Los primeros saludos protocolares insinúan una cierta tensión que muy pronto se quiebra cuando madre e hija sacan a flote viejos reproches. Deneuve, en una magnífica actuación, es soberbia, crítica ácida e impasible de conductas y actuaciones ajenas, siempre lista para hablar como siente, sin ningún tipo de reparos. Lumir, siempre a la defensiva ante los dardos que lanza Fabienne, tampoco se amilana para desempolvar cosas calladas durante mucho tiempo. Si bien el vínculo no es tan asfixiante y tóxico como en la reciente Las siamesas (Paula Hernández – 2020) los pases de factura entre ambas se asemejan a los de Rita Cortese y Valeria Lois. Deneuve se encuentra muy cómoda cuando predomina el tono de comedia, pero es en los momentos dramáticos, en el que surgen las rispideces, cuando la película alcanza sus puntos más altos.

Por otra parte, Binoche es el complemento ideal, con un juego gestual que expresa con claridad las distintas emociones por las que atraviesa. En tanto que Ethan Hawke, demuestra que ningún papel es secundario para él. El guión le reservó el rol de un actor de segundo nivel con un pasado alcohólico, marioneta ideal para la suegra que lo maneja a su antojo según le convenga. Por momentos parece “lost in translation”, ya que se encuentra en el medio de las discusiones en francés de las dos protagonistas sin entender un ápice de los rápidos cruces verbales, pero, como el americano medio, sin preocuparse demasiado por interiorizarse en una lengua extranjera.

La acción se desarrolla en dos ámbitos bien determinados. Por un lado, la residencia con sus distintas habitaciones, y por el otro, el set de filmación en el que la diva comparte, no de muy buen agrado, el rol protagónico con una joven actriz ascendente. Uno funciona como espejo del otro, la ficción en la que actúa (el cine dentro del cine) tiene su eco en el hogar, mientras sus caprichos y veleidades salpican los dos escenarios. La verdad, después de tantos meses de ausencia e interrupciones de la presencia cinematográfica en las salas, es un reencuentro con el buen cine francés de la mano de dos actrices y un director de gran prestigio. Un cine sutil que apela al corazón y no al impacto, que dialoga con el espectador desde la intimidad de un hogar con conflictos cercanos y reconocibles.

La trama de Army of the dead es sencilla. Las Vegas está infestada por zombies y un grupo de distintas personas es contratada por un magnate para robar una caja fuerte en un casino.

Los problemas de la película se notan desde el principio con esa introducción que busca recordarnos a Dawn of the dead y también a Zombieland (2009). Música alegre, colores brillantes, toda la parafernalia de Las Vegas convertida en muertos vivos. Pero de repente la canción Viva las Vegas cambia de tono para mostrarnos el lado oscuro y solemne de los personajes principales. Es como si Snyder dijera divertite pero hasta acá que tengo una historia que contar. Lo cierto es que la historia no sólo es algo que se contó mil veces, a excepción del contexto, sino que también sigue el ABC del cine de zombies, y en eso falla Snyder quien también se encarga del guión 

Varios motivos hacían funcionar a Dawn of the dead (2004). La primera más evidente era que estaba basada en una material preexistente escrito por George. A. Romero, el padre de los muertos vivos. Segundo que el guión lo escribía James Gunn quién para ese entonces ya tenía una larga carrera dentro del cine y entendía que hacia funcionar a una película de terror. Y lo último, motivo que no se menciona mucho, era que al ser su primera película Snyder estaba atado a lo que querían los productores. Sí, se notaban algunos rasgos que luego se volverían marca registrada de la casa, pero estos estaban atados a una historia. En cambio en Army of the dead, como en Justice League el estilo de Snyder esta suelto y esto puede gustarle a sus fans, y volverse irritable para el resto de los espectadores.

