos mais complexos, como Shakespeare ou clássicos do século XIX, os filmes permitem que o espectador acompanhe a história com menos esforço. Muitos elementos de um filme, como música e efeitos sonoros, podem torná-lo mais "real" e ajudar a reforçar a emoção que está sendo retratada.

Eu sempre vou preferir os livros aos filmes ou séries de TV, mas às vezes um filme adaptando um livro pode ter ficado melhor. Isso aconteceu com a saga de Jogos Vorazes, por exemplo. Senti que várias decisões tomadas nos longas ficaram melhores do aquelas que li nos livros. Por exemplo, a forma como Katniss encontra o broche do tordo é totalmente diferente do primeiro livro para o primeiro filme. Effie Trinket desaparece no terceiro livro para aparecer apenas no finalzinho, mas nos dois últimos filmes da trilogia ela tem uma participação muito mais ativa. Foram mudanças benéficas para a narrativa e que os fãs receberam muito bem.

Ao se adaptar uma obra para o cinema ou para a TV, a mensagem e a história acabam chegando a mais gente. São poucos os lares brasileiros que têm livros, mas praticamente toda casa tem uma televisão. Um filme adaptando um livro tem mais chances de ser visto do que lido e leva a mensagem para muito mais gente. Sei que muitos não gostaram da série Os Anéis de Poder, mas eu adorei e ainda me senti estimulada a reler a trilogia e a ler os outros lançamentos porque conheci mais sobre esse mundo.

Como os livros costumam ser muito focados em pensamentos internos dos personagens, é difícil transformar certas cenas em imagens. Por isso vemos muitas adaptações de cenas, de personagens, de mensagens e finais. Um roteiro sempre será menor do que um livro. E é composto principalmente por diálogos. Roteiristas não têm escolha a não ser omitir alguns detalhes. Isso significa reduzir subtramas, simplificar histórias de fundo e confiar no subtexto, na narrativa visual e nas atuações dos atores para transmitir os pensamentos e sentimentos dos personagens.

Isso pode resultar em uma história que não atende às expectativas do leitor. Mas também é possível que uma narrativa na tela seja tão complexa e envolvente quanto um livro. Claro, os filmes têm limitações, mas também têm vantagens, como o fato de que todo esse meio é a personificação do princípio "mostre, não conte". Os filmes também podem diferir do material original porque os cineastas não estão tentando recriar a mesma história tim-tim por tim-tim. Eles podem querer adaptar a narrativa para o público moderno, para se adequar às tendências atuais ou para enfatizar uma interpretação específica. Como del Toro fez com Frankenstein.

Nunca pretendi bater o martelo e dizer qual mídia é melhor. Cada uma delas tem seu foco, sua especificidade, seu meio de transmitir uma mensagem e contar uma história. Acho que há espaço para todo mundo no parquinho.

Até mais!

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10 coisas que você não sabia sobre Caçada ao Outubro Vermelho

2025-07-23T00:30:00.002-03:00

Caçada ao Outubro Vermelho (1990) é um dos meus filmes favoritos dos anos 90! Um analista da CIA, no auge da Guerra Fria, precisa impedir que um submarino soviético de ponta seja destruído, mas para isso precisará mover toda a Marinha norte-americana e convencer aqueles no poder de que a missão é possível.

Dirigido por John McTiernan (mesmo diretor de Duro de Matar) e com fotografia de Jan de Bont, o longa contou com 30 milhões de dólares de orçamento, faturando nos cinemas cerca de 200 milhões. Chegou a ganhar um Oscar, de Melhor Edição de Som, em 1991.

10. Experiência militar

Vários atores do longa tiveram experiências militares na juventude. James Earl Jones serviu no Exército durante a Guerra da Coreia, tendo feito o curso na escola de Rangers. Scott Glenn esteve por três anos nos Fuzileiros Navais e Sean Connery serviu na Marinha Real Britâica aos 16 anos durante a Segunda Guerra Mundial.

9. Tom Clancy

O produtor do longa, Mace Neufeld, adquiriu os direitos autorais do romance de Tom Clancy após o ler em fevereiro de 1985. Mas apesar do livro ter sido um fenômeno de vendas, nenhum estúdio de Hollywood se interessou por seu conteúdo, pois achavam que a história era complicada demais para se adaptar para as telonas. Demorou quase dois anos até ele convencer um executivo a ler o livro e a financiar o longa. Este é o primeiro filme a mostrar as aventuras de Jack Ryan e seu sucesso nas bilheterias levaria a várias adaptações, tanto no cinema quanto na TV.

8. Filmagens

Uma das coisas mais interessantes do filme é justamente o fato de se passar quase que integralmente no interior de dois submarinos: o Outubro Vermelho e o Dallas. Mas filmar no interior de submarinos era impraticável. Então cinco estúdios da Paramount foram adaptados para serem cenários apertados das embarcações. Plataformas motorizadas simulavam os movimentos dos submarinos. Mas era bem claustrofóbico para os atores e Sean Connery tinha a tendência de enjoar conforme as plataformas se moviam. O veterano ator filmou por quatro semanas e o restante da produção filmou por vários meses em locações em Port Angeles, Washington, e nas águas de Los Angeles. Cenas do estaleiro da Marinha em Patuxent, Maryland, foram filmadas em uma base de submarinos em Point Loma, em San Diego.

7. Harrison Ford

O papel de Jack Ryan foi primeiro oferecido a Harrison Ford, que acabou recusando porque achava que o filme focava demais no capitão Ramius, personagem de Sean Connery, que já tinha sido seu pai em Indiana Jones e a Última Cruzada (1989). Dessa forma, o papel caiu no colo de Alec Baldwin, o que catapultou sua carreira cinematográfica. Curiosamente, Ford atuaria em dois filmes baseados em livros de Tom Clancy: Jogos Patrióticos (1992) e Perigo Real e Imediato (1994).

6. Mudanças políticas

O longa foi lançado nos cinemas em um momento de intensas mudanças políticas no mundo. A pré-produção começou em 1989, justo quando o Muro de Berlim estava caindo. Depois, ao ser lançado nos cinemas em março de 1990, a União Soviética estava colapsando e era uma questão de tempo até ser dissolvida. Ainda assim, para os produtores e para o diretor, o longa que fala de um militar soviético desertando para o Ocidente não tem nada de político.

5. Marinha dos Estados Unidos

Uma preocupação dos roteiristas era como a Marina norte-americana seria retratada e se o longa poderia revelar segredos da profissão que os militares quisessem resguardar do público. Porém, militares da ativa leram o livro de Clancy e gostaram do conteúdo e argumentaram que o longa poderia fazer pelos submarinistas o que Top Gun - Ases Indomáveis (1986) fez pelos pilotos de caça da Marinha.

4. Participações especiais

Várias participações especiais aparecem ao longo do filme. Além de marinheiros verdadeiros sendo usados como figurantes, havia outros envolvidos na produção. Um dos roteiristas, Larry Ferguson, é o chefe do barco a bordo do submarino USS Dallas (aquele oficial que conta já ter visto uma sereia). O editor do filme, Peter Zinner, faz uma pontinha como o almirante Yuri Padorin, aquele que recebe a carta chocante do capitão Ramius. E o pai do direitor, John McTiernan Sr., é um dos membros na sala enquanto Jack Ryan fala sobre o Outubro Vermelho na Casa Branca.

3. MiG

Na cena em que o conselheiro de segurança nacional (Richard Jordan) está conversando com Jack Ryan sobre o submarino, ele faz o seguinte comentário: "não estamos falando de um piloto soviético num MiG". Ele se refere ao piloto soviético Viktor Ivanovich Belenko, que fugiu da base da Força Aérea Soviética de Chuguyevka pilotando o ultrasecreto jato MiG-25 "Foxbat", em 1976. Ele desertou para os Estados Unidos ao pousar em Hakodate, no Japão e se tornou engenheiro aeroespacial nos Estados Unidos.

2. Sir Sean Connery

Originalmente, quem estava escalado para interpretar o capitão Ramius era o ator austríaco Klaus Maria Brandauer. Entretanto, na pré-produção, Brandauer quebrou a perna e precisou declinar do convite. Foi ele quem sugeriu seu amigo de longa data, Sean Connery para o papel. Os dois trabalharam juntos em 007 - Nunca Mais Outra Vez (1983). E ainda atuaram juntos em outro filme de 1990, A Casa da Rússia (1990), outro filme que também se passa na Guerra Fria.

1. Classe Typhoon

Há uma cena em que o capitão do USS Dallas, Bart Mancuso (Scott Glenn) pergunta ao marinheiro Jones (Courtney B. Vance) quantos submarinos de classe Typhoon eles tinham no computador e Jones responde que são seis submarinos. E isso era verdade. A União Soviética construiu seis submarinos da classe Typhoon e um sétimo estava programado, mas nunca foi construído porque a União Soviética colapsou em 1991. Typhoon era uma classe de submarinos nucleares de mísseis balísticos, os maiores já fabricados, e não estão mais em operação.

Bora assistir de novo? Ele está na Netflix!

Пока!

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10 melhores cinebiografias de cientistas

2025-06-20T17:38:00.002-03:00

Muitas vezes, o cinema é o único contato que o público leigo tem com ciência. Por isso que é tão importante ter filmes que contem essas histórias, suas lutas, seus dramas e como suas descobertas são essenciais para o mundo desde sempre. Por isso, compilei uma listinha com dez de alguns dos melhores filmes que retratam a vida de cientistas nas telonas.

Lembrando que esta lista é pessoal!

10. O menino que descobriu o vento (2019)

O longa da Netflix, escrito, dirigido e estrelado por Chiwetel Ejiofor, conta a história real de William Kamkwamba. O jovem, de apenas 13 anos, teve uma ideia brilhante que mudou o rumo de sua vida e da vila onde morava no Malawi. Usando um livro de ciências como inspiração, ele construiu uma turbina eólica e com isso pode salvar da fome sua aldeia. Baseado em sua autobiografia, o jovem autodidata passava parte do seu tempo buscando partes de rádios e TVs no lixão local, e os consertava para amigos e vizinhos.

9. Temple Grandin (2010)

Estrelado por Claire Danes, Temple Grandin retrata a vida e o trabalho de Temple Grandin, uma mulher autista que revolucionou o tratamento de animais de criação. Baseado em suas próprias memórias, o filme aborda de forma sensível o estigma do autismo e o papel das mulheres na ciência. A produção foi aclamada pela crítica e venceu diversos prêmios; a própria Grandin elogiou a atuação de Danes, dizendo que foi como “voltar no tempo por uma máquina do tempo estranha”. Atualmente, Temple Grandin é professora de Ciências Animais na Universidade Estadual do Colorado e uma defensora proeminente dos direitos das pessoas autistas e dos movimentos pela neurodiversidade.

8. O céu de outubro (1999)

O Céu de Outubro conta a história de quatro jovens da Virgínia Ocidental que se inspiram em estudar foguetes após o lançamento do Sputnik 1. Baseado no livro de memórias Rocket Boys, o filme é um clássico do gênero “coming-of-age” que conquista recomendações por onde passa. Retrata de forma bela e honesta a vida nas regiões mineradoras de carvão dos Montes Apalaches no final dos anos 1950. O filme é baseado na história real de Homer H. Hickam Jr., filho de um mineiro que enfrentou as expectativas de sua comunidade para se tornar engenheiro da NASA. A obra é, em geral, fiel ao livro e à vida retratada, embora omita as associações de Wernher von Braun com o regime nazista.

7. O homem que viu o infinito (2014)

Estrelado por Dev Patel, O Homem que Viu o Infinito retrata a vida do matemático Srinivasa Ramanujan, desde sua trajetória na pobreza em Madras, na Índia, até sua mudança para a Universidade de Cambridge durante a Primeira Guerra Mundial. Sob a orientação do Professor G. H. Hardy, interpretado por Jeremy Irons, Ramanujan se tornou um matemático teórico de destaque. A amizade e o relacionamento entre Ramanujan e o Professor Hardy constituem o núcleo dramático do filme, que também aborda as dificuldades de construir uma nova vida em outro país enquanto se tenta manter os laços com a terra natal, além do preconceito que um estrangeiro sofre em outro país.

6. Ammonite (2020)

Ammonite explora a vida pessoal e os desafios enfrentados por Mary Anning, uma coletora de fósseis e paleontóloga do século XIX, que sofreu amargamente os efeitos do machismo da época. Estrelado por Kate Winslet no papel de Mary Anning, e Saoirse Ronan como sua amiga e eventual amante Charlotte Murchison, o filme se concentra predominantemente no relacionamento romântico entre as duas, tendo como pano de fundo a coleta de fósseis à beira-mar em Dorset. Do ponto de vista científico, o filme é revelador quanto aos modos como os fósseis eram descobertos, examinados, vendidos e doados, frequentemente ignorando o trabalho (especialmente de mulheres) que os desenterravam.

5. O jogo da imitação (2014)

O premiado longa de Morten Tyldum relata a famosa história da Máquina Enigma, desenvolvida durante a Segunda Guerra Mundial para a segurança das comunicações nazistas. Estrelado por Benedict Cumberbatch, o filme acompanha a vida de Alan Turing, conhecido por seu trabalho em Bletchley Park, uma antiga instalação militar, e pelas contribuições às máquinas construídas para a criptoanálise. Além de abordar matemática e criptografia, o filme presta homenagem ao próprio Turing e aos desafios que enfrentou na primeira metade do século XX por ser abertamente gay.

4. Nas Montanhas dos Gorilas (1988)

O longa narra a história da zoóloga Dian Fossey e sua mudança para a África para estudar os gorilas das montanhas Virunga, em Ruanda e no Congo. Seu trabalho sobre a comunicação e a vida social dos gorilas atraiu a atenção da National Geographic, mas também mostrou a caça desenfreada na região, o que a tornou uma ativista contra a caça indiscriminada de gorilas. O filme está datado em algumas questões, mas o que chama a atenção é a atuação de Sigourney Weaver que interpretou uma cientista que deu a vida por sua área.

3. Ágora (2009)

Ou Alexandria como foi nomeado no Brasil, é um filme espanhol que narra a história de Hipátia, a primeira mulher documentada como tendo sido matemática, no século IV. Como chefe da escola platônica em Alexandria, também lecionou filosofia e astronomia. O filme tem uma extensa lista de licenças poéticas ao se referir às invenções de Hipátia, mas mostra o efeito da ignorância na vida de uma mulher que luta para ser reconhecida em sua área de conhecimento. Ignorância essa que se transforma em uma turba furiosa, disposta a tudo para destruir Hipátia.

2. Oppenheimer (2023)

Considerado um dos melhores filmes de Christopher Nolan, o premiado filme narra a história e o trabalho do físico teórico J. Robert Oppenheimer que está entre aqueles creditados como o "pai da bomba atômica" por seu papel no Projeto Manhattan, liderado pelos Estados Unidos. Entretanto, Oppenheimer é assombrado pelas mortes em massa e pela destruição causada pelas bombas em Hiroshima e Nagasaki, que levariam à rendição do Japão. O filme também foca em sua vida pessoal e sua conexão com comunistas da época, o que levou a uma investigação de suas ações, além de desconfiança por parte do governo.

1. Estrelas além do tempo (2016)

Baseado no livro de mesmo nome, o filme acompanha a vida de três matemáticas da NASA que lutaram para ganhar o devido reconhecimento de seu trabalho durante a corrida espacial. Katherine Johnson, Mary Jackson e Dorothy Vaughan tiveram que enfrentar o racismo e o machismo de uma instituição basicamente branca e masculina que tentava levar a humanidade ao espaço e à Lua. Livro e filme obrigatórios para quem quiser entender a carreira brilhante dessas mulheres que sempre estiveram lá em várias áreas de conhecimento.

Lembrou de mais algum? Até mais!

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5 filmes de ficção científica preferidos dos cientistas

2025-04-22T00:30:00.003-03:00

Em um post passado, listei os 5 livros preferidos dos cientistas. E aí pensei "por que não fazer uma lista com os filmes favoritos?". E aí está! Mas atenção: ser um filme favorito por um cientista não significa que seja um filme preciso cientificamente. Até porque estamos falando de FICÇÃO. Apenas que ele tem algo que se destaca entre tantos outros já feitos.

5. Jurassic Park (1994)

A ciência por trás do filme parece sólida em um primeiro momento, apesar de não funcionar na vida real. Porém, a beleza do longa foi mostrar a ciência como algo divertido, ao mostrar um parque de diversões com dinossauros ressuscitados baseados em mosquitos presos em âmbar. Há muitas falhas na representação dos dinossauros, mas é uma obra que mudou a maneira como as pessoas viam a paleontologia e levou muitas crianças se tornarem paleontólogos no futuro, como Steve Brusatte. O público deixou de ver a ciência como algo relegado a museus e a homens velhos e viram um ambiente dinâmico e repleto de coisas legais para se fazer.

Leia também: 10 coisas que você não sabia sobre Jurassic Park

4. Contato (1994)

Baseado no livro de Carl Sagan de mesmo nome, o longa fala de uma astrônoma, Ellie Arroway (Jodie Foster), que descobre uma mensagem extraterrestre com instruções para se construir uma máquina capaz de levar uma pessoa para conhecer os alienígenas. Mesmo com as liberdades criativas típicas da ficção científica, o filme toca em pontos muito reais e pertinentes, como a fé versus a religião, a beleza do universo e como a personagem acabou inspirando muitas meninas a se tornarem astrônomas.

Leia também: 10 coisas que você não sabia sobre Contato

3. Interestelar (2014)

Elevado por cientistas como Michio Kaku como um "padrão de ouro" para filmes de ficção científica, o longa dirigido por Christopher Nolan explora viagens espaciais, buracos negros e dilatação temporal. Porém, mais do que isso, é um filme bastante emotivo, porque fala de como as pessoas seguem ligadas, ainda que separadas pelo tempo e pelo espaço. Sua representação precisa de um buraco negro, auxiliada pelo físico teórico Kip Thorne, também se tornou um padrão para a representação desse fenômeno na mídia.

Leia também: 10 coisas que você não sabia sobre Interestelar

2. Perdido em Marte (2015)

Dirigido por Ridley Scott, o longa tem algumas coisas exageradas? Tem, mas o autor já disse que mais de 90% do livro é factível. A própria NASA classificou o livro como uma obra bastante realista do ponto de vista da exploração espacial e da ciência em seu momento atual. Seria possível cultivar batatas em Marte com a técnica (nojentinha) de Mark. Seria possível se comunicar com a Terra usando as sondas desativadas no planeta. Além disso, é uma história de superação, uma história otimista, mostrando que é possível se valer da ciência e do raciocínio lógico para resolver problemas.

