Tras su paso por Barcelona en 2024, FUJIKINA continúa consolidándose como una de las citas más relevantes del sector en Europa, con un formato que combina formación, experiencia práctica y contacto directo con la comunidad creativa.

Un programa pensado para vivir la fotografía

Durante dos días, el festival ofrecerá una agenda dinámica que incluye conferencias en directo, charlas prácticas, talleres, exposiciones y demostraciones. El objetivo es claro: crear un espacio donde la fotografía no solo se observe, sino que también se experimente.

El evento está dirigido tanto a profesionales como a aficionados, estudiantes y creadores de contenido, manteniendo ese enfoque accesible que ya caracteriza a FUJIKINA en otras ciudades europeas.

Referentes del sector en un mismo escenario

Uno de los grandes atractivos de FUJIKINA Madrid 2026 será la presencia de nombres destacados de la fotografía española contemporánea. Entre los participantes confirmados se encuentran Alberto García-Alix, Álvaro Sanz, Estela de Castro, Rodrigo Roher o Samuel Aranda, entre muchos otros.

La participación de Alberto García-Alix tendrá un carácter especialmente singular. El fotógrafo presentará La ausencia como estímulo, una conferencia visual en la que reflexiona sobre el papel de la ausencia en su obra, acompañando su discurso con 68 imágenes realizadas a lo largo de los últimos quince años, muchas de ellas inéditas.

Experiencia práctica con el ecosistema Fujifilm

Más allá del contenido teórico, FUJIKINA propone una experiencia práctica muy completa. Los asistentes podrán descubrir y probar las últimas innovaciones de Fujifilm en fotografía, vídeo e impresión, acompañados por técnicos especializados.

Durante el evento será posible testear diferentes sistemas de la marca, desde la compacta premium X100VI hasta la Serie X y el sistema GFX de gran formato, además de objetivos, accesorios, cámaras instantáneas INSTAX e impresoras portátiles.

También habrá demostraciones de impresión profesional y la posibilidad de utilizar equipos directamente en el recinto.

Servicio técnico y atención personalizada

FUJIKINA Madrid incorporará además un servicio gratuito de comprobación y limpieza de equipos Fujifilm. Los usuarios podrán llevar su material para realizar tareas básicas de mantenimiento, así como resolver dudas técnicas con especialistas de la marca.

Este tipo de servicios refuerzan el enfoque cercano del evento y su voluntad de acompañar al usuario más allá del producto.

Exposiciones desde finales de abril

Aunque el evento principal tendrá lugar el 23 y 24 de mayo, la programación se extenderá en el tiempo con exposiciones previas que podrán visitarse desde el 29 de abril hasta la finalización del festival.

Esta ampliación permite acercar la experiencia FUJIKINA a un público más amplio y generar un contexto cultural más allá de los días centrales del evento.

Un formato internacional consolidado

FUJIKINA es un festival itinerante que ha recorrido ciudades como Tokio, Nueva York, Berlín, Londres o Arles. Su planteamiento busca fomentar la cultura fotográfica y crear espacios de encuentro entre creadores, industria y público.

Además, cuenta con colaboraciones relevantes dentro del sector, como World Press Photo y PHotoESPAÑA, reforzando su posicionamiento como evento de referencia en el ámbito de la imagen.

FUJIKINA Madrid 2026: una cita clave en el calendario fotográfico

Con una propuesta que combina inspiración, aprendizaje y experiencia práctica, FUJIKINA Madrid 2026 se perfila como uno de los eventos más destacados del año para la comunidad fotográfica.

Una oportunidad para descubrir nuevas miradas, conocer de cerca el trabajo de grandes autores y experimentar con las herramientas más actuales del sector en un entorno diseñado para compartir la pasión por la imagen.

Para más información e inscripción visita FUJIKINA Madrid 2026

Rotar objeto en Photoshop: cambiar la perspectiva sin reconstruir la imagen

Una de las novedades más destacadas es Rotar objeto en Photoshop, ahora disponible de forma general. Esta herramienta permite rotar, inclinar y reposicionar elementos dentro de una imagen en tiempo real.

Hasta ahora, este tipo de ajustes implicaban procesos complejos, múltiples capas y bastante tiempo de edición. Con esta función, el flujo pasa a ser no destructivo y mucho más directo.

Para fotógrafos y creadores de contenido, esto significa poder probar composiciones nuevas sin rehacer la imagen desde cero, algo especialmente útil en fotografía comercial, producto o montaje creativo.

Limpieza de capas: menos caos, más foco en Photoshop

Otra mejora clave es la nueva función de limpieza de capas, que automatiza la organización dentro del documento.

El sistema se encarga de renombrar capas automáticamente, eliminar capas vacías y reducir el desorden en proyectos complejos, permitiendo que puedas centrarte en crear en lugar de gestionar estructura.

Si trabajas con archivos grandes o composiciones avanzadas, este tipo de automatización se traduce directamente en ahorro de tiempo.

Firefly Boards: de la idea al resultado sin romper el flujo

Adobe sigue integrando su ecosistema de inteligencia artificial con Firefly Boards, ahora conectado directamente con Photoshop y Lightroom.

La clave aquí es la continuidad: puedes pasar de la idea inicial al diseño final sin interrupciones, evitando exportaciones innecesarias y manteniendo siempre el contexto creativo.

Este tipo de integración es especialmente útil para creadores que combinan edición, diseño y generación de ideas en un mismo proyecto.

Búsqueda mejorada en Lightroom: encuentra fotos describiéndolas

Lightroom introduce una mejora muy potente en su sistema de búsqueda: ahora puedes encontrar imágenes simplemente describiendo lo que buscas con lenguaje natural.

Esto permite localizar fotos sin depender de etiquetas o metadatos, haciendo el proceso mucho más intuitivo cuando trabajas con grandes volúmenes de imágenes.

Nuevos presets con estética analógica

Adobe añade también nuevos presets inspirados en película, pensados para quienes buscan un look más nostálgico o cinematográfico.

Estos presets permiten aplicar estilos rápidamente, mantener coherencia visual y acelerar la edición base, especialmente útil cuando necesitas entregar trabajos con rapidez.

Mejoras de rendimiento: clave en grandes volúmenes de trabajo

Más allá de las nuevas funciones, también hay mejoras importantes en rendimiento dentro de Lightroom.

Destacan especialmente un Assisted Culling más rápido y una mejora de hasta 5 veces en la velocidad de los controles deslizantes, lo que se traduce en una edición mucho más fluida.

Si trabajas en eventos, deportes o sesiones con muchas imágenes, este tipo de optimización marca una diferencia real en el día a día.

Menos fricción, más creatividad

Estas novedades no buscan reinventar las herramientas, sino eliminar fricciones en el proceso creativo.

Adobe apuesta claramente por reducir tareas repetitivas, mejorar la velocidad de trabajo y dar más libertad para experimentar, algo que impacta directamente en la productividad de cualquier fotógrafo o creador visual.

Si mantienes este nivel de consistencia (estructura + negritas + titular), estás construyendo un blog

No porque lo que explicaba no sea correcto, sino porque hoy en día viajar con equipo fotográfico en avión implica tener en cuenta más cosas: normativas más estrictas, aerolíneas más exigentes y controles más habituales.

Después de muchos vuelos trabajando como fotógrafo en MotoGP —viajando por Estados Unidos, Indonesia, Malasia, Qatar o gran parte de Europa— he ido viendo cómo funciona esto en la práctica. Y hay diferencias entre lo que dicen las normas… y lo que realmente te puedes encontrar en un aeropuerto.

Si estás pensando en viajar con cámara en avión, todo esto te interesa más de lo que parece.

El equipo con el que viajo

Cuando se trata de viajar con cámara en avión con equipo ligero, casi cualquier consejo sirve. El problema empieza cuando necesitas viajar con equipo fotográfico en avión de forma profesional.

En mi caso suelo moverme con dos cuerpos de Fujifilm (una X-T4 y una X-S10), junto a tres objetivos que cubren prácticamente todo: un 10-24 ƒ/4, un 16-55 ƒ/2.8 y un 50-140 ƒ/2.8. A esto le sumo dos flashes Godox (V1 y V100), el MacBook Pro, un SSD SanDisk Extreme 2TB, una powerbank y unas diez baterías.

Todo el equipo lo meto dentro de una F-Stop Tilopa 50L DuraDiamond. 

Y aquí está una de las decisiones clave: todo esto va conmigo en cabina, como equipaje de mano. Cuando se trata de llevar cámara en equipaje de mano, no es una manía, es una cuestión de riesgo. Hay elementos —especialmente baterías— que directamente no pueden ir en bodega, y el resto del equipo simplemente no está pensado para ese trato.

Baterías en avión: lo que dicen las normas y lo que pasa en realidad

Si estás pensando en viajar con cámara en avión, este es uno de los puntos más importantes.

Las normas internacionales establecen que las baterías de litio deben ir siempre en cabina, nunca facturadas. Además, existe un límite bastante claro: hasta 100 Wh se pueden transportar sin autorización, mientras que entre 100 y 160 Wh hay restricciones y por encima de eso están prohibidas en vuelos comerciales.

Esta es la base de la normativa de baterías en avión para cámaras, y la aplican la gran mayoría de aerolíneas como Iberia, Vueling, Qatar Airways o British Airways. Y es precisamente aquí donde mucha gente comete errores al viajar con cámara en avión.

En la práctica, esto se traduce en algo bastante sencillo: las baterías de cámara no suelen dar problemas, incluso llevando varias como es mi caso. Donde sí suelen fijarse más es en la powerbank, especialmente para comprobar la capacidad.

Yo suelo llevar unas diez baterías en un estuche dentro de la mochila, bien organizadas. Nunca he tenido problemas reales, pero sí es importante que todo esté ordenado y con las especificaciones visibles.

Lo que realmente pasa en los controles de seguridad

Más allá de la teoría, cuando te mueves mucho acabas viendo cómo funciona realmente viajar con cámara réflex o mirrorless en avión.

Lo habitual, cuando viajas con bastante equipo, es que te hagan abrir la mochila. En mi caso pasa bastante a menudo. Pero eso no implica problema: revisan el contenido, pasan algún control adicional y sigues adelante.

Solo en una ocasión me hicieron una inspección más completa, con test de residuos y pidiéndome que encendiera las cámaras y disparara algunas fotos para comprobar que todo era funcional.

Es más una cuestión de rutina que de sospecha. Si llevas el equipo bien organizado, todo fluye bastante rápido.

