Dai super robot come Mazinger Z negli anni ’70 ai real robot inaugurati da Gundam nel 1979, il genere dominava regolarmente le stagioni anime, influenzando non solo la televisione ma anche il mercato del merchandise e dei modellini.

L’inizio della fine

Negli ultimi dieci-quindici anni, però, la presenza degli anime mecha nelle produzioni stagionali si è progressivamente ridotta.

A partire dagli anni 2010, il successo crescente di isekai, fantasy e battle shonen ha spostato l’attenzione del pubblico verso formule narrative più immediate, lasciando agli anime mecha uno spazio sempre più limitato rispetto al passato.

Ma il calo d’interesse non dipende solo dalla quantità di serie prodotte.

Molti anime mecha richiedono trame politiche, worldbuilding articolato e conflitti militari complessi, elementi che spesso si rivolgono a un pubblico più specifico rispetto a opere dal ritmo veloce e dal forte appeal commerciale.

Per questo molte produzioni originali del genere hanno avuto difficoltà a raggiungere grande popolarità.

Il caso Gundam

In questo scenario, Bandai è riuscita a mantenere un brand come Gundam in una posizione privilegiata.

Nato nel 1979 con Mobile Suit Gundam, il franchise ha attraversato oltre quattro decenni reinventandosi continuamente attraverso nuove timeline, serie televisive e soprattutto il fenomeno dei Gunpla, modellini in plastica da montare e colorare che dagli anni ’80 rappresentano una parte fondamentale del successo del marchio.

Produzioni recenti come Gundam Unicorn (2010), Iron-Blooded Orphans (2015), The Witch from Mercury (2022) e GQuuuuuuX (2025) dimostrano come Gundam continui ad adattarsi ai gusti contemporanei.

Tuttavia, al di fuori di pochi franchise consolidati, il genere mecha sembra oggi vivere una fase diversa rispetto al suo periodo d’oro, sostenuto soprattutto da una fanbase fedele mentre il grande pubblico si orienta verso altri tipi di anime.

Una nicchia consolidata

Le opere moderne tendono inoltre a mescolare elementi di guerra, fantascienza, politica, cyberpunk o dramma psicologico, cercando di intercettare un pubblico più ampio rispetto ai soli appassionati dei robot.

Il successo di The Witch from Mercury ha dimostrato che esiste ancora interesse per il genere, quando viene rinnovato e presentato a nuove generazioni di spettatori.

In conclusione, parlare di “morte del mecha” sarebbe improprio: il genere ha perso la centralità commerciale che possedeva decenni fa, ma continua a produrre opere di qualità e a mantenere una comunità di fan molto fedele.

Ogni stagione anime vede ancora l’arrivo di almeno uno o due titoli robotici, come ad esempio Snowball Earth di questa stagione primaverile che sta per concludersi, segno che il mecha si è trasformato da fenomeno di massa a solida nicchia specialistica, capace comunque di rinnovarsi e sopravvivere nel panorama contemporaneo.

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Anni di attesa, annunci vaghi e lunghi silenzi sembrano diventare la norma, anche per produzioni amatissime e redditizie.

Prendiamo per esempio Re:Zero − Starting Life in Another World.

Tra la prima stagione del 2016 e la prima parte della seconda stagione, arrivata nel 2020, sono passati quattro anni, un intervallo che per molti sembrava inspiegabile, soprattutto considerando la popolarità della serie.

La seconda parte della seconda stagione è uscita a una stagione di distanza dalla conclusione della prima parte, nel 2021, mentre per la terza abbiamo dovuto attendere il 2024, e la quarta è iniziata qualche mese fa, ad Aprile 2026.

Eppure Re:Zero non è affatto un’eccezione: basti pensare ad Attack on Titan, One Punch Man, o più recentemente Jujutsu Kaisen, dove i tempi tra una stagione e l’altra possono essere molto lunghi.

La percezione comune è che un anime di successo debba uscire rapidamente: più pubblico, più guadagni, più episodi.

In realtà l’industria dell’animazione giapponese funziona in modo molto diverso.

I tempi dell’animazione

Il primo fattore è il più semplice, ma anche il più sottovalutato: animare richiede tantissimo tempo.

Una singola puntata anime non nasce in poche settimane, dietro venti minuti di episodio esistono mesi di lavoro che coinvolgono sceneggiatura, storyboard, direzione artistica, character design, key animation, animazione intermedia, doppiaggio, compositing, effetti sonori e montaggio.

Anche con team numerosi, la produzione di una stagione può richiedere uno o due anni di preparazione. E spesso i lavori iniziano mentre lo studio sta già gestendo altri progetti.

Per questo motivo, il successo commerciale non accelera automaticamente i tempi, anzi può persino aumentarli!

Se una serie diventa molto popolare, le aspettative del pubblico crescono e lo studio tende a puntare a una qualità più alta.

Il lavoro degli studi di animazione

Un altro equivoco comune è immaginare uno studio di animazione che sia completamente dedicato a un singolo titolo.

