10.- Creation

Póster de corte clásico, muy bien pensado y con un tagline inteligente y, hasta cierto punto, provocador según quien lo lea. No arriesga nada con la tipografía, pero tampoco lo necesita para conseguir un buen resultado.Diseño: BPG

Kellerhouse vuelve a crear otra gran ilustración, acompañada de tipografía caligráfica muy típica de este diseñador. Aunque en este caso los colores no ayudan mucho a la visibilidad, la verdad es que el resultado es demasiado bonito como para no aparecer en la mejor selección del año. Diseño: Kellerhouse5.- The Social Network

Otra pieza de la misma serie de teasers, si cabe más bello que el anterior. Lo que más me gusta de este póster es la parte de las alas/brazos de la figura, con una ejecución brillante. El único inconveniente que se le pueden poner a estos teasers es la poca valentía de la distribuidora omitiendo el nombre del director y utilizando la sobadísima frase de “From the director of…”, pero en todo caso esto no desmerece el gran trabajo de los diseñadores. Diseño: La Boca

A la temprana edad de 19 años,  Art Fitzpatrick ya diseñaba modelos de carrocerías de coches. En 1945, la marca Mercury se fijó en sus dibujos y le fichó como ilustrador publicitario. Además de Mercury, por esas fechas también empezó a ilustrar para marcas como Lincoln o Plymouth. Pero fue en 1949 cuando unió su talento con la otra parte de la ecuación: Van Kaufman, con experiencia como animador para Disney, y con un gran conocimiento de la cultura europea de la época.

Mientras Fitzpatrick disponía de un innegable talento para la ilustración realista de los coches, Kaufman era un genio dibujando atractivos entornos y personajes. Los dos juntos resultaron imparables. Su creciente prestigio los llevó a fichar en exclusiva para la marca Buick en el año 1953, donde firmaron (siempre como AF/VK)  algunas de las ilustraciones más bellas que se habían publicado hasta la fecha:

GM Motorama / Modelo: Buick 1957 Century

Red Carpet Treatment / Modelo: Buick 1954 Roadmaster

Hilton Hotel / Modelo: Buick 1956 Roadmaster

Pero sin duda fue a partir de 1959 cuando su arte llegó a la excelencia. La marca Pontiac les encargó las ilustraciones para sus nuevos modelos, encargo que se mantuvo durante 23 años. Los frutos de esta relación fueron centenares de piezas increibles que hacían soñar a los lectores de las revistas de la época. Sueños de glamour, romance, belleza, viajes… sueños del éxito americano, sueños en los que los Pontiac de Fitzpatrick eran el gran objeto de deseo, las llaves que conducían a esos mundos fabulosos dibujados por Kaufman.

Bermuda / Modelo: Pontiac 1959 Catalina

Times Square / Modelo: Pontiac 1959 Catalina

Estoril Beach Club / Modelo: Pontiac 1962 Bonneville

Monte Carlo / Modelo: Pontiac 1962 Grand Prix

El proceso creativo de estas piezas fue bastante libre para Fitzpatrick y Kaufman. El punto de partida de los encargos eran simplemente los modelos de Pontiac que tenían que aparecer y las fechas de entrega de las ilustraciones acabadas. La historia y el contexto en que se desarrollaba la misma eran creación directa de los ilustradores. Fitzpatrick dibujaba los coches utilizando fotografías previas, disparadas siempre con un objetivo de 35 mm para luego mejorar la proporción de los frontales de los coches mediante el dibujo. El resultado eran Pontiacs majestuosos, con chasis imponentes que parecen salir de la ilustración. Conceptualmente también destacaban por la poca o nula sensación de velocidad que transmiten casi todos los dibujos: Fitzpatrick sabía muy bien que lo que vendía Pontiacs no era lo rápidos que fueran los coches, o sus prestaciones técnicas, sino que la imagen y la belleza del producto era lo que decidía al comprador de la época.

Montmatre / Modelo: Pontiac 1962 Grand Prix

Barbados Sunset / Modelo: Pontiac 1964 Bonneville

Portofino / Modelo: Pontiac 1964 Grand Prix

Monte Carlo Nights / Modelo: Pontiac 1966 Bonneville

Addio Portofino / Modelo: Pontiac 1967 Grand Prix

Las ambientaciones dibujadas por Kaufman también tenían su base, en gran medida, en localizaciones que habían podido fotografiar. Luego creaba esos fantásticos personajes de espíritu ganador que disfrutaban de la vida en todos los lugares posibles. Cabe destacar que el estilo de Kaufman, aún siendo reconocible en todas las piezas, sí que utilizó variaciones dependiendo de la época y el modelo de coche.

