Leer Rápido y Furioso: una historia callejera

Luego de  Fast Five, los protagonistas tienen una vida de bajo perfil, que les permite disfrutar del dinero robado en Brasil. Un mercenario británico de nombre Shaw (Luke Evans, a quien pronto lo podremos ver en The Hobbit), que parece ser amigo de Batman (¿acaso vi otra versión del tumbler?), amenaza la seguridad nacional y para el agente Luke Hobbs (Dwayne ‘The Rock’ Johnson) y su equipo, les resulta imposible seguirle el ritmo y el rastro. Entonces, ¿qué mejor que llamar a los más eficientes y rápidos?

Pero, ¿cómo Hobbs se va a asegurar de que Dominic Toretto (Vin Diesel) y su equipo acepten el trabajo? La cuestión es que el código y la debilidad del team es la familia (“You don’t turn your back on family, even when they do”) y simplemente no pueden decir que no cuando se enteran que Letty (Michelle Rodríguez) está viva (esto se supo al final de Fast Five) y trabajando para Shaw. El plus para todos es que de atrapar al villano, obtienen el perdón que les permitirá regresar a casa. “Ahora trabajamos para The Hulk?” pregunta Han (Sung Kang) HA! No, trabajan para The Rock.

Para ver estas películas uno sabe que puede poner su cerebro en off y solo dejarse llevar. Es tedioso comparar pero esta entrega está por debajo de  Fast Five,  película que lo tuvo todo: cerebro, corazón y mucha velocidad y acción. Las primeras dos cualidades (¿?) están algo ausentes, sobre todo la primera cuando la película pone a prueba las leyes de la física: los autos pueden evitar que un avión despegue, ¿en serio?

Round 6 para Rápido y Furioso: nuevos autos y más acción

Ver Rápido y Furioso 6 vale la pena, porque con Justin Lin al mando, el mundo de la acción y las carreras parece nunca acabarse, inclusive en calles tan ceñidas como las de Londres. Su ritmo para mostrar la velocidad es envidiable, y la coordinación que genera en las grandes escenas, que incluyen camiones militares, tanques y aviones, peleas puño a puño, nunca dejan de sorprender al público, quienes responden con muchos ohhh o wow!

Pero por si acaso toda la masa muscular de Diesel y The Rock, con sus autos, no son suficiente, siempre se tiene una línea lista y casi improvisada para sacarte alguna carcajada con los personajes de Roman Pearce (Tyrese Gibson) y Tej Parker (Chris ‘Ludacris’ Bridges), quien tiene agendado a Hobbs como “The Samoan Thor” y piensa que están tras los pasos de sus “evil twins”. Él es dueño de las mejores líneas en toda la película.

Mientras Paul Walker y Jordana Brewster son dejados al margen de la historia, Diesel y Rodríguez retoman esa rara atracción física que tenían varias películas atrás, y se convierten en de cierta forma en lo más relevante del film, por lo que si no se es muy devoto a toda la historia de la franquicia, puede llegar a aburrir.

Review de Fast Five: Acción sin control

Es inevitable decir que existe una mitología que solo le pertenece a RyF, e inclusive un mantra: “Ride or Die”. Esta sexta entrega mantiene el ritmo

y la calidad de lo que ya hemos visto, justo como decía la canción de Limp Bizkit en la primera película: Keep rollin’, rollin’, rollin’… Con sus defectos de guión y todo, no podemos negar que como rara excepción, las películas mejoran con cada entrega, mientras Justin Lin sigue empujando el límite de lo que significa la mejor acción, más lejos que ningún director. Y en el caso de que el todo no sea suficiente, tenemos esa escena final en la que otro de nuestros pelados favoritos aparece con una gran frase y boom! Solo te deja queriendo más.

La mañana estaba tranquila. Cualquiera podría pensar que se trataba de un simple desayuno entre amigos. Percheros repletos de estilos totalmente diferentes. Por algo dicen que “en la diversidad está la riqueza”. BUENAS NOTICIAS – PRESS DAY fue el evento organizado por la consultora de comunicación HNOS. Barrionuevo para que diferentes diseñadores puedan presentar sus colecciones de esta temporada ante la prensa de la ciudad argentina de Córdoba.

Los primeros rayos de sol ya calentaban la terraza del resto-bar Apartamento cuando nos sentamos a conversar con JOc, diseñador de Lutto Haute Couture e invitado para compartir su campaña de invierno. Su elegante mezcla de géneros en un look tuxedo negro resaltaba en el cálido y placentero clima del bar.

¿Cómo nació Lutto Haute Couture?

Lutto nació más, por un lado, por una falta más personal… por el solo hecho de que casi siempre yo me hice mis propias prendas desde chico. Y la marca en sí surgió en el 2002 más por un movimiento, como el despegue nuevamente de lo que fue el dark o el gótico. Empecé en la parte under de Córdoba y Buenos Aires haciendo ropa gótica, por eso surge lo de blanco y negro y, además, por todo lo que es la cultura gótica ya sea en el cine, en la literatura, la música. Está todo muy ligado con mis gustos personales. Cada cosa que voy haciendo, lo voy haciendo más personal.

Al luto lo definimos como un estado exterior para manifestar un sentimiento de dolor en el color negro, ¿Qué sentimiento manifiestas a través no sólo del nombre sino también de las prendas?

No tanto de dolor, más bien es la melancolía. El luto viene por ese lado y lo que trasmito en la marca es eso. Aparte, lo que son todos los diseños, me baso en lo que es la década del 40 y 50. Creo que en esa época la gente le daba mucha más importancia a lo que es la vestimenta, a la estética. En lo que es Lutto, yo busco, desde en el pelo hasta los zapatos, la prolijidad, el estilismo, el total look. La gente antes se peinaba, se vestía para cenas y salía. Eso es lo que más me llama

la atención de esa época.

Lutto se plantea como una marca que va más allá de ser simplemente una marca de ropa, sino un estilo de vida, ¿Cómo lo caracterizarías? ¿Qué es lo que la hace única y diferente?

En realidad es única porque creo que mi marca es más de diseño de autor, mucho más personalizado. Trato de buscar siempre telas y detalles como botones, por ejemplo. Trato de buscar algo, de que cada prenda que yo haga sea única, por eso las colecciones no son tan grandes, sino mucho más chicas. Busco la exclusividad, prendas únicas y que no se repitan y que cada persona tenga esa prenda como si fuera algo único.