Nella realtà, gli studi gestiscono più produzioni contemporaneamente.

Il team che ha lavorato a una stagione potrebbe essere impegnato altrove quando arriva il momento di sviluppare il seguito.

Anche se un sequel viene approvato rapidamente, potrebbe non esistere uno “slot” produttivo disponibile.

Sempre seguendo il caso di Re:Zero, lo studio White Fox era coinvolto in altri progetti, e coordinare staff, registi e animatori non è un processo immediato.

Molte serie semplicemente aspettano che si liberi la finestra produttiva giusta.

Gli “anime committee”

Molti anime non sono finanziati da un singolo studio, ma da un cosiddetto production committee, un gruppo di aziende che può includere editori, distributori, emittenti televisive, piattaforme streaming e produttori musicali.

Questo sistema riduce i rischi economici, ma rallenta le decisioni.

Per produrre una nuova stagione non basta che la serie sia amata: bisogna che tutti i partner coinvolti concordino sul budget, sui tempi e sulla strategia commerciale. Talvolta le trattative richiedono mesi o anni.

Il successo, quindi, è solo uno degli elementi in gioco.

Il materiale originale

Molti anime sono adattamenti di manga o di light novel, il che introduce un’altra variabile importante: la disponibilità del materiale da adattare.

Se una serie raggiunge troppo rapidamente l’opera originale, il rischio è dover rallentare, inserire contenuti filler o interrompersi, come già successo a shonen in voga (Dragon Ball Z, Bleach, Naruto, One Piece).

Alcune serie come Re:Zero, tratto dalle light novel di Tappei Nagatsuki, dispongono di molto materiale, ma per adattarlo serve comunque pianificazione.

In altri casi il problema è ancora più evidente: alcuni anime si fermano proprio per permettere all’opera originale di avanzare.

Il successo non significa priorità assoluta

C’è poi una questione economica meno intuitiva, non tutte le serie di successo generano gli stessi profitti nello stesso modo.

Alcune vendono moltissimo merchandising, altre spingono le vendite del manga, altre ancora funzionano soprattutto sulle piattaforme streaming.

Gli investitori valutano quindi non solo quanto un anime sia popolare, ma dove produca guadagni e se una nuova stagione rappresenti davvero l’investimento migliore.

Ecco perché titoli apparentemente amatissimi possono restare fermi a lungo, mentre altri ottengono sequel molto rapidi.

Il sovraccarico dell’industria anime

Negli ultimi anni esiste anche un problema strutturale: vengono prodotti sempre più anime.

La domanda globale è cresciuta grazie allo streaming internazionale, ma la quantità di animatori esperti e studi disponibili non è aumentata allo stesso ritmo.

Il risultato è un’industria sovraccarica, dove molti team lavorano sotto forte pressione e con calendari estremamente serrati.

Alcuni studi preferiscono posticipare un progetto piuttosto che rischiare un collasso produttivo o un calo evidente della qualità.

Le lunghe attese, in questo senso, non dipendono soltanto dalla volontà commerciale ma anche dai limiti reali della produzione.

Le lunghe pause sono uno standard?

Nell’animazione moderna le pause di diversi anni stanno diventando sempre più normali.

Non indicano automaticamente problemi o disinteresse, ma spesso riflettono la complessità di un’industria che deve bilanciare creatività, mercato e sostenibilità produttiva.

Per gli spettatori l’attesa può sembrare interminabile, ma dietro quei lunghi silenzi non c’è quasi mai semplice lentezza, bensì un sistema produttivo enorme che si muove molto più lentamente di quanto il successo di una serie farebbe immaginare.

L'articolo Perché le serie animate impiegano così tanto tempo a tornare? proviene da Nanoda.

Il genere, letteralmente dell’altro mondo incentrato su reincarnazione o teletrasporto in universi prettamente fantasy, esiste da decenni, ma la sua trasformazione da nicchia a colonna portante dell’industria è un fenomeno relativamente recente.

Ma quando è iniziato davvero il boom?

Il sottogenere isekai è sempre stato abbastanza presente sulla carta stampata o nelle stagioni animate: opere come Fushigi Yûgi, Inuyasha o persino Spirited Away usavano già il concetto del passaggio in un altro mondo. Tuttavia, il vero punto di svolta arriva all’inizio dello scorso decennio.

Il successo di Sword Art Online nel 2012 cambia radicalmente il mercato.

Da lì in avanti, serie come No Game No Life, Overlord, Re:Zero e KonoSuba dimostrano che l’isekai non è soltanto un sottogenere fantasy, ma un modello commerciale estremamente redditizio.

L’industria prende nota e inizia a moltiplicare gli adattamenti di light novel e web novel a tema reincarnazione.

Tra il 1984 e il 2005 uscivano soltanto pochi isekai all’anno; dal 2016 la produzione accelera sensibilmente, fino ad arrivare a un picco di 34 nuove serie nel 2024.

Ancora più significativo è un altro dato: oltre metà degli isekai prodotti nella storia dell’anime sono arrivati dal 2020 in poi.