Corfu Cove / Modelo: Pontiac 1968 GTO

La Guajira / Modelo: Pontiac 1969 Catalina

Surfers / Modelo: Pontiac 1969 Firebird 400

Thrill Seekers / Modelo: Pontiac 1970 LeMans

Sandy Lane, Barbados / Modelo: Pontiac 1970 Bonneville

Beatch at Cannes / Modelo: Pontiac 1971 LeMans

Con el paso de los años la fotografía acabó arrinconando a la ilustracion publicitaria, pero con su obra Art Fitzpatrick y Van Kaufman, AF/VK, se ganaron un puesto en la historia. Ellos fueron los creadores de imágenes de una época dorada de la publicidad, los que diseñaron los sueños de millones de americanos ofreciéndoles unas realidades casi innacessibles pero totalmente seductoras. Es imposible contemplar una de sus ilustraciones y evitar que nuestra imaginación nos coloque dentro su mundo de felicidad con un Pontiac a nuestro lado.

Kaufman falleció en 1995, pero Art Fitzpatrick todavía se mantiene en activo a sus casi 90 años. Podéis disfrutar de una gran muestra de sus obras en su sitio web fitz-art.com

Mientras Fitzpatrick disponía de un innegable talento para la ilustración realista de los coches, Kaufman era un genio dibujando atractivos entornos y personajes. Los dos juntos resultaron imparables. Su creciente prestigio los llevó a fichar en exclusiva para la marca Buick en el año 1953, donde firmaron (siempre como AF/VK)  algunas de las ilustraciones más bellas que se habían publicado hasta la fecha:

GM Motorama / Modelo: Buick 1957 Century

Red Carpet Treatment / Modelo: Buick 1954 Roadmaster

Hilton Hotel / Modelo: Buick 1956 Roadmaster

Pero sin duda fue a partir de 1959 cuando su arte llegó a la excelencia. La marca Pontiac les encargó las ilustraciones para sus nuevos modelos, encargo que se mantuvo durante 23 años. Los frutos de esta relación fueron centenares de piezas increibles que hacían soñar a los lectores de las revistas de la época. Sueños de glamour, romance, belleza, viajes… sueños del éxito americano, sueños en los que los Pontiac de Fitzpatrick eran el gran objeto de deseo, las llaves que conducían a esos mundos fabulosos dibujados por Kaufman.

Bermuda / Modelo: Pontiac 1959 Catalina

Times Square / Modelo: Pontiac 1959 Catalina

Estoril Beach Club / Modelo: Pontiac 1962 Bonneville

Monte Carlo / Modelo: Pontiac 1962 Grand Prix

El proceso creativo de estas piezas fue bastante libre para Fitzpatrick y Kaufman. El punto de partida de los encargos eran simplemente los modelos de Pontiac que tenían que aparecer y las fechas de entrega de las ilustraciones acabadas. La historia y el contexto en que se desarrollaba la misma eran creación directa de los ilustradores. Fitzpatrick dibujaba los coches utilizando fotografías previas, disparadas siempre con un objetivo de 35 mm para luego mejorar la proporción de los frontales de los coches mediante el dibujo. El resultado eran Pontiacs majestuosos, con chasis imponentes que parecen salir de la ilustración. Conceptualmente también destacaban por la poca o nula sensación de velocidad que transmiten casi todos los dibujos: Fitzpatrick sabía muy bien que lo que vendía Pontiacs no era lo rápidos que fueran los coches, o sus prestaciones técnicas, sino que la imagen y la belleza del producto era lo que decidía al comprador de la época.