¿Crees que es posible lograr una prenda funcional pero con diseño original y diferente?

Si, en todas las prendas trabajo siempre el mismo estilo, pero trato de darle algo distinto, algo más de vanguardia. Que un tipo de prenda lo puedas usar a lo largo del día, como en un ámbito empresarial, y también para fiestas.

BLACK † FALL | WINTER 2013 BY LUTTO from Boo! on Vimeo.

¿En qué te inspiras para crear?

Según la época del año, pero siempre me inspiro en cosas que me gustan, como el cine o la música. Esta temporada tuvo mucho que ver con lo que es el cine, en la cual usé la pieza musical que es de un compositor que siempre trabaja con el director de cine David Lynch, Angelo Badalamenti, en el cual quería buscar algo más de dramatismo y quería que las prendas fuesen mucho más extremistas, al igual que todo el estilismo en particular. Siempre trato de buscar en todos mis gustos, algo para poder ir cambiándolo.

¿Cómo caracterizarías a la persona que elige vestir Lutto?

Creo que las personas que buscan a Lutto buscan algo diferente. Mis clientes siempre me dicen que buscan algo más refinado, mucho más elegante. Los comentarios de los demás me llenan y aprendo mucho de ellos.

El movimiento punk de los años 40 y 50, en el cual te abocaste en esta colección de invierno, tiene una forma de pararse ante la vida muy particular, ¿Cuál es tu actitud frente a la vida? ¿De qué manera decidís pararte?

En realidad, me basé en los 40 y 50 como siempre pero tomé algo más allá de mi influencia musical, que es el post punk que viene de los años 70. Después de la muerte de Sid Vicious hay un quiebre musical en Inglaterra, en el cual nace lo que es el post punk. Luego, de ahí surge la movida gótica inglesa de la cual surgen los lugares donde la gente iba y expresaba su sentimiento a través del peinado, la vestimenta y el maquillaje. Eso es lo que quise buscar, esas personalidades o looks extremos. Siempre seguí su manera de pararme frente a la vida, pero más por el lado de que esas personas buscaban más que todo un cambio, un quiebre y sobre todo la originalidad. Eso fue algo que nació, el cual lo tomo y me siento muy identificado respecto a este tipo de gente.

La gala del Met de Nueva York estuvo inspirada en el punk, ¿Cómo es posible fusionar esta tendencia punk sin dejar de lado el lujo?

Son dos cosas completamente distintas… porque en realidad, ¿qué era eso del punk de los 70?, era ponerse en contra de todo. Para mi se perdió ya esa esencia, es completamente otra cosa. Ya lo están usando a ese movimiento como algo comercial, lo cual para mi son el agua y el aceite.

¿Qué es el lujo para vos?

El lujo es en realidad lo que uno tiene, es llegar a su casa y agradecer lo que uno tiene. Creo que eso es el lujo, las cosas que tiene uno mismo. Se confunde mucho el lujo con la ostentación, y eso es otra cosa.

¿Cómo te visualizas de acá a 10 años? ¿Cuáles son tus objetivos?

Me gustaría poder seguir haciendo, trabajando y viviendo de lo que a uno le gusta hacer, haciendo esto. Siempre me vi, y ahora lo estoy haciendo y me estoy dando cuenta que realmente es esto lo que siempre quise hacer.

No sería ilógico pensar que en su ADN está la elegancia, la sobriedad y el clasicismo a la hora de vestir y diseñar. En la búsqueda continua de la excelencia en los detalles y acabados, JOc logra prendas completamente únicas y distinguidas, dignas de ser apreciadas y reconocidas por todos.

Corría el año 1998 y a pocos meses de comenzar el Mundial de Francia, Nike decide dar el batacazo y crea los botines más ligeros del mundo inspirados en un jugador brasilero que jugaba al fútbol de una manera nunca antes vista.  Ese fue el objetivo del nacimiento de los Mercurial.

Ideados para Ronaldo Luís Nazárío, popularmente conocido como Ronaldo, fueron los primeros botines en tener un diseño único en el mercado y con un peso mucho más ligeros que el resto de los demás botines presentado por las otras marcas.

En los años siguientes a los que se creó el primer calzado Mercurial, los avances tecnológicos han permitido desarrollar una manera más refinada de hacer botines. Por ejemplo, la versión original de éstos fue construida por múltiples piezas, cosidas todas juntas, el primer diseño tenia fondo negro y blanco, más tarde, mutaron a color plata, amarillo y azul. Luego siguieron las versiones Mercurial Vapor y Mercurial Vapor I, II, III y IV que en la actualidad su principal embajador es el portugués, Cristiano Ronaldo. Esta versión 2013 es de una sola pieza, sin costuras en la parte superior

al igual que las demás versiones del Nike Mercurial Vapor IX.

“El equipo se propuso crear una nuevo diseño y una nueva estética para el modelo 2013, así que las mejoras no sólo vienen desde el armado y la construcción. El color amarillo de la versión de 1998 se sustituyó por el color Volt, distintivo que se convirtió en sinónimo del diseño de Nike el verano pasado en Londres, y el plateado original se cambió por un acabado metálico “, declaró Phil McCartney, VP de Nike Football Footwear.

El brasilero no solo cautivó a todos los amantes del balompié con su estilo, velocidad, habilidad e increíble olfato de gol, sino que también reavivó la reputación del fútbol brasileño. Ronaldo está estrechamente relacionado con Nike. Desde sus inicios en el Cruzeiro hasta terminar su carrera el 14 de febrero de 2011, a cusa de problemas físicos, vistiendo la camiseta del Corinthians, el crack brasilero fue embajador de esta firma deportiva a lo largo de toda su carrera, como principal figura en los comerciales de la marca norteamericana.

La gran figura de la selección brasileña ganó el mundial Corea-Japón 2002 y el subcampeonato en Francia 98. Obtuvo además la Copa América de 1997 y 1999, así como diversos títulos europeos con prestigiosos equipos como PSV, Real Madrid, AC Milan, FC Barcelona e Inter Milan. Integró también el plantel brasileño que ganó el mundial de Estados Unidos 94 cuando tenía 17 años, aunque aquella vez fue suplente de Romário y no disputó ningún partido.  Ha sido galardonado con el Premio FIFA World Player en 1996, 1997 y 2002, la Bota de Oro de Europa en 1997, el Balón de Oro de Europa en 1997 y 2002. Así mismo obtuvo el Balón de Oro en el mundial Francia 98 y la Balón de Oro en el mundial Corea-Japón 2002, entre otros premios.  Ronaldo es desde el 2006 el máximo goleador en la historia de la Copa Mundial de Fútbol, al anotar 15 goles y el segundo goleador histórico de la Selección Brasileña, después de Pelé.

