museu del rock: diari d'un crític fracassat

un despido con Etta James duele menos

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 22 Jan 2012 16:52:00 +0000

Hace pocos meses hice un visionado intensivo de la cuarta temporada de Mad Men, y como siempre (aparte de sus virtudes evidentes, que no voy a glosar aquí), me quedé con la magnífica selección musical, con las canciones que cierran cada episodio cuando la imagen funde a negro y aparecen los créditos. Pero hubo uno que me llamó especialmente la atención, el titulado Blowing Smoke, tras la escena final en la que Don Draper recibe en su despacho a los empleados que va a despedir. Y tras ese momento, sonó la canción. Para qué engañarnos, no soy una enciclopedia ambulante y como quería saber quién era la intérprete y qué tema cantaba, eché manó del mejor amigo del melómano despistado, el Shazam. Y la respuesta no podía ser más evidente: Etta James y Trust In Me.

Todo esto viene a cuento de la reciente muerte de esa gran cantante. Me habría gustado tener tiempo para escribir algo en condiciones (como me hubiera gustado hacer también con el hombre que la descubrió, Johnny Otis, fallecido justo tres días antes), pero finalmente no he podido.

Así que rescataré de mis archivos la crítica del disco Matriarch Of The Blues (2000) que escribí para la revista de la desgraciadamente fenecida tienda Discos Del Sur (esta sí, una tienda que contribuyó a la educación musical de muchos en lo que a estilos de raíces se refiere). Sirva como humilde tributo a esa gran dama que siempre me emocionó con su voz y sus canciones, del At Last al I Just Wanna Make Love To You.

La magia de las grandes cantantes consiste en su habilidad de convertir una canción insignificante en una obra maestra emocional. Pero aún es más sublime cuando abordan temas que ya de por sí son magníficos: es lo que hace Etta James en Matriarch Of The Blues.

Descubierta por Johnny Otis, Etta se erigió hace décadas como una de las mejores intérpretes femeninas de blues, pero sus problemas con las drogas le mantuvieron apartada del espectáculo durante algunos años. Hasta que a finales de los ochenta, la veterana cantante vivió su regreso fulgurante.

Matriarch Of The Blues es otra pieza más de este retorno triunfal de Etta, quien en esta ocasión se enfrenta a una colección de canciones con una peculiaridad: han sido popularizadas por otros artistas, desde los Rolling Stones hasta Otis Redding.

Con su vozarrón en plena forma, la cantante consigue llevar a su terreno de rhythm & blues musculoso con metales soul el material más diverso, y no escatima esfuerzos ni recursos para ello: ruge, ronronea, suplica, gime, grita, gruñe y aúlla.

En el álbum abundan las versiones de artistas procedentes del soul y la música negra: O.V.Wright (el sensual rhythm & blues funk Don't Let My Baby Ride), Al Green (el soulero Rhymes), Little Milton (la tremenda balada soul You're Gonna Make Me Cry, a dúo con Mike Finnigan), Ray Charles (Come Back Baby), Koko Taylor (el slow Walking The Back Streets, con guitarra de rompe y rasga), Latimore (el funk pausado Let's Straighten It Out) y Otis Redding (la balada soul Try A Little Tenderness, con la base rítmica algo más acelerada, algo menos dramática y más sensual, y el slow Hawg For Ya, con una poderosa armónica).

Etta también aborda con acierto las canciones procedentes del rock: el Gotta Serve Somebody de Bob Dylan (un rotundo rhythm & blues), el Miss You de los Rolling Stones, y el Born On The Bayou de John Fogerty (más acelerado y funky que el original). Mención especial merece la versión del célebre Hound Dog (compuesto por Willie Mae Thornton pero popularizado por Elvis), que Etta devuelve a sus orígenes
rurales, al alejarlo del rock & roll y ralentizarlo en una versión desnuda asentada sobre ritmos de New Orleans.

Sin invitados de postín (a excepción del excelente guitarrista Leo Nocentelli), Etta James demuestra que, con más de cuarenta años de carrera, aún puede ostentar con todo orgullo el título de matriarca del blues.

solo es la oferta y la demanda, nada más

noreply@blogger.com (miquel botella) — Wed, 11 Jan 2012 20:44:00 +0000

A propósito del cierre de la tienda CD.Drome, los apocalípticos de siempre se han llevado las manos a la cabeza y han enarbolado una nueva bandera: culpar de todos los males habidos y por haber a la (supuesta) gratuidad de internet y a la tendencia de la gente de no valorar los productos culturales. Una manera más eufemística y “fina” de decir que, como siempre, la culpa es de la piratería, de los peligrosos delincuentes que se descargan discos desde sus guaridas.

No nos equivoquemos: el cierre de esta y otras tiendas se debe a algo tan simple como la ley de la oferta y la demanda, así de claro. Para que mi argumentación se entienda mejor recurriré a mi experiencia personal, narrando mis vivencias como aficionado a la música a lo largo de varias décadas. Y aunque parezca un dinosaurio, me remontaré a la época anterior al euro.

Para muchos tal vez supondrá una exageración, pero debo confesar que en esos años yo podía gastarme tranquilamente, y sin ningún remordimiento, un mínimo de cincuenta mil pesetas del ala al mes en CDs (algunas veces, incluso podía invertir esa cantidad en un mismo día). Naturalmente, acudía a las tiendas del ramo (de importación, básicamente) para agenciarme con ese material. En esa era pre-internet, muchos se preguntarán cómo descubría a los artistas: muy sencillo, a través de la radio (Radio 3, por supuesto), de publicaciones nacionales (Ruta 66, Rock Espezial, Rockdelux) e internacionales (New Musical Express, Melody Maker, Vibe…) y, por supuesto, muchas veces apostando por valores desconocidos, guiándome únicamente por mi sexto sentido para encontrar talentos escondidos.

Con la implantación de la moneda única, mi poder adquisitivo (y el de todos los españoles) bajó considerablemente. Si a esto le añadimos el aumento de los precios en general y el descenso de los sueldos, se hizo evidente que no podía seguir con el mismo ritmo de compra de CDs, y que se imponía un criterio más racional y selectivo. Seguía acudiendo a las mismas tiendas y, pese a la supuesta globalización de los mercados, me encontraba con la misma dificultad que años atrás a la hora de encontrar determinadas referencias (de importación). No entendía ese desfase entre las tiendas del ramo y la actualidad imperante.

Pero llegó internet, y ahí cambió mi vida… y la de toda la gente que sabe utilizarlo correctamente, como una herramienta y no como un cagadero donde vomitar sus miserias. Y empecé a descubrir tiendas como Amazon. En esos momentos en que, por encima de todo, primaba mi economía, la solución era evidente. Además, estaba harto de que se repitiera la misma escena cuando iba a cualquier tienda de discos: yo acudía todo ilusionado con mi pequeña lista de CDs escrita en un papel doblado, pongamos unos diez, y después de pasarme tranquilamente una hora en la tienda, solo encontraba dos de esos discos, y a unos precios desorbitados. Claro está, siempre te ofrecían la posibilidad de pedirte los que faltaban… para traértelos diez días después, y a precios igualmente desorbitados.

Y así fue cómo empecé a dejar de pisar las tiendas físicas y me hice asiduo de las digitales. Pero no solo eso: también descubrí que podía comprar directamente a los sellos o a los propios artistas, a precios considerablemente más bajos, y con un plazo de entrega más corto. ¿Por qué pagar 18 o 20 euros por un disco en una tienda si lo puedes conseguir por 10 o 12 en internet (y en algunos casos, incluso sin gastos de envío, como en Play.com)? Creo que hacer lo contrario sería de tontos. Y por cierto, ¿dónde está la supuesta gratuidad en ese hecho? Nadie me está regalando nada. Yo solo veo la simple ley de la oferta y la demanda, la ley del mercado pura y dura, el no saber adaptarse a los tiempos.

Claro, siempre saldrán los nostálgicos que te dirán que echan de menos ir a una tienda, hablar con el dependiente, dejar que te aconseje, etc. etc. Todo eso está muy bien, pero solo para la gente con poco criterio o que prefiere que sean otros los que dicten sus gustos. Esto es lo que eleva a simples tiendas en templos de la modernidad (mal entendida), en forjadores de (efímeras) modas, en creadores de hypes sin fundamento. Pondré un ejemplo para que se entienda: me gusta el vino, pero no soy un experto. Por eso, nunca se me ocurrirá comprar vino por internet, sino que iré a mi bodega de siempre para que me aconsejen. Pero si hablamos de música, tengo muy claro lo que quiero y no necesito un intermediario que solo encarece el producto.

Estamos de acuerdo en que el sector cultural pasa por malos momentos, pero no son muy distintos a los que puede pasar el sector hostelero, por ejemplo. Porque ¿cuántos bares y restaurantes han tenido que cerrar o han visto mermadas sus ganancias desde que la gente ha descubierto que le resulta más barato traerse la comida de casa en una fiambrera que ir a comer de menú cada día, o desde que ha optado por comprarse su alcohol en el súper para consumirlo en su casa o directamente en la calle? Pero el sector cultural siempre adolece de victimismo, y por eso cuando se cierra una tienda de discos o una librería la repercusión es más sonada.

Pero no nos engañemos: lo que está pasando es normal, y es un síntoma más de la pobreza cultural de la sociedad española en particular y mundial en general. Es decir, en tiempos de recesión económica, en los que la gente mira con lupa su dinero, ¿de qué prescinde antes? De lo que considera superfluo: la cultura en todas sus acepciones, porque el consumo cultural aquí siempre ha sido y será algo de segunda categoría. Así, deja de comprar discos, libros y periódicos, porque prefiere gastar su dinero en ropa, vacaciones, coches o entradas de fútbol. En definitiva, busca la evasión fácil. Desde que oigo la palabra crisis, no he visto a los operadores de agencias de viajes quejarse por un descenso en los ingresos: en las fechas señaladas, los aeropuertos siguen estando llenos.

Volviendo a la música, además se produce el fenómeno de lo que yo llamaría “come todo lo que quieras”, como esos restaurantes en los que por un mismo precio puedes probarlo todo y repetir cuantas veces quieras. Esa banalización del consumo musical la han originado los grandes festivales, que te permiten verlo todo y no quedarte con nada, eso sí, siempre con una selección mediatizada para que te lo tragues sin rechistar: otra forma de imponerte tus gustos, de decirte lo que debes escuchar… aunque tenga una fecha de caducidad escasa. Los “aficionados” a la música que quedan prefieren gastarse su dinero en un abono para uno de esos festivales que en comprar discos. Repito otra vez: ¿dónde está aquí la gratuidad de la cultura como causante del cierre de tiendas?

Me permito acabar de nuevo contando mi experiencia: desde hace tres o cuatro años, ya ni siquiera compro por internet, porque mi única lucha (como la de otros muchos) es llegar a fin de mes. Cuando miro hacia atrás y pienso el dinero que me he llegado a gastar en CDs, pagados muy por encima de su precio real, me siento absolutamente legitimado para descargarme gratis lo que quiera en lo que me queda de vida… pero eso ya es otra historia.

Muchos se preguntarán si lamento el cierre de CD.Drome… bueno, sí, pero de la misma manera que lamentaría el cierre del bar de la esquina o del quiosco de enfrente. No le doy más importancia de la que tiene, simplemente.

los Cowboy Junkies, volviendo al lugar del crimen

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 13 Nov 2011 17:11:00 +0000

Estos días andan de gira por España los Cowboy Junkies. Por eso es oportuno recordar Trinity Revisited (2008), el disco donde los canadienses revisitaron (y valga la redundancia) su carismático The Trinity Sessions, volviendo al lugar del crimen.

Hay momentos que parecen irrepetibles. Hace veinte años, Cowboy Junkies se plantaron en una iglesia de Toronto (The Church of the Holy Trinity), y en un solo día y con un único micrófono grabaron el álbum The Trinity Sessions (1988), posiblemente su mejor trabajo.

Para celebrar el veinte aniversario de ese legendario disco, el grupo canadiense ha vuelto al mismo escenario, pero esta vez con varias cámaras y un puñado de amigos, para volver a interpretar íntegramente y en el mismo orden las canciones de The Trinity Sessions.

El nuevo acercamiento que propone Trinity Revisited a ese material ya conocido tiene dos valores añadidos: por un lado, la experiencia adquirida por Margo Timmins y sus compañeros a lo largo de dos décadas, que enriquece los matices de las canciones y en algunos casos los amplía (como ese Sweet Jane de Lou Reed de más de ocho minutos).

Y por otro, el talento de los amigos que colaboran con los Cowboy Junkies: Natalie Merchant (solista en To Love Is To Bury), Jeff Bird, Ryan Adams (solista en 200 More Miles) y, sobre todo, Vic Chesnutt, estremecedor en Postcard Blues, en Blue Moon Revisited, en el I'm So Lonesome I Could Cry de Hank Williams, y en el Dreaming My Dreams With You de Waylon Jennings.

Desde el tradicional cántico a capela Mining For Gold que abre el disco, hasta el honky tonk de Patsy Cline Walking After Midnight que lo cierra, Trinity Revisited es una delicia de principio a fin. Y más aún, si se tiene en cuenta que incluye un DVD con todo el concierto y un documental.

recordando a Gram Parsons

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sat, 05 Nov 2011 20:38:00 +0000

Tal día como hoy nacía Gram Parsons. Para recordar al padre del country-rock, nada mejor que la crítica de uno de los mejores discos de tributo que se le dedicaron, Return Of The Grievous Angel. A Tribute To Gram Parsons, editado en 1999 por el sello Almo.

Gram Parsons es un artista de culto, y motivos no le faltan: como Hank Williams, nació bajo el signo de la fatalidad, y se quemó mucho antes que el propio Hank, al morir a los 26 años víctima de una sobredosis; su compañera Emmylou Harris se ha convertido a su vez en leyenda; y, tal vez lo más importante, fue pionero en introducir, a finales de los sesenta, el country en el rock y, de rebote, el rock en el country.

Con su presencia en grupos como International Submarine Band, Byrds y Flying Burrito Brothers, y con solo dos álbumes en solitario, edificó un estilo descrito por él mismo como "música cósmica americana". Por ello se le considera padre del country-rock y del actual country alternativo, aunque su influencia ha alcanzado a artistas de todos los estilos.

Un personaje de este calibre ha sido objeto de varios tributos, pero este, editado al cumplirse veintiséis años de su muerte, es tal vez el mejor. La razón es simple: se trata de un proyecto promovido por Emmylou Harris, quien ha sabido escoger sabiamente a los participantes, todos ellos apasionados por la obra de Parsons.

En Return Of The Grievous Angel encontramos a algunos de los herederos de Gram, pertenecientes a la facción del country insurgente, como Wilco y Whiskeytown; a colegas como Chris Hillman y la propia Emmylou; y a fervientes admiradores como Beck, Elvis Costello o Sheryl Crow. No sobra ninguno, pero sí se echa en falta la presencia de Dwight Yoakam, por ejemplo.

El repertorio escogido repasa en primer lugar canciones del disco de los Byrds Sweetheart Of The Rodeo (1968): Wilco recupera el rock'n'roll One Hundred Years From Now, y Gillian Welch desnuda hasta lo esencial, casi en tono de plegaria, la preciosa balada Hickory Wind.