Montmatre / Modelo: Pontiac 1962 Grand Prix

Barbados Sunset / Modelo: Pontiac 1964 Bonneville

Portofino / Modelo: Pontiac 1964 Grand Prix

Monte Carlo Nights / Modelo: Pontiac 1966 Bonneville

Addio Portofino / Modelo: Pontiac 1967 Grand Prix

Las ambientaciones dibujadas por Kaufman también tenían su base, en gran medida, en localizaciones que habían podido fotografiar. Luego creaba esos fantásticos personajes de espíritu ganador que disfrutaban de la vida en todos los lugares posibles. Cabe destacar que el estilo de Kaufman, aún siendo reconocible en todas las piezas, sí que utilizó variaciones dependiendo de la época y el modelo de coche.

Corfu Cove / Modelo: Pontiac 1968 GTO

La Guajira / Modelo: Pontiac 1969 Catalina

Surfers / Modelo: Pontiac 1969 Firebird 400

Thrill Seekers / Modelo: Pontiac 1970 LeMans

Sandy Lane, Barbados / Modelo: Pontiac 1970 Bonneville

Beatch at Cannes / Modelo: Pontiac 1971 LeMans

Con el paso de los años la fotografía acabó arrinconando a la ilustracion publicitaria, pero con su obra Art Fitzpatrick y Van Kaufman, AF/VK, se ganaron un puesto en la historia. Ellos fueron los creadores de imágenes de una época dorada de la publicidad, los que diseñaron los sueños de millones de americanos ofreciéndoles unas realidades casi innacessibles pero totalmente seductoras. Es imposible contemplar una de sus ilustraciones y evitar que nuestra imaginación nos coloque dentro su mundo de felicidad con un Pontiac a nuestro lado.

Kaufman falleció en 1995, pero Art Fitzpatrick todavía se mantiene en activo a sus casi 90 años. Podéis disfrutar de una gran muestra de sus obras en su sitio web fitz-art.com

La vida y obra de Jacques Henri Lartigue tuvo un claro objetivo: capturar para siempre los (muchos) momentos de felicidad que transcurrían a su alrededor. Una vez vista la exposición Lartigue: Un mundo flotante que actualmente se exhibe en el CaixaForum de Barcelona, no cabe duda del éxito del fotógrafo francés. No sólo consiguió inmortalizar la felicidad, sino que además el espectador de su obra se lleva consigo una parte de esa alegría…

Lartigue, nacido en 1894, empezó su relación con la fotografía a los 8 años gracias a una cámara  regalada por su padre. Desde entonces fotografíó, con asombroso talento, momentos de su infancia acomodada y los juegos de juventud con sus familiares.  Ser un niño de 8 años con tu propia cámara en el lejanísimo 1901 debe ser una de las mejores sensaciones que una persona puede disfrutar en toda tu vida.

Mientras las maravillas y avances tecnológicos iban cambiando el mundo, allí estaba la cámara de Lartigue para capturar su esencia y preservarla en sus enormes álbumes de recuerdos. Carreras de coches, los intentos del hombre por conquistar el cielo, el tenis, el esquí… todas las actividades de placer y entretenimiento de principios de siglo fueron objeto de interés para el fotógrafo. Especialmente destacables son las obras realizadas por Lartigue usando cámaras estereoroscópicas, que dan como resultado imágenes que recuerdan al 3D actual. Acercar la mirada a los visores que contienen estas obras es toda una experiencia, ya no sólo por el efecto de profundidad sino también por la magnífica composición que utilizó Lartigue en estas fotografías.

Lartigue forma parte indiscutible del selecto club de los genios de la fotografía. Su hedonismo, su talento y su energía son fuente de inspiración para más de uno (Wes Anderson, por ejemplo).

La exposición del CaixaForum cuenta con más de 200 obras de Lartigue, así como muestras de sus álbumes de recuerdos, diarios y algunas de las cámaras originales con las que capturó cada uno de los momentos más felices de su vida. Una maravilla visual que tiene el extraño poder de hacerte salir de la exposición con una sonrisa en los labios, cosa nada fácil hoy en día.

10.- Food Inc.

La contraposición del fondo idílico y la vaca con el código de barras funciona, y lo hace muy bien. Detrás de nuestra percepción de la cadena de producción alimentaria, muchas veces idealizada tras millones de impactos publicitarios, se esconde una realidad que este póster sabe insinuar de manera muy inteligente.

Diseño: The Ant Farm

9.- Final Destination

De acuerdo… el póster es bastante malo…bueno, es MUY malo… Pero el tagline es fabuloso! “Rest in Pieces” es una frase genial, y parece extraño que no se hubiera utilizado hasta ahora.

