Lorsque j’avais reçu l’ami, journaliste et auteur Félix B. Desfossés en 2014 au moment où il lançait son essentiel essai L’Évolution du métal québécois, nous avions exploré plusieurs pépites hard rock de la province dont un mystérieux 45 tours du groupe… Novak. Avec l’aide de l’historien Robert Thérien, j’ai pu retracer le musicien Pierre Rochette qui a généreusement accepté de préciser quelques détails sur l’histoire de son groupe. Il m’apparait pertinent d’ailleurs de souligner que ce Rochette n’est pas à confondre avec le chansonnier montréalais du même nom, membre du groupe Les Contretemps et fondateur de la maintenant-défunte boîte-à-chansons Aux Deux Pierrots.

La première incarnation du groupe se fait connaître dès 1969 sous le vocable Les Novaks. On y retrouve le batteur Jean-Marc Collins ainsi que deux guitaristes, Michel Pilote et Pierre Rochette, tous originaires de La Malbaie. Le nom “Novak” avait été trouvé par pur hasard, en mettant le doigt sur une page du dictionnaire des noms propres… Novak est en effet un patronyme fort répandu en République Tchèque et un prénom populaire en Serbie; allez savoir sur quel nom les membres ont arrêté leur choix. Le mot a déjà comme racine “nov” signifiant “le nouveau”, alors ça augurait déjà pas mal…

Un changement de personnel incite à un nouveau nom simplifié dès 1974: dorénavant, ce sera Novak. Entrent alors en scène le batteur Gilles Harvey et son frère Gérard Harvey; avec l’arrivée de ce dernier à la guitare, Rochette opte pour la basse en plus d’asssurer le chant. On jouait surtout dans les bars et les salles de danse, alternant entre nos compositions et des reprises. Au début, on se produisait surtout dans Charlevoix,  mais nous avons plus tard fait une tournée à travers le Québec, partout sauf dans la région de Montréal. On nous avait aussi invité sur le plateau d’une émission matinale à TVA pour la promotion du 45 tours On the beach.

Ce sera d’ailleurs leur premier enregistrement sur disque en 1979, une auto-production qui donnerait le ton à leurs futurs simples – majoritairement chantés en anglais. Sans contrat de disque, Novak navigue en marge des étiquettes et fait presser ses propres 45 tours en faisant affaire avec la compagnie Checkmate Consultants de Montréal. Loin d’être seul dans ce projet, On the beach ainsi que leur second simple sont néanmoins attribués à Pierre Rochette (Novak). Cette première face offre une composition disco-funk pas banale avec un batteur nerveux et quelques bonnes passes à la guitare. Le groove de La Malbaie!

Solitude en face B est un slow ambiant qui voit grand (comme Exodus mais avec de la retenue), ponctué de piano, d’un bon picking à la guitare et de la voix stratosphérique de Louise Bergeron.

Le second 45 du groupe, toujours de 1979, s’aventure davantage dans les sillons du revival rock’n’roll. Tu sais comment (créditée à Rochette et Jean-Yves Belley), en face A, demeure une ballade vaporeuse plutôt convenue; la face B ajoute un peu de pep… Someone est un rock’n’roll joliment pastiché, avec choeurs féminins et juste ce qu’il faut de reverb au micro. Rochette et sa bande allaient bientôt toutefois prouver qu’ils pouvaient brasser davantage!

Pour son troisième et ultime simple, la formation adopte un son définitivement plus lourd et maîtrisé, par moments à la croisée du hard rock mélodieux et du heavy metal qui en était alors à ses premiers balbutiements. Les musiciens sont ainsi approchés par quelques spectateurs membres d’un club de motards, Les Conquatcheros. On cherche un hymne, une chanson de ralliement que tous les motards pourraient gueuler! Le groupe accepte le défi et se met à composer. I’m shaking en face A est un bon rock funky aux accents Glam qui ferait bonne figure dans n’importe quelle scène de bar d’un film de bikers. Du sur-mesure!

En face B, cet effet est amplifié. M.C. (Thème du motard) offre tous les ingrédients-clés d’une chanson-thème aussi épique que cinématographique! Bruits de moteur, chant minimaliste, gros fuzz, bon hooks, solos, méchante progression… tout y est! Ça sent l’asphalte pis ca rentre au poste. Si un jour, un véritable film de motards québécois voyait le jour, j’espère sincèrement que ce rock de Charlevoix y sera entendu dès l’intro!

Les initiales M.C. signifient « Motard Club » (brodé sur chaque veste des membres d’un club reconnu). Les Conquatcheros n’étaient pas un club criminalisé; ils venaient de Chicoutimi et avaient des clubs à Tadoussac et Sacré-Cœur si ma mémoire est bonne. La réaction des motards était excellente. Ils avaient installé le 45 tours dans les jukebox des bars et celui de leur repère : ils étaient fiers de leur nouveau thème!

Je tiens à remercier chaleureusement Pierre Rochette pour ses contributions et vous invite à découvrir le photographe talentueux qu’il est devenu.

Entre 1965 et 1967, l’étonnante aventure du premier groupe de rock n roll chrétien québécois, Les Alléluias, prit une nouvelle tournure. Les quatre années précédentes avaient été productives: les 13 Alléluias, tous séminaristes à Aylmer-Est (aujourd’hui Gatineau), avaient enregistré trois simples et un album en plus de participer à quelques tournées québécoises au cours de leurs études. La fin des cours coincida avec l’éclatement de groupe; certains défroqueraient peu de temps après, mais pour d’autres, l’aventure se poursuivrait…

Dans le cercle des initiés et audiophiles avertis, cette pochette est bien connue et appréciée pour son aspect ludique. Cette photographie du Père Tremblay arborait même en 2011 la pochette d’une compilation de rock chrétien français Alléluia Garanti – L’évangile selon Saint Pop 1966-1973 publiée sur étiquette Fétiche. Ouvertement inspiré par la compilation Résurrection!, le compileur Nicolas Lebon y mélangeait de rares titres français à quelques chansons québécoises (Yvon Hubert, Jean-Pierre Ferland), sans même utiliser une seule chanson des Nouveaux Alléluias. Étrange…

En guise d’introduction à son unique album, le groupe annonce illico ses couleurs et se lance dans une version frénétique de Jésus, un titre à l’origine composé et intrerprété par le chanteur français Georgie Dann en 1962. Même John Littleton en avait réalisé une adaptation en 1963! Comparée aux interprétations des Alléluias, cette chanson augmente définitivement la cadence et notre prêtre chantant pousse la note jusqu’à hurler le nom de son sauveur. Il l’aime et il le crie! La pièce Psaume 150 Rock carbure plutôt à l’énergie du go-go, offrant une mélodie accrocheuse interprétée à l’orgue combo (un Vox Continental). Allons y d’un pas de danse, sur un rock. Pour louer sa bienveillance, sur un rock! Cette composition de Roland Tremblay possède un charme indéniable et avait déjà été redécouverte en 2006 sur la compilation bootlegIls sont Fous ces Gaulois Vol. 4. Deux titres dans un registre slow rock suivent, d’abord avec Myriam (dramatique et à l’accompagnement minimal) puis une adaptation sans flafla d’un hymne de Pete Seeger, Où sont allées toutes les fleurs? (Where have all the flowers gone).

Un air de gospel avec une touche de yé-yé s’impose par la suite. Le groupe reprend à sa façon l’air bien connu Il tient le monde dans ses mains(He’s got the whole world in his hands) en le pimentant de quelques notes d’orgue salutaires. La face A se termine sur une adaptation bilingue de J’entends sifler le train / Five hundred miles (Richard Anthony / H. West) où on distingue quelques notes d’harmonica gracieuseté du Père Tremblay. La face B démarre de nouveau sur un ryhtme soutenu et des plus entrainants. Le groupe interprète une chanson popularisée par le trio Peter, Paul & Mary (Early in the morning) en la rebaptisant Le matin de bonne heure avant de succomber au western-swing de A wonderful time up there. Tremblay et ses musiciens l’interprètent un tantinet plus vite que la version à succès pour le chanteur Pat Boone et offre à nouveau une adaptation bilingue réussie!

Tout le long du chemin (Singing the blues) poursuit sur la même lancée et offre même un solo de guitare folk. Charmant! Les deux dernières compositions nous renvoient au son pop-rock si représentatif des ballades de l’ancien groupe de Tremblay. Construire la Terre a tout d’une chanson scout typique, avec sa mélodie à siffler autour d’un feu de camp et Sur la route est en fait une reprise du titre à succès des Alléluias. Une bonne façon de boucler la boucle!

Peu après l’aventure des Nouveaux Alléluias en 1967, Bernard Tremblay quittait les ordres pour se marier et optait pour une nouvelle carrière professionnelle, délaissant l’univers du spectacle. Parallèlement, le parcours des Saxons demeure quant à lui à être clairifié. Qu’êtes-vous devenus par la suite, messieurs? Si vous détenez des informations supplémentaires, je vous invite à m’écrire ici.

Quelques décennies plus tard, en 2009, j’ai repris contact avec le chanteur défroqué dans le cadre de mes recherches pour la compilation Résurrection! Rock Chrétien et messes rythmées du Québec (1964-1978) pour les Disques Mucho Gusto. La compilation (ma toute première réalisation) serait lancée deux ans plus tard et Bernard (tout comme Roland Tremblay et Guy Pilote des Alléluias) fut un des premiers artistes à collaborer à ma folle entreprise. Je lui confiais que je le considérais comme le patriarche du rock chrétien québécois; ça l’avait fait bien rire… Il ne le savait pas encore, mais il ornerait bientôt aussi la pochette de la compilation avec ses amis musiciens!

Avec les années, je suis revenu régulièrement en ondes à propos des productions chrétiennes québécoises des années 60-70, y’avait beaucoup à redécouvrir, à rechercher, à préciser… ça me fascinait. Ça me fascine toujours. J’ai notamment été invité en avril 2019 à revenir sur le phénomène des Messes à Gogo dans le cadre de l’émission Aujourd’hui l’Histoire avec Jacques Beauchamp sur les ondes de Radio-Canada. On m’avait fait la surprise en redécouvrant une entrevue de 1964 avec Bernard, au moment d’enregistrer ses premières chansons.