Secondo analisi recenti, tra il 2020 e il 2024 il numero di nuovi isekai è cresciuto del 143%, stabilizzandosi attorno a circa trenta titoli annui.

Nel 2024 il genere rappresentava già circa il 15% di tutte le nuove serie TV anime.

E adesso?

Guardando le stagioni più recenti, la presenza degli isekai diventa ancora più evidente.

Nell’Autunno 2025 sono andate in onda circa 58 serie anime TV, di cui circa 13 isekai o fantasy di reincarnazione: una quota vicina al 22% del totale.

Nell’Inverno 2026 il numero complessivo resta simile, con circa 62 serie, mentre gli isekai si attestano intorno a 10 titoli, cioè circa 16% della stagione.

La Primavera 2026 conferma la tendenza: circa 40 serie complessive, di cui 10 isekai, pari a quasi un quarto dell’offerta stagionale.

In pratica, oggi è normale che ogni trimestre anime includa una decina di storie ambientate in mondi alternativi.

Perché l’industria continua a puntarci?

Le ragioni sono soprattutto economiche.

L’isekai offre formule narrative immediatamente riconoscibili: protagonista ordinario o sfortunato in cui identificarsi, sistema di livelli, poteri speciali, ambientazione fantasy e progressione del potenziale.

Questa struttura rende il genere facile da promuovere, semplice da adattare da light novel già popolari e particolarmente appetibile per il pubblico internazionale.

Inoltre, la diffusione globale dello streaming ha incentivato la produzione di contenuti “sicuri”.

Gli isekai funzionano bene in termini di binge watching e fidelizzazione, diventando per molti produttori un investimento meno rischioso rispetto a idee completamente originali.

Non sorprende quindi che diversi editori giapponesi specializzati in light novel isekai continuino a registrare risultati economici positivi, alimentando ulteriormente il ciclo di adattamenti anime.

Ma siamo già arrivati a un punto di saturazione?

Il problema è che la crescita quantitativa non sempre coincide con quella creativa.

Molti isekai continuano a distinguersi e a proporre variazioni interessanti sul tema, ma parallelamente si è diffusa una forte percezione di saturazione.

Numerosi osservatori e fan parlano ormai di “peak isekai”: non tanto un crollo del genere, quanto un momento in cui la quantità rischia di soffocare l’originalità e la qualità.

Le critiche si concentrano sugli stessi elementi ricorrenti: protagonisti eccessivamente potenti, mondi fantasy quasi intercambiabili, titoli lunghissimi che raccontano già l’intera premessa e una dipendenza crescente da formule collaudate.

Anche quando cambiano dettagli superficiali, il mestiere del protagonista, il tipo di reincarnazione o il tono comico, la struttura narrativa rimane spesso identica.

Ed è qui che emerge il paradosso del genere.

L’isekai nasce come idea potenzialmente infinita, visto che se si può andare in un “altro mondo”, allora quel mondo potrebbe essere qualunque cosa eppure si finisce per fossilizzarsi su mondi fantasy.

Oggi gli isekai hanno preso possesso di una fetta delle stagioni anime e difficilmente spariranno nel breve periodo.

Ma dopo anni di crescita ininterrotta, la sensazione diffusa è che l’industria abbia trasformato una delle premesse più creative dell’animazione giapponese in una catena produttiva sempre più standardizzata: ormai molte serie sembrano tutte uguali e prive di personalità.

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DJS: Il tuo lavoro unisce cosplay e musica: in che modo queste due forme d’arte si influenzano a vicenda nel tuo processo creativo?

StT: Quando ho iniziato il mio percorso nel cosplay, non avrei mai pensato che la musica sarebbe diventata parte della mia carriera. Nel 2024, circa tre anni dopo aver iniziato a fare cosplay, mia madre Natalie — che aveva scritto centinaia di canzoni mai uscite dal cassetto — mi ha proposto di collaborare per trasformarle in realtà. In quel periodo mi sentivo un po’ persa nel mondo del cosplay e non sapevo bene dove mi avrebbe portata, o persino se sarebbe durato nel tempo. Così ho proposto di produrre insieme le sue canzoni e adattarle affinché riflettessero sia le mie esperienze personali che le sue.

Desideravo che la mia musica percorresse una strada nuova e originale, combinando musica e cosplay in un modo che non avevo mai davvero visto prima. Da qui è nata l’idea che ogni canzone avesse il proprio personaggio originale (OC), capace di rappresentare fisicamente la narrazione del brano. Questo percorso è iniziato davvero con la mia terza e più iconica canzone, “Goodtime Jester”. È nata da una terribile serata in cui mi sono resa conto che le persone che consideravo amiche mi stavano trattando come il loro “intrattenimento” per la serata. Quando ho raccontato questa esperienza a mia madre, abbiamo scritto insieme questo brano per esprimere la mia frustrazione verso quanto le persone possano essere ingannevoli a volte. Tutte le mie canzoni derivano da esperienze in cui credo che molte persone possano immedesimarsi. La musica è un ulteriore mezzo per esprimere la mia passione per il cosplay, creando allo stesso tempo personaggi originali e narrazioni con cui le persone possano entrare in sintonia.

