Vamos a hacer un recorrido por el paisaje musical de este nuevo trabajo discográfico.

Desde que en marzo la banda francesa comenzó con su progresiva campaña publicitaria, no tardaron en ganar protagonismo por la red. Una secuencia de sutiles avances promocionales fue allanando el terreno para lo que gratamente resultó ser un trabajo de una altura y madurez sonora notable. Si bien estamos ante un disco de Daft Punk, no se puede dejar de lado el hecho de que este fue un trabajo con un nivel de colaboración sin precedentes. Grandes talentos sirvieron de aporte y ayudaron a forjar el espíritu del disco: un revival de buena la música de los setenta y los ochenta pero mirando hacia el futuro.

Entrás a la discoteca, te sentás en la barra y te pedís un trago. De repente, algo te agarra la mano y te lleva, velozmente y sin pedir permiso, a la pista de baile. Ese algo es Give life back to music —el primer tema— que nos recibe con una explosión de platillos y guitarras, para luego transformarse en una melodía suave y cool: mientras la guitarra hace sabrosísimas maniobras funky, la batería y el bajo juegan con precisión. La pericia instrumental es razón suficiente para regocijarse mientras un certero vocoder balbucea ”Let the music in tonight / Just turn on the music /Let the music of your life / Give life back to music”. La alegre mezcla se aglutina con unos teclados que acolchonan al resto de la banda. Un excelente comienzo, un tema que no querés dejar de escuchar.

Luego, The game of love pasa del espíritu de celebración a una balada muy emotiva. Mientras unas secuencias leves de sintetizador se intercalan con los nostálgicos acordes de un delicado rhodes, la guitarra de Nile Rodgers rellena su espacio de la mejor manera. El vocoder nuevamente aparecen como protagonistas, para luego dejar pasar un arreglo de synth aterciopelado. Todo rescata a la perfección una escena dramática de película ochentosa. Al final, las voces se convierten en instrumento, en un solo genial.

Giorgio by Moroder, es un increíble homenaje a uno de los pioneros de la música electrónica. Giovanni Giorgio fue uno de los que supo encontrar su nicho en la música electrónica en los setenta, cuando el género estaba recién estableciendo sus raíces. Él supo crear piezas que, con una ingenua genialidad, supieron marcar época.

La pista comienza con una grabación de la voz del mismísimo Giorgio comentando sus inicios en la música. Rodeado de murmullos, él cuenta su historia acompañado por una hermosa base que nos recuerda al primer tema pero sin quitarle protagonismo a su narración, que se sincroniza sílaba a sílaba con el compás de la canción: “The sound of the fifties, the sound of the sixties, of the seventies… And then, the sound of the future”, haciendo una clara alusión a los 80s como “el futuro”.

Y, efectivamente, una secuencia clásica de sintetizadores con tono entre trágico y nostálgico le vuelven a dar vida a los sonidos de finales de los setenta, que nos recuerdan a ‘The Chase’. Esta tónica va cambiando para luego trenzarse con un rhodes un tanto juguetón y jazzero, por momentos se bosquejan unos aires latinos de disco funk. La voz de Giorgio retorna y acá es cuando Giorgio by Moroder empieza a sudar rock: un solo de batería de otro mundo dialoga con un bajo despampanante y luego unas cuerdas de orquesta se acoplan para cerrar con una intensidad inigualable. Uno de los puntos más altos del álbum.

Within nos hace bajar un cambio nuevamente. El piano de Chili Gonzáles nos da el preámbulo melódico y gambetea un prodigioso cambio tonal. El vocoder una vez más lidera la dulce melodía, esta vez en sincronía con el piano. La batería y el bajo acompañan con levedad, no hay espacios sonoros sin llenar. Un tema relajado y clásico.

Instant crush nos resulta familiar desde una primera escucha. La guitarra distorsionada, pero suave, crean el suelo sobre el que la ineludible voz de Julian Casablancas lanzará su melodía. Un pop-rock suave y lento que se integra perfectamente con el estilo que vienen construyendo los temas anteriores.

Lose yourself to dance la segunda aparición de Pharrell Williams (luego de ‘Get Lucky’) sigue en la onda funkycool, pero con menos BPM. Rozando un R&B, este tema podría haber sido tranquilamente interpretado por Justin Timberlake. La guitarra de y la voz de Pharrell coreando “Lose yourself to dance” se vuelven protagonistas. Acompañan las palmas y el vocoder secuenciado, que va subiendo una escalera de “Come on, come on, come on…” mientras dos voces robóticas (“Everybody on the floor…”) se trenzan en la ya intrincada combinación de instrumentos y voces para cerrar un tema redondo. Menear la cabeza siguiendo el compás, es inevitable.

Touch nos recibe con una experimentación electrónica sulce y dulce y una espacialidad sonora muy retro, mientras la distorsionada voz de Paul Williams murmura en un momento que recuerda un poco a la sonoridad ambiental de Pink Floyd. A continuación la voz sin distorsión de Williams acompañada por un cálido teclado dejan entrar a un  hi-hat constante y preciso, junto a una guitarra que nos hacen volver a la intro de la serie  ‘The Shaft’. La hibridez sonora continúa: aumentamos el ritmo y suenan  honky tonk, bronces, cuerdas, clarinetes. Un lapsus de festejo y excentricidad. Ahora el ritmo disminuye nuevamente y vuelven los cánticos robot (marcando la identidad  daftpunkera del álbum).

El piano y el coro de niños acompañan con unos acordes dignos de un ritual religioso. Al final, nos volvemos electrónicos. Escalas cósmicas, bajo y unas maravillosas cuerdas van cerrando este himno emotivo. Este tema tiene de todo. Es, junto a Giorgio by Moroder, de los trabajos más variados y ricos del álbum.

Get lucky es el corte del album y el único tema con el que tuvimos contacto oficial. Esta vez, sin recortes y en su máximo esplendor. Fresco, funky, pegadizo, es uno de los temas más bailables y optimistas de R.A.M. El estribillo reza “We’re up all night to get lucky”, enfatizando el espíritu de celebración y feelgood que sólo la música disco podía representar.