Tampoco ayuda la inclusión de un sinfín de personajes irreconocibles del cual el único que resalta es Dave Batista, y esto es solo por ser conocido. Batista no sirve para cargar una película como héroe de acción, a lo Dwayne Johnson, porque no tiene carisma y porque está dirigido para ser así. Es un cúmulo de traumas superficiales y que pesa con otras subtramas que no ayudan al crecimiento de su personaje. El resto de los actores no es que estén mal, es que simplemente el material con el que tienen que trabajar es espantoso, en especial todo lo relacionado a la hija de Batista, uno de los personajes más molestos que se ha visto en el cine en los últimos tiempos.

La violencia, la acción y el gore no son nada que no se haya visto en otras películas. No hay una escena que quede en la memoria. Y los intentos de desfasarse, de caer en lo ridículo o lo bizarro  quedan en eso, meras ideas, que pueden parecer divertidas en un tráiler, pero no salen de eso. Incluso los homenajes a muchas películas del sub-género zombie nos hacen recordar porqué esas películas sí valían la pena, y no esta. Pareciera que Snyder no aprendió nada de sus maestros.

Army of the dead es una del montón de zombies, inflada por el éxito de su director y por la publicidad de la plataforma Netflix. Pero hay mejores películas, esta es una de las olvidables y ni siquiera como entretenimiento pasajero sirve. Para eso vuelvan a ver Dawn of the dead, consejo.

Valoración: Mala

En cuanto al entorno, el espectador que consume este tipo de ficciones puede llegar a pensar que tanto las costas atlánticas como las mediterráneas españolas se han convertido en las Sodoma y Gomorra del siglo XXI. La corrupción, las drogas, los asesinos a sueldo y los puticlubs están a la orden del día. Por otro lado, las academias y clubes que instruyen sobre el baile del caño están de parabienes, ya que no hay capítulo en el cual no falte la bailarina de turno que se deslice de manera vertical. Muchas escenas huelen a “déjà vu”: el club nocturno en el que se mueven la argentina Martina Gusmán y la española Aura Garrido es un calco del de Sky Rojo, otro lanzamiento de Netflix del presente año; las orgías con máscaras que sorprendieron en Ojos bien cerrados (Stanley Kubrick – 1999), se repiten hasta el hartazgo en la ya mencionada Sky Rojo, El sabor de las margaritas y en ¿Quién mató a Sara?, por mencionar algunos ejemplos.

Entonces, ¿cuáles son los méritos para recomendar medianamente este producto del “merchandising”? En este caso, los merecimientos se dirigen al autor de la novela, Harlan Coben, por su capacidad para atrapar con los meandros que rigen las tramas de sus novelas y los “cul de sac” a los que se enfrentan sus protagonistas. No se lo digas a nadie (Guillaume Canet – 2006), un film francés basado en su novela homónima que pasó sin pena ni gloria por las pantallas argentinas, mantenía en vilo al auditorio con un argumento novedoso por lo intrincado. El Inocente, a lo largo de sus capítulos, rescata en su guión los giros sorpresivos que caracterizan al autor, además de mantener con buen criterio la original segunda persona del singular en la voz en off.

Por último, llama la atención, que, en una época donde soplan nuevos aires de reivindicación femenina, en la cual se quiere prohibir el cuento Blancanieves por el abuso que comete el príncipe al dar un beso a la joven sin su consentimiento al estar dormida, no se haya alzado ninguna voz de protesta ante tanto maltrato y menosprecio que reciben las mujeres en las nuevas series de la pantalla televisiva.

Puertas que se abren y se cierran, que funcionan como signos de preguntas de interrogantes, un anciano que busca de mil maneras un reloj y que se queda habitando el mismo, día, como si estuviera en el día de la marmota, elucubrando si su hija lo quiere engañar o no. Del otro lado, la hija, quién lidia con la senilidad de un padre perdido, aturdido, por momentos lúcido. Zeller, monta un set, la obra esta basada en una obra teatral de su autoría, y es en ese proscenio donde hace caminar y gritar y llorar a sus protagonistas. ¿Es posible recordad alguna película sobre salud mental en adultos mayores que este narrada desde un punto de vista similar?, creo que no, y eso es lo valioso de la estructura narrativa de The Father, uno va descubriendo  el quid de la cuestión con el protagonista. Anthony Hopkins inmenso, es el interprete de un relato, duro, durísimo, y acá hago un punto aparte. 