Leia também: 10 coisas que você não sabia sobre Perdido em Marte

1. Gattaca (1997)

Algo que é bastante elogiado pelos cientistas em Gattaca é o fato de o longa lidar com as diversas ansiedades a respeito da tecnologia. No filme, as pessoas são selecionadas de acordo com sua genética. Os nascimentos não são mais naturais, pois os casais procuram laboratórios para purgar os embriões de qualquer defeito genético. Vincent Freeman (Ethan Hawke) quer viajar para o espaço, mas acaba confinado na Terra por ser considerado geneticamente inferior. De acordo com os estudos genéticos da época em que foi lançado, ele foi considerado pela NASA como um dos filmes de ficção científica mais plausíveis de acontecer.

Leia também: 10 coisas que você não sabia sobre Gattaca

Gosta de algum deles? Bora rever??

Até mais! 🚀

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10 coisas que você não sabia sobre Alien: Romulus

2025-01-04T00:30:00.001-03:00

Alien: Romulus foi o melhor filme que assisti em 2024! O novo capítulo de Alien acompanha uma jovem tripulação que tenta fugir do gelado planeta Jackson's Star, mas precisa invadir uma estação da companhia, a Renaissance, para pegar suprimentos essenciais para a viagem. O que eles não sabiam é que encontrariam algo aterrorizante na segunda parte da estrutura, Romulus, e um segredo da Weyland-Yutani!

Leia também: 10 coisas que você não sabia sobre a franquia Alien

Escrito por Fede Álvarez e Rodo Sayagues, e dirigido por Álvarez, o longa teve um orçamento de 80 milhões de dólares, com um faturamento mundial de cerca de 350 milhões e se tornando um dos longas mais bem-sucedidos de 2024, sendo o filme de Alien mais lucrativo nos cinemas desde Aliens: O Resgate (1986).

10. Desenvolvimento

Depois que a FOX foi comprada pela Disney, a empresa confirmou em 2019 que um novo capítulo para a franquia Alien estava em desenvolvimento. Em março de 2022, foi anunciado que Fede Álvarez escreveria e dirigiria o sétimo filme de Alien. Este novo enredo não seria uma continuação dos filmes anteriores, mas sim uma aventura nova do Hulu. Mais tarde, Álvarez disse que a história teria sim conexão com o restante da franquia e que aconteceria entre os eventos de Alien (1979) e Aliens: O Resgate (1986). Então, o longa se passa 20 anos depois dos eventos da Nostromo e 37 anos antes do resgate de Ripley.

9. Efeitos especiais

Álvarez recrutou a equipe de efeitos especiais de Aliens: O Resgate (1986) para trabalhar nas criaturas. Os cenários, as criaturas e as miniaturas foram usadas sempre que possível, com o complemento do CGI na edição.

8. Inspiração

Os fãs mais antigos de Alien encontraram um visual muito familiar no filme de Álvarez. A produção se inspirou nos dois primeiros filmes, principalmente no filme de James Cameron, de 1986, mas também no jogo Alien: Isolation (2014), incluindo as comunicações de emergência da estação que serviram como pontos de salvamento no jogo. Na época do lançamento de O Homem nas Trevas (2016), Álvarez jogou Isolation e percebeu que seu novo filme de Alien seria aterrorizante se eles voltassem às origens da franquia.

7. Tripulação

Diferente dos dois primeiros filmes da franquia, a tripulação de Romulus é toda composta por jovens. Álvarez disse que se inspirou em uma cena inicialmente apagada de Aliens: O Resgate nos cinemas e que depois foi inserida na edição especial. A cena mostra crianças correndo e brincando pelos corredores da colônia no LV-426, Hadley's Hope, com brinquedos que levam o símbolo da Weyland-Yutani. O diretor então pensou: puxa, como seria a vida dessas crianças, crescendo em uma colônia que precisa de mais 50 anos de terraformação? Assim, ele achou que seria interessante contar a história dessas crianças que cresceram nesse tipo de ambiente.

6. Andy

Andy é o androide que possibilita a entrada da tripulação jovem de Jackson's Star na estação Renaissance. Mas sendo um modelo sintético antigo e desatualizado, ele volta e meia apresenta um defeito que faz seus dedos tremerem e se contraírem; em Aliens: O Resgate (1986), Bishop comenta que os modelos sintéticos mais antigos frequentemente eram "um pouco nervosos".

5. Cerveja Aspen

A produção de Romulus se preocupou com vários pequenos detalhes dos dois primeiros filmes para compor os cenários do novo longa. Um exemplo é a cerveja Aspen, que os jovens aparecem tomando em uma cena. Essa cerveja é fabricada pela Weyland-Yutani e é utilizada pelos tripulantes na Nostromo. Ela é produzida e engarrafada em Aspen, no Colorado, Estados Unidos.

4. Romulus e Remus

Após meses de especulação sobre o significado do subtítulo "Romulus", o roteirista e diretor Fede Alvarez explicou que ele se refere à estação espacial Romulus, onde parte da ação do filme se passa. Ele também revelou que há uma estação irmã chamada "Remus", nomeada em homenagem aos gêmeos Rômulo e Remo, os fundadores mitológicos da cidade de Roma, que foram criados e amamentados por uma loba quando crianças. No filme, Romulus e Remus são reveladas como as duas metades da estação espacial Renaissance, com a segunda metade do filme ocorrendo em Romulus; isso também explica o logotipo da nave, que mostra uma loba sobre duas crianças pequenas.

Essa escolha dá continuidade à tradição de nomear entidades com base em personagens ou lugares da mitologia clássica, como: a nave Prometheus do filme homônimo de 2012 (nomeada em homenagem a um titã grego); a nave Anesidora e o computador APOLLO de Alien: Isolation (2014) (nomeados, respectivamente, em homenagem a uma deusa e a um deus romanos); o planetoide Acheron de Aliens: O Resgate (1986) (nomeado em homenagem a um rio do submundo grego); e a USS Auriga de Alien - A Ressurreição (1997) (nomeada em homenagem a um herói grego).

3. Yvaga

Os jovens de Jackson's Star passam por tudo isso porque querem ir para o planeta Yvaga-3, que fica a nove anos de viagem. Mas onde fica Yvaga? O longa não especifica seu lugar, mas há um exoplaneta com esse nome na constelação de Carina. O planeta HD 63765 b é chamado de Yvága. Yvága significa "céu" ou "paraíso" em guarani, e a Via Láctea era conhecida como o caminho para yvága.

2. Carta

A ideia para o monstro final do filme foi inspirada em uma carta que o roteirista Dan O'Bannon enviou ao designer H.R. Giger durante a produção do filme original, de 1979:

O ALIEN, TERCEIRA FASE (MATURA): Depois de sair de sua vítima, o Alien cresce rapidamente até o tamanho de um homem, tornando-se extremamente perigoso. Ele é muito ágil, forte e capaz de despedaçar um homem. Se alimenta de carne humana. Essa criatura deve ser uma abominação profana. Nossos produtores sugeriram que algo semelhante a um bebê deformado e de tamanho exagerado poderia ser suficientemente repulsivo. De qualquer forma, desejamos que você se sinta livre para criar seu próprio design.

1. Robert Bobroczkyi

No final de Romulus, conhecemos a tal criatura aterrorizante, meio humana, meio alien, que sai na caça de Rain Carradine (Cailee Spaeny). A criatura foi interpretada pelo jogador de basquete romeno Robert Bobroczkyi, de 24 anos, que mede impressionantes 2,29m de altura. Jogando no Michigan, estado onde Álvarez mora, o diretor se impressionou com o jovem e achou que ele seria perfeito para interpretar a criatura. A equipe da maquiagem fez então moldes do corpo do jogador, para poder criar as próteses de silicone coladas à sua pele e embarcou tudo para Budapeste, onde as principais filmagens foram feitas.

A altura de Bobroczkyi foi um desafio para os cenários apertados da estação Romulus e foi preciso adaptar alguns espaços para que ele pudesse andar. Ele ainda teve aulas de atuação antes das filmagens, além de um coordenador de movimentos para treinar o andar da criatura em sua perseguição.

Bora assistir de novo?? Até mais!

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10 coisas que você não sabia sobre Capitão América 2: O Soldado Invernal

2024-11-16T16:01:00.001-03:00

Um dos meus filmes favoritos do MCU, Soldado Invernal (2014) é o nono filme do universo da Marvel e a sequência direta de Capitão América: o Primeiro Vingador. Steve Rogers trabalha para a SHIELD e acaba reencontrando seu melhor amigo de infância, Bucky Barnes, que pensava estar morto há muitas décadas. Mas Bucky não é mais o mesmo; ele é um assassino, tendo sido usado em várias situações essenciais da história e não se lembra de Rogers ou de nada sobre sua vida passada.

Dirigido pelos Irmãos Russo e com cerca de 170 milhões de dólares de orçamento, o longa foi sucesso de público e de crítica, abocanhando cerca de 715 milhões de dólares em bilheteria.

10. Captain America Comics

O Capitão América apareceu pela primeira vez em 1941, na revista Captain America Comics #1, publicada pela Timely Publications, que mais tarde se tornaria a Marvel Comics. O escritor Joe Simon contou que, inicialmente, escreveu o nome “Super American” no rodapé de uma página, mas achou que não funcionava… “Já tinha muitos ‘Supers’ por aí”, explicou em sua autobiografia. “’Capitão América’ soava bem. Não havia muitos capitães nos quadrinhos. Foi simples assim.”

9. Bucky Barnes

A história do melhor amigo de Steve Rogers nos filmes é totalmente diferente daquela dos quadrinhos. Originalmente, Bucky nasceu em Indiana e era um recruta órfão do Exército que acabou se tornando um mascote da base onde o Capitão América, já totalmente bombado pela transformação do soro, chegou para treinar. Os dois acabam amigos no processo e até trabalham juntos, mas a parceria teve um fim abrupto com a trágica morte de Bucky em Avengers #56, em 1968. A história que vemos no filme é muito mais próxima de outro personagem dos quadrinhos, Arnie Roth, amigo de infância de Rogers, que surgiu nas histórias do herói lá nos anos 1980.

8. Efeitos especiais

Os filmes de super-heróis costumam ser lotados de efeitos gerados por computador. Mas os Irmãos Russo queriam algo diferente e reduziram ao mínimo o uso de CGI no longa. Cenários imensos foram construídos, cenas de ação foram extensamente coreografadas e treinadas pelos atores, que aprenderam jiu jitsu e até krav magá, além de coordenarem explosões e bombas com os técnicos em efeitos. Tudo ganha uma camada de realidade que outros filmes do próprio MCU não têm.

7. Falcão

O Falcão foi o primeiro super-herói afro-americano nos quadrinhos e, desde sua estreia em 1969, já se uniu ao Capitão América inúmeras vezes. Suas asas – parte de um sofisticado sistema de voo – também podem ser usadas em combate para atacar ou imobilizar inimigos. No filme, seu visual é mais parecido com a versão dos Ultimate Comics, trazendo muitos detalhes inspirados no mundo real, como tiras, equipamentos e acessórios, em vez do clássico uniforme vermelho e branco original. Anthony Mackie fez várias cenas com cabos como Falcão. Os coordenadores de dublês o levantavam a mais de 20 metros de altura e o pousavam com precisão em uma pequena marca de fita no chão, permitindo que ele saísse diretamente dos cabos e entrasse em cena com naturalidade.

6. Rússia

Embora a história do passado de Bucky na Sala Vermelha tenha sido alterada para o filme, ele ainda passou um bom tempo sendo treinado na Rússia, como fica claro pelo fato de ele preferir o russo ao invés do inglês, sua língua nativa. Essa ideia foi expandida em Capitão América: Guerra Civil, onde foi revelado que a HYDRA desenvolveu um programa semelhante à Sala Vermelha para treinar outros Soldados Invernais, escondido na Sibéria.

5. A cadeira elétrica

A ideia de Bucky ter suas memórias apagadas por meio de choques elétricos foi criada exclusivamente para o MCU. Nos quadrinhos, sua memória foi completamente apagada durante sua queda, transformando-o em uma tábula rasa que a Sala Vermelha podia reprogramar como quisesse. Foi necessária a interferência do Cubo Cósmico para que Steve conseguisse trazer Bucky de volta à sua antiga personalidade.

4. O filme recebeu uma indicação ao Oscar

A Academia, às vezes, gosta de puxar um saco da Marvel, dando indicações técnicas para seus filmes, embora raramente eles levem o prêmio. De fato, O Soldado Invernal foi indicado na categoria de Melhores Efeitos Visuais, mas não ganhou. O único prêmio relevante que o filme conquistou foi o de Estrela de Filme de Ação Favorita para Chris Evans, no People’s Choice Awards.

3. Robert Redford

O veterano e premiado ator quis participar do filme porque seus netos são super fãs do MCU. Assim, os diretores fizeram várias homenagens à carreira de Redford no longa. É possível ver um exemplar de Todos os Homens do Presidente na estante de Steve Rogers, filme que Redford co-estrelou baseado nesse livro. Além disso, na geladeira do personagem Alexander Pierce, interpretado por Redford, há um pote de Newman’s Own, marca fundada por Paul Newman, ator frequentemente associado a Redford.

2. Michael B. Jordan

Nem sempre os atores ficam com os papéis para os quais fizeram teste. Tom Hiddleston, por exemplo, fez teste para interpretar Thor, mas acabou sendo escalado para Loki. O mesmo aconteceu com Michael B. Jordan, que mais tarde interpretaria Erik Killmonger em Pantera Negra, Jordan perdeu o papel para Anthony Mackie, e essa foi uma ótima notícia para a maioria dos fãs. Mackie se tornou o Sam Wilson perfeito, enquanto Jordan arrasou como Killmonger.

1. Gavião Arqueiro

Gavião Arqueiro, interpretado por Jeremy Renner, originalmente teria várias cenas no filme, incluindo uma sequência de luta onde ele enfrentaria o Capitão América após uma perseguição prolongada pela cidade. No entanto, problemas de agenda com Jeremy Renner impediram isso. Na versão inicial, Gavião Arqueiro foi enviado para caçar Steve, alcançando-o e os dois acabam lutando. Steve venceria a luta, mas, antes de se afastar, ele ouviria Gavião sussurrando para fazer a derrota parecer real. O motivo? Gavião Arqueiro havia perdido de propósito, já que um Quinjet estava gravando toda a cena do alto. Além disso, ele aproveitaria para alertar Steve sobre o dispositivo de rastreamento em seu uniforme.

Entretanto, já havia muita gente e muitas revelações importantes no longa e o roteiro acabou por descartar a participação de Renner.

Bora lá ver de novo?? Até mais!

WHO THE HELL IS BUCKY??? 🗡️

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Alien: Romulus, o grande acerto da franquia desde Aliens!

2024-08-25T20:30:00.001-03:00

Fede Alvarez fez algo que nem o próprio Ridley Scott conseguiu com Prometheus e Alien Covenant: criou um filme da franquia que conseguiu ser original e novo, mesmo bebendo de garrafada de suas fontes originais. Romulus chegou em um ótimo momento para tirar o gosto ruim deixado pelos filmes anteriores e ainda trouxe surpresas apavorantes!

Vamos para o básico: do que se trata Alien Romulus? Em 2142, 20 anos depois dos eventos de Alien, o Oitavo Passageiro, e 37 antes de Aliens, o Resgate, um grupo de mineiros, em um planeta frio e distante chamado de Jackson's Star, entra em uma estação espacial abandonada em busca do combustível das cápsulas criogênicas que os ajudariam em uma viagem interestelar. Jackson's Star é um planeta controlado pela Weyland-Yutani e é um lugar difícil de prosperar. Assim eles querem vazar dali o quanto antes e partem para o que, inicialmente, eles achavam ser uma nave abandonada, mas que se revela ser a estação Renaissance, uma estação de pesquisa da companhia, dividida em duas partes: Romulus and Remus, em referência à lenda romana dos fundadores da cidade.

Rain Carradine, interpretada por Cailee Spaeny, é uma órfã que, junto de seu irmão adotivo, o androide Andy, busca ajuda para sair do planeta e recorre a seu ex-namorado, Tyler (Archie Renaux), que a convence a participar da expedição a Romulus. Como Andy é um androide, ele consegue acessar os códigos da companhia que trancaram a estação. Mas eles logo descobrem que o lugar foi usado para experimentos com amostras alienígenas, que uma sonda da companhia encontrou entre os destroços da Nostromo.

Desde que os trailers começaram a sair, comecei a me animar pelo que via. O filme parecia manter a mesma linha que vimos nos dois primeiros longas, usando o ambiente claustrofóbico e o terror a seu favor. Alien é uma franquia com uma fórmula típica dos filmes de terror, que é o da casa mal-assombrada. A diferença é que os sobreviventes não podem apenas abrir a porta e sair correndo, pois estamos no espaço, aumentando e muito a tensão de quem está assistindo. Portanto, é uma fórmula que precisa ser mais ou menos a mesma, aliada a um bom roteiro, boas cenas de susto e muitos aliens correndo pela tela.

Entendo que muita gente fã de Alien esteja com medo do novo filme, pois Prometheus e Alien Covenant não seguiram muito bem essa fórmula. Tentaram reinventar a roda e os longas não agradaram aos fãs velhos de casa. Alien Covenant, principalmente, teve furos grotescos de roteiro, personagens incapazes de cativar o público e uma história que não explicou nem resolveu as questões deixadas por Prometheus.

Fede Alvarez e Rodo Sayagues escreveram o enredo de Alien Romulus e beberam das fontes originais, principalmente Aliens, de James Cameron, que estabeleceu praticamente toda a estética do filme. É por isso que vemos tanta coisa familiar em Jackson's Star, como o processador de atmosfera, o logo da companhia em todos os lugares visíveis, além dos computadores antigos e surrados. A companhia continua explorando seus trabalhadores ao máximo, como vimos em Alien 3 e no longa original. Podemos ver as condições insalubres de Jackson's Star, cotas de trabalho subindo, o que impede Rain de deixar aquele lugar que só lhe trouxe lembranças ruins.

Muitos sustos e tensão aguardam esses jovens quando abordam Romulus. Inadvertidamente, eles começam a liberar o horror pelos corredores, enquanto tentam voltar para sua nave. Vemos facehuggers em uma quantidade extremamente desconfortável, muitos lugares escuros e sombras onde as criaturas se escondem, além de um rosto conhecido e bastante perturbador a bordo. Eu esperava muitas coisas desse filme, menos essa figura de volta! Você tem que assistir para saber quem é...

Acredito que é o terceiro ato do filme seja o mais assustador, perturbador e grotesco até então. E entenda, ele conseguiu ser tudo isso antes, mas quando chegou aqui... Conforme nos encaminhamos do final, vemos como o DNA do alien é versátil e o desastre que seria se a Weyland-Yutani pudesse controlá-lo e fazer dele o que quisesse. Porque no final, assim como nos filmes anteriores, temos pessoas comuns, trabalhadores, famílias e órfãos, lidando com um capitalismo predatório e ainda mais perigoso que o sangue ácido dos aliens.