La influencia de Ronaldo y los Mercurial continúan más vigente que nunca en nuestros días. R9 es el guía de muchísimos chicos que quieren hacer esas gambetas y corridas a la velocidad de la luz para terminar haciendo el gol de sus vidas. Y los Mercurial como los botines más reclamados a la hora de jugar este deporte que tanto nos apasiona.

Sin embargo, algo pasó. Un film puede ser fallido pero al menos tener ciertos elementos loables; también puede ser una acumulación de errores pero al mismo tiempo ser digno de un entretenimiento. Spring breakers: viviendo al límite no pertenece a ninguno de estos dos grupos. Es el claro ejemplo de un tercer grupo: el de las películas que fracasan en todo lo que se proponen.

Spring Breakers sigue a cuatro amigas que desean irse de vacaciones a Florida. Al no tener dinero, tres de ellas (Selena Gómez es la más conservadora del grupo) asaltan

violentamente un restaurante, sólo para cumplir sus apetitos de fiestas, diversión y sexo. En efecto, una vez allí, todo se trata de eso: descontrol, gritos, cuerpos esculturales, y todo lo que hay en Estados Unidos en verano. Todo se complica cuando las chicas son arrestadas y un patético gángster las libera de la cárcel. Pero, ¿acaso esto importa?

Es interesante observar como la película se divide en dos partes bien notorias. Los primeros quince minutos sorprenden, encandilan. Es asombrarse con un regalo pero estirado en esa porción de tiempo. Luego de ver a estas chicas en bikini, el asalto en cuestión y la primera de las fiestas a las que asisten, todo se derrumba. O se vuelve una repetición de este desmoronamiento. Y lo que aburre, increíblemente, son las fiestas.

La recién estrenada El gran Gatsby, de Baz Luhrmann, tiene sus fallas pero al menos se hace cargo del exceso. Además, las fiestas organizadas por Gatsby sí son divertidas y contagian el entusiasmo que debe transmitir una celebración tan lejana como la que se encuentra en la pantalla cinematográfica. Spring breakers, más allá de enaltecer las hormonas, no encuentra el gran mérito de Luhrmann. Y peca, como si fuera poco, por el incumplimiento de lo que prometía: lo salvaje y lo extremo queda simplemente plasmado en la espalda desnuda de Vanessa Hudgens (famosa, entre otras cosas, por haber sido víctima de un hackeo de sus fotos privadas).

De los pocos elementos interesantes en Spring breakers, Selena Gómez es uno de ellos. Su personaje parece ser el único realmente delineado de toda la película. Faith se debate entre la religión y las fiestas, y la actriz transmite, de forma muy profesional, esa encrucijada. Es la única en el film que le da una dimensión a su personaje. O, capaz, la única que no es una imitación de una chica divirtiéndose o un patético mafioso. El único momento de libertad absoluta ocurre cuando las chicas y James Franco interpretan un cover de la maravillosa Everytime, de Britney Spears. Si esa secuencia consigue emocionar es porque Korine se despega de la repetición y el desinterés para centrarse en aquellos acordes que provienen del corazón de los protagonistas (Britney es una especie de diosa, de voz para estos adolescentes descarriados).

Spring breakers, con la expectativa generada y sus chicas en bikini, tiene más de cansancio que de celebración. La formas, los colores, los sonidos y la música son meros artificios que tapan los problemas de una carrera. Si en Trash humpers, Korine engañaba a su público con sus imágenes grabadas en VHS, en su nuevo film sólo hay una inútil capa de colores y formas hechas para la distracción de un guión inexistente. Es un cine perezoso, que en vez de pensar un guión hipnotiza con su exaltación visual; y es un cine aburrido, porque no sabe como plasmar esto en la pantalla.

Es así que nos encontramos con Bigger, que a la par de Eruca Sativa, La Rocka, Connor Questa, Utopians, entre muchos otros, acuñan desde el crudo grunge hasta el más melancólico folclore y de la diversidad mixturan sus creaciones.

¿Cuál es el origen de la banda?

BIGGER es una banda que ya tiene 7 años de vida. La banda surge en la Universidad de Quilmes estudiando música. Me vine a vivir desde Rafaela y ahí nos conocimos con Nahuel
Tavosnanska y Ramiro Pereyra. Empezamos a tocar y esa formación del trío duró hasta
principios del año 2012. Después de la partida de Rami y Tavos empecé a rearmar la banda.

Y ahí aparecen Pablito Inda, a quien conocí en el estudio de grabación donde trabajaba,
Oliver Knox y Pablo Torterolo (otros dos viejos amigos de la universidad). A fines del 2012
Pablo Torterolo decide salir de la banda por cuestiones personales y entra en su lugar Manuel
Fernández en batería, a quien conocimos en un show.

Poseen dos trabajos, Despertares (2009) y Humano (2012), en los que más, allá de la evolución en la producción de los mismos, se nota el cambio de integrantes aunque no así el concepto de banda que se buscaba.

¿Cómo fue la transición de integrantes y cuánto influyó en el disco HUMANO?

La transición de integrantes por suerte fue bastante fluída, arrancando por la separación con
Rami y Tavos que fue muy pacífica. Después la llegada de Pablito, Oli y Manu fue muy relajada y divertida. Creo que a pesar de las pilas y lo mucho que estamos haciendo todos nos tomamos esta nueva etapa con mucha tranquilidad, tratando de disfrutar, de ser lo más felices posible.

El cambio de formación no influyó en la grabación de HUMANO porque los músicos en el
disco son otros. Nahuel grabó los bajos y Javi Robledo, además de producir artísticamente el
disco, grabó las baterías. Sí influye mucho en el vivo…le hicimos unos cuantos cambios a las
canciones y la forma de tocar es diferente.

Y en cuanto a los discos creo que cada vez estamos más seguros de lo que hacemos. Notamos
una evolución muy importante de Despertares (2009) a Humano (2012). Hay una composición
más consciente de las canciones, más clara. Le dimos mucha importancia a que las canciones
duren a través del tiempo, a que funcionen sus armonías y melodías. Como uno va cambiando
todo el tiempo y alimentándose de nuevas influencias, también se van modificando los gustos
y a veces cuesta escucharse unos años atrás.

