Guimarães 2012

Passou quase um mês sobre o lançamento oficial da marca escolhida para Guimarães 2012 Capital Europeia da Cultura, mas só recentemente comecei a ver a sua aplicação regular, em anúncios distribuídos por algumas publicações ligadas às artes. Aquando da sua apresentação, a identidade suscitou alguma desconfiança na blogosfera, principalmente o recurso alegadamente despropositado do coração (um símbolo visual evidentemente sobre-usado) e a fraca ligação entre a marca e o espírito e cultura vimaranenses. Confesso que, inicialmente, essas críticas me pareceram algo exageradas, mas após ler o case study publicado na página Web do designer responsável pela marca, o respeito moderado que tinha pela execução que conhecia (apresentada acima) desapareceu quase por completo.

Processo Criativo

O que me pareceu bem conseguido na marca foi o modo como aquela deformação aparentemente abstracta de um coração se assemelha gradualmente, e à medida que se procura uma justificação para o L recortado ao centro, à metade inferior de um G maiúsculo, aludindo assim (pensava eu) à cidade de Guimarães. A ser assim, continuaria a ser um conceito pouco inovador mas que, aliado à sua interessante execução, resultava sem arriscar demasiado. O case study, no entanto, não indica claramente se essa alusão é propositada ou não, chegando mesmo a fazer acreditar que a semelhança é pura coincidência – tal pode ajudar a explicar porque é que a letra escapou à grande maioria da comunidade que se apressou a apontar-lhe o dedo. De acordo com a explicação oficial, o recorte que o coração ostenta é, na realidade, uma representação combinada de uma muralha e da viseira de um elmo, algo que um grande número de pessoas parece, compreensivelmente, ter alguma dificuldade em vislumbrar.

O símbolo agrega alegoricamente a muralha em representação do Património da Humanidade presente em Guimarães, o desenho da viseira de um elmo que presta homenagem à visão de D. Afonso Henriques, a proeminente figura da fundação de Portugal e é rematado sob a forma de um coração, em evocação plena do orgulho e sentimento vivo de pertença dos vimaranenses em relação à sua cidade.
Guimarães 2012 Capital Europeia da Cultura – Case Study

Variações da Marca

Quanto à tipografia, não é claro se a escolha da fonte responde a uma necessidade do projecto (facilitar a criação de stencils da marca, por exemplo) ou se é uma mera alusão à cultura urbana. Em todo o caso, o pequeno texto que justifica a marca não faz qualquer referência à tipografia, o que me parece preocupante. Finalmente, a opção de desmultiplicar a identidade em diferentes versões, com diferentes cores, estilos e contornos, apesar de se ter tornado aparentemente a norma nos últimos anos, não é totalmente descabida neste projecto em particular, resulta numa percentagem generosa dos casos e é propícia à personalização posterior das grandes massas. Apenas com o tempo, com a chegada de mais materiais de comunicação e de acções junto do público será possível avaliar adequadamente o sucesso da proposta.

[...] é objectivo que com o decorrer do tempo possam ser acrescentadas novas versões gráficas a esta selecção inicial, criando um repertório gráfico sem limite, reflexo da variedade, multiplicidade e diversidade cultural vimaranense, portuguesa e europeia.
Guimarães 2012 Capital Europeia da Cultura – Case Study

Simon de Pury

Só muito recentemente tomei consciência da vaga assombrosa de reality shows (ou reality contests) que tem invadido as televisões norte-americanas nos últimos anos, e cujo tema central revolve em torno do universo do design. Dei-me conta disso mesmo ao cruzar-me, acidentalmente, com um episódio de um desses programas, em que uma dezena de jovens aspirantes a designers de moda competiam entre si, criando peças de vestuário na tentativa de impressionar um painel de júris constituído essencialmente por designers de moda profissionais. Pelo que consegui percebi, cada programa é um exercício novo, semelhante aos que um estudante de Design de Moda poderá encontrar ao longo da sua licenciatura. Após quinze minutos de apresentação do exercício, e outros quinze com um apanhado dos trabalhos, os júris discorrem sobre os vários trabalhos, argumentando os motivos pelos quais determinados trabalhos são claramente superiores, e no final eliminam o incompetente do dia. A premissa é simples, e tem sido repetida até à exaustão, para todas as variantes mais populares do design: de moda (claramente campeão, com uma mão cheia de programas diferentes, vários dos quais emitidos pelo mesmo canal), de equipamento, de produto (um dos quais, produzido e emitido pela BBC, é apresentado pelo desprezível designer francês Philippe Starck), de interiores (em Portugal, uma aproximação ao formato do sobejamente conhecido While You Were Out recebeu o infeliz nome de Querido, Mudei a Casa e está pejado de intervenções de designers de interiores que em nada glorificam a posição global do design em Portugal), e por aí adiante. Tudo quanto era possível transformar num reality show, foi. Excepto o design gráfico. Ou, pelo menos, assim pensava.