No fim, foi um retorno glorioso e bem-sucedido de uma franquia que está viva por 45 anos e ainda tem muita lenha para queimar. Espero que mais filmes desse calibre tragam o Alien de volta no futuro.

E você, já assistiu Alien Romulus??

Até mais!

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O fascinante universo da ficção especulativa e seus idiomas ficcionais

2024-07-13T17:36:00.001-03:00

A ficção especulativa (ficção científica, fantasia e terror) sempre nos transporta para universos desconhecidos, cheios de tecnologias avançadas, culturas exóticas, espécies alienígenas ou mágicas. Um dos aspectos mais fascinantes desse gênero é a criação de idiomas criados especificamente para livros, filmes e séries de TV. Esses idiomas não apenas adicionam autenticidade ao enredo, mas também aprofundam a imersão do público nesses mundos fictícios.

Idiomas criados para universos ficcionais são mais do que apenas palavras em tela. São uma extensão do mundo criado pelos autores e cineastas, ajudando a construir culturas, identidades e histórias que cativam o público. Esses idiomas são uma prova do poder da linguagem na ficção científica, mostrando como palavras cuidadosamente construídas podem trazer mundos inteiros à vida. Aqui tem uma lista com alguns desses idiomas ficcionais de livros, franquias ou filmes famosos!

Klingon - Star Trek

Talvez nenhuma língua fictícia seja mais icônica do que o Klingon de Star Trek. Introduzida pela primeira vez em Star Trek: O Filme de 1979, a língua só ganhou uma estrutura real em Star Trek III: À Procura de Spock, de 1984. Foi então que Marc Okrand (que também criou o idioma vulcano) criou todo o sistema linguístico, completo com regras gramaticais e algumas peculiaridades interessantes. Por exemplo, não existe uma palavra específica para "olá" em Klingon, e o idioma possui apenas três direções: algo como "para o leste", "para o noroeste" e "para o sudoeste".

O idioma foi criado para ser totalmente funcional, tanto que fãs do mundo todo o utilizam para compôr músicas, fazer votos de casamentos e até traduzir obras clássicas, como Hamlet, de Shakespeare, para klingon. São mais de 3 mil palavras e uma estrutura gramatical bem desenvolvida, com dicionários e até aulas para você aprender a falar como uma verdadeira guerreira klingon.

Sindarin e Quenya - O Senhor dos Anéis

J.R.R. Tolkien, além de escritor, era um filólogo apaixonado. Ele criou vários idiomas para o seu universo em O Senhor dos Anéis, sendo os mais conhecidos o Sindarin e o Quenya, duas línguas élficas. Esses idiomas são tão detalhados que possuem estrutura gramatical, fonética e vocabulário extensivos. A profundidade dessas línguas contribui significativamente para a riqueza do mundo da Terra Média.

Sindarin é uma das muitas línguas faladas pelos Elfos e era a língua élfica mais comumente falada na Terra-média na Terceira Era. Ambas foram bastante desenvolvidas por Tolkien e os fãs podem aprender com certa facilidade a falar e a escrever nos dois idiomas. Antes da Queda, a maior parte dos Homens de Númenor também falavam o Sindarin.

O quenya tem influência do finlandês, do latim e do grego. A semelhança mais impressionante entre o quenya e o finlandês é a sua natureza aglutinativa. Muitos afixos podem ser adicionados às palavras para alterar seu significado.

Dothraki e Valiriano - Game of Thrones

Para a série Game of Thrones, o linguista David J. Peterson foi contratado para desenvolver idiomas que dessem vida aos nômades Dothraki e aos habitantes de Valíria. O Dothraki, uma língua áspera e guerreira, reflete a cultura nômade do povo que a fala. Já o Alto Valiriano é uma língua mais refinada e histórica, usada pelos descendentes da antiga Valíria. Esses idiomas se tornaram parte fundamental da narrativa, trazendo autenticidade e profundidade às interações entre os personagens.

Os livros de George R.R. Martin nos falam que o Valiriano, como idioma, não é mais usado na conversação do dia-a-dia, mas sim como uma língua de aprendizado e cultura entre a nobreza de Essos e Westeros, havendo muita literatura e canções nesse idioma (algo como o latim na Idade Média).

O Dothraki consiste em cerca de 3163 palavras. Ele não se parece com nenhum idioma natural, ainda que tenha algumas palavras reais em russo, suaíli e turco.

Na'vi - Avatar

James Cameron, ao criar o mundo de Pandora em Avatar, contratou o linguista Paul Frommer para desenvolver o idioma Na'vi. Com uma fonética única e estrutura gramatical complexa, o Na'vi ajudou a dar uma sensação de realismo e imersão no mundo alienígena do extravagante planeta Pandora. O sucesso do filme fez com que muitos fãs se interessassem por aprender a língua, resultando em recursos educacionais e comunidades dedicadas ao estudo do Na'vi.

Demorou seis meses para desenvolver um extenso vocabulário que ouvimos no filme. Hoje, o Na’vi possui uma estrutura gramatical completa e um vocabulário de cerca de 2 mil palavras.

Mando’a - Star Wars

A língua do planeta Mandalore em Star Wars é chamada Mando'a, e sua forma escrita é conhecida como Mandaloriana. A linguagem é um esforço colaborativo, originando-se primeiro em uma forma escrita que pode ser traduzida letra por letra. Philip Metschan criou a linguagem escrita para cenas da nave de Jango Fett em O Ataque dos Clones. Mais tarde, Jesse Harlin criou uma versão falada do idioma das letras usadas no jogo Republic Commando.

Elementos de Mando'a foram retirados da língua dos antigos Taungs de Coruscant, de onde se originou a cultura, evoluindo ao longo do tempo para se tornar algo único. Expulsos de Coruscant, os Taungs viveram por mil anos no planeta Roon e depois, Mandalore, o Primeiro, conquistou um novo mundo para os Taungs, que foi nomeado em homenagem ao seu líder.

Novilíngua - 1984, de George Orwell

Novilíngua, também conhecida como novafala ou novidioma, é um idioma fictício criado pelo governo autoritário na obra 1984 de George Orwell. É uma língua oficialmente criada e aceita pelo partido governante fictício como uma nova forma de comunicação. Seu objetivo era criar uma forma de discurso que atendesse aos requisitos ideológicos do estado fictício da Oceania.

A novilíngua não se criava através da criação de novas palavras, mas sim pela condensação e remoção de palavras ou de alguns de seus significados, visando restringir o escopo do pensamento. Quando as pessoas não podiam se referir a algo, isso passava a não existir. Dessa forma, ao controlar a linguagem, o governo poderia controlar o pensamento das pessoas, impedindo que ideias indesejáveis surgissem.

Kryptoniano - Superman

Idioma original do planeta Krypton, lar ancestral do Superman e da Supergirl, apareceu pela primeira vez nos quadrinhos do Superman como rabiscos incompreensíveis e mais tarde foi desenvolvida por E. Nelson Bridwell em um alfabeto de 118 letras. Em 2000, a DC Comics apresentou uma transliteração do alfabeto com as letras inglesas correspondentes. Uma versão mais complexa da linguagem kryptoniana apareceu no programa de TV Smallville.

É uma língua bastante sintética, com aglutinações. Em Smallville, o kryptoniano escrito foi representado como tendo um componente logográfico. Alguns símbolos representam palavras ou nomes próprios, embora o alfabeto kryptoniano também seja usado.

Sei que citei apenas alguns idiomas do universo ficcional. Se você tiver algum preferido, deixe nos comentários.

Fonas Chek!

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5 filmes de horror para quem não gosta de horror

2024-06-08T20:14:00.001-03:00

Apesar de curtir livros de terror e horror, admito que sou meio bundona para assistir filmes com essa pegada. Depois de duas experiências traumáticas, me releguei a assistir filmes mais carregados no suspense do que no sobrenatural ou no macabro. E sei que tem gente por aí que também sofre do mesmo problema. Por isso, resolvi listar aqui cinco filmes para quem tem medo ou não gosta de filmes de horror. Lembrando que essa lista é pessoal!

Tentei deixar indicações para todos os gostos, desde aqueles que vão para a comédia quando aqueles que pesam mais no suspense.

Zumbilândia (2009)

Sem dúvida nenhuma, os filmes de George Romero são clássicos insubstituíveis do gênero e vão continuar por muito tempo. Mas se o que você procura são zumbis mais divertidos, então vai se encontrar em Zumbilândia. Ainda tem muito sangue e tripas pela tela, mortes sem noção e regras hilárias a se seguir no apocalipse, mas os zumbis são quase cômicos de tão nojentos, enquanto quatro sobreviventes lutam para viver mais um dia em um país tomado pelos mortos vivos. Ainda que o segundo filme não consiga repetir a sagacidade do primeiro, Zumbilândia é uma diversão garantida até pela mais medrosa expectadora de horror como eu.

Jovens Bruxas (1996)

Galera da minha geração lembra desse, com certeza! Se você quer um terror leve, onde o tom vai aumentando até chegar ao final explosivo, então vai curtir Jovens Bruxas. Não é nenhuma obra-prima da sétima arte, mas é um filme competente com quatro bruxas adolescentes fazendo exatamente o que você esperaria que quatro bruxas adolescentes fizessem. Além de tratar de temas típicos da idade, o filme també mostra quais as consequências de se ter poder demais em uma só mão. É o tipo de filme que prende e não vai assustar nem traumatizar ninguém. Exceto os garotos malas do colégio.

Bruxa de Blair (1999)

Considerado por muitos um dos filmes mais assustadores de todos os tempos, ele petrificou uma geração inteira. Isto devido a uma brilhante campanha de marketing em que os três atores principais representaram a si próprios, reitado pela produtora que estavam desaparecidos. Nada disso era verdade, mas na época chocou uma geração que acreditou no mistério da bruxa solitária na floresta. O filme assusta mais pelo o que não mostra, porque não há sangue e tripas voando pela tela. A bruxa titular nunca é vista no filme, levando alguns a acreditar que a bruxa nunca foi real, para começar.

Um lugar silencioso (2018)

John Krasinski surpreendeu a crítica e público com seu grande sucesso na direção. Coestrelado pela esposa Emily Blunt, o filme acompanha a sobrevivência de uma família em um mundo onde a maior parte da humanidade foi exterminada por criaturas sensíveis ao ruído. A única maneira de sobreviver é não fazer barulho. O filme faz um uso incrível de seu conceito inteligente por meio de uma produção de som magistral e uma tensão de tirar o fôlego, mas possui elementos de ficção científica que o afastam do terror convencional. Os próprios monstros são perturbadores, mas são mais alienígenas do que sobrenaturais. Vai garantir uns sustos, mas você vai dormir à noite.

Cloverfield (2008)

Cloverfield gira em torno de um grupo de cinco amigos que tentam escapar do ataque de um monstro enorme que está destruindo a cidade de Nova York. Com uma brilhante campanha de marketing e nenhuma informação sobre o elenco, o longa conquistou fãs e seguidores por mostrar esses cinco amigos gravando sua fuga, tal como foi feito em Bruxa de Blair. São poucas cenas perturbadoras, o que faz deste filme mais um thriller de suspense do que um filme de horror propriamente dito, mas que ainda assim vai te segurar na cadeira sem tirar seu sono.

Pegou a pipoca? Apagou as luzes? Então bom filme!

Até mais! 🍿

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10 coisas que você não sabia sobre Gladiador

2024-05-19T16:30:00.000-03:00

Com uma sequência prestes a surgir nos cinemas, Gladiador (2000) se estabeleceu como um grande clássico do cinema ao retratar a jornada do ex-general transformado em gladiador, Maximus, em vingar sua família, morta pelo capricho do novo imperador, Cômodo, após a morte de Marco Aurélio. Maximus precisará fazer escolhas muito difíceis para poder chegar ao fim de sua estrada e reencontrar sua esposa e filho.

Dirigido pelo calejado Ridley Scoot, o longa contou com 103 milhões de dólares de orçamento, com um tímido retorno em bilheterias de cerca de 460 milhões. Foi indicado a vários prêmios, ganhando quatro Oscars, incluindo melhor filme, melhor ator para Russell Crowe, melhor som, melhores efeitos visuais e melhor figurino.

10. A inspiração

A Dreamworks sempre quis que Ridley Scott fosse o cara na direção de Gladiador, mas ele não tinha bem certeza sobre o projeto. Então, para convencê-lo, o diretor da Dreamworks, Walter F. Parkes, e o produtor do longa, Douglas Wick, disseram a Scott o que queriam fazer com o filme e, para ajudar a visualizá-lo, lhe mostraram uma pintura de 1872 do pintor francês Jean Leon Gerome. A pintura chama-se "Pollice Verso" – que significa “polegar para baixo” – e mostra um gladiador em pé sobre um adversário derrotado na arena. Scott adorou a pintura e isso contribuiu para que ele assinasse a direção do filme.

9. Livro

Gladiador é uma história original, criada por David Franzoni após o sucesso com Amistad. No entanto, como não era um especialista em Roma Antiga, ele recorreu a várias fontes para inspiração. Um deles foi o romance de 1958 Those About to Die, de Daniel P. Mannix. No entanto, esse livro foi renomeado após a estreia do filme e agora é conhecido como The Way of the Gladiator. Daniel P. Mannix também é o autor do livro que deu origem ao filme da Disney O Cão e a Raposa, de 1981.

8. A floresta incendiada

O filme começa no norte da Europa em 180 AC, onde o Império Romano está em batalha com as tribos germânicas. É uma enorme sequência de batalha com centenas de figurantes, explosões e fogo, que levou 20 dias para filmar, e Ridley Scott teve bastante sorte nessa cena, que foi rodada em Bourne Woods, em Surrey, na Inglaterra. A administração florestal da área já tinha escolhido o local para incendiar e desmatar devido a uma doença que atacava as árvores. Scott ouviu falar sobre isso e pediu para rodar as cenas de batalha, ajudando assim a incendiar a floresta no final.

7. Improvisos

Na sequência da batalha, também ouvimos uma das falas mais icônicas do filme. Depois que Maximus informa suas tropas sobre o que eles vão enfrentar, Maximus diz: “Força e honra”. Isso não estava no roteiro, e o próprio Russell Crowe improvisou a fala. Na cena em que Maximus descreve sua casa para o imperador Marco Aurélio, tudo foi de improviso, onde Crowe descreve sua própria casa na Austrália (o roteiro também não estava finalizado quando as filmagens começaram). Joaquin Phoenix também improvisou seu grito de “Não sou piedoso?!”. Connie Nielsen não esperava por ela e sua reação assustada foi genuína.

6. Russell Crowe

O ator não era a primeira escolha para o papel do gladiador. Primeiro pensaram em Mel Gibson, que recusou. Antonio Banderas e Hugh Jackman também foram sondados. Quando Crowe leu o roteiro, não gostou nem um pouco, achando algumas falar engessadas e exageradas. Ridley Scott o convenceu a trabalhar no longa ao revelar que seria ele o diretor. Apesar de não ser um grande fã do roteiro, Crowe realmente se jogou no papel. Ao longo das cenas de ação, ele perdeu toda a sensibilidade do dedo indicador direito por dois anos. Ele também lesionou o tendão de Aquiles, quebrou o pé, quebrou o quadril e rompeu alguns tendões do bíceps direito.

5. Joaquin Phoenix

O antagonista do filme é o imperador Cômodo, interpretado por Joaquin Phoenix. Phoenix foi a primeira escolha de Ridley Scott, mas ele tinha outro nome em mente, caso não desse certo: Jude Law. Phoenix é um grande nome hoje em dia, mas na época, com 24 anos, Gladiador era uma mega produção e ele estava muito nervoso. Volta e meia, para deixá-los mais entrosado com o elenco, Crowe e Richard Harris (Marco Aurélio), o levavam para tomar umas e outras. E Phoenix também pedia que Crowe lhe provocasse e gritasse com ele antes das cenas. Algumas cenas o afetaram muito, como aquela em que ele mata o próprio pai. Phoenix quase perdeu os sentidos com o final da cena.

4. Precisão histórica

Gladiador é uma história de ficção, é claro. Mas há alguns personagens reais no enredo. Ainda que Maximus seja totalmente ficcional, Marco Aurélio e Cômodo foram de fato imperadores romanos. Em 192, Cômodo, declarando-se o novo Rômulo, re-fundou Roma ritualmente, renomeando a cidade como Colonia Lucia Annia Commodiana. Todos os meses do ano foram renomeados para corresponder exatamente aos seus (agora doze) nomes: Lúcio, Aelius, Aurelius, Commodus, Augustus, Herculeus, Romanus, Exsuperatorius, Amazonius, Invictus, Felix e Pius. As legiões foram renomeadas como Commodianae, a frota que importava grãos da África foi denominada Alexandria Commodiana Togata, o Senado foi intitulado Senado Afortunado Commodiano, seu palácio e o próprio povo romano receberam o nome de Commodianus, e o dia em que essas reformas foram decretado seria denominado Dies Commodianus. Cômodo foi assassinado em 192. Após a sua morte, o Senado o declarou inimigo público e restaurou o nome original da cidade de Roma e das suas instituições.

Marco Aurélio não morreu assassinado como vemos no filme, mas sim em Vindobona, um acampamento militar romano na província da Panônia, localizado no local da moderna cidade de Viena, na Áustria, em 180 EC, vítima da Peste Antonina, um surto de varíola que se espalhou pelo Império Romano a partir de 165.

3. Efeito Gladiador

O filme impactou a popularidade da Roma Antiga no imaginário do público, não só nos Estados Unidos, mas nos países onde esteve nos cinemas. O New York Times chamou de “Efeito Gladiador”, e livros como a biografia de Cícero e as Meditações, de Marco Aurélio tiveram picos de vendas logo após o lançamento do longa.

2. Oliver Reed morreu durante as filmagens

Reed era um ator talentoso, mas também um cara tempestuoso e de trato difícil. Suas façanhas com a bebida são bem conhecidas, mas isso afetou seu corpo e sua saúde. Em Gladiador, Reed interpreta Proximo, o ex-gladiador e mercador de escravos que compra Maximus para seu time de guerreiros. Reed, porém, não viveu o suficiente para ver o filme ser finalizado. Durante as filmagens, Reed infartou aos 61 anos.

A situação gerou um grande problema para Ridley Scott, porque Proximo deveria durar até o final do filme. Isso foi mudado após a morte do ator, mas ainda havia o problema de como finalizar sua participação. Um dublê de corpo foi trazido para os sets e a cabeça de Reed foi inserida por computação gráfica, além de várias cenas não aproveitadas de Reed serem reaproveitadas na edição.

1. Ihr seid verfluchte hunde!

Um dos momentos mais icônicos do longa é quando um guerreiro germânico sai da floresta, arremessando a cabeça de um emissário romano e grita: Err seed farflucktah heoondah! Mas as legendas nunca traduzem a fala do guerreiro, apenas apontam "gritando em germânico". Então o que é que ele fala nesse momento?