DJS: Qual è stato il momento in cui hai capito di poter trasformare la tua passione per il cosplay e il canto in una carriera?

StT: Il momento decisivo è arrivato quando ho capito che potevo unire tutte le mie competenze nella mia arte. Quando ho iniziato a fare cosplay come hobby, studiavo anche recitazione in una scuola di Londra (Italia Conti e LAMDA), sviluppando le mie capacità performative. Cercavo ancora un modo per fondere la mia formazione con la mia ammirazione per il cosplay.

Mi piace pensare che il mio punto di forza come cosplayer sia la capacità di incarnare completamente i personaggi, non solo visivamente ma anche attraverso la performance. L’introduzione della musica ha aperto un’altra strada, permettendomi di utilizzare il mio background nel canto, nella danza e nella recitazione all’interno dei miei contenuti. Cerco sempre di creare un’interpretazione teatrale multisfaccettata dei miei personaggi, sfruttando le abilità performative che ho affinato anche al di fuori del cosplay. Credo davvero che performance e cosplay vadano molto più a braccetto di quanto la gente immagini. Per me non si tratta solo di assomigliare visivamente a un personaggio, ma di incarnarlo fisicamente, celebrando l’intento originale dell’artista.

DJS: Quando crei un cosplay, immagini mai una “colonna sonora” o un’identità musicale per quel personaggio?

StT: A dire il vero, il mio processo creativo per i personaggi originali funziona al contrario, perché nascono dalla scrittura delle canzoni che sviluppo insieme a mia madre. Non vedo i miei personaggi come qualcosa da promuovere attraverso la musica; piuttosto, sono l’incarnazione fisica delle storie evocate dalle mie canzoni. La narrazione viene sempre prima, e l’aspetto visivo nasce da lì. Una volta completata la scrittura, collaboro con uno dei miei produttori per costruire un accompagnamento musicale completamente tematizzato. Descriverei il mio lavoro come arte alternativa e concettuale, in cui musica e storytelling visivo sono totalmente intrecciati e si valorizzano a vicenda.

DJS: Esibirsi dal vivo a un festival come Etna Comics è un’esperienza unica: come è diversa la tua preparazione rispetto alla creazione di contenuti online?

StT: Esibirsi dal vivo a una convention come Etna Comics è completamente diverso dal creare contenuti online. La creazione di contenuti avviene soprattutto dietro le quinte, mentre Etna Comics è, naturalmente, un’esperienza dal vivo. E anche quando partecipo agli eventi, continuo comunque a creare contenuti prima, durante e dopo, così che il mio pubblico possa vivere il viaggio insieme a me.

Il motivo principale per cui partecipo alle convention è entrare in contatto con le persone che mi hanno supportata e che mi hanno dato la possibilità di arrivare dove sono oggi. È la parte che preferisco degli eventi dal vivo: poter interagire e intrattenere chi si è riconosciuto nella mia arte. Cerco sempre di rendere speciale l’esperienza di chi viene a vedermi, sia attraverso le mie performance sia con piccoli dettagli personali, come distribuire piccoli gadget a tema “Spill The Tea”!

Alle convention mi immergo completamente nell’esperienza: partecipo in cosplay completo, conduco panel, eseguo la mia musica dal vivo e cerco di essere coinvolta il più possibile nell’evento. Al momento le mie esibizioni sono piuttosto essenziali, ma ho una visione molto chiara per il futuro. Mi piacerebbe trasformarle in vere esperienze teatrali complete, con luci a tema, oggetti di scena, scenografie e ballerini. Vorrei che il pubblico fosse totalmente immerso nel mondo della mia musica. Per ora faccio quasi tutto in autonomia: non ho ancora un team completo alle spalle, solo una grande visione e la determinazione di continuare a creare.

DJS: Quale personaggio che hai interpretato finora ti ha messo più alla prova, tecnicamente o emotivamente?

StT: Credo che ogni personaggio su cui ho lavorato, sia originale sia proveniente da un franchise esistente, comporti sfide uniche. È proprio questo che amo del cosplay! Un giorno sto cercando di capire come costruire un paio di ali d’angelo, il giorno dopo creo una parrucca usando soltanto corde. Ogni progetto mi spinge a imparare qualcosa di completamente nuovo. Ogni personaggio che interpreto ha le proprie caratteristiche, atteggiamenti e narrazioni.

Detto questo, sono i miei personaggi originali a rappresentare la sfida più grande, perché sto costruendo qualcosa completamente da zero: visivamente, emotivamente e narrativamente. Inoltre, spesso è qualcosa di molto personale. Vedo i miei personaggi originali come frammenti di me stessa, nati dalle mie esperienze e dai miei sentimenti reali. Prendo qualcosa di estremamente personale e lo trasformo in arte che possa parlare anche agli altri, non solo a me stessa.