Il y a quelques temps, le fils de Bernard Tremblay m’a contacté pour me confier que dans les récentes années, après une carrière dans le domaine de la Santé, Bernard avait repris la guitare et proposait quelques tours de chants en visitant des hôpitaux et centres pour aînés de la région de Québec. Revoir toutes ces photos des Alléluias que j’avais publié en 2012 pour accompagner le lancement de la compilation lui avait rappelé de bons souvenirs… Atteint de la maladie Alzheimer, il s’est éteint, paisiblement, entouré des siens, en décembre 2020. J’ai toujours eu beaucoup d’affection pour ce chanteur, l’artiste, son enthousiasme contagieux, son timbre franc et optimiste. Et je ne dois pas être le seul. Bon voyage Bernard…

Cette série est le fruit d’une collaboration entre le collectionneur et archiviste de la scène punk et alternative Pascal Pilote et l’émission Mondo P.Q. co-animée par Mimi la twisteuse et Sébastien Desrosiers à l’antenne de la radio communautaire montréalaise CIBL. Depuis quelques années, on y diffusait une foule d’enregistrements injustement méconnus ou carrément inédits du Québec des années 50 à 70. Quand vint le moment de revisiter les années 80, on a aussitôt privilégié la perspective unique de Pascal, en lui donnant carte blanche afin d’explorer L’Envers du New Wave québécois. Et il n’a pas déçu… en proposant exactement le contraire de ce qu’on s’attendait à entendre! On redécouvrait ainsi une foule d’artistes bigarrés, des titres parfois fatalistes, souvent bruts et cinglants, éparpillés sur des disques aussi innovateurs que pauvrement distribués.

Pascal était déjà à l’oeuvre depuis des années, à défricher les fanzines, à retracer et interviewer des artistes de l’ombre et à accumuler les rares performances télévisées de formations underground locales et internationales en visite. Ensemble, on élabore quatre éditions spéciales entre 2013 et 2016 qui deviennent rapidement parmi nos plus populaires, toutes saisons confondues: les auditeurs ET les artistes sont au rendez-vous! On tient quelque chose. 

En espérant humblement actualiser l’histoire de la scène post-punk et new wave québécoise, voilà que les témoignages se mettent à pleuvoir et les généreuses collaborations à s’additionner. Alain Karon (Modular, Les Taches) et Alan Lord (VEX, Vent du Mont Schärr) ouvrent leurs archives et permettent la découverte d’enregistrements inespérés comme ce démo-cassette des Frères Pogo! Bientôt, c’est Charles Foucrault (Pop Stress), Pierre Véronneau (The Wipers), Marie Martine Bédard (Blue Oil) et une trollée d’autres musiciens partageant le même enthousiasme qui s’ouvrent à nous et inspirent parallèlement un documentaire (Montréal New Wave) et quelques précieuses rééditions chez nos amis de Meanbean Records (The Wipers, The Chemicals). C’est vous dire à quel point la scène alternative québécoise des années 70 et 80 méritait enfin d’être revisitée!

Pour tous les détails ainsi que les photos des artistes diffusés, revisitez les quatre éditions originales ici, ici, ici et là. Plus simplement, pour vous claquer près de 4 heures de L’envers du New Wave québécois, suivez le guide…

Quand un auditeur ahuri à appelé Pat Gill (Magnum) pour lui dire que son band jouait enfin à la radio, le musicien visiblement touché s’est empressé de collaborer avec nous. “Si vous faites un disque avec tout ça, m’en va vous aider!” On l’a écouté. En quittant les ondes de CIBL en 2016, Sébastien est passé de la parole aux actes en développant avec Victor Simoneau-Helwani l’étiquette Trésor National, dédiée à la réédition et l’actualisation du catalogue musical québécois des années 60 à 80 sur vinyle. Dès le départ, ce projet de compilation s’est imposé de lui-même et 4 ans plus tard… tout ça s’est enfin concrétisé!

Nome Noma, c’est un nouveau langage à la croisée du glam, du punk et de la pop synthétique. C’est deux solitudes, Anglophones et Francophones, unis par l’urgence collective de décoincer une province qui cherche toujours son identité. Ce sont des pionnières et des électrons libres qui innovent en marge des étiquettes sur 13 titres jamais compilés voire inédits depuis les années 80.

Nome Noma – Québec Post-punk et New Wave 1979-1987 est disponible dès septembre 2020 chez tous vos disquaires ou en visitant tresornational.ca

The idea for this serie is rooted in the collaboration between Pascal Pilote, a collector and archivist of the punk and alternative scene, and Mondo P.Q., a show broadcast on Montreal community radio station CIBL and co-hosted by Mimi la twisteuse and Sébastien Desrosiers. For several years, Mimi and Sébastien had played a slew of unjustly ignored or unheard records from ’50s – ’70s Quebec. And when the time came to revisit the ’80s, they were immediately privileged by Pascal’s unique perspective, and offered him free rein to explore The Flip Side of the Quebec New Wave. Well, he sure didn’t prove disappointing… by proposing exactly the opposite of what listeners were expecting! They thus rediscovered a wide variety of artists, of songs which were sometimes fatalistic and often raw and bloody, scattered and splattered onto records which were both innovative and poorly distributed.

Pascal had already been going at it hard and heavy for several years, digging up fanzines, tracking down and interviewing musicians hiding in the shadows, not to mention collecting rare TV footage of local underground artists, as well as acts coming to Quebec from the four corners of the new wave world. Together, the hosts of Mondo P.Q. and Pascal broadcast four special programs which were soon amongst their most beloved: the listeners AND the artists were present and accounted for. They were really onto something here.

Hoping to humbly update the history of the Quebec post-punk and new wave scene, stories began to pour out and generous collaborations started to add up. Alain Karon (Modular, Les Taches) and Alan Lord (VEX, Vent du Mont Schärr) opened up their archives for them and allowed for the discovery of previously unimaginable recordings like a demo-tape by Les Frères Pogo! Next thing you knew, you had Charles Foucrault (Pop Stress), Pierre Véronneau (The Wipers), Marie Martine Bédard (Blue Oil), and a bunch of other musicians sharing the same enthusiasm with them. This inspired the parallel release of a documentary film (Montréal New Wave) and a few precious reissues courtesy of our friends from Meanbean Records (The Wipers, The Chemicals). That just went to show the extent to which the Quebec alternative scene of the ’70s and ’80s deserved to finally get revisited!

For more information and a bunch of rare photos and records, check-out our four specials here, here, here and there or simply listen to all four shows (above)!

When a flabbergasted Mondo P.Q. listener called Pat Gill (Magnum) to inform him that his group was at long last getting played on the radio, the visibly moved musician found himself eager to collaborate with us: “If you dare put out a record with all this stuff, I’m gonna help you!” Well, that’s exactly what we did. When the radio show ended in 2016, Sébastien teamed up with Victor Simoneau-Helwani and founded a new reissue label, Trésor National. From the start, this compilation project imposed itself and, four years later, became a reality!

Nome Noma is a new language standing at the crossroads of GLAM, PUNK, and SYNTH pop. It’s two solitudes, Anglophone and Francophone, united in their urgent collective desire to loosen up a province that’s still searching for its identity. They are pioneers and free electrons innovating beyond the fringe on these thirteen tracks, either previously unreleased or not put out since the 1980s.

Nome Noma – Québec Post-punk et New Wave 1979-1987 is available in September 2020 at your local record shop or you can order a copy by clicking tresornational.ca

Si vous mentionnez le nom Jean-Marc Lafontaine à des collectionneurs de rock garage québécois, seuls les plus érudits feront le lien entre lui et le nébuleux groupe de Trois-Rivières Les Ithems, connu principalement pour son adaptation fracassante de Foxy lady du Jimi Hendrix Experience. Maintenant nommez Alex Fontaine et regardez leurs yeux s’illuminer! TOUS s’entendront alors pour qualifier le 45 tours du mystérieux chanteur- Tu n’es pas sincère – comme un des simples définitifs du genre, un des plus convoités, influents et logiquement… un des plus rares de la province. Près de 50 ans après l’enregistrement de ce Saint-Graal du rock québécois, on peut enfin affirmer que Jean-Marc était bel et bien Alex Fontaine! Cette information avait été timidement avancée dans l’essentiel ouvrage de Léo Roy, La merveilleuse époque des groupes des années 60 au Québec (Rétro Laser; 2003), mais le chanteur manquait toujours à l’appel… jusqu’à aujourd’hui. L’ami et mélomane averti Michel Gagnon a ainsi enquêté sans relâche et retracé Fontaine à quelques villages de chez-lui. Sans son travail acharné, rien de ceci n’aurait été possible et je ne saurais trop le remercier pour cette opportunité. Ensemble, nous avons interviewé le musicien en juin 2016 et pouvons enfin lever le voile sur son 45 tours qui a certainement fait plus de bruit dans les dernières décennies qu’au moment de sa sortie.

Lafontaine est originaire de Dupuy en Abitibi, un village à deux pas de la frontière entre le Québec et l’Ontario. Sa famille possédait un piano sur lequel Lafontaine a développé une aisance naturelle pour interpréter à l’oreille des chansons connues. C’est en déménageant à Trois-Rivière autour de 1965 que le jeune musicien -maintenant guitariste- a tôt fait de réunir de nouveaux copains dans son tout premier groupe : Les Mustangs.

C’est à l’école anglaise que je fais la rencontre de Claude Saintonge puis Roger Lemieux. Lemieux était notre gérant – et aussi concierge à l’école – et nous amenait partout, dans les salles des JOC, les gymnases des écoles… Ça marchait FORT: on jouait toutes les fins de semaine et c’était booké des mois d’avance! Saint-Anne-de-la-Pérade, Saint-Casimir, Deschambault, Donnaconna… On était le groupe le plus en vue de la Mauricie et on s’est même rendu à Montréal plus tard.

On avait eu accès gratuitement à une salle dans notre école où on pratiquait sans arrêt. Un an après nos débuts, on a participé à un premier jamboree d’orchestres au colisée de Trois-Rivières devant 4000 personnes. Les Classels et Les Baronets étaient présents. Personnellement, j’étais pas un amateur de reprises à la sauce québécoise, même si j’en ai fait quelques-unes à mes débuts : je préférais toujours interpréter la version originale d’une chanson. Notre spectacle incluait donc des versions en anglais ainsi que 2 ou 3 de mes toutes premières compositions. La foule criait et réclamait Les Mustangs et éventuellement, nous avons surclassés tous les groupes -amateurs comme professionnels- et remporté le concours.

Géatan Santerre travaillait à la station CHLM (Trois-Rivières). Il avait accès aux nouveautés anglaises et américaines avant tout le monde et nous les faisait entendre avant que ce soit diffusé. On entendait par exemple Paint it black des Stones et on l’interprétait 2-3 jours plus tard sur scène devant une foule surprise : ça nous aidait beaucoup!