La estancia de Parsons en Flying Burrito Brothers es recordada con canciones de The Gilded Palace Of Sin (1969) y Burrito Deluxe (1970): del primero proceden el precioso vals Sin City, a cargo de Beck y Emmylou, rupturista por lo respetuoso de su sonido, sin ningún desliz; la angelical Juanita, con Sheryl Crow y Emmylou armonizando sus voces a la perfección; y la insólita Hot Burrito #1, con los Mavericks y su curioso tratamiento al colocar una base de ritmo programado a este monumental temazo. Y de Burrito Deluxe, Chris Hillman y Steve Earle recuperan con brío el honky tonk High Fashion Queen.

Del primer LP de Gram en solitario, GP (1973), se incluyen dos versiones: She, que reune a Emmylou y a los Pretenders; y el plácido A Song For You, un ejercicio de estilo a cargo de Whiskeytown. Y cuatro son los temas procedentes de Grievous Angel (1974): $ 1,000 Wedding, con Evan Dando y Julianna Hatfield; Return Of The Grievous Angel, con Lucinda Williams y el ex Byrd David Crosby; el gospel con aires celtas In My Hour Of Darkness, con The Rolling Creekdippers, un supergrupo integrado por Buddy y Julie Miller, Victoria Williams, Mark Olson y Jim Lauderdale; y el inquietante Ooh Las Vegas, con los Cowboy Jukies, donde el canto de sirena de Margot Timmins se sumerge en una recreación fantasmal.

En este tributo hay solo una canción que no fue compuesta por Parsons y que apareció posteriormente en uno de sus innumerables álbumes póstumos, Sleepless Nights, donde Elvis Costello aplica su temblorosa voz para darle un carácter de nana crepuscular.

Según Gillian Welch, Parsons "abrió el alma del country para que varias generaciones lo descubrieran". Gracias a este emotivo y sincero tributo, seguro que otras nuevas generaciones también lo descubrirán.

la muerte al detalle y las iCosas

noreply@blogger.com (miquel botella) — Fri, 07 Oct 2011 10:48:00 +0000

Steve Jobs, el genio detrás de Apple.

Ayer y hoy (y supongo que durante muchos más días), todo el mundo habla de Steve Jobs. Algunos incluso reflexionan sobre si no nos estamos pasando con el temita. Asunto peliagudo, el de la información post-mórtem. Ya se sabe aquello típico, que se produce en cualquier funeral (y todos lo hemos experimentado), cuando el sacerdote alaba las virtudes de una persona a quien no conocía, en una muestra de hipocresía galopante. Y tú estás allí, escuchando, y piensas: "¡Pero si era un hijoputa que puteó a todo el mundo mientras vivió!". Pero mientras estemos en una sociedad políticamente correcta de "tragar y callar", estoy seguro de que nadie tendrá los arrestos para levantarse en un funeral y exclamar: "¡Todo eso es mentira!".

En la prensa (general o especializada, da igual) el género de las necrológicas (aparte de reflejar también esa tendencia a alabar todo lo bueno –sea cierto o no– y a omitir lo malo), ha caído en la decadencia. Dicen que hace años, en los periódicos norteamericanos, el tema se cuidaba especialmente y existían verdaderos expertos a la hora de escribir hagiografías. Pero en este país, la situación es otra. Yo tengo muy claro qué debe ser una necrológica, qué debe contar y quién debe escribirla.

Con la increíble fuente de saber (muchas veces erróneo) que supone internet, cualquiera puede glosar la vida y los milagros de cualquiera, sea un escritor, un músico, un científico o un deportista, aunque no haya leído sus libros, oído sus discos, estudiado sus teorías o presenciado sus marcas. A golpe de Wikipedia (o copiando los obituarios de Associated Press o cualquier otra agencia de noticias) de repente, y como por ciencia infusa, cualquiera se convierte en el mayor experto del fiambre.

Esto lleva a un replanteamiento del género de la necrológica: más allá de saber dónde nació el personaje, de qué ha muerto, en qué mes y año ha conseguido sus logros y otros detalles que, por abrumadores, acaban por aburrir, y que, encima, puede encontrar cualquiera, hay que aportar datos que nadie conozca o profundizar en lo que significó.

Según esto, solo podría escribir una necrológica alguien que conociera personalmente al difunto, el único capaz de aportar datos que no aparecen en la Wikipedia. Eso, a veces, es posible, pero no siempre. ¿Cuál es entonces la opción? Buscar a alguien que, aunque no fuera íntimo del personaje, sí conociera su obra, y pudiera explicar subjetivamente (y esa es la gran diferencia respecto a las necrológicas actuales, perdidas en fechas y números inútiles pero, eso sí, muuuuy objetivos) lo que significó para él y cómo afectó a su vida.

Lo mejor será poner un ejemplo. Si muere, por decir algo, un pianista de blues de Nueva Orleans, no le encargues el obituario a un periodista todo terreno que te escribiría sobre cualquiera y te reproducirá los mismos detalles que aparecerán en todas partes, porque eso será un artículo frío, sin vida: eso sí, con muchas fechas, títulos de canciones y de álbumes e infinidad de detalles que a pocos interesan (solo a quienes padezcan un TOC) y que pronto se olvidan (a veces tengo la sensación de que de algunos personajes se escribe más cuando han muerto que cuando están vivos; qué raro, ¿no?). En ese caso, tienes dos opciones (descartamos ya la de alguien que le conoció personalmente): o le encargas la necrológica a un periodista que conoce la obra del finado (vamos, que seguía toda su discografía, por rara que fuera), o a un músico que se vio muy influido por el personaje. En ambos casos, contarán cómo les afectó personalmente la música del homenajeado, con lo que sus artículos serán más apasionados. ¿Que les faltan fechas? ¿Y qué? El día que muera Clint Eastwood, a un fan de sus películas lo que realmente le interesará es que alguien le cuente cosas que no sabía o qué sentimientos le provocaba; le importará un comino qué año dirigió "Sin perdón" o si "Los puentes de Madison" se basaba en una novela. A eso deberían tender las necrológicas.

Volvamos al caso de Steve Jobs. Por desgracia, yo no lo conocí personalmente (ni tampoco a Bill Gates, cosa que también me encantaría), pero –y supongo que como miles, millones de personas en el mundo– sí he disfrutado de sus creaciones. Esa simple experiencia (la mía y, repito, la de los miles de usuarios de Apple) me permite (nos permite) hablar de Jobs con más propiedad que el típico redactorcillo que se limita a copiar fechas y datos y a escupirlos de forma mecánica.

He contado en anteriores ocasiones que mi "ingreso" en la informática fue tardío, tras malas experiencias previas con inventos diabólicos como el Amstrad (supuestamente un ordenador; en la realidad, una máquina de escribir que te quemaba la vista con sus letras verde fosforito). Mi primer contacto con un Mac (en aquella época los llamábamos con el nombre completo, Macintosh) fue cuando trabajé como becario en el diario 'Avui', allá por 1985. Recuerdo que era uno de esos modelos primitivos, con pantalla cuadrada y pequeña.

No volvería a ver otro hasta 1990, cuando empecé a trabajar en otro periódico, el desaparecido 'Las Noticias', y allí mi relación con el Mac fue más estrecha, ya que gracias a un (en ese momento) avanzado sistema los redactores podíamos escribir y maquetar el texto. Llegados a este punto, supongo que muchos pensarán que me convertí en un loco de Apple. Pues no, ya que, por el contrario, caí en las redes de la competencia y me convertí en un pecero irreductible, otro esclavo más de la secta Windows. Esto tiene una explicación técnica: en esa época, tener un Mac a nivel de usuario doméstico era poco más o menos una proeza, por las dificultades añadidas que tenía: se encontraban pocos programas, las conexiones a internet no estaban preparadas para su configuración, no abundaban las tiendas...

Naturalmente, Apple no solo es Mac, y tendríamos que hablar del iPod, el iPhone, el iPad... El primero nunca llegué a tenerlo: nunca he sido de llevar música encima (ni en la época de los horribles walkman, ni de los pesados discman). Pienso que, como se dice vulgarmente, hay que salir de casa meado; dicho de otro modo, la música es para escuchar en casa, no en el metro ni corriendo, por mucho que quieras ir de místico a lo Murakami.

En cambio, hace poco más de un año caí en la tentación del iPhone. Yo, que era un usuario a muerte de los Motorola (y, atención, siempre de los modelos de concha o tapa, un recuerdo subliminal de los intercomunicadores de "Star Trek") y renegaba de las pantallas táctiles y todo eso, ahora no podría vivir sin mi iPhone. Es mi sueño hecho realidad, con todas las aplicaciones que siempre he deseado, por tontas que parezcan: ¿Cuántas veces has estado en un bar y has oído una canción y venderías a tu madre por saber el título? ¿Cuántas veces te has encontrado perdido en una calle de otra ciudad preguntándote dónde puedes encontrar una farmacia? Ahora tienes todas esas respuestas, y muchas más.

¿Y el iPad? Bueno, eso, al igual que el iMac con pantallón para mi casa, tendrá que esperar... a que me toque la lotería, porque de otro modo lo veo difícil. Y estoy seguro de que (lamentablemente ya sin Steve Jobs) Apple seguirá sacando iCosas de todo tipo, siempre útiles y estéticamente bellas (el diseño es una de las grandes bazas de la marca). Y uno, como si fuera Batman con sus bat-artilugios, se sentirá un superhéroe de la tecnología.

Todo eso, gracias a Steve.

Treme: Tell It Like It Is (y 6)

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 02 Oct 2011 23:39:00 +0000

"Inside Treme": las interioridades de la serie.

Como todas las series (de éxito masivo o de culto) que se precien, “Treme” cuenta en internet con una nutrida selección de páginas y blogs dedicadas, destripando y analizando sus capítulos y sus personajes y el realismo de su retrato del Nueva Orleans post-Katrina.

Entre las más generalistas, centradas en todos los aspectos de la producción, encontramos, claro está, la web oficial de HBO; el blog “Inside Treme”, creado por el antes citado Lolis Eric Elie, ex columnista de ‘The Times-Picayune’; y la sección que le dedica el portal Nola.com, con noticias, vídeos, análisis de los personajes y de los episodios (frases, slang, referencias musicales), fotografías, enlaces, etc.

"La música de Treme": el podcast español.

Sin embargo, y dado el carácter de la serie, resultan más interesantes las webs que hacen hincapié en los aspectos musicales. En España, el periodista Antonio Martínez creó el blog-podcast “La música de Treme”, en el que comentaba las canciones que sonaban en los episodios. Su éxito –fue el podcast más descargado en nuestro país en categoría musical– motivó el salto a la antena de la Cadena Ser el 4 de julio de 2010, emitiéndose las madrugadas de los sábados y los domingos. En estos momentos, el blog no se actualiza, pero aún pueden escucharse (y descargarse) los podcasts.

Y en territorio norteamericano, uno de los blogs más veteranos y completos es “Music Of Treme”. Junto a la lista con las canciones de cada episodio (con intérprete, álbum, escena en la que aparece), incluye noticias sobre la serie e información sobre la ciudad. Su creador es Mel Harris, quien se autodefine como “únicamente un fan de la serie”. A través del correo electrónico, explica el origen de su página: “Empezó después de que ‘Treme’ se estrenara en los Estados Unidos, y la creé para dar más detalles sobre la música y los músicos retratados en ella. HBO tiene una lista de las canciones en la web de la serie, pero si un actor canta o toca, no da ninguna referencia sobre quién compuso e interpretó la canción originalmente. Así que doy esta información y también cuelgo vídeos, si están disponibles”.

"The Music Of Treme": todo sobre la banda sonora.

Harris está muy satisfecho de la selección musical de “Treme” (“ciertamente es mejor que la de cualquiera de las series sobre Nueva Orleans que se han hecho antes”), y de la forma como se integra en la trama: “Es difícil hablar de esta ciudad sin hacer ninguna mención a la música y/o la comida, así que funciona muy bien en la historia. La música no es abrumadora: algunas personas me han comentado que no se habrían percatado de algunas de las canciones de no haberlas visto en la lista de mi blog. Algunas canciones solo suenan durante unos segundos y normalmente de forma sutil”.

Y como residente en Nueva Orleans, el creador de “Music Of Treme” cree que la producción de Simon retrata la ciudad y la escena musical de forma realista: “El hecho de que muchos de los músicos se interpretan a sí mismos y que ruedan en la ciudad añade autenticidad a la serie. No sé cómo podría hacerse una historia ficticia de forma más realista. No he leído muchas quejas entre los residentes de la ciudad sobre cómo la describen”.

Treme: Let The Good Times Roll (5)

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 02 Oct 2011 20:06:00 +0000

Blake Leyh, el genio tras la selección musical de "Treme". Foto: Arnold Finkelstein

Decíamos antes que la trama principal de “Treme” es la recuperación de la cultura, una cultura que tiene en la música uno de sus pilares básicos. Hasta ahora, todas las producciones (televisivas y cinematográficas) ambientadas en Nueva Orleans habían considerado la música como un simple atrezo exótico y localista. Uno de los principales artífices de la riqueza y calidad de la banda sonora de “Treme” es su supervisor musical Blake Leyh, quien ya ejerció la misma función en “The Wire”. A través del correo electrónico nos desentraña su método de trabajo.

En “Treme” la música desempeña literalmente un papel central, no solo como telón de fondo, sino que se convierte en un personaje más de la narración y se entrelaza con ella orgánicamente: es el “pegamento” que une todas las piezas y está en todas partes: en la radio, en los funerales, en los carnavales, en los bares, en los aeropuertos y hasta en las casas. Además, se percibe el esfuerzo por atrapar la música de forma natural, casi como en forma de grabaciones de campo (todas las actuaciones se registran en directo, incluidos los desfiles callejeros, y muchas de ellas se solapan).

"Treme": la calle como escenatio.

“Toda la música se escoge en colaboración con los guionistas y conmigo. La música en directo se elige sobre todo durante la fase de escritura y se incluye en el guión. La música ‘’fuente’, la que suena en bares, coches, etc., se escoge sobre todo durante la fase de montaje. Los guionistas y yo tenemos una amplia colección de música favorita que siempre intentamos incluir, pero el elemento principal que motiva la elección es responder a esta pregunta: ‘¿Qué música estaría sonando de verdad si esta escena ocurriera en la vida real?’”, explica Leyh.

Sin embargo, no cree que la música tenga un papel más determinante que la propia trama: “No, la historia es lo más importante. La música sirve a la historia. En el nivel más básico, la historia trata de cómo la cultura salvó la ciudad, y la música es una enorme piedra angular de la cultura, así que es necesariamente fundamental. Pero la música sirve a la historia, y no al contrario”.

Nuevamente, siguiendo las pautas habituales en busca de la autenticidad de las producciones de David Simon, en “Treme” hay un cuidado especial en utilizar música que pertenezca a la línea temporal de la historia (2006-2007 en las dos primeras temporadas). “En ‘The Wire’ ya nos preocupamos en incluir música que fuera adecuada al lugar y el período temporal. Y en ‘Treme’ somos muy cuidadosos en escoger música que realmente sonara en el tiempo y el lugar en que transcurre la historia”, reconoce Leyh.

Ron Carter incrédulo ante las explicaciones de Albert Lambreaux.