Muito provavelmente ele quis dizer "Ihr seid verfluchte Hunde!", que em alemão moderno significa "Vocês são (um bando de) cães malditos!" Mas na época em que o filme se passa nem existia uma "língua alemã" comum e sim uma série de línguas e dialetos tribais diferentes, como o anglo, o saxão e o frísio, entre outros, tudo misturado com o latim coloquial trazido pelos romanos e muitas outras línguas europeias.

Tem no Amazon Prime, bora lá ver??

SHADOWS AND DUST, MAXIMUS! ⚔️

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A força feminina em The Legend of Tomiris

2024-03-04T23:26:00.181-03:00

Em 2019, tal como sua heroína homônima, The Legend of Tomiris varreu as estepes da Eurásia, recebendo elogios de público e crítica. A cinebiografia dessa personagem mítica, por Akan Satayev, foi patrocinado pelo Ministério da Cultura e do Esporte do Cazaquistão, com uma rica fotografia, figurinos caprichados e muitas cenas de batalhas sobre cavalos, retratando as lutas pelo poder entre os povos das estepes asiáticas e contra os persas. Uma coisa que o filme destaca, por sua vez, é a força feminina, tanto na presença de Tomiris, quanto na de guerreiras das estepes que lutam ao seu lado.

Segundo os relatos de Heródoto, escrevendo mais de cem anos depois dos eventos reais, Tomiris foi a rainha dos massagetas, um povo iraniano Saka da Ásia Central, a leste do Mar Cáspio, em partes do atual Turcomenistão, Afeganistão, oeste do Uzbequistão e sul do Cazaquistão. Tomiris liderou seus exércitos para se defender contra um ataque de Ciro, o Grande, do Império Aquemênida, onde o derrotou e o matou em 530 AEC. Ela teria colocado sua cabeça decepada em um saco ou tigela cheia de sangue, dizendo-lhe: "Pronto: beba até se fartar de sangue!"

Filha do rei Espargapises, no longa a pequena foi criada como uma guerreira, como uma líder, depois da morte de sua mãe. Espargapises acaba sendo vítima de traição da parte de outros líderes tribais, mas soldados leais ao rei conseguem tirar a pequena Tomiris do assentamento e um pequeno grupo de sobreviventes se refugia em uma floresta durante alguns anos, enquanto Tomiris sonha em poder vingar seu pai e reaver seu trono. Acolhida por um povo aliado de seu pai após um ataque que deixou apenas a princesa viva, a adolescente Tomiris se torna uma guerreira ágil e mortal, na companhia de outras amazonas do assentamento, e se torna uma ameaça àqueles que mataram seu pai.

Já adulta, ela se casa com um príncipe de um povo aliado e tem um filho, também chamado Espargapises. Interessante apontar que mesmo abandonando as lutas nas estepes, Tomiris se mantém como uma chefe astuta, desconfiada, alguém que escolheu o caminho da família ao invés de ser empurrada para ele. Casou-se quando quis, como quis. Mas um estratagema cruel do rei Ciro mata seu marido e seu filho. Ciro então pediu a mão de Tomiris com a intenção de anexar seu reino através do casamento, mas ela entendeu os objetivos de Ciro e rejeitou sua proposta. Ciro invadiu as terras dos masságetas em retaliação.

As cenas foram filmadas em diferentes partes das estepes do Cazaquistão. Os heróis masságetas falam a antiga língua turca, enquanto os heróis persas falam o novo persa no filme, apesar de historiadores modernos considerarem os masságetas um povo nômade iraniano, fato que gerou algumas críticas ao longa de 2019. A psicóloga e atriz cazaque, Almira Tursyn, concorreu com outras 15 mil mulheres pelo papel, sendo este seu primeiro longa.

Sabe-se muito pouco sobre a atuação feminina nas estepes, pois muitos destes povos não deixaram relatos escritos. Assim, muito do que se sabe é incompleto ou passado de fontes antigas, como o próprio Heródoto, que mencionou apenas casamentos e relacionamentos com escravas. Além disso, pessoas de fora, em geral, não compreendiam o modo de vida nômade e tinham uma visão limitada sobre estes grupos. O que se sabe é que há evidências arqueológicas que revelam a existência de mulheres guerreiras nas estepes da Eurásia tão habilidosas quanto os homens.

Na região de Pokrovka, uma vila na região de Talas, no Quirguistão, uma escavação arqueológica em 1994, conduzida por Jeannine Davis-Kimball e Leonid T. Yablonsky, revelou vários sepultamentos de mulheres acompanhadas de armas, inclusive espadas cerca de 2500 anos atrás. Uma mulher foi encontrada com uma ponta de flecha ainda cravada no corpo e o arqueamento das pernas indica que ela era uma experiente amazona. Os homens do local foram enterrados sem artefatos, um deles inclusive com uma criança. Já os sepultamentos das mulheres eram todos desprovidos de crianças, o que pode indicar que os povos das estepes dividiam as tarefas de cuidados das crianças e o treino a cavalo e com armas.

Sardana, guerreira Savromat, por Aizhan Lighg

No longa, vemos essas mulheres completamente confortáveis sobre o cavalo, principalmente usando arco e flecha com precisão, como no caso das mulheres Savromat (Sármatas), o povo que acolheu a adolescente Tomiris. Elas também estão na frente da batalha e estão sempre no centro das discussões. E é bem provável que os roteiristas tenham se arvorado em descobertas arqueólogicas como essa para criar as sociedades nômades que vemos no filme. Tomiris no filme é dona de seu destino, ágil em luta corporal e sobre o cavalo, muito provavelmente uma guerreira bem próxima das mulheres das estepes originais.

A lenda sobre a rainha dos masságetas se tornou muito comum na Idade Média. É possível ver quadros e ilustrações de Tomiris por vários pintores, como Rubens, além de esculturas e peças de porcelana. É difícil dizer se sua história é real, tal como conta Heródoto, mas Jordanes, funcionário e historiador de origem gótica do Império Bizantino, que viveu no século VI, também fala sobre Tomiris em seu trabalho Sobre a Origem e os Feitos dos Getas e sua luta contra Ciro. Entretanto, os historiadores sabem que Ciro foi sepultado no vale de Pasárgada, no Irã e que Alexandre, o Grande, teria visitado a tumba e visto o corpo embalsamado do rei. Teria seu cadáver sido trazido das estepes da Ásia Central até lá? Tomiris teria mantido sua cabeça como um troféu?

Se você quiser um filme que foge dos padrões norte-americanos, entregando uma heroína do Cazaquistão que luta contra um império para defender seu povo, invista nesse filme! Não vai se decepcionar.

Até mais!

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10 coisas que você não sabia sobre Um lugar silencioso

2024-02-25T20:19:00.001-03:00

Um lugar silencioso (2018) é um tenso filme de suspense e terror em uma Terra invadida por criaturas super sensíveis ao som. A família Abbott precisa sobreviver neste novo mundo onde o silêncio é a chave para a sobrevivência diária, além de todas as privações que surgem com o fim da civilização. Mas a tranquilidade da família está para acabar quando as criaturas se aproximam da fazenda.

Com um orçamento oscilando entre 17 e 21 milhões de dólares, o longa dirigido e protagonizado por John Krasinski arrecadou ao todo 340 milhões de dólares em bilheteria, conseguindo elogios de público e da crítica especializada.

10. Desenvolvimento

Scott Beck e Bryan Woods, os roteiristas junto de Krasinski, começaram a escrever a história em janeiro de 2016 com base em um conceito de sua época na faculdade. Quando conversaram pela primeira vez com a produtora Platinum Dunes sobre o projeto, os dois disseram que queriam Emily Blunt para o papel da mãe. Michael Bay, da Platinum Dunes, fez um acordo inicial com a Paramount e mostrou seu roteiro ao estúdio. Durante a fase de escrita, Beck e Woods conversaram com um executivo da Paramount, que sugeriu que o filme poderia ser um crossover com a franquia Cloverfield. Quando levaram seu roteiro final para a Paramount, o estúdio decidiu que seria uma história distinta e independente. Os produtores de Platinum Dunes, Andrew Form e Brad Fuller, enviaram o roteiro para Krasinski para interpretar o papel do pai, que ele leu em julho do mesmo ano e o conceito de pais protegendo seus filhos o atraiu.

9. Direção

Krasinski ficou impressionado com o enredo e tocado com a dedicação dos pais para proteger seus filhos, tanto que apresentou sua visão da história para Blunt, que sugeriu que ele dirigisse o filme. Ao se reunir com os produtores sobre sua participação no longa, Krasinski disse que queria dirigi-lo e contou sua visão para a o filme. Ele também considerava Blunt para o papel da mãe, mas não pediu que a esposa pegasse o papel. O casal acabara de ter o segundo filho, ela estava trabalhando em outro filme e achou que ela aceitaria o papel apenas para apoiá-lo. Depois de ler o roteiro, Blunt decidiu aceitar o papel por "expressas alguns de meus medos mais profundos, como não ser capaz de não proteger meus filhos".

8. Fotos de família

Uma das razões pelas quais o longa fez tanto sucesso, foi o comovente drama familiar no centro de seu enredo, que se tornou ainda mais real pelo fato de o casal do filme, Evelyn e Lee, ser interpretado por um casal de verdade, John Krasinski e Emily Blunt. Isso deu ao filme uma sensação de autenticidade, que só foi intensificada pela atenção de Krasinski aos detalhes na hora de construir o mundo do filme: ele decorou a casa dos Abbotts com fotos de sua própria família na vida real (Blunt e seus filhos). Esses detalhes fazem o filme parecer mais real e genuíno, mesmo que sejam apenas detalhes.

7. Teste de audiência

O design final dos monstros não foi definido até a pós-produção. No set, o próprio John Krasinski interpretou o monstro em um traje de captura de movimento. Nos primeiros testes de audiência, porém, o público ria quando ele aparecia vestido de monstro, e os produtores entraram em pânico, temendo que algo no terror do filme não estivesse funcionando. No entanto, no final das contas, eles estavam apenas rindo porque o CGI estava inacabado e, em algumas cenas, não havia nenhum efeito e Krasinski ainda podia ser visto interpretando um monstro em um traje de captura de movimento. O público respondeu muito melhor quando os efeitos terminaram.

6. Banheira

Uma das cenas mais tensas do longa é quando a personagem de Blunt entra em trabalho de parto bem no meio de um ataque de monstros na fazenda. Ela começa a implementar o plano da família para o nascimento do bebê e acaba se refugiando no banheiro, tentando se manter em silêncio entre uma contração e outra dentro da banheira. A cena foi rodada em apenas uma tomada. Krasinski disse que assim que disse CORTA!, Blunt saiu da personagem, se levantou da banheira e disse "o que tem para o almoço?".

5. Gravações

O longa foi gravado em apenas 36 dias. A sequência de abertura, ambientada alguns meses antes dos acontecimentos da trama e que marca uma grande tragédia para a família, quando o filho mais novo é morto por uma das criaturas, foi a última a ser gravada. O motivo é bem simples: era necessário que John Krasinski tivesse uma barba muito mais curta do que no resto do filme, então ele esperou até o final das filmagens para apará-la.

4. Luzes vermelhas

Quando Evelyn está em trabalho de parto, ela aciona uma chave na casa para acender as luzes externas, todas de lâmpadas vermelhas. Isso sinaliza para seu marido que o perigo está perto e ela está prestes a dar à luz seu bebê. No entanto, as luzes vermelhas também emitem um som baixo e agudo ao serem ligadas. Isso serve como uma distração para as criaturas, que são atraídas pelo som, e permite um pouco mais de tempo para Evelyn e Lee tentarem lidar com a situação.

3. Bebê

Em meio a todos os ataques dos monstros e cenas cheias de tensão, um breve momento se mostrou especialmente perturbador tanto para os espectadores quanto para os cineastas. Lee leva a mãe e seu bebê para o porão já preparado e à prova de som, para garantir que o choro não atraia as criaturas. Para isso, eles o colocam em uma caixa de madeira acolchoada e equipada com uma máscara de oxigênio. Krasinski se sentiu abalado pela cena, ao pensar nas próprias filhas e porque usaram um bebê de verdade para gravar as cenas, que foram super rápidas para não causar qualquer estresse.

2. Krasinski não queria fazer

O sucesso do longa se deve, em grande parte, à combinação perfeita de Blunt e seu marido, mas Krasinski por pouco não quis participar da produção. Ele estava prestes a filmar a primeira temporada de Jack Ryan, de Tom Clancy, para a Amazon, e estava relutante em fazer um filme de terror, que fugia muito do tipo de filme que estava acostumado a fazer. Mas assim que a premissa lhe foi passada, ele percebeu que se tratava de uma história sobre uma família e assinou o contrato logo em seguida. Foi só depois que a cadeira de direção lhe foi oferecida.

1. Silêncio

Os Abbott tomaram todos os cuidados possíveis para viver o mais silenciosamente possível, desde a comunicação por meio de linguagem de sinais até andar descalço na areia. Eles também estendem essa prática às suas atividades de invasão de lojas, assim como todos os outros sobreviventes. É possível ver na loja, no começo do filme, que o corredor de batatas fritas permanece intacto, bem como sacos de nozes e frascos de comprimidos na farmácia também são deixados para trás. Todos fariam barulho demais para comer ou levar para fora da loja com eles.

Tem na Netflix! Bora lá rever?

Até mais! 🤫

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10 filmes para quem gostou de Duna

2024-02-18T17:56:00.000-03:00

Com a segunda parte da saga de Paul Atreides em Arrakis prestes a chegar aos cinemas, que tal uma seleção de alguns filmes épicos com uma pegada no mesmo estilo? Pode não parecer, mas os filmes abaixo têm relação com a jornada dos personagens em Duna! Inspirado na monumental obra de Frank Herbert, Duna é um clássico da ficção científica e um dos livros mais conhecidos do gênero.

Esta não é a primeira vez que o clássico foi adaptado para o cinema. David Lynch adaptou o livro para o cinema em 1984, para a frustração de muita gente. Em 2000, teve a minissérie Duna, de Frank Herbert e em 2003, Filhos de Duna continuou a história. E claro, teve a jornada de Alejandro Jodorowsky para adaptar o livro, com nomes de peso das artes visuais e do cinema no projeto que estúdio nenhum quis fazer.

Lembrando que são apenas indicações e não leis talhadas em pedra.

Rebel Moon - Parte 1 (2023)

Ele foi pensado, originalmente, para ser uma parte da saga de Star Wars, mas depois acabou se tornando um universo independente. No longa de Zack Snyder, cheio de cenas em slow motion, existem personagens auxiliando a protagonista, uma oficial da nobreza que desiste de uma vida de matanças em busca da vida simples no campo em uma lua remota, chamada Veldt.

Quando a lua se torna alvo das tropas imperiais, que decidem confiscar quase toda a produção agrícola da comunidade, em um movimento semelhante ao envio dos Atreides para Arrakis, a lua resolve se tornar inimiga do império e a segurança de todos dependerá do recrutamento de guerreiros em vários planetas para que se juntem à sua rebelião. Isso também lembra muito o levante dos Fremen.

Insterestelar (2014)

Neste drama espacial, a Terra foi atingida por desastres ambientais e alterações climáticas, e a humanidade procura colonizar outro planeta. Uma das últimas tentativas da Terra para localizar um mundo habitável é uma missão tripulada através de um buraco de minhoca recentemente descoberto perto de Saturno que os levará ao espaço profundo, onde a humanidade poderá encontrar um lugar adequado para chamar de lar. Liderada pelo astronauta Joseph Cooper (Matthew McConaughey) e pela cientista Amelia Brand (Anne Hathaway), a tripulação procura três planetas separados, cada um com propriedades únicas e distintas.

Interestelar é muito mais do que uma aventura intrépida pelo universo, pois explora muito mais do que o espaço sideral, investigando tópicos sobre destino, mortalidade, amor e família, com o relacionamento tenso de Cooper com sua filha ressentida fornecendo o coração e a alma do filme. Ficção científica visualmente suntuosa e tematicamente densa, “Interestelar” é o que há de melhor no cinema, um tour de force de performances poderosas, efeitos de cair o queixo e muitas surpresas ao longo do caminho.

♡ 10 coisas que você não sabia sobre Interestelar

Blade Runner 2049 (2017)

Blade Runner original foi baseado em um conto do famoso autor Philip K. Dick e tem sido visto como a pedra angular do filme de ficção científica há décadas. Há muito se falava em uma sequência, que geralmente era negada pelo astro Harrison Ford e pelo diretor Ridley Scott. Por isso, foi uma surpresa quando Blade Runner 2049 foi anunciado com o diretor de A Chegada (e agora Duna), Denis Villenueve, no comando, e o público ficou cético, com razão. Mas o filme é um thriller ambicioso e inspirador, e uma rara sequência feita décadas depois que tenta superar seu lendário antecessor e de fato consegue.

Com um ritmo metódico e filmagem exuberante, o longa é um nocaute visual e um deleite para cinéfilos e fãs de ficção científica. Construído em um mundo ainda mais desenvolvido e ricamente povoado do que o original, nos dá Ryan Gosling como “K”, um “blade runner” replicante designado para caçar replicantes desgarrados. Mais do que apenas uma continuação digna do clássico filme neo-noir de ficção científica de 1982, esta nova entrada é uma reflexão meditativa, um novo clássico que faz o impossível, entregando tudo o que os fãs de "Blade Runner" queriam e muito mais, e acrescenta ao legado do filme original de uma forma que ninguém esperava.

♡ 10 coisas que você não sabia sobre Blade Runner 2049

A Batalha de Riddick (2004)

Eclipse Mortal (2000) sempre será o melhor da série Riddick, mas A Batalha de Riddick está mais próximo de Duna do que seu antecessor. Sabemos que o personagem de Vin Diesel é um anti-herói condenado e não um nobre idealista como Paul Atreides, mas este Furyan conhece bem o combate e tem desentendimentos com um líder maligno semelhante ao Barão Harkonnen.

A história e o passado de Riddick são melhor explorados neste filme, com alguns paralelos com o protagonista de Duna, e o principal antagonista é uma legião de forças liderada por um Lord Marshall chamado Necromongers, que invadem brutalmente e forçam os súditos a se converterem à sua religião. As sequências de ação são tão emocionantes quanto você esperaria, e os recursos de Helion Prime irão lembrá-lo de Arrakis.

Valerian e a Cidade dos Mil Planetas (2017)

Luc Besson deu ao cinema algumas das obras mais impactantes da 7ª arte. Valerian e a Cidade dos Mil Planetas é sua segunda incursão na ficção científica depois de O Quinto Elemento, seguindo o mesmo estilo de espetáculo visual e cenários caóticos e coloridos. Assim como Duna, Valerian também é uma adaptação visionária de uma série de quadrinhos francesa de mesmo nome que começou na década de 1960.