Quelques mois plus tard alors que son groupe fait du sur-place, Fontaine croise de nouveaux musiciens et décide de laisser tomber Les Mustangs, recherchant quelque chose de plus professionnel. C’est ainsi que Gil Patrick (né Gilles Desrochers) remplace le chanteur dans le groupe qui poursuivra ses activités durant quelques années, enregistrant même au passage un 45 tours avec l’arrangeur François Carel et diverses chansons demeurées inédites jusqu’à ce que les Disques Mérite les incluent dans leurs compilations Les Introuvables.

En quittant les Mustangs, Fontaine recrute de nouveaux collaborateurs. Entre alors le guitariste Roger Hubert dit Maguire, avec sa nouvelle Gretsch achetée chez Bonneville à Trois-Rivières. À cet ex-membre de la formation locale Les Downbeats (et plus tard guitariste au sein du power trio Les Soundtracks) s’ajoutent Robert Dussault (basse) et Michel Fafard (batterie), tous deux anciennement du groupe Les Jaguar Men.

Les musiciens se choisissent rapidement un nouveau nom pour leur groupe en hommage à une autre formation, écossaise cette fois-ci : Them (avec Van Morrison). Les Ithems (rapidement simplifié Les Items) adoptent un son plus corrosif et empreint d’une évidente influence anglaise, adaptant les Rolling Stones, The Animals, The Who… presque pas de Beatles, précise Lafontaine. On a fait des sous avec les deux groupes que j’ai assemblé. Je me souviens qu’en 1967, je gagnais 75$ par soir! Je chantais 3 fois pis je m’amusais, c’était sain. Je ne touchais pas à la drogue ni à l’alcool, même si par moments on jouait dans des bars comme à Lac-aux-Tortues où ça brassait davantage.

Les Ithems enregistrent en janvier 1968 leur unique simple pour le compte de TéléDisc, une des nombreuses étiquettes gérées par le producteur Denis S. Pantis. Curieusement, Lafontaine n’apparait nul part sur ce 45 tours. Il précise : J’ai quitté le groupe au printemps 1967, sans controverse, entre bons copains. C’est Michel Fafard qui m’a remplacé par la suite dans Les Ithems. Selon Lafontaine, c’est probablement cette mouture du groupe (qui incluait aussi Patrick Nameth et François Biron au moment de l’enregistrement du 45 tours) qui se serait aussi produite à quelques reprises à la télévision, notamment aux émissions Bonsoir Copains (Sherbrooke) et Jeunesse en Orbite (Trois-Rivières).  Normand Choquette ou Gaétan Santerre ont dû m’influencer pour que je tente ma chance en solo. J’étais surpris, mais c’est à ce moment qu’on m’a proposé d’enregistrer quelques démos et d’aller les présenter chez Trans-Canada à Montréal.

Lafontaine accumule en effet depuis des mois diverses nouvelles compositions de son cru, certaines ayant déjà été jouées sur scène au sein des Items. Il se rend donc aux Studios RM (Radio-Marie) de Cap-de-la-Madeleine opéré par les Pères Oblats (voir Résurrection! pour plus de détails sur ces studios) et enregistre au printemps 1967 une quinzaine de démos, seul avec sa guitare. Il se rend ensuite à Montréal pour présenter la bande à Joey Gallimi et Tony Catichio, tous deux dépisteurs / arrangeurs / producteurs pour l’étiquette Trans-Canada qui avait alors ses bureaux sur l’avenue du Parc. Du lot, deux titres sont sélectionnés pour ce qui sera son seul et unique simple: Goodbye & Tu n’es pas sincère.

On assigne bientôt de nouveaux musiciens pour accompagner le chanteur sur disque: Les Chanceliers! Cette formation rock de Montréal avait d’ailleurs été recrutée l’année précédente chez Trans-Canada et gagnait en popularité grâce au charisme de son chanteur, Michel Pagliaro. C’est toutefois sans ce dernier que l’enregistrement du simple de Lafontaine a lieu. Le groupe, formé d’André Parenteau (qui n’a malheureusement aucun souvenir de cette session d’enregistrement), Gilles Brière et Pierre Martin, paufine ainsi une piste musicale. Ce n’est que quelques semaines plus tard que Lafontaine retourne à Montréal pour découvrir le résultat final et y ajouter sa voix. Il ajoute: C’est un garagiste General Motors de St-Jérôme qui a financé les 2500$ pour l’enregistrement de mon 45 tours, par l’entremise de Catatchio ou Gallimi. C’est d’ailleurs Gallimi qui m’a renommé Alex Fontaine. Je l’ai fait pour m’amuser, pour gagner un peu d’argent de poche, mais je ne me voyais pas en faire une carrière. J’ai fait un peu de promotion, mais n’ai jamais interprété mes chansons en solo sur scène.

Je suis parti avec Trans-Canada en mini-tournée promotionnelle -en limousine!- avec Paolo Noël et une chanteuse dont le nom m’échappe. On est passé par toutes les stations radios de Québec et Trois-Rivières en commençant par CHLT à Sherbrooke pour l’émission Bonsoir Copains avec Jean Malo. J’ai interprété mes deux chansons, mais pendant ma première (Goodbye), le son a coupé complètement… et on était en direct! Disons que ça ne m’a pas fait une bonne image.

Par après, à Télé-4, là j’ai pas manqué mon coup pis ça a joué longtemps à Québec, grimpant jusqu’en première ou deuxième position de certaines stations. Ça n’a pas été un énorme succès; je crois que j’en ai vendu 2000 copies en tout. Je gagnais 3 cennes du disque vendu parce que j’étais auteur-composteur. Imagines : Renée Martel, que je connaissais à l’époque, ne gagnait qu’une cenne par 45 tours malgré tout son succès comme interprète!

Redécouvert pour la première fois en 1993 sur la compilation Rumble du disquaire montréalais Denis Lalonde (Le Pick-Up), son simple devient immédiatement l’objet de convoitise de nombreux collectionneurs avant d’être adapté par le groupe de Montréal Les Incapables qui l’interprète en spectacle. Le son est cru et la dégaine de Fontaine snotty, baveuse à souhaits! Il crache les quatre vérités au visage de son amoureuse: Ne me parle plus sur ce ton; ce n’est pas une façon de parler aux garçons. Tu devrais faire attention. Tu n’es plus la même, tu as beaucoup changé. Alors écoute-moi bien, je ne peux plus rien.. car tu n’es pas sincère, sincère, toi..oh NON! Boum! Si plusieurs 45 tours rock québécois s’étaient aventurés têtes premières dans ce qu’on décrirait aujourd’hui comme nos premières manifestations punk sur disque (voir notre spéciale Mondo Garage avec Michel Alario), Alex Fontaine peut se vanter d’avoir repoussé les limites du genre en enregistrant le simple définitif ou du moins LA composition la plus fracassante du rock garage en province! Point barre. On peut en débattre longtemps, mais à quoi bon: tu le sais qu’c’est bon!

Au revers, la ballade folk-rock Goodbye, offre tout un contraste mais demeure candide.. comme l’homme qui se confie à nous. C’est d’ailleurs une recette connue que de coupler en face B d’un simple rock un slow amer et déchirant. Cette chanson de rupture, jamais compilée ni rééditée depuis 50 ans, ne manque pourtant pas de mordant: J’y penserai un jour, ce temps passé ensemble, il n’est plus rien pour toi: tu m’as déjà oublié. Ohhh Goodbye. Ne reste pas, je ne dirai rien, tu n’es plus à moi; tout comme avant, je trouverai mon chemin alors je te dirai.. je te dirai.. Goodbye.

Est-ce que Lafontaine est conscient de l’impact profond qu’a eu son unique simple chez une foule de mélomanes et musiciens depuis sa parution originale? Pas vraiment, mais visiblement flatté, il précise sagement sa pensée: Je me souviens, j’avais été invité pour le 50e anniversaire de CKVL à l’époque du 45 tours, un gros party flyé avec des danseuses exotiques, j’avais à peine 17 ans pis je me disais.. ahh ouin, c’est ça le milieu artistique!? C’est sûr que j’étais impressionné, mais je sentais que je devais faire ma vie autrement… J’ai poursuivi mes études après mon 45 tours et j’ai bien gagné ma vie en dehors du milieu en tant que soudeur jusqu’à tout récemment avant de prendre ma retraite. Je ne me considère pas un grand musicien et ma voix n’est pas à tout casser (NDLR : parfaite pour le rock’n’roll!). Cela dit, l’été dernier, j’ai pu assister à un concert rétro par le groupe Les Apollons. En discutant avec les musiciens, Normand Corbin (lui-même un ex-membres des Mustangs qui m’avait remplacé) m’a reconnu – eille toi tu l’avais l’affaire! C’était toute une surprise: on ne m’avait pas oublié! Pis là vous êtes devant moi les gars…

Merci Jean-Marc pour cette première entrevue en 50 ans; Michel et moi pouvons enfin classer ce dossier qui mystifiait bien des mélomanes avertis depuis 1967! Merci aussi à Michel Alario & Félix B. Desfossés pour la numérisation. Si vous avez fait partie des Mustangs ou des Ithems et souhaitez contribuer un témoignage, des photographies ou divers enregistrements inédits, contactez-nous et nous publierons le tout sur cette page.

Avant l’arrivée de Plume Latraverse sur la scène québécoise, il y eut… Réal Barrette, un artiste folk parmi les plus singuliers de la scène québécoise. Véritable électron libre, ce chansonnier marginal commence à se faire entendre dans les boites à chansons près de Montréal vers le milieu des années 60. Sa fougue, sa rage et son humour distinguent habilement son protest folk de celui de ses pairs. Personne au Québec ne sonnait comme lui à l’époque… PERSONNE! Avec ses compositions groundées et féroces, carburant au joual et aux comiques de cigarettes, Barrette crache et décoiffe! Imaginez des chansons résultant de la rencontre fortuite entre le français Évariste, l’abitibien Réal V. Benoît et le groupe américain The Fugs et vous y serez à peu près… Dans son cas, on pourrait même oser parler de folk punk et sous sa plume, tous les sujets tabous y passent: la religion, la drogue, la sexualité, etc. On sait bien peu de choses sur sa vie et sa carrière si ce n’est qu’il nous laisse deux rarissimes simples – tous deux non-compilés à ce jour!- pour le compte de l’étiquette Avril (une sous-division de Columbia) en 1969 en plus de collaborer avec la vedette pop Joël Denis pour son album éponyme transitoire de 1971.

Si vous avez collaboré avec Barrette dans les années 60 ou pouvez contribuer des photos ou coupures de presse supplémentaires, écrivez-nous! Si, à tout hasard, vous lisez ceci M. Barrette, sachez que votre témoignage m’importe énormément et qu’il me ferait plaisir de vous interviewer à ce sujet.