Diseño: Ignition Print

8.- Cold Souls

El concepto, basado en las clásicas muñecas Matryoshka, se adapta perfectamente a lo que nos promete mostrar la película: “A soul searching comedy”. La selección cromática y la realización también son destacables. Un buen póster, que captura la atención casi al instante.

Diseño: …and company

7.- Thirst

Este póster hace su apuesta en la fotografía… y funciona a la perfección: Puro erotismo con un magnífico uso del color negro. Una sola imagen que transmite casi toda la sinopsis de la última película de Chan-wook Park: Un cura, algo de vampirismo, lujuria…

Diseño: ?

6.- District 9

Esta fue una de las películas más sorprendentes del año pasado en cuanto a repercusión. Su campaña gráfica fue un buen trabajo, con muchas piezas que recordaban a los iconos racistas del “apartheid” con los alienígenas de protagonistas. Pero la pieza que más me gustó fue la que se hacía pasar por un cartel de prácticas de tiro, con la silueta del alien cosida a balazos. Una buena idea y una magnífica ejecución para este teaser. Este mismo concepto se reutilizó para el póster final.

Diseño: Ignition Print

5.- Order of Chaos

Espectacular realización la de esta pieza. El uso irónico que hace del título de la película es una gran muestra de creatividad conceptual. Tiene una gran distribución de todos los elementos y arriesga bastante  con el poco tamaño del título. A riesgo de equivocarme, me parece que el póster es mucho mejor que la película que vende.

Diseño: Stockholm Design

4.- Girlfriend Experience

Hay algo en este póster que lo hace extremadamente subversivo. ¿Quizás es Sasha Grey? Ver a una pornostar como eje central de un cartel comercial de Steven Soderbergh llama mucho la atención, no nos vamos a engañar. Pero más allá de la boca de Sasha Grey, esta pieza es simplemente extraordinaria. El uso de los puntos por encima de la fotografía añaden un toque agresivo al conjunto, mientras que el tagline es pura ironía. Como en el póster de Food Inc, vuelve a aparecer un código de barras pero esta vez ligado a la condición de “producto” del amor de pago. Un gran trabajo de uno de mis diseñadores favoritos, Neil Kellerhouse.

Diseño: Kellerhouse

3.- The End of the Line

Efectividad en estado puro. Simple, dramático y hasta cierto punto aterrador. Que difícil es conseguir todo esto con tan pocos elementos: Un cabeza de pescado, una sola tinta y una tipografía robusta. Esta pieza no necesita nada más para captar la atención al instante sobre el mensaje de la película.

Diseño: Why Not Associates

2.- Inglorious Basterds

Esta pieza promocional de la última película de Tarantino llega al número 2 del ránking’09.  Lo primero que resalta es un buen tagline: “Once upon a time in a Nazi occupied France…” es una frase con un ligero sarcasmo, una pequeña perversión del título de la película de Sergio Leone “Once Upon a Time in America”. La fotografía tiene una gran composición, con 3 diagonales diferentes que lo hacen tremendamente interesante. Luego, detalles como los nombres judios grabados en la madera hacen de esta pieza uno de los mejores pósters del año.

Diseño: Empire Design

1.- Moon

La primera vez que ví esta pieza la estuve mirando durante un par de minutos. Es el trabajo más hipnótico del año, los círculos atrapan el ojo sin posibilidad de huida. Una perfecta imagen gráfica para una gran película. El acting de Sam Rockwell en la fotografía es perfecto, consigue transmitir el desconcierto ante una realidad que no puede entender. Además, es muy elegante en la elección de colores y también en la sencillez tipográfica. El tagline, sin ser lo mejor del póster, es totalmente acertado.

No se puede pasar por alto la inspiración “Solaris” del cartel. La versión polaca del póster de la película de Tarkovski, diseñada por Andrzej Bertrandt, utilizó una solución gráfica parecida. De hecho, en la primera versión del póster de Moon (diseñador por AllCity) todavía se ve más claro el homenaje, con una tipografía muy “70′s”.

Diseño: Cardinal Communications

…y vosotros.. ¿que póster del 2009 colgaríais en casa?