Beyond empieza con lo que sólo pude relacionar con una intro de una serie de Animé, bien arriba. Después baja a un humor más oscuro y misterioso, escena policial. Los elementos se repiten: la guitarra percudida y la batería son la base y el vocoder va arrojando unas pinceladas melódicas. Todo tiene, paradójicamente, un fresco sabor vintage.

Motherboard, más instrumental y experimental, abre con una percusión riquísima, cuerdas y unos vientos impecables. Este es un viaje sonoro: los efectos ambientales, más adelante una percusión más tribal se combinan con cascadas arpegiadas de synth que te llevan no sé bien a dónde, pero oscila entre el espacio exterior y un limbo de memorias cálidas y nostálgicas ó, quizá, en un viaje microscópico por caminos de silicio y transistores. La decisión es del que la escucha.

Daft Punk: Pasado, presente ¿Y futuro?

En Fragments of time volvemos a los elementos recurrentes y más sabrosos del álbum: guitarra, batería, bajo y teclados arman la base para que Todd Edwards haga su reaparición vocal. La melodía alegrona con un toque melancólico —creando un humor que desafía mis capacidades descriptivas— por cortos instantes, suena a un Fleetwood Mac con ese slide metálico y órgano valvular bien al fondo. Detrás de esta pieza y de todas las que componen al álbum hay mucha cabeza, muchas capas. Seguramente un tema para ir redescubriendo en cada escucha.

Doin’ it right va al grano con un excelente dueto de robots “Everybody will be dancing and will feeling it right / Everybody will be dancing and be doin’ it right…” mientras Panda Bear maneja la escalonada melodía principal, ambos enmarcados por una sutil pero marcada percusión. Será difícil de quitarse de la cabeza las vocecitas de androide luego de esto.

Contact es un final a todo trapo. Desde abajo, DJ Falcon nos recibe con grabaciones originales de viajes espaciales de la NASA. Las voces de astronautas se mezclan con poderosos pads de sintetizador que crecen y estallan en una metralla de golpes de batería. El desenfreno percusivo se va intensificando. El rock y la electrónica hardcore nos hace viajar a la velocidad de la luz hasta desmaterializarnos en el mismísimo límite del tiempo-espacio. El tema es una nave.

A modo de cierre debo decir que, sin lugar a dudas, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo cumplieron. Las expectativas se materializaron en un esfuerzo que logró unificar lo mejor de varios universos (pop, funk, disco, jazz, rock, orquesta, electrónica y más) y convertirlo en un álbum completo, pulcro. Random Access Memories nos lleva al futuro pero revisitando el pasado. Sin crear ningún hito (como lo fueron ‘Around the world’, ‘One more time’ o ‘Technologic’) R.A.M. es un disco balanceado; musicalmente rico, instrumentalmente delicioso, sonoramente impecable y espiritualmente maduro que nos permite, por suerte, darle un soplo de aire fresco a la música.

Su primer corte de difusión fue Domo23 donde colabora Domo Genesis y el segundo IFHY (I Fuckin Hate You) donde colabora Pharrell Williams y cuyo video fue dirigido por él mismo. No solo esto es un gran paso para el californiano, sino que además Kanye West hizo que en su página web solamente se pueda ver este video en el día de su lanzamiento, demostrando cierta aceptación por parte de uno de los maestros del hip hop de hoy en día.

Algo particular que tiene Odd Future es que cuando largan un álbum siempre hay tres posibles propuestas de la tapa del disco (Frank Ocean no se sumo a esto con su Channel Orange). Una de ellas es una foto de su cara con un primerísimo primer plano en blanco y negro donde se demuestra un Tyler feliz, riéndose como un niño, siendo ésta es su preferida; otra es un dibujo realizado por el artista Mark Ryden (exponente del Pop surrealista). La tercera considero que es la mejor: un fondo celeste, 2 imágenes de Tyler, una con su mirada al más allá y la otra con sonrisa falsa, su camisa característica con sus amados gatos y llevando en sus manos un inhalador. Es increíble, no hay forma de no reírse, va totalmente con él y su personalidad de aparentar ser una buena y tranquila persona.

El álbum en sí cuenta con 18 canciones, donde colaboran Phrrell Williams, Frank Ocean, Domo Genesis, Nas, entre otros. Los temas a tratar en sus letras han son más personales. Answer es de las canciones con una melodía dulce de guitarras y órganos que se enfrenta con una lírica que expresa los sentimientos hacia su padre ausente. En 48 colaboran Nas y Frank Ocean bajo una base de elegante hablando sobre drogas viéndolas desde su aspecto positivo y negativo, muy interesante.

Si bien Lone es la última canción del álbum, es una de las mejores. En sí es una respuesta a un Dr. de voz extraña, trata de cuestiones sobre la fama, el intentar dejarla, sobre la fama y el intentar dejarla pero no poder. Además tiene una melodía demasiado armoniosa, desde mi punto de vista me recuerda a aquellas películas antiguas de Disney que integran violines y pianos.

Tyler no solo empezó bien su año trayendo a la luz Wolf, sino también comenzó la segunda temporada de Loiter Squad, su comedia por el canal Adult Swim con la participación de más miembros de la Odd Future Gang como, Earl Sweatshirt y Jasper. Viendo la serie a partir de videos de YouTube, descubrimos las habilidades actorales de Tyler, se puede ver que le encanta interpretar distintos personajes y jugando con los roles a interpretar. Gracias a Internet podemos ver un video donde sale este rapero haciendo una broma por teléfono, no hay que perdérsela. Es un maestro de la actuación. Con él, la risa no tiene escapatoria.

Semanas atrás, Tyler reveló que él y Frank Ocean le habían hecho una canción a Justin Bieber para su último álbum Believe y la misma fue descartada, quedando afuera del tracklist. Misterio de los fanáticos, tanto como los de Justin como para los de Tyler y Frankie ¿Cómo era aquella canción descartada? En estos tiempos, uno nunca sabe que puede llegar a pasar, tal vez se filtre misteriosamente la canción. Por nuestra parte, estaríamos agradecidos en oírla.