¿Cómo hacen para lograr su mixtura y de donde sale la necesidad de eso?

Esa mixtura creo que se da de forma natural. Escuchamos una gran variedad de música y todo
eso se traduce en influencias. Desde Pantera y Megadeth hasta Mozart o el Chango Spasiuk
hay de todo! No se si hay una necesidad específica o una búsqueda de mezcla de estilos, es
simplemente lo que nos sale, y cada vez tenemos la cabeza más abierta a nuevas músicas, así
que seguramente continuaremos mutando… ¿adónde llegaremos? Ni idea (risas).

No es de extrañar que para su presentación en Córdoba lo hagan a la par de Juan Terrenal, precursor de este nuevo movimiento. Otro dato interesante es el cambio de cabeza que tiene Bigger cuando sube al escenario, como ellos definen…
“Nos divertimos mucho arriba del escenario, tratamos de soltarnos lo más posible, de disfrutar entre nosotros y de hacer que el público pase un buen momento…hay mucho cabeceo, mucha energía siempre de nuestra parte, y la gente siempre termina contagiándose de eso y lo devuelve para el escenario.

Estamos convencidos que un show en vivo no pasa solo por la música. Uno va a ‘ver’ un show
musical también. Entonces por momentos no estamos tan preocupados de que todo salga
perfecto, preferimos que haya buena energía y si eso te hace pifiar una nota no importa
demasiado.”

Con esta tranquilidad y disfrute enfrenta Bigger su futuro, sabiendo que lo importante es su
música y no sus logros. Sabiendo que son esos pequeños momentos donde suben al escenario,
graban sus discos, o simplemente tocan sus instrumentos los que lo hacen diferentes al resto.

Wordsworth y Coleridge no fueron los únicos que a principios del siglo XIX crearon una corriente literaria que perduraría por años. Estuvieron acompañados por grandes poetas como Byron, Shelley y Keats. Entre todos levantaron un imperio llamado poesía romántica inglesa, que destacaba por un lenguaje más cercano a la casta común, exenta por condiciones socioeconómicas del privilegio de leer poesía, una literatura que se apartaba, criticando, a la clase burguesa, que retrataba con pasiones paisajes exóticos. Una poesía que tenía como máxima la subjetividad, la fuerza del yo ante todo y la libertad del individuo.

Esta época que duraría el tiempo de vida de sus creadores (hasta 1850 con la muerte de un Wordsworth) subió al escena no solo a unos poetas enamorados por los lagos, de donde emana las fuerzas para su creación literaria, también subió al escenario las fuertes personalidades de sus artistas perseguidos por el drama social de la época.

En el caso de Wordsworth y Coleridge, que dentro del romanticismo inglés fueron categorizados como Lakistas (por su pasión por los lagos y la naturaleza, junto con Robert Southey), fueron de los artistas que más vivieron, en comparación con el resto.

Wordsworth empezó a escribir en la juventud tras su paso por Francia, donde vivió muy de cerca la Revolución Francesa con la que simpatizó, años después tendría que volver a Inglaterra. Conoció a su íntimo amigo Coleridge con el que escribió Baladas líricas (1798) un poemario que es considerado como un manifiesto del romanticismo inglés. Fiel revolucionario, su vida daría un giro con el paso de los años, se casaría con su amor de la niñez, a la que encontraría años después. Su poder poético iría perdiendo fuelle hasta que en los últimos años se centraría en el moralismo más que en la naturaleza. Y su carácter revolucionario sería sustituido por el conservadurismo. Una de sus grandes obras El Preludio no sería

publicada hasta su muerte en 1950.

El preludio

Hay en la suave brisa una ventura
O visita que roza mi mejilla
Y es casi sabedora de ese gozo
Que trae desde los campos y del cielo.
Sea cual sea su misión, a nadie
Hallará más agradecido, hastiado
De la urbe donde he sobrellevado
Perpetuo descontento y libre ahora
Cual ave que se posa donde quiera.
¿Qué hogar me acogerá? ¿Entre qué valles
Tendré mi puerto? ¿Bajo qué arboleda
Construiré mi morada? ¿Qué hondo río
Me dará la canción de su murmullo?
La tierra está ante mí. Con corazón
Alegre y sin temer la libertad,
Contemplo. Y aunque sea sólo alguna
Nubecilla quien guíe mi camino,
Extraviarme no puedo. ¡Al fin respiro!
Pensamientos e impulsos de la mente
Me asaltan, se desprende esa onerosa
Máscara que traiciona mi alma auténtica,
El peso de los días que me fueron
Ajenos, como hechos para otros.
Largos meses de paz (si acaso esta palabra
Concuerda con promesas de lo humano),
Largos meses de gozo sin molestia
Esperan ante mí. ¿Adónde iré,
Por los caminos o cruzando el campo,
Cuesta arriba o abajo? ¿O tal vez
Me guiará alguna rama por el río?

¡Amada libertad! ¿Y de qué sirve
Si no es don que consagra la alegría?
Pues mientras el dulce aliento del cielo
Soplaba en mi cuerpo, creí sentir
Otra brisa en respuesta que corría
Con suave rapidez, pero se ha vuelto
Tempestad, energía ya excesiva
Que su creación destruye. Gracias doy
A ambas y a sus fuerzas, que al unirse
Ponen fin a una pertinaz helada
Y traen tiernas promesas, la esperanza
De los días y horas de alegría,
¡Días de dulce ocio y pensamiento
Profundo, sí, con el divino oficio
De maitines y vísperas en verso!

Hasta ahora, mi amigo, no he solido
Escoger como asunto la alegría
Pero hoy quiero verter mi alma en versos
A salvo del olvido, que aquí quedan
Guardados. A los campos he lanzado
Mi profecía: sílabas llegaban
Espontáneas, vistiendo con sagrados
Hábitos al espíritu escogido
-Ésa era mi fe- para el sacramento.
Mi propia voz me henchía y en mi mente
Reverberaba ese imperfecto son.
A ambos yo escuchaba y obtenía
De ellos la confianza en el futuro (…)

Aún hoy, yo, apasionado de cualquier texto que se pueda leer, me pregunto como señores de la talla de Wordsworth o Coleridge pudieron centrar sus poemas en pequeñas extremidades de la naturaleza como los lagos para dar de si un mundo imaginario como el que ellos pintan en sus poemas. Quizás, la única forma de intentar conocer mejor a todos estos poetas, es leyendo sus textos. Porque en ellos se encuentran partes de su vida, en ellos están las dedicatorias al amor de la infancia, escondidas entre árboles, dedicatorias a sus padres, escondidas entre la maleza, dedicatorias a la vida, escondidas entre lagos.