Un clásico cinematográfico, la obra maestra de Carpenter, un relato de terror inolvidable,… Son muchas las calificaciones que se pueden atribuir a esta película de John Carpenter. Estrenada en 1982, The Thing era una nueva versión de la película “The Thing from another world” dirigida por Howard Hawks en la década de los 50.

Estrenada dos semanas después de “E.T”, The Thing fue un fracaso en taquilla y un punto de inflexión en la carrera del director. Paradójicamente, hoy se la considera la mejor obra de Carpenter, e incluso sus supuestos errores se han convertido en sus mejores virtudes. Su final desconcertante y nihilista es, sin duda, uno de los mejores finales en la historia del cine.

Hoy vamos a hacer un repaso de los pósters que han servido como imagen gráfica de esta producción.

Esta pieza es una maqueta de un póster que no pasó el corte y nunca vió la luz. El concepto base es bastante acertado, ya que el bloque de hielo con la perturbadora sombra en su interior es lo bastante sugerente como para llamar la atención. La realización de la idea no está demasiado trabajada, pero no olvidemos que es un boceto como bien se puede comprobar en el recorte de las letras del título, pegadas (literalmente) sobre la fotografía. Buen ejemplo para ver el trabajo artesanal antes del reinado del Photoshop.

Universal continuó desechando versiones. En esta, más sobria en todos los aspectos, el cuerpo del título se multiplica y además utiliza una tipografía mucho más contundente. La diagramación del propio título, con el artículo “The” haciendo de punto de la “I” es una buena solución, aunque al no quedar centrada respecto al conjunto crea una sensación un poco extraña.

La fotografía en blanco y negro del campamento antártico no tiene demasiada fuerza. Si bien sitúa al espectador sobre la localización de la acción, no tiene ninguna carga dramática.

Curiosamente en esta versión aparecen los dos taglines que se utilizaron para la promoción de la película. “The ultimate in alien terror” era un buen tagline comercial. Tiene una evidente referencia a “Alien” de R. Scott e intenta darle una vuelta de tuerca con lo de “Ultimate”: Alien estaba bien, pero The Thing es mucho más nueva. El segundo tagline es uno de mis favoritos de todos los tiempos: “Man is the warmest place to hide” (El hombre es el sitio más cálido donde esconderse). Sutil, inteligente, terrorífico… sin duda hace volar la imaginación y evoca a una de las más básicas pesadillas del subscosnciente: Nuestro cuerpo invadido por un ente extraño.

Más versiones que no llegaron a la meta final: El hielo roto dibuja el título de la película y nos advierte de la salida de “la cosa” a la superficie. Personalmente creo que tiene un toque de serie B de los ochenta que no hace justicia en absoluto a lo que es la película. Demasiado simple para llamar la atención.

En este punto, Universal sabía que tenía un problema ya que los plazos se acababan y todavía no tenían un póster para la película. ¿Qué se hace en estos casos? Si eres la Universal, solo tienes que coger el teléfono y llamar al mejor ilustrador del negocio (y pagar lo que él pida sin rechistar, por supuesto):

- “¿Drew Struzan?”

- “El mismo ¿quién habla?”

- “Somos del departamento de márqueting de la Universal. Escuche Sr. Struzan, estamos muy interesados en que nos pudiera hacer una ilustración para “The Thing”, la nueva película de John Carpenter.”

- “Muy bien. ¿Cuando me envian el material de referencia?”

-”…esto… no tenemos ningún material de referencia ni concepto. No disponemos de foto fija ni tampoco le podemos hacer llegar la película. Eso si, esta película es practicamente idéntica a la de 1951.”

- “Vaya… Bueno, algo se me ocurrirá con el tiempo”

-”…esto…Struzan…lo queremos para mañana a primera hora. La imprenta ya está esperando!”

- “…os odio (cuelga).”

Y así fue como el señor Drew Struzan empezó a trabajar en The Thing. En un día y una noche, creó esta ilustración:

Hielo. Mucho hielo. Un figura humana con un resplandeciente secreto dentro de su parka. Así de simple y así de bonito y bien ejecutado. Las figuras rectangulares del hielo son quizás los detalles más bonitos de la ilustración, pero la precisión técnica, los colores y sobretodo la creatividad de Struzan son los que hacen que el conjunto sea un imán para la vista. Lo más curioso es que la escena dibujada por Struzan no se corresponde con ninguna de la película, pero aun así consiguió reflejar su esencia sin haber visto ni una sola imagen ni leer el guión.