DJS: Come si è evoluto il tuo percorso artistico da quando hai iniziato durante il lockdown?

StT: Onestamente, finora è stato un viaggio surreale. Quello che era iniziato quasi come uno scherzo durante il lockdown è diventato una vera carriera! In quel periodo mi sono resa conto che il cosplay era la combinazione perfetta di tutto ciò che amo: recitazione, makeup, costume design, crafting, animazione e videogiochi. Mi dava la possibilità di unire tutte queste passioni in un unico hobby.

All’inizio lo facevo quasi per scherzo, comprando una parrucca da 3 sterline su eBay e tingendomi le sopracciglia di rosa neon per fare il cosplay di Saiki K da The Disastrous Life of Saiki K. Non avrei mai immaginato che sarebbe diventato qualcosa di più grande, tanto meno una parte così importante della mia vita.

Tutto è cambiato quando i miei video hanno iniziato a diventare virali. È stato allora che ho capito che quello “scherzo” poteva davvero trasformarsi in qualcosa di significativo. E da allora il supporto della community cosplay è stato assolutamente incredibile. Sinceramente non sarei dove sono oggi senza di loro. Dal profondo del cuore, sono immensamente grata.

DJS: Quale messaggio speri che i fan portino con sé dalle tue performance e dalla tua presenza online?

StT: Non direi di avere un unico messaggio preciso, ma vedo la mia arte come una forma di evasione per gli altri. Cerco di creare uno spazio sicuro dove le persone possano allontanarsi dal rumore di un mondo sempre più polarizzato e, a volte, opprimente.

Più di ogni altra cosa, desidero creare un senso di comunità. Incoraggio gli altri a sentirsi liberi di essere autenticamente se stessi, sostenendosi a vicenda e legando attraverso un amore condiviso per ciò che è strano, bizzarro e meraviglioso.

Man mano che viaggio sempre di più a livello internazionale, desidero unire membri della community cosplay provenienti da paesi diversi, dimostrando che la creatività e l’espressione personale possono unirci, indipendentemente da dove veniamo.

DJS: Ai fan che vogliono unire più passioni creative come fai tu, che consiglio daresti?

StT: Credo che il consiglio più importante che posso dare sia creare partendo da qualcosa di autentico per voi. Non sentitevi obbligati a conformarvi a ciò che è popolare o considerato “normale”. È proprio la vostra individualità che può rendere unico il vostro lavoro.

Il cosplay, e l’espressione creativa in generale, significano celebrare chi siete davvero e condividere questo con una comunità di persone altrettanto appassionate. L’identità e la storia dietro ciò che create contano sempre più del risultato finale.

E poi tutto si riduce a dedizione e determinazione. Ciò che conta davvero è la volontà di trasformare le proprie idee in realtà. Cercate di dare vita alle vostre idee, qualunque cosa accada.

Link

Seguite Spill The Tea – cosplayer e cantante su Instagram

Il sito di Etna Comics

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J-POP Manga partecipa alla prossima edizione di Comicon Napoli con un’attenzione particolare rivolta al femminile, alla bellezza e all’eleganza insieme a due autrici d’eccezione: Kotteri! e Yudori. Le due artiste saranno presenti tutti i giorni della manifestazione e alle loro opere saranno dedicate due mostre esclusive all’interno dell’Asian Village.

Veil di Kotteri!

Kotteri! è la mangaka che ha firmato la premiata serie romance/slice of life Veil e sarà per la prima volta in Italia dal Sol Levante proprio in occasione di Comicon.

Veil racconta la nascita di un amore, seguendo i momenti quotidiani che portano ogni giorno più vicini e affiatati tra loro i due protagonisti, tra attimi di pura poesia e raffinate illustrazioni. Un lavoro unico nel suo genere che si è aggiudicato il prestigioso Premio Gran Guinigi 2025 come Miglior Fumetto Seriale ai Lucca Comics & Games Awards ed è stato candidato ai Premi Comicon 2026. Il suo talento ha conquistato anche il Japan Expo 2023 di Parigi dove Veil ha vinto il Premio Daruma per il miglior disegno e la miglior edizione.

I figli dell’impero di Yudori

Arriverà poi dalla Corea del sud Yudori, già apprezzata dal pubblico italiano per La scelta di Pandora e La conquista del cielo. L’autrice presenterà a Napoli il primo volume del suo nuovo graphic novel: I figli dell’impero.

Il fumetto racconta gli anni Trenta della Corea, un momento storico cruciale per il Paese grazie alla ventata di modernità portata dalla conquista giapponese. Modernità a cui si opposero i tradizionalisti e tutti coloro che in questa apertura verso il resto del mondo temettero di perdere la propria cultura e specificità. In questa fase liminare in cui il nuovo si intreccia con l’antico, Yudori immagina l’incontro tra una ragazza che abbraccia le mode che vengono da fuori e un giovane ancora vincolato alle antiche consuetudini…

Due opere e due artiste straordinarie che per la prima volta sarà possibile vedere insieme all’attesissimo festival partenopeo!

