motor.de-Motormeinung

Soap&Skin: Narrow

Thu, 09 Feb 2012 15:29:35 +0100

Wenn morbides Leid zur kreativen Quelle erwächst: Anja Plaschg ist ihrer Generation weit voraus und vermummt auf "Narrow" die Motive Verzweiflung und Angst in ein entblößtes doch fragiles Korsett. (Foto: Marco Prenninger) "Angeblich sterben alle Leute mit Musik im Kopf [...] Sie wissen was das bedeutet, klinisch tot? – ist immer noch Musik in ihm. Vor allem kommen die Maden dann und spielen die Sache weiter" , gab 1981 der Schriftsteller Thomas Bernhard in einem Interview zu Protokoll. Der Österreicher war ein brutal ehrlicher und verworrener Denker, den zeitlebens zwei Motive prägten: Angst und Tod. Er sprach damals vom Todesdruck, der sich wie ein Engel auf seiner rechten Schulter niederlässt und dort die Angst gedeihen ließ. Mehr als drei Jahrzehnte später macht sich Anja Plaschg diese Metaphern auf ihre Art wieder zu eigen. Ihr Debüt " Lovetune For Vacuum " nahm sie bereits im Alter zwischen 15 und 18 Jahren auf und präsentierte sich atypisch: in einem neo-klassischen Gewand hüllte sie Kunstlieder und Klavierballaden, ohne ihre Passion für Elektronik-Skizzen zu verleugnen. Es ist (schlechter) journalistischer Usus, voreilig Pauschalurteile zu fällen. Im Falle der damals 18-jährigen Plaschg liefen die Uhren nicht anders. Vom "Wundermädl" war die Rede – nicht nur in ihrer Heimat. Der Hype brach über sie herein. Das Medienbrimborium spielte jedoch nur eine sekundäre Rolle, denn kurz nach der Veröffentlichung stirbt ihr Vater. Die Folge: Schreibblockade, Therapie und ein Aufenthalt in Italien. Der Schicksalsschlag führt die junge Dame zu ihren Leitthemen zurück. Mit dem Song "Vater" eröffnet sie ihr neues Album "Narrow". Es ist ein Lamento, das sich sukzessive zum aufwühlenden Abschied aufbaut: "Haltet alle Uhren an / hindert den Hund daran, den Sarg anzubellen / Wo immer ich aufschlage, find ich dich / Du fällst im Schatten der Tage, als Stille und Stich / Ich trink auf dich dutzende Flaschen Wein, und will doch viel lieber eine Made sein." Soap&Skin - "Boat Turns Toward The Port" Die entwaffnende Aufrichtigkeit von Soap&Skin ist es, welche bereits ihren Erstling auszeichnete. Eine 21-Jährige, die über das Vergraben und Ersticken singt – eigentlich ein Unding. Plaschg ist ihrer Generation weit voraus. Warum? Die 1990 in der Steiermark geborene Songschreiberin erklärt die Fragilität nicht zur Schwäche, sondern zur eigenen Heilmethode. Ihre Texte kokettieren nicht mit der Angst, sie verarbeiten die Furchtsamkeit und kreieren gleichsam dämmrigen Schauder. So baut sich "Boat Turns Toward The Port" mit repetitiven Kassen- und Münzgeräuschen auf – ein morscher Kammerpop, der sich an Schwermut und Seelenschmerz ergötzt. Ein Song, dem man sich live zu hören wünscht, indes unsicher ist, ihn mit Contenance zu überstehen. Dass mit "Voyage Voyage" obendrein eine der sicherlich besten Cover-Versionen des Jahres wartet, vorgetragen mit finsterer Inbrunst im kargen Skelett, macht das Gefühlschaos perfekt. Soap&Skin – "Wonder" Mehr noch als auf ihrem Debüt mutiert ihre ohnehin gespenstig reife Stimme zum Hauptanziehungspunkt. Neben minimalistischen Klaviermelodien, industriellen Klangkulissen und elegischer Tragik setzt Plaschg ihr Timbre wie ein komplementäres Instrument ein. So erblüht "Narrow" zum Inbegriff der kathartischen Therapie – ein Befreiungsschlag, dem es gelingt, Verzweiflung und Angst in ein holdseliges Antlitz zu hüllen. Sebastian Weiß VÖ: 10.02.2012 Label: PIAS/Rough Trade Tracklist: 1. Vater 2. Voyage Voyage 3. Deathmental 4. Cradlesong 5. Wonder 6. Lost 7. Boat Turns Toward The Port 8. Big Hand Nails Down 9. Jail (iTunes Bonus-Track)