Na altura, preparava-me para deixar aqui algumas considerações sobre esse facto: por um lado, dando graças por o design gráfico ter conseguido escapar ileso no meio de toda esta (perdoem-me o termo) bovinização do design, por outro lamentando o facto de essa mesma área desmerecer de tal modo a atenção pública, que nem para programas de tão baixo teor intelectual parece servir. No final, contava deixar a grande lamentação: a de que, em todo o caso, mais tarde ou mais cedo algum programador televisivo se lembraria de dizer, a meio de uma reunião e entre mais dúzia e meia de propostas iguais: “olha lá, e se isto em vez de ser com fatos, fosse com capas de revistas e assim?”. Por falta de tempo, não escrevi esse artigo na altura, e agora é demasiado tarde. Sem que mereça ainda um formato próprio, pelo menos dois franchises televisivos viraram já as suas atenções para as artes gráficas para impressão: ao terceiro episódio de Work of Art: The Next Great Artist, um reality show ligado ao mundo da arte saído da mente de (pasmem-se) Sarah Jessica Parker (nome indissociável desse maravilhoso naco de televisão que é O Sexo e a Cidade), os artistas a concurso são convidados a ocupar a posição de um designer gráfico e desenhar a capa para uma nova edição do clássico de H. G. Wells, The Time Machine – edição essa que será editada brevemente, com a capa vencedora, pela Penguin Books, facto que quase chega a conferir alguma seriedade ao concurso. Num episódio de um outro concurso, Stylista, cujo objectivo e universo de actuação não são claros, os concorrentes são desafiados a desenhar uma spread de um número da revista de moda ELLE. Os objectivos dos episódios anteriores incluem vestir-se como um editor de moda ou agradar à editora da ELLE, servindo-lhe o pequeno-almoço.

É francamente assustador constatar que, mesmo nos Estados Unidos, o design gráfico é suficientemente popular para servir de combustível a um subproduto do entretenimento fácil, mas não suficientemente respeitado para merecer o convite de um designer gráfico para julgar os trabalhos em qualquer um desses programas, ficando essa tarefa a cargo de estilistas, editores de moda ou artistas.

Em todo o caso, não há-de tardar até que vejamos um destes reality shows começar com “Vello, my name is Stefan Sagmeister and zis is Zi Next Big Gráfic Dizainer”.

É com grande felicidade que vejo que da Esec, uma escola tão propicia à infertilidade, nasce um trabalho notoriamente superior. Rúben Amado, Gui Mota e João Fonseca, estão de parabéns, e devem ter consciência do bom trabalho que aqui mostram, afinal o esforço é recompensado! Uma boa premissa, um excelente conceito visual, e (pelo making of) uma dedicada equipa de trabalho! Continuem em frente!

Aqui mostro a curta:

E aqui fica o Making Of:

Devo confessar que eu próprio fiquei muito mais elucidado com o que  li. Se já era um defensor acérrimo da construção e estruturação de uma marca com pés e cabeça, muito mais fascinado fico com a forma multi-disciplinar que leva ao processo de criação de uma Brand. Teria gosto em fazer parte de um projecto de construção de uma, pois apercebo-me que nunca o fiz, e nunca um designer independente, ou mesmo um atelier, o poderá fazer de forma completa. Um dos pontos que me surpreende é o facto de que cabe tão pouco ao designer na criação da Brand. Nem a  Empresa, Negócio ou Instituição são detentoras da sua Brand, esta é um organismo vivo, que respira, cresce, diminui, adoece e pode mesmo morrer, dependendo das inúmeras partes  que a constituem; a sua identidade, a sua imagem, os orgãos que a compõem, o seu público, os seus rivais, etc.

Não me adianto mais, porque por mais que tente explicar, não o farei melhor que esta apresentação:

The Brand Gap

Puzzle Bobble

Ocorreu-me, durante um reencontro com esse clássico de arcada da minha infância, que jogar Puzzle Bobble com regularidade é uma excelente prática para qualquer designer gráfico, por exercitar, ainda que de forma inconsciente, preciosas faculdades visuais ligadas ao alinhamento óptico. É pouco provável que algum dia venha a fazer parte do programa de uma cadeira de design, mas pensar nisso sempre ajuda a aliviar o sentimento de culpa.