Sito dell’editore J-Pop Manga

Sito del festival Comicon

Shin’ichi Sakamoto a Comicon Napoli 2025 

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Nasce a Parigi il primo grande festival europeo dedicato a Visual Kei e J-Rock, e si chiama B7KLAN J-Rock Festival. Ma da dove viene questo nome?

La storica realtà europea B7KLAN, fondata da Bertrand Torpedo, celebra vent’anni di attività nel settore della musica giapponese con un annuncio di portata storica: la nascita del B7KLAN J-Rock Festival, il primo festival europeo di questa dimensione interamente dedicato a varie sfaccettature del mondo J-Rock.

L’evento si terrà nei giorni 11 e 12 luglio 2026 presso l’Arena Grand Paris e rappresenta un momento chiave per la scena rock giapponese in Europa, riunendo grandi nomi storici e protagonisti contemporanei del genere per due giorni di concerti imperdibili nella capitale francese.

20 anni di B7KLAN: un punto di riferimento per la musica giapponese in Europa

Da oltre due decenni, B7KLAN è uno dei principali promotori della musica giapponese in Europa, portando artisti J-Rock e Visual Kei sui palchi europei attraverso tour, concerti singoli ed eventi su larga scala. Grazie a questo lavoro costante, l’azienda si è affermata come riferimento assoluto per la cultura visual kei e J-Rock nel panorama europeo.

Il B7KLAN J-Rock Festival nasce proprio per celebrare questo percorso, ma anche per guardare al futuro, con l’obiettivo di diventare un appuntamento annuale fisso per la community europea.

Il B7KLAN J-Rock Festival e il visual kei

Il programma del festival copre un ampio spettro musicale che include symphonic rock, alternative metal, pop-rock, metalcore e industrial, riflettendo sia l’eredità storica del Visual Kei sia la sua continua evoluzione.

Più che un semplice evento musicale, il B7KLAN J-Rock Festival mette in luce il visual kei come movimento culturale, in cui musica, estetica visiva e performance dal vivo si fondono per creare un’esperienza unica e immersiva, capace di coinvolgere sia i fan storici sia nuovi spettatori.

Line-up: grandi nomi e nuove promesse

11 luglio 2026

• Versailles: Storica band Visual Kei nota per il suo symphonic metal e l’estetica barocca

• MUCC: Una delle rock band più longeve del Giappone, con uno stile in continua evoluzione

• LM.C:, duo colorato ed energico tra pop-rock, punk ed elettronica

• KIZU:, giovane realtà Visual Kei alla sua prima esibizione internazionale

• Souffre (Francia): band metal moderna con tematiche distopiche e introspettive

12 luglio 2026

• Moi Dix Mois: Leggendaria formazione gothic metal dall’immaginario iconico

• D’Espairsrays: Band industrial/alternative metal celebre per i live intensi

• An Cafè: Gruppo Visual Kei dal sound pop-rock e stile oshare kei

• Jiluka: Band metalcore moderna con sonorità aggressive e visual futuristici

• Azavana: Progetto rock giapponese che fonde Visual Kei, metal melodico e alternative rock

• Imperial Age (UK): symphonic metal ispirato a mitologia e atmosfere cinematografiche

Fan-Driven Contest: il pubblico sceglie l’ultimo artista

Uno degli elementi più innovativi del festival è il Fan-Driven Contest: l’ultimo artista della line-up verrà scelto direttamente dal pubblico tramite una votazione online, realizzata in collaborazione con HEVN, magazine specializzato in musica asiatica e cultura alternativa. Un’iniziativa che rafforza il legame tra fan e festival, rendendo il pubblico parte attiva nella costruzione dell’evento.

Sito della rivista HEVN: https://hevn.official.ec/ 

Informazioni pratiche

Dove: Arena Grand Paris, 1 avenue traversière, 93290 Tremblay-en-France

Orari:

• Early Entrance: 14:30

• Apertura porte: 15:00

• Inizio concerti: 16:00

• Fine concerti: 23:30

Durata dei concerti:

• Ospiti europei: 30 minuti

• Azavana & vincitore Fan Contest: 35 minuti

• Main band & headliner: da 60 a 90 minuti

Biglietti e categorie

CAT 1 – Parterre fronte palco + posti frontali

• 1 giorno: 125 €

• 2 giorni: 230 €

CAT 2 – Posti balconata

• 1 giorno: 100 €

• 2 giorni: 180 €

Early Entrance Upgrade: 40 €

Ticketing ufficiale

• Arena Grand Paris

• Shotgun

Link e social

Sito ufficiale del festival
Instagram: https://www.instagram.com/b7klan/
X / Twitter: https://x.com/B7Klan_new
Facebook: https://www.facebook.com/B7Kpage

Lisa in Italia in concerto

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Nanoda: Com’è nata la vostra pagina Instagram e quando vi siete resi conto che la nostalgia per gli anni passati e il vintage era qualcosa di condiviso da così tante persone?