Los guiones de “Treme” están plagados de referencias y guiños en los diálogos que difícilmente captará el espectador medio. Unos cuantos ejemplos: “En Nueva Orleans les gusta la música, pero no quieren a los músicos”; “Olvida todo lo que te han dicho de Jesús, Buda, Alá, porque solo existe un Dios y se llama Professor Longhair”; o “Eso es como decirle a una puta cómo debe acabar su trabajo” (la frase lapidaria que exclama Dr. John cuando el personaje de Albert Lambreaux enseña a tocar el contrabajo ¡¡¡al mismísimo Ron Carter!!!). “El enfoque de David Simon sobre el ‘storytelling’ se basa en no explicarlo todo. Todo su trabajo utiliza ese enfoque básico, contando la historia desde el punto de vista de alguien que está dentro de ella”, aclara el supervisor musical de la serie.

¿Y qué decir de los títulos de cada capítulo? Todos ellos, sin excepción, pertenecen a canciones asociadas a Nueva Orleans y a sus artistas: “Do You Know What It Means?”, “Meet Da Boys On The Battlefront”, “Right Place, Wrong Time”, “At The Foot Of Canal Street”, “I’ll Fly Away”, “Everything I Do Gonh Be Funky” o “All On A Mardi Gras Day”, solo por citar algunos.

John Hiatt: "Feels Like Rain" post-Katrina.

Pero más allá de los diálogos y los títulos, hay multitud de escenas con situaciones que solo pueden ser apreciadas en su plenitud por parte del espectador si posee un cierto background musical: a Delmond, que quiere grabar un disco que funda el jazz moderno con la tradición de los indios, le aconsejan tener presencia en internet (Facebook, MySpace, etc.) para llegar a más público; DJ Davis le da discos de Public Enemy, The Clash y Woody Guthrie al rapero Lil Calliope para que se inspire; Harley y Annie van a un concierto de John Hiatt y el primero le explica por qué “Feels Like Rain” es una gran canción; los músicos ponen pegas a interpretar esos temas que todo el mundo identifica con Nueva Orleans, como “When The Saints Go Marchin’ In”, o se niegan a actuar la concurrida Bourbon Street porque lo consideran un desprestigio y una vergüenza (y más si es en locales de striptease). Y solo son unos pocos ejemplos.

No solo de jazz y blues vive Nueva Orleans; al contrario, en su calidad de ciudad crisol de culturas, acumula todos los sonidos inimaginables. Y ese eclecticismo es, al mismo tiempo, una dificultad: muchos seguidores de “Treme” criticaron la primera temporada porque, por ejemplo, no contaba nada sobre la escena bounce (un sensual subestilo de hip hop local que, de hecho, aparece desarrollado en la segunda) y se centraba básicamente en el jazz. Leyh se defiende: “No puedes incluirlo todo. Estamos contando una historia específica. Pero esperamos tener una gran variedad de los diferentes estilos de la música de Nueva Orleans antes de que la serie acabe”.

DJ Davis & The Brassy Knoll: hip hop + brass band

En términos musicales, en la serie hay una lucha constante entre la tradición y los sonidos modernos: el jefe de la WWOZ quiere que se emitan lo que podríamos llamar “canciones típicas asociadas a Nueva Orleans”, pero Davis quiere poner bounce; Albert Lambreaux pertenece a los Indians pero su hijo Delmond está metido en el jazz moderno… Y, nuevamente, ficción y realidad se entrecruzan: la fusión que quiere llevar a cabo Davis con su grupo no está muy lejos de lo que los orleanos Galactic han hecho en álbumes como “From The Corner To The Block” (2007). “Personalmente, me gustan todos los estilos en la historia de la música de Nueva Orleans. Aunque los músicos y las bandas necesariamente se centran en una parte determinada de la música, en la serie intentamos mostrarlo todo –replica Leyh–. No creo que Galactic estén intentando combinar lo viejo y lo nuevo, solo están cogiendo de todas las tradiciones musicales de la ciudad. Lo mismo ocurre con The Brassy Knoll, nuestra banda ficticia. A McAlary le apasionan las brass bands, el bounce y el hip hop, así que es natural para él combinar todo eso. Nueva Orleans es una ciudad pequeña y la comunidad musical es muy dinámica; hay muchos músicos que se ponen una máscara en una banda de los indios del Mardi Gras y también interpretan bounce”.

Elvis Costello: recordando la grabación de "The River In Reverse".

Y queda, claro está, la enorme cantidad de cameos de músicos que aparecen a lo largo de la serie, interpretándose a sí mismos, ya sea en conciertos, en grabaciones o con breves diálogos. La lista es sencillamente increíble, pero ahí va una aproximación de los más destacados: Kermitt Ruffins, Tremé Brass Band, Coco Robicheaux (montando el pollo, y nunca mejor dicho, al sacrificar a un ídem en los estudios de la WWOZ como parte de una ceremonia vudú), Trombone Shorty, Galactic, Elvis Costello y Allen Toussaint (durante la grabación de su disco conjunto “The River In Reverse”, de 2006), Dr. John, John Boutté, McCoy Tyner, Ron Carter, Donald Harrison, Pine Leaf Boys, Dumpstaphunk, Terence Blanchard, Cassandra Wilson, Jon Cleary, Lloyd Price, Irma Thomas, Dave Bartholomew, Christian Scott, Bonerama, Dirty Dozen Brass Band, The subdudes, Mem Shannon, Shawn Colvin, Big Freedia, Walter “Wolfman” Washington, John Hiatt, Henry Butler, Cyril Neville, Chris Thomas King, Iguanas, Lucinda Williams…

Dr John: presencia inevitable.

Esta apabullante selección, cómo no, responde también al rigor “histórico”, al incluir únicamente a artistas que realmente estuvieran en la ciudad en ese período post-Katrina. “Sí, solo se utilizan a músicos que estuvieran realmente presentes en esa época. Es una manera sencilla de mantener la ‘autenticidad’ de la historia”. El colmo de la obsesión por reconstruir lo que pasó realmente se puede ver en el último capítulo de la segunda temporada, ambientado durante la celebración del New Orleans Jazz & Heritage Festival, con conciertos de Lucinda Williams y The Iguanas. “Ambos tocaron realmente en 2007, pero recreamos sus conciertos para la serie”. Impresionante.

John Boutté, la voz de Nueva Orleans.

Por último, y no por ello menos importante, no puede olvidarse el brillante tema principal que abre la serie, “Treme Song”, interpretado por un (hasta el momento) desconocido John Boutté. Una canción incluida en su álbum “Jambalaya” (2003) y que ahora, con la fuerza de las imágenes documentales de la careta, cobra una relevancia especial que, además, encaja perfectamente con el espíritu de la serie. John es hermano de la cantante de jazz y gospel Lillian Boutté, y es un ejemplo del carácter único de la ciudad, al albergar una pléyade de dinastías familiares de músicos: Marsalis, Andrews, Neville, Batiste… Leyh nos da una primicia: “Actualmente estoy produciendo su nuevo álbum. Creo que es ‘La voz de Nueva Orleans’ y uno de los cantantes norteamericanos actuales con más talento. Supimos desde el primer momento que ‘Treme Song’ era la canción perfecta para la serie”.

Aprovechando el tirón de la serie, se han organizado diversos conciertos benéficos. El 28 de agosto de 2010, en el quinto aniversario del Katrina, diversos artistas asociados con la banda sonora -John Boutté, Irma Thomas, Kermit Ruffins, Lloyd Price, Jon Cleary, James Andrews, Coco Robicheaux, Paul Sanchez, Rebirth Brass Band y Mardi Gras Indians, entre otros- actuaron en el House Of Blues de Nueva Orleans en el espectáculo "A Night Of Treme”, a beneficio de la fundación Make It Right, para apoyar su programa de construcción de casas seguras y sostenibles para las familias del distrito noveno que lo perdieron todo. El show sirvió también como avance de la banda sonora.

Posteriormente, el 12 de febrero de 2011 se montó otro concierto con The Pfister Sisters, John Boutté, Tom McDermott, Matt Perrine, Washboard Chaz, Glen David Andrews y varios actores de la serie, cuyos beneficios se destinaron a la New Orleans Musician's Clinic y The Roots Of Music. Y actualmente está en marcha una gira denominada “A Night In Treme”, con una formación cambiante de músicos de Nueva Orleans que incluye a Rebirth Brass Band, Donald Harrison y Glen David Andrews, entre otros. “Una de las consignas específicas de la serie ha sido ayudar a la comunidad musical de Nueva Orleans de cualquier forma que pudiéramos. Utilizamos música controlada por artistas locales siempre que sea posible como una manera específica de devolver el dinero a la economía local”: las palabras de Leyh corroboran, nuevamente, que “Treme” no es una producción más que se aproveche de una localización atractiva, sino que tiene entre sus objetivos formar parte de la vida de su comunidad.

Con todo, es inevitable que haya generado el merchandising habitual, en este caso con la edición de la banda sonora y el DVD de la primera temporada. Es una lástima que la gran cantidad de excelente material musical filmado ex profeso para la serie no se incluya en los DVDs –en cambio, pueden descargarse previo pago en iTunes–. Pero está claro que, cuando termine esta producción (tenga tres, cinco o las temporadas que sean), debería publicarse una caja con varios CDs –algo similar a “Doctors, Professors, Kings & Queens: The Big Ol' Box Of New Orleans” (2004), por ejemplo-, que recogiera todas las canciones que han sonado a lo largo de sus capítulos. Por desgracia, no hay planes de hacer algo parecido, según confiesa Leyh: “Todo es una cuestión económica. La gente ya no compra discos, y es un reto incluso editar la banda sonora de la serie. Personalmente, me encantaría ver una enorme caja con la música de la serie, pero no sé si eso pasará”.

Treme: Fear, Hate, Envy, Jealousy (4)

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 02 Oct 2011 18:34:00 +0000

Muchos se llenan la boca diciendo que “Treme” es una serie coral, pero no lo es en el sentido lineal de una película de Berlanga, por ejemplo, sino que toma el modelo más enrevesado inaugurado por “Vidas cruzadas” (Robert Altman, 1993), con personajes que, por un motivo u otro, se interrelacionan e interactúan a lo largo de los episodios, aunque se cuenten sus peripecias en paralelo.

Una de las muestras más evidentes de la obsesión por la autenticidad que impregna todas las producciones de David Simon la encontramos en el hecho de que muchos de los protagonistas de la trama están inspirados en personas reales, algunas de los cuales se han convertido en asesores de la serie. Aquí tenemos una lista de los principales personajes de “Treme”:

Antoine Batiste: músico a pesar de todo

Antoine Batiste (Wendell Pierce) es un trombonista mujeriego que se busca la vida como puede en toda clase de bolos. Tiene una ex mujer, LaDonna, (Khandi Alexander) dueña de un bar, y actualmente vive con Desiree (Phyllis Montana-Leblanc). Pierce y Montana-Leblanc ya habían coincidido anteriormente en la pantalla en el documental de Spike Lee “When The Levees Broke. A Requiem In Four Acts”, narrando sus experiencias reales (ella las plasmó en el libro "Not Just The Levees Broke. My Story During And After Hurricane Katrina", de 2008). El personaje de Batiste está parcialmente inspirado en el trompetista y cantante Kermit Ruffins, uno de los habituales de la serie.

Davis (en el centro), grabando su álbum.

Davis McAlary (Steve Zahn) es un músico de familia burguesa metido a DJ (en la WWOZ, cómo no) fascinado por los sonidos de la ciudad, que se niega a pinchar los clásicos de siempre incluidos en álbumes benéficos y que tuvo un grupo llamado Uncut Funk, con el que editó algunos discos. Graba una versión de “Shame Shame Shame” de Smiley Lewis, con una letra criticando a George Bush, que se convierte en un inesperado hit local. McAlary es un trasunto de Davis Rogan, músico, DJ y fundador del grupo All That.

Janette Desautel: el arte gastronómico de Nueva Orleans.

Janette Desautel (Kim Dickens) es una creativa chef experta en la gastronomía de Nueva Orleans que, de pasar a dirigir su propio restaurante y acuciada por las deudas, se ve obligada a trasladarse a Nueva York para trabajar a las órdenes de un excéntrico y tirano cocinero. Su referente es la chef del restaurante Bayona, Susan Spicer, quien hace un cameo en la segunda temporada al igual que otros chefs famosos como David Chang y Eric Ripert.

Creighton Bernette: la revolución será televisada... en YouTube.

Creighton Bernette (John Goodman) es un profesor convertido en activista pro-Nueva Orleans y en inesperada estrella de YouTube por sus inflamadas arengas contra el gobierno federal. El personaje se basa en el profesor universitario Ashley Morris, fallecido en 2008, un famoso bloguero conocido por sus incendiarios comentarios post-Katrina. De hecho se utilizaron palabra por palabra algunos de los textos colgados en su blog, como el célebre “Fuck you, you fucking fucks”. Para cerrar aún más el círculo, Morris era un fan de “The Wire” e incluso participaba en un blog sobre esa serie, “Got That New Package!”. Como guiño cinéfilo, Creighton le cuenta a su hija en la ficción que uno de los lugares donde se rodó “Querido detective” ya no existe… el actor debe saberlo, ya que interpretaba a un policía en la película protagonizada por Dennis Quaid y Ellen Barkin. En “Treme”, está casado con Toni Bernette (Melissa Leo), una abogada de derechos civiles que mantiene una tensa relación con el departamento de policía y quien, a su vez, se inspira en otra abogada, Mary Howell, especialista en casos de brutalidad policial.

Albert Lambreaux: orgullo indio.

Delbert Lambreaux: nouveau swing.

Albert Lambreaux (Clarke Peters) es el Big Chief de la tribu de indios Guardians Of The Flame. Su hijo Delbert Lambreaux (Rob Brown) es un trompetista de jazz moderno que triunfa en Nueva York y que a lo largo de los capítulos redescubrirá las raíces para fusionarlas con su estilo. El espejo de este personaje es el saxofonista de jazz (y también jefe indio) Donald Harrison Jr.

Harley y Annie: ganándose la vida en las calles.

Annie Tallarico (Lucia Micarelli) es una brillante violinista que toca en la calle y que, de la mano de su mentor Harley Watt (Steve Earle), se introduce poco a poco en otros estilos como el cajun. En sus actuaciones callejeras le acompaña Sonny (Michiel Huisman), un cantante y teclista holandés drogata y de dudoso talento (algo de lo que se da cuenta cuando oye a un niño interpretar a la perfección un clásico de Professor Longhair al piano en una tienda de empeños). Todos ellos representan a la multitud de músicos europeos (Jon Cleary, Anders Osborne, etc.) quienes, atraídos por la cultura de Nueva Orleans, abandonaron su hogar en busca de fortuna en las calles (y los escenarios) de la ciudad. En la vida real, Lucia es una violinista de formación clásica (estudió con Pinchas Zukerman) que se introdujo en el mundo del pop de la mano de Josh Groban y tiene un par de álbumes, y Huisman también ha hecho sus pinitos como cantante. Por supuesto, con Steve Earle sobran las presentaciones.

Treme: My Darlin' New Orleans (3)

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sat, 01 Oct 2011 20:37:00 +0000

"The Big Easy", la serie

“Treme” no es la primera producción televisiva ambientada en Nueva Orleans, con música y corrupción policial como telón de fondo. En este sentido, no se puede olvidar “The Big Easy” (1996-97; emitida en TV3 como “The Big Easy. Corrupció a Nova Orleans”): la serie, basada en la película del mismo título de Jim McBride de 1987 (retitulada en España “Querido detective”), duró dos temporadas de veintidós y trece episodios, respectivamente, y su tema principal estaba compuesto por el recientemente desaparecido Wardell Quezergue y Chief “Smiley” Ricks.