A ENTREVISTA

É aqui que a telenovela começa… No Ípsilon de 29 de Janeiro, António Pedro Vasconcelos é entrevistado a propósito do seu novo filme “A Bela e o Paparazzo”.
Ora, sendo eu um fraco conhecedor da obra completa deste realizador, vou parecer muito parcial e a minha opinião muito dúbia, mas falarei apenas do que conheço.
Primeiramente, e até ao fim da entrevista, ele consegue em quase todos os parágrafos introduzir nomes de realizadores ou outros artistas¹, de filmes² ou termos técnicos e estrangeirismos³. Percebo que, falando de cinema, seja inevitável falar também dos seus protagonistas ou usar termos específicos desta arte, mas o que não se justifica é quando são utilizados apenas para dar ares de quem é muito viajado ou entendido nas lides do cinema. Também eu podia neste artigo já ter utilizado termos como “connoisseur“, “review” ou qualquer outro estrangeirismo; não o faço porque tenho a noção que estou a escrever para outras pessoas lerem (por muito poucas que sejam) e não apenas para mim e mais meia dúzia de outros como eu capazes de descodificar a minha mensagem e entenderem estes termos que muitas vezes parecem piadas internas apenas de quem está dentro do assunto.
A entrevista prossegue com António Pedro Vasconcelos a atingir 3 nervos que iriam ser os pilares de toda esta discussão: Jean-Luc Godard, o cinema europeu e o cinema português.

- O primeiro é acusado de ser “(…) um dos grandes responsáveis pelo estado em que isto está(…)”, ou seja, por o cinema europeu ter perdido terreno em relação ao cinema americano. Godard é ainda sentenciado de culpado por ser “(…) uma figura fascinante e brilhante, levou o cinema europeu para um determinado caminho, teve muitos seguidores, mas depois deixo-os na estrada. Porque foi incapaz de tomar o poder. E traiu toda agente. O que é feito hoje dele? Já não representa nada.”. Apesar de gostar de alguns filmes dele, não sou o fã número um de Godard, mas conheço o suficiente para saber que ele não era nenhum líder político ou religioso, muito menos o cabecilha de algum culto, como pela afirmação anterior se pode entender.
Ainda sobre este realizador, APV é relembrado pelo jornalista que conduz a entrevista de um incidente nos anos 80 em que ele saiu em defesa de Godard e do seu filme “Je Vous Salue Marie” devido ao então Presidente da Câmara de Lisboa Nuno Krus Abecassis tentar impedir a sua exibição. Hoje, responde que na altura agiu contra um ataque político patético de extrema-direita a um excelente filme, mas que a defesa e admiração acabam “A partir do momento em que o Godard entra numa fase de poesia esotérica(…)”.

-Em relação ao cinema europeu, APV referencia alguns bons momentos do cinema cómico e procede com a afirmação “O facto de a Europa ter perdido esse sentido de comédia é responsável pela nossa decadência(…)”.
De seguida, e tal com já mencionei no ponto anterior, Godard é usado até certo ponto como porta-estandarte e arauto da desgraça. Noutra resposta auto-proclama-se um dissidente do cinema europeu e afirma ser “(…)preciso vir para a rua, fazer a revolução que o neo-realismo fizera em Itália.”. Ao ter esta afirmação não consegui evitar de pensar que raio de revolução estaria ele a querer fazer ao realizar um filme que usa e abusa dos clichés de um dos géneros mais artificiais, fabricados e menos originais da indústria americana (a comédia romântica). Deve estar a aplicar a velha máxima “olha para o que digo, não olhes para o que eu faço”…
Na resposta seguinte, e para finalizar este ponto, diz outra coisa curiosamente paradoxal; ao afirmar na resposta anterior que “Avatar é um exercício de pirotecnia.” mas que “se se reduzir aquilo à história, é um conto de fadas para crianças.” (com o qual concordo plenamente), esbarra noutro ponto no qual volto a concordar: “Isso significa que contar histórias não é suficiente…”, remata o entrevistador com muita razão. APV concorda e acrescenta que “É preciso saber que histórias e como se contam. E é preciso renovar a linguagem constantemente.”. Mais uma vez não percebo como é que ele fez isso com “A Bela e o Paparazzo” (ou se o fez de todo…).