Kettcar: Zwischen Den Runden

Thu, 09 Feb 2012 14:03:47 +0100

Wo Melancholie aufhört und Hoffnung anfängt, war Kettcar noch nie so wichtig. Ihr viertes Studioalbum "Zwischen den Runden" will Trost spenden und zieht mit Streichern und Bläsern in den Kampf. (Foto: Andreas Hornoff) Der Vorgänger " Sylt " war eine Kampfansage gegen Champagner-Gesellschaft und Kapitalismus. "Zwischen Den Runden" ist nun eine Liebesbekundung an das Leben. Doch um das Leben lieben zu lernen, müssen viele Probleme überstanden werden. Einige können schnell gelöst werden, andere aber Narben hinterlassen und sich zu einem Kampf mit sich selbst entwickeln. Dass diese genauso schmerzlich wie wichtig sein können, ist auch den Hanseaten bewusst. So wird diese hoffnungsbringende Aussage musikalisch verpackt wie wir es von Kettcar erwarten würden – eben doch melancholisch und nachdenklich. Das könnte daran liegen, dass sich Kettcar schon immer im Hin und Her zwischen absoluter Lebensbejahung und rationaler Befremdlichkeit befanden. Die Wut der letzten Platte ist verflogen oder sie hat ihr Ventil gefunden – der Fokus liegt nun auf Menschlichkeit. Wenn im Vorgänger noch der Finger in die Wunde gelegt wurde, wird diesmal Trost gespendet. " Kommt zusammen nach schlaflosen Nächten / zusammen nach letzten Gefechten / im allergrößten Club der Welt " heißt es im befreiend soul-angehauchten Song "Im Club". Träume können platzen, doch sind wir damit nicht allein, teilt uns Marcus Wiebusch mit, nach dem Motto: Gemeinsam sind wir stark. Im dazugehörigen Video, im Stil einer Nachrichtensendung, sehen wir deshalb neben den Bandmitgliedern 200 Portraits von Fans, welche im Zuge eines Aufrufs von Kettcar für die Produktion des Clips eingesandt wurden. Kettcar - "Im Club" " Das ständige Umfallen / das ständige Aufstehen " zieht sich wie ein roter Faden durch die Platte – nicht als Parole, eher im Subtext. Die Hamburger gehen dementsprechend ruhig und besonnen an die Platte, es klingt stellenweise jazzig bis soulig und die Streicher- und Bläserarrangements verleihen den ehrlich-emotionalen Texten eine Portion Hoffnung. Ansonsten haben es Kettcar nicht darauf angelegt, mit neuem Stil zu überraschen: die Melodien sind so, wie wir sie von ihnen erwarten – grundmelancholischer Poprock, der den Blick nach vorn wagt. Nur wenige Songs riskieren es vom Altbewährten abzukommen, eine Ausnahme ist der Song "Schwebend", der – von einem Klavier getragen – federleicht durch eine sphärische Klangwelt von Streichern fliegt und säuselt. Nicht minder ausgeschmückt sind ihre Texte, so darf es nicht verwundern, wenn sich eine Reihe von Kriegsmetaphern durch die einzelnen Tracks zieht. Sie bieten der Kampfansage die nötige Unterstützung. Nicht das Offensichtliche ist maßgebend, viele Interpretationen werden zugelassen, jede einzelne Geschichte könnte die eigene sein: Tod, Liebe, Hoffnung, Menschlichkeit – es sind die Dinge, die uns alle bewegen. Wenn wir der Freundin das Erbrochene aus den Haaren pulen und sie trotzdem lieben ("Rettung"), oder der Wunsch nach Ferne – verbildlicht durch die kuriose Reise einer Gans, die mit dem alten Leben abschließen möchte, es dennoch nicht schafft und am Ende wieder zurückkehrt ("Erkenschwick"). Auch Kunst und Kultur finden Erwähnung im Lobgesang auf "Schrilles, Buntes Hamburg", in dem der Zusammenhang zwischen Kunst und Vermarktung mit den kritischen Worten " Es muss immer alles komplett verwertet werden / wenn es komplett verwertet werden kann " beschrieben wird. Kettcar - "Schrilles, Buntes Hamburg" Müsste ein Ort bestimmt werden, an dem die Platte ihre beste Wirkung entfaltet, wäre es die Kneipe. Zum Tanzen ist die Platte zu ruhig, zum Kuscheln zu tiefsinnig. Die Texte wollen wachrütteln, und erklären Ereignisse das Lebens in erschreckend einfacher, wie überraschender Form. Das Für und Wider schlägt sich auch in einem selbst wieder. Stimmt ein letzter pathetischer Song den finalen Ton an, möchte man entweder sofort sein eigenes Leben mit all den geplanten Projekten in die Hand nehmen oder darüber sinnieren. "Zwischen den Runden" heißt in sich gehen und entspannen. Jeder Schritt zurück ist ein Schritt nach vorn. Wenn es scheint als sei niemand mehr da, gibt es immer noch jemanden, der dir vertraut: Kettcar. René Tauschke VÖ: 10.02.2012 Label: Grand Hotel Van Cleef/Indigo Tracklist: 01. Rettung 02. Im Club 03. Schwebend 04. R.I.P. 05. Kommt Ein Mann In Die Bar 06. Weil Ich Es Niemals So Oft Sagen Werde 07. Schrilles, Buntes Hamburg 08. Nach Süden 09. In Deinen Armen 10. Der Apokalyptische Reiter Und Das Besorgte Pferd 11. Erkenschwick 12. Zurück Aus Ohlsdorf

Bondage Fairies: "Zwei Stunden Leonard Cohen ins Gesicht zu schauen, ist zu langweilig" � Bondage Fairies im motor.de-Interview