Dane DeHaan e Cara Delevingne estrelam como protagonistas Valerian e Laureline, oficiais da estação espacial conhecida como Alpha, antiga ISS, um refúgio interestelar para diversas formas de vida de milhares de planetas, daí o nome. Os personagens, visuais e designs alienígenas são fenomenais, embora o enredo possa não ser tão atraente. Mas uma semelhança com Duna, além dos personagens fortes, é seu universo vasto, dividido por forças que constantemente brigam entre si.

Serenity (2005)

Videntes e assassinos desempenham vários papéis na história de Duna, com os talentosos Mentats e as maquinações dos Harkonnen para a queda da Casa Atreides. Esses temas estão presentes na continuação de 2005 de Joss Whedon da série de TV Firefly. Gina Torres, Nathan Fillion, Alan Tudyk, Adam Baldwin e o resto da tripulação do Serenity retornam à famosa nave para mais uma missão, uma que encerre o ciclo começado na série prematuramente cancelada pela FOX.

O novo inimigo do capitão Malcolm e companhia é um assassino enviado pela poderosa entidade governante conhecida como Aliança (interpretada por Chiwetel Ejiofor do Dr. Strange), caçando a psíquica River Tam depois que eles libertaram da prisão da Aliança. E além da Aliança, há montes de saqueadores canibais e grotescos que representam constantemente uma ameaça.

Matrix (1999)

Uma jornada predestinada, bem como visões sobre como se libertar desse destino são partes importantes da história de Paul Atreides, sendo ele o Kwisatz Haderach nascido após gerações de intrigas das Bene Gesserit. Esse também é um fator importante na jornada de Neo, na saga de Matrix das irmãs Wachowskis. Ele também se passa num futuro distnate onde a Terra foi dominada e subjugada por máquinas que controlam os corpos e as mentes dos seres humanos para fornecerem energia para a realidade simulada, a Matrix.

Enquanto em Matrix foram as máquinas que venceram o conflito contra os humanos, no universo de Duna foram os humanos quem triunfaram contra as máquinas vários séculos antes do nascimento de Paul Atreides, no que é conhecido como a Jihad Butleriana.

♡ 10 coisas que você não sabia sobre Matrix

Cloud Atlas (2012)

Outro trabalho de ficção científica dirigido pelas irmãs Wachowskis, Cloud Atlas segue vários personagens e suas histórias que ocorrem em diferentes momentos no tempo, com cada membro do elenco desempenhando mais de um papel. Cloud Atlas foi um filme bastante polarizador desde o seu lançamento, mas tem o mesmo grande escopo de diferentes eras e diferentes linhas do tempo conectadas entre si que Duna também tem e terá à medida que Paul avança cada vez mais em seu papel como Kwisatz Haderach.

A obra adapta ao cinema o romance homônimo de David Mitchell, que abrange desde o século XIX até um futuro pós-apocalíptico, em que cada um dos personagens é o narrador de sua história.

♡ 10 coisas que você não sabia sobre Cloud Atlas

Stargate (1994)

As séries de sucesso na TV começaram com esse épico de 1994, do mesmo diretor de Independence Day. Um egiptólogo não convencional defende que as pirâmides foram construídas para serem outra coisa, mas não tumbas de faraós. Por suas ideias loucas, ele acaba recrutrado por oficiais da Força Aérea para desvendar o funcionamento de um portal estelar capaz de levar pessoas para pontos distantes do universo. Ao fazer isso, ele embarca em uma jornada de auto-conhecimento, ajudando a libertar um povo que vivia sob a opressão de uma força superior e acaba encontrando seu propósito, tal como Paul Atreides. E a ação se passa quase totalmente em um ambiente desértico, que desafia a logística dos heróis.

♡ 10 coisas que você não sabia sobre Stargate

Mad Max Estrada da Fúria (2015)

Em Duna, o deserto de Arrakis poderia muito bem ser considerado um personagem ao lado de Paul, Chani, Lady Jessica e os outros. É tão importantem, com seu tesouro de melange e seus segredos sobre vermes da areia, que acaba dando o título a toda a saga, já que “Duna” no universo é o apelido pelo qual Arrakis é mais conhecido. Existem outros filmes em que o cenário, especificamente um deserto, é uma parte tão fundamental da história que eles acabam desempenhando seu próprio papel, e um deles é o quarto filme da franquia Mad Max. Estrelando Tom Hardy como Max e Charlize Theron como Furiosa, ambos unem forças para escapar de um senhor da guerra através de um deserto pós-apocalíptico depois que Furiosa salvou as cinco escravas sexuais do senhor da guerra.

Furiosa está em busca do “Lugar Verde”, um ponto da trama que lembra a esperança de vários personagens de Duna de que Arrakis se tornasse um planeta verde e exuberante como muitos outros na galáxia.

♡ 10 coisas que você não sabia sobre Mad Max Estrada da Fúria

Lembrou de mais algum? Até mais!

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A beleza subestimada de Sunshine

2024-01-22T00:10:00.094-03:00

Sunshine (2007) é daqueles filmes de ficção científica pouco conhecidos e subestimados, que a gente celebra sempre que pode. Dezessete anos depois, Sunshine continua sendo um dos filmes de ficção científica mais sombrios e bonitos já feitos.

☀️ Leia também: 10 coisas que você não sabia sobre Sunshine - Alerta Solar

O enredo de Sunshine é aterrador. Em 2057, com a Terra em perigo devido ao Sol agonizante, uma tripulação é enviada na nave Icarus II para reiniciar nossa estrela com uma enorme bomba nuclear, um dispositivo atômico com massa equivalente a ilha de Manhattan. Sabemos conforme o filme passa que uma primeira missão já havia sido enviada com o mesmo propósito e misteriosamente falhou. Ou a segunda missão é bem-sucedida ou não sobrará mais ninguém na Terra gelada e desolada.

Sunshine foi a segunda colaboração entre o diretor Danny Boyle, o roteirista Alex Garland e o ator Cillian Murphy. O primeiro, 28 dias depois, foi um sucesso surpreendente. Além de reinventar e revitalizar o filme de zumbi, mostrou como a produção cinematográfica portátil e de baixo orçamento poderia ser usada para misturar ficção científica e terror de uma forma que fosse ao mesmo tempo emocionalmente atraente e assustadora como nunca.

E embora fosse mais ficção científica do que 28 dias depois, com um orçamento maior, Sunshine ainda parecia um sucessor espiritual, trazendo a mesma abordagem indie para o espaço sideral. Infelizmente, após seu lançamento no verão de 2007, Sunshine teve um desempenho inferior nas bilheterias, faturando apenas US$ 32 milhões (em comparação com os US$ 85 milhões ganhos por 28 Dias Depois), com insignificantes US$ 3,6 milhões nos Estados Unidos. E embora Boyle, Garland e Murphy tenham tido sucessos subsequentes, eles não fizeram outro filme juntos.

Ao longo do filme, Robert Capa, interpretado por Cillian Murphy, e uma equipe de cientistas internacionais, são forçados pela má sorte e por seus próprios erros a tomar decisões impossivelmente difíceis. Repetidamente, eles enfrentam a questão de quanto valem suas vidas no contexto de uma missão que vai literalmente decidir o destino da humanidade.

Por mais que o último ato do filme descambe mais para o terror do que para a ficção científica, o filme como um todo é uma história de sacrifício. Nos belos momentos em que apreciam a solidão cáustica de Mercúrio em seu balé junto ao Sol, a tripulação da Icarus II está cada vez mais convencida de que aquela missão é só de ida diante da magnitude da estrela que fica cada vez maior pelas escotilhas.

É algo a se pensar: se você estivesse em uma nave, sabendo que suas ações e seu conhecimento podem ser determinantes para garantir a vida de um planeta inteiro, que tipos de tensões, de ansiedades, se abateriam sobre sua cabeça? Quantas angústias e esperanças aquela tripulação levava consigo junto de sua carga atômica, sabendo que a Terra está morrendo e que uma missão anterior já tinha falhado?

Em um momento em que caminhamos para um futuro cada vez mais turbulento, com desafios que beiram a magnitude da missão da Icarus II, é possível olhar para esse filme e ver como aqueles personagens se sacrificaram por um bem maior e se empenharam na missão, sem parecerem fatalistas, sem pensarem no quanto estão condenados. Apenas trabalham e vivem um dia após o outro para fazerem do seu trabalho o melhor possível.

É também sobre o poder transformador das circunstâncias. O Sol, uma divindade em várias culturas, causa um efeito psicológico nos tripulantes da nave e é a explicação para o derradeiro final do filme, quando eles encontram a Icarus I. Diante da grandeza do universo, devemos questionar nossa importância e nosso lugar nele, mas essa compreensão é prejudicada pela magnitude da função que desempenham. Reiniciar o Sol? Que loucura é essa?

Se você nunca assistiu Sunshine, ele está disponível no Star+. Se você já assistiu, deixe seu comentário a respeito!

Até mais! ✺

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A jornada mística de Amleth em The Northman

2024-01-15T22:27:00.004-03:00

Um dos filmes mais elogiados de 2022 é The Northman (O Homem do Norte). Do mesmo diretor de A Bruxa (2015) e O farol (2019), Robert Eggers e Alexander Skarsgård criaram um épico nórdico, mas também um dos melhores filmes de seu segmento e uma obra-prima do cinema. Para além da violência de seu período, o filme tem simbolismos religiosos bastante arraigados na história dos povos nórdicos que foram muito bem aproveitados em tela e na jornada de seu protagonista.

The Northman é baseado na lenda viking que inspirou Hamlet, de William Shakespeare, e Robert Eggers combina as duas versões neste filme. Amleth, o protagonista, é uma figura mitológica e heróica marcante nos romances escandinávios e acredita-se que serviu de inspiração para a peça Hamlet. Um manuscrito do século XVII apresentando Amleth, que inspirou o Hamlet de Shakespeare, escrito por Saxo Grammaticus é a principal fonte para a lenda. Em seu Gesta Danorum, concluída no início do século XIII, Grammaticus dedica partes do terceiro e quarto livros ao príncipe Amleth, filho de Horvendill, rei dos Jutos.

No longa, Amleth ainda criança jura vingança contra o tio que matou seu pai para roubar o trono e ainda sequestrou sua mãe. Ele cresce longe de casa, como um Berserker antes de prosseguir com sua vingança e seu destino. O filme se aprofundam nos mitos e lendas escandinavos com base em vários textos. Mas The Northman tem muitos elementos fantásticos que trazem um tom de lenda ao enredo, elevando-o a muito mais do que apenas uma disputa pelo trono: a profecia da Vidente, Olga da Floresta de Bétulas e seus feitiços, e visões do Valhalla. Enquanto a peça de Shakespeare tem os fantasmas no ato de abertura, The Northman tem toda uma galeria de elementos místicos muito firmes na mitologia nórdica, entregando um filme com vários atos, tal como uma peça, ao mesmo tempo grandioso e majestoso, mas também muito particular e humano.

A cena de abertura de The Northman é de um corvo em pleno vôo. A câmera logo se move e se afasta para nos mostrar a ilha gelada para onde o corvo se dirige junto de três navios. É a primeira de muitas belas cenas do filme, mas também estabelece o foco do filme no simbolismo religioso e no misticismo. Os corvos há muito tempo são associados ao deus nórdico Odin, que é objeto de adoração do príncipe Amleth e sua família no filme. Os corvos vão desempenhar um papel importanteno enredo, assim como as práticas religiosas e tradições místicas dos vários personagens.

Bem no começo do filme há uma cena em que o Rei Aurvandill (Ethan Hawke) guia Amleth ainda criança através de uma cerimônia (conduzida por Heimir, o Louco, interpretado por Willem Dafoe) para transmitir conhecimento a Amleth sobre seus deveres como príncipe herdeiro. Os dois canalizam o espírito dos lobos e ingerem sementes psicodélicas de meimendro para ter uma experiência mística. Segundo Eggers, a cerimônia em si foi inventada por ele e pelo co-roteirista Sjon, mas todos os itens e substâncias usados na cerimônia foram retirados de registros históricos e sítios arqueológicos.

Um dos momentos mais visualmente marcantes dessa cena é quando Amleth toca um ferimento no abdômen de seu pai e tem uma visão onde vê o coração batendo e o sistema circulatório do pai se transformarem em uma versão de Yggdrasil (uma árvore sagrada no centro do cosmos na mitologia nórdica) de cujos galhos pendem todos os membros masculinos de sua linhagem, com ele no topo, em uma clara reverência pelos ancestrais e da importância da monarquia hereditária nesta sociedade, que mais adiante do filme têm grande importância na jornada de Amleth.

É preciso apontar que o filme é intencionalmente ambíguo se estas são verdadeiras experiências místicas ou apenas efeitos de alucinógenos combinados com crenças profundamente arraigadas. Vai de cada espectador decidir se acredita no que Amleth está vendo ou se fica com a ideia de que é tudo uma alucinação química.

A vidente, interpretada por Björk

Amleth é um grande devoto de Odin e isso tem muitos impactos em sua vida. A primeira vez que vemos Amleth adulto é como parte de uma unidade mercenária de Berserkers furiosos. Berserkers eram guerreiros de elite de Odin durante a Era Viking que canalizavam os espíritos de ursos ou lobos no campo de batalha. Um pouco antes de capturarem uma vila, os Berserkers realizam uma dança cerimonial de guerra para entrar em transe extático em preparação para a luta que se aproxima. Não se tem certeza se era exatamente daquele jeito que eles faziam, mas é uma ideia bem aceita entre os especialistas em cultura nórdica.

Odin também parece estar presente em sua vida quando Amleth está cativo do vilão do filme, seu tio Fjölnir (Claes Bang), onde um bando de corvos desce do teto e bica suas amarras para libertá-lo. Assim que Amleth é solto, a figura barbada de Odin aparece de pé sobre ele com um corvo empoleirado em cada ombro. Na mitologia nórdica, Odin tem dois corvos chamados Huginn e Muninn (literalmente “pensamento” e “memória”) que viajam pelo mundo coletando informações para Odin. Mais uma vez fica ambíguo se Amleth foi realmente salvo por Odin e seus corvos ou se ele estava alucinando, mas Fjölnir e seus homens ficam assustados ao verem corvos voando para fora quando voltam para verificar seu prisioneiro agora desaparecido.

Outro bom exemplo da mitologia foi a representação de uma Valkiria e do Valhalla. Na mitologia nórdica, existem dois reinos separados para os quais podemos ir na vida após a morte. Um deles é Hel, reservado para aqueles que morrem de causas naturais, como doenças, velhice, etc. O outro reino é Valhalla, destino daqueles que morrem em batalha. Quando um guerreiro é morto em batalha, ele é levado para Valhalla por uma entidade feminina chamada Valkiria. No filme, a atriz e modelo Ineta Šliužaitė é vista paramentada com um traje de batalha completo, cavalgando um cavalo branco. Seus olhos são de um azul pálido desumano e seus dentes têm sulcos esculpidos neles e preenchidos com pigmento preto.

Olga da Floresta de Bétulas, interpretada por Anya Taylor-Joy

Uma das maiores diferenças entre The Northman e seus antecessores é a maneira como retrata suas personagens femininas, especialmente o interesse amoroso do príncipe: Hamlet de Shakespeare corteja a senhora Ofélia e depois a deixa louca, enquanto Amleth é atraído e colabora com a colega escravizada e bruxa poderosa, Olga da Floresta de Bétulas (Anya Taylor-Joy).

Embora Ofélia seja uma personagem clássica que atraiu a simpatia do público por séculos, ela não desempenha um papel muito ativo em sua própria história. Interpretações mais recentes da história de Hamlet, como o romance Ophelia, de Lisa Klein e o filme de 2018 que ele inspirou (estrelado por Daisy Ridley no papel principal), tentam dar à heroína alguma atitude, porém ela ainda é vítima das circunstâncias. Olga, por outro lado, começa de uma forma ainda mais sombria, mas abre caminho para um final quase feliz no filme.

Na vida dura e brutal das mulheres do filme, Olga da Floresta de Bétulas é uma bruxa que conhece Amleth enquanto conforta outra mulher escravizada no navio que os leva para a Islândia. Amleth confessa seu plano a ela e Olga fica feliz em colaborar em sua vingança, preparando poções para ajudá-lo, enfrentando a fúria de Fjölnir à sua própria maneira, revidando quando ele tenta dormir com ela e quando ameaça matá-la.

Olga e Amleth têm uma conexão genuína, o que é mais do que se pode dizer de Ofélia e Hamlet conforme são descritos. Algumas produções tentaram construir seu romance, mas muitas vezes parece que Hamlet está usando Ofélia. Não se pode dizer o mesmo de Olga e Amleth: eles se comunicam e têm respeito mútuo, e Amleth protege Olga ativamente mais de uma vez e Olga o resgata de sua própria escuridão. Um dos momentos mais bonitos do filme é quando Amleth a procura na floresta e ela o encontra entre as árvores, quando os dois consolidam seu amor. Ambos perdidos numa terra selvagem, separados de tudo o que conheciam, acabam se encontrando nas sombras.

Com uma fotografia fantástica e atuações incríveis, The Northman é concretização de um sonho antigo de Alexander Skarsgård, com atuações magníficas, trazendo ao público o que a sétima arte sabe fazer de melhor. Com muita precisão histórica e mitológica, o longa poderia ter ganhado mais projeção do que ganhou, mas é possível assisti-lo no streaming com facilidade.

Até mais! 🗡️

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Resenha: O filme perdido, de Cesar Gananian e Chico França

2023-11-30T17:28:00.001-03:00

Fãs e estudiosos de cinema sabem o nome dos pioneiros da sétima arte, os irmãos Lumière ou Thomas Edison. Diz a lenda que, quando os Lumière fizeram a exibição de "A Chegada do Trem à Estação", de apenas 50 segundos, em 1896, o público teria saído em disparada, com medo que a composição invadisse o lugar. Mas antes de todos eles existiu Louis Le Prince.

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O quadrinho

Louis Le Prince, pioneiro do cinema, inventor do cinematógrafo, primeiro dispositivo capaz de registrar imagens estáticas e projetá-las sobre uma tela animada, decidiu pegar o trem e partir para o novo mundo a fim de mostrar sua invenção. Era 16 de setembro de 1890. A invenção do cinematógrafo constitui o marco inicial da história do cinema. Le Prince, porém teve sua jornada encurtada bruscamente e envolta em mistérios.

Le Prince embarcou num trem entre as cidades de Dijon e Paris, levando seu precioso cinematógrafo consigo. Mas o inventor nunca chegou a Paris. Nem mesmo sua bagagem foi encontrada. Seu corpo nunca foi encontrado. Apenas uma foto borrada de um homem afogado muito parecido com ele foi encontrada em arquivos franceses, mas ainda assim sua existência, bem como sua importância para o cinema, foram apagadas.