Hopkins  le pone todos los matices posibles a su desconcierto, sus ojos transportan el dolor de la pérdida y de la sospecha, y hace una dupla magistral con la hija, Olivia Coleman, que ya nos tiene acostumbrado a sus actuaciones perfectas (The Favourite, The Crown), porque en ella se materializa el sentimiento de desolación, de los hijos que tienen un familiar con demencia. Hay una escena, en donde la hija ya no puede más: a la noche, luego de una cena, a escondidas de su padre, llora desconsoladamente luego de que se le cayera un plato, ese paseo y ese plano detalle, que se detiene, con una pausa extensa, es de una belleza aterradora. Y qué decir de ese final, un plot twist, que  cae en el mejor monólogo que haya visto de Hopkins, un final de súplica y de resignación. Puede que sea demasiado teatral, puede que se repita como una calecita y uno se sienta perdido, pero el pulso sostenido y de descocierto que maneja bien  vale un lugar en los premios Oscars.

Valoración: 8

Los primeros minutos de Minari son en apariencia bucólicos, pero sumamente contundentes: el padre conduce un camión de mudanzas, seguido por su mujer en auto, una niña en el asiento delantero, lee un libro en inglés, un niño menor, en el asiento trasero, observa el paisaje, como si no le alcanzaran los ojos para verlo todo. Atraviesan un entorno sumamente rural. Luego un bosque. Llegan hasta una casa no del todo convencional. La vivienda está asentada sobre ruedas y pilotes. Todos se bajan de los vehículos, los chicos se hablan entre ellos en inglés, el matrimonio discute en coreano. La casa y los alrededores no cumple con las expectativas de la esposa. El marido escarba la tierra, extrae un puñado y pondera el color. El hombre proclama que va a hacer ahí un jardín, la mujer le dice que un jardín es algo chico. Entonces él dice que va a ser El jardín del Edén. El padre quiere mostrarles todo y los lleva hacia otro lugar, los chicos corren. La madre advierte al niño que no lo haga. La hermana le pregunta al chico si está bien, luego de esa pequeña corrida. En la siguiente escena, dentro de la casa, la madre le toma la presión al niño. La hija pregunta donde ponen el retrato de la abuela, la mujer responde que la deje en la caja, que no van a estar en ese lugar mucho tiempo. El chico pregunta si el soplo (al corazón) se está haciendo más fuerte. Todo esto dura exactos cinco minutos. Incluidos los títulos de presentación sobreimpresos en las escenas. Me llevó más tiempo escribir este párrafo que la contundencia que dispuso Lee Isac Chung para plantear el conflicto de su film. 

Hoy Corea es un gigante tecnológico, el tercer país con más usuarios del internet y su economía ocupa el lugar número 13 en todo el planeta, pero esta historia está situada en la era Reagan, en los ’80, cuando EE.UU. recibía miles de inmigrantes coreanos en busca de una vida mejor. Y así los Yi se trasladan de Corea a California y de allí a Arkansas, para seguir con su trabajo de clasificar pollitos por sexo y descartar a los machos, a lo que sumarán la granja en la que Jacob planea cultivar vegetales coreanos. La llegada de una abuela poco convencional será otro de los ejes de impacto. El sueño americano con una pata en cada país. 