Drones, baterías LiPo y aduanas: lo que puede complicarte el viaje

Viajar con dron no suele ser un problema en el avión, pero sí puede serlo en destino. Hay países donde los drones están restringidos o directamente prohibidos, y pueden requisarlo en aduanas si no tienes los permisos necesarios.

Algunos ejemplos donde suele haber más problemas:

• Marruecos → directamente prohibidos para uso personal. Si entras con uno, es muy probable que te lo retiren en el aeropuerto.
• Egipto → muy restrictivo. Necesitas permisos específicos y no es habitual que los concedan a viajeros.
• India → regulado y controlado. Se requiere registro previo y cumplimiento de normativa local.
• Emiratos Árabes Unidos (Dubai, Abu Dhabi) → normativa estricta y zonas donde está completamente prohibido volar.
• Estados Unidos → permitido, pero obligatorio registrar el dron en la FAA y cumplir normativa aérea.
• Reino Unido y Europa → permitido, pero con normativa clara (registro de operador, identificación y limitaciones de vuelo).

Lo importante aquí no es memorizar todos los países, sino entender que puedes viajar sin problema con el dron… y tener problemas al entrar al país o al intentar volarlo.

Más allá del dron en sí, las baterías —especialmente las LiPo— requieren algo más de atención. A efectos de normativa aérea, se consideran baterías de litio, por lo que deben viajar siempre en cabina y nunca en equipaje facturado.

Si están por debajo de 100 Wh no suelen dar problemas, pero es importante transportarlas correctamente: protegidas, separadas y con los contactos aislados. En este tipo de baterías, más sensibles que las de cámara, es más habitual que en controles de seguridad las revisen con algo más de detalle.

El momento más delicado: cuando quieren que factures la mochila

Aquí es donde realmente se complica viajar con cámara en avión hoy en día.

Cada vez es más habitual que en la puerta de embarque intenten que factures el equipaje de mano, especialmente en vuelos llenos. Y para un fotógrafo, eso es un problema serio.

Me ha pasado. Me dijeron directamente que la mochila no podía subir a cabina. Y ahí tienes que decidir rápido.

En mi caso lo tuve claro: prefería pagar antes que dejar ese equipo en bodega. Al final, la situación se resolvió bien, pero es un momento en el que entiendes perfectamente el riesgo real de llevar equipo fotográfico en cabina.

Porque más allá de las normas, el mayor riesgo no es la normativa… es perder el control de tu equipo.

Cómo organizo la mochila para tener margen

Con el tiempo he ido afinando pequeños detalles que marcan la diferencia cuando toca viajar con equipo fotográfico en avión.

Todo el equipo va dentro de una ICU en la mochila, pero organizado de forma que puedo sacarlo rápidamente y convertirlo en un segundo bulto si hace falta.

No es algo que uses cada día, pero cuando aparecen limitaciones de peso o tamaño, tener esa opción te da margen para adaptarte sin tener que facturar.

Es una de esas decisiones que parecen menores… hasta que te salvan el viaje.

Trípode: útil, pero no siempre imprescindible

Cuando decides viajar con cámara en avión, el trípode es uno de esos elementos que generan dudas.

En mi caso, nunca he tenido problemas en controles por llevarlo. Pero sí es cierto que añade volumen y peso, y eso en avión siempre penaliza.

Por eso, dependiendo del viaje, a veces opto por facturarlo. Aun así, si puedo elegir, prefiero llevarlo conmigo al menos en el trayecto de ida. Es una forma de asegurar que llego con todo lo necesario.

Aduanas y viajes internacionales

Otro tema que suele preocupar bastante es el paso por aduanas cuando necesitas viajar con equipo fotográfico en avión a nivel profesional.

Después de bastantes viajes, mi experiencia es bastante clara: no he tenido problemas. He trabajado en varios países y nunca me han parado por el equipo.

Eso sí, siempre llevo una copia de las facturas en la nube (Google Drive). Nunca me las han pedido, pero el día que ocurra, prefiero tenerlo todo preparado.

Solo en una ocasión, en Andorra, tuve que hacer un ATA. Es un sistema válido, pero poco práctico: implica trámites y dinero bloqueado. Para la mayoría de situaciones, al menos en mi experiencia, no ha sido necesario.

La conclusión que no ha cambiado

Después de muchos vuelos viajando con cámara en avión, hay una idea que sigue siendo la misma cuando se trata de viajar con cámara en avión:

Viaja solo con lo imprescindible: lo que realmente sabes que vas a usar.

Es muy fácil caer en el “por si acaso”, pero todo lo que añades suma peso, volumen y posibles problemas.

Y en avión, cada pequeño detalle cuenta.

Este reconocimiento llega meses después del anuncio oficial del resto de ganadores del certamen, que ya publicamos en Naturpixel.

Un premio decidido por el público

A diferencia de las categorías principales del concurso, cuyos resultados dependen del jurado, el People’s Choice funciona como una categoría independiente en la que el protagonismo recae completamente en el público.

Para esta edición, la organización seleccionó 40 imágenes finalistas entre las fotografías participantes de 2025. A partir de ahí, se abrió una votación online en la que cualquier persona podía elegir su imagen favorita. 

La fotografía de Alison Tuck fue la más votada, imponiéndose al resto de finalistas y convirtiéndose en la imagen elegida por el público en esta edición.

La imagen ganadora

La fotografía muestra a un alcatraz en pleno vuelo transportando hierba en el pico, en una escena que transmite una clara sensación de desconcierto. Ese instante, capturado en el momento preciso, es el elemento clave que da fuerza a la imagen.

Se trata de una fotografía que funciona de forma inmediata: la escena se entiende rápidamente y no necesita contexto adicional, algo especialmente relevante en una categoría basada en votación popular.

La imagen fue realizada en los acantilados de Bempton, en Yorkshire, durante una jornada con fuerte viento. Aunque las condiciones impedían trabajar desde embarcación, el viento jugó a favor del resultado final, empujando a las aves hacia los acantilados y facilitando su aproximación.

Esto permitió capturar imágenes más cercanas de los alcatraces mientras recogían material para sus nidos, generando múltiples oportunidades fotográficas durante la sesión. 

La fotógrafa detrás de la imagen

Alison Tuck comenzó en fotografía a una edad temprana y llegó a exponer su trabajo con solo 15 años en Londres. Sus inicios fueron con cámaras analógicas Olympus, antes de dar el salto al digital con una cámara Kodak de 2 megapíxeles.

En 2004 adquirió una Nikon D70 justo antes de un viaje a Borneo, iniciando así su trayectoria dentro del sistema Nikon, que mantiene hasta la actualidad. 

Actualmente trabaja con una Nikon Z8, un equipo orientado a la captura de acción y fauna en movimiento. Su trabajo se centra en fotografiar vida salvaje en distintos entornos, buscando documentar comportamientos y escenas dentro del mundo natural. 

El concurso sigue abierto en 2026

La organización ha confirmado que la edición 2026 del concurso ya está en marcha y permanecerá abierta hasta el 30 de junio.

La participación es gratuita, está abierta a fotógrafos de todo el mundo, permite el uso de cualquier marca de cámara e incluye tanto fotografía como vídeo entre sus categorías. 

Entre los premios destaca una experiencia de safari en el Masai Mara para el ganador absoluto, además de otros reconocimientos y premios relacionados con la fotografía.

Con el anuncio del People’s Choice, el ciclo del Comedy Wildlife Awards 2025 queda completamente cerrado, añadiendo una última imagen al palmarés de esta edición, elegida directamente por el público.

Lejos de buscar únicamente impacto visual, esta edición confirma una tendencia clara: las imágenes que marcan el año son aquellas capaces de explicar el mundo en el que vivimos.

La Foto del Año no deja lugar a dudas: el foco sigue estando en las historias humanas, incómodas y necesarias.

© Carol Guzy, ZUMA Press, iWitness, for Miami Herald

La Foto del Año 2026: una familia separada por el sistema

La imagen ganadora, “Separados por el ICE” de Carol Guzy, es una de esas fotografías que no necesitan explicación para ser entendidas, pero sí contexto para ser realmente asumidas.

Capturada en un edificio federal de Nueva York —uno de los pocos espacios donde se permitió documentar este tipo de situaciones—, la escena muestra el instante exacto en el que una familia se rompe.

Un padre detenido tras acudir a su audiencia.
Una madre y tres hijos enfrentándose, sin margen, a las consecuencias.
Un sistema que convierte un proceso administrativo en una fractura irreversible.

Lo que vemos no es una excepción, sino la evidencia visual de una política aplicada de forma sistemática.

Ahí es donde la fotografía adquiere todo su peso: deja de ser imagen para convertirse en documento. En prueba. En memoria.

Por qué esta foto ha ganado el World Press Photo

El jurado del World Press Photo no ha premiado solo una imagen impactante, sino una fotografía que explica un contexto complejo de forma directa y honesta.

No hay artificio ni espectacularidad técnica. Hay acceso, narrativa y, sobre todo, momento.

En una sola escena se concentran algunos de los grandes temas del año:
– Las políticas migratorias y su impacto real
– La fragilidad de las estructuras familiares
– La distancia entre legalidad y humanidad

Es una imagen incómoda, sí. Pero precisamente por eso funciona. Porque obliga a mirar cuando lo fácil sería apartar la vista.

Los finalistas: Gaza y Guatemala

El nivel de esta edición se entiende todavía mejor al ver las dos imágenes finalistas, que amplían el relato global desde perspectivas muy diferentes.

El primer finalista, “Emergencia Humanitaria en Gaza” de Saber Nuraldin, sitúa al espectador en medio de una escena caótica donde civiles intentan acceder a ayuda básica.

Aquí no hay metáfora: la imagen es directa, urgente y difícil de ignorar. La composición obliga al espectador a detenerse y enfrentarse a la magnitud de la crisis humanitaria.

El segundo finalista, “Los Juicios de las Mujeres Achíes” de Victor J. Blue, cambia completamente el tono.

Aquí no hay acción, sino presencia. Dignidad, resistencia y cierre.

La fotografía retrata a un grupo de mujeres indígenas tras décadas de lucha judicial, en un momento que representa mucho más que una sentencia: es una victoria histórica frente a la impunidad.

Una edición marcada por el contexto global

Si algo deja claro el World Press Photo 2026 es que el fotoperiodismo sigue siendo una herramienta clave para interpretar el presente.