Barrette semble faire ses débuts sur scène autour de 1965. On le retrouve notamment dans le circuit des boîtes à chansons, à la guitare, aux côtés de la chanteuse Marie Villeneuve, gagnante du concours 28 Jours de l’émission Jeunesse Oblige de Radio-Canada. L’année suivante, on le retrouve en solo, chantant maintenant la nature, la vie, la mort aux accords de son mélodieux. Merci au blogue Monsieur Jeff pour ces informations. Il faudrait attendre encore quelques années avant que Barrette ne grave ses premières (et dernières?) compositions sur disque.

Réal Barrette – La grosse Toutoune / Y faut jamais faire brailler sa blonde (Avril A4-106; 1969)

Une salve déglinguée, voilà ce que c’est : La grosse Toutoune, ne serait-ce que par la poésie de son titre, vous cloue littéralement le bec! Barrette adopte un ton acide et habite son propos grivois sur un air de country déjanté ponctué de solos d’orgue. Les Sinners et Tex Lecor devaient prendre des notes en coulisses… La chanson aurait même été interprétée à l’émission Jeunesse d’Aujourd’hui devant un public médusé. Si vous possédez cet extrait, écrivez-nous!

C’est donc pas drôle d’avoir un amour triste, mais peu à peu j’avoue que je m’en crisse.

Parce que dans l’monde, t’es p’t’être pas la plus belle.

Belle de jour ou belle de nuit…

Le délire s’intensifie sur la face B avec Y faut jamais faire brailler sa blonde, une longue et intense composition où le chanteur s’éclate à coup de wah-wah et d’effets psychédéliques! Énergique, on ressent toujours chez-lui le dégoût et la hargne. Concluant avec un falsetto désopilant, Barrette va jusqu’à reprendre quelques notes du célèbre À qui le p’tit coeur après 9 heures de Roger Miron. Animal, rentre-dedans et irrévérencieux, ce 45 tours est au boutte ! Pas mal pour un chanteur à boutte… Ce titre sera éventuellement inclus sur la compilation Freak-Out Total Volume 333 (Mucho Gusto; à paraître ).

On s’garroche des fleurs, des fleurs et pis des fleurs!
On s’barbouille de toutes, toutes les maudites couleurs!
On smoke des drôles, des comiques de cigarettes,
pis on r’vient des fois pour tirer s’a gachette!
Mais le coeur de Mamie n’est plus mon ami,
Il ne pleure plus, j’ai marché dessus!

Réal Barrette – Nounoune t’en mets trop / Haut St-Joseph (Avril A4-107; 1969)

Le second simple du chanteur -publié presque simultanément avec son premier- est tout aussi sublime, valsant toujours entre l’infâme et le merveilleux. Il est d’ailleurs ahurissant de constater aujourd’hui qu’une chanson comme Nounoune t’en mets trop ne soit pas plus souvent citée comme une des premières créations punk québécoises. Des 45 tours garage violents et blasés, on en connaissait déjà (pensez à ceux des Loups, des Différents ou des Misérables), mais bien peu s’étaient auparavant investis d’une prose ou d’une personnalité aussi… vulgaire. Ça v-a-r-l-o-p-e!  Noyé dans le fuzz et le wah-wah, l’anticonformiste Barrette semble possédé lorsqu’il scatte comme nul autre son refrain. Quelle morniffe!

Nounoune t’en mets trop; Nounoune dans mon cerveau.

Nounoune ça c’est pas beau; Nounoune j’ai le coeur gros, très gros oh oh oh oh oh…

J’ai volé tes culottes; tu m’lance deux carottes.

J’te donne une bouffée d’pot pis tu m’envoies aux crottes! Aux crottes!

Haut St-Joseph au revers titille les oreilles chastes avec ses références chrétiennes, un thème de prédilection pour tous les cyniques qui critiquent de plus en plus ouvertement l’Église depuis le concile de Vatican II au début des années 60. Dans cette boutade, Barrette n’y vas pas de main morte: Notre chanson c’est beaucoup cochon; ça touche la religion. Mais l’bon Dieu, y’é pas niaiseux: y rit de ça dedans les cieux!

L’album du renouveau pour Joel Denis

À l’image de ces quatre chansons, on découvre dans de rares articles d’époque à propos de Barrette que ses performances scéniques étaient aussi empreintes d’un discours engagé, notamment contre la guerre du Viêt Nam et une quelconque association avec la scène des chansonniers. Si les 45 tours de Barrette en solo ne chatouillent même pas les plus bas échelons des palmarès, l’auteur-compositeur trouve néanmoins une oreille attentive auprès de Joel Denis pour qui il compose quelques-unes de ses dernières compositions à succès. L’influence de Barrette est définitivement perceptible sur cet album éponyme où on redécouvre un interprète carburant maintenant à la vitriole. Le guitariste de dos avec Denis dans la vidéo suivante, c’est lui! Réal et moi étions totalement en symbiose, confiera Denis.

Il faut dire que les derniers mois avaient été particulièrement douloureux pour Denis qui devait souvent justifier ses actions avec une presse plus habituée à ses cabotinages du temps du Ya-Ya. Il s’était notammment attiré les foudres du public après s’être affiché nu avec sa famille à la une d’Écho-Vedette (?). Fan affirmé des Beatles, il avait rencontré John Lennon & Yoko Ono lors de leur légendaire bed-in à l’Hotel Reine-Élizabeth de Montréal. Cependant, ce clin d’oeil à la sortie récente de l’album Two virgins ne fit pas l’unanimité. Denis dû s’expliquer et publia même son commentaire en face B du simple Si j’avais une jambe de bois, sous le titre… Fesses à part (TC Profile; 1971).

Barrette signe ou ajoute sa touche unique sur la majorité des titres présents sur l’album ainsi que sur quelques simples de l’époque, alternant entre la pop farfelue (Pick, Tic Tac ou le succès C’t’a pas encore fait) et d’autres créations drôlement plus rock et engagées comme les accrocheuses L’argent, Alléluia (adaptation d’une chanson de Arnold Capitanelli & Robert O’Connor) et Je t’envoye la main. L’ex-vedette yéyé tentait de rester dans l’bag et Barrette semblait lui donner des ailes… Les compositions du tandem Barrette-Denis ont depuis été compilées en 2000 sur le CD C’t’a pas encore fait – Volume 2 (Disques Mérite).

En attendant des nouvelles du chanteur, laissons la parole à ceux qui l’ont cottoyé par la suite. Quelques-uns de ses anciens élèves (Barrette serait engagé comme professeur d’anglais durant les années 70) nous ont écrit et on a même eut des nouvelles d’une de ses ex-copines! Toutefois, Joel Denis n’a pas eu de nouvelles de son ancien comparse et, personnellement, on aimerait beaucoup retracer M. Barrette. Si vous pouvez nous aider à le retracer, n’hésitez pas à nous écrire.

Lorsque Mimi et moi avons démarré l’aventure radiophonique de Mondo P.Q. – L’envers du rétro québécois sur les ondes de CIBL, nous étions animés d’une passion commune pour une foule d’auteurs-compositeurs québécois et nous nous sommes vite identifié à l’œuvre de certains talents que nous considérions alors comme injustement méconnus et souhaitions mettre de l’avant… Le duo que Luc Cousineau formait avec Lise Vachon était de ceux-là : un gars, une fille, des chansons… comment ne pas se retrouver en eux? Nous avons ainsi inauguré notre première émission en 2011 avec J’m’en viens et conclu cette folle aventure, 6 saisons plus tard, avec Chany. Les compositions folk-pop aussi engagées que poétiques de Cousineau ajoutaient une touche d’urbanité à l’univers roots des Boîtes à Chansons des années 60 et résonnaient toujours autant à nos oreilles 50 ans plus tard. Les États-Unis avaient leurs Richard & Mimi Farina, le Canada Ian & Sylvia et pour nous au Québec, c’était Luc & Lise… Les Alexandrins.

Avec le décès de l’auteur-compositeur Luc Cousineau le 6 mars dernier, on a pu lire de nombreux hommages dans les récents jours et se rappeler des quelques touchantes rencontres au cours de son combat contre la SLA pour se rappeler d’un artiste inspirant qui a su se réinventer avec les décennies. Entre son premier diagnostic et aujourd’hui, Cousineau a néanmoins su publier 2 nouveaux CDs, un mini-album ainsi qu’un coffret anthologique. Le gars, là.. avait encore des choses à dire! L’oeuvre de Cousineau semble m’avoir accompagné dès ma tendre enfance et ses premiers albums ont eu un profond impact chez ce mélomane… Il fallait que je lui rende hommage par sa musique. Chacun des 9 albums auxquels les Cousineau collaborent entre 1966 et 1973 offre son lot d’émerveillement. 9 albums en à peine 7 ans : vous en connaissez beaucoup des artistes aussi prolifiques de nos jours? J’ai donc colligé pour vous une foule d’albums, 45 tours européens, rareté brésilienne et jingles publicitiaires pour mieux saisir l’évolution du musicien entre les décennies 60 et 70.  Si plusieurs de ces documents sont aujourd’hui difficiles à retracer, sachez que le coffret Ma vie en chansons offre la majorité des pièces enregistrées par Luc Cousineau entre 1966 et 2015 ainsi qu’un fascinant livret (auquel j’ai contribué quelques photos) signé par l’auteur-compositeur: faites comme moi et achetez-le ici. Place à la musique… salut Luc Cousineau!

On découvre ces beatniks tout droit sortis du Conservatoire Vincent-D’Indy sur un premier long jeu en 1966. Luc & Lise font leurs débuts sur scène l’année précédente aux côtés de Gilles Lavigne et Victor Shaitoyan. Lise étudie le hautbois et Luc se concentre alors sur la contrebasse et la guitare. Il accompagne occasionnellement l’orchestre de son frère François Cousineau, mais c’est à la suite d’un spectacle au Gésu que les Alexandrins sont remarqués par le producteur de Capitol Pierre Dubord. Il signe le duo la semaine suivante pour la série 70 000 de Capitol qui mise sur les Nouveaux Talents Canadiens-Français. Ils se frottent ainsi à la populaire formation traditionnelle Les Cailloux, mais aussi au groupe yéyé Les Atomes, à Alexandre Zelkine, Suzanne Lavoie et quelques autres. À l’image de la pochette en noir et blanc de leur album, leur approche est dépouillée, légèrement jazzée et juste assez réservée. Leur charme opère sur des chansons comme Amour conjugué ou Chante chansonnier chante, sur la délicate pop-baroque-à-vous-faire-fondre d’Amour d’hiver ou leur premier simple à saveur antillaise, Chany. Les arrangements et la direction d’orchestre de ce premier opus est partagée entre les fréres François et Jean Cousineau. Il y avait du talent au pied carré dans cette famille!