Minari es de esas historias épicas, en el sentido de poner el foco en el coraje y el esfuerzo, pero, a decir verdad, es una historia menor. No con una idea peyorativa, sino en referencia a un cuento pequeño, sin grandilocuencia, no ampuloso. De hecho, sus personajes son un puñado de personas, una familia pequeña. Y la palabra clave en toda migración de grupo es el desarraigo. El tironeo entre perder las raíces culturales y sociales y adaptarse a la nueva cultura. Y en ese sentido, Minari conmueve con su mezcla de intimidad familiar y algo más grande, que cada tanto es tema del cine que sacude a la audiencia. La voluntad de trabajar la tierra y vivir de sus frutos. Desde Scarlett O’Hara arrancando una zanahoria en Lo que el viento se llevó y jurando al cielo que jamás volverá a pasar hambre, pasando por Viñas de ira o En un lugar del corazón.

La poderosa representación de trabajar para alimentar a los demás y a la vez progresar, a lo que se suman imponderables de mercado, y otros factores en los que la naturaleza está por encima de todo. Un componente de que hay algo por encima de nosotros, un elemento religioso, de gran presencia en Minari. No en vano, una de las maneras de crear vínculos con la comunidad, es asistiendo a la iglesia. Además del granjero veterano de la guerra de Corea (el personaje de Will Patton), que tiene una fuerte carga de fe. Y esto es literal, ya que los domingos carga una gran cruz en sus espaldas y sale a caminar con ella por la ruta. 

Es interesante como Chung disemina detalles por todo el guión, en pequeñas dosis, como la mención al conflicto armado en el que participó EE.UU. luego de la segunda guerra mundial y que dio lugar a la división de las dos Coreas. O el hecho de que el hijo pequeño use botas texanas todo el tiempo. Como idea de integración de las nuevas generaciones de migrantes. No hay acá una imagen clishe del asiático con ojotas y medias. Pero hay otro factor por omisión, no se muestra jamás si los niños asisten a la escuela. Pero si, una explícita mención de enseñanza: el padre quiere que sus hijos lo vean triunfar alguna vez en la vida.

Y la abuela, aparentemente tan alejada de las convenciones de lo que debe ser una viejita asiática, es quien introduce la palabra que da título al film. Minari es una hierba que crece en cualquier lugar, entre la maleza, que cualquiera puede tomar, que sirve de medicina y también como ingrediente de guisos, sopas y el kimchi (un plato básico de la comida coreana) y que es consumido por ricos y pobres. Y así enlaza, con estas semillas que trajo desde Corea, dos generaciones y dos culturas. 

El elenco de Minari es a todas luces, un prodigio de expresividad, comenzando por Alan, como el niño David, cuya visión es en gran parte quien narra la película. Steven Yeun, de The walking dead y la leyenda de la actuación, Youn Yuh-jung. Estos dos últimos, nominados a mejor actor principal y mejor actriz de reparto, respectivamente. 

Minari llegó para demostrarle a los estadounidenses que es enriquecedor ver películas subtituladas, que hay conflictos universales y que, aunque no les guste, no hay vuelta atrás. Y que, en efecto, vivimos en un mundo global, como lo demuestra el virus que tiene en vilo al mundo entero.

Valoración: 8

Chicago, 1927, en un estudio de grabación un caluroso día de verano la legendaria cantante de blues Ma Rainey se dispone a registrar una serie de canciones junto a una banda compuesta por cuatro músicos. El clima físico y emocional de los participantes no es el más propicio para llevar a cabo la audición donde inmediatamente surgen las tensiones entre los participantes. Ma (Viola Davis), con aires de diva, quiere imponer sus condiciones sobre los empresarios blancos que de manera sumisa aceptan todos sus caprichos, con tal de obtener el disco que les traerá jugosos dividendos. Es arrogante en sus desplazamientos, pretenciosa en sus demandas y dictatorial en el trabajo, todos deben seguir su juego y ponerse a sus pies. En el grupo de músicos se destaca el trompetista Levee, a cargo de Chadwick Boseman en su trabajo póstumo, un incipiente autor de canciones que quiere formar su propia banda, orgulloso y combativo. Carga con un pasado penoso de injusticias y vejaciones que quiere dejar atrás pero que lo acecha de manera peligrosa. Una lucha de egos entre el músico y la cantante que se desarrolla en dos espacios físicos: el estudio de grabación y un cuarto en un subsuelo donde ensaya y descansa la banda. 