Para aquellos que estén interesados en saber más de estos grandes autores le recomiendo la obra Poetas románticos ingleses de la editorial Planeta recientemente publicado. En ella podemos encontrar una breve antología de estos autores mencionados en el texto. Es una edición bilingüe que presenta los versos de los más laureados poetas del romanticismo inglés enfrentados a las traducciones de dos de los mejores poetas españoles, José María Valverde y Leopoldo Panero.

Inspirándose en las emociones, sobre todo en el amor, ya sea a la música, de amigos, o de amor en sí, es cómo surgió su último álbum Los Peces. Lo integran 12 canciones creadas con guitarras criollas, violines, pianos y una dulce y calmada voz de Mariana. En este material es posible ver varias de sus facetas ya que hay canciones movidas, tranquilas y oscuras. Seguramente, al escucharlo entero te sorprenderá escuchar un excelente y dulce cover de la historia de desamor de Damas Gratis,’No eres para mi’.

http://youtu.be/UlpUeHNMkkk

La maestra de música para niños, de flequillo y lentes grandes advierte que su relación de música comienza desde muy chica, ocupando el rol de oyente ya que su madre era una apasionada de la música. Con el paso del tiempo formo parte del coro de la escuela, aprendió a tocar la flauta y la guitarra que más adelante. Luego de un fracaso en Kinesiología, decidió estudiarla con más profundidad en la Universidad.

Tengo una relación muy intensa con la música, no la puedo evitar. Si me tengo que levantar a las 3 de la mañana a hacer una canción, no lo dudo ni un segundo…

Tocó durante 8 años en una banda sónica que se llamaba Prismal y en otra formada por mujeres que se llamaba Glamour. A partir del 2008 es cuando comienza a crear las canciones que formarían parte de su primer disco solista como Mariana Päraway. El violín y el piano se interpusieron en su camino y decidió aprender a tocarlos también.

¿Cómo ves que se mueve Mendoza con respecto a la música?

Desde hace un tiempo, siento que se está abriendo un espacio para las bandas de Mendoza que hacemos indie. Hay lugares, hay público, la gente tiene disco de bandas mendocinas en sus teléfonos. Hay una sensación nueva, como de una escena que se está armando.

Al destacar las influencias que la marcaron, Mariana advierte que son muchas como por ejemplo Joanna Newsom, Devendra Banhart, Kings of Convenience, José Gonzalez, Ratatat, Junior Boys y nombra un par de nuevos artistas para lo que es su conocimiento musical: James Blake, Dry the River, Camille, entre otros. “Todo lo que escucho se me pega en la piel, y parece que lo que no escucho, también. Mi música tiene mucho de folklore y jamás escuché, quizá lo tengamos todos en el ADN.”

¿Por qué elegiste incluir un dulce cover de Damas Gratis en Los Peces?

Un amigo que escribe obras de teatro me pidió hace varios años que hiciera este tema “aparawayado” para un de sus obras. Como tardó en estrenarse, empecé a cantarlo en reuniones de amigos y esos amigos me lo empezaron a pedir en los shows. Como a la gente le gustó mucho, me pareció atinado incluirlo.

En un futuro, ¿cómo te gustaría que continúe tu carrera musical?

Hoy

pensaba, después de recibir un mail con la posibilidad de hacer unos recitales en Uruguay: qué loco como se van cumpliendo los sueños… Lo que más me gusta es tocar en vivo y grabar. Quiero hacer eso siempre. Y viajar está en ese plano, es lo que te hace crecer y desde muchos puntos de vista. Viajar/ cantar/ amar es lo que me hace latir el corazón.

Desde mi perspectiva, una de las cosas que más disfruto de darle play a Los Peces es que se van escuchando distintos idiomas. Bla bla bla y Horses son plenamente en ingles y con unas guitarras increíbles (seguramente optarás darle al download). Por otro lado, Desenlazo combina el francés y el español; y finalmente Chanson N°1 es en francés con mucha carga oscura pero lo hace sonar demasiado armónico. Al escuchar Vidala del desamor se me vine a la cabeza la zona cuyana y sus paisajes montañosos. Se podría decir que Los Peces es una especie de propuesta super-cultural que habría que escuchar.

El pasaje de San Antonio, fue bastante complicado. Los Golden State Warriors, fueron una piedra en el zapato importante para los de Texas. En los dos primeros partidos tuvieron que sufrir bastante,

Klay Thompson y Stephen Curry (que metió 44 puntos en el primer partido) fueron una pesadilla. A pesar de eso los Spurs sobrevivieron el primer partido con un triple de Manu, para luego seguir la serie en Oakland.

http://youtu.be/JAHCTC19C-Y

Desde ese momento, se vieron mejor los Spurs, dominaron los cuatro partidos y aunque hayan perdido el cuarto (error de Pop, en el planteo de los últimos minutos) la serie estaba al caer. 4-2 como resultado final, en un partido donde varias veces los Golden State se acercaron, un poco por su ofensiva y otro poco por errores de los Spurs (Manu y Parker un solo gol de campo hasta el ultimo cuarto).

Los Warriors realmente jugaron bien, ademas de tener un técnico nuevo pero con mentalidad ganadora, algo que les inculco a estos jóvenes pero con gran futuro, ellos prometieron estar el año que viene de nuevo y si bien ahora no es su momento, si la progresión que hacen es la correcta.