Un second album au printemps 1967 (Volume 2) agrémente leur généreuse palette de couleurs et les propulse au palmarès avec notamment John Kennedy, mais surtout leur premier tube Les copains. Leur riche et nouvel accompagnement orchestral témoigne de la confiance de Capitol pour leurs protégés qui s’écartent déjà du propos des chansonniers pour rejoindre celui de la pop (T’as manqué la chanson; Je suis une chatte ou la terriblement efficace Amour d’été), sans toutefois négliger une prose par moments plus mordante.

Leur dernier album pour Capitol en sera un de compromis. Pressé de signer avec l’étiquette Polydor, Cousineau compose de nouvelles chansons pour deux 45 tours, mais est néanmoins autorisé à mettre fin aux séances d’enregistrement alors que l’album qui en découlerait est pourtant complété au 2/3. Capitol presse malgré tout l’album «incomplet» en février 1969 en comblant les quelques pistes restantes de 3 compositions tirées des deux premiers albums du duo. Ce «troisième» opus (publié après Double Jeu, mais enregistré avant), de nouveau éponyme, propose certaines des créations les plus lucides du tandem appuyées par les textes de Luc Gauthier et Claude Levac. Il est illustré d’une superbe photo du duo par Zelkine. L’ennivrante Ballade pour Molly qui expose le parcours criminel de Monica la Mitraille, une criminelle aux coups amplement médiatisés, est certainement parmi mes chansons préférées des Alexandrins: Et maintenant les gens regardent ta photo; ton soutien-gorge saigne à la une des journaux. Une pochette-photo devait accompagner la sortie de ce 45 tours; je ne l’ai vu qu’une seule fois, mais ne le possède pas, alors si vous pouvez contribuer une photo, contactez-nous.  Plus loin, la visionnaire C’était anticipe déjà la fin d’une époque et que l’on chantera plus tard les refrains d’aujourd’hui. Fort. L’effervescente Quel est c’délire? avec ses folles progressions au piano et à l’orgue et surtout Quelques arpents de neige, véritable règlement de compte avec Voltaire à propos de la colonisation de la Nouvelle-France, s’imposent comme des incontournables. L’orchestration n’est plus aussi imposante que sur leur précédant album alors qu’une nouvelle clique de musiciens vient accentuer le jeu intimiste des Alexandrins, pimentant leur folk de quelques accents jazz gracieuseté des orchestres de François Cousineau et George Tremblay.

Leur quatrième album – le premier pour Polydor et dernier du duo sous le sobriquet Les Alexandrins- est publié en janvier 1969 et propose à l’image de son titre une double rencontre. Luc Cousineau collabore d’abord à l’été 1968 avec la dramaturge Françoise Loranger à l’élaboration de sa pièce de « théâtre-forum » Double Jeu, où la participation du public et l’improvisation sont encouragées. En plus d’éventuellement se joindre aux comédiens sur scène, Luc & Lise composent de nouvelles chansons en face A (sur des textes de Louis Gauthier) du long jeu et adaptent en face B la prose engagée de Loranger. Sur disque, ils sont solidement appuyés par quelques-uns des musiciens du Quatuor de Jazz Libre du Québec, ceux-là même qui avaient contribués aux albums avant-gardistes de Robert Charlebois, Louise Forestier ou Yvon Deschamps quelques mois auparavant. On est entre bonnes mains! Guy Thouin (batterie), Maurice Richard (basse), Jacques Perron (claviers) et Jacques Langlois (batterie) électrifient ainsi le répertoire de Cousineau et poussent le registre des Alexandrins au zénith de son psychédélisme. On y ressent l’urgence –autant dans les thèmes que dans l’enregistrement comme tel- d’imager une écriture surréaliste, décidément encrée dans l’actuel. C’est lousse, organique, expérimental… vivant.

Me revoici vous foudroie à coups de rythmes déferlants et de poésie médiatique (Me revoici avec mes timbres prime, ma grandeur-nature, mon format géant, ma chair et mes os, mes 56 dents ) et L’amour ressemble à l’amour émeut par son refrain minimal chanté à fleur de peau. Lise brille sur cet album, insufflant une intensité vocale unique à la majorité des chansons.

Si les textes se font moins surréalistes en face B, les variations autour des différents Chants offrent cependant un propos davantage contestataire. Véritable coup de gueule, le Chant du Ministère de l’Éducation illustre une thème risqué -le retard culturel des québécois- en l’actualisant ironiquement, citant le nouveau Premier Ministre Pierre Elliot Trudeau, le modèle américain et l’assimilation des francophones : Ton lousy french nous fait honte. Monsieur Trudeau l’a bien dit : corrige-toi. Oublies ton joual avec les bines que tu mangeais dans ton enfance, couteau en bouche, couteau en bouche. Près de 50 ans suivant son enregistrement, Double Jeu mérite amplement une seconde écoute et, pourquoi pas, une seconde vie sur scène.

En vol solo dès la moitié des années 70, Luc Cousineau réalise ou collabore à de nombreuses ritournelles publicitaires, notamment pour Bovril, Laura Secord, Le Commissaire aux Langues Officielles ou Air Canada pour ne nommer que ceux-là. Il semble avoir pris goût à ces compositions sur commande à la fin des années 60 lorsqu’un publicitaire lui propose d’utiliser la chanson Les copains pour une réclame. La chanson ne sera finalement pas utilisée, mais ce n’était que partie remise puisque dès le début de la décennie 70 Luc & Lise s’associent à la brasserie Labatt. La campagne d’avril 1970 déclinée en 4 publicités pour la radio et la télévision et met en scène Luc & Lise Cousineau, mais aussi l’animateur/chanteur Robert Arcand et le comédien Olivier Guimond, déjà porte-parole à succès pour la bière Labatt 50, peu de temps avant son décès. Les 4 versions de la publicité -chacune avec des paroles différentes sur une même trame- sont aussi pressées sur un 45 tours RCA Victor où le nom des artistes n’apparait nul part. Ceci dit, la version télévisée ne manque pas de montrer Guimond avec les albums de 1969 et 1970 du tandem (merci Martin Lamontagne pour cette rareté!).

Cousineau s’est souvent associé publiquement à la défense des droits et libertés et en 1975, il compose une hymne pop entraînant pour les travailleurs syndiqués de la FTQ Construction. La face A du simple propose la chanson imaginée par Cousineau avec un accompagnement de circonstance gracieuseté des “gars du chantier”. La face B offre un mix qui néglige les choeurs au profit d’un éloquent discours du Président de la FTQ en 1975, Fernand Daoust. Nous avions proposé le simple à l’équipe de l’émission Infoman (Radio-Canada) qui s’était empressée de le diffuser dans son édition du 27 octobre 2011 dans la foulée des manifestations de Bernard « Rambo » Gauthier sur divers chantier…

Avec la nouvelle décennie, le duo poursuit son rythme soutenu de publications, mais un changement de sobriquet s’impose. C’est qu’elle semble déjà bien loin l’époque des boîtes à chansons et des alexandrins mis en musique… Après les excès psychédéliques des dernières années, on prône dorénavant un retour à l’essentiel en musique populaire et, en général, une affirmation de nos racines identitaires. Preuve de son authenticité, le duo se renomme simplement… Luc & Lise. En préparant leur 5^e album, les Cousineau convoitent aussi parallèlement de conquérir le marché européen. Un contrat est signé avec l’étiquette française Something Else qui pressera quelques-uns de leurs présents et futurs 45 tours (aussi sur Sonopresse et Spot), le plus souvent avec des pochettes-photo exclusives au marché international.

Un nouvel album est disponible chez les disquaires dès juin 1970 et inclut leur plus récente chanson à succès, Angéla mon amour, à la fois groovy et expertement écrite (pour citer le journaliste Sylvain Cormier). Je ne vous ai pas dit que j’aimais la musique; nous n’avons pas parlé d’un voyage au Mexique; nous n’avons pas marché sur la rue Sherbrooke Ouest et nous n’avons pas bu un café en vitesse… L’ambiance bucolique -et la ballade sur Sherbrooke ouest- se poursuit plus loin sur la sublime J’m’en viens, joliment orchestrée et parfaitement à l’image du couple qui se frotte de plus en plus à la faune hippie. De la grande pop! Si Un testament d’amour est de loin leur pièce la plus country-folk de leur répertoire, Luc & Lise affichent néanmoins toujours leurs convictions sur une chanson comme l’intense et pacifiste Maudit soit le jour tout en exploitant leur fibre surréaliste comme sur l’éthérée La duchesse de marmelade ou à travers l’inquiétante étrangeté de J’me demande pourquoi. On y découvre aussi la pièce instrumentale Québec Nucléaire qui était une commande pour accompagner un documentaire du même titre sur la production d’électricité grâce au nucléaire en province. Luc & Lise en réalisent deux versions qui sont incluses à la fin de chaque face de leur album et revisitent même cette mélodie sur leur album de 1971 (Laisse un temps à l’amour ), tout en l’incluant aussi en face B de leur second et dernier simple pour London.

En marge du premier album sous leur nouveau nom, le duo adopte une approche internationale pour faire connaître ses chansons et propose étonnamment deux simples anglophones avec de nouvelles compositions pour London sous le vocable The Cousineau’s. Luc Cousineau produit les deux 45 tours et recrute son comparse de l’année précédente Jacques Perron (Jazz Libre du Québec, Vos Voisins) pour l’appuyer aux arrangements de Why do you leve me now (put it off till September) / Just aside the border.

Leur pop-bluesée ponctuée d’accents orchestraux est de plus en plus corrosive et s’accompagne d’une poésie pour le moins intrigante sur Just aside the border (Just aside of the border in a little frenchie town lives a little frenchie you; Never never made love à trois, more two by two; Never never tried the gay side nor banged on a trip; Believe it or not je t’aime : I love you ). Dropped out , tonnitruante et fuzzée à souhaits, vous soufflera par l’agressivité de son refrain et l’ambiance glauque découlant des couplets. On serait tenté d’y distinguer l’influence de Crown of creation du Jefferson Airplane. Crinquez le volume à 11!

Après un passage remarqué au Midem de Cannes en 1970, Luc & Lise sont choisis pour représenter le Canada au 5e Festival Internacional de Cancao Popular de Rio où ils accèderont à la Finale sans toutefois la remporter… Luc Cousineau précise dans le fascinant livret accompagnant le coffret Ma vie en chansons : Nous quittons Montréal en pleine crise d’octobre. Le lendemain de notre arrivée, les journalistes nous poursuivent. Pierre Laporte a été assassiné. Je suis sidéré. Participer au plus grand festival de la chanson, être à Rio, pays de la samba et de la bossa nova, est enivrant. Pourtant, malgré l’enchantement du voyage, il est difficile d’oublier que le Québec est en état de siège.