En la pieza teatral de August Wilson, en la que está basada la película, están latentes las diferencias raciales y la religión. Los estallidos de los protagonistas, las íntimas confesiones y los mejores momentos de las actuaciones giran en torno a la ausencia de Dios en los momentos difíciles que les tocó vivir, y al estigma de ser afroamericanos. Las actuaciones es uno de los puntos más altos del segundo largo para la pantalla del director George C. Wolfe. Viola Davis, profusamente maquillada para resaltar su piel sudorosa y con colores nada discretos en su vestuario, impone su presencia en escenas cargadas de tirantez y despotismo.

Boseman juega muy bien en las dos puntas. Es irónico y pícaro en los pasos de comedia, demuestra toda su carga dramática en los monólogos desgarradores que le tocan desgranar, es desafiante e intempestivo cuando enfrenta a sus colegas ante supuestas conspiraciones en su contra. El otro punto para destacar es la banda sonora en manos del saxofonista Branford Marsalis, hermano del famoso trompetista de jazz y música clásica Wynton Marsalis, que recrea con sus arreglos viejos éxitos de Ma Rainey. En general toda la producción musical se destaca, desde la selección de las melodías hasta el asesoramiento a Boseman en las precisas posturas que adopta al sonar la trompeta.

La madre del blues genera añoranzas por un ritmo contagioso poco difundido en el presente, y por un actor versátil que compuso tanto personajes de la vida real estadounidense del siglo XX como a héroes de historietas, con una gran convicción y entrega.

Valoración: 7

Zhao se pone nostálgica, y mete algún que otro sacudón golpebajisimo, pero en esta le voy a dar la derecha y la banco mil, y aquí es el momento, en donde me tengo que poner romántica. La aproximación a las películas, siempre tienen ese toque de emocionalidad personal, una película desastrosa, puede tocar un nervio, sólo uno para que empecemos a verla sin objetivad, así como miramos a la persona que nos gusta, embobados. Asumo el riesgo.

Fren es una mujer que está llegando a la edad jubilatoria, y trabaja por temporada en una empresa de correo, la película la encuentra arriba de su camioneta destartalada, con las huellas del camino y se centran en los vínculos de camaraderia con los otros nómadas que se va cruzando, historias de resiliencias, un amor trunco en el medio del camino (siempre hay amor que dejamos atrás) y la despedida de una amiga, serán el marco para describir lo que se siente cuando estamos solos en un viaje. Y esos primeros planos, que Zhao decide mostrar, de pieles arrugadas, de lágrimas derramadas en silencio y de fríos eternos en un auto en el medio de un aparcamiento, es lo que hace que la película sea tan próxima a la experiencia. “Mi camioneta se llama VANGUARDIA” le dice Fren a Linda, en esa conversación hermosa, porque el auto, es un protagonista fundamental en la historia y tiene nombre, como tantos, como todas, fiel compañero. Y la música diegética, se apodera de un plano detalle de la lluvia atravesar el parabrisas, y resuena la cancioncita del compositor Ludovico Einaudi (gran olvidado en los Oscars), y se siente la lluvia, como si uno estuviese ahí en la soledad de Fern, o en nuestra propia soledad. Y el tiempo se detiene.

Y acá viene el cuento, en otra vida, una vida pasada que no fue hace mucho, fui una nómade y también tuve mi BADLANDS como lo tiene Fren y mi resguardo y mi salvación fue la camioneta. Correr en un acantilado, y sentir el frio de la helada del mar de madrugada, asustarme porque me toquen la ventanilla para que me corra de un estacionamiento, dormir en la calle, que no es la calle sino tu hogar, uno diferente. Cortándome el pelo en alguna estación de servicio, festejando año nuevo con extraños, personas que hoy son mis amigos y al que los que sigo y espero ver algún día. Porque la ruta es huir y encontrarse y aunque me vuelva cursi como Zhoe, es la mejor experiencia del mundo y me quedo con esa escena en donde todos cantan “On Our Vans Again” y son felices, como alguna vez yo también lo fui, en la ruta.