Cesar Gananian ficou sabendo desse mistério há dez anos, mas inicialmente a ideia para o projeto era outra. Pensando em homenagear os cem anos do cinema, o autor pensou em fazer uma colcha de retalhos, com cineastas importantes fazendo cenas com seus respectivos estilos. E é exatamente o que acontece aqui. São 21 capítulos, todos norteados pelo protagonismo de Le Prince, mas cada um com uma mudança de traço, linguagem, cores e movimento. Os autores vão desde o expressionismo alemão até os filmes marginais do Brasil, como os de Carlos Reichenbach.

Cada capítulo dedicado a um cineasta também tem sua composição diferente um do outro. Enquanto uns são a carvão, outros tem retratos em tinta a óleo, como no caso das páginas do cinema russo e seu maior representante, Andrei Tarkovski. No neorrealismo italiano, rascunhos a lágis enchem as folhas em branco. Em certos momentos temos uma intensa exploração das cores e do movimento, enquanto em outros temos pouco movimento, tons monocromáticos, como num cinema mudo.

Le Prince passeia em todos os capítulos, guiando a ação. Ainda que seja ficcional, o quadrinho imagina que o diário do inventor francês foi encontrado, onde sua angústia sobre sua invenção é narrada, fazendo com que cineastas do mundo inteiro se interessem por ele. Seu cinematógrafo fez surgir narrativas, estilos e ritmos em diferentes locais do mundo e vários deles permeiam as páginas de O filme perdido, como se rendessem homenagem ao pioneiro desaparecido, narrando as dificuldades para conseguir o material perfeito para o filme até o temor de ter sua patente roubada.

Quem procurar uma biografia de Le Prince vai acabar se decepcionando. Os autores queriam falar da paranoia e a guerra em torno das patentes, uma das grandes preocupações da época e como isso poderia ter influenciado os eventos que levaram ao sumiço de Le Prince. Também não há uma ordem cronológica nas sequências. É como se víssemos vários curtas agrupados em um longa, sem se preocupar tanto com a evolução do cinema.

A dupla levou cinco anos para completar a obra que é apresentada em capa comum e impressão colorida no miolo. Não encontrei problemas de revisão ou diagramação nele.

Obra e realidade

Louis Aimé Augustin Le Prince foi um dos precursores do cinema. Em outubro de 1888, Le Prince filmou as sequências de imagens em movimento intituladas Roundhay Garden Scene, Traffic Crossing Leeds Bridge, Accordion Player e Man Walking Around A Corner, usando uma câmera de lente única com uma película de papel. Seu trabalho foi realizado anos antes de seus principais concorrentes: Thomas Edison, que fez seu primeiro filme em 1891, e os irmãos Auguste e Louis Lumière, que fizeram seu primeiro filme em 1892.

O começo da história do cinema é marcada pela guerra das patentes das câmeras. Alguns teóricos da conspiração acreditam que Le Prince foi assassinado dentro do trem por conta de uma guerra entre os diversos inventores, que queriam o pioneirismo da invenção. Le Prince sumiu no trajeto entre Dijon e Paris, seu corpo e sua bagagem desapareceram da composição e 100 anos mais tarde uma foto de um homem afogado foi encontrada em um arquivo policial, onde o morto se parecia muito com ele. Até hoje ninguém sabe o que de fato aconteceu com Le Prince, que tinha 45 anos na época.

Cesar Gananian é cineasta, roteirista e montador brasileiro, com filmes premiados e exibidos em dezenas de festivais brasileiros e internacionais.

Chico França é um ilustrador e artista plástico brasileiro.

PONTOS POSITIVOS
Lindamente ilustrado
Le Prince
Bem escrito
PONTOS NEGATIVOS
Preço
Acaba rápido!

Título: O filme perdido
Roteiro: Cesar Gananian
Ilustrador: Chico França
Editora: Companhia das Letras (selo Quadrinhos na Cia)
Páginas: 312
Ano de lançamento: 2023
Onde comprar: na Amazon!

Avaliação do MS?

Foi uma leitura intensa, didática, cheia de surpresas e com muitos detalhes para acompanhar nas mais de 300 páginas de um quadrinho audacioso e sublime. Se grandes cineastas pudessem prestar homenagens ao inventor do cinema, ela seria na forma de O filme perdido. Cinco aliens para o livro e uma forte recomendação para você ler também!

Até mais! 🎞️

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10 coisas que você não sabia sobre O Exterminador do Futuro 3: A Rebelião das Máquinas

2023-11-24T10:16:00.002-03:00

É, eu sei que muita gente não gosta desse filme, mas sempre que ele está disponível eu acabo assistindo. John Connor vive à margem da sociedade, sem emprego fixo, se escondendo, mesmo depois de ter impedido o dia do juízo final. Ou é o que ele pensava. Dois exterminadores chegam do futuro e um deles começa a exterminar adolescentes que serão seus futuros apoiadores. Enquanto isso, Kate Brewster acaba se envolvendo com a luta dos exterminadores e será determinante para o futuro de John Connor.

Dirigido por Jonathan Mostow, o lona teve um orçamento de 188 milhões de dólares, tendo faturado em bilheteria cerca de 434 milhões. A crítica especializada disse que, apesar de não chegar aos pés do segundo filme, este aqui é uma adição bem-vinda à saga.

10. A briga pelos direitos

Em 1991, quando o segundo filme saiu, James Cameron disse que se o longa fosse um sucesso, haveria uma enorme pressão para se rodar um terceiro filme. A produtora Gale Anne Hurd disse, porém, que era improvável que Arnold Schwarzenegger voltasse ao seu papel de exterminador. E de fato, Arnold disse que só voltaria para uma sequência se ela fosse dirigida por Cameron. O diretor, por sua vez, disse a ele que pedisse logo uma quantidade imensa de dinheiro e fizesse logo o filme. Apesar de ter dito que a saga não precisava de um terceiro longa, Cameron ficou em negociação com a FOX durante anos, em especial depois da falência da produtora original dos Exterminadores, a Carolco Pictures. Conforme a briga pelos direitos continuava, Cameron pulou fora da pré-produção, mas Arnold acabou assinando o projeto em 2000 pela bagatela de 30 milhões de dólares.

9. Elenco

Inicialmente, o longa teria Sarah e John Connor de volta, com seus atores originais. Porém, em novembro de 2000, Linda Hamilton recusou o papel depois de ler o roteiro, dizendo que a personagem não evoluía, nem tinha qualquer arco significativo. Edward Furlong já estava com contrato assinado para retornar ao seu papel, mas teve que abandonar a produção devido ao abuso de drogas. O diretor então achou que era hora de reescrever John Connor e colocar um novo ator no papel. Assim ele escalou Nick Stahl pouco tempo antes das gravações começarem, em abril de 2002.

Para o papel da T-X, a escolha foi mais demorada. Cerca de 10 mil atrizes fizeram os testes para o papel da robô assassina. Em um primeiro momento, Famke Janssen foi anunciada como uma possível atriz. Com o sucesso de Velozes e Furiosos, os produtores pensaram em colocar Vin Diesel como T-X até que por fim eles decidiram escalar a modelo Kristanna Loken em 2002. Loken passou por seis semanas de treinamento intenso, com treino em armas, luta corporal e muita musculação. Ela também teve aulas de Krav magá, ganhando seis quilos de massa corporal no processo. Loken também fez aulas de mímica para aperfeiçoar os movimentos robóticos de sua personagem.

Para o papel de Kate Brewster, a atriz original era Sophia Bush, de Chicago P.D. Porém, a atriz era muito jovem na época e o diretor tentou de tudo para fazê-la parecer mais velha do que era de fato, mas chegou uma hora em que ficou impossível continuar. Ele precisou demitir a atriz, o que foi uma tristeza para ambas as partes. Depois de ler o roteiro, Claire Danes decidiu interpretar Kate e pisou nos sets de filmagem um dia depois da demissão de Bush, em maio de 2002.

8. O posto

O posto de gasolina onde o Exterminador pára para reabastecer é o mesmo posto visto nos três filmes anteriores. Em O Exterminador do Futuro (1984) foi mostrado no final, onde a grávida Sarah Connor pára antes de dirigir para o Deserto de Mojave. Em O Exterminador do Futuro 2: O Julgamento Final (1991) é onde o Exterminador, Sarah e John acampam durante a noite após escapar do hospital psiquiátrico.

7. Rua cenográfica

A cena de perseguição da T-X usando o caminhão guindaste foi bem difícil de fazer. Vários quarteirões com casas, lojas, pontos de ônibus e prédios comerciais foram construídos do zero porque a produção precisava de um nível de destruição que não seria possível em uma rua real. Arnold Schwarzenegger investiu US$ 1,4 milhão de seu salário para garantir que uma cena importante em que um guindaste de construção bate em um prédio de vidro fosse filmada. Mostow, aparentemente estava preocupado com a possibilidade de o filme atrasar e ultrapassar o orçamento.

6. Cirurgia

Arnold Schwarzenegger teve que passar por uma cirurgia devido a uma ruptura no manguito rotador após uma lesão no set. Ele ficou na tipoia por quase um mês, mas isso não atrasou a conclusão do filme.

5. Efeitos especiais

O veterano especialista em efeitos Stan Winston e sua equipe construíram réplicas robóticas perfeitas, em tamanho real e totalmente operacionais de Arnold Schwarzenegger e da co-estrela Kristanna Loken porque certas sequências envolvendo fogo e explosões eram muito perigosas para eles executarem. Ainda assim, cerca de 600 cenas precisaram de efeitos gerados por computador, que ficaram a cargo da Industrial Light & Magic. Demorou seis meses para desenvolver um método para simular a sequência em que o exterior líquido da T-X é magnetizado a ponto de derreter, revelando seu endoesqueleto de metal. Demorou mais de um ano para animar completamente a cena. Essa cena também foi difícil para Kristanna Loken pela postura rígida em que precisou ficar durante a filmagem. A atriz acabou com vários hematomas nos braços por semanas.

4. Alfinetada

Depois que o T-X danificou sua arma principal, uma visão em primeira pessoa mostra a robô escolhendo diferentes armas em seu menu. No lado direito da tela, uma das armas se chama “Rumsfeld P81 Cauterizer”. Isto é uma cutucada ao Secretário de Defesa do Presidente George W. Bush na época, Donald Rumsfeld.

3. Tem livro

Escrito por David Hagberg, a novelização nos dá algumas informações básicas sobre o relacionamento de Kate com seu pai, que era filha única. O General Brewster era tão viciado em trabalho que sua esposa o abandonou. A Sra. Brewster aprovou o noivado de Kate, mas Kate também queria a aprovação do pai. Ele concedeu, mas nunca conheceu Scott. Além disso, ela não tem certeza sobre se casar com Scott, e ele está nervoso em conhecer o futuro sogro. Quando Kate nasceu, sua família estava na Alemanha, em Ramstein. O fato de ela ter nascido como uma “criança da Força Aérea” explica por que ela sabe a diferença entre uma arma de verdade e uma arma de paintball quando John aponta uma para ela.

2. 11 de setembro

Os storyboards das cenas perto do final do filme eram muito mais gráficos do que o que foi visto nos cinemas e incluíam imagens como o derretimento da Estátua da Liberdade, o letreiro de Hollywood pegando fogo e até mesmo o Dr. Silberman sendo atingido por uma explosão nuclear. No entanto, a equipe de efeitos visuais foi informada de que era cedo demais mostrar tal destruição gráfica depois dos atentados de 11 de Setembro de em Nova York, e que apenas uma única explosão nuclear deveria ser vista, e de qualidade relativamente baixa em comparação com o que foi visto no segundo filme. O efeito pleno e dramático da guerra nuclear do Dia do Juízo Final não seria visto novamente até o prólogo de O Exterminador do Futuro: Gênesis (2015).

1. Mudança de relacionamento

Jonathan Mostow estava preocupado em escalar Schwarzenegger como uma figura paterna benevolente, como aquele que ele interpretou em O Exterminador do Futuro 2. Ele sentiu que não seria nada além de uma recauchutagem, sem a magia que tornava o relacionamento deles tão especial. Para compensar, tanto Mostow quanto Schwarzenegger concordaram que este novo Exterminador deveria ser um tipo de figura de autoridade, mais um comandante do que um pai. Como tal, o Exterminador foi escrito para não obedecer às ordens de John, mas para cumprir parâmetros de missão predefinidos, John gostasse ou não.

Bora assistir de novo??

Até mais!

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Alien 3: uma metáfora para a AIDS

2023-10-01T21:23:00.000-03:00

Entre os fãs da franquia Alien, uma opinião parece ser bem comum: a de que o terceiro filme é o pior de todos (eles ainda não tinha assistido a Alien Covenant). Infelizmente, o filme teve problemas desde o começo, do roteiro à edição final, da montagem às interferências constantes do estúdio no trabalho de David Fincher, mas é possível olhar para o filme e encontrar mensagens que são bem visíveis aos expectadores mais atentos. Uma delas diz sobre a epidemia da AIDS e de como o filme age como uma metáfora para ela.

A Síndrome da Imunodeficiência Adquirida (AIDS) foi reconhecida em meados de 1981, nos Estados Unidos, a partir da identificação de um número elevado de pacientes adultos do sexo masculino, homossexuais e moradores de São Francisco ou Nova York, que apresentavam sarcoma de Kaposi, pneumonia pneumocística e comprometimento do sistema imune.

Enquanto os dois filmes originais de Alien usaram sexo e violência na figura do alien e do facehugger, Alien 3 nasceu em uma geração que via o sexo como um ato que poderia ser mortal, vindo na esteira da epidemia da AIDS na década de 1980, com todas as novas precauções e a apatia de muitos governos conservadores em abordar o assunto com a população, já que os principais afetados pela AIDS vinham da população LGBTQIA+. O terceiro filme lida com a metáfora de uma maneira profunda, partindo da linguagem visual até mesmo às falas de seus personagens.

Dillon (Charles S. Dutton) é um dos prisioneiros e principal aliado de Ripley na caça ao alien pelas instalações da prisão. Dillon faz a homenagem a Newt e Hicks quando os corpos são cremados e ele diz neste momento: “Por quê? Por que os inocentes são punidos?” O discurso de Dillon sobre a morte de inocentes é igual ao utilizado pelo coletivo Gran Fury, compostos por artistas de vários segmentos que lutavam pela conscientização a respeito da AIDS. Um dos cartazes mais conhecidos do coletivo utilizava a frase: “Todas as pessoas com AIDS são inocentes”. E mesmo sem saber sobre a presença do alien nas instalações, a frase de Dillon também diz respeito à crueldade do monstro, que acaba por representar a AIDS no filme.

Dillon também personifica outro ativista pela conscietização, Larry Kramer, que nos final dos 1980, criou o ACT UP (AIDS Coalition to Unleash Power), de maneira a dar voz a uma comunidade silenciada, doente e morrendo, sem contar com a ajuda de seu governo. Em 1987, Kramer parafraseou seu artigo “1.112 and Counting” ao fazer um discurso para um grupo de pessoas LGBT+ em Nova York e esbravejou: “Se meu discurso esta noite não te assustar, estamos em sérios apuros. Se o que você está ouvindo não desperta raiva, fúria, fúria e ação, os homens gays não terão futuro aqui na terra. Quanto tempo leva para você ficar com raiva e revidar?"

E Dillon, no subsolo da prisão, reunido com seus irmãos, com Ripley, tenta convencê-los de que a companhia não virá para salvá-los e que se eles quiserem sobreviver, precisarão resolver isso eles mesmos: “Todos nós vamos morrer. A questão é como você prefere. Você quer isso de pé ou de joelhos... implorando?! Não sou muito de implorar. Ninguém nunca me deu nada. Então eu digo foda-se essa coisa. Vamos lutar contra ela!”

A prisão onde a ação passa, Fiorina Fúria 161, também tem simbolismo. Quem procurar a iconografia LGBT dos anos 1980 vai se deparar com muitos pôsteres e materiais do coletivo Gran Fury. Um dos mais famosos diz que 1 em cada 61 bebês nascidos na cidade de Nova York naquela década tinham o HIV. Olha o 161 aí. O planeta em si é descrito como desolado, árido, rochoso, com temperaturas gélidas. É inóspito e isolado, um lugar para onde aqueles considerados perigosos para a sociedade eram enviados para serem esquecidos, como um leprosário. Mesmo depois de desativarem a prisão, um grupo de detentos decidiu ficar.

Sabemos por Dillon e depois pelo médico da instalação, Dr. Clemens (Charles Dance), que os reclusos cometeram crimes graves, como assassinato e estupro. Comparar a comunidade LGBT infectada pelo HIV dos anos 1980 com eles é um discurso preconceituoso, mas era exatamente esse o pensamento do público e até do governo, que achava que a AIDS era uma "punição divina". Pessoas LGBT foram jogadas nas ruas, condenadas ao ostracismo por amigos e familiares, vistas como se fossem tão perigosas quanto os criminosos presos em Fúria 161. Nas fases mais avançadas da AIDS, muitos hospitais agrupavam os pacientes em pisos isolados, onde acabariam por morrer, sozinhos e muitas vezes abandonados pela família e amigos. Tal destino recai sobre os prisioneiros de Fúria 161, que foram abandonados em uma rocha gelada e implacável, sozinhos e quase esquecidos.

Alien 3 foi o primeiro filme em que Ripley tem intimidade física com algum personagem. Para desviar a atenção do médico, que está suspeitando da história dela desde o começo, Ripley pergunta se ele a acha atraente. Em mais uma cena misturando sexo e violência, Clemens morre pouco tempo depois. E logo Ripley começa a demonstrar sinais de fraqueza, tossindo e cambaleando, até descobrir que está carregando um embrião de uma rainha no peito, recebendo um diagnóstico terrível, que simbolizava a morte. O alien representa o perigo, o contágio, a doença e agora Ripley se mostra doente e correndo contra o tempo. Tal como o embrião que cresce dentro dela, a AIDS também enfraquece as pessoas, tornando-as suscetíveis a outras doenças. As roupas largas, o aspecto magro de Ripley, apenas reforçam visualmente a metáfora.

É difícil saber se todas as metáforas foram intenções reais dos roteiristas, porque o filme recebeu tantos tratamentos antes das filmagens começarem, que é complicado traçar todas as origens. Igualmente difícil é olhar para o filme da mesma maneira depois de notar todas as semelhanças com os estágios da epidemia, seus simbolismos, dados e fatos. A ideia de que a alegoria está toda presente no filme não é nova e nem foi vista somente em Alien 3. Em O Monstro do Ártico, de John Carpenter, há semelhanças com os estágios da epidemia.