Thu, 09 Feb 2012 11:57:12 +0100

"Crash Bandicoot meets Jason Vorhees" oder die "Pet Shop Boys goes The Ramones". Wie man es auch dreht und wendet, bei Bondage Faries wird auf jeden Fall ein Schuh draus. Im Interview klärt uns Mastermind Elvis Creep über die Vor- und Nachteile der Band-Maskerade auf. (Foto: Kai Butterweck) Sich neben der Musik auf ein visuelles Konzept einzulassen hat schon so mancher Band dabei geholfen, sich vom Einheitsbrei der jeweiligen Branche abzusetzen. Vor allem in Osteuropa und Asien stehen die Kids auf optische Überreizungen á la Kiss , Slipknot oder Daft Punk . Demnach erscheint es auf den ersten Blick auch nicht verwunderlich, dass sich die Schweden von Bondage Fairies besonders im Großraum Ural-Gebirge immenser Beliebtheit erfreuen. Mit Nintendo-Punk und reichlich Maskerade im Gepäck versuchen die vier Skandinavier nun schon seit 2005 die klaffende Lücke zwischen KiKa-Vorabendprogramm und FSK-18-Archiv zu füllen. Das gelingt ihnen von Jahr zu Jahr immer besser, wie das aktuelle – mittlerweile dritte – Album der Band eindrucksvoll unter Beweis stellt. Auch hierzulande werden die Augen der Anwesenden immer größer, wenn das Quartett live zum Psycho-Karneval bittet. Wir wollten den Schweden auf den Zahn fühlen und trafen uns mit dem Ober-Ampelmännchen der Hardcore-Sesamstraße, Elvis Creep, kurz vor ihrer Show im Berliner White Trash. Frei nach dem Motto: Wer, wie, was? Wieso, weshalb, warum? Wer nicht fragt, bleibt dumm. motor.de: Hi Elvis, ich hätte dich fast gar nicht erkannt, so ganz ohne Maske. Elvis: Und? Enttäuscht? motor.de: Nein, nicht wirklich. Ich muss dir sogar ein Kompliment machen. Elvis: Oh, echt? Schieß los und erwärme mein Herz! Das kann ich bei den eisigen Temperaturen hier gerade gut gebrauchen. motor.de: Ich habe gehört, der Hauptgrund für das Tragen eurer Masken sei die Tatsache, dass ihr euch darunter ziemlich hässlich vorkommt. Dem muss ich jetzt widersprechen. Elvis: Hab vielen Dank. Das katapultiert mein Selbstbewusstsein gleich in ungeahnte Höhen (lacht) . motor.de: Ist diese doch etwas schiefe Selbstwahrnehmung wirklich der Grund für euer buntes Versteckspiel? Elvis: Du glaubst gar nicht, wie sehr ich mich früher geschämt habe, auf die Bühne zu gehen und den Leuten Auge in Auge gegenüberzutreten. Ich habe immer nur auf mein Gitarren-Griffbrett gestarrt, weil es mir unangenehm war, geradeaus zu gucken. Was für ein Weichei, oder? (lacht) Mit den Masken ist einfach alles leichter. Du kannst dumme Grimassen schneiden, wenn dir danach ist, und dich in Sicherheit wiegen, dass es dir keiner übel nimmt. Es kriegt ja keiner mit. Bondage Fairies – "1-0" motor.de: Die Dinger sehen schon ganz schön abgefahren aus. Habt ihr euch die selbst zusammen gebastelt oder steckt da ein außenstehender Kreativer dahinter? Elvis: Das meiste haben wir schon selbst in die Hände genommen. Es gibt aber auch einige technische Finessen, wie eingebaute Mikros. Den Einbau haben wir anderen überlassen. Aber das Grundgerüst basiert auf unseren Ideen und Fingerfertigkeiten. Da steckt wirklich viel Arbeit drin, auch wenn das eine oder andere Exemplar auf den ersten Blick vielleicht nicht so aussieht (lacht) . Mittlerweile habe ich ungefähr fünf Masken zum Wechseln, da wir noch nicht ganz herausgefunden haben, wie wir die Haltbarkeit verbessern können. motor.de: Demnach geben die Masken während einer Show gerne mal den Geist auf? Elvis: Ja, das passiert schon mal. Wenn sich zu viel Flüssigkeit nähert, gehen die Dinger lieber auf Abstand, wenn du weißt, was ich meine. Man schwitzt halt auch total unter den Dingern. Da kommt es schon mal vor, dass die Technik oder die Befestigung nicht mehr mitspielt. Das schwierigste ist aber an sich die eigene Orientierung. motor.de: Inwiefern? Elvis: Nun, die Sichtverhältnisse sind nicht gerade optimal. Es ist in etwa so, als würde man durch ein Schlüsselloch gucken. Deswegen rennen wir uns auf der Bühne auch mal gerne über den Haufen. Ich kann mich auch erinnern, dass ich einmal fast von der Bühne gefallen wäre, weil ich die Abgrenzungsmarkierung unter mir nicht sehen konnte. motor.de: Wie schafft ihr es dann, bei all den Einschränkungen, euch live auf das Wesentliche, die Musik, zu konzentrieren? Elvis: Das war in der Tat früher nicht ganz so einfach. Aber deswegen haben wir ja auch unser Line-Up erweitert. Wir sind ja jetzt zu viert. Ich muss also nicht mehr gucken, dass ich die richtigen Akkorde greife, während meine Maske auf Halbmast hängt und ich zudem noch singen muss. Jetzt kann ich mich voll und ganz auf den Gesang konzentrieren. Das hilft schon ungemein. motor.de: Mal ehrlich, wie oft habt ihr die Maskerade schon verflucht? Elvis: (lacht) Oh, fast täglich. Aber das gehört dazu. So sind wir nun mal. Die Masken sind ein Teil von Bondage Fairies. Die Kids finden es klasse, also, warum sollten wir das ändern? Es funktioniert - nur das zählt. Wenn ich zum Beispiel auf ein Konzert gehe, langweile ich mich oft, weil auf der Bühne zu wenig mit Kunst gearbeitet wird. Wenn ich dann überrascht werde, weil sich eine Band Mühe gibt, auch ihr Erscheinungsbild der Kunst zu widmen, bin ich schnell wie in Hypnose, verstehst du? Das ist ein schönes Gefühl. Wir wollen, dass unsere Fans hypnotisiert werden. Natürlich macht Leonard Cohen tolle Musik. Aber sich zwei Stunden lang nur sein Gesicht anzuschauen, während er vielleicht auf einem Stuhl sitzt und singt, empfinde ich als zu wenig. motor.de: So ähnlich äußert sich auch immer Paul Stanley, wenn er gefragt wird, warum es bei Kiss mehr um die Show, als um die Musik geht. Elvis: Der Gute hat absolut recht, wobei ich aber sagen muss, dass unsere Inspirationsquellen noch etwas weiter zurückliegen. Wir stehen da mehr auf das Avantgarde-Element der Residents. motor.de: Vor allem in Osteuropa genießt ihr einen großen Zuspruch. Wie erklärt ihr euch das? Elvis: Ich weiß nicht, ob das zwingend was mit den Masken zu tun hat. Das liegt, glaube ich, eher am Google-Translator-System. Wenn du Bondage Fairies auf russisch übersetzen lässt und das Ergebnis dann wiederum umkehrst, erscheinen die beiden Wörter The Beatles . Da ist Erfolg dann vorprogrammiert. Bondage Fairies – "Fantasy Outfit" motor.de: Sind die Leute dann nicht überrascht, wenn sie feststellen, dass die wiedergeborenen Fab-Four plötzlich mit einer Mischung aus Pet Shop Boys und den Ramones daherkommen? Elvis: Wow, das ist aber mal ein netter Vergleich. motor.de: Ich finde, euer neues Album klingt exakt wie eben diese Mixtur. Seht ihr das anders? Elvis: Ich habe eigentlich nicht viel mit den Pet Shop Boys am Hut. Aber ich stimme dir zu, manche Gesangspassagen und Melodien gehen durchaus in diese Richtung. Wenn auch unbeabsichtigt. Ich danke dir auf jeden Fall, denn ich empfinde es als großes Kompliment mit diesen beiden Bands in einen Topf geworfen zu werden. motor.de: Auch hier in Deutschland läuft es für euch von Jahr zu Jahr besser. Ist der Song "Aachen Von Essen" demnach ein kleines Dankeschön an eure Fans hierzulande? Elvis: Wir lieben Deutschland. Vor allem lieben wir aber die deutsche Sprache. Der Song ist weniger ein Dankeschön, als vielmehr ein Beleg für unseren etwas kranken Humor. Wenn man nämlich die Wörter Aachen und Essen als Schwede ausspricht, entwickeln sich schnell Ähnlichkeiten zu schwedischen Wörtern, die man im Allgemeinen als Schimpfwörter bezeichnen würde. Das Ganze ist also eher eine ziemlich kranke Wortspielerei. Auch hier kann ich nur sagen: Wir sind halt so. Das sollte man alles nicht zu ernst nehmen. Wir haben eben manchmal etwas ausgefallenere Ideen. motor.de: Eine davon ist sicherlich auch, rares Download-Material von euch auf USB-Sticks zu speichern und diese dann weltweit zu verstecken. Wie ist denn dahingehend der Stand der Dinge? Wurden mittlerweile alle Sticks gefunden? Elvis: Die Idee stammt ja nicht von uns. Der deutsche Medienkünstler Aram Bartholl ist eigentlich der Initiator dieser "Dead-Drops-Geschichte". Wir hatten zwar einige Probleme mit den Sticks in Oslo und in Kiew, wo die "Finder" nicht genau wussten, was sie mit den Sticks anfangen sollten, aber letztlich hat es ganz gut funktioniert. Interview: Kai Butterweck

Who Made Who: motor.de pr�sentiert: WhoMadeWho-Tour 2012

Thu, 09 Feb 2012 10:36:43 +0100

Live-Ekstase zwischen technoiden Beats, schiebenden Gitarren und hypnotischen Melodieschleifen. motor.de präsentiert euch die Tour der dänischen Everybody's Darlings WhoMadeWho. Irgendwo zwischen kaltblütiger Chuzpe und einfallslosem Größenwahn lässt sich die Idee einordnen, sich nach einem AC/DC -Album zu benennen. Aber irgendeinen Namen muss das Kind nunmal bekommen, und dass man als halbwegs aufgeklärter Musikfan mit der Begrifflichkeit WhoMadeWho eher Dänemark als Australien verbindet, ist schon das Zeichen dafür, dass die Kopenhagener ziemlich viel richtig gemacht haben, seit sie sich vor knapp zehn Jahren zusammenfanden. WhoMadeWho - "Inside World" Seitdem haben sie nicht nur die Herzen im Sturm erobert, sondern vor allem auch die Bühnen. Was wiederum keine Selbstverständlichkeit ist, denn was WhoMadeWho schon immer machen, ist Tanzmusik. Nicht "Dancefloor" im engeren Sinne allerdings – auch wenn man das inzwischen fast behaupten kann, allein, dass sie mittlerweile beim Kölner Kompakt-Label gelandet sind, spricht da Bände –, sondern eine von Gitarre und Bass furios angetriebene Rhythmusmaschine mit gerade mal genug Melodie und Text, dass es für einen Refrain reicht. Einen Refrain, der dann aber wie Öl im Feuer der meist ausufernden – jetzt sagen wir es einfach mal – Discopunk-Stücke wirkt. Deutlich technoider ist der WhoMadeWho-Sound über die Jahre hinweg tatsächlich geworden, weniger theatralisch, dafür mit präzisem Gefühl für den absolut richtigen Moment, wenn ein hypnotisch-immergleicher Takt durchbrochen werden muss. Das ist der Augenblick, auf den man im Club wartet. Und vor der Bühne, wenn Skandinavier auf ihr stehen. WhoMadeWho - "Every Minute Alone" (live 2011) Schon seit Jahren mag kaum ein halbwegs anständiges Festival auf die Tanzgaranten verzichten, da wird es fast schon schwierig, mal eben noch ein neues Album einzuspielen und auf klassische Clubtour zu gehen. Jetzt ist es wieder mal soweit, am 24. Februar erscheint "Brighter", Mitte März geht es acht dicht gepackte Tage durch die Renommierstationen der deutschen Konzertclub-Szene. Und es ist sicher kein völlig verfehlter Ratschlag, sich die Tickets dafür lieber mal im Vorverkauf zu sichern. motor.de präsentiert: WhoMadeWho – Live 2012 14.03. Berlin – Lido 15.03. Erlangen – E-Werk 16.03. Stuttgart – Speak Easy 17.03. München – Atomic Cafe 18.03. Hamburg – Uebel & Gefährlich 19.03. Leipzig – Conne Island 20.03. Frankfurt – Zoom (ehemals Sinkkasten Arts Club) 21.03. Köln – Club Bahnhof Ehrenfeld