Valoración: 8

1968, Chicago: siete individuos claves del partido demócrata son arrestados acusados de incitar violencia en una marcha pacifica contra la Guerra de Vietnam, esa es la base de El Juicio de los Siete de Chicago. La película trata de liberar culpas y adjunta la dirección y destreza en guión de Aaron Sorkin (The Social Network, A Few Good Men) para mantenerse relevante, el problema se encuentra cuando la carga de múltiples roles a una persona afecta su visión completa del relato y Sorkin da con el ejemplo justo.

De todas formas la película no es mala. El Juicio de los Siete de Chicago consigue – gracias a una excelente puesta en escena y fotografía – adentrarse en la época como pocas veces se ha visto. Éste es un punto a favor para la gran N – Netflix – ya que da la pauta que sus producciones no escatiman en gastos y tampoco en talento…

y justamente los talentos es el punto fuerte de El Juicio de los Siete de Chicago. Entre Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Jeremy Strong, Yahya Abdul-Mateen II y una pequeña participación de Frank Langella y Michael Keaton, las cosas se ponen en una categoría alta si hablamos de la entrega en pantalla. De todas formas el verdadero inconveniente de esta película es que, justamente, se llama El Juicio de Los Siete de Chicago pero tres de ellos quedan completamente en el olvido y se los tiene de extras para llenar el cartón.

¿Drama político y judicial a cargo de Aaron Sorkin? Excelente ¿Dónde firmo?, en letra chiquita lamentablemente no se llega a divisar que el proyecto puede llegar a completarse de una manera correcta pero no la deseable. Aaron Sorkin apunto más alto de lo que podía y en esta película se ven defectos, tal vez no a simple vista, pero si nos detenemos a ver con lujos de detalles nos encontramos con una muy buena imitación, pero no llega a convencer como algo original que se mantenga en el correr de los años. Tal vez the hole world is watching pero van a seguir caminando.

Valoración: Buena.

Nunca una ficción se había detenido con tanto detalle en explorar el proceso de una pérdida auditiva, las herramientas a su alcance y su recuperación. Las frustraciones de una audiometría al confundir las palabras, el complicado aprendizaje del lenguaje de señas, la desilusión frente a las armonías musicales que ya nunca más se percibirán, los estallidos de violencia propios de la impotencia, el implante coclear y sus limitaciones, son las etapas por las que atraviesa Riz Ahmed (Ruben), actor británico de origen paquistaní.

El film adopta un tono cuasi realista en el largo tramo que transcurre en un centro de rehabilitación para sordos a cargo de Paul Raci (figura prominente de CODA, una organización privada que se encarga de los niños criados por adultos sordos), una suerte de gurú y figura paternal para el protagonista. Darius Marder aporta su experiencia en el terreno del documental para describir las actividades de la comunidad, la educación escolar, las reuniones, los retiros solitarios y los particulares almuerzos llenos de gestos y golpeteos. Para Joe (Raci), los sordos no son discapacitados, en su centro la sanación es mental y no auditiva, su lema es aprender a convivir con la sordera para adaptarse a las nuevas formas de existir y no corregirla. Su filosofía es el aislamiento como forma para reencontrarse con uno mismo, para alcanzar una cierta espiritualidad, a lo sumo socializar solo con los pares. Invita a Ruben a apartarse para disfrutar del silencio (práctica vinculada a la meditación zen y el mindfulness) en una habitación donde le propone escribir y reflexionar. Propicia el retraimiento y la incomunicación en detrimento de la integración como elección de vida. Un pensamiento discutible, polémico, refutable como idea principal del guión coescrito por los hermanos Marder.