NN: Secondo voi, cosa rende l’epoca degli anni ’90 e 2000 così speciale rispetto a oggi? È solo nostalgia o c’è qualcosa che manca davvero nel presente?

NN: Tra canzoni, programmi TV, cartoni animati e pubblicità, qual è il contenuto che genera più reazioni e perché colpisce così tanto il pubblico?

MT: La musica resta sempre uno dei contenuti più forti, ma generano moltissime reazioni anche le clip di serie TV e soprattutto i cartoni animati, inclusi quelli che oggi molti avevano quasi dimenticato. Sono immagini che toccano ricordi profondi, legati all’infanzia e all’adolescenza. Rivedere una scena o un personaggio dimenticato crea un effetto sorpresa potentissimo: è come ritrovare un pezzo della propria storia personale, e questo genera un’emozione immediata e condivisa.

NN: Gestire una pagina così grande comporta anche responsabilità: come scegliete cosa pubblicare per rimanere autentici senza cadere nel “già visto”?

NN: La partnership con DJ Shiru e Le Stelle di Hokuto ha sorpreso molti: come è nato l’incontro e cosa vi ha convinto che fosse la collaborazione giusta?

NN: Teen Forever Fiesta promette di portare sui palchi l’atmosfera delle feste in spiaggia, delle cassette audio e dei Festivalbar in giro per l’Italia: cosa deve aspettarsi il pubblico da questo show?

NN: Dal feed di Instagram al palco il passo non è scontato: avete la sensazione di riuscire a trasformare una community digitale in un’esperienza dal vivo?

NN: Guardando al futuro, vi vedete ancora custodi della nostalgia o avete in mente di far evolvere questo progetto verso nuove forme e linguaggi?

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La celebre artista giapponese LiSA, una delle voci più iconiche del J-Pop e delle colonne sonore anime, ha annunciato ufficialmente il suo primo tour in Europa e nel Regno Unito. L’amatissima Lisa in Italia in concerto verrà il 15 settembre 2026.

L’Europe & UK Tour 2026 segna un momento storico nella carriera dell’artista, che per la prima volta porterà il suo spettacolo dal vivo in Italia, Germania, Francia e Regno Unito, con concerti a Milano, Düsseldorf, Parigi e Londra.

Un tour speciale

Il tour nasce per celebrare il 15° anniversario del debutto solista di LiSA, un traguardo importante che l’artista ha deciso di condividere direttamente con i fan europei. Tutte le date saranno headline show, rendendo l’evento ancora più speciale per il pubblico locale.

L’icona delle sigle anime più amate

LiSA è conosciuta a livello globale per aver interpretato alcune delle sigle anime più famose degli ultimi anni, tra cui:

• Oath Sign – Fate/Zero

• Gurenge – Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba

• crossing field – Sword Art Online

• ReawakeR (feat. Felix degli Stray Kids) – Solo Leveling

Grazie alla sua energia travolgente e alla forza emotiva delle sue esibizioni dal vivo, Lisa è diventata un punto di riferimento non solo per gli appassionati di anime, ma anche per il pubblico dei grandi festival rock internazionali, che aspettava da tempo di vedere Lisa in Italia in concerto.

Un nuovo traguardo dopo il successo mondiale

Dopo aver tenuto concerti da headliner negli Stati Uniti, in Messico, in Asia orientale e nel Sud-Est asiatico, e in seguito al grande successo del suo primo tour nordamericano nell’estate 2025, l’arrivo in Europa rappresenta una nuova, importante tappa nella carriera dell’artista.

 

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Biglietti e informazioni

I biglietti saranno disponibili a partire dal 30 gennaio alle ore 10:00 (CET). Tutti i dettagli relativi al tour e alla vendita dei biglietti saranno comunicati attraverso i canali ufficiali di LiSA.

Le date dell’Europe & UK Tour 2026, LiVE is Smile Always～15～

• 15 settembre 2026 – Unipol Forum, Milano (Italia)

• 17 settembre 2026 – Mitsubishi Electric Halle, Düsseldorf (Germania)

• 20 settembre 2026 – Zénith Paris – La Villette, Parigi (Francia)

• 22 settembre 2026 – Troxy, Londra (Regno Unito)

Profilo di Lisa

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Si tratta di un portale verticale interamente dedicato al mondo delle light novel e delle web novel italiane.

Il progetto nasce per colmare un vuoto informativo in Italia, offrendo un database in continua espansione che raccoglie schede tecniche, trame e dettagli editoriali delle opere narrative asiatiche (Giappone, Corea e Cina) che stanno arrivando sempre più numerose nelle nostre librerie.

L’obiettivo del portale è fornire uno strumento di consultazione gratuito per i lettori che vogliono approfondire le opere originali da cui sono tratti molti degli anime più popolari del momento, distinguendo tra i vari formati editoriali (tankobon, bunkobon e web novel) e mappando le uscite degli editori italiani.