Afortunadamente habrá más tiempo para seguir escuchando sobre Tyler The Creator, ya sea por nuevos albums, nuevas temporadas de Loiter Squad o expandiéndose por distintas industrias. Desde acá lo queremos, nos hace reír demasiado y eso hace bien.

>> Ver Odd Future, la locura del Hip Hop

Dos días más tarde, quienes sí conocemos a  Nash (permítanme escribir como fan), nos encontramos en un lugar más íntimo. Para disfrutar de Kate y su girly band. Eramos muchos los que teníamos nuestro ticket con anticipación para vibrar con este encanto inglés en escena.

La cita era a las 21hs. Pero recién pasadas las 21:15 se abrieron las puertas del Niceto Club. Se hizo una prueba de sonido mientras los presentes se ubicaban. Como llegue temprano pude estar en las cercanías del escenario. A centímetros,  podría decir.

Se apagan las luces. Gritos. Mucha girl espectadora, algunas pequeñas y otras no tanto. Todo comenzó con la proyección de fragmentos de la película Pussycat! Kill! Kill!. Y a brillar. Nash con un vestido golden, ilumina el escenario. Y si, ella misma es salida de una película de los años sesenta. Nash en escena, el público se descontrola. Las chicas como locas. Por mi parte, y desde el lugar en el que me había ubicado desde que llegue, sacaba fotos. Atónita por el magnetismo que desprende Kate Nash.

Atónita y haciendo foco en esta voz del pop rock que presentaba su último disco Girl Talk. En escena cuatro mujeres, una de ellas Nash que alternaba guitarras entre temas. Si, girl power! Who run the world?! “Girls!” diría la mama de Blue Ivy.

Entre canciones, un toque motivador para todas esas chicas que les gusta la música pero no se animan a disfrutar del quehacer musical.  Nash motivó a todas ellas con un discurso sobre las chicas y la música. “Y… es que somos menos, man!” Asi que a sumarse! Agarra la guitarra…y vamos un paso adelante, paso a paso! Subi la música! Girl power, y a girar cual Wonder! Y que no nos importe lo que opinan los de afuera, como dijo Kate.

Los siempre presentes, estaban aquelllos que descontrolaban, esos fans que cantaban letra a letra el Setlist. Creo aun asi que todos nos quedamos con la sensación de que nos faltó escuchar “Nicest thing” entre el recorrido musical que hizo en el show.

Después de haberse tirado al público en el Random Fest, en Niceto, bailo con los fans desde abajo del escenario, con espacio de por medio. Pero tambien los subió a participar de la fiesta desde arriba del escenario. Al final de la presentación se hizo sentir la avalancha de chicas embravecidas para poder tener la suerte subir al escenario. Tal como anunció via tuit Kate había anunciado, que al final se iba a bailar! Casi subo, pero no. Preferí ayudar a hacerlo a aquella chica que Kate miró desde el escenario porque le llamo la atención el colgante que ella tenía. Aquel que vende en su sitio web y que en letras doradas enuncia el “Girlgang”.

Cómo enunciar en algunas palabras lo que se vivió con Nash en Niceto:  ternura + rock, en una ecuación glam pop.  Fue un breve pero intenso concierto, que comenzó casi una hora y media después de lo anunciado. Pero valió la pena la espera. Para la vista y el oído!  Y llego el final, “I miss you already!” nos dijo Kate cuando comenzaba a cerrarse el telón, alejándose del micrófono. Nos veremos otra vez, pues si! Hasta entonces tenemos los recuerdos de una noche en la que todos, girls and boys, fuimos parte de la Girlgang que lidera Kate Nash!

Kate Nash, Niceto Club, 6 de mayo de 2013

Setlist

1- Sister

2- Death Proof

3- All Talk

4-  Kiss That Grrrl

5- Doo Wah Doo

6- OMYGOD!

7- Rap For Rejection

8- Paris

9- Fri-End?

10-Don’t You Want To Share The Guilt?

11- Mariella

12-Foundations

13-3am

14-Girl Gang

15-Underestimate The Girl

16-We Get On

17-Birds

www.myignorantyouth.com

Jason pegó el portazo en 2001, después de alguna crisis no muy bien aclarada, en la que adujo estar cansado y por la que se sentía menospreciado por Hetfield, justo antes de los desbarajustes de Metallica (St. Anger y Some Kind of Monster, 2003). Consciente de su talento, Newsted sucumbió ante el ostracismo post grupo que supo atraer a millones, del metal y no tanto. La ecuación sugería el perfil bajo, aunque el factor X era reemplazado por el impresionante currículum de Newsted, que por sobre todo, en vivo le dio una fuerza tremenda a la banda.

Echobrain fue lo más parecido a un proyecto experimental, sacado de una mente brillante como la de Newsted, pero que no lo conformo ni a él mismo. En medio, el Hall of Fame Induction de Metallica, la paz con sus ex compañeros y algunas colaboraciones con dinosaurios del metal, más un paso por Vodvoid, la banda de Ozzy Osbourne y una reunión nunca concretada con Gilby Clarke y Tommy Lee. Hace un año Jason anuncio que estaba trabajando en un nuevo proyecto, más consistente y que volvería a sus raíces más crudas mechadas con el metal más clásico. Finalmente, Newsted finalizo su primer disco y acaba de incorporar a Mike Mushok, de Staind, como otra guitarra además de Jessie Fansworth.

Durante su primer semana de lanzamiento, el 15 de enero, Metal vendió más de 62.000 copias, lo que lo ubicó entre los primeros 50 de Billboard. Si en sus primeros sonidos Newsted suena a puro trash, violenta como su creador y más parecida a la vieja escuela de Metallica, Mushok puede aportarle armonía a una banda que suena seca y compacta en Metal, el EP lanzamiento, y que muestra a un Jason que, para bien de los que disfrutamos su música, se ha vuelto a enojar. Uno de los mejores bajistas del heavy metal de todos los tiempos, ahora sí, ha regresado.