Las tres imágenes finalistas funcionan como un resumen muy preciso de los temas que definen nuestro tiempo:

– Migración y políticas estatales
– Conflictos y crisis humanitarias
– Justicia, memoria y reparación

No son historias aisladas. Son piezas de un mismo contexto global que la fotografía consigue condensar en imágenes concretas.

La importancia de seguir mirando

En un entorno saturado de información, el valor de una imagen no está solo en lo que muestra, sino en su capacidad para detenernos.

El World Press Photo vuelve a recordarlo: la fotografía no solo documenta, también interpela.

Nos obliga a mirar.

Y, sobre todo, a no ignorar.

Ver todas las fotos del World Press Photo 2026

Si quieres ver la selección completa de imágenes ganadoras del World Press Photo 2026, puedes acceder a la galería completa con todas las fotografías destacadas del concurso.

→ Ver todas las fotos del World Press Photo 2026

En esta edición se han presentado más de 430.000 imágenes procedentes de más de 200 países y territorios, consolidando el certamen como uno de los más importantes del panorama fotográfico internacional y una plataforma clave para descubrir nuevas miradas.

La exposición oficial podrá visitarse en Somerset House (Londres) del 17 de abril al 4 de mayo de 2026, con más de 300 copias impresas, cientos de imágenes en formato digital y una presentación especial dedicada a Joel Meyerowitz.

Fotógrafa del Año 2026

Citlali Fabián (México) — Bilha, Stories of my Sisters

Citlali Fabián ha sido reconocida como Photographer of the Year 2026 por su serie Bilha, Stories of my Sisters, un proyecto que combina retrato e ilustración digital para dar visibilidad a mujeres de comunidades indígenas de Oaxaca.

La autora, originaria de la comunidad yalalteca y residente en Londres, desarrolla un trabajo centrado en la identidad, el territorio y los vínculos comunitarios. La serie presenta a mujeres referentes en ámbitos como el activismo, la lingüística, el arte o la ecología, construyendo un relato visual colaborativo en el que las protagonistas participan activamente.

Las ilustraciones digitales incorporadas en las imágenes integran símbolos ligados a la historia de cada retratada, reforzando la conexión entre identidad personal y cultura.

Por este reconocimiento, Fabián recibe 25.000 dólares, equipo Sony y una exposición individual en la edición 2027.

Ganadores – Competición Professional

Las series premiadas han sido seleccionadas por un jurado internacional que ha valorado tanto la calidad técnica como la capacidad narrativa de los proyectos.

Arquitectura y Diseño

Joy Saha (Bangladés) — Ganador

André Tezza (Brasil) — 2º puesto
Chen Liang (China) — 3º puesto

Creativa

Citlali Fabián (México) — Ganadora

Pablo Ramos (México) — 2º puesto
Ben Brooks (Reino Unido) — 3º puesto

Proyectos Documentales

Santiago Mesa (Colombia) — Ganador

Colin Delfosse (Bélgica) — 2º puesto
Alexandre Bagdassarian (Francia) — 3º puesto

Medioambiente

Isadora Romero (Ecuador) — Ganadora

Matteo Trevisan (Italia) — 2º puesto
Shane Hynan (Irlanda) — 3º puesto

Paisaje

Dafna Talmor (Reino Unido) — Ganadora

Andreas Secci (Alemania) — 2º puesto
Michael Blann (Reino Unido) — 3º puesto

Perspectivas

Seungho Kim (Corea del Sur) — Ganador

Hayate Kurisu (Japón) — 2º puesto
Fredrik Lerneryd (Suecia) — 3º puesto

Retrato

Jean-Marc Caimi & Valentina Piccinni (Italia) — Ganadores

Marisa Reichert (Alemania) — 2º puesto
Federico Borella (Italia) — 3º puesto

Deporte

Todd Antony (Nueva Zelanda) — Ganador

Morgan Otagburuagu (Nigeria) — 2º puesto
Rob Van Thienen (Bélgica) — 3º puesto

Naturaleza muerta

Vilma Taubo (Noruega) — Ganadora

Gargi Sharma (India) — 2º puesto
Daniele Vita (Italia) — 3º puesto

Naturaleza y vida silvestre

Will Burrard-Lucas (Reino Unido) — Ganador

Anita Pouchard Serra (Argentina) — 2º puesto
Wolfgang Duerr (Alemania) — 3º puesto

Ganadores de otras competiciones

Open Photographer of the Year

Elle Leontiev (Australia) — The Barefoot Volcanologist

Un retrato de un especialista en volcanes sobre roca volcánica en la isla de Tanna (Vanuatu), que destaca por su fuerza visual y narrativa.

Student Photographer of the Year

Jubair Ahmed Arnob (Bangladés) — The Place Where I Used To Play

Un proyecto que documenta el impacto del desarrollo urbano en Daca y cómo transforma el entorno y la vida cotidiana.

Youth Photographer of the Year

Philip Kangas (Suecia, 16 años) — Saving History from the Flames

Una imagen que captura a dos bomberos rescatando una obra de arte durante un incendio en Estocolmo.

Outstanding Contribution to Photography

Joel Meyerowitz

El reconocido fotógrafo estadounidense recibe este galardón por una trayectoria marcada por su capacidad para capturar la vida cotidiana con una mirada única, combinando sensibilidad, intuición y una gran riqueza visual.

Durante la exposición en Somerset House se podrá ver una selección de su trabajo, incluyendo imágenes de su serie Europa (1966–1967) y nuevas piezas audiovisuales.

Los Sony World Photography Awards alcanzan su 19ª edición consolidándose como un referente internacional que no solo premia la excelencia técnica, sino que también destaca historias con impacto y nuevas formas de entender la fotografía contemporánea.

No es el típico trípode de viaje que compras por si acaso. Es un trípode de viaje que puedes integrar en tu flujo de trabajo sin pensarlo demasiado.

Uso real en MotoGP: transporte, rapidez y estabilidad

Me llevé este trípode de viaje a Estados Unidos para el GP de Austin de MotoGP. Ya desde el transporte cumple: cabe perfectamente en mochila de cabina gracias a su tamaño plegado, algo clave cuando viajas con equipo. A la ida lo llevé en cabina para asegurarme de que llegaba a destino sin problemas. A la vuelta lo facturé junto con otro material que en la ida llevaba conmigo (cables, cargadores, un flash, etc.) para ir más ligero de equipaje.

Durante el evento lo utilicé para largas exposiciones dentro del VIP Village, un entorno donde necesitas moverte rápido, montar equipo sin molestar y tener fiabilidad. Aquí es donde un buen trípode de viaje marca la diferencia, y este responde muy bien: no pesa, no estorba y se despliega con suficiente rapidez.

Y lo más importante, una vez montado, transmite seguridad. No tienes esa sensación de trípode de viaje que va justo. Dentro de su categoría, responde con solvencia.

Ligereza y altura: donde realmente marca la diferencia

La construcción en fibra de carbono se nota mucho en el día a día. Es un trípode de viaje que puedes llevar encima sin que sea una carga, y eso hace que realmente lo uses más.

Pero el punto clave es la altura. Llega a unos 172 cm, algo que no es tan habitual en un trípode de viaje. Esto te permite trabajar cómodo, sin tener que encorvarte, y marca bastante la diferencia en sesiones largas o eventos.

Ese equilibrio entre tamaño plegado compacto y altura útil real es, seguramente, uno de los puntos más importantes en cualquier trípode de viaje, y aquí está muy bien resuelto.

Rótula y manejo en uso real

La rótula BH-36L funciona muy bien. El movimiento es fluido, el bloqueo es firme y permite trabajar con equipo sin problema. No da sensación de fragilidad ni de ir al límite, algo clave en un trípode de viaje cuando trabajas fuera de estudio.

El sistema de patas con cierre por rosca es sólido y fiable. Puede que no sea el sistema más rápido si vienes de cierres de pestaña, pero es seguro y consistente, que al final es lo que importa cuando usas un trípode de viaje en situaciones reales.

Cosas a tener en cuenta

Aquí más que hablar de puntos débiles, es importante entender qué tipo de trípode es. Está pensado para viajar, para moverte, para llevarlo encima sin pensarlo demasiado… y en ese contexto funciona muy bien como trípode de viaje.

Si lo comparas con un trípode pesado de estudio o pensado para condiciones extremas, obviamente no juega en esa liga. Pero tampoco es su objetivo. Este trípode de viaje está diseñado para equilibrio: peso, tamaño y rendimiento real en situaciones habituales.

Y dentro de ese equilibrio, responde perfectamente.

Función monopié: un extra que sí se aprovecha

Un detalle que muchas veces pasa desapercibido en un trípode de viaje es la posibilidad de convertir una de las patas en monopié, y en este caso es una función que realmente tiene sentido.

El sistema es sencillo: desenroscas una de las patas y la combinas con la rótula para tener un monopié funcional en pocos segundos. No es un añadido “de marketing”, es algo que puedes usar de verdad.

En mi caso, por ejemplo, lo puedes desmontar y usar como monopié en pista sin problema. Es rápido de montar y te da esa versatilidad cuando no necesitas el trípode completo.

Es uno de esos extras que, una vez lo tienes, acabas utilizando más de lo que pensabas.

Veredicto final

Después de usar este trípode de viaje en un entorno exigente como MotoGP, donde necesitas equipo que funcione sin pensarlo demasiado, ha demostrado estar a la altura.

Es ligero, se transporta fácil y tiene una altura que realmente permite trabajar cómodo, algo que muchos trípodes de viaje no consiguen. Y lo más importante: una vez montado, transmite confianza.

No es un trípode pensado para condiciones extremas, pero dentro de su categoría funciona muy bien. Está en ese punto donde no te da pereza llevártelo y, cuando lo necesitas, responde.

Y eso, al final, es lo que marca la diferencia en un buen trípode de viaje.

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Color Mode en Premiere Pro: nuevo sistema de etalonaje pensado para editores

La principal novedad es la llegada de Color Mode (beta), una nueva experiencia de corrección de color diseñada desde cero para adaptarse al flujo real de los editores.

Este nuevo sistema introduce:

• Herramientas de color adaptadas a la lógica de edición
• Controles intuitivos que responden de forma predecible
• Posibilidad de realizar ajustes rápidos o trabajar en profundidad
• Visualización clara de cómo se aplica el color en todo el proyecto
• Organización del color según la estructura del propio montaje

Color Mode ha sido desarrollado con la colaboración de editores profesionales y ya está disponible en beta pública, con lanzamiento general previsto para finales de 2026.