Também é preciso considerar que Sigourney Weaver foi a produtora executiva de Alien 3 e sempre foi ativista pelos direitos LGBT+, tendo perdido dois amigos para a AIDS durante os anos 1990. Ainda que nunca tenha falado abertamente sobre o filme e suas metáforas, é possível que de forma inconsciente a produção tenha trabalhado os temas ao perder membros da equipe para a doença? O ator Ralph Brown (85 no filme), por sua vez, em um podcast sobre Alien 3, explica os significados de cada um dos três filmes e afirma que Alien 3 é sobre a AIDS.

Seja como for, a ficção científica tem uma longa tradição de trabalhar metáforas em enredos fictícios. Este não seria o primeiro. Se você nunca reparou que Alien 3 trazia essa mensagem, dê uma nova chance ao longa.

Até mais!

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10 coisas que você não sabia sobre O Feitiço de Áquila

2023-09-24T20:38:00.001-03:00

O Feitiço de Áquila (1985) é um dos meus filmes favoritos! Já perdi a conta de quantas vezes o assisti. Em uma época medieval, um casal é amaldiçoado pelo pérfido bispo de Áquila, inconformado com o amor do casal. Eis então que um jovem ladrão escapa dos calabouços e se torna uma esperança para salvar Isabeau e Navarre da maldição!

Dirigido e produzido por Richard Donner (o mesmo diretor da franquia Máquina Mortífera, Os Goonies e Superman), o longa teve 20 milhões de dólares de orçamento, mas teve um retorno de bilheteria de apenas 18,4 milhões. Foi indicado a dois Oscars da Academia, mas saiu sem estatuetas. Apesar disso, o longa se tornou um filme cult pouco depois de seu lançamento.

10. Produção

Richard Donner tentou financiar o filme por vários anos e esteve perto de fazê-lo duas vezes, uma vez na Inglaterra e outra na Tchecoslováquia. Ele finalmente conseguiu o projeto na Warner e na Fox, um dos primeiros projetos conjuntos dos dois estúdios. Originalmente, Kurt Russell foi escalado como o Capitão Etienne Navarre, ao lado de Michelle Pfeiffer. O papel do batedor de carteiras foi oferecido a Sean Penn e depois a Dustin Hoffman, antes de Donner decidir por Matthew Broderick. Eventualmente, Russell desistiu durante os ensaios e Rutger Hauer foi escolhido para substituí-lo, a quem originalmente foi oferecido o papel do vilão, o Bispo de Áquila. Outros atores sondados para o papel de Navarre foram Sean Connery e Mel Gibson.

9. O cabelo de Isabeau

O imaginário popular sobre princesas é bem específico: longos cabelos, vestidos esvoaçantes, um príncipe em um cavalo branco. O Feitiço de Áquila inverte muitas dessas suposições, a começar pela imagem de Isabeau. Foi Michelle Pfeiffer, que estava no auge da carreira depois de Scarface, quem sugeriu a Donner o corte de cabelo curtinho de Isabeau e um figurino menos feminino. Isso ia contra o que o próprio diretor pensou para a personagem, mas Michelle disse que "não queria andar por aí com um vestido branco esvoaçante, com longas tranças penduradas, interpretando uma linda princesa brincando na floresta.” Donner acabou acatando a sugestão da atriz, o que deu muito certo.

8. Trailer

Quando Rutger Hauer aceitou o convite de Donner para interpretar Navarre por telefone, ele disse ao diretor: “certifique-se de ter uma vaga para estacionar meu trailer de quase 20 metros”. O diretor riu, presumindo que o ator estava fazendo uma piada sobre as estrelas de Hollywood e suas acomodações luxuosas e enormes no set. No entanto, Hauer falava muito sério, ele tinha mesmo seu próprio trailer, que tinha 17 metros de comprimento. O próprio ator construiu o veículo e o dirigiu pessoalmente pela Europa até as locações na Itália.

7. O falcão e o lobo

Lobos e falcões de fato ficam com um parceiro por toda a vida. Para as gravações, três falcões e quatro lobos foram usados para retratar o casal amaldiçoado. Tratadores de animais experientes coordenaram os animais nas locações e os acostumaram à presença dos atores. Para os falcões, três aves foram utilizadas em horários diferentes para evitar estresse. Um dos falcões era bem desobediente para filmar, já que gostava de ficar no braço de Hauer. Enquanto isso, quatro lobos siberianos (Akeela, Kollchek, Levi e Sasha), foram importados da Califórnia para interpretarem o transformado Navarre à noite. Spike II, o falcão fêmea que aparece no pôster e em várias cenas de close, faleceu em 2007 em um santuário para aves de rapina em Nova York. Nesta época ela se chamava Ladyhawke e recebia centenas de visitantes fãs do filme.

6. Goliath

O belo cavalo negro que Navarre monta, Goliath, era um garanhão frísio de 19 anos, nativo da Holanda, chamado Otelo. Otelo era da artista de circo Manuela Beeloo e era muito bem treinado e cuidado por Manuela, que o emprestou para a produção pela calma do cavalo em viajar e se apresentar em diversos países. O filme não foi um grande sucesso nos cinemas, mas foi nas locadoras, o que despertou o interesse de muitos criadores de cavalos ao ver aquele belo garanhão em cena. O interesse fez o número de cavalos frísios nos Estados Unidos dar um salto nos anos seguintes e a raça é popular até hoje.

5. Esgotos

As filmagens levaram cinco meses durante o outono e o inverno europeus. E isso gerou vários momentos estressantes para os atores. Matthew Broderick filmou por dois dias numa água congelante na cena nos esgotos de Áquila. Embora esta fosse uma cena bem curta no roteiro, a natureza da produção do filme significava que demorava alguns dias para ser filmado completamente. Posteriormente, Broderick teve que ficar na água fria e turva nas filmagens naqueles dias. Em boa parte do tempo, o ator recebeu isolamento de roupa de mergulho sob seu figurino, mas isso não foi permitido em certas cenas quando seria visível na câmera.

4. Peso

Não foram apenas as condições climáticas adversas que provaram ser um teste de resistência para o elenco. Os trajes também causavam considerável desconforto, principalmente no caso de Rutger Hauer, já que muitas vezes ele era obrigado a usar uma armadura completa de cavaleiro. Ainda que este não seja o filme historicamente mais preciso já feito, os figurinistas e a equipe de adereços se esforçaram pela autenticidade do período. Como tal, as armaduras e espadas usadas por Hauer e outros soldados eram feitas de metal de verdade e, consequentemente, eram bem pesadas. Hauer afirmou que o peso do traje e da espada combinado com o esforço físico de filmar cenas de luta fez com que ele perdesse quase dez quilos ao final da produção.

3. Disparada

Em uma cena, o capitão Navarre diz a Philippe Gaston para cavalgar até o castelo de Imperius para salvar a vida do falcão e dá um tapa nas ancas de seu cavalo para fazê-lo cavalgar. No entanto, na primeira vez que a cena foi filmada, Hauer deu um tapa forte em Otelo e ele disparou morro acima e rumo ao horizonte, com Matthew Broderick gritando em cima. O cavalo era poderoso demais para Broderick parar, então tudo a equipe podia fazer era sentar e esperar que eles voltassem.

2. Onde e quando o filme se passa?

Sabemos que é na Europa Medieval, mas por se tratar de um filme com muitos elementos mágicos, ele meio que empresta nomes e lugares de vários países. Por exemplo, Áquila é uma comuna italiana da região dos Abruzos, com cerca de 72.948 habitantes, fundada em 1230. Mas Isabeau é filha do conde D'anjou e o Condado D'anjou, ou Andegavia em latim, foi um condado e depois ducado francês, no século XIV, que foi posteriormente absorvido pelo domínio real francês em 1482 e permaneceu como província do reino até 1790.

O quando é mais complicado, porque o marketing do filme apenas diz "uma lenda europeia medieval do século XIII". Durante o século XIII ocorreram 246 eclipses solares, sendo apenas 60 deles totais. E o eclipse solar mais longo daquele século, com mais de 6 minutos de duração, aconteceu em 24 de junho de 1256. Navarre comenta que em sua espada há uma pedra de seu pai, simbolizando as Cruzadas e se ele lutou em uma delas, é provável que tenha sido a Sétima Cruzada (1248-1254).

1. Lenda medieval?

O estúdio propagandeou que o filme era baseado em uma lenda medieval verdadeira e o mito perdurou depois do lançamento. Mas não é verdade. O roteiro é pura invenção do veterano roteirista Edward Khmara. Khamara, roteirista de Inimigo Meu (1985) e Dragão - A História de Bruce Lee (1993), porém não ficou feliz com a forma como o estúdio usou a história para se vender como verdadeira, o que violava seus direitos autorais e processou a Warner Bros, em um acordo resolvido fora dos tribunais e com valores não divulgados. Mas nem isso fez o estúdio remover o papo de ser baseado em uma lenda dos materiais de marketing.

Bora ver de novo?? Ele está disponível no Star+!

Até mais! 🐺

Já que você chegou aqui...

Godzilla e armas nucleares

2023-09-11T00:00:00.006-03:00

Em 1954, estreava no Japão um filme chamado Gojira, ou Godzilla como as audiências ocidentais o conheceram. Mas muitas pessoas saíram chorando das salas de cinema com as cenas de destruição causadas pelo monstro radioativo ainda muito frescas na memória depois do bombardeio nuclear de Hiroshima e Nagasaki durante a Segunda Guerra Mundial. Desde o começo, os produtores pensaram no longa como uma reflexão sobre o uso de armas nucleares e as consequências inimagináveis de seu uso. Mas essa mensagem foi desvirtuada quando o filme chegou aos Estados Unidos e a outras audiências ocidentais.

O tema do filme, desde o início, foi o horror da bomba.

Tomoyuki Tanaka, produtor de Gojira (Godzilla)

O bombardeio das duas cidades japonesas causou entre 130 mil e 225 mil mortes imediatas. Nos quatro meses que se seguiram, um número igual de pessoas morreu devido a ferimentos, queimaduras e doenças causadas pela radiação. Foi também em 1954 que os norte-americanos testaram uma bomba de hidrogênio numa ilha desabitada, nas Ilhas Marshall. Os efeitos da detonação atingiram uma traineira de atum japonesa, a Fukuryu Maru (Dragão da Sorte). A contaminação por radiação atingiu toda a tripulação e um deles morreu. Era uma lembrança dos efeitos das bombas quase uma década depois. Gojira chegaria aos cinemas pouco depois do incidente com a traineira, como uma metáfora para o trauma causado pelas bombas, levando muitas pessoas às lágrimas em suas exibições no Japão.

O enredo do longa fala de uma criatura reptiliana e bípede de 45 metros de altura, despertado de sua quase eterna hibernação submarina por testes norte-americanos de bombas atômicas e de hidrogênio no Pacífico. Irritado, ele destrói tudo em seu caminho em sua passagem por Tóquio. O filme foi produzido pelos estúdios Toho e seu diretor foi Ishirō Honda. O nome “Gojira” (ゴジラ) – mais tarde alterado para “Godzilla” para o mercado norte-americano – era uma combinação das palavras japonesas gorira (ゴリラ, gorila) e kujira (鯨クジラ, baleia).

Godzilla afunda navios no mar e ataca cidades à noite, assim como os bombardeios noturnos dos B-29 norte-americanos. Ele desencadeia incêndios com sua “respiração atômica”. Os norte-americanos queimaram Tóquio e começaram a usar napalm em 1945. O monstro destrói cidades e deixa homens, mulheres e crianças japoneses feridos, queimados, mortos e moribundos. O diretor Honda foi soldado do Exército Imperial estacionado na China e viu essas mesmas cenas ao desembarcar por Hiroshima após sua repatriação. A pele áspera de Godzilla foi desenhada para lembrar aos espectadores as cicatrizes e queloides nos corpos dos sobreviventes da bomba atômica. A forma de sua cabeça pretendia representar a de uma nuvem em formato de cogumelo. Assim, o filme era um aviso destinado a evocar tanto a capacidade destrutiva das armas nucleares como a vitimização nuclear do Japão.

Apesar de todo o horror que a criatura causa, ele também é visto como uma vítima dos testes atômicos. Ou seja, tanto os seres humanos quanto o próprio monstro têm um inimigo em comum: as armas nucleares. Godzilla inaugurou todo um sub-gênero de filmes de ficção científica e terror, ao apresentar o Kaiju (怪獣), termo japonês geralmente associado a produções envolvendo monstros gigantes. O termo também é usado para se referir às criaturas em si, que são vistas atacando cidades e combatendo militares e até outros monstros.

Pôster do filme de 1954

Os filmes de Godzilla têm sido frequentemente criticados por seus trajes cômicos de borracha, efeitos especiais ruins e pancadaria de monstros no estilo luta livre profissional. Ao todo, a franquia conta com pelo menos 38 filmes, sendo 33 deles japoneses e cinco longas norte-americanos. Existem ainda quadrinhos, novelizações e videogames, que expandiram o universo do filme original. Infelizmente, para a audiência norte-americana, o sentido original do filme de 1954 foi modificado. A maioria achou que era um filme cômico e o encarou como um filme cafona de monstros.

Hollywood pegou o filme original e eliminou sua mensagem política antes de apresentá-lo ao público norte-americano para se desviar a atenção dos Estados Unidos de sua responsabilidade ao lançar as bombas. O longa serviu como uma forte declaração política, representativa dos traumas e ansiedades do povo japonês em uma época em que a censura era extensa no Japão devido à ocupação norte-americana do país após o fim da guerra. A tela mostrava o que muitos não conseguiam dizer explicitamente, uma experiência catártica, que levou às lágrimas uma parte da audiência original.

Dois anos depois de seu lançamento, Godzilla chegou aos Estados Unidos como Godzilla, Rei dos Monstros!, mas fortemente editado, onde um ator branco, Raymond Burr, foi colocado no papel principal. Cerca de 20 minutos de material original, em especial a parte da responsabilidade política, foram cortados da versão norte-americana. Entre as cenas cortadas estava aquela em que os passageiros de um trem fazem a ligação entre Hiroshima e o ataque de Godzilla, bem como fala final original, onde o professor de biologia, Dr. Yamane, alerta que se os testes nucleares não pararem, outro Godzilla poderia aparecer.

Pouco da mensagem no filme original foi restaurada em adaptações posteriores. No filme Godzilla de 1998, estrelado por Matthew Broderick, por exemplo, a criatura surgiu a partir de um teste de bomba atômica feito pelos franceses, e não pelos norte-americanos, na Polinésia. Nos filmes lançados pela produtora Legendary, o monstro é retratado como um dinossauro pré-histórico que emergiu da Terra e deve ser destruído por bombas nucleares, tornando-se um “gesto quase humanitário para salvar o mundo dos monstros”.

Godzilla é um dos símbolos mais reconhecidos da cultura popular japonesa em todo o mundo e continua a ser uma faceta importante dos filmes japoneses. A aparência vagamente humanoide e os movimentos tensos e desajeitados de Godzilla tornaram-no querido pelo público japonês, que poderia se relacionar com Godzilla como um personagem simpático, apesar de sua natureza irada. O público responde positivamente ao personagem porque ele age com raiva e autopreservação e mostra onde a ciência e a tecnologia podem dar errado. Mas ele ainda age como um lembrete de um trauma coletivo e foi evocado novamente com o desastre na usina de Fukushima.

Embaixador cultural de Shinjuku desde 2015, inspiração para Steven Spielberg, Martin Scorsese e Tim Burton, nome de dinossauro e até de um asteroide, a criatura Godzilla é um fenômeno pop que transcendeu seu sentido original e tornou-se um símbolo. Felizmente as audiências atuais podem assistir ao clássico de 1954 em seu formato original que foi remasterizado em 2022. Que ele continue a inspirar e a criar consciência política nas audiências, que foi seu sentido inicial.

Até mais!

Já que você chegou aqui...

Mais 10 filmes que você não sabia que eram baseados em livros

2023-07-31T19:12:00.001-03:00

Sempre gosto de cavucar essas informações, sabe? Às vezes um livro que nem fez tanto sucesso assim se torna um grande clássico do cinema. Outros somem das estantes e logo já tem seus direitos vendidos e se tornam franquias de sucesso. Mas tem aqueles filmes que a gente nem desconfia que possam ser baseados em obras literárias. E aqui tem uma terceira lista marota com mais filmes que foram baseados em livros!

Air America - Loucos pelo Perigo (1990)

O longa com Mel Gibson e Robert Downey Junior mal conseguiu se pagar quando foi lançado nos cinemas. Baseado no livro de não ficção de Christopher Robbins, de 1979, ele conta a história real de uma operação secreta da CIA no Laos, onde a companhia de fachada Air America, realizava missões sobre espaço aéreo inimigo para contribuir nos esforços de guerra no Vietnã, de 1950 a 1976. Os pilotos voavam em missões perigosas, em geral sob fogo inimigo, dando apoio logístico e levando suprimentos para as tropas do outro lado da fronteira, mas na maioria das vezes não tinham ideia do que estavam carregando, nem quem dava as ordens diretas.

Além da Linha Vermelha (1998)

Drama de guerra com nomes de peso como Jim Caviezel, Jared Leto, Sean Penn, Adrien Brody e George Clooney, o longa foi indicado a sete Oscars da Academia e levou o Urso de Ouro do Festival de Berlim de 1999. Baseado no livro de mesmo nome de James Jones, lançado em 1962, a obra fala de maneira fictícia da Batalha do Monte Austen durante a Batalha de Guadalcanal na Segunda Guerra Mundial e reflete elementos autobiográficos, já que o autor serviu ao exército dos Estados Unidos. O livro retrata as batalhas de maneira realista, com vários atos particularmente horríveis praticados pelos soldados norte-americanos, como desenterrar um cadáver japonês por diversão, a execução sumária de prisioneiros japoneses e a extração dos dentes de ouro de seus cadáveres.

A Outra (2008)

O sensual filme com Natalie Portman, Scarlett Johansson e Eric Bana mostra a disputa entre as irmãs Bolenas, Mary e Ana, pela afeição do temível rei Henrique VIII em sua busca desenfreada para conseguir um herdeiro para o trono. O roteiro foi baseado no livro A irmã de Ana Bolena, de Philippa Gregory, publicado originalmente em 2006. O livro conta a história de Ana, de sua ascensão até sua queda do ponto de vista de Mary, que, com apenas 14 anos e recém casada, foi mandada para a corte de Henrique VIII, para servir a rainha Catarina de Aragão, sendo uma de suas damas de companhia. Mary acaba se tornando amante do rei na primeira parte do livro, tal como está no filme, perdendo a preferência do rei devido à ambição de Ana.