Algunos de los temas principales ya se pudieron oír en los diversos trailers que han circulado en los últimos meses, mientras que otros recién ahora fueron develados. Una de las particularidades de este soundtrack es que está producido por el rapero Jay-Z quien es también productor ejecutivo del film. Sin dudas, su presencia y su estilo le dan una impronta que no muchos esperaban en esta adaptación de Baz Lurhmann del clásico de F. Scott Fitzgerald.

De hecho, con respecto a la inclusión del rap/hip-hop en lugar del jazz, Lurhmann declaró: “La novela de F. Scott Fitzgerald está aderezada con referencias de música contemporánea específica para la historia que se desarrolla en 1922. Si bien la conocemos como Fitzgerald la califica: ‘La Era del Jazz’ y este período está representado en la pantalla,  nosotros –nuestra audiencia- está viviendo la ’era del hip-hop’ y queremos que nuestros espectadores sientan el impacto de la música moderna actual, de la manera en que Fitzgerald lo hizo para los lectores de la novela en el momento de su publicación” y agregó “Por eso, la primera persona en la que pensé a la hora de la música fue Jay-Z”.

Jay-Z tiene dos canciones propias, una la podemos escuchar en el primer tráiler que se dio a conocer y es “No Church in The Wild” interpretada junto a Kanye West; mientras que la otra es “100$ Bill”. Siguiendo con los trailers, hay otros temas que no pertenecen oficialmente a la banda sonora pero igualmente son destacados, como “Happy Together” de Filter y “Bedroom Hymns” interpretado por Florence + The Machine (artista que sí está en la lista).

Más allá de que destaca el hip-hop, podemos percibir algo del viejo jazz en algunas canciones como “Where The Wind Blows” de Coco O. of Quadron.

A su vez tenemos artistas que  interpretan temas de otros artistas pero versionados, de acuerdo a la estética planteada para el film: Emeli Sandé y  The Bryan Ferry Orchestra con una osada  interpretación de “Crazy in Love” (Beyoncé) con toques de jazz; Beyoncé y André 3000 haciendo “Back To Black” (de Amy Winhouse) con esa base propia del rap; Jack White a puro rock con el cover “Love Is Blindness” de U2 y Bryan Ferry que en una especie de homenaje a su banda Roxy Music, versionó “Love Is The Drug”.

Por su parte, cantantes como Lana del Rey y Florence + The Machine colaboraron con temas compuestos especialmente para el film, mientras que por ejemplo Gotye, contribuyó con su ya existente tema “Hearts A Mess”.

Faltando tan poco para el estreno de The Great Gatsby, la promoción del film ya ha empezado: el miércoles pasado tuvo lugar la premiere en NYC y el 15 de Mayo abrirá el prestigioso Festival de Cannes. La exquisita banda de sonido saldrá al mercado el 7 de Mayo.

Buen cine y buena música…¿Podemos pedir más? Escuchen, disfruten.

LISTA COMPLETA DE CANCIONES

1. 100$ Bill - JAY Z
2. Back To Black – Beyoncé and André 3000
3. Bang Bang – Will.I.Am
4. A Little Party Never Killed Nobody (All We Got) – Fergie + Q Tip + GoonRock
5. Young And Beautiful – Lana Del Rey
6. Love Is The Drug – Bryan Ferry with The Bryan Ferry Orchestra
7. Over The Love – Florence + The Machine
8. Where The Wind Blows – Coco O. of Quadron
9. Crazy in Love - Emeli Sandé and The Bryan Ferry Orchestra
10. Together – The xx
11. Hearts A Mess – Gotye
12. Love Is Blindness – Jack White
13. Into the Past – Nero
14. Kill and Run – Sia

Alive, la última aparición relevante

Estoy en un campo grande a oscuras. Alrededor mío, un mar de cabezas. El silencio apenas se corta con murmullos. Hay tensión, ansiedad, expectativa. De repente, un campanazo enciende la atención de la gente. El escenario se enciende con neón y un tetraedro de luz se materializa en la oscuridad. La fluorescente pirámide es comandada por dos figuras oscuras y cromadas que mueven la cabeza, lanzando un sonido bronce sampleado.

El público pasa de 0 a 1, cual sistema binario en una euforia electrónica: suena One more time y los faraones robóticos son Thomas Bangalther y Guy-Manuel de Homem-Christo o, para no eliminar el misticismo de sus alter-egos: Daft Punk. El show Alive explotaba con éxitos de todos sus trabajos anteriores, remezclados y combinados de formas inesperadas y con algunos tweaks que revalorizaban a sus temas de siempre. Luces, imágenes y música configuran un deleite para los sentidos. La gente, frenética.

Era el año 2006, un año luego desde su último lanzamiento discográfico. El osciloscopio marcaba el punto más alto de la onda para el dúo francés. Luego, por bastante tiempo, un velo de silencio y misterio envolvió a los robots. Su ocultismo dejaba algunas expectativas de una nueva reaparición, pero progresivamente las esperanzas de volver a escucharlos se iban desdibujando. La pirámide de luz que alguna vez hizo estremecer a muchos era el último recuerdo de aquel imperio musical.

Fabricando un ícono pop

Si hay algo que el anonimato de Internet permite es la proliferación de rumores. Toda verdad potencial es verdad hasta que se confirme lo contrario. Y con grandes nombres como Daft Punk, los rumores no pasan desapercibidos.

Durante su desaparición del ambiente musical, no era extraño encontrar en la web algún “supuesto” nuevo material filtrado o la fecha de una “supuesta” próxima gira. Estos rumores pululaban por la red ganando cierta viralidad under que mantenían expectantes a varios por un rato, pero que luego era arrastrada hacia el olvido por la misma marea digital que les dio origen. Con el tiempo, resultaba fácil para el oído experimentado detectar y desechar estos fakes. Sin embargo, su mera existencia ya era suficiente para denotar que los muchachos de cabezas robóticas seguían presentes, al menos en el inconsciente de sus seguidores, quienes
materializaban pistas en su nombre quizá intentando ganar sus cinco minutos de fama en internet o tal vez a modo de respetuoso homenaje, casi como diciendo “Volvé Daft Punk!”.