-Finalmente, sobre o cinema português APV defende a existência de uma indústria em Portugal. Este é outro termo que me faz muita confusão: indústria. Tenho a perfeita noção que, para se fazerem filmes, é preciso dinheiro e que as pessoas que trabalham neles precisam de ser pagas para poderem sobreviver. Mas para mim Cinema e indústria de cinema são dois conceitos muito diferentes: a indústria do cinema faz, tal como qualquer outro tipo de indústria, filmes em massa, para as massas, de conteúdo frágil com um embrulho bonito, com o propósito de vender um produto e obter o máximo de lucro possível (como o próprio Avatar); o Cinema (reparar no uso da letra maiúscula) é uma entidade nobre, respeitável, com valores, uma arte e uma forma de expressão, para muitos A forma de expressão. Tendo em conta estas diferenças, acho que dá para perceber perfeitamente em qual dos dois mundos se encaixa “A Bela e o Paparazzo”…
Seguidamente, APV opõe-se à ideia do cinema português como um cinema de autor, como se isso fosse uma coisa muito má, e que devemos seguir numa direcção oposta a essa. Para isso acha que a solução está no apoio estatal ao cinema. Nisso também concordo em parte. Toda a gente sabe que o estado português ajuda muito miseravelmente o cinema e a cultura em geral no nosso país e toda a gente gostaria que houvessem mais verbas disponíveis para além das que são distribuídas pelo ICAM, que ainda por cima são sujeitas a critérios de atribuição muitas vezes duvidosos. Mas o ridículo surge na seguinte afirmação: “Há em Portugal uma indústria das pescas, que também não é auto-suficiente, e que tem de ter apoio do estado.”. Ao ler esta comparação não soube se havia de rir ou chorar ou ambos… Não me interpretem mal: eu, ao contrário do público em geral, não tenho a opinião de que a cultura é supérflua, não é um bem essencial à sobrevivência e que por isso deveria vir apenas depois da economia estar em alta. Mas comparar o cinema com a indústria das pescas em termos de importância é apenas ridículo. Sugiro ao sr. António Pedro Vasconcelos, da próxima vez que lhe apetecer ir a um restaurante comer um bom marisco ou uma boa posta de salmão, que vá ver o “Marley and Me” ou o “Valentine’s Day” ao cinema…
Ainda sobre as questões de financiamento no cinema português prossegue dizendo “Há filmes que custam a cada espectador 5 mil euros. É preciso perguntar à sociedade se ela está disposta a pagar isto.”. Falamos da legalização do aborto cinematográfico, suponho… Pois bem, eu posso dar-lhe já a minha resposta: eu não dava 1 único cêntimo para financiar o seu filme. Preferia abortar do que ter um nado-morto.
Também é verdade que, se tal fosse possível, praticamente nenhum filme seria aprovado pelo público português, com a excepção de lixo como “O Crime do Padre Amaro” ou “Call Girl“.
Para rematar esta questão, APV diz ainda que é necessário “(…)impor um mainstream do cinema português. E o medo de que isso mate o cinema marginal é absurdo.”. Talvez seja verdade, mas é preciso ter em mente que aquilo a que chama de “cinema marginal” é o cinema de Manoel de Oliveira, o mais velho realizador do mundo em actividade, adorado pelo tal desgraçado cinema europeu; é o cinema de João Salaviza, um simples jovem que ganhou o prémio de melhor curta metragem no festival de Cannes. No fundo, está a falar do verdadeiro cinema português, apenas dá-lhe outro nome…
Mais à frente afirma ainda que o cinema “(…)é uma arte popular, é uma indústria do entertainment, e foi por aí que se fez a sua história.”. Custa-me sempre ouvir um realizador dizer que o cinema é entertainment, não porque não ache que também o seja, mas porque acho uma visão muito redutora de um mundo tão vasto, por uma pessoa que supostamente vive e trabalha nele. Quando quero também vejo um filme em que o principal propósito é entreter, mas maioritariamente vejo um filme porque quero ouvir uma história que nunca ninguém contou e que eu nunca imaginei, quero ser seduzido por essa história e pelos seus protagonistas, quero ter emoções em relação a ela. E, que eu me lembre, a história do Cinema ficou marcada por filmes como “O Padrinho“, “Taxi Driver” e “2001 Odisseia No Espaço“, não pelos filmes que passam na TVI ao Sábado à tarde. Se estivermos a falar de sucesso de bilheteiras, aí sim, esses filmes, tal como “Titanic” e “Avatar” são campeões indiscutíveis.