Sinn und Sinnlichkeit

Wed, 08 Feb 2012 16:18:42 +0100

Gebraucht, ohne Abnutzungsspuren: Die Second-hand-MP3-Börse ReDigi agiert in den Bruchspalten von Musikbesitzer-Bewusstsein und Urheberrechtsdiskussion. Es klingt erstmal wie eine Schnapsidee. Wenn man sein MP3 übergehört hat, wird es einfach weiterverkauft. Als Gebraucht-MP3, etwas billiger natürlich als ein neues. Seit einem guten Vierteljahr gibt es sie tatsächlich: eine Second-hand-Börse für MP3s, die man nicht mehr braucht. ReDigi ist eine US-Firma und auch nur für US-Kunden zugelassen; aber natürlich wird die Geschäftsidee weltweit mit Argusaugen beobachtet. Denn was auf den ersten Moment absurd klingt, nämlich gebrauchte Dateien weiterzuveräußern, rührt direkt an die heiß diskutierten und juristisch hart umfochtenen Bruchspalten zwischen herkömmlichem Urheberrecht und den aktuellen technologischen Gegebenheiten. Natürlich wurde auch ReDigi prompt von der Musikindustrie verklagt. Aber soeben musste das Majorlabel Capitol, das zur EMI gehört, eine Schlappe einstecken. ReDigi darf weitermachen. Eine Menge Mühe haben sie sich gegeben, das Prinzip des Gebrauchthandels auf MP3s zu übertragen. Nur legal erworbene Songs sind erlaubt, eine patentierte Software soll prüfen, ob es sich nicht um illegal heruntergeladen Songs handelt. Die angebotenen Files werden von der Ursprungs-Festplatte und den angeschlossenen Geräten gelöscht. "Kopiert" wird so keine Datei, sondern – zumindest im weniger technischem Sinn sondern eher nach gesundem Menschenverstand – auf den ReDigi-Server und dann zum Käufer übertragen. Das ist einer der Knackpunkte, mit denen die Musikindustrie seit jeher generell alle "Tauschbörsen" juristisch auszuhebeln versucht, denn technisch wird selbstverständlich immer in irgendeiner Weise kopiert. Allerdings ist die juristische Sachlage noch weitaus komplizierter. Derzeit völlig unklar ist, wie nach geltendem Recht mit digitalen Produkten generell umzugehen ist. Werden mit dem "Kauf" eines solchen auch klassische Eigentumsrechte erworben? Oder eben nur Nutzungsrechte, für die der "Verkäufer" sehr enge Regeln aufstellen kann, was auch Usus ist, wie man als Kunde in praktisch jeden zwangsweise zu akzeptierenden Lizenzvereinbarungen bestätigen muss. Dass man derlei heutzutage normalerweise gar nicht mehr liest und sich obendrein auch nicht drum kümmert, ist ein Problem, das Hersteller von Software seit jeher umtreibt. Ein deutsches Verfahren, das sich mit der Rechtmäßigkeit des Weiterverkaufs genutzter Software beschäftigt, liegt gerade beim Europäischen Gerichtshof. Wie immer ist dieses rein juristische Geplänkel aber nur der offiziöse Nebenschauplatz, ein Versuch, die offensichtlichen Gegebenheiten im Einzelfall eventuell doch noch unter Kontrolle bringen zu können. Die Realität ist darüber längst hinweg, sogar ReDigi selbst und sein Bemühen, analoge Gewohnheiten und Handlungsoptionen auf digitale Verhältnisse zu übertragen, wirkt geradezu rührend anachronistisch. Welchen Sinn hat denn dieses Angebot wirklich? Wer nutzt das? Wer sucht wirklich eine Ersparnis von maximal 20 Cent pro Song, wenn doch die kostenlose Variante nur ein paar Klicks weiter liegt? Und das bei einem sehr willkürlichen und keinesfalls in seiner Vielfalt überzeugende Angebot? Das "Schnäppchen"-Argument ist in Internet-Zeiten doch obsolet. Raritäten zu erwerben – ein tatsächlich handfester Grund für den Besuch auf Plattenbörsen jedweder Art – ist ein durch und durch physisch-gegenständliches Phänomen, das im Prinzip auf der Unkopierbarkeit eines "echten Kunstwerks" beruht und mit der eigentlich enthaltenen Musik nichts zu tun hat. Das eigentliche Unbehagen an der Idee ist aber woanders begründet: Ein MP3 hat eben nicht nur "gefühlt" keinen Wert. Bezahlt wird für MP3s aus Gründen der Loyalität gegenüber dem Künstler, vielleicht aus einem allgemeinen moralischen Ehrenkodex heraus, unter Umständen auch wegen der tatsächlichen Furcht vor eventueller Verfolgung als "Raubkopierer". Oder, weil es inzwischen tatsächlich effektiver und den Preis wert ist, für Bedienfreundlichkeit und garantierte Sicherheit eines legalen Downloadshops zu bezahlen, statt sich durch die mühsam zu durchdringende und nervige Schmuddelwelt der illegalen Angebote zu wursteln. (Ein nicht zu unterschätzendes Bedürfnis, dem sogar die Raubkopie-Hoster mit kostenpflichtigen Premiumzugängen Rechnung tragen.) Was bedeutet, dass letztendlich nicht für den Inhalt, den man sich auch sonstwo besorgen könnte, sondern für das Serviceangebot bezahlt wird. Im Prinzip ist diese Sichtweise allen Recht, die einer Musikdatei die eigenständige Existenz als Ware absprechen. Das sind interessanterweise Plattenfirmen offensichtlich ebenso wie Datenbefreiungs-Apologeten. Nur deren Schlussfolgerungen daraus sind höchst disparat. Leiten die einen ein unveränderbares Recht von Kontrolle durch den Urheber – beziehungsweise seine Vertreter, also hier die Plattenfirmen – ab, negieren die anderen mehr oder weniger strikt überhaupt das Fortbestehen eines Kontrollrechts nach der Erstabgabe. Pikanterweise greifen gerade die Digitaljünger dabei gern auf das gänzlich altmodisch anmutende Beispiel des Malers zurück, der ja auch von einem Weiterverkauf seines Gemäldes nicht profitieren würde. (Was wiederum auch nicht gänzlich korrekt und Gegenstand diverser Rechtsgebungs-Überlegungen ist.) ReDigi jedenfalls – und da sind wir bei den ganz aktuellen Diskussionen um Internet-Einzäunung – hätte nur Sinn, wenn es keine ernstzunehmenden Alternativen gäbe. "Legale" wie Streaming-Dienste, die generell dem Prinzip "Verkauf und Besitz" Paroli bieten. Oder ausreichend einfach zu erreichende "illegale". Die stehen allerdings ganz oben auf der Abschussliste der aktuell heiß umkämpften Rechtslage. Augsburg

CTM & transmediale Festival: Wehret den Anf�ngen

Wed, 08 Feb 2012 14:10:11 +0100

Ist Vinyl kaufen und hören heute etwa Underground? Kann ein Festival, das üppig mit finanziellen Mitteln gesponsert wird, Avantgarde sein? Liegt die Zukunft der innovativen Popkultur in der Vergangenheit? Die 25. transmediale in Berlin hat sicherlich mehr Fragen aufgeworfen als beantwortet. Und das ist auch gut so. Denn mit einer nicht zu unterschätzenden Chuzpe haben die Veranstalter in diesem Jahr das Spannungsfeld zwischen kompatibel und inkompatibel zum Thema erkoren (in/compatible). Was sich im Alltag bei der Verbindung zwischen Apple und Windows offenbart, ist immer wieder auch ein Streitthema in der Kultur. Nach dem Motto: Ist das Kunst oder kann das weg? Dabei geht es Kristoffer Gansing, dem künstlerischen Leiter des Kunstfestivals, nicht nur um die (Un)vereinbarkeit von Altem und Neuem, die transmediale legte auch den Finger in die Wunde, wo andere – Jünger der digitalen Revolution – Heilsbringer erkennen: ob dies soziale Netzwerke, der technologische Fortschritt im Allgemeinen oder das Arbeiten und Leben über Clouds sind. Beinahe eine Woche lang haben sich die Veranstalter den Störgeräuschen und Zwischenräumen der digitalen Welt und des digitalen Alltags zum Thema gemacht. Dabei spielte es weniger eine Rolle, dass eine Ein-Terrabyte-Festplatte mit Daten im Wert von fünf Millionen Dollar ausgestellt, oder aber, das Video " Come To Daddy " von Aphex Twin , der mit seinem surrealen Vorstadt-Grusel bereits 1997 das Dämonenpotential neuer Medien auf die Schippe nahm, gezeigt wurde. Mit ihrem 25-jährigen Bestehen feierte die transmediale Silberhochzeit und macht sich damit zum latenten Politikum. Auf der einen Seite tummelten sich Veranstalter, Künstler und Publikum, die dem kapitalorientierten U-Bereich von Kulturevents den Rücken zuwenden, auf der anderen Seite ist das Festival mit seiner Finanzunterstützung der Kulturstiftung des Bundes (uvm.) selbst zur "Hochglanzplattform" (Carsten Probst) avanciert. The Joshua Light Show – Transmediale 2012 Während sich die transmediale, durch ihre Schnittstelle zwischen Kunst, Technologie und Kultur, der Transdisziplinarität verschreibt, findet parallel und in Kooperation das CTM statt – das "Festival for Adventurous Music and Related Arts". Seit 1999 gehört das CTM zu einer der wichtigsten Veranstaltungen, wenn es um innovative (Pop-)Musik im elektronischen und experimentellen Sektor geht. Unter dem Thema "Spectral" stand 2012 das Geisterhafte und Gespenstige im Vordergrund. Die These: Durch einen dauerhaften Krisenzustand und das tägliche Anwachsen von Archiven liegt die Zukunft der Popkultur in der Vergangenheit – alles hat bereits existiert, nichts ist neu. Während die einen Nostalgien assoziieren, so erfolgt von der Gegenseite der Hinweis zu einem regelrechten Turning Point in der deutschen Kultur. So gedachte das CTM mit einer einzigartigen Reihe dem so genannten Zodiak. Das Free Arts Lab am Hallschen Ufer in West-Berlin war eine kurzweilige, doch legendäre Plattform für deutsche Künstler Ende der 60er Jahre. Mitbegründer und Koryphäe Hans-Joachim Roedelius sprach dabei über den Nährboden, der von der Bildenden Kunst gestreut wurde und auf dem Bands wie Kluster, Agitation Free, Tangerine Dream, Human Being oder Klaus Schulze gedeihen konnten. Ohne die "hinderlichen" Filter Bildung, Talent oder gar Virtuosität experimentierte die "Berliner Schule" mit Elektronik und entwarf die Prototypen von kosmischer Musik und dem späteren Krautrock. Zodiak Revisited. Qluster: Hans-Joachim Roedelius & Onnen Bock. (Foto: Eelco Borremans) Was sich bei dem fehlenden Medienecho zum Ableben des Pioniers Conrad Schnitzler im vergangenen Jahr bereits andeutete, führte das CTM traurigerweise fort. Das hiesige Desinteresse für die avantgardistische Zeit deutscher Musikgeschichte machte sich vor allen Dingen durch die überwiegend internationalen Gäste bemerkbar. Noch immer ist die Scheu (oder besser: das Unwissen) zu groß, sich den eigenen Wurzeln zu widmen. In den siebziger Jahren entstand aus dem Erbe von Karlheinz Stockhausen eine Gruppe an Künstlern, die nicht nacheiferten, sondern erschufen. Eine Nachkriegsgeneration mit Entdecker- und Experimentiergeist. Einer von ihnen: Manuel Göttsching. Anfang der 70er Jahre als Gründer von Ash Ra Tempel in Erscheinung getreten, gehört der 60-Jährige zur Speerspitze hypnotischer Atmosphärik zwischen Gitarre und Synthesizer. Sein 1984er Werk " E2-E4 " zählt zu einem Meilenstein im Bereich der elektronischen Musik. "Der Königsbauer des Krautrock" spielte beim CTM im Haus der Kulturen der Welt mit visueller Unterstützung der Joshua Light Show. Die erstmals in Europa präsentierte Vorstellung der New Yorker, die bereits Visuals für Jimi Hendrix , The Doors oder Janis Joplin entwarfen, ergab mit der metronomischen und psychedelischen Musik eine ergötzende Symbiose. In den besonderen Genuss aus Dia- und Overhead-Projektionen sowie berauschenden Farb- und Lichtspielen kamen zudem noch das norwegische Improvisations-Kollektiv Supersilent und der Drone-Künstler Oneohtrix Point Never . Manuel Göttsching & The Joshua Light Show. (Foto: Genz, Lindner / transmediale) Großes Interesse wurde auch dem rheinischen Duo Mouse On Mars gezollt. Im Berghain, wo gleich eine Vielzahl an illustren Gästen zu sehen war, feierte das deutsche Doppel die Premiere ihres neuen Albums "Parastrophics". Mit einem ungeheuer groovenden Live-Schlagzeuger und der Mischung aus analogem Geist und digitalem Must-Have ist ihnen nicht nur ein eklektisches Highlight geglückt, Jan Werner und Andi Thoma führen das deutsch-elektronische Erbe mit eigenen Mitteln weiter. Mouse On Mars im Berliner Berghain. (Foto: Eelco Borremans) Der einladenden und umfangreichen Spannbreite sowohl der transmediale als auch des CTM Festivals kann man rückblickend kaum gerecht werden. Die Veranstalter haben den transdisziplinären Ansatz unserer vernetzten Gesellschaft als Anlass genommen, die gegenwärtigen Tendenzen kritisch zu hinterfragen. Die Entwicklungseffekte des Entertainments wurden auf die Spitze getrieben, das Unbehagen des Mysteriösen verbildlicht, das Frequenzspektrum heutiger kultureller Reflektion exemplifiziert. Solche bewundernswerte Arbeit interessiert Fans von Kalkbrenner , Boys Noize oder Dr. Motte natürlich wenig. Wie, die haben die elektronische Musik gar nicht erfunden? Nun ja, manchmal ist eine Frage mitunter die bessere Antwort. Sebastian Weiß

Field Music: "Sich verweigern, kann heilende Wirkung haben" � Field Music im motor.de-Interview

Wed, 08 Feb 2012 10:59:49 +0100

Warum ihre gemeinsame Karriere einen zweiten Frühlung erfährt, das neue Album "Plumb" ein Gegenentwurf zum Vorgänger geworden ist und wie ehrlich Geschwister zueinander sind, erklären Field Music im motor.de-Interview. (Foto: Ian West) Wie aus einem Ei gepellt, möchte man meinen: Wenn die beiden Köpfe der Band so vor einem stehen, bekommt man sofort das Gefühl, die junge Reinkarnation der Everly Brothers bei der Auferstehung zu beobachten – "Sehen wir denen wirklich so ähnlich?" , schießt es als Frage irritiert zurück und doch scheinen sich Field Music durchaus bewusst, dass man ihnen die Verwandtschaft ansehen kann: "Muss an den Nasen liegen" , lacht Peter Brewis und knufft seinen Burder David in die Seite. Ein schöner Moment, zeigt er doch, dass dem Duo im zweiten Anlauf ihrer Karriere der gemeinsame Humor nicht abhanden gekommen ist. Die selbstverordnete Pause liegt immerhin erst drei Jahre zurück und nicht wenige dachten zum damaligen Zeitpunkt, dass Field Music vielleicht nie mehr zurückfinden und die neuen Projekte den ehemaligen Kollegen mehr Spaß machen, als das eigentliche Tagesgeschäft. Gegründet hatten sie sich bereits vor über zehn Jahren im beschaulichen Sunderland, galten von Anfang an als experimentell angelegte Popband, die nicht nur konventionelle Instrumente nutzt, sondern oft auf elektronische Kniffe zurückgreift und die Kritiker stets auf angenehme Weise verwirrt. Nach drei hochgelobten Alben erschien 2007 mit " Tones Of Town " ihr bis dahin letztes Album und während David Brewis die Gruppe School Of Language ins Leben rief, formierte sich Peter als The Week That Was . Anfang 2009 gab es dann wieder erste Annäherungsversuche und als im Juli selben Jahres das Onlineportal Stereogum die Reunion ausrief, bestätigten beide, dass es sich nicht um Gerüchte handle, sondern ihre Rückkehr ins Studio beschlossene Sache sei – wenig später folgte das Doppelalbum "Field Music (Measure)". Die Presse wundert sich nun allerdings trotz guter Reviews, dass die zweite Platte nach der erneuten Zusammenkunft das exakte Gegenteil vom Vorgänger geworden ist: "Plumb" betitelt, kommt es gerade einmal auf eine Spielzeit von 35 Minuten und ist auch weniger ein musikalisch anspruchsvoller Flickenteppich, sondern gleicht in seiner Machart einer kleinen Symphonie: Indiepop, Electronica, Akustik, vertrackter Rock und ambiente Flächen inklusive. Im motor.de-Interview erklären Field Music die Hintergründe. motor.de: Erst einmal danke, dass ihr "Measure" recht schnell ein weiteres Werk habt folgen lassen – 100-prozentig sicher war das ja nicht, oder? Peter Brewis: Das Vergnügen liegt ganz auf unserer Seite und klar, sicher waren wir uns 2010 nach der Veröffentlichung nicht, ob es möglich wäre sofort ein weiteres Album nachzuschieben – das Touren brachte jedoch so viel Spaß mit sich, dass David und ich zu Hause ankamen und sofort weitermachten. David Brewis: Du musst wissen: Auf Tour bin ich unfähig, auch nur eine Zeile zu schreiben. Also mussten wir quasi warten bis die vorbei ist, um Genaueres sagen zu können. motor.de: Gingen die ersten Anläufe leicht von der Hand? Immerhin gab es 2010 ein Doppelalbum. David Brewis: Solche Fragen geistern einem ständig durch den Kopf: Was willst du den Leuten erzählen, was sie noch nicht von dir gehört haben?! Peter Brewis: Am wichtigsten ist, dass du runterkommst und dich ein stückweit dir selbst verweigerst. Nach einer Tour, bei der du jeden Abend "ablieferst", erreicht dein Kopf irgendwann einen Modus, der dir suggeriert, dass das normal ist. Field Music – "(I Keep Thinking About) A New Thing" motor.de: Und das wirkt sich im Anschluss wie auf euch aus? Peter Brewis: Dass du sofort das Gefühl bekommt, du seist faul, wenn nach einer Tour nicht jeden Tag ein neuer Song entsteht. Irgendwann frustriert dich das nur noch. So verweigere ich mich regelmäßig und empfinde es als unheimlich heilende Kraft. motor.de: Irgendwie passt die Herangehensweise zu Field Music – ihr wirkt trotz zugänglicher Alben immer etwas verkopft. David Brewis: Das nehme ich jetzt mal als Kompliment. (beide lachen) Du liegst mit deiner Einschätzung aber falsch, denn wir sind nicht verkopft, sondern vielmehr verspielt. Peter Brewis: Man darf nicht vergessen: Wenn zwei Brüder zusammen eine Band haben, bedeutet das zugleich, dass sie seit Kindertagen Zeit miteinander verbringen und was wir damals beim Spielen im Sandkasten mit Förmchen ausprobierten, versuchen wir heute mit Sounds. motor.de: Das ist etwas, worum euch viele Geschwister sicher beneiden: Ihr zofft euch nicht, sondern habt eine gemeinsame Band. David Brewis: (schaut seinen Bruder an) Manchmal könnte ich den Typen hier schon auf den Mond schießen, aber das ist ja das Tolle daran: Zu einem Familienmitglied bist du in aller Regel ehrlich und deswegen gibt es manchmal mehr Streits miteinander. Bei einem Freund schluckst du deinen Frust runter, aber wenn Peter etwas nervt, versucht er erst gar nicht diplomatisch zu sein, sondern sagt mir, wie dämlich er diesen oder jenen Text findet. motor.de: Gutes Stichwort – wie schaut es eigentlich mit der Rollenverteilung in Sachen Songwriting bei Field Music aktuell aus? David Brewis: Durch unsere Nebenprojekte haben wir sehr viel über uns selbst gelernt. Als ich Peters Projekt The Week That Was zum ersten Mal hörte, dachte ich sofort: Verdammt, der hat doch tatsächlich in meiner Abwesenheit seine besten Songs aufgenommen – und als es dann an "Measure" ging, habe ich ihn mehr denn je herausgefordert. Peter Brewis: Ähnlich lief es auch mit "Plumb": Ich würde sagen, das ist inzwischen eine 50/50-Geschichte im Studio, allerdings zeichnen die Songs der neuen Platte ein kohärenteres Bild, als viele vom Vorgänger. Field Music – "A New Town" motor.de: Würdet ihr "Plumb" als "einen Song" beschreiben, als kleine Symphonie? Ähnlich wie die B-Seite von "Abbey Road"? Peter Brewis: Du vergleichst uns mit den Beatles , nett von dir (lächelt) . Es war nie so konzipiert, aber durch die eh schon sehr abwechslungsreichen Tracks und deren kurze Spiellänge, haben wir irgendwann die Übergänge harmonisch gestaltet – so, dass der Hörer nach zehn Minuten auf seinen iPod schaut und sich fragt, wann kommt eigentlich der nächste Song? motor.de: Ihr seid also regelmäßig ins Studio, habt komplett andere Songs aufgenommen und am Ende alles zusammengefügt? Peter Brewis: Nein, es sind zwar sehr konkrete Ideen gewesen und jeder wusste auch, wie die Sachen am Ende klingen sollen, aber experimentiert haben wir schon. David Brewis: Ich muss hier kurz unterbrechen: Field Music werden gerne als Duo beschrieben, es handelt sich aber um mehr als zwei Leute, die tatkräftig mitwirken. motor.de: Ist es für die anderen nicht schwer gegen die Brewis-Brüder anzukommen? David Brewis: Müsstest du eigentlich sie fragen, aber ich würde mal behauten, es macht ihnen viel Spaß mit uns im Studio und auf Tour – Peter und ich sind keine Diktatoren oder ähnliches, sondern diskutieren viel untereinander. motor.de: Eure Nebenprojekte haben weiterhin Bestand und wurden nie ad atca gelegt – was kommt als Nächstes: Eine neue Field Music oder doch ein weiterer Alleingang? David Brewis: Das entscheiden wir nach der Tour. Momentan fühlt es sich gut an, aber genauso Lust habe ich, meine Kollegen von School Of Language zu besuchen. Die sitzen in der Zwischenzeit ja nicht tatenlos rum. Peter Brewis: (lächelnd) Mit ein bisschen Mühe werden wir beides hinbekommen. Brüder raufen sich zusammen und teilen stets ihr Spielzeug. Marcus Willfroth

Luise Pop: motor.de pr�sentiert: Luise Pop-Tour 2012

Wed, 08 Feb 2012 00:00:00 +0100

Spielerischer Indie-Pop trifft auf elektronische Beats, rasanter Postrock auf verhaltene Singer/Songwriter-Ästhetik: motor.de präsentiert euch die Tour von Luise Pop. (Fotos: Ulrich Dertschei) In Zeiten von Überschreitung und Reduktion in der Musik erfährt die Rückbesinnung gleichermaßen wie die Progression eine neue Blüte: Das österreichische Quartett Luise Pop verknüpft gekonnt Altes mit Aktuellem und macht es somit auch dem Hörer besonders leicht. Zwischen aufstrebenden Indie-Klängen und augenzwinkerter Nostalgie präsentiert sich die Formation um Frontfrau Vera Kropf stets erfrischend und einfallsreich, kombiniert Spielfreude mit unverfälschter Rhetorik und sorgt für ausgelassene Stimmung auf der Tanzfläche. Luise Pop – "Black Cat" 2007 veröffentlichten Luise Pop ihre erste Single in Eigenregie, woraufhin ihnen ein weitläufiger Bekanntheitsgrad in der österreichischen Indie-Szene zuteil wurde. Mit "The Car, The Ship, The Train" erschien zwei Jahre darauf das Langspieldebüt des vormaligen Trios auf dem Independent-Label Asinella Records. Die zwischenzeitliche Neubesetzung brachte weitere Kreativ-Einflüsse mit sich, sodass ihr Sound mittlerweile die verschiedensten Essenzen der vergangenen Jahre in sich trägt. So verschmelzen imposante Synthieklänge mit markanten Postpunk-Riffs im Stile von New Order oder Le Tigre und schwungvolle Rock'n'Roll-Rhythmen werden mit elektronischen Spielereien zu vollwertigen Hymnen verarbeitet. Jüngst erschien ihr Zweitwerk " Time Is A Habit " über Siluh Records und präsentierte sich ganz im Zeichen von Retro-Optik. Mit nach vorn gewandtem Blick besuchen sie nun Deutschland für vier Konzerte im März und wir schenken ihnen zu diesem Anlass die ungeteilte Aufmerksamkeit: motor.de präsentiert euch Luise Pop mit ihrer packenden Live-Show an den folgenden Terminen: motor.de präsentiert Luise Pop – Live 2012: 13.03. Hamburg - Astra Stube 14.03. Leipzig - naTo 15.03. Berlin - Monarch 17.03. Offenbach - Hafen 2

Deichkind: Befehl Von Ganz Unten

Wed, 08 Feb 2012 00:00:00 +0100

Zwischen Kunstprojekt und Klapsmühle: Die Hamburger Deichkind erteilen den "Befehl Von Ganz Unten" und liefern ein souveränes Feuerwerk zwischen Sozialkritik, bissiger Satire und blankem Unfug. (Foto: Universal Music ) Schluss mit lustig, spätestens beim Tod sollte der Spaß aufhören – könnte man zumindest annehmen. Doch wie geht man mit dem Verlust eines geliebten Menschen um, wenn die eigene Daseinsberechtigung aus Krawall und Remmidemmi besteht? Als Anfang 2009 Sebastian Heckert, der langjährige Produzent der Hamburger Tech-Rapper Deichkind verstarb, stoppte der Irrsinn kurzzeitig. Heckert war der Architekt für die Emanzipation vom reinen Deutschrap. "Deichkind ist wichtiger als seine Protagonisten" meinte MC Philipp, seines Zeichens letztes verbliebenes Gründungsmitglied. Wer unter den Pyramiden-Helmen und der Müllsack-Haute Couture steckt, ist für das Phänomen Deichkind nicht mehr entscheidend. Die Show geht weiter, "Sebi" hätte es nicht anders gewollt. Deichkind - "Bück Dich Hoch" Mehr Videos von Deichkind auf tape.tv ! Formal und inhaltich bleiben Deichkind ihrer Linie treu – dabei lässt das neue Album den Hörer zu keinem Zeitpunkt daran zweifeln, das es der legitime Nachfolger des umjubelten Vorgängers " Arbeit Nervt! " sein möchte. Treibende Beats, knarzende Analog-Bassläufe und Synthesizer, die auch gern einmal die Grenze des guten Geschmacks hinter sich lassen. Mit den Eurodisco-Flächen der aktuellen Single "Bück Dich Hoch" kommt heutzutage nicht nur Lady Gaga herself durch. In Sachen Extravaganz könnten die Radaubrüder sowieso mit ihrer US-amerikanischen Kollegin mithalten, punkten aber zusätzlich noch mit ihren Texten. Einmal mehr sind Deichkind das unfreiwillige Sprachrohr der deutschen Gesellschaft. Sie analysieren, kritisieren und trivialisieren unseren schönen Staat dabei auf unnachahmliche Weise, "99 Bierkanister", der erste Song nach dem Intro, wird zur Republik-Rekapitulation auf Single-Länge. Der durch David Hasselhoff ausgelöste Mauerfall findet dabei ebenso Erwähnung, wie Steffi Grafs markante Nase – ein Vierteljahrhundert BRD zum Mitgröhlen. Und das ist thematisch erst der Anfang. Der Egoismus unter den Menschen ("Egolution") steht natürlich auf der Themenagenda, ebenfalls unnötige, aber irgendwie schon schön anzuschauende Vergnügungsformen ("Leider Geil"), Starallüren ("Pferd Aus Glas") oder der Aufruf zur Internetpriaterie ("Illegale Fans"). Zu jedem Zeitpunkt machen sich Deichkind dabei die Kunst der Überspitzung zu nutze, treiben ihre Metaphern und Aussagen in rhetorische Höhen. Wie schon bei den Vorgänger-Werken kann sich der Konsument dabei zu keinem Zeitpunkt sicher darüber sein, wie ernst es die Protagonisten tatsächlich meinen. Wollen sie – als ja immer noch finanziell auf Einnahmen angewiesene Kunstschaffende auf einem Major Label – wirklich den Plattenfirmen den Krieg erklären oder persiflieren sie hier lediglich all jene, welche das Urheberrecht für überholt halten und dadurch versuchen, das Verbotene politisch zu legitimieren? Egal, wie man den getroffenen Aussagen gegenübersteht, zu einem gewissen Maße kann sich vermutlich jeder mit dem ein oder anderen Statement identifizieren – Musik für die Massen eben. Das wirkt dann vielleicht alles etwas weniger bildsprachlich als ein Song von Tocotronic oder PeterLicht , punktet aber mit koketter Eindeutigkeit. Deichkind - "Illegale Fans" Ernste Töne gibt es logischerweise kaum, "Der Mond" präsentiert sich als dezent melancholische Fortsetzung des Elektro-Schlagers "Luftbahn" und kann gern als Nachruf auf Hackert interpretiert werden. Ansonsten herrscht fröhliches Aufbegehren — nie wirklich ernst aber auch nie komplett schwachsinnig. Deichkind laufen den schmalen Grat zwischen Kunstprojekt und Klapsmühle weiter, lassen den Hörer am Ende allerdings fragend zurück: Was soll da zukünftig noch kommen? Derbster Punk-Rock wie beim abschließenden Song "Die rote Kiste" mit den deutschen Legenden Slime? So richtig kann man sich das alles nicht vorstellen. Für's Erste wird die gewaltige Maschinerie weiterlaufen und die Menschen auf den Bühnen der Republik in Staunen und Ekstase versetzen – Ziel erreicht, Messlatte auf stabiler Höhe gehalten. Norman Fleischer VÖ: 10.02.12 Label: Vertigo / Universal Tracklist: 01. Tetrahedon 02. 99 Bierkanister 03. Befehl Von Ganz Unten 04. Leider Geil (Leider Geil) 05. Der Mond 06. Illegale Fans 07. Partnerlook 08. Bück Dich Hoch 09. Egolution 10. Pferd aus Glas 11. Der Strahl 12. Die Rote Kiste

Here Is Why: motor.de pr�sentiert: Here Is Why-Tour 2012

Mon, 06 Feb 2012 16:54:33 +0100

Der Spagat zwischen der Vergangenheit und dem Hier und Jetzt – das Leipziger Quartett Here Is Why liefert Synthie-Pop, wie ihn die Helden der 80er-Jahre nicht hätten besser komponieren können. motor.de präsentiert euch die Newcomer auf Tour. (Foto: Stanley Pätzold) Den Geist früherer musikalischer Helden einzuatmen, ist leicht. Da genügt meist schon eine brauchbare Sozialisation im eigenen Elternhaus. Ihn dann aber auch zu verstehen, in ihm aufzugehen und in die Gegenwart zu transportieren – das ist noch ein ganz anderes Kunstwerk. Hört man das Leipziger Quartett Here Is Why, dann fällt es nicht schwer, diesen Geist einzuordnen. Es ist die sinistre Magie des 80er New-Wave-Pops, an dem sich die Musiker orientieren und welcher dabei so unverkennbar an die Frühwerke von Bands wie The Human League , Depeche Mode oder Heaven 17 erinnern mag. Es ist diese Ästhetik aus Dunkelheit, Coolness und Tristesse, welche diese Bands einst aus dem Post-Punk übernahmen – gepaart mit dem Wunsch nach Eskapismus und den schönen Dingen des Lebens. Mechanische Disco-Beats treffen auf glasklare Synthesizer-Melodien, treffsichere Bassläufe und die markante Stimme von Sänger Mikesh, der bei aller Melancholie auch mit einer ordentlichen Portion Sehnsucht aufwartet. Here Is Why - "Waiting For The Sun" Doch es ist nicht nur die Vergangenheit, welche Here Is Why beeinflusst. Ganz klar: Sie haben ihren Kopf im Hier und Jetzt. Minimalistische Anleihen bei Bands wie Junior Boys finden ebenso Platz wie der Hang zum radiotauglichen Ohrwurm. Kurzum: die Balance der einzelnen Elemente stimmt. Mit dieser Rezeptur strebt das Quartett daran, die deutsche Popmusik um eine spannende Facette zu erweitern. Ein Ziel, das keinesfalls zu gering gesteckt ist, denn ihr am 24. Februar erscheinendes Debüt "HRSY" bietet genau die benötigte popmusikalische Spannbreite zwischen atmosphärischer Magie und einfühlsamen Melodien. Songs wie "Standing On A Mountain High" oder die aktuelle Single " Waiting For The Sun " sind prädestiniert dazu, in den Gehörgängen jedes popaffinen Hörers zu verweilen. Das Album wird dabei in Eigenregie auf dem hauseigenen Label Riotvan erscheinen, welches die Band außerdem als Plattform für befreundete Künstler nutzen möchte. Die Zeichen stehen also gut. 2012 – das Jahr von Here Is Why? Das lässt sich für gewöhnlich ohne den Live-Lackmustest nicht sagen. Kurz nach der Veröffentlichung ihres Debüts gehen die vier Musiker auf eine Deutschlandtournee, die mit Sicherheit dazu beitragen wird, den Bekanntheitsgrad auch über die heimischen Stadtgrenzen hinaus zu vergrößern. Wer dem einmaligen Charme ebenfalls verfallen möchte, ist herzlich dazu eingeladen, sie bei einem der folgenden Konzerte zu unterstützen: motor.de präsentiert Here Is Why – Live 2012: 08.03. Hamburg - Baalsaal 10.03. Dresden - Wettbüro 15.03. München - Bob Beaman 16.03. Augsburg - Schwarzes Schaf 29.03. Leipzig - Conne Island 30.03. Essen - Hotel Shanghai 07.04. Halle - Charles Bronson 08.04. Berlin - Festsaal Kreuzberg