Pasaron más de ocho años desde su último álbum Human after all, seis desde su no-
tan-popular aparición en el film Electroma y tres desde su iniciativa —creativamente
obstaculizada- de crear el soundtrack de Tron y, de paso, de realizar un cameo en esa misma película. Adidas los convocó para aparecer en una campaña publicitaria de Star Wars en el 2010. También habían sido la cara del videojuego DJ Hero (2009), pero de alguna forma, su imagen reciclada y el loop eterno de los viejos temas no satisfacían totalmente a un público que le era fiel. Aun así, de alguna forma, el dúo se las rebuscaba para seguir siempre presentes con apariciones muy efímeras, dejando a miles de fans con ganas de más.

Todo parecía indicar que estos muchachos se había hundido en su propia fama y ya habían tenido suficiente, quizá no les interesaba desmoronar la imagen mitológica y misteriosa que habían logrado construir con el tiempo, o quizá simplemente se quedaron sin ideas. Cualquier cosa podía ser; de cualquier manera, ya se habían convertido en un referente de la cultura Pop.

Insinuar antes que mostrar

Cierto día, un link aleatorio en internet me dirigió a un sitio (www.infinitedaftpunkloop.com)
que sólo mostraba un casco mitad dorado, mitad plateado, sobre un fondo negro (“Lindo fan
art…” —pensaba yo- “Prolijo.”) y repetía sin fin un loop muy funky (“Lindo sample” —pensé
también- “Acertado hallazgo.”) que no era Daft Punk, pero de alguna manera intentaba serlo.

Esta especie de altar virtual homenajeaba al dúo, mientras mi —hasta entonces- certero
criterio y escepticismo me inclinaban a pensar que se trataba de otra de esas desesperadas
muestras públicas de afecto un fan para “pedirle” a la banda su regreso. Pero algo en ese loop
sonaba demasiado bien, ¿era un viejo tema inédito?, ¿un loop inconcluso?, ¿un tema de algún
DJ aun sin fama que quería darse a conocer?

El sample de siete segundos era fresco, funky, cristalino y perfectamente sincronizado. Se
había instalado en mi cerebro y pasaba largos minutos y varios días escuchándolo (“acá hay
algo raro”, pensé). Raro pero bueno.

Días más tarde, llegó la noticia: Saturday Night Live, un show en vivo de gran audiencia en
Estados Unidos, mostró un corto spot de 16 segundos hacía sonar ese mismo bucle, mientras
lentamente develaba un brillante logo metálico… ¡de Daft Punk!

Nunca me dio tanto gusto equivocarme: “Son ellos, nomás…”

Semanas más tarde, un segundo spot en SNL reforzaba su regreso con una nueva porción de
sonido, esta vez con voces robóticas que pronunciaban unas sílabas indescifrables, pero que
definitivamente invitaban a bailar. Parecía mentira, pero esos pocos segundos de publicidad
eran suficientes para darnos a entender que estos muchachos se venían con algo realmente
nuevo. Estaba claro que Daft Punk reconocía no sólo el valor comunicacional de internet, sino
el potencial del hype en las redes sociales. Y lo estaba sabiendo explotar.

La serie The Collaborators (subida eventualmente a su web oficial) mostraba entrevistas
de personas que aportaron al proyecto y nos iban introduciendo en el concepto de este
nuevo álbum. El primero en aparecer fue Giorgio Moroder (uno de los pioneros de la
música electrónica en los 70). George nos recuerda cómo era la música electrónica en una época en la que todavía no estaba establecida y cómo los Thomas y Guy-Manuel quieren volver a esos orígenes.

De a poco, Daft Punk nos iba insinuando el concepto de su nuevo álbum: Random Access
Memories. Un video capturado por un fan en el festival Coachella develó a Nile Rodgers
(productor y guitarrista de Chic, trabajó con Madonna y David Bowie entre otros grandes)
y a Pharrell Williams (líder de N.E.R.D.) como voz principal de Get Lucky, el tema corte del
disco (¡al fin entiendo lo que cantaban los robots!). El single ya fue lanzado a la venta con
inmenso éxito y rompiendo récords al lograr el primer puesto del UK chart.

El nuevo álbum trae consigo una poderosa campaña publicitaria. Desde los spots televisivos
hasta los instrumentos de acrílico transparentes (vistos en el video de Get Lucky), hasta los
extravagantes trajes de lentejuelas diseñados con el sello de Yves Saint Laurent.

Detalles como los destellos en el video o el texto manuscrito de Random Access Memories
mezclan lo mejor de una época musicalmente rica, quizá algún video de un recital de ABBA o
el arte de un vinilo de Michael Jackson.

Pero además de lo publicitario, también se armaron de un gran escuadrón de talentos:
Además de Pharrell y Rodgers, están Giorgio Moroder, Julián Casablancas (líder de The
Strokes), Panda Bear, Chili Gonzáles, Todd Edwards (responsable de la voz de Face to
Face, en Discovery), Paul Williams y el francés DJ Falcon. Con este equipo, es fácil elevar las expectativas y la curiosidad de ver a qué destino musical
lograron arribar.

Memorias de acceso aleatorio

Soy de esos a los que le gusta pensar que la música electrónica, y sobre todo la de Daft Punk,
tiene sus raíces en esa deliciosa época de experimentación surgida a finales de los 70 durante
ese tramo final de auge Disco: funk, soul, líneas de bajo juguetonas, coros dulces, celebración, afros y bolas de espejo. Y a principios los 80 con las tecnologías musicales incipientes y los nuevos ritmos, tecnificados, robotizados. El vocoder, los synth, los secuenciadores, neón, pantalones ajustados y personajes andróginos.

Kraftwerk, Vangelis, Jean-Michel Jarre, y más tarde Human League o Pet Shop Boys,
son algunos ejemplos de exitosa integración con lo electrónico. Era una dimensión musical
inexplorada. Requería talento y maña para aprovechar creativamente lo que la tecnología
musical podía ofrecer en ese momento. La música arrastraba el sentimiento disco y
fundiéndolo con nuevos sonidos y formas de composición. Esta relación hombre-máquina es
aquello a lo que Daft Punk quiere volver. Esta vez, enfatizando la característica humana.