Desejo e Reparação (2007)

Drama de guerra com Keira Knightley, James McAvoy e Saoirse Ronan, o filme fala de Briony Tallis, uma menina entre 10 e 11 anos, que mora na Inglaterra de 1935 em uma numa casa gigantesca e prepara uma peça de teatro para ser apresentada em homenagem a chegada do irmão, Leon Tallis. Enquanto se esforça para terminar a peça e conseguir a atenção dos convidados da família os gêmeos Pierrot e Jackson, mais a irmã deles, Lola Quincey para ensaiá-la, Briony descobre um possível jogo de atração entre a sua irmã Cecilia e o filho do antigo empregado da família, Robbie Turner. O roteiro é baseado no livro de Ian McEwan, Reparação, de 2002. Foi indicado a sete categorias no Oscar e no Globo de Ouro, onde ganhou como Melhor filme.

Garota, Interrompida (1999)

Filme de sucesso com um elenco de peso como Winona Ryder, Angelina Jolie, Brittany Murphy, Whoopi Goldberg, Elisabeth Moss e Jared Leto, fala sobre Susanna Kaysen que em 1967, após consulta com psicólogo, foi diagnosticada com transtorno de personalidade borderline e então enviada para um hospital psiquiátrico, onde viveu nos dois anos seguintes, conhecendo assim outras garotas tão transtornadas quanto ela. Angelina ganhou um Oscar da Academia por este trabalho que é baseado no livro autobiográfico de Susanna Kaysen, de 1993 e seus 18 meses internada em uma instituição psiquiátrica. Um drama que trata principalmente sobre a conturbada passagem da adolescência para a vida adulta.

Diário de uma Paixão (2004)

Um dos grandes filmes românticos que marcou toda uma geração, ele fala sobre uma grande história de amor que começa na década de 1940, onde um casal jovem e ingênuo presmuiu que as diferenças de classe social e uma guerra mundial não poderiam separá-los. Ao mesmo tempo em que acompanhamos esse casal, acompanhamos outro, idoso, onde um homem lê para uma mulher uma história sobre esses dois amantes apaixonados em uma casa de repouso. O longa foi baseado no livro de mesmo nome de Nicholas Sparks, publicado em 1996, mas que não fez tanto sucesso assim quanto sua adaptação cinematográfica. Ele também venceu em todas as categorias do Teen Choice Awards de 2005.

A cor púrpura (1985)

Filme clássico, com elenco de peso como Whoopi Goldberg, Oprah Winfrey e Danny Glover, o livro fala sobre a vida difícil de Celie na zona rural da Georgia, depois de ser separada da irmã e de ser enviada para a casa de um homem abusivo e violento. Celie foi estuprada pelo próprio pai, com quem teve dois filhos que lhe são tomados logo após o nascimento. Baseado no livro de mesmo nome, de Alice Walker, publicado em 1983, o longa segue os eventos do livro bem de perto, ainda que o livro se aprofunde em vários relacionamentos, como o de Celie com Shug, a amante do marido de Celie. Goldberg foi bastante elogiada por seu papel como a sensível e forte Celie. Foi indicado a várias categorias no Oscar, mas não levou nenhuma estatueta.

12 Anos de Escravidão (2013)

Em 1841, Solomon Northup é um negro livre nascido no estado de Nova Iorque, que vive em paz ao lado da esposa e filhos. Um dia, após aceitar um trabalho que o leva a outra cidade, ele é sequestrado e acorrentado. Vendido como se fosse um escravo, Solomon precisa superar humilhações físicas e emocionais pelos próximos 12 anos para sobreviver e um dia poder voltar para sua família. Considerada a melhor narrativa já escrita sobre um dos períodos mais tenebrosos da história norte-americana, o longa é baseado na história real de Solomon Northup, escritor e abolicionista que publicou sua história em 1853 e como conseguiu entrar em contato com amigos e parentes por meio de um empreiteiro canadense. Foi indicado a vários Oscars da Academia, levando o de Melhor Filme, melhor roteiro adaptado e de melhor atriz coadjuvante para Lupita Nyong'o.

Agente oculto (2022)

Thriller de espionagem de sucesso da Netflix, com Ryan Gosling, Chris Evans e Ana de Armas, o longa fala de Court Gentry, o tal agente oculto, um renomado e temido mercenário que age nas sombras das grandes disputas internacionais entre agências de governo, milícias, conglomerados empresariais e bilionários. Homem de confiança da CIA quando tudo mais falha e ele mesmo é conhecido por nunca falhar, Mas quando Court descobre sem querer segredos do governo que jamais deveriam ser revelados, isso coloca um alvo nas suas costas. Baseado no livro de mesmo nome, de Mark Greaney, de 2022. Best-seller do New York Times, Agente oculto é o primeiro livro da aclamada série de Mark Greaney.

O Tigre e o Dragão (2000)

O filme conta a história de duas mulheres (interpretadas por Michelle Yeoh e Zhang Ziyi), ambas exímias lutadoras, e cujas vidas se encontram na época da Dinastia Qing. Os destinos das duas as conduzem a uma jornada violenta e surpreendente, e que as obrigará a fazer escolhas que poderão mudar as suas vidas. Repleto de cenas de ação e com espadas, o longa é baseado no livro de mesmo nome de Wang Du Lu, cujo quadrinho foi publicado no Brasil pela Panini. Este título é o quarto entre os cinco volumes da obra original. Na Ásia, foi um sucesso instantâneo, tendo se tornado um jogo e uma série de TV de 34 episódios exibida em Taiwan.

E aí, já assistiu ou leu algum??

Até mais! 📽️

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10 coisas que você não sabia sobre O Último Samurai

2023-07-09T20:40:00.001-03:00

O Último Samurai (2003) é um dos meus filmes favoritos! Tom Cruise interpreta Nathan Algren, um capitão do 7º Regimento de Cavalaria dos Estados Unidos, cujos conflitos pessoais e emocionais o colocam em contato com guerreiros samurais após a Restauração Meiji no Japão do século XIX. Sua viagem ao Japão, porém, mudará sua vida.

Dirigido por Edward Zwick, o longa contou com 140 milhões de dólares de orçamento e faturou mais de 450 milhões em bilheteria. Curiosamente, ele foi mais lucrativo no Japão do que nos Estados Unidos.

10. O contexto histórico

O enredo do filme foi inspirado na Rebelião Satsuma, de 1877, liderada por Saigo Takamori e na ocidentalização do Japão por potências estrangeiras. O personagem de Algren foi inspirado em Jules Brunet, um oficial da Guarda Imperial Francesa que lutou ao lado de Enomoto Takeaki na Guerra Boshin; em Ernest Mason Satow e Algernon Mitford, diplomatas britânicos durante a restauração Meiji que estiveram envolvidos na rebelião de Satsuma; e, em menor grau, por Frederick Townsend Ward, um mercenário norte-americano que ajudou a ocidentalizar o exército chinês.

9. Locações

As filmagens ocorreram na Nova Zelândia, principalmente na região de Taranaki, com membros do elenco principalmente japoneses e uma equipe de produção norte-americana. Este local foi escolhido porque o Monte Egmont é muito parecido com o Monte Fuji, e também porque há muita floresta nativa e terras agrícolas na região de Taranaki. O gerente de locações americano Charlie Harrington viu a montanha em um livro de viagens e encorajou os produtores a enviá-lo a Taranaki para explorar as locações. Isso serviu de pano de fundo para muitas cenas, em oposição às cidades construídas do Japão. Várias das cenas da vila foram filmadas nos estúdios da Warner Bros. em Burbank, Califórnia. Algumas cenas foram filmadas em Quioto e Himeji, Japão. Ao todo, foram 13 locais diferentes.

8. Katsumoto

O personagem de Katsumoto (Ken Watanabe) é inspirado no samurai da vida real Saigo Takamori que, antes de liderar uma rebelião, era marechal de campo do Exército Imperial. Isso é brevemente mencionado quando Simon Graham (Timothy Spall) menciona que Katsumoto uma vez lutou pelo imperador. No entanto, Katsumoto é mostrado apenas em trajes tradicionais empunhando armas tradicionais, enquanto Saigo usava roupas modernas antes e utilizou armamento moderno durante a rebelião. Este foi o primeiro papel de Watanabe em um filme ocidental, bem como a primeira vez em que falou inglês em um filme.

7. Espadas

Os samurais do filme são vistos carregando duas espadas. Essa prática era conhecida como daisho, que se traduz literalmente como 'grande-pequeno'. A lâmina maior era a katana curva, que era mais comumente usada para combate e duelo. A espada curta era uma lâmina conhecida como tanto, e seria mais comumente associada à realização de seppuku, uma forma de suicídio tradicional do Japão feudal e que, ao longo da história, foi utilizado pelos samurais como uma forma de morrer de maneira honrosa e servindo ao seu mestre.

6. Tom Cruise

O ator passou dois anos se preparando para o papel, onde teve aulas de japonês, além de aprender a luta japonesa de espadas. O esforço físico fez o ator ganhar 9 quilos de massa corporal. Cruise também foi um dos produtores do longa e abriu mão do salário para poder trabalhar nele.

5. Ferreiro

O ferreiro da aldeia de Katsumoto é um ferreiro de verdade. Seu nome é Shoji Yoshihara, irmão de Yoshindo Yoshihara, outro famoso ferreiro japonês. Shoji é um mestre espadachim de nível "Mukansa", uma das classificações mais altas do Japão.

4. Lesões

Tom Cruise escapou por pouco de um ferimento potencialmente fatal depois que uma espada de verdade parou a poucos centímetros de seu pescoço durante as filmagens. Ele e Hiroyuki Sanada, o carrancudo samurai Ujio, atuavam em uma cena de luta de espadas quando o incidente aconteceu. Sanada brandiu uma espada em Cruise, que estava montado em um cavalo mecânico fora da câmera. Mas a máquina emperrou e não conseguiu abaixar no momento certo. Sanada parou a lâmina a apenas um centímetro de seu pescoço.

3. Trilha sonora

The Last Samurai: Original Motion Picture Score foi lançado em 25 de novembro de 2003, pela Warner Sunset Records. Todas as músicas da trilha sonora foram compostas, arranjadas e produzidas pelo veterano Hans Zimmer, executadas pela Hollywood Studio Symphony e conduzidas por Blake Neely.

2. Exército Imperial

Embora este filme indique que o novo exército do Japão foi treinado pelos norte-americanos, na verdade, foi o Estado-Maior da Prússia que ajudou na modernização do Exército Imperial do Japão.

1. Quem é o último samurai?

Muita gente acredita que o último samurai do título é Nathan Algren, afinal é a imagem de Tom Cruise que vemos no pôster e em todas as imagens promocionais do longa. Mas se prestarmos atenção ao enredo, o último samurai é Katsumoto, afinal ele se rebelou contra o imperador e renegou os novos costumes. Inclusive, o longa mostra que há leis proibindo os costumes samurais nas cidades japonesas. Assim, Nathan é só o sujeito que sobreviveu à derradeira batalha do final para contar a história.

Mas também é possível fazer outra leitura do título, principalmente em inglês, onde samurai também é usado como plural. Assim, em sua forma no plural, o título fala de todos os samurais do clã de Katsumoto, que foram os últimos.

Tem no Amazon Prime, bora lá assistir?

Até mais! ⛩️

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10 filmes odiados por seus diretores

2023-06-18T18:17:00.001-03:00

Nem tudo são flores e prêmios quando o assunto é cinema. No momento em que um filme faz a longa jornada da pré-produção aos cinemas, é provável que dezenas, até centenas de pessoas tenham colocado sua própria marca no projeto final. Por isso, quando um filme dá certo, há dezenas de pessoas a quem agradecer pelo sucesso. Agora, quando um filme vai mal, a lista de culpados fica bem menor.

Tem diretores que acabaram odiando os filmes que eles mesmo comandaram por uma série de razões. Muitas delas estão relacionadas com interferência dos estúdios no andamento da produção, o que levou a um longa totalmente diferente do que seus diretores queriam. Até eu ficaria bem irritada com alguém tesourando minha obra, sem me deixar trabalhar!

Memórias de um Homem Invisível (1992)

John Carpenter ajudou a alavancar o gênero slasher com Halloween (1978) antes de rodar uma sucessão de filmes amados nos anos 1980, como Fuga de Nova York (1981) e O Enigma de Outro Mundo (1982). Mas na época esses filmes não eram tão reverenciados e em Memórias de um Homem Invisível, Carpenter trabalhou pelo salário, o que podou sua visão criativa, seu roteiro incial, produção e até a trilha sonora. Carpenter estava relutante em trabalhar fora de sua zona de conforto, porém uma disputa legal o deixara de fora dos estúdios por vários anos, e assim ele concordou em pegar a cadeira de direção. Chevy Chase era a estrela do filme e praticamente deu as cartas no que diz respeito à produção. O diretor afirmou que a experiência de trabalhar no longa o fez querer parar de fazer filmes, referindo-se uma vez à experiência em uma entrevista à Variety como um "show de horrores".

Cidade das Sombras (1998)

Alex Proyas era um renomado diretor de videoclipes que tinha trabalhado com nomes como INXS e Fleetwood Mac no final dos anos 1980. Com seu renomado primeiro filme, O Corvo (1994), seu nome logo se tornou conhecido entre estúdios e outros cineastas. Isso também lhe deu a liberdade de escrever e dirigir seu próximo projeto, Cidade das Sombras. Porém, o que chegou às telonas estava longe do que Proyas imaginou no começo. O orçamento restrito e os vários cortes feitos na versão final o irritaram profundamente, tanto que ele lançou uma "versão do diretor" corrigindo vários problemas como o começo do longa, além de aumentar a duração em 11 minutos. A paleta de cores também foi alterada para atingir a sensação noir que ele pretendia originalmente.

Mutação (1997)

Depois de estrear com o filme de terror Cronos, de 1993, del Toro chamou a atenção do produtor Harvey Weinstein, e o resto, como dizem, é história. E uma história ruim, pois del Toro e Weinstein discordavam de tudo a respeito do longa antes mesmo de um roteiro estar pronto para ser filmado. Como del Toro não tinha trabalhado com um grande estúdio até aquela época, ela perdeu todas as batalhas que travou contra Weinstein. Enquanto del Toro afirma que Mutação é "visualmente 100% o que [ele] queria" e que "tem algumas cenas" das quais ele tem muito orgulho, ele também admitiu que está longe de ser perfeito. Declarações recentes de del Toro apontam como ele odiou trabalhar com Weinstein e que seu primeiro filme norte-americano quase foi o último.

Quarteto Fantástico (2015)

Trank se tornou um dos jovens cineastas mais reverenciados de Hollywood praticamente da noite para o dia. O problema é que o sucesso instantâneo também aumenta as expectativas para o próximo projeto do cineasta. E as expectativas eram altíssimas para a reinicialização de Quarteto Fantástico, da Marvel. O filme que saiu, entretanto, foi uma decepção para todos, em especial Trank, que teve problemas para se ajustar ao escopo épico do projeto e ao intenso escrutínio do estúdio que veio com seu orçamento igualmente épico. O estúdio interferiu tanto no seu trabalho que na véspera da estreia o diretor foi ao Twitter repudiar a própria obra.

Transformers: A Vingança dos Derrotados (2009)

É até engraçado pensar que Michael Bay detonou um de seus próprios filmes quando a crítica especializada faz isso de bom grado e sem sua ajuda. Enquanto o primeiro filme de Transformers foi bem recebido, sua sequência foi detonada por fãs e por críticos. O próprio Bay admitiu em uma entrevista em 2011 que vários erros foram cometidos e que o filme era "uma porcaria". O estúdio também pode ser visto como um vilão na história, pois ele começou a apertar Bay, numa época de greve de roteiristas, fazendo com que o longa começasse a ser rodado com apenas 14 páginas de roteiro prontas.

Batman & Robin (1997)

Quando Joel Schumacher assumiu a direção do novo Batman, ele decidiu se afastar do tom gótico e sombrio de Tim Burton e apostar em um visual mais próximo dos quadrinhos, com muita cor e exagero. A paciência do público e do estúdio finalmente chegou ao fim após o lançamento de Batman & Robin, em 1997, fazendo com que o novo filme, com super estrelas do cinema, fosse massacrado por todos, até mesmo por Schumacher. Nenhum outro filme do vigilante mascarado foi lançado até 2005, quando Christopher Nolan reiniciou a franquia. O próprio Joel disse: "Quero me desculpar com todos os fãs que ficaram desapontados porque acho que devo isso a eles."

A Outra História Americana (1998)

O filme que fez Edward Norton ser indicado ao Oscar e pavimentou sua carreira na indústria foi uma aporrinhação para seu diretor, Tony Kaye. Curiosamente, este é um dos filmes de maior sucesso de Kaye, que teve longas e ácidas discussões com o estúdio que se intrometeu na versão final. Não só isso, Kaye não gostava do roteiro e muito menos de Norton, tendo pedido para substituir o ator em vários momentos. No final, ele odiou tudo, da edição (feita por Norton), às cenas dramáticas e de "choro excessivo", boicotando todas as exibições do próprio filme, que admitiu ter assistido pela primeira vez em 2007.

Duna (1984)

A primeira adaptação deste grande clássico da ficção científica foi uma grande dor de cabeça para David Lynch, um dos mais respeitados cineastas da indústria. Duna não é um livro simples com o qual trabalhar, disso a gente já sabe, mas o estúdio interferiu em todos os pontos do projeto, tesourando a versão bruta do longa, com quatro horas de duração, bem como a visão do diretor, de três horas. O que chegou aos cinemas, ainda que tenha um grande número de admiradores, está bem longe da visão inicial de Lynch, que saiu esgotado da produção e evita falar de Duna até hoje se puder.

Cinquenta Tons de Cinza (2015)

O fenômeno editorial foi adaptado em 2015, mas as gravações foram tão estressantes que Sam Taylor-Johnson se demitiu assim que o filme ficou pronto. Arrecadando mais de 571 milhões de dólares no mundo todo, apesar de ter sido detonado pelos críticos, Sam estava escalada para trabalhar nas sequências. Mas assim que o longa saiu, Sam deu entrevistas falando de como foi desgastante trabalhar no projeto. O principal entrave: a autora dos livros, E.L. James, que também foi produtora. Sam tinha que disputar cada cena, cada diálogo, querendo torná-los mais naturais para as telas, o que James negou desde o começo. Os diálogos ficaram tão ruins que arrancou risos da plateia na estreia no Festival de Berlim.

Alien 3 (1992)

Talvez este seja um dos filmes mais odiados da história por seu diretor. David Fincher era um veterano diretor de videoclips quando assumiu a cadeira do terceiro filme de uma bem sucedida franquia de ficção científica. Isso por si só já seria o suficiente para exercer pressão da parte do estúdio e foi o que aconteceu. Uma produção complicada e diversos roteiros descartados foram só o começo dos problemas. Fincher e o estúdio discordavam dos rumos do filme, discutiam sobre qualquer detalhe de todas as cenas e a versão que chegou ao cinema distorcia e muito a visão do diretor. Ele mesmo disse uma vez: “muitas pessoas odiavam Alien 3, mas ninguém o odiava mais do que eu”.

Até mais! 🎥