Pero lo que mucha gente no sabe es que “Treme” no es la primera serie grabada (y ambientada) en el Nueva Orleans post-Katrina. El honor se lo lleva “K-Ville” (abreviatura de Katrinaville), una producción de la Fox de 2007, centrada en la acción policial tras el paso del huracán. Fue un fracaso: solo duró una temporada e incluso alguno de los inicialmente previstos trece episodios no se llegó a emitir, hasta que en mayo de 2008 se anunció oficialmente su cancelación. “K-Ville” no gustó nada en la ciudad, entre otras cosas, por no reflejar fielmente la realidad. Sin embargo, Eric Overmyer, cocreador de “Treme”, escribió un extenso mail donde defendía esa serie.

"K-Ville": el fracaso

Eso sí, “K-Ville” pretendía cuidar mucho el aspecto musical y ser “auténtica”. Pero una cosa son las intenciones y otra los resultados: el tema principal era la canción “Comin’ Back”, que tomaba como base "Wade: Hurricane Suite: Aftermath" de Dr. John, perteneciente al álbum “Sippiana Hericane" (2005) … añadiéndole el rap de un tal Bombay, para hacerla más asequible a todos los públicos y no caer en la trampa de un sonido supuestamente “demasiado localista”.

Y llegamos a la serie creada por David Simon y Eric Overmyer. El origen de “Treme” se remonta a varios años atrás. En el making of incluido en la edición en DVD de la primera temporada, Simon explica: “Eric y yo queríamos hacer una serie en Nueva Orleans incluso antes del Katrina. Teníamos la idea de grabar una serie que tratara sobre la cultura musical de la ciudad, entre otras cosas. Por supuesto, la tormenta le dio mayor impulso a ese proyecto”.

La acción de la primera temporada de “Treme” transcurre tres meses después del paso del Katrina, con las calles aún tomadas por el ejército, coches abandonados, casas destrozadas, problemas en el suministro de agua, gas y electricidad, dificultades para subsistir económicamente, problemas con la sanidad pública y las compañías de seguros… Y en medio de ese panorama, la música surge como tabla salvadora para levantar el orgullo de una comunidad que no se da por vencida. Con un total de diez capítulos, esta primera temporada se abre con un piloto de ochenta minutos que presenta a los principales personajes, y se cierra con otro de similar duración con un flashback que explica lo que les pasó al huir de la ciudad antes de la llegada del Katrina.

Contrariamente a los rumores según los cuales la segunda temporada supondría un retroceso en el tiempo para contar la vida de los protagonistas antes del paso del huracán, la acción de esta se inicia catorce meses después, el 1 de noviembre. La historia incorpora varias subtramas importantes a lo largo de once capítulos: la corrupción policial y política, el regreso del crimen a la ciudad y la especulación urbanística -temas que se traducen en la incorporación de nuevas caras: el policía Terry Colson (David Morse), quien de hecho aparecía brevemente en la primera temporada, y el especulador texano Nelson Hidalgo (Jon Seda), dispuesto a todo para lucrarse a costa de la desgracia ajena–. Pero, sobre todo, irrumpe la violencia, que se ceba en los personajes y los golpea brutalmente: así, vemos como son víctimas de asaltos, violaciones, allanamientos de morada e incluso tiroteos mortales. Las localizaciones también se amplían, y la ciudad de Nueva York cobra una especial relevancia de la mano de algunos de los protagonistas “desplazados” allí.

Si comparamos ambas temporadas, nos encontramos con un problema: la primera tuvo un final tan espléndido, cerrando todas las historias paralelas, que podría haber terminado allí sin necesidad de una continuación. Así, la segunda temporada, aunque nos proporciona el placer de contemplar la evolución de los personajes, y a pesar de conservar unos niveles altísimos de calidad y autenticidad, pierde algo de fuelle cuando se adentra en tramas policiales y se convierte en otro drama criminalístico del montón. Curiosamente, la resolución de esta segunda temporada es tan cerrada como la de la primera, con lo que la serie corre el riesgo de alargarse innecesariamente, por mucho que tenga el prestigioso sello de David Simon.

"Treme": carácter documental

Se ha discutido mucho sobre cuál es la historia principal de “Treme”. En el fondo, responde a ese axioma clásico según el cual la creatividad se agudiza e incrementa en situaciones de escasez de medios o falta de libertad y, por eso, y por extraño que parezca en los tiempos televisivos intrascendentes que corren, la trama trata más sobre la recuperación de la cultura de la ciudad (no solo la música en sus diferentes usos; también la gastronomía, otro de sus grandes valores) que sobre la recuperación de las casas que el viento y el agua se llevaron. Eso no excluye el carácter documental de las imágenes, llevado a extremos enfermizos en pos del rigor: al tono documental de las escenas callejeras hay que sumar la labor de ambientación, al recrear barrios demolidos que hoy ya están reconstruidos… o casi. La verosimilitud es muy fácil de comprobar: basta con hacer una búsqueda en YouTube para encontrarse escenas reales (musicales, básicamente) que parecen recién salidas de la pantalla del televisor… ¿o es al revés?

Aparte de la impecable supervisión de David Simon, no podemos olvidar la participación en este proyecto de grandes guionistas como el escritor George Pelecanos, y de reputados directores como el ex colaborador de Spike Lee, Ernest Dickerson, y el también actor y cantante Tim Robbins.

Por último, el éxito de la serie “Treme” ha originado la creación de diversos documentales, como “Tremé Life”, un filme de James Demaria aún pendiente de estreno, protagonizado por los vecinos reales del barrio y con la participación, entre otros, de Kermit Ruffins, y “Bury The Hatchet” (Aaron Walker, 2010), sobre los indios del Mardi Gras, que podrá verse en la próxima edición del festival Beefeater In-Edit de Barcelona.

Bury the Hatchet trailer from cine-marais on Vimeo.

En Estados Unidos, la primera temporada de “Treme” se estrenó el 11 de abril de 2010 y, tan solo dos días después de la emisión del primer capítulo, HBO anunció su renovación para una segunda, que llegaría el 24 de abril de 2011. En mayo de este año se confirmó que se filmaría una tercera temporada. Esto es lo que está asegurado hasta el momento, aunque en declaraciones a ‘The Wall Street Journal’, Simon explicó su intención de llegar a las cinco temporadas, que culminarían con el desastre de BP en el Golfo de México y la Superbowl.

En España la primera temporada la estrenó TNT el 2 de mayo de 2010, y la segunda se ha estrenado el 25 de septiembre de 2011.

Treme: Ain't Got No Home (2)

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sat, 01 Oct 2011 19:06:00 +0000

El huracán Katrina asoló Nueva Orleans a finales de agosto de 2005: el ochenta por ciento quedó inundado cuando los diques de contención del lago Pontchartrain cedieron. Balance: más de 1.800 muertos, con 182.000 edificios completamente destruidos y cerca de medio millón de viviendas con daños.

En 2010, durante la visita que el presidente de los Estados Unidos, Barack Obama, realizó a la ciudad en el quinto aniversario de la tragedia, aseguró en un discurso que Nueva Orleans se ha convertido en un “símbolo de resistencia y de sentido comunitario”. Y habría que añadir: “y en una explosión de creatividad”.

El 21 de agosto de 2010, Andrea Aguilar escribía en ‘El País’ un artículo titulado “El Katrina como una de las bellas artes”, donde explicaba cómo la tragedia había inspirado series, documentales y libros… eso, sin contar con la innumerable cantidad de discos de tributo para recaudar fondos y los álbumes con canciones relacionadas. Desde el punto de vista literario, podemos destacar el libro de Dave Eggers “Zeitoun” (Mondadori, 2010) y la obra de teatro de Rob Florence “The Hurricane Katrina Comedy Festival” (2010).

En el terreno del documental, habría que citar títulos como “Faubourg Tremé. The Untold Story Of Black New Orleans” (Lolis Eric Elie y Dawn Logsdon, 2008); “Trouble The Water” (Tia Lessin y Carl Deal, 2008), nominado al Óscar; y, claro está, el ambicioso y monumental “When The Levees Broke. A Requiem In Four Acts” (Spike Lee, 2006), realizado para la HBO. Para la misma cadena, el director afroamericano volvió a Nueva Orleans para dirigir una especie de secuela, “If God Is Willing And Da Creek Don't Rise” (2010), donde retomó a algunos de los personajes varios años después.

Treme: Going Back To New Orleans (1)

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sat, 01 Oct 2011 18:43:00 +0000

Agosto de 1992. Estoy desayunando en el comedor del Hotel Le Meridien, en el 614 de Canal Street. Como dicen los folletos, "a deluxe hotel located in the heart of the business district at the entrance to the French Quarter". Sí, la descripción es exacta: solo tengo que cruzar la calle para adentrarme en Bourbon Street y perderme por el Barrio Francés de Nueva Orleans. Mientras apuro mi café, se me acerca una camarera afroamericana, y señalando mi camiseta (una del Festival de Jazz de Barcelona cuya edición no recuerdo) me dice que, si me gusta “ese tipo de música”, debo escuchar una emisora. Coge una tarjeta del hotel y escribe en el reverso: "Radio Station WWOZ 91.7 FM 90.7 FM".

Desde ese verano fatídicamente olímpico le han ocurrido muchas cosas a Nueva Orleans: trece años después, también en agosto, el paso del huracán Katrina dejaría graves secuelas en la ciudad, y muchas de sus calles –incluso Canal Street- acabaron inundadas. El hotel Le Meridien ya no existe y su lugar lo ocupa actualmente el JW Marriott New Orleans. Afortunadamente, la WWOZ aún emite, e incluso la llevo sintonizada en mi iPhone.

Sé que para muchos será difícil de entender, pero mi viaje a la ciudad criolla supuso para mí un cambio personal como el que dicen experimentar quienes van a la India: desde ese momento, mi visión de lo que era la música se trastocó por completo, y durante muchos años me dediqué a zambullirme en el crisol estilístico de Louisiana, descubriendo talentos inimaginables de rhythm’n’blues, funk, zydeco, cajun, jazz, rock’n’roll… la mayoría de ellos ninguneados y despreciados por la industria musical y la prensa especializada de este nuestro fantástico país.

Y entonces llegó “Treme”, una serie que, de no haber sido una obra de los creadores de la sobrevalorada “The Wire”, habría pasado totalmente desapercibida en España. Y ahora, de repente, todos los críticos son expertos en la música de Nueva Orleans cuando antes la despreciaban o sencillamente la ignoraban. Bueno, amigos, dejadme deciros algo: “Treme” es LA SERIE que llevaba años esperando.

Y es ahora cuando las palabras que me regaló Willy DeVille (en una entrevista que algún día verá la luz en este blog) cobran un verdadero sentido: “Definitivamente, Nueva Orleans no es como América. Es un lugar donde van todos los criminales, los que se esconden de la policía, los piratas… Todos los marginados y los artistas van allí. Es una ciudad muy excéntrica, la gente está loca; pero no les preocupa. Solo quieren tomar una copa, tocar música y pasar un buen rato”.

75 años con Jerry Lee y sus bolas de fuego

noreply@blogger.com (miquel botella) — Wed, 28 Sep 2011 21:43:00 +0000

Mañana, día 29 de septiembre (mi onomástica, por cierto), Jerry Lee Lewis cumple 75 años. Él es y será para mí el verdadero Rey del Rock. Lo demás son imitaciones burdas para complacer a las masas (va por ti, Elvis).

La mejor manera de celebrar el cumpleaños del señor Bola de fuego es con un montaje de actuaciones de su mejor época, la década de los cincuenta y los sesenta. Felicidades, maestro.

recordando a Miles, la gallina de los huevos de oro

noreply@blogger.com (miquel botella) — Wed, 28 Sep 2011 21:10:00 +0000

Cuando la dama de la guadaña se lo llevó, más de un programador de festivales debió sufrir un colapso al ver desaparecer a una de las gallinas de los huevos de oro más rentables. Miles Davis pertenecía a esa categoría de músicos que llenan recintos año tras año, eso sí, sin repetirse nunca.

Para reniego de los puristas que se la cogen con papel de fumar, Miles se desmarcó del tradicionalismo, para demostrar que el jazz es una cosa viva que se nutre de constantes aportaciones (el funk y los ritmos urbanos en su caso), y creó un sonido que, siendo maliciosos, podríamos decir que sobreviviría perfectamente sin su trompeta.

Producido por el propio Miles durante los conciertos de su última época (del 88 al 90), en ciudades como New York, Roma, Montreux y Osaka, Live Around The World (Warner, 1996) recoge algunas de sus mejores interpretaciones en directo. En la mayoría de los cortes, se acompaña de una de sus mejores formaciones, con el saxo Kenny Garrett, el excéntrico bajista/guitarrista Foley, y el batería Ricky Wellman, procedente de los Soul Searchers del pope Go-Go Chuck Brown.

Fiel retrato de lo que el trompetista ofrecía en vivo, el disco incluye blues à la Miles (New Blues), dignificaciones de pop de derribo (el Time After Time de Cindy Lauper o el Human Nature del bobo Jackson, desfigurado hasta alcanzar la excelencia), y funk irresistible (Intruder, Wrinkle, Full Nelson).

Está muy bien que un artista siga editando discos después de muerto pero, puestos a rescatar grabaciones de Miles, ¿qué me dicen de sus colaboraciones con Prince? Como esta, por ejemplo...

Wardell Quezergue, el Beethoven criollo

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 18 Sep 2011 19:02:00 +0000

Los medios de comunicación en España apestan. Todos. No se salva ni uno. Ya me imagino a la gente preguntándose: “¿Qué le pasa a este?”. Muy sencillo: ya estoy harto de ver cómo la muerte de personajes que realmente son importantes pasa desapercibida. En cambio, se ensalza a tipejos con poco o nulo valor artístico y se escriben elegías como si hubieran inventado el rock’n’roll.

Todo esto viene por la lamentable muerte de Wardell Quezergue: ¿qué pasa, tal vez tenía un nombre demasiado difícil de escribir y/o pronunciar? Pues resulta que era una leyenda en la escena de Nueva Orleans, esa ciudad demasiado castigada ya como para perder a otro de sus grandes.

Wardell junto a Clarence "Gatemouth" Brown

Productor, compositor, arreglista y profesor, contribuyó con su talento a varios clásicos del rhythm’n’blues orleano y se ganó el sobrenombre de “el Beethoven criollo”. Ahí es nada. Como arreglista y productor, le gustaba vestir sus grabaciones con metales y otros adornos. Sus créditos incluyen temazos tan indiscutibles como "Chapel Of Love” (1964) e "Iko Iko" (1965) de The Dixie Cups, “Big Chief” (1964) de Professor Longhair, "Barefootin'" (1966) de Robert Parker, “Groove Me” (1970) de King Floyd, "Mr. Big Stuff" (1971) de Jean Knight, "Misty Blue" (1976) de Dorothy Moore y el álbum "Goin' Back To New Orleans" (1992) de Dr. John. Palabras mayores.

The Dixie Cups – Iko Iko

Professor Longhair – Big Chief

Robert Parker- Barefootin'

King Floyd – Groove Me

Jean Knight - Mr. Big Stuff

Dorothy Moore – Misty Blue

Wardell también trabajó con Stevie Wonder, Paul Simon, B.B. King, The Meters, Robbie Robertson, Neville Brothers, Aaron Neville, Albert King, Johnny Adams, Townes van Zandt y Willie Nelson.