Inoltre, il sito funge da osservatorio per le nuove produzioni originali italiane, mappando la nascita di una scena di autori nostrani che si ispirano allo stile narrativo orientale. Il sito si propone come punto di riferimento enciclopedico e neutrale per collezionisti e nuovi lettori curiosi di esplorare questo medium narrativo.

LudoShiro: la casa della narrativa seriale in Italia

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Al centro del palco, tra luci, costumi e canzoni iconiche, si muovono tre protagonisti assoluti: DJ Shiru, le KJ Girls e il gruppo Le Stelle di Hokuto. Un DJ specializzato in musica asiatica, ballerine che provengono da mondi artistici variegati, e una band che canta canzoni dei cartoni animati, mescolati e shackerati, danno come risultato una festa nostalgica e coinvolgente.

Un Evento per Tutte le Età

La Teen Forever Fiesta è pensata per il pubblico dai 20 ai 40 anni, ma conquista tutti grazie alla formula “solo grandi successi”. Tra una Britney Spears e un 883, una Lady Gaga e una Avril Lavigne, si balla senza pausa fino allo sfinimento. Che tu sia un otaku incallito, un ballerino in erba o semplicemente un curioso della cultura anni ’90, alla Teen Forever Fiesta troverai il tuo posto… e la tua canzone preferita! A dominare è la nostalgia per i tormentoni del Festivalbar, ascoltati nelle cuffie dei walkman in gita scolastica delle superiori o sul bus verso l’università.

I protagonisti della Teen Forever Fiesta

DJ Shiru: creatività e spontaneità sul palco

Dietro la console e gli effetti video della Teen Forever Fiesta troviamo DJ Shiru (Silvio Franceschinelli), una figura di riferimento della scena musicale asiatica, noto per i suoi eventi J-pop e K-pop. Tra i suoi format più richiesti le KJ Nights e l’Asian Pop Fiesta, ma è anche l’ideatore del Brain Rot Party, dedicato alle più brutte canzoni trovate online. Fondatore del collettivo K-ble Jungle, Shiru ha girato il mondo, dagli USA al Giappone, portando idee fresche e canzoni mai sentite prima, spesso in collaborazione con musicisti, cantanti e ballerini giapponesi e coreani.

Dal Comicon di Napoli ad Etna Comics, dai club di New York alla Comic Fiesta a Kuala Lumpur al Japan Expo di Parigi, DJ Shiru ha animato decine di palchi in tutta Europa, portando remix esplosivi di sigle anime, hit coreane e successi giapponesi. La sua missione? Unire mondi diversi con la forza della musica.

Le KJ Girls: Bellezza, Energia e Cultura Pop

Accanto a DJ Shiru ballano le travolgenti KJ Girls, un gruppo di performer nato per accompagnare i live show del K-ble Jungle. Le KJ Girls sono ballerine, cantanti e content creator che coniugano la passione per la musica con l’intrattenimento dal vivo. Alcune di loro, come Virginia e Valeria, Gaia e Veronica, sono anche presentatrici, content creator per K-ble Jungle e volti noti nel circuito fieristico italiano. La loro uniforme è ormai un classico: blazer nero su camicia bianca, minigonna nera e calze autoreggenti o con reggicalze. Un richiamo alla office lady giapponese e coreana, presente in molta cultura pop dagli anime ai videogiochi ai gruppi K-Pop, una citazione che è una dichiarazione d’amore verso la cultura asiatica.

Sul palco, le KJ Girls offrono spettacoli coinvolgenti che mescolano improvvisazione, animazione e momenti di complicità con il pubblico. Fuori dal palco, sono protagoniste di video e modelle, impegnate nel tenere la comunicazione con le community di appassionati.

Le Stelle di Hokuto: L’anima italiana delle sigle anime

A completare il cast della Teen Forever Fiesta, non poteva mancare il gruppo cult Le Stelle di Hokuto, che da anni conquista il pubblico con le reinterpretazioni dal vivo delle sigle più amate dei cartoni animati italiani. Dai classici anni ’80 come Ken il Guerriero o I Cavalieri dello Zodiaco, fino ai successi moderni come Attack on Titan, il gruppo propone uno show ad alto impatto emotivo, tra nostalgia e carica rock.

Noti per la loro attenzione maniacale agli arrangiamenti e ai costumi di scena, Le Stelle di Hokuto sono ormai una garanzia per chi cerca l’autenticità delle sigle… ma con l’energia di un concerto tutto da cantare.

Nel 2024/2025 il tour di Teen Forever Fiesta ha viaggiato l’Italia da nord a sud: dalla Sicilia per Etna Comics alla Riviera Romagnola per Riminicomix, da Bergamo e Napoli per Comicon agli Abruzzi di Pescara Comix.

Prossima fermata?
Segui DJ Shiru, le KJ Girls e Le Stelle di Hokuto sui loro canali social ufficiali per scoprire dove porteranno il loro spettacolo. La Teen Forever Fiesta è solo l’inizio.

Profili Instagram dei protagonisti

Instagram DJ Shiru

Instagram Le Stelle di Hokuto

Presentazione

PDF di presentazione

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