Premiere Pro 26.2: mejoras orientadas a proyectos complejos

Además de Color Mode, la versión 26.2 incorpora nuevas funciones para optimizar el flujo de trabajo:

• Nuevos efectos y transiciones con tecnología Film Impact
• Enmascarado de objetos con modos de borde nítido y suave
• Panel de índice de secuencia con buscador para navegar en timelines complejos
• Mejora en la reconexión de medios entre discos y plataformas

Estas mejoras están pensadas para facilitar la gestión de proyectos grandes y mejorar la eficiencia en edición.

Integración con Firefly: generación y edición conectadas

Adobe Firefly refuerza su integración con Premiere Pro permitiendo generar contenido y enviarlo directamente a proyectos de escritorio.

El editor de vídeo de Firefly permite:

• Crear y editar vídeo en una línea de tiempo multipista
• Combinar contenido generado con material propio
• Transferir clips directamente a Premiere sin procesos intermedios

También incorpora mejoras de audio:

• Mejora automática de voz
• Control de ruido y reverberación
• Ajuste de niveles entre voz, música y ambiente

Además, integra Adobe Stock dentro del propio editor.

Nuevos modelos de vídeo en Firefly: Kling 3.0 y Kling 3.0 Omni

Firefly incorpora nuevos modelos de generación de vídeo:

• Kling 3.0: centrado en creación de vídeo y sincronización audiovisual
• Kling 3.0 Omni: versión avanzada con mayor control sobre escenas, duración y movimiento de cámara

Estos modelos amplían las opciones de creación dentro del ecosistema Adobe.

Frame.io Drive: acceso a proyectos sin descargas

Frame.io introduce Frame.io Drive, una nueva aplicación de escritorio que permite trabajar con archivos en la nube como si fueran locales.

Características principales:

• Acceso inmediato a proyectos compartidos
• Streaming de archivos en tiempo real
• Caché local para mantener el rendimiento
• Eliminación de descargas y transferencias manuales

After Effects: mejoras en rotoscopia con IA

After Effects añade nuevas herramientas de creación de máscaras con inteligencia artificial:

• Selección de sujetos con un solo clic
• Refinado rápido con herramientas específicas
• Mejora en detalles complejos como cabello

Adobe refuerza su ecosistema de vídeo con mejoras centradas en el flujo de trabajo real. Premiere Pro gana protagonismo con un nuevo sistema de color y mejoras en gestión de proyectos, mientras Firefly y Frame.io amplían las opciones de creación y colaboración.

Con más de 57.000 fotografías presentadas por 3.747 fotógrafos de 141 países, el jurado ha seleccionado 42 trabajos que construyen un retrato global potente, incómodo y necesario.

Una fotografía que va más allá de lo visual

Las imágenes ganadoras de este año tienen algo en común: no buscan solo impactar, sino hacerte entender.

Desde conflictos internacionales hasta historias íntimas, el nivel narrativo está por encima de lo puramente estético. Es fotografía documental en estado puro, donde cada imagen funciona como una pieza de contexto.

Conflictos, crisis y actualidad global

Gran parte de los proyectos premiados se centran en conflictos y tensiones globales. Desde Ucrania hasta Palestina, pasando por Estados Unidos o Nepal, las imágenes construyen un mapa visual de la actualidad.

No son solo escenas de guerra, sino también las consecuencias humanas: desplazamientos, dolor, supervivencia y resiliencia.

Este tipo de narrativa sigue siendo clave en el World Press Photo, donde el contexto pesa tanto como el momento capturado.

La crisis climática, protagonista

El impacto del cambio climático vuelve a estar muy presente en esta edición.

Historias visuales desde lugares como Filipinas, México o Noruega muestran cómo la crisis ambiental ya no es una amenaza futura, sino una realidad tangible.

Desde escenas de naturaleza extrema hasta consecuencias directas sobre comunidades, estas imágenes acercan el problema al espectador de forma directa y emocional.

Historias humanas que conectan

Más allá de la actualidad política y ambiental, el World Press Photo sigue apostando por historias íntimas.

En esta edición encontramos:
– Enfermedad, duelo y supervivencia
– Jóvenes generaciones y nuevas realidades
– Tradiciones culturales poco conocidas

Desde bailarines en Sudáfrica hasta mujeres jinetes en Marruecos o familias afectadas por políticas migratorias, el enfoque humano sigue siendo uno de los pilares del concurso. 

Un concurso cada vez más global

El modelo regional implantado en los últimos años sigue dando resultados.

31 de los 42 ganadores son fotógrafos locales que documentan sus propias comunidades. Esto aporta una mirada mucho más auténtica y menos “externa”.

Además, aumenta la diversidad:
– Más participación de Asia y Sudamérica
– Mayor presencia femenina y no binaria

Una evolución clara hacia un fotoperiodismo más representativo y menos centralizado. 

La fotografía como testimonio

El World Press Photo 2026 deja una idea clara: la fotografía sigue siendo una herramienta clave para entender el mundo.

No se trata solo de ver imágenes impactantes, sino de mirar y posicionarse.

Como apunta el propio jurado, estas fotografías no solo documentan la realidad, sino que nos obligan a preguntarnos qué estamos dispuestos a ver… y qué preferimos ignorar. 

Lo que queda por conocer: la Foto del Año

El siguiente gran momento será el anuncio de la Foto del Año 2026, que se dará a conocer el 23 de abril.

Ahí es donde veremos cuál de todas estas historias se convierte en la imagen que definirá este año.

Hasta entonces, ya tenemos claro algo: el nivel es altísimo y el mensaje, más necesario que nunca.

Galería: todas las fotos ganadoras del World Press Photo 2026

Aquí puedes ver una selección completa de las imágenes premiadas en el World Press Photo 2026. Historias de todo el mundo que, juntas, construyen el retrato más completo de nuestro presente.

Pero hay un punto clave: aunque el anuncio es global, en Europa no estará disponible hasta el 25 de junio de 2026, por lo que tocará esperar unos meses para poder tenerla en las manos.

Precio y disponibilidad

Lanzamiento en Europa: 25 de junio de 2026
Precio oficial: 89,99 €
Película instax mini Pastel Galaxy: 12,99 €

El temporizador automático marca la diferencia

La principal novedad de esta generación es la incorporación de un temporizador automático de 2 o 10 segundos, una función muy esperada en este tipo de cámaras y que encaja perfectamente con el uso actual, mucho más social.

Más allá de la típica foto improvisada, este temporizador permite preparar mejor la escena, encuadrar con calma y participar en la imagen sin depender de nadie. Es especialmente útil en fotos de grupo o en selfies más naturales, alejándose de la típica foto con el brazo extendido.

Además, Fujifilm incluye un accesorio en forma de cuña que facilita colocar la cámara sobre cualquier superficie con el ángulo adecuado, algo sencillo pero muy práctico en el día a día.

Funciones que siguen funcionando (y muy bien)

La instax mini 13 no rompe con lo anterior, sino que mantiene todo aquello que ya funcionaba bien en la mini 12. Aquí encontramos el modo primer plano con espejo para selfies, la exposición automática que ajusta la toma sin que el usuario tenga que preocuparse por nada, y la corrección de paralaje, que mejora el encuadre cuando disparamos a corta distancia.

También se mantiene el control automático del flash, pensado para adaptarse tanto a interiores como exteriores, evitando fotos quemadas o demasiado oscuras.

Todo esto se combina con un uso extremadamente sencillo: basta con girar el objetivo para encender la cámara o activar el modo close-up, sin menús ni configuraciones complejas.

Nueva película instax mini “Pastel Galaxy”

Junto a la cámara, Fujifilm presenta una nueva película con diseño especial: Pastel Galaxy. En este caso, la marca apuesta por una estética más llamativa, con colores suaves tipo pastel combinados con detalles brillantes y un toque “cósmico”.

El resultado son copias con más personalidad, pensadas no solo para capturar el momento, sino también para darle un acabado más creativo y diferencial, muy en línea con el uso actual de instax.

La app instax UP! mejora con inteligencia artificial

El ecosistema instax sigue creciendo también a nivel digital con la actualización de la app instax UP!, que permite escanear, guardar y organizar fotos en el smartphone.

La mejora más importante está en el uso de inteligencia artificial, que optimiza el proceso de escaneo. Ahora la app es capaz de detectar mejor la imagen, aislarla del fondo y generar un resultado mucho más limpio y preciso, algo clave si quieres compartir esas fotos en redes o archivarlas correctamente.

Una evolución lógica, no una revolución

La instax mini 13 no busca reinventar la fotografía instantánea, sino afinar una fórmula que ya funciona. El añadido del temporizador y pequeños ajustes en la experiencia de uso la convierten en una cámara más versátil y práctica en el día a día, especialmente para quienes priorizan la inmediatez y la creatividad sin complicaciones.

Eso sí, en Europa tocará esperar hasta junio para comprobar si esta evolución merece la pena.

Esta iniciativa, impulsada por Sony y Creo a través de la World Photography Organisation, busca apoyar y visibilizar a las comunidades fotográficas locales, destacando autores que han participado en las distintas competiciones del certamen.

La edición de 2026 vuelve a confirmar el alcance global de los premios. En total se han presentado más de 430.000 fotografías procedentes de más de 200 países y territorios, consolidando los Sony World Photography Awards como uno de los concursos más importantes del panorama fotográfico internacional.

Los ganadores de los premios nacionales y regionales han sido seleccionados a partir de las competiciones Open, Professional y Student, destacando trabajos realizados por fotógrafos en diferentes etapas de su carrera. Los ganadores de los premios nacionales y los primeros clasificados de los premios regionales recibirán equipamiento de Sony Digital Imaging y sus obras formarán parte de la exposición oficial de los premios.

La exposición de los Sony World Photography Awards 2026 podrá visitarse en Somerset House (Londres) del 17 de abril al 4 de mayo, antes de iniciar su recorrido internacional.

Además, esta edición introduce nuevas iniciativas dentro del programa de premios, como el European Student Award, dedicado a estudiantes europeos de fotografía, y el India National Award, que reconoce por primera vez el trabajo de fotógrafos indios dentro de la competición Professional.

A continuación repasamos algunos de los principales ganadores de esta edición.