Según palabras de The Collaborators, la música electrónica de hoy está perdiendo su
identidad. La última década, el género se fue volviendo progresivamente más mainstream y
eso llevó la música a caer en lo predecible. Según los franceses, se ha perdido la inspiración.

Maduros, precisos; dejan atrás el estilo duro e hipnótico de Homework (1997) o más techno
de Human after all (2004) quizá volcándose un poco al humor más ecléctico, cálido y
sentimental de Discovery (2001), que no por nada ha sido su trabajo más exitoso. Es así que el
concepto que articula al nuevo álbum es un proyecto algo ambicioso: devolverle “el alma” a la
música electrónica, ¿herramienta publicitaria o meta romántica? Veremos.

Random Access Memories (Memorias de acceso aleatorio) hace un genial juego de palabras

(Memoria RAM) que vincula al mundo de las computadoras con el de las emociones humanas y, al mismo tiempo, con recuerdos del pasado (de ahí, “Memorias”). Es la perfecta síntesis para enmarcar la idea generadora del dúo: Robots con corazón humano recuperando elementos valiosos de un pasado musical no muy lejano y que nos arrastra de nuevo al calor de la discoteca.

Hasta ahora, Get lucky cumple la expectativa: es un tema ligero, fresco e invita a moverse. Es placentero ver cómo la banda logró combinar lo pop melódico con el funk y su característico sampling robótico. Consiguieron algo inclasificable y, por lo general, eso es bueno.

Daft Punk de nuevo está en boca de todos, incluso de gente que no tenía idea de quién
demonios es Daft Punk. La banda se está reinventando o, al menos, eso nos están haciendo
creer.

“No todo lo que brilla es oro”. Sólo queda esperar al 19 de Mayo, fecha de lanzamiento oficial
del disco, para confirmar si estamos ante un nuevo clásico o sólo a espejitos de colores.

Esperemos tener suerte.

El tipo de entretenimiento que plantean hace saber que los jóvenes crecieron y tienen el carácter y solvencia para presentar un radical cambio en la dirección estética de su trabajo. Igualmente siguen queriendo ser cools, en Bankrupt! usan la misma consola que Michael Jackson usara en el disco Thriller.

Todo Bankrupt! es fiel a las declaraciones de Thomas Mars: “el cerebro quiere referencias, estamos haciendo lo contrario”. Lo contrario incluye un diseño que subordina las guitarras a la percusión y el synth; dirigentes minuciosos, ruidosos, pero precisos y reflexivos, dando paso a lo experimental y discontinuo como únicos referentes sonoros válidos.

Los Phoenix son Christian Mazzalai, Thomas Mars (voz) , Laurent Brancowitz y Deck d’Arcy.

Tal el caso del track que titula el álbum. Siete intensos minutos relucen un atrapante synth que crescendo copa el ambiente para lentamente cobijar la voz de Mars. Protagónica ya en el final, corrobora la frescura de la composición, que marcha y concluye tan desprevenidamente como comenzó. Bankrupt, fantástica.

El uso de la percusión, los synth y el juego de fades y bucles enraízan un núcleo desde el cual Phoenix alza nuevos recursos para presentar sonidos que pueden parecer heredados del New Wave, los 70’s y 80’s. Como el teclado japonés de Entertainment, primer single del disco, escandalosa y cargada  pero bailable y renovada creación.

El rito se repite, desde la brillosa S.O.S. in Bel Air que funciona como una declaración VIP de amor, hasta el estridente estribillo en The Real Thing y la dulcemente vacía Chloroform.

Trying to Be Cool es, lírica y musicalmente la más transparente, una suerte de autocrítica elegante a pesar de sonar arrebatada en la instantánea melodía que le resolvieron.

Phoenix categóricamente hace pie sobre un firme terreno desde el cual desdobla sus dotes de reinvención: la dirección viró sorpresivamente con Bankrupt! como nunca antes lo había hecho. Y aunque el camino no parece del todo claro las influencias son audibles. Más allá de eso, la apuesta a la disrupción, a la discontinuidad, es el gran valor del álbum. Si logran ser cools dependerá de valoraciones personales, por aquí lograron un adictivo replay al disco, y eso ya más que suficiente.

Lo heterogéneo, esa propiedad distintiva del Pop que genera no sólo controversias sino grandes amores, resurge aquí explayándose en el electro, el funk y punk. Es el rap el conector, pero uno ejecutado como rasgueo vocal, dúctil, aportante de dinamismo y frescura.

¿Por qué optaron llamar este nuevo álbum The Waldorf Hotel? ¿En qué se inspiraron?

Nos encontramos con una cantidad importante de temas, cada uno muy distinto al otro, cada uno proveniente de algún capricho nuestro. Todos los temas tenían un porqué distinto. Cada uno de ellos venía con una historia diferente ¿qué los unía? Entonces pensamos que todas esas historias y personajes debían convivir en algún plano físico, un hotel alberga lo heterogéneo y nos permitía jugar con ese micro universo, con elementos encantadores de hotel: Noches, descanso, trampa… pasión.

Desde siempre nos imaginamos tocando en el restaurante del ex Waldorf Hotel… con sus mozos salidos de películas de Porcel y Olmedo… pero lo demolieron antes… esto también es un poco un homenaje a ese gran hotel lleno de misterios y leyendas.

Luego de la Recepción, este hotel presenta Johnny Ranking, tres minutos de potencia y falsetes entretenidos enlazados por el funk. Mi habitación favorita de este hotel es Brillan, una melancólica escena electro pop que proclama el deseo de “visitar todos los arboles de la tierra”. Por espontánea e ingenua Corazones Rotos sobresale así como Los Momos por lo adherente de su melodía y lo reactivo de su letra.

Más compleja en lo musical y más rockera se presenta Sin Deseos – El Tiempo, los magenta exponen en diferido su mensaje: en el Hotel la acústica exquisita suena al rezo de “un día soy rock, al otro carpintero”.