La otra llave se definió mucho mas fácil  los Grizzlies aprovecharon a un  Oklahoma City devaluado por la perdida de Russell Westbrook. La serie se definió en cinco partidos, algo ajustados y con gran trabajo de los pivots, Zach Randolph y Marc Gasol. El futuro de los Thunder, dependerá de la dirigencia. Está claro que algunos cambios tendrán que hacer. Westbrook de escolta, cambiar a Perkins y tener un base de garantías. Durant no puede todo solo.

http://youtu.be/dEFqN1AM5uU

En el primer partido de la serie los Spurs, le ganaron fácil a los Grizzlies. Pero no todo está dicho. Hace dos años los Memphis los eliminaron en seis partidos y los planteles era similares.

http://youtu.be/etBNeLs-4Ec

La conferencia del este se definirá entre Miami Heat, claro candidato y los Indiana Pacers. La serie por mas que no lo parezca se puede poner muy pareja – el año pasado los Indiana pelearon en Semifinales- aunque la maquinaria de Lebron es muy fuerte y parece aceitada. Los Miami les costó solo un partido contra los Chicago ponerse en forma, luego de esperar una semana para jugar tras haber ganado a los Milwakee. Los Bulls, sin su figura principal Derrick Rose y Luol Deng otra pieza importante, plantearon la guerra pero solo pudieron ganar una batalla.

http://youtu.be/dTztvcTYG7Q

En la otra llave, los New York Knicks decepcionaron y deberán esperar por lo menos un año más para llegar a una final de conferencia, algo que no hacen desde el 2000. Los Indiana son un rival duro, de gran defensa y con dos figuras como Paul George y Roy Hibbert. No les será fácil al Heat.

Las finales ya son una realidad, como candidatos están los San Antonio y los Miami, aunque no se pueden confiar. Los otros dos contendientes (Memphis e Indiana) son equipos muy bien formados, con gente talentosa y hambre de gloria. Las series como siempre dependeran de las figuras y los tríos de los Spurs y Heat son por demás calificados para llevar a sus franquicias de nuevo a una final de NBA. La gloria los espera.

“Declaro abierto el 66° Festival de Cannes” nadie mejor que Di Caprio para decir las palabras más esperadas del miércoles 15 de Mayo, cuando luego de la presentación hecha por Audrey Tautou, él y sus compañeros de reparto se encargaron de abrir el prestigioso Festival con la esperadísima The Great Gatsby (fuera de competencia). Este año, 20 han sido los films seleccionados para la competencia oficial, cuyo jurado encabeza Steven Spielberg, acompañado por el actor francés Daniel Auteuil y el austríaco Christoph Waltz; la actrices Vidya Balan y Nicole Kidman, y los directores Naomi Kawase, Ang Lee, Cristian Mungiu y Lynne Ramsay.

Por el lado de la sección Un Certain Regard, 18 fueron las películas seleccionadas y el jurado lo lidera el director Thomas Vinterberg (Celebración; Dear Wendy).

Entre las películas que compiten por la Palma de Oro, tenemos a  Behind The Candelabra de Steven Soderbergh con Michael Douglas y Matt Damon; Inside Llewyn Davis de los hermanos Coen con Oscar Isaac, Carey Mulligan y Justin Timberlake; Jeune & Jolie de François Ozon con Marine Vacth; Nebraska de Alexander Payne; Jimmy P de Arnaud Desplechin; Only God Forgives de Nicolas Winding Refn protagonizada por Ryan Goslin; Le Passé del iraní Asghar Farhadi con Bérénice Bejo  y Heli de Amat Escalante, entre otras. Algunas ya se han presentado, otras lo harán en los próximos días.

Aunque este año dominan las películas norteamericanas y francesas, hay que destacar la presencia latinoamericana, ya que el mexicano Amat Escalante y la argentina Lucía Puenzo tienen films compitiendo en distintas secciones del festival.

APERTURA

Baz Luhrmann, Leonardo Di Caprio, Tobey Maguire y Carey Mulligan fueron los primeros en pisar la red carpet para presentar la adaptación del clásico de F. Scott Fitzgerald: The Great Gatsby.

En conferencia de prensa, Di Caprio comentó  la importancia de la novela en Estados Unidos: “Gatsby es un libro obligatorio en la educación secundaria. Hoy en día, la gente continúa analizando la novela, interpretando cada línea, es como una eterna búsqueda. Nosotros intentamos dar forma nuevamente a los personajes. El trabajo con un texto de tal envergadura es muy emocionante”.

Por el lado de la crítica, hubo de todo un poco. Mientras que por ejemplo Variety se mostró a favor del film “Ames u odies a Luhrmann, no hay duda de que éste es su ‘Gatsby’ de principio a fin, con su interminable lista de extravagancias (…), la película desprende una innegable fascinación… al menos durante un rato” , otros, como Peter Travers de Rolling Stone expresaron su decepción: “Puede haber peores películas que ‘El gran Gatsby’ este verano, pero no serán una decepción tan aplastante (…) .

Diego Battle (otroscines), por su parte, expresó: La película abruma un poco con sus fiestas interminables durante su primera mitad y no alcanza del todo el espesor dramático que necesita en la segunda parte, trágica y fantasmal. Es, sí, una propuesta algo hueca y superficial, pero también un objeto pop hecho con maestría y, por lo tanto, fascinante en varios aspectos. Por sus logros estéticos, pero también por su desenfado y delirio, este film al que quizás muchos encuentrarán demasiado “decorativo” resulta una bienvenida rareza.

COMPETENCIA OFICIAL. Los films que se presentaron.

Por el lado de la competencia oficial, se presentaron 10 films hasta el momento.  Jeune et Jolie del francés François Ozon fue uno de los primeros: un largometraje que narra el paso de la adolescencia a la adultez de la joven Isabelle, de 17 años, que tiene una vida secreta como prostituta.  “A menudo, se idealiza la adolescencia en el cine mundial, se la ensalza exageradamente. Yo conservo un recuerdo más bien doloroso y difícil de mi propia adolescencia. Tenía ganas de abordarlo desde la distancia para hablar al respecto de forma diferente.” declaró el director en conferencia de prensa.

En cuanto a cómo la recibió la prensa, El País destaca la labor de Ozon, “un director al que cuando le salen bien las cosas tiene un punto muy hipnótico, muy inquietante”; Luis Martinez (El Mundo) dice que “la brillantez y riesgo de la propuesta de Ozon consiste en alejarse de patrones (…) Incomoda en el mejor de los sentidos. (…) Hiere, intriga y despista” mientras que Rodriguez Marchante (Diario ABC) tiene otro parecer: “No hay mucho interés en lo que cuenta, aunque su protagonista, Marine Vatch, tiene en sí misma todo el interés que le falta a la película. Ozon, en esta ocasión, se queda sin apenas los tres átomos de oxígeno”.

Heli, del mexicano Amat Escalante, generó polémica por el grado de violencia que mostró y

no fue muy bien recibida por el público y la prensa. Recordemos que la película cuenta la historia de una familia sumida en la violenta guerra del narcotráfico de México. Amat Escalante, consultado acerca de la violencia en el film, dijo que “La realidad de México es peor que la que muestro en la película. He querido analizar la violencia situándola en su contexto, y no simplemente mostrarla… subrayar que existen personas que la provocan y otras que son testigos. He querido mostrar esta violencia tal como es y filmarla de forma inédita para atraer la atención del público”.