Latin America Professional Award

Citlali Fabian (México) — Ganadora
Serie: Bilha, Stories of my Sisters

María Fernanda García Freire (Ecuador) — 2º lugar
Serie: Study on Flying

André Tezza (Brasil) — 3º lugar
Serie: Everyday Structures

Shortlist Latin America Professional Award

Sebastian Di Domenico (Colombia)
Sergio Meléndez Cava (Perú)
Yris Pablo (Venezuela)
Manuel Seoane (Bolivia)
Bienvenido Velasco (Panamá)
Benjamin Villela (Chile)
Irina Werning (Argentina)

Japan National Award

Hayate Kurisu — Ganador
Serie: Living Photographs

Shortlist Japan National Award

Hajime Hirano
Keiichiro Muramatsu
Mitsuaki Fujiwara

India National Award

Avijit Ghosh — Ganador
Serie: Keepers of Mangroves

European Student Award

Teresa Halbreiter (Alemania) — Ganadora
Serie: Stillgestanden

Shortlist European Student Award

Albert Słowiński (Polonia)
Bennet Böckstiegel (Alemania)
Laura Anna Rossa (Bélgica)
Laurie Broughton (Reino Unido)

National & Regional Awards (Open Competition)

Latin America Regional Award (Open Competition)

Juan Jacobo Castillo Barrera (Colombia) — Ganador

Livier Miroslava Ultreras (México) — 2º lugar

Nicolas Aguiar (Uruguay) — 3º lugar

Shortlist

Camila Belén González Camarero (Argentina)
Fabiana Fregonesi (Brasil)
Camila Gattamelati (Chile)
Alvaro Cubero Vega (Costa Rica)
Johan Garrido Rivera (Ecuador)
María Candelaria Rivera (Nicaragua)
Sergio Vila (Perú)

Los ganadores finales de todas las competiciones de los Sony World Photography Awards 2026, incluyendo Student, Youth, Open y Professional, se anunciarán el 16 de abril de 2026. Las obras premiadas podrán verse en la exposición oficial de los premios en Somerset House, Londres.

Estas novedades forman parte de la estrategia que Adobe ya adelantó en el evento Adobe MAX, donde presentó su visión de integrar la IA conversacional dentro de sus herramientas creativas. Ahora esa idea se concreta con nuevas funciones que permiten editar fotografías simplemente describiendo los cambios que se quieren aplicar.

Con este movimiento, Adobe sigue avanzando en su estrategia de integrar la IA conversacional dentro de sus aplicaciones creativas, algo que también está empezando a verse en herramientas como Acrobat o Adobe Express. La idea es que la inteligencia artificial forme parte del flujo de trabajo natural del creador.

El asistente de IA de Photoshop ya se puede probar en versión beta

El nuevo Asistente de IA de Photoshop ya está disponible en versión beta pública en Photoshop web y en la aplicación móvil. Según explica Adobe, está pensado para ayudar a todo tipo de usuarios, desde estudiantes hasta fotógrafos, diseñadores o profesionales del marketing.

El funcionamiento es muy directo.

El usuario simplemente describe lo que quiere hacer en la imagen y la IA interpreta la indicación.

Algunos ejemplos de acciones que se pueden solicitar:

• eliminar personas u objetos que distraen
• cambiar el fondo de una fotografía
• ajustar colores
• mejorar la iluminación
• modificar el ambiente general de la imagen

El asistente puede trabajar de dos formas.

Aplicando directamente los cambios solicitados en la imagen.

O bien guiando al usuario paso a paso mientras realiza la edición dentro de Photoshop, de forma que pueda entender cómo se aplica ese ajuste en el programa.

Además, en la aplicación de Photoshop también se pueden dar instrucciones mediante la voz, lo que permite editar imágenes de forma más rápida cuando se trabaja desde el móvil.

AI Markup: marcar zonas de la imagen para indicar los cambios

Otra de las funciones nuevas que llega a Photoshop web es AI Markup, también disponible en beta pública.

Esta herramienta permite dibujar directamente sobre la imagen para indicar exactamente dónde se debe aplicar un cambio generado por la IA.

El proceso es sencillo.

1. Primero el usuario marca una zona de la imagen.
2. Después escribe una indicación describiendo qué quiere añadir o modificar.
3. Finalmente Photoshop genera el resultado automáticamente en esa área concreta.

Por ejemplo, se podría marcar una parte del fondo de una fotografía y pedir que aparezcan flores o montañas en esa zona.

Este sistema permite combinar el control manual del usuario con la generación automática de la inteligencia artificial, algo especialmente útil cuando no queremos que toda la imagen se modifique.

El editor de imágenes de Firefly recibe nuevas herramientas de IA

Adobe también ha anunciado novedades en Adobe Firefly, su plataforma creativa basada en inteligencia artificial.

El editor de imágenes de Firefly reúne varias herramientas de edición generativa dentro de un único espacio de trabajo. Esto permite modificar tanto imágenes creadas con IA como fotografías subidas por el usuario.

Entre las funciones que se incorporan destacan varias herramientas que ya se están convirtiendo en habituales dentro del ecosistema de Adobe.

Relleno generativo
Permite añadir, sustituir o mejorar elementos dentro de una imagen teniendo en cuenta el contexto visual.

Eliminación generativa
Sirve para eliminar rápidamente objetos no deseados en una fotografía.

Ampliación generativa
Permite expandir la imagen para adaptarla a nuevos formatos o proporciones.

Aumento de escala generativa
Aumenta la resolución de una imagen y mejora la nitidez de los detalles.

Eliminación del fondo
Permite aislar un sujeto con un solo clic.

Según Adobe, el editor de Firefly permite trabajar con más de 25 modelos de inteligencia artificial, incluyendo modelos propios de Adobe diseñados para uso comercial seguro y otros desarrollados por compañías como Google, OpenAI, Runway o Black Forest Labs.

Esto permite generar una imagen con uno de estos modelos y continuar editándola dentro del mismo flujo de trabajo.

Generaciones ilimitadas durante un tiempo limitado

Adobe también ha anunciado un cambio temporal en el sistema de generación de imágenes.

Hasta el 9 de abril, los usuarios de pago de Photoshop web y móvil pueden utilizar el Asistente de IA con generaciones ilimitadas.

En cambio, quienes utilicen la versión gratuita de Photoshop web y móvil podrán empezar con 20 generaciones gratuitas.

Las nuevas capacidades de edición del editor de imágenes de Adobe Firefly ya están disponibles a nivel global.

La inteligencia artificial puede acelerar la edición, pero no sustituye la mirada del fotógrafo

La inteligencia artificial está entrando cada vez más dentro del flujo de trabajo de edición fotográfica.

En muchos casos puede ser muy útil para resolver tareas repetitivas o técnicas que antes requerían bastante tiempo. Eliminar pequeños elementos, ampliar un encuadre o ajustar ciertos aspectos de una imagen son procesos que la IA puede resolver con bastante rapidez.

Si estas herramientas ayudan a agilizar el proceso de edición, pueden ser una ayuda interesante para muchos fotógrafos.

También es cierto que poder describir una edición con texto puede facilitar bastante las cosas a quienes no dominan todas las herramientas de Photoshop.

Pero también creo que es importante mantener cierta perspectiva sobre hasta dónde tiene sentido utilizar estas tecnologías.

Editar una fotografía para mejorar la luz, el color o eliminar un pequeño elemento siempre ha formado parte del proceso fotográfico. Sin embargo, cuando las modificaciones empiezan a transformar completamente la escena original, ya entramos en un terreno más cercano a la generación de imágenes que a la edición fotográfica.

Y ahí es donde, al menos desde mi punto de vista, sigue siendo importante el criterio del fotógrafo.

La tecnología puede facilitar muchas cosas en el proceso de edición, pero la fotografía sigue empezando en el momento de hacer la foto: elegir el encuadre, la luz o el instante del disparo.

La inteligencia artificial puede ayudar mucho en el proceso posterior, pero la mirada detrás de la cámara sigue siendo lo que realmente da valor a una imagen.

Organizados por la World Photography Organisation, los premios celebran ya casi dos décadas de trayectoria destacando el trabajo de fotógrafos de todo el mundo y ofreciendo una plataforma internacional tanto para autores emergentes como consolidados.

La edición de 2026 vuelve a demostrar el alcance global del concurso. En total se han presentado más de 430.000 fotografías procedentes de más de 200 países y territorios, una cifra que confirma el papel de los Sony World Photography Awards como uno de los premios de fotografía más relevantes del panorama internacional.

Dentro de todas las categorías del certamen, la competición Professional tiene un peso especial, ya que premia series fotográficas completas capaces de desarrollar una narrativa visual coherente a lo largo de varias imágenes. Los proyectos seleccionados este año muestran una gran diversidad de enfoques y temas, desde el documental social y la fotografía de naturaleza hasta el retrato, el paisaje o la fotografía conceptual.

Entre los finalistas encontramos trabajos que exploran desde la arquitectura cotidiana de pequeños comercios en Brasil hasta proyectos que documentan la vida en una prisión juvenil en Francia, la reconstrucción ecológica liderada por mujeres en Siria o las tensiones entre urbanización y fauna salvaje en Argentina.

Según explica Monica Allende, presidenta del jurado de la competición Professional, muchas de las series presentadas este año destacan por su capacidad para mostrar la experiencia humana desde perspectivas íntimas y complejas, reflejando historias de amor, resiliencia y pequeños gestos cotidianos que revelan la fortaleza de las personas en contextos difíciles.

Los 10 ganadores de categoría se seleccionarán entre los finalistas y se anunciarán durante la gala oficial de los premios, que se celebrará el 16 de abril de 2026 en Londres. Esa misma noche también se dará a conocer el Photographer of the Year, que recibirá un premio de 25.000 dólares, equipo Sony y la oportunidad de presentar una exposición individual en la edición del próximo año.

Una selección de los trabajos finalistas y de los fotógrafos incluidos en la shortlist podrá verse en la exposición oficial de los Sony World Photography Awards 2026, que se celebrará en Somerset House (Londres) del 17 de abril al 4 de mayo antes de iniciar su recorrido por diferentes ciudades del mundo.