Como compositor, en 1964 coescribió con el batería Smokey Johnson "It Ain't My Fault", un estándar funk del repertorio de las brass bands de Nueva Orleans que ha sido sampleado por varios rapers e incluso por Mariah Carey -en la canción “Did I Do That?” de su disco “Rainbow” (1999)-. En 2010 apareció una nueva versión a beneficio del desastre del vertido de petróleo en el golfo de México, con la participación de Lenny Kravitz, Mos Def, Troy "Trombone Shorty" Andrews, el actor Tim Robbins y The Preservation Hall Jazz Band.

Smokey Johnson – It Ain’t My Fault

Lenny Kravitz + Mos Def etc. – It Ain’t My Fault

Nacido en 1930, Quezergue creció en el distrito séptimo de Nueva Orleans rodeado de música: su padre tocaba la guitarra, su madre el clarinete y su hermano mayor era trompetista. Él también aprendió a tocar la trompeta y a los 12 años dio su primer concierto profesional. Pero su aspiración iba más allá de la simple interpretación: escribió su primera composición, "Harry Jones' Back Beat Boogie", cuando estaba en el instituto; después se enroló en el ejército y tocó y dirigió varias bandas militares en Tokio durante la guerra de Corea.

A mediados de los cincuenta volvió a Nueva Orleans y formó el grupo Royal Dukes Of Rhythm. En un estudio de grabación, descubrió que también tenía talento para producir la música de otros, y se especializó en los arreglos de metales.

A principios de los sesenta, con su banda Wardell & the Sultans grabó para Imperial Records con el productor Dave Bartholomew. En 1964, fue el cofundador de Nola Records, un sello que editó éxitos de Junior Parker, Eddie Bo y Wilson "Willie Tee" Turbinton.

Wardell And The Sultans - I'm Broke

Su mayor éxito como arreglista y productor fue al servicio del sello Malaco Records. En un mismo día, supervisó las sesiones para "Groove Me", número 1 en las listas de rhythm’n’blues nacionales, y "Mr. Big Stuff". Siguió produciendo para varios sellos y liderando sus propias bandas. Se encargó de los metales del aclamado álbum de Clarence "Gatemouth" Brown "American Music, Texas Style” (1999).

En 2000, editó el álbum "A Creole Mass", basado en sus experiencias durante la guerra de Corea y en 2005 participó en el álbum colectivo “Our New Orleans: A Benefit Album For The Gulf Coast. En 2006 apareció la antología “Strung Out”, recogiendo sus producciones para Malaco. En los últimos años, perdió la vista a consecuencia de la diabetes y el Katrina destruyó su hogar. A pesar de todo, siguió activo y trabajó hasta que su salud se lo permitió.

En 2008, hizo los arreglos y dirigió la orquesta para el disco "The Bobby Bland Songbook" de Luther Kent y en 2009 arregló los metales para "Here Come The Saints", una colaboración con Big Chief Howard Miller. Ese mismo año, fue objeto de un homenaje con un concierto en el Lincoln Center de Nueva York, en el que Dr. John, The Dixie Cups, Jean Knight y otros interpretaron sus arreglos. Y, como era de esperar, en 2010 participó en la banda sonora de “Treme”.

Dos grandes de Nueva Orleans: Allen Toussaint y Wardell Quezergue

En 2011 acabó lo que él llamaba sus “dos trabajos más importantes”: su disco clásico religioso "The Passion" y un proyecto con el cantautor Will Porter que incluía dúos con Dr. John, Bettye Lavette, Barbara Lewis, Jimmy Haslip, Leo Nocentelli y otros. En cartera estaba un CD de dúos entre Will Porter y Dr John.

Wardell Quezergue murió el 6 de septiembre por un fallo cardíaco a los 81 años en Metairie, Lousiana. Fue enterrado el 12 de septiembre en la iglesia católica de Corpus Christi de Nueva Orleans con todos los honores que se merecía, acompañado de sus amigos músicos, como puede verse en este vídeo:

reflexions sobre la mort: amy, amy, amy

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 24 Jul 2011 11:30:00 +0000

He de confessar que em sento profundament entristit per la mort d’Amy Winehouse, però no tant per la seva desaparició, sinó per com estan tractant l’assumpte els mitjans de comunicació i fins i tot els seus fans. Poc després de conèixer-se la trista notícia, les xarxes socials (Facebook, Twitter) anaven plenes de la paraula “sobredosi”, pressuposant que aquest havia estat el motiu. Per què? Perquè Amy era addicta i s’havia sotmès a diversos tractaments de rehabilitació? Suposo que la imatge de la cantant en coma etílic i ofegada en el seu propi vòmit o amb el nas ensangonat al costat d’unes ratlles de coca era el que convenia. I si s’hagués ennuegat menjant? I si hagués caigut a la dutxa i s’hagués obert el cap? Hi ha moltes coses que poden provocar una mort, però la gent –a través d’aquesta estúpida democràcia electrònica en què tothom té dret a donar la seva opinió- ja l’havia prejutjada.

Vaig donar un cop d’ull a molts diaris anglesos on line, i a tots es parlava del comunicat de la policia londinenca on es deia que la mort d’Amy era, literalment, “unknown and unexplainable”, és a dir, per motius desconeguts i inexplicables. Només un canal de televisió, Sky News, va donar l’”exclusiva” de la sobredosi quan encara no s’havia fet l’autòpsia. Tremolo de pensar si l’Amy hagués viscut a l’estat espanyol: els carronyaires de Tele 5 i Antena 3 l’haurien crucificat, com van fer amb la mort de Carmiña Ordóñez. Si ens posem així, jo podria recordar el cas d’un famós cantant català les circumstàncies de la mort del qual mai no es van aclarir, perquè potser haguessin trencat amb la seva imatge de “gendre perfecte” i “model a seguir”.

Més estúpid resulta el que alguns “companys” de professió han fet, escrivint articles sobre els artistes de rock que han mort a la mateixa edat que l’Amy, als 27 anys: Jimi Hendrix, Janis Joplin, Kurt Cobain... Ja m’imagino l’Iker Jiménez fent un especial de Cuarto Milenio sobre “la maldición de los 27 en el rocanró”. Impressionant.

I ja que parlem de Cobain, no m’estaré de dir el que penso, encara que sé que no agradarà a molta gent. Jo no vaig lamentar en absolut la mort del cantant de Nirvana. I crec que el temps m’ha donat la raó: el grup (i el grunge per extensió) va ser un fenomen passatger, com el heavy de perruqueria dels vuitanta, una moda que la indústria (no només la musical, també la del vestir, etc) es va apressar en assimilar, i com a tal moda va desaparèixer. Sincerament crec que, de seguir viu Cobain, Nirvana no faria res de bo a nivell musical. I la persona, diran alguns? Després de llegir les estupideses que escopia al seu diari, jo mateix li hagués fotut un tret al Kurt. Així que ara no em vinguin amb comparacions barates.

Dit això, parlem del que realment importa, la música de l’Amy. No m’he cansat de repetir que ella estava molt per sobre de la mediocritat del R&B actual, el fet a cop de talonari i col·laboracions milionàries. Justament anit veia a American Idol l’actuació de Katy Perry amb la cançó E.T., sortint a escena portada per uns ballarins disfressats, i amb l’aparició estel·lar del sobrevalorat Kanye West. Sincerament, vaig pensar: “Quina merda”. Ni la cançó ni la veu li arribava a la sola de les sabates a l’Amy. I també vaig pensar: “Donem gràcies a déu perquè no podrà caure en mans d’una superproducció de West o un altre il·luminat similar”.

Per la seva veu, per les seves composicions, per la seva forma d’interpretar i fins i tot per la seva estètica, Amy era un personatge únic. Malauradament, només ens queden les seves gravacions, Frank (2003) i Back To Black (2006) dos àlbums oficials que la converteixen ja en un mite. El seu tercer disc qui sap si l’arribarem a veure. Unes observacions sobre la seva obra: el 2008 va aparèixer una caixa de quatre CDs que reunia els dos àlbums, a més de dos discos amb temes extres: directes, versions alternatives, etc. Quan es va publicar, es venia a uns 40 o 50 euros, no recordo bé. Però a FNAC va arribar a vendre’s a 10 euros, i fins fa poc encara es trobava... però ara, amb la seva mort, potser apujaran el preu.

Però, atenció, no era ni molt menys la recopilació més interessant. Des de 2007 et podies descarregar de la web el doble CD The Other Side Of Amy Winehouse. B-Sides, Remixes & Rarities, una esplendorosa col·lecció de trenta-sis cançons de la londinenca amb la classe de material que especifica el títol. Entre el més granat, el You Know I'm No Good featuring Ghostface Killah; el Will You Still Love Me Tomorrow de The Shirelles; un parell de duos en directe amb Paul Weller, entre ells I Heard It Through The Grapevine de Marvin Gaye; efectius mash ups de Rehab (I Can't Help Myself Remix o Amy Winehouse vs The Four Tops); i afortunades relectures com Back To Black (Rumble Strips Remix) i Rehab (Desert Eagle Discs Remix).

Només un darrer apunt: entre les últimes coses que Amy va gravar, hi ha la seva versió de It’s My Party de Leslie Gore pel disc Q: Soul Bossa Nostra (2010) de Quincy Jones. El fet que sigui un dels millors talls de l’àlbum diu molt de la seva categoria com artista. I haurem d’esperar al setembre, quan surti Duets II de Tony Bennett, on la cantant interpreta ni més ni menys que l’estàndard Body And Soul.

I per acabar, res millor que recordar l'Amy amb una de les seves grans cançons, Tears Dry On Their Own:

"o brother", revisat i ampliat

noreply@blogger.com (miquel botella) — Thu, 30 Jun 2011 19:14:00 +0000

Per a celebrar el seu desè aniversari, el segell nord-americà Lost Highway està reeditant vint dels seus discos de més èxit. Un d’aquests és la banda sonora de la pel·lícula O Brother, Where Art Thou? (2000, Joel i Ethan Cohen; Grammy a l’àlbum de l’any el 2001), que el proper 16 d’agost es publicarà en una edició de luxe ampliada de dos CDs.

El disc extra inclou setze cançons inèdites, tretze de les quals es van gravar durant les sessions originals per a la pel·lícula, i totes excepte In The Highways no es van escoltar a la pantalla. En aquesta reedició hi ha participat activament el productor del disc original, T Bone Burnett.

La llista sencera de cançons del segon CD és aquesta:

01. Hard Time Killing Floor Blues - Colin Linden

02. You Are My Sunshine - Alan O'Bryant

03. Tishamingo County Blues - John Hartford

04. Mood Indigo* - Duke Ellington

05. I'll Fly Away* - Kossoy Sisters

06. Big Rock Candy Mountain - Van Dyke Parks

07. Admiration* - Duke Ellington

08. Tom Devil* - Ed Lewis

09. Keep On The Sunny Side - The Cox Family

10. Angel Band - Sarah, Hannah and Leah Peasall and Robert Hamlett

11. Big Rock Candy Mountain - Norman Blake

12. Little Sadie - Norman Blake

13. In The Highways - The Cox Family

14. Hogfoot - John Hartford

15. The Lord Will Make A Way - Fairfield Four

16. In The Jailhouse Now - Harley Allen

(Totes les cançons produïdes per T Bone Burnett, excepte *)

Per a celebrar aquesta esplèndida reedició, recordarem la crítica que vaig escriure del disc original a la revista ‘Del Sur’. Aquí la teniu:

El country original floreció durante la depresión, y fue fertilizado por el blues, el gospel, los cantos de los Apalaches, y las canciones de trabajo. Sus artistas eran modestos animadores con vidas itinerantes. A pesar de la penuria económica, discográficas y emisoras descubrieron que existía una enorme demanda por las canciones de The Carter Family o Jimmie Rodgers.

En esa época transcurre la acción de O Brother, una adaptación de La Odisea de Homero al Mississippi de los años treinta, que cuenta cómo tres convictos, tres perdedores en busca de la libertad y la fortuna, se convierten en cantantes de éxito de forma casual. Los creadores de la película, Joel y Ethan Coen, querían reproducir fielmente esa época en la que la música formaba parte de la vida cotidiana, para que fluyera de forma natural en la historia. Así, la música se convirtió en un personaje más.

En 1999, los hermanos Coen, junto con el músico y productor T Bone Burnett, se fueron a Nashville en busca de sonidos añejos. Con la ayuda de la cantante Gillian Welch encontraron a artistas que recreaban de forma fidedigna el sonido de los años treinta. Con ellos, ya tenían el material necesario para la película.

A pesar de que la mayoría de canciones del álbum se han grabado ex profeso para el filme, se incluyen tres joyas añejas: el Po' Lazarus de James Carter & The Prisoners, el tema que abre la película con presos que cantan gospel a capela, acompañados por los rítmicos golpes de sus martillos; el folk Big Rock Candy Mountain de Harry McClintock; y el Angel Band de los Stanley Brothers.

Sin duda, el tema más popular de O Brother es ese brillante I Am A Man Of Constant Sorrow que convierte en famosos a los Soggy Bottom Boys, el grupo de presos fugados. La canción aparece en varias versiones: solo con voces y guitarra (cuando la interpretan en la radio), con banda (potenciando su sonido bluegrass), y de forma instrumental (con la guitarra de Norman Blake o con el violín de John Hartford). Aunque en el filme George Clooney simula cantarla, la voz pertenece a Dan Tyminski. En cambio, otro de los actores, Tim Blake Nelson, sí pone su voz en la versión del country-blues In The Jailhouse Now de Jimmie Rodgers.

La banda sonora de O Brother tiene otros grandes momentos: las canciones de los dos candidatos a gobernador (el himno You Are My Sunshine de Norman Blake, y el luminoso Keep On The Sunny Side de The Whites, una versión de la Carter Family); el gospel a capela Down To The River To Pray de Alison Krauss (en el bautizo en el río a uno de los fugados); el Didn't Leave Nobody But The Baby de Gillian Welch, Alison Krauss y Emmylou Harris, una sensual y susurrante combinación de voces a capela (en la escena de las sirenas que seducen a los protagonistas); el escalofriante O Death de Ralph Stanley (un canto impresionante para presidir el desfile del Ku Klux Klan); y la versión del Hard Time Killing Floor Blues de Skip James a cargo de Chris Thomas King.

En general, y aunque los Coen lo denominan como folk music, en O Brother predomina el bluegrass y el country tradicional que roza la tradición gospel, con una mayor importancia de las voces (de ahi la abundancia de temas a capela), con The Carter Family como modelo a seguir.

I per acabar, aquí teniu un fragment de la pel·lícula, amb Soggy Bottom Boys interpretant I Am A Man Of Constant Sorrow:

el talent, la millor herència

noreply@blogger.com (miquel botella) — Wed, 29 Jun 2011 18:41:00 +0000

El seu pare és un dels grans de la música nord-americana, i ell porta camí de superar-lo i passar-li la mà per la cara. Estem parlant de Justin Townes Earle, evidentment. El mes de juliol fa una gira per Europa (Anglaterra, bàsicament) que, és clar, no passa per l’Estat espanyol.