¿Cómo fue hacer un segundo álbum? ¿Qué evolución notaron en ustedes y cuánto tiempo tardó en crearse?

Hay algo que define a los magenta que es el “capricho” de hacer las cosas, no por una cuestión caprichosa, sino porque hay una despreocupación por del qué dirán. En ese contexto ya no nos sentimos presionados en hacer un genero pop, electro rap o lo que sea. En este contexto nos sentimos libres al 100%. Ahí fueron saliendo, una a una las canciones del disco. Sin un orden, sin planificación. Algunas canciones se hicieron mucho antes de que naciera bajale, otras se hicieron 100% en el estudio.

Este disco es parte del sendero creativo a lo que estamos buscando como músicos. Ahora que lo vivimos, podríamos decir que es nuestra adolescencia tardía, en cambio, “Chamuyo” era nuestra pubertad. Ya vendrá seguramente nuestra juventud y madurez inmadura. El disco lo grabamos entre octubre 2012 y enero 2013. Desde enero se viene mezclando.

Los cuartos cortos del Hotel -de 30 segundos promedio- están bien resueltos y suenan atractivos: acústica y cálida Desayuno, enérgica y pícara en lo lírico Mucama y 7 días y 8 Noches donde ácidos afirman “me tengo que callar para escucharme desde aquí”.

En el último cuarto de este hotel – la terraza- podría sonar Gente Incorrecta. Bailable y solariega bajo cierta destreza lírica, los magenta cantan “somos gente incorrecta … no somos recomendables”. Luego de disfrutar un buen rato en su Hotel Waldorf yo opto por no hacerles caso, serán incorrectos, pero ese es el otro atributo que los hace más que recomendables.

¿Siguen pensando crear hits veraniegos? ¿Continua el espíritu magentoso?

En este disco empezamos a jugar con muchos géneros distintos, la gente se va a poder encontrar con pop, electro, rock, rap, funk, algo dark, algo punk y más, y todo esto sin dejar de ser bajale al magenta. Sobre los hits, siempre Sí, somos una banda “pop” y buscar el hit es la idea, pero tampoco algo que nos quite el sueño, hacemos la música que nos gusta y buscamos llegar a la mayor cantidad de gente posible.

Descargar en BajaleAlMagenta.com.ar

Red Bull Music Academy, realizó un documental de seis capítulos, en donde, a través del testimonio de músicos, bloggers, periodistas y productores debate acerca de la influencia de la tecnología en los sonidos y estilos musicales, en la distribución y posicionamiento, en los formatos y en la calidad.

Bajo el nombre de # HΔSHTAG $, se agrupan los seis episodios que componen el debate en torno a los cambios en la manera de producir y consumir música. Está denominación no es casual, ya que a través del documental, los artistas señalan cómo se sienten acerca de las etiquetas (hash) y el significado cultural que obtienen ante su exposición en la web.

Así, el primer episodio es Don’t Call It #AltRnB. Cuenta con la participación de los periodistas y bloggers Melissa Bradshaw (The Quietus), Eric Kirtle (Indie R&B) y Alex Macpherson (The Guardian), además de artistas como Miguel, How to Dress Well, el productor de electrónica Jeremy ‘Zodiac’ Rose, la cantante Rochelle Jordania, su productor KLSH y BadBadNotGood.

Todos ellos echan un vistazo sobre el renacimiento actual del R&B contemporáneo para responder a los interrogantes sobre cómo ha inspirado e influenciado Internet a esta nueva generación de músicos, productores, cantantes y cómo los nuevos medios aceleran las denominaciones de los estilos musicales.

Le sigue Don’t Call It #PostDubstep, para analizar el bass/garage/continuum dubstep y el papel de la web en su maduración y alcance global. Mount Kimbie, Bondax, Sepalcure y Deadboy reflexionan al respecto, como así también los creadores de Soundcloud y Boiler Room. Sus protagonistas hablan de la facilidad para obtener contactos, divulgación y encontrar puntos en común con otros, pero destacan que lo realmente importante es la vida real y poder dar ese salto de Internet al mundo físico.

Don’t Call It #CloudRap, es el nombre para la tercera parte de HΔSHTAG $. En esta oportunidad el foco está en el hip hop del sur de Estados Unidos, y el nacimiento en Internet de esta micro-cultura denominada Cloud Rap. Además de ser un tipo de música de una estética y producción específica,  se caracteriza por su método de distribución, que es -por sobre todo- libre. Las figuras que hablan son Main Attrakionz, Flatbush Zombies, Robb Banks, SpaceGhostPurrp and Piff Gang, y el periodista y blogger Femi Obasaju de Okayplayer.

Flying Lotus, TNGHT, The Gaslamp Killer, Shlohmo y XXYYXX; son quienes intentaran reseñar como un evento en un pequeño club nocturno de L.A, más un círculo de amigos puede terminar por transformarse y evolucionar en un fenómeno global, tanto para la música electrónica, como para el hip hop. La diferencia entre un beat y una canción, es una de las aristas sobre las que reflexiona el cuarto episodio Don’t Call It #Beats.

En el quinto y penúltimo fragmento de HΔSHTAG $, la problemática ronda en torno a Tumblr. Esta red de microblogging además de brindar espacio a artistas como Le1f, Kilo Kish, Zombelle y Ultrademon, es apreciada por la manera en que uno puede expresarse y hacer contactos. En Don’t Call It #Tumblrwave, además de los mencionados, hablan Milly McMahon de i-D Magazine y Nate Auerbach de Tumblr.

Cómo suele pasar, para el final Red Bull Music Academy, deja el tema más interesante: ¿Qué pasa con el viejo concepto de pop en esta nueva era digital? Bajo el título Don’t Call It #BlogPop, el cierre del documental habla acerca de las infinitas oportunidades que brinda la red tanto a artistas como productores. El surgimiento de una estrella pop, ya no depende de las grandes industrias musicales.