Mientras que el director iraní Asghar Farhadi (A Separation), se presentó con Le Passé, un relato sobre los conflictos familiares  en la clase media parisina protagonizado por Bérénice Bejo (protagonista de la galardonada El Artista) y bien recibido por la prensa, uno de los films más esperados era Inside Llewyn Davis, de los fantásticos hermanos Cohen, donde relatan el auge de la música folk en los años 60 y las peripecias de un cantante “fracasado”.

El film, protagonizado por un aclamado Oscar Isaac, cuenta también con las actuaciones de Carey Mulligan, Garrett Hedlund (On The Road), John Goodman y Justin Timberlake. La cinta fue una de las más aplaudidas en el Festival y no es para menos ya que cuando de los hermanos Cohen se trata, difícilmente puedan decepcionarnos.

Tian Zhu Ding  de Jia Zhangke, Borgman de Alex Van Warmerdam, Jimmy P de Arnaud Desplechin y  Wara no Tate de Takashi Miike fueron algunos de los films que también se presentaron en estos días en el Festival.

UN CERTAIN REGARD. Los otros films del Festival.

En la sección Un Certain Régard también hubo sorpresas y films esperados anticipadamente. Sofía Coppola con su film The Bling Ring (protagonizado por Emma Watson); James Franco con  As I Lay Dying; Alain Guiraudie con el film L’inconnu Du Lac, y Ryan Coogler con Fruitvale Station fueron algunos de los que se presentaron hasta el momento.

Y sí, hablemos de Sofía Coppola, quien junto a Emma Watson fue el foco de atención por la presentación de The Bling Ring.  Recordemos que la película relata la historia de unos adolescentes de 18 años que decidieron entrar en las mansiones de diversas celebridades de Hollywood y llegaron a robar casi 3 millones de dólares, entre joyas, ropa y dinero. Eran siete jóvenes, y los medios de comunicación los bautizaron como The Bling Ring.

La directora habló del significado de la película en una entrevista con La Jornada, donde explicó: “Es más bien una fábula sintomática de una generación que ha crecido y se ha nutrido del Internet y el reality show. Traté de mantener una relación empática con estos chicos, de no juzgarlos, de dejar al público la libertad de hacerse su propia opinión. Pero es evidente que los observo desde cierta distancia. Me interesaba sobre todo mostrar qué tan fuerte puede ser el impacto mediático de ciertos estilos de vida sobre una generación a la cual le faltan los valores familiares. Creo que existe una mezcla de sublimación y crítica en la película”.

“Siempre hábil a la hora de dirigir a jóvenes intérpretes, Coppola saca un buen provecho del trabajo de su elenco en su mayoría de recién llegados”  fue la crítica de Variety. Por su parte, The Guardian, en la misma línea, declara: “los últimos toques de ironía y de rechazo pueden resultar pesados y obvios, pero es una película intrigante, intuitiva y entretenida (…). Obviamente, no todas fueron rosas para la directora de Somewhere: “Sofia Coppola empieza bien el retrato de la tontería, pero le pierde la desidia. (…) Pasado un tiempo (corto), la cinta se agota en su propia ocurrencia incapaz de hacer avanzar a los personajes.” (Luis Martinez, El Mundo).

Otro film que llamó la atención fue Fruitvale Station (con Michael B. Jordan y Octavia Spencer), la primera película del norteamericano  Ryan Coogler. El film está basado en un hecho real que se dio en EE.UU el 31 de diciembre del 2008, cuando un joven fue asesinado por un policía en la estación de tren FRUITVALE. Sin dudas es uno de los trabajos a prestar atención ya que viene de ganar en el Festival de Sundance dos premios: el del jurado y el del público.

Bends de Flora Lau; Grand Central de Rebecca Zlotowski; As I Lay Dying de James Franco y Omar de Hany Abu-Assad fueron otras de las tantas películas que se vieron en la sección. Vale la pena recordar que el Festival presenta  otras secciones: los cortometrajes y la Cinéfondation (películas de escuela).

LISTA OFICIAL

BEHIND THE CANDELABRA Dirigida por Steven Soderbegh

BORGMAN Dirigida por Alex Van Warderdam

GRIGRIS Dirigida por Mahamat-Saleh Haroun

HELI Dirigida por Amat Escalante

INSIDE LLEWYN DAVIS Dirigida por Ethan Coen, Joel Coen

JEUNE & JOLIE (YOUNG & BEAUTIFUL) Dirigida por François Ozon

JIMMY P. (PSYCHOTHERAPY OF A PLAINS INDIAN) Dirigida por Arnaud Desplechin

LA GRANDE BELLEZZA (THE GREAT BEAUTY) Dirigida por Paolo Sorrentino

LA VÉNUS À LA FOURRURE (VENUS IN FUR) Dirigida por Roman Polanski

LA VIE D’ADÈLE – CHAPITRE 1 & 2 (BLUE IS THE WARMEST COLOUR) Dirigida por Abdellatif Kechiche

LE PASSÉ (THE PAST) Dirigida por Asghar Farhadi

MICHAEL KOHLHAAS Dirigida por Arnaud Des Pallieres

NEBRASKA Dirigida por Alexander Payne

ONLY GOD FORGIVES Dirigida por Nicolas Windign Refn

ONLY LOVERS LEFT ALIVE Dirigida por Jim Jarmusch

SOSHITE CHICHI NI NARU (Like Father, Like Son) Dirigida por Kore-Eda Hirokazu

THE IMMIGRANT Dirigida por James Gray

TIAN ZHU DING (A TOUCH OF SIN) Dirigida por Jia Zhangke

UN CHÂTEAU EN ITALIE (A CASTLE IN ITALY) Dirigida por Valeria Bruni Tedeschi

WARA NO TATE (Shield of Straw) Dirigida por Takashi Miike

UN CERTAIN REGARD

AS I LAY DYING Dirigida por James Franco

BENDS Dirigida por Flora Lau

DAST-NEVESHTEHAA NEMISOOZAND (Manuscripts Don’t Burn) Dirigida por Mohammad Rasulouf

DEATH MARCH Dirigida por Adolfo Alix Jr.