La banda sonora está muy bien armada en función de la percepción auditiva del protagonista. Los primeros síntomas lo sorprenden, utiliza los típicos recursos de un hipoacúsico para comprobar si escucha: tose y se suena la nariz. Al principio la audición va y viene, mezcla de sonidos claros con murmullos lejanos como si las pilas de un audífono estuvieran por vencer, los ruidos de los electrodomésticos disminuyen, se distorsionan. Durante su estadía en la comunidad reina el silencio en grandes pasajes, apenas interrumpido por la lectura labial o la ausencia del lenguaje de señas. Con el implante coclear las voces suenan metalizadas como un audífono mal calibrado, le perturban los sonidos que se potencian hasta que se acostumbre y logre un equilibrio.

En la fiesta organizada por Richard (Mathieu Amalric), padre de Lou (Olivia Cooke), siente incomodidad por no entender con claridad lo que se dice, una resonancia ininteligible producida por las conversaciones cruzadas que llevan a Ruben a buscar la solución más cómoda, la menos vergonzante: aislarse. Refugiarse en un rincón, en un falso confort con tal de evitar el esfuerzo de distinguir una sola palabra para seguir el hilo de la conversación y evitar el papelón. Por último, la canción final que entona Lou habla de un amor que la mata, de una locura que le produce llanto, de un amor que fue, a modo de ruptura de su vínculo con el baterista. Una alegoría, ya que, expresada en francés, idioma que no domina el músico, escucha las palabras, pero no las entiende, al igual que los hipoacúsicos en situaciones similares, pero en un lenguaje comprensible.

El sonido del metal, sin caer en el melodrama, es una película conmovedora que toca las fibras más íntimas de aquellos que padecen distintas formas de discapacidad auditiva, como quien escribe este texto. Una realidad desconocida por muchos, especialmente en el ámbito cinematográfico, injustamente soslayada, que habla de sufrimientos, impotencia y frustración.

Valoración: 8.

Cassandra es un treintañera que vive con sus papas y trabaja en una cafetería, pero de noche, de noche la cosa cambia, y se convierte en el alma vengador de la caza de los machos alfa, ABC1, al principio uno está medio perdido, pero avanzado la trama se entiende ese odio acumulado hacia una cierta porción de hombres. Carey Mulligan, tiene el don para irritar, en  The Great Gatsby su personaje martirizaba a un Di Caprio loco de amor y uno la odiaba, en The Shame fastidiaba a su hermano, con quien tenía una relación al borde del incesto, nunca una carmelita descalza, y en esta, bueno, se vuelve insoportable, arrogante, pero tiene un propósito: ser la heroína de una historia.

No quiero adelantarme a la trama, pero su cometido, segmentado por capítulos, tiene una fuerza que madre mía, y Fennel es viva, vivísima, y mete clásicos del pop y nos hace cantar y empatizar con Cassie, y de repente una escena de amor, con el galán, Ryan (amamos a Bo Burgham), musicalizada con Star are blind de Paris Hilton se vuelve pegadiza y los amamos, aunque intuyamos que esa felicidad aparente va a terminar en pedazos. Cassie quiere vengar la muerte de una amiga, y busca a los culpables, y les hace pasar la de Cain. 

Entrecomillado aparte, la escena donde se topa con una amiga cheta de country, una Alison Brie maravillosa y que bien le sale la falseta de recoleta, y así es toda la película, todos son malos, menos Cassie y aunque la protagonista derrapa, la fantasía de la venganza feminista se hace presente y se festeja como el gol de Diego a los ingleses.

Dicen que la directora roba cosa de The Jocker, pero si lo dicen por la escena donde se saca el labial frenéticamente delante del espejo, me temo que Todd Phillips no invento la pólvora, ya en clásicos como El resplandor en la hierba, Natalie Wood fragmentaba su imagen y se desvanecía delante de un espejo en primer plano. Promising Young Woman, es una venganza de cotillón, colorida y con un particular sentido del humor. Bancamos el domingo de Oscars a Carey Mulligan por supuesto.

Valoración: 8