Otros factores (que antes no se tenían en cuenta) influyen en su popularidad, SoundCloud, iTunes, Youtube, son los nuevos espacios en donde se miden los artistas. Las voces de AlunaGeorge, Charli XCX, Katy B, Teengirl Fantasy, y la periodista Ruth Saxelby de Dummy, opinan en el final de HΔSHTAG $.

Otra mirada acerca de lo pasa con la música, los artistas e Internet. Un fenómeno que desde hace tiempo se viene consolidando y cambiando las pautas de consumo, distribución, denominación. La oferta es inagotable y los límites son cada vez más invisibles. La cultura musical contemporánea se nutre del intercambio, de poder mostrar y a la vez consumir, de interactuar y trabajar con la inmensa cantidad de herramientas que la web ofrece.

Discos del Bosque se convierte en un medio que proporciona música de la buena y querida por todos. El cordobés Juan Ingaramo es otro de sus miembros y a principio de mes salió su primer álbum solista, Pop Nacional. Su realización tardó aproximadamente 9 meses, exactamente el mismo tiempo de gestación. Con solo 26 años, tiene una movida musical muy abarcadora, conocelo un poco más en esta nota.

Actualmente, Juan Ingaramo pasa sus días viviendo en Buenos Aires y toca junto a Litto Nebia en su grupo Aire Fresco. Su motivo de mudanza no fue porque Córdoba tuviera poco para ofrecerle sino que fue ida de él y la banda que tenía en su momento. Soñaban con destinos lejanos como México pero terminaron en la capital argentina. Sus objetivos principales era buscar otra realidad para vivir, con diferentes estímulos y donde lo único que tuvieran para hacer, fuera música y así fue.

Su relación con la música viene desde sus primeros pasos. Creció en un ambiente plenamente musical e intenso ya que su padre, tío y abuelo son músicos. Primero lo sedujo la guitarra, la tocó durante varios años hasta que llego su amor verdadero, la batería. Con ella, se desarrollo como músico, estudiando, llegando a tocar y compartiendo escenarios con Litto Nebbia, Gonzalo Aloras, Leo García, Rayos Láser, Daniela Spalla, entre otros. El tiempo pasaba y su necesidad musical trascendió los tambores y giró hacia la composición y producción, mientras incorporaba el piano a sus conocimientos.

¿Cómo viviste la experiencia de tocar junto a Litto Nebbia?

Estar cerca de Nebbia es muy importante para nuestra generación que justamente está encargada de renovar la tradición, ya que creo justamente que la tradición no es la herencia de los patrones culturales, sino la capacidad misma de esa sociedad para renovarla. Litto, a quien se le atribuye la paternidad del rock nacional, es un tipo de quien aprendo mucho, abierto, sensible, cuya obra no sale de otro lado que del corazón y que me vuelve un ser privilegiado al compartirla conmigo.

Al momento de nombrar sus influencias, Juan logra advertir que son demasiadas, “alguna vez me gustaría escribir todas para saber cuántas hojas ocupa”. Entre las existentes de aquel listado, se encuentran la música clásica, el cuarteto, hip hop, tango, hardcore, folclore y la bossa nova, entre otros. “Y no es por hacerme el ecléctico: realmente puedo disfrutar de muchas cosas distintas y sentir que éstas condicionan mi forma de escribir.”

Es notable su relación con el cuarteto al haber grabado un cover de la canción La Huella de La Mona Jiménez, el mayor exponente del cuarteto e icono local, que superó las 3000 views en Youtube. Esta versión es acompañada por dulces acordes que dan lugar a disfrutar la buena lírica de Carlitos Jiménez.

¿En qué te inspiras para componer?

Creo que el devenir mismo de estar vivo es el que te lleva a sentarte con el instrumento y empezar a crear algo que hasta ese momento no existía. No puedo delimitar momentos o cosas que sí me inspiran, y otros que no. Es una posibilidad que siempre está presente. Podría decirse que es una forma de vivir.

Al formar parte de Discos del Bosque, cuenta que permanecer a ese círculo musical es un privilegio cargado de un constante entusiasmo por crecer artísticamente, al estar rodeado de personas a quienes admira y hacen que también su motor de vueltas. “Es un nido de amor mutuo que no tiene techo y que puede ser la plataforma de cosas realmente grandes” cuenta.

¿Cómo definís tu estado pop?

Mi estado Pop se remite a mi compromiso con la canción para todos, la que suena en la radio, la que cantan los pibes en la primaria, la que se escucha en el taxi, en el boliche, hasta en el fogón, la que puede gustarle a la madre y también a la hija. Si hay una música importante para el habla hispana es justamente la que se hizo acá en Argentina, asique un poco la idea fue re-significar el género pop mezclándolo con tintes de tradición cancionera argentina, radio, y depuración en el audio.

Soñando en grande, ¿cómo te ves de acá a 10 años?

De acá a 10 años me veo canoso y haciendo lo que amo, rodeado de músicos felices cuyas obras serán clave del ADN cultural en tiempos que se nos vienen. Los principios de siglo siempre han sido confusos y turbulentos, sobre todo a nivel artístico. Y ese principio se está terminando, algo grande se vaticina. ¡Ojalá pase cerca nuestro!

Su álbum debut, Pop Nacional, cuenta con 11 canciones de letra simple y divertida. La mayoría de los tracks son sobre el amor modelándolo desde distintos puntos de vista, que se ven entrelazadas con melodías pegadizas y hasta algunas te darán ganas de ponerte de pie y bailar. El amor de una vez, Tres chicas, Canto, Melopea, Te estas perdiendo y Pisar el Freno, son canciones que merecen un play y también estar en tu celular, Ipod, Mp3, o lo que uses para escuchar música e ir de acá para allá.

Sonrisas y risas aparecerán en tu rostro: “Hoy lo postearon tus primas, tu viejo lo quiere silbar, suena un teléfono en el subte, ya lo entendiste, empeza a cantar” advierte el joven Ingaramo en la canción Este tiempo, y te aseguro que lo vas a tener que cantar, me ha pasado. Auto-encasillándose en el pop, Juan junta su voz con melodías que te harán bailar y vas a querer que sus canciones suenen en todos lados.

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