La direction du festival aime beaucoup notre chanson Put it off till September.  On nous amène au Stade Maracana dans une voiture escortée par des policiers à moto. On chante une première fois, accompagné par 50 musiciens et on passe en finale. J’entre sur scène confiant et en coulisses, on nous annonce déjà gagnants. Pourtant ça ne sera pas. Au milieu de la chanson, je dois monter d’une quinte… Je la rate et c’est la catastrophe. Je me rattrape quelques mesures plus loin, mais le mal est fait. J’ai gâché la chanson et ruiné tous nos espoirs de gagner. Encore aujourd’hui, quand je repense à Rio, une tristesse m’envahit au souvenir de la douleur ancienne. Sur le vol du retour, je me focalise sur l’écriture des nouvelles chansons. Aujourd’hui, on parlerait de résilience!

Le duo chantera néanmoins devant une foule de 35 000 spectateurs et lancera même son plus récent simple localement. Deux albums sont pressés en marge du Festival dont un intitulé « Parte Intercional » qui regroupe la plupart des interprètes venus de l’extérieur du Brésil. Curieusement, Les Cousineau seront les seuls à voir leur chanson remplacée par une adaptation réalisée par un duo brésilien nommé… Les Amis. Obligation contractuelle? Passe-droite auprès du réalisateur de cette compilation? Qui étaient Les Amis? Luc, premier surpris par l’absence de sa voix sur cet album qu’il possédait toujours, l’ignorait lorsque nous avions diffusé cette version…

Une autre belle curiosité au catalogue de Luc & Lise est cette rare entrevue pressée en face B de leur 45 tours pour la chanson Parle encore en avril 1971. Faisant écho au titre de la chanson en face A, l’entrevue était destinée aux animateurs et DJs qui pouvaient l’utiliser sans gêne en ondes en ajoutant leur voix aux silences entre les réponses des Cousineau. Le couple revient entre autre sur son récent voyage à Rio.

Le duo publie pas moins de deux albums supplémentaires en 1971, Laisse un temps à l’amour (Polydor; octobre 1971) ainsi que l’ambitieux et injustement méconnu Tout l’monde est heureux!? (Polydor; novembre 1971). Pas l’temps d’niaiser! Ce dernier est une adaptation musicale corrosive de deux bandes dessinées révisionnistes intitulées L’Histoire du Québec, imaginées par Léandre Bergeron & Robert Lavaill et publiées à la même époque. Je ne saurais trop vous recommander de consulter l’article du blogue Psyquébélique de Simon M. Leclerc à propos de ce long jeu.

Luc & Lise publient un ultime 45 tours pour Polydor en 1972 avant que leur duo ne devienne le groupe « Cousineau » avec l’ajout de nouveaux musiciens (Red Mitchell, Robert Roy, Chris Castle & Estelle Ste-Croix) et une nouvelle approche sonore. Sur ce simple (inclus sur aucun album ou compilation depuis), le duo est accompagné d’une mystérieuse formation, Les Wawanko. Qui étaient Les Wawanko? Une troupe mexicaine en visite au Québec à l’époque? Les musiciens de «Cousineau» sous un pseudonyme? Je l’ignore… mais les deux faces du 45 tours semblent puiser leur inspiration dans la culture amérindienne locale qui, encore de nos jours, cherche à résonner davantage dans le coeur des québécois. We want the world and we want it now!

Le nouveau groupe Cousineau enregistre deux albums éponymes entre 1972 et 1973. Le premier (avec notamment la pièce Octobre au mois de mai ) fut réédité récemment en complément au CD Tant qu’il y aura une chanson (Airdale; 2015), mais les deux furent inclus dans le coffret anthologique Ma vie en chansons. Les plus férus voudront retracer une copie originale du dernier album de Cousineau puisqu’il venait à l’origine avec une affiche géante fort jolie montrant tout le groupe devant une cantine!

Cette discographie commentée que je vous propose est déjà impressionnante, mais ne représente que la moitié du catalogue musical de Luc Cousineau: je ne saurais donc trop vous inciter à explorer le reste de sa discographie! Dès 1973, il entreprend une longue carrière en solo, publiant quelques-uns de ses plus grands succès comme Vivre en amour ou Comme tout l’monde pour ne nommer que ceux-ci. Fonceur, il fonde sa propre étiquette de disques (Airdale), construit son studio et plonge même tête première dans cette aventure en publiant en 1976 un des albums instrumentaux québécois les plus réussis des 50 dernières années, rien de moins! Et vous savez… il n’est jamais trop tard pour redécouvrir un classique méconnu enregistré il y a 41 ans.  Retrouvez «L’album brun » ici.

Il signait encore récemment: Jusqu’à la fin restera puissante, pour moi, l’envie de saluer la vie à la manière qui fut toujours la mienne : composer et chanter. Chapeau bas Luc Cousineau et merci pour la musique.

En 2007, le blogue Psyquébélique nous initiait à un 45 tours québécois parmi les plus singuliers, un amalgame de compositions à saveur patriotique et aux sonorités diamétralement opposées. Il y a 4 ans, en découvrant médusé un rare exemplaire du simple J’ai le goût du Québec / Mister Canada attribué au nébuleux groupe YUL, j’ai eu envie de poursuivre l’enquête en tentant de retracer la musicienne Ginette Bellavance, seule artiste créditée en face A du 45 tours. Comble du hasard, l’auteure-compositrice retourne mon appel il y a quelques jours à peine, révélant au passage la connexion entre son ancienne formation et le Parti Québécois! Pour inspirer ses partisans, le parti a en effet longtemps proposé une foule de thèmes et hymnes engagés sur vinyle, mais aucun n’est aussi fracassant et avant-gardiste que celui de YUL. Face au brouhaha qui accompagne depuis des mois le débat entre les 4 prétendants à la chefferie du Parti Québécois, je me suis dit que le moment était bien choisi pour revenir sur le parcours du groupe. Tsé quand le passé freak du PQ rebondit dans l’actualité…

Bellavance a étudié puis enseigné l’Électroacoustique à l’Université de Montréal durant les années 70, composant de nombreuses trames musicales pour le théâtre ainsi que pour divers courts métrages de l’ONF. Elle signe aussi une foule d’indicatifs pour des émissions de Radio-Canada jusqu’en 2004, notamment Un samedi comme ça (1974), Au gré de la fantaisie (1976), L’Art Aujourd’hui (1975) ou Musiques d’ailleurs (1978). Elle revient à l’avant-scène en 1980 en collaborant avec l’ex-leader de l’Infonie Walter Boudreau (Coffre I) tout en enregistrant son premier long jeu éponyme pour l’étiquette Diskade.

Depuis la publication originale de cet article, le percussionniste de YUL Normand Hervieux ainsi que le clarinettiste Robert M. Lepage nous on aussi contacté. Si leur travail au sein de YUL ne représente qu’une infime partie (1969-1974) de leur oeuvre, Bellavance, Hervieux & Lepage ont néanmoins généreusement accepté de participer à cette entrevue, question de faire la lumière sur ces enregistrements. Si vous avez fait partie de la formation ou avez assisté à une prestation de YUL durant les années 70, écrivez-nous : votre témoignage nous importe. Bonne écoute!

En marge de vos études à la fin des années 60, avez-vous composé ou interprété d’autres pièces (en solo ou en groupe) avant de vous joindre à YUL?

G.B. Non aucunement. J’avais prêté ma voix à des annonces publicitaires dont je composais la musique, mais c’est tout. Il faut dire qu’à cette époque, j’écrivais de la musique contemporaine dans la classe de Serge Garant à la faculté de musique de l’Université de Montréal. Alors les chansons, pour moi, c’était inintéressant.

N.H. Ma première formation musicale est venue des Corps de tambours et clairons. Ces formations étaient très populaires à cette époque. Nous parcourrions l’est du Canada et des États-Unis durant tout l’été en spectacles et compétitions. C’était très formateur. YUL était mon second vrai band, le premier se nommait Légendes et n’a eu qu’une courte existence.

Comment et à quel moment s’est formé YUL?

G.B. Autour des années 70. Je donnais des cours à l’Université de Montréal et j’y ai rencontré un guitariste du nom de Philippe Lapointe. On a commencé à jouer ensemble puis se sont joints à nous Normand Hervieux (percussionniste) ainsi qu’un bassiste et un clarinettiste dont les noms m’échappent. Les textes étaient signés par mon ex-mari, le journaliste Claude Sauvé. On a décidé de former un groupe…sans autre but que de s’amuser!

N.H. Il y avait Philippe Cabay (basse), Robert M. Lepage (clarinette), Line Bellavance (sœur de Ginette; voix), Daniel Arié (son) & Kenneth Lemieux (éclairage). Vers 1980, une partie du groupe YUL s’est transformée en accompagnateurs pour le spectacle de Ginette Bellavance.

R.M.L. Sans oublier Gerry Leduc (vents).

À quoi référait le nom du groupe spécifiquement?

G.B. À l’acronyme de l’Aéroport de Montréal, tout simplement.

Quelles étaient vos influences musicales?

G.B. A cette époque, j’étais encore à la Faculté de musique de l’Université de Montréal et la musique contemporaine, moins présente dans ma vie, continuait de m’influencer. Je ne voulais pas du tout former un groupe rock, mais un groupe qui se différencierait du carcan des tunes rock de l’époque. Nous avions composé une trentaine de pièces et nous avons fait une petite tournée du Québec, de même que diverses prestations pour des émissions de radio en direct. Comme ça n’était pas de la musique populaire, petit à petit, l’intérêt de chacun a diminué et le groupe est disparu.

Vous avez partagé la scène avec L’Infonie, assurant la première partie du spectacle filmé pour L’Infonie Inachevée (YUL est toutefois absent du long métrage). Quels liens entreteniez-vous avez le groupe?

N.H. Une certaine parenté musicale basée sur l’ouverture au monde ainsi qu’une certaine démocratisation d’une musique plus savante que celle retrouvée à cette époque en musique pop. La musique de YUL était également influencée par celle de Léo Ferré et Brigitte Fontaine.

Est-ce que YUL performait sur scène à l’époque ou était-ce principalement un projet musical pour composer des bandes sonores pour diverses pieces de théâtre?

G.B. Yul a performé sur quelques scènes, mais jamais pour des bandes sonores. Pour ce qui est de la musique des pièces de théâtre -j’en ai écrit une quarantaine- je le faisais en solo avec un Moog et divers synthétiseurs.