Aquest és el primer vídeo oficial del darrer disc de Justin, Harlem River Blues (2010). Slippin' And Slidin', dirigit per Joshua Black Wilkins, mostra una mirada intimista de la ciutat de Nova York on el fill de Steve Earle viu actualment en clau de balada soul clàssica, metalls inclosos.

video platform video management video solutions video player

una mica d'autobombo

noreply@blogger.com (miquel botella) — Tue, 28 Jun 2011 19:19:00 +0000

És innegable: tots tenim el nostre orgull. Per això, quan ve algú amb la intenció de fer-te una entrevista perquè parlis de la teva professió, interiorment sents una mena de satisfacció que és molt difícil descriure amb paraules. Vanitat? Potser sí... I què? Teniu algun problema?

La situació és aquesta: fa unes setmanes un estudiant de Periodisme de la Complutense de Madrid, Francisco Javier Molina García, es va posar en contacte amb mi perquè havia de fer un treball per a l’assignatura d’Informació Cultural. El tema escollit era la crítica de música, i em va triar a mi. Abans de tot, li vaig deixar clar que totes les opinions que li donaria són les meves opinions com a persona i professional, no en representació de cap revista (bé, vull dir Rockdelux).

El Francisco Javier em va enviar un parell de qüestionaris i li vaig respondre extensament, amb la condició que m’enviés l’article acabat, que ell va titular amb una de les meves declaracions: “Que te guste el trabajo de un artista no significa que pierdas tu independencia”.

En lloc de reproduir aquí l’article, reproduiré l’entrevista sense editar, molt més interessant perquè inclou respostes que no va posar en el seu treball. Això sí, està en castellà.

PD. No és el primer cop que un universitari contacta amb mi per fer un treball. Anteriorment un altre d’una universitat catalana (ara no recordo si va ser l’Autònoma; és igual), em va contactar per un treball sobre el programa Sputnik. No és per res, i potser no està bé que ho digui, però el cert és que la conclusió de l’extens treball és que la millor etapa del Sputnik va ser aquella en què jo formava part de l’equip. Sincerament, no feia falta un treball per arribar a aquesta conclusió...

I aquí teniu la primera part de l’entrevista:

Lo primero que quería hacer es preguntarte acerca de tu formación. Si no me equivoco, estudiaste Periodismo e hiciste un posgrado en Periodismo Digital. ¿Consideras que un crítico musical debe pasar necesariamente por una carrera, por Periodismo en concreto, o se puede ser un buen crítico autodidacta? ¿Cuál es su formación idónea?

En efecto, estudié Ciencias de la Información-Periodismo y, bastantes años después, un posgrado en Periodismo Digital. En este último caso fue porque consideré necesario un reciclaje para adaptarme a los nuevos medios. Sinceramente, siempre digo que no aprendí nada en la carrera de Periodismo: es decir, si no sabes escribir, no vayas a la universidad creyendo que te enseñarán a hacerlo. En mi caso, creo que sabía escribir, y el paso por esa carrera fue un puro trámite. Me gustaba mucho el cine y era la única carrera en esos momentos que contaba con una asignatura de Historia del cine –de hecho, fue mi única matrícula de honor-. No creo que para ser crítico debas pasar necesariamente por la universidad: lo básico es que sepas escribir correctamente y, en segundo lugar, que tengas curiosidad por investigar y descubrir música más allá de lo que los medios de comunicación marcan. Y, naturalmente, escuchar mucha música, de todas las épocas, no solo los hypes del momento, para tener referencias.

¿Cómo entraste a formar parte del mundo de la crítica musical? ¿Era un objetivo que tenías marcado, o fueron las circunstancias las que te llevaron a él?

Fue algo casual. Aunque me gustaba la música nunca me lo había propuesto o lo tenía como meta. Cuando estaba en tercer curso de la carrera trabajé como becario en un periódico en catalán, 'Avui'. Allí pasé por todas las secciones hasta que terminé en la de Cultura y Espectáculos, algo en principio ideal para mí porque quería dedicarme a la crítica de cine. Pero el cupo de críticos de cine estaba completo y, casualmente, la chica que se encargaba de la crítica musical se marchó y el puesto quedó vacante. Y así empecé. La primera crítica que publiqué fue de un concierto de Ilegales.

¿Son los comienzos en este mundillo mucho más duros que lo que viene después, cuando más o menos te asientas?

Bueno, sí, porque al principio te enfrentas con un mundo desconocido. En mi caso, me pasé un día llamando a discográficas y promotoras de conciertos para presentarme y explicar que a partir de ese momento escribiría las críticas para ese periódico, para que me tuvieran en cuenta en su mailing y en sus envíos de discos. Con el tiempo vas conociendo a gente y haciendo contactos que te permiten acceder a otros medios.

La crítica musical, ¿es un trabajo seguro en lo económico? ¿O es aconsejable tener una fuente de ingresos alternativa?

En absoluto: la crítica y el periodismo musical es una de las profesiones más inestables que existen, aparte de estar poco (por no decir mal) pagada. Durante toda mi carrera he mantenido la crítica musical (y la información musical, porque también hago entrevistas, reportajes, artículos de opinión, etc.) como un “sueldo complementario” mientras trabajo en otras cosas. He tenido la suerte de que esas “otras cosas” siempre han tenido relación con el periodismo (aunque no necesariamente musical). Pero conozco a críticos que tienen ocupaciones que no tienen nada que ver con la música. Además del complemento económico que supone, para muchos también es una “vía de escape” que les permite escapar de la rutina de sus trabajos “oficiales”.

Una de las frases más repetidas en esto del periodismo es que la vocación es fundamental. Aplicada a la crítica, ¿qué opinas? ¿Es así, si no hay una verdadera vocación, no hay crítico?

Más que vocación hablaría de pasión. Evidentemente, si no te apasiona la música es mejor que te dediques a otra cosa. Pero no creo que haya ningún caso de personas que de niños piensen “yo de mayor quiero ser crítico musical”. Así que no creo en la vocación. Nunca he tenido vocación de periodista. Simplemente me gustaba escribir y, con el tiempo, dar a conocer mis “pasiones” a los demás.

¿Es fácil mantenerse independiente? ¿O es difícil olvidarse de que el artista va a leerla, o gente de la industria, y pueden molestarse, tal vez con consecuencias negativas para ti? Sabemos que así debe ser, pero me preguntaba sobre su facilidad o dificultad en la práctica. Sobre todo cuando toca escribir críticas no muy positivas…

Es un tema complejo y depende de cómo entra cada uno en el juego. En mi caso siempre he sido poco amigo de pedir favores: es decir, no suelo pedir que me manden discos expresamente porque me apetece o entradas de conciertos a los que no voy a trabajar. ¿Por qué? Porque como diría Hannibal Lecter, después viene el “quid pro quo”: yo te doy esto pero algún día me devolverás el favor y hablarás bien de lo que a mí interesa. Si de entrada evitas eso, es relativamente fácil mantenerse independiente, ya que no te pueden exigir nada porque no les has pedido nada. Eso solo tiene un problema: que te gastas un dineral en discos y conciertos. Pero al menos, te sientes con la libertad ética de escribir negativamente, si es necesario. Si escribes una crítica negativa de un artista internacional, sabes que difícilmente va a leerla; con un artista nacional sabes que puede leerla, pero eso tampoco debe influirte, porque forma parte del trabajo del artista asumir las críticas: algunos les dan mucha importancia, mientras que otros directamente pasan de lo que se diga de ellos. De todas formas, yo siempre procuro hacer críticas de discos que me gustan y, por tanto, son positivas.

Al hilo de esto, ¿ser crítico musical lleva aparejado tener muchos enemigos? ¿O tener amigos muy amigos, y enemigos muy enemigos?

Curiosamente, me he creado más enemigos entre los fans del artista que he criticado que el propio artista. Cuando trabajé como crítico en el 'Avui' recuerdo haber recibido cartas insultantes e incluso amenazantes de lectores que no estaban de acuerdo con lo que había escrito de su grupo o artista favorito. En cambio, sí recuerdo haber recibido alguna felicitación de algún artista. De hecho, en más de una ocasión yo mismo he enviado una copia de una crítica positiva a un artista, y luego la ha colgado en su web o me ha expresado su agradecimiento.

¿Hay compañerismo en este oficio? ¿O vuelan los cuchillos entre colegas?

Bueno, ni una cosa ni la otra. Hay algo que no me gusta demasiado que podríamos denominar la “unanimidad de criterios”. Es normal que los críticos que se encuentran en un concierto, por ejemplo, comenten sus impresiones. Para mí eso es algo negativo, porque al día siguiente prácticamente todos escriben lo mismo. Eso es lo que crea fenómenos inexplicables como el de Manel, por ejemplo. Nunca he sido amigo de esos “consensos” y por eso en más de una ocasión mi opinión no coincide con la del resto de críticos.

El protagonismo del crítico en sus textos es otro tema llamativo. ¿Crees que hay gente que abusa de ello, en lugar de concentrarse en la obra o el artista? ¿Hay mucho músico frustrado en el mundillo?

Lo del músico frustrado es un tópico, como lo que se dice de los críticos de cine, que son cineastas frustrados. Pero sí, creo que la tendencia actual de mezclar situaciones personales con el comentario de un disco es nefasta. Cuando escribo una crítica, tengo muy claro lo que a mí me gustaría leer e intento aplicarlo: background sobre el artista (de dónde procede, qué ha hecho antes), datos sobre el disco (quién colabora, quién produce), información sobre las canciones (de qué hablan las letras, si son temas originales o versiones) y descripción del estilo. En resumen, lo básico para que alguien que lo lea tenga una idea aproximada de cómo suena el disco y decida comprarlo o no. Desgraciadamente, me encuentro con un montón de críticas que me dejan indiferente, porque describen más las sensaciones o los recuerdos que le provocan las canciones al crítico que las propias canciones, o utilizan comparaciones absurdas. Y después de leerlas piensas: “Sí, ¿pero vale la pena o no?”.

¿Cuál es el, o los, críticos musicales referencia para ti? ¿Hay algún país donde la calidad de la crítica musical te parezca especialmente destacable? La del mundo anglosajón siempre ha parecido gozar de una cierta jerarquía sobre el resto.

Yo me “crié” con la escuela de Radio 3, es decir Jesús Ordovás, Diego A. Manrique y Rafael Abitbol, entre otros. A nivel catalán, era seguidor de un crítico de La Vanguardia llamado Mingus B. Formentor. Dicho esto, no me parece que la prensa anglosajona sea la mejor: creo que se mueve demasiado por hypes, por el grupo sensación del momento, y olvida las carreras de largo recorrido. Pongamos el ejemplo de Pitchfork, la web musical norteamericana seguida por todos los que se precian de ser indies y estar al día. Si la analizas profundamente, te encuentras con dos problemas: uno, que paradójicamente incluye muy poca información de artistas norteamericanos que no encajan en las modas (por ejemplo, apenas hay información de Howe Gelb, líder de Giant Sand y muchas cosas más), y no digamos ya de bandas que no pertenecen al mundo anglosajón; y dos, que muchos de los grupos que ensalzan son un bluf, capaces únicamente de grabar un “buen” álbum pero absolutamente incompetentes a la hora de llevarlo al directo. Eso nos llevaría a otro tema, que es el triunfo del amateurismo y de los grupos de aspecto “casual”, un fenómeno que está perjudicando seriamente a la música. Prefiero la prensa francesa, representada por revistas como Les Inrockuptibles, mucho más abierta de miras (se acerca a todas las músicas, no solo las interpretadas en inglés) y con menos interés en sentar cátedra.

¿Qué opinas de la democratización de la crítica a través de internet? Que cualquiera pueda crear un blog y hacer de crítico, ¿pone en peligro el oficio de algún modo? ¿Lees a alguno de estos críticos amateurs? ¿Te parecen buenas las críticas que hacen?

Por una parte, el hecho de que cualquiera pueda crear un blog me parece fantástico. Pero con la música ocurre como con el fútbol: todos son expertos. Es decir, si eres un gran fan de, pongamos por caso, Prince, y quieres dedicarle un blog, hazlo, como lo harías si fueras un aficionado a la filatelia. Pero en general, esos blogs donde cualquiera ejerce de crítico, escribe con faltas ortográficas, comete errores de nombres, fechas y títulos, etc etc, acaba por desprestigiar a la profesión porque extiende la idea de que cualquiera puede ser crítico. No niego que puede haber algún crítico bueno entre estos blogs; es como cuando antes se escribía en fanzines. Pero la falta de rigor que muchos de ellos tienen nos perjudica a todos. No sigo a ninguno.

No puedo dejar de preguntarte sobre el estado de la industria y el impacto de internet sobre ella. ¿Cuál crees que es el futuro de la industria del disco a corto plazo? ¿Optimismo o pesimismo? ¿Eres de los que apoyan la ley Sinde?

Es un tema complejo. No creo que internet sea el gran enemigo de la industria, como esta nos hace creer. La industria está mal, pero se lo ha buscado ella sola despilfarrando durante muchos años, invirtiendo millones en artistas que luego no han funcionado, y siendo incapaz de adaptarse a los tiempos. Creo que tal como está la cosa actualmente, el mejor escenario posible es que los artistas se autogestionen y pasen de discográficas e intermediarios, vendan sus discos directamente en sus webs o en sus conciertos y tomen las riendas de su carrera. Creo que vamos a ir hacia un modelo parecido. En cuanto a la ley Sinde, no la apoyo en absoluto.

Hay músicos que parecen aceptar la situación y utilizan internet, por no decir sus discos, como algo así como formas de promoción de sus conciertos. Por ejemplo, Rulo y la Contrabanda, antiguos miembros de La Fuga, lanzaron a través de Spotify un adelanto de su último disco. Que se hagan estas cosas, ¿significa que el paciente está muy mal? ¿Qué opinas del fenómeno Spotify? ¿Es un robo a los artistas?

Todo eso significa que actualmente los músicos ganan más dinero en los conciertos y en la venta directa de discos y merchadising en esos conciertos. Eso tiene un doble aspecto positivo: por un lado, obliga a los grupos a girar más, lo que revierte en una mejora de su sonido. Siempre he pensado que, al menos en España, aunque ahora también se extiende a los grupos indie anglosajones, a las bandas les falta rodaje, les falta chupar carretera, para dejar de dar esa penosa impresión de hacer conciertos que parecen fiestas de fin de curso o veladas musicales en casa de un amigo. Por otra parte, si te quieres comprar el disco de un grupo, te costará más barato en el puesto de merchandising del concierto que en una tienda, y además tendrás la oportunidad de conocer al grupo y llevártelo firmado. En cuanto a Spotify no es ningún robo: los artistas cobran aunque, eso sí, cantidades ridículas.

Socialmente, ¿cuál te parece que es el papel actual del crítico en España? ¿Se le valora? ¿Se le lee suficientemente? ¿Te parece que el lector español es un lector culto, o es de los que prefieren leer lo que dicen sobre el último disco de Lady Gaga en una revista que puede parecer papel couché, antes que la crítica de la última grabación de Nacho Vegas?