FRUITVALE STATION Dirigida por Ryan Coogler

GRAND CENTRAL Dirigida por Rebecca Zlotowski

L’IMAGE MANQUANTE (The missing picture) Dirigida por Rithy Panh

L’INCONNU DU LAC (Stranger by the Lake) Dirigida por Alain Guirandie

LA JAULA DE ORO Dirigida por Diego Qemada-Diez

LES SALAUDS (BASTARDS) Dirigida por Claire Denis

MIELE Dirigida por Valeria Golino

MY SWEET PEPPER LAND Dirigida por Hiner Saleem

NORTE, HANGGANAN NG KASAYSAYAN (NORTE, THE END OF HISTORY) Dirigida por Lav Diaz

OMAR Dirigida por Hany Abu-Assad

SARAH PRÉFÈRE LA COURSE (SARAH PREFERS TO RUN) Dirigida por Chloé Robichaund

THE BLING RING Dirigida por Sofia Coppola

TORE TANZT (NOTHING BAD CAN HAPPEN) Dirigida por Katrin Gebbe

WAKOLDA Dirigida por Lucía Puenzo

Si a esto le sumamos que en el mundo de la moda la agitación es igual o más alta que en otros ámbitos de la cultura y el entretenimiento, entonces estamos ante uno de esos claros ejemplos que a menudo se dan gracias a la particular relación que tienen el cine y la moda.

En esta nueva adaptación del libro homónimo de F. Scott Fitzgerald, el lujo y la ostentación de los dorados años 20 están tan presentes en la historia como en el libro del autor norteamericano. La estética flapper de tal época marca el inicio de la mujer moderna, que desafió las convenciones sociales tanto con su vestimenta como también con su comportamiento.

Todo este estilo se puede ver en The Great Gatsby, traducido con gran acierto por la diseñadora de vestuario Catherine Martin y la prestigiosa Miuccia Prada. Invitada por Baz Luhrmann, el director del film, la directora creativa de Miu Miu y Prada creó 40 modelos para la película, inspirados directamente en colecciones de los últimos 20 años de sus firmas.

“Nuestra colaboración con Prada refleja la estética europea que estaba surgiendo en la aristocrática costa este en la década de 1920“, comentó Martin, para después agregar que “la moda de la época vio el desarrollo de una dicotomía entre quienes aspiraban al look privilegiado de la Ivy League de Long Island y los que aspiraban al glamour, la sofisticación y la decadencia europea. Nuestra colaboración con Prada refleja la colisión de estas dos estéticas“.

Esta es la tercera colaboración entre Miuccia y Luhrmann, ya que previamente trabajaron juntos en el vestuario de Romeo + Juliet, la película de 1996 que también tiene a Leonardo DiCaprio como protagonista, y en la serie de cortometrajes que se exhibieron en la muestra “Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations” del MET, en 2012.

Vestidos de cóctel, estolas de piel, terciopelo, sedas bordadas, encajes, paillettes, y todo el chaleston style que se pueda imaginar, forman parte de las piezas creadas por Miuccia en dorado, jade y azul topacio. En cuanto al vestuario masculino, la firma norteamericana Brooks Brothers se encargó de los más de 500 trajes que se muestran en el film, los cuales capturan el estilo de la era del jazz.

“Fitzgerald era cliente de Brooks Brothers. Es esta la conexión básica y fundamental que ha hecho que su colaboración sea tan auténtica. Brooks Brothers es mencionada en varias ocasiones en los escritos de Fitzgerald, como la representación del creador de la más fina ropa para caballeros para el distinguido hombre americano”, recordó Catherine Martin.

A esto se suma la colección de joyas que Tiffany & Co. creó para el film, en el que collares de perlas, tocados de diamantes, anillos de oro y plata y brazaletes están inspirados en los propios archivos de la casa de alta joyería, la predilecta entre los ricos y famosos en los tiempos del escritor.

Pero el fenómeno Gatsby no queda allí. Carey Mulligan, quien se pone en la piel de la protagonista Daisy Buchanan, aparece en la portada del número de mayo de Vogue US. Con estilismo de la legendaria Grace Coddington y con fotografías de Mario Testino, la actriz capta la esencia de los años 20 con vestidos de Miu Miu, Alexander McQueen, Oscar de la Renta, Chanel, Nina Ricci y Dior. Toda una flapper.

Aquellos dorados años 20

Las flappers fumaban, bebían, conducían automóviles, pasaban noches divirtiéndose en clubes de jazz y se habían liberado de la tiranía del corsé, mostrando las rodillas con siluetas sueltas y masculinas. De hecho, sustituyeron la moda de la época, basada en enormes sombreros y melenas largas, por el sombrero cloche ajustado en la cabeza y el bob cut.

Pero este estilo no quedaba allí. Fueron las primeras en introducir el maquillaje, que usaban en exceso, y complementaban sus atuendos de plumas y flecos, -vestidos inspirados en el Art Decó- con muchas joyas, en especial larguísimos collares de perlas y adornos para la cabeza: casquetes, diademas, turbantes, entre otros.

Se trataba de un momento en que la mujer se incorporaba al trabajo, poco a poco durante la I Guerra Mundial, y luego con mayor masividad en la posguerra, propiciando así un proceso de transformación civil y cultural. No querían vestirse con vestimenta masculina, pero adornaban de manera pomposa sus vestidos de corte recto y hasta las rodillas.

En un contexto donde la aristocracia marcaba las pautas de la moda, el cambio que trajeron consigo las flippers determinaron el primer germen del culto a las celebrities: actrices como Clara Bow o Louise Brooks ostentaban el bob cut, convirtiéndose en verdaderas trendsetters junto con otras personalidades de la cultura, que con su actitud y estilo influían en las mujeres de la época. Otro ejemplo es Zelda Fitgerald, la esposa del autor de The Great Gatsby, que fue un ícono de estilo y musa del escritor.

Así nacen las IT girls, jóvenes magnéticas que tienen “eso”, un plus que las hace atractivas a todo el mundo. Sin embargo, la flapper más conocida y reivindicada por la historia es Coco Chanel, no sólo por su estilo de vida, sino esencialmente por la revolución que implicaron sus diseños.

Los colores neutrales y los tonos pasteles, además de una preponderancia del negro, aparecieron en los vestidos de la diseñadora francesa, a los que decoraba con bordados para darles un toque de lujo y sofisticación a siluetas confortables y modernas. Fue en 1926 cuando Coco creó el little black dress, todo un símbolo de la moda actual y la influencia del flapper style hasta nuestros días.