N.H. Au spectacle de la St-Jean 1972 sur les Plaines d’Abraham à Québec, YUL s’est produit au Palais Montcalm avec Luc & Lise Cousineau, L’infonie, Les Karricks, Louise Forestier et Clémence Desrochers.

Est-ce que le Parti Québécois vous avait approché pour écrire ou utiliser cette chanson?

G.B. Effectivement, un organisateur nous avait passé une commande pour ces élections du PQ on nous a imprimé un petit disque. On a eu le grand bonheur de chanter et jouer au Forum de Montréal en 1973.

Est-ce que ces 2 chansons du 45 tours de YUL étaient liées à un happening ou un événement en particulier? Où était vendu le 45 tours?

G.B. C’était lié aux élections provinciales d’octobre 1973. Le PQ donnait des 45 tours, mais il n’était vendu nulle part.

N.H. Nous étions très enthousiastes de jouer devant 16 000 personnes au Forum de Montréal pour la présentation des candidats Péquistes à l’élection provinciale. Nous étions ravis et même parfois impressionnés de croiser René Lévesque, Camille Laurin, Robert Burns et autres.

Mister Canada est à mes oreilles une des pièces les plus singulières de l’époque, à mi-chemin entre la musique contemporaine et le rock psychédélique! L’atmosphère est tendue, les paroles répétées comme un mantra (And you will die, you will die…) donnent froid dans le dos! C’est violent, même. Était-ce un plaidoyer souverainiste?

Ahhh ça il faudrait le demander à l’auteur des paroles, Claude Sauvé.

Quelle autre composition du groupe se distinguait à vos oreilles, à l’époque? Est-ce que Claude Sauvé composait la majorité des textes?

N.H. YUL avait à cette époque une douzaine de chansons à son répertoire et Claude Sauvé composait tous les textes. Les plus réussies à mon avis avaient pour titre 500,000 Amériques, Au commencement, Professeur Klein ou La machine choppe.

Vers la même époque, Marielle Bernard (Fondatrice du théâtre sans fil, auteure et dramaturge) publie sur 45 tours un manifeste «Moi, j’ai pu peur» pour le candidat péquiste Paul Unterberg en s’accompagnait du reel «J’ai le goût du Québec». La trame musicale est la même qu’en face A du 45 tours de YUL. Quel était votre lien avec Bernard?

G.B. Marielle Bernard est une inconnue pour moi. C’est la première fois que j’entends parler de J’ai pu peur.

C’est qui est le plus étonnant, c’est que Bernard elle-même n’a aucun souvenir de cet enregistrement réalisé pour le comté de Fabre (Laval) que convoitait le PQ à l’époque. Peut-être s’agissait-il d’une autre interprète du même nom? On l’ignore pour l’instant. Le manifeste est l’œuvre d’André Caron alors nous lui laisserons la parole… Chose certaine, le simple reprend en face B la même version de la pièce J’ai le goût du Québec, proposé simultanément par YUL en face A de son 45 tours. Merci à Léa-Kim Châteauneuf pour cet extrait.

Quelques pièces inédites de YUL auraient été enregistrées sur bandes magnétiques à l’époque, jugées trop marginales et pas assez commerciales de l’aveu-même de Bellavance, alors il est fort plausible qu’il y ait une suite à cet article… Avouez que ça promet déjà!

En 2013, nous avons initié la série L’envers du New Wave québécois en compagnie de l’ami/collectioneur/archiviste Pascal Pilote, spécialiste de la scène punk et alternative locale. Au cours de quatre émissions, cette collaboration s’est avérée être non seulement l’une des plus populaires mais aussi une des plus pertinentes à nos oreilles. Notre scène alternative des années 70-80 avait grandement besoin d’être revisitée et cataloguée, comme en témoignent les nombreux témoignages exclusifs recueillis auprès des artistes qui ont généreusement acceptés de partager leur souvenirs, photos, démos et 45 tours injustement méconnus aujourd’hui. Il y avait du travail à faire, on a relevé le défi et malgré la fin de l’émission en juin 2016, aujourd’hui on vous propose en quelques sortes la suite logique. Pascal Pilote et moi travaillons présentement sur une compilation qui regroupera bientôt une foule d’artistes originellement diffusés ainsi que diverses primeurs comme celle que nous vous présentons aujourd’hui. Nous vous donnerons plus de détails dans les prochains mois, mais entre temps, je vous propose la première chronique de Pascal pour ce site, une folle histoire de prostitution gaie et d’infiltration policière bâtie sur un véritable vers d’oreille! Je ne saurais trop le remercier tout comme Martin Lamontagne qui nous a initié à cette perle rare ainsi que Jean-Phillipe Tremblay qui a grandement collaboré à la recherche. Vous avez fait partie des Leotards ou des Hubcaps? Votre témoignage nous intéresse: écrivez-nous!

My god que c’est le fun avoir des amis aussi weird que soi. Il y a quelques semaines, l’ami Martin Lamontagne transférait des VHS pour un monsieur et il est tombé sur une vidéo d’une prestation du groupe « The Leotards » à l’émission « Jeunesse Express ». Je me dirige vers youtube après que Martin m’ait envoyé le lien et clique dessus: j’adore la chanson « Suicide Lover », ainsi que le look et les moustaches des membres! Il semble qu’il y ait encore des trucs à découvrir en ce qui concerne le New Wave au Québec. Une autre mission!

Vive youtube! Je trouve une autre prestation du groupe cette fois à l’émission « Et ça tourne » animée par Alain Montpetit. Comble de chance, c’est le drummer qui a mis en ligne la vidéo. Je contacte donc un certain Bernard par courriel : quelques heures plus tard, je jase avec lui au téléphone. Je suis surtout curieux du fait qu’à la fin de l’entrevue de « Jeunesse Express », y soit mentionné qu’un 45tours et qu’un album sont à venir. J’avais contacté quelques amis concernant ces disques, mais personne ne savait de quoi je parlais. Une obscurité vous dites!?

Le groupe était formé de Bernard Deslauriers (batterie), Robert Coté (mieux connu sous le pseudonyme Bob Side; guitare), Yvan Lejeune (basse, chant) & Robert Lauzon (claviers). Bernard me confirme donc qu’il y a bel et bien eu un 45tours – et une copie désormais pour moi! – mais que l’album et la tournée de 1981 n’ont finalement jamais eu lieu (quoique 8 chansons restent dans les voûtes en versions démos). Je rencontre Bernard qui me remet le disque en mains propres et lui demande le pourquoi de la patente du pourquoi on a jamais vu une copie du disque. « On a dû en vendre 20. Il m’en reste 5, j’ai jeté le reste il y a quelques années. On en a envoyé aux stations de radio, mais le disque n’a jamais été en vente officiellement ». C’est en fait la seule parution de l’étiquette Fluo.

Ce que je trouve encore plus weird, c’est le fait que le groupe ait réussi à avoir beaucoup d’exposure pour un band inconnu comme ça, avec seulement un 45 tours qui est en vente nulle part… Peut-être est-ce parce que le fantaisiste et gars de party du temps des fêtes André Lejeune a décidé de faire un Malcom McLaren de lui-même en bookant son fils Yvan (basse) sur des gros shows de télé de l’époque? Yvan est bien le fils d’André et l’étiquette Fluo est une sous-division des disques Colibri de monsieur Lejeune. Déception: il semble que le paternel ne trippait pas new wave tant que ça. Qu’importe, déjà juste avec les paroles de « Suicide Lover », c’est un miracle que cette chanson ait eu une minime diffusion.

Hey pretty boy I’m going to take you all over. In case you don’t know i’m a suicide lover.

I can take you anytime cause your body’s all mine. If you try to run away i’m going to have you another day.

With your sexy tight jeans and your pretty hooker looks if you know what i mean i’d like to see you in those boots

When I see you on the street you look O-so-sweet. I’d like to feel your little body from your hair down to your feet

Hey old man, you know what I demand ’cause when I give you money you gotta get a little horny (?)

OK, here’s the bread : now let’s hurry up in bed.

Now you got them all off I’m going to show you how life is though : this is a bust!

La suite? Les Leotards se ramassent à participer à un concours à CHOM-FM où le public doit voter pour déterminer quelle chanson va être en «heavy rotation». Leur adversaire est un certain Phil Collins et malheureusement… il gagne. Ça marque pas mal la fin des Leotards. Le groupe réussi tout de même à faire un unique spectacle en carrière à la Roulathèque : triste pour un aussi bon band. Robert et Yvan forment par la suite « Les Hubcaps », groupe qui durera le temps d’enregistrer un album, quelques 45 tours et un simple 12″ que l’on trouve encore à l’occasion. Bernard, pour sa part, devient musicien de studio: il travaille avec Renée Martel, Bob Walsh, Luba, Shawn Phillips, etc. Il partira en tournée avec Michel Louvain bientôt et travaille encore avec monsieur André Lejeune de nos jours.

That’s all folks! Un gros merci à Bernard Deslauriers pour toute cette histoire et sa gentillesse ainsi qu’à Roxanne et Steven D!

Après huit année de cours classique, les élèves finissants du Collège Saint-Viateur (aujourd’hui l’École Secondaire Paul Gérin-Lajoie à Montréal) se devaient de quitter sur une note bruyante et décident de publier leur album de finissant Nous… en format longue durée! Sous la tutelle des grands malins génies Louis P. Beaudin et Jean-François Buffoni, étudiants instigateurs du projet, un bien-cuît à l’attention tant du corps professoral que des étudiants est enregistré. Pour financer leur entreprise, on opte pour la vente de publicités à l’intérieur de la pochette; Impérial Tobacco fait d’ailleurs belle figure avec sa pleine page noire. Déjà constituée de plusieurs pages de textes aussi surréalistes que sérieux à propos des instituteurs, les témoignages de commandites ornent bientôt la presque totalité du livret de 17 pages. Si ce n’était que de ce bien-cuît, le disque ne retiendrait pas votre attention bien longtemps. Certes, ces deux longs témoignages truffés d’anecdotes personnelles sont d’un intérêt psychotronique: par ses gags bien propres, le ton de la jeunesse de 1969 semblait en effet bien chaste au Collège… C’est en apercevant la mention «Orchestre: Les Lost» à l’intérieur de la pochette que j’ai décidé de dépenser mon dollar. Un groupe aussi mystérieux ne pouvait qu’annoncer de grandes choses, me disais-je.