Realizó este acrílico en menos de 24 horas y lo entregó tan rápido que, cuando estaban haciendo las planchas para la imprenta, el original se quedó pegado en el cristal de los separadores porque la pintura estaba demasiado fresca.

Drew Struzan es el ilustrador más famoso de la industria de Hollywood. Hace un par de años se retiró del negocio, dejando un legado de más de 150 obras de cartelería entre las cuales se encuentran los pósters finales de Indiana Jones, Star Wars, Regreso al futuro, los Goonies, Blade Runner… casi nada, verdad?

Por cierto, si estáis interesados en comprar la ilustración original, el precio es 90.000 $…

La versión final del póster utiliza la ilustración de Struzan enmarcada en negro y utilizando el logotipo que ya habíamos visto en una versión anterior. De los dos taglines, sólo utilizaron el primero. El resultado es un gran póster que basa toda su fuerza en el poder de la ilustración. El marco negro nunca me convenció, ya que facilita la lectura del tagline y de los créditos, pero lamentablemente quita espacio a la imagen.

La versión internacional francesa, australiana y española fue muy diferente a la americana. Las siluetas de tres hombres caminan sobre el hielo, mientras se cierne sobre ellos una inmensa amenaza de indefinida forma. El monstruo es el protagonista.  El tratamiento del mismo es muy acertado, con un potente rojo que acentúa la visceralidad de “La Cosa”. Por mucho que lo mires, es imposible distinguir la estructura de la amenaza, pero no te cabe duda que no trae buenas intenciones.

Es interesante ver como se solucionó el tema del artículo “The”: Continúa siendo el punto de la “I”, pero no sobresale por arriba. Una buena idea, ya que así el conjunto queda perfectamente centrado en el póster.

El tagline francés, “Jusqu’au bout de la terreur” (algo así como “Hasta el límite del terror”) es menos creativo que el americano, pero si lo comparamos con el español gana por goleada:

“Entre los hielos de la Antártida duerme una extraña criatura que puede poner en peligro a toda la humanidad… No es un monstruo… No es un fantasma… Es ¡LA COSA! (El enigma de otro mundo).”

Ante tal nivel de síntesis sólo falta agradecer que no utilizaran una linea más para el tagline, porque sino nos cuentan la película hasta el final.

La versión balcánica es una curiosa mezcla (de difícil digestión visual) de las siluetas de la versión internacional más explosiones y un helicótero. La mitad inferior del póster quedó totalmente vacia y el extraño uso del título “Stvor” culmina uno de los pósters menos agraciados de “The Thing”.

La versión japonesa es todo un espectáculo. Combina algunos de los elementos que ya hemos visto anteriormente: La masa viscosa sale de la grieta y muestra unos interesantes tentáculos que no habíamos visto hasta ahora. También vemos la imagen del campamento, el helicóptero y otra novedad: 11 caras de los 12 hombres que cruzarán su destino con el alienígena invasor (No tengo claro porque elimina a uno de los personajes)

El horizonte de la Tierra engloba todo el conjunto, en el que por primera vez se le da relevancia directa al protagonista principal (McReady) mientras calienta el ambiente con un lanzallamas.

No tengo ni idea de lo que dice el tagline o el título, pero la belleza de la escritura asiática lo hace muy atractivo, no os parece?

Para acabar este post, un par de versiones actuales, creados por diseñadores fanáticos de esta gran obra. El primero está diseñador por Tyler Stout, con un estilo propio que yo definiría como un interesante “barroquismo vectorial”. Este y otros carteles del mismo diseñador son utilzados para promocionar los pases de clásicos en el Alamo Drafhouse, un autocine con una gran programación.

El último es una creación de Bart Graziana, un joven diseñador con un buen portfolio de trabajos. Esta pieza es un perfecto trabajo de concreción conceptual. Sólo dos elementos, hielo y una mancha de sangre, sirven de perfecto resumen de lo que nos ofrece la película de Carpenter.

Existen muchas maneras de representar graficamente la atmósfera de The Thing, algunas más acertadas que otras. Pero todas tienen algo en común: Siempre dan ganas de volver a verla!  Visitar la base Antártica Outpost 31, con McReady y compañia, es altamente recomendable por lo menos una vez al año.