A continuación, repasamos los 30 finalistas de la competición Professional 2026, distribuidos en las diez categorías del concurso:

Architecture & Design

André Tezza (Brasil) — Everyday Structures

Chen Liang (China) — Watchtowers of Jiangmen

Joy Saha (Bangladesh) — Homes of Haor

Creative

Ben Brooks (Reino Unido) — The Palm, On Piru

Citlali Fabian (México) — Bilha, Stories of My Sisters

Pablo Ramos (México) — The Black Album

Documentary Projects

Alexandre Bagdassarian (Francia) — Sixteen and a Half: Eight Months in a Juvenile Prison

Colin Delfosse (Bélgica) — Restitution

Santiago Mesa (Colombia) — Under the Shadow of Coca

Environment

Isadora Romero (Ecuador) — Notes on How to Build a Forest

Matteo Trevisan (Italia) — Jinê Land: Where Women Keep the Earth Alive

Shane Hynan (Irlanda) — Beneath | Beofhód

Landscape

Andreas Secci (Alemania)

Dafna Talmor (Reino Unido) — Constructed Landscapes

Michael Blann (Reino Unido)

Perspectives

Fredrik Lerneryd (Suecia) — Country Music in Kenya

Hayate Kurisu (Japón) — Living Photographs

Seungho Kim (Corea del Sur) — Sunny Side Up

Portraiture

Federico Borella (Italia)

Jean-Marc Caimi & Valentina Piccinni (Italia) — The Faithful

Marisa Reichert (Alemania) — be:longing

Sport

Morgan Otagburuagu (Nigeria) — Beneath the Bridge

Rob Van Thienen (Bélgica) — It’s a Dog’s Life

Todd Antony (Nueva Zelanda) — Buzkashi

Still Life

Daniele Vita (Italia) — The Bronte Pistachio

Gargi Sharma (India) — Experiments in Stillness

Vilma Taubo (Noruega) — Talking Without Speaking

Wildlife & Nature

Anita Pouchard Serra (Argentina)

Will Burrard-Lucas (Reino Unido) — Crossing Point

Wolfgang Duerr (Alemania) — WILD

Sigma 35mm ƒ/1,4 DG II Art: más compacto y con mayor rendimiento óptico

El nuevo 35mm ƒ/1,4 DG II Art supone una evolución real respecto a su predecesor. Sigma ha rediseñado completamente su construcción óptica para mejorar resolución, control de aberraciones y portabilidad.

Incorpora una fórmula de 15 elementos en 12 grupos, incluyendo 4 elementos asféricos y 2 cristales SLD, lo que permite suprimir de forma más eficaz la aberración cromática axial y mantener una nitidez sobresaliente incluso a máxima apertura.

Además, el nuevo diseño es aproximadamente un 14% más corto y un 20% más ligero que el modelo anterior. En montura Sony E pesa 525 gramos y mide 74 x 96 mm, con una distancia mínima de enfoque de 28 cm.

El objetivo incorpora un diafragma redondeado de 11 láminas que ofrece un bokeh suave y natural, así como el nuevo recubrimiento AAC (Advanced Amorphous Coating), que reduce reflejos y destellos en situaciones de contraluz exigentes.

También integra sistema dual HLA para un autofocus rápido, preciso y silencioso, anillo de diafragma con bloqueo y botones AFL configurables, reforzando su perfil profesional.

El Sigma 35mm ƒ/1,4 DG II Art estará disponible a partir del 16 de abril de 2026 con un precio aproximado de 1000€.

Se posiciona como una óptica versátil para fotografía social, eventos, documental y trabajo profesional donde la combinación de luminosidad, resolución y tamaño contenido es determinante.

Sigma 15mm ƒ/1,4 DC Contemporary: gran angular luminoso y ultraligero para APS-C

Sigma amplía su serie ƒ/1,4 para cámaras APS-C con el nuevo 15mm ƒ/1,4 DC Contemporary, sustituyendo al popular 16mm.

La clave de este modelo es la portabilidad. En versión Sony E pesa únicamente 220 gramos y mide 64 x 64,8 mm. Es aproximadamente un 50% más ligero y un 30% más corto que su predecesor, mejorando además el rendimiento óptico.

Su construcción óptica incluye 13 elementos en 11 grupos, con un elemento FLD, tres SLD y tres lentes asféricas de doble cara, lo que permite suprimir eficazmente el destello de coma sagital y mantener una alta nitidez en todo el encuadre.

Cuenta con una distancia mínima de enfoque de 17,7 cm, permitiendo tomas de aproximación con desenfoques atractivos. El diafragma de nueve láminas genera un bokeh circular poco habitual en focales angulares tan luminosas.

Gracias a su combinación de tamaño reducido, apertura ƒ/1,4 y calidad óptica, es una opción especialmente interesante para fotografía urbana, paisaje, astrofotografía y creación de contenido híbrido.

El Sigma 15mm ƒ/1,4 DC Contemporary llegará al mercado el 12 de marzo de 2026 con un precio aproximado de 500€.

Sigma AF Cine 28-105mm T3 FF: zoom profesional para producción cinematográfica

Sigma también amplía su línea audiovisual con el nuevo AF Cine 28-105mm T3 FF.

Basado en el diseño óptico del 28-105mm ƒ/2,8 DG DN Art, este zoom ofrece un rendimiento de imagen sobresaliente en todo el rango focal, con control eficaz de destellos e imágenes fantasma.

Está optimizado para producciones cinematográficas profesionales e incorpora engranajes estándar de paso 0.8M, anillo de enfoque con rotación de 200°, recorrido de zoom de 70° y diámetro frontal de 95 mm. En montura Sony E tiene un peso aproximado de 1,3 kg y una longitud de 159,9 mm.

El Sigma AF Cine 28-105mm T3 FF estará disponible el 16 de abril de 2026 con un precio aproximado de 3300€.

Con estos tres lanzamientos, Sigma refuerza su posicionamiento tanto en fotografía de alto rendimiento como en producción audiovisual profesional, ofreciendo soluciones diferenciadas para full frame, APS-C y cine.

Fui con mentalidad de producción: preparar planos, ajustar luz, cuidar el sonido. Pero, primero antes de empezar, y después al terminar, aproveché para hacer el recorrido completo como espectador de la exposición. Y ahí es donde entendí realmente la propuesta.

La exposición puede visitarse hasta el 21 de marzo y parte de una idea clara: una imagen no lo dice todo.

El recorrido está marcado (literalmente)

La muestra está articulada en dos tiempos. Lo interesante es cómo te obliga físicamente a vivirlos.

En el suelo hay unas líneas que marcan el recorrido y desde dónde debes mirar primero. Te colocas detrás de esa línea. Desde ahí ves las fotografías en gran formato, pero no alcanzas a leer los textos. La relación es directa, casi física, solo imagen.

Esa primera posición genera el “impacto”. Observas escenas vinculadas a conflictos sociales, medioambientales y humanos sin contexto adicional. Solo lo que la imagen transmite en ese primer golpe visual.

Y funciona. Porque te obliga a reaccionar antes de entender.

En esa primera parte me di cuenta de algo sencillo: cuando no tienes texto, buscas más en la imagen. Te fijas en los detalles, en los gestos, en el encuadre, en lo que ocurre al fondo. No tienes nada más a lo que agarrarte. Solo lo que estás viendo.

Cruzar la línea: el contacto

Después das un paso adelante. Cruzas la línea.

Desde esa nueva posición ya puedes leer los textos y acceder a la información que acompaña cada fotografía. Además, se muestra el proceso detrás de la imagen: secuencias, dudas, descartes y la decisión final.

Ese gesto físico —avanzar unos pasos— cambia completamente la experiencia. Pasas del impacto al contacto. De la emoción inmediata al contexto y a la construcción de la imagen.

A mí me pareció una manera muy clara de explicar algo que como fotógrafos sabemos bien: una fotografía no es solo el instante, también es el proceso y la elección.

Ver las secuencias y los descartes ayuda a entender que la imagen final no es casual. Hay una mirada detrás y, sobre todo, una decisión. Eso, visto desde fuera, como visitante, hace que valores más el resultado final.

Mirar dos veces

Pedro Armestre explica que la exposición no busca respuestas inmediatas, sino invitar a mirar dos veces. Después de recorrerla, esa idea queda muy clara.

Primero miras desde fuera, sin información. Luego te acercas, lees, entiendes el contexto y el proceso. La misma imagen cambia.

La selección incluye trabajos realizados en Guatemala, fenómenos meteorológicos y retratos, lo que amplía el tipo de situaciones y temas presentes en la muestra. No es una exposición centrada en un único tema, sino en una forma de mirar y de construir imágenes.

A mí me ayudó a frenar el ritmo. Entré con la cabeza puesta en la grabación y salí con la sensación de haber dedicado tiempo real a observar.

Mi sensación al salir

Yo fui por trabajo, pero salir de allí después de hacer el recorrido completo me dejó pensando en algo muy concreto: muchas veces miramos imágenes demasiado rápido.

Aquí el montaje te obliga a parar, a posicionarte y a cambiar físicamente de lugar para entender mejor lo que estás viendo.

No es una exposición complicada. Es clara en su planteamiento. Pero precisamente por eso funciona.

Si pasáis por Barcelona antes del 21 de marzo, vale la pena recorrerla siguiendo esas líneas del suelo y vivir la experiencia tal como está pensada: primero impacto, luego contacto. Mirar, avanzar, volver a mirar.

House Of Photography
Carrer Gran de Gràcia, 1
Barcelona

En esta edición se han presentado más de 430.000 imágenes procedentes de más de 200 países, consolidando los Sony World Photography Awards como uno de los concursos de fotografía más importantes del mundo.

A continuación, repasamos los 10 ganadores del concurso Open 2026.

Arquitectura — Markus Naarttijärvi (Suecia)

El fotógrafo sueco Markus Naarttijärvi ha sido premiado por una imagen de la fábrica de papel en Obbola, capturada en una oscura noche de noviembre. La fotografía destaca por el uso dramático de sombras, hormigón y nubes, construyendo una atmósfera casi cinematográfica.

© Markus Naarttijärvi, Sweden, Winner, Open Competition, Architecture, Sony World Photography Awards 2026

Creatividad — Siavosh Ejlali (Irán)

Siavosh Ejlali gana en la categoría Creatividad con “Esperanza perdida”, un retrato cuidadosamente escenificado que funciona como una oda simbólica a las mujeres iraníes. La composición y los elementos visuales refuerzan el mensaje emocional de la imagen.

© Siavosh Ejlali, Iran, Islamic Republic Of, Winner, Open Competition, Creative, Sony World Photography Awards 2026

Paisaje — J. Fritz Rumpf (Estados Unidos)

J. Fritz Rumpf ha sido reconocido por “Formas y patrones del desierto”, una fotografía de las dunas de Sossusvlei, en Namibia. La imagen destaca por su geometría natural, las líneas curvas y una paleta cálida que convierte el paisaje en casi una abstracción visual.

© J Fritz Rumpf, United States, Winner, Open Competition, Landscape, Sony World Photography Awards 2026

Estilo de vida — Vanta Coda III (Estados Unidos)

Vanta Coda III gana con el retrato de Charlotte y Dolly, una joven y su vaca descansando juntas en un granero para protegerse del calor del verano en Virginia Occidental. Una escena íntima que transmite conexión y autenticidad rural.

© Vanta Coda III, United States, Winner, Open Competition, Lifestyle, Sony World Photography Awards 2026

Movimiento — Franklin Littlefield (Estados Unidos)

Franklin Littlefield captura la energía de un concierto punk en Providence mediante un potente desenfoque de movimiento. La técnica utilizada refuerza la sensación de dinamismo y caos controlado, clave en esta categoría.

© Franklin Littlefield, United States, Winner, Open Competition, Motion, Sony World Photography Awards 2026

Mundo natural y vida salvaje — Klaus Hellmich (Alemania)

Klaus Hellmich ha sido premiado por su fotografía de un zorro azul del Ártico en la península de Varanger, Noruega. El animal aparece enfrentándose solo a una intensa ventisca, en una imagen que transmite resistencia y dureza ambiental.

© Klaus Hellmich, Germany, Winner, Open Competition, Natural World & Wildlife, Sony World Photography Awards 2026

Objeto — Robby Ogilvie (Reino Unido)

Robby Ogilvie gana con “División de colores”, una composición que contrapone un automóvil azul frente a los edificios verdes y rosados del barrio de Bo-Kaap, en Ciudad del Cabo. El contraste cromático es el verdadero protagonista de la escena.

© Robby Ogilvie, United Kingdom, Winner, Open Competition, Object, Sony World Photography Awards 2026

Retrato — Elle Leontiev (Australia)

Elle Leontiev ha sido reconocida por “El vulcanólogo descalzo”, un retrato de Phillip, científico autodidacta especializado en volcanes, fotografiado sobre una bomba volcánica en la isla de Tanna, Vanuatu. La imagen combina carácter, entorno y narrativa visual.

© Elle Leontiev, Australia, Winner, Open Competition, Portraiture, Sony World Photography Awards 2026

Fotografía callejera — Giulia Pissagroia (Italia)

Giulia Pissagroia gana con “Entre líneas”, una escena en blanco y negro capturada en Ørnevegen, Noruega. La imagen destaca por el momento decisivo y las expresiones espontáneas de una familia mientras contempla el paisaje.

© Giulia Pissagroia, Italy, Winner, Open Competition, Street Photography, Sony World Photography Awards 2026

Viajes — Megumi Murakami (Japón)

Megumi Murakami ha sido premiada por una vibrante fotografía del Festival de Abare, en la región de Noto, Japón. La imagen muestra a hombres saltando al río mientras arden antorchas, en una celebración tradicional con más de tres siglos de historia.

© Megumi Murakami, Japan, Winner, Open Competition, Travel, Sony World Photography Awards 2026

Una sola imagen puede marcar la diferencia

El concurso Open de los Sony World Photography Awards 2026 demuestra que una única fotografía puede contener narrativa, emoción y técnica en equilibrio. Estos diez ganadores representan algunas de las mejores imágenes individuales del año y confirman el altísimo nivel de la fotografía internacional contemporánea.

La OM SYSTEM OM-3 ASTRO estará disponible en España a partir de finales de febrero con un precio de 2.200 €.

Diferencias clave frente a la OM-3 estándar

Esta versión OM-3 ASTRO es diferente a su versión estándar, la OM-3 convencional que probé y analicé, pensada como una cámara rápida, precisa y equilibrada para fotografía general.

La diferencia fundamental se encuentra en el filtro de corte infrarrojo situado delante del sensor. En esta versión ASTRO, sus características ópticas han sido ajustadas para permitir una transmisión aproximada del 100 % de las longitudes de onda Hα, fundamentales para capturar nebulosas de emisión con mayor viveza.

En cámaras convencionales, el filtro IR bloquea buena parte de esta longitud de onda, limitando la intensidad de los rojos profundos. Aquí, OM System ha priorizado precisamente esa transmisión, lo que se traduce en una representación mucho más intensa de nebulosas rojas.

Este ajuste implica un predominio notable de tonos rojizos y no se recomienda su uso para aplicaciones distintas de la astrofotografía. Es una herramienta pensada para un escenario muy concreto, no para cubrir todo tipo de disciplinas.

Sensor apilado y procesador TruePic X

La OM-3 ASTRO incorpora un sensor Live MOS apilado retroiluminado junto al procesador TruePic X. Esta combinación está orientada a mejorar el rendimiento en condiciones de baja luminosidad, donde la gestión del ruido y la precisión cromática son determinantes.

En astrofotografía trabajamos habitualmente con sensibilidades altas y exposiciones prolongadas. El control del ruido es clave para poder extraer información real en objetos débiles como nebulosas o regiones de emisión.

Este conjunto permite:

– Mejor rendimiento en ISO elevados.
– Mayor capacidad para capturar detalles finos en zonas oscuras.
– Reproducción cromática más precisa en cielo profundo.

High Res Shot con apilamiento interno

Uno de los elementos más interesantes es el modo High Res Shot con procesamiento por apilamiento. En este modo, la cámara genera una imagen final de aproximadamente 50 megapíxeles a partir de 12 capturas combinadas.

Este sistema permite incrementar el nivel de detalle y reducir el ruido mediante la combinación de múltiples tomas, una técnica habitual en astrofotografía que normalmente se realiza en software externo.

Integrar parte de este proceso directamente en cámara simplifica el flujo de trabajo y facilita resultados más limpios sin depender exclusivamente del procesado posterior.

Modos específicos para fotografía del cielo nocturno

La OM-3 ASTRO incluye modos personalizados en el dial específicamente configurados para astrofotografía:

– C1: Apilamiento para astrofotografía profunda.
– C2: Apilamiento para paisajes estrellados.
– C3: Disparo a mano alzada para paisajes nocturnos.

Además, incorpora funciones como:

– AF de cielo estrellado.
– Live Composite para rastros de estrellas con vista previa en tiempo real.
– Nivel digital.
– Visión nocturna para facilitar la composición en oscuridad.
– Alimentación USB Power Delivery (PD), especialmente útil en sesiones largas.

OM System y su apuesta por cámaras Astro

La OM-3 ASTRO no es el primer modelo especializado que lanza la marca en este terreno. OM System ya ha desarrollado otras versiones dedicadas a la astrofotografía, como la OM-1 Mark III ASTRO, una cámara con filtros integrados pensada específicamente para este tipo de disciplina.

Esto demuestra que no se trata de una edición puntual, sino de una línea clara dentro del catálogo orientada a quienes buscan un rendimiento optimizado en cielo profundo.

Filtros internos opcionales

La OM-3 ASTRO es compatible con la gama de objetivos M.ZUIKO DIGITAL y admite filtros internos opcionales diseñados para astrofotografía:

– Filtro supresor de contaminación lumínica BMF-LPC01 (PVR 300 €).
– Filtro suave BMF-SE01 (PVR 210 €).

Al instalarse dentro del cuerpo (entre montura y sensor), mantienen su efecto independientemente del objetivo utilizado, algo especialmente útil con grandes angulares extremos.

El filtro de contaminación lumínica puede resultar especialmente interesante para quienes trabajan cerca de zonas urbanizadas, mientras que el filtro suave aporta un efecto más expresivo en estrellas brillantes.

Una herramienta pensada para un objetivo muy concreto

La OM SYSTEM OM-3 ASTRO está diseñada para quienes buscan maximizar la captura de nebulosas de emisión y trabajar con mayor fidelidad en Hα.

En un mercado lleno de cámaras híbridas que intentan hacerlo todo, ver una propuesta tan enfocada resulta interesante. Cuando una herramienta se desarrolla con un propósito técnico claro, suele rendir mejor precisamente en ese terreno.

Y en este caso, ese terreno es el cielo profundo.

Estas son las principales novedades incorporadas en esta actualización.

Nuevas capas de ajuste no destructivas: Claridad, Borrar neblina y Grano

Photoshop incorpora tres nuevas capas de ajuste completamente integradas y no destructivas:

• Claridad
• Borrar neblina
• Grano

Estas herramientas ahora funcionan como capas ajustables, enmascarables y combinables, lo que permite refinar textura, profundidad y detalle sin alterar la imagen original.

Claridad mejora la estructura y la nitidez del sujeto aumentando el contraste local.
Borrar neblina ayuda a equilibrar la iluminación y reducir la bruma atmosférica.
Grano añade textura para aportar dimensión y carácter a la imagen.

Al ser ajustes no destructivos, pueden modificarse en cualquier momento y aplicarse de forma selectiva mediante máscaras.

Mejoras en Relleno generativo, Ampliación generativa y la herramienta Eliminar

Las funciones impulsadas por la tecnología Firefly reciben mejoras significativas:

• Salida de hasta 2K de resolución
• Mayor nivel de detalle
• Menos artefactos
• Mejor ajuste a las indicaciones escritas
• Reducción de cortes visibles en composiciones
• Iluminación y profundidad más naturales

Estas mejoras afectan a Relleno generativo, Ampliación generativa y la herramienta Eliminar, ofreciendo resultados más realistas y coherentes en composiciones complejas.

Imagen de referencia con objetos: mayor control en Relleno generativo

La función Imagen de referencia dentro de Relleno generativo se actualiza para preservar la identidad del objeto utilizado como referencia al generar y componer en la escena.

El sistema ajusta automáticamente:

• Escala
• Rotación
• Iluminación
• Color
• Perspectiva

Esto permite una integración más natural del objeto generado dentro de la composición final.

Texto dinámico (beta)

En fase beta, llega Texto dinámico, una función que permite transformar cualquier capa de texto en formas circulares, arqueadas o curvadas con un solo clic.

Photoshop ajusta y redimensiona automáticamente el texto para adaptarlo al trazado seleccionado, facilitando la creación y edición tipográfica sin procesos manuales complejos.

Disponibilidad

Todas estas innovaciones están disponibles en la versión de escritorio de Photoshop. Las mejoras impulsadas por Firefly también estarán disponibles en Photoshop en la web.

La idea es clara: permitir que cada usuario cree contenido “a su manera” combinando fotografías, vídeos cortos y copias impresas instax mini, todo ello conectado a través de la aplicación para smartphones instax mini Evo, que se puede descargar gratuitamente.

Fujifilm define esta cámara como una de las experiencias creativas más dinámicas ofrecidas hasta ahora dentro de la marca instax.

Eras Dial: 10 épocas para personalizar tu estilo visual

Una de las grandes novedades es el Eras Dial, una función única dentro del universo instax. Con este dial, el usuario puede aplicar efectos fotográficos inspirados en 10 épocas diferentes a sus imágenes, desde estilos que evocan los tonos granulados y pálidos de la década de 1930, pasando por un efecto inspirado en las cámaras de película de 8 mm de los años 60, los colores vibrantes de los años 80, hasta llegar a imágenes nítidas y ricas propias de la década de 2020.

Cada época está diseñada para capturar el aspecto y la esencia de su momento, convirtiéndose en una herramienta especialmente atractiva para quienes quieren experimentar con una estética coherente o crear una narrativa visual reconocible.

Dial de control de intensidad: 10 variaciones creativas por época

Una vez elegida una época, la cámara permite ajustar el resultado con un dial de control de intensidad. Girándolo, se puede modificar con precisión:

• El color
• El contraste
• El ruido

Esto permite crear hasta 10 variaciones creativas por época.

Interruptor de marco: el detalle final para fotos y videoclips

La personalización puede completarse añadiendo un marco a cada fotografía o videoclip utilizando el selector de marcos. Hay un marco para cada época y cada uno rinde homenaje a las características, los medios y los dispositivos de reproducción multimedia que definieron ese momento.

Modos CINE y STILL: cambia de vídeo a foto en segundos

Los usuarios pueden cambiar fácilmente entre los modos «CINE» y «STILL» para capturar tanto vídeo como fotografía.

En el modo CINE, es posible grabar una serie de clips (hasta 15 segundos en total) y la cámara los unirá automáticamente en un vídeo fluido. A través de la aplicación instax mini Evo, conectándose mediante Bluetooth, los usuarios pueden ampliar sus creaciones de vídeo hasta 30 segundos añadiendo o reordenando clips.

Palanca de zoom digital: intimidad o atmósfera según el encuadre

La instax mini Evo Cinema incorpora zoom digital. La palanca táctil de zoom permite aumentar la intimidad de la toma o retroceder para obtener un mayor alcance y más atmósfera.

“Mi Galería” en la app instax mini Evo

Dentro de la aplicación instax mini Evo, la sección Mi Galería permite almacenar de forma segura las imágenes y los vídeos creados, organizados en categorías como:

• Favoritos
• Impresos
• Vídeos
• Fotos
• Proyectos

Además, también permite guardar las imágenes impresas digitalmente en la galería del smartphone con el icónico marco de instax mini.

Impresión de vídeo con QR: una foto que también es un vídeo

La función de impresión de vídeo permite acceder a vídeos a través de una foto instax mini impresa con un código QR listo para escanear y reproducir en un smartphone.

El vídeo se captura de forma predeterminada a 600 x 800, pero con la selección de la opción Era 2020, se puede capturar a 1080 x 1440.

Diseño intemporal inspirado en la FUJICA Single-8

La instax mini Evo Cinema cuenta con un diseño negro vertical y empuñadura inspirado en la FUJICA Single-8, una cámara de 8 mm presentada en 1965. Fujifilm también destaca sus detalles de inspiración analógica, pensados para quienes valoran la experiencia táctil junto con la elegancia y la estética del equipo.

Otras características incluidas en la instax mini Evo Cinema

Entre las características adicionales destacadas se incluyen:

• Opción de disparo remoto (a través de la aplicación)
• Temporizador y espejo integrados para selfies
• Pantalla LCD de alta resolución de 1,54 pulgadas
• Palanca de impresión de estilo analógico (levantar y girar para imprimir)
• Accesorios incluidos: visor, accesorios para la empuñadura y correa de mano premium
• Ranuras para tarjetas USB-C y Micro SD
• Fuente de luz flash/continua integrada

Precio y disponibilidad en España

La cámara instantánea híbrida instax mini Evo Cinema estará disponible el 28 de enero de 2026 con un PVP recomendado de 380€.

Al final del flujo creativo: instax mini Link+ para imprimir desde el móvil

Una impresora para smartphone con nuevas funciones centradas en inspiración y creatividad

Fujifilm también ha anunciado la impresora para smartphone instax mini Link+, la última versión dentro de la serie instax Link. Este modelo integra aún más tecnología fotográfica instantánea en la aplicación para smartphones instax mini Link (descarga gratuita), con nuevas funciones centradas en la inspiración, el impacto y la creatividad.

Modos de impresión: simple, diseño, simulación y múltiples copias

Entre sus principales modos de impresión se incluyen:

• Modo de Impresión Simple: permite imprimir fotos desde la galería del móvil o incluso imágenes guardadas desde Pinterest®
• Modo de Impresión de Diseño: pensado para capturar con precisión detalles como texto, ilustraciones o gráficos
• Modo de Simulación: permite previsualizar cómo quedará una foto antes de imprimirla, simulando dónde se colocará
• Modo de Impresión Múltiple: permite imprimir en un solo paso hasta 10 imágenes previsualizadas y seleccionadas, en el orden elegido, sin esperas entre foto y foto

Personalización y funciones extra desde la app

La instax mini Link+ permite:

• Impresión con marco (marco, etiqueta o texto)
• Impresión de vídeo para seleccionar el fotograma perfecto de un vídeo y convertirlo en una imagen impresa

Además, la aplicación instax mini Link incluye:

• Opción de disparo remoto
• Funcionalidad de impresión en collage
• Modos de interfaz claro/oscuro
• Función instaxAiR Studio para añadir efectos de realidad aumentada 3D antes de hacer fotos

Diseño, precio y disponibilidad

La impresora instax mini Link+ está diseñada con un formato delgado y fácilmente transportable, en color negro con un toque de color naranja.

La instax mini Link+ estará disponible el 28 de enero de 2026 con un PVP recomendado de 150€.

30 años de GR: misma filosofía, nueva intención

Este año, la serie GR celebra su 30 aniversario, con unos orígenes que se remontan a la mítica Ricoh GR1 (1996). Durante todo este tiempo, la marca ha mantenido una filosofía muy clara: alta calidad de imagen, rapidez de respuesta y portabilidad, tres valores que han consolidado la GR como una herramienta habitual tanto entre profesionales como entre aficionados avanzados.

La GR IV Monochrome llega como una evolución dentro de esa misma línea, y se suma a la GR IV y a la recién anunciada GR IV HDF con una idea muy concreta: ofrecer una cámara donde el blanco y negro no sea un “modo”, sino la esencia del sistema.

Un sensor monocromático APS-C: el cambio que lo transforma todo

La clave de esta cámara está en su sensor CMOS monocromático, sin filtro de paso bajo (AA), y con tamaño equivalente a APS-C, capaz de generar imágenes con aprox. 25,74 megapíxeles efectivos.

Ricoh explica el enfoque de forma muy directa: en un sensor de color, la imagen se construye a partir de filtros RGB, y el resultado final requiere un proceso de interpolación. Aquí no. Al ser un sensor monocromático, cada píxel registra directamente los datos de brillo, sin necesidad de reconstrucción, lo que permite obtener imágenes en blanco y negro con gran nivel de detalle, más nitidez y una gradación tonal más rica.

Y sinceramente, este punto es el que marca la diferencia real: no se trata de “hacer blanco y negro”, sino de capturarlo de forma nativa.

Filtro rojo físico integrado: carácter clásico, control inmediato

Otro detalle importante (y muy bien pensado para este modelo) es que la GR IV Monochrome incorpora un filtro rojo físico en el objetivo, que sustituye al filtro ND de la GR IV. Este filtro puede activarse o desactivarse desde el botón Fn.

Su efecto es justo el que muchos fotógrafos han buscado siempre en blanco y negro: una imagen más dramática, con cielos más oscuros, más contraste con las nubes y una respuesta muy especial en sujetos rojos, que aparecen más iluminados y ganan protagonismo.

Es de esas funciones que no están ahí “por catálogo”, sino porque realmente tienen sentido en una cámara diseñada para monocromo.

Nuevos controles de imagen: “Solid” y “Grainy”

Ricoh también ha desarrollado dos nuevos modos de control de imagen exclusivos para esta cámara.

El modo Solid aplica una curva tonal más dura para un resultado limpio y definido, ideal si buscas un blanco y negro con contraste y una lectura clara de las formas.

El modo Grainy, en cambio, introduce un efecto de grano fuerte inspirado en copias químicas y materiales impresos, aportando un acabado con más carácter y textura.

Lo interesante es que Ricoh no se limita a “añadir grano”, sino que busca mantener detalle y controlar el comportamiento en altas luces y sombras, evitando perder completamente la información en zonas clave.

Un diseño exterior totalmente monocromático

Para reforzar el concepto y diferenciarla visualmente, Ricoh ha trabajado también el acabado exterior: el cuerpo, el botón disparador y el aro extraíble del objetivo van en negro mate, con el logotipo GR en negro semibrillante y la luz del botón de encendido en color blanco.

No es solo estética: es una declaración de intenciones bastante coherente con lo que promete la cámara.

Obturador electrónico hasta 1/16.000 s: imprescindible en una GR sin ND

Además del obturador mecánico, la Ricoh GR IV Monochrome incorpora obturador electrónico que alcanza velocidades de hasta 1/16.000 s, algo especialmente útil en situaciones de mucha luz cuando se quiere disparar con aperturas muy abiertas.

Ricoh detalla rangos concretos de funcionamiento.

Por un lado, llega hasta 1/16.000 s en el rango de 1/3.200–1/16.000 s a ƒ/2.8.
Y por otro, también cubre el rango de 1/5.000–1/16.000 s a ƒ/5.6–ƒ/16.

Además, está previsto que esta función llegue también a la Ricoh GR IV mediante una actualización de firmware posterior al lanzamiento de la versión Monochrome.

Disponibilidad y enfoque de producto

La Ricoh GR IV Monochrome estará disponible a mediados de febrero por 1.800 €.

Con esta GR IV Monochrome, Ricoh no parece buscar “una variante más” dentro de la gama, sino una cámara con personalidad propia. Un modelo pensado para quienes disfrutan del blanco y negro como lenguaje fotográfico completo, con intención y con control real desde el momento de disparar.

Y si te gusta salir ligero, trabajar rápido y centrarte en lo esencial, este tipo de cámara tiene todo el sentido del mundo.