No fim de ler esta entrevista e de ler a crónica de Vasco Câmara em resposta a ela, percebi a necessidade deste último em fazê-lo, necessidade essa que partilho e transpareço escrevendo este artigo.
Não vou comentar a crónica de VC porque acho que já escrevi demais e não me quero alongar mais neste assunto, mas convido os interessados a ler os três artigos na íntegra.
Quanto à resposta final de APV só tenho a dizer que demonstrou ainda mais o seu carácter pretensioso, tratando o crítico (que não fez mais do que o seu trabalho: comentar, criticar, dar a sua opinião) de forma paternalista e arrogante (“felizmente para mim, infelizmente para ele, os meus filmes têm-se mostrado imunes à sua opinião, o que me desgosta mais por ele do que por mim”), atirando ao ar teorias freudianas ridículas de patricídio (“Mesmo que VC declare que não tem uma relação de fidelidade incondicional com o Mestre, há aqui um ressentimento freudiano: ele sente que eu matei o Pai!”) e acusando-o de ser “(…)movido por razões pessoais e por um estranho e doentio espírito de rèvanche.”. Mascara ainda o seu orgulho ferido com a desculpa esfarrapada de que decidiu escrever esta resposta como defesa das pessoas que trabalham com ele nos seus filmes. Primeiro com Godard à mais de 20 anos atrás, agora com os seus colaboradores, António Pedro Vasconcelos saiu da cadeira de realizador para se tornar num verdadeiro knight in shining armor… (achei bem terminar à moda de AVP: com um estrangeirismo. Fica sempre bem.).

Hoje cruzei-me, numa rotineira passagem por um desses sítios que condensam o melhor do design gráfico actual com o intuito de atrair visitantes e, por consequência, gerar algum lucro, com alguns logótipos desenhados para um site semelhante chamado BrandStack (creio que anteriormente conhecido como IncSpring) e apercebi-me da distorção extrema do conceito de design inteligente que resulta deste tipo de serviços. Alguns dos logótipos desenhados para este e outros sítios semelhantes correram a Internet, sendo indiscriminadamente chapados em blogs e design showcases como exemplos de superioridade criativa na área do desenho de identidade. Confesso que, de início, e acreditando tratarem-se de soluções para problemas reais, reconheci valor em alguns desses logos – o da Piano Forest e o da Horror Films são alguns dos que melhor me recordo.

Piano Forest

Horror Films

Fossem estes logótipos propostas para a identidade de empresas reais, cujos nomes reais fossem, efectivamente, “Piano Forest” e “Horror Films”, e seriam de facto soluções inteligentes, na forma como retratam subtilmente o nome das respectivas empresas, fundindo num trocadilho visual as duas palavras que compõem os nomes das respectivas empresas.

No entanto, ambos estes logótipos são, infelizmente, exemplos gritantes de design invertido: o problema é deduzido de uma solução gráfica mais ou menos chico-esperta, geralmente constituída pelo cruzamento de representações gráficas de objectos, pessoas ou situações distintos. Em doses aceitáveis (leia-se: quase nada), a fórmula passaria facilmente despercebida. No entanto, uma visita aos “favoritos” da BrandStack (uma espécie de hall of fame onde os melhores logótipos são seleccionados pela administração do site) permite-nos perceber melhor as proporções ridículas que essa fórmula tomou, alimentada por jovens designers atraídos pela promessa de dinheiro fácil.

Assim, é sem um pingo de ironia que a BrandStack coloca, entre os seus logótipos favoritos, o belíssimo cruzamento entre uma raposa e uma mola que é Springfox, ou a incompreensível analogia que representa a mistura de uma ervilheira com um insecto, apenas superada pelo seu próprio nome: Peansect. Entre outros…

Spring Fox

Picship

Maritime Law

Bottle Rocket

Float Quotes

Donut Disturb

MonKey

BBQnotes

Peansect

Nalguns trocadilhos, a mediocridade chega a ser ofensiva, como na extracção da palavra inglesa para chave da palavra MonKey, acompanhada de uma ilustração insolente representando o cruzamento forçado de uma chave com um macaco. Outros parecem-me simplesmente nomes e logótipos terríveis para qualquer empresa, mesmo que o seu mercado seja o transporte de fotografias por via marítima, a confecção de donuts extremamente irritantes ou a comercialização de moleskines comestíveis para grelhar. No entanto, este é o tipo de design gráfico que a venda de empresas criadas para dar sentido a uma piada visual permite. Por isso continuamos a ser esbofeteados com estes logos e por isso nos tentam convencer de que se tratam de exemplos dos elevadíssimos padrões de qualidade que o design gráfico dos nossos dias atinge.