On recrute Les Lost afin d’accompagner les étudiants responsables des monologues sur deux pistes, deux étonnantes reprises insérées au début et à la fin de l’album. Quelques mois à peine après la publication des titres originaux, Les Lost adaptent ainsi deux récentes compositions de Robert Charlebois, soit Engagement et La Fin du monde (tirées respectivement de Charlebois/Forestier [1968] et Québec Love [1969]). L’introduction d’Engagement laisse déjà entrevoir la libre-interprétation du texte (Et se mirant dans le grabuge de mon collège…tout brillant.) qui cède rapidement à l’improvisation. Hey! Hey! 6 minutes de freak-out purgent aussitôt toutes ces années de cours classiques (Vous trouvez pas ça long 8 ans? Prends des notes!). L’enregistrement, live & délicieusement amateur, ajoute au groove violent qu’alimente tant bien que mal Les Lost. On interpèle tous les copains présents, on s’égosille à en perdre la voix, bref on se lâche lousse dans un vacarme réconfortant.

La fin du monde, plus aérienne, s’élabore similairement à l’originale en béatifiant divers personnages (Bien heureux tous ceux qu’on a oublié car ils seront les derniers à nous quitter) autour d’airs prophétiques (Le premier roi sonna de la trompette et le tiers du collège fut incendié) et demeurant gracieux jusqu’à ce que les élèves se mettent à hurler. Je vous l’accorde, la production n’est pas ce qui se faisait de mieux à l’époque; malgré tout, l’énergie et la fougue de ces étudiants est contagieuse!

Vous en connaissez beaucoup des artistes qui revisitaient le catalogue psychédélique de Charlebois dans les années 60?

Dans un article du 26 août 2016 de sa pertinente série Salut… Bye!, le journaliste Jean-Christophe Laurence de La Presse revient sur le parcours musical du bassiste Mario Légaré, bien connu pour son rôle au sein d’Octobre et auprès d’une foule de musiciens depuis 40 ans. Surprise: Légaré semble faire un lien avec la mystérieuse formation découverte sur l’album «Nous» ! Il précise: Octobre, ça date de 1972, mais on peut dire que ça a commencé après l’Expo, en 1968, dans ces eaux-là. Dans notre premier groupe, The Lost, il y avait déjà Jean Dorais à la guitare et moi à la basse. Après ça, on a eu un band de reprises qui s’appelait Gladstone. Le cousin de Jean, Pierre Flynn, s’est [alors] joint à nous. Ben ça alors! On aimerait bien en apprendre davantage sur votre première formation M. Légaré, écrivez-nous!

Dans l’espoir qu’un finissant de la classe de 1969 google son nom et échoue ici par hasard, voici la liste intégrale des collaborateurs cités dans le livret.  Après enquête, nous savons déjà qu’un certain Louis P. Beaudin serait maintenant un designer de mode privilégiant les motifs bovins et que l’autre self-proclamé grand malin génie , Jean-François Buffoni, a obtenu sa licence en droit de l’Université de Montréal trois ans après ce disque, passé son bareau en 1974 pour être finalement nommé juge à la Cour Supérieure du Québec en 2002.

Les grands malins génies: Louis P. Beaudin & Jean-François Buffoni Orchestre: Les Lost Monologues: Michel Belliveau, Louis Beaudin, Pierre Gagnon, Michel Bigué, André LeBlanc, Jean Piché, Jean-François Buffoni Techniciens de l’enregistrement: Martin Joyal, Jacques Lavigne Photos: Michel Beaupré, Michel Belliveau, Michel Bigué Dessins & Gravures: François Chicoyne, Paul Desjardins (“Podo”), François Provost, Louis Beaudin, Jean-François Buffoni Collaboration Spéciale: Yves Bissons, Hélène Villeneuve, Céline Paré, Marc Clairoux, Roger Gaudet, Andrée Noël, Francine Goulet, Yves Larivée, André LeBlanc, Gisèle Noël Aide Financière: Jacques Taschereau, L.A. LeBlanc, Pierre Michel, Charles-A. Boileau, Jacques B. Langevin, Roger De Serres.

Vous avez participé à la conception de l’album Nous ? Vous étiez membre du groupe Les Lost? Vous aviez défrayé une publicité dans la pochette et attendez toujours votre reçu d’impôt? Écrivez-nous et partagez vos souvenirs de cet enregistrement.  Vous êtes mûres pour votre conventum!

Obscure private pressing from the 1969 graduates at Collège Saint-Viateur, a former catholic school in Montreal. Features two rare and way out renditions of classic Charlebois tunes, Engagement and La fin du monde (The end of the world) by mysterious local band The Lost. The band featured future Octobre bassist Mario Légaré. Dig?

Lorsque j’ai publié un bref article sur le groupe québécois Le Message en mars 2011 sur mon ancien blog (Patrimoine P.Q.), un flou artistique enveloppait toujours le groupe. Qui étaient donc ces musiciens inventifs? J’ai lancé une bouteille à la mer… et elle m’est finalement revenue quelques mois plus tard par l’entremise d’un courriel de Daniel Turcotte, batteur original du groupe. Fini l’anonymat: levons maintenant le voile sur ce groupe méconnu! Je tiens à chaudement remercier M. Turcotte pour sa générosité. Transmettez-lui votre admiration en laissant un commentaire au bas de l’article. Bonne écoute!

Le Message était un petit groupe de Duvernay, aujourd’hui fusionné à la ville de Laval, comme il y en avait des centaines qui pullulaient partout au Québec dans les années 60. Le band a pris naissance en 1966 sous la forme d’un trio composé de Serge Vallée (guitare), Jacques Plourde (basse) et moi-même, Daniel Turcotte (batterie). À l’origine, nous nous appelions The Blue Birds. Plus tard, pour faire référence au film du concert The TAMI Show, nous nous sommes rebaptisés The Tamy. Le nom Le Message s’est définitivement imposé par la suite. Quelques mois plus tard, l’organiste Robert Prairie (malheureusement mal orthographié sur notre disque) s’est joint au groupe. La nouvelle dimension apportée par Robert nous a ouvert les portes vers une musique plus élaborée et nous a permis d’interpréter ce qu’on ne pouvait se permettre auparavant sans la sonorité de l’orgue. En plus de la batterie, je touchais aussi un peu le piano puisque mes parents en possédaient un. Je l’utilisais surtout pour de modestes tentatives de création de chansons. C’est comme ça qu’un jour, la pièce Une partie de son coeur est née. Je n’avais pas de paroles pour la chanson, mais lors d’une répétition, Robert s’est présenté avec un texte qui allait très bien avec la ryhtmique de la pièce. Adopté!

Le 45 tours fut enregistré aux Studios Stéréo Sounds sur Côte-des-Neiges à Montréal. Le son du disque m’a toujours un peu déçu car il ne reflète vraiment pas notre sonorité réelle. Si seulement vous pouviez entendre les bandes originales, vous seriez étonnés par la différence! Particulièrement sur Une partie de son coeur, où on entend à peine l’orgue dans le fond alors qu’il était beaucoup plus présent en réalité; ça donnait une sonorité bien plus enveloppante. En passant, ce piano que tu qualifiais de honky tonk, c’était un piano à queue! C’est tout dire. Lydia est une pièce composée par Serge Vallée sur laquelle j’ai pu coller des paroles qui m’étaient inspirées par une situation qu’une connaissance vivait. Je crois encore, 45 ans plus tard, que Jacques interprétait très bien ces deux pièces. Et pour la petite histoire, Jacky avait effectivement une légère sonorité anglophone…

Il est étonnant de constater qu’aucune des deux faces de cet unique simple ne fut compilée ou rééditée depuis sa parution originale. Pressé sur l’étiquette Sonore en avril 1968, le simple ne semble pas avoir bénéficié d’une quelconque promotion et est sombré rapidement dans l’oubli malgré le talent et la fougue de ses interprètes.

Aux premières notes martelées au piano, on remarque l’inventivité du Message gravitant autour de l’instrument: une signature plutôt épisodique au sein des groupes de l’époque. Dès que la ryhtmique se fait sentir, une section de cuivres élève et dramatise parfaitement cette histoire de rupture amoureuse. Le chanteur à la verve violente et au léger accent anglophone ajoute ce qu’il faut de soul à l’ambiance. Exaltant! On note rapidement que plusieurs instruments sont engouffrés dans le mix original, inexplicablement relégués au second rang. Le son général des deux faces est en effet plutôt fin et manque de rondeur, de chaleur; le groupe n’est toutefois pas à blâmer. Loin de là! Une écoute attentive permettra ainsi d’apprécier la présence d’une section percussive aussi nerveuse qu’imposante et d’une guitare solo acérée qui aurait gagnée à être placée à l’avant-plan. Sans nécessairement être du registre pop-psychédélique, cette composition de Robert Prairie et Daniel Turcotte témoigne néanmoins d’une influence soul indéniable.

En arpentant les disquaires pour mettre le grappin sur ce simple, j’étais initialement motivé par la possibilité que Lydia soit en fait une adaptation francophone de Lydia Purple , second simple des Collectors (groupe de Vancouver, pré-Chilliwack). Il n’en est rien. Nous sommes plutôt récompensés par une autre composition originale, cette fois signée Daniel Turcotte et Serge Vallée. Dans un registre définitivement plus atmosphérique, le groupe ralenti la cadence et colore d’un certain mysticisme cette déchirante ballade à la prose, somme toutes, ininspirée. Le chanteur ne se rend-t’il pas compte que c’est sa timidité qui aura le dessus sur cet amour impossible? Je connais une fille; elle se nomme Lydia. J’aime cette fille, mais elle ne le sait pas…

Pourtant, comme ce simple, au Québec, les Lydia, ça ne court pas les rues! Résonnant comme la rencontre fortuite du son de groupes aussi différents que Le Cardan et… César et les Romains (pensez à Je sais ), cette face B séduit par sa singulière vibration, émanant à nouveau d’un subtile jeu aux claviers. Un Hammond, un grand piano ainsi qu’un clavichord roucoulent sur cette valse qui cède efficacement à un bref solo de guitare sèche électrifiée et de sincères passages parlés de rigueur. «Regarde-moi, j’te parle» peut-on entendre dans les toutes dernières secondes. J’achète, mais visiblement, Lydia ne comprenait pas le message… Qui écoutait alors?

Here’s a rare find on the small Sonore label, offering two originals titles. While “Une partie de son coeur” (A part of her heart) is an up-beat piano-driven pop number with brass, the b-side (Lydia) is a moody pop-psych song with sweet Hammond and clavichord vibes. Lydia has no connexion whatsoever with Vancouver’s The Collectors tune, Lydia Purple. Pressed in small quantities during the spring of 1968, this one never even got the chance to be comped or reissued since. Thanks to their original drummer, Daniel Turcotte, we can now appreciate some color shots of this Laval (north of Montreal) band.