Creo que el crítico está desprestigiado por lo que decía antes, el auge de blogueros sin rigor. Además, está ese carácter tan típicamente español, que hacer creer a todos que son expertos en música, fútbol, política y mil cosas más. En ese contexto, ¿qué utilidad tiene un crítico? ¿Quién le va a hacer caso? En cuanto a cultura musical (y general, todo hay que decirlo), es obvio que somos un país atrasado. Por una parte tenemos una gran cantidad de personas que solo compran dos discos al año, por Navidad y por su cumpleaños, y evidentemente no se rompen la cabeza y van a lo fácil, a lo que vende más. Por otra parte, el supuesto público indie no se da cuenta de que el indie ya no existe y se ha convertido en una moda más; antes la gente seguía los 40 Principales, ahora siguen lo que dicta Pitchfork. No tienen curiosidad en descubrir cosas nuevas y siguen fielmente los dictados de lo que consideran su Biblia. Es la misma situación de adocenamiento, por mucho que intentes disfrazarla. Para mí es lo mismo un oyente de los 40 Principales que un lector de Pitchfork: ambos han perdido toda capacidad de crítica y de análisis, y provocan el éxito de artistas mediocres que son flor de un día. Porque en la música indie también ha llegado la cultura del triunfo rápido, y las carreras de largo recorrido son vistas como una rareza.

I aquí teniu la segona tongada de preguntes, per ampliar algun dels temes:

¿Qué recuerdos tienes de tu primera crítica, de aquel concierto de Ilegales? ¿Nervios, sentías que recaía sobre ti una cierta responsabilidad, pensabas que te la jugabas y tenías que hacer una crítica fantástica para convencer a tus jefes de que valías para esto?

Sinceramente, no recuerdo nada especial. Además, como suele ocurrir en la prensa diaria, los jefes de sección (en este caso, Espectáculos), no controlan lo suficiente para valorar con precisión lo que escribes.

¿Recuerdas haber vivido algún episodio tenso con algún artista que fuera objeto de una crítica dura, y haber coincidido después con él y que te guardara rencor por ello?

No. Eso solo me ocurrió una vez, pero no fue por una crítica publicada en un medio sino por mis opiniones en un foro de fans de un artista, lo que provocó que los fans se indignaran y que el propio artista llegara a escribirme un mail preguntándome si tenía algún problema con él. El "artista" en cuestión era Miqui Puig, ex Sencillos.

Por lo que me comentas sobre la casi necesidad de tener otro trabajo simultáneo, ¿es realmente difícil encontrar un crítico musical a tiempo completo?

Solo puedes encontrar un crítico musical a tiempo completo si este colabora en diferentes medios (radio, prensa, televisión, etc). es la única manera de vivir de esto.

¿Alrededor de cuántos discos tienes? ¿Cuántos puedes adquirir al año?

Calculo unos seis mil CDs y unos 500 LPs (me deshice de muchos por cuestión de espacio). Antes compraba más que ahora, y muchos los descargo de internet.

Siempre que un crítico musical escucha música, ¿está trabajando el 100% del tiempo? Es decir, ¿puede comprarse discos sin tener la intención de trabajar sobre ellos, por puro esparcimiento personal, o llega un momento en que el crítico se come a la persona?

Es difícil, porque cuando estás todo el día trabajando en esto lo último que se te ocurre es llegar a casa y ponerte música. Es evidente que muchas veces compro (o me descargo) discos que sé que no voy a utilizar para hacer críticas, pero tal vez es cierto que a veces el crítico se come a la persona, sí.

Cuando un artista te felicita por alguna crítica, ¿cómo se lo tiene que tomar uno? ¿Como una prueba de que está haciendo las cosas bien y lo que hace gusta y tiene repercusión, o como un toque de atención sobre que puede estar acercándose demasiado a los artistas que critica y quizá alterándose así su independencia?

Yo me lo tomo como un elemento para alimentar mi vanidad personal. Que te guste el trabajo de un artista no significa que pierdas tu independencia. Es más: pienso que la palabra "crítica" goza de mala prensa porque se asocia a algo negativo: una crítica no tiene por qué ser siempre negativa, al contrario. Pero muchos solo ven esa parte negativa.

¿Podrías comentarme un poco tu opinión sobre el fenómeno del grupo Manel?

Bueno, pienso que es el epítome de esos grupos "indie" que parecen triunfar ahora: individuos normales y corrientes, sin pretensiones, que podrían ser tus vecinos o como tú, con los que es fácil identificarse, representando esa tendencia "casual" que tanto gusta ahora. Si además unimos el hecho de que le gustan a ciertos personajes públicos (el entrenador del Barça, por ejemplo), ya lo tenemos todo. Muchos dicen que la diferencia de los nuevos grupos catalanes respecto a los que surgieron en los ochenta (Sopa de Cabra, Els Pets, etc) es que el público de aquellos también los admiraban por motivos digamos "políticos". no creo que haya tanta diferencia entre unos y otros. Manel han tenido la suerte de recibir el beneplácito de la mayoría de críticos, pero ya empiezan a surgir voces disonantes (la mía, por ejemplo). no me gusta esta tendencia de artistas "que son como tú". se ha perdido ese espíritu que antes tenían las bandas: esos grupos que admirabas porque "querías ser como ellos", por su imagen rompedora, porque envidiabas su éxito con las chicas, su aspecto de "chicos peligrosos", etc. sinceramente, no quiero ser como uno de los componentes de Manel, porque eso significa ser un individuo normal y corriente y eso rompe con todo lo que supone el espíritu del rock (su carácter contra las normas, rompedor, etc). además , son uno de los ejemplos de que el indie ha muerto: ¿qué tiene de indie un grupo que se convierte en número 1 en ventas y que agota las entradas de todos sus conciertos?

¿Cuál es tu opinión sobre las revistas musicales que se publican en España (excepción hecha de Rockdelux…)? ¿Qué opinas de que algunas, como Rolling Stone y Revista 40, pertenezcan a imperios mediáticos como Prisa, con cadenas de radio, TV, etc., en contraposición con aquellas en que la revista es la revista y ya está?

Las revistas musicales en España son, en general, nefastas. Pero no es un problema de las revistas en sí, sino del público, con una incultura musical galopante, a años luz de la que se tiene, por ejemplo, en Francia o Inglaterra. si a la gente le gusta la basura, ofrezcámosle basura, es un pez que se muerde la cola (eso es algo aplicable a la programación televisiva). y las que pertenecen a imperios mediáticos no son independientes, sino que están en la línea del grupo al que pertenecen. solo hay que echar una mirada a Rolling Stone, y comparar la edición española con la norteamericana: la de aquí está adaptada a los gustos nefastos de los aficionados españoles. Pondré otro ejemplo: cuando abrió Virgin Megastore en Barcelona, duró poco porque se adaptó al mercado español en lugar de conservar su carácter, y se convirtió en una tienda como la del Corte Inglés; en cambio, en el Virgin de París el disco de la semana era uno de Miles Davis (jazz) y la sección de música étnica era impresionante. eso era (y es) impensable en el mercado español.

Planteabas la autogestión de los artistas en la venta de sus discos como posible futuro de esta industria; pero en ese escenario las descargas seguirían ahí. Por ello, ¿el problema es que la intermediación hace que los discos sean demasiado caros y por ello hay que eliminarla? ¿Es esta la clave, o va más bien en la dirección de que las discográficas filtran a las bandas pensando en su potencial comercial, con una caída de la calidad de la música que acaba pasando factura a las ventas?

Si un grupo vende su disco en la web a 10 euros y en la tienda está a 20, es evidente que el problema es el de los intermediarios. eso pasa con los discos y con los productos alimentarios, por poner otro ejemplo, y con todo en general. curiosamente, creo que la música de "mala calidad" (léase los subproductos de OT, los grupos de los 40, etc) son los que más venden. difícilmente encontrarás en el top manta a grupos muy alternativos, solo se hacen copias piratas de los superventas. la palabra "filtrar" me parece muy interesante: la industria discográfica siempre busca culpables de las filtraciones de los discos, y ha llegado a acusar a los críticos (lo que les ha llevado a enviar cds promocionales superprotegidos, etc). siempre he pensado que las filtraciones proceden de la propia industria. lo que pasa es que eso nunca lo van a reconocer.

... i Tim Robbins també agafa el micro

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 15 Aug 2010 19:16:00 +0000

Un altre actor ficat a cantant? Atenció: Tim Robbins no és un més. En la seva família hi ha músics (el seu germà David), compon i canta des de fa anys i en la seva filmografia ha demostrat les seves aptituds: va interpretar a un folksinger a Ciudadano Bob Roberts (1992) -es va negar a editar la banda sonora perquè les seves cançons no fossin utilitzades fora de context-, i va ser productor executiu del score i del soundtrack de Pena de muerte (1995). A més, va participar en els tributs Where Have All The Flowers Gone. The Songs Of Pete Seeger (1998) i 'Til We Outnumber 'Em. The Songs Of Woody Guthrie (2000), i va aportar el seu spoken word al debut homònim de 1 Giant Leap el 2002 i a l'àlbum col·lectiu Give US Your Poor (2007).

Malgrat aquest currículum, Robbins ha esperat als 51 anys per a debutar amb Tim Robbins And The Rogues Gallery Band, de la mà del magnífic productor Hal Willner, responsable del doble Rogue's Gallery. Pirate Ballads, Sea Songs, & Chanteys (2006) en el qual no va participar -encara que si en algun dels concerts de presentació-, i del que recupera als músics clau, com Kate St. John, David Coulter i Rory McFarlane, amb l'afegit de Roger Eno.

Lluny de les cançons marineres, en el seu disc l'actor i director interpreta amb una veu més que adequada històries en les quals sembla ficar-se en la pell de coneguts referents -Lou Reed (Book Of Josie), els Pogues més moderats (You're My Dare), el Bruce Springsteen més íntim (Dreams), el Willy DeVille més pantanós (Time To Kill), el Steve Earle fronterer (Queen Of Dreams)-, al costat de temes en els quals s'aprecia l'elegància de Willner (Lightning Calls i Moment In The Sun, amb Joan As Police Woman), utilitzant com base el folk, les sonoritats cèltiques, el blues i el country. "Em vaig plantejar anomenar-lo 'l'àlbum de la crisi de la mitja edat'", confessa Robbins. L'única crisi seria que hagués mantingut oculta més temps aquesta faceta musical.

Per cert, Robbins actuarà el 7 d'octubre a la sala Caracol de Madrid i el 8 al FIZ de Saragossa. Com era d'esperar (una nova cagada dels promotors i programadors de sales catalans) per Barcelona no passarà.

medio hombre medio guitarra

noreply@blogger.com (miquel botella) — Tue, 20 Jul 2010 18:42:00 +0000

Y llegamos al final de este recorrido por Córdoba junto a Howe Gelb y Raimundo Amador. Como dije al principio, el artículo se publicó en una versión reducida en el Rockdelux de julio-agosto. Aquí se ha enriquecido considerablemente con datos, imágenes y vídeos.

Sin embargo, esta última entrega es totalmente inédita, y quedó fuera por cuestiones de espacio (si en lugar de tres páginas hubieran sido cuatro, como yo quería y como correspondía a un tema de portada… por otros personajes mucho menos interesantes se han hecho cuatro páginas… en fin…).

A lo que iba: aquí está la entrevista con Raimundo sobre su nuevo disco. Cuando la hice aún desconocía cuál sería el título y la fecha de publicación, detalles que en los últimos días parecen haberse desvelado. En cualquier caso, aquí está… (por cierto, la foto inferior es, cómo no, de Óscar García).

Pese a sus múltiples colaboraciones aquí y allá, dentro y fuera de nuestras fronteras, Raimundo Amador ya tiene listo su nuevo trabajo, después de un largo proceso de elaboración que empezó con la composición de canciones hace cuatro o cinco años. "He tenido todo ese tiempo para ir escogiendo temas. He podido tener cien ideas, y de ahí pues he cogido seis o siete. Y luego hay una versión de Eric Burdon y los Animals que ha traducido Santiago Auserón, y que también me ha dado un tema. También creo que va a ir una canción que Antonio Vega hizo para mi disco antes de morir, y vamos a rescatar su guitarra de la maqueta. No se parece a su estilo para nada, tiene un rollo Led Zeppelin pero por bulerías".

En un principio, la publicación del disco estaba prevista para el 7 de junio, pero finalmente se retrasará hasta septiembre u octubre. Tampoco está decidido el título. "Tenemos uno, 'Medio hombre medio guitarra', pero no es seguro, aunque me gusta mucho. Hay una canción que se titula así; me la hizo un poeta que también es médico homeópata y me conoce desde muy joven, desde crío, y me dijo: 'Te he hecho este tema porque te veo medio hombre, medio guitarra'. Él escuchaba a Hendrix, y como es de Jerez, también escuchaba flamenco, le gusta mucho la familia Montoya".

Raimundo está entusiasmado con su nuevo álbum, y lo considera su trabajo más personal. "No quiero que suene igual que los anteriores, quiero que suene más un poquito como lo que ha hecho Howe Gelb en su disco, más oscurito; no tan brillante, de esos que te duele el oído cuando le das al volumen. Quiero que sea todo sutil; que tenga caña, pero que tú puedas darle fuerte al volumen, y lo puedas aguantar, que no te moleste. Creo que estoy consiguiendo ese sonido. A lo mejor a la gente le va a chocar, y lo digo de antemano. Ya está dicho".

Junto al CD con catorce canciones, el álbum incluirá un DVD en directo. "Una fiesta, con Manuel Molina de Lole y Manuel, Tomasito, el guitarrista Moraíto de Jerez, el Lin, su hermano Nani, Juan de Juan el bailaor… una fiesta a tutiplén. Una fiesta, lo que es una fiesta, grabada a nuestro rollo. Vamos a escoger cuatro cosillas, porque si ponemos toda la fiesta, el DVD podría durar siete horas. Y también llevará un making of", explica.

traduttore, traditore!!!!

noreply@blogger.com (miquel botella) — Tue, 20 Jul 2010 18:21:00 +0000

Imaginemos la situación: ni Howe Gelb habla castellano (solo chapurrea algunas palabras, como en The Ballad Of Lole y Manuel) ni Raimundo Amador (ambos en la foto superior de Óscar García) se defiende con el inglés. En esas circunstancias, ¿cómo es posible sacar adelante una aventura como Alegrías? El de Arizona lo tiene muy claro: "He aprendido que a veces es un gran alivio no hablar el idioma del otro. Hay otras formas de comunicación en marcha. Las sonrisas y las carcajadas, las lágrimas y el sudor, las canciones y las jams. Eso funciona mucho mejor que las meras palabras y refleja de forma mucho más precisa los sentimientos de los demás. Puedes liarte mucho intentando articular palabras. Demasiado peso, demasiada gravedad. El hecho de no hablar es una forma de liberar a cada uno de la gravedad de la situación y flotar más en los sentimientos".

Y reconoce: "Por supuesto, a veces hay alguna confusión. Pero me siento cómodo con eso. Me gusta estar en lugares donde puedo disfrutar de la voz humana por su timbre y tono, su melodía e inflexión, sin los detalles de las palabras enturbiando la mente con demasiada información. ¿Te has fijado alguna vez en la sonrisa de una mujer que no puede hablar tu idioma o la risa de un niño antes de que haya aprendido alguna palabra? Esas expresiones hablan al corazón espléndidamente".

Raimundo explica las tribulaciones lingüísticas de forma más expresiva: "Yo de vez en cuando le doy unas palizas, pobre, porque no puedo parar de hablar. Y a veces estamos en Madrid y se viene conmigo solo y le pregunto: '¿Te has enterao?'. Y dice: 'No, pero bueno…'. Y yo le hablo y le hablo. Él me habla algo, un poquito, pero yo le hablo mucho. Y el tío, el pobre… de algunas cosas sí… Nos enrollamos y sabemos que a lo mejor no nos enteramos, pero nos miramos a la cara y a los ojos y más o menos sabemos de qué va el rollo un poco, ¿no? No de qué va, sino de si hay mal rollo o buen rollo. Hay mucho feeling. Y Fernando Vacas siempre dice: 'No, si tú y Howe os entendéis perfectamente'. No nos entendemos, pero estamos, y yo me hincho de hablar".

Más allá de las palabras, el entendimiento entre ambos ha sido sobre todo musical: "¡Hombreeeee, hombreeee! B.B. King dijo eso. Le preguntaron cómo nos entendíamos. Y contestó: 'Nosotros, para hablar lo hacemos a través de traductores, hablamos un poco con las manos, pero cuando cogemos las guitarras, ahí no hay más que un idioma, el de la música'. Con la música no hace falta traductor".

(continuará...)

bellezas andaluzas entre toneles

noreply@blogger.com (miquel botella) — Tue, 13 Jul 2010 17:49:00 +0000

De nuevo la comitiva se traslada a otro escenario, esta vez con el loable objetivo de cenar: en este caso, Bodegas Campos, un célebre restaurante lleno de toneles firmados por personajes famosos de todo pelaje: de José María Ruiz Mateos a Jesulín de Ubrique. Joan Vich Montaner, su mánager en España, retrata a Howe ante el barril de Concha Velasco, cuya inscripción resulta de lo más adecuado: "¡Alegría! Hemos nacido para la alegría".

El lugar es de lo más pintoresco. Así lo describen en su página web: "Bodegas Campos se ubica en un importante conjunto de casas históricas, al menos tres de las cuales están fechadas antes de 1706. Una de ellas, la de Santo Dios, aparece citada en la documentación que, en 1989, Córdoba presentó para solicitar que su casco histórico fuera declarado Patrimonio de la Humanidad. El resto pertenecen al marquesado de Cortes de Graena. Entre las peculiaridades de la casa, destacan los típicos patios cordobeses, los capiteles visigóticos, las andanas de botas de roble del interior, firmadas por visitantes ilustres, y una rica colección de carteles taurinos que decoran las paredes".

En ese ambiente, y entre elaborados canapés y vino y cervezas a discreción, mantengo conversaciones con Gabriel Núñez, el director de la revista ‘Boronía’, una magnífica publicación dedicada a la creación contemporánea, que tras una primera etapa entre 1988 y 1989 ha vuelto a la carga con fuerza. A un número cero acompañado de CD, le ha seguido un monográfico sobre flamenco, con un DVD de La Noche Blanca del Flamenco celebrada en Córdoba en 2009. Gabriel me invita a la presentación de ese número especial (que incluirá un ensayo general de Howe Gelb And A Band Of Gypsies) y a La Noche Blanca de este año, pero por desgracia declino la apetitosa oferta por culpa de mis obligaciones laborales (coincide con las fechas de cierre del número de julio-agosto de Rockdelux).

Me relaciono con otros asistentes a la celebración en Bodegas Campos, como uno de los componentes del grupo cordobés de folk y americana Jubilee, que primero trae el CD y luego el vinilo de A Place Called Home (a la derecha). Y como no podía ser menos, teniendo en cuenta que a mi lado también está Ignasi Julià -divertidísimo compañero en este periplo cordobés-, acabamos hablando de nuestras respectivas revistas, entre intentos de arreglar la prensa musical en España, comparación de métodos de trabajo y confesiones, como la mía al reconocer que, en el fondo, soy más "rutero" que "rockdeluxero" por mis gustos musicales y extramusicales (encima esa noche llevo una camiseta de Johhny Cash para acabar de corroborar mis argumentos).

Y claro, inevitablemente me fijo en las bellezas que circulan por el lugar. Una preciosa rubia llamada Rafaela se sienta en el rincón que comparto con Óscar García. Nos cuenta que viene de Madrid. Le presto el ejemplar del número cero de ‘Boronía’ que me ha pasado Gabriel Núñez, y estoy a punto de regalárselo… hasta que aparece un chico con una escayola en un brazo y Rafaela, en lugar de escribirle una simple dedicatoria, le dibuja un retrato. Me parece un gesto precioso. Tampoco puedo dejar de sentirme impresionado por una espectacular pelirroja con unas plataformas que aún acrecientan más su ya alta estatura, la gran (en todos los sentidos) Rakel Winchester (en la foto inferior), otra personalidad de la escena local. Y bueno, last but not least está Teresa Molina, una compositora colaboradora de Eureka Records, cuya alegría me alegra (y valga la redundancia) la noche.

La próxima parada es el bar Amapola (detalle del interior en la foto inferior), uno de los clásicos de la noche cordobesa al que accedemos a través de un garaje ("estacionamiento", como reza el cartel) en el que hay colgado un cartel de Manuel Benítez el Cordobés. Intento no despegarme de Teresa en lo que queda de noche; tengo el presentimiento de que me contará cosas interesantes, como su pasión por la natación en general y por el agua, que le llevará a cambiar de ciudad en busca de una que tenga mar; le pregunto si conoce Rockdelux y me dice que no lee ni ve televisión ni nada de nada.

Pero algo se fragua en la calle, bajo la luna llena y con una suave brisa: tras varios conatos, al final se monta el pollo en la terraza en un improvisado escenario con Amador tocando la guitarra y varios espontáneos, entre ellos Rakel (puede verse abajo en la instantánea de Óscar García). Howe deambula cerca, pero los gritos de "arráncate, Jau" no parecen tener mucho efecto. La juerga termina a las seis de la mañana en casa de Fernando, con un Raimundo estelar. Y yo que me lo pierdo...

(continuará…)

de Marte a Arizona vía Córdoba

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 11 Jul 2010 18:46:00 +0000

Antes de la canción Broken Bird & The Ghost River, la mujer de "Panki", Inma, recita un poema: "Crees que vas a estar para siempre, pero solo estás de paso". ¿Es una metáfora de este proyecto, o tendrá continuidad y podemos esperar más discos con Band Of Gypsies? Howe suspira: "Uno puede esperar cualquier cosa, pero es mejor hacer como los daneses y tener pocas o ninguna expectativa. Aparentemente, eso les ha convertido en el pueblo más feliz del planeta".

Lo que sí es seguro que este año se editará un nuevo disco de Giant Sand, grabado en Dinamarca, con el que se celebrará el 25 aniversario del debut de la banda, Valley Of Rain (Enigma, 1985). Gelb también ha participado como actor (además de encargarse del soundtrack) en Mars (Geoff Marslett, 2010; en el vídeo superior), una historia espacial ambientada en Marte rodada con la técnica rotoscópica utilizada en Una mirada a la oscuridad (Richard Linklater, 2006), y ha compuesto la banda sonora de Lightbulb (Jeff Balsmeyer, 2009; en el vídeo inferior), la increíble historia del inventor de un abridor de cerveza parlante.

La última pregunta es obligada. Gelb vive en Arizona, ese estado donde la gobernadora Jan Brewer ha provocado la polémica con la ley sobre la inmigración y donde anteriormente otro gobernador, Evan Mecham, canceló el Día de Martin Luther King. ¿Qué se siente al vivir en un estado con este tipo de políticos? "It’s crazy, is loco! Es muy excitante. Es un gobierno de dibujos animados. Es como Fox, que emite las mejores cartoons: tienen 'Los Simpsons', 'Padre de familia', 'Futurama'... Y cuando ves las noticias, es como si aún estuvieras viendo dibujos animados. Así es el gobierno en Arizona".

Finalmente, y con cierto retraso, se celebra la presentación de Alegrías, revestida de acto institucional con la presencia del teniente de alcalde de Cultura, Rafael Blanco, quien habla del amigo "Jau, al que todos conocéis". Y declara sentirse "muy satisfecho" porque el músico norteamericano ha elegido Córdoba para grabarlo, siendo un productor de la ciudad –Fernando Vacas- el que se ha encargado del trabajo. "Es un placer que grandes figuras de la música como Howe Gelb se enamoren de nuestra ciudad y unan su experiencia vital a lo que han visto aquí".

Howe y su Band Of Gypsies tocan tres temas del álbum ante un público muy variopinto, incluido familias que paseaban por la calle con el niño a cuestas. Las cámaras de TVE lo graban para el informativo de La 2. La técnica me juega una mala pasada: intento registrar en vídeo la primera de las canciones, pero la cámara se cuelga. No podré tener mi minuto de gloria en YouTube. Pero aquí podéis ver las imágenes tomadas por alguien que no tuvo problemas con las máquinas.

(continuará...)

más allá de la mujer morena

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sun, 11 Jul 2010 18:07:00 +0000

En el proyecto "gitano" de Howe Gelb, junto a las inestimables aportaciones de Fernando Vacas, Raimundo y sus colegas, es de justicia destacar la participación en las mezclas de John Parish (en la fotografía superior de J.C. Cuevas, junto a Howe y Vacas). "De hecho fue Fernando quien lo sugirió. Y siempre busco alguna excusa para trabajar con John. Se ha convertido en un hermano leal desde que acudió cuando mi amigo Rainer estaba muriendo de cáncer cerebral. Pero en este caso también ayudó mucho porque pude explicarle de forma muy detallada cómo quería que sonaran las canciones y qué poner o sacar en las mezclas, lo que hubiera sido casi imposible con alguien que no tuviera el inglés como primera lengua. Y confío en su oído, tras haber trabajado con él antes en varias sesiones, para hacer lo que no puedo explicar".

Uno de los elementos que más llama la atención de Alegrías es su portada, un cuadro de Julio Romero de Torres de 1917 –técnicamente, un óleo y temple sobre lienzo de 161 x 157 centímetros-, que también da título al álbum. "Cuando estaba marchándome de un restaurante en Córdoba, me fijé en esa reproducción en la pared y me quedé clavado. Había algo en ese cuadro que parecía representar lo que estaba pasando en el tejado de Fernando. Más tarde, 'Panki' me dijo que el guitarrista de la pintura era su abuelo. Y entonces todo cobró sentido". De hecho, la identidad del misterioso guitarrista ha sido objeto de diversas especulaciones, como se explica en esta página.

Curiosamente, algunos expertos en la obra de Romero de Torres, como por ejemplo Mercedes Valverde Candil, dicen que este cuadro muestra unas "alegrías tristes", por la actitud hierática y distante de la bailaora -la catalana Julia Borrull (en la foto inferior)-, y que únicamente las palmas de la gitana y la sonrisa de Carola, sobrina del autor, situada algo detrás, demuestran esa alegría que el título sugiere.

Gelb tiene su propia lectura: "Me identifico con el guitarrista que probablemente nunca tocó antes en esa posición, pero a quien le pidieron hacerlo para la composición de la pintura. Pero al hacer eso lo asumió como un reto personal y su rasgueo fue captado en esa posición. Y eso es lo que me encanta –en una conversación telefónica posterior, Howe me contó que descubrió que ese guitarrista solía tocar así, y que no era una pose forzada para el cuadro–. La bailarina parece más feliz que la mayoría de bailarinas de flamenco, y las mujeres que la rodean están contentas de que ella esté delante para celebrar lo que es ser una mujer. Y todas saben también lo estúpidos que son los hombres, y se ríen sobre lo que tienen que soportar mientras mágicamente traen a más humanos a este mundo. Mientras el hombre solo puede manejar la chispa, ellas parecen personificar el fuego entero".

(continuará...)

el banco de canciones, Gainsbourg y Rainer

noreply@blogger.com (miquel botella) — Sat, 10 Jul 2010 10:20:00 +0000

Si se presta atención a los créditos de Alegrías, se observa que varias canciones fueron escritas hace años (la más antigua, en 1986). De hecho, el primer single, Uneven Light Of Day –con un precioso vídeo realizado por Maria Mochnacz, colaboradora habitual de PJ Harvey, y que podéis ver al final de este post- es un tema incluido en el álbum de Giant Sand Storm (1987; en la foto de la izquierda), que puede escucharse en esta página. Y no es el único caso. "Me he preguntado por qué compuse tantas canciones tan rápidamente e hice tantos discos cuando empecé a grabar. Siempre sentí que comencé demasiado tarde, a los 28 años. Y como siempre fui un rocker indie, necesitaba hacer muchos discos para que la banda siempre pudiera actuar y comer. Era una necesidad y no me planteaba si era imposible, así que solo lo hice. Ahora tengo tantas en el 'banco de canciones' que a veces, cuando necesito alguna, voy y retiro fondos como si sacara dinero. Solo es cuestión de pensar cuál de las viejas canciones encajará mejor. Y cuando las tocamos ahora, la inspiración proviene de nuevo material, y se convierten en nuevas canciones".

Y añade: "Hice lo mismo con mi anterior disco en solitario con el coro gospel -’Sno Angel Like You (Thrill Jockey, 2006; en la foto de la derecha)-. Es la misma ética de trabajo". En Alegrías, Howe descartó traer los viejos discos para que la banda escuchara las versiones originales de las canciones. "Hubiera sido un error. Lo que hice fue decir: 'Esta es una canción de hace mucho tiempo de ese grupo raro llamado Giant Sand'. Lo hago más como si yo no fuera el compositor, y me acerco a ella como si aprendiera la canción de otro. Así la veo de forma diferente. Cuando empecé a entender los patrones y acordes del flamenco, pude mirar mis viejas canciones y pensé que eran similares en su progresión".

Aparte del flamenco, hay en Alegrías algunas canciones con sabor a bossa nova, como Broken Bird & The Ghost River, Where The Wind Turns The Skin To Leather y The Ballad Of Lole y Manuel. Esta última, además, posee una sensualidad que recuerda al Gainsbourg de Je t’aime… moi non plus a lo sureño. "Probablemente estás en lo cierto. Fue en esos ritmos mutuos donde los gitanos y yo nos encontrábamos a menudo, formando una especie de triángulo. Y Fernando estaba viendo una colección de vídeos de Serge Gainsbourg mientras yo permanecía en su casa durante las grabaciones, así que… quizás sí".

Decido exponer a Howe mi teoría de que la etiqueta americana ha alcanzado una dimensión internacional, fuera de las fronteras de Estados Unidos, y que puedes encontrar grupos de ese estilo en Francia, España o en cualquier parte. ¿Es Alegrías un nuevo paso en esa globalización? "La americana es música americana hecha por americanos que se han reunido en un lugar procedentes de todos los puntos de la tierra. América es una gran idea porque es un melting pot (crisol) de gente de todas partes. Los americanos solo son terrícolas como tú y como yo".

Aunque eso de descubrir al mundo nuevos sonidos y artistas de otras culturas, como hace Gelb con su disco, ¿no le puede convertir en una especie de Ry Cooder? "Creo que eso es algo muy amable de tu parte. Gracias. Es el mayor honor que alguien me ha sugerido. Ry Cooder, esos asombrosos héroes, hacen la vida mejor. Cuando empecé a dedicarme a la música hace mucho tiempo, mi amigo Rainer (en la foto superior) me ayudó a descubrir cosas que los jóvenes y otras personas desconocían; podía ser una canción, o un intérprete como J.B. Lenoir, o Jimmie Rodgers, y eso cambió mi vida. Si tengo el honor de hacer lo mismo, sería feliz, pero no puedo asumir esa responsabilidad". De hecho, en directo Gelb demuestra su amor por los clásicos, como cuando en su concierto con Band Of Gypsies en Barcelona interpretó una espléndida versión del tradicional Wayfaring Stranger, con el apoyo de Raimundo.

(continuará...)