P.S.: Há uns dias, o Mário Moura (que insisto em referenciar) falava no seu blog de desenrascanço. Não vejo exemplo mais esclarecedor do que qualquer um destes logótipos de que o desenrascanço não é novidade nem exclusividade nacional.

ARTISTA – ÁLBUM

Andrew Bird – Noble Beast
Arctic Monkeys – Humbug
Bill Calahan – Sometimes I Wish We Were An Eagle
Black Lips – 200 Million Thousand
Bob Dylan – Together Through Life
Brakes – Touchdown
Camera Obscura – My Maudlin Career
Capsula – Rising Mountains
Dan Auerbach – Kip It Hid
Dirty Projectors – Bitte Orca
Grizzly Bear – Veckatimest
Heavy Trash – Midnight Soul Serenade
Japandroids – Post Nothing
Johnny Foreigner – Grace And The Bigger Picture
JP Simões – Boato
Julian Casablancas – Phrases For The Young
Kings Of Convenience – Declaration Of Dependence
Kurt Vile – Childish Prodigy
Lightning Dust – Infinite Light
Maximo Park – Quicken The Heart
Mazgani – Tell The People
Neko Case – Middle Cyclone
Norberto Lobo – Pata Lenta
Nouvelle Vague – 3
Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix
Sean Reily & The Slowriders – Only Time Will Tell
Sian Alice Group – Troubled, Shaken, Etc.
Soap & Skin – Lovetune For Vacuum
Sonic Youth – The Eternal
The Antlers – Hospice
The Dead Weather – Horehound
The Decemberists – The Hazards Of Love
The Dodos – Time To Die
The Horrors – Primary Colors
The Legendary Tigerman – Femina
The Pains Of Being Pure At Heart – The Pains Of Being Pure At Heart
The Raveonettes – In And Out Of Control
The Veils – Sun Gangs
Them Crooked Vultures – Them Crooked Vultures
Tiguana Bibles – Child Of The Moon
Vetiver – Tight Knit
Virgem Suta – Virgem Suta
Wavves – Wavvves
White Denim – Fits
White Lies – To Lose My Life
Why? – Eskimo Snow
Wild Beasts – Two Dancers
Wolfmother – Cosmic Egg
Yeah Yeah Yeahs – It’s Blitz

Confesso que, como sou curioso por natureza, dou sempre uma vista de olhos nestas listas e tops apesar de não concordar muito com a rotulagem e arrumação em gavetas que este tipo de exercício parece demonstrar. Passo a explicar: gosto de ver estas listas porque há sempre qualquer coisa que me passa ao lado por muito bom e falado que seja, mas por outro lado não gosto porque há sempre aquela mania de ordenar numericamente os elementos da lista, o que leva sempre a comentários (incluindo da minha parte) do género “Como é possível X estar à frente de Y quando é muito pior?!” ou “Como é possível Z estar sequer nesta lista e outros melhores não estarem?!”, e por aí adiante…

Ora, o que eu me proponho a fazer aqui nos próximos dias, ao qual também convido a participar os meus colegas Nefastos e todos os visitantes do nosso site, não é a ordenar de 1 a 20 os melhores nem de dizer sequer qual o melhor absoluto em alguma categoria, mas sim apenas a reunir um número de eleitos, que pode ou não ser “redondo” (não precisa de ser os melhores 20 ou 50, pode perfeitamente ser um número como 23 ou 17…), naquilo que se fez de melhor na música e no cinema no ano de 2009.
E porquê apenas de 2009? Não sei, talvez por puro capricho hierárquico da minha parte: primeiro o ano, depois a década. Pode ser também porque escolher os melhores de uma década envolveria muito tempo e trabalho para decidir entre tanta coisa numa janela temporal tão grande.

Assim, proponho que, já esta semana, se comece a postar aqui no site aquilo que acham que foram os melhores albuns lançados no mundo da música em 2009, baseado não em listas já feitas, modas ou trends ditadas por outras publicações da especialidade mas apenas e só nos nossos gostos e preferências, apenas e só para nosso deleite pessoal.
Fica portanto o desafio lançado, não se acanhem, atirem tops com força e espero ser surpreendido por algum que me faça ir “cuscar” alguma coisa que eu não conheça. Já amanhã